การบรรยายในดนตรีคืออะไร? โครงการ Recitative ของ Sergei Khodnev: ตัวอย่างในดนตรีร่วมสมัย

บทบรรยาย (บรรยาย) - เสียงร้อง รูปแบบดนตรีน. บทสนทนาไพเราะชนิดหนึ่ง.

มีวลีที่จำเป็นต้องใช้การท่องจำอย่างแม่นยำเนื่องจากความรู้สึกมากเกินไป รูปแบบดนตรีที่พัฒนามากขึ้นจะไม่เป็นธรรมชาติที่นี่ การบรรยายเป็นคำพูดที่ดำเนินไป ระดับสูงสุดการแสดงออกด้วยความแม่นยำและชัดเจน จังหวะดนตรีเช่นเดียวกับการกำหนดที่แน่นอนของการขึ้นและลงของเสียง

เมื่อข้อความของบทบรรยายมีเนื้อร้องมากขึ้นและรูปแบบก็ขยายออก ได้รับเนื้อหาทางดนตรีมากขึ้น บทบรรยายจึงมีสามประเภท :

1) แห้ง (Secco); 2) วัด (จังหวะ); 3)ไพเราะ(อร้องเพี้ยน)

ในเพศทั้งสามมีบทสวดที่ถูกต้องและมีความหมาย ความสำคัญอย่างยิ่ง.

แห้ง มีขนาดสี่ส่วนสี่ ดนตรีประกอบประกอบด้วยคอร์ดฉับพลันที่ไม่มีตัวเลขและไม่แสดงอารมณ์ แต่ใช้เพื่อระบุน้ำเสียงของนักร้องและเน้นเครื่องหมายวรรคตอนเท่านั้นบทสวดดังกล่าวมีความไพเราะน้อยมาก ต้องใช้เพียงเสียงเดียวสำหรับแต่ละพยางค์ของข้อความ รูปแบบของการบรรยายนั้นไม่มีกำหนดและขึ้นอยู่กับข้อความทั้งหมด นักร้องร้องอย่างอิสระไม่เข้าจังหวะ การเปลี่ยนแปลงของน้ำเสียงสอดคล้องกับการเปลี่ยนแปลงของความคิดในข้อความ

วัดซ้ำ (จังหวะ) เกิดขึ้นในการนับที่แตกต่างกัน - 4/4, 3/4 ฯลฯ ในระหว่างการร้องเพลงของบทบรรยายซึ่งไม่ได้มีท่วงทำนองที่ไพเราะเป็นพิเศษดนตรีประกอบจะไปตลอดทางในรูปแบบของคอร์ดที่สนับสนุนหรือเล่นโดย ลูกคอ. ไม่มีแรงจูงใจในการแสดง เช่น ภาพวาด ในการแสดงประกอบดังกล่าว แบบฟอร์มไม่มีกำหนด การสลับคีย์เป็นไปตามอำเภอใจ มีหนึ่งโน้ตต่อพยางค์ การบรรยายดังกล่าวดำเนินการในจังหวะ

ร้องเพลงบรรยาย (การร้องเพลงแบบ ariose) เป็นรูปแบบการเล่าที่พัฒนามากที่สุด ท่อนร้องแตกต่างกันในเนื้อหาที่ไพเราะ หนึ่งพยางค์ของคำบางครั้งอาจมีสองเสียงหรือมากกว่านั้น เช่นเดียวกับก่อนหน้านี้ การบรรยายนี้ไม่ได้ถูกจำกัดโดยแผนการมอดูเลต แบบฟอร์มฟรี การบรรยายอาจลงท้ายด้วยคีย์อื่นและไม่อยู่ภายใต้ข้อกำหนดของแบบฟอร์มโค้งมน เนื้อหาเพลงดนตรีประกอบ เมื่อเทียบกับบทบรรยายก่อนหน้านี้ มีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้นทั้งในแง่ของฮาร์มอนิกและจังหวะ มีรูป (แรงจูงใจ) อยู่ในนั้น จุดประสงค์ของดนตรีประกอบคือการแสดงอารมณ์

ในดนตรีเสียงร้อง มักจะใช้การผสมผสานระหว่างสามประเภทระหว่างการเล่า โดยย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่ง สำหรับบทบรรยายทั้งหมด ร้อยแก้วหรือกลอนเปล่าสามารถใช้เป็นข้อความได้

แร็พ ฮิปฮอป ริธึ่ม และบลูส์

(ฮิปฮอป แร็พ อาร์แอนด์บี)

ฮิพฮอพ(ภาษาอังกฤษ) ฮิพฮอพ) - ความเยาว์วัฒนธรรมย่อยที่ปรากฏในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ในหมู่ชาวแอฟริกันอเมริกัน โดดเด่นด้วยดนตรีของตัวเอง (เรียกอีกอย่างว่า "ฮิปฮอป") ศัพท์เฉพาะของตัวเอง เป็นของตัวเองแฟชั่น , สไตล์การเต้น (เบรคแด๊นซ์ และอื่น ๆ.), ศิลปะกราฟิก (กราฟฟิตี) และโรงภาพยนตร์ของตัวเอง . เมื่อต้นทศวรรษที่ 1990 ฮิปฮอปได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมเยาวชนในหลายประเทศทั่วโลก บทความนี้กล่าวถึงดนตรีฮิปฮอปและองค์ประกอบทั่วไปของวัฒนธรรมย่อยของฮิปฮอป

เพลงฮิปฮอป

ลักษณะ

แม้จะมีการพัฒนาการแสดงออกทางศิลปะประเภทต่างๆ ในวัฒนธรรมฮิปฮอปดนตรี ยังคงเป็นตัวกำเนิดหลักของอุดมการณ์ จริงๆ แล้ว ดนตรีฮิปฮอปประกอบด้วยองค์ประกอบหลัก 2 ส่วน คือ แร็พ (การร้องเป็นจังหวะที่มีคำคล้องจองชัดเจน) และจังหวะที่กำหนดขึ้นโดยดีเจ ; ในขณะเดียวกันการแต่งเพลงที่ไม่มีเสียงร้องก็ไม่ใช่เรื่องแปลก ในการรวมกันนี้ นักแสดงแร็พเรียกตัวเองว่า "MC" (ภาษาอังกฤษ MC - Microphone Controller หรือ Master of Ceremony ). ศิลปะถือว่ามีความสำคัญและมีมูลค่ามากที่สุดจังหวะ ซึ่ง "MC" ในการแสวงหานวัตกรรมมักจะทำให้ความหมายของข้อความเสียหายซึ่งในทางกลับกันก็กลายเป็น ปริศนาที่ซับซ้อน(อดีต.แขกรับเชิญ Killa บอกว่าเขาจงใจพยายามแต่งเพลงคล้องจองเพื่อไม่ให้ใครเข้าใจนอกจากเขา) งานของดีเจตั้งแต่หนึ่งคนขึ้นไปคือการตั้งโปรแกรมจังหวะกลองเครื่องสุ่มตัวอย่าง (ใช้ชิ้นส่วนของการแต่งเพลงของผู้อื่น โดยเฉพาะเสียงเบสและซินธิไซเซอร์) การดัดแปลงด้วยแผ่นเสียงไวนิล และบางครั้ง "บีทบ็อกซ์" (การเลียนแบบจังหวะของเครื่องตีกลองด้วยปาก) บนเวที นักดนตรีมักจะร่วมวงเต้นรำด้วย

