Vad heter japansk konst? Japanska långfilmer

Bildandet av teceremonin (chanyu) som ett av de största fenomenen inom japansk kultur ägde rum i en mycket svår, orolig tid för landet, när inbördes blodiga krig och fejder mellan feodala klaner gjorde människors liv outhärdliga. Teceremonin uppstod under inflytande av zenbuddhismens estetik och filosofi och försökte motverka stämningen av hopplöshet med dyrkan av skönheten.

På den tiden passade härskare från militärklassen och rika köpmän, som samlades för politiska och handelsmässiga diskussioner, ofta tillfället att servera te. Det ansågs vara ett utsökt nöje att sitta på fritiden i ett lugnt terum, fristående från livets bekymmer och bekymmer, och lyssna på ljudet av vatten som kokar på eldstaden. Den store läraren Sen no Rikyu upphöjde tedrickandet till en konst. Han kunde utveckla konsten med teceremonin på det sätt som han gjorde delvis på grund av den tidigare nämnda sociala bakgrunden som fanns.

Terummet byggt av Sen no Rikyu verkade väldigt enkelt och till och med för litet vid första anblicken. Men det var planerat på det mest noggranna sätt, med utsökt läsbarhet, in i minsta detalj. Den var dekorerad med skjutdörrar täckta med snövitt genomskinligt japanskt papper. Taket var fodrat med bambu eller käpp, och den öppna strukturen på väggarna var mycket uppskattad. Stöderna var mestadels av trä och behöll sin naturliga bark. För att skapa effekten av en eremits bostad kasserades alla onödiga dekorationer och överdrivna dekorationer när man dekorerade terummet.

Idag är teceremonin den mest originella, unik konst. Det spelar en viktig roll i andlig och offentligt liv Japanska i flera århundraden. Med tiden helgonförklarades ritualen för teceremonin, och sekvensen av handlingar och beteende blev förutbestämd. Efter att redan ha gått in i de enkla träportarna, var gästerna nedsänkta i en speciell värld och lämnade efter sig allt världsligt och i tyst koncentration och bara lydde handlingens lagar.

Klassisk chanoyu är en strikt schemalagd ritual som involverar temästaren (den som brygger och häller upp teet) och andra deltagare i ceremonin. I huvudsak är temästaren prästen som utför teakten, och resten är de som deltar i den. Var och en har sin egen specifika beteendestil, inklusive både sittande och varje rörelse, ända ner till ansiktsuttryck och sätt att tala.

Under tedrickandet hålls kloka tal, dikter läses och konstverk granskas. För varje tillfälle väljs buketter av blommor och speciella redskap för att brygga drycken med särskild omsorg.

Den lämpliga stämningen skapas av själva inredningen, som är förvånansvärt enkel och blygsam: en koppartekanna, koppar, en bambuomrörare, en låda för förvaring av te, etc. Japanerna gillar inte ljusa glänsande föremål, de är imponerade av matthet. D. Tanizaki skriver om detta: ”Européer använder servis av silver, stål eller nickel och polerar det till en bländande glans, men vi kan inte stå ut med sådan glans. Vi använder också silverprodukter... men vi polerar dem aldrig till en glans. Tvärtom gläds vi när denna glans försvinner från föremålens yta, när de får en ålderspatina, när de mörknar med tiden... Vi älskar saker som bär spår av människokött, oljesot, vittring och regnsvällning. ” Alla föremål för teceremonin bär tidens prägel, men allt är obefläckat rent. Skymning, tystnad, den enklaste tekanna, en träslev för att hälla te, en grov keramikkopp - allt detta fascinerar de närvarande.

Det viktigaste elementet i det inre av ett tehus anses vara en nisch - tokonom. Den innehåller vanligtvis en rulla med en målning eller en kalligrafisk inskription, en bukett blommor och en rökelsebrännare med rökelse. Tokonoma ligger mittemot entrén och drar genast till sig gästernas uppmärksamhet. Rullen för tokonama väljs ut med särskild omsorg och är ett oumbärligt ämne för diskussion under ceremonin. Den är skriven i en zenbuddhistisk stil och i en sådan ålderdomlig kalligrafi att få kan urskilja och förstå innebörden av det som står, till exempel: ”Bambu är grönt och blommorna är röda”, ”Saker är saker, och det är vackert! ” eller "Vatten är vatten." Innebörden av dessa ordspråk förklaras för de närvarande, utåt sett enkla, men samtidigt väldigt djupt filosofiska. Ibland uttrycks dessa tankar i den poetiska formen av en haiku, ibland reflekterad i en gammal mästares målning, vanligtvis i enlighet med principen om "wabi".

Det finns många former av teceremoni i Japan, men bara ett fåtal är strikt etablerade: nattte, soluppgångste, morgonte, eftermiddagste, kvällste, specialte.

Natt te börjar under månen. Gästerna kommer ungefär halv tolv och går runt fyratiden på morgonen. Vanligtvis bryggs pulveriserat te, som tillagas framför gästerna: bladen befrias från ådror och mals till pulver i en mortel. Detta te kan vara mycket starkt och bör inte serveras på fastande mage. Därför bjuds först gästerna på lite annorlunda mat. Te dricks vid soluppgången runt tre-fyratiden på morgonen. Gästerna stannar i upp till sex timmar. Morgonte praktiseras i varmt väder, med gäster som anländer klockan sex på morgonen. Afternoon tea serveras vanligtvis med kakor först efter cirka 13.00. Kvällsteet börjar runt sextiden på kvällen. En speciell tefest (rinjitya-noyu) anordnas för något speciellt tillfälle: möte med vänner, semester, säsongsbyte, etc.

Enligt japanerna främjar teceremonin enkelhet, naturlighet och prydlighet. Detta är naturligtvis sant, men det finns något mer i teceremonin. Genom att introducera människor till en exakt etablerad ritual, vänjer den dem till strikt ordning och ovillkorlig efterlevnad av sociala regler. Teceremonin är en av de viktigaste grunderna för att odla nationella känslor.

Himeji är ett av de äldsta slotten i Japan

Forntida japansk konst
Japansk kultur tog form och utvecklades under speciella naturliga och historiska förhållanden. Japan ligger på fyra stora och många små öar omgivna av hav. Beläget i utkanten av öster, upplevde det periodiskt ökande, sedan återigen avtagande inflytande från sådana fastlandskulturer som Kina och Korea. Perioder av interaktion med världen utanför ersattes i japansk historia av långa århundraden av kulturell isolering (perioder från 10- till 1300-talet och från 1600- till mitten av 1800-talet). Den senare omständigheten bidrog till utvecklingen och konsolideringen av många unika egenskaper hos japansk kultur i allmänhet och konst i synnerhet. Bekantskap med västerlandets kultur inträffade på 1500-talet, när huvuddragen i den ursprungliga japanska civilisationen redan hade bildats. Fram till 1854 handlade Japan med Kina och Holland genom endast en hamn.

Från de gamla invånarna på de japanska öarna - jägare och fiskare - kom det som upptäcktes som ett resultat av arkeologiska utgrävningar Stenyxor, harpuner, pilspetsar och handskulpterade keramiska kärl, uppkallade efter "Jomon"-mönstret, som betyder "repmärke", stämplade på dem. Därför kallas den neolitiska kulturen i Japan också för Jomon. När de kom från Sibirien, från Polynesien och senare från Korea och Kina, stod nybyggare på olika nivåer kulturell utveckling. Detta förklarar det faktum att i vissa kulturlager finns monument från både yngre stenåldern och bronsåldern. Det japanska språket ligger nära Altai-gruppens språk. När, till följd av kontakter med kinesisk kultur Sedan japanerna bekantade sig med kinesisk hieroglyfisk skrift visade det sig vara mycket svårt att anpassa kinesiska hieroglyfer för att förmedla muntligt japanskt tal.

Den första perioden av japansk kultur, om vilken tillförlitliga data har bevarats, kallas kofuns (högar) era - begravningar, vars markdel var en jordhög med en karakteristisk form - en anslutning av en cirkel och en trapets, påminner om ett nyckelhål, som symboliserade föreningen av jord och vatten. De var av ansenlig storlek, de var omgivna av en dubbel vallgrav med vatten, gräs växte på toppen av högen, och längs den inre omkretsen av högen fanns ihåliga lerfigurer av människor, djur, modeller av båtar och hus från 30 cm. till en och en halv meter hög. De kallades "haniwa". Inuti begravningskammaren fanns kistor med avlidna representanter för adeln, där rituella föremål placerades: en spegel, en "dotaku" -klocka, vars ljud var tänkt att skrämma bort onda andar och locka gudarna - böndernas beskyddare. Begravningarna av kungarna av Yamato innehöll med nödvändighet sådana rituella symboler för makt som jadehängen och svärd. För att upphöja kungarna i Yamato-klanen etablerades historiens början, gudarnas hierarki bestämdes och gudomen Amaterasu ("Lyser från himlen") identifierades, som överförde makten över japanska öar kungar från klanen Yamato. Namnet "Nippon" eller "Nihon", som betyder "den stigande solens land", dök upp på 700-talet. År 608 påbörjades studieresor till Kina, som fortsatte i mer än två århundraden.

