Compositores estrangeiros da era do romantismo. A Cultura Musical do Romantismo: Estética, Temas, Gêneros e Linguagem Musical

A música ocupou um lugar especial na estética do romantismo. Foi declarado modelo e norma para todas as áreas da arte, pois, devido à sua especificidade, é capaz de expressar da forma mais plena os movimentos da alma.“A música começa quando as palavras terminam” (G. Heine).

O romantismo musical como uma direção desenvolvida no inícioXIXséculo e desenvolveu-se em estreita ligação com várias tendências da literatura, pintura e teatro. Primeira etapa o romantismo musical é representado pelas obras de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; a próxima etapa (1830-50) - a obra de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. A fase tardia do romantismo se estende até o fimXIXséculo. Assim, se na literatura e na pintura a direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento em meadosXIXséculos, a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa.

No romantismo musical, assim como em outras formas de arte e literatura, a oposição do mundo dos ideais belos e inatingíveis e da vida cotidiana permeada pelo espírito de filistinismo e filistinismo deu origem, por um lado, ao conflito dramático, ao domínio de motivos trágicos de solidão, desesperança, errância, etc., por outro - a idealização e poetização do passado distante, da vida popular, da natureza. Em comum com o estado de espírito de uma pessoa, a natureza nas obras dos românticos costuma ser colorida com uma sensação de desarmonia.

Como outros românticos, os músicos estavam convencidos de que os sentimentos são uma camada mais profunda da alma do que a mente:"a mente está enganada, sentimentos - nunca" (R. Schumann).

O interesse inerente pela música romântica personalidade humana expresso na predominância detom pessoal . A revelação do drama pessoal muitas vezes adquiriu uma conotação entre os românticos.autobiografia, que trouxe uma sinceridade especial para a música. Assim, por exemplo, muitos obras de piano Schumann estão ligados à história de seu amor por Clara Wieck. Berlioz escreveu a sinfonia autobiográfica "Fantástica". Personagem autobiográfico Wagner enfatizou suas óperas de todas as maneiras possíveis.

Muitas vezes entrelaçado com o tema da "confissão lírica"tema da natureza .

A verdadeira descoberta dos compositores românticos foitema fantasia. A música pela primeira vez aprendeu a incorporar imagens fabulosas e fantásticas por meios puramente musicais. em óperasXVII - XVIIIpersonagens "sobrenaturais" de séculos (como a Rainha da Noite de " flauta mágica”) falou na linguagem musical “geralmente aceita”, destacando-se pouco do background de pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a "Cena da Ravina do Lobo" no Weber's Magic Shooter.

Se XVIIIséculo foi a era dos improvisadores virtuosos de tipo universal, igualmente hábeis em cantar, compor, tocar vários instrumentos, entãoXIXo século foi uma época de entusiasmo sem precedentes pela arte dos pianistas virtuosos (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

A era do romantismo mudou completamente" geografia musical paz." Influenciado pelo despertar ativo consciência nacional dos povos da Europa, as escolas de jovens compositores da Rússia, Polônia, Hungria, República Tcheca e Noruega avançaram para a arena musical internacional. Os compositores desses países, incorporando as imagens literatura nacional, histórias, natureza nativa, contou com entonações e ritmos do folclore nativo.

EM o mais alto grau característica do romantismo musical é o interesseArte folclórica . Como os poetas românticos que, à custa do folclore, enriqueceram e atualizaram linguagem literária, músicos amplamente voltados para o folclore nacional - músicas folk, baladas, épicas (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). Incorporando as imagens da literatura nacional, história, natureza nativa, eles contaram com as entonações e ritmos do folclore nacional, revivendo os velhos modos diatônicos.Sob a influência do folclore, o conteúdo da música européia mudou drasticamente.

Novos temas e imagens exigiram o desenvolvimento de românticosnovos meios de linguagem musical e os princípios de modelagem, individualização da melodia e introdução de entonações de fala, expansão do timbre e paleta harmônica da música (trastes naturais, justaposições coloridas de maior e menor, etc.).

Como o foco dos românticos não é mais a humanidade como um todo, mas pessoa especial com seu sentimento único, respectivamentee nos meios de expressão, o geral cada vez mais dá lugar ao individual, individualmente único. A proporção de entonações generalizadas na melodia, progressões de acordes comumente usadas na harmonia e padrões típicos na textura estão diminuindo - todos esses meios estão sendo individualizados. Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais.

O ponto mais importanteestética o romantismo musical foia ideia de síntese artística , que encontra sua expressão mais clara em ópera Wagner e emmúsica do programa Berlioz, Schumann, Liszt.

Gêneros musicais nas obras de compositores românticos

Na música romântica, três grupos de gêneros emergem claramente:

• gêneros que ocupavam um lugar subordinado na arte do classicismo (principalmente música e miniatura de piano);
• gêneros percebidos pelos românticos da época anterior (ópera, oratório, ciclo sonata-sinfônico, abertura);
• gêneros poéticos livres (baladas, fantasias, rapsódias, poemas sinfônicos). O interesse por eles é explicado pelo desejo dos compositores românticos de se expressar livremente, a transformação gradual das imagens.

Na vanguarda da cultura musical do romantismo estácanção como um gênero mais adequado para expressar os pensamentos mais íntimos de um artista (enquanto no trabalho profissional de compositoresXVIIIséculo canção lírica foi atribuído um papel modesto - servia principalmente para preencher o lazer). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg e outros trabalharam no campo da música.

O típico compositor romântico cria muito diretamente, espontaneamente, a mando de seu coração. A compreensão romântica do mundo não é uma compreensão filosófica consistente da realidade, mas uma fixação instantânea de tudo o que tocou a alma do artista. Nesse sentido, na era do romantismo, o gênero floresceuminiaturas (independente ou combinado com outras miniaturas em um ciclo). Esta não é apenas uma música e um romance, mas também composições instrumentais -momentos musicais, improvisados, prelúdios, estudos, noturnos, valsas, mazurcas (em conexão com a dependência de Arte folclórica) .

Muitos gêneros românticos devem sua origem à poesia, suas formas poéticas. Assim são os sonetos, as canções sem palavras, os contos, as baladas.

Uma das ideias principais da estética romântica - a ideia de uma síntese das artes - naturalmente colocou o problema da ópera no centro das atenções. Quase todos os compositores românticos se voltaram para o gênero operístico com raras exceções (Brahms).

O tom de expressão pessoal e confidencial inerente ao romantismo transforma completamente os gêneros clássicos da sinfonia, sonata e quarteto. Eles recebeminterpretação psicológica e lírico-dramática. Muitos conteúdos trabalhos românticos associado comprogramação (ciclos de piano Schumann, os anos de peregrinação de Liszt, as sinfonias de Berlioz, a abertura de Mendelssohn).