ในปัจจุบัน ฮิปฮอปเป็นหนึ่งในประเภทดนตรีเพื่อความบันเทิงสมัยใหม่ที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากที่สุด และมีหลายทิศทางในแนวเพลงดังกล่าว

กำเนิดและพัฒนาการของดนตรีฮิปฮอป

ฮิปฮอปเกิดขึ้นในสภาพแวดล้อมสีดำบรองซ์, นิวยอร์ก ในช่วงครึ่งหลังของปี 1970 ในตอนนั้น เป็นเพลงปาร์ตี้ที่สร้างโดยนักจัดรายการ (เรียกว่า"ดีเจ" ) ซึ่งทำงานในเทคนิคดั้งเดิมอย่างยิ่งในขณะนั้นการสุ่มตัวอย่าง : มันมักจะเกิดขึ้นซ้ำกับการสูญเสียดนตรีขององค์ประกอบการเต้นของคนอื่น อันดับแรก"เอม-ซี" เป็นเรื่องปกติอย่างแท้จริงความบันเทิง (“Master of Ceremony” - นั่นคือเรียกโดยย่อว่า MC จากนั้นคำย่อนี้ก็มีความหมายอื่น ๆ อีกมากมาย) พวกเขาแนะนำดีเจและรักษาความสนใจของผู้ชมด้วยคำอุทานที่มีพลังและการด่าว่าทั้งหมด (ควรสังเกตว่าเมื่อจาเมกา การแสดงในลักษณะเดียวกันนี้ได้รับการพัฒนาในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 1960 และ 70 ด้วยเทคโนโลยีที่เกิดขึ้นใหม่ดูบา)

ความนิยมของดนตรีในงานปาร์ตี้เหล่านี้ทำให้ดีเจท้องถิ่นขายเทป "ชุด" (โปรแกรมการแสดง) แสดงสดที่ผสมจังหวะและไลน์เบสอย่างชำนาญจากเพลงในสไตล์ต่างๆดิสโก้และฟังก์ ซึ่งพิธีกรก็แร็พ มันเป็นอาชีพสมัครเล่นล้วน ๆ และในช่วงเวลานั้น (พ.ศ. 2520-2521) ไม่มีสตูดิโอและแผ่นเสียงแร็พเผยแพร่อย่างเป็นทางการ

สถานการณ์เปลี่ยนไปอย่างมากเมื่อต้นฤดูใบไม้ร่วง 2522 ในสหรัฐอเมริกา ซิงเกิ้ล "Rapper's Delight" ออกโดยแก๊งชูการ์ฮิล และสร้างสีสันในตลาดเพลงยอดนิยมของอเมริกา ซิงเกิ้ลนี้ถือเป็นการบันทึกครั้งแรกของแร็พแม้ว่าเพลงที่เก่ากว่าเล็กน้อยหลายเพลงจะโต้แย้งความรุ่งโรจน์ของความเหนือกว่าก็ตาม อย่างไรก็ตาม ต้องขอบคุณการแต่งเพลงความยาว 15 นาทีนี้ที่ทำให้ประชาชนชาวอเมริกันและสื่อต่าง ๆ ตระหนักถึงปรากฏการณ์เช่นฮิปฮอป อย่างไรก็ตาม แม้ว่าเพลงนี้จะได้รับความนิยม แต่คนส่วนใหญ่ก็เห็นพ้องต้องกันว่านี่เป็นเพียงเรื่องตลกทางดนตรี จะไม่มีอะไรเกิดขึ้น เพลงนี้เขียนโดยกลุ่มนิโกรซึ่งรวมตัวกันโดยบังเอิญในวันก่อนการบันทึก (ขัดแย้งกันคือนักดนตรีของวงไม่ได้มาจากบรองซ์ แต่โดยทั่วไปมาจากรัฐอื่น) จังหวะ (คลาสสิกดิสโก้ ) และส่วนของกีตาร์เบสถูกนำมาจากการตีครั้งนั้นเก๋ไก๋ "Good Times" แร็ปโดยพิธีกรสามคน ข้อดีอย่างหนึ่งของการแต่งเพลงคือมีอยู่แล้วในแร็พแรกนี้ 1979 ปี จังหวะทั่วไปได้รับ เช่นเดียวกับรูปแบบพื้นฐานของฮิปฮอป: รายละเอียดของชีวิตประจำวัน การแข่งขันเอ่อ เซ็กส์ ความเย่อหยิ่งและความโอ้อวดโอ้อวด

ในตอนต้นของทศวรรษที่ 1980 ในบรรดาแร็ปเปอร์ มีความสนใจอย่างมากในดนตรีป๊อปอิเล็กทรอนิกส์ของยุโรป (โดยหลักแล้ว Kraftwerk และ Gary Newman ตัวอย่างอย่างกว้างขวาง) ซึ่งมีการค้นพบทางเทคโนโลยีควบคู่ไปกับการพัฒนา"เบรกบีต" - จังหวะใหม่ที่สมบูรณ์ - มีส่วนในการแยกฮิปฮอปออกจากการพึ่งพาจังหวะดิสโก้และฟังก์ . จังหวะเบรกบีตผสมผสานกับเทคนิคขั้นสูงของจาเมกาในเวลานั้นดูบา นำฮิปฮอปไปสู่อีกระดับ ผู้ริเริ่มของฮิปฮอปยุคแรกคือ Curtis Blow, Africa Bambata, Grandmaster Flash และ Whodini , - เป็นบันทึกของพวกเขาในปี 1980-84 (ปัจจุบันเรียกว่า โรงเรียนเก่าฮิปฮอป") เป็นปัจจัยชี้ขาดสำหรับการก่อตัวของแนวเพลง ทีมต่างๆ หยิบกระบองแห่งนวัตกรรมขึ้นมาเรียกใช้ DMC, Mantronix, Beastie Boys ซึ่งแต่ละคนนำการค้นพบของพวกเขามาสู่ฮิปฮอป:เรียกใช้ DMC เล่นเบรกบีตแบบดรัมแมชชีนแบบมินิมอลแมนโทรนิกซ์ ได้รับการยอมรับจากเทคนิคการผสมที่ปฏิวัติวงการและบีสตี้บอยส์ องค์ประกอบที่รวมกันพังก์ร็อก และแร็พและกลายเป็นกลุ่มแร็พสีขาวกลุ่มแรกที่ประสบความสำเร็จ ในเวลาเดียวกัน เป็นมูลค่าการกล่าวขวัญว่าหนึ่งในตัวอย่างแรกสุดของฮิปฮอปสีขาวคือการแต่งเพลงการปะทะกัน โดยเฉพาะซิงเกิ้ลของพวกเขา"The Magnificent Seven" 2523 ซึ่งได้รับการโปรโมตทางสถานีวิทยุนิโกรนิวยอร์ก).