Dotaku - rituella bronsklockor - cylindrar avsmalnande mot toppen, toppade med breda öglor med figurerade utsprång, vars väggar är uppdelade i rutor fyllda med grafiska bilder

Japanernas heterogena tro, som har många drag av primitiv animism och fetischism, återspeglas i shinto. Shinto ("gudarnas väg") återspeglar i sig de japanska idéerna om naturens universella andlighet. Otaliga antal så kallade "kami" (andar) finns både i mirakulösa landskapsobjekt, som Lake Biwa och Mount Fuji, och i föremål skapade av människor - svärd, speglar, som därför är utrustade med magiska egenskaper. Shintotemplet kännetecknades av enkelheten i sin trästruktur: ett enkelrum placerades på pålar, omgivet på alla sidor av en veranda. Inne i Shinto-helgedomen var det mörkt och tomt. Troende gick inte in i templet.

Paraperiod (645–794 e.Kr.)

Nara är namnet på den första huvudstaden och den enda staden i Japan vid den tiden. Detta var tiden för upprättandet av den japanska staten, införandet av buddhismen och skapandet av monument av buddhistisk konst - tempel, pagoder och olika statyer av buddhistiska gudar. Buddhismen under denna period var inte så mycket folkets tro som en fortsättning på domstolens politik. Olika sekter inom buddhismen spelade en mycket viktig roll vid hovet, buddhistiska klosters markinnehav växte och munkarna hade ett enormt inflytande vid hovet. Buddhistiska kloster dyker upp, som är grupper av träbyggnader som ligger på ett rektangulärt område omgivet av murar. Av särskild betydelse var den breda gränden som leder till den främre porten, torget framför templet och den flervåningspagoden som är synlig på avstånd. Trätemplarna var målade med röd lack, reste på stenfundament och hade breda böjda dubbeltak - irimoya.

Bland de tidiga buddhistiska templen finns Asukadera, Horyuji, byggandet av det senare började 607 på uppdrag av den då regerande kronprinsen Shotoku Taishi. Klostret bestod av 53 byggnader belägna på en yta av 90 tusen kvadratmeter. m. Templets fasad vetter mot söder, huvudbyggnaderna är belägna på nord-sydlig axel, den heliga zonen är norr, det fanns en sal för predikningar - en kodo, en lägenhet och en femskiktig pagod. Det fanns 265 statyer i Horyuji, den huvudsakliga skulpturala bilden var Shakyamuni-treenigheten, representerad av en skulptur av trons grundare, åtföljd av två bodhisattvor. På 800-talet Stora kloster hade redan skulptörsverkstäder. Kulten av bodhisattvan Kannon, vars namn var en översättning av sanskritnamnet Avalokiteshvara (Hörare av världens ljud), spred sig. Fylld av medkänsla för levande varelser kan Bodhisattvan lyssna på ljuden från de som lider, var de än är. Kulten av Avalokiteshvara har sitt ursprung i nordvästra Indien och spred sig till Kina. I Lotus Sutra sades det att bodhisattvan tog formen av de varelser som kallade på honom. I Japan ledde spridningen av Kannon-kulten till att ett stort antal av hennes bilder dök upp - Sankt Kannon hjälper till i helvetet, Kannon med huvudet på en häst sprider barmhärtighet till boskap och onda andar - asuror räddas av tusen- beväpnad Kannon, Kannon med en fiskelina räddar människor.

Heian-perioden (794-1185)

År 794 flyttades statens huvudstad till staden Heian (nuvarande Kyoto). Under Heian-perioden blomstrade en sofistikerad hovkultur. En japansk kursplan skapades - kana (japanska - lånad hieroglyf). Till en början var det bara kvinnor som använde detta manus, medan det officiella manuset fortsatte att vara kinesiskt. Under hela 900-talet. Kvinnors skrivande började användas i privat praktik. På 1000-talet Den japanska klassiska litteraturens storhetstid började, ett lysande exempel på detta är romanen "Genji Monogatari", skapad av hovdamen Murasaki Shikibu.

Inom Heian-konsten är huvudplatsen upptagen av buddhistiska bilder av de esoteriska Tendai- och Shingon-sekterna som kom från Kina vid den tiden, som lärde ut att alla levande varelser besitter Buddhas väsen. Genom att träna ande och kropp, uppfylla löftena, kan vem som helst förvärva Buddhas väsen under flera återfödningar. Templen för dessa sekter byggdes på bergstoppar och klippavsatser, och bönehusen i dem var uppdelade i två delar. Vanliga troende fick inte komma in i den inre, där den heliga bilden fanns.

Heian-eran är en tid av lyx för de styrande kretsarna. Vid den här tiden bildades bostäder av typen Shinden. Även i varma klimat var väggarna inte kapital och hade inget stödjande värde. De kan mycket enkelt flyttas isär, ersättas med mer hållbara i kallt väder, eller tas bort helt och hållet i varmt väder. Det fanns inga fönster heller. Istället för glas spändes det på en gallerram vitt papper, sänder svagt diffust ljus in i rummet. Den breda takfoten skyddade väggarna från fukt och solljus. Interiören, utan permanenta möbler, hade glidande skiljeväggar, tack vare vilka det var möjligt att skapa antingen en hall eller flera små isolerade rum efter behag; golvet täcktes med halmmattor - tatami, av samma storlek (180 gånger 90 centimeter).

Konfucianska och buddhistiska texter hämtades från Kina under Heian-perioden. De var ofta dekorerade med bilder. Ursprungligen kopierade japanska konstnärer kinesiska "berömda platser", men från 1000-talet. vänd dig till skildringen av landskap och seder hemland. Yamato-e-målningen bildades, som skilde sig från kinesisk måleri genom att använda teman från japansk poesi, noveller, romaner eller från folklegender. Målningen fick sitt namn från namnet på Yamato-regionen - den sydvästra delen av ön Honshu, där Japans stat bildades.
Bilden representerade ofta en rullning av illustrationer med motsvarande text, som togs för hand och vreds från höger till vänster, när man läste motsvarande avsnitt undersöktes följande illustration.

Yamato-e-målningen blomstrade under den sena Heian-perioden. Vid den här tiden dök det upp professionella konstnärer som målade bilder av sekulära ämnen på skärmar, glidande partitioner (shoji) och rullar - emakimono. Den äldsta av rullarna är Genji Monogatari. Emakimanos rullar var målningar-berättelse. Rullen "Genji-monogatari-emaki", den berömda romanen av Murasaki Shikibu, har överlevt till denna dag, och skildrar aristokratins lediga liv i ljusa färger; det är en syntes av kalligrafi, litteratur och målning. I de överlevande 19 av de 54 kapitlen i romanen i illustrationer finns ingen enskild handling och kontinuerlig handling. De flesta av de avbildade scenerna utspelar sig i interiörer, allt synligt visas ovanifrån, det finns ingen enda försvinnande punkt för linjer, storskalig överensstämmelse mellan figurer och arkitektur, ansiktena på alla karaktärer är desamma, bara frisyrer och kläder är olika . Huvudfokus för konstnärens uppmärksamhet är att förmedla det känslomässiga innehållet i händelserna som äger rum i romanen, som var välkända för alla. De viktigaste teknikerna är att bygga utrymme och använda färgens möjligheter. För att förmedla karaktärernas interna tillstånd och atmosfären i varje scen är det viktigt för konstnären i vilken vinkel i förhållande till den nedre kanten av rullningen de diagonala linjerna är riktade, vilket indikerar antingen strukturernas bjälkar eller gardinen stavar, eller kanten av verandan. Beroende på graden av känslomässig spänning varierar denna vinkel från 30 till 54 grader.