Com seu culto à razão. Sua ocorrência foi devido a várias razões. O mais importante deles - decepção com o resultado do Grande revolução Francesa que não justificava as esperanças nela depositadas.

Para um romântico visão de mundo caracterizado por um conflito agudo entre realidade e sonho. A realidade é baixa e não espiritual, é permeada pelo espírito de filistinismo, filistinismo e merece apenas negação. Um sonho é algo belo, perfeito, mas inatingível e incompreensível para a mente.

O romantismo contrastou a prosa da vida com o belo reino do espírito, "a vida do coração". Os românticos acreditavam que os sentimentos constituem uma camada mais profunda da alma do que a mente. Segundo Vagner, "O artista se volta para o sentimento, não para a razão." Schumann disse: "A mente erra, os sentidos nunca." Não é por acaso que a música foi declarada a forma ideal de arte, que, devido à sua especificidade, expressa mais plenamente os movimentos da alma. Exatamente a música na era do romantismo ocupou um lugar de destaque no sistema de artes.

Se na literatura e na pintura a direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento para meados do século XIX séculos, a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como uma tendência desenvolvida em início do XIX século e desenvolveu-se em estreita ligação com várias tendências da literatura, pintura e teatro. O estágio inicial do romantismo musical é representado pela obra de E. T. A. Hoffmann, N. Paganini,; a próxima etapa (1830-50) - criatividade,. A fase tardia do romantismo estende-se final do século XIX século.

Como o principal problema da música romântica apresentado problema de personalidade, e sob uma nova luz - em seu conflito com o mundo exterior. herói romântico para sempre sozinho. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Frequentemente associado a ele está o pensamento de personalidade criativa: uma pessoa é solitária quando é precisamente uma pessoa excepcional e talentosa. O artista, o poeta, o músico são os personagens favoritos das obras dos românticos ("O Amor do Poeta" de Schumann, com o subtítulo "Um Episódio da Vida de um Artista", o poema sinfônico de Liszt "Tasso").

O profundo interesse pela personalidade humana inerente à música romântica expressou-se na predominância de tom pessoal. A revelação do drama pessoal muitas vezes adquirido de românticos dica de autobiografia que trouxe uma sinceridade especial para a música. Assim, por exemplo, muitos estão ligados à história de seu amor por Clara Wieck. A natureza autobiográfica de suas óperas foi fortemente enfatizada por Wagner.

A atenção aos sentimentos leva a uma mudança nos gêneros - o dominante posição adquire letras em que predominam imagens de amor.

Muitas vezes entrelaçado com o tema da "confissão lírica" tema da natureza. Ressoando com o estado de espírito de uma pessoa, geralmente é colorido por uma sensação de desarmonia. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a "grande" sinfonia de Schubert em C-dur).

A verdadeira descoberta dos compositores românticos foi tema fantasia. A música pela primeira vez aprendeu a incorporar imagens fabulosas e fantásticas por meios puramente musicais. Nas óperas dos séculos 17 a 18, personagens "sobrenaturais" (como, por exemplo, a Rainha da Noite de) falavam a linguagem musical "geralmente aceita", destacando-se pouco das pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a "Cena da Ravina do Lobo" em The Magic Shooter.

Altamente característico do romantismo musical é o interesse em Arte folclórica. Como os poetas românticos, que enriqueceram e atualizaram a linguagem literária em detrimento do folclore, os músicos se voltaram amplamente para o folclore nacional - canções folclóricas, baladas, épicos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin e outros). Incorporando as imagens da literatura nacional, história, natureza nativa, eles contaram com as entonações e ritmos do folclore nacional, revivendo os velhos modos diatônicos. Sob a influência do folclore, o conteúdo da música européia mudou drasticamente.

Novos temas e imagens exigiram o desenvolvimento de românticos novos meios de linguagem musical e os princípios de modelagem, individualização da melodia e introdução de entonações de fala, expansão do timbre e paleta harmônica da música ( trastes naturais, justaposições coloridas de maior e menor, etc.).

Já que o foco dos românticos não é mais a humanidade como um todo, mas uma pessoa específica com seu sentimento único, respectivamente e nos meios de expressão, o geral cada vez mais dá lugar ao individual, individualmente único. A proporção de entonações generalizadas na melodia, progressões de acordes comumente usadas na harmonia e padrões típicos na textura estão diminuindo - todos esses meios estão sendo individualizados. Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais.

O ponto mais importante estética o romantismo musical foi a ideia de síntese artística, que encontrou sua expressão mais vívida em música do programa Berlioz, Schumann, Liszt.

Skryabina Svetlana Anatolievna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, região de Tambov

Professor

Ensaio

"Obras para piano de compositores românticos"

Introdução.

2. Romantismo na música.

4. A influência do estilo romântico na criatividade de piano Lista F.

5. Conclusão.

6. Lista de referências.

Introdução.

O romantismo, como movimento artístico, formou-se no final do século XVIII e início do século XIX, primeiro na literatura (na Alemanha, Grã-Bretanha e outros países da Europa e América), depois na música e outras formas de arte. O estilo romântico é original, fantástico e sublime.

A era do romantismo desempenhou um grande papel no desenvolvimento da cultura musical. O romantismo cobriu todas as esferas da cultura: filosofia, estética, teatro, literatura, música e outros. ciências humanitárias. Em conexão com várias tradições nacionais e aspectos históricos, o romantismo, desenvolvendo-se em países diferentes, adquirido peculiar traços nacionais: entre os alemães - no misticismo, entre os britânicos - em uma pessoa que se opõe ao comportamento racional, entre os franceses - em histórias inusitadas. O estilo romântico é caracterizado pelo apelo ao mundo interior da pessoa, pelo desejo de emotividade, o que determinou a primazia da literatura e da música no romantismo.

Relevância Este tópico reside no fato de que o Romantismo foi um suporte para muitos compositores e desempenhou um papel importante no desenvolvimento da cultura musical, além de estimular o desenvolvimento da obra para piano de compositores românticos.

O propósito deste trabalho– determinar as principais características do romantismo e estudar o seu reflexo na obra para piano de compositores românticos, resolvendo as seguintes tarefas:

1. Considere as principais características do romantismo;
2. Identificar manifestações de romantismo na música;
3. Estudar as características estilísticas do romantismo na obra para piano;
4. Caracterizar a obra para piano de F. Liszt.