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1980 ดนตรีฮิปฮอปไม่ได้มุ่งเน้นไปที่บรรยากาศของงานปาร์ตี้อีกต่อไป และ รุ่นต่อไปแร็ปเปอร์เริ่มพัฒนา ธีมต่างๆเช่น การแร็พที่ก้าวร้าวต่อสังคมศัตรูของประชาชน นำพวกเขาไปสู่สถานะลัทธิในหมู่ผู้ฟังไม่เพียง แต่ในสภาพแวดล้อมของนิโกรเท่านั้น ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1980 เพลงแร็พมีระดับความนิยมเทียบได้กับร็อคประเทศ และเวทีและสถาบันขนาดใหญ่เช่นนี้ อุตสาหกรรมดนตรียังไงสถาบันบันทึกเสียงอเมริกันผู้จัดการรางวัลรางวัลแกรมมีและอเมริกันมิวสิคอวอร์ดในปี 2531 ปีที่ก่อตั้งหมวดหมู่สำหรับแร็พ ตัวตนของความนิยมนี้ในอเมริกาคือ MC แฮมเมอร์, กากบาท และคนอื่น ๆ ที่พูดถึงเพลงของพวกเขาต่อผู้ฟังที่กว้างขึ้น ซึ่งในทางกลับกันเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาแนวเพลงที่แน่วแน่มากขึ้นในฮิปฮอป ในไม่ช้าก็เป็นที่รู้จักแพร่หลาย"อันธพาลแร็พ" สะท้อนให้เห็นถึงชีวิตอาชญากรของสลัมนิโกร

ในปี 1990 gg เกิดเป็นซาวน์ดนตรีสมัยใหม่ของฮิปฮอปขึ้นมา ศิลปินยอดนิยมเรียกได้ว่าทศวรรษนั้น 2Pac, Dr. Dre, Dogg Pound, Snoop Dogg, Onyx, Wu-Tang Clan, Puff Daddy ในปี 1998 แร็ปเปอร์สีขาวเริ่มมีชื่อเสียงเอมิเน็ม . ตั้งแต่ทศวรรษนั้นมา ฮิปฮอปได้จุดประกายให้เกิดการปรับเปลี่ยนทั้งทางเทคโนโลยีและสไตล์จังหวะและบลูส์ ("r-n-b")

ในฮิปฮอปสมัยใหม่เช่นเดียวกับสไตล์เพลงยอดนิยมอื่น ๆ ผู้ผลิตมีบทบาทอย่างมากซึ่งอุตสาหกรรมทั้งหมดขึ้นอยู่กับ ศิลปินฮิปฮอป แม้จะมีแนวคิดแบบ negrocentrism ในตอนแรก แต่ก็สามารถพบได้ในหลายประเทศทั่วโลก ตั้งแต่อาร์เจนตินาไปจนถึงญี่ปุ่น

สุนทรียศาสตร์วัฒนธรรมย่อย

ฮิพฮอพกลายเป็นเพลงแรกที่รวบรวมอุดมการณ์ของวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกันสมัยใหม่อย่างเต็มที่และโดดเด่นที่สุด อุดมการณ์นี้สร้างขึ้นจากการเป็นปรปักษ์กันของวัฒนธรรมแองโกล-แซ็กซอนของอเมริกา ดังนั้น ฮิปฮอปซึ่งเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมนิโกรดั้งเดิมจึงมีแนวโน้มที่จะพัฒนาต่อไป (ตรงกันข้ามกับการคาดการณ์ว่าดนตรีฮิปฮอปจะหยุดและตาย) ดังที่เห็นได้จากสัญญาศิลปินแร็พหน้าใหม่หลายล้านคน ในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมานั้นเองแฟชั่น แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากแฟชั่นดั้งเดิมของประชากรผิวขาวศัพท์แสง และวิธีการปลูกฝังการออกเสียง , ลีลาการเต้น , ศิลปะภาพพิมพ์ของตนเอง -"กราฟฟิตี" (ภาพและกราฟฟิตีบนผนังที่ทำด้วยกระป๋องสเปรย์หรือเครื่องหมายพิเศษพร้อมสี) และใน เมื่อเร็วๆ นี้ยังเป็นภาพยนตร์ (ไม่จำเป็นต้องเกี่ยวกับแร็ปเปอร์ แต่ใช้ธีมจากสภาพแวดล้อมของนิโกร ดูหนัง"ซาลอน", "เร่งรีบและไหล" ; แร็ปเปอร์กลายเป็นนักแสดงภาพยนตร์มากขึ้นเรื่อยๆ ด้วย) ดังนั้นจึงเป็นการยากที่จะวาดเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างฮิปฮอปกับวัฒนธรรมย่อยของนิโกร

แม้ว่าแฟชั่นฮิปฮอปจะเปลี่ยนไปทุกปี แต่โดยทั่วไปแล้วก็มีจำนวนมาก คุณลักษณะเฉพาะ. เสื้อผ้ามักจะหลวม สไตล์สปอร์ต: รองเท้าผ้าใบและหมวกเบสบอลของแบรนด์ดัง (เช่นอาดิดาส ), เสื้อยืดและเสื้อบาสเก็ตบอล, แจ็คเก็ตมีฮู้ด, หมวกสกีดึงลงมาเหนือคิ้ว, กางเกงทรงหลวม (เรียกว่า "ท่อ"), กางเกงขาสั้นกว้างทิ้งตัวลง ทรงผมสั้น แม้ว่าทรงผมสั้นจะเป็นที่นิยมเช่นกันถักเปียแอฟริกัน. เครื่องประดับทองขนาดใหญ่ (โซ่ เหรียญ ฯลฯ) เป็นที่นิยมในหมู่แร็ปเปอร์เอง

ฮิปฮอปรัสเซีย

การทดลองแร็พครั้งแรกในรัสเซียดูเหมือนจะย้อนกลับไปในปี 1984 เมื่อกุยบีเชฟ นักจัดรายการของดิสโก้เธค "Kanon" Alexander Astrov ร่วมกับ กลุ่มท้องถิ่น"Rush Hour" บันทึกรายการ 25 นาทีซึ่งเผยแพร่ไปทั่วประเทศในไม่ช้าในรูปแบบของอัลบั้มแม่เหล็ก "Rap".

