Hem › Kylsystem › Tivadar Chontvari-Kostka. "Den gamle fiskaren"

Tivadar Chontvari-Kostka. "Den gamle fiskaren"

Det förefaller mig som om den ungerske konstnären Chontvaris (Tivadar Kostka) öden och den georgiska klassikern Niko Pirosmani () på många sätt liknar varandra, förutom att Chontvari inte hade en alltupptäckande kärlek till Margarita. Han blev inte heller erkänd under sin livstid, han ansågs också som galen och dog också i fattigdom... Dock först till kvarn.

Landskap vid solnedgången, 1899

Franz Liszt - Hungarian Rhapsody (spanska Denis Matsuev)

Tivadar Kostka Csontvari föddes 1853 i den lilla ungerska byn Kisseben. Hans far Laszlo Kostka var läkare och apotekare. Tivadar och hans fem bröder visste från barndomen att de skulle fortsätta sin fars arbete. Men innan han studerade farmakologi tog Kostka examen från gymnasiet i staden Ungvar (dagens Uzhgorod), arbetade en tid som försäljare, gick sedan på föreläsningar vid Juridiska fakulteten, först därefter blev han farmaceut och arbetade som en för fjorton år.

Östra stationen på natten, 1902

Tivadar började sin karriär som konstnär 1880. En höstdag, när han arbetade på ett apotek, tittade han ut genom fönstret, plockade mekaniskt upp en penna och en receptblankett och började rita. Det var inget abstrakt – en vagn som gick förbi fångades på papper. Apotekets ägare, som såg målningen, berömde Chontvari och sa att det var först i dag som konstnären föddes. Senare, i slutet av sitt liv, sa Tivadar själv, i sin självbiografi, skriven på sitt karakteristiska mystiska och profetiska sätt, som beskrev vad som hände, att han hade en vision. Det var detta som föreslog Tivadar hans öde - att bli en stor målare.

Oljeberget i Jerusalem, 1905

Till att börja med lämnade Tivadar familjeföretag far och öppnade sitt eget apotek i staden Gac i norra Ungern. I tio år fortsatte han att arbeta på ett apotek för att uppnå ekonomiskt oberoende och samla det kapital som behövs för kreativitet. Samtidigt började han skissa på gosedjur och rita människofigurer. Redan våren 1881 samlade Kostka in pengar för att åka till Italien och se Rafaels målningar. I sina anteckningar efter att ha besökt Vatikanmuseet skrev han: "Jag såg inte levande natur där, Raphael har inte solen som jag strävar efter..."

Mandelblom (italienskt landskap), ca 1901

Chontvari började måla först i mitten av 1890-talet, 1894 lämnade han apoteket till sina bröder och kom till München i mars. I många källor kallas konstnären självlärd, men han studerade måleri, och från bra lärare. I München går Kostka för att studera på sin landsmans privata konstskola, den berömda ungerske konstnären Szymon Hollosy, som var tio år yngre än sin elev. De sammanfördes av idén som framfördes av Hollosy att "Ungersk konst kan bli verkligt nationell endast på sin hembygd, under den ungerska himlen, i kommunikation med det återuppväckta folket."

Highland Street (hus), ca 1895

Under "München-perioden" målade Kostka porträtt, och det noteras att de visar "en känsla av sorg, hopplöshet, de är utanför konturerna av hans arbete." De säger att när konstnären målade ett porträtt av den berömda Münchensittaren Wertmüller, tittade han på verket och utbrast: "Jag har poserat i nästan sjutton år, men ingen har någonsin lyckats rita mig så!" Förresten, det var under sina studier som konstnären målade flera porträtt, senare slutade han att intressera sig för denna genre.

Kvinna som sitter vid fönstret, 1890-tal

Efter München fortsatte Tivadar sina studier i Karlsruhe i konstnären Friedrich Kallmorgens ateljé. Historiker noterar att konstnären vid den tiden levde bekvämt, eftersom han köpte dyra belgiska dukar för sina målningar. Det enda "besväret" var att konstnären tog med sig tavlorna hoprullade från sina resor, färgen, applicerad i ett tjockt lager, sprack ofta, och Tivadar var tvungen att med jämna mellanrum restaurera sina verk. Han gjorde även resor till Rom och Paris.

Fiske i Castellammare, 1901

Studien gav inte Tivadar tillfredsställelse. Konstnären struntade i konstens alla regler, med sina målningar trotsade han försöken att betrakta honom som en naiv målare. 1895 reste konstnären runt i Dalmatien och Italien, där han målade landskap där vatten, eld och jord måste finnas. Detta kan ses i exemplet med en av de kända verk artist som heter "Castellamare di Stabia". Detta är namnet på en stad inte långt från Neapel, som uppstod på platsen för forntida Stabiae, förstördes den 24 augusti 79 av Vesuvius utbrott, tillsammans med Pompeji och Herculaneum. På platsen för den antika bosättningen ligger den italienska staden Castellammare di Stabia, som från italienska översatts som "liten Stabian fästning vid havet." Konstnären avbildade till höger i bilden en solig stadsgata längs vilken en kärra dragen av en åsna rör sig, men till vänster ett turbulent hav före en annalkande storm och den rykande Vesuvius i fjärran.

Castellammare di Stabia, 1902

Förutom Italien och Frankrike besökte konstnären Grekland, Nordafrika och Mellanöstern. I Grekland skrev man till exempel stora målningar"Ruinerna av den grekiska teatern i Taormina" (1904-1905) och "Jupiters tempel i Atens ruiner" (1904). År 1900 bytte Tivadar sitt efternamn Kostka till pseudonymen Chontvari.

Ruinerna av den grekiska teatern i Taormina, 1904-1905

Totalt målade Chontvari över hundra målningar och mer än tjugo teckningar. De främsta är stilmässigt nära expressionismen och skapades 1903-1908. Till exempel, 1906, målades en enorm målning "Baalbek" - 7 x 4 meter. Detta är ett av konstnärens "programmatiska" verk, där han försökte skildra sin "solens stad". Konstkritiker skriver: ”Här förenas dåtid och nutid. Det fanns liv, det fanns ruiner, det fanns minne. Livet finns, fortsätter det: lata kameler går någonstans och människor går.”

Baalbek, 1906

1907 ställdes Chontvaris målningar ut kl Internationell utställning i Paris, 1908 - på konstgalleriet i Budapest. I Paris skrev en berömd amerikansk konstkritiker om Chontvaris målningar - "de lämnade efter sig allt som tidigare funnits inom måleriet." Men varken en sådan bedömning av hans verk eller den efterföljande utställningen i hans hemland gav konstnären vare sig berömmelse eller erkännande.