Para dar vida às suas ideias, os compositores românticos recorreram a novas formas: miniaturas de piano, baladas, nocturnas, polonesas, improvisadas, canções líricas, produtos de software têm desempenhado um papel importante. Houve um uso mais livre de sonata-sinfonia e formas de variação, a criação de novas grandes formas de uma parte - uma sonata, um concerto, um poema sinfônico, o uso de técnicas especiais de desenvolvimento - leitmotivs, monotematismo, recitação vocal, coloração.

1. As origens do romantismo e suas características.

Em conexão com a revolução burguesa na França, as opiniões e idéias do povo mudaram. Os eventos históricos deixaram sua marca na alma de todos que testemunharam convulsões revolucionárias. Para artistas, escritores e músicos, as ideias de igualdade, fraternidade e liberdade se aproximaram. Assim terminou a Era do Iluminismo. Mas a nova ordem social não correspondeu às expectativas daquela sociedade, e a decepção se instalou e o surgimento de um novo sistema de visão de mundo, o Romantismo, tornou-se irreversível.

O romantismo é um pensamento ideológico e direção artística na cultura espiritual européia e americana do final do século 18 - primeira metade do século 19, que substituiu o classicismo. No conteúdo da arte, no movimento do pensamento estético, no personagem imagens artísticas mudanças profundas estão ocorrendo.

No centro do mundo do romantismo está a personalidade de uma pessoa, que busca a total liberdade interior, a perfeição e a renovação. Ele expressa sua atitude perante a vida, o mundo ao seu redor através de letras experiências emocionais e sentimentos. O lirismo das imagens artísticas foi afetado pela virada da arte, que direcionou seu desenvolvimento, conexões com o passado, movimento para o futuro.

A base do romantismo era o conceito de dualidade (o mundo dos sonhos e o mundo real). A discórdia entre o ideal e a realidade, que também era característica das tendências anteriores, adquire no romantismo extraordinária nitidez e tensão.

A principal tarefa do romantismo era a imagem do mundo interior, vida mental. É com o romantismo que o verdadeiro psicologismo começa a aparecer. Restrição e humildade foram rejeitadas, foram substituídas por emoções poderosas frequentemente indo a extremos. Entre os românticos, a psicologia humana revestia-se de misticismo, era dominada por momentos do irracional, obscuro, misterioso.

Os românticos se voltaram para as crenças populares misteriosas, misteriosas e até terríveis, contos de fadas. rejeitando vida cotidiana sociedade civilizada moderna como incolor e prosaica, os românticos lutam por tudo que é incomum. Eles foram atraídos pela fantasia, lendas populares e arte popular em geral.

O herói do romantismo é, antes de tudo, um super-homem individualista. Uma pessoa para os românticos é um pequeno universo, um microcosmo. Um intenso interesse por sentimentos fortes e vívidos, paixões que tudo consomem, nos movimentos secretos da alma, em seu lado "noturno", um desejo pelo intuitivo e pelo inconsciente são as características essenciais da arte romântica.

2. Romantismo na música.

Na segunda década do século XIX, surgiu o romantismo musical, que surgiu sob a influência de arte literária. Foi um fenômeno historicamente novo, embora tenham sido encontradas profundas conexões com os "clássicos" musicais. Estudando e interpretando as obras de compositores românticos, pode-se sentir a elevação da estrutura espiritual e a elevação dos sentimentos, o contraste dramático, o pathos profundo, o lirismo sincero.

Os fundadores da era do romantismo são compositores como: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. Em mais período tardio nasceu o "impressionismo" musical de Debussy, Ravel, Scriabin.

As miniaturas de piano de Schubert, as "Canções sem palavras" de Mendelssohn, ciclos de piano, noturnos, prelúdios de Schumann, baladas de Chopin - toda essa riqueza transformou velhos gêneros e formas, entrou no tesouro musical do mundo e adquiriu significado na música clássica.

O lugar dominante é ocupado pelo tema do amor, é isso que Estado de espirito mais versátil e reflete plenamente todas as profundezas e nuances da psique humana. O amor de uma pessoa por sua casa, por sua pátria, por seu povo corre como um fio na obra de todos os compositores românticos.

Os românticos têm uma imagem da natureza que está estreita e inextricavelmente ligada ao tema de uma confissão lírica. Como as imagens do amor, a imagem da natureza personifica o estado de espírito do herói, muitas vezes colorido por uma sensação de desarmonia com a realidade.

O tema da ficção científica muitas vezes compete com as imagens da natureza, e isso é gerado pelo desejo de escapar do cativeiro. Vida real. Compositores escola romantica imagens fabulosas e fantásticas adquirem uma coloração nacional única. As baladas de Chopin são inspiradas nas baladas de Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn, criam obras de um fantástico plano grotesco, simbolizando, por assim dizer, o lado errado da fé, esforçando-se para reverter as ideias de medo das forças do mal.

O período tardio da vida e obra do último grande compositor clássico Ludwig van Beethoven coincidiu com o apogeu da obra do primeiro grande compositor romântico Franz Schubert. Esta significativa coincidência atesta a estreita ligação entre a arte musical clássica e romântica. Apesar da continuidade entre estas duas heranças, existem diferenças importantes que são típicas da relação entre a obra de compositores clássicos e românticos. A principal diferença é a ênfase especial na música romântica na personificação de imagens e humores líricos oníricos e agitados lírico-patéticos.

Os compositores românticos começaram a demonstrar grande interesse pela identidade nacional da música doméstica, bem como pela música de outros povos. Nesse sentido, iniciou-se um estudo cuidadoso da criatividade musical folclórica - folclore musical. Ao mesmo tempo, aumentou o interesse pelo passado histórico nacional, por antigas lendas, contos e tradições, que se tornaram a base para o surgimento de fascinantes imagens fantásticas. Dominando novos temas e imagens, a música romântica aumentou a interação com poesia romantica e teatro romântico. Isso determinou o alto florescimento no século XIX ópera romântica- um gênero em que há uma síntese de todos os tipos de arte. Uma das óperas românticas mais brilhantes - " atirador mágico do compositor alemão Carl Maria von Weber.

A arte musical romântica apresentou muitos compositores notáveis, que muitas vezes também foram notáveis ​​concertistas.

3. Características estilísticas da era do romantismo na obra para piano.

No estilo de música da era do romantismo, os meios modais e harmônicos adquirem um papel muito importante. O primeiro desses processos - a dinâmica - é a saturação dos acordes em peças com alterações e dissonâncias, o que exacerbava sua instabilidade, aumentava a tensão que exigia resolução na execução posterior. Tais propriedades da execução das obras de compositores românticos foram expressas pelo “langor” típico desse estilo, o fluxo de sentimentos “infinitamente” em desenvolvimento, que foi incorporado com particular plenitude nas obras de Chopin, Schumann, Grieg. Uma variedade de cores e sons coloridos foram extraídos dos modos naturais, com a ajuda dos quais a natureza folclórica ou arcaica da música foi enfatizada. Ao retratar imagens fantásticas, fabulosas ou bizarras, um grande papel foi atribuído às escalas tonais e cromáticas.