นอกเหนือจากการทดลองเหล่านี้แล้ว ฮิปฮอปในรัสเซียยังได้รับความนิยมค่อนข้างแคบในช่วงครึ่งหลังของ 80s เมื่องานอดิเรกเริ่มต้นขึ้นเบรกแดนซ์ แม้ว่าที่จริงแล้วการแต่งเพลงแร็พภาษาอังกฤษจะไม่ค่อยเป็นที่รู้จักในหมู่คนรักดนตรี นักแสดงแร็พที่พูดภาษารัสเซียคนแรกปรากฏตัวในช่วงต้นทศวรรษ 1990;บ็อกดาน ติโตเมียร์ ในทางกลับกันฮิปฮอปใต้ดินของรัสเซีย ( MD&C พาฟลอฟ ) ไม่ประสบความสำเร็จ ตลาดฮิปฮอปของรัสเซียในฐานะอุตสาหกรรมก่อตั้งขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1990 เท่านั้นซึ่งได้รับการยืนยันจากการเกิดขึ้นของวงดนตรีหลายวงในประเภทนี้ ("ยอดคงเหลือไม่ดี", "Casta", "ธุรกิจกฎหมาย"). ในปี 1999 การฟื้นตัวของเบรกแดนซ์ทั่วโลกมีส่วนช่วยในการฟื้นฟูในรัสเซียเช่นกัน

การตีความใหม่ของบทพูดคนเดียวที่เกิดขึ้นไม่สามารถส่งผลกระทบต่อสถานที่และหน้าที่ของบทบรรยายในโอเปร่าได้ ตั้งแต่ประมาณ กลางเดือนสิบเก้าศตวรรษ เราจะไม่พบความแตกต่างที่เห็นได้ชัดเจนระหว่างบทบรรยายและเพลงร้องในรัสเซียหรือในโอเปร่าต่างประเทศ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเพลงคลาสสิกตลอดศตวรรษที่ 18 การบรรยายแบบ "แห้ง" (เช่น ภาษาพูด) ในรูปแบบบริสุทธิ์ค่อยๆ หายไปจากการใช้โอเปร่า

หากใน The Barber of Seville ของ Rossini (1816) เรายังคงพบคำพูดเดี่ยวและบทสนทนาที่เปล่งออกมาเป็นเสียงซึ่งตามประเพณีคลาสสิกจะบรรเลงด้วยฮาร์ปซิคอร์ด (ใน การปฏิบัติร่วมสมัยเปียโน) จากนั้นนักแต่งเพลงในแนวตลกในเวลาต่อมาก็ละทิ้งการ จำกัด สุนทรพจน์ทางดนตรีเช่นการบรรยายแบบ "แห้ง" ซึ่งมีการวัดผลและไพเราะมากขึ้นพร้อมกับองค์ประกอบดนตรีที่มีน้ำหนักเบา

จุดเริ่มต้นของการปฏิรูปในประเภทที่จริงจังนั้นวางโดย Christoph Gluck; ในปี พ.ศ. 2305 เมื่อสร้าง "ออร์ฟีอุส" เขาได้ละทิ้งฮาร์ปซิคอร์ด - การบรรเลงแบบ "แห้ง" ทั้งหมดร้องร่วมกับเครื่องสาย ในศตวรรษที่ 19 นักแต่งเพลงขั้นสูงซึ่งบรรลุเอกภาพและความสอดคล้องกันในการสร้างอุปรากรได้ยอมรับแนวโน้มนี้ในที่สุด

ดังนั้นการบรรยายทั้งสองประเภทจึงรวมเข้าเป็นหนึ่งอีกครั้ง อย่างไรก็ตาม การบรรยายใหม่นี้ไม่ได้สูญเสียอะไรไปจากความเป็นไปได้ที่หลากหลายของสองประเภทเดิม ในงานคลาสสิกใด ๆ ตะวันตกหรือรัสเซีย มันยังคงเป็นไปได้ที่จะแยกความแตกต่างของการบรรยายแผนประเสริฐซึ่งในความไพเราะของพวกเขาเข้าใกล้สไตล์ Arios และการบรรยายธรรมดาทุกวัน ทั้งสองประเภทยังคงไว้ซึ่งหน้าที่เดิม: ประเภทแรกมักใช้เป็นบทนำของเพลงอย่างน่าทึ่ง บทสนทนาที่สอง - ในบทสนทนาที่ไม่มีความสำคัญยิ่ง แต่จำเป็นสำหรับการทำความเข้าใจสถานการณ์และความสัมพันธ์ของตัวละคร

การพูดคนเดียวของ Lisa ที่ Kanavka (" ราชินีโพดำ» ไชคอฟสกี) เป็นตัวอย่างคลาสสิกของบทบรรยายโศกนาฏกรรม ซึ่งไม่ด้อยไปกว่าเพลงอาเรียในด้านความสำคัญและขนาด ลิซ่าพยายามโน้มน้าวใจตัวเองว่าเฮอร์แมนจะมาเพราะเขารักเธอ ตามน้ำเสียงที่น่าสมเพชในบทของเธอซึ่งตรงข้ามกับธีมที่มืดมนของวงออเคสตรา พวกเขาพูดถึงความขัดแย้งทางจิตวิญญาณมากกว่าความกล้าหาญที่แท้จริง พวกเขาทำให้ผู้ฟังคิดว่าความมั่นใจของลิซ่าเป็นเพียงจินตนาการ และเธอถูกครอบงำด้วยความรู้สึกที่ซับซ้อนและเจ็บปวดกว่ามาก เราพบการยืนยันเรื่องนี้ในเพลงที่แสดงถึงความเหนื่อยล้าความสิ้นหวังอย่างถึงที่สุดและ ความรู้สึกขมขื่นของหายนะ (“อา ฉันเบื่อกับความเศร้าโศกแล้ว”)

หากคุณทำกุญแจ Alfa Romeo หาย คุณสามารถติดต่อผู้เชี่ยวชาญที่จะทำกุญแจให้ใหม่ได้ คุณยังสามารถหาพวงกุญแจ alfa romeo ตามความชอบของคุณได้อีกด้วย เราทำงานต่อหน้าเอกสารเท่านั้น

รูปถ่าย: BRESCIA / AMISANO - TEATRO ALLA SCALA

บรรยายประกอบ- ประเภทของการบรรยายโดยที่ท่อนเสียงไม่ได้มาพร้อมกับคอร์ดที่มีค่าเฉลี่ย (เช่นในการบรรยายแบบ "แห้ง") แต่โดยวงออเคสตรา เขาโดดเด่นในโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 18 ซึ่งเขาได้ทำเครื่องหมายจุดเปลี่ยนของสภาพจิตใจของตัวละครหลัก

ในโอเปร่ากลาง - วินาที ครึ่งหนึ่งของ XIXศตวรรษ ซึ่งมักจะถูกนำมาใช้ด้วยเหตุผลบางอย่างในฐานะมาตรฐานจากห้องวัดและน้ำหนัก เป็นแบบจำลองว่าประเภทใดควรเป็นหากต้องการให้ "จริง" และ "เข้าใจได้" - และในจุดนี้เอง ตัวอย่างไม่มีไม่มีการบรรยายอื่น ๆ ยกเว้นสำหรับคลอ จากมุมมองนี้ การสังเกตความแตกต่างระหว่างบทบรรยายแบบ "แห้ง" กับบทพูดประกอบนั้นเป็นเรื่องเชิงวิชาการ เช่น การเรียกร้องให้ไม่อ่านหนังสือพิมพ์ของโซเวียตในกรณีที่ไม่มีฉบับอื่น

แต่การบรรยาย หากคุณพิจารณาเฉพาะการพัฒนารูปแบบการแสดงละคร โดยทั่วไปแล้วเป็นสิ่งชั่วคราว ในความหมายสากล ตรรกะของการพัฒนานี้มาจากข้อเท็จจริงที่ว่า ในตอนแรก บทบรรยายและเพลงร้องที่แยกจากกันค่อยๆ ตกผลึกจากกระแสของ "สุนทรพจน์เกี่ยวกับดนตรี" จากนั้นโอเปร่าอย่างระมัดระวังและเป็นเวลานานกว่าความโดดเดี่ยวนี้ หวนคืนสู่อารมณ์ดนตรีแอคชั่นต่อเนื่อง

