Hem › elektrisk utrustning › Skapande av en ensemble av folkinstrument och arbeta med den. Metodisk utveckling "Särdragenhet i arbetet av en lärare-musiker med en ensemble av blandade åldrar (plockade och vass folkinstrument, sång, stråkinstrument) i en extra institution

Skapande av en ensemble av folkinstrument och arbeta med den. Metodisk utveckling "Särdragenhet i arbetet av en lärare-musiker med en ensemble av blandade åldrar (plockade och vass folkinstrument, sång, stråkinstrument) i en extra institution

Repertoaren är grunden kreativ aktivitet några konstnärlig grupp. Gedigen repertoar av hög kvalitet för ryska ensembler folkinstrument stimulerar tillväxten av deltagarnas utövande och konstnärliga färdigheter och bidrar samtidigt till utvecklingen av allmänhetens konstnärliga smak.

Det är nödvändigt att noggrant välja ut verk av konstnärligt värde, kombinera intressant innehåll med perfektion av form, med originella och olika uttrycksmedel som verkligen kan fängsla publiken och avslöja artisternas konstnärliga talanger.

Av stor betydelse för bildandet av repertoaren är urvalet av medlemmar i ensemblen och nivån på deras framförande färdigheter. Det är svårt att fängsla dagens lyssnare med att spela enkla eller konstnärligt föga övertygande stycken. Vi behöver ljusa, minnesvärda, känslomässiga verk som ger verklig estetisk tillfredsställelse.

När man väljer en repertoar för en ensemble av ryska folkinstrument, bör man inte bara ta hänsyn till pedagogiska uppgifter, utan också representera det slutliga målet för sitt arbete - en konsertprestation. Ett konstnärligt fullfjädrat kreativt team bör utföra verk av olika genrer och stilar.

Repertoaren för en konsertföreställning bör väljas och ordnas med hänsyn till beredskapen, nivån på musikuppfattningen och allmänhetens smak. Ett stort utbildningsuppdrag, anförtrott till ensemblen, innebär popularisering de bästa fungerar till det bredaste utbudet av lyssnare. För en lyckad konsert är det nödvändigt att kombinera svåruppfattade verk med mer populära, instrumentala nummer - med framträdande av solosångare.

Vid sammanställningen av konsertens program måste ledaren också ta hänsyn till konsertens inriktning (föreläsning-konsert, konsert "vid lunchtid", semesterkonsert etc.) och dess lokal (stor konsertsal, byklubbsscen, fältläger, etc.)

I konsertprogram nummerföljden är viktig. En av principerna för programmering:

Växling av seriösa nummer med mer underhållande;

De nummer som har störst framgång hos publiken bör framföras mot slutet av programmet;

Kontraster, avspänning och växling, genrediversitet behövs.

Instrumentalistens huvudsakliga uppgifter.

Välgjord instrumentering är en av de avgörande faktorerna för ett framgångsrikt framförande av en ensemble. Beroende på verkets karaktär, textur, tempo, dynamik osv. instrumentalisten måste utföra funktionsindelningen, presentera materialet efter instrumentens specifika kvalitet, sättet att spela vart och ett av dem.

För att göra detta räcker det inte för honom att bara känna till strukturen och utbudet av de instrument som utgör ensemblen. För att bättre representera klangfärgen, dynamiska, slagdrag i ljudet, måste han ha tillräckliga färdigheter i att spela dessa instrument.

En riktig instrumentalist börjar "höra" ensemblen först under långvarigt arbete med teamet. Instrumenterar för en permanent komposition, han börjar föreställa sig alla möjliga alternativ för förhållandet mellan instrument. En förändring i sammansättningen av åtminstone ett instrument (tillägg eller ersättning av ett instrument med ett annat) orsakar en annan fördelning av funktioner, ett annat ljud för ensemblen som helhet.

Instrumentalisten bör alltid komma ihåg att funktionerna hos instrument i en ensemble skiljer sig från den traditionella användningen av dessa instrument i en orkester. Först och främst blir de mer utsträckta: varje instrument, beroende på den framväxande musiksituationen, kan utföra både solo och ackompanjerande funktioner.

Dessutom ligger skillnaden i den mer fullständiga användningen av varje instruments uttrycksmöjligheter, i användningen av olika speltekniker, som vanligtvis används vid solouträning.

Instrumentalisten måste vara mycket försiktig när han återinstrumenterar orkesterpartituren för ensemblen. I det här fallet är det inte nödvändigt att helt lägga in alla röster i partituret. Det räcker med att lyfta fram de viktigaste: melodi, harmoniskt ackompanjemang, bas och andra delar av det musikaliska tyget som bestämmer huvudpersonen, och på grundval av detta skapa en instrumentering av ett verk som inte bara inte skulle förlora sitt ansikte i ensemblen ljud, men skulle få nya kvaliteter på grund av nytänkande.

Verktygsmakare, utom allmänna problem, måste du vara väl insatt i funktionerna i instrumentering för en blandad komposition.

Blandade ensembler är ensembler som använder instrument med olika ljudkällor, ljudproduktionsmetoder och olika akustiska miljöer.

Varje instrument i en blandad ensemble kommer att ha olika uttrycksmedel förknippade med dess inneboende naturliga ljud- och ljudkvaliteter: klangfärg, dynamik och slagpalett.

Timbre är det mest imponerande uttryckssättet. Det är klangfärgen som avgör ensemblens ansikte, dess unika egenskaper. Ett spel blandad ensemble det kännetecknas av rikedomen och variationen av färger i det musikaliska tyget, nyanserna av ljud, sammanställningen av klangfärger i olika texturkombinationer, etc.

För stråkar ändras klangfärgen för varje sträng i olika tessitura (ljudegenskaper ett visst område strängar); förändringen i klangfärg uppstår på grund av olika kontaktpunkter mellan plocken eller fingret med snöret, på grund av kvaliteten på materialet som plockningen är gjord av - nylon, läder, plast, etc., samt genom användning av olika utförandetekniker för att spela dessa instrument.