Bodhisattva - Kannon uppträder i Kina, Korea och Japan främst i kvinnlig form, i händerna med en kanna, en pilgren och ett lasso

Det fanns inga skiljeväggar i aristokraternas hus, de bästa konstnärerna målade Yamato-e-målningar på skärmar och gardiner. Yamato-e målningar var i enhet med litterära verk, som också placerades på skärmar och gardiner. I poesiantologier från X-XIII århundradena. Dikter skrivna på skärmar från 900-1000-talen är inte ovanliga. Det största antalet sådana dikter finns i antologin "Suixu". Precis som poesi var temat för de fyra årstiderna, så var målning för skärmar. I linje med folksångsskrivandet utvecklades ett visst system av poetiska formler och blev sedan grunden för den japanska klassiska poetiken. Så vårens tecken var ett dimmigt dis, ett pilträd, sommarens tecken - göken, cikador, höstens tecken - scharlakansröda lönnlöv, rådjur, månen, vintern - snö och plommonblommor.

Kyoto är Japans gamla pärla.

Överflödet av homonymer i språket gjorde det möjligt att ge dikter många betydelser. Teman och handlingar gjorde det möjligt att, genom en detalj eller antydan i en extremt lakonisk poetisk form (det finns 31 stavelser i en tanka), uttrycka mångfalden av alla nyanser av känslotillstånd. Från skärmar med texter skedde en gradvis övergång till skärmar utan text. Så här uppstod de egentliga bildgenreindelningarna - shiki-e ("bilder av de fyra årstiderna") och meise-e ("målningar av kända platser").
Sammansättningen av sådana målningar motsvarade inte någon av kategorierna kinesisk målning. Den största sammansmältningen av natur och människa kommer att bli karakteristisk för olika genrer av japansk konst.

Kamakura-perioden (1185-1333) och Muromachi (1333-1568)

I slutet av 1100-talet flyttades huvudstaden igen, makten i landet, som ett resultat av en blodig fejd, greps av Minamoto-klanen, vars huvud flyttade huvudstaden till hans bosättning Kamakura, vars namn blev namnet på nästa steg i Japans historia. Den militära klassen samurajer kom till makten i landet, bland vilka kom shogunerna - de faktiska militära härskarna i Japan; kejsaren, som stannade kvar i Nara, behöll endast nominella maktattribut. Samurajerna föredrog enkelhet framför hovkulturens sofistikerade. Zen-sektens kloster inkluderade inte längre pagoder, templen liknade lantliga hyddor. Från slutet av 1200-talet. under inflytande av zensektens panteistiska idéer började landskapet förkroppsliga tanken på förekomsten av buddhistiska gudar i alla landskapsobjekt. I klostren i Kamakura utvecklades en ikonografi av porträtt av Minsk-patriarken: sittande och i en lugn pose med en betonad ansiktskaraktär och den hypnotiska kraften i hans blick. Under inflytande av Zen-sekten förpassas skulpturen till bakgrunden; målning, särskilt landskapsmålning, uttrycker världsbilden för människorna i denna tid.

Muromachi-perioden börjar med händelserna 1333, när feodalherrarna i de sydöstra regionerna på ön Honshu intog och brände Kamakura och återlämnade huvudstaden till Heian. Det var en tid av interna stridigheter och krig mellan feodala klaner. Det ledande för de oroliga tiderna var läran från anhängare av zensekten att, efter att ha uppnått enhet med naturen, kan man komma överens med livets svårigheter och uppnå enhet med världen. Landskapsmålning hamnar i förgrunden i japansk konst, under inflytande av Zen-läran att Buddhas "kropp" är naturen. Under andra hälften av 1100-talet. Målning med svart bläck kom till Japan från Kina. Japanerna, som i första hand ägnade sig åt sådan målning, var medlemmar i zensekten. De skapade en ny stil, som förklarade den nya trosbekännelsen (shigaku - en kombination av målning och poesi). XV och XVI århundraden - tiden för maximal blomning av bläckmålning, vars ledande mästare var Sesshu Toyo (1420-1506). Parallellt med denna stil fanns också Yamato-e-stilen.

Förändringar i sociopolitiska relationer, som förde militärklassen i förgrunden, avgjorde också utseendet på 1500-talet. Sein arkitektonisk stil. Husets tidigare enda volym är nu uppdelad med hjälp av skjutdörrar (shoji) och skjutväggar (fusuma). En speciell plats för att studera dök upp i rummen - en hylla för böcker och ett fönster med en bred fönsterbräda och en nisch (tokonoma), där en bukett eller en nyckfullt formad sten placerades och en vertikal rulle hängdes.

På 1500-talet I den japanska arkitekturens historia dyker tepaviljonger upp i samband med behovet av att korrekt genomföra teceremonin. Te fördes till Japan under Kamakura-perioden av buddhistiska munkar som medicin. Teritualen (cha-no-yu) introducerades på initiativ av zenmunken Murata Shuko och krävde en speciell metod för dess genomförande. Det var så en ny typ av arkitektonisk struktur uppstod - chashitsu (paviljong för teceremonin), i sin strukturella grund låg den nära ett bostadshus och i sin funktion - ett buddhistiskt tempel. Tepaviljongens stöd var gjorda av trä och taket kläddes med bambu eller vass. Inuti en hydda på 1,5 eller 2 tatami täckt med mattor, med adobeväggar, små fönster i flera nivåer, en tokonoma-nisch med ett hängande monokromt landskap och en blomma i en vas, fanns en härd och en hylla för husgeråd.

Konsten att skapa trädgårdar blomstrade under Muromachi-perioden. Japanska trädgårdar är annorlunda. Små trädgårdar ligger oftast vid tempel eller förknippas med ett traditionellt hus, de är avsedda att ses. Stor anlagda trädgårdar utformad för att uppfattas från insidan.

Kondo - (japansk gyllene hall) - huvudtemplet i det buddhistiska komplexet, som innehåller ikoner, statyer, väggmålningar

Zen-tempelträdgården byggdes på principen om en monokrom landskapsrulle. Istället för ett pappersark använde konstnären ytan på en sjö eller en plattform täckt med småsten, och istället för fläckar och tvättar, tjocka stenar, mossor, löv av träd och buskar. Efter hand försvann blommor från trädgården, de ersattes av mossor och buskar och stenar började användas istället för broar. Vissa trädgårdar var anlagda och kuperade (tsukiyama). Tsukiyamas trädgårdar var en kombination av naturliga element som stenar, mossor, träd, dammar, med den obligatoriska paviljongen på stranden. Den äldsta landskapsträdgården ligger i Kyoto och tillhör Sohoji-klostret. Torra trädgårdar kallades "hiraniwa", d.v.s. platt. Hiraniva är en "filosofisk" trädgård, eftersom den krävde en utvecklad fantasi från betraktaren. Hiraniwa-trädgården ”var gjord av stenar, sand och småsten. Trädgården var tillsluten på tre sidor av en mur som omgav den och var endast avsedd för kontemplation. I slutet av 1400-talet. en av de mest kända torra trädgårdarna skapades vid Reanji-klostret. Den innehåller 15 stenar som ligger på ett rektangulärt grusområde. I Hiraniwa Garden of Daitokuji Monastery, skapad 1509, representeras naturen av kompositioner av stenar och småsten. En av trädgårdens delar kallas "tomhetens hav" och består av två låga stenkullar i ett rektangulärt område. Trädgårdarna skulle kunna komplettera varandra.

I slutet av 1400-talet. Kano hovskola för dekorativ målning bildades. Grundaren av skolan, Kano Masanobu (1434-1530), kom från militärklassen och blev en erkänd professionell hovkonstnär. Hans landskap hade bara förgrund, allt annat skymdes av ett dimmigt dis. Betoningen på ett specifikt ämne i bilden kommer att bli karakteristiskt för Kano-skolan. Huvudplatsen i arbetet av konstnärer från Kano-skolan var ockuperad av dekorativa väggmålningar och skärmar med genremåleri. Väggmålningar har blivit huvudkomponenten i syntes med arkitektonisk form och ett sätt att påverka den figurativa betydelsen av arkitektoniskt utrymme. I sin tur krävde särdragen i den arkitektoniska formen vissa stilistiska kvaliteter hos målningarna, varför en ny stilkanon gradvis bildades, som bevarades i Japansk målning fram till 1800-talet.

Shinden är en typ av bostadshus. Huvudbyggnaden, rektangulär till planen, har en hall, vänd mot torget med dess södra fasad och inramad av gallerier i öster och väster

Momoyama-perioden (1X73-1614)

Och den här gången tog eran av feodala krig slut, makten i landet övergick till successiva militärdiktatorer - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi och Iyaesu Tokugawa. Det var en tid av urban tillväxt, sekularisering och demokratisering av kulturen och inträngande av nya värdeinriktningar. Kultarkitektur har förlorat sin tidigare betydelse. De nya härskarna i Japan förklarade sin makt genom att bygga storslagna slott, vars konstruktion orsakades av uppkomsten av skjutvapen i Japan och en motsvarande förändring i strids- och försvarstaktik. Slottet blev en i grunden ny typ av japansk arkitektur. Slottets asymmetriskt belägna territorium, omgivet av en vallgrav och vakttorn och hörntorn, omfattade ett centralt torg och många gårdar och rum, underjordiska skyddsrum och passager. Bostadsrummen var placerade i en träbyggnad belägen på slottsområdet med en strikt hierarki av inre utrymme som speglade den sociala hierarkin. Dekorativa väggmålningar, storslagna i storlek, målade med ljusa färger på en gyllene bakgrund, var mest lämpade för interiören av slott nedsänkta i skymningen.

