ภาพวาดที่ไร้สาระที่สุดขายได้หลายล้านดอลลาร์ ภาพวาดที่ไร้สาระที่สุดขายได้เป็นล้านดอลลาร์ ภาพวาดที่แปลกประหลาดที่สุดขายได้เป็นล้านๆ

ศิลปะไม่มีขอบเขตโดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้า เรากำลังพูดถึงเกี่ยวกับรูปภาพ ศิลปินบางคนสร้างผืนผ้าใบที่งดงามซึ่งน่าเสียดายที่ได้รับการยอมรับหลังจากการตายของพวกเขาและบางคนยังคงหลงทางอยู่ในกาลเวลา ภาพวาดเป็นกระจกชนิดหนึ่งในจิตสำนึก ความรู้สึก และโลกทัศน์ของศิลปิน แต่ไม่สามารถเข้าใจผืนผ้าใบทั้งหมดได้ในครั้งแรกและบางครั้งแม้ว่าคุณจะดูภาพเป็นร้อยครั้งก็จะมีเพียงรอยขีดเขียนต่อหน้าต่อตาคุณ บางคนเห็นว่านี่เป็นศิลปะในขณะที่คนอื่น ๆ เพียงแค่บิดนิ้วไปที่หัว แต่ถึงกระนั้นก็ตาม "ผลงานชิ้นเอก" ดังกล่าวก็ขายได้ด้วยเงินจำนวนมหาศาล

จิตรกรชื่อดังชาวอิตาลี Lucio Fontana และแนวคิดเชิงพื้นที่ของเขา ความคาดหวัง"

ด้วยเส้นตัดเหล่านี้ในภาพ Fontana จึงมีชื่อเสียงไปทั่วโลก งานนี้งานศิลปะถูกขายในราคาหนึ่งล้านครึ่งดอลลาร์ในการประมูลครั้งเดียว ผืนผ้าใบทำในรูปแบบของลัทธิอวกาศ แนวทางนี้ในงานศิลปะเป็นการรวมเอาจิตรกรรมและประติมากรรมเข้าไว้ด้วยกัน จึงคาดว่าพื้นที่ เวลา เสียง การเคลื่อนไหวและสีจะเป็นหนึ่งเดียวกัน บางคนเห็นม่านชนิดหนึ่งในภาพนี้ซึ่งกำลังจะเปิดต่อหน้าผู้ชม แต่ในขณะที่ปิด ทุกคนกำลังรออะไรบางอย่าง

Joan Miro ประติมากร จิตรกร และกราฟิกชื่อดังชาวคาตาลัน กับภาพวาด "Dog" ที่โด่งดังไปทั่วโลกของเขา

ภาพวาดของ Joan Miro มีความเฉพาะเจาะจงและไม่ใช่ทุกคนที่จะชอบ โดยพื้นฐานแล้วศิลปินทำงานในทิศทางของศิลปะนามธรรม แต่อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ สถิตยศาสตร์ก็ใกล้เคียงกับเขาเช่นกัน ภาพวาดของเขาคล้ายกับภาพวาดของเด็ก ๆ ตัวเลขที่คล้ายกับภาพที่เข้าใจได้จากระยะไกลเท่านั้น ภาพวาดโดย Joan Miro "Dog" ถูกขายในการประมูลครั้งหนึ่งในราคา 2.2 ล้านดอลลาร์

เกอร์ฮาร์ด ริกเตอร์

Gerhard Richter เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงระดับโลก แม้จะอายุมากและมีโรคหลอดเลือดสมอง แต่ชายคนนั้นยังคงมีความสุขกับงานของเขาอย่างแข็งขัน พิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงตลอดจนนักสะสม ศิลปินที่มีชื่อเสียงเผยแพร่ภาพวาดประมาณสองร้อยภาพต่อปี เป็นที่น่าสังเกตว่า Richter เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีค่าตัวแพงที่สุดในโลก และภาพถ่ายของภาพวาดด้านบนนั้นยังห่างไกลจากสำเนาที่แพงที่สุด ผืนผ้าใบแอ็บสแตรกต์มีราคา 6 ล้านดอลลาร์สำหรับนักสะสมคนหนึ่ง แต่สำหรับภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปิน เขาต้องจ่ายมากถึง 46.3 ล้านดอลลาร์