För Bayan är detta ljudet av naturliga klangfärger i olika tessitura, ljudförhållandet när man spelar med höger och vänster hand (stereoljudeffekt), ändring av klangfärgen när man slår på registeromkopplarna, nyanser och, naturligtvis, användningen olika speltekniker.

Rena klangfärger används när man solar en melodi eller melodisk sekvens, med ett ganska enkelt ackompanjemang.

Blandade klangfärger bildas av en kombination av "rena" klangfärger av olika instrument.

De har många kombinationer. De mest typiska av dem är:

Duplicering är skapandet av en kvalitativt annorlunda klang genom att kombinera olika instrument. När du spelar en melodi unisont eller i en oktav.

Harmonisk fyllning i vertikal - ackord klang.

Det finns också mer subtila nyanser av klangfärger som känns väl och tillämpas av en musiker som kan konsten att instrumentera. Detta är påverkan av klangfärgen hos ett instrument på färgningen av ljudet av ett annat, övervinner klangfärgsinkompatibilitet med hjälp av texturtekniker, registreringsmetoder, slagenhet, etc.

Förhållandet mellan instrument i termer av dynamik och slag är nära relaterat till klangfärgsförhållanden. Det är till och med svårt att skilja från varandra, eftersom de i sin enhet bildar ljudets karaktär.

Dynamiken i en ensemble är alltid bredare och rikare än dynamiken i ett soloframträdande. Även det mest perfekta instrumentet i detta avseende, knappdragspelet, när det kombineras med andra instrument, får ytterligare styrka och variation av ljud. Men de dynamiska möjligheterna med ett instrument kan inte jämföras med möjligheten för ett band av en orkester. Den dynamiska skolan, rikedomen och tätheten i klangen i ensemblen är sämre än de orkestrala, därför får instrumentens dynamiska balans, det mycket exakta och försiktiga, ekonomiska utnyttjandet av ensemblens högljudda resurser särskild betydelse.

Framförandet av en eller annan nyans i varje del är oupplösligt förenad med den instrumentala ensemblen, med instrumentens kvalitet, instrumentationens egenart och till och med tessituran av ljudet från andra delar, men för att inte tala om den semantiska betydelsen av individuella röster och deras funktioner i den övergripande musikaliska utvecklingen av hela verket.

För att mentalt jämna ut den dynamiska balansen när parterna är jämställda måste instrumentalisten fokusera på ensemblens dynamiskt svagare instrument. I en blandad komposition, som en kvintett ryska folkinstrument med slagverk, blir det domra alt, rojo kontrabas (vanligtvis i avsnitt av ett polyfoniskt lager, där melodilinjen går vid kontrabasen på tremolo).

I ensembleframträdanden används alla befintliga typer av dynamik:

hållbar

Gradvis

steg

Kontrasterande

Hela variationen av slag kan villkorligt delas in i två stora grupper av slag som är karakteristiska för ensembleprestationer: liknande - "motsvarande slag" och "komplexa" - en kombination av olika slag samtidigt.

Önskan efter det mest uttrycksfulla framförandet av varje musikalisk fras leder till valet av de mest naturliga slagen för den musikaliska bilden. I det här fallet, när det musikaliska tyget kräver olika instrument sammanslagningar i ett ljud, streckade motsägelser, måste jämnas ut, föras till ett enda ljudresultat. Därför är "likvärdiga slag" den största svårigheten, eftersom slagen i denna grupp kan vara olika, men ljudresultatet bör vara identiskt.

Vad ligger till grund för en enhetlig förståelse och organisation av ljudet av slag? Först av allt, ljudets form och dess huvudsakliga utvecklingsfaser: attack, bly, borttagning och anslutning.

Ljud attack. I denna fas av ljudet kan de olika teknikerna för att spela strängarna reduceras till tre huvudmetoder för ljudextraktion: från strängen - en nypa, från en sving - ett slag och tremolo från strängen.

Lämpliga metoder för ljudattack för stråkar och knappdragspel kommer att vara:

Mjuk attack. Strängtremolo från strängen, knappdragspel - elastisk lufttillförsel och samtidigt tryckning av tangenterna.

Solid attack. För stråkar - en nypa för ett dragspel - preliminärt tryck med päls i en pälskammare och tryck på en tangent.

Hård attack. För stråkar - ett slag, för ett dragspel - preliminärt tryck med päls i en pälskammare och ett tangenttryck.

I den ljudledande fasen har strängar två typer av ljud: blekning - efter en plockning eller slag, och sträckning - på grund av darrning. På knappdragspelet är den första typen dämpad, förknippad med en minskning av trycket i pälskammaren. Dragspelaren anpassar sig efter karaktären och hastigheten på stråkarnas förfall. I den andra formen, både för stråkarna och för knappdragspelet, är alla förändringar i ljud möjliga, i denna fas av ljudproduktion. En av de karakteristiska svårigheterna här kommer att vara sammanslagning av intensiteten i ljudet från stränginstrument (förväxla inte intensitet med tremolo-frekvens).

Tar bort ljud. Sondfasen är den svåraste när det gäller koordinering, eftersom det också är nödvändigt att ta hänsyn till de tidigare stadierna av ljudutveckling. så när man attackerar med en nypa och ett slag utan att fortsätta detta ljud på en tremolo eller vibrato, avbryts ljudet av strängarna genom att ta bort fingret på vänster hand. På knappdragspelet kommer det att vara tillräckligt att avbryta ljudet genom att ta bort fingret, följt av reaktionen från pälsen, beroende på vilken typ av ljud som tas bort. när man attackerar och leder ljudet av tremolo-strängar, är det mest exakta att plocka upp ljudet på knappdragspelet på grund av det synkrona stoppet av bälgen och borttagandet av fingret.

Anslutning av ljud. Det spelar en viktig roll i musikalisk frasering, i intonationsprocessen.