Kano Eitoku (1543-1590). Skapare av en ny stil av målningar designade för att glorifiera militära diktatorer. Han var den första som utvecklade principen om en enda komposition på stora horisontella ytor, förstorade formerna, övergav små delar att förmedla inte bara silhuetter, utan också dynamiken i deras former. Eitoku kännetecknas av en önskan att öka målningens planhet och förbättra dess dekorativa egenskaper. Således, på platser som symboliserar tomt utrymme, placeras fläckar med en blandning av guldpulver. Kompositionens utrymme utspelade sig inte på djupet, utan längs vyn.
1576 uppfördes ett aldrig tidigare skådat slott med ett kolossalt torn i sju våningar vid stranden av sjön Biwa, vilket var tänkt att demonstrera diktatorns Oda Nobunagas makt. En speciell egenskap hos slottet var närvaron av inte bara officiella utan också privata kamrar. Huvuddekorationen av rummen var väggmålningarna, som anförtrotts åt Kano Eitok, som arbetade på dem i tre år med en stor grupp assistenter. Kano Eitoku, som diktatorn skyndade på för att slutföra beställningen, började förstora formerna, med hjälp av en tjock borste gjord av rishalm, och tog till ett lakoniskt konstnärligt språk. Huvudplatsen ockuperades av bilden av träd, blommor, fåglar och djur. Färgskalan var ljus, det fanns ingen färgnyans.

Förändringen i den sociala situationen i landet efter att Tokugawa-shogunerna kom till makten ledde till ett förbud mot att bygga slott.
I verk av konstnärer från den första tredjedelen av 1600-talet. nya funktioner börjar dominera. I målning blev önskan om balanserade, lugna kompositioner, ökningen av prydnadsformer och intresset för kulturen från Heian-eran och verk av Yamato-e mer märkbar. Särskiljande drag Kano skolor av denna tid - ornamentik och ökad dekorativitet. När under andra kvartalet av 1600-talet. Byggandet av slott förbjöds, och skärmen blev den huvudsakliga formen av dekorativ målning. Monumentaliteten i Kano Eitoku har försvunnit från dekorativ målning. Konsten fick en personlig touch, vilket också påverkade dess stilistiska egenskaper. Dekorativ målning XVII-talet var oftast inspirerad av den klassiska litteraturens hjältar och teman, vilket återspeglade stamaristokratins intressen, såväl som den framväxande borgerliga eliten. Dekorativ målning utvecklades i den gamla huvudstaden Kyoto.

Ogata Korin blev en exponent för smaken av nya konstkonsumenter - stadsbor, handlare och hantverkare. ny representant Kano skolor.

Emakimano - en horisontell rulle av papper eller siden limmad på en bas inramad med en brokadkant med en trärulle i slutet

Ogata Korin (1658-1716) levde som en rik kratta och besökte ständigt "gaykvarteren". Först efter ruin, inför det allvarliga behovet av att försörja sig, började han ägna sig åt textilmålning och målning. Ogata Korin sysslade med både keramik och lack och målade kimonos och fläktar. Hur
mästare började han med att träffa traditionell målning och hennes tekniker. Korin strävade alltid efter kompakthet, balans mellan former, en karaktäristisk egenskap kreativt sätt- koncentration på utvecklingen av flera plotmotiv, deras upprepade upprepning och variation. För första gången i Ogata Korins verk dök verk från livet upp. I målningen av filmduken "Rött och vitt plommonträd" går handlingsmotivet som tagits av Korin tillbaka till klassisk poesi med sina bilder av tidig vår och uppvaknande natur. På båda sidor om bäcken står blommande träd skrivna på en gyllene bakgrund: ett tjockt rött plommonträd med en tjock böjd stam och nästan vertikalt stigande grenar, och ett annat, endast antydt med stammens fot och en skarpt krökt gren, som om faller till vattnet, och därför plötsligt kastas upp, beströdd med vita blommor.

Kano Eitoku hök på en tall. Skärm. Detalj från slutet av 1500-talet.

Ogata Kenzan (1663-1743), till skillnad från sin äldre bror Ogata Korin, från sin ungdom dragna till andliga värden, var en anhängare av zenbuddhismen, kände kinesisk och japansk klassisk litteratur, Noh-teater och teritualer. På territoriet som tillhörde Ninnaji-templet fick Kenzan tillstånd att bygga sin egen keramikugn, som producerade produkter i 13 år fram till 1712. Han strävade inte efter lönsamhet, han vägleddes av idén att skapa mycket konstnärliga produkter . För första gången använde han traditionella tuschmålningstekniker i tredimensionell målning. Kenzan började använda färg, han skrev på en fuktig skärva, den porösa leran absorberade färgen, som papper i tuschmålning. Liksom sin store samtida, poeten Basho, som förvandlade den populära låga genren haiku till en uppenbarelse, visade Ogata Kenzan att vanliga keramiska tallrikar, koppar och vaser kan vara både bruksobjekt och samtidigt poetiska konstverk.

Edo-perioden (1614-1868)

År 1615 flyttades samurajer från Kyoto till Edo. Betydelsen av klassen av köpmän, handlare och penninglångivare, koncentrerad till Mara, Kyoto och Osaka, ökade i betydelse. För företrädare för dessa sociala grupper Den kännetecknades av en världslig uppfattning om livet, en önskan att frigöra sig från inflytandet av feodal moral. För första gången vänder sig konsten till teman i vardagen, inklusive livet för de så kallade. glada stadsdelar - tehusens värld, Kabuki-teatern, sumobrottare. Utseendet på trägravyr var förknippat med demokratisering av kulturen, eftersom gravyr kännetecknas av cirkulation, billighet och tillgänglighet. Efter hushållsmålning Gravyren började kallas ukiyo-e (bokstavligen - den dödliga, föränderliga världen).

Tillverkningen av gravyrer fick en stor omfattning. Den tidiga utvecklingsperioden för ukiyo-e-grafik är förknippad med namnet Hashikawa Moronobu (1618-1694), som skildrade enkla scener från livet för invånarna i tehus och hantverkare, kombinerade i en gravyr händelser från olika tider, orelaterade till varandra. Bakgrunden på gravyrerna förblev vit, linjerna var tydliga. Gradvis utökades utbudet av teman i gravyrerna, och intresset inte bara för karaktärernas yttre utan också för karaktärernas inre värld blev djupare. Japansk gravyr 1780-1790. går in i sin storhetstid. Suzuki Haranobu (1725-1770) började först avslöja hjältarnas inre värld i sådana gravyrer som "Skönheter som plockar en plommongren" och "Älskare i en snöig trädgård". Han var den första att använda tekniken att rulla, skapa en övergång från mörk till ljus ton, och varierade tjockleken och strukturen på linjerna. Han brydde sig aldrig om faktiska färger, havet i hans gravyrer är rosa, himlen är sandig, gräset är blått, allt beror på det allmänna känslomässigt humör scener. En av hans bästa fungerar"Lovers playing the same shamisen" skapades på temat för det japanska ordspråket - "Om musik främjar kärlek, spela."

