De mest absurda målningarna såldes för miljontals dollar. De mest absurda målningarna såldes för miljoner dollar De konstigaste målningarna i världen såldes för miljoner

Nr 20. $75 100 000. "Royal Red and Blue", Mark Rothko, såldes 2012.

Den majestätiska duken var ett av åtta verk som handplockats av konstnären för hans landmärke separatutställning på Art Institute of Chicago.

Nr 19. $76 700 000. "De oskyldigas massaker", Peter Paul Rubens, skapad 1610.

Målningen köptes av Kenneth Thompson på Sotheby's i London i juli 2002. Rubens ljusa och dramatiska verk kan tävla om titeln "mest lyckokast" Christie's värderade denna tavla till endast 5 miljoner euro.

Nr 18. $78 100 000. "Bal vid Moulin de la Galette", Pierre-Auguste Renoir, målad 1876.

Verket såldes 1990, då listades det som den näst dyraste målningen i världen som någonsin sålts. Ägaren till mästerverket var Ryoei Saito, ordförande för Daishowa Paper Manufacturing Co. Han ville att duken skulle kremeras med honom efter hans död, men företaget hamnade i ekonomiska svårigheter med sina låneåtaganden, så målningen fick användas som säkerhet.

Nr 17. 80 miljoner dollar. "Turquoise Marilyn", Andy Warhol, målad 1964, såldes 2007.

Köpt av Mr. Steve Cohen. Priset har inte bekräftats, men denna siffra anses generellt vara sann.

Nr 16. 80 miljoner dollar. "False Start" av Jasper Johns, skriven 1959

Målningen tillhörde David Geffen, som sålde den till VD:n för investeringsgruppen Citadel, Kenneth S. Griffin. Det är erkänt som den dyraste målningen som såldes under konstnären, kultmästaren Jasper Johns, livstid.

Nr 15. $82 500 000. "Porträtt av doktor Gachet", Vincent Van Gogh, 1890.

Den japanska affärsmannen Ryoei Saito köpte målningen 1990 på auktion. På den tiden var det den dyraste målningen i världen. Som svar på det ramaskri som uppstod i samhället angående Saitos önskan att kremera konstverket med honom efter döden, förklarade affärsmannen att han på detta sätt uttrycker sin osjälviska tillgivenhet för målningen.

Nr 14. $86 300 000. "Triptyk", Francis Bacon, 1976.

Detta tredelade mästerverk av Bacon slog det tidigare rekordet för hans sålda verk (52,68 miljoner USD). Jag köpte tavlan Rysk miljardär Roman Abramovich.

Nr 13. 87 900 000 USD. "Porträtt av Adele Bloch-Bauer II", Gustav Klimt, 1912.

Den enda modellen avbildad två gånger av Klimt och såldes några månader efter den första versionen. Detta är ett porträtt av Bloch-Bauer, en av fyra målningar som inbringade totalt 192 miljoner dollar 2006. Köparen är okänd.

Nr 12. 95 200 000 USD. "Dora Maar med en katt", Pablo Picasso, 1941.

Ännu en Picasso-målning som gick under klubban till ett fantastiskt pris. 2006 förvärvades den av en mystisk rysk anonym person, som samtidigt köpte verk av Monet och Chagall till ett värde av totalt 100 miljoner dollar.

Nr 11. 104 200 000 USD. "Pojke med ett rör", Pablo Picasso, 1905.

Detta är den första målningen som bröt barriären på 100 miljoner dollar 2004. Märkligt nog offentliggjordes aldrig namnet på den person som visade ett så stort intresse för Picassos porträtt.

Nr 10. 105 400 000 USD. "Silver Car Crash (dubbel katastrof)", Andy Warhol, 1932.

Detta är det dyraste verket av den berömda popkonstlegenden Andy Warhol. Målningen blev en stjärna inom modern konst, och gick under klubban på Sotheby's.

Nr 9. 106 500 000 USD. "Naken, gröna löv och byst", Pablo Picasso, 1932.

Detta sensuella och färgstarka mästerverk blev det dyraste verk av Picasso som någonsin sålts på auktion. Målningen fanns i Mrs. Sidney F. Brodys samling och har inte ställts ut offentligt sedan 1961.

Nr 8. 110 miljoner dollar "Flagga", Jasper Johns, 1958.

"Flagga" är mest berömt verk Jasper Johns. Konstnären målade sin första amerikanska flagga 1954-55.

Nr 7. 119 900 000 USD. "Skriet", Edvard Munch, 1895.

Detta är ett unikt och mest färgstarkt verk av de fyra versionerna av Edvard Munchs mästerverk "Skriet". Endast en av dem är kvar i privata händer.

Nr 6. 135 000 000 USD. "Porträtt av Adele Bloch-Bauer I", Gustav Klimt.

Maria Altmann sökte rätten att äga målningen i domstol, eftersom Adele Bloch-Bauer testamenterade den till det österrikiska statsgalleriet, och hennes man avbröt senare donationen under andra världskrigets händelser. Efter att ha övertagit juridiska rättigheter sålde Maria Altman porträttet till Ronald Lauder, som ställde ut det i sitt galleri i New York.

Nr 5. 137 500 000 USD. "Kvinna III", Willem de Kooning.

En annan målning såldes av Geffen 2006, men denna gång var köparen miljardären Stephen A. Cohen. Denna märkliga abstraktion var en del av en serie av sex mästerverk av Kooning, målade mellan 1951 och 1953.

Nr 4. 140 000 000 USD. "Nr 5, 1948", Jackson Pollock.

Som rapporterats i New York Times sålde filmproducenten och samlaren David Geffen tavlan till David Martinez, managing partner för FinTech Advisory, även om den senare inte bekräftade informationen. Sanningen är höljd i mystik.

OTROLIG FAKTA.

Ingen av oss kommer att kunna uppskatta denna typ av målning till dess verkliga värde och läsa mellan raderna den innebörd som författaren avsett. Men ändå kostnaden för målningar samtida konstnärer ibland är det bara utanför skala, och samlare och konstkännare från hela världen kommer till auktionen för att köpa sin favoritskapelse.

Ibland betalar de sådana summor pengar för en bild de gillar att de till och med Författarna till målningarna själva är fortfarande extremt förvånade.

Nedan är en lista över de konstigaste moderna målningarna som har sålts för miljontals dollar.

1. "Spatialt koncept" - Lucio Fontana

Såld för $1 500 000.

Denna målning såldes för otroliga pengar på en auktion i London. Det verkar som om författaren helt enkelt målat över duken med färg och "rev" bilden med sneda linjer. Miljonfrågan uppstår förstås: om konstnären vill få mer för en sådan tavla? mer pengar, ska han bara göra ett snitt till?

Eller kanske ju mer de skurna linjerna kiss, desto högre kvalitet på bilden?

2. "Blodröd spegel" - Gerhard Richter

Såld för 1 100 000 dollar.

"Tavlan är en spegel" gick under klubban för 1,1 miljoner. Naturligtvis är den här konstnären författare till många vackra verk, men för att förstå den här behöver du tydligen bara födas som konstnär.

Det är svårt, för att inte säga omöjligt, att urskilja i detta mästerverk något som en spegel. Kanske ville samlaren som köpte den helt enkelt se sig själv i mer ljus när han tittade i spegeln.

De dyraste tavlorna

3. "Grönt och vitt" - Ellsworth Kelly

Såld för 1 600 000 dollar.

Verken av denna konstnär är mycket kontroversiella, kritiker har olika åsikter om deras värde, men naturligtvis är denna målning den mest en riktig pärla.

Det här är en mycket vanlig duk med en deformerad cirkel i mitten, och det finns människor som är villiga att betala för rätten att lägga till denna skapelse till sin samling lika mycket som kostnaden för en liten thailändsk ö.

4. "Utan titel" - Mark Rothko

Såld för 28 000 000 USD.

Många pratade ovänligt om den här bilden, men den är snarare bara tråkig. Om ditt barn, efter examen från konstskolan, gav dig en sådan ritning, skulle det finnas två möjliga scenarier för utvecklingen av händelser:

a) man skulle bli fruktansvärt stolt och hänga upp en bild istället för en tv

b) de skulle säga till honom: "Bra jobbat, grabben. Låt oss bara rita något annat nästa gång!"

5. "Utan titel" - Blinky Palermo

Såld för 1 700 000 USD.

Denna målning, liksom många andra skapelser av denna konstnär, är ett lager av färgade dukar ovanpå varandra. En av kritikerna noterade att han tittade på den här bilden i en timme, men kunde inte hitta något i den.

En annan kritiker uttryckte det djupare: "Palermos målningar inbjuder betraktaren att se mångfacetterade förändringar i toner, samtidigt som det inte finns helt några spår av måleriska nyanser och överdrifter på dukarnas yta, istället kan man betrakta vackra, outspädda färger."

Man måste vara ett riktigt proffs för att dölja bristen på färglösningar på detta sätt!

Märkliga bilder

6. "Hund" - Joan Mira

Såld för $2 200 000.

Faktum är att Mir har många bra verk, men den här sticker verkligen ut och inte från den mest positiva sidan.

Eller kanske samlaren som köpte den helt enkelt ville äga en del av arvet efter en begåvad konstnär?

7. "White Fire I" - Barnett Newman

Såld för 3 800 000 dollar.

Uppenbarligen är människorna som köper den här typen av målningar utomordentligt rika. Men rika människor blir rika på grund av sin intelligens.

Om det är så, varför köpte då en intelligent samlare ett sådant verk på en onlineauktion, baserat endast på den magra beskrivningen av det som visas på webbplatsen?

Målningens titel är en mystisk term som är direkt relaterad till Tore. Själva Toran syftar till djup andlig enhet, som Newman, enligt honom, försöker ingjuta i betraktaren genom sina verk.

Men är det verkligen så? Eller kanske det bara är svårt för en oerfaren person att spåra förhållandet mellan två rader på en tom duk och Toran?

8. "Utan titel" - Cy Twombly

Såld för 23 000 000 USD.

Detta arbete gjordes på en snabb fix hemma på vanligt papper med hjälp av vanligt vax penna, det vill säga samma material som ett barn använder när de lär sig skriva på dagis.

Om du tittar ner lite och tittar på bilden, skulle det inte verka för dig som att detta mästerverk är extremt likt ett barns försök att lära sig att skriva bokstaven "e"?

