O que soa como um realejo. Instrumentos musicais e brinquedos: realejo

Romanova E. V.

Doutor em História da Arte, Instituição de Ensino do Orçamento do Estado Federal ensino superior“O Conservatório Estadual de São Petersburgo leva o nome de N.A. Rimsky-Korsakov"

SOBRE COMPOSIÇÃODIMINUENDO NA PEÇA DE TCHAIKOVSKY "O realejo canta"

anotação

No processo de consideração da peça de Tchaikovsky, foram aplicados à sua composição os critérios tradicionais da teoria doméstica das formas simples, por um lado, e alguns critérios da teoria das formas mistas, por outro. A interação dos aspectos estrutural-composicional, motivo-entonacional, harmônico, textural e dinâmico do desenvolvimento é mostrada, confirmada papel importante características de composição na modalidade imagem musical tocam. Os resultados podem ser utilizados na prática de ensino da análise de obras musicais na implementação dos principais programas educacionais do ensino superior.

Palavras-chave: forma simples de duas partes, forma composta de contraste, refrão, refrão, forma de suporte.

Romanova E. V.

Doutora em Artes, Instituição Federal de Ensino Superior

Conservatório Estadual de São Petersburgo Rimsky-Korsakov

SOBRE COMPOSITE DIMINUENDONA PEÇA DE TCHAIKOVSKY "O MOEDOR DE ÓRGÃOS CANTA"

Abstrato

No decorrer da consideração da peça de Tchaikovsky, critérios tradicionais da teoria doméstica de formas simples, por um lado, e alguns critérios da teoria das formas mistas com outro são aplicados à sua composição. A interação de aspectos estruturais e compostos, motivno-intonacional, harmoniosos, impressionantes e dinâmicos do desenvolvimento é mostrada, o papel essencial das características compostas na personificação de uma imagem musical da peça é confirmado. Os resultados podem ser utilizados na prática de ensino da análise de peças musicais na implementação dos principais programas educacionais do ensino superior.

palavras-chave: forma binária simples, contraste e forma composta, tendo iniciado o canto, um refrão, uma forma do segundo plano.

O conceito de forma secundária é usado principalmente na análise composicional de composições baseadas em variedades de formas variacionais, bem como formas geralmente definidas como mistas. Ao mesmo tempo, a análise do subtexto compositivo de uma miniatura muitas vezes revela tal grau de individualização da implementação dos princípios de uma ou outra forma simples, o que nos permite falar sobre a ação oculta da forma do segundo plano . O estabelecimento desse formulário, via de regra, ajuda a esclarecer os resultados da análise. material musical não tanto no aspecto estrutural quanto no aspecto de conteúdo. Como um dos exemplos claros Passemos à composição da peça "The Organ Grinder Sings" de " álbum infantil» PI Tchaikovski.

Esta peça (juntamente com muitas outras miniaturas da coleção) é um esboço musical da natureza, incorporando assim a ideia de uma viagem "virtual". Nele, como em A Canção Napolitana, Tchaikovsky usou a melodia que ouviu em Veneza de artistas de rua. No quadro de uma forma simples de composição contrastante de duas partes, esta peça parece desenhar a cena de um encontro com um tocador de realejo, transmitindo algumas das suas nuances e detalhes.

A proporção das partes na peça é semelhante à proporção do solo e do refrão no verso e corresponde a uma das opções típicas para a construção de uma forma de duas partes. A seção expositiva (compassos 1-16 da peça, exemplo 1) é um período quadrado de estrutura repetida e, ao mesmo tempo, possui uma série de características expressivas. A mais marcante delas é a concordância não normativa das cadências, devido ao desvio para a tonalidade do segundo passo no final da primeira frase - a cadência média acaba, assim, por estar numa função subdominante. A natureza do gênero canção romântica desse tema maior, geralmente muito despretensioso, mas ao mesmo tempo não sem algum refinamento, é expressivamente sombreado por um desvio para um tom menor, que aumenta a impressão de uma afirmação espiritualizada, aberta e direta , cujo início parece ser marcado por uma explosão emocional. Assim, a primeira parte da composição soa especialmente ousada e proeminente.

Outras características Período inicial, causada pelo desvio tonal mencionado acima, tornam-se o início da segunda frase em um tom diferente (melodia um segundo acima) e em uma função harmônica diferente (II65). Eles dão ao enunciado dinamismo e ao período - grande unidade, baseada na heterogeneidade funcional das frases (a primeira é expositiva e em desenvolvimento, a segunda é em desenvolvimento e final).

Arroz. 1 - período de exposição inicial

A segunda parte da peça é também um período, mas organizada (em aspectos tonais e funcionais) de forma muito mais tradicional, pelo que é com bastante naturalidade percebida como um coro. Este período quadrado de estrutura repetida (compassos 17-32 da peça, exemplo 2) difere do normativo apenas na cadência média da tônica. Devido à ausência de desvios, ao esquema funcional-harmônico tônico-dominante rigorosamente observado (sem o uso de acordes da função subdominante), à ​​repetição exata de frases, a segunda parte da peça soa como um declínio emocional - o “sensível romance revelação” é substituído por uma entonação mais calma e pacífica, resumindo, mostrando claramente através de frases repetitivas como uma despedida afetuosa e gentil.

Observe alguns recursos altamente individualizados material temático a segunda parte, que afetam significativamente a percepção da forma da peça como um todo.

Primeiro, a repetição exata das sentenças é violada pela dinâmica: p na primeira frase e pp - no segundo. Ideia diminuendo encontra assim uma expressão direta e imediata, obviamente contribuindo para o efeito de afastamento espacial, incorporado na peça: a melodia do realejo torna-se cada vez menos claramente audível, menos distinguível - quer o ouvinte tenha passado pelo intérprete, quer vice-versa.

Em segundo lugar, uma característica muito marcante da segunda parte é o diálogo de motivos curtos delineados na melodia (às vezes evocando associações com a técnica de duas vozes ocultas): neste diálogo, por um lado, o princípio de dispersão, redução em manifesta-se o relevo e a especificidade do tematismo e, por outro lado, o registo de ideias, característico das secções finais da forma musical, baseado no efeito de recessão, inibição.

Finalmente, o ponto do órgão na quinta tônica, sustentado por toda a sua extensão, torna-se a característica definidora do segundo movimento. Seu uso enfatiza claramente a função composicional final no som do segundo movimento, o que permite defini-lo não tanto como um contraste, mas como a segunda parte do tipo de coda.

Observe também que o tom superior da quinta é figurado - uma alternância contínua de sons d– e como vibração, criando um efeito sonoro de imprecisão, desfoque de contornos e potencializando ainda mais o efeito de afastamento espacial mencionado acima.

Um toque essencial, enfatizando a orientação composicional “descendente” do segundo movimento e da peça como um todo, é a chamada desaceleração escrita aplicada por Tchaikovsky no último compasso (compasso 32, exemplo 2): neste momento, o a pulsação das oitavas, que antes era invariavelmente observada devido ao ritmo complementar, cessa. Os terços sincopados do acompanhamento preservados na camada intermediária da textura pulsam assim duas vezes mais lentamente, o que cria o efeito de desaceleração sem o uso de observações verbais apropriadas ( ritardando, ritenuto e assim por diante.).

Arroz. 2 - segunda parte contrastante (segunda parte do tipo de coda).

A forma da peça como um todo pode ser definida, portanto, como um simples composto de contraste de duas partes com uma manifestação distinta no fundo dos signos de uma forma simples de duas partes com uma segunda parte do tipo coda. Ao mesmo tempo, uma ideia gradualmente cristalizada torna-se sua característica individual. diminuendo, sustentado por meios rítmicos e dinâmicos: pintado em tons subjetivos-líricos, o material emocionalmente vívido do período inicial se opõe a um material mais neutro, objetivo e menos individualizado, incorporando o declínio emocional da segunda parte (diminuição do relevo, brilho e características individuais do material explica a relação composicional da forma de duas partes considerada com o período da forma com adição), a desaceleração escrita no último compasso e a nuance dinâmica decrescente enfatizam o efeito de desbotamento. É essa característica que contribui para o brilho da personificação da imagem principal da peça, associada ao gradual desaparecimento de vista, como se se dissolvesse no espaço de seu personagem principal e ao peculiar desaparecimento-fusão dos traços sonoros de sua presença.

Lembro-me do título "Sobre povos e países estrangeiros", dado por Schumann a uma das peças incluídas em suas "Cenas infantis".

“Em Veneza, à noite, um cantor de rua com uma filha pequena às vezes se aproximava do nosso hotel, e eu gosto muito de uma de suas canções.”

Na classificação de Yu.N. Tyulin, tais formas são propostas para serem expressas pelo esquema A + B devido à independência temática da segunda parte e à presença de novos elementos entoacionais nela.

Nesse caso, surge uma repetição exata de frases, devido à qual o período adquire uma semelhança com uma estrutura estrófica.