Tokonoma - en nisch i det inre av ett tehus

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - en enastående mästare i ukiyo-e. Hans arbete började med albumen "The Book of Insects" och "Songs of Shells". I sina halv- och fullängdsporträtt av kvinnor är Utamaro först med att använda glimmerpulver, vilket skapar en skimrande bakgrund. Skönheten Utamaro är idealisk med sin graciösa form och huvuduppsättning,
tunn hals, liten mun, korta svarta ögonbryn. I avsnitt "Tio" kvinnliga karaktärer" och "Days and Hours of Women" försökte han identifiera olika typer av kvinnors utseende och karaktär. I slutet av 90-talet. i Utamaro tar han upp temat moderskap i sådana tryck som "Mother with Child" och "Ball Game", samtidigt skapar han triptyker och polyptyker på historiska teman, med indirekt beteckning (landets hjältar avbildas som skönheter ). Teshusai Sharaku skapade en serie porträtt av Kabuki-skådespelare och sumobrottare. Han övergav allmänt accepterade traditioner, vilket gjorde det groteska till sin huvudsakliga teknik. Den tredje utvecklingsperioden för ukiyo-e-gravering infaller 1800-1868. Vid denna tidpunkt, påverkan på japansk konst Holländska och tyska etsningar. Den konstnärliga dynastin i Utagawas kreativitet präglades av ett förkastande av sökandet efter individualitet och en önskan om formell nåd. Den blomstrande landskapsgenren i gravyr förknippas med namnet Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai studerade den antika och moderna trender Japansk konst, kände till Kinas konst och blev bekant med europeiska gravyrer. Fram till nästan 50 år gammal arbetade Hokusai på traditionellt sätt som ukiyo-e-artister. Det var först i Manga-albumen (skissboken), vars första volym publicerades 1812, som Hokusai hittade sitt konstfält. Nu målade han vardagsscener, landskap, folkmassor.

landskapsträdgårdar i japan

Vid 70 års ålder skapade Hokusai sin serie "36 Views of Mount Fuji", i vart och ett av trycken som konstnären avbildar Mount Fuji. Kombinationen av ett genretema med ett landskap är ett inslag i Hokusai. Till skillnad från forntida landskapsmålare visar Hokusai jorden underifrån. Samtidigt skapar han serien "Resa genom landets vattenfall", "Broar", "Stora blommor", "100 vyer över Fuji". Hokusai kunde överföra saker från oväntad sida. I graveringarna "100 vyer av Fuji" kommer bergen antingen fram ur nattens mörker som en vision, eller är synliga bakom bambustammarna eller reflekteras i sjön. En anhängare till Hokusai, Ando Hiroshige (1797-1858), målade naturen mycket mer realistiskt. Som flodagent till yrket reste han mycket runt i landet och skapade sin serie "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido". Hiroshiges konst närmar sig europeiskt måleri och avslutar ukiyo-e-tryckens tvåhundraåriga storhetstid.

Japan? Hur utvecklades det? Vi kommer att svara på dessa och andra frågor i artikeln. Japansk kultur bildades som ett resultat historisk rörelse, som började när japanerna flyttade från fastlandet till skärgården och Jomonperiodens civilisation föddes.

Den nuvarande upplysningen av detta folk var starkt influerad av Europa, Asien (särskilt Korea och Kina) och Nordamerika. Ett av tecknen på japansk kultur är dess långa utveckling i eran av fullständig isolering av staten (sakoku-politiken) från alla andra länder under Tokugawa Shogunatets regeringstid, som varade fram till mitten av 1800-talet - början av Meiji epok.

Inflytande

Hur utvecklades den japanska konstnärliga kulturen? Civilisationen påverkades avsevärt av landets isolerade regionala läge, klimat och geografiska särdrag, såväl som naturfenomen (tyfoner och frekventa jordbävningar). Detta tog sig uttryck i befolkningens extraordinära inställning till naturen som en levande varelse. En egenskap hos den japanska nationella karaktären är förmågan att beundra universums flödande skönhet, vilket uttrycks i många typer av konst i ett litet land.

Den konstnärliga kulturen i Japan skapades under inflytande av buddhism, shintoism och konfucianism. Samma riktningar påverkade dess vidare utveckling.

Gamla tider

Håller med, Japans konstnärliga kultur är magnifik. Shintoismen har sina rötter i antiken. Buddhismen, även om den dök upp före vår tideräkning, började spridas först från det femte århundradet. Heian-perioden (700-1100-talen) anses vara den japanska statens gyllene era. Under samma period nådde bildkulturen i detta land sin högsta punkt.

Konfucianismen dök upp på 1200-talet. I detta skede skedde separationen mellan Konfucius och buddhismens filosofi.

Hieroglyfer

Bilden av japansk konstnärlig kultur är förkroppsligad i en unik vers som kallas. Detta land har också en högt utvecklad kalligrafikonst, som enligt legenden uppstod från himmelska gudomliga bilder. Det var de som blåste liv i skrivandet, så befolkningen är känslig för varje tecken i stavning.

Det finns rykten om att japansk kultur gavs av hieroglyfer, eftersom bilderna kring inskriptionen framkom från dem. Lite senare började en stark kombination av inslag av måleri och poesi i ett verk observeras.

Om du studerar en japansk rulle kommer du att upptäcka att verket innehåller två typer av symboler. Dessa är tecken på att skriva - sigill, dikter, kolofener, såväl som målningar. Samtidigt fick Kabuki-teatern stor popularitet. En annan typ av teater - Nej - föredras främst av militär personal. deras stränghet och grymhet hade ett starkt inflytande på Noh.

Målning

Konstnärlig kultur har studerats av många specialister. Kaigamålning, som på japanska betyder teckning eller målning, spelade en stor roll i dess utveckling. Denna konst betraktas som den äldsta typen av målning i staten, som bestäms av ett stort antal lösningar och former.

I den intar naturen en speciell plats, vilket definierar den heliga principen. Målningens uppdelning i sumi-e och yamato-e har funnits sedan 900-talet. Den första stilen utvecklades närmare 1300-talet. Det är en sorts monokrom akvarell. Yamato-e är horisontellt vikta rullar som ofta användes vid utformningen av litteraturverk.

Lite senare, på 1600-talet, dök tryckning på tabletter - ukiyo-e - upp i landet. Mästare avbildade landskap, geishor, kända skådespelare Kabuki teater. Denna typ av målning hade ett starkt inflytande på Europas konst på 1700-talet. Den framväxande trenden kallades "japanism". Under medeltiden gick den japanska kulturen utanför landets gränser - den började användas i designen av snygga och fashionabla interiörer runt om i världen.

Kalligrafi

Åh, så vacker den konstnärliga kulturen i Japan är! Uppnåendet av harmoni med naturen kan ses i varje segment av den. Vad är modern japansk kalligrafi? Det kallas shodo (”anmälans väg”). Kalligrafi är liksom skrivande en obligatorisk disciplin. Forskare har funnit att denna konst kom dit samtidigt som kinesisk skrift.

Förresten, i antiken bedömdes en persons kultur efter hans nivå av kalligrafi. Idag finns det ett stort antal skrivstilar, och de är utvecklade av buddhistiska munkar.

Skulptur

Hur uppstod den japanska kulturen? Vi kommer att studera utvecklingen och typerna av detta område av mänsklig aktivitet så detaljerat som möjligt. Skulptur är den äldsta typen av konst i Japan. I forntida tider gjorde folket i detta land figurer av idoler och rätter från keramik. Sedan började folk installera haniwa-skulpturer gjorda av bakad lera på gravarna.

Utvecklingen av skulpturhantverk i modern japansk kultur är förknippad med spridningen av buddhismen i staten. En av de äldsta representanterna för japanska monument är trästatyn av Amitabha Buddha som ligger i Zenko-ji-templet.

Skulpturerna var mycket ofta gjorda av balkar, men de såg väldigt rika ut: hantverkarna täckte dem med lack, guld och ljusa färger.

Origami

Gillar du japansk konstnärlig kultur? Att förstå harmoni med naturen kommer att ge oförglömliga intryck. Karakteristiskt drag Japansk kultur har blivit källan till fantastiska origami ("vikt papper") produkter. Denna färdighet har sitt ursprung till Kina, där pergamentet faktiskt uppfanns.

Till en början användes "vikt papper" i religiösa ritualer. Denna konst kunde endast studeras av överklassen. Men efter andra världskriget lämnade origami adelshemmen och hittade sina beundrare över hela jorden.

Ikebana

Varje person borde veta vad den konstnärliga kulturen i östländerna är. Japan har lagt ner mycket arbete på sin utveckling. En annan komponent i denna kultur fantastiskt landär ikebana ("levande blommor", " nytt liv färger"). Japanerna är fans av estetik och enkelhet. Dessa två egenskaper sätts i verk. Bildernas sofistikering uppnås genom fördelaktig användning av vegetationens naturliga skönhet. Ikebana, liksom origami, fungerade också som en del av en religiös ceremoni.

Miniatyrer

Förmodligen har många redan insett den konstnärliga kulturen Gamla Kina och Japan är nära sammanflätade. Vad är bonsai? Detta är en unik japansk förmåga att odla en nästan exakt miniatyrkopia av ett riktigt träd.

I Japan är det också vanligt att göra netsuke – små skulpturer som är en slags nyckelring. Ofta fästes sådana figurer i denna egenskap till japanska kläder, som inte hade fickor. De dekorerade det inte bara, utan fungerade också som en unik motvikt. Nyckelringar gjordes i form av en nyckel, påse eller flätad korg.