9. "Cowboy" - Ellsworth Kelly

Såld för $1 700 000.

Kelly studerade konst i över fyra år på kulturinstitutioner i Boston och Paris innan han bestämde sig för stilen på sitt arbete. Efter sin forskning kom han fram till det hans arbete kommer att vara "block".

För det otränade ögat kan valet verka felaktigt, för vad är värdet av dessa block realiserat på papper? Det är dock värt att erkänna misstaget, för ur ekonomisk synvinkel är valet mycket korrekt, men ur estetisk synvinkel är det osannolikt att författaren fattade rätt beslut.

10. "Den blå dåren" - Christopher Wool

Såld för 5 000 000 dollar.

Man kan föreställa sig hur glad Christopher, som specialiserat sig på att måla ord, blev när just detta verk såldes för en sådan enorm summa pengar. Jag undrar, när han målade sin bild, kunde han ha trott att han skulle kunna övertala någon att köpa den?

Bravo, Christopher!

De dyraste målningarna av konstnärer

10. "Blood Red Mirror" av Gerhard Richter- säljs för 1 314 500 USD

Gerhard Richter (född 9 februari 1932, Dresden) är den mest kända av samtida tyska konstnärer, hans verk kallas det mest kontroversiella och kontroversiella, och hans målningar är de dyraste bland verk av levande konstnärer. Så en av dem såldes nyligen på Sotheby's för 20,8 miljoner dollar! Målningen från vår lista såldes i november 2008 på samma New York-auktion för 1,3 miljoner. Blood Red Mirror är en spegel med blodröda färger.

9. "The Concept of Space, Waiting" av Lucio Fontana- såldes för 1,5 miljoner dollar

Lucio Fontana är en italiensk målare, skulptör och abstrakt konstnär. Han lade en gång grunden för den fashionabla trenden med "klippta" målningar. Detta verk av Fontana, som såldes 2010 för 1,5 miljoner dollar, är verkligen uppskuret.

8. "Grönvit" Ellsworth Kelly- säljs för $1 650 500

Ellsworth Kelly är en samtida amerikansk konstnär och skulptör. Han är största representanten riktningen för "Hårdkantsmålning" - målning som innehåller figurer (ofta, men inte nödvändigtvis, geometriska) med skarpa, tydliga konturer. Målningen "Green White" såldes i november 2008 för 1 650 500 dollar.

7. "Utan titel" av Blinky Palermo

Blinky Palermo är en tysk abstrakt konstnär. Hans målning "Utan titel" såldes för 1,7 miljoner på auktion. "Untitled", i själva verket, liksom resten av Palermos verk, är en skiktning av en färg ovanpå en annan.

6. "Cowboy" av Elsworth Kelly- såldes för 1,7 miljoner dollar

Filmen "Cowboy" gav Kelly, som redan är bekant för oss, 1,7 miljoner dollar.

5. Peinture (Le Chien), Joan Miró- säljs för $2 210 500

Joan Miró är en berömd katalansk (spansk) abstrakt konstnär. Konstnärens verk ser mest ut som vandrande barnteckningar och innehåller figurer som vagt liknar verkliga föremål. Hans målning "Dog" såldes på Christie's i New York för 2 210 500 dollar.

4. "Utan titel", Cy Twombly- såldes för 2,3 miljoner dollar.

Cy Twombly är en amerikansk abstrakt målare och skulptör. Originaliteten i Twomblys sätt ligger i den kaotiska appliceringen av inskriptioner, linjer och repor på duken. Hans målning "Utan titel", köpt för 2,3 miljoner dollar, kan likna ett verk av ett 5-årigt barn som övar på att skriva bokstaven "e."

3. White Fire I, Barnett Newman- såldes för $3 859 500 dollar

Barnett Newman är en amerikansk konstnär, en framstående representant för abstrakt expressionism. White Window sålde jag den 13 november 2002 för 3 859 500 USD.

2. Blue Fool, Christopher Wool- såldes för 5 miljoner dollar

Målningen "The Blue Fool" av den samtida amerikanska konstnären Christopher Wool köptes i maj 2010 på Christies auktion i New York för 5 010 500 dollar.

1. "Utan titel" (1961) av Mark Rothko- såldes för 28 miljoner dollar

Målningen av Rothko, en ledande representant för abstrakt expressionism och en av skaparna av färgfältsmåleri, såldes 2010 i New York på Sotheby's för galna $28 000 000.

Rangordningen av de dyraste verken av levande konstnärer är en konstruktion som säger mycket mindre om konstnärens roll och plats i konsthistorien än om ålder och hälsa.

Reglerna för att sammanställa vårt betyg är enkla: för det första tas endast transaktioner med verk av levande författare i beaktande; för det andra beaktas endast offentlig auktionsförsäljning; och för det tredje, regeln "en konstnär - ett verk" observeras (om i rankningen av verk två skivor tillhör Jones, återstår bara den dyraste, och resten tas inte med i beräkningen). Rangordningen utförs i termer av dollar (till växelkursen på försäljningsdatumet).

1. JEFF KOONS Kanin. 1986. 91,075 miljoner dollar

Ju längre du tittar på auktionskarriären för Jeff Koons (1955), desto mer övertygad blir du om att ingenting är omöjligt för popkonst. Du kan beundra Koons skulpturer i form av leksaker från ballonger, men du kan betrakta dem som kitsch och dålig smak - din rätt. En sak kan inte förnekas: Jeff Koons installationer kostar galna mängder pengar.

Jeff Koons började sin väg till berömmelse som världens mest framgångsrika levande konstnär redan 2007, när hans gigantiska metallinstallation "Hanging Heart" köptes för 23,6 miljoner dollar på Sotheby's. Verket köptes av Larry Gagosians galleri, som representerar Koons. de skrev till pressen att det låg i den ukrainske miljardären Viktor Pinchuks intresse). Galleriet förvärvade inte bara en installation utan faktiskt ett smyckekonstverk. Även om verket inte var gjord av guld (materialet var rostfritt). stål) och det var klart större i storlek än ett vanligt hänge (skulpturen är hög 2,7 m väger 1 600 kg), men har ett liknande syfte. Mer än sex och ett halvt tusen timmar spenderades på framställningen av kompositionen med ett hjärta täckt med tio lager färg, som ett resultat betalades enorma summor pengar för den spektakulära "dekorationen".

Nästa var försäljningen av "Balloon Flower" i lila för 12,92 miljoner pund (25,8 miljoner dollar) på Christie's London-auktion den 30 juni 2008. Intressant nog, sju år tidigare, köpte de tidigare ägarna av "Flower" verket för 1,1 miljoner dollar. Det är lätt att räkna ut att under denna tid ökade marknadspriset nästan 25 gånger.

Nedgången på konstmarknaden 2008–2009 gav skeptiker anledning att klaga på att Koons modefluga hade passerat. Men de hade fel: tillsammans med konstmarknaden återupplivades intresset för Koons verk. Andy Warhols efterträdare som popkonstens kung uppdaterade sitt personliga rekord i november 2012 med försäljningen på Christie's av en flerfärgad skulptur "Tulips" från serien "Celebration" för 33,7 miljoner dollar, inklusive provision.

Men "Tulpaner" var "blommor" bokstavligen och bildligt talat. Bara ett år senare, i november 2013, följde försäljningen av den rostfria skulpturen "Balloon Dog (Orange)": klubbslaget var så mycket som 58,4 miljoner dollar! En fantastisk summa för en levande konstnär. Ett verk av en samtida författare såldes för priset av en Van Gogh- eller Picasso-målning. Det här var redan bär...

Med detta resultat regerade Koons i flera år i toppen av rankingen av levande konstnärer. I november 2018 överträffades han kort av David Hockney (se andra plats i vår ranking). Men bara sex månader senare återgick allt till det normala: den 15 maj 2019, i New York, på auktionen av efterkrigstidens och samtida konst på Christie's, lades en läroboksskulptur för Koons från 1986 ut till försäljning - en silverfärgad " Kanin” tillverkad av rostfritt stål, som imiterar en ballong med liknande form.

Totalt skapade Koons 3 sådana skämt plus en originalkopia. Auktionen inkluderade en kopia av "Rabbit" nummer 2 - från samlingen av kultförlaget Cy Newhouse, delägare i Conde Nast-förlaget (tidningarna Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). Silver "Kanin" köptes av "glamourens fader" Cy Newhouse 1992 för en imponerande summa enligt de årens mått - 1 miljon dollar. Efter 27 år i kampen mellan 10 budgivare var klubbslaget för skulpturen 80 gånger det tidigare försäljningspriset. Och med hänsyn till Buyer’s Premium-provisionen blev slutresultatet 91,075 miljoner dollar, ett rekord för alla levande artister.

2. DAVID HOCKNEY Porträtt av konstnären. Pool med två figurer. 1972. $90,312,500

David Hockney (1937) är en av de mest betydelsefulla brittiska konstnärerna under 1900-talet. År 2011, enligt en undersökning av tusentals professionella brittiska konstnärer och skulptörer, röstades David Hockney till den mest inflytelserika brittiska konstnären genom tiderna. Samtidigt slog Hockney sådana mästare som William Turner och Francis Bacon. Hans verk klassificeras vanligtvis som popkonst, även om han i sina tidiga verk dras mer mot expressionism i Francis Bacons anda.

David Hockney är född och uppvuxen i England, i grevskapet Yorkshire. Den framtida konstnärens mamma höll familjen i puritansk stränghet, och hans far, en enkel revisor som gjorde lite amatörteckningar, uppmuntrade sin son att börja måla. I tjugoårsåldern flyttade David till Kalifornien, där han bodde i totalt cirka tre decennier. Han har fortfarande två verkstäder där. Hockney gjorde hjältarna i sina verk till lokala rika människor, deras villor, pooler, gräsmattor dränkta i den kaliforniska solen. Ett av hans mest kända verk från den amerikanska perioden - målningen "Splash" - är en bild av en bunt stänk som stiger upp ur en pool efter att en man hoppat i vattnet. För att skildra denna kärve, som "lever" i högst två sekunder, arbetade Hockney i två veckor. Förresten såldes den här målningen på Sotheby's 2006 för 5,4 miljoner dollar och ansågs under en tid vara hans dyraste verk.

