O que é fotografia artística.
Hoje, nenhum de nós duvida do fato de que a fotografia artística é uma arte que reflete a visão criativa do fotógrafo como artista. No entanto, mesmo no início do desenvolvimento da fotografia por várias décadas, havia uma questão aguda de saber se a fotografia pode ser atribuída à arte ou simplesmente nada mais do que um meio de capturar e transmitir informações sobre o mundo ao nosso redor.
Durante muitos anos foi preciso que a fotografia conquistasse o seu lugar no mundo das artes, a par da escultura, do cinema, da pintura e do teatro. Mas agora qualquer fotógrafo pode expressar sua atitude em relação ao mundo e aos fenômenos por meio de meios de fotografia como ângulo, cor ou a escolha do momento da filmagem.
Quando surgiram as primeiras impressões fotográficas, ninguém levava a fotografia a sério. Ela era considerada apenas um simples mimo e brincadeira de criança para um círculo limitado de pessoas. Nos primeiros anos após o seu surgimento, a fotografia, por limitações técnicas, não podia reivindicar nem documental, nem qualquer valor artístico, nem liberdade de soluções de iluminação e visão criativa do fotógrafo.
No século 19, acreditava-se amplamente que apenas uma obra feita à mão poderia ser classificada como arte. Conseqüentemente, as impressões fotográficas, obtidas por meio de vários métodos físicos e químicos, simplesmente não podiam reivindicar o status de arte. Mesmo que a primeira geração de fotógrafos já tentasse animar um pouco a composição de suas fotos com algumas técnicas e abordagens interessantes, a fotografia continuou a ser uma bugiganga engraçada aos olhos da opinião pública.
A fotografia era considerada pelos críticos da época apenas como uma cópia mecânica da realidade, capaz de ser apenas uma aparência de pintura artística. Até as décadas de 1920 e 1930, artigos e publicações consideravam seriamente a questão de saber se a fotografia é uma arte ou apenas uma habilidade prática aplicada, onde a técnica desempenha um papel fundamental, e não o próprio fotógrafo.
Existem vários períodos no desenvolvimento da fotografia como arte. Mesmo no início do desenvolvimento da fotografia, ela não era muito diferente da pintura, ou seja, os fotógrafos tentavam usar técnicas de pintura na fotografia. Eles filmaram principalmente objetos monumentais e imóveis. Essas primeiras impressões fotográficas pertenciam ao gênero retrato ou paisagem. Além disso, devido ao surgimento da indústria jornalística no século XIX, a fotografia ocupou o nicho de simples prova documental de determinados acontecimentos. Podemos dizer que naquela época não havia dúvida sobre a expressividade e a arte da fotografia. Quando a fotografia realmente se tornou arte?
Provavelmente nenhuma data exata pode ser dada. Mas os historiadores da fotografia notam por si mesmos um evento significativo que aconteceu em 1856. Então o sueco Oscar G. Reilander fez uma impressão combinada única de trinta diferentes negativos retocados. Sua fotografia, intitulada “Two Roads of Life”, parecia descrever uma antiga saga sobre a entrada de dois jovens na vida. Um dos personagens principais da foto se volta para várias virtudes, misericórdia, religião e artesanato, enquanto o outro, ao contrário, gosta de encantos pecaminosos da vida como jogatina, vinho e imoralidade. Esta fotografia alegórica tornou-se instantaneamente amplamente conhecida. E após a exposição em Manchester, a própria Rainha Vitória adquiriu a fotografia de Reilander para a coleção do Príncipe Albert.
Esta fotografia combinada pode ser justamente atribuída a um dos primeiros trabalhos independentes relacionados à fotografia. A abordagem criativa de Oscar G. Reilander baseou-se, é claro, na educação em história da arte clássica que recebeu na Academia Romana. No futuro, várias experiências com fotomontagem, e com o desenvolvimento de dupla exposição, e com impressionante fotografia de múltiplas exposições estão associadas ao seu nome.
Continuação do caso Reilander artista talentoso e o fotógrafo Henry Peach Robinson, que ficou famoso por sua foto composta "Leaving", feita de cinco negativos. Esta fotografia artística era de uma menina morrendo em uma cadeira, sobre a qual sua irmã e sua mãe estão tristes, enquanto seu pai olha para dentro. janela aberta. A imagem "Leaving" foi criticada por distorcer a verdade, mas, mesmo assim, ganhou grande popularidade. Foi imediatamente adquirido pela corte real inglesa, e o príncipe herdeiro até deu a Robinson um pedido permanente para uma impressão de qualquer fotografia desse tipo.
"Saindo". G. P. Robinson O próprio Robinson tornou-se o principal expoente da chamada fotografia pictórica na Inglaterra e na Europa. Essa direção da arte fotográfica ocupou uma posição dominante na fotografia até a primeira década do século XX. Muitos efeitos e técnicas pictóricas foram usados na fotografia pictórica.
Devo dizer que a fotografia não conseguiu sair da "sombra" da pintura por muito tempo. No entanto, o desenvolvimento da fotografia como arte independente no início do século passado foi amplamente facilitado por exposições regulares, onde, juntamente com fotos simples e bonitas, o espectador podia ver fotos interessantes que merecem o título de “obra de arte”. Um dos primeiros tal exposições internacionais havia uma galeria de fotografia com um nome modesto 291, que foi inaugurado por Alfred Stieglitz em 1905 em Nova York. Esta foi uma verdadeira exposição de arte contemporânea, onde os nomes artista famoso ficou na mesma fila com os fotógrafos.
Com o início das décadas de 1920 e 1930, inicia-se um novo período na fotografia, diretamente relacionado à produção em massa de jornais e revistas. A fotografia muda seu estilo em favor da fotografia documental e de reportagem. Realização documental e artística gradualmente entrelaçada na fotografia em um todo único. Surgiu uma nova geração de fotógrafos que, através da reportagem e da fotografia documental, fizeram diariamente a história do seu país e do mundo inteiro. Neste período, a expressividade artística com uma componente ideológica e social esteve intimamente ligada à fotografia.
A fotografia torna-se portadora de alguma verdade histórica, um reflexo de eventos reais. Não sem razão, nas décadas de 1920 e 1930, vários pôsteres, álbuns de fotos e revistas eram de particular valor. Foi durante esses anos que começaram a surgir comunidades e sociedades de fotoartistas, que buscavam fazer da fotografia uma forma de arte autossuficiente.