Måleriets historia

Konstkultur Forntida Japan intresserar många människor. Måleri i detta land har sitt ursprung under den japanska paleolitiska perioden och utvecklades enligt följande:

• Yamato period. Under tiden för Asuka och Kofun (IV-VII århundraden), samtidigt med införandet av hieroglyfer, skapandet av en statsregim baserad på kinesisk modell och populariseringen av buddhismen, fördes många konstverk till Japan från det himmelska riket . Efter detta började målningar i kinesisk stil reproduceras i Land of the Rising Sun.
• Nara tid. Under VI och VII århundradena. Buddhismen fortsatte att utvecklas i Japan. I detta avseende började religiös målning blomstra, som användes för att dekorera många tempel byggda av aristokratin. I allmänhet bidrog Nara-eran mer till utvecklingen av skulptur och konst än till måleri. Tidiga målningar Denna serie inkluderar målningar på innerväggarna i Horyu-ji-templet i Nara Prefecture, som berättar historien om Buddha Shakyamunis liv.
• Heian eran. I japansk måleri, från och med 900-talet, har Yamato-e-trenden urskiljts, som vi skrev om ovan. Sådana målningar är horisontella rullar som användes för att illustrera böcker.
• Muromachi-eran. På 1300-talet uppträdde supi-e-stilen (monokrom akvarell) och under första hälften av 1600-talet. konstnärer började trycka gravyrer på surfplattor - ukiyo-e.
• Målningen från Azuchi-Momoyama-perioden står i skarp kontrast till målningen från Muromachi-perioden. Den kännetecknas av en polykrom stil med omfattande användning av silver och Under denna period åtnjöt Kano läroanstalt stor prestige och berömmelse. Dess grundare var Kano Eitoku, som målade tak och skjutdörrar till separata rum. Sådana ritningar dekorerade den militära adelns slott och palats.
• Maiji-eran. Sedan andra hälften av 1800-talet har konsten delats upp i konkurrerande traditionella och europeiska stilar. Under Maiji-eran genomgick Japan stora sociala och politiska förändringar genom moderniserings- och europeiseringsprocessen som orkestrerats av myndigheterna. Lovande unga konstnärer skickades utomlands för att studera, och utländska målare kom till Japan för att skapa skolkonstprogram. Hur det än må vara, efter den första vågen av nyfikenhet om konstnärlig stil I väst svängde pendeln i motsatt riktning, och den japanska traditionella stilen återupplivades. 1880 förbjöds västerländsk konstpraktik från officiella utställningar och kritiserades hårt.

Poesi

Den konstnärliga kulturen i det antika Japan studeras fortfarande. Dess egenhet är dess mångsidighet, viss syntetiskhet, eftersom den bildades under inflytande av olika religioner. Det är känt att japansk klassisk poesi växte fram ur vardagen, verkade inom det, och denna jordnärahet bevarades till viss del i de traditionella formerna av modern poesi - den treradiga haikuen och den femradiga tankan, som är kännetecknas av en uttalad masskaraktär. Förresten, det är just denna egenskap som skiljer dem från den "fria vers" som tenderar mot elitism, som dök upp i början av 1900-talet i Japan under inflytande av europeisk poesi.

Har du märkt att utvecklingsstadierna för japansk konstnärlig kultur är mångfacetterade? Poesin spelade en speciell roll i samhället i detta land. En av de mest kända genrerna är haiku, du kan bara förstå den genom att bekanta dig med dess historia.

Den kom först under Heian-tiden och liknade rengastilen, som var ett slags utlopp för poeter som ville ta en paus från de eftertänksamma waha-dikterna. Haikai utvecklades till en egen genre på 1500-talet då renga blev för seriös och haiku förlitade sig på talat språk och var fortfarande humoristisk.

Naturligtvis beskrivs den konstnärliga kulturen i Japan kortfattat i många verk, men vi kommer att försöka prata om det mer i detalj. Det är känt att en av de mest kända japanska litterära genrerna under medeltiden var tanka ("lakonisk sång"). I de flesta fall är detta en pentavers, bestående av ett par strofer med ett fast antal stavelser: 5-7-5 stavelser på tre rader av den första strofen och 7-7 i två rader av den andra. När det gäller innehållet använder tanken följande schema: den första strofen representerar en specifik naturlig bild, och den andra återspeglar den mänskliga känslan som ekar denna bild:

• I de avlägsna bergen
  Långsvansfasan slumrar -
  Denna långa, långa natt
  Ska jag sova ensam? ( Kakinomoto no Hitowaro, tidigt 800-tal, översättning av Sanovich.)

Japanskt drama

Många hävdar att den konstnärliga kulturen i Kina och Japan är fascinerande. Gillar du scenkonst? Den traditionella dramaturgin i Land of the Rising Sun är uppdelad i joruri (dockteater), Noh-dramaturgi (kyogen och yokyouku), Kabuki-teater och Shingeki. Sederna för denna konst inkluderar fem grundläggande teatraliska genrer: kyogen, no, bugaku, kabuki och bunraku. Alla dessa fem traditioner finns kvar än idag. Trots deras enorma olikheter är de förbundna med gemensamma estetiska principer som ligger till grund för japansk konst. Förresten, japanskt drama uppstod på Nohs scen.

Kabuki-teatern dök upp på 1600-talet och nådde sin zenit mot slutet av 1700-talet. Den form av föreställningar som utvecklades under denna period finns bevarad på den moderna scenen i Kabuki. Produktionerna av denna teater, till skillnad från Noh-scenerna, som riktar sig till en smal krets av fans av antik konst, är designade för masspublik. Rötterna till Kabuki-färdigheter härstammar från komikers framträdanden - artister av små farser, sketcher som bestod av dans och sång. Kabukis teatraliska skicklighet absorberade delar av Joruri och Noh.

Utseendet på Kabuki-teatern förknippas med namnet på en arbetare vid den buddhistiska helgedomen O-Kuni i Kyoto (1603). O-Kuni uppträdde på scenen med religiösa danser, som innefattade rörelserna från Nembutsu-odori folkdanserna. Hennes föreställningar varvades med komiska pjäser. I detta skede kallades produktioner yujo-kabuki (kabuki av kurtisaner), O-Kuni-kabuki eller onna-kabuki (damkabuki).

Gravyrer

Under förra seklet mötte européer, och sedan ryssar, fenomenet japansk konst genom gravyr. Under tiden, i Land of the Rising Sun, ansågs ritning på trä först inte alls vara en färdighet, även om det hade alla egenskaper hos masskultur - billighet, tillgänglighet, cirkulation. Ukiyo-e-experter visste hur man uppnår högsta klarhet och enkelhet både i förkroppsligandet av tomter och i deras val.

Ukiyo-e var en speciell konstskola, så den kunde producera ett antal framstående konstnärer. Således är den inledande fasen av utvecklingen av tomtgravyr förknippad med namnet Hishikawa Moronobu (1618-1694). I mitten av 1700-talet arbetade den första experten på flerfärgsgravyr, Suzuki Harunobu. Huvudmotiven för hans arbete var lyriska scener, där uppmärksamhet inte ägnades åt handling, utan till överföring av stämningar och känslor: kärlek, ömhet, sorg. Som utsökt gammal konst Under Heian-eran återupplivade ukiyo-e-virtuoser den extraordinära kulten av kvinnors raffinerade skönhet i en förnyad stadsmiljö.

Den enda skillnaden var att istället för de stolta Heian-aristokraterna föreställde gravyrerna graciösa geishor från nöjesdistrikten i Edo. Konstnären Utamaro (1753-1806) är kanske ett unikt exempel i måleriets historia av en professionell som helt och hållet ägnade sitt skapande åt att avbilda kvinnor i olika poser och kläder, under olika livsförhållanden. Ett av hans bästa verk är gravyren "Geisha Osama", som förvaras i Moskva, på A. S. Pushkin Museum of Painting. Konstnären förmedlade otroligt subtilt enheten av gest och stämning, ansiktsuttryck.

Manga och anime

Många konstnärer försöker studera japansk måleri. Vad är anime (japansk animation)? Den skiljer sig från andra animationsgenrer i sitt större fokus på den vuxna tittaren. Här finns en dubbel uppdelning i stilar för entydiga målgrupp. Måttet på fragmentering är filmtittarens kön, ålder eller psykologiska porträtt. Mycket ofta är anime en filmatisering av en japansk mangaserie, som också har fått stor berömmelse.

Den grundläggande delen av mangan är avsedd för en vuxen tittare. Från och med 2002 var cirka 20 % av den totala japanska bokmarknaden ockuperad av mangaserier.

Japan ligger nära oss geografiskt, men trots detta förblev det under lång tid obegripligt och otillgängligt för hela världen. Idag vet vi mycket om detta land. Lång frivillig isolering har lett till att dess kultur är helt annorlunda än andra staters kulturer.