Hockney (1937) är redan över åttio, men han arbetar fortfarande och uppfinner till och med nya konstnärliga tekniker med hjälp av tekniska innovationer. En gång i tiden kom han på idén att göra enorma collage från Polaroids, tryckte sina verk på faxmaskiner och idag behärskar konstnären entusiastiskt att rita på iPad. Målningar ritade på en surfplatta intar en värdig plats i hans utställningar.

2005 återvände Hockney äntligen från USA till England. Nu målar han i det fria och i ateljén enorma (ofta bestående av flera delar) landskap av lokala skogar och hedar. Enligt Hockney blev han under de 30 år han tillbringade i Kalifornien så ovana vid de enkla årstidernas växlingar att det verkligen fascinerar och fascinerar honom. Hela cykler av hans senaste verk ägnas till exempel åt samma landskap vid olika tider på året.

Under 2018 bröt priserna för Hockneys målningar 10 miljoner dollar flera gånger. Och den 15 november 2018 registrerade Christie's ett nytt absolut rekord för en levande konstnärs arbete - 90 312 500 $ för målningen "Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)."

3. GERHARD RICHTER Abstrakt målning. 1986. 46,3 miljoner dollar

Levande klassiker Gerhard Richter (1932) tar andra plats i vår ranking. Den tyske artisten var ledaren bland sina levande kollegor tills Jeff Koons rekord på 58 miljoner slogs. Men denna omständighet kommer sannolikt inte att skaka Richters redan järnauktoritet på konstmarknaden. I slutet av 2012 är den tyska konstnärens årliga auktionsomsättning näst efter Andy Warhols och Pablo Picassos.

Under många år förebådade ingenting den framgång som har drabbat Richter nu. I decennier intog konstnären en blygsam plats på den samtida konstmarknaden och strävade inte alls efter berömmelse. Vi kan säga att berömmelse gick över honom på egen hand. Många anser att utgångspunkten är New Yorks MoMAs köp 1995 av Richters serie "18 oktober 1977". Det amerikanska museet betalade 3 miljoner dollar för 15 målningar i gråtoner och började snart fundera på att hålla en fullfjädrad retrospektiv av den tyska konstnären. Den storslagna utställningen öppnade sex år senare, 2001, och sedan dess har intresset för Richters verk vuxit med stormsteg. Från 2004 till 2008 tredubblades priserna för hans målningar. 2010 inbringade Richters verk redan 76,9 miljoner dollar; 2011, enligt Artnets webbplats, tjänade Richters verk på auktioner totalt 200 miljoner dollar, och 2012 (enligt Artprice) - 262,7 miljoner dollar - mer än någon annans verk. levande konstnär.

Medan till exempel Jasper Johns överväldigande framgång på auktion åtföljs främst av tidiga verk, en så skarp uppdelning är inte typisk för Richters verk: efterfrågan är lika stabil för saker av olika slag kreativa perioder, som det fanns väldigt många av i Richters karriär. Under de senaste sextio åren har denna konstnär prövat sig i nästan alla traditionella målargenrer - porträtt, landskap, marin, naken, stilleben och, naturligtvis, abstraktion.

Historien om Richters auktionsrekord började med en serie stilleben "Ljus". 27 fotorealistiska bilder av ljus i början av 1980-talet, under den tid de målades, kostade endast 15 tusen tyska mark (5 800 USD) per verk. Men fortfarande köpte ingen "Candles" på sin första utställning på Max Hetzler Gallery i Stuttgart. Då kallades tavlornas tema gammaldags; idag anses "Candles" vara ett verk för alla tider. Och de kostar miljontals dollar.

I februari 2008, "Candle", skriven 1983, köptes oväntat för £ 7,97 miljoner ($16 miljoner). Detta personliga rekord varade i tre och ett halvt år. Sedan i oktober 2011 en till "Candle" (1982) gick under klubban på Christie's för £ 10,46 miljoner ($16,48 miljoner). Med denna skiva kom Gerhard Richter för första gången in i de tre mest framgångsrika levande artisterna och tog plats bakom Jasper Johns och Jeff Koons.

Sedan började den segerrika marschen av Richters "Abstract Paintings". Konstnären målar sådana verk med sin unika teknik: han applicerar en blandning av enkla färger på en ljus bakgrund, och sedan, med hjälp av en lång skrapa storleken på en bilstötfångare, smetar han ut dem över duken. Detta ger intrikata färgövergångar, fläckar och ränder. Att undersöka ytan på hans "abstrakta målningar" är som en utgrävning: på dem är spår av olika "figurer" synliga genom luckorna i många färgglada lager.

9 november 2011 på auktion av moderna och efterkrigskonst Sotheby's storskalig "Abstrakt målning (849-3)" 1997 gick under klubban för 20,8 miljoner dollar (13,2 miljoner pund). Och sex månader senare, 8 maj 2012 på auktionen över efterkrigs- och samtidskonst på Christie's i New York "Abstrakt målning (798-3)" 1993 gick för rekord 21,8 miljoner dollar(inklusive provision). Fem månader senare - ännu ett rekord: "Abstrakt målning (809-4)" från rockmusikern Eric Claptons samling den 12 oktober 2012 på Sotheby's i London gick under klubban för £ 21,3 miljoner ($34,2 miljoner). Barriären på 30 miljoner togs av Richter med sådan lätthet, som om vi inte pratade om modern måleri, utan om mästerverk som redan är hundra år gamla - inte mindre. Även om i fallet med Richter verkar det som att inkluderingen i pantheonet av "stora" inträffade under konstnärens livstid. Priserna för tyskens arbete fortsätter att stiga.

Richters nästa skiva tillhörde ett fotorealistiskt verk - landskap "Katedraltorget, Milano (Domplatz, Mailand)" 1968. Verket såldes för 37,1 miljoner på Sothebys auktion 14 maj 2013. Utsikten över det vackraste torget målades av en tysk konstnär 1968, på uppdrag av Siemens Electro, speciellt för företagets kontor i Milano. När det skrevs var det Richters största figurativa verk (nära tre gånger tre meter).

Katedraltorgets rekord varade nästan två år, tills 10 februari 2015 avbröt honom inte "Abstrakt målning" ( 1986): Hammarpriset når £ 30,389 miljoner ($46,3 miljoner). Den "abstrakta målningen", som mäter 300,5 × 250,5 cm, som bjuds ut på auktion på Sotheby's är ett av Richters första storskaliga verk i hans speciella författares teknik att skrapa bort lager av färg. Förra gången 1999 köptes denna "abstrakta målning" på auktion för 607 000 $ (från i år till den nuvarande försäljningen ställdes verket ut på Ludwig-museet i Köln). På auktionen den 10 februari 2015 nådde en amerikansk kund i auktionssteg på 2 miljoner pund ett klubbslag på 46,3 miljoner dollar, det vill säga sedan 1999 har arbetet ökat i pris med mer än 76 gånger!

4. CUI ZHUZHO "Great Snowy Mountains." 2013. 39,577 miljoner dollar.

Under lång tid följde vi inte noga utvecklingen av situationen på den kinesiska konstmarknaden, och ville inte överbelasta våra läsare med för mycket information om "inte vår" konst. Med undantag för dissidenten Ai Weiwei, inte ens så dyr som han var en resonant artist, kinesiska författare verkade för många och långt ifrån oss för att fördjupa sig i vad som hände på deras marknad. Men statistik, som de säger, är seriös, och om vi pratar om de mest framgångsrika levande författarna i världen, så kan vi fortfarande inte klara oss utan en berättelse om de enastående representanterna för samtida konst i det himmelska imperiet.

Låt oss börja med den kinesiska konstnären Cui Ruzhuo. Konstnären föddes 1944 i Peking och bodde i USA från 1981 till 1996. Efter att ha återvänt till Kina började han undervisa vid National Academy of Arts. Cui Ruzhuo omtolkar den traditionella kinesiska stilen av bläckmålning och skapar enorma rullmålningar som kinesiska affärsmän och tjänstemän älskar att ge till varandra i present. I väst är väldigt lite känt om honom, även om många måste komma ihåg historien om 3,7 miljoner dollar rullen, som av misstag slängdes iväg av städare på ett hotell i Hongkong, och misstade den för skräp. Så det var just Cui Ruzhuos rulla.

Cui Ruzhuo är redan över 70 år, och marknaden för hans arbete blomstrar. Mer än 60 verk av denna konstnär har passerat gränsen på 1 miljon dollar, men hans verk har hittills bara nått framgång på kinesiska auktioner. Cui Ruzhuos skivor är verkligen imponerande. Först honom "Landskap i snön" på Poly Auction i Hong Kong 7 april 2014 uppnådde ett klubbslag på HK$184 miljoner ( 23,7 miljoner USD).

Exakt ett år senare 6 april 2015, på en speciell polyauktion i Hong Kong exklusivt tillägnad verk av Cui Ruzhuo, serie "Det stora snöiga landskapet i Jiangnan Mountain"(Jiangnan är en historisk region i Kina, som upptar den högra stranden av de nedre delarna av Yangtze) av åtta bläck på papperslandskap nådde ett klubbslag på HK$236 miljoner ( 30,444 miljoner USD).

Ett år senare upprepade historien sig igen på Cui Ruzhuos solo-auktion som hölls av Poly Auctions i Hong Kong. 4 april 2016 sexdelad polyptyk "Stora snöiga bergen" 2013 nådde klubbslaget (inklusive provision auktionshus) HK$306 miljoner (39,577 miljoner USD)). Än så länge är detta ett absolut rekord bland asiatiska levande artister.

Enligt konsthandlaren Johnson Chan, som har arbetat med kinesisk samtidskonst i 30 år, finns det en ovillkorlig önskan att höja priserna för denna författares verk, men allt detta sker på en prisnivå där erfarna samlare sannolikt inte vill att köpa vad som helst. "Kineserna vill höja betygen för sina artister genom att blåsa upp priserna på deras verk på stora internationella auktioner som den som anordnas av Poly i Hong Kong, men det råder ingen tvekan om att dessa betyg är helt påhittade", kommenterar Johnson Chan på Cui Ruzhuos senaste rekord.