A relação composicional da forma de duas partes considerada com a forma do período com a adição permite falar de um fenômeno relacionado à modulação composicional descendente na classificação de V. Bobrovsky.

Uma descida composicional semelhante (o uso da segunda parte do tipo de coda) também é encontrada na peça do "Álbum Infantil" "Na Igreja". Também notamos algumas analogias composicionais da peça em consideração com a peça “ reza matinal”: ambos terminam com uma seção que cumpre claramente a função composicional final, mas ao mesmo tempo, “Morning Prayer” na forma representa antes um período com um acréscimo.

Referências / Referências

1. Bobrovsky V. Fundamentos funcionais da forma musical. - M.: Música, 1978. - 332 p.
2. Tyulin Y. Forma musical / Y. Tyulin, T. Bershadskaya, I. Pustylnik e outros; ed. geral. prof. Yu.N. Tyulin. - 2ª ed., corrigida. e adicional - M.: Música, 1974. - 361 p.
3. PI Tchaikovsky - N.F. von Meck: correspondência, 1876-1890: em 4 volumes T. 1. 1876-1877 / comp., crítica científica e textual. ed., comenta P.E. Vaidman. - Chelyabinsk: MPI, 2007. - 704 p.

Referências em inglês / Referências em inglês

1. Bobrovskij V. Funkcional'nye osnovy muzykal'noj formy. . – M.: Muzyka, 1978. – 332 p.
2. Tjulin Ju. Muzykal'naja forma / Ju. Tjulin, T. Bershadskaja, I. Pustyl'nik e outros; geral editado por Yu. N. Tyulin. – 2ª edição, corrigida e top. – M.: Muzyka, 1974. – 361 p.
3. I. Chajkovskij – N.F. fon Mekk: perepiska, 1876-1890: v 4 t. T. 1. 1876-1877. / redacção., edição científica e textual, comenta P.E. Vaydman. - Cheljabinsk: MPI, 2007. - 704 p.

Órgão de barril

Muitos de nós na infância lemos com entusiasmo a obra do notável escritor francês G. Malo “Without a Family”. Uma história que certamente não poderia deixar ninguém indiferente. Nesta história comovente, os heróis que estão em dificuldades situações da vida, ajudou a sobreviver a um objeto interessante, um instrumento musical mecânico - um realejo. Para tocá-lo, não foi necessário estudar e nem conhecer as notas, girar o botão - a melodia soa.

Atualmente, o realejo já é uma curiosidade. Ouvimos música de mídia digital, que foi precedida por toca-discos e gravadores, e ainda mais cedo por gramofones e gramofones. O progenitor de toda essa técnica foi o realejo, que antigamente era tão popular que muitos grandes poetas dedicaram seus poemas a ele.

O som de um realejo é criado usando tubos colocados em invólucro acústico. Um elemento muito importante na ferramenta é o rolo, com pinos embutidos. Os pinos são colocados em certa ordem correspondente à melodia que queremos ouvir. Se você reorganizar os grampos de cabelo, a música ficará completamente diferente. O instrumento começa a soar quando você gira a manivela do realejo, o que aciona um mecanismo bastante complicado.

foto:

Fatos interessantes

• Cada país tem seu próprio nome para o realejo. Na Alemanha - Leierkasten, na Inglaterra - órgão de barril, na França - orgue de barbarie, na Espanha - organillo, e na Itália - organistro, na Bulgária - laterna, na Hungria - kintorna.
• O francês "Rei Sol" Luís XIV foi o primeiro dos monarcas a apreciar o realejo e introduziu a moda do instrumento.
• Muitos grandes poetas russos, incluindo A. Vertinsky, A. Fet, P. Antokolsky, O. Mandelstam, I. Annensky, L. Semenov, M. Tsvetaeva, V. Bryusov, B. Okudzhava, dedicaram seus poemas ao realejo .

• O instrumento musical sanfona é frequentemente encontrado na literatura infantil, por exemplo, nos contos de fadas de H.K. Andersen "Swineherd", K. Collodi "Pinóquio", A. Tolstoi "A Chave de Ouro ou as Aventuras de Pinóquio", nas obras de A. Kuprin "Poodle Branco". DE. Walton "O Velho Órgão de Barril de Christy", G. Malo "Sem Família".
• Em todo o mundo, o instrumento é tratado com muito respeito. Em muitos países europeus como Suíça, França, Finlândia, Hungria, Estônia, Alemanha, República Tcheca regularmente festivais internacionais tocadores de órgão. O festival de maior massa, que reúne mais de cem artistas, é realizado anualmente, geralmente no mês de julho, em Berlim, capital da Alemanha. Uma impressionante procissão de tocadores de realejo vestidos com trajes antigos, passando pela famosa avenida Kurfürstendamm, atrai a atenção e desperta grande interesse não só dos moradores da capital, mas também dos visitantes da cidade.
• No Brasil, o tango era dançado até ao som de um realejo.
• Na Dinamarca, ainda se acredita que, se um tocador de realejo for convidado para um casamento, os noivos serão felizes por toda a vida.
• Em Viena, capital da Áustria, o som de um realejo sempre pode ser ouvido na Praça de Santo Estêvão, perto da principal catedral da cidade.
• Em Praga, os tocadores de órgão sempre podem ser encontrados nos principais pontos históricos da cidade - a Ponte Carlos e a Praça da Cidade Velha.
• A Austrália hospeda muitos desfiles e festivais diferentes, às vezes muito excêntricos e excêntricos, todos os anos. São, via de regra, brilhantes e interessantes, muitas vezes acompanhados pelo som de realejos.
• Monumentos ao realejo e aos realejos podem ser encontrados em diferentes cidades do mundo: Moscou (Rússia), São Petersburgo (Rússia), Kiev (Ucrânia), Gomel (Bielorrússia), Berlim (Alemanha), Newport (EUA).
• Em russo, existe a expressão "iniciar um realejo", que significa falar irritantemente sobre a mesma coisa.
• Atualmente, o realejo é muito popular na forma de um brinquedo infantil que desenvolve os músculos e a motricidade dos dedos da criança, além de ter efeito sedativo.
• Radioamadores chamam um realejo de dispositivo de transmissão de rádio de sua própria fabricação.

Projeto

O design do realejo não é tão simples quanto parece. É composto por uma alça, chamada de colar, câmara de pele, pino, rolo de som, pinos, alavancas, bengalas, válvulas e tubos.
A alça do realejo faz com que o pino e o rolo de som se movam. Com a ajuda de um alfinete, o ar é bombeado para a câmara de pelo localizada na parte inferior da ferramenta. Existem pinos no rolo de som, ao entrar em contato com os quais as alavancas sobem e descem. As alavancas, por sua vez, fazem com que as palhetas se movam, abrindo e fechando válvulas que controlam o fluxo de ar nos tubos que produzem o som.

História

O realejo já foi tão popular que vários países europeus: França, Holanda, Suíça e Itália ainda estão discutindo e procurando evidências de qual país o realejo nasceu. No entanto, a história do instrumento se perde na antiguidade. O uso de dispositivos de came, que servem para produzir som em um realejo, é conhecido desde os tempos antigos. Mesmo assim, eles foram usados ​​na construção de vários tipos de mecanismos de entretenimento. Por exemplo, na Grécia antiga havia teatros que representavam figuras que se moviam sozinhas, que eram chamadas de andróides e se moviam com o acompanhamento de sons extraídos mecanicamente. E o famoso filósofo chinês Confúcio, que viveu no século VI aC, durante uma semana inteira, sem interrupção, ouviu o som de melodias extraídas de um aparelho chamado "costelas de tigre" e constituído por placas que emitem sons diferentes alturas. Talvez esse mecanismo musical tenha sido o progenitor do realejo. E até mesmo o órgão pneumático, inventado no século III aC pelo famoso inventor grego antigo Ktesibius, estava indiretamente relacionado ao aparecimento do realejo.

Durante o Renascimento, os mecanismos de extração do som continuaram a melhorar e, para alegria da nobreza, já foram criados instrumentos musicais mecânicos que reproduziam melodias: realejo, caixas de música e caixas de rapé.

O primeiro instrumento que sobreviveu e chegou até nós foi uma cópia primitiva criada na França no século XVII. Ele tocava apenas uma melodia e servia para ensinar pássaros canoros, por isso era chamado de "órgão de pássaro". O sanfona foi rapidamente adotado por artistas errantes, pois nele era possível tocar melodias sem saber uma única nota, bastava girar a manivela do instrumento. Por exemplo, os habitantes de Savoy, uma região localizada no sudeste da França, no sopé dos Alpes, em tempos de fome, deixam seus filhos sozinhos para ganhar a vida. Crianças que viajam através grandes cidades, ao som de um realejo com a participação das suas marmotas de estimação de quatro patas, organizaram várias apresentações de rua. Sob a impressão de uma dessas apresentações, a mundialmente famosa canção "Marmot" apareceu nos versos do famoso poeta alemão I.V. Goethe e a música LV Beethoven.