ซี ทูมบลี

หากคุณดูภาพวาดทั้งหมดของศิลปินชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 20 Cy Twomblin เราสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าพวกเขาทั้งหมดสร้างขึ้นในรูปแบบของศิลปะนามธรรม งานศิลปะนี้ถูกขายในการประมูลครั้งหนึ่งในราคาเก้าล้านดอลลาร์

คริสโตเฟอร์ วูล กับ "Apocalypse Now" อันโด่งดังของเขา

Christopher Wool มีชื่อเสียงในปี 2013 หลังจากที่ภาพวาดของเขาชื่อ "Apocalypse Now" ถูกขายไปในราคา 26.5 ล้านดอลลาร์ หลังจากดีลนี้ประสบความสำเร็จ ราคาภาพวาดของเขาพุ่งสูงขึ้น และตอนนี้เขาเป็นหนึ่งในศิลปินที่ได้รับค่าตอบแทนสูงสุดในนิวยอร์ก ภาพวาดของเขาประดับประดานิทรรศการและยังถูกซื้อโดยนักสะสมและผู้ชื่นชมของศิลปินคนนี้

Robert Ryman และภาพวาดชื่อดังของเขาที่ชื่อ "The Bridge"

ภาพวาดนี้โดยศิลปินชื่อดัง Robert Ryman ในการประมูลในปี 2558 ทำให้ทุกคนหลงใหล สำหรับผืนผ้าใบได้รับเงิน 20.6 ล้านดอลลาร์ Robert Ryman ได้รับการยกย่องจากศิลปินส่วนใหญ่ว่าเป็นศิลปินแนวมินิมัลลิสต์ แต่อย่างที่ชายคนนี้พูด เขาเป็น "นักสัจนิยม" ในงานของเขามากกว่า เขาไม่สนใจภาพลวงตาอันโอ่อ่าที่เพื่อนร่วมงานบางคนสร้างขึ้นในภาพวาดของพวกเขาเลย โรเบิร์ตชอบที่จะแสดงด้านที่แท้จริงของสิ่งต่างๆ

Jasper Johns และภาพวาดธงอันโด่งดังของเขา

ในการประมูลในปี 2014 ภาพวาดของ Jasper Johns ศิลปินที่มีชีวิตได้จ่ายเงินไป 36 ล้านดอลลาร์ ซึ่งทำให้เขาอยู่ในหมวดหมู่ของศิลปินที่มีรายได้สูงสุดในยุคของเราโดยอัตโนมัติ ธงกลายเป็นตัวตั้งตัวตีในการทำงานของ Jasper ทันทีหลังจากที่เขากลับมาจากกองทัพ

ด้วยเหตุผลบางอย่าง เราได้รับการส่งเสริมอย่างดีเท่านั้น "สี่เหลี่ยมสีดำของ Malevichยกตัวอย่าง...ให้มีการบริหารจัดการที่ดี
อย่างไรก็ตามยังมีรูปภาพมากมายของแผนดังกล่าวซึ่งเมื่อมองดูแล้วคุณแค่คิดว่า: "เพื่ออะไรเงินขนาดนั้นเพื่ออะไร!" :))

สิบตัวอย่างภาพวาดที่ได้รับ - ตัวอย่างที่สดใสวิธีที่คุณสามารถรับเงินที่ยอดเยี่ยมสำหรับแฟรงค์ แต้ม (วาดโดยเด็กอายุ 5 ขวบหรือซื้อที่ตลาดนัด เป็นต้น) โดยการประดิษฐ์ชื่อที่ยิ่งใหญ่ เขียนเรื่องราวการสร้างสรรค์อันเหลือเชื่อและวางไว้ที่ หนึ่งในการประมูลที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก:

1. "แนวคิดของพื้นที่รอ" Lucio Fontana - 1.5 ล้านเหรียญ

'Concept of Space, Wait' ของศิลปิน Lucio Fontana ถูกขายไปในราคา 1.5 ล้านเหรียญสหรัฐในการประมูลที่ลอนดอน งานนี้เป็นผ้าใบสีเดียวที่มีร่องตามยาว คำถามในล้าน: มูลค่าของภาพวาดนี้จะเพิ่มขึ้นหรือไม่ถ้าคุณเจาะรูเพิ่มเติม