As seguintes tendências atuaram na melodia romântica: o desejo de amplitude e a continuidade do desenvolvimento do fraseado. Muitos compositores da era romântica têm "melodia sem fim" com enormes ligas de vários compassos em suas obras. Isso é especialmente evidente nas obras de Chopin, Tchaikovsky, no início dos anos 80 - 90 de Rachmaninov ("Elegia", "Melodia", "Romance", "Serenata" e suas outras obras).

De grande importância ao se familiarizar com a música de compositores românticos é a produção sonora, um senso de "estilo", aqui é muito importante notar que ao trabalhar o fraseado de uma determinada peça, é necessário que as frases se encaixem , agarram-se uns aos outros, formando guirlandas, mas junto com isso não se sobrepõem.

Falando sobre características de estilo apresentações de piano de obras musicais de compositores românticos, professor do Conservatório de Leningrado V.Kh.

Necessário na execução obras líricas sinta a respiração, ela pode ser sentida através do toque: fundo cheio de ar, baixo respiratório, pedal preciso.

Sobre as características estilísticas da música de F. Chopin, Liszt disse o seguinte: "Sua música se assemelha a uma flor de trepadeira, que sacode suas corolas em um caule extraordinariamente fino. Essas corolas de extraordinária beleza são feitas de um tecido tão perfumado e delicado que se rompe ao menor toque."Chopin é o "topo" Artes performáticas era do romantismo.

Ao executar obras musicais da era do romantismo, deve-se lembrar que, para alcançar o "som" desejado - aveludado e sobrenatural, é necessário um dom e diligência especiais e um senso de estilo. Como disse Neuhaus: “O som é uma coisa sagrada, cuide do som como ouro, como uma joia, ele nasce em uma atmosfera pré-sônica, seu nascimento é um sacramento, é muito importante encontrar a “medida de som” necessária.

Vindo à tona melos. A melodia é atualizada entoacionalmente e composicionalmente. dois aparecem fontes diferentes renovação da entonação: folclore e entonações da fala. O que foge da norma clássica, em primeiro lugar, chama a atenção. Os classicistas tinham recitação (oratória), mas os românticos a tinham mais intimista, lírica, aberta, emocional.

5. A influência do estilo romântico na obra para piano de F. Liszt.

Liszt, como um virtuoso, é um fenômeno dentre aqueles

que aparecem uma vez em vários séculos,

Serov escreveu

Na obra de F. Liszt, as obras para piano constituem a melhor parte de sua herança criativa.

As personalidades artísticas de Liszt como pianista e compositor combinaram-se para abrir novos caminhos na arte da música.

Ele confiou todos os seus pensamentos, sonhos, sofrimentos e alegrias ao piano. E é por isso que Liszt primeiro encontrou novos métodos de composição e meios de expressão no campo da música para piano.

F. Liszt foi pianista brilhante e sua performance poderia convencer e cativar milhares de ouvintes. Da mesma forma, na prática de composição, ele alcançou um alívio e uma apresentação inteligível de pensamentos musicais. Por outro lado, como um artista em busca incessante, dotado de um talento criativo brilhante, ele atualizou toda a estrutura e caráter do som do piano, tornando-o, como Stasov apropriadamente colocou, "uma coisa desconhecida e inédita - toda uma orquestra ."

O compositor trouxe a interpretação sinfônica do piano para a performance e criatividade modernas. Em seus desenvolvimentos, conseguiu uma potente sonoridade orquestral do instrumento e o enriqueceu com possibilidades colorísticas. Em uma das cartas, Liszt indicou que seu objetivo era “... ligar o espírito do pianista-intérprete aos efeitos orquestrais e, dentro dos limites limitados do piano, tornar sensíveis vários instrumentos efeitos sonoros e sombras. Liszt conseguiu isso saturando as obras de piano com timbres e armazéns melódicos. Nas peças para piano de Liszt, muitas vezes são encontradas indicações do autor - quase tromba (como um trompete), quase flauto (como uma flauta), etc., imitação do violoncelo (por exemplo, em Oberman's Valley), trompas (o estudo "Hunt" ), sinos ("sinos de Genebra"), órgão, etc. Liszt expandiu os recursos expressivos do pianismo à tona, trazendo à tona o poder, o brilho e o brilho do som.

F. Liszt descobriu novos métodos de técnica de piano. Ele tentou usar todos os registros do piano: usou baixos que soavam suculentos e profundos, transferiu a melodia para o meio, registro “cello”, e no registro superior revelou um som transparente e cristalino. Ao comparar os registros, o compositor usou passagens, saturou-as com complexos de acordes em um amplo arranjo. Liszt fez uso extensivo de efeitos de tremolo orquestral, trinados de acordes ou oitavas de martellato, para transmitir momentos dramáticos ou dinâmicos de forma mais proeminente e cativante. Ele prestou atenção especial à distribuição do material sonoro entre as duas mãos, sua transferência e transferência para diferentes registros do piano. Entre outras técnicas favoritas de Liszt estão passagens em oitavas, notas duplas, técnica de ensaio magistralmente usada. Essas técnicas influenciaram o desenvolvimento da textura multicamadas das obras de Liszt. Seu desenvolvimento se dá em diversos planos dinâmicos e coloridos, como nas composições orquestrais.

Liszt, como grande reformador do piano, ensinou os pianistas a “acostumar-se a fazer acentos e agrupar motivos, colocando o que é mais importante e subordinando-lhe o menos importante, numa palavra, estabelecendo-se o padrão da orquestra. ”

As características do estilo de piano de Liszt não foram formadas imediatamente, elas podem ser divididas em quatro estágios. A primeira fase (anos 20 - meados dos anos 30) está associada ao estudo das possibilidades do piano, à imitação da bravura dos virtuosos modernos, na segunda (final dos anos 30 - 40), Liszt desenvolve um estilo individual, enriquecendo sua técnica e linguagem musical as últimas realizações de compositores românticos (Paganini, Berlioz, Chopin). O terceiro estágio (final dos anos 40 - 60) - o auge da habilidade de Liszt - é caracterizado pela justificação de todos os métodos técnicos pelos requisitos de expressividade e conteúdo, a ausência de "excessos" virtuosos, o quarto estágio (anos 70-80) é marcado por novas buscas: a rejeição de ideias monumentais, a procura do som de câmara, o colorido subtil.

A tradição do pianismo de concerto "Listov" foi desenvolvida na arte de A.G. Rubinstein, A. Siloti e especialmente S. Rachmaninov.