Em nosso país, porém, esses processos positivos foram realmente congelados no final da década de 1930. Cortina de Ferro por muito tempo isolou a fotografia nacional das tendências da vida artística internacional. Fotógrafos soviéticos talentosos foram forçados a lidar apenas com reportagens fotográficas realistas socialistas. Durante a Segunda Guerra Mundial, muitos deles visitaram as frentes de batalha e puderam registrar em filme os momentos memoráveis da grande vitória.
Nas décadas de 1960 e 1970, as fotografias voltaram a ser consideradas obras de arte independentes. Esta é a era do fotorrealismo e experimentos ousados com várias tecnologias fotográficas e técnicas artísticas. A partir desse período, todas as áreas da fotografia, que estavam na periferia da atenção do público, finalmente receberam o direito de serem apresentadas como um valor artístico independente na arte. Novos gêneros de fotografia estão surgindo, nos quais a intenção do autor e a visão criativa do fotógrafo se tornam o momento chave. Fotógrafos famosos da época em suas obras de arte começaram a abordar questões sociais icônicas como desigualdade social, pobreza, exploração do trabalho infantil e muitos outros.
Devemos outra revolução na fotografia à transição do filme para as câmeras digitais. O formato da imagem digital permitiu que os fotógrafos se afastassem de simplesmente espelhar a realidade ao seu redor. Com o advento das câmeras digitais, computadores e editores gráficos o fotógrafo teve a oportunidade de transformar suas imagens de forma que o espectador tivesse a oportunidade de conhecer a visão criativa do criador da imagem e mergulhar em seu mundo irreal. Embora a fotografia tenha se tornado um fenômeno de massa hoje em dia, a seletividade e uma “visão” pessoal especial ainda são importantes para a fotografia como arte, permitindo que uma pessoa crie uma verdadeira obra de arte usando meios fotográficos.
Apesar do fato de que uma câmera digital pode tirar várias centenas de fotos em questão de minutos, é claro que nem todos os quadros podem ser classificados como artísticos. Um fotógrafo moderno expressa sua visão de mundo ou a intenção do autor por meio de um escorço, um hábil jogo de luz e sombra, uma escolha refinada do momento de filmagem e outras técnicas. Assim, no centro da fotografia ainda está o fotógrafo, não o técnico. Só uma pessoa é capaz de colocar um pedaço de seu mundo interior na imagem para que a imagem seja “repleta” de novas emoções e revele o talento do próprio fotógrafo.
Kurichev Andrey
O trabalho educacional e de pesquisa foi escrito como parte do estudo adicional da arte contemporânea. O tema é muito interessante para esta idade. O aluno tentou explorar em seu nível a história do surgimento de um tipo de arte plástica como a "fotografia". Um adolescente responde a perguntas como “A fotografia reflete a realidade de forma objetiva? A fotografia é arte? E por que as belas artes não deixaram de existir após o advento da fotografia? O aluno apresentou seu projeto, bem como resultados interessantes de um estudo com adolescentes sobre o tema, foi feita uma análise.
A obra é de fácil leitura e interessante, o material é estruturado e apresentado de forma lógica. O aluno enfatizou a relevância do tema, definiu claramente as metas e os objetivos do estudo.
Os principais aspectos positivos do trabalho são:
- Um olhar sobre a fotografia como uma forma de arte do ponto de vista de um adolescente.
- A aquisição pelos alunos do conhecimento necessário sobre questões de seu interesse, o desenvolvimento de seu próprio pensamento e maior auto-aperfeiçoamento.
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Instituição de ensino orçamentária municipal
média escola compreensiva nº 10 Pavlovo
Departamento - Humanitário
Seção - história da arte
Trabalho feito:
Kurichev Andrey, 15 anos
aluno 9 turma "B"
Consultor científico: Shitova Olga Konstantinovna,
professor do mundo cultura artística
Pavlovo
fevereiro de 2015
- Manutenção………………………………………………………………………..3
- Parte principal……………………………………………………… .4-12
"A fotografia é uma arte?"
- Nascimento e significado da fotografia………………………………. ….4-6
- A fotografia reflete a realidade objetivamente?……………………………………………….. …………7-8
- A fotografia é arte? E por que as artes plásticas não deixaram de existir após o advento da fotografia? ..............…….8-9
- Pesquisa…………………………………………………………………10-12
- Conclusão. Conclusões…………………………………………………..12
- Literatura…………………………………………………………………13
- Introdução
Hoje em dia, tudo existe para o bem da
para finalizar com uma foto.
A fotografia mumifica o tempo.
Henrique Bazin
Acho que ao contrário das artes tradicionais foto tem aplicações práticas. É útil em muitas áreas da vida humana: na ciência, no processo educacional, na perícia (fotografia de cenas de crime, evidências deixadas para trás, etc.), no negócio de publicidade, em carteiras de identidade, em design, etc. E se sim, entãoa fotografia é uma arte?
Alvo:
Descubra se a fotografia é uma forma de arte?
Tarefas:
- Aprenda a história do nascimento e o significado da fotografia.
- Descubra se a foto reflete a realidade de forma objetiva?
- Descubra por que, após o advento da fotografia, as belas artes não deixaram de existir?
Minha hipótese:
A fotografia é um conceito mais amplo do que a arte fotográfica: nem tudo o que é filmado em uma câmera (assim como em uma filmadora) será arte.
Métodos de pesquisa
2. Corpo principal
2.1. O nascimento e o significado da fotografia
A palavra "fotografia" é traduzida do grego como "pintura de luz". A luz é o principal elemento de criação de imagens na fotografia. As origens da técnica fotográfica estão em um fenômeno óptico conhecido desde a antiguidade: se um feixe de luz entra em um pequeno orifício em uma câmera escura (lat. "quarto escuro"), uma imagem invertida de objetos iluminados sob a câmera aparecerá no a parede oposta.
A primeira pessoa a capturar uma imagem real foi Nicéphore Niépce. Aconteceu na década de 20 do século XIX. Alguns anos depois dos experimentos. Aconteceu na década de 20 do século XIX. Alguns anos depois dos experimentos de Niepce, Louis Jacques Daguerre obteve uma imagem fotográfica usando uma fina placa de cobre coberta com uma camada de prata em um cassete. Essas placas são chamadas de daguerreótipos. Em 1839, a Academia Francesa de Ciências reconheceu os méritos de Daguerre e fez da descoberta do cientista francês propriedade da humanidade.