ในทางกลับกัน ไม่มีตรรกะของตำราวรรณกรรมดนตรี แต่เป็นตรรกะของละครสมัยใหม่ ตัวอย่างเช่นหากตอนนี้ฮันเดลกำลังจัดฉาก - ไม่ต้องพูดถึงการปฏิบัติแบบตะวันตก - ไม่เพียง แต่ใน Bolshoi และ Stasik เท่านั้น แต่ยังรวมถึงใน Bashkir โรงละครของรัฐโอเปร่าและบัลเลต์ เมืองอูฟา จากนั้นภาษาถิ่นของนักท่องสองคนก็กลายเป็นประเด็นเร่งด่วนสำหรับทั้งประสบการณ์การแสดงและการฟัง เหตุใดจึงต้องใช้เสียงประกอบอย่างแม่นยำเมื่อเทียบกับการบรรยายธรรมดา อะไรคือภาระทางศิลปะที่นี่? แล้วเราจะสนใจอะไรเกี่ยวกับการประชุมละครเก่าอีก?

ในความเป็นจริงทุกอย่างเข้าใจได้มาก นี่คือการกระทำที่เกิดขึ้นจริง: การพลิกผันทางจิตวิทยาและการเมืองที่เปิดเผยในบทสนทนาของตัวละครหลักและแบบจำลองของ "ผู้ประกาศ" คนต่อไป มีช่วงเวลาที่อารมณ์สะสมหยุดการกระทำทะลุผ่านในอารี แต่มีสถานการณ์ของการเปลี่ยนแปลง เหตุการณ์และอารมณ์ต่าง ๆ ได้ทำให้ตัวละครต้องตกตะลึงไปแล้ว แต่ก่อนที่จะปลดปล่อยตัวเองให้เป็นอิสระในเพลง (ซึ่งไม่ว่าจะเป็นเพลงซิซิลีอันเศร้าสร้อยที่ยาวนาน แม้กระทั่งดอกไม้ไฟของ coloratura ในแง่ที่น่าทึ่งและไม่ใช่ดนตรี คำอุทาน) เขายังคงสะท้อนเพียงเล็กน้อยในทางเดียว แต่มันคืออะไรโชคร้ายแบบไหนคุณก็หนักหมวกของ Monomakh (มงกุฎของซีซาร์ชะตากรรมของคู่รัก ฯลฯ ) และนี่คือบทพูดคนเดียวที่ถอนตัวออกจากกระแสสุนทรพจน์ทางดนตรีทั่วไป ชูขึ้นเหนือบทนี้อย่างชัดเจนที่สุด - ต้องขอบคุณวงออร์เคสตราที่เข้ามา - และกลายเป็นบทบรรยายประกอบ โลคัสทางดนตรีและละครที่มีความเคร่งขรึมเป็นพิเศษ สิ่งที่น่าสมเพชเป็นพิเศษ จิตวิทยาพิเศษ ชำรุด.

สิ่งที่ตลกคือดูเหมือนว่าเขาไม่จำเป็นต้องเป็นดนตรีที่มีอักษรตัวใหญ่: ท่อนเสียงยังคงรักษาจุดเริ่มต้นที่เป็นการประณาม สัมผัสเล็กน้อยจาก arioznost วงออเคสตรา แน่นอนว่าสามารถแสดงออกโดยพลการในแง่โวหาร แต่ไม่มีใครคาดคิดถึงท่วงทำนองอันน่าหลงใหล และสำหรับทั้งหมดนั้น หูสมัยใหม่ ซึ่งรวมถึง (บางทีแม้แต่ในตอนแรก) ที่ไม่คุ้นเคยกับสุนทรียะโดยรวมนี้ ตอบสนองอย่างซาบซึ้งอย่างยิ่งต่อเสียงประสานในละครโอเปรายุคเก่า ลองนึกภาพการสลับที่ไม่รู้จักจบสิ้นนี้ - บทเพลงที่มีดนตรีประกอบที่ "แห้ง" แบบเดียวกัน บทเพลงที่สวยงามไม่มากก็น้อย และจากนั้นอีกครั้ง บทเพลงบทเพลงบรรเลง บทเพลงบทเพลงบรรเลง และอื่น ๆ เป็นเวลานาน และในทันใด ท่ามกลางอนันตนาคราชนี้ ความกระทบกระเทือนที่เข้าใจได้ก็ขยายใหญ่ขึ้น แต่ไม่มีคำอธิบายใด ๆ เกิดขึ้นเหมือนดาวหางที่ไร้กฎ เสียงอุทานของความทุกข์ทรมานที่ชัดเจนของมนุษย์ ความโกรธ ความขุ่นเคือง ความเศร้าโศก

อาจเป็นไปได้ว่าฮันเดลคนเดียวกันนี้รู้สึกได้ดีที่สุด: โอเปร่ายุคพรีซาร์ตแทบจะไม่มีการแสดงละครที่แหลมคมและไร้กาลเวลาเหมือนในบทบรรยายร่วมกับเขา คุณสามารถเรียกโอเปร่านี้ว่า "คอนเสิร์ตในเครื่องแต่งกาย" ได้มากเท่าที่คุณต้องการ แต่ข้อเท็จจริงของเรื่องนี้ก็คือการเรียกขานชื่อนั้นอาจฟังดูซีดๆ หากคุณแยกจาก "คอนเสิร์ตในเครื่องแต่งกาย" เวทีที่ยอดเยี่ยมการตายของ Bayazet จาก Tamerlane: สุลต่านที่ถูกทรมานโดยผู้พิชิตตายอย่างภาคภูมิใจหลังจากกินยาพิษและเป็นบทบรรยายที่นำเสนอชัยชนะทางศีลธรรมนี้แก่เรา หรือฉากของ Bertharide กษัตริย์ที่ถูกเนรเทศจาก Rodelinda ผู้ซึ่งเดินทางกลับบ้านเกิดโดยไม่ระบุตัวตนและค้นพบหลุมฝังศพปลอมที่สร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา - หรือในทางกลับกัน ฉากของ Grimoald ผู้แย่งชิงจากที่นั่นซึ่งถูกฉีกเป็นชิ้น ๆ ด้วยความรู้สึกผิด ความกลัวความโกรธ และแม้แต่ใน oratorios ของ Handel บางครั้งก็รุนแรงกว่านั้น - เพื่อระลึกถึง Belshazzar ซึ่งการบรรยายครั้งแรกของ Nitocris มารดาของราชินีกลายเป็นบทพูดคนเดียวทางประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่เกี่ยวกับชะตากรรมของจักรวรรดิ หรือ "ซาอูล" ซึ่งกษัตริย์ที่พ่ายแพ้และอับอายได้ยินเงาของซามูเอลพูดกับเขาว่า: "พรุ่งนี้เจ้าและลูกชายของเจ้าจะอยู่กับฉัน"; หรือ "อิสราเอลในอียิปต์" ซึ่ง - เป็นกรณีที่ไม่เคยมีมาก่อน - การบรรยายที่มาพร้อมกันไม่ได้ไปที่ตัวละคร แต่ไปที่คอรัสซึ่งแสดงถึงความน่ากลัวของ "ความมืดของอียิปต์"