Detta är naturligtvis bara en enskild återförsäljares åsikt, men vi har ett riktigt rekord registrerat i alla databaser. Så vi kommer att ta hänsyn till honom. Cui Ruzhuo själv är, att döma av hans uttalanden, långt ifrån Gerhard Richters blygsamhet när det kommer till hans auktionsframgångar. Det verkar som att detta rekordlopp på allvar fascinerar honom. "Jag hoppas att priserna för mina verk under de kommande 5-10 åren kommer att överstiga priserna för verk av västerländska mästare som Picasso och Van Gogh. Det här är den kinesiska drömmen”, säger Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flagga. 1983. 36 miljoner dollar

Tredje plats i rankningen av levande konstnärer tillhör en amerikan Jasper Johns (1930). Det aktuella rekordpriset för Jones arbete är $ 36 miljoner. De betalade så mycket för hans berömda "Flagga" på Christies auktion 12 november 2014.

Serien av "flagga" målningar, som började av Jones i mitten av 1950-talet, omedelbart efter att konstnären återvänt från armén, blev en av de centrala i hans arbete. Redan i sin ungdom blev konstnären intresserad av idén om readymade, förvandlingen av ett vardagligt föremål till ett konstverk. Jones flaggor var dock inte riktiga, de var målade i olja på duk. Konstverket fick alltså en saks egenskaper från det vanliga livet, det var på samma gång både en bild av flaggan och själva flaggan. En serie verk med flaggor gav Jasper Johns världsberömmelse. Men hans abstrakta verk är inte mindre populära. Under många år leddes listan över de dyraste verken, sammanställd enligt ovanstående regler, av hans abstrakt "Falsk start". Fram till 2007 ansågs denna mycket ljusa och dekorativa duk, målad av Jones 1959, ha ett pris som nästan var otillgängligt för en levande konstnär (även en klassiker för livet) - $ 17 miljoner. Så mycket betalade de för den i guld för konstmarknaden 1988.

Intressant nog var Jasper Johns tid som rekordhållare inte kontinuerlig. 1989 avbröts han av sin kollega Willem de Koonings arbete: tvåmetersabstraktionen "Blending" såldes på Sotheby's för 20,7 miljoner dollar. Jasper Johns var tvungen att flytta. Men 8 år senare, 1997, dog de Kooning, och “ False Start by Jones tog återigen förstaplatsen i auktionsrankingen av levande konstnärer i nästan 10 år.

Men 2007 förändrades allt. False Start-skivan förmörkades först av verk av de unga och ambitiösa Damien Hirst och Jeff Koons. Sedan var det en rekordförsäljning för 33,6 miljoner dollar av målningen "The Sleeping Benefits Inspector" av Lucien Freud (nu avliden, och deltar därför inte i detta betyg). Sedan började Gerhard Richters rekord. I allmänhet, hittills, med ett aktuellt rekord på 36 miljoner, ligger Jasper Johns, en av mästarna inom amerikansk efterkrigskonst, som arbetar i skärningspunkten mellan neo-dadaism, abstrakt expressionism och popkonst, på en hedervärd tredje plats.

6. ED RUSHEY Smash. 1963. 30,4 miljoner dollar

Den plötsliga framgången för målningen "Smash" av en amerikansk konstnär Edward Rushay (f. 1937) på auktionen Christie's 12 november 2014 gjorde denna författare till en av de dyraste levande konstnärerna. Det tidigare rekordpriset för Ed Rushas verk (efternamnet Ruscha uttalas ofta på ryska som "Rusha", men det korrekta uttalet är Rusha) var "bara" 6,98 miljoner dollar: så mycket betalades för hans duk "The Burning Gas". Station” 2007. Sju år senare "Smash" med en uppskattning på 15–20 miljoner dollar nådde klubbslaget 30,4 miljoner dollar. Det är uppenbart att marknaden för denna författares verk har nått en ny nivå - det är inte för inte som Barack Obama dekorerar Vita huset med sina verk, och Larry Gagosian själv ställer ut honom i sina gallerier.

Ed Ruscha drogs aldrig till efterkrigstidens New York med dess vurm för abstrakt expressionism. Istället letade han i mer än 40 år till Kalifornien för inspiration, dit han flyttade från Nebraska vid 18 års ålder. Konstnären stod vid ursprunget till en ny rörelse inom konsten, kallad popkonst. Tillsammans med Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud och andra populärkultursångare deltog Edward Ruscha 1962 i utställningen "New Image of Ordinary Things" på Pasadena-museet, som blev den första museiutställning Amerikansk popkonst. Ed Rusha själv gillar dock inte när hans verk klassificeras som popkonst, konceptualism eller någon annan konströrelse.

Hans unika stil kallas "textmålning". Med början i slutet av 1950-talet började Ed Ruscha måla ord. Precis som för Warhol blev en burk soppa ett konstverk, för Ed Rushay var dessa vanliga ord och fraser, tagna antingen från en skylt eller förpackning i en stormarknad, eller från en film (Hollywood var alltid "nära" för Rushay, och till skillnad från många andra konstnärer, respekterade Rusche "drömfabriken"). Orden på hans dukar får egenskaperna hos tredimensionella föremål, det är riktiga stilleben av ord. När man tittar på hans dukar är det första som kommer att tänka på den visuella och ljuduppfattningen av det målade ordet, och först därefter den semantiska betydelsen. Det senare kan i regel inte entydigt tydas; Rushays val av ord och fraser kan tolkas på olika sätt. Samma knallgula ord "Smash" på en djupblå bakgrund kan uppfattas som en aggressiv uppmaning att krossa något eller någon i bitar; som ett ensamt adjektiv som tagits ur sitt sammanhang (till exempel en del av någon tidningsrubrik), eller helt enkelt som ett separat ord fångat i det urbana flödet av visuella bilder. Ed Ruscha njuter av denna osäkerhet. "Jag har alltid haft en djup respekt för konstiga, oförklarliga saker... Förklaringar på sätt och vis dödar saken", sa han i en intervju.

7. CHRISTOPHER ULL Namnlös (RIOT). 1990. 29,93 miljoner dollar

Amerikansk konstnär Christopher Wool(1955) bröt sig först in i rankingen av levande konstnärer 2013 - efter att ha sålt verket "Apocalypse Now" för 26,5 miljoner dollar. Denna skiva satte honom omedelbart i nivå med Jasper Johns och Gerhard Richter. Beloppet för denna historiska transaktion - mer än 20 miljoner dollar - överraskade många, eftersom priserna för konstnärens verk inte översteg 8 miljoner dollar innan dess. Den snabba tillväxten av marknaden för Christopher Wools verk var dock redan uppenbar vid den tiden: i meritlista artisten hade 48 auktionstransaktioner för belopp över 1 miljon dollar, och 22 av dem (nästan hälften) ägde rum 2013. Två år senare nådde antalet verk av Chris Wool sålda för mer än 1 miljon dollar 70, och ett nytt personligt rekord lät inte vänta på sig. På auktionen Sotheby's verk "Untitled (RIOT)" den 12 maj 2015 såldes för $ 29,93 miljoner inklusive köparens premium.

Christopher Wool är främst känd för sina storskaliga verk med svarta bokstäver på vita aluminiumplåtar. Det är de som i regel sätter rekord på auktioner. Det här är allt från slutet av 1980-talet - början av 1990-talet. Som legenden säger gick Wool en dag runt i New York på kvällen och såg plötsligt graffiti med svarta bokstäver på en ny vit lastbil - orden sex och luv. Denna syn imponerade så mycket på honom att han omedelbart återvände till verkstaden och skrev sin egen version med samma ord. Det var 1987, och konstnärens fortsatta sökande efter ord och fraser för sina "bokstavs"-verk speglar den här tidens motsägelsefulla anda. Detta är uppmaningen "sälj huset, sälj bilen, sälj barnen", taget av Wool från filmen "Apocalypse Now", och ordet "FOOL" ("fool") med stora bokstäver, och ordet "RIOT" ("uppror"), som ofta förekom i den tidens tidningsrubriker.

Ull applicerade ord och fraser på aluminiumplåtar med schabloner med alkyd- eller emaljfärg, vilket medvetet lämnade droppar, stencilmärken och andra bevis på den kreativa processen. Konstnären delade upp orden på ett sådant sätt att betraktaren inte omedelbart förstod innebörden. Först ser du bara ett kluster av bokstäver, det vill säga du uppfattar ordet som ett visuellt objekt, och först då läser och dechiffrerar du meningen med frasen eller ordet. Ull använde ett typsnitt som användes av den amerikanska militären efter andra världskriget, vilket förstärker intrycket av en order, ett direktiv, en slogan. Dessa "bokstavs"-verk uppfattas som en del av det urbana landskapet, som illegal graffiti som har kränkt renheten på ytan på något gatuobjekt. Denna serie verk av Christopher Wool är erkänd som en av höjdpunkterna inom språklig abstraktion och värderas därför så högt av älskare av samtidskonst.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 miljoner dollar

brittisk Peter Doig(1959), även om han tillhör generationen av postmodernisterna Koons och Hirst, valde för sig en helt traditionell landskapsgenre, som länge inte var i fördel med avancerade konstnärer. Med sitt arbete återupplivar Peter Doig allmänhetens tynande intresse för figurativt måleri. Hans verk är mycket uppskattade av både kritiker och icke-specialister, och ett bevis på detta är den snabba prishöjningen för hans verk. Om hans landskap i början av 1990-talet kostade flera tusen dollar, kostar de nu miljoner.

Doigs verk kallas ofta för magisk realism. Utifrån verkliga landskap skapar han fantasifulla, mystiska och ofta dystra bilder. Konstnären älskar att avbilda föremål som övergivits av människor: en fallfärdig byggnad byggd av Le Corbusier mitt i skogen eller en tom vit kanot på ytan av en skogssjö. Förutom naturen och fantasin är Doig inspirerad av skräckfilmer, gamla vykort, fotografier, amatörvideor, etc. Doigs målningar är färgglada, komplexa, dekorativa och icke-provocerande. Det är ett nöje att äga en sådan tavla. Samlarnas intresse underblåses också av författarens låga produktivitet: konstnären som bor i Trinidad skapar inte mer än ett dussin målningar om året.

I början av 2000-talet såldes enskilda landskap av konstnären för flera hundra tusen dollar. Samtidigt inkluderades Doigs verk i Saatchi Gallery, på Whitney Museum Biennial och i MoMA-samlingen. Auktionsnivån på 1 miljon dollar övervanns 2006. Och följande år inträffade ett oväntat genombrott: verket "White Canoe", som erbjöds på Sotheby's den 7 februari 2007 med en uppskattning på 0,8–1,2 miljoner dollar, var fem gånger högre än den preliminära uppskattningen och såldes för £5,7 miljoner ($11,3 miljoner). På den tiden var detta ett rekordpris för verk av en levande europeisk konstnär.