O instrumento, muito apreciado pelo povo, tem evoluído constantemente. Mestres de países diferentes melhorou constantemente. O italiano D. Barbieri, o francês J. Wacanson e o suíço A. Favre são mecânicos e inventores que fizeram mudanças muito significativas no design do realejo. O instrumento tornou-se um pequeno órgão mecânico sem teclado - uma caixa na qual tubos de som, peles e um rolo com pequenas saliências - grampos de cabelo estavam localizados em fileiras. No realejo, já era possível tocar não uma melodia como antes, mas seis ou oito ou até mais, pois o rolo podia ser retirado independentemente, alterando assim o repertório do instrumento. O escopo do realejo se expandiu significativamente. Por exemplo, em igrejas inglesas era usado para expressar hinos e salmos.

Na Rússia, o instrumento surgiu da Polônia no final do século 18 e em pouco tempo foi dominado por músicos itinerantes, além de artistas do grande circo. A melodia ouvida pela primeira vez pelos russos na execução do realejo foi a melodia de uma canção, que em francês se chamava "Charmant Katarina". Existe uma versão de que foi com esse nome em nosso país que o instrumento recebeu um nome tão inusitado - sanfona, às vezes também era chamado de "katarinka". Outra variante da origem do nome do instrumento também é considerada. Talvez inicialmente fosse chamado de shirmanka, da palavra tela, já que os intérpretes do instrumento durante suas apresentações frequentemente se juntavam a marionetistas que trabalhavam atrás da tela durante as apresentações.

Graças aos tocadores de órgão, a popularidade do instrumento na Rússia cresceu muito rapidamente. Ganhando seu sustento, músicos errantes, às vezes acompanhados de órfãos, cantando em vozes lamentáveis, caminhavam pelos pátios das casas. Os tocadores de órgão em suas apresentações também envolviam pequenos macacos, que faziam caretas ao som do realejo, tropeçavam e até circulavam, dançando, além de grandes papagaios. Os pássaros tiraram da caixa papéis dobrados, nos quais estavam escritas as previsões do futuro.

O realejo, sendo muito procurado, foi constantemente modificado. Na virada dos séculos 19 e 20, vários tipos diferentes de instrumentos foram criados. Rolos foram substituídos por bandas perfuradas , cada um dos quais correspondia a um determinado som. Isso aumentou significativamente as possibilidades do instrumento e de gravar nele não apenas canções e danças populares, mas também trechos de óperas. Esses instrumentos são chamados de aristons. Já nessa forma, os realejos existiram até a década de 30 do século passado, e após o surgimento de meios mais avançados de reprodução de sons: gramofones, gramofones, tocadores elétricos, gravadores, foram totalmente suplantados e passaram a ser coisa do passado.

Hoje em dia, o realejo é uma curiosidade que se vê mais num museu do que se ouve na rua. É verdade que os habitantes de Paris, Viena, Berlim, Amsterdã e algumas outras cidades do mundo ainda se lembram dela, porque lá você ainda pode encontrar tocadores de órgão tocando sozinhos. E em homenagem ao realejo, que passou no teste do tempo, vários feriados e festivais com a participação de instrumento antigo, hoje melhorou muito.

Vídeo: ouça o realejo

INSTRUMENTOS MUSICAIS E BRINQUEDOS

Órgão de barril

Dmitri Shostakovich. Órgão de barril;
Peter Ilyich Tchaikovsky. O tocador de realejo canta.

1ª aula

Conteúdo de software. Ensinar as crianças a determinar a natureza da música (alegre, lúdica, travessa), a distinguir sua figuratividade (imitação dos sons de um realejo).

Progresso da lição:

Educador: Crianças, vocês já conhecem um pouco a obra de Dmitri Dmitrievich Shostakovich. Lembre-se de qual obra de D. Shostakovich você ouviu (executa um fragmento).

Crianças. "Marchar".

Educador: Qual é a natureza desta marcha? (Representa uma peça.)

Crianças. Brincalhão, engraçado, travesso.

Educador: Por que você definiu o caráter dessa música dessa maneira?

Crianças. A marcha soa espasmódica, alta, silenciosa, com sotaque, como se soldadinhos de chumbo estivessem caminhando.

Educador: Hoje você vai ouvir outra peça de D. Shostakovich - "The Barrel Organ". Quem sabe o que é um realejo?

Crianças. Este é um instrumento musical.

Educador: Isso mesmo, este é um antigo instrumento musical mecânico que toca melodias quando o tocador de órgão gira a manivela. Ela pode tocar uma ou mais músicas repetidas muitas vezes. Freqüentemente, as melodias do realejo são melancólicas, tristes. Moedores de órgão eram pessoas pobres. Eles ganhavam a vida vagando pelos quintais e ruas, girando incansavelmente a manivela de seu realejo. Seus sons melancólicos circulavam, e as pessoas jogavam moedas das janelas para o realejo. Todos vocês conhecem o conto de fadas de A. Tolstoi "A Chave de Ouro ..." Papa Carlo, que fez Pinóquio de uma tora, era um tocador de realejo. Você já viu tocadores de realejo em filmes também. Quem não se lembra de como ela é, olhe a imagem dela (mostra uma foto). Mas também havia realejos que tocavam melodias alegres e divertidas. Ouça a peça de D. Shostakovich "O realejo" e diga qual melodia ela toca (executa a peça).

Crianças. Alegre, brincalhão, alegre, engraçado.

Educador, isso mesmo, a música é despreocupada, lúdica, dançante. Ela se assemelha a uma cantiga alegre e travessa. Como D. Shostakovich retratou o realejo nesta peça? Ele repete alguma coisa? (Realiza acompanhamento separado.)

Crianças. Sim, os mesmos sons são repetidos.

Educador O acompanhamento na peça soa inalterado do começo ao fim (executa um fragmento de acompanhamento). Isso transmite a monotonia, o som mecânico desse instrumento. Ouça a peça novamente (a executa).

2ª lição

Conteúdo do programa. Distinguir a forma de uma obra musical, a natureza das partes individuais, determinar os meios de expressão musical que criam uma imagem (dinâmica, registro, acentos, articulação), a natureza da dança (uma polca clara e espasmódica).

Progresso da lição:

Educador: Crianças, agora vou tocar para vocês um trecho da peça que vocês já ouviram. Lembre-se de seu nome e autor (realiza um fragmento).

Crianças. Realejo de D. Shostakovich.

P e d a g o g Qual é a natureza da música? (Representa uma peça.)

Crianças. Alegre, brincalhão, brincalhão, travesso, dançante.

P ed a g o r E que tipo de dança toca o realejo?

Crianças. Polca.

P e da g o g Isso mesmo. Por que você determinou que isso é uma polca?

Crianças. A música é rápida, espasmódica, saltitante, alegre.

P e da g o g Isso mesmo. O ritmo é claro e dançante. A melodia é construída na alternância de sons suaves, deslizantes e bruscos e agudos. Existem muitos sotaques humorísticos na música que soam inesperadamente, provocativamente. Vou tocar o início da peça e você marca os acentos com palmas (realiza a primeira execução do tema, as crianças completam a tarefa). Como a melodia soa na segunda vez? (Realiza a primeira variação - compassos 11-18.)

Crianças. Quieto, abrupto, fácil.

Educador: Isso mesmo, a melodia soa fácil, insinuante, mas é interrompida por acentos travessos e arrogantes (executa um fragmento). Marque-os com palmas (executa repetidamente, as crianças completam a tarefa). A melodia continua mudando e o acompanhamento se repete o tempo todo (executa a peça até o fim). Nas duas primeiras vezes, a melodia soou diferente - a princípio bem alto, alegre, provocativo e depois baixinho, tímido, mas ainda com sotaques agudos e lúdicos. Como a melodia soa a seguir? (Realiza a segunda metade da peça, começando no compasso 19.)

Crianças. Primeiro suavemente, alto, baixinho, melodioso, depois alto, alegre, alto.

Educador. No início e no final, a melodia soa brilhante (executa o primeiro e última exploração tópicos), e no meio está quieto duas vezes, mas de maneiras diferentes. Ouça o personagem do tema pela segunda e terceira vez (executa essas variações).

Crianças. A segunda vez - espasmódica, leve, alegre e a terceira - suave, gentil.

Educador: Ouça com atenção. Embora última vez a melodia soava suave, gentil, ainda não perdia seu tom lúdico, alegre e travesso. Cada vez começa afetuosamente e termina com um som curto e abrupto (executa os compassos 19-26). Ouça a peça novamente (a executa).

3ª lição

Conteúdo do programa. Consolidar a capacidade das crianças de distinguir entre a introdução e a conclusão, partes da peça devido à mudança na natureza da música. Determine os timbres dos instrumentos musicais que correspondem à natureza do som das partes da peça. Toque esses instrumentos, enfatizando a originalidade rítmica e tímbrica da música.