หลังจากที่มีการร้องขอโครงสร้างตัวเลขในภายหลัง โอเปร่าก็สูญเสียความรู้สึกที่ไม่มีใครเทียบได้ของความคมชัดอันน่าทึ่งของช่วงเวลาสำคัญของการกระทำ แต่โปสเตอร์ในปัจจุบันยังคงไม่สามารถทำได้หากไม่มีโอเปร่าแบบ "ลำดับเลข" และการจัดการกับบทบรรยาย - ผู้ควบคุมวง ผู้กำกับ นักแสดง - ที่กลายเป็นเครื่องมือสำคัญในการค้นพบความสามารถทางจิตวิทยาและศิลปะของภาษาการแสดงละครที่ดูเหมือนทรุดโทรมและห่างไกล

พูดคนเดียวเกี่ยวกับความเปราะบาง

"Alma del gran Pompeo" ("จูเลียส ซีซาร์" โดย Georg Friedrich Handel, 1724)

เรามักคิดว่าโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 เป็นดินแดนของการมองโลกในแง่ดีที่แปลกประหลาดและการใช้เหตุผลที่ไม่ซับซ้อนซึ่งเอาชนะทุกสิ่งที่มืดมนและเล็กน้อย แต่นั่นเป็นเหตุผลที่เราประทับใจกับข้อยกเว้นที่ฉูดฉาดของกฎเหล่านี้ ตัวอย่างเช่นสุนทรพจน์ของซีซาร์ของฮันเดลเหนือโกศที่มีขี้เถ้าของปอมเปย์มหาราช ตามตรรกะของสิ่งต่าง ๆ มันอาจเป็นแค่การถอนหายใจเกี่ยวกับการตายอย่างทันท่วงทีของฝ่ายตรงข้ามทางการเมือง หลังจากนั้นคุณก็สามารถมีความสัมพันธ์กับคลีโอพัตราได้ในที่สุด ฮันเดลเขียนบทบรรยายอันไพเราะและโศกเศร้าแทน โดยไม่ได้คร่ำครวญถึงปอมเปย์มากเท่ากับความไร้สาระของความยิ่งใหญ่ทางโลกและความเปราะบางของการดำรงอยู่ของมนุษย์เอง

พูดคนเดียวเกี่ยวกับความสิ้นหวัง

"เบเรนิซ โอเซ" ("Vologaise" โดย Niccolo Jommelli, 1766)

นี่คือตัวอย่างที่หาดูได้ยากของละครโอเปร่าระทึกขวัญที่เข้มข้น: นายพลชาวโรมัน Lucius Ver ซึ่งเบื่อที่จะรบกวนราชินีเบเรนิซผู้บริสุทธิ์ของ Parthian ด้วยคำอ้อนวอนหรือคำขู่ พยายามทำลายจิตใจของเธอ (และด้วยความซื่อสัตย์ในชีวิตสมรส) ด้วย "โรงละครที่น่ากลัวใน โรงภาพยนตร์". ราชินีถูกนำเข้าไปในสุสานแห่งหนึ่ง ซึ่ง Vologez สามีของเธอที่ถูกกล่าวหาว่าถูกตัดศีรษะได้แสดงดนตรีโศกเศร้านอกโลก จริงๆ แล้วศีรษะไม่ใช่ของจริง แต่เบเรนิซต้องผ่านหลายสิ่งหลายอย่าง อย่างสง่างาม แต่ยิ่งกว่านั้น ดนตรีอธิบายได้ค่อนข้างชัดเจน: ความสับสน ความขี้ขลาด ความสยองขวัญ เสียงสะอื้น ความสิ้นหวัง และสุดท้าย รูปแบบของความวิกลจริตกับจินตนาการ การปรากฏตัวของเงาเลือดของสามีของเธอ

พูดคนเดียวเกี่ยวกับแรงโน้มถ่วงของโคโรนา

“เชอรี่! เจ๊ประเพณี!" ("ความเมตตาของ Titus" โดย Wolfgang Amadeus Mozart, 1791)

การที่ผู้ปกครองในอุดมคติไม่เป็นที่พอใจเมื่ออาสาสมัครของเขากลายเป็นว่าไม่ใช่เทวดาเลยนั้นเป็นความคิดที่เรียบง่ายในตัวเอง แต่น้อยครั้งนักที่จะถูกนำเสนอในชุดเกราะเต็มรูปแบบของการระเบิดอารมณ์ที่เกิดขึ้นเองอย่างเช่นในบทบรรยายเรื่อง Titus ของ Mozart ทุกอย่างเริ่มต้นด้วยความเดือดดาลที่เดือดดาล ปรากฎว่าสัตว์ประหลาดที่ฉันไว้ใจ ช่างเนรคุณอย่างสุดขั้วที่จะประหารชีวิตเขาทันที จากนั้นวลีที่สับสนก็หักล้างความสงสัยเกี่ยวกับความยุติธรรมของความโกรธนี้ และในที่สุดก็ตามด้วยความปรารถนาอันเงียบสงบ " มนุษย์ธรรมชาติ" ไม่ทราบความกังวลที่มีอารยะเหล่านี้ทั้งหมด

พูดคนเดียวเกี่ยวกับการทำลายความปรารถนา

"โอ้ ความสวย ความหล่อ ความดีงาม!" ("บิลลี บัดด์" โดยเบนจามิน บริตเต็น 2494)

หนึ่งในจำนวนหลักของโอเปร่าของ Britten คือสุนทรพจน์ของกัปตัน Claggart ที่สาบานว่าจะทำลายความสวยงาม บริสุทธิ์ และความโชคร้ายที่ Billy Budd ต้องการ เป็นเพลงในความหมายที่เป็นทางการ แต่โครงสร้างที่แท้จริงของคำด่านี้ ลำดับวลีที่ปั่นป่วน โน้มเอียงไปทางการประณามมากกว่าการสวดมนต์ ตามหลักการแล้ว สำหรับโอเปร่ายุคหลังวากเนเรียนซึ่งลบการแยกความเกลียดชังระหว่างเพลงร้องและบทบรรยาย ไม่ใช่เรื่องใหม่อย่างเด็ดขาด แต่เหตุการณ์ของบริทเต็นมีความสำคัญตรงที่เขาได้บ่มเพาะหลักบทบรรยายในงานของเขาอย่างมีสติ ตามลำดับการสนทนากับ ต้นกำเนิด เพลงชาติ- กับโอเปร่าของเพอร์เซลล์

เมื่อข้อความของบทบรรยายกลายเป็นโคลงสั้น ๆ มากขึ้นและรูปแบบของมันขยายออก ได้รับเนื้อหาทางดนตรีมากขึ้น บทบรรยายจะกลายเป็น:

• แห้ง (secco)
• วัด (จังหวะ)
• ไพเราะ (การร้องเพลงที่เกิดขึ้น)