Beroende på musikens karaktär kan kopplingen av ljud vara tydligt avgränsad, mjuk och nästan omärklig. En noggrann förståelse av typen av slutet av ett och början av ett annat ljud och deras relation kommer att hjälpa instrumentalisten att mer medvetet programmera kvaliteten på intonationen, varav en del är organiseringen av artikulationstekniker på olika instrument.

Exakt och fullständig användning av varje instruments specifika kapacitet, deras mest fördelaktiga egenskaper, representation och hörsel av det avsedda förhållandet mellan instrumenten och partituren. Bidrar till skapandet av ett ljust, färgstarkt ljud av ensemblen.

Arbeta med kompetens

ensembleuppträdande

Huvudmålet med ensemblens repetitionsarbete är att skapa en konstnärlig bild av det stycke som framförs. Under repetitionsarbetet tränger deltagarna djupare och djupare in i essensen av musiken som framförs, avslöjar nya aspekter av den, försöker hitta framträdande medel som gör det möjligt för dem att mest fullständigt och övertygande förkroppsliga idén i ett ljud som motsvarar musikens natur och figurativa sfär.

Arbetet utförs både på identifiering av allmänna musikaliska och specifika ensemble uttrycksmedel, och på bildandet av ensemblespelande färdigheter.

Låt oss uppehålla oss vid utvecklingen av följande nödvändiga ensemblespelfärdigheter:

Framförande av melodi och ackompanjemang i ensemblen;

Känslan av synkron temporal (tempo, metrisk, rytmisk) sammanträffande;

Förmågan att klämma och dynamiskt framhäva din del eller omvänt lösas upp i det övergripande ljudet;

Fördelning av uppmärksamhet, höra alla delar av ensemblen som helhet och din egen del.

Medlemmarna i ensemblen kommer inte direkt till samma förståelse och lösning av konstnärliga problem. I detta närmande tillhör huvudrollen ensemblens chef. Det räcker inte med att han är en utbildad musiker och en utmärkt artist som kan ta på sig rollen som ledare i en ensemble. Han måste förstå alla krångligheterna med instrumentering, för denna komposition, lära sig de uttrycksfulla egenskaperna hos varje instrument och deras kombinationer, de individuella prestationsdragen i spelet och varje deltagares kreativa ambitioner, ha pedagogiska böjelser, etc.

Naturligtvis kommer denna kunskap inte direkt. Endast konstant sökande, valet av specifika medel, utmärkande för denna ensemble, eller repertoar, kommer att ge ledaren en sann hörsel av ensemblens sound.

I sin bildande och utveckling går ensemblen igenom flera stadier. Konventionellt kan de delas in i primär, sekundär och högre.

På inledande skede En ensemble är en grupp individer med samma nivå av musikalisk utbildning. Genom en väl vald och förståelig argumentation angående musikens uttrycksfulla inslag, samt en levande och bildlig överföring av verkets karaktär, förkroppsligar ledaren sin framförande avsikt.

Men deltagarna förstår fortfarande inte alltid ledarens krav och känner inte varandra tillräckligt bra i ensemblen.

Nästa steg i utvecklingen är när ledaren tydligare föreställer sig var och ens individuella förmågor; dess krav blir mer specifika och fokuserade. För medlemmarna i ensemblen blir ledarens instruktioner förståeliga och naturliga, särskilt efter framgångsrika framträdanden.

Det finns en närmandeprocess i den konstnärliga förståelsen av de framförda kompositionerna och i känslan av egenskaperna hos ensemblespel: detaljerna i speltekniker på andra instrument, deras dynamiska och klangfärgade kapacitet, etc.

Det högsta steget är idealet för ensembleframträdande. Deltagarna har en gemensam förståelse för lagarna för utveckling av musikalisk handling, enheten i att höra varje parts funktioner, det finns kommunikation genom musik med varandra och med allmänheten.

Ledaren litar på deltagarnas ökade konstnärliga nivå, stödjer och styr samtidigt allas initiativ. För alla är att spela i en ensemble ett vänligt och glädjefullt kreativt arbete.

LITTERATUR.

1. A. Pozdnyakov "En dirigents arbete med en orkester av rysk folk

verktyg." Moskva. GMPI dem. Gnesins. 1964.

2. A. Alexandrov "Metoder för att extrahera ljud. Spelar trick och slag

på domra ", material för kursen "Metoder för att lära ut hur man spelar

tresträngad domra. Moskva. 1975.

3. A. Ilyukhin, Yu Shishakov "School of collective play". Moskva.

"Musik". 1981.

4. V. Chunin "Modern Russian Folk Orchestra". Moskva.

"Musik". 1981.

5. Utveckling konstnärligt tänkande domrista". metodisk

utveckling för musikskola och konstskolor. Comp. V. Chunin. Moskva. 1988.

Ryska Federationen

Institutionen för utbildning vid administrationen av Novoshakhtinsk

kommunal budgetinstitution för tilläggsutbildning

"Center för utveckling av barn och ungdomar" i staden Novoshakhtinsk

Metodisk utveckling konsertmästare

People's Branch Dyakonova S.G.

”Frågor om att bilda en repertoar för

ryssar folkensembler ».

2012

Jobbar med en blandad ensemble

Ryska folkinstrument

Moderna trender inom området framförande på ryska folkinstrument är förknippade med den intensiva utvecklingen av ensemblemusikskapande, med funktionen hos olika typer av ensembler vid filharmoniker och kulturpalats, i olika utbildningsinstitutioner. Därav behovet av riktad utbildning av ledarna för respektive ensembler vid institutionerna och fakulteterna för folkinstrument musikskolor och universitet i landet.

Men uppfostran av en ensemblespelare i pedagogisk praxis, är som regel förknippad med kända begränsningar. Lärare instrueras vanligtvis att leda homogena ensembler: bayanspelare - bayanensembler, domrister eller balalajkaspelare - ensembler av strängplockade folkinstrument. Kompositioner av denna typ används ofta i professionell prestanda. Det räcker med att påminna om sådana kända ensembler som bayantrion A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, bayanduetten A. Shalaev - N. Krylov, Ural bayantrion, Kievs filharmoniska kvartett, Skaz-ensemblen, etc.