Progresso da lição:

Educador Filhos, procurem descobrir o que estou tocando para vocês (faz a conclusão).

Crianças. Este é o realejo de D. Shostakovich. O fim da peça.

Professor Diz-me se a peça tem introdução e conclusão (representa-a na íntegra).

Crianças. Comer.

Educador Como soa a introdução? (Executa.)

Crianças. Sons repetidos de um realejo são ouvidos.

Educador E a conclusão? (Executa.)

Crianças. A princípio suavemente, silenciosamente e depois ruidosamente, alegremente.

Educador: E no final da peça a música soa lúdica, divertida. Começa afetuosamente, maliciosamente, e é subitamente interrompido por um acorde forte que encerra a peça. A conclusão é semelhante à passagem suave de uma melodia que soa em um registro agudo (executa um fragmento). Dissemos que a melodia se repete na peça de maneiras diferentes. Varia. Como soa na primeira e última vez? (Executa trechos.)

Crianças. Em voz alta, fervorosamente, com acentos.

Educador: Marcamos acentos com palmas, e hoje usamos pandeiro para isso. Ele vai enfatizar os acentos e dar sonoridade ao som. Vamos marcar os acentos da música primeiro com palmas e depois com pandeiros (faz a primeira parte, as crianças fazem a tarefa). Agora compare esta parte da peça com a última (quarta). Tem tantos acentos quanto o primeiro, ou não? (Executa trechos.)

Crianças. Não.

Educador Quantos acentos existem nesta melodia? (Executa a quarta parte.)

Crianças. Dois.

Educador Vamos celebrá-los com palmas (faz uma variação, as crianças completam a tarefa). E agora vamos bater no pandeiro durante os acentos (duas vezes); isso dará à música sonoridade, brilho. Vamos cantar juntos essa parte (toca com as crianças). E agora vamos pensar em quais instrumentos podem ser usados ​​\u200b\u200bna segunda e na terceira apresentação da melodia (executá-los). Como a música soa?

Crianças. Quieto, gentil. Na segunda parte abruptamente, e na terceira suavemente.

Educador A música da segunda parte soa tranquila, transparente, fácil. Você pode usar sinos suaves e os acentos ainda enfatizarão os pandeiros. Marque os acentos nesta parte da brincadeira com palmas (realiza a segunda execução do tema, as crianças completam a tarefa). Agora vamos tocar essa parte tanto nos sinos quanto nos pandeiros (faça novamente com as crianças). E na parte suave, quando a música soa muito alta, que instrumento pode ser usado? (Realiza um fragmento.)

Crianças. Triângulo.

P e da g o g Isso mesmo. Não há acentos nesta parte, e o triângulo vai enfatizar o som alto e sonoro da música. Vamos fazer a brincadeira toda (divide as crianças em grupos, distribui os instrumentos musicais, faz a brincadeira com eles).

4ª lição

Conteúdo do programa. Fortalecer a capacidade das crianças de orquestrar música. Distinguir o conteúdo emocional-figurativo das peças com o mesmo nome.

Progresso da lição:

Educador: Crianças, hoje vamos tocar a peça "Bar-organ" de D. Shostakovich com mais confiança e expressividade. Os acentos na música marcarão os pandeiros. O som suave, transparente e espasmódico da melodia será transmitido pelos sinos e o suave pelo triângulo. Quais ferramentas podem ser usadas na conclusão? (Trechos reproduzidos.)

Crianças. Triângulo e no final do pandeiro.

P e da g o g Isso mesmo. Quando a melodia soar suave, suave, um triângulo tocará. E para o acorde final - todos os instrumentos são divertidos, provocativos (faz a conclusão com as crianças). E agora vamos fazer a peça inteira (jogar). Que música fervente e travessa produzimos, com que alegria toca o realejo!

E agora vou apresentar para vocês outra peça com um título semelhante, "The Organ Grinder Sings". Foi escrita pelo grande compositor russo Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Ouça a peça e diga quais sentimentos, humores a música transmite (a executa).

Crianças. A música é triste, triste.

Educador: Isso mesmo, esse realejo toca uma melodia triste, melodiosa, triste, em contraste com a peça que conhecemos. E como o som monótono de um realejo é veiculado na nova obra? Existem sons repetitivos que a lembram de brincar? (Executa a segunda parte.)

Crianças. Comer. Os sons são repetidos.

O professor A peça consiste em duas partes. Eu toquei a segunda parte para você. Os sons repetitivos do realejo são especialmente audíveis nele. A música soa triste, triste. Apesar do fato de que em ambas as peças é transmitida a imitação dos sons de um antigo instrumento musical - um realejo -, que diferentes sentimentos e humores são expressos nelas! Ouça as duas peças novamente (executa-as).

5ª lição

Conteúdo do programa. Para transmitir o caráter da música em movimento, para determinar personagem diferente dançabilidade de peças contrastantes (polca, valsa).

Progresso da lição:

Educador Crianças, ouçam duas peças que vocês conhecem e nomeiem-nas (executa obras).

Crianças. Estes são o órgão de barril de D. Shostakovich e The Organ Grinder Sings de P. Tchaikovsky.

Educador Por que a peça de P. Tchaikovsky se chama "The Organ Grinder Sings"?

Crianças. Parece uma música - suavemente, cantarolando.

P edagogo Isso mesmo, na música de P. Tchaikovsky sente-se a cantilena da melodia, suavidade, sem pressa. Existe alguma dança nesta música? (Executa o início da peça.)

Crianças. Isso é uma valsa.

Educador, isso mesmo, o realejo da peça de P. Tchaikovsky toca uma valsa monótona e melancólica. E na peça de D. Shostakovich, que tipo de dança o realejo toca? (Realiza um fragmento.)

Crianças. Polca.

Educador Na peça de D. Shostakovich, soa uma cantiga travessa, que pode ser executada junto com a dança - uma polca leve e alegre. Vamos tentar transmitir em movimento a natureza diferente dessas peças, usando elementos de dança - polca e valsa (chamar as crianças em grupos, executar peças, discutir movimentos encontrados com sucesso).

Apresentação

Incluído:
1. Apresentação, ppsx;
2. Sons de música:
Chaikovski. O tocador de realejo canta. Álbum infantil, mp3;
Shostakovich. Órgão de barril (três versões: piano, orquestra sinfônica, música), mp3;
3. Artigo acompanhante - resumo das aulas, docx;
4. Notas para atuação independente do professor, jpg.

Instituição orçamentária municipal

Educação adicional

Escola de Arte Infantil nº 8

Ulyanovsk

Desenvolvimento metódico

"Análise metodológica de jogadas de

"Álbum infantil" de P.I. Tchaikovsky"

professor de ensino superior categoria de qualificação

aula de piano

MBU PARA DSH Nº 8

Chevachina Galina Alexandrovna

201 6 G.

anotação

O trabalho apresenta a história da criação da mais famosa e popular composição para crianças em estreita relação com a biografia do compositor. Na parte principal do trabalho, é feita uma descrição figurativa das peças e recomendações metodológicas para os professores trabalharem nas obras. .

1. Introdução……………………………………………..………….………….2-4

2. Parte principal……………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………….

3. Conclusão…………………………………………………………………….20

4. Literatura………………………………………………………………….20-21

"Análise metodológica de jogadas de

"Álbum infantil" de P.I. Tchaikovsky"

EU. Introdução

linguagem musical muito bom em transmitir sentimentos e humores. Para “desenhar” algo com a ajuda da música ou “contar” sobre algo, os compositores recorrem à linguagem verbal comum. Pode ser apenas uma palavra no título da peça.

Mas esta palavra guia nossa imaginação. Por exemplo, na peça "Canção da Cotovia", pequenas figuras com trigêmeos e notas graciosas transmitem o chilrear dos pássaros.

Todos os nomes e explicações verbais para obras musicais chamado de programa. E a música que tem um programa é chamada de música programada. Todas as obras da coleção "Álbum Infantil" são programáticas.

A primeira coleção notável de música para crianças na literatura de piano russa foi o "Álbum Infantil" de P.I. Tchaikovsky. O aparecimento desta colecção não é um fenómeno acidental em biografia criativa compositor. Tchaikovsky dedicou muito tempo e esforço atividade pedagógica. Além de trabalhar no Conservatório de Moscou, ele escreveu um livro sobre harmonia e traduziu várias obras de músicos da Europa Ocidental que poderiam ser úteis na educação de estudantes russos.

O "Álbum Infantil" não é apenas de grande valor artístico, mas também extremamente útil para a educação dos alunos.

Retornando à Rússia após uma viagem ao exterior na primavera de 1878, Tchaikovsky visitou a aldeia. Kamenka sua irmã Alexandra Ilyinichna Davydova, que teve 7 filhos. Pyotr Ilyich adorava seus sobrinhos e sobrinhas, caminhava com eles, arranjava fogos de artifício, apresentações musicais, noites de dança, participava de jogos, desfrutava da espontaneidade das crianças.