Conclusão.

O romantismo como método e direção na arte foi um fenômeno complexo e controverso. Em todos os países, ele tinha uma expressão nacional brilhante. Não é fácil encontrar na literatura, na música, na pintura e no teatro elementos que unam Chateaubriand e Delacroix, Mickiewicz e Chopin, Lermontov e Kiprensky.

PARA Áreas críticas obras de compositores românticos incluem: letras, fantasia, originalidade na execução de motivos nacionais característicos (exemplo E. Grieg). Começando com Schubert e Weber, os compositores envolveram na linguagem musical europeia comum as viradas entoacionais do antigo folclore predominantemente camponês de seus países.

O novo conteúdo da música exigia novos meio de expressão. Isso é, antes de tudo, uma enorme riqueza melódica, bem como a riqueza melódica de uma apresentação textural desenvolvida, o aumento da complexidade e colorido da linguagem harmônica.

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No final do século XVIII - início do século XIX, surgiu um movimento artístico como o romantismo. Durante esta época, as pessoas sonhavam com mundo ideal e "fugir" na fantasia. Esse estilo encontrou sua personificação mais vívida e figurativa na música. Entre os representantes do romantismo, compositores do século XIX como Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt e Richard Wagner.

Franz Liszt

O futuro nasceu na família de um violoncelista. Seu pai lhe ensinou música primeiros anos. Ainda criança, cantava em um coral e aprendeu a tocar órgão. Quando Franz tinha 12 anos, sua família mudou-se para Paris para que o menino pudesse estudar música. Não foi admitido no conservatório, no entanto, desde os 14 anos que compõe esquetes. Tal século 19 como Berlioz, Paganini, teve uma grande influência sobre ele.

Paganini se tornou o verdadeiro ídolo de Liszt e ele decidiu aprimorar suas próprias habilidades no piano. A atividade de concerto de 1839-1847 foi acompanhada por um triunfo brilhante. Durante esses anos, Ferenc criou a famosa coleção de peças "Anos de Andanças". Um virtuoso do piano e um dos favoritos do público tornou-se uma verdadeira personificação da época.

Franz Liszt compôs música, escreveu vários livros, ensinou, conduziu aulas abertas. Compositores do século 19 de toda a Europa vieram até ele. Podemos dizer que quase toda a sua vida ele se dedicou à música, pois trabalhou por 60 anos. E até hoje isso talento musical e artesanato são um modelo para os pianistas contemporâneos.

Ricardo Wagner

O gênio criou uma música que não poderia deixar ninguém indiferente. Ela tinha admiradores e oponentes ferozes. Wagner era fascinado pelo teatro desde a infância, e aos 15 anos decidiu criar uma tragédia com a música. Aos 16 anos, trouxe suas composições para Paris.

Por 3 anos ele tentou em vão encenar uma ópera, mas ninguém queria lidar com um músico desconhecido. Tal compositores populares XIX, como Franz Liszt e Berlioz, que conheceu em Paris, não lhe trazem sorte. Ele está na pobreza e ninguém quer apoiar suas ideias musicais.

Tendo falhado em França, o compositor regressa a Dresden, onde começa a trabalhar como maestro no teatro da corte. Em 1848 emigrou para a Suíça, pois após participar do levante foi declarado criminoso. Wagner estava ciente da imperfeição da sociedade burguesa e da posição dependente do artista.

Em 1859, ele cantou o amor na ópera Tristan und Isolde. Em Parsifal, a fraternidade universal é apresentada de forma utópica. O mal é derrotado e a justiça e a sabedoria vencem. Todos os grandes compositores do século XIX foram influenciados pela música de Wagner e aprenderam com sua obra.

No século 19, uma escola nacional de composição e execução foi formada na Rússia. Existem dois períodos na música russa: o romantismo inicial e o clássico. O primeiro inclui compositores russos do século 19 como A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mikhail Glinka

Mikhail Glinka fundou escola de compositores no nosso país. O espírito russo está presente em todas as suas famosas óperas como "Ruslan e Lyudmila", "Life for the Tsar" estão imbuídas de patriotismo. Glinka resumiu as características da música folclórica, usando velhas melodias e ritmos da música folclórica. O compositor também foi um inovador na dramaturgia musical. Sua obra é a ascensão da cultura nacional.

Os compositores russos deram ao mundo muitas obras brilhantes que ainda hoje conquistam o coração das pessoas. Entre os brilhantes russos compositores do século XIX século imortalizou nomes como M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky.

A música clássica reflete viva e sensualmente mundo interior pessoa. O racionalismo estrito foi substituído pelo romance do século XIX.

Romantismo na música

artigo principal: Música do período romântico

Na música, a direção do romantismo desenvolveu-se em 1820 anos, seu desenvolvimento levou todo o XIX século. Compositores românticos tentaram com a ajuda de meios musicais expressam a profundidade e a riqueza do mundo interior do homem. A música torna-se mais em relevo, individual. Os gêneros musicais estão se desenvolvendo, incluindo balada.

Os representantes do romantismo na música são: em Áustria - Franz Schubert; V Alemanha - Ernest Theodor Hoffmann, Carlos Maria Weber,Ricardo Wagner, Félix Mendelssohn, Robert Schumann, ludwig spohr; V Itália - Nicolau Paganini, Vincenzo Bellini, cedo Giuseppe Verdi; em França - G. Berlioz, D. F. Ober, J. Meyerbeer; V Polônia - Frédéric Chopin; V Hungria - Franz Liszt.

Na Rússia, de acordo com o romantismo, eles trabalharam A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, Dargomyzhsky, Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky,Borodin, cui, P. I. Tchaikovsky.

A ideia de síntese artística encontrou expressão na ideologia e na prática do romantismo. O romantismo na música formou-se nos anos 20 do século XIX sob a influência da literatura do romantismo e desenvolveu-se em estreita ligação com ela, com a literatura em geral (voltando-se para gêneros sintéticos, principalmente ópera, canção, miniaturas instrumentais e programação musical). O apelo ao mundo interior da pessoa, característico do romantismo, se expressava no culto ao subjetivo, na ânsia pelo emocionalmente intenso, que determinava a primazia da música e da letra no romantismo.

Música 1º metade do XIX v. evoluiu rapidamente. Uma nova linguagem musical surgiu; na música instrumental e vocal de câmara, a miniatura recebeu um lugar especial; a orquestra soava com um espectro diverso de cores; as possibilidades do piano e do violino foram reveladas de uma nova maneira; a música dos românticos era muito virtuosa.