Ensam ceder, 1907

1907-1908 besökte Chontvari Libanon, där symboliska målningar målades - "Lonely Cedar", "Pilgrimsfärd till Libanons cedrar" och "Jungfru Marias brunn i Nasaret". I den sista av de namngivna målningarna avbildade konstnären sig själv i en man som hällde vatten från en kanna för en åsna och getter.

Marias brunn i Nasaret, 1908

Chontvaris dukar ställdes ut i andra europeiska länder 1908 och 1910, men de bidrog inte heller till hans berömmelse och erkännande, som konstnären så uppriktigt hoppades på. Dessutom (och detta var det mest stötande!) erkändes inte konstnärens verk i hans hemland. I Ungern hade Csontwáry ett rykte som en galning på grund av hans udda beteende, asketiska livsstil och tendens att falla in i en profetisk ton när han kommunicerade.

Utsikt över staden Banska Stiavnica vid horisonten, 1902

Sista bilden konstnärens "Hästrad vid havet" (ofta översatt från ungerska som "Vandra längs stranden") målades i Neapel 1909. Samma år visades målningen på världsutställningen i Paris, och nästan ett halvt sekel senare, 1958, belönades detta verk med huvudpriset på utställningen "50 år av samtida konst" i Bryssel.

Ridtur vid havet, 1909

1910 slutade Chontvari praktiskt taget måla, eftersom attackerna av sjukdomen blev mer och mer allvarliga. Det är sant att historiker noterar att det fanns försök att måla något nytt, men konstnären slutförde aldrig ett enda verk. Han bildade aldrig familj och kommunicerade bara ibland med sin syster (ingenting är känt om hans bröders öde). Chontvari var engagerad i restaurering av gamla verk och drömde fortfarande om en stor utställning i sitt hemland, varefter han verkligen skulle uppskattas.

Schaffhausen Falls, 1903

Konstnären skulle öppna ett eget galleri där han kunde visa målningar, han ritade till och med en design för detta galleri. Han ledde en asketisk livsstil och åt bara grönsaker och frukt. Fram till slutet av sitt liv förblev han en anhängare av monarkin och en stor beundrare av kejsaren av Österrike och sedan 1848, kungen av Ungern, Franz Joseph I. Csontvary målade till och med ett porträtt av kejsaren, och legenden säger också. att när Franz Joseph blev förkyld skickade konstnären honom ett telegram där han beskrev sina apoteksrekommendationer: vad man ska ta, när och hur.

Stad vid havet, ca 1902

I senaste åren Chontvari tog också upp livet litterär verksamhet, skrev han broschyren "Energy and Art, the Mistakes of Civilized Man" och studien "Genius. Vem kan och vem kan inte vara ett geni." Historiker betonar att Chontvari var en självcentrerad person, svår att kommunicera med, och fram till slutet av sitt liv förblev han övertygad om sitt messianska öde. Det är värt att notera att konstnären under sin livstid inte sålde en enda målning av honom. Csontváry dog 1919 i Budapest vid sextio års ålder och begravdes på Kerepesi-kyrkogården.

Vår i Mostar, 1903

Efter Chontvaris död ville hans syster sälja tavlorna, hon vände sig till museiarbetare som försäkrade henne att tavlorna var värdelösa. Men min syster bestämde sig för att även om målningarna var "kladda", så kunde dukarna vara värda pengar. Så hon skrev en annons om försäljningen av alla hennes brors målningar. Många källor säger att målningarna köptes i bulk av en okänd samlare, men senare blev personens namn känt, tack vare vilken man kan se Csontvarys målningar på ungerska museer idag. Det här är arkitekten Gedeon Gerlotsi. Och historien om tavlornas nästan räddning är helt enkelt fantastisk.

Skeppsbrott, 1903

Efter examen från akademin letade Gerlotsi efter ett ställe att hyra ett hus i Budapest. En dag gick han längs gatan där Chontvaris verkstad låg och såg en annons för försäljning av tavlor och en av dem lutad mot väggen. Gerlotsi mindes senare att målningen föll av en vindpust när han gick förbi huset. Detta var den berömda "Lone Cedar". Dagen efter köpte Gerlotsi alla tavlor och satte ett pris som var något högre än sin granne, en skräphandlare som var närvarande vid försäljningen. Under många år höll Gerlotsi tavlorna upprullade i en kista. När arkitekten började undervisa på Skolan bild och form Budapest, sedan transporterade och placerade han de största dukarna där. 1949 tog Gerlotsi med sig Csontvaris målningar för att delta i utställningar i Paris och Bryssel.

Mandelblomning i Taormina, ca 1902

Vid Chontvaris grav finns ett monument - en bronskonstnär med en pensel i vänster hand. Hans historia är också intressant. Enligt ungersk lag, om anhöriga 50 år efter döden inte betalar för att kyrkogårdsarbetare ska fortsätta ta hand om graven, så begravs kvarlevorna av den avlidne i en gemensam grav. Till och med under hans livstid ansåg Chontvaris släktingar honom som en "utan den här världen" excentriker som ritade vem vet vad. Arvingarna tog inte hand om graven, historiker och museiarbetare studerade inte heller hans verk, varför konstnärens kvarlevor hamnade 1970. gemensam grav. Men av en slump var det från början av 1970-talet som intresset för konstnärens arv började växa, och därför 1979, på 60-årsdagen av konstnärens död, bronsmonument, och en kopia av den installerades framför konstnärens museum som öppnades sex år tidigare i Pec.

Monument vid Chontvaris grav

För framväxten av museet måste vi tacka dess chef Zoltan Fülöp, som var ett fan av Csontvaris verk och samlade hans målningar. Chontvari-museet ligger i en herrgård i två våningar byggd på 1800-talet. Gerloci gav Fülöp nästan hela sin samling av målningar av Csontvari, och två år efter öppnandet av museet dog arkitekten. Historiker noterar att även om han skapade många byggnader i Ungerns huvudstad, gick han till historien om ungersk konst som mannen som räddade arvet från Csontvary.

Vid ingången till Västra muren i Jerusalem, 1904

Konstnärens huvudverk ställs givetvis ut på ungerska nationalgalleriet. Tillsammans med de som permanent visas på konstnärens museum i staden Pécs finns det nästan 130 stycken. Historiker upptäckte cirka 25 målningar av konstnären i privata samlingar. Många verk försvann under andra världskriget, en del hittades tvärtom på ett oväntat sätt. De säger att en person som köpte in igen sent XIX talet apotek Chontvari, hittade flera teckningar och målningar kvar där och satte dem alla på vinden, i mitten av nittonhundratalet upptäcktes de i Berlin.