Tchaikovsky costumava ouvir os caras fazendo música, especialmente Volodya Davydov, de 7 anos. Ele escreveu N.F. com grande calor sobre seu sobrinho. von Meck: "Por causa de sua figura inimitável e charmosa, quando ele toca, olha as notas e considera, você pode dedicar sinfonias inteiras."

Foi a este Volodya Davydov que P.I. Tchaikovsky dedicou o seu “Álbum Infantil”, que enriqueceu a literatura musical infantil. peças de piano"Álbum Infantil", op. 89 foi escrito por P.I. Tchaikovsky em maio de 1878 e publicado por P. Jurgenson em outubro do mesmo ano. Na folha de rosto da primeira edição, o nome completo do ciclo: “Álbum Infantil. Coleção de jogos de luz para crianças (imitação de Schumann). Composição de P. Tchaikovsky.

De fato, pode-se traçar a conexão do "Álbum Infantil"

PI Tchaikovsky com um trabalho semelhante de R. Schumann "Album for Youth". Isso se expressa não apenas na escolha dos enredos (“Marcha dos Soldados” - e “Marcha dos Soldados de Madeira”, “Primeira Perda” - “Funeral da Boneca”, “Canção Folclórica” - “Canção Russa” etc.), mas também na escolha dos meios de encarnação musical. Ambos os compositores falam com as crianças de forma surpreendentemente clara e simples, e ao mesmo tempo séria, sem nenhum "ajuste". As coleções cativam com seu lirismo. Como Schumann, Tchaikovsky na maioria de suas peças enriquece o tecido musical com elementos de polifonia. Mas mesmo nessas obras para crianças, os compositores não se desviam dos princípios básicos de seu estilo para piano. Portanto, o "Álbum Infantil" de Tchaikovsky é percebido como música russa, como uma série de fotos dedicadas à vida e à vida das crianças russas. Pyotr Ilyich se esforçou para que sua música fosse viva e emocionante, por isso se interessou até pelo design externo da edição das peças - em fotos, no formato da coleção.

A influência de Schumann no estilo de piano de Tchaikovsky pode ser vista na semelhança de textura, ritmo e dinâmica. No "Álbum para a Juventude" e no "Álbum Infantil" as peças são entoacionalmente memoráveis, acessíveis à criança, contrastantes em caráter, mas unidas por uma ideia. Cada peça é uma pequena história da vida das crianças. Alinhados juntos, eles refletem o mundo inteiro. A natureza programática das coleções as torna compreensíveis e interessantes para pianistas iniciantes. Com extraordinária sensibilidade e sutil compreensão da psicologia infantil, o compositor refletiu no “Álbum Infantil” a vida e a vida das crianças do meio que o cercava todos os dias.

O "Álbum Infantil" de P.I. Tchaikovsky contém 24 peças que não estão conectadas por um único tema. Cada peça contém um enredo específico, um conteúdo poético vivo. A coleção captura uma ampla gama de imagens. São imagens da natureza - "Manhã de Inverno", "Canção da Cotovia", jogos infantis - "Jogo dos Cavalos", "Doença da Boneca", "Funeral da Boneca", "Boneca Nova", "Marcha dos Soldados de Chumbo", o personagens de contos folclóricos russos são delineados - "Nanny's Tale", "Baba Yaga", russo Arte folclórica- “Canção russa”, “Um homem toca gaita”, “Kamarinskaya”, canções de outras nações - “Antiga canção francesa”, “Canção italiana”, “Canção alemã”, “Canção napolitana”, danças europeias - “Valsa” , “Mazurca, Polca.

As obras da coleção são escritas para crianças, pelo que a textura, digitação, harmonia, articulação, dinâmica e pedalização têm em conta as capacidades de execução da criança. Tchaikovsky escreveu 19 peças de 24 em tons maiores, os acordes são destinados a mãos infantis, a dinâmica é de pp a f. A maioria das peças é escrita em forma simples de duas ou três partes.

Objetivo da redação do trabalho:

Analisar as obras do programa de compositores russos para crianças no exemplo de P.I. Tchaikovski.

Tarefas de trabalho:

analisar a relevância da aparência da coleção;

revelar as características figurativas das peças do álbum;

II. Parte principal

"Reflexão da Manhã"

Na primeira edição, a peça chamava-se "Oração da Manhã", assemelha-se a uma sarabanda - uma estrita quatro vozes, uma figura rítmica - um quarto com um ponto - um oitavo.

Um clima alegre e sério, por assim dizer, avisa que a história das crianças seguirá em tom sério. A peça está escrita na tonalidade de Sol maior. O personagem é calmo, pensativo, a textura com elementos de polifonia, a forma de um período prolongado com um grande acréscimo no ponto de órgão tônico.

A articulação e a dinâmica devem enfatizar a expressividade da peça. É importante obter um som de legato suave e melodioso em todas as vozes.

Um trabalho particular deve ser feito no ponto do órgão tônico.

"Manhã de inverno"

A peça captura a imagem de uma manhã de inverno gelada e com neve e, ao mesmo tempo, transmite o humor psicológico da criança. A obra começa em um alegre Ré maior, que logo se modula em um paralelo menor, como se a alegria fosse ofuscada pelo tempo nublado.

A peça é escrita em uma forma simples de 3 partes. As partes extremas agitadas e assertivas são contrastadas pelo meio, onde aparecem entonações suplicantes e queixosas.

No início da peça, uma sequência de segundos decrescentes em ritmo acelerado cria uma sensação de vivacidade, a agitação de um dia que acaba de começar. E no meio, o reagrupamento rítmico, o som do intervalo de um segundo aumentado e a mudança da direção do movimento ascendente para descendente criam a impressão de uma entonação lamentosa de uma criança. Na reprise, entonações ativas e suplicantes parecem se combinar.

A textura da peça é cordal. O pedal na primeira parte da peça é reto, curto: é tocado na primeira batida e no meio - na primeira batida de cada segundo compasso.

"Mãe"

O próprio título contém o significado da obra, que é enfatizado pela observação do autor - “Com muito sentimento e ternura”. Uma melodia afetuosa, gentil e leve canta, e toda a textura canta com uma voz baixa “melodizada”. Ao trabalhar uma melodia, é necessário obter um som de cantilena bonito e profundo (é melhor extraí-lo com a almofada do dedo levemente esticado com um leve movimento unificador do pincel a cada três notas).

No meio da peça, surge uma “nuvem de sombra”, surgem ecos melódicos. É importante ouvir bem a linha melódica do baixo. Deve ser ensinado separadamente e legato.

"Jogo do Cavalo"

Este scherzo enérgico, pictórico e ensolarado é provocativamente infantil, com um ritmo teimoso de ostinato. Este é o andamento de uma pequena tocata, que se caracteriza por um tema rápido, facilidade de execução. O aluno pode imaginar ator montando uma bengala ou um cavalo de brinquedo. A peça inteira deve soar bem distinta e nítida.

A peça é escrita em forma simples de três partes em forma de tocata com o mesmo tipo de pulso rítmico, imitando o barulho dos cascos de um cavalo a galope. A peça está em consonância com a miniatura de R. Schumann "The Bold Rider".

Do começo ao fim, a peça é escrita em uma estrutura de acordes de quarteto de quatro vozes. O aluno precisa ser auxiliado para alcançar a harmonia sonora dos acordes. Portanto, é necessário trabalhar o staccato em um ritmo lento: o staccato é executado com os menores movimentos do pincel com as pontas dos dedos combinadas. O professor deve garantir que o aluno não faça movimentos desnecessários e, com notas repetidas, use um ensaio duplo de piano.

É útil aprender a melodia e o acompanhamento separadamente, você também pode trabalhar a parte da mão direita em um andamento lento, tocando-a com as duas mãos.

Quando a sonoridade é aumentada, a mão “se conecta” aos dedos e depois ao antebraço. Ao mudar para um tempo rápido, você precisa manter as técnicas pianísticas.

Na parte central da peça (a partir do compasso 25) sente-se claramente uma mudança de modo (primeiro em Si menor, e depois tudo se repete em Mi menor). Na textura do acorde, aparecem ecos. Depois de uma sombra corrida, Ré maior soa especialmente leve e assertivo na reprise.

"Marcha dos Soldados de Madeira"

Esta peça é uma marcha engraçada, ao som de uma orquestra de “brinquedo” com flautas e tambores, um exército de soldados de madeira de brinquedo parece cunhar um passo. Portanto, as principais dificuldades nesta peça são rítmicas. A peça inteira deve ser tocada de forma extremamente clara, uniforme, estrita, em ritmo moderado. Primeiro, é importante ensinar a peça em um ritmo lento com dedos fortes. É importante conseguir do aluno o afastamento simultâneo das mãos durante as pausas, a execução exata do padrão rítmico e atenção ao dedilhado.