2008 hade Doig separatutställningar på Tate Gallery och Museum of Modern Art i Paris. Prislappar på flera miljoner dollar för Doigs arbete har blivit normen. Peter Doigs personliga rekord har nyligen börjat uppdateras flera gånger om året - allt vi hinner göra är att ändra bilden och platsen för denna artist i vår rankning av levande författare.

Hittills är Peter Doigs dyraste verk det snöiga landskapet "Rosedale" från 1991. Intressant nog sattes rekordet inte på Sotheby’s eller Christie’s, utan på auktionen av samtidskonst på Phillips auktionshus. Detta hände den 18 maj 2017. En vy av det snöiga stadsdelen Rosedale i Toronto såldes till en telefonköpare för 28,81 miljoner dollar, cirka 3 miljoner dollar över det tidigare rekordet (25,9 miljoner dollar för "Swallowed by the Mire"). "Rosedale" deltog i Doigs nyckelutställning på Whitechapel Gallery i London 1998, och i allmänhet var detta verk färskt för marknaden, och därför är rekordpriset välförtjänt.

9. FRANK STELLA Cape of Pines. 1959. 28 miljoner dollar

Frank Stella är en framstående representant för postmålerisk abstraktion och minimalism i konsten. I ett visst skede klassas han som en representant för den hårda kantmålningsstilen. Till en början kontrasterade Stella den strikta geometriciteten, den asketiska monokroma och strukturen i sina målningar med spontaniteten och kaoset i målningarna av abstrakta expressionister som Jackson Pollock.

I slutet av 1950-talet uppmärksammades konstnären av den kände galleristen Leo Castelli och belönades med en utställning för första gången. På den presenterade han de så kallade "svarta målningarna" - dukar målade med parallella svarta linjer med tunna utrymmen av omålad duk mellan dem. Linjerna bildar geometriska former, som lite påminner om optiska illusioner, samma bilder som flimrar, rör sig, vrider sig, skapar en känsla av djup rymd om man tittar länge på dem. Stella fortsatte temat parallella linjer med tunna skiljeränder i sina verk om aluminium och koppar. Färgerna, den bildmässiga grunden och till och med formen på målningarna förändrades (bland annat sticker ut verk i form av bokstäverna U, T, L). Men huvudprincipen i hans målning var fortfarande klarhet i konturerna, monumentalitet, enkel form och monokrom. Under de följande decennierna gick Stella bort från ett sådant geometriskt måleri mot släta, naturliga former och linjer, och från monokromatiska målningar mot ljusa och varierande färgövergångar. På 1970-talet hänfördes Stella av de enorma mönster som användes för att måla fartyg. Konstnären använde dem för enorma målningar med assemblageelement - han inkluderade bitar av stålrör eller trådnät i verken.

I sina tidiga intervjuer diskuterar Frank Stella öppet innebörden i hans verk, eller snarare avsaknaden därav: "Vad du ser är vad du ser." En målning är ett objekt i sig och inte en reproduktion av något. "Det är en plan yta med färg på och inget annat," sa Stella.

Tja, signerad av Frank Stella, den här "ytan med färg på" kan vara värd miljontals dollar idag. För första gången gick Frank Stella in i rankningen av levande konstnärer 2015 med försäljningen av verket "Crossing the Delaware" (1961) för 13,69 miljoner dollar, inklusive provision.

Fyra år senare, den 15 maj 2019, sattes ett nytt rekord av det tidiga (1959) verket "Cape of Pines": klubbslaget var över 28 miljoner dollar, inklusive provision. Detta är en av de 29 "svarta målningarna" - samma som Stella debuterade med på sin första utställning i New York. Princeton University-utexaminerade Frank Stella var 23 år gammal vid den tiden. Han hade ofta inte tillräckligt med pengar till oljefärg för konstnärer. Den unge konstnären tjänade pengar på reparationsarbeten, han gillade verkligen färgens rena färger, och då uppstod idén att arbeta med denna färg på duk. Med hjälp av svart emaljfärg målar Stella parallella ränder och lämnar tunna linjer av ogrundad duk mellan dem. Dessutom skriver han utan linjaler, med ögat, utan en preliminär skiss. Stella visste aldrig exakt hur många svarta streck det skulle finnas i en viss målning. Till exempel, i målningen "Cape of Pines" fanns det 35 av dem. Titeln på verket hänvisar till namnet på udden i Massachusetts Bay - Point of Pines. I början av 1900-talet var det en stor nöjespark, och idag är det ett av områdena i staden Revere.

10. YOSHITOMO NARA Kniv bakom ryggen. 2000. 24,95 miljoner dollar

Yoshitomo Nara (1959) är en av nyckelfigurerna inom japansk neo-popkonst. Japanska - eftersom, trots global berömmelse och långa år arbete utomlands, kännetecknas hans arbete fortfarande av en uttalad nationell identitet. Naras favoritkaraktärer är flickor och hundar i stil med japansk manga och anime-serier. Bilderna han uppfann har "gått till folket" i många år: de trycks på T-shirts, souvenirer och olika "varor" tillverkas med dem. Född i en fattig familj, långt från huvudstaden, är han inte bara älskad för sin talang, utan också värderad som en självgjord man. Konstnären arbetar snabbt och uttrycksfullt. Det är känt att några av hans mästerverk fullbordades bokstavligen över en natt. Målningarna och skulpturerna av Yoshitomo Nara är som regel mycket lakoniska, om inte snåla i sina uttrycksmedel, men de bär alltid en stark känslomässig laddning. Naras tonårsflickor tittar ofta på betraktaren med en ovänlig kisning. I deras ögon finns det fräckhet, utmaning och aggression. I hans händer - antingen en kniv eller en cigarett. Det finns en åsikt att de avbildade perversionerna av beteende är en reaktion på förtryckande social moral, olika tabun och de principer för utbildning som japanerna antog. Nästan medeltida svårighetsgrad och skam trycker in problem och skapar grunden för en fördröjd känslomässig explosion. "The Knife Behind Your Back" återspeglar kortfattat en av konstnärens huvudidéer. I detta verk finns en tjejs hatiska blick och en hand hotfullt placerad bakom hennes rygg. Fram till 2019 hade målningar och skulpturer av Yoshitomo Nara redan nått miljonstrecket, eller till och med flera miljoner, mer än en gång. Men tjugo miljoner är första gången. Nara är en av världens mest kända japanskfödda artister. Och nu den dyraste i livet. Den 6 oktober 2109, på Sotheby's i Hong Kong, tog han denna titel från Takashi Murakami och slog märkbart ut den 90-åriga avantgardekonstnären Yayoi Kusama (de högsta auktionspriserna för hennes målningar närmar sig redan 9 miljoner dollar).

11. ZENG FANZHI sista måltiden. 2001. 23,3 miljoner dollar

På Sothebys auktion i Hong Kong 5 oktober 2013år storskalig duk "Sista måltiden" Peking konstnär Zeng Fanzhi (1964) såldes för ett rekordbelopp på HK$160 miljoner - 23,3 miljoner dollar USA. Den slutliga kostnaden för Fanzhis arbete, givetvis skrivet under inflytande av Leonardo da Vincis arbete, visade sig vara dubbelt så högt som den preliminära uppskattningen på cirka 10 miljoner dollar. Det tidigare prisrekordet för Zeng Fanzhi var $ 9,6 miljoner, som betalades på Christie's Hong Kong-auktion i maj 2008 för arbetet "Mask-serien. 1996. Nej. 6".

"The Last Supper" är den största (2,2 × 4 meter) målningen av Fanzhi i serien "Masks", som täcker perioden från 1994 till 2001. Cykeln är tillägnad utvecklingen av det kinesiska samhället under inflytande av ekonomiska reformer. Införande av element av den kinesiska regeringen marknadsekonomi ledde till urbanisering och splittring av kineserna. Fanzhi skildrar invånare i moderna kinesiska städer som måste kämpa för en plats i solen. Den välkända kompositionen av Leonardos fresk i Fanzhis läsning får en helt annan innebörd: handlingsscenen överförs från Jerusalem till ett klassrum i en kinesisk skola med typiska hieroglyftavlor på väggarna. "Kristus" och "apostlarna" har förvandlats till pionjärer med scharlakansröda slipsar, och bara "Judas" bär en guldslips - detta är en metafor för västerländsk kapitalism som penetrerar och förstör det vanliga sättet att leva i ett socialistiskt land.

Zeng Fanzhis verk ligger stilmässigt nära den europeiska expressionismen och lika dramatiska. Men samtidigt är de fulla av kinesisk symbolik och specificitet. Denna mångsidighet lockar både kinesiska och västerländska samlare till konstnärens verk. En direkt bekräftelse på detta är härkomsten av "Nattvarden": verket lades ut på auktion av den berömda samlare av kinesisk avantgarde på 1980- och början av 1990-talet, den belgiske baronen Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Bro. 1980. 20,6 miljoner dollar

På auktionen Christie's 13 maj 2015 abstrakt arbete "Bro" 85-årig amerikansk artist Robert Ryman(Robert Ryman) såldes för 20,6 miljoner dollar med hänsyn till provisionen - dubbelt så dyrt som den lägre uppskattningen.

Robert Ryman(1930) insåg inte direkt att han ville bli konstnär. Vid 23 års ålder flyttade han till New York från Nashville, Tennessee, för att bli jazzsaxofonist. Tills han började känd musiker, fick arbeta deltid som säkerhetsvakt på MoMA, där han träffade Sol LeWitt och Dan Flavin. Den första arbetade på museet som nattsekreterare och den andra som väktare och hissoperatör. Imponerad av verken av abstrakta expressionister han såg på MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock och Newman - började Robert Ryman måla själv 1955.