Det är utan tvekan mycket viktigt att arbeta med homogena ensembler - duetter, trios, bayan-kvartetter, trios, domra-kvartetter och -kvintetter, balalajka-unisoner etc. Icke desto mindre hindrar de beskrivna begränsningarna i verksamheten för lärare vid skolor och universitet den fullfjädrade utbildningen av unga yrkesverksamma, eftersom utexaminerade från musikskolor faktiskt ofta möter behovet av att leda blandade ensembler. Oftast består de senare av stråkinstrument och knappdragspel. Klasser med sådana lag bör bli en integrerad del av utbildningsprocessen.

Att komma till jobbet står en modern lärare inför oundvikliga svårigheter: för det första med en akut brist på metodisk litteratur tillägnad blandade ensembler av ryska folkinstrument; för det andra, med ett begränsat antal repertoarsamlingar, inklusive intressanta originalkompositioner, transkriptioner, transkriptioner, bevisade genom konsertpraxis, och med hänsyn till olika nivåer förberedelser och kreativa anvisningar för de angivna kompositionerna. Det mesta av den publicerade metodlitteraturen riktar sig till kammarensembler av den akademiska profilen - med deltagande böjda instrument piano. Innehållet i sådana publikationer kräver betydande justeringar, med hänsyn tagen till särdragen i folkmusikframställning.

Denna utveckling kännetecknar de grundläggande principerna för att arbeta med en blandad ensemble av ryska folkinstrument. Vart i hela raden praktiskt råd och rekommendationerna nedan gäller andra typer av blandade ensembler.

Huvudproblemet som löses i arbetet med dessa grupper är att bestämma den optimala klangfärgen, ljudstyrkan-dynamiken och slagförhållandet för stränginstrument och knappdragspel (baserat på oöverensstämmelse mellan ljudkällor, ljudproduktionsmetoder och olika akustiska miljöer).

Timbres instrument är bland de mest slående uttryckssätten i en blandad ensembles arsenal. Från de olika klangförhållanden som uppstår i framförandets process kan man peka ut de autonoma egenskaperna hos instrument (rena klangfärger) och kombinationer som uppstår när man låter tillsammans (blandade klangfärger). Rena klangfärger används vanligtvis när ett av instrumenten tilldelas ett melodiskt solo.

Det bör betonas att ljudet av alla instrument innehåller många "inre" klangfärger. För strängar bör man ta hänsyn till klangfärgen "palett" för varje sträng, som ändras beroende på tessitura (det betyder ljudegenskaperna för en viss del av strängen), skillnaden mellan klangfärgen vid olika kontaktpunkter med strängen. sträng (plock eller finger), detaljerna för materialet som plockningen är gjord av (kapron , läder, plast, etc.), samt motsvarande potential för olika prestationstekniker. Knappdragspelet har tessitura heterogenitet av klangfärger, deras korrelation på höger och vänster tangentbord, klangvariation med hjälp av en viss nivå av tryck i pälskammaren och olika sätt att öppna ventilen, såväl som höga förändringar.

För att framhäva klangfärgen på ett av stråkinstrumenten - medlemmar i ensemblen - rekommenderas att man använder registerkombinationer, som finns tillgängliga i ett modernt valbart flerfärgat knappdragspel. Knappdragspelets klangsammanblandning med ackompanjemangsinstrumenten tillhandahålls av en- och tvåstämmiga register. Att "betona" samma bayan klang, beroende på strukturens egenskaper, underlättas av alla polyfoniska kombinationer av register, som i kombination med strängar ger den nödvändiga klangfärgen.

Blandade toner är resultatet av kombinationen av rena toner och bildar en mängd olika kombinationer.

Instrumentens ljuddynamik och slagegenskaper är nära besläktade med klangfärgerna. I ensemblemusik spelar den loudness-dynamisk balans villkorad av rationell och konstnärligt motiverad användning av lämpliga resurser. Den högljudda "reliefen" för varje del bestäms baserat på ensemblens sammansättning, funktionerna i instrumenteringen och tessitura för andra delar, funktionerna hos enskilda röster i musikalisk utveckling genom ett visst stycke. De grundläggande principerna för differentiering av ljudnivåer i förhållande till en blandad ensemble kan formuleras enligt följande: den nedre gränsen är högkvalitativ intonation under förhållanden med extremt tyst klang, den övre gränsen är klangrik, utan sprakande ljud av strängar. Med andra ord, när instrumentens högt dynamiska kapacitet används måste ett mått observeras så att färgen på varje instrument inte blir vare sig förvrängd eller utarmad.

Slagförhållanden instrument i processen för gemensamt musikskapande är kanske det svåraste problemet med ensemblespel. Denna komplexitet förklaras av den otillräckliga utvecklingen av de teoretiska aspekterna av stroketekniken i strängplockad och Bayan-metoder.

Många slag som används i ensembleprestationer kan villkorligt delas in i två stora grupper: "ekvivalenta" (relaterade) och "komplexa" (samtidiga kombinationer av olika slag). I de fall där presentationens karaktär innebär ett kontinuerligt ljud av ensemblen, jämnas de regelbundna avvikelserna på grund av den olika karaktären av ljudextraktionen på det plockade och knappade dragspelet ut så mycket som möjligt, reducerat till en enda ljud-”nämnare ”. Därför är den största svårigheten i blandade ensembler utförandet av "motsvarande" slag.