ในเพศทั้งสาม การสวดที่ถูกต้องและมีความหมายมีความสำคัญอย่างยิ่ง

ในดนตรีเสียงร้อง มักจะใช้การผสมผสานระหว่างสามประเภทระหว่างการเล่า โดยย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่ง สำหรับบทประพันธ์ทั้งหมด ร้อยแก้วสามารถใช้เป็นข้อความได้

นอกจากนี้ การบรรยายสามารถใช้ในความหมายของคำสแลง คำศัพท์เช่น จำนวนศัพท์เฉพาะในพจนานุกรม

การบรรยายแบบแห้ง

การบรรยายแบบแห้งมีขนาดสี่ในสี่ ดนตรีประกอบประกอบด้วยคอร์ดฉับพลันที่ไม่มีตัวเลขและไม่แสดงอารมณ์ แต่ใช้เพื่อระบุน้ำเสียงของนักร้องและเน้นเครื่องหมายวรรคตอนเท่านั้น ส่วนใหญ่จะใช้คอร์ดที่มีการหยุดพักในการบรรยาย บางครั้ง ในช่วงเวลาระหว่างสองวลีที่มีการแบ่ง ritornello สั้น ๆ จะถูกแทรกด้วยตัวเลขที่แสดงอารมณ์ บทสวดดังกล่าวมีความไพเราะน้อยมาก ต้องใช้เพียงเสียงเดียวสำหรับแต่ละพยางค์ของข้อความ รูปแบบของการบรรยายนั้นไม่มีกำหนดและขึ้นอยู่กับข้อความทั้งหมด นักร้องร้องอย่างอิสระไม่เข้าจังหวะ การสลับคีย์เป็นไปตามอำเภอใจ แต่ก็ยังไม่ควรทำการมอดูเลตบ่อยเกินไปและแหลมคมเป็นคีย์ที่อยู่ห่างไกล การเปลี่ยนแปลงของน้ำเสียงสอดคล้องกับการเปลี่ยนแปลงของความคิดในข้อความ หากไม่มีคอร์ดในการวัดผู้บรรเลงจะไม่ตีสี่ในสี่ แต่ให้จังหวะเดียว ส่วนที่เป็นเสียงของบทบรรยายนั้นเขียนขึ้นจากส่วนกลางสำหรับเสียงนั่นคือในทะเบียนกลาง ปล่อยไว้ (ขึ้นหรือลง) ในช่วงเวลาที่มีอารมณ์ดราม่ารุนแรงเท่านั้น

การบรรยายที่วัดได้

การอ่านซ้ำที่วัดได้ (จังหวะ) เกิดขึ้นในจำนวนต่างๆ - 4/4, 3/4 เป็นต้น ในขณะที่ร้องเพลงท่องซึ่งไม่ได้มีเมโลดี้มากเป็นพิเศษ ดนตรีประกอบจะไปตลอดทาง ในรูปแบบของคอร์ดที่เล่นหรือเล่นด้วยลูกคอ . ไม่มีแรงจูงใจในการดำเนินการนั่นคือภาพวาดในสิ่งประกอบดังกล่าว แบบฟอร์มไม่มีกำหนด การสลับคีย์เป็นไปตามอำเภอใจ มีหนึ่งโน้ตต่อพยางค์ การบรรยายดังกล่าวดำเนินการตามจังหวะและดำเนินการทั้งหมด

ร้องเพลงบรรยาย

การร้องเพลงซ้ำ (การร้องเพลงแบบ ariose) เป็นรูปแบบการเล่าที่พัฒนามากที่สุด ท่อนร้องมีความโดดเด่นด้วยเนื้อหาที่ไพเราะ หนึ่งพยางค์ของคำบางครั้งอาจมีสองเสียงหรือมากกว่านั้น เช่นเดียวกับที่วัดได้ การบรรยายนี้ไม่ได้ถูกจำกัดโดยแผนการมอดูเลต แบบฟอร์มส่วนใหญ่ฟรี เนื้อหาดนตรีประกอบเมื่อเปรียบเทียบกับบทประพันธ์ก่อนหน้า มีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้นทั้งในแง่ของฮาร์มอนิกและจังหวะ มีรูป (แรงจูงใจ) อยู่ในนั้น

การร้องเพลงที่มีความกลมและสมบูรณ์มาก แต่ไม่มีคลังเข่า เรียกว่า อารีโอโซ.

ดูสิ่งนี้ด้วย

เงื่อนไขโอเปร่า

มูลนิธิวิกิมีเดีย 2553 .

คำพ้องความหมาย:

ดูว่า "Recitative" คืออะไรในพจนานุกรมอื่นๆ:

- (it. recitativo, fr. recitatif). ขับร้อง เหมาะแก่การพูดการจา. พจนานุกรม คำต่างประเทศรวมอยู่ในภาษารัสเซีย Chudinov A.N. , 1910. RECITATIVE ในการร้องเพลงใกล้กับภาษาถิ่นไม่มีโน้ตยาวและดนตรีโดยทั่วไป ... ... พจนานุกรมคำต่างประเทศของภาษารัสเซีย

- (ท่องอิตาลีจากการอ่านเพื่อท่อง) ชนิด เสียงเพลงเข้าใกล้คำพูดที่เป็นธรรมชาติในขณะที่รักษาระดับเสียงดนตรีที่คงที่และจังหวะที่สม่ำเสมอ ใช้ในโอเปร่า oratorio, cantata ในศตวรรษที่ 17 และ 18 เกิดขึ้นแห้ง ... ... พจนานุกรมสารานุกรมเล่มใหญ่

บรรยาย- a, m. ท่อง m. , มัน. บรรยาย รูปแบบของงานดนตรีที่ใช้เสียงซึ่งสร้างเสียงพูดและจังหวะการพูดที่สละสลวย ประกาศสวดมนต์ BAS 1. [Darina:] ฉันรับ Arias; แต่ในส่วนของ Recitative นั่นอีกเรื่องหนึ่ง ... ... พจนานุกรมประวัติศาสตร์ความชั่วร้ายของภาษารัสเซีย

RECITATIVE สาธยายสามี. (ท่องอิตาลี) (ดนตรี). เสียงฮัม (หรือบางครั้งปราศจากความไพเราะ) คำพูดเข้ามา ส่วนประกอบออกมาเป็นเสียงดนตรี พจนานุกรมอธิบายของ Ushakov ดี.เอ็น. อูชาคอฟ 2478 2483 ... พจนานุกรมอธิบายของ Ushakov

RECITATIVE ก สามี (ผู้เชี่ยวชาญ.). ร้องเพลงเป็นเสียงพูด ชิ้นดนตรี. อ่านแบบท่อง (ร้องเพลง) | [adj.] ท่องโอ้โอ้ พจนานุกรมอธิบายของ Ozhegov เอส.ไอ. Ozhegov, N.Yu. ชเวโดวา. 2492 2535 ... พจนานุกรมอธิบายของ Ozhegov