Ryman anses ofta vara minimalist, men han föredrar att bli kallad "realist" eftersom han inte är intresserad av att skapa illusioner, han visar bara kvaliteterna hos de material han använder. De flesta av hans verk är målade med färger i alla möjliga nyanser av vitt (från gråaktigt eller gulaktigt till bländande vitt) baserat på en lakonisk kvadratisk form. Under sin karriär prövade Robert Ryman många material och tekniker: han målade i olja, akryl, kasein, emalj, pastell, gouache etc. på duk, stål, plexiglas, aluminium, papper, wellpapp, vinyl, tapeter etc. Hans vän, professionella restauratören Orrin Riley gav honom råd om korrosiviteten hos materialen som han tänkte använda. Som konstnären en gång sa: "Jag har aldrig en fråga Vad skriv, huvudsaken är Hur skriva". Allt handlar om strukturen, slagens karaktär, gränsen mellan färgytan och basens kanter, samt förhållandet mellan verket och väggen. Sedan 1975 har en speciell del av hans arbete varit monteringen, som Ryman designar själv och medvetet lämnar synliga, och betonar att hans verk är "lika verkliga som väggarna som de hänger på." Ryman föredrar att ge sina verk "namn" snarare än "titlar". "Namnet" är det som hjälper till att skilja ett verk från ett annat, och Ryman benämner ofta sina verk efter färgmärken, företag etc., och "titeln" gör anspråk på någon form av anspelningar och djupa dolda betydelser, vars närvaro i hans verk konstnären förnekar regelbundet. Ingenting spelar någon roll förutom material och teknik.

13. DAMIEN HURST Sömnig vår. 2002. 19,2 miljoner dollar

Till den engelska konstnären Damien Hirst (1965) var avsedd att bli den första att ta förstaplatsen i detta betyg i en dispyt med den levande klassikern Jasper Johns. Det redan nämnda verket "Falskstart" kunde ha förblivit en osänkbar ledare under lång tid om 21 juni 2007 installation av den då 42-årige Hirst "Sömnig vår"(2002) såldes inte på Sotheby's för £ 9,76 miljoner, det vill säga för 19,2 miljoner dollar. Verket har för övrigt ett ganska ovanligt format. Å ena sidan finns det ett vitrinskåp med dummies av piller (6 136 piller), i huvudsak en klassisk installation. Å andra sidan görs den här montern platt (10 cm djup), placeras i en ram och hängs på väggen som en plasmapanel, och säkerställer därigenom den komfort som är typisk för målningar. 2002 sålde den här installationens syster, Sleepy Winter, för 7,4 miljoner dollar, mer än halva priset. Någon "förklarade" skillnaden i pris genom att säga att tabletterna är mer bleka på vintern. Men det är tydligt att denna förklaring är helt grundlös, eftersom prismekanismen för sådana saker inte längre är relaterad till deras dekorativa natur.

År 2007 erkände många Hirst som författaren till det dyraste verket bland levande konstnärer. Frågan är dock från kategorin "beroende på hur du räknar." Faktum är att Hirst såldes för dyra pund och Jones för nu billigare dollar, och till och med för tjugo år sedan. Men även om vi räknar till nominellt värde, utan att ta hänsyn till 20-årig inflation, så var Hirsts arbete dyrare i dollar och Jones i pund. Situationen var på gränsen och var och en fick bestämma vem som ansågs vara mest kär. Men Hearst varade inte särskilt länge på första plats. Samma 2007 fördrevs han från förstaplatsen av Koons med sitt "Hängande hjärta".

Precis på tröskeln till den globala prisnedgången för samtidskonst, gjorde Hirst ett aldrig tidigare skådat åtagande för en ung konstnär - en solotuktion över hans verk, som ägde rum den 15 september 2008 i London. Nyheten om Lehman Brothers-konkursen som tillkännagavs dagen innan förstörde inte alls aptiten hos samtida konstälskare: av de 223 verk som Sotheby's erbjuder var det bara fem som inte hittade nya ägare (en av köparna var förresten Victor Pinchuk). Arbete "Gyllene Oxen"- en enorm uppstoppad tjur i formaldehyd, krönt med en guldskiva - kom med lika mycket £10,3 miljoner ($18,6 miljoner). Detta bästa resultat Hirst, om det räknas i pund (i den valuta i vilken transaktionen genomfördes). Men vi rankar i dollar, så (må Guldkalven förlåta oss) kommer vi fortfarande att betrakta "Sleepy Spring" som Hirsts bästa försäljning.

Sedan 2008 har Hirst inte haft försäljning på nivån "Sleepy Spring" och "The Golden Calf". Färska rekord från 2010-talet - för verk av Richter, Jones, Fanzhi, Wool och Koons - flyttade Damien till sjätte plats i vår ranking. Men låt oss inte göra en kategorisk bedömning om slutet på Hearst-eran. Enligt analytiker har Hirst som en "superstjärna" redan gått till historien, vilket betyder att han kommer att köpas under mycket lång tid; Det största värdet i framtiden förutspås dock för verk skapade under den mest innovativa perioden av hans karriär, det vill säga på 1990-talet.

14. MAURIZIO CATTELAN Honom. 2001. 17,19 miljoner dollar

Italienaren Maurizio Cattelan (1960) kom till konsten efter att ha arbetat som säkerhetsvakt, kock, trädgårdsmästare och möbeldesigner. Den självlärde konstnären har blivit världskänd för sina ironiska skulpturer och installationer. Han släppte en meteorit på påven, förvandlade en kunds fru till en jakttrofé, gjorde hål i golvet på museet för gamla mästare, visade ett gigantiskt långfinger till Milanobörsen och tog med sig en levande åsna till Frismässan. Inom en snar framtid lovar Cattelan att installera en guldtoalett på Guggenheimmuseet. I slutändan fick Maurizio Cattelans upptåg brett erkännande i konstvärlden: han blev inbjuden till Venedigbiennalen (installationen "Andra" 2011 - en flock på tvåtusen duvor som hotfullt tittar från alla rör och strålar på folkmassorna i besökare som passerar nedanför), arrangerade han fick en retrospektiv på Guggenheim-museet i New York (november 2011) och fick slutligen mycket pengar för sina skulpturer.

Sedan 2010 har Maurizio Cattelans dyraste arbete varit vaxskulptur en man som tittar ut från ett hål i golvet, utåt lik konstnären själv (”Untitled”, 2001). Denna skulptur-installation, som finns i tre exemplar plus författarens kopia, visades första gången på Boijmans van Beuningen-museet i Rotterdam. Sedan tittade denna busiga karaktär ut från ett hål i golvet i hallen med målningar av holländska målare från 1700- och 1800-talen. I detta verk förknippar Maurizio Cattellan sig med en vågad brottsling som invaderar det heliga rummet i en museihall med målningar av stora mästare. Därmed vill han beröva konsten den gloria av helighet som museiväggar ger den. Verket, som kräver att hål i golvet visas varje gång, såldes för 7,922 miljoner dollar på Sotheby's.

Rekordet varade till den 8 maj 2016, då Cattelans ännu mer provocerande verk "Him", som föreställer en knästående Hitler, auktionerades ut för 17,189 miljoner dollar. Det är en märklig sak. Namnet är konstigt. Att välja karaktär är riskabelt. Som allt från Cattelan. Vad betyder Honom? "Hans" eller "Hans infernaliska majestät"? Det är tydligt att vi definitivt inte pratar om att glorifiera bilden av Führern. I detta verk framstår Hitler snarare i en hjälplös, ynklig form. Och absurt – Satans inkarnation görs lika lång som ett barn, klädd i skolpojksdräkt och knäböjer med ett ödmjukt ansiktsuttryck. För Cattelan är den här bilden en inbjudan att tänka på den absoluta ondskans natur och ett sätt att bli av med rädslor. Förresten, skulpturen "Hem" är välkänd för västerländsk publik. Hennes bröder i serien har ställts ut mer än 10 gånger på ledande museer runt om i världen, inklusive Pompidou-centret och Solomon Guggenheim-museet.

15. MARK GROTJAN Namnlös (S III släppt till Frankrike Face 43.14). 2011. 16,8 miljoner dollar

Den 17 maj 2017 dök en av de mäktigaste målningarna av Mark Grotjahn upp på auktionen på Christies kvällsauktion i New York. Målningen "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" ställdes ut av den parisiske samlaren Patrick Seguin med en uppskattning på 13–16 miljoner dollar, och eftersom försäljningen av tomten garanterades av en tredje part var ingen särskilt förvånad genom upprättandet av ett nytt personligt auktionsrekord av den 49-årige artisten. Hammarpriset på 14,75 miljoner dollar (och inklusive köparens premie på 16,8 miljoner dollar) översteg Grotjahns tidigare auktionsrekord med mer än 10 miljoner dollar, vilket placerade honom i klubben av levande konstnärer vars verk säljs för åttasiffriga summor. Det finns redan omkring 37-siffriga resultat (försäljning över 1 miljon dollar, men inte mer än 10 miljoner dollar) i Mark Grotjahns auktionskassa.

Mark Grotjahn (1968), i vars verk experter ser inflytandet av modernism, abstrakt minimalism, pop och opkonst, kom till sin signaturstil i mitten av 1990-talet, efter att ha flyttat med sin vän Brent Peterson till Los Angeles och öppnat ett galleri där "Rum 702" Som konstnären själv minns började han på den tiden fundera på vad som kom först för honom i konsten. Han letade efter ett motiv att experimentera med. Och jag insåg att han alltid varit intresserad av linje och färg. Experiment i rayonismens och minimalismens anda med linjärt perspektiv, många försvinnande punkter och mångfärgade abstrakta triangulära former gav så småningom Grotjahn världsberömmelse.

Från abstrakta färgglada landskap med flera horisontlinjer och försvinnande perspektiv, kom han så småningom fram till triangulära former som påminner om fjärilsvingar. Grotjahns målningar 2001–2007 Det är vad de kallar "fjärilar". Idag anses att flytta flyktpunkten eller använda flera flyktpunkter samtidigt, åtskilda i rymden, en av konstnärens mest kraftfulla tekniker.

Nästa stora serie verk kallades "Faces"; i de abstrakta linjerna i denna serie kan man urskilja egenskaperna hos ett mänskligt ansikte, förenklat till tillståndet av en mask i Matisses, Jawlenskys eller Brancusis anda. På tal om den extrema förenklingen och stiliseringen av former, om målningarnas kompositionslösning, när ögonens och munnens utspridda konturer tycks titta på oss från skogssnåret, konstaterar forskarna sambandet mellan Grotjans "Ansikten" och konsten att de primitiva stammarna i Afrika och Oceanien, medan konstnären själv helt enkelt ”gillar bildögonen som tittar ut från djungeln. Jag föreställde mig ibland babianers eller apors ansikten. Jag kan inte säga att jag var medvetet eller omedvetet påverkad av primitiv afrikansk konst, snarare var jag influerad av konstnärer som påverkades av den. Picasso är det mest uppenbara exemplet."