Vad bidrar till bildandet av den noterade enheten i den kollektiva förkroppsligandet av dessa slag? Först och främst studien nyckelfunktioner ljudbildning och utveckling av ljud (attack, bly, avlägsnande), samt principerna för dess koppling till nästa ljud. Beroende på detaljerna för ljudextraktionen som är inneboende i ett visst instrument, på den klingande kroppen (sträng, metallplatta) och metoderna för dess excitering (med ett finger eller en plocka - plockad, lufttryck på en metalltunga och en viss tangenttryckning - knappdragspel), finns det avvikelser i vissa egenskaper i förhållande till för varje fas av ljudet.

ljudattack. I detta skede av ljud använder strängarna tre huvudsakliga speltekniker: darrning, plockning och slagverk. Följande överensstämmelse finns i angreppssätten mellan strängarna och knappdragspelet:

mjuk attack: tremolo för stråkar är tillräcklig för den elastiska tillförseln av luft med samtidig tryckning av en tangent på knappdragspelet;
rejäl attack: en nypa för strängarna motsvarar den preliminära ledningen av bälgen, vilket skapar tryck i bälgkammaren, med ett skarpt tryck (tryck) av knappen på knappdragspelet; hård attack: Att slå på en sträng eller strängar motsvarar förtryck i bälgkammaren och slå på en tangent på ett dragspel.

Ljud vägledning. I denna fas har strängarna två typer av ljud: blekning (efter en attack utförd av ett plock eller slag) och stretching (med hjälp av darrning). På knappdragspelet är det sönderfallande ljudet associerat med den "sjunkande" ljudstyrkan (avslappning av trycket i pälskammaren), som är förutbestämd av karaktären och hastigheten på ljudavfallet i strängar. När det gäller den andra typen av ljud, både på stråkarna och på knappdragspelet, är alla loudness-dynamiska förändringar möjliga.

Ljudupptagning– Den mest komplexa fasen (när det gäller ensemblekoordinering), som kräver ytterligare analys av de faser som nämns ovan. Så när man attackerar med en nypa eller ett slag utan en "plockande" ledning (tremolo eller vibrato), avbryts ljudet av strängarna genom att ta bort fingret på vänster hand (ibland dämpas det av höger hand). På knappdragspelet motsvarar den angivna tekniken borttagningen av fingret, följt av pälsens stopp, på grund av avlägsnandets natur. När man angriper och leder tremolo-ljudet, utförs avlägsnandet av strängarna genom att man samtidigt stoppar picken och tar bort fingret. På knappdragspelet uppnås ett adekvat ljudresultat genom att stoppa bälgen och samtidigt ta bort fingret från tangenten.

MEDkombination av ljud spelar en viktig roll i intonationsprocessen, inklusive musikalisk frasering. Beroende på musikens karaktär, ansök olika sätt anslutningar - från maximal differentiering till den ultimata fusionen av ljud. I detta avseende är det extremt viktigt i ensemblearbete att uppnå synkronicitet - "sammanfall med största noggrannhet av de minsta varaktigheterna (ljud eller pauser) för alla artister." Synkronicitet uppstår på grund av en gemensam förståelse och känsla hos partners av tempo och metriska parametrar, rytmisk pulsering, attack och borttagning av varje ljud. Den minsta störning av synkroniseringen när man spelar tillsammans förstör intrycket av enhet, ensembleenhet. I denna situation är valet av det optimala tempot mycket viktigt, vilket kan förändras under arbetet med stycket. Under den sista repetitionsperioden bestäms tempoegenskaperna av lagets kapacitet (teknisk utrustning, detaljerna för individuell ljudproduktion), och viktigast av allt - bildlig bildning Arbetar.

Att säkerställa den rytmiska enheten i ensembleljudet underlättas av bildandet av ett metriskt stöd bland alla deltagare. Rollen för motsvarande stiftelse i ensemblen tilldelas vanligtvis kontrabasbalalajkan, vars karakteristiska klang utmärker sig mot bakgrunden av ljudet från andra instrument. Genom att betona taktens starka takt har kontrabasbalalaikaspelaren ett aktivt inflytande på den musikaliska rörelsens allmänna karaktär i enlighet med melodins frasering.

För att uppnå synkronitet i en ensembleframträdande är det viktigt att känna enheten av rytmisk pulsering, som å ena sidan ger ljudet den nödvändiga ordning och reda, och å andra sidan låter dig undvika missmatchningar i olika kombinationer av kort varaktighet , speciellt när man avviker från ett givet tempo. Beroende på det senare, såväl som på den figurativa-emotionella strukturen hos den utförda kompositionen, väljs samma typ av pulseringsenhet för alla medlemmar i ensemblen. Vanligtvis i det inledande skedet av att lära sig tekniskt komplext arbete den kortaste varaktigheten väljs som enheten för pulsering; i framtiden, med en acceleration av tempot, - en större. Samtidigt rekommenderas att återgå till relativt låga hastigheter då och då och, naturligtvis, till lämpliga pulseringsenheter.

Som en förklaring, låt oss ge följande exempel - Scherzo av F. Mendelssohn (från musiken till W. Shakespeares komedi "Dream in midsommarnatt"). Pulseringsenheten i långsamt tempo blir här den sextonde varaktigheten, vilket bidrar till den exakta sammanställningen av åttondelar och sextondelar. I högt tempo en liknande funktion ges till en fjärdedel med en punkt eller en åttondel.

Låt oss också överväga ett fragment från det inledande avsnittet av "The Tale of Tyst Don» V. Semenov:

Med den åttonde varaktigheten som en enhet för pulsering kan artister exakt beräkna halvan med en prick i den andra takten, uppnå synkronism i rörelsen av åttondelar och slutet av fraser. Caesuran före inträdet av hela ensemblen bryter kontinuiteten i pulsationen och förhindrar den samtidiga självsäkra starten av nästa formation. I det här fallet kommer det till undsättning villkorlig gest. Eftersom stråkinstrumentens delar använder attacktekniken utan preliminär sving (tremolo från stråket), bör dragspelaren visa ensemblens inledning. Med hänsyn till det tidigare tillbakadragandet och närvaron av en caesura mellan de två fraserna, markerar han auftakten med en något märkbar rörelse av kroppen i enlighet med arten av nästa konstruktion.