สามีชาวอิตาลี นักพูด, นักร้องเพลง: พูดเป็นเสียงเพลง; การร้องเพลงในโบสถ์ การร้องเพลง, คล้ายกับคำพูดง่ายๆ, ไม่มีการวัด, หรือมีการจัดเรียงตามอำเภอใจและยืดออก, ชัดเจน, การพูด. พจนานุกรมอธิบายของ Dahl ในและ ดาล 2406 2409 ... พจนานุกรมอธิบายของ Dahl

มีอยู่ จำนวนคำพ้องความหมาย 6 คำ (4) บทสวด (2) บทร้อง (42) ... พจนานุกรมคำพ้อง

น. รูปแบบเสียงดนตรีที่ไม่ขึ้นกับจังหวะสมมาตร, เป็นบทสนทนาที่ไพเราะชนิดหนึ่ง. มีวลีที่ต้องใช้ P อย่างแม่นยำเนื่องจากความรู้สึกที่มากเกินไป: รูปแบบดนตรีที่พัฒนามากขึ้นจะไม่เป็นธรรมชาติที่นี่ (เช่น O sorrow, O joy, O Lord ... สารานุกรมของ Brockhaus และ Efron

ประเภทของเสียงดนตรีที่ใกล้เคียงกับเสียงพูดตามธรรมชาติ โดยรักษาระดับเสียงดนตรีและจังหวะสม่ำเสมอ ใหญ่ พจนานุกรมในการศึกษาวัฒนธรรม .. Kononenko B.I .. 2546 ... สารานุกรมวัฒนธรรมศึกษา

บรรยาย- (ท่องอิตาลี, จากท่องไปท่อง), 1) ในโอเปร่า, แคนทาตา, ออราทอรีโอของปลายศตวรรษที่ 17 และ 19 ส่วนหน้าอาเรีย (A. Scarlatti, J.S. Bach, W.A. Mozart) 2) สไตล์การร้อง เข้าถึงคำพูดที่เป็นธรรมชาติ แต่คงไว้ซึ่ง ... ... พจนานุกรมสารานุกรมภาพประกอบ

นักร้องร็อดที่มีการบรรยาย สร้างรูปแบบจังหวะและน้ำเสียงของคำพูดที่เป็นธรรมชาติ บทบรรยายหลักที่เป็นข้อความอาจเป็นบทกวีหรือร้อยแก้วก็ได้

การบรรยายมีหลายประเภท:

• แห้ง (secco) และมาพร้อมกับ (accompagnato);
• วัด (จังหวะ);
• ไพเราะ (เหมือนกับ arioso)

ในการสวดทุกประเภท การสวดที่ถูกต้องและมีความหมายมีความสำคัญอย่างยิ่ง

ดนตรีคลาสสิกแบบบาโรกและเวียนนาใช้การบรรเลงแบบ secco และ accompagnato ในเวลาต่อมา ชนิดต่างๆการบรรยายมักจะผสมกัน

ในโอเปร่าและ oratorios บทบรรยายมักมาพร้อมกับเสียงประกอบและทำหน้าที่เป็นตัวเชื่อมระหว่างเพลงเรียส ในเวลาเดียวกัน การแสดงละครจะสะท้อนให้เห็นในบทบรรยาย และปฏิกิริยาทางอารมณ์ของตัวละครต่อการกระทำนั้นสะท้อนให้เห็นในบทเพลง

ยูทูบ สารานุกรม

1 / 1

✪บรรยาย? นี่คืออะไร?

คำบรรยาย

การบรรยายแบบแห้ง

นักร้องร้องเพลงร่วมกับ Basso Continuo ซึ่งมักจะรับรู้เป็นลำดับของคอร์ด (ไม่มีการตกแต่งและตัวเลขที่ไพเราะ) และไม่แสดงอารมณ์ แต่ใช้เพื่อระบุโทนเสียงของนักร้องและเน้นเครื่องหมายวรรคตอนเท่านั้น ส่วนใหญ่จะใช้คอร์ดที่มีการหยุดพักในการบรรยาย บางครั้ง ในช่วงเวลาระหว่างสองวลีที่มีการแบ่ง ritornello สั้น ๆ จะถูกแทรกด้วยตัวเลขที่แสดงอารมณ์ บทสวดดังกล่าวมีความไพเราะน้อยมาก ต้องใช้เพียงเสียงเดียวสำหรับแต่ละพยางค์ของข้อความ รูปแบบของการบรรยายนั้นไม่มีกำหนดและขึ้นอยู่กับข้อความทั้งหมด นักร้องร้องอย่างอิสระไม่เข้าจังหวะ

บรรยายประกอบ

ซึ่งแตกต่างจากการบรรเลงแบบแห้งตรงที่นักร้องจะบรรเลงร่วมกับส่วนเบสโซต่อเนื่องเท่านั้น (บนออร์แกน ฮาร์ปซิคอร์ด ฯลฯ) ในการบรรเลงประกอบ (accompagnato ภาษาอิตาลี แปลตามตัวอักษรว่า “พร้อมดนตรีประกอบ”) เครื่องดนตรีที่มีส่วนที่เขียนจะใช้ (จนถึง วงออร์เคสตราทั้งหมด) การบรรยายประเภทนี้ได้รับการพัฒนาในแนวบาโรกสูง (ความหลงใหลของ J.S. Bach) และในดนตรีของยุคคลาสสิก (โอเปร่าโดย K.F. Gluck, A. Salieri เป็นต้น)

การบรรยายที่วัดได้

จังหวะการบรรเลงที่วัดได้ (จังหวะ) มีหลายขนาด เช่น 4/4, 3/4 ฯลฯ ในขณะที่การขับร้องแบบท่องซึ่งไม่ได้มีเมโลดี้มากนัก การบรรเลงคลอจะดำเนินไปตลอดทาง ในรูปแบบของคอร์ดที่เล่นหรือเล่นด้วยลูกคอ . ไม่มีแรงจูงใจในการดำเนินการนั่นคือภาพวาดในสิ่งประกอบดังกล่าว แบบฟอร์มไม่มีกำหนด การสลับคีย์เป็นไปตามอำเภอใจ มีหนึ่งโน้ตต่อพยางค์ การบรรยายดังกล่าวดำเนินการตามจังหวะและดำเนินการทั้งหมด

ร้องเพลงบรรยาย

การร้องเพลงซ้ำ (การร้องเพลงแบบ ariose) เป็นรูปแบบการเล่าที่พัฒนามากที่สุด ท่อนร้องมีความโดดเด่นด้วยเนื้อหาที่ไพเราะ หนึ่งพยางค์ของคำบางครั้งอาจมีสองเสียงหรือมากกว่านั้น เช่นเดียวกับที่วัดได้ การบรรยายนี้ไม่ได้ถูกจำกัดโดยแผนการมอดูเลต แบบฟอร์มส่วนใหญ่ฟรี เนื้อหาดนตรีประกอบเมื่อเปรียบเทียบกับบทประพันธ์ก่อนหน้า มีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้นทั้งในแง่ของฮาร์มอนิกและจังหวะ มีรูป (แรงจูงใจ) อยู่ในนั้น

การร้องที่มีความกลมกลึงสมบูรณ์มากแต่ขาดคลังยาวเข่าดี ก็เรียก