Verken i serien "Faces" kallas brutala och eleganta, tilltalande för ögat och tilltalande för sinnet. Med tiden förändras också texturen på dessa verk: för att skapa effekten av det inre utrymmet använder konstnären breda drag av tjock färg, till och med stänk i stil med Pollock, men målningens yta är jämn så att den vid noggrann granskning verkar helt platt. Målningen "Untitled (S III Released to France Face 43.14)", som satte auktionsrekord, tillhör just denna berömda serie av Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Min ensamma cowboy. 15,16 miljoner dollar

japanska Takashi Murakami (1962) angett vårt betyg med skulptur "Min ensamma cowboy", såldes på Sotheby's i maj 2008 för $ 15,16 miljoner. Med denna försäljning ansågs Takashi Murakami länge vara den mest framgångsrika nu levande asiatiska konstnären – tills han översköljdes av försäljningen av Zeng Fanzhis The Last Supper.

Takashi Murakami arbetar som målare, skulptör, modedesigner och animatör. Murakami ville ta något riktigt japanskt som grund för sitt arbete, utan västerländska eller andra lån. Under studentåren fascinerades han av traditionell japansk nihongamålning, som senare ersattes av den populära konsten anime och manga. Så föddes den psykedeliska Mr DOB, mönster av leende blommor och ljusa, glänsande glasfiberskulpturer, som om de var direkt från japanska serier. Vissa anser att Murakamis konst är snabbmat och förkroppsligandet av vulgaritet, andra kallar konstnären för japanen Andy Warhol – och i den senares led finns, som vi ser, många mycket rika människor.

Murakami lånade namnet för sin skulptur från Andy Warhol-filmen "Lonely Cowboys" (1968), som japanen, som han själv medgav, aldrig hade sett, men han gillade verkligen kombinationen av ord. Murakami både gladde fans av erotiska japanska serier och skrattade åt dem med en skulptur. Ökad i storlek, och även tredimensionell, förvandlas animehjälten till en fetisch av masskultur. Detta konstnärliga uttalande är helt i andan av klassisk västerländsk popkonst (kom ihåg möbelset från Allen Jones eller Koons "The Pink Panther"), men med en nationell twist.

17. KAWS. Album av KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS är pseudonymen för den amerikanske konstnären Brian Donnelly från New Jersey. Han är den yngsta deltagaren i vår ranking, född 1974. Donelly började som animatör på Disney (han målade bakgrunder till den tecknade filmen "101 Dalmatians" och andra). Från sin ungdom var han intresserad av graffiti. Hans signaturdesign var först en skalle med "X" i stället för ögonhålorna. Den unga författarens verk älskades av showbusinessfigurer och människor från modebranschen: han skapade omslaget till Kanye Wests album och släppte samarbeten med Nike, Comme des Garçons och Uniqlo. Med tiden blev KAWS en välkänd figur i samtidskonstens värld. Hans signaturfigur, som påminner om Musse Pigg, har slagit rot i museer, offentliga utrymmen och privata samlingar. En gång i tiden släppte KAWS en begränsad upplaga av vinylleksaker tillsammans med varumärket My Plastic Heart, och de blev oväntat föremål för stort samlarintresse. En av de passionerade samlarna av dessa "leksaker" är grundaren Svart stjärna rapparen Timati: han samlade nästan fullständigt hela "Cavs Companions"-serien.

KAWS verk satte rekord för konstnärens verk - 14,7 miljoner dollar - på Sothebys auktion i Hong Kong den 1 april 2019. Det brukade vara i den japanska samlingen mode designer Nigo. KAWS Album är en hyllning till omslaget till The Beatles berömda album från 1967, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Bara istället för människor finns det Kimpsons på den – stiliserade karaktärer från den animerade serien The Simpsons med "X's" istället för ögon.

18. JIN SHANI Tadzjikisk brud. 1983. 13,89 miljoner dollar

Bland de relativt unga och samtida kinesiska konstnärerna, som alla tillhör den så kallade "nya vågen" från det sena 1980-talet inom kinesisk konst, inkluderade vårt betyg helt oväntat en representant för en helt annan generation och en annan skola. Jin Shangyi, nu i 80-årsåldern, är en av de framstående företrädare den första generationen konstnärer i det kommunistiska Kina. Åsikterna från denna grupp av konstnärer bildades i stor utsträckning under inflytande av deras närmaste kommunistiska allierade - Sovjetunionen.

Officiell sovjetisk konst, socialistisk realism och oljemålning, som då var ovanligt för Kina (till skillnad från traditionell kinesisk bläckmålning), var på toppen av popularitet på 1950-talet, och den sovjetiske konstnären Konstantin kom för att undervisa vid Pekings konstuniversitet i tre år (från 1954 till 1957). Methodievich Maksimov. Jin Shani, som på den tiden var yngst i gruppen, hamnade i sin klass. Konstnären mindes alltid sin lärare med stor värme och sa att det var Maksimov som lärde honom att korrekt förstå och avbilda en modell. K. M. Maksimov tränade en hel galax av kinesiska realister, nu klassiker.

I Jin Shans verk kan man känna inflytandet från både sovjetiska " hård stil", och den europeiska målarskolan. Konstnären ägnade mycket tid åt att studera renässansens och klassicismens arv, samtidigt som han ansåg det nödvändigt att bevara den kinesiska andan i sina verk. Målningen "Tajik Bride", målad 1983, anses vara ett universellt erkänt mästerverk, en ny milstolpe i Jin Shans arbete. Den lades ut på auktion av China Guardian i november 2013 och såldes flera gånger mer än uppskattningen - för 13,89 miljoner dollar inklusive provision.

19. BANKSY Nedbrutet parlament. 2008. 12,14 miljoner dollar

Banksy-märkta väggmålningar började dyka upp på stadsmuren (först i Storbritannien och sedan runt om i världen) i slutet av 1990-talet. Hans filosofiska och samtidigt skarpa graffiti ägnades åt problemen med statens attack mot medborgarnas friheter, brott mot miljö, oansvarig konsumtion, omänskligheten i det illegala migrationssystemet. Med tiden fick Banksys vägg-"förbråelser" en aldrig tidigare skådad mediapopularitet. I själva verket blev han en av de främsta exponenterna allmän åsikt, fördömer staters och företags hyckleri, vilket skapar växande orättvisa i det kapitalistiska systemet.

Betydelsen av Banksy, känslan av "tidens nerv" och noggrannheten i hans metaforer uppskattades inte bara av tittare utan också av samlare. Under 2010-talet gavs hundratusentals, eller till och med mer än en miljon dollar, för hans verk. Det kom till en punkt där Banksys graffiti bröts ut och stals tillsammans med bitar av väggarna.

I en tid av avancerad digital övervakning lyckas Banksy fortfarande behålla anonymiteten. Det finns en version att detta inte längre är en person, utan en grupp av flera artister, ledda av en begåvad kvinna. Det skulle förklara mycket. Både den yttre olikheten hos författarna fångade i linserna på vittneskameror och den opersonliga stencilmetoden för applicering (ger hög hastighet och kräver inte direkt deltagande av författaren) och den rörande romantiken hos målningarnas ämnen (bollar, snöflingor, etc.). Hur som helst, människorna från Banksy-projektet, inklusive hans assistenter, vet hur de ska hålla käften.

2019 blev Banksys dyraste verk oväntat den fyra meter långa duken Devolved Parliament ("degraderat", "förfallit" eller "decentraliserat" parlament). Schimpanser som bråkar i underhuset verkar håna publiken under året för den skandalösa Brexit. Det är förvånande att målningen målades 10 år före denna historiska vändpunkt, och därför anser någon att den är profetisk. På en Sotheby's-auktion den 3 oktober 2019, under en hård budgivning, köpte en okänd köpare denna olja för 12 143 000 dollar - sex gånger dyrare än den preliminära uppskattningen.

20. JOHN CURREN "Söt och enkel." 1999. 12,007 miljoner dollar

Amerikansk konstnär John Curran (1962) känd för sina satiriska figurativa målningar på provocerande sexuella och sociala teman. Currens verk lyckas kombinera de gamla mästarnas målningstekniker (särskilt Lucas Cranach den äldre och manéristerna) och modefotografier från glansiga tidningar. För att uppnå större groteskhet, förvränger Curren ofta proportioner människokropp, förstorar eller förminskar dess individuella delar, skildrar hjältar i trasiga, upplevda poser.

Curren startade 1989 med porträtt av flickor som ritades om från ett skolalbum; fortsatte i början av 1990-talet med målningar av bystiga skönheter, inspirerade av foton från Cosmopolitan och Playboy; 1992 dök porträtt av rika äldre damer upp; och 1994 gifte Curren sig med skulptören Rachel Feinstein, som blev hans främsta musa och modell under många år. I slutet av 1990-talet gav Currens tekniska behärskning, i kombination med kitsch och groteskhet i hans målningar, honom popularitet. 2003 tog Larry Gagosian på sig jobbet med att marknadsföra artisten, och om en återförsäljare som Gagosian tar sig an artisten är framgång garanterad. 2004 hölls en retrospektiv av John Curran på Whitney Museum.

Ungefär vid denna tid började hans verk säljas för sexsiffriga summor. Det aktuella rekordet för en målning av John Curren tillhör verket "Sweet and Simple", som såldes den 15 november 2016 på Christie's för 12 miljoner dollar. Målningen med två nakenbilder överträffade knappt den lägre uppskattningen på 12–18 miljoner dollar. Och ändå, för John Curran, som nu är över 50, är ​​detta definitivt ett genombrott i min karriär. Hans tidigare rekord 2008 var 5,5 miljoner dollar (betalt, förresten, för samma verk, "Sweet and Simple").