I uppförandeprocessen är avvikelser från huvudtempot inte ovanliga - nedgångar, accelerationer, rubato. Dessa punkter kommer att krävas mödosamt arbete syftar till att uppnå naturlighet och enhetlighet i musikernas agerande utifrån en tydlig förkunskap om framtida tempoförändringar. Varje sådan avvikelse måste vara logiskt motiverad, relaterad till den tidigare utvecklingen och bindande för alla utförare. Om någon av bandmedlemmarna tillät sig att avvika från de tidigare fastställda accelerationsgränserna (retardation), måste andra ensemblespelare göra liknande justeringar för att undvika asynkron i tempopulsationen.

I sådana situationer kommer det konventionella teckenspråket också till hjälp för instrumentalister. Först och främst är det nödvändigt att uppnå maximal samstämmighet mellan åtgärder vid tidpunkten för början och slutet av konstruktioner. Bland de visuella och lättfångade gesterna är: för dragspelaren - kroppens rörelse och stopp för bälgens rörelse, för stråkspelarna - rörelsen av höger hand nedåt (med en preliminär sving - "auftact" , motsvarande arten av denna episod) i början av ljudet och rörelsen uppåt när ljudet tas bort (en liknande nedåtgående rörelse bidrar inte till slutets synkronism, eftersom det uppfattas visuellt av partner med kända svårigheter) .

En viktig förutsättning framgångsrikt arbete kollektiv är boende dess medlemmar. Samtidigt bör en bekväm position för musikerna, visuell och auditiv kontakt dem emellan, och, viktigast av allt, den naturliga ljudbalansen för alla instrument (med hänsyn till deras loudness-dynamiska kapacitet och de akustiska detaljerna i denna sal) vara säkerställts. Det mest lämpliga är följande placering av instrument (från höger till vänster, i en halvcirkel, vänd mot publiken): liten domra, altdomra, knappdragspel, kontrabasbalalaika och prima balalaika. Med en sådan läggning visar sig soloinstrumenten ligga så nära lyssnarna som möjligt – den lilla domran och primabalalajkan. Kontrabasbalalajkan och altdomran rör sig något in i scenens djup, så långt det är möjligt placerade på samma linje. Bayan, som är överlägsen sina partners vad gäller ljudstyrka och dynamik, placeras ännu längre från publiken.

I en blandad ensemble av ryska folkinstrument, beroende på instrumentalistens avsikt, kan en eller annan funktion anförtros vilken del som helst. Därför måste var och en av deltagarna perfekt behärska huvudkomponenterna i en konstnärligt uttrycksfull ensembleprestation. Låt oss lista dessa komponenter:

Förmågan att ta initiativ i rätt ögonblick, att agera som solist i detta skede, utan att dock förlora kopplingen till ackompanjemanget, känsligt uppfatta dess harmoniska, texturella, rytmiska drag, bestämmer det optimala förhållandet mellan loudness-dynamiska graderingar mellan melodin och ackompanjemanget. Krävd kvalitet ledaren bör också erkänna förmågan att inspirera partners med sin tolkningsintention, djup och organiska tolkning av musikaliska bilder
Innehav av färdigheter i "beslöjad" överföring av en melodi till ett annat instrument. Artister som deltar i sådana episoder bör sträva efter maximal jämnhet, osynliggörande av "rörelserna" i den melodiska rösten, mentalt inta den från början till slut och bibehålla karaktärens enhet, figurativ-emotionella strukturen i motsvarande konstruktion eller avsnitt.
Att bemästra färdigheterna för en smidig övergång från solo till ackompanjemang och vice versa. Betydande problem i sådana situationer uppstår vanligtvis på grund av ett alltför hastigt, kinkigt slutförande av ett melodiskt fragment eller en överdriven "skala" av ackompanjemang (fel i rytmisk pulsering, samma typ av nyans, etc.).
Förmågan att utföra ackompanjemang i full överensstämmelse med melodins natur. Vanligtvis är ackompanjemanget uppdelat i sång, pedal och ackord. Undertonen växer fram ur den ledande rösten, kompletterar och skuggar den. Pedalen fungerar som bakgrund för melodins uttrycksfulla och präglade ljud, i vissa fall kopplar den senare samman med ackompanjemanget, i andra skapar den nödvändiga smaken. Ackompanjemanget tillsammans med basen fungerar som en harmonisk och rytmisk grund. Det verkar mycket viktigt att ackompanjemanget som samverkar med melodin kompletterar det organiskt.

I fallet med en polyfoniserad presentation av ackompanjemanget, rekommenderas det att bestämma varje rösts roll och betydelse i förhållande till de andra, genom att ställa in nödvändiga loudness-dynamiska och klangfärgsgraderingar. Samtidigt är det nödvändigt att uppnå lindring av ljudet av alla delar av ensemblestrukturen.

Genom att skapa en blandad ensemble står läraren inför problemet bildandet av en originalrepertoar- en av de främsta inom ensemblespel. Den sistnämnda måste, liksom all självständig typ av scenkonst, bygga på en "exklusiv", unik repertoar. Men för närvarande föredrar kompositörer att komponera för vissa grupper, med vilka de i regel har ständiga kreativa kontakter. Ensembler av andra kompositioner tvingas nöja sig med arrangemang som ofta inte överensstämmer med författarens intentioner.

Lösningen på detta problem är möjlig under villkoret av en aktiv kreativ position ockuperad av ensemblens chef. I enlighet med de uppgifter som laget står inför väljer ledaren repertoaren med hjälp av olika källor. Dessa inkluderar publicerade repertoarsamlingar, studentinstrumentering och manuskript från andra relaterade ensembler.

Det är mycket önskvärt att varje grupp av detta slag är ett genuint kreativt laboratorium inom instrumenteringsområdet. Vägen från att skapa ett partitur till att uppträda i en ensemble, jämfört med en orkester, är avsevärt förkortad: en snabb analys av instrumenteringen gör att du omedelbart kan göra korrigeringar och bestämma det bästa ljudalternativet.