O romantismo musical se manifestou em muitos ramos diferentes associados a diferentes culturas nacionais e com vários movimentos sociais. Assim, por exemplo, o estilo lírico íntimo dos românticos alemães e o pathos civil "oratório", característico da obra dos compositores franceses, diferem significativamente. Por sua vez, representantes de novas escolas nacionais que surgiram a partir de um amplo movimento de libertação nacional (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), bem como representantes da escola de ópera italiana, intimamente associada ao movimento Risorgimento (Verdi, Bellini), em muitos aspectos diferem de seus contemporâneos na Alemanha, Áustria ou França, em particular, a tendência de preservar as tradições clássicas.

No entanto, todos eles são marcados por alguns princípios artísticos gerais que nos permitem falar de uma única estrutura romântica de pensamento.

Devido à capacidade especial da música de revelar profunda e penetrantemente o rico mundo das experiências humanas, ela foi colocada em primeiro lugar entre outras artes pela estética romântica. Muitos românticos enfatizaram um começo intuitivo para a música, atribuindo-lhe a propriedade de expressar o “incognoscível”. A obra de compositores românticos notáveis ​​tinha uma forte base realista. interesse na vida pessoas comuns, a plenitude da vida e a verdade dos sentimentos, a aposta na música do quotidiano determinaram o realismo da obra dos melhores representantes do romantismo musical. Tendências reacionárias (misticismo, fuga da realidade) são inerentes a apenas um número relativamente pequeno de obras de românticos. Eles apareceram em parte na ópera Euryanta de Weber (1823), em alguns dramas musicais de Wagner, oratório Christ de Liszt (1862), etc.

No início do século XIX, surgiram estudos fundamentais de folclore, história, literatura antiga, lendas medievais, arte gótica e a cultura do Renascimento que havia sido esquecida foram ressuscitadas. Foi nessa época que muitas escolas nacionais de um tipo especial se desenvolveram na obra do compositor da Europa, destinadas a expandir significativamente os limites da cultura europeia comum. Russo, que logo ocupou, senão o primeiro, então um dos primeiros lugares na criatividade cultural mundial (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polonês (Chopin, Moniuszko), tcheco (Sour Cream, Dvorak), húngaro ( List), depois norueguês (Grieg), espanhol (Pedrel), finlandês (Sibelius), inglês (Elgar) - todos eles, fundindo-se no mainstream geral da obra do compositor na Europa, de forma alguma se opuseram às antigas tradições estabelecidas . Um novo círculo de imagens surgiu, expressando as características nacionais únicas da cultura nacional à qual o compositor pertencia. A estrutura de entonação da obra permite que você reconheça instantaneamente de ouvido pertencente a uma determinada escola nacional.

Os compositores envolvem na linguagem musical europeia comum as curvas entoacionais do folclore antigo, principalmente camponês, de seus países. Eles, por assim dizer, limparam a canção folclórica russa da ópera envernizada, introduziram no sistema de entonação cosmopolita dos turnos musicais do século 18 dos gêneros folclóricos cotidianos. O fenômeno mais marcante na música do romantismo, que é percebido de forma especialmente vívida quando comparada com a esfera figurativa do classicismo, é o domínio do princípio lírico-psicológico. Claro, uma característica distintiva da arte musical em geral é a refração de qualquer fenômeno através da esfera dos sentimentos. A música de todas as épocas está sujeita a esse padrão. Mas os românticos superaram todos os seus antecessores no valor do início lírico de sua música, na força e na perfeição ao transmitir as profundezas do mundo interior de uma pessoa, os mais sutis tons de humor.

O tema do amor ocupa um lugar dominante nele, porque é esse estado de espírito que reflete de maneira mais abrangente e completa todas as profundezas e nuances da psique humana. Mas é altamente característico que esse tema não se limite aos motivos do amor no sentido literal da palavra, mas se identifique com a mais ampla gama de fenômenos. As experiências puramente líricas dos personagens são reveladas tendo como pano de fundo um amplo panorama histórico. O amor de uma pessoa por sua casa, por sua pátria, por seu povo corre como um fio na obra de todos os compositores românticos.

Um grande lugar é dado em obras musicais de pequenas e grandes formas à imagem da natureza, estreita e inextricavelmente entrelaçada com o tema da confissão lírica. Como as imagens do amor, a imagem da natureza personifica o estado de espírito do herói, muitas vezes colorido por uma sensação de desarmonia com a realidade.

O tema da fantasia muitas vezes compete com as imagens da natureza, provavelmente geradas pelo desejo de escapar do cativeiro da vida real. Típico dos românticos era a busca pelo maravilhoso, cintilante com a riqueza das cores do mundo, em oposição ao cotidiano cinza. Foi durante esses anos que a literatura foi enriquecida com contos de fadas, baladas de escritores russos. Entre os compositores da escola romântica, as imagens fabulosas e fantásticas adquirem um colorido nacional único. As baladas são inspiradas em escritores russos e, graças a isso, são criadas obras de um fantástico plano grotesco, simbolizando, por assim dizer, o lado errado da fé, esforçando-se para reverter as ideias de medo das forças do mal.

Muitos compositores românticos também atuaram como escritores musicais e críticos (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, etc.). O trabalho teórico de representantes do romantismo progressista deu uma contribuição muito significativa para o desenvolvimento das questões mais importantes da arte musical. O romantismo também encontrou expressão nas artes cênicas (o violinista Paganini, o cantor A. Nurri e outros).

O significado progressivo do romantismo neste período reside principalmente na atividade Franz Liszt. A obra de Liszt, apesar da visão de mundo contraditória, era basicamente progressiva, realista. Um dos fundadores e clássicos da música húngara, um destacado artista nacional.

Os temas nacionais húngaros são amplamente refletidos em muitas das obras de Liszt. As composições românticas e virtuosas de Liszt expandiram as possibilidades técnicas e expressivas de tocar piano (concertos, sonatas). Significativas foram as conexões de Liszt com representantes da música russa, cujas obras ele promoveu ativamente.

Ao mesmo tempo, Liszt desempenhou um grande papel no desenvolvimento da arte musical mundial. Depois de Liszt, “tudo se tornou possível para o pianoforte”. Traços de caráter sua música - improvisação, exaltação romântica de sentimentos, melodia expressiva. Liszt é valorizado como compositor, intérprete, figura musical. Principais obras do compositor: ópera “ Dom Sancho ou o castelo do amor”(1825), 13 poemas sinfônicos “Tasso”, ” Prometeu”, “Aldeia” e outros, obras para orquestra, 2 concertos para piano e orquestra, 75 romances, coros e outras obras igualmente conhecidas.

Uma das primeiras manifestações do romantismo na música foi a criatividade Franz Schubert(1797-1828). Schubert entrou na história da música como o maior dos fundadores do romantismo musical e o criador de vários novos gêneros: sinfonia romântica, miniatura de piano, canção lírico-romântica (romance). O mais importante em seu trabalho é canção, em que ele mostrou especialmente muitas tendências inovadoras. Nas canções de Schubert, o mundo interior de uma pessoa é revelado mais profundamente, sua conexão característica com a música folclórica é mais perceptível, uma das características mais essenciais de seu talento é mais evidente - a incrível variedade, beleza, encanto das melodias. As melhores canções do período inicial são “ Margarita na roda de fiar”(1814) , “rei da floresta". Ambas as canções são escritas com as palavras de Goethe. Na primeira delas, a menina abandonada se lembra do amado. Ela está sozinha e sofrendo profundamente, sua música é triste. Uma melodia simples e sincera é ecoada apenas pelo zumbido monótono da brisa. "The Forest King" é uma obra complexa. Esta não é uma música, mas sim uma cena dramática onde três atores: um pai cavalgando pela floresta, uma criança doente que ele carrega consigo e um formidável rei da floresta que aparece para um menino em delírio febril. Cada um deles tem sua própria linguagem melódica. As canções de Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" não são menos famosas e amadas. Escritas anos depois, essas canções são notáveis ​​por sua melodia surpreendentemente simples e expressiva e cores frescas.

Schubert também escreveu dois ciclos de canções - “ lindo moleiro"(1823) e" caminho de inverno"(1872) - às palavras poeta alemão Guilherme Müller. Em cada um deles, as músicas são unidas por um enredo. As canções do ciclo “The Beautiful Miller's Woman” falam sobre um menino. Seguindo o curso do riacho, ele parte em uma jornada em busca de sua felicidade. A maioria das canções deste ciclo tem um caráter leve. O clima do ciclo “Winter Way” é completamente diferente. Um jovem pobre é rejeitado por uma noiva rica. Desesperado ele sai cidade natal e sai para vagar pelo mundo. Seus companheiros são o vento, uma nevasca, um corvo ameaçador.

Os poucos exemplos dados aqui nos permitem falar sobre as características da composição de Schubert.

Schubert adorava escrever música de piano. Para este instrumento, ele escreveu um grande número de obras. Como as canções, suas obras para piano se aproximavam da música cotidiana e eram igualmente simples e compreensíveis. Os gêneros favoritos de suas composições eram danças, marchas e, em últimos anos vida - improvisado.

Valsas e outras danças geralmente apareciam nos bailes de Schubert, em passeios pelo campo. Lá ele os improvisou e os gravou em casa.

Se compararmos as peças para piano de Schubert com suas canções, podemos encontrar muitas semelhanças. Em primeiro lugar, é uma grande expressividade melódica, graça, justaposição colorida de maior e menor.

Um dos maiores Francês compositores da segunda metade do século XIX Georges Bizet, o criador de uma criação imortal para o teatro musical - óperas “Carmen”e música maravilhosa para o drama de Alphonse Daudet“ arlesiano”.

O trabalho de Bizet é caracterizado pela precisão e clareza de pensamento, novidade e frescor dos meios expressivos, integridade e elegância da forma. Bizet é caracterizado pela nitidez da análise psicológica na compreensão dos sentimentos e ações humanas, característica da obra dos grandes compatriotas do compositor - os escritores Balzac, Flaubert, Maupassant. O lugar central na obra de Bizet, diverso em gêneros, pertence à ópera. A arte operística do compositor surgiu em solo nacional e foi alimentada pelas tradições da ópera francesa. Bizet considerava a primeira tarefa de seu trabalho a superação das ópera francesa restrições de gênero que impedem seu desenvolvimento. A "grande" ópera parece-lhe um gênero morto, a ópera lírica irrita com suas lágrimas e tacanha pequeno-burguesa, o cômico merece mais atenção do que outros. Pela primeira vez na ópera de Bizet, cenas domésticas e de massa suculentas e animadas aparecem, antecipando a vida e cenas vívidas.

A música de Bizet para o drama de Alphonse Daudet “Arlesiano” é conhecida principalmente por duas suítes de concerto compostas por seus melhores números. Bizet usou algumas melodias provençais autênticas : “Marcha dos Três Reis” E "Dança dos cavalos brincalhões".

ópera de Bizet Carmen”- um drama musical que se desenrola diante do público com veracidade convincente e com força artística cativante a história de amor e morte de seus heróis: o soldado José e a cigana Carmen. A Opera Carmen foi criada com base nas tradições do teatro musical francês, mas ao mesmo tempo também introduziu muitas novidades. Com base nas melhores realizações da ópera nacional e reformando seus elementos mais importantes, Bizet criou um novo gênero - um drama musical realista.

Na história da ópera do século XIX, a ópera Carmen ocupa um dos primeiros lugares. Desde 1876, começa sua procissão triunfal pelos palcos. casas de ópera Viena, Bruxelas, Londres.

A manifestação de uma relação pessoal com o ambiente foi expressa por poetas e músicos, antes de tudo, no imediatismo, na “abertura” emocional e na paixão de expressão, em um esforço para convencer o ouvinte com a ajuda da intensidade incessante do tom de reconhecimento ou confissão.

Essas novas tendências na arte tiveram uma influência decisiva no surgimento ópera lírica. Surgiu como uma antítese de “grande” e ópera cômica, mas ela não poderia deixar de lado suas conquistas e conquistas no campo da dramaturgia operística e meios de expressão musical.

Uma característica distintiva do novo gênero de ópera era a interpretação lírica de qualquer enredo literário - histórico, filosófico ou tema moderno. Os heróis da ópera lírica são dotados de traços de gente comum, desprovidos de exclusividade e alguma hiperbolização, característica de uma ópera romântica. O artista mais significativo no campo da ópera lírica foi Charles Gounod.

Entre o bastante numeroso patrimônio operístico de Gounod, a ópera “ Fausto" ocupa um lugar especial e, pode-se dizer, excepcional. Dela fama mundial e popularidade são incomparáveis ​​com as outras óperas de Gounod. O significado histórico da ópera Fausto é especialmente grande porque não foi apenas a melhor, mas em essência a primeira entre as óperas da nova direção, sobre a qual Tchaikovsky escreveu: “É impossível negar que Fausto foi escrito, senão com gênio, depois com habilidade extraordinária e sem identidade significativa”. Na imagem de Fausto, a aguda inconsistência e “bifurcação” de sua consciência, a eterna insatisfação causada pelo desejo de conhecer o mundo, são suavizadas. Gounod não conseguiu transmitir toda a versatilidade e complexidade da imagem do Mefistófeles de Goethe, que personificava o espírito da crítica militante da época.

Uma das principais razões para a popularidade de "Faust" foi que ele concentrou as melhores e fundamentalmente novas características do jovem gênero da ópera lírica: uma transferência emocionalmente direta e vividamente individual do mundo interior dos personagens da ópera. O profundo significado filosófico do Fausto de Goethe, que buscava revelar os destinos históricos e sociais de toda a humanidade a partir do exemplo do conflito dos personagens principais, foi incorporado por Gounod na forma de um drama lírico humano de Margarida e Fausto.

Compositor, maestro e crítico musical francês Heitor Berlioz entrou para a história da música como o maior compositor romântico, criador do programa sinfônico, inovador no campo da forma musical, da harmonia e principalmente da instrumentação. Em seu trabalho, eles encontraram uma encarnação vívida das características do pathos e do heroísmo revolucionários. Berlioz conhecia M. Glinka, cuja música ele apreciava muito. Ele mantinha relações amigáveis ​​​​com os líderes do "Mighty Handful", que aceitaram com entusiasmo seus escritos e princípios criativos.

Ele criou 5 obras musicais de palco, incluindo a ópera “ Benvenuto Cillini”(1838), “ Cavalos de Tróia”,”Beatriz e Benedito(baseado na comédia de Shakespeare, Much Ado About Nothing, 1862); 23 obras vocais e sinfônicas, 31 romances, coros, escreveu os livros “Grande Tratado de Instrumentação e Orquestração Moderna” (1844), “Noites na Orquestra” (1853), “Através das Canções” (1862), “Curiosidades Musicais” (1859), “Memórias” (1870), artigos, resenhas.

Alemão compositor, maestro, dramaturgo, publicitário Ricardo Wagner entrou para a história da cultura musical mundial como um dos maiores criadores musicais e grandes reformadores da arte operística. O objetivo de suas reformas era criar uma obra vocal-sinfônica programática monumental em forma dramática, projetada para substituir todos os tipos de ópera e música sinfônica. Tal obra era um drama musical, no qual a música flui em um fluxo contínuo, fundindo todos os elos dramáticos. Rejeitando o canto acabado, Wagner os substituiu por uma espécie de recitativo emocionalmente rico. Um grande lugar nas óperas de Wagner é ocupado por episódios orquestrais independentes, que são uma contribuição valiosa para a música sinfônica mundial.

A mão de Wagner pertence a 13 óperas:“ O Holandês Voador” (1843), “Tannhäuser” (1845), “Tristão e Isolda” (1865), “Ouro do Reno” (1869) e etc.; coros, peças para piano, romances.

Outro notável compositor, maestro, pianista, professor e figura musical alemã foi Félix Mendelssohn-Bartholdy. A partir dos 9 anos começou a atuar como pianista, aos 17 criou uma das obras-primas - uma abertura para uma comédia “ Sonho de uma noite de verão” Shakespeare. Em 1843 fundou o primeiro conservatório na Alemanha em Leipzig. Na obra de Mendelssohn, "um clássico entre os românticos", combinam-se traços românticos com uma mentalidade clássica. Sua música é caracterizada por uma melodia brilhante, democratismo de expressão, moderação de sentimentos, calma de pensamento, predominância de emoções brilhantes, humores líricos, não sem um leve toque de sentimentalismo, formas impecáveis, artesanato brilhante. R. Schumann o chamou de "Mozart do século 19", G. Heine - "um milagre musical".

Autor de sinfonias românticas paisagísticas (“escocesa”, “italiana”), aberturas de concertos de programa, um popular concerto para violino, ciclos de peças para pianoforte “Canção sem palavras”; as óperas O Casamento de Camacho Compôs música para a peça dramática Antígona (1841), Édipo em dois pontos (1845) de Sófocles, Atalia de Racine (1845), Sonho de uma noite de verão de Shakespeare (1843) e outras; oratórios "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 concertos para piano e 2 para violino.

EMitaliano cultura musical um lugar especial pertence a GiuseppeVerdi- um excelente compositor, maestro, organista. A principal área de trabalho de Verdi é a ópera. Ele atuou principalmente como porta-voz dos sentimentos heróico-patrióticos e das ideias de libertação nacional do povo italiano. Nos anos seguintes, deu atenção aos conflitos dramáticos gerados pela desigualdade social, violência, opressão e denunciou o mal em suas óperas. Traços característicos da obra de Verdi: música folclórica, temperamento dramático, brilho melódico, compreensão das leis do palco.

Ele escreveu 26 óperas: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Otelo”, “Aida"e etc . , 20 romances, conjuntos vocais .

Jovem norueguês compositor Edvard Grieg (1843-1907) aspirava ao desenvolvimento da música nacional. Isso se expressou não apenas em seu trabalho, mas também na promoção da música norueguesa.

Durante seus anos em Copenhague, Grieg escreveu muita música: “ Imagens Poéticas” E "Humoresco", sonata para piano e sonata para primeiro violino, canções. A cada nova obra, a imagem de Grieg como compositor norueguês emerge com mais clareza. Nas sutis líricas "Imagens poéticas" (1863), as características nacionais ainda se destacam timidamente. A figura rítmica é freqüentemente encontrada na música folclórica norueguesa; tornou-se característico de muitas das melodias de Grieg.

A obra de Grieg é vasta e multifacetada. Grieg escreveu obras de vários gêneros. Concerto para Piano e Baladas, três sonatas para violino e piano e uma sonata para violoncelo e piano, o quarteto testemunha o desejo constante de Grieg por forma grande. Ao mesmo tempo, o interesse do compositor pelas miniaturas instrumentais permaneceu inalterado. Na mesma medida que o pianoforte, o compositor foi atraído pela miniatura vocal de câmara - um romance, uma canção. Não seja o principal com Grieg, o campo da criatividade sinfônica é marcado por obras-primas como as suítes “ Per Gounod”, “Desde os dias de Holberg". Um de espécies características Criatividade Grieg-processamento músicas folk e danças: em forma de peças simples para piano, um ciclo suite para piano a quatro mãos.

A linguagem musical de Grieg é brilhantemente original. A individualidade do estilo do compositor é acima de tudo determinada por sua profunda conexão com a música folclórica norueguesa. Grieg usa amplamente características de gênero, estrutura de entonação, fórmulas rítmicas de canções folclóricas e melodias de dança.

O domínio notável de Grieg no desenvolvimento variacional e variante de uma melodia está enraizado nas tradições folclóricas de repetição repetida de uma melodia com suas mudanças. “Gravei a música folclórica do meu país.” Por trás dessas palavras está a atitude reverente de Grieg para com Arte folclórica e reconhecimento de seu papel definidor de sua própria criatividade.

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