Detaljer Kategori: Konst och arkitektur på 1800-talet Publicerad 2017-08-14 18:30 Visningar: 1604

Under första hälften av 1800-talet. Ukiyo-e-stilen var fortfarande dominerande i japansk målning. År 1868, efter Meiji-revolutionen och öppnandet av gränser, blev den västerländska civilisationens landvinningar mer tillgängliga i Japan, och ukiyo-e gick gradvis ur modet och ersattes av fotografi.
Men först till kvarn.

Ukiyo-e stil

Ukiyo-e(Japanska målningar (bilder) av den föränderliga världen) - en riktning i Japans konst. Till en början användes denna buddhistiska term för att betyda "den dödliga världen, sorgens dal". Men under Edo-eran, med tillkomsten av särskilt utsedda stadskvarter där Kabuki-teatern blomstrade och husen för geishor och kurtisaner fanns, omtolkades termen, och den kom att förstås som "världen av flyktiga nöjen, kärlekens värld."
Ukiyo-e-tryck är den huvudsakliga typen av träsnitt i Japan. Denna konstform blev populär i stadskulturen under andra hälften av 1600-talet. Grundaren av ukiyo-e är en japansk målare och grafiker. Hishikawa Moronobu.

H. Moronobu ”Höst i Asakusa. Körsbärsblomning i Ueno Park." Skärmmålning. Freer Gallery (Washington)
Till en början var gravyrerna svartvita, gjorda i bläck. Från början av 1700-talet. några verk målades för hand med en pensel.
Ukiyo-e-tryck var främst avsedda för stadsbor som inte hade råd med dyrare målningar.
Teman för ukiyo-e är bilder från vardagen: vackra geishor, sumobrottare, populära kabuki-skådespelare och senare landskapsbilder.

Katsushika Hokusai "Den stora vågen utanför Kanagawa" (1823-1831)
Under perioden av XVIII-XIX århundradena. kända artister var Utamaro, Hokusai, Hiroshige och Toshusai Sharaku.
Vid en tidpunkt då ukiyo-e-stilen började gå ur mode i Japan, blev den populär i Västeuropa och Amerika, och konstkritiker började köpa gravyrer i massor.
Japanska tryck inspirerade många europeiska konstnärer som arbetade i stil med kubism, impressionism, postimpressionism: Vincent van Gogh, Claude Monet, etc. Detta inflytande kallades "japanism".

Vincent van Gogh "Porträtt av fader Tanguy" (1887-1888). Canvas, olja. Rodin-museet (Paris)

Kända Ukiyo-e-artister:

Hishikawa Moronobu (XVII-talet)
Kitagawa Utamaro (XVIII-talet)
Kawanabe Kyosai (1800-talet)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX århundraden)
Utagawa Hiroshige (1800-talet)
Utagawa Kunisada (1800-talet)
Utagawa Kuniyoshi (1800-talet)
Keisai Eisen (1800-talet)
Suzuki Harunobu (XIX-talet)
Toyohara Kunitika (1800-talet)
Tsukioka Yoshitoshi (1800-talet)
Ogata Gekko (XIX-XX århundraden)
Hasui Kawase (XX-talet)

Låt oss titta på kreativiteten hos några av dem.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. Självporträtt
Berömd japansk ukiyo-e-konstnär, illustratör, gravör. Han arbetade under många pseudonymer (minst 30). Han föddes i en familj av hantverkare och började rita vid 6 års ålder. När han arbetade i en bokhandel lärde han sig att läsa och skriva. Sedan arbetade han i en gravörsverkstad – gravyr var mycket populärt i Japan på den tiden.
Åren 1793-1794. börjar självständigt liv konstnär, ganska tung i materiella termer, men full av konst - han studerar olika målarskolor: Kano-skolan (landskap, bilder av fåglar och djur, vardagliga scener; de dekorerade dörrarna till skjutskärmar med mönster); Sotatsu skola (bild Vardagsliv japanska och Japanska landskap på skjutdörrar). Konstnären börjar gradvis utveckla sin egen stil.
1796 började konstnären använda det som senare blev allmänt använt känd pseudonym Hokusai. År 1800, vid 41 års ålder, började konstnären kalla sig Gakejin Hokusai ("Mad Hokusai of Painting").
Konstnären förstår bilden av världen genom medvetandet om betydelsen och det speciella värdet av människors vardag, deras arbete och bekymmer. Naturens liv, dess mening och skönhet i Hokusai landskap blir förståeligt endast tack vare närvaron av människor i dem, upptagna med sina vanliga angelägenheter. Hokusai tillbringade större delen av sitt liv med att resa runt i landet och skissa på allt han såg. Hokusai var känd inte bara som gravör, utan också som författare, poet och målare.
Han var den första av de japanska gravyrkonstnärerna i vars verk landskap fick betydelse. oberoende genre. Hokusais landskap fångade den japanska naturens livfulla och majestätiska utseende.
Under min långa tid konstnärlig verksamhet han skapade cirka 30 tusen teckningar och gravyrer och illustrerade cirka 500 böcker.
Hokusais verks storhetstid går tillbaka till 1820-talet och början av 1830-talet. Vid den här tiden skapade han sin bästa landskapsserie. Dessa serier förvånar med djupet och rikedomen i Hokusais konstnärliga vision - från en bred filosofisk förståelse av bilden av världen i serien "36 Views of Mount Fuji" (1823-1829), som visar naturens episka storhet i serien " Broar” (1823-1829), som beundrar dess elementära kraft i “Vattenfall” (1827–1830) till den subtila lyriska upplevelsen av naturen i serien “Poets of China and Japan” (1830).

Katsushika Hokusai “South Wind. Klar dag". Färgträsnitt (1823-1831) från serien "Trettiosex utsikter över berget Fuji"
En av de mest betydande arbete Hokusai, där originaliteten i hans arbete som konstnär-tänkare avslöjades mest, är serien "36 Views of Fuji". Ett stort antal ark i denna serie representerar olika genrescener: en fiskare som kastar sitt nät; sågverksarbetare som arbetar i ett trälager; en tunnbindare som gör ett badkar, etc. Alla dessa scener utspelar sig i ett landskap med berget Fuji i bakgrunden.
Hokusais arbete framkallade många imitationer; antalet elever var mycket stort. Men nästan alla konstnärens anhängare kännetecknas av att bara assimilera den yttre sidan av hans kreativa metod.

Surimono

Surimono är en typ av traditionell japansk konst, färgträsnitt, som tjänade som en gåva bland den japanska urbana intelligentsian. Anledningen till en sådan gåva kan vara årsdagar, födelsen av en son, början av körsbärsblomningssäsongen, det kommande nyåret, etc. Surimonos genrer var varierande: skildringar av figurer, skildringar av djur, blommor och fåglar, landskap.
Bilden skapad med visuella, poetiska och tekniska medel måste ha integritet. Surimono är en konst, ett spel, ett sätt att underhålla och en del av stadsbornas liv.

Katsushika Hokusai "Carps" (surimono)
Hokusais bidrag till surimonos ökande popularitet är stort: ​​han gör den till den viktigaste typen av japanska träsnitt.
Människor i Hokusais surimono är "levande". Avbildad mot bakgrund av ett landskap interagerar de aktivt med det: de täcker sina ögon från solen med händerna, pekar på molnen, tittar in i de oändliga vidderna, ibland vänder de ryggen åt betraktaren.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

"Manga" (japanska bokstavligen "ritningar av Hokusai") är ett av de viktigaste verken i konstnärens kreativa arv, skapat av honom på toppen av hans berömmelse. "Manga" är ett uttryck för Hokusais syn på kreativitet, hans filosofi och avslöjar mästarens hemligheter; det är värdefullt inte bara som en milstolpe i Hokusais liv, utan också som en viktig källa till information om kulturen och konsten i det sena feodala Japan. Hokusai's Manga kallas ofta för "det japanska folkets uppslagsverk". De flesta av teckningarna föreställde scener från stadslivet och innehöll många skisser av människor. Samlingen var en dagbok där mästaren antecknade allt han såg i livet i form av teckningar (ej text).

Katsushika Hokusai "Kontemplation av berget Fuji" (1814) Manga
Hokusai, liksom japansk konst i allmänhet, hade ett betydande inflytande på europeisk art XIXårhundradet, inklusive fransk impressionism. Teman för Hokusais tryck finns i verk av Claude Monet, Pierre Auguste Renoir och andra.
Den sista betydande representanten för japanska tryck från första hälften av 1800-talet. var landskapsmålaren Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige är en japansk grafiker, en representant för ukiyo-e-rörelsen och en mästare på färgträsnitt. Författare till inte mindre än 5400 gravyrer. I lyriska landskap med genremotiv förmedlade han naturens instabila tillstånd, snöns och dimmas atmosfäriska effekter. Han arbetade under pseudonymen Ando Hiroshige.
Jag förlorade min pappa och mamma tidigt. Bild och form började studera efter att ha sett Hokusais verk.
Hiroshige var en elev av gravören Utagawa Toyohiro (1763-1828). Det första verket som gav Hiroshige berömmelse var serien med tryck "53 Tokaido Stations", som publicerades 1834. Hiroshige fortsatte med Hokusais landskapsgenre och utvecklade den på sitt eget sätt.
Tokaido var en av fem vägar som förband Edo med andra delar av Japan. Den gick längs Honshus östra kust. Längs den låg 53 poststationer, där resenärerna erbjöds boende, mat och stall.
1832 reste Hiroshige genom Tokaido som en del av en officiell delegation som transporterade hästar för det kejserliga hovet. Landskapen gjorde ett starkt intryck på konstnären och han gjorde många skisser. När han återvände hem skapade han en cykel av 53 verk. Framgången med denna serie gjorde Hiroshige till en av de mest betydelsefulla och erkända mästarna inom grafik.

A. Hiroshige. 1:a stationen: Shinogawa

A. Hiroshige. Station 30: Maisaka

A. Hiroshige. 32:a station: Shirasuka
I naturlig skönhet Hiroshiges natur dras till uttrycksfullhet.
Hiroshiges verk avslutar perioden av lysande blomstring av japanska färgträsnitt på 1700- och första hälften av 1800-talet. Gravyr 1850-1860. framlade inte en enda större konstnär, stilisering och eklekticism framträder allt tydligare i den.
Japan upplevde en borgerlig revolution 1868 och blev en monarki på 1880-talet. Dessa händelser markerade början på ett nytt skede i den japanska konstens historia, eftersom... Japan gick in i världssystemet av kapitalistiska länder. Många skolor och grupper uppstod i konsten i Japan under denna period. Några av dem tog vägen att bemästra europeisk konst, andra japanska konstnärer (till exempel Kuroda Kiyoteri (1866-1924) gick för att studera i Europa. Men det fanns också de som försökte bevara de nationella traditionernas renhet.
Slutet av 1800-talet - början av 1900-talet. i Japans konst var det en tid av revidering av den gamla konstnärliga traditionen, assimileringen av europeisk konst, sökandet efter en ny, såväl som för sin egen utvecklingsväg.

Japans tillämpade konst

Den japanska brukskonstens blomstring började i slutet av 1500-talet. På 1800-talet Träsnideri, bensnideri, keramik och porslin blev utbredda.
Det ska också sägas om netsuke– miniatyrskulptur, ett verk av japansk dekorativ och tillämpad konst. En netsuke är en liten snidad nyckelring som användes på traditionella japanska kläder, kimono och kosode.

Netsuke som föreställer Hotei (guden för kommunikation, nöje och välstånd). Elfenben, modernt arbete
Den första netsuken dök upp i Japan under andra hälften av 1500-talet och början av 1600-talet. Sedan slutet av 1800-talet. och hela 1900-talet. netsuke gjordes för export. De tillverkas än idag. Det här är souvenirprodukter som produceras på ett transportbandssätt, inte särskilt mycket Hög kvalitet. Men konsten att netsuke försvann inte. Än idag finns det hantverkare vars specialitet är netsuke carving.

Netsuke med en hemlighet

Japan är ett fantastiskt östligt land som ligger på öar. Ett annat namn för Japan är Country Stigande sol. Det milda, varma, fuktiga klimatet, bergskedjor av vulkaner och havsvatten skapar magnifika landskap bland vilka unga japaner växer upp, vilket utan tvekan lämnar ett avtryck i konsten i denna lilla stat. Det finns folk här med tidiga år De vänjer sig vid skönhet, och färska blommor, prydnadsväxter och små trädgårdar med en sjö är ett attribut för deras hem. Alla försöker organisera ett stycke vild natur för sig själva. Liksom alla österländska nationaliteter har japanerna upprätthållit en koppling till naturen, som de har hedrat och respekterat under sin civilisations århundraden.

Luftfuktning: lufttvättaren "WINIX WSC-500" genererar små partiklar av vatten. Driftlägen för Winix WSC-500 tvättmaskin: Lufttvättaren "WINIX WSC-500" har ett bekvämt automatiskt driftläge. Samtidigt bibehålls den mest optimala och bekväma luftfuktigheten i rummet - 50-60% och plasmaluftrenings- och joniseringsläget ("Plasma Wave™") är aktiverat som standard.

Japans arkitektur

Under en lång tid Japan ansågs vara ett slutet land, kontakter fanns endast med Kina och Korea. Därför följde deras utveckling sin egen speciella väg. Senare, när olika innovationer började tränga in i öarnas territorium, anpassade japanerna dem snabbt för sig själva och gjorde om dem på sitt eget sätt. Den japanska arkitektoniska stilen har hus med massiva böjda tak för att skydda dem från det konstanta kraftiga regnet. Ett riktigt konstverk är kejserliga palats med trädgårdar och paviljonger.

Bland de religiösa byggnader som finns i Japan kan vi lyfta fram shintotempel i trä som har överlevt till denna dag, buddhistiska pagoder och buddhistiska tempelkomplex som dök upp på senare tid. sen period historia, när buddhismen kom in i landet från fastlandet och förklarades som statsreligion. Träbyggnader är som vi vet inte hållbara och sårbara, men i Japan är det brukligt att återskapa byggnader i sin ursprungliga form, så även efter bränder byggs de om i samma form som de byggdes i då.

Japansk skulptur

Buddhismen hade ett starkt inflytande på utvecklingen av japansk konst. Många verk representerar bilden av Buddha, så många statyer och skulpturer av Buddha skapades i tempel. De var gjorda av metall, trä och sten. Först efter en tid dök det upp mästare som började göra sekulära porträttskulpturer, men med tiden försvann behovet av dem, så skulpturella reliefer med djupa sniderier började användas allt oftare för att dekorera byggnader.

Miniatyr netsuke-skulptur anses vara den nationella konstformen i Japan. Inledningsvis spelade sådana figurer rollen som en nyckelring som var fäst vid bältet. Varje statyett hade ett hål för en sladd på vilken de nödvändiga föremålen hängdes, eftersom kläder på den tiden inte hade fickor. Netsuke-figurer avbildade sekulära karaktärer, gudar, demoner eller olika föremål, som hade en speciell hemlig betydelse, till exempel en önskan om familjelycka. Netsuke är gjorda av trä, elfenben, keramik eller metall.

Dekorativ konst i Japan

Tillverkningen av eggade vapen höjdes till konstnivån i Japan, vilket förde tillverkningen av samurajsvärdet till perfektion. Svärd, dolkar, ramar för svärd, element av stridsammunition fungerade som ett slags mäns smycken, vilket indikerar att de tillhör klassen, så de gjordes skickliga hantverkare, dekorerad med ädelstenar och sniderier. Japanska folkhantverk inkluderar också keramik, lack, vävning och trägravyr. Traditionella keramiska produkter är målade av japanska krukmakare med olika mönster och glasyrer.

Japan målning

I japansk måleri rådde till en början den monokroma typen av målningar, nära sammanflätade med kalligrafikonsten. Båda skapades enligt samma principer. Konsten att tillverka färg, bläck och papper kom till Japan från fastlandet. I detta avseende började en ny utvecklingsomgång av målarkonsten. På den tiden var en av typerna av japansk målning långa horisontella rullar av emakinomo, som avbildade scener från Buddhas liv. Landskapsmåleri i Japan började utvecklas mycket senare, varefter konstnärer specialiserade på ämnen från socialt liv, måla porträtt och krigsscener.

I Japan målade man oftast på vikskärmar, shoji, husväggar och kläder. För japanerna är en skärm inte bara ett funktionellt inslag i hemmet, utan också ett konstverk för kontemplation, som definierar den övergripande stämningen i rummet. Nationella kläder, kimono, är också ett stycke japansk konst som bär en speciell orientalisk smak. Dekorativa paneler på guldfolie med ljusa färger kan också klassificeras som verk av japansk målning. Japanerna har uppnått stor skicklighet i att skapa ukiyo-e, den så kallade trägraveringen. Ämnet för sådana målningar var episoder från vanliga stadsbors liv, konstnärer och geishor, såväl som magnifika landskap, som blev resultatet av utvecklingen av målarkonsten i Japan.