Mästerligt utformad instrumentering anses med rätta vara en av de viktiga faktorer bidra till ensemblens framgångsrika framträdande. Ansvarsbördan som läggs på instrumentalisten är extremt stor. Beroende på verkets art, den givna texturen, tempot, ljudstyrkan och andra parametrar, är ensembledelarnas funktioner uppdelade, presentationen av det musikaliska materialet anpassas - med hänsyn tagen specifika funktioner instrument, spelstil, teknisk potential hos medlemmarna i detta team.

En riktig instrumentalist behärskar ensemblen "höra" endast i processen för långsiktigt arbete med en specifik instrumental komposition. Genom upprepade auditions, revideringar och jämförande analys olika versioner ackumulerar auditiv erfarenhet, vilket gör det möjligt att ta hänsyn till de möjliga alternativen för instrumentella kombinationer. Att ändra minst en position i ensemblen, lägga till eller ersätta något instrument med ett annat innebär en annan inställning till fördelningen av funktioner, till ensemblens övergripande sound.

Författaren till partituren måste ta hänsyn till att instrumentens ensemblefunktioner skiljer sig från orkesterns. Först och främst kan varje del, baserat på sammanhanget, användas som en melodisk eller ackompanjerande. Skillnaden ligger i den större användningen av instrumentens uttrycksmöjligheter, vilket underlättas av de speltekniker som vanligtvis används vid solouträning.

Att omarbeta ett orkesterpartitur för en ensemble åtföljs ofta av specifika svårigheter på grund av det stora antalet röster som inte kan återges. kammarpersonal. I en sådan situation tillåts endast huvudelementen i det musikaliska tyget - melodi, harmoniskt ackompanjemang, bas - och de karakteristiska detaljerna som bestämmer den konstnärliga bilden av verket återupptas. Den mest känsliga och kompletta användningen av instrumentens specifika uttrycksförmåga, deras mest slående egenskaper, en tydlig förväntan om optimala klangkombinationer bidrar till att uppnå rikedom och briljans i ensembleljudet.

När du skapar ett sådant partitur verkar det omotiverat att automatiskt spara orkestergrupperingen av instrument (domra, blås, bayans, slagverk, balalajkor). Mer passande är stämmornas placering baserat på deras ljudomfång: liten domra, prima balalaika, altdomra, knappdragspel och kontrabasbalalaika. Ett annat arrangemang, baserat på principen om artskillnader (liten domra, alt domra, prima balalaika, kontrabasbalalaika, knappdragspel), är förknippad med svårigheter i utformningen och uppfattningen av musikalisk text, som inte måste läsas sekventiellt, men i sicksack. I händelse av att en solist medverkar, tilldelas han den översta eller nedersta raden av partituren.

Sammanfattningsvis bör vi nämna den universella utbildningen av den framtida ledaren för ensemblen. Han måste inte bara vara en utbildad musiker och en utmärkt artist - han måste förstå alla krångligheter av instrumentering, känna till de uttrycksfulla egenskaperna hos varje instrument och deras gemensamma ljud, individuella tekniska förmågor och kreativa ambitioner hos lagmedlemmarna och ha pedagogiska färdigheter. Det är universalism, kombinerat med ett obevekligt sökande, strävan efter nytt konstnärliga upptäckter, är en förutsättning för den nationella folkensemblens framträdande vidare.

LITTERATUR

1. Raaben L. Frågor om kvartettframförande. M., 1976.
2. Gottlieb A. Ensembleteknikens grunder. M., 1971.
3. Rozanov V. Ryska folkinstrumentala ensembler. M., 1972.

Kollektivt spelande av musikinstrument är ett kraftfullt sätt att utbilda och lära barn om musikalisk kreativitet. Att spela i en ensemble discipliner, utvecklar en känsla av ansvar, aktiverar musikalisk förmåga, inkluderar i arbetet och tränar de mentala mekanismer som ansvarar för subtil nervös aktivitet.

På varje skola kan du hitta 8 - 10 elever som har musikinstrument hemma. Det kan vara knappdragspel, dragspel, dragspel. Du kan söka efter verktyg för spelet från släktingar, bekanta, grannar. Min erfarenhet av att skapa barnorkestrar av folkinstrument gör att jag kan säga att det alltid finns tillräckligt många instrument. Dessutom kommer nästan sällsynta museikopior av knappdragspel, dragspel, munspel upp från förråd och vindar. Naturligtvis kräver många instrument seriösa reparationer, men det är en annan historia.

Så, från barn som har musikinstrument och vill lära sig att spela dem, skapas en instrumental ensemble.

Efter att minsta sammansättning av det framtida laget har valts, bjuds barn med instrument och helst med sina föräldrar till den första lektionen. På den inledande lektionen ställer ledaren in uppgifter för barnen, förklarar undervisningsmetoder, ställer upp laget för arbete, med fokus på klassernas systematiska karaktär, en samvetsgrann inställning till läxor. Naturligtvis, för att skapa ett sådant team, behövs en solid teoretisk bas, där allt planeras, målas och sorteras.

Det är bra om ledaren har ett program för orkestern (ensemblen) med tematisk planering, repertoaransökningar. Ett sådant program är grunden för all träning, och inte en hyllning till mode. Med ledning av bestämmelserna i detta dokument kommer läraren att tydligt kunna fastställa, organisera lagets repetitions- och konsertaktiviteter. Vid den första lektionen talar ledaren om de musikinstrument som kommer att ingå i ensemblen, visar deras förmåga. Självklart måste ledaren vara flytande i dessa verktyg. Efter att ha diskuterat schemat för klasser och löst de organisatoriska frågor som har uppstått kan du fortsätta direkt till spelet. Här är vad du behöver lära dig i den första lektionen:

1. Korrekt passform och placering av fingrarna på tangentbordet.

2. Extraktion individuellt och kollektivt av noten "till".

3. Spela "do"-noten under metronomen i olika tempo och med olika längd.

4. Rationellt - korrekt arbete med päls vid uttag av ljud.

Och låt det här första mötet dra ut på tiden, låt det vara så att barnen förstår att "inte gudar bränner grytor", att lära sig spela knappdragspel, dragspel, dragspel är ganska verkligt.