21. BRYCE MARDEN Den deltog. 1996–1999 10,917 miljoner dollar

En annan levande amerikansk abstrakt konstnär i vår ranking är Brice Marden (1938). Mardens verk i stil med minimalism, och sedan slutet av 1980-talet - gesturmåleri, sticker ut för sin unika, något dämpade palett. Färgkombinationerna i Mardens verk är inspirerade av hans resor runt om i världen - Grekland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Bland de författare som påverkade Mardens utveckling är Jackson Pollock (i början av 1960-talet arbetade Marden som säkerhetsvakt på det judiska museet, där han bevittnade Pollocks "droppande" med sina egna ögon), Alberto Giacometti (bekant med hans verk i Paris) och Robert Rauschenberg (någon Marden arbetade som hans assistent en tid). Den första etappen av Mardens arbete ägnades åt klassiska minimalistiska dukar bestående av färgade rektangulära block (horisontella eller vertikala). Till skillnad från många andra minimalister, som uppnådde den idealiska kvaliteten på verk, som om de var tryckta av en maskin och inte ritade av en person, bevarade Marden spår av konstnärens arbete, kombinerade olika material (vax och oljemålningar). Sedan mitten av 1980-talet, under påverkan av orientalisk kalligrafi, ersattes geometrisk abstraktion av slingrande, meanderliknande linjer, vars bakgrund var samma monokroma färgfält. Ett av dessa "menande" verk, "The Attended", såldes på Sotheby's i november 2013 för 10,917 miljoner dollar, inklusive provision.

22. ZHANG XIAOGAN Evig kärlek. 10,2 miljoner dollar

En annan representant för kinesisk modern konst - symbolist och surrealist Zhang Xiaogang (1958). På Sothebys auktion i Hong Kong 3 april 2011, där kinesisk avantgardekonst från samlingen av den belgiske baronen Guy Ullens, en triptyk av Zhang Xiaogang såldes "Evig kärlek" såldes för $ 10,2 miljoner. På den tiden var detta ett rekord inte bara för konstnären utan för all kinesisk samtidskonst. De säger att Xiaogangs verk köptes av miljardärens fru Wang Wei, som planerar att öppna sitt eget museum.

Zhang Xiaogang, som är intresserad av mystik och österländsk filosofi, skrev historien om "Evig kärlek" i tre delar - liv, död och återfödelse. Denna triptyk ingick i den ikoniska utställningen "China/Avant-garde" från 1989 på National konstmuseum. Även 1989 undertrycktes studentdemonstrationer brutalt av militären på Himmelska fridens torg. Efter detta tragisk händelseåtdragningen av skruvarna började - utställningen på Nationalmuseum skingrades, många konstnärer emigrerade. Som svar på den socialistiska realismen som påtvingats ovanifrån uppstod riktningen för cynisk realism, en av de främsta företrädarna för vars Zhang Xiaogang.

23. BRUCE NAUMAN Hjälplös Henry Moore. 1967. 9,9 miljoner dollar

amerikansk Bruce Nauman (1941), vinnare av huvudpriset vid den 48:e Venedigbiennalen (1999), tog lång tid att uppnå sitt rekord. Nauman började sin karriär på sextiotalet. Konnässörer kallar honom, tillsammans med Andy Warhol och Joseph Beuys, en av de mest inflytelserika gestalterna inom konsten under andra hälften av 1900-talet. Men den intensiva intellektualiteten och den absoluta bristen på dekorativitet hos några av hans verk hindrade uppenbarligen hans snabba erkännande och framgång bland allmänheten. Nauman experimenterar ofta med språk och upptäcker oväntade betydelser i bekanta fraser. Ord blir centrala karaktärer många av hans verk, inklusive neon pseudo-skyltar och paneler. Nauman själv kallar sig skulptör, även om han under de senaste fyrtio åren har provat sig inom helt andra genrer – skulptur, fotografi, videokonst, performance, grafik. I början av nittiotalet yttrade Larry Gagosian profetiska ord: "Vi har ännu inte insett det verkliga värdet av Naumans verk." Så här gick det till: 17 maj 2001 på Christie's, Naumans verk från 1967 "Hjälplös Henry Moore (bakifrån)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) satte ett nytt rekord i efterkrigskonstsegmentet. En avgjutning av Naumans händer bundna bakom ryggen, gjorda av gips och vax, gick under hammaren för $ 9,9 miljoner till den franske tycoonen Francois Pinaults samling (enligt andra källor amerikanen Phyllis Wattis). Uppskattningen för arbetet var bara 2–3 miljoner dollar, så resultatet kom som en riktig överraskning för alla.

Innan denna legendariska försäljning hade bara två av Naumans verk passerat miljongränsen. Och under hela hans auktionskarriär har hittills bara sex verk, förutom "Henry Moore...", gått på sjusiffriga summor, men deras resultat kan fortfarande inte jämföras med nio miljoner.

"Hjälplösa Henry Moore" är ett av en rad polemiska verk av Nauman om figuren Henry Moore (1898–1986), en brittisk konstnär som på sextiotalet ansågs vara en av 1900-talets största skulptörer. Unga författare, som befann sig i skuggan av den erkände mästaren, attackerade honom sedan med ivrig kritik. Naumans arbete är ett svar på denna kritik och samtidigt en reflektion kring ämnet kreativitet. Verkets titel blir en ordlek, eftersom den kombinerar två betydelser av det engelska ordet bound – bunden (i bokstavlig mening) och dömd till ett visst öde.

Uppmärksamhet! Allt material på sajten och databasen med auktionsresultat på sajten, inklusive illustrerad referensinformation om verk som säljs på auktion, är avsett att användas uteslutande i enlighet med Art. 1274 i den ryska federationens civillag. Användning för kommersiella ändamål eller i strid med reglerna som fastställts av den ryska federationens civillag är inte tillåten. webbplatsen ansvarar inte för innehållet i material som tillhandahålls av tredje part. I händelse av kränkning av tredje parts rättigheter förbehåller sig webbplatsadministrationen rätten att ta bort dem från webbplatsen och från databasen baserat på en begäran från det auktoriserade organet.

10.06.13 technovoin

Välkommen till Art Verandas sidor! Med dagens inlägg skulle jag vilja överraska våra läsare till fullo, för vi kommer att prata om det mesta dyra tavlor, men dyrt inte i betydelsen, utan i termer av kostnad (period). Detta är fallet när konventionella enheter gör målningar "gyllene". I allmänhet, detta absurditet i konsten eller det absurdas konst, som inte har några gemensamma rötter med 50-60-talets avantgarderörelse. XX-talet.

De exempel på målning som presenteras nedan är exceptionella exempel på hur du kan tjäna fantastiska pengar för direkt klottring.

1. "Blodröd spegel". Konstnär - . Pris - 1,1 miljoner dollar.

Jag skulle vilja notera att Gerhard Richter är en stor mästare och hans verk är på många sätt ovärderliga. Men jag förstår inte riktigt hur värdefull denna skapelse är? För det du ser är bara röd färg som Richter applicerade på spegeln, vilket gav en liten gradient. Uppenbarligen tycker samlaren som valde "Blood Red Mirror" för 1,1 miljoner dollar annorlunda.

2. "Rymdkoncept, väntar". Konstnär - . Pris - 1,5 miljoner dollar.

Här är en enfärgad duk med längsgående slitsar på, som gick under klubban på en London-auktion för 1,5 miljoner dollar. Inte illa, eller hur? Det här är ingenting, mer intressanta saker kommer.

3. "Grön blob". Konstnär - . Pris - 1,6 miljoner dollar.

Ellsworth Kelly är en av de artister som inte skördar stora summor pengar för sitt arbete. Så "The Green Blob" är mer ett undantag från regeln än ett givet. Duken, i mitten av vilken en deformerad cirkel är avbildad, fann sin kännare för 1,6 miljoner dollar.

4. "Ofrälse". Konstnär - . Pris - 1,7 miljoner dollar.

Här är en kombination av två flerfärgade ränder i Palermo-stil. Det finns förmodligen inget mer att säga om det här arbetet, och dessutom har det inte ens ett namn. Eller är det samma namn?

5. "Cowboy". Konstnär - . Pris - 1,7 miljoner dollar.

Den amerikanska konstnären studerade "skarpkantsmålning" i mer än 4 år och utvecklade sin egen unika stil. Ellsworth Kelly är specialist inom området för geometriska plan avgränsade genom skarpa färgkontraster. Det sägs att hans arbete banade väg för . "Cowboy" hittade sitt hem till en kostnad av 1,7 miljoner dollar.

6. "Målning (Hund)". Konstnär - . Pris - 2,2 miljoner dollar.

Detta verk, i jämförelse med andra verk av Joan Miró, verkar vara en anomali. Kanske, när han köpte en målning, styrdes samlaren av önskan att äga en del av den store mästarens arv? Resultat - 2,2 miljoner dollar.

7. "Ofrälse". Konstnär - . Pris - 2,3 miljoner dollar.

Arbete utfört enligt principen om barnklotter. Färgade - det här är de två instrumenten som värderades till 2,3 miljoner dollar på Christie's auktion. Jag glömde att tänka på flit, originalitet och åtminstone en viss förståelse för konst. Kanske har konstnären ingenting med det att göra, kanske är det en 5-årig- gammalt lilla barn övade han på att stava bokstaven "e"? Tja, om så är fallet, då fick Cy Twombly ett gott skratt av någon.

8. "White Fire I". Konstnär - . Pris - 3,8 miljoner dollar.

"White Fire I" är fallet när mystisk terminologi, rotad i Toran, "säljer"! Sälja text? Inte annars. Men, ursäkta mig, vilken relation kan två linjer på duken ha till Toran? Så jag tror att det inte finns någon.

9. "Lura". Konstnär - . Pris - 5 miljoner dollar.

"Blue Fool" är makt, det är konst! Bedöm själv hur svårt det tog att övertyga någon samlare att köpa detta "mästerverk", att köpa en målning med en vältalig blå inskription - "Fool"... Christopher, bravo! Du förtjänar en stående ovation!

10. "Ofrälse". Konstnär - . Pris - 28 miljoner dollar.

Bilden som slog alla rekord i det absurdas konst absurd konst, vad gäller pris/kvalitet. Det kunde ha placerats i början av inlägget, hängt i sidhuvudet, MEN i grund och botten skulle "Utan titel" inte ha blivit STOLT av detta. Denna skapelse såldes på auktion för $28 miljoner (utan hänsyn till några tusentals dollar på toppen). Det är där stoltheten finns, det är där miljonerna finns. Men för att vara ärlig, det är tråkigt, löjligt och... för att inte svära, väldigt dyrt.

Så är det, mina herrar. Har du en önskan att bli rik? Instruktioner: a) köp en tavla på en loppmarknad från de som är billigare; b) "fostra" på henne ett stort namn; c) var inte för lat för att komponera otrolig historia skapande; d) lägg upp den på en av de mest kända auktionerna i världen. Tänk om du går till historien, pressen omfamnar dig, folk börjar prata om dig, de skriver ett manus och till sist gör en film?!