1839 é o ano oficial do nascimento da fotografia.
Os daguerreótipos eram cópias únicas, ou seja, era impossível fazer cópias deles, e a fotografia, como você sabe, se divide em duas operações - obter um negativo e fazer um positivo. A técnica para fazer um negativo foi descoberta por Fox Tabol em 1840.
De lá para cá muita coisa mudou: surgiram os filmes, desenvolveram-se as tecnologias para fazer fotografias coloridas e, não faz muito tempo, surgiu a impressão digital, baseada em tecnologia eletrônica que converte uma imagem óptica em sinal elétrico.
O nascimento da fotografia não pode ser explicado apenas pelo desenvolvimento da tecnologia.
30-40 anos do século 19 marcam o nascimento de uma direção na arte como realismo crítico. Um dos postulados do realismo pode ser formulado da seguinte forma: todo princípio humano é absoluto. O fato de cada pessoa ter sua própria fotografia (mesmo que apenas no passaporte) prova que cada um de nós é igual ao outro na realidade da vida. A fotografia afirma nosso envolvimento na vida e na eternidade.
Em obras de realismo vida humana tratado em contexto histórico(o herói é sempre dado em relação à época).
Atenção ao cotidiano, aos detalhes - tudo isso caracteriza tanto um trabalho realista quanto a fotografia.
A fotografia é a guardiã do passado: estudamos épocas históricas, vida familiar e assim por diante. por fotografias. R. Arnheim formulou as propriedades genéricas da fotografia da seguinte forma: “Inextricavelmente ligada à natureza física da paisagem e dos assentamentos humanos, com animais e humanos, com nossas façanhas, sofrimentos e alegrias, a fotografia é dotada do privilégio de ajudar uma pessoa a estudar a si mesmo. Expanda e preserve sua experiência, troque mensagens vitais ... ”(Arnheim R. Novos ensaios sobre a psicologia da arte. - M., 1994, p. 132).
2.2. A fotografia reflete a realidade de forma objetiva?
estudo fontes diferentes, aprendi que os cientistas têm diferentes estimativas do potencial realista da fotografia. Por exemplo, o cientista francês A. Bazin argumentou que a imagem fotográfica de um objeto "é o próprio objeto". A fotografia, segundo o pesquisador, é objetiva, pois “não há nada entre um objeto e sua imagem, a não ser outro objeto... Todas as artes se baseiam na presença de uma pessoa, e somente na fotografia podemos desfrutar de sua ausência. A fotografia nos afeta como um fenômeno “natural”, como uma flor ou um cristal de neve ... ”(Bazen A. O que é cinema? - M., 1972. - p. 44). As possibilidades estéticas da fotografia residem na revelação do real, que aparece diretamente sem mediadores verbais e outros artificiais. A lente da câmera “liberta o sujeito de ideias e preconceitos habituais”, e o cinema “aparece diante de nós como a conclusão da objetividade fotográfica na dimensão temporal… Pela primeira vez, a imagem das coisas torna-se também uma imagem de sua existência no tempo …” (Bazin A., p. 45).
Há também um ponto de vista oposto. “Todos nós sabemos”, escreve Yu.M. Lotman, - quão diferentes, quão distorcidas as fotografias podem ser. Quanto mais conhecemos uma pessoa, mais diferenças encontramos nas fotografias. Para cada pessoa cujo rosto nos é realmente familiar, preferimos um retrato bom artista igual a ele na fotografia. Nele encontraremos mais semelhanças. Mas se nos derem um retrato e uma fotografia de uma pessoa desconhecida e nos pedirem para escolher outras mais fidedignas, não hesitaremos em parar numa fotografia, tal é o encanto do carácter “documental” deste tipo de texto ”(Lotman Yu.M. On Art. - São Petersburgo, 2000. - p. 297).
Conclusões: esta pesquisa dá a entender que a maioria (66,7%) acredita que a fotografia reflete a realidade de forma objetiva, e o restante
(33,3%) acham que não.
2.3. A fotografia é arte? E por que as belas artes não deixaram de existir após o advento da fotografia?
Muitas das imagens são passageiras, cotidianas, mais precisamente, inexpressivas, não artísticas, ou seja, são uma simples “cópia da realidade”. Claro, em nossas fotos domésticas (quase todos os dias), o objeto da imagem será mais interessante para nós: nós mesmos, nossos parentes, entes queridos, amigos, etc. Essas fotos serão arte? Para nós - sem dúvida: quantas emoções, memórias eles evocam. E para outras pessoas, estranhas para nós, o objeto retratado em nossa foto será interessante? Aqui é mais difícil.
Quais são as condições necessárias para que uma “cópia tirada da realidade” se transforme em arte? Aparentemente, o mesmo que para todas as outras artes. “A arte ... é a única atividade que cumpre a tarefa de descobrir, expressar e comunicar o significado pessoal da atividade, da realidade” (Leontiev A.N. Trabalhos psicológicos selecionados. - M., 1983. - p. 237).
Mestres notáveis do século 20 como A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray e outros fizeram da fotografia uma arte.
Fiz uma experiência com meu amigo:colocou duas fotografias na frente dele.
Ao observá-los, meu amigo, valendo-se de sua intuição, identificou um como "artístico" e o outro como "não artístico". À minha pergunta: “Por que ele concluiu isso?” - seguido de uma resposta um tanto vaga: “Bem, está claro, é só a visão que estava na frente da câmera, mas aqui se acrescenta algo, algum tipo de humor, o fotógrafo queria expressar algo, dizer de si mesmo, para transmitir, você vê, que sentimento...”
Tentei expressar esses pensamentos de uma maneira mais específica.
Na produção da fotografia não artística, dois participantes foram nomeados amigos: paisagem e câmera; na produção da fotografia artística, nomeia três participantes: paisagem, aparelho, fotógrafo.
No primeiro caso, a fotografia capturou automaticamente o que caiu no campo de visão da lente, no segundo, algo foi adicionado à paisagem real.
Na verdade, aqui estão aqueles sinais que geralmente são chamados de destaque características distintas arte: a presença da subjetividade do autor, ... a introdução de pensamentos no objeto representado, a reconstrução do objeto em conexão com a compreensão geral do mundo pelo artista. Ou seja, “tornando-se um fato da arte, o mundo material torna-se humanizado e espiritualizado, ganha significado” (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Diálogo com a tela, - Talin, 1994. - p. 19-20.)
Ao fotografar, intervimos no mi circundante, “recortamos” dele um “pedaço” da realidade que de alguma forma gostamos, ou simplesmente precisávamos, ou coincidimos com algum tipo de nossa experiência, expressamos algum pensamento.
Claro, a fotografia como arte tem seus próprios meios de expressão. Quando olhamos para uma fotografia, prestamos atenção não só ao enredo, mas também ao plano, ângulo, composição do enquadramento, luz, cor. Usando-os de forma criativa, usando esta ou aquela ótica, filme preto e branco ou colorido, e agora também os enormes recursos do computador, podemos interpretar os objetos do mundo à nossa maneira, criar imagens artísticas complexas. Porém, o conhecimento do arsenal de meios expressivos não garante uma imagem artística de qualidade. Como em qualquer arte, aqui você precisa de um talento especial, inspiração e bom gosto.
Primeira Enquete: Por que as belas artes não deixaram de existir após o advento da fotografia?
Conclusões: Com base nessa pesquisa, posso concluir que 84% dos entrevistados acreditam que a fotografia se tornou uma das artes plásticas e 16% acreditam que a fotografia é muito mais jovem que as belas artes e provavelmente a substituirá no futuro.
Conclusões: 32% dos entrevistados acreditam que para se tornar um bom fotógrafo é preciso ter os equipamentos mais modernos e de alta qualidade, e 64% ainda acreditam que o principal não é a tecnologia, mas quem a utiliza.
Conclusões: Esta questão permanece controversa para mim também. O número de apoiadores e opositores do uso do Photoshop na fotografia foi dividido em dois campos idênticos, e essa questão ficará sem resposta para nós.
Conclusões: Com base nessa pesquisa, podemos julgar que 80% dos entrevistados acreditam que fotografia é arte, 4% responderam negativamente e 16% não sabem responder a essa pergunta. O que você acha?
Conclusão
Minha hipótese foi confirmada - a fotografia nem sempre é arte.
Todos que amam a fotografia, admiram as obras-primas dos profissionais, criam fotos de alta qualidade, trabalhos únicos e ao mesmo tempo não se propõe a vender sua criação - para isso a resposta é óbvia: fotografia é uma arte!!! E para quem simplesmente tira fotos para si, para a memória, a fotografia é simplesmente um benefício para a vida, uma condição necessária.
Bem, acho que a questão de saber se a fotografia é arte ou não é talvez tão difícil de responder quanto a questão do sentido de nossa existência. Algumas pessoas pensam que se você gosta de uma foto e deseja não tê-la tirado, então é arte. Mas, na minha opinião, nem tudo que você gosta é arte e vice-versa, nem sempre se deve gostar de arte. Afinal, beleza e feiúra, bem e mal - essas coisas são inseparáveis, portanto devem preencher igualmente a arte. Se virmos apenas a beleza, não a perceberemos. O mal e a feiúra são tão necessários quanto o oxigênio para nossos pulmões. As pessoas que sonham com a felicidade absoluta estão bastante enganadas, não entendem que se não houvesse guerra não haveria paz, que não saberiam da felicidade nem um grama, se não experimentassem o luto. A própria vida seria chata, perderia todo o sentido. É muito mais interessante viver em um mundo cheio de opostos que tornam a vida de uma pessoa a mais intensa e diversificada.
Literatura
- Arnheim R. Novos ensaios sobre a psicologia da arte. - M., 1994, p.132
- Bazin A. O que é cinema? - M., 1972. - p.44
- Leontiev A.N. Trabalhos psicológicos selecionados. - M., 1983. - p. 237
- Lotman Yu., Tsivyan Yu., Diálogo com a tela, - Talin, 1994.- de 19 a 20.
- http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
- http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg
Quando você acorda de manhã, o que costuma fazer? Provavelmente, muitos pegam um smartphone e começam a rolar seu feed de notícias no Vkontakte, Facebook ou Twitter, mas um dos mais populares redes sociais nos últimos anos se tornou o Instagram. Algumas pessoas não conseguem mais imaginar suas vidas sem ele. Mostrar suas fotos se tornou um ritual. Graças a eles, ficou mais fácil transmitir as emoções e o próprio momento da ação.
A invenção da fotografia remonta ao início do século XIX. Várias pessoas trabalharam na sua criação quase simultaneamente: Thomas Wedgwood Com William Henry Fox na Inglaterra e Joseph Niepce Com Louis Daguerre na França. No entanto, uma tentativa de corrigir qualquer imagem foi feita muito antes. Isso é comprovado pela câmera escura (“quarto escuro”) usada desde a Idade Média. EM este momento em questão sobre uma caixa com um pequeno orifício, onde mais tarde começou a ser inserida uma lente. A primeira câmera foi bastante difícil de usar, pois na parede oposta da câmera, a luz que entrava pelo buraco dava uma imagem invertida.
A fotografia foi uma verdadeira sensação no século XIX. Em primeiro lugar, logo se tornou de natureza comercial e, em segundo lugar, deu um impulso direto ao progresso tecnológico, de modo que a melhoria das imagens foi aos trancos e barrancos. Logo abaixo estão duas fotografias tiradas com 13 anos de diferença. O criador deles é Joseph Niepce.
câmera pinhole
A foto foi tirada em 1826, a primeira fotografia da natureza
Esta foto foi tirada em 1839
Na verdade, a imagem acima deveria ser uma carruagem, mas ela estava andando muito rápido, então a câmera não teve tempo de capturá-la, esta foto foi tirada com uma “exposição” de 8 horas. Foi neste ano que a fotografia realmente apareceu.
Na década de 1860, eles conseguiram reduzir a velocidade do obturador de 8 horas para 30 segundos, o que causou uma popularidade sem precedentes na fotografia.
A revelação das fotografias avançou inexoravelmente. Aos poucos, eles se tornaram verdadeiras obras de arte, era por meio deles que as pessoas podiam ver o mundo como ele era, e representar novos horizontes em um formato mais realista.
A formação da fotografia como arte independente começou a se manifestar no final do século XIX - início do século XX. A tecnologia chegou ao ponto em que cada foto tirada por um fotógrafo captura os menores recursos de um modelo ou cenário. Naquele momento, havia uma síntese de duas tendências da arte, que até então tinham apenas senso artístico: então o modernismo e o impressionismo se tornaram um. Esta combinação mostra Dia de Fred Holland, que expôs em 1898 no Salão da Filadélfia o ciclo "Sete últimas palavras". As imagens mostram os últimos momentos da vida de Cristo.
As Sete Últimas Palavras de Fred Holland Day. As fotos mostram o próprio autor.
Mas se Fred Day aderiu à apresentação clássica da fotografia, a abordagem de vanguarda mudou tudo. Alfred Stiglitz que fez da fotografia o que ela é para nós na mundo moderno. Dele abordagem especial fez uma verdadeira revolução na indústria. Ele começou a capturar naturezas mortas e trouxe novas tendências para retratos fotográficos. Stieglitz era dono de várias galerias de arte em Nova York, onde não apenas seu trabalho era apresentado, mas também obras de artistas da Europa.
É o seu trabalho que é um exemplo clássico da fotografia no século XX.
Alguns anos depois, ele fundou a "Photo-Secession" com Fred Day, que se tornou o primeiro movimento de fotoarte. Stiglitz também promoveu suas fotografias por meio de revistas que criou, como "COMamera notas» E « Câmera trabalhar» , onde uma nova palavra em arte foi dada a cada pessoa que comprou a revista. O fotógrafo viajou muito, então sua coleção incluía imagens não apenas da paisagem urbana americana, mas também da Europa. Ao longo de sua trajetória, Stieglitz teve que lidar com o desdém da elite artística, que achava que a fotografia não merecia o mesmo lugar de honra que a pintura. Como mencionado acima, Alfred Stiglitz conseguiu quebrar esses estereótipos e chamar a atenção do público para seu trabalho. É importante notar que Stieglitz nunca perseguiu um objetivo comercial na fotografia, ele era, ao contrário da crença popular, um verdadeiro artista, porque cada tiro exigia esforço - fosse uma fotografia de uma Nova York nevada ou tentando definir a luz certa para uma modelo.
A lista de fotógrafos que apareceram depois de Alfred Stieglitz é numerosa. Alguns o imitaram, enquanto outros concentraram suas atividades na indústria comercial, que na América se desenvolveu rapidamente ao longo do século XX. Pode-se concluir que durante sua curta existência, a fotografia conseguiu mudar várias vezes a atitude do público em relação a si mesma. De um negócio comercial, passou para a arte erudita e depois se transformou novamente em uma indústria, mas as obras-primas que os fotógrafos do início do século 20 nos deram permanecerão para sempre. Eles existem como um lembrete de que as pessoas costumavam apreciar a fotografia um pouco mais do que nós agora.
Na época do nascimento da fotografia, a estética era dominada pela opinião de que somente uma obra feita à mão poderia ser arte. A imagem da realidade, obtida com a ajuda de métodos técnicos físicos e químicos, não poderia sequer reivindicar tal status. E embora os primeiros fotógrafos, que gravitaram em torno da arte da imagem, mostrassem considerável engenhosidade composicional para mostrar a realidade (às vezes mudando-a irreconhecível), o sistema valores públicos e prioridades no papel de uma das musas, a fotografia não se encaixou por muito tempo.No entanto, todos os tipos modernos de "artes técnicas" - fotografia, cinema, televisão - experimentaram uma evolução semelhante: no início de sua existência, eram uma espécie de atrações divertidas, depois meios técnicos de transmissão de informações e apenas no processo de criando uma nova arte, linguagem dentro desses sistemas informativos e de comunicação, houve uma transição para funções comunicativas e artísticas. Isso não significa, porém, que o problema da relação entre fotografia e arte não tenha sido discutido. O pintor francês Delaroche (1797-1856), enfatizando as possibilidades oferecidas pela fotografia, escreveu: "A pintura morreu a partir de hoje." Em contraste, uma revista alemã argumentou o contrário: "... A descoberta da fotografia valor alto para a ciência e muito limitada para a arte". Em 1913, a revista de Riga sobre fotografia prática e artística "Rays" ("Stari") publicou um artigo especial "Fotografia e Arte", discutindo a questão de saber se a fotografia é arte ou apenas prática, habilidade aplicada, na qual o domínio da tecnologia desempenha um papel importante. O autor deste artigo chegou à conclusão de que a questão de saber se a fotografia é arte permanecerá válida enquanto a fotografia existir. lado técnico não é novidade para a arte, apenas na fotografia ela se manifestou de um lado historicamente novo. De posse de equipamento fotográfico, dominar a habilidade aqui parece uma tarefa mais fácil do que, por exemplo, dominar a técnica de tocar em instrumento musical. Essa leveza é o que engana os críticos da fotografia como arte. O artista Delaroche viu no novo fenômeno sua características artísticas e seu poderoso potencial artístico.
Nos primeiros anos após seu surgimento (período do daguerreótipo), a fotografia foi classificada pela opinião pública e por especialistas de diversas áreas da cultura como uma divertida bugiganga. A fotografia desse período ainda não possuía nem qualidade documental, nem informatividade, nem liberdade de soluções e achados de luz, ou seja, nenhuma dessas características que a teoria hoje considera como definidoras da fotografia. O desenvolvimento da fotografia foi em grande parte determinado pelas necessidades sociais. A ascensão da indústria jornalística impulsionou a fotografia para o mainstream da reportagem. Na época em que surgiram as primeiras "imagens em movimento" (cinema) com base na fotografia, a fotografia em si era uma modesta evidência documental, inferior em expressividade e sofisticação à pintura e aos gráficos. As disputas teóricas surgiram constantemente em torno da fotografia: é possível comparar a fotografia com a pintura em termos de valor artístico? A fotografia não é uma pintura degenerada, para a qual a técnica substitui a habilidade do artista? Por outro lado, não é uma fotografia variedade moderna pintura, adotando e aprofundando suas funções, modificação da pintura em uma civilização técnica, mudando o significado cultural e estético pintura tradicional? Mas isso nada mais é do que uma justaposição de dois fenômenos da vida artística, dois tipos de arte que claramente gravitam entre si e interagem entre si. A fotografia libertou a pintura de sua função utilitária - a fixação pictórica do fato, que, mesmo no Renascimento, era uma das tarefas mais importantes da pintura. Pode dizer-se que a fotografia ajudou no desenvolvimento da pintura, contribuiu para a plena identificação da sua especificidade única. Mas a fotografia também absorveu muito da experiência secular no desenvolvimento das artes plásticas. A própria visão do mundo "no quadro" é um legado da pintura. A moldura é o primeiro storyboard da realidade na história da cultura. Escorçar e construir perspectiva, a capacidade do observador de "ler" uma fotografia como uma imagem planar do espaço tridimensional - tudo isso é uma grande herança cultural herdou a fotografia da pintura. A influência da pintura na fotografia é enorme. Ao mesmo tempo, a tarefa da fotografia é bidimensional, bidimensional: por um lado, separar o mais completamente possível da pintura e determinar seus próprios limites e possibilidades, sua especificidade, por outro lado, para a maioria dominar plenamente a experiência artística da pintura em sua própria base.
Um de questões centrais a identificação de qualquer tipo de arte é um problema de sua linguagem. Analisando a história da linguagem visual da fotografia, distinguem-se vários períodos do seu desenvolvimento. A princípio, devido à inevitável duração da exposição no passado, os fotógrafos preferiram fotografar o monumental, imóvel (montanhas, casas). Para retratos, os modelos tiveram que congelar por muito tempo. Os retratados nas fotografias da época estão tensos, concentrados. Esse primeiro período começou em 1839 e continuou importante por pouco mais de uma década. O segundo período está associado ao surgimento de uma nova tecnologia fotográfica, que permitiu reduzir a velocidade do obturador de dezenas de minutos para segundos e, ao mesmo tempo, ampliar as possibilidades de refletir cada vez mais uma grande variedade objetos da realidade. Os fotógrafos tentaram capturar o todo o mundo. Fotógrafos viajantes viajaram por muitos países, começaram a explorar não apenas o espaço, mas também as profundezas vida pública, apresentar ao público perspicaz retratos psicológicos seus contemporâneos de vários estratos sociais em imagens generalizadas. A naturalidade e o engenho da fotografia criaram uma frescura de percepção, fascinada pela sua simplicidade.
No final do século XIX - início do século XX. na fotografia, desenvolve-se um método associado à intervenção deliberada da mão na criação de uma obra - o pictorialismo. É parte integrante da inovação técnica - tecnologia seca. A desvantagem dessa tecnologia (falta de riqueza de tonalidades) foi compensada pela aplicação de tinta durante a impressão. Ao criar um trabalho, o fotógrafo e o artista geralmente se combinam em uma pessoa. O material fotográfico foi considerado como "interlinear" para tradução, exigindo processamento artístico. A entonação manual borrou o imediatismo da imagem fotográfica. Uma tentativa de superar as contradições do pictorialismo foi feita por artistas que contrapuseram a desarmonia e a representação com uma riqueza de tonalidades, musicalidade interior, que é organicamente inerente à própria realidade, e não artificialmente imposta a ela. Um profundo sentimento humano foi introduzido na relação das formas sem nenhuma montagem.
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Os meios técnicos da fotografia reduziram ao mínimo o custo do esforço humano para obter uma imagem confiável: todos podem capturar o objeto escolhido. A parte tecnológica do disparo fica a cargo do equipamento fotográfico. Existem tradições e parâmetros específicos de artesanato aqui. No entanto, o objetivo da técnica é diferente: não garantir o efeito total de "imitação", mas, ao contrário, intrusão, deformação proposital da exibição para destacar a natureza e o significado da relação humana com o exibido.
Argumentos sobre a natureza artística da fotografia são possíveis principalmente em termos de encontrar e afirmar semelhanças fundamentais com as formas de arte tradicionais (a fotografia é uma inovação sintética da cultura artística do século XX) e em termos de reconhecer as características fundamentais da fotografia, seu fundamento diferença das formas de arte tradicionais (a fotografia é uma cultura de inovação específica do século XX). Cada um destes aspectos de estudo tem a sua própria lógica interna, e só a sua combinação harmoniosa, e não a absolutização de um ignorando o outro, permite determinar mais ou menos objectivamente as possibilidades artísticas e a natureza da fotografia. A mestria da obra é evidenciada pela experiência da beleza, da harmonia, da sensação de prazer, do efeito da influência pessoal e educacional (esta última, no entanto, é bastante difícil de isolar e fixar momentaneamente e concretamente). A especificidade da fotografia como forma de arte é documental, a autenticidade da imagem, a capacidade de perpetuar o momento. Ao focar a atenção no trabalho fotográfico, pode-se destacar uma série de características significativas revelando as características da fotografia. Cada uma das características identificadas da fotografia pode ser acompanhada de um comentário detalhado. A tarefa de definir a essência da fotografia como forma de arte é, em primeiro lugar, identificar o quanto é possível abstrair da natureza do material e direcionar a percepção "frontal" para criar uma imagem artística e, em segundo lugar, o que e função cultural que esta ou aquela forma artística desempenha, combinada com um determinado material, ou seja, quão pura e adequadamente uma obra artística é fixada pela autoconsciência do artista, bem como pela opinião pública e formas teóricas de compreensão da vida artística. A especificidade da imagem artística na fotografia é que ela imagem pictórica valor documental. A fotografia dá uma imagem que combina expressividade artística incorporando um momento essencial da realidade com certeza e em uma imagem congelada. As famosas fotografias que mostram o comandante do batalhão levantando soldados para o ataque, o encontro dos heróis da defesa da Fortaleza de Brest, combinam o poder artístico e o significado de um documento histórico.
A imagem fotográfica, via de regra, é um iso-ensaio. fatos da vida na fotografia, quase sem processamentos e alterações adicionais, foram transferidos da esfera da atividade para a esfera da arte. No entanto, a fotografia é capaz de pegar um material vital e, por assim dizer, inverter a realidade, obrigando-nos a vê-la e percebê-la de uma nova maneira. O padrão observado opera na interseção de seus significados informativo-comunicativo e comunicativo-artístico: um fato nu pode ser atribuído à esfera informativa, mas sua interpretação artística já será um fenômeno de outra ordem. E é a atitude estética do fotógrafo perante o facto de ser filmado que determina o resultado final e o efeito da fotografia.
Considerando a fotografia pelo lado artístico, é preciso se deter em seu caráter documental. A fotografia inclui e retrato artístico fotos contemporâneas e momentâneas da imprensa (documento) e reportagens fotográficas. Claro, é impossível exigir de cada instantâneo de informações de serviço Alta arte, mas também é impossível ver apenas informações em vídeo e um documento fotográfico em toda obra de alto valor artístico. Documentário, autenticidade, realidade - isso é o principal na fotografia. Nesta propriedade fundamental reside a razão da influência global da fotografia na cultura moderna. Outras qualidades da fotografia, suas características, seu significado para a cultura como um todo, se cristalizam quando se compara a fotografia e os tipos individuais de arte. O documentalismo é uma qualidade que primeiro penetrou nas artes e na cultura com o advento da fotografia. Sendo usado em tipos diferentes arte, esta qualidade, cada vez refratada através de sua especificidade, formou algum novo derivado de si mesma. De outras formas de arte, esses derivados, enriquecendo o documentário, retornaram à fotografia, ampliando e enriquecendo não só o fundo da cultura artística, mas também as possibilidades da prática estética da fotografia como forma de arte. A fotografia não artística, ou seja, documental pelas técnicas utilizadas e jornalística pela funcionalidade, para além da carga informativa, carrega também uma carga estética. O fotojornalismo, como sabem, apela directamente ao documental, inerente à fotografia e todas as suas variedades desde o nascimento. No entanto, essa propriedade é usada de maneira diferente, dependendo da tarefa. Nos casos em que se trata de crônicas fotográficas - informações conscienciosas, exaustivas, certeiras e protocolares sobre um acontecimento - a individualidade do autor da fotografia não se revela. Está inteiramente subordinado à fixação do fato, à fidedignidade última de sua exibição. Outra coisa é o fotojornalismo. Aqui o fotógrafo também lida com os fatos da realidade, porém, sua apresentação se faz fundamentalmente na visão do autor, são coloridos pela avaliação pessoal do autor. Documentário e arte no campo da fotografia se fundem, se sobrepõem. Em geral, a fotografia moderna existe na unidade de todos os seus aspectos - ideológico e artístico, semântico e expressivo, social e estético.
Certos aspectos da fotografia como forma de arte se manifestam na escolha da cor, estilo artístico, gênero, linguagem pictórica, técnicas específicas de processamento de materiais fotográficos, atitude pessoal do fotógrafo em relação à obra que está sendo criada, etc. A cor é um dos componentes mais importantes da fotografia moderna. Surgiu na fotografia sob a influência do desejo de aproximar a imagem fotográfica das formas reais dos objetos. A cor torna a imagem da foto mais autêntica. Esse fator primeiro causou a necessidade de molduras para colorir e, posteriormente, deu impulso ao desenvolvimento da fotografia colorida. Significativamente aqui está a influência das tradições da pintura, nas quais o uso da cor na formação de significados cresceu historicamente. Em suas maiores realizações, a fotografia artística rejeitou repetidamente a tese de que suas imagens são estáticas. E a cor desempenha um papel importante nessa negação da imobilidade. Com base na experiência das fotografias coloridas, podemos formular as regras para o uso da cor na fotografia. A primeira delas é fotografar em cores apenas quando for de fundamental importância, quando sem cor é impossível transmitir o que se pretende. A segunda regra: o simbolismo da cor, da luz, o jogo de tons e matizes, acumulados e acumulados pela tendência cultural anterior, a vivência de formas artísticas mais antigas - pintura, teatro e técnicas posteriores relacionadas - cinema e televisão, podem ser efetivamente usado na fotografia. A terceira regra: o uso de contraste de cores para criar um contraste semântico. A fotografia ainda não dominou completamente a cor. Ela terá que absorver tudo paleta de cores paz. A cor deve ser dominada esteticamente pela fotografia, e tornar-se um meio não só da imagem, mas também da compreensão conceitual da realidade.
O estilo artístico é um problema particular na teoria e na prática da fotografia. Não se resolve no quadro da questão dos gêneros. No aspecto empírico, o estilo é tanto pastel, fotos em aquarela, como trabalhos fotográficos graficamente rígidos, e imagens generalizadas de "óleo", até a imitação completa da pintura sobre tela por meios fotográficos. Teoricamente, o problema do estilo na estética é obviamente pouco desenvolvido, mas pode ser identificado em relação à fotografia. Na fotografia, tanto a presença quanto a ausência do estilo artístico são muito evidentes. Uma filmagem naturalista e documental demonstrará escrupulosamente todas as pequenas coisas e detalhes que entraram no espaço da lente. Mas será um caos de visão desorganizado. Se tal imagem for tirada do ângulo de visão do autor, artisticamente, decorada estilisticamente, então um trabalho completamente diferente resultará. A direção, a natureza e a força do desvio do autor em relação ao "espelho", a fotografia naturalista e puramente reflexiva determinam o estilo da obra fotográfica. Pode ser puramente individual ou corresponder a uma determinada escola, tradição, programa de arte. A característica do estilo fotográfico pode ser associativa e artística.
Intimamente ligada ao problema do estilo está a questão da identidade nacional da arte fotográfica. Várias tendências na fotografia em graus variados revelam dependência do nacional tradição cultural. Assim, por exemplo, a fotografia de reportagem ou reportagem etnográfica está diretamente relacionada com vida cultural gente, com ritmo Vida cotidiana, com a alma do povo em suas manifestações cotidianas. Outras tendências, como artísticas e construtivas ou decorativas, reproduzem o conteúdo nacional em formas artísticas e esteticamente abstratas. Todos os estilos e gêneros de fotografia, todas as suas escolas nacionais são baseados no domínio específico do mestre sobre a arte do mundo.
O tempo em um quadro não é inequívoco, unidimensional. Aqui, distinguem-se 2 camadas principais, que são, por assim dizer, sinteticamente mescladas. Essas camadas são instantâneas e monumentais, que, apesar da correlação polar, são interdependentes. O mundo artístico está unido na unidade harmoniosa de todos os componentes, todos os detalhes da fotografia artística.
A fotografia envolve a presença de um fotógrafo-artista. Requer seletividade cuidadosa, uma "visão" pessoal especial que permite distinguir o que merece atenção do externo, aleatório, incompleto. Nem todo quadro capturado vira obra de arte e, obviamente, nem todo filme faz um trabalho fotográfico de sucesso. Assim como um artista constantemente, diariamente faz esboços, um fotógrafo treina seu olhar, sua visão fotográfica do mundo. Trabalho diário permite polir a técnica de execução e desenvolver princípios estáveis de atitude moral, ética e estética para possíveis objetos de arte fotográfica. Um fotógrafo deve ter muitas qualidades. Ele deve ser um psicólogo, compreender o caráter da pessoa retratada, captar o momento de sua auto-revelação, ser capaz de encontrar uma auto-expressão secreta na postura, expressões faciais, expressões faciais, fundo e ângulo de apresentação, a fim de revelar plenamente seu mundo interior e sua atitude para com ele. O fotógrafo deve ter um profundo conhecimento da vida, seus vários aspectos. É impossível fotografar a fundição do aço em uma oficina de lareira de forma altamente artística sem imaginar, pelo menos em termos gerais, a tecnologia desse processo, a fotógrafo deve ser um pesquisador. Ao trabalhar de forma sistemática e consistente o tema, criando um ciclo de obras, o mestre não capta apenas momentos documentais que acabam por se transformar em valor histórico. Não só cria um banco informativo de dados pictóricos, que, dependendo do contexto sociológico, etnográfico, personagem histórico pode ser usado de diferentes maneiras. Ele não apenas cria uma obra de arte, mas também atua como pesquisador de um determinado tema, utilizando uma forma epistemológica tão interessante e rica como a fotografia. Ao mesmo tempo, torna-se um método de conhecimento artístico e avaliação do fenômeno filmado.
Diante do fotógrafo, um homem de tecnologia e estética, um homem que ama precisão, clareza e um homem tomado por uma onda de inspiração, um homem de sentimento e contemplação, capaz de ver imagens e harmonia, deve estar unido e sintetizado, o fotógrafo atua como um cronista da época, o que lhe impõe uma responsabilidade especial. À sua frente abre-se um campo pouco desenvolvido, no qual é necessário traçar caminhos e caminhos, marcar zonas delimitadas por vários funcionalidade fotos. A estética não dá receita ao artista e não garante o sucesso. Apenas dá orientações para a pesquisa, cujo resultado, em última instância, depende do talento e do trabalho do autor. Na fase final processo criativo A estética ajuda a desenvolver uma apreciação artística da imagem.
A crítica desempenha um papel importante no desenvolvimento da fotografia, incluindo o pensamento teórico e crítico dos próprios fotógrafos. A crítica e a teoria, desde que sejam autoritárias e competentes, podem impedir disputas amadoras que interferem e distraem tanto os fotógrafos quanto os espectadores. Para a fotocrítica, é importante considerar de forma abrangente a fotografia como um fenômeno sócio-artístico. Alguns aspectos da análise crítica incluem: a sociologia da fotografia (a fotografia como documento de época, o fotojornalismo, um método de comunicação interpessoal e um meio de comunicação de massa, um começo jornalístico na fotografia, a partir daí pode-se encontrar e desenvolver critérios para o significado social de um trabalho fotográfico); estudos culturais da fotografia (a fotografia como fenômeno da cultura moderna e seu lugar no sistema de valores culturais; critérios são definidos nesta área Cultura significante trabalhos fotográficos); psicologia da fotografia (a fotografia como memória visual fixa e fator de "presença" do ausente, este aspecto ajuda a desenvolver um critério de significação pessoal); epistemologia da fotografia (a escolha de um objeto e a especificidade de seu reflexo na fotografia, incondicional e condicional na fotografia, "aproximação" e "distanciamento" da realidade na fotografia; problemas de verossimilhança estão ligados a isso - os critérios da arte, da verdade ); axiologia da fotografia (a possibilidade de uma atitude subjetiva em relação ao objeto na fotografia, os problemas de avaliação do retratado; nesse nível, são formados os critérios de avaliação da arte); semiótica da fotografia (a linguagem da fotografia, seu alfabeto, morfologia, sintaxe, gramática; aqui são determinados os critérios de conteúdo da informação); estética da fotografia (a fotografia como fenómeno estético, as possibilidades figurativas e artísticas da fotografia, a riqueza estética do mundo e o seu desenvolvimento artístico na fotografia, é aqui que se expressam os critérios de significação estética).
Levando em conta vários aspectos fotografia de arte, você pode formular sua essência, tentar definir a fotografia. A foto arte é a criação por meios químicos e técnicos de uma imagem visual de valor documental, artisticamente expressiva e capturando autenticamente um momento essencial da realidade em uma imagem congelada. Na fotografia, cristalizaram-se várias tendências bem definidas: etnográfico-sociológica, reportagem, cartaz-publicidade, artístico-construtiva, decorativa, simbólico-conceptual, impressionista. Cada uma dessas direções desempenha sua própria função cultural e comunicativa específica e claramente definida. Essas direções não são mutuamente exclusivas. O mesmo fotógrafo, via de regra, trabalha em vários deles. É muito importante ter presente a semifuncionalidade da fotografia artística, para que, por exemplo, a sua função artística e construtiva não exclua a etnográfica e a sociológica, e vice-versa, para que a conceptualidade da fotovisão ande de mãos dadas com a tradição nacional. Como qualquer tipo de arte, a fotografia está sujeita às leis gerais do desenvolvimento das artes, da consciência e da visão de mundo artística. A imagem artística cresce historicamente com base na realidade percebida empiricamente e reflete a formação e o desenvolvimento da mediação cultural e semântica entre o artista e o mundo exterior.
O desenvolvimento de qualquer tipo de arte pode ser visto como autoconsciência de sua própria função cultural, ou seja, como a formação da autoconsciência artística dentro de um determinado tipo de arte. Para a fotografia, isto significa que, em contacto com a realidade moderna em consonância com a fotografia etnográfico-sociológica, de reportagem, de cartaz, o artista-fotógrafo continua necessariamente a desenvolver e aprofundar imagem artística no âmbito da fotografia simbólico-conceitual. Nesse sentido, a fotografia conceitual é, por assim dizer, o resultado daquela vida artística e experiência pessoal, graças à qual o fotógrafo se torna um mestre e cria valores duradouros. Mas algo mais decorre disso: todas as direções e gêneros da fotografia artística compõem a especificidade integral da fotografia como forma de arte, e somente através da compreensão das características e possibilidades artísticas de cada uma delas é possível criar uma ideia cumulativa e integral de fotografia como um novo, forma moderna arte, de certa forma típica da compreensão existente da arte, e de algumas maneiras introduzindo seus próprios ajustes históricos e semânticos para a compreensão do sistema, relações e funções das formas de arte tanto dentro da estrutura da cultura artística quanto dentro da estrutura da cultura moderna. cultura em geral.