För en mer fullständig behärskning av instrumentet av barn måste ledaren planera och organisera individuella lektioner. De bör inte begränsas till att bara lära sig verk. Här kan du förstå frågorna om musikteori, metoder och principer för nybörjarmusikers arbete med instrument. Detta inkluderar även alla typer av utvecklingsövningar. musiköra och en känsla av rytm. Och förutsättningen är individuella sessioner borde inte vara tråkigt, rutin.

När jag organiserade dragspelsensemblen använde jag den oförtjänt bortglömda metoden att lära mig spela instrumenten "för hand". Denna metod fungerade produktivt i antiken. När allt kommer omkring lärde nästan alla musiker som spelade folkinstrument i slutet av 1800- och början av 1900-talet att spela balalajkor, domras, dragspel precis "från handen" av en lärare eller en erfaren musiker.

Använt denna teknik framgångsrikt känd musiker- populisten V. Andreev. Hans elever behärskade instrumenten snabbt och effektivt, genomförde intensiva konsertaktiviteter och uppnådde högsta behärskning. Naturligtvis var de ovilligt tvungna att senare ta upp teorin om musik. Men början lades just med att kopiera lärarens spel.

Att lära sig spela musikinstrument kollektivt "för hand" är bra eftersom ensemblemedlemmarna mycket snabbt fångar upp lärarens melodier, sätt, passager och accenter. Och bokstavligen i den 2-3:e lektionen spelar de sina roller ganska fritt och stadigt. Detta är ett utmärkt incitament att gå framåt. När allt kommer omkring är resultatet av hans arbete mycket viktigt för ett barn. Och i det här fallet är resultatet uppenbart: från enkla ljud, enkla delar, som ett resultat, sammanställdes en melodi som lät bred, rymlig, melodiös. Varje medlem i ensemblen hör väl både det allmänna och sitt eget spel. Allt detta koncentrerade utvecklar barnens musikaliska förmågor.

Men vad sägs om musikalisk notation? Vi kommer tillbaka till henne. Och barn kommer att uppfatta det som en nödvändighet, som ett verkligt och kraftfullt verktyg för att bemästra knappdragspelet. Och efter att de spelat i ensemblen "för hand", kommer det att bli lättare för dem att klara av "squiggles" av musikalisk notation.

Så barn med verktyg sitter på stolar i en halvcirkel på ett avstånd av cirka 50 cm från varandra. Detta avstånd är nödvändigt för att läraren ska ha allsidig tillgång till varje musiker (fram, bak, sida). Och du behöver inte röra dig mycket.

Låt oss börja lära oss ett nytt stycke. Medlemmarna i ensemblen sitter strikt i delar. Läraren ställer sig bakom den första dragspelaren och visar det första slaget för stycket som lärs in. Showen upprepas i långsam takt flera gånger. Eleven upprepar vad han hört och sett, lär sig ett fragment av en given melodi. Vid denna tidpunkt går läraren till den andra eleven och visar i analogi med den första vad och hur man spelar i detta segment (mått). Efter att ha visat spelet med den första takten för alla medlemmar i ensemblen (i delar), återvänder ledaren till den första medlemmen, upprepar vad han har lärt sig, korrigerar misstag. Alla kontrolleras i förväg en efter en. Sedan får ensemblen tid, 2-3 minuter på sig att memorera sina stämmor.

Om ett mått av arbetet lärs in av alla deltagare utan fel, erbjuder läraren att spela det som har lärts kollektivt, medan han själv spelar huvudmelodin och delen av vänster hand.

Det inlärda fragmentet av verket upprepas av ensemblen flera gånger för konsolidering. I detta skede övervakar läraren elevernas landning, pälsens rörelse, fingrarnas position, partiernas noggrannhet.

Liknande arbete utförs med efterföljande åtgärder till slutet av stycket.

Som du kan se är det inget komplicerat. Vilken musiklärare som helst i skolan kan organisera en sådan ensemble eller till och med en orkester, som om ett par månader kommer att spela ganska bra.

Lycka till! Lyssna på din fritid:

Moderna trender inom området framförande på ryska folkinstrument är förknippade med den intensiva utvecklingen av ensemblemusikskapande, med funktionen hos olika typer av ensembler vid filharmoniker och kulturpalats, i olika utbildningsinstitutioner. Därav behovet av riktad utbildning av ledarna för respektive ensembler vid avdelningarna och fakulteterna för folkinstrument vid musikskolor och universitet i landet.

Utbildningen av en ensemblespelare i pedagogisk praktik är dock som regel förknippad med vissa begränsningar. Lärare instrueras vanligtvis att leda homogena ensembler: bayanspelare - bayanensembler, domrister eller balalajkaspelare - ensembler av strängplockade folkinstrument. Kompositioner av denna typ används ofta i professionell prestanda. Det räcker med att påminna om sådana kända ensembler som bayantrion A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, bayanduetten A. Shalaev - N. Krylov, Ural bayantrion, Kievs filharmoniska kvartett, Skaz-ensemblen, etc.

Att börja arbeta står en modern lärare inför oundvikliga svårigheter: för det första med en akut brist på metodologisk litteratur om blandade ensembler av ryska folkinstrument; för det andra med ett begränsat antal repertoarsamlingar, inklusive intressanta originalkompositioner, transkriptioner, transkriptioner, bevisade genom konsertpraktik, och med hänsyn till olika utbildningsnivåer och kreativa riktningar för dessa kompositioner. Det mesta av den publicerade metodlitteraturen riktar sig till kammarensembler med en akademisk profil - med deltagande av stråkade pianoinstrument. Innehållet i sådana publikationer kräver betydande justeringar, med hänsyn till särdragen i folkmusikframställning (se till exempel).

Den här artikeln beskriver de grundläggande principerna för att arbeta med en blandad kvintett av ryska folkinstrument. Samtidigt gäller ett antal praktiska tips och rekommendationer som uttrycks nedan för andra typer av blandade ensembler.

Populär i kategorin: