Renässansens konstnärliga kultur. före väckelse

Skapande idealisk stad plågade vetenskapsmän och arkitekter från olika länder och epoker, men de första försöken att designa något liknande uppstod under renässansen. Även om forskare arbetade vid faraonernas och de romerska kejsarnas hov, vars arbete syftade till att skapa någon form av idealisk bosättning, där inte bara allt klart skulle lyda hierarkin, utan också där det skulle vara bekvämt att leva för både härskaren och den enkla hantverkaren. Minns åtminstone Akhetaten, Mohenjodaro eller ett fantastiskt projekt som Stasicrates föreslagit till Alexander den store, enligt vilket han föreslog att rista en staty av en befälhavare från berget Athos med en stad placerad på armen. Det enda problemet var att dessa bosättningar antingen fanns kvar på pappret eller förstördes. Idén om att designa en idealisk stad kom inte bara till arkitekter utan också till många konstnärer. Det finns hänvisningar till att Piero della Francesca, och Giorgio Vasari, och Luciano Laurana och många andra var engagerade i detta.

Piero della Francesco var känd för sin samtid främst som författare till avhandlingar om konst. Bara tre av dem har kommit ner till oss: "Avhandling om kulramen", "Perspektiv i måleriet", "Fem vanliga kroppar". Det var han som först tog upp frågan om att skapa en idealisk stad där allt skulle bli föremål för matematiska beräkningar, lovande konstruktioner av tydlig symmetri. Av denna anledning tillskriver många forskare Pierrot bilden "Utsikt över en idealisk stad", som passar perfekt in i renässansens principer.

Leon Battista Alberti kom närmast genomförandet av ett så storskaligt projekt. Visserligen lyckades han inte förverkliga sin idé i sin helhet, men han lämnade efter sig ett stort antal teckningar och anteckningar, enligt vilka andra konstnärer i framtiden kunde åstadkomma vad Leon inte lyckades åstadkomma. I synnerhet fungerade Bernardo Rosselino som utförare av många av sina projekt. Men Leon implementerade sina principer inte bara i skrift, utan också på exemplet från många av de byggnader han byggde. I grund och botten är dessa många palats designade för adliga familjer. Arkitekten avslöjar sitt eget exempel på en idealisk stad i sin avhandling om arkitektur. Vetenskapsmannen skrev detta arbete till slutet av sitt liv. Den publicerades postumt och blev den första tryckta boken som avslöjade arkitekturens problem. Enligt Leon måste den idealiska staden spegla en persons alla behov, svara på alla hans humanistiska behov. Och detta är ingen slump, för den ledande filosofiska tanken under renässansen var den antropocentriska humanismen. Staden borde indelas i kvarter, som skulle indelas efter en hierarkisk princip eller efter anställningsform. I centrum, på det stora torget, finns en byggnad där stadsmakten skulle koncentreras, liksom huvudkatedralen och adelsfamiljers och stadsförvaltares hus. Närmare utkanten fanns köpmäns och hantverkares hus, och de fattiga bodde på själva gränsen. Ett sådant arrangemang av byggnader, enligt arkitekten, var ett hinder för uppkomsten av olika sociala oroligheter, eftersom de rikas hus skulle separeras från fattiga medborgares bostäder. En annan viktig planeringsprincip är att den måste tillgodose behoven hos alla kategorier av medborgare, så att både härskaren och prästen kunde bo bekvämt i denna stad. Det var tänkt att innehålla alla byggnader, från skolor och bibliotek till marknader och termalbad. Allmänhetens tillgänglighet till sådana byggnader är också viktig. Även om vi ignorerar alla etiska och sociala principer för en ideal stad, så kvarstår yttre, konstnärliga värden. Planlösningen måste vara regelbunden, enligt vilken staden var indelad i tydliga kvarter av raka gator. I allmänhet bör alla arkitektoniska strukturer vara föremål för geometriska former och ritas längs en linjal. Rutorna var antingen runda eller rektangulära. Enligt dessa principer utsattes de gamla städerna, som Rom, Genua, Neapel, för partiell rivning av de gamla medeltida gatorna och byggandet av nya rymliga kvarter.

I några avhandlingar hittades en liknande anmärkning om människors fritid. Det gällde främst pojkar. Det föreslogs att bygga lekplatser och korsningar i städerna av en sådan typ att ungdomar som leker skulle stå under ständig uppsikt av vuxna som kunde observera dem utan hinder. Dessa försiktighetsåtgärder syftade till att utbilda ungdomars försiktighet.

Renässansens kultur gav på många sätt mat för vidare reflektion över den ideala stadens struktur. Detta gällde särskilt för humanisterna. Enligt deras världsbild bör allt skapas för en person, för hans bekväma tillvaro. När alla dessa villkor är uppfyllda kommer en person att få social frid och andlig lycka. Därför i sådana
samhället kan helt enkelt a priori inte ha krig eller upplopp. Mänskligheten har gått mot ett sådant resultat under hela sin existens. Minns åtminstone den berömda "Utopia" av Thomas More eller "1984" av George Orwell. Verk av detta slag påverkade inte bara funktionella egenskaper, utan tänkte också på relationerna, ordningen och strukturen i samhället som levde på denna ort, inte nödvändigtvis en stad, kanske till och med världen. Men dessa grunder lades tillbaka på 1400-talet, så vi kan säkert säga att renässansens vetenskapsmän var omfattande utbildade människor av sin tid.

Kära användare! Vi är glada att välkomna dig till platsen för den elektroniska vetenskapliga publikationen "Analytics of Culturology".

Denna sida är ett arkiv. Artiklar för placering accepteras inte.

Den elektroniska vetenskapliga publikationen "Analytics of Cultural Studies" är de begreppsmässiga grunderna för kulturstudier (kulturteori, kulturfilosofi, kultursociologi, kulturhistoria), dess metodik, axiologi och analys. Detta är ett nytt ord i kulturen för vetenskaplig och samhällsvetenskaplig dialog.

Material publicerat i den elektroniska vetenskapliga publikationen "Analytics of Culturology" beaktas vid försvar av avhandlingar (kandidat och doktorsexamen) från Ryska federationens högre intygskommission. Vid skrivande av vetenskapliga uppsatser och avhandlingar är den sökande skyldig att lämna länkar till vetenskapligt arbete publiceras i elektroniska vetenskapliga tidskrifter.

Om tidskriften

Den elektroniska vetenskapliga publikationen "Analytics of Cultural Studies" är en elektronisk nätverkspublikation och har publicerats sedan 2004. Den publicerar vetenskapliga artiklar och korta meddelanden, vilket återspeglar prestationer inom området kulturstudier och relaterade vetenskaper.

Den här publikationen riktar sig till forskare, lärare, doktorander och studenter, anställda vid federala och regionala myndigheter och lokala myndigheter, alla kategorier av kulturförvaltare.

Alla publikationer granskas. Tillgång till tidningen är gratis.

Tidskriften är bedömd, har klarat undersökningen av ledande experter från den ryska vetenskapsakademin och MGUKI, information om den placeras i onlinedatabaser.

I sin verksamhet förlitar sig den elektroniska vetenskapliga publikationen "Analytics of Cultural Studies" på potentialen och traditionerna i Tambov statliga universitetet dem. G.R. Derzhavin.

Registrerad av Federal Service for Supervision of Mass Communications, Communications and Security kulturellt arv Massmedia registreringsbevis El nr FS 77-32051 daterat 22 maj 2008

Klassicism i Västeuropas arkitektur

Låt oss överlåta det till italienarna

Tom glitter med sin falska glans.

Total mening är viktigare men för att komma till honom,

Vi måste övervinna hinder och vägar,

Följ den markerade stigen strikt:

Ibland har sinnet bara ett sätt...

Du måste tänka på innebörden och först sedan skriva!

N. Boileau. "Poetisk konst".

Översättning av V. Lipetskaya

Så lärde sina samtida en av klassicismens främsta ideologer, poeten Nicolas Boileau (1636-1711). Klassicismens strikta regler förkroppsligades i Corneilles och Racines tragedier, Molières komedier och La Fontaines satirer, Lullys musik och Poussins målning, arkitekturen och utsmyckningen av Paris palats och ensembler...

Klassicismen manifesterades tydligast i arkitekturens verk, fokuserad på de bästa prestationerna från den antika kulturen - ett ordningssystem, strikt symmetri, en tydlig proportionalitet mellan delarna av kompositionen och deras underordning till den allmänna idén. Den klassicistiska arkitekturens "stränga stil" tycktes vara avsedd att visuellt förkroppsliga dess ideala formel av "ädel enkelhet och lugn storhet". Klassicismens arkitektoniska strukturer dominerades av enkla och tydliga former, en lugn harmoni av proportioner. Företräde gavs till raka linjer, diskret dekor, upprepa konturerna av föremålet. Utförandets enkelhet och ädla, praktiska och ändamålsenlighet påverkade allt.

Baserat på renässansarkitekternas idéer om den "ideala staden" skapade klassicismens arkitekter en ny typ av grandiöst palats och parkensemble, strikt underordnad en enda geometrisk plan. En av den här tidens enastående arkitektoniska strukturer var de franska kungarnas residens i utkanten av Paris - Versaillespalatset.

"Fairy Dream" från Versailles

Mark Twain, som besökte Versailles i mitten av 1800-talet.

”Jag skällde ut Ludvig XIV, som spenderade 200 miljoner dollar på Versailles när folk inte hade tillräckligt med bröd, men nu har jag förlåtit honom. Det är utomordentligt vackert! Du stirrar, öppna bara dina ögon och försök förstå att du är på jorden och inte i Edens trädgårdar. Och du är nästan redo att tro att detta är en bluff, bara en fantastisk dröm.

Visserligen förvånar Versailles "sagodrömmen" fortfarande med omfattningen av den vanliga layouten, fasadernas magnifika prakt och briljansen i den dekorativa dekorationen av interiörerna. Versailles blev en synlig förkroppsligande av klassicismens stora officiella arkitektur, som uttryckte idén om en rationellt arrangerad modell av världen.

Hundra hektar mark i en extremt en kort tid(1666-1680) förvandlades till ett stycke paradis avsett för den franska aristokratin. Arkitekterna Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) och André Le Nôtre(1613-1700). Under ett antal år har de byggt om och förändrat mycket i dess arkitektur, så att det för närvarande är en komplex sammanslagning av flera arkitektoniska lager, absorberande karaktärsdrag klassicism.

Versailles centrum är Grand Palace, dit tre konvergerande vägar leder. Beläget på en viss höjd, intar palatset en dominerande ställning över området. Dess skapare delade upp den nästan halva kilometer långa fasaden i en central del och två sidovingar - risalit, vilket gav den en speciell högtidlighet. Fasaden representeras av tre våningar. Den första, som spelar rollen som en massiv bas, är dekorerad med rustikation på modell av italienska renässanspalats-palats. På den andra framsidan finns höga välvda fönster, mellan vilka det finns joniska pelare och pilastrar. Nivån som kröner byggnaden ger slottets utseende monumentalitet: den är förkortad och avslutas med skulpturala grupper som ger byggnaden en speciell elegans och lätthet. Rytmen av fönster, pilastrar och pelare på fasaden understryker dess klassiska stramhet och storslagenhet. Det är ingen slump att Molière sa om Stora palatset i Versailles:

"Den konstnärliga utsmyckningen av palatset är så i harmoni med den perfektion som naturen ger det att det kan kallas ett magiskt slott."

Interiörer stort palats inredda i barockstil: de vimlar av skulpturala dekorationer, rik dekor i form av förgylld stuckatur och sniderier, många speglar och utsökta möbler. Väggarna och taken är täckta med färgade marmorplattor med tydliga geometriska mönster: kvadrater, rektanglar och cirklar. Pittoreska paneler och gobelänger på mytologiska teman förhärliga kung Ludvig XIV. Massiva bronskronor med förgyllning kompletterar intrycket av rikedom och lyx.

Salarna i palatset (det finns cirka 700 av dem) bildar oändliga enfilader och är avsedda för ceremoniella processioner, storslagna festligheter och maskeradbaler. I slottets största ceremonihall - Spegelgalleriet (73 m långt) - visas tydligt sökandet efter nya rumsliga och ljuseffekter. Fönstren på ena sidan av hallen matchades av speglar på den andra. Under solljus eller artificiell belysning skapade fyrahundra speglar en exceptionell rumslig effekt som förmedlar ett magiskt spel av reflektioner.

De dekorativa kompositionerna av Charles Lebrun (1619-1690) i Versailles och Louvren var slående i sin ceremoniella prakt. Den "metoden att avbilda passioner" som han proklamerade, som innebar pompösa beröm av högt uppsatta personer, gav konstnären en svindlande framgång. 1662 blev han kungens förste målare och sedan chef för den kungliga manufakturen av gobelänger (handvävda mattbilder eller gobelänger) och chef för allt dekorativt arbete i Versaillespalatset. I spegelgalleriet i palatset målade Lebrun

ett förgyllt tak med många allegoriska kompositioner på mytologiska teman som förhärligade "Solkungens" Ludvig XIV:s regeringstid. Höga pittoreska allegorier och attribut, ljusa färger och dekorativa effekter från barocken stod i tydlig kontrast till klassicismens arkitektur.

Kungens sovrum ligger i den centrala delen av palatset och vetter mot stigande sol. Det var härifrån som en vy av tre motorvägar som strålade från en punkt öppnade sig, vilket symboliskt påminde om statsmaktens huvudcentrum. Från balkongen öppnade utsikten över kungen upp för Versailles-parkens skönhet. Dess främsta skapare Andre Le Nôtre lyckades länka samman elementen i arkitektur och trädgårdskonst. Till skillnad från landskap (engelska) parker, som uttryckte idén om enhet med naturen, underordnade vanliga (franska) parker naturen till konstnärens vilja och avsikter. Parken i Versailles imponerar med sin klarhet och rationella organisation av rymden, dess ritning är noggrant verifierad av arkitekten med hjälp av en kompass och linjal.

Parkens gränder uppfattas som en fortsättning på palatsets hallar, var och en av dem slutar med en reservoar. Många pooler har rätt geometrisk form. De släta vattenspeglarna under timmarna före solnedgången reflekterar solens strålar och nyckfulla skuggor som kastas av buskar och träd trimmade i form av en kub, kon, cylinder eller boll. Grönskan bildar ibland solida, ogenomträngliga väggar, ibland breda gallerier, i konstgjorda nischer av vilka skulpturala kompositioner, hermer (tetraedriska pelare krönta med ett huvud eller byst) och många vaser med kaskader av tunna vattenstrålar placeras. Fontänernas allegoriska plasticitet, gjorda av kända mästare, är utformad för att förhärliga den absoluta monarkens regeringstid. "Solkungen" dök upp i dem antingen i skepnad av guden Apollo, eller Neptunus, ridande upp ur vattnet i en vagn eller vilande bland nymferna i en sval grotta.

Släta mattor av gräsmattor förvånar med ljusa och färgglada färger med en bisarr blomsterprydnad. I vaser (det fanns cirka 150 tusen av dem) fanns färska blommor, som ändrades på ett sådant sätt att Versailles blommade konstant när som helst på året. Parkens stigar är beströdda med färgad sand. Några av dem var fodrade med porslinschips som glittrade i solen. All denna prakt och prakt av naturen kompletterades av dofter av mandel, jasmin, granatäpple och citron, som spred sig från växthus.

Det fanns natur i den här parken

Som om livlös;

Som med en hög sonett,

De bråkade med gräset.

Ingen dans, inga söta hallon,

Le Nôtre och Jean Lully

I trädgårdar och danser av oordning

Orkade inte.

Idegranarna frös, som i trans,

Buskarna stod i rad,

Och neddragen

Lärde blommor.

V. Hugo Översättning av E. L. Lipetskaya

N. M. Karamzin (1766-1826), som besökte Versailles 1790, talade om sina intryck i en rysk resenärs brev:

”Delarnas oändlighet, den perfekta harmonin, helhetens handling: detta är vad målaren inte kan avbilda med en pensel!

Låt oss gå till trädgårdarna, skapandet av Le Nôtre, som det djärva geniet överallt placerade på den stolta konstens tron, och den ödmjuka Na-tura, som en fattig slav, kastade honom för hans fötter ...

Så leta inte efter naturen i Versailles trädgårdar; men här, vid varje steg, fängslar konst ögat ... "

Arkitektoniska ensembler i Paris. Imperium

Efter slutförandet av det huvudsakliga byggnadsarbetet i Versailles, vid sekelskiftet 1600-1700, lanserade André Le Nôtre kraftig aktivitet för ombyggnaden av Paris. Han utförde nedbrytningen av Tuilerieparken och fixerade tydligt den centrala axeln på fortsättningen av Louvren-ensemblens längsgående axel. Efter Le Nôtre byggdes slutligen Louvren upp igen, Place de la Concorde skapades. Paris stora axel gav en helt annan tolkning av staden, som uppfyllde kraven på storhet, grandiositet och prakt. Sammansättningen av öppna stadsrum, systemet med arkitektoniskt utformade gator och torg blev den avgörande faktorn i planeringen av Paris. Tydligheten i det geometriska mönstret av gator och torg länkade till en enda helhet på långa år kommer att bli ett kriterium för att utvärdera stadsplanens perfektion och stadsplanerarens skicklighet. Många städer runt om i världen kommer senare att uppleva inflytandet från den klassiska parisiska modellen.

En ny förståelse av staden som ett objekt för arkitektoniskt inflytande på en person får ett tydligt uttryck i arbetet med urbana ensembler. I processen för deras konstruktion skisserades de viktigaste och grundläggande principerna för stadsplanering av klassicismen - fri utveckling i rymden och organisk koppling till miljön. För att övervinna kaoset i stadsutvecklingen försökte arkitekterna skapa ensembler designade för en fri och fri utsikt.

Renässansdrömmar om att skapa en "ideal stad" förkroppsligades i bildandet av en ny typ av torg, vars gränser inte längre var fasaderna för vissa byggnader, utan utrymmet av gator och kvarter intill den, parker eller trädgårdar, en flodvallen. Arkitektur strävar efter att koppla samman i en viss ensemble enhet inte bara direkt angränsande byggnader, men också mycket avlägsna platser i staden.

Andra hälften av 1700-talet och den första tredjedelen av 1800-talet. firas i Frankrike ny scen utvecklingen av klassicismen och dess spridning i europeiska länder - nyklassicism. Efter den stora franska revolutionen och det patriotiska kriget 1812 dök nya prioriteringar upp i stadsplaneringen, i samklang med deras tidsanda. De hittade det mest slående uttrycket i empirestilen. Det kännetecknades av följande egenskaper: ceremoniell patos av kejserlig storhet, monumentalitet, vädjan till konsten i det kejserliga Rom och forntida Egypten, användningen av attribut av den romerska militär historia som de främsta dekorativa motiven.

Kärnan i det nya konstnärlig stil förmedlades mycket exakt i Napoleon Bonapartes betydelsefulla ord:

"Jag älskar kraft, men som artist ... älskar jag det att extrahera ljud, ackord, harmoni från det."

Empire stil blev personifieringen av Napoleons politiska makt och militära härlighet, fungerade som en slags manifestation av hans kult. Den nya ideologin mötte till fullo den nya tidens politiska intressen och konstnärliga smak. Stora arkitektoniska ensembler av öppna torg, breda gator och alléer skapades överallt, broar, monument och offentliga byggnader uppfördes, vilket demonstrerade den kejserliga storheten och makten.

Austerlitzbron påminde till exempel om det stora slaget vid Napoleon och byggdes av bastiljens stenar. På Place Carruzel byggdes Äreport för att hedra segern i Austerlitz. Två rutor (Samtycke och Stjärnor), separerade från varandra på avsevärt avstånd, var förbundna med arkitektoniska perspektiv.

Kyrkan Saint Genevieve, uppförd av J. J. Soufflot, blev Pantheon - viloplatsen för det stora folket i Frankrike. Ett av den tidens mest spektakulära monument är den stora arméns kolumn på Place Vendôme. I likhet med den antika romerska kolumnen av Trajanus, var det tänkt, enligt planen av arkitekterna J. Gonduin och J. B. Leper, att uttrycka andan i det nya imperiet och Napoleons törst efter storhet.

I den inre ljusa dekorationen av palats och offentliga byggnader värderades högtidlighet och majestätisk pompositet särskilt högt, deras inredning var ofta överbelastad med militära tillbehör. De dominerande motiven var kontrasterande kombinationer av färger, inslag av romerska och egyptiska ornament: örnar, griffiner, urnor, kransar, facklor, grotesker. Empirestilen manifesterades tydligast i interiörerna i de kejserliga residensen i Louvren och Malmaison.

Eran av Napoleon Bonaparte slutade 1815, och mycket snart började de aktivt utrota dess ideologi och smak. Från imperiet "försvann som en dröm" fanns konstverk i empirestil, som tydligt vittnade om dess forna storhet.

Frågor och uppgifter

1. Varför kan Versailles tillskrivas enastående verk?

Som stadsplanering idéer klassicism av XVIII-talet. har hittat sin praktiska tillämpning i arkitektoniska ensembler Paris, till exempel Place de la Concorde? Vad skiljer den från de italienska barocktorgen i Rom på 1600-talet, såsom Piazza del Popolo (se sid. 74)?

2. Hur kom kopplingen mellan barock och klassicism till uttryck? Vilka idéer ärvde klassicismen från barocken?

3. Vilken är den historiska bakgrunden till uppkomsten av empirestilen? Vilka nya idéer från sin tid sökte han uttrycka i konstverk? Vilka konstnärliga principer bygger den på?

kreativ verkstad

1. Ge dina klasskamrater en guidad rundtur i Versailles. För att förbereda det kan du använda videomaterial från Internet. Parkerna i Versailles och Peterhof jämförs ofta. Vad tror du ligger till grund för sådana jämförelser?

2. Försök att jämföra bilden av renässansens "idealstad" med de klassicistiska ensemblerna i Paris (S:t Petersburg eller dess förorter).

3. Jämför designen heminredning(interiörer) av Francis I:s galleri i Fontainebleau och Spegelgalleriet i Versailles.

4. Bekanta dig med målningarna av den ryske konstnären A. N. Benois (1870-1960) från cykeln "Versailles. Walk of the King” (se s. 74). Hur förmedlar de den allmänna atmosfären i den franske kungen Ludvig XIV:s hovliv? Varför kan de betraktas som speciella bildsymboler?

Ämnen för projekt, sammanfattningar eller meddelanden

"Klassicismens bildande i fransk arkitektur på 1600- och 1700-talen"; "Versailles som en modell för harmoni och skönhet i världen"; "Gå runt i Versailles: sambandet mellan palatsens sammansättning och parkens layout"; "Mästerverk av den västeuropeiska klassicismens arkitektur"; "Napoleonska imperiet i Frankrikes arkitektur"; "Versailles och Peterhof: erfarenhet jämförande egenskaper»; « Konstnärliga upptäckter i Paris arkitektoniska ensembler”; "Paris torg och utvecklingen av principerna för regelbunden planering av staden"; "Klarhet i sammansättning och balans av volymer av katedralen i Invalides i Paris"; "Concord Square är ett nytt steg i utvecklingen av klassicismens stadsplaneringsidéer"; "Den svåra uttrycksfullheten i volymer och snålheten i dekoren av kyrkan St. Genevieve (Pantheon) av J. Soufflot"; "Klassicismens drag i arkitekturen i västeuropeiska länder"; "Enastående arkitekter av västeuropeisk klassicism".

Böcker för ytterligare läsning

Arkin D. E. Bilder av arkitektur och bilder av skulptur. M., 1990. Kantor A. M. och andra. Konst från 1800-talet. M., 1977. (Liten konsthistoria).

Klassicism och romantik: Arkitektur. Skulptur. Målning. Ritning / red. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. Art of France på 1700-talet. L., 1971.

LenotrJ. Vardagslivet i Versailles under kungarna. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Upplysningstidens kultur. M., 1996.

Watkin D. Västeuropeisk arkitekturs historia. M., 1999. Fedotova E.D. Napoleonska riket. M., 2008.

Vid förberedelse av materialet, texten i läroboken "World konstkultur. Från 1700-talet till nutid” (Författare Danilova G. I.).

Renässanskonst

Renässans- detta är storhetstid för all konst, inklusive teatern, litteraturen och musiken, men utan tvekan var den främsta bland dem, som mest fullständigt uttryckte sin tids anda, de sköna konsterna.

Det är ingen slump att det finns en teori om att renässansen började med det faktum att konstnärer inte längre var nöjda med ramarna för den dominerande "bysantinska" stilen och, på jakt efter modeller för sitt arbete, var de första att vända sig till till antiken. Termen "renessans" (renässans) introducerades av tänkaren och konstnären från själva eran, Giorgio Vasari ("Biografi över kända målare, skulptörer och arkitekter"). Så han kallade tiden från 1250 till 1550. Ur hans synvinkel var detta tiden för antikens väckelse. För Vasari framstår antiken på ett idealiskt sätt.

I framtiden har innehållet i termen utvecklats. Väckelsen började betyda vetenskapens och konstens frigörelse från teologin, en kylning mot kristen etik, födelsen av nationella litteraturer, människans önskan om frihet från den katolska kyrkans restriktioner. Det vill säga, renässansen, i huvudsak, började betyda humanism.

REVIVAL, RENAISSANCE(Fransk renais sance - återfödelse) - en av de största epoker, en vändpunkt i utvecklingen av världskonsten mellan medeltiden och den nya tiden. Renässansen täcker XIV-XVI-talen. i Italien, XV-XVI århundraden. i andra europeiska länder. Dess namn - renässans (eller renässans) - denna period i utvecklingen av kultur mottogs i samband med återupplivandet av intresset för gammal konst. Men dåtidens konstnärer kopierade inte bara gamla mönster, utan lade också in ett kvalitativt nytt innehåll i dem. Renässansen bör inte betraktas som en konstnärlig stil eller riktning, eftersom det i denna tid fanns olika konstnärliga stilar, trender, strömningar. Renässansens estetiska ideal bildades utifrån en ny progressiv världsbild - humanismen. Den verkliga världen och människan utropades till det högsta värdet: Människan är alla tings mått. Den kreativa personens roll har särskilt ökat.

Tidens humanistiska patos förkroppsligades bäst i konsten, som liksom under tidigare århundraden syftade till att ge en bild av universum. Det nya var att man försökte förena det materiella och det andliga till en helhet. Det var svårt att hitta en person som var likgiltig för konst, men företräde gavs bild och form och arkitektur.

Italiensk målning från 1400-talet mestadels monumentala (fresker). Måleriet intar en ledande plats bland olika typer av konst. Det överensstämmer till fullo med renässansprincipen om att "imitera naturen". Ett nytt visuellt system bildas på grundval av studiet av naturen. Konstnären Masaccio gjorde ett värdigt bidrag till utvecklingen av en förståelse för volym, dess överföring med hjälp av chiaroscuro. Upptäckt och vetenskapligt belägg för lagarna för linjär och flygperspektiv avsevärt påverkat det europeiska måleriets vidare öde. Ett nytt plastspråk för skulptur håller på att bildas, dess grundare var Donatello. Han återupplivade den fristående runda statyn. Hans bästa verk är skulpturen av David (Florens).

Inom arkitekturen återuppstår principerna för det antika ordningssystemet, vikten av proportioner höjs, nya typer av byggnader bildas (stadspalats, lantvilla etc.), arkitekturteorin och konceptet om en idealstad är utvecklas. Arkitekten Brunelleschi byggde byggnader där han kombinerade den antika förståelsen av arkitektur och den sena gotikens traditioner, vilket uppnådde en ny figurativ andlighet av arkitektur, okänd för de gamla. Under högrenässansen förkroppsligades den nya världsbilden bäst i verk av konstnärer som med rätta kallas genier: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione och Titian. De sista två tredjedelarna av 1500-talet kallas senrenässansen. Vid den här tiden omfattar krisen konst. Det blir reglerat, hövligt, tappar sin värme och naturlighet. Men enskilda stora artister - Titian, Tintoretto fortsätter att skapa mästerverk under denna period.

Den italienska renässansen hade en enorm inverkan på konsten i Frankrike, Spanien, Tyskland, England och Ryssland.

Uppgången i utvecklingen av konsten i Nederländerna, Frankrike och Tyskland (XV-XVI århundraden) kallas den norra renässansen. Målarna Jan van Eycks, P. Brueghel den äldres arbete är denna periods höjdpunkt i konstens utveckling. I Tyskland var A. Dürer den tyska renässansens största konstnär.

De upptäckter som gjordes under renässansen inom området andlig kultur och konst var av stor historisk betydelse för utvecklingen av europeisk konst under de följande århundradena. Intresset för dem fortsätter än i dag.

Renässansen i Italien gick igenom flera stadier: tidig renässans, högrenässans, sen renässans. Florens blev renässansens födelseplats. Grunden till den nya konsten utvecklades av målaren Masaccio, skulptören Donatello och arkitekten F. Brunelleschi.

Den första som skapade målningar istället för ikoner var proto-renässansens största mästare Giotto. Han var den första som strävade efter att förmedla kristna etiska idéer genom skildringen av verkliga mänskliga känslor och upplevelser, och ersatte symbolik med skildringen av verklig rymd och specifika föremål. På Giottos berömda fresker i Arenakapellet i Padua du kan se ganska ovanliga karaktärer bredvid helgonen: herdar eller en spinnare. Varje enskild person i Giotto uttrycker ganska bestämda upplevelser, en bestämd karaktär.

Under den tidiga renässansens era inom konst sker utvecklingen av det antika konstnärliga arvet, nya etiska ideal bildas, konstnärer vänder sig till vetenskapens prestationer (matematik, geometri, optik, anatomi). Den ledande rollen i bildandet av de ideologiska och stilistiska principerna för konsten från den tidiga renässansen spelas av Florens. I bilderna skapade av sådana mästare som Donatello, Verrocchio, dominerar ryttarstatyn av condottiere Gattamelata David av Donatello de heroiska och patriotiska principerna ("St. George" och "David" av Donatello och "David" av Verrocchio).

Masaccio var grundaren av renässansmåleriet.(väggmålningar i Brancacci-kapellet, "Trenity"), kunde Masaccio förmedla rymdens djup, kopplade ihop figuren och landskapet med en enda kompositionsidé och gav individer porträttexpressivitet.

Men bildandet och utvecklingen av det bildliga porträttet, som återspeglade renässanskulturens intresse för människan, är förknippade med namnen på konstnärerna i Umrbi-skolan: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Konstnärens verk skiljer sig från den tidiga renässansen Sandro Botticelli. Bilderna han skapade är andliga och poetiska. Forskare noterar abstraktionen och den förfinade intellektualismen i konstnärens verk, hans önskan att skapa mytologiska kompositioner med komplicerat och krypterat innehåll ("Våren", "Venus födelse").En av Botticellis biografer sa att hans Madonnor och Venuser ger intryck av att förlust, vilket orsakar oss en känsla av outplånlig sorg... Vissa av dem förlorade himlen, andra - jorden.

"Vår" "Venus födelse"

Kulmen i utvecklingen av den italienska renässansens ideologiska och konstnärliga principer är Högrenässans. Grundaren av högrenässansens konst är Leonardo da Vinci - stor konstnär och vetenskapsman.

Han skapade ett antal mästerverk: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Strängt taget kännetecknas Giocondans själva ansikte av återhållsamhet och lugn, det leende som skapade hennes världsberömmelse och som senare blev en oumbärlig del av verken av Leonardo-skolan märks knappt i den. Men i det mjukt smältande diset som omsluter ansiktet och figuren lyckades Leonardo få känna den gränslösa variationen hos mänskliga ansiktsuttryck. Även om ögonen på Gioconda tittar uppmärksamt och lugnt på betraktaren, på grund av skuggan av hennes ögonhålor, kan man tycka att de rynkar en aning; hennes läppar är sammanpressade, men knappt märkbara skuggor är skisserade nära deras hörn, vilket får dig att tro att de varje minut kommer att öppnas, le, tala. Själva kontrasten mellan hennes blick och halvleendet på hennes läppar ger en uppfattning om den motsägelsefulla karaktären av hennes upplevelser. Det var inte förgäves som Leonardo torterade sin modell med långa sessioner. Som ingen annan lyckades han förmedla skuggor, nyanser och halvtoner i denna bild, och de ger upphov till en känsla av darrande liv. Inte konstigt att Vasari trodde att man på halsen på Mona Lisa kan se hur en ven slår.

I porträttet av Gioconda förmedlade Leonardo inte bara kroppen och luftmiljön som omsluter den perfekt. Han lade också in en förståelse för vad ögat behöver för att en bild ska ge ett harmoniskt intryck, varför allt ser ut som om formerna naturligt föds ur varandra, som händer i musik när en spänd dissonans löses upp. med ett harmoniskt ackord. Gioconda är perfekt inskriven i en strikt proportionell rektangel, hennes halvfigur bildar något helt, vikta händer ger hennes bild fullständighet. Nu kunde det naturligtvis inte vara fråga om de bisarra lockarna från den tidiga bebådelsen. Men oavsett hur mjuka alla konturer är, är det vågiga locket i Giocondas hår i samklang med den genomskinliga slöjan, och det hängande tyget som kastas över axeln finner ett eko i de mjuka slingrarna på den avlägsna vägen. I allt detta visar Leonardo sin förmåga att skapa enligt lagarna för rytm och harmoni. ”Teknikmässigt har Mona Lisa alltid ansetts vara något oförklarligt. Nu tror jag att jag kan svara på den här gåtan”, säger Frank. Enligt honom använde Leonardo tekniken han utvecklade "sfumato" (italienska "sfumato", bokstavligen - "försvann som rök"). Tricket är att föremålen i målningarna inte ska ha tydliga gränser, allt ska gå smidigt från det ena till det andra, föremålens konturer mjukas upp med hjälp av den lätta luftdisen som omger dem. Den största svårigheten med denna teknik ligger i de minsta slagen (cirka en kvarts millimeter) som inte är tillgängliga för igenkänning vare sig i mikroskop eller med röntgenstrålar. Det tog alltså flera hundra sessioner att måla en da Vinci-målning. Bilden av Mona Lisa består av cirka 30 lager flytande, nästan genomskinlig oljefärg. För sådant smyckesarbete var konstnären tydligen tvungen att använda ett förstoringsglas. Kanske förklarar användningen av en så mödosam teknik den långa tiden som ägnas åt att arbeta på porträttet - nästan 4 år.

, "Sista måltiden" gör ett bestående intryck. På väggen, som om man skulle övervinna den och ta med betraktaren in i en värld av harmoni och majestätiska visioner, utspelar sig det uråldriga evangeliedramat om vilseledd tillit. Och detta drama finner sin upplösning i en allmän impuls riktad mot huvudpersonen - en make med ett sorgset ansikte, som accepterar det som händer som oundvikligt. Kristus hade just sagt till sina lärjungar: "En av er kommer att förråda mig." Förrädaren sitter med de andra; de gamla mästarna avbildade Judas sittande separat, men Leonardo tog fram sin dystra isolering mycket mer övertygande och höljde sina ansikten med en skugga. Kristus är undergiven sitt öde, full av medvetenhet om offret av sin bedrift. Hans lutande huvud med sänkta ögon, hans händers gest är oändligt vacker och majestätisk. Ett charmigt landskap öppnar sig genom fönstret bakom hans gestalt. Kristus är centrum för hela kompositionen, i all den där virveln av passioner som rasar runt. Hans sorg och lugn är så att säga eviga, naturliga - och detta är den djupa innebörden av dramat som visas. Han letade efter källorna till perfekta former av konst i naturen, men N. Berdyaev anser honom vara ansvarig för den kommande processen av mekanisering och mekanisering av mänskligt liv, som slet en person från naturen.

Målning uppnår klassisk harmoni i kreativitet Raphael. Hans konst utvecklas från de tidiga kyliga umbriska bilderna av Madonnas (Madonna Conestabile) till världen av "glad kristendom" av florentinska och romerska verk. "Madonna med en guldfink" och "Madonna i en fåtölj" är mjuka, humana och till och med vanliga i sin mänsklighet.

Men bilden av den "sixtinska madonnan" är majestätisk och förbinder symboliskt de himmelska och jordiska världarna. Mest av allt är Raphael känd som skaparen av milda bilder av Madonnor. Men i måleriet förkroppsligade han både renässansens universella människas ideal (porträtt av Castiglione) och dramat av historiska händelser. Den sixtinska madonnan (ca 1513, Dresden, konstgalleri) är ett av konstnärens mest inspirerade verk. Skrivet som en altartavla för kyrkan i klostret St. Sixtus in Piacenza, denna målning, när det gäller design, komposition och tolkning av bilden, skiljer sig väsentligt från Madonnorna under den florentinska perioden. Istället för en intim och jordisk bild av en vacker ung jungfru som nedlåtande följer två spädbarns nöjen, har vi här en underbar vision som plötsligt dök upp på himlen på grund av en gardin som drogs tillbaka av någon. Omgiven av en gyllene strålglans, högtidlig och majestätisk, går Maria genom molnen och håller Kristusbarnet framför sig. Vänster och höger knä framför hennes St. Sixtus och St. Barbara. Den symmetriska, strikt balanserade kompositionen, silhuettens klarhet och den monumentala generaliseringen av formerna ger den sixtinska madonnan en speciell storhet.

I den här bilden lyckades Raphael, kanske i större utsträckning än någon annanstans, kombinera bildens verklighetstrogna sanning med drag av idealisk perfektion. Bilden av Madonnan är komplex. Den rörande renheten och naiviteten hos en mycket ung kvinna kombineras i honom med fast beslutsamhet och heroisk beredskap för offer. Detta hjältemod gör bilden av Madonnan relaterad till den italienska humanismens bästa traditioner. Kombinationen av det ideala och det verkliga i den här bilden för tankarna till Rafaels välkända ord från ett brev till sin vän B. Castiglione. "Och jag ska säga dig," skrev Raphael, "att för att skriva en skönhet behöver jag se många skönheter ... men på grund av bristen ... hos vackra kvinnor använder jag en idé som kommer till mig . Om det har någon perfektion vet jag inte, men jag försöker mycket hårt för att uppnå det. Dessa ord kastar ljus över konstnärens kreativa metod. Utgår från verkligheten och förlitar sig på den, samtidigt strävar han efter att höja bilden över allt som är oavsiktligt och övergående.

Michelangelo(1475-1564) - utan tvekan en av de mest inspirerade konstnärerna i konsthistorien och, tillsammans med Leonardo da Vinci, den mäktigaste figuren i den italienska högrenässansen. Som skulptör, arkitekt, målare och poet hade Michelangelo ett enormt inflytande på sin samtid och på efterföljande västerländsk konst i allmänhet.

Han ansåg sig vara en florentinare – även om han föddes den 6 mars 1475 i den lilla byn Caprese nära staden Arezzo. Michelangelo älskade djupt sin stad, dess konst, kultur och bar denna kärlek till sina dagars slut. Han tillbringade större delen av sina mogna år i Rom och arbetade för påvarna; dock lämnade han ett testamente, i enlighet med vilket hans kropp begravdes i Florens, i en vacker grav i kyrkan Santa Croce.

Michelangelo uppträdde marmorskulptur Pieta(Kristi klagan) (1498-1500), som fortfarande finns på sin ursprungliga plats - i Peterskyrkan. Detta är en av de mest kända verk i världskonstens historia. Pietan färdigställdes förmodligen av Michelangelo innan han var 25 år gammal. Detta är det enda verk han har skrivit på. Den unga Maria avbildas med den döde Kristus på knä, en bild lånad från nordeuropeisk konst. Marys blick är inte så ledsen som högtidlig. Detta är den högsta kreativiteten hos den unge Michelangelo.

Inte mindre betydande verk av den unge Michelangelo var en gigantisk (4,34 m) marmorbild David(Academy, Florens), avrättad mellan 1501 och 1504, efter att ha återvänt till Florens. Gamla testamentets hjälte avbildas av Michelangelo i form av en stilig, muskulös, naken ung man som oroligt tittar i fjärran, som om han bedömer sin fiende - Goliat, som han måste slåss med. Det livliga, spända uttrycket i Davids ansikte är karakteristiskt för många av Michelangelos verk - detta är ett tecken på hans individuella skulpturala sätt. David, Michelangelos mest kända skulptur, har blivit en symbol för Florens och placerades ursprungligen på Piazza della Signoria framför Palazzo Vecchio, det florentinska rådhuset. Med denna staty bevisade Michelangelo för sin samtid att han inte bara överträffade alla samtida konstnärer, utan också antikens mästare.

Målning på Sixtinska kapellets valv 1505 kallades Michelangelo till Rom av påven Julius II för att uppfylla två order. Den viktigaste var freskmålningen av Sixtinska kapellets valv. När han arbetade liggande på höga byggnadsställningar precis under taket, skapade Michelangelo de vackraste illustrationerna till några bibliska berättelser mellan 1508 och 1512. På det påvliga kapellets valv avbildade han nio scener ur Första Moseboken, som började med Ljusets Separation från Mörkret och inkluderade Adams Skapelse, Evas Skapelse, Adams och Evas frestelse och fall och syndafloden. . Runt huvudmålningarna växlar bilder av profeter och sibyllor på marmortroner, andra Gamla testamentets karaktärer och Kristi förfäder.

För att förbereda sig för detta fantastiska arbete gjorde Michelangelo ett stort antal skisser och kartonger, på vilka han avbildade figurerna av sittarna i en mängd olika poser. Dessa kungliga, kraftfulla bilder bevisar konstnärens mästerliga förståelse av mänsklig anatomi och rörelse, vilket gav impulser till en ny riktning i västeuropeisk konst.

Två andra utmärkta statyer, Bunden fånge och en slavs död(båda ca 1510-13) finns i Louvren, Paris. De visar Michelangelos inställning till skulptur. Enligt hans åsikt är figurerna helt enkelt inneslutna i marmorblocket, och det är konstnärens uppgift att befria dem genom att ta bort den överflödiga stenen. Ofta lämnade Michelangelo skulpturerna ofullbordade, antingen för att de inte längre behövdes eller helt enkelt för att de tappade intresset för konstnären.

San Lorenzos bibliotek Projektet med Julius II:s grav krävde arkitektoniska studier, men Michelangelos seriösa arbete på det arkitektoniska området började först 1519, då han beordrades att fasadera biblioteket St. Lawrence i Florens, dit konstnären återvände igen ( detta projekt genomfördes aldrig). På 1520-talet ritade han också den eleganta entréhallen till biblioteket som gränsar till kyrkan San Lorenzo. Dessa strukturer färdigställdes bara några decennier efter författarens död.

Michelangelo, en anhängare av den republikanska fraktionen, deltog under åren 1527-29 i kriget mot Medici. Hans ansvar omfattade byggandet och återuppbyggnaden av Florens befästningar.

Medici kapell. Efter att ha bott i Florens under en ganska lång period slutförde Michelangelo mellan 1519 och 1534 familjen Medicis uppdrag att uppföra två gravar i den nya sakristian i kyrkan San Lorenzo. I en sal med ett högt kupolvalv reste konstnären två magnifika gravar mot väggarna, avsedda för Lorenzo De Medici, hertig av Urbino och för Giuliano De Medici, hertig av Nemours. Två komplexa gravar tänktes som representationer av motsatta typer: Lorenzo - en person innesluten i sig själv, en eftertänksam, tillbakadragen person; Giuliano är tvärtom aktiv, öppen. Ovanför Lorenzos grav placerade skulptören allegoriska skulpturer av morgon och kväll, och ovanför Giulianos grav - allegorier om dag och natt. Arbetet med Medici-gravarna fortsatte efter att Michelangelo återvänt till Rom 1534. Han besökte aldrig sin älskade stad igen.

Sista domen

Från 1536 till 1541 arbetade Michelangelo i Rom med att måla altarväggen i Sixtinska kapellet i Vatikanen. Renässansens största fresk föreställer den yttersta domens dag.Kristus delar med en brinnande blixt i handen obönhörligen alla jordens invånare i de frälsta rättfärdiga, avbildade på kompositionens vänstra sida, och syndare som stiger ned till Dantes helvete (vänster sida av fresken). Strikt efter sin egen tradition målade Michelangelo ursprungligen alla figurerna nakna, men ett decennium senare "klädde" någon puritansk konstnär dem när det kulturella klimatet blev mer konservativt. Michelangelo lämnade sitt eget självporträtt på fresken - hans ansikte är lätt att gissa på huden sliten från den helige martyraposteln Bartolomeus.

Även om Michelangelo under denna period hade andra bilduppdrag, som att måla apostelns kapell (1940), försökte han först och främst ägna all sin kraft åt arkitektur.

Kupolen av Peterskyrkan. 1546 utsågs Michelangelo till huvudarkitekt för Peterskyrkan i Vatikanen, som var under uppbyggnad. Byggnaden byggdes enligt Donato Bramantes plan, men Michelangelo blev i slutändan ansvarig för byggandet av altarabsiden och för utvecklingen av den tekniska och konstnärliga lösningen för katedralens kupol. Slutförandet av byggandet av Peterskyrkan var den florentinska mästarens högsta prestation inom arkitekturområdet. Under sitt långa liv var Michelangelo en nära vän med prinsar och påvar, från Lorenzo de Medici till Leo X, Clement VIII och Pius III, samt många kardinaler, målare och poeter. Konstnärens karaktär, hans position i livet är svår att entydigt förstå genom hans verk - de är så olika. Förutom kanske i poesi, i sina egna dikter, vände sig Michelangelo oftare och djupare till frågor om kreativitet och sin plats i konsten. En stor plats i hans dikter ges åt de problem och svårigheter som han hade att möta i sitt arbete, och personliga relationer med de mest framstående representanterna för den tiden. kända poeter Renässansen Lodovico Ariosto skrev ett epitafium för detta känd konstnär: "Michele är mer än en dödlig, han är en gudomlig ängel."

Utseendet på termen "renässans" (renässans, renässans) faller på XVI-talet. skrev om renässans» Italiens konst - den första historiografen Italiensk konst, en stor målare, författare till den berömda "De mest kända målarnas, skulptörernas och arkitekternas liv" (1550) - Giorgio Vasari.

Detta koncept har sitt ursprung i grunden för det utbredda på den tiden historiska koncept, enligt vilken medeltidens era kännetecknades av konstant barbari, okunnighet, som följde på fallet stor civilisation klassisk arkaisk.

Om vi ​​talar om medeltiden som någon form av enkel i kulturutvecklingen, är det nödvändigt att ta hänsyn till dåtidens historikers antaganden om konst. Man trodde att konsten, som i Förr blomstrade i den antika världen, finner sin första väckelse till en ny tillvaro just i sin tid.

Vår/ Sandro Botticelli

I den första medvetenheten tolkades termen "väckelse" inte så mycket som namnet på hela eran, utan snarare exakt tid(vanligtvis början av XIV-talet) uppkomsten av ny konst. Först efter en viss period fick detta begrepp en bredare tolkning och började i Italien och andra länder beteckna epoken för bildandet och blomstringen av en kultur i motsats till feodalismen.

Nu anses medeltiden inte vara ett avbrott i Europas konstnärliga kulturs historia. Under förra seklet påbörjades en grundlig studie av medeltidens konst, som kraftigt intensifierats under det senaste halvseklet. Det ledde till hans omprövning och visade till och med det renässanskonstär skyldig medeltiden mycket.

Men man ska inte tala om renässansen som en trivial fortsättning på medeltiden. Vissa moderna västeuropeiska historiker har gjort försök att sudda ut gränsen mellan medeltid och renässans, men har inte funnit bekräftelse i historiska fakta. Faktum är att analysen av renässansens kulturminnen indikerar förkastandet av de flesta av de grundläggande övertygelserna om den feodala världsbilden.

Allegori om kärlek och tid/ Agnola Bronzino

Medeltida askes och insikt om allt världsligt håller på att ersättas av ett omättligt intresse för den verkliga världen med naturens storhet och skönhet och, naturligtvis, för människan. Tro på superkrafter mänskliga sinnet som det högsta sanningskriteriet, ledde till den prekära ställningen av teologins oberörda företräde framför vetenskapen, så karakteristiskt för medeltiden. Underordning mänsklig personlighet kyrkliga och feodala myndigheter ersätts av principen om fri utveckling av individualiteten.

Medlemmar av den nyligen präglade sekulära intelligentsian ägnade all uppmärksamhet åt de mänskliga aspekterna i motsats till de gudomliga och kallade sig humanister (från begreppet Ciceros tid "studia hmnanitatis", vilket betyder studiet av allt som har samband med den mänskliga naturen och hans andliga värld ). Denna term är en återspegling av en ny inställning till verkligheten, renässanskulturens antropocentrism.

Ett brett utbud för kreativa impulser öppnades under perioden av det första heroiska anfallet på den feodala världen. Människorna i denna era har redan avstått från det förflutnas nätverk, men har ännu inte hittat nya. De trodde att deras möjligheter var oändliga. Det var från detta som födelsen av optimism, som är så karakteristisk för Renässanskultur.

sovande venus/ Giorgione

Glad karaktär och oändlig tro på livet gav upphov till tro på gränslösheten av möjligheter för sinnet och möjligheten att utveckla personligheten harmoniskt och utan hinder.
renässanskonst i många avseenden står den i kontrast till medeltiden. Europeisk konstnärlig kultur får sin utveckling i formandet av realism. Detta sätter sin prägel både på spridningen av bilder av sekulär karaktär, utvecklingen av landskap och porträtt, nära genretolkningen av ibland religiösa ämnen, och på den radikala förnyelsen av en hel konstnärlig organisation.

Medeltida konst baserades på idén om universums hierarkiska struktur, vars kulmen låg utanför kretsen av jordisk existens, som ockuperade en av de sista platserna. Det fanns en försämring av jordiska verkliga kopplingar och fenomen i tid med rymden, eftersom konstens huvuduppgift var den visuella förkroppsligandet av den värdeskalan som skapats av teologi.

Under renässansen bleknar det spekulativa konstsystemet, och i dess ställe kommer ett system baserat på den kunskap och objektiva bild av världen som presenteras för människan. Det är därför en av renässanskonstnärernas huvuduppgifter var frågan om att reflektera rymden.

På 1400-talet uppfattades denna fråga överallt, med den enda skillnaden att norra Europa (Nederländerna) gick mot en objektiv konstruktion av rymden i etapper på grund av empiriska observationer, och grundandet av Italien under första hälften av talet var baserat på geometri och optik.

David/ Donatello

Detta antagande, som ger möjligheten att konstruera en tredimensionell bild på ett plan, som skulle vara orienterad mot betraktaren, med hänsyn till hans synvinkel, fungerade som en seger över medeltidens koncept. Den visuella representationen av en person visar den nya konstnärliga kulturens antropocentriska inriktning.

Renässansens kultur visar tydligt det karakteristiska sambandet mellan vetenskap och konst. En speciell roll tilldelades den kognitiva principen för att på ett ganska sanningsenligt sätt kunna skildra världen och människan. Naturligtvis ledde sökandet efter stöd till konstnärer inom vetenskapen till att själva vetenskapens utveckling stimulerades. Under renässansen dök många konstnärer-forskare upp, ledda av Leonardo da Vinci.

Nya synsätt på konsten dikterade ett nytt sätt att skildra mänsklig figur och överföring av åtgärder. Den tidigare idén från medeltiden om kanoniteten av gester, ansiktsuttryck och tillåten godtycke i proportioner motsvarade inte en objektiv syn på världen omkring oss.

För renässansens verk är mänskligt beteende inneboende, inte föremål för ritualer eller kanoner, utan för psykologisk konditionering och utveckling av handlingar. Konstnärer försöker föra figurernas proportioner närmare verkligheten. Till detta går de olika sätt, så i Europas norra länder sker detta empiriskt, och i Italien sker studiet av verkliga former i samband med kunskapen om den klassiska antikens monument (norra Europa bifogas först senare).

Humanismens ideal genomsyrar renässanskonst, skapar bilden av en vacker, harmoniskt utvecklad person. För renässanskonst är karakteristiskt: titanism av passioner, karaktärer och hjältemod.

Renässansmästare skapar bilder som förkroppsligar den stolta medvetenheten om deras krafter, oändligheten mänskliga förmågor inom kreativitet och sann tro på sin viljas frihet. Många skapelser av renässanskonst överensstämmer med detta uttryck för den berömda italienska humanismen Pico della Mirandola: "Åh, det underbara och sublima syftet med en person som är given att uppnå det han strävar efter och vara vad han vill."

Leda och Svanen/ Leonardo Da Vinci

Om beslutsamheten för de sköna konsternas natur i större utsträckning var viljan att visa verkligheten sanningsenligt, så spelade överklagandet till den klassiska traditionen en viktig roll i bildandet av nya arkitektoniska former. Detta bestod inte bara i att återskapa det gamla ordningssystemet och avstå från gotiska konfigurationer, utan också i klassisk proportionalitet, den nya arkitekturens antropocentriska karaktär och i utformningen av centriska byggnader i tempelarkitekturen, där det inre utrymmet var lätt synligt.

Inom området civil arkitektur skapades många nya skapelser. Så under renässansen får offentliga byggnader i flera våningar: stadshus, universitet, hus av handelsskrån, utbildningshus, lager, marknader, lagerhus mer elegant dekoration. En typ av stadspalats dyker upp, eller på annat sätt ett palats - hemmet för en förmögen borgare, samt en slags villa på landet. Nya system för fasaddekoration bildas, ett nytt konstruktivt system av en tegelbyggnad utvecklas (bevarad i europeisk konstruktion fram till 1900-talet), som kombinerar tegel- och trägolv. Stadsplaneringsproblem löses på ett nytt sätt, stadskärnor byggs om.

Ny arkitektonisk stil fick liv med hjälp av avancerad hantverksbyggnadsteknik, utarbetad av medeltiden. I grund och botten var renässansarkitekter direkt involverade i utformningen av byggnaden och styrde dess genomförande i verkligheten. I regel hade de även en rad andra specialiteter med anknytning till arkitektur, såsom: skulptör, målare, ibland dekoratör. Kombinationen av färdigheter bidrog till att den konstnärliga kvaliteten på strukturerna växte.

Jämfört med medeltiden, då verkens huvudkunder var stora feodalherrar och kyrkan, vidgas nu kundkretsen med en förändring av den sociala sammansättningen. Skråföreningar av hantverkare, köpmansskrån och även privatpersoner (adel, borgare), tillsammans med kyrkan, ger ganska ofta order till konstnärer.

Konstnärens sociala status förändras också. Trots att konstnärer är på jakt och kommer in i verkstäderna får de ofta utmärkelser och höga utmärkelser, upptar platser i stadsfullmäktige och utför diplomatiska uppdrag.
Det sker en utveckling av en persons inställning till de sköna konsterna. Om det tidigare var på hantverkets nivå, är det nu i nivå med vetenskaperna, och konstverk börjar för första gången betraktas som ett resultat av andlig kreativ aktivitet.

Sista domen/ Michelangelo

Framväxten av nya tekniker och konstformer provoceras av den ökade efterfrågan och ökningen av antalet sekulära kunder. Monumentala former åtföljs av staffli: målning på duk eller trä, träskulptur, majolika, brons, terrakotta. Den ständigt växande efterfrågan på konstverk ledde till utseendet av gravyrer på trä och metall - den billigaste och mest populära formen av konst. Denna teknik gjorde det för första gången möjligt att återge bilder i ett stort antal kopior.
En av huvuddragen i den italienska renässansen är den utbredda användningen av traditionerna från det antika arvet som inte dör i Medelhavsområdet. Här dök intresset för den klassiska antiken upp mycket tidigt – även i verk av italienska urrenässanskonstnärer från Piccolo och Giovanni Pisano till Ambrogio Lorsnzetti.

Studiet av antiken på 1400-talet blir en av de humanistiska studiernas nyckeluppgifter. Det sker en betydande expansion av information om kultur antika världen. I biblioteken i gamla kloster hittades många manuskript av tidigare okända verk av antika författare. Sökandet efter konstverk gjorde det möjligt att upptäcka många gamla statyer, reliefer och så småningom fresker. antika Rom. De studerades ständigt av konstnärer. Exempel inkluderar den överlevande nyheten om en resa till Rom av Donatello och Brunelleschi för att mäta och skissa monument av antik romersk arkitektur och skulptur, verk av Leon Battista Alberti, om Raphaels studie av nyupptäckta reliefer och målning, hur den unge Michelangelo kopierade antik skulptur. Italiens konst berikades (på grund av den ständiga vädjan till antiken) med en mängd tekniker, motiv och former som var nya för den tiden, samtidigt som det gav en touch av heroisk idealisering, som var helt frånvarande i verken av konstnärer från norra Europa.

Det fanns ett annat huvuddrag i den italienska renässansen - dess rationalitet. Många människor arbetade med bildandet av konstens vetenskapliga grunder. italienska konstnärer. Således, i kretsen av Brunelleschi, Masaccio och Donatello, bildades teorin om linjärt perspektiv, som sedan presenterades i avhandlingen från 1436 av Leon Battista Alberti "The Book of Painting". Ett stort antal konstnärer deltog i utvecklingen av perspektivteorin, särskilt Paolo Uccello och Piero della Francesca, som skrev avhandlingen Om det pittoreska perspektivet 1484-1487. Det är slutligen i den som försök att tillämpa matematisk teori på konstruktionen av den mänskliga figuren är synliga.

Det är också värt att notera andra städer och regioner i Italien som spelade en framträdande roll i utvecklingen av konst: på XIV-talet - Siena, på XV-talet - Umbrcia, Padua, Venedig, Ferrara. På 1500-talet vissnade mångfalden av lokala skolor bort (enda undantaget är det ursprungliga Venedig), och under en viss period koncentrerades landets ledande konstnärliga krafter till Rom.

Skillnader i bildandet och utvecklingen av konsten i enskilda regioner i Italien stör inte skapandet och underordnandet av ett allmänt mönster, vilket gör att vi kan beskriva de viktigaste utvecklingsstadierna Italiensk renässans. Modern konsthistoria delar in den italienska renässansens historia i fyra stadier: proto-renässansen (slutet av 1200-talet - första hälften av 1300-talet), tidig renässans (1400-talet), högrenässansen (slutet av 1300-talet). den 15:e - de tre första decennierna av 1500-talet) och den sena renässansen (mitten och andra hälften av 1500-talet).

Italiensk renässans (25:24)

En underbar film av Vladimir Ptashchenko, släppt som en del av serien Masterpieces of the Hermitage