Vattenfall i ägg, 1903

Tills nyligen var det bara ett fåtal som var intresserade av att måla som kände till namnet Tivadar Kostka (Chontvari). Man började prata om målaren som dog i fattigdom för nästan 100 år sedan, som också ansågs galen, först nyligen. Faktum är att en av de anställda vid stadsmuseet i Pecs tittar på målningen " Gammal fiskare"(1902), upptäckte att om du delar duken på mitten med en vertikal spegel får du två olika bilder! Det visar sig att målningen inte bara föreställer en gammal fiskare, utan Herren själv i form av en vitskäggig gammal man, bakom vilken ett berg och ett lugnt hav reser sig, och samtidigt Satan Djävulen mot bakgrund av stormiga vågor. Denna detalj intresserade inte bara många konstkritiker, utan också vanliga människor. De började prata om verkets hemliga mystik, inställningen till kreativt arv Ungersk konstnär.

Gammal fiskare, 1902

Här är ett och ett halvt sekels historia förknippad med en av de mest originella ungerska målarna. Naturligtvis kan man argumentera om hans arbete, man kan kritisera eller inte acceptera det, men det förefaller mig som att även en enkel lekman, som tittar på Chontvaris målningar, kommer att säga: "Det finns något i dem!"

Romerska bron i Mostar, 1903

Zrinyi inleder sista attack, 1903

Temple Square med utsikt över Döda havet, Jerusalem, 1906

Greater Tarpatak Valley i Tatras

Företag som korsar en bro, 1904

Coaching i Aten vid New Moon, 1904

Nästan varje betydande konstverk innehåller ett mysterium, en "dubbelbotten" eller hemlig historia, vilket jag vill avslöja.

Musik på skinkorna

Hieronymus Bosch, "Trädgården" jordiska nöjen", 1500-1510.

Fragment av en del av en triptyk

Tvister om betydelser och dolda betydelser mest kända verk holländsk konstnär har inte avtagit sedan dess uppkomst. Den högra flygeln av triptyken som kallas "Musical Hell" skildrar syndare som torteras i underjorden med hjälp av musikinstrument. En av dem har noter stämplade på skinkorna. Oklahoma Christian University-studenten Amelia Hamrick, som studerade målningen, översatte 1500-talets notation till modern stil och spelade in "en 500 år gammal rövlåt från helvetet."

Naken Mona Lisa

Den berömda "La Gioconda" finns i två versioner: nakenversionen heter "Monna Vanna", den skrevs av föga känd konstnär Salai, som var elev och modell av den store Leonardo da Vinci. Många konsthistoriker är säkra på att det var han som var modellen för Leonardos målningar "John Döparen" och "Bacchus". Det finns också versioner som Salai, klädd i en kvinnas klänning, fungerade som bilden av Mona Lisa själv.

Gammal fiskare

1902 målade den ungerske konstnären Tivadar Kostka Csontvary tavlan "Den gamle fiskaren". Det verkar som att det inte finns något ovanligt i bilden, men Tivadar lade in en undertext som aldrig avslöjades under konstnärens livstid.

Få människor tänkte på att placera en spegel i mitten av bilden. I varje person kan det finnas både Gud (den gamle mannens högra axel är duplicerad) och Djävulen (den gamle mannens vänstra axel är duplicerad).

Fanns det en val?

Hendrik van Antonissen, Shore Scene.

Det verkar som, vanligt landskap. Båtar, människor på stranden och ett öde hav. Och bara en röntgenstudie visade att människor samlades på stranden av en anledning - i originalet tittade de på kadavret av en val som spolas iland.

Konstnären bestämde sig dock för att ingen skulle vilja titta på en död val, och skrev om målningen.

Två "Frukostar på gräset"

Edouard Manet, "Lunch på gräset", 1863.

Claude Monet, "Lunch på gräset", 1865.

Konstnärerna Edouard Manet och Claude Monet är ibland förvirrade – trots allt var de båda fransmän, levde samtidigt och arbetade i impressionismens stil. Monet lånade till och med titeln på en av Manets mest kända målningar, "Luncheon on the Grass", och skrev sin egen "Luncheon on the Grass".

Dubblar vid den sista måltiden

Leonardo da Vinci, "Den sista måltiden", 1495-1498.

När Leonardo da Vinci skrev " sista måltiden" lade han särskild vikt vid två gestalter: Kristus och Judas. Han tillbringade mycket lång tid på att leta efter modeller för dem. Till slut lyckades han hitta en modell för Kristusbilden bland de unga sångarna. Leonardo kunde inte hitta en modell för Judas på tre år. Men en dag stötte han på en fyllare på gatan som låg i en ränna. Han var en ung man som hade åldrats av starkt drickande. Leonardo bjöd in honom till en krog, där han omedelbart började måla Judas från honom. När fylleristen kom till besinning berättade han för artisten att han redan hade poserat för honom en gång. Det var flera år sedan, när han sjöng i kyrkokören, Leonardo målade Kristus efter honom.

"Nattvakt" eller "Dagvakt"?

Rembrandt, " Nattvakten", 1642.

En av Rembrandts mest kända målningar, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenburg", hängde i olika rum i cirka tvåhundra år och upptäcktes av konsthistoriker först på 1800-talet. Eftersom figurerna verkade dyka upp mot en mörk bakgrund, kallades den "Night Watch", och under detta namn gick den in i världskonstens skattkammare.

Och först under restaureringen som genomfördes 1947 upptäcktes att målningen i hallen hade lyckats bli täckt av ett lager av sot, vilket förvrängde dess färg. Efter att ha rensat originalmålningen avslöjades det slutligen att scenen som representeras av Rembrandt faktiskt utspelar sig under dagen. Placeringen av skuggan från kapten Koks vänstra hand visar att handlingstiden inte är mer än 14 timmar.

Vältade båt

Henri Matisse, "Båten", 1937.

Henri Matisses målning "The Boat" ställdes ut på New York Museum of Modern Art 1961. Först efter 47 dagar märkte någon att tavlan hängde upp och ner. Duken föreställer 10 lila linjer och två blå segel på vit bakgrund. Konstnären målade två segel av en anledning, det andra seglet är en reflektion av det första på vattenytan.
För att inte göra ett misstag i hur bilden ska hänga måste du vara uppmärksam på detaljerna. Det större seglet ska vara toppen av målningen, och toppen av målningens segel ska vara mot det övre högra hörnet.

Bedrägeri i självporträtt

Vincent van Gogh, "Självporträtt med ett rör", 1889.

Det finns legender om att Van Gogh påstås klippa av sitt eget öra. Nu är den mest pålitliga versionen att van Gogh skadade sitt öra i ett litet slagsmål med en annan artist, Paul Gauguin.

Självporträttet är intressant eftersom det speglar verkligheten i en förvrängd form: konstnären avbildas med sitt högra öra bandagerat eftersom han använde en spegel när han arbetade. Faktum är att det var vänster öra som drabbades.

Alien björnar

Ivan Shishkin, "Morgon i tallskogen", 1889.

Den berömda målningen tillhör inte bara Shishkin. Många konstnärer som var vänner med varandra tog ofta till "hjälpen av en vän", och Ivan Ivanovich, som målade landskap hela sitt liv, var rädd att hans rörande björnar inte skulle bli som han ville. Därför vände sig Shishkin till sin vän, djurkonstnären Konstantin Savitsky.

Savitsky ritade kanske historiens bästa björnar Rysk målning, och Tretyakov beordrade att hans namn skulle tvättas bort från duken, eftersom allt i målningen "från konceptet till utförandet, allt talar om sättet att måla, ca. kreativ metod, karakteristisk för Shishkin."

Den oskyldiga historien om "Gothic"

Grant Wood, " Amerikansk gotik", 1930.

Grant Woods verk anses vara ett av de mest märkliga och deprimerande i det amerikanska måleriets historia. Bilden med den dystra fadern och dottern är fylld med detaljer som indikerar svårighetsgraden, puritanismen och retrograda karaktären hos de avbildade personerna.
Faktum är att konstnären inte hade för avsikt att skildra några fasor: under en resa till Iowa märkte han ett litet hus i gotisk stil och bestämde sig för att skildra de människor som, enligt hans åsikt, skulle vara idealiska som invånare. Grants syster och hans tandläkare förevigas som karaktärerna Iowans var så kränkta av.

Salvador Dalis hämnd

Målningen "Figur vid ett fönster" målades 1925, när Dali var 21 år gammal. Vid den tiden hade Gala ännu inte kommit in i konstnärens liv, och hans musa var hans syster Ana Maria. Förhållandet mellan bror och syster försämrades när han skrev i en av målningarna "ibland spottar jag på porträttet av min egen mamma, och det här ger mig nöje." Ana Maria kunde inte förlåta ett sådant chockerande beteende.

I sin bok från 1949, Salvador Dali genom en systers ögon, skriver hon om sin bror utan något beröm. Boken gjorde Salvador upprörd. I ytterligare tio år efter det kom han argt ihåg henne vid varje tillfälle. Och så, 1954, dök målningen "En ung jungfru som hänger sig åt Sodomins synd med hjälp av hennes egen kyskhets horn" upp. Kvinnans pose, hennes lockar, landskapet utanför fönstret och målningens färgskala ekar tydligt "Figur vid fönstret". Det finns en version om att Dali tog hämnd på sin syster för hennes bok.

Danae med två ansikten

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.

Många hemligheter för en av Rembrandts mest kända målningar avslöjades först på 60-talet av 1900-talet, när duken var upplyst med röntgenstrålar. Till exempel, filmning visade att i en tidig version ansiktet på prinsessan som gick in kärleksaffär med Zeus liknade det ansiktet på Saskia, målarens hustru, som dog 1642. I den slutliga versionen av målningen började den likna ansiktet på Gertje Dirks, Rembrandts älskarinna, som konstnären bodde hos efter sin frus död.

Van Goghs gula sovrum

Vincent Van Gogh, "Sovrum i Arles", 1888 - 1889.

I maj 1888 förvärvade Van Gogh en liten ateljé i Arles, i södra Frankrike, dit han flydde från parisiska konstnärer och kritiker som inte förstod honom. I ett av de fyra rummen inrättar Vincent ett sovrum. I oktober är allt klart och han bestämmer sig för att måla "Van Goghs sovrum i Arles." För konstnären var rummets färg och komfort mycket viktigt: allt måste väcka tankar om avkoppling. Samtidigt är bilden utformad i alarmerande gula toner.

Forskare av Van Goghs arbete förklarar detta med det faktum att konstnären tog fingerborgsborg, ett botemedel mot epilepsi, vilket orsakar allvarliga förändringar i patientens uppfattning av färg: hela den omgivande verkligheten är målad i gröna och gula toner.

Tandlös perfektion

Leonardo da Vinci, "Porträtt av Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Den allmänt accepterade åsikten är att Mona Lisa är perfektion och att hennes leende är vackert i sitt mysterium. Den amerikanske konstkritikern (och deltidsanställd tandläkaren) Joseph Borkowski menar dock att hjältinnan, att döma av hennes ansiktsuttryck, har tappat många tänder. När hon studerade förstorade fotografier av mästerverket upptäckte Borkowski också ärr runt hennes mun. "Hon "ler" så just på grund av vad som hände henne, tror experten. "Hennes ansiktsuttryck är typiskt för människor som har tappat sina framtänder."

Major på ansiktskontroll

Pavel Fedotov, "Majors matchmaking", 1848.

Allmänheten, som först såg målningen "Major's Matchmaking", skrattade hjärtligt: konstnären Fedotov fyllde den med ironiska detaljer som var förståeliga för den tidens publik. Till exempel är majoren uppenbarligen inte bekant med reglerna för ädel etikett: han dök upp utan de nödvändiga buketterna för bruden och hennes mamma. Och hennes köpmansföräldrar klädde själv bruden i en aftonklänning, fast det var dagtid (alla lampor i rummet var släckta). Flickan provade uppenbarligen en lågt skuren klänning för första gången, skäms och försöker fly till sitt rum.

Varför är Liberty naken?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Frihet på barrikaderna", 1830.

Enligt konstkritikern Etienne Julie baserade Delacroix kvinnans ansikte på den berömda parisiska revolutionären - tvätterskan Anne-Charlotte, som gick till barrikaderna efter sin brors död i händerna på kungliga soldater och dödade nio gardister. Konstnären avbildade henne med sina bröst bara. Enligt hans plan är detta en symbol för oräddhet och osjälviskhet, såväl som demokratins triumf: det nakna bröstet visar att Liberty, som en allmänning, inte bär en korsett.

Icke kvadratiskt kvadrat

Kazimir Malevich, "Black Suprematist Square", 1915.

Faktum är att "Svart fyrkant" inte alls är svart och inte alls fyrkantig: ingen av sidorna på fyrkanten är parallella med någon av dess andra sidor, och ingen av sidorna av den fyrkantiga ramen som ramar in bilden. A mörk färg- detta är resultatet av att blanda olika färger, bland vilka det inte fanns någon svart. Man tror att detta inte var författarens försumlighet, utan en principiell position, önskan att skapa en dynamisk, rörlig form.

Specialister Tretjakovgalleriet upptäckte författarens inskription på berömd målning Malevich. Inskriptionen lyder: "Slaget mellan de svarta i den mörka grottan." Denna fras hänvisar till titeln på den humoristiska målningen av den franske journalisten, författaren och konstnären Alphonse Allais, "Slaget om negrerna i en mörk grotta i nattens död", som var en helt svart rektangel.

Melodrama av den österrikiska Mona Lisa

Gustav Klimt, "Porträtt av Adele Bloch-Bauer", 1907.

En av Klimts mest betydelsefulla målningar föreställer den österrikiske sockermagnaten Ferdinand Bloch-Bauers hustru. Hela Wien diskuterade Adeles stormiga romantik och känd konstnär. Den skadade maken ville hämnas på sina älskare, men valde mycket ovanligt sätt: han bestämde sig för att beställa ett porträtt av Adele från Klimt och tvinga honom att göra hundratals skisser tills konstnären började kräkas från henne.

Bloch-Bauer ville att arbetet skulle pågå i flera år, så att barnvakten kunde se hur Klimts känslor bleknade. Han gjorde ett generöst erbjudande till konstnären, som han inte kunde vägra, och allt visade sig enligt scenariot för den lurade mannen: arbetet avslutades på 4 år, älskande hade för länge sedan svalnat för varandra. Adele Bloch-Bauer visste aldrig att hennes man var medveten om hennes förhållande till Klimt.

Målningen som väckte Gauguin tillbaka till livet

Paul Gauguin, "Var kommer vi ifrån? Vilka är vi? Vart är vi på väg?", 1897-1898.

Mest berömd målning Gauguin har en egenhet: den "läses" inte från vänster till höger, utan från höger till vänster, som de kabbalistiska texterna som konstnären var intresserad av. Det är i denna ordning som allegorin om mänskligt andligt och fysiskt liv utspelar sig: från själens födelse (ett sovande barn i det nedre högra hörnet) till oundvikligheten av dödstimmen (en fågel med en ödla i klorna i det nedre vänstra hörnet).

Målningen målades av Gauguin på Tahiti, där konstnären rymde från civilisationen flera gånger. Men den här gången fungerade inte livet på ön: total fattigdom ledde honom till depression. Efter att ha avslutat duken, som skulle bli hans andliga testamente, tog Gauguin en låda arsenik och gick till bergen för att dö. Han beräknade dock inte dosen, och självmordet misslyckades. Morgonen därpå svajade han till sin hydda och somnade, och när han vaknade kände han en bortglömd törst efter livet. Och 1898 började hans verksamhet förbättras, och en ljusare period började i hans arbete.

112 ordspråk i en bild

Pieter Bruegel den äldre, "Holländska ordspråk", 1559

Pieter Bruegel den äldre avbildade ett land bebott av bokstavliga bilder av holländska ordspråk från den tiden. Målningen innehåller cirka 112 igenkännbara idiom. En del av dem används än idag, till exempel: "simma mot strömmen", "slå huvudet i väggen", "beväpnad till tänderna" och "stora fiskar äter små fiskar".

Andra ordspråk speglar mänsklig dumhet.

Konstens subjektivitet

Paul Gauguin, "Breton Village in the Snow", 1894

Gauguins målning "Breton Village in the Snow" såldes efter författarens död för endast sju franc och dessutom under namnet "Niagarafallen". Mannen som höll auktionen hängde av misstag tavlan upp och ner eftersom han såg ett vattenfall i den.

Dold bild

Pablo Picasso, "Blå rummet", 1901

2008 avslöjade infraröd strålning att gömd under det blå rummet fanns en annan bild - ett porträtt av en man klädd i kostym med fluga och vilande huvudet på handen. ”Så fort Picasso hade ny idé, tog han upp borsten och förkroppsligade den. Men han hade inte möjlighet att köpa en ny duk varje gång en musa besökte honom, förklarar möjlig orsak denna konstkritiker Patricia Favero.

Otillgängliga marockaner

Zinaida Serebryakova, "Naken", 1928

En dag fick Zinaida Serebryakova ett frestande erbjudande - att gå på en kreativ resa för att skildra nakna figurer av orientaliska jungfrur. Men det visade sig att det helt enkelt var omöjligt att hitta modeller på de platserna. Zinaidas översättare kom till undsättning - han förde sina systrar och fästmö till henne. Ingen före eller efter har kunnat fånga nakna orientaliska kvinnor som är stängda.

Spontan insikt

Valentin Serov, "Porträtt av Nicholas II i en jacka", 1900

Under lång tid kunde Serov inte måla ett porträtt av tsaren. När artisten helt gav upp bad han Nikolai om ursäkt. Nikolai blev lite upprörd, satte sig vid bordet och sträckte ut armarna framför sig... Och så gick det upp för konstnären - här är bilden! En enkel militär i officersjacka med klara och sorgsna ögon. Detta porträtt anses vara den bästa skildringen av den siste kejsaren.

Ännu en tvåa

© Fedor Reshetnikov

Den berömda målningen "Deuce Again" är bara den andra delen av en konstnärlig trilogi.

Den första delen är "Ankom på semester." Uppenbarligen en rik familj, vinterlov, en glad utmärkt student.

Den andra delen är "A deuce again." En fattig familj från arbetarklassens utkanter, höjden av skolår, den uppgivna bedövaren, som återigen tog tag i tvåan. Till vänster övre hörnet målningen "Arrived for Vacation" syns.

Den tredje delen är ”Omtentamen”. Ett lantligt hus, sommar, alla går, en illvillig okunnig, som misslyckades med det årliga provet, tvingas sitta inom fyra väggar och proppa. I det övre vänstra hörnet kan du se målningen "Deuce Again."

Hur mästerverk föds

Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844

År 1842 reste fru Simon med tåg i England. Plötsligt började ett kraftigt skyfall. Den äldre herrn som satt mitt emot henne reste sig, öppnade fönstret, stack ut huvudet och stirrade i ungefär tio minuter. Oförmögen att hålla tillbaka sin nyfikenhet öppnade kvinnan också fönstret och började titta framåt. Ett år senare upptäckte hon målningen "Rain, Steam and Speed" på en utställning på Royal Academy of Arts och kunde i den känna igen samma avsnitt på tåget.

Anatomi lektion från Michelangelo

Michelangelo, "Adams skapelse", 1511

Ett par amerikanska neuroanatomiexperter tror att Michelangelo faktiskt lämnade efter sig några anatomiska illustrationer i ett av sina mest kända verk. De tror att den högra sidan av målningen föreställer en enorm hjärna. Överraskande nog kan även komplexa komponenter hittas, såsom lillhjärnan, synnerverna och hypofysen. Och det iögonfallande gröna bandet matchar perfekt platsen för kotartären.

"Nattvarden" av Van Gogh

Vincent van Gogh, " Nattterrass kafé", 1888

Forskaren Jared Baxter tror att Van Goghs målning "Cafe Terrace at Night" innehåller en krypterad dedikation till Leonardo da Vincis "Last Supper". I mitten av bilden står en servitör med långt hår och i en vit tunika som påminner om Kristi kläder, och runt honom finns det exakt 12 cafébesökare. Baxter uppmärksammar också korset som ligger direkt bakom servitören i vitt.

Dalis bild av minnet

Salvador Dali, "The Persistence of Memory", 1931

Det är ingen hemlighet att tankarna som besökte Dali under skapandet av hans mästerverk alltid var i form av mycket realistiska bilder, som konstnären sedan överförde till duk. Således, enligt författaren själv, målades målningen "The Persistence of Memory" som ett resultat av associationer som uppstod från synen av smältost.

Vad skriker Munch om?

Edvard Munch, "Skriet", 1893.

Munch berättade om hur han kom på idén om en av de mest mystiska målningar i världsmåleri: "Jag gick längs en stig med två vänner - solen gick ner - plötsligt blev himlen blodröd, jag pausade, kände mig utmattad och lutade mig mot stängslet - jag tittade på blodet och lågorna över det blåaktiga- svarta fjorden och staden - mina vänner gick vidare, och jag stod och darrade av upphetsning och kände ett ändlöst skrik genomträngande naturen." Men vilken sorts solnedgång kan skrämma konstnären så mycket?

Det finns en version att idén om "Skriket" föddes till Munch 1883, när flera kraftfulla utbrott av vulkanen Krakatoa inträffade - så kraftfulla att de ändrade temperaturen på jordens atmosfär med en grad. Rikliga mängder damm och aska spred sig över hela världen och nådde till och med Norge. Flera kvällar i rad såg solnedgångarna ut som om apokalypsen var på väg att komma – en av dem blev en inspirationskälla för konstnären.

En författare bland folket

Alexander Ivanov, "Kristi framträdande för folket", 1837-1857.

Dussintals barnvakter poserade för Alexander Ivanov för hans huvudmålning. En av dem är känd inte mindre än konstnären själv. I bakgrunden, bland resenärer och romerska ryttare som ännu inte hört Johannes Döparens predikan, kan man se en karaktär i en tunika. Ivanov skrev det från Nikolai Gogol. Författaren kommunicerade nära med konstnären i Italien, särskilt i religiösa frågor, och gav honom råd under målningsprocessen. Gogol trodde att Ivanov "för länge sedan har dött för hela världen, utom för sitt arbete."

Michelangelos gikt

Raphael Santi, "The School of Athens", 1511.

Genom att skapa den berömda fresken "The School of Athens" förevigade Raphael sina vänner och bekanta i bilder av antika grekiska filosofer. En av dem var Michelangelo Buonarotti "i rollen" som Herakleitos. Under flera århundraden höll fresken hemligheterna i Michelangelos personliga liv, och moderna forskare har föreslagit att konstnärens märkligt kantiga knä indikerar att han hade en ledsjukdom.

Detta är ganska troligt, med tanke på särdragen i livsstilen och arbetsförhållandena för renässanskonstnärer och Michelangelos kroniska arbetsnarkoman.

Spegel av paret Arnolfini

Jan van Eyck, "Porträtt av paret Arnolfini", 1434

I spegeln bakom paret Arnolfini kan man se reflektionen av ytterligare två personer i rummet. Troligtvis är dessa vittnen närvarande vid avtalets ingående. En av dem är van Eyck, vilket framgår av den latinska inskriptionen placerad, tvärtemot tradition, ovanför spegeln i mitten av kompositionen: "Jan van Eyck var här." Det var så kontrakt vanligtvis förseglades.

Hur en nackdel förvandlades till en talang

Rembrandt Harmens van Rijn, självporträtt vid 63 års ålder, 1669.

Forskaren Margaret Livingston studerade alla Rembrandts självporträtt och upptäckte att konstnären led av skelning: i bilderna ser hans ögon åt olika håll, vilket inte observeras i porträtten av andra människor av mästaren. Sjukdomen resulterade i att konstnären kunde uppfatta verkligheten i två dimensioner bättre än människor med normal syn. Detta fenomen kallas "stereoblindhet" - oförmågan att se världen i 3D. Men eftersom målaren måste arbeta med en tvådimensionell bild kan just denna brist hos Rembrandt vara en av förklaringarna till hans fenomenala talang.

Syndfri Venus

Sandro Botticelli, "Venus födelse", 1482-1486.

Före uppkomsten av "Venus födelse" bilden av en naken kvinnlig kropp i målningen symboliserade den bara idén om arvssynden. Sandro Botticelli var den första av de europeiska målarna som inte hittade något syndigt hos honom. Dessutom är konsthistoriker säkra på att den hedniska kärleksgudinnan symboliserar på fresken Kristen bild: hennes utseende är en allegori över återfödelsen av en själ som har genomgått dopriten.

Lutspelare eller lutspelare?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Lutspelaren", 1596.

Under lång tid ställdes målningen ut i Eremitaget under titeln "Lutspelaren". Först i början av 1900-talet var konsthistoriker överens om att målningen föreställer en ung man (troligen Caravaggios bekant, konstnären Mario Minniti, poserade för honom): på tonerna framför musikern kan man se en inspelning av basen rad av Jacob Arkadelts madrigal "Du vet att jag älskar dig" . En kvinna kan knappast göra ett sådant val - det är bara hårt för halsen. Dessutom ansågs lutan, liksom fiolen i kanten av bilden, vara ett manligt instrument på Caravaggios era.

Inlägget är inspirerat av programmet "Vad, var, när?" Jag börjar med en gåta.
Detta är en målning av Tivadar Kostka Chontvari, den heter "Den gamle fiskaren". Vid första anblicken finns det inget särskilt anmärkningsvärt med den, som konsthistoriker också trodde, men en gång antyddes det att den föreställer Gud och djävulen. Mysteriet är varför en sådan idé föddes. Under klippet kommer en större bild, en biografi och en lösning :)

Gissade du det? Nej? Kanske kommer detaljerna att ge dig svaret?

Jag ska plåga dig lite mer med en berättelse om konstnären själv. Om du inte kan vänta, flyg ner för ett svar.

Självporträtt

Tivadar Kostka föddes den 5 juli 1853 i bergsbyn Kisseben, som tillhörde Österrike (nu Sabinov, Slovakien) - en självlärd ungersk konstnär.

Hans far Lasli Kostka var läkare och apotekare. Tivadar och hans fem bröder växte upp i en atmosfär genomsyrad av farmakologins anda. Den blivande konstnären visste från barndomen att han skulle bli apotekare. Men innan han blev det bytte han många yrken — han arbetade som försäljare, gick på föreläsningar vid Juridiska fakulteten en tid och först därefter studerade han farmakologi.

En dag, när han redan var 28 år gammal, medan han var på ett apotek, tog han en penna och ritade på ett recept från en enkel scen som han såg från fönstret - en förbipasserande vagn dragen av bufflar. Om detta var början på schizofreni, som han drabbades av senare, men från och med då grep drömmen om att bli konstnär honom.

Han åker till Rom, sedan till Paris, där han träffar den berömda ungerske konstnären Mihaly Munkacsi (som för övrigt också dog i psykiatriska sjukhuset). Och sedan återvänder han till sitt hemland och arbetar på ett apotek i fjorton år och försöker uppnå ekonomiskt oberoende. Efter att ha sparat ett litet kapital, går han för att studera först i München och sedan i Paris.

Hans studier gav honom inte tillfredsställelse. Därför åkte han 1895 på en resa till Italien för att måla landskap. Han reste även till Grekland, Nordafrika och Mellanöstern.
År 1900 bytte han efternamnet Kostka till pseudonymen Chontvari.
Redan 1907 och 1910 ägde personliga utställningar rum i Paris, men de gav honom inget erkännande. Inte heller i Ungern fick hans målningar erkännande och författaren hade rykte som galning.

1910 upphörde skapelseperioden. Sjukdomsanfallen blev allt svårare. Nu ritade han ytterst sällan, bara skisser av sina surrealistiska visioner.
På senare år skrev han böcker: broschyren "Energi och konst, den civiliserade människans misstag" och studien "Geni. Vem kan och vem kan inte vara ett geni."
Under sin livstid sålde konstnären inte en enda målning.
Sista huvudbild"Ride Along the Shore" skrevs i Neapel 1909.

Den 20 juni 1919 dog konstnären Chontvari, som man säger, i artrit.
Släktingar rådfrågade experter, som försäkrade dem om Tivadars fullständiga konstnärliga misslyckande som konstnär, och snart lades målningarna ut på auktion, inte som konstverk, utan som bitar av duk. En slumpmässig samlare (eller är det slumpmässigt?) köpte alla målningar i lösvikt för en ringa summa, och tillfredsställde sina kortsynta (eller lurade) syskonbarn.

Nåväl, nu är svaret :) Ta en spegel och placera den i mitten av bilden så får du se dessa svar :)
Gud, med ett lugnt hav i ryggen.

Och djävulen med rasande passioner.

Konstnären Tivadar Kostka Chontvary, okänd för någon under sin livstid, blev plötsligt känd ett sekel efter sin död tack vare sin målning "Den gamle fiskaren". Mästaren själv var säker på sitt messianska öde, även om hans samtida kallade det schizofreni. Nu letar de efter dolda symboler och beslöjade antydningar i hans målningar. Finns de där? Ett av dessa verk som har genomgått en omfattande analys är målningen "Den gamle fiskaren".

Okänd artist

År 1853 föddes den framtida målaren i den ungerska byn Kisseben. Tivadars och hans fem bröders öde var förutbestämt från barndomen. De var beredda att fortsätta sin fars arbete. Och föräldern var apotekare och hade en läkarpraktik. Men innan han började på farmakologi hann den unge mannen ta examen från gymnasiet, arbeta som försäljare och studera vid Juridiska fakulteten. Och efter allt detta vände han sig till familjeföretaget. Väl framme på apoteket arbetade Tivadar här i fjorton långa år.

En dag, när han var 28, på en vanlig arbetsdag, tog han ett receptformulär och en penna och skissade upp en handling: en vagn som passerade förbi fönstret i det ögonblicket, med bufflar spända till den. Innan detta hade han inte visat en förkärlek för att teckna, men skrev senare i sin självbiografi att han den dagen hade en vision som förutsade den store målarens öde.

På våren 1881 öppnade Tivadar Kostka sitt apotek i norra Ungern och sparade tillräckligt med pengar för att resa till Italien. Som alla unga konstnärer drömde han om att se de gamla mästarnas mästerverk. Han attraherades särskilt av Rafaels målningar. Det måste sägas att han senare blev desillusionerad av sin idol, eftersom han inte hittade den nödvändiga livligheten och uppriktigheten i naturen på sina dukar. Efter Rom åker Kostka till Paris och sedan till sitt hemland.

Chontvari (konstnären tog denna pseudonym 1900) började på allvar engagera sig i målning i mitten av 1890-talet. Han lämnar sitt apotek till sina bröder och kommer till München för att studera måleri. I många källor kallas Kostka för självlärd, men under tiden studerade han på konstskolan hos sin berömda landsman, mer framgångsrik inom konstområdet, Shimon Hollosy. Läraren var nästan tio år yngre än sin elev.

I München skapar Chontvari flera porträtt. Stämpeln av sorg på modellernas ansikten skiljer dem från den mer glada resten av hans arbete. Han målade naturliga porträtt endast under sina studier och tappade senare intresset för det. Efter att ha lämnat München åkte konstnären till Karlsruhe, där han fortsatte att ta lektioner, nu från Kallmorgen. Konstnärens biografer säger att han levde bekvämt vid den här tiden och köpte de bästa belgiskt tillverkade dukarna för sitt arbete.

Senaste åren

Att studera gav inte Chontvari tillfredsställelse. Det verkade som om han bara förstod målningens lagar för att bryta mot dem. 1895 åkte han igen till Italien för att arbeta utomhus i sin favoritlandskapsgenre. Konstnären besöker inte bara Italien, utan även Frankrike, Grekland, Mellanöstern och Libanon.

1907-1910 ägde flera av hans personliga utställningar rum i Paris, Budapest och hemma. Särskild ära de tar inte med honom, även om vissa kritiker talar mycket bifallande. I Ungern pratar man till och med om konstnären som om han vore galen. Det är ingen hemlighet att han led av anfall av schizofreni, men ändå hoppades på erkännande från sina landsmän.

År 1910 började sjukdomen utvecklas. Attackerna blev allt svårare, arbetet var svårt. Chontvari skriver knappt längre, gör bara små skisser. Han slutförde aldrig ett enda verk, även om han gjorde försök. Vid sextio års ålder dog konstnären i Budapest, där han begravdes.

Kreativt arv

Mer än etthundrafemtio målningar och teckningar lämnades kvar av Tivadar Kostka Chontvari. Målningen "Den gamle fiskaren", målad 1902, är kanske den mest kända av alla, "ikonisk". De flesta av verken skapades under den korta perioden mellan 1903 och 1909. Detta var konstnärens kreativa blomning, en blixt av geni. Till sin stil är de besläktade med expressionism. Hans verk krediteras också med drag av symbolism, postimpressionism och till och med surrealism.

Postumt erkännande

Efter Chontvaris död överlevde hans verk endast genom ett mirakel. Systern vände sig till värderingsmän för att ta reda på hur mycket hon kunde få för tavlorna. De försäkrade henne att deras konstnärliga värde var noll. Då resonerade kvinnan att om tavlorna var dåliga så skulle dukar åtminstone vara användbara för någon. Och lägg ut dem till försäljning i lösvikt. Arkitekten Gedeon Gerlotsi tog allt arbete och bjöd över skräphandlaren. Han ställde senare ut målningarna på Budapest School of Fine Arts, och ställde 1949 ut dem i Belgien och Frankrike.

Före sin död överlämnade arkitekten sin samling till Zoltan Fülep, den framtida chefen för Csontvari-museet. Det var redan en succé. Men konstnären skulle ha förblivit känd endast för en snäv krets av fans i sitt hemland om en av museiarbetarna, nästan ett sekel efter sin död, inte hade upptäckt en viss hemlighet som målningen "Den gamle fiskaren" fortfarande bevarar. Sedan dess har namnet Chontvari, som inte sålde en enda målning under sin livstid, blivit känt över hela världen.

"Den gamle fiskaren": beskrivning av målningen

Nästan hela utrymmet på duken upptas av figuren av en äldre man. Stormvinden ruvar i håret och gamla, slitna kläder. Fiskaren är klädd i en svart blus, en grå basker och en kappa. Han lutar sig mot sin stav och tittar rakt på betraktaren. Hans ansikte har grov hud och är täckt av ett frekvent nätverk av rynkor. I bakgrunden placerade konstnären en havsvik. Vågorna slår mot stranden och tjock rök kommer från skorstenarna i husen på stranden. Vid horisonten finns berg, eller snarare deras silhuetter, dolda av en mjölkig dimma. I förhållande till fiskarens gestalt är landskapet sekundärt och spelar rollen som bakgrund.

Målningen "Den gamle fiskaren" av Chontvari är gjord i ett återhållsamt färgschema, med dämpade, mjuka färger som dominerar: duva, grått, sand, bruna nyanser.

Mysteriet med målningen "Den gamle fiskaren"

Vilken upptäckt gjorde museets medarbetare? Låt oss avslöja intrigen: han upptäckte att om du täcker hälften av duken och reflekterar den återstående delen symmetriskt kommer du att få en helt färdig konstverk. Dessutom fungerar detta i båda fallen: med både höger och vänster del av bilden. Detta är hemligheten som målningen "Den gamle fiskaren" bevarade i nästan hundra år. Foton av de monterade halvorna kan nu lätt hittas på Internet. Speglingen av högra halvan är en stilig gammal man, blekt med grått hår, mot bakgrund av havsytan. Om du speglar vänster sida kommer vi att se en man i spetsig hatt med sneda ögon och rasande vågor bakom sig.

Tolkning

Målningen "Den gamle fiskaren" markerade början på sökandet efter mystiska antydningar i Chontvaris verk. Det som gav bränsle till elden var att konstnären under sin livstid ofta antog en profetisk ton. Denna duk tolkas vanligtvis som en symbol för den dubbla mänskliga naturen: både den ljusa och den mörka halvan, god och ond, samexisterar i en man. Hon kallas ibland också "Gud och djävulen", vilket återigen speglar hennes dualism.

Sannerligen, framgångssagan om Tivadar Kostka Chontvari är ett exempel på en serie lyckliga olyckor (eller stort öde, som visade sig för honom i syner, vem vet?). Målningen "Den gamle fiskaren" - geni och galenskap - blev ironiskt nog hans nyckel till världsberömmelse. Tyvärr kom inte erkännande till honom under hans livstid. Men idag anses Chontvari vara en av de bästa och mest originalkonstnärer Ungern.

Almond Blossom (Landskap i Italien), 1902

Tivadar Kosztka Tivadar (ungerska: Csontváry Kosztka Tivadar, 5 juli 1853, Kisseben, österrikiska riket, nu Sabinov, Slovakien – 20 juni 1919, Budapest, Ungern) är en ungersk självlärd konstnär. Hans verk kan klassificeras som postimpressionism och expressionism.

1865 flyttade familjen Chontvari till byn Sredne (nuvarande regionen Transcarpathian), och Tivadar skickades för att studera vid en handelsskola i Uzhgorod. Han tjänstgjorde som apotekare, precis som sin far. 1881 upplevde han en uppenbarelse som förebådade hans öde som en stor målare, "mer betydelsefull än Raphael själv." 1883 träffade han i Paris Mihaly Munkacsi, som anses vara den största ungerske målaren. Reste till Dalmatien, Italien, Grekland, Nordafrika och Mellanöstern. År 1900 bytte han efternamnet Kostka till pseudonymen Chontvari.

Chontvari började måla i mitten av 1890-talet. Han äger över hundra målningar. De flesta av dem, i stil med expressionismen, skapades 1903-1909. Också i hans målningar fanns drag magisk realism, symbolism, mytisk surrealism, postimpressionism.

Chontvarys målningar ställdes ut i Paris (1907, 1910) och andra europeiska städer, men fick inget erkännande i sitt hemland. I Ungern hade konstnären ett rykte som en galning på grund av hans udda beteende, asketiska livsstil och tendens att falla in i en profetisk ton när han kommunicerade. På senare år skrev han böcker – broschyren "Energi och konst, den civiliserade människans misstag" och studien "Genius. Vem kan och vem kan inte vara ett geni." Under sin livstid sålde konstnären inte en enda målning. Konstnärens huvudverk är samlade i museet i staden Pécs.

Självporträtt

Rovfågel

Gammal kvinna som skalar äpplen

Kvinna som sitter vid fönstret

Ung konstnär

Solen tittar tillbaka på Trau

Solnedgång över Neapelbukten

Mandelblomning i Taurmina

Castellammare di Stabia

Älskars dejt

Stad vid havet

Utsikt över staden Selmetsbanya

Genombrott för Zrinjyi (Zrinjyi - kroatisk befälhavare)

Kraftverk i Jajice på natten

Pompeji (Chirurgus hus med Vesuvius)

Beder Frälsare

En intressant spegeleffekt kan observeras i målningen "Den gamle fiskaren". Det är känt att en persons ansikte är asymmetriskt, det vill säga att höger och vänster del inte sammanfaller med varandra.
Det är svårt att säga om konstnären ville säga något genom att de högra och vänstra delarna av ansiktet på den gamle mannen som avbildas i målningen är så olika, men effekten var mycket intressant.