A peça é escrita em uma forma simples de três movimentos. O meio da peça soa secreto e até um pouco ameaçador, graças à mudança de modo (lá menor) e ao uso da harmonia napolitana.

"Doença da Boneca"

Tchaikovsky escreveu um ciclo sobre bonecas, que incluía: "A doença da boneca", "O funeral da boneca", "A nova boneca".

Quanto P.I. Tchaikovsky tem uma observação viva, esboços certeiros de uma psique infantil caprichosa com transições características da tristeza à alegria, das lágrimas ao riso e diversão.

"The Doll's Illness" é uma peça triste: a boneca está doente, sofrendo, gemendo, reclamando. É preciso trabalhar com o aluno uma melodia melodiosa, um baixo expressivo e harmonias sucessivas. Você pode aprender a melodia separadamente, sem pausas em um ritmo mais móvel, para sentir melhor seu desenvolvimento. As harmonias verticais precisam ser reunidas em um acorde para que sejam mais fáceis de ouvir.

Nesta peça é bom ensinar a criança do pedal atrasado. Leve-o para um quarto com um ponto na parte da mão esquerda e ouça-o junto com a nota melódica até o final do compasso e, em seguida, remova-o suavemente. E assim em cada próximo ciclo.

Na música você pode ouvir suspiros, lágrimas e respiração irregular.

7. "Boneca funerária"

Primeiras derrotas homem pequeno, experiências sérias, encontro com a morte estão em consonância com a peça de R. Schumann "A Primeira Perda".

Em uma solene procissão fúnebre, um sombrio dó menor, soa uma marcha fúnebre. Com dinâmica, o compositor retrata a aproximação do cortejo fúnebre ou a saída. Figura rítmica: meia, oitava com ponto, décima sexta e novamente meia - característica da marcha fúnebre.

A natureza sombria da música é enfatizada por acordes pesados ​​e intervalos no acompanhamento.

A criança precisa ser explicada que nesta peça o enterro é uma marionete e ela precisa ser tratada, como jogar.

"Valsa"

Valsa é dança par, é baseado em giro suave. A valsa é um dos gêneros favoritos de P.I. Tchaikovsky. Esta valsa tem características de salão e humor lírico na primeira parte, e torna-se característica, brilhante na segunda parte. E você pode imaginar a primeira parte como um “sorriso de criança” e a segunda parte como um “soluço”. Afinal, só as crianças podem sorrir e chorar ao mesmo tempo.

Esta peça é escrita em uma forma complexa de três partes. Junto com a própria valsa, possui trechos com elementos de uma dança característica (na parte central). Para revelar as características do trabalho, você precisa fazer comparações figurativas. Por exemplo, imagine comemoração de ano novo e crianças dançando perto da árvore de Natal. Uma dança alegre segue a outra. A valsa suave e graciosa é substituída pela dança de uma pequena bailarina executando passos intrincados (compassos 18-38), que é substituída por uma dança desajeitada e engraçada de saltimbancos (compassos 38-52).

É melhor começar a trabalhar em uma valsa com acompanhamento - legato, com uma dependência levemente perceptível do baixo.

Ao trabalhar em uma melodia, você precisa alcançar melodiosidade e plasticidade, preste atenção às síncopas em 2-4 compassos.

Na parte do meio, você precisa ajudar o aluno a sentir a polimetria - uma combinação de um acompanhamento de valsa de três partes com uma parte de duas partes da mão direita, para sentir as duas vozes.

A pedalização ajudará a identificar a dançabilidade: conectar um pedal de baixo atrasado com acordes.

"Nova Boneca"

Este é um esboço psicológico sutil - a alegria de uma garota com um presente maravilhoso - uma nova boneca.

A peça é baseada no gênero valsa. A leveza do movimento intermitente flexível da melodia cria uma atmosfera de alegria infantil.

A sensação de uma melodia “voadora” para a nota “G” do sexto compasso torna possível tocar toda a primeira formação “de uma só vez”.

O aluno deve explicar que as léguas na parte do meio não são fraseadas, mas tracejadas, refletem excitação e impaciência.

Pegue o pedal curto, à custa de "tempos".

"Mazurca"

nome polonês dança folclórica"Mazurka" vem de "mazur" - o nome dos habitantes da Mazóvia. A mazurca é caracterizada por uma métrica e ritmo tripartidos, com uma frequente mudança de ênfase para o segundo e terceiro tempos de compassos.

Um toque distinto e preciso das pontas dos dedos no teclado do piano, um tempo lento, uma audição clara de harmonia, dedilhado confortável, pedalagem que ajuda a marcar uma batida forte ou uma sincopação - é isso que ajudará o aluno a aprender a mazurca em o personagem certo.

"canção russa"

“Russian Song” é construída sobre uma genuína melodia folk “You’re Head, My Little Head”, incluída pelo compositor em sua coleção “50 Russian Folk Songs for Piano in 4 Hands”.

Com a mesma melodia, a música varia devido ao movimento dos graves e subtons.

Ao trabalhar em uma peça, você precisa garantir que o aluno ouça uma combinação de vozes. Para este propósito, duas vozes em uma mão devem ser ensinadas com duas mãos.

O homem toca gaita

A peça é extremamente imaginativa. A imagem de um homem em um monte tentando aprender a tocar gaita. Como se a contragosto, sem pressa, com preguiça, o camponês cria peles de gaita - ele obviamente sabe tocar apenas esse único motivo e o repete indefinidamente. Não há desenvolvimento aqui.

Na forma, é um tema de variações. A miniatura termina com a repetição repetida de sua harmonia principal - o acorde de sétima dominante, que atua como base tonal. Apesar de sua simplicidade, a peça soa fresca e pitoresca.

13. Kamarinskaya

Esta peça ganhou a maior popularidade. Nele, Tchaikovsky usa a entonação natural e cotidiana da dança.

“Kamarinskaya é escrita em ré maior, esse é o tom do herói do ciclo, resultado do desenvolvimento do herói, sua formação como russo.

Em "Kamarinskaya" você pode ouvir uma canção folclórica - uma dança com um personagem ousado e alegre.

"Kamarinskaya" imita métodos populares de variação. No tema (12 compassos) da parte da mão esquerda, o zumbido do som D-bass e a voz superior lembram o som instrumento folclórico gaitas de foles, nas quais você pode tocar uma melodia e um baixo alongado ao mesmo tempo. A voz superior soa como uma balalaica. O Staccato deve ser tocado bem curto, com uma "pitada".

O clímax da peça está na segunda variação. Acordes maciços definidos em duas oitavas soam densos e ricos. Para atingir a sonoridade desejada, eles devem ser retirados com a mão inteira, com um movimento “da tecla”. Essa variação de sonoridade se assemelha a uma gaita.

O pedal é reto, curto, para cada acorde.

14. "Polca"

A polca é uma dança graciosa e alegre com humor alegre nas partes extremas e com um toque de angularidade cômica e falta de jeito no meio. Na polca, você precisa obter um som leve e elegante. É necessário trabalhar o acompanhamento, conseguindo um leve staccato com pequenas “picadas” de notas graves, é melhor executar o staccato com um pequeno empurrão “da tecla”.

15. "Canção italiana"

Escrito na tonalidade de Ré maior. Foi criado como um esboço doméstico durante uma viagem ao exterior. Em uma carta de Florence, o compositor escreveu que certa vez ele e seu irmão ouviram um menino de dez anos cantando uma canção trágica com um violão. Ele cantou com uma bela voz grossa com tanto calor que tocou o coração de Pyotr Ilyich. E essa música foi incluída na coleção chamada "Italian Song".

A peça é escrita em uma forma simples de duas partes. A leve melodia flui calmamente, sem pressa.

Ao aprender esta peça com um aluno, deve-se focar na natureza da valsa da imagem musical. É necessário trabalhar separadamente a melodia (comovente, graciosa na primeira parte e cantilena na segunda) e o acompanhamento (leve, valsa, com uma leve dependência do baixo).

Na segunda parte, a textura torna-se mais complicada: a melodia e o acompanhamento são transferidos para a mão direita e, para a esquerda, um monótono movimento “mecanizado” de quartos aparece no baixo sustentado.

Deve-se ter cuidado para garantir que o acompanhamento na mão direita soe muito baixo e não abafe a melodia.

16. "Uma velha canção francesa"

Esta é uma música melancólica e cheia de alma, como uma lembrança de um passado distante.

A peça é escrita na forma de três movimentos, em sol menor. A melodia na primeira parte deve soar profunda, prolongada. Existem duas vozes na mão esquerda.

O movimento do meio começa secretamente, em um acompanhamento staccato de "violoncelo", e então chega rapidamente a um clímax. Na melodia, apesar das ligas curtas, você deve tentar evitar o esmagamento. O acompanhamento é melhor executado com movimentos leves de pincel, mas dedos fortes. Antes da culminação, convém fazer um pequeno ritenuto e cesura, para que depois dele a maravilhosa melodia da reprise soe ainda mais penetrante.

17. "Canção alemã"

"Canção alemã" - alegre, com uma "melodia saltitante". Baseia-se nas entonações da canção tirolesa, e o ritmo lembra a antiga dança de Lendler, popular na Alemanha e na Áustria.

Com os alunos, é útil ensinar o acompanhamento separadamente: leve o baixo mais fundo e a segunda e terceira batidas são mais fáceis, leve o pedal atrasado até a contagem “um”. A "canção alemã" é escrita em três partes.

18. "Canção napolitana"

A "canção napolitana" está cheia de renascimento movimentado das praças italianas. Deve ser executado facilmente, observando com precisão todos os golpes.

A peça temperamental e graciosa lembra a tarantella de dança nacional italiana - cheia de energia, explodindo de diversão no final. Na melodia e no ritmo da peça, os giros característicos do italiano música folclórica- ritmos e entonações repetitivas, acentos após pausas, imitação dos sons de instrumentos musicais folclóricos.

Uma falha de execução comum é o som difuso de uma figura rítmica típica de castanholas ou guitarras - duas semicolcheias e duas colcheias, nas quais a segunda semicolcheia nem sempre é clara.

Outra desvantagem é o peso do acompanhamento, que reduz significativamente a expressividade da execução da peça. Para superar essas dificuldades técnicas, é útil praticar a parte da mão esquerda com um movimento do pulso para cima em um segundo tempo acentuado. Ao executar uma melodia, é necessário executar todos os golpes indicados pelo compositor: ligas, pausas, acentos.

A peça é escrita em três partes. É composto por três períodos, cada um dos quais consiste em duas frases. O segundo período (compassos 20 e 36) desenvolve o primeiro, mas soa mais lírico e suave. A terceira, ao contrário, é mais temperamental e brilhante: o andamento, a dinâmica e a textura mudam. A execução do acompanhamento desta parte causa algumas dificuldades devido à sua dispersão. É necessário unir o baixo e o acorde (alternando constantemente) em um movimento. Isso evita confusão, peso, dá precisão e confiança ao jogo.

Repetir os sons da melodia após as ligas deve soar fácil, mas claro. Ao executar uma peça, é necessário evitar a sonoridade densa do pedal.

19. "Conto da Babá"

Entre impressões vívidas infância, capturada por Tchaikovsky, pode-se notar as imagens dos contos populares. Ocorre no final da tarde. É hora de colocar o bebê na cama e "assustar". É aqui que o som original toca: "Nanny's Tale" e "Baba Yaga" - um exemplo muito raro e expressivo da fantasia de Tchaikovsky.

Nesta peça, pode-se imaginar uma velha babá que imediatamente se transforma em nossa imaginação na imagem de uma feiticeira fantástica.

(por exemplo, Naina de Pushkin). Alguma angularidade, apresentação "espinhosa", estranheza rítmica, colocação intrincada de acentos contribuem para criar uma atmosfera de fabulosidade, a linha de baixo lembra os medos das crianças.

A imagem original dos contos de fadas da babá abre uma nova página no romance "infantil", completamente diferente do de Mussorgsky, tanto na expressão quanto na forma. Nas harmonias incomuns de "Nanny's Tale", algo caprichoso e fantástico se ouve na música.

A peça é escrita em três partes.

"Nanny's Tale" e "Baba Yaga" são duas transitoriedades sinfônicas entre as imagens visuais do mundo infantil e as imagens líricas do "Álbum Infantil".

20. Baba Yaga

Baba Yaga é fabulosa imagem fantástica. O staccato seco cria a impressão de dureza e espinhos, inextricavelmente ligados em nossa imaginação à imagem de uma bruxa feroz. Na música, você pode ouvir como "Baba Yaga" corre atrás de alguém em sua perseguição. E, ao que parece, você acredita em como ela voa sobre as florestas e vales em sua argamassa, "dirige a sexta, varre a trilha com um cabo de vassoura".

Ataques furiosos de colcheias, como se quebrando em acordes sforzando, dão a esta imagem um tom de embotamento (uma impressão semelhante é criada em "Hut on Chicken Legs" de Mussorgsky por um retorno constante ao som "sal").

Aprenda staccato com um aluno em legato e depois em portamento em ritmo lento.

Desempenha um papel significativo linguagem harmônica tocam. P.I. Tchaikovsky, como Mussorgsky, usou o tritão para caracterizar Baba Yaga.

A peça é escrita em uma forma simples de três movimentos. O som angular do início da obra é semelhante a um andar manco personagem de conto de fadas. No movimento de colcheias na parte central, um vôo fantástico parece ser acompanhado por um “assobio do vento”, um golpe de “staccato” confere à caracterização da música uma estranheza sinistra.

21. "Doce sonho"

Esta peça é escrita no gênero de letras de romance. Toda criança quer que sua mãe conte ou cante algo muito agradável à noite, então os sonhos serão agradáveis. "Sweet Dream" é escrita em três partes.

Para que a brincadeira da criança não seja estática e monótona, é preciso ensiná-la a desmontar a construção de uma linha melódica, a sentir a atração mútua dos sons dentro das frases. Trabalhando com um aluno na melodia da 1ª parte, você precisa explicar a ele a natureza da entonação principal da peça (os primeiros dois compassos), expressando um terno desejo espiritual. Mostre a aspiração da melodia ao som “mi” e, em seguida, um leve declínio para a mínima “la”. Trabalho adicional no desenvolvimento da linha melódica. O próprio Tchaikovsky organizou todas as tonalidades dinâmicas: o som cresce gradualmente em direção ao 6º compasso de cada uma das duas frases, e o clímax principal de todo o período está na segunda frase (14º compasso). O clímax deve ser tocado não apenas com um som mais brilhante, mas também mais amplo, como se separasse os sons um pouco. O aluno precisa explicar o significado de algumas frases para captar as mudanças na entonação principal, que ora se torna persistente e enérgica, ora um tanto triste.

O clímax principal de "Sweet Dream" está na segunda construção da seção intermediária. No meio da peça, a melodia passa para o registro inferior do “violoncelo” e, portanto, deve soar especialmente rica. Então (nos compassos 22-24, 31-32) duas vozes conduzem a melodia: o "violino" superior e o "violoncelo" inferior. O clímax principal da parte do meio contribui para um maior alívio do som da reprise.

O acompanhamento na peça ocorre na voz média. Deve soar muito suave e uniforme. Para isso, é preciso ensinar a parte da mão esquerda com as duas mãos nas partes extremas: o legato esquerdo conduz a voz grave, e o direito, com um pequeno toque no instrumento, executa as oitavas.

O pedal deve ser levado para cada nota da melodia, serve como meio de colorir.

"Sweet Dream" é um excelente material legato.

22. "Canção da Cotovia"

"Song of the Lark" - leve, claro, como se tocando na música azul transmitisse a sensação de despertar natureza da primavera. Para as crianças, a cotovia é um pássaro acima do campo, e para o compositor é um símbolo do vôo de sua imaginação, inspiração. Esta é a iluminação do Herói no "Álbum Infantil". Volte na memória para a manhã da vida, porque a cotovia canta de manhã cedo. Este é um contrapeso para "Winter Morning". Esta peça é o culminar de todo o ciclo. A “Canção da Cotovia” é, por assim dizer, permeada pelo “canto dos pássaros”. Este é um esboço pitoresco com um clima alegre e alegre, e somente na segunda parte se ouve um toque de tristeza na graça da valsa.

E assim, Lark é o próprio compositor, cantor e criador.

A peça é escrita em forma simples de três partes, com acompanhamento de acordes, com um tom harmônico na voz superior. A textura da peça é baseada em pequenas figuras em tercinas e notas graciosas, que se localizam no registro superior. A cadeia contínua de notas graciosas evoca associações com o alegre chilrear dos pássaros.

Ao trabalhar com um aluno em uma figura posicional, é necessário explicar ao aluno que três semicolcheias devem ser direcionadas para a oitava, tocadas ritmicamente com precisão e soarem claras, quebradiças, não amassadas.

As notas graciosas devem ser ensinadas separadamente para que soem muito claras e altas.

Ao trabalhar na parte da mão esquerda, é útil tocá-la em legato e depois na forma de acordes curtos e tenazes.

23. "O realejo canta"

P.I. Tchaikovsky, lembrando-se da Itália, que amava com seus realejos e cantores de rua, escreveu a peça "The Organ Grinder Sings", que foi incluída no "Álbum Infantil". Esta peça foi escrita com a melodia de uma das canções, cantada por uma menina italiana.

“The Organ Grinder Sings” é um quadro musical onde um músico errante com um realejo e um macaco canta suas canções enquanto viaja pelo mundo, e para o compositor é ele mesmo, viajando em suas criações pelo mundo.

A peça é escrita em forma simples de duas partes, no ritmo de uma valsa, como a "Canção Italiana". A melodia é leve, flui com calma, sem pressa. Para que o aluno toque a linha melódica inicial sem quebrar e empurrar, ele precisa mostrar a ascensão da onda sonora até a nota “mi”.

Na segunda parte, a textura fica mais complicada. A melodia e o acompanhamento são transferidos para a mão direita, e na esquerda, em um baixo sustentado, surge um movimento monótono de quartos (isso lembra o movimento uniforme da mão de um tocador de órgão). Com o aluno, você precisa trabalhar mais a expressividade da melodia e o som tranquilo do acompanhamento, que não abafa a melodia.

24. Refrão

O "Álbum Infantil" de Tchaikovsky começa com "Reflexão Matinal" e termina com a peça "Coral" (na primeira edição, ambas as peças tinham títulos diferentes - "Oração Matinal" e "Na Igreja"). A música de "Morning Reflection" é repleta de um clima alegre e sério, como se avisasse que a história das crianças seguiria em tom sério. "Coral" soa mais concentrado, áspero, triste.

Ambas as peças têm muito em comum: um caráter calmo e pensativo, uma textura com elementos de polifonia, uma forma de período estendido com uma grande adição no ponto do órgão tônico. Eles também são reunidos pelo parentesco das tonalidades (sol maior e mi menor). Em Chorale, Tchaikovsky se refere ao cânone do serviço noturno. Esta peça soa como um chamado para buscar "o caminho para o templo". Tchaikovsky dirige-se às crianças com a esperança de que quaisquer dificuldades na vida possam ser superadas. Você pode sair dos conflitos da vida com a ajuda de pessoas próximas - a peça "Mãe", voltando-se para a arte - "Valsa", em união com o povo - "Kamarinskaya" e, finalmente, em própria criatividade- "Canção da Cotovia".

A peça é escrita em duas partes. O caráter da primeira parte concentra-se em profundidade na terra. Textura de acordeão. Você precisa trabalhar com o aluno a harmonia dos acordes e, para isso, explicar à criança que é necessário destacar a voz superior e o baixo nos acordes.

Na segunda parte, os acordes são escritos em registro agudo, e os baixos no ponto tônico do órgão (o som “G”) soam mais intensos (simbolizando a inexorável passagem do tempo).

A música desta peça lembra o cânone da igreja "Senhor, tem piedade ..." O pedal é atrasado (é aconselhável não levá-lo ao fundo).

III. Conclusão.

As sutis conexões semânticas que existem entre as peças extremas da coleção "Morning Prayer" e "In the Church" (títulos da primeira edição) contribuem para a harmonia e completude composicional do "Álbum Infantil". Suas 24 peças são como um esboço das impressões coloridas do dia.

O “Álbum Infantil” visa tanto a formação do intérprete quanto a educação da personalidade da criança. Obras compreensíveis para crianças são guias para música "adulta".

"Children's Album" de P.I. Tchaikovsky é a primeira coleção de piano russo escrita especificamente para crianças.

"Álbum infantil" está incluído no fundo de ouro do mundo literatura musical para crianças.

Em uma de suas cartas, P. I. Tchaikovsky escreveu: “A arte é igualmente capaz de tocar a alma de uma criança e de um adulto, portanto o caminho da arte para a criatividade torna-se o tema do Álbum Infantil. Através do "Álbum Infantil" recebemos amostras brilhantes de peças - material musical e educacional para crianças, mas também lições de vida sábias para todos nós.

4. Literatura

1.B. Asafiev Música russa sobre crianças e para crianças // Obras selecionadas, vol IV. Moscou: Academia de Ciências da URSS, 1955

2.P.I. Cartas de Tchaikovsky para parentes. Favoritos. Moscou: Muzgiz, 1955

3.A.D. Alekseev História da arte do piano M.: Música 1988.

4. A. Alshvang P. I. Tchaikovsky - M: Muzgiz, 1959.

5.G.G.Neigauz "Notas de um professor". M., 1961; 1982.

6.G.Dombaev Criatividade P.I. Tchaikovski. em materiais e documentos. M.: Muzgiz, 1958.

7. P.I. Tchaikovsky "Álbum infantil" - um ciclo de piano de 24 peças. Moscou "Música" 1981

Hoje continuaremos o tema de instrumentos musicais interessantes (lembre-se da lição nº 014 ""). Papa Carlo do conto de fadas "Pinóquio" era um tocador de realejo! Ouviremos com as crianças "The Organ Grinder Sings" de Pyotr Tchaikovsky e "The Barrel Organ" de Dmitry Shostakovich. Gire a manivela de um realejo imaginário, desenhe os sons de um realejo e fantasie, crie e mergulhe no maravilhoso mundo da música clássica.

Órgão de barril! Órgão de barril! Moedor de órgão! Olhar! Ele gira a manivela e a música soa, que milagre, que milagre! Vamos relembrar o conto de fadas chave de ouro". Quem trabalhou como Papa Carlo, que fez Pinóquio de toras? Ele era tocador de realejo.

Sharmanka é um antigo instrumento musical mecânico que toca melodias quando um tocador de órgão gira uma manivela. O realejo pode tocar uma ou mais melodias. Freqüentemente, as melodias do realejo são melancólicas, tristes. Moedores de órgão eram pessoas pobres. Eles ganhavam a vida vagando pelos quintais e ruas, girando incansavelmente a manivela de seu realejo. Seus sons melancólicos circulavam, e as pessoas jogavam moedas das janelas para o realejo.

"... Um velho entrou no quintal com uma caixa pintada de cores coloridas no ombro, geralmente um macaco sentado nela. Era um tocador de realejo. Ele tirou o fardo do ombro e começou a girar constantemente a alça do hurdy -gurdy, e os sons de valsas e polcas foram ouvidos com um gemido e soluços, muitas vezes discordantes e falsos..."(L. Mikheeva).

"O tocador de órgão canta" Pyotr Ilyich Tchaikovsky (peça do "Álbum Infantil") - Esta peça é um esboço característico do gênero, cujos sons retratam um velho. Ele gira o cabo do realejo e belos sons prolongados saem dele. A peça "The Organ Grinder Sings" é baseada no motivo italiano (veneziano). Um tema despretensioso, mas sabiamente calmo, dissipa os pensamentos sombrios de uma criança. A música é como uma valsa. A música é triste, triste. O realejo toca melancolicamente, melodiosamente, tristemente.

realejo Dmitry Dmitrievich Shostakovich- música despreocupada, brincalhona, alegre, brincalhona, alegre, engraçada, animada, semelhante a uma dança de polca. Os mesmos sons se repetem, imitando a torção do cabo de um realejo, monotonamente e monotonamente.

O curso da nossa lição:

1. Dizer em suas próprias palavras, o que é um realejo, mostre como o tocador de realejo gira o tocador de órgão, a que horas o tocador de órgão foi usado e para quê. Mostrar ilustrações sanfona, sanfona. A chave aqui está em suas próprias palavras! Não há necessidade de ler definições de dicionários. Leia o poema, cite, mas o texto principal, por favor, conte com suas próprias palavras.
2. Ouça "The Organ Grinder Sings" de Pyotr Tchaikovsky. Lembre às crianças que esta peça é do "Álbum das Crianças", que você já conheceu nas aulas anteriores. Tente pegar tantos adjetivos quanto possível para descrever a música, personagem e humor.
3. Ouça o órgão de tambor de Dmitri Shostakovich. Este é um novo compositor para nós. Pergunte às crianças sobre o clima da música. Compare com "The Organ Grinder Sings", discuta as diferenças e por quê.
4. Dança ao som da música, mova-se sob o "moedor de órgão canta" e "moedor de órgão". Mover-se livremente. Gire o realejo, dance nas ruas da cidade, sonhe na janela com a triste canção do realejo.
5. Empate lápis, tintas, giz de cera, canetas, canetas hidrográficas. O que quer que seus pequenos ouvintes desejem. Discuta as imagens que você desenhou enquanto descrevia a música novamente. Pergunte qual peça você gostou mais e por quê, qual você gostaria de ouvir novamente.

Fet Afanasy Afanasyevich

Moedor de realejo

Agarrei-me à janela no escuro -
Bem, certo, não pode ser mais inapropriado:
Novamente na pista o velho
Com sua música incessante!

Esses sons assobiam e cantam
Estranho-triste-estranho...
Levante-se diante de mim, levante-se
Atrás do quadro estão duas cabeças brilhantes.

Acima deles a superfície de vidro
Durante o mês é cristal brilhante.
Um é tão vivamente alegre
O outro está tão languidamente triste.

E é uma velha canção! - com tristeza
Nós gentilmente apreciamos o passado
E eu sinto muito por ambos
E estou feliz por ambos.

Entre eles é visível
Ainda uma cabeça jovem
E tudo o que ele é bom, como um,
E tudo o que ele está triste, como outro.

Ele é para sempre dedicado a um
E a tristeza é atormentada pela isca ...
Você vai embora, gaer de cabelos grisalhos,
Com seu persistente realejo? ..

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