2. "Blood Red Mirror" โดย Gerhard Richter - 1.1 ล้านเหรียญ

"กระจกเงา"ขาย1.1ล. เมื่อตระหนักถึงคุณค่าของงานที่เหลือของ Gerhard Richter จึงเป็นเรื่องยากที่จะเข้าใจคุณค่าของงานชิ้นนี้ เป็นแค่สีแดงทาไล่ระดับเล็กน้อยที่กระจกใช่ไหม? บางทีนักสะสมที่ซื้อชิ้นนี้เพียงต้องการเห็นตัวเองในกระจกที่มีสีที่ไม่ได้มาตรฐาน

3. Greenblot โดย Ellsworth Kelly - 1.6 ล้านเหรียญ

ภาพวาดนี้ขายในราคา 1.6 ล้านเหรียญสหรัฐ เท่าที่ทราบ สำหรับผลงานส่วนใหญ่ของ Ellsworth Kelly เงินก้อนโตไม่สามารถช่วยได้ แต่ผืนผ้าใบนี้เป็นข้อยกเว้น ใช่แม้ว่านี่จะเป็นเพียงผืนผ้าใบที่มีวงกลมผิดรูปอยู่ตรงกลาง แต่ก็มีนักเลงและจ่ายเงินให้มากพอ ๆ กับราคาเกาะเล็ก ๆ ในประเทศไทย

4 Untitled (1961) Mark Rothko - 28 ล้านเหรียญ

ผลงานชิ้นนี้ของ Mark Rothko ถูกประมูลไปในราคากว่า 28 ล้านเหรียญสหรัฐ “แย่มาก” อาจเป็นการพูดเกินจริง แต่ “น่าเบื่อ” น่าจะเป็นคำอธิบายที่ถูกต้องที่สุดของภาพนี้ คุณจะว่าอย่างไรถ้าลูกของคุณเรียนที่โรงเรียนศิลปะมาหนึ่งปีแล้วจะนำผลงานชิ้นเอกกลับบ้าน? ตัวอย่างเช่น: a) พวกเขาภูมิใจและจะแขวนไว้บนผนังหรือ c) พวกเขาจะพูดว่า: "ดีมาก ... แต่ครั้งหน้าลองวาดสิ่งที่เป็นที่รู้จักมากขึ้น"

5. "Untitled" Blinky Palermo - 1.7 ล้านเหรียญ

งานนี้ขายทอดตลาดในราคา 1.7 ล้านเหรียญสหรัฐ "Untitled" เช่นเดียวกับงานอื่นๆ ของ Palermo คือการผสมผสานของแถบหลากสี หนึ่งใน นักวิจารณ์ศิลปะอธิบายงานศิลปะนี้ดังนี้: "ผืนผ้าใบของปาแลร์โมให้ผู้ชมเพียงเล็กน้อย หากมี พวกมันให้การเปลี่ยนแปลงเพียงเล็กน้อยในโทน ไม่มีสัมผัสของจิตรกร แต่แสดงให้ผู้ชมเห็นสีที่บริสุทธิ์และไม่เจือปน" ไชโย! มันวิเศษมากที่มีคนสามารถอธิบายงานที่ไม่มีองค์ประกอบมากมายและยังพบช่วงเวลาที่ดีในนั้น!

6. "Painting (Dog)" โดย Joan Miro - 2.2 ล้านเหรียญ

ผลงานชิ้นนี้ของ Joan Miró ถูกขายทอดตลาดในราคา 2.2 ล้านเหรียญสหรัฐ ในบรรดาผลงานดีๆ อื่นๆ ของ Miro เรามองว่างานชิ้นนี้เป็นความผิดปกติ เป็นการยากที่จะเข้าใจว่าทำไมนักสะสมถึงซื้อภาพวาดนี้ - บางทีเขาอาจต้องการเป็นเจ้าของมรดกของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่?

7. White Fire I, Barnett Newman - 3.8 ล้านเหรียญ

White Fire I โดย Barnett Newman ถูกซื้อในราคา 3.8 ล้านเหรียญ “ชื่อ “ไฟสีขาว” เป็นคำลึกลับที่มีต้นกำเนิดมาจากคัมภีร์โตราห์ ด้วยเหตุนี้จึงเต็มไปด้วยความรู้สึกทางจิตวิญญาณอันลึกซึ้งที่นิวแมนพยายามถ่ายทอดให้กับผู้ชมภาพของเขา จริงหรือ บรรทัดสองบรรทัดบนผืนผ้าใบว่างเปล่าเกี่ยวข้องโดยตรงกับโทราห์หรือไม่?

8. Cy Twombly ที่ไม่มีชื่อ - 2.3 ล้านเหรียญ

ภาพวาดนี้โดย Cy Twombly ขายในราคา 2.3 ล้านดอลลาร์ในการประมูลของ Christie งานนี้ทำด้วยดินสอสีบนกระดาษนั่นคือในลักษณะเดียวกันและใช้วัสดุเดียวกันกับที่พวกเขาพยายามวาดตัวอักษรตัวแรกในโรงเรียนอนุบาล มองด้านข้างดูเหมือนเด็ก 5 ขวบกำลังฝึกเขียนตัวอักษร "e" ใช่ไหม?

9 Cowboy, Ellsworth Kelly - 1.7 ล้านเหรียญ

Kelly คาวบอยของ Ellsworth ขายทอดตลาดในราคา 1.7 ล้านเหรียญ เคลลี่ศึกษาการวาดภาพที่พิพิธภัณฑ์เป็นเวลากว่าสี่ปี ศิลปกรรมในบอสตันและปารีสก่อนที่จะพัฒนาสไตล์ของตัวเอง เขาตัดสินใจสร้างสไตล์ที่ประกอบด้วยบล็อกบนผืนผ้าใบเป็นส่วนใหญ่ ผู้เริ่มต้นอาจคิดว่านี่เป็นทางเลือกที่แย่: มีอะไรพิเศษเกี่ยวกับโพลีเฮดราบนกระดาษ? อย่างไรก็ตาม จากมุมมองทางเศรษฐกิจ เคลลี่ต้องปวดหัว สิ่งที่เกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์? แทบจะไม่.

10 Blue Fool Christopher Wool - 5 ล้านเหรียญ

และในที่สุดภาพที่มีชื่อเชิงสัญลักษณ์ "The Blue Fool" คือข้อสรุปที่คู่ควรที่สุดของบทความนี้ มันถูกขายในการประมูลกว่า 5 ล้านเหรียญ เป็นเรื่องยากที่จะหักห้ามใจไม่ให้คิดว่าคริสโตเฟอร์ซึ่งเชี่ยวชาญด้านการเขียนคำบนผืนผ้าใบ หัวเราะชอบใจเมื่อภาพวาดนี้ถูกขาย การโน้มน้าวใจให้ใครบางคนซื้อภาพวาดที่มีคำว่า "คนโง่" สีน้ำเงินเขียนอยู่บนนั้นเป็นเพียง... ไชโย คริสโตเฟอร์!

doseng.org

– แวนเดรย์

สิบตัวอย่างภาพวาดด้านล่างเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนว่าคุณจะได้รับเงินที่ยอดเยี่ยมสำหรับ Frank Daub ใด ๆ (วาดโดยเด็กอายุ 5 ขวบหรือซื้อที่ตลาดนัด เป็นต้น) ซึ่งมาพร้อมกับชื่อที่ยิ่งใหญ่สำหรับมัน เขียนเรื่องราวการสร้างสรรค์ที่น่าทึ่งและนำเสนอในการประมูลที่โด่งดังที่สุดงานหนึ่งของโลก:

1. "แนวคิดของพื้นที่รอ" Lucio Fontana - 1.5 ล้านเหรียญ

'Concept of Space, Wait' ของศิลปิน Lucio Fontana ถูกขายไปในราคา 1.5 ล้านเหรียญสหรัฐในการประมูลที่ลอนดอน งานนี้เป็นผ้าใบสีเดียวที่มีร่องตามยาว คำถามในล้าน: มูลค่าของภาพวาดนี้จะเพิ่มขึ้นหรือไม่ถ้าคุณเจาะรูเพิ่มเติม

2. "Blood Red Mirror" โดย Gerhard Richter - 1.1 ล้านเหรียญ

"กระจกเงา"ขาย1.1ล. เมื่อตระหนักถึงคุณค่าของงานที่เหลือของ Gerhard Richter จึงเป็นเรื่องยากที่จะเข้าใจคุณค่าของงานชิ้นนี้ เป็นแค่สีแดงทาไล่ระดับเล็กน้อยที่กระจกใช่ไหม? บางทีนักสะสมที่ซื้อชิ้นนี้เพียงต้องการเห็นตัวเองในกระจกที่มีสีที่ไม่ได้มาตรฐาน

3. Greenblot โดย Ellsworth Kelly - 1.6 ล้านเหรียญ

ภาพวาดนี้ขายในราคา 1.6 ล้านเหรียญสหรัฐ เท่าที่เราทราบ งานส่วนใหญ่ของ Ellsworth Kelly ไม่สามารถเรียกเงินก้อนโตได้ แต่ผืนผ้าใบนี้เป็นข้อยกเว้น ใช่แม้ว่านี่จะเป็นเพียงผืนผ้าใบที่มีวงกลมผิดรูปอยู่ตรงกลาง แต่ก็มีนักเลงและจ่ายเงินให้เท่ากับค่าเกาะเล็ก ๆ ของไทย

4 Untitled (1961) Mark Rothko - 28 ล้านเหรียญ

ผลงานชิ้นนี้ของ Mark Rothko ถูกประมูลไปในราคากว่า 28 ล้านเหรียญสหรัฐ “แย่มาก” อาจเป็นการพูดเกินจริง แต่ “น่าเบื่อ” น่าจะเป็นคำอธิบายที่ถูกต้องที่สุดของภาพนี้ คุณจะว่าอย่างไรถ้าลูกของคุณเรียนที่โรงเรียนศิลปะมาหนึ่งปีแล้วจะนำผลงานชิ้นเอกกลับบ้าน? ตัวอย่างเช่น: a) พวกเขาภูมิใจและจะแขวนไว้บนผนังหรือ c) พวกเขาจะพูดว่า: "ดีมาก ... แต่ครั้งหน้าลองวาดสิ่งที่เป็นที่รู้จักมากขึ้น"

5. "Untitled" Blinky Palermo - 1.7 ล้านเหรียญ

งานนี้ขายทอดตลาดในราคา 1.7 ล้านเหรียญสหรัฐ "Untitled" เช่นเดียวกับงานอื่นๆ ของ Palermo คือการผสมผสานของแถบหลากสี นักวิจารณ์ศิลปะคนหนึ่งอธิบายงานศิลปะชิ้นนี้ไว้ดังนี้: "ผืนผ้าใบของปาแลร์โมให้ผู้ชมเพียงเล็กน้อย หากมี พวกเขาให้การเปลี่ยนแปลงเพียงเล็กน้อยในโทน ไม่มีสัมผัสของจิตรกร แต่แสดงให้ผู้ชมเห็นสีที่บริสุทธิ์และไม่เจือปน" ไชโย! มันวิเศษมากที่มีคนสามารถอธิบายงานที่ไม่มีองค์ประกอบมากมายและยังพบช่วงเวลาที่ดีในนั้น!

6. "Painting (Dog)" โดย Joan Miro - 2.2 ล้านเหรียญ

ผลงานชิ้นนี้ของ Joan Miró ถูกขายทอดตลาดในราคา 2.2 ล้านเหรียญสหรัฐ ในบรรดาผลงานดีๆ อื่นๆ ของ Miro เรามองว่างานชิ้นนี้เป็นความผิดปกติ เป็นการยากที่จะเข้าใจว่าทำไมนักสะสมจึงซื้อภาพวาดนี้ - บางทีเขาอาจต้องการเป็นส่วนหนึ่งของมรดกของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่?

7. ไฟสีขาว I”, บาร์เน็ตต์ นิวแมน – 3.8 ล้านเหรียญสหรัฐ

White Fire I โดย Barnett Newman ถูกซื้อในราคา 3.8 ล้านเหรียญ “ชื่อ “ไฟสีขาว” เป็นคำลึกลับที่มีต้นกำเนิดมาจากคัมภีร์โตราห์ ด้วยเหตุนี้จึงเต็มไปด้วยความรู้สึกทางจิตวิญญาณอันลึกซึ้งที่นิวแมนพยายามถ่ายทอดให้กับผู้ชมภาพของเขา จริงหรือ บรรทัดสองบรรทัดบนผืนผ้าใบว่างเปล่าเกี่ยวข้องโดยตรงกับโทราห์หรือไม่?

8. Cy Twombly ที่ไม่มีชื่อ - 2.3 ล้านเหรียญ

ภาพวาดนี้โดย Cy Twombly ขายในราคา 2.3 ล้านดอลลาร์ในการประมูลของ Christie งานนี้ทำด้วยดินสอสีบนกระดาษนั่นคือในลักษณะเดียวกันและใช้วัสดุเดียวกันกับที่พวกเขาพยายามวาดตัวอักษรตัวแรกในโรงเรียนอนุบาล มองด้านข้างดูเหมือนเด็ก 5 ขวบกำลังฝึกเขียนตัวอักษร "e" ใช่ไหม?

9 Cowboy, Ellsworth Kelly - 1.7 ล้านเหรียญ

Kelly คาวบอยของ Ellsworth ขายทอดตลาดในราคา 1.7 ล้านเหรียญ เคลลี่ศึกษาการวาดภาพที่พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ในบอสตันและปารีสเป็นเวลากว่าสี่ปีก่อนที่จะพัฒนาสไตล์ของตัวเอง เขาตัดสินใจสร้างสไตล์ที่ประกอบด้วยบล็อกบนผืนผ้าใบเป็นส่วนใหญ่ ผู้เริ่มต้นอาจคิดว่านี่เป็นทางเลือกที่แย่: มีอะไรพิเศษเกี่ยวกับโพลีเฮดราบนกระดาษ? อย่างไรก็ตาม จากมุมมองทางเศรษฐกิจ เคลลี่ต้องปวดหัว สิ่งที่เกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์? แทบจะไม่.

10 Blue Fool Christopher Wool - 5 ล้านเหรียญ

และในที่สุดภาพที่มีชื่อเชิงสัญลักษณ์ "The Blue Fool" คือข้อสรุปที่คู่ควรที่สุดของบทความนี้ มันถูกขายในการประมูลกว่า 5 ล้านเหรียญ เป็นเรื่องยากที่จะหักห้ามใจไม่ให้คิดว่าคริสโตเฟอร์ซึ่งเชี่ยวชาญด้านการเขียนคำบนผืนผ้าใบ หัวเราะชอบใจเมื่อภาพวาดนี้ถูกขาย การโน้มน้าวใจให้ใครบางคนซื้อภาพวาดที่มีคำว่า "คนโง่" สีน้ำเงินเขียนอยู่บนนั้นเป็นเพียง... ไชโย คริสโตเฟอร์!

หมายเลข 20 $75,100,000. "Royal Red and Blue", Mark Rothko ขายในปี 2012

ผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่นี้เป็นหนึ่งในแปดผลงานที่ศิลปินเลือกเองสำหรับนิทรรศการเดี่ยวอันโดดเด่นของเขาที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก

หมายเลข 19 $76,700,000. การสังหารหมู่ผู้บริสุทธิ์ โดย Peter Paul Rubens สร้างขึ้นในปี 1610

ภาพวาดนี้ซื้อโดย Kenneth Thompson ที่ Sotheby's ในลอนดอนในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2545 สดใสและ งานที่น่าทึ่งรูเบนส์สามารถแข่งขันเพื่อชิงตำแหน่ง "ความสำเร็จที่คาดไม่ถึงที่สุด" Christie ประเมินมูลค่าภาพวาดนี้ไว้ที่ 5 ล้านยูโรเท่านั้น

หมายเลข 18 78,100,000 ดอลลาร์ Ball at the Moulin de la Galette โดย Pierre-Auguste Renoir วาดในปี 1876

ผลงานนี้ถูกขายในปี 1990 ในเวลานั้นมันถูกระบุว่าเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดอันดับสองของโลกที่เคยขาย ผลงานชิ้นเอกเป็นของ Ryoei Saito ประธาน Daishowa Paper Manufacturing Co. เขาต้องการให้ผืนผ้าใบนี้ถูกเผาพร้อมกับเขาหลังจากที่เขาเสียชีวิต แต่บริษัทประสบปัญหาทางการเงินเนื่องจากภาระหนี้สิน ดังนั้นภาพวาดจึงต้องใช้เป็นหลักประกัน

หมายเลข 17 80 ล้านดอลลาร์ "Turquoise Marilyn" โดย Andy Warhol วาดในปี 1964 ขายในปี 2007

ซื้อกิจการโดยนายสตีฟ โคเฮน ราคาไม่ได้รับการยืนยัน แต่ตัวเลขนี้ถือว่าเป็นจริง

หมายเลข 16 80 ล้านดอลลาร์ "False Start" แจสเปอร์ จอห์นส์ เขียนในปี 1959

ภาพวาดนี้เป็นของ David Geffen ซึ่งขายให้กับ Kenneth S. Griffin ซีอีโอของกลุ่มการลงทุน Citadel ได้รับการยอมรับว่าเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดที่ขายในช่วงชีวิตของศิลปิน Jasper Johns ปรมาจารย์ลัทธิ

หมายเลข 15 $82,500,000. "ภาพเหมือนของด็อกเตอร์กาเชต์" วินเซนต์ แวน โก๊ะ พ.ศ. 2433

นักธุรกิจชาวญี่ปุ่น Ryoei Saito ซื้อภาพวาดในปี 1990 ในการประมูล ในเวลานั้นมันเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดในโลก เพื่อตอบสนองต่อเสียงโวยวายของสาธารณชนเกี่ยวกับความปรารถนาของ Saito ที่จะเผางานศิลปะร่วมกับเขาหลังจากที่เขาเสียชีวิต นักธุรกิจอธิบายว่าด้วยเหตุนี้เขาจึงแสดงความรักที่ไม่เห็นแก่ตัวต่อภาพวาด

หมายเลข 14 86,300,000 ดอลลาร์ อันมีค่า, ฟรานซิส เบคอน, 2519

ผลงานชิ้นเอกสามชิ้นนี้ของ Bacon ทำลายสถิติเดิมของเขาด้วยยอดขาย 52.68 ล้านเหรียญ ภาพวาดนี้ซื้อโดยมหาเศรษฐีชาวรัสเซีย Roman Abramovich

หมายเลข 13 $87,900,000. "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer II", Gustav Klimt, 1912

รุ่นเดียวที่แสดงภาพสองครั้งโดย Klimt และขายไม่กี่เดือนหลังจากรุ่นแรก นี่คือภาพเหมือนของ Bloch-Bauer ซึ่งเป็นหนึ่งในสี่ภาพเขียนที่มีมูลค่ารวม 192 ล้านดอลลาร์ในปี 2549 ผู้ซื้อไม่เป็นที่รู้จัก

หมายเลข 12 $95,200,000. ดอร่า มาร์กับแมว, ปาโบล ปีกัสโซ, 1941

ภาพวาดอีกชิ้นของ Picasso ซึ่งอยู่ภายใต้ค้อนในราคาที่เหลือเชื่อ ในปี 2549 มันถูกซื้อโดยชาวรัสเซียลึกลับที่ไม่เปิดเผยตัวตน ซึ่งในขณะเดียวกันก็ซื้อผลงานของ Monet และ Chagall มูลค่า 100 ล้านเหรียญ

หมายเลข 11 $104,200,000. "เด็กชายกับท่อ", Pablo Picasso, 1905

นี่เป็นภาพวาดแรกที่ทำลายกำแพง 100 ล้านเหรียญในปี 2547 น่าแปลกที่ชื่อของบุคคลที่แสดงความสนใจในภาพเหมือนของปิกัสโซนั้นไม่เคยเปิดเผยต่อสาธารณะ

หมายเลข 10 $105,400,000. รถชนสีเงิน (การชนสองครั้ง), Andy Warhol, 1932

นี่คืองานที่แพงที่สุด ตำนานที่มีชื่อเสียงป๊อปอาร์ต, แอนดี วอร์ฮอล ภาพวาดกลายเป็นดวงดาว ศิลปะร่วมสมัยอยู่ภายใต้ค้อนในการประมูลของ Sotheby

หมายเลข 9 $106,500,000. เปลือยใบไม้สีเขียวและหน้าอก Pablo Picasso, 1932

ผลงานชิ้นเอกที่เย้ายวนและมีสีสันชิ้นนี้คือผลงานชิ้นเอกที่แพงที่สุดของปิกัสโซที่เคยขายทอดตลาด ภาพวาดนี้อยู่ในคอลเลกชั่นของนาง Sidney F. Brody และไม่ได้แสดงต่อสาธารณะมาตั้งแต่ปี 2504

หมายเลข 8 110 ล้านเหรียญ "แฟล็ก", แจสเปอร์ จอห์นส์, 2501

The Flag เป็นผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Jasper John ศิลปินวาดธงชาติอเมริกันครั้งแรกในปี 2497-55

หมายเลข 7 $119,900,000. “เสียงกรีดร้อง” เอ็ดวาร์ด เคี้ยว 2438

นี่คือผลงานที่มีเอกลักษณ์และมีสีสันที่สุดในบรรดาผลงานชิ้นเอกของ Edvard Munch ทั้ง 4 เวอร์ชัน The Scream มีเพียงหนึ่งในนั้นยังคงอยู่ในมือของเอกชน

หมายเลข 6 $135,000,000. "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I", Gustav Klimt

Maria Altman ฟ้องร้องสิทธิ์ในการเป็นเจ้าของภาพวาด เนื่องจาก Adele Bloch-Bauer ได้ยกพินัยกรรมไว้ หอศิลป์ของรัฐออสเตรียและสามีของเธอได้ยกเลิกการบริจาคในภายหลังท่ามกลางเหตุการณ์สงครามโลกครั้งที่สอง หลังจากได้รับสิทธิ์ตามกฎหมายแล้ว Maria Altman ได้ขายภาพเหมือนให้กับ Ronald Lauder ซึ่งจัดแสดงในแกลเลอรีของเขาในนิวยอร์ก

หมายเลข 5 $137,500,000. "สตรีหมายเลข 3" วิลเล็ม เดอ คูนนิ่ง

ภาพวาดอีกชิ้นที่ขายโดย Geffen ในปี 2549 แต่คราวนี้ผู้ซื้อคือมหาเศรษฐี Steven A. Cohen นามธรรมที่แปลกประหลาดนี้เป็นส่วนหนึ่งของผลงานชิ้นเอก Kooning หกชุดที่วาดระหว่างปี 1951 และ 1953

หมายเลข 4 $140,000,000. "ฉบับที่ 5, 1948", Jackson Pollock

ตามรายงานของ The New York Times ผู้ผลิตและนักสะสมภาพยนตร์ David Geffen ได้ขายภาพวาดให้กับ David Martinez ซึ่งเป็นหุ้นส่วนผู้จัดการของ FinTech Advisory แม้ว่าฝ่ายหลังจะไม่ได้ยืนยันข้อมูลก็ตาม ความจริงถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับ

การจัดอันดับผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินที่มีชีวิตคือโครงสร้างที่พูดถึงบทบาทและตำแหน่งของศิลปินในประวัติศาสตร์ศิลปะน้อยกว่าอายุและสุขภาพ

กฎสำหรับการรวบรวมการจัดอันดับของเรานั้นง่ายมาก ประการแรก จะพิจารณาเฉพาะการทำธุรกรรมกับผลงานของผู้เขียนที่มีชีวิตเท่านั้น ประการที่สอง จะพิจารณาเฉพาะการขายทอดตลาดเท่านั้น และประการที่สามมีการปฏิบัติตามกฎ "หนึ่งศิลปิน - หนึ่งงาน" (หากสองบันทึกเป็นของโจนส์ในการจัดอันดับผลงานก็จะเหลือเพียงรายการที่แพงที่สุดเท่านั้นและส่วนที่เหลือจะไม่นำมาพิจารณา) การจัดอันดับดำเนินการในรูปของดอลลาร์ (ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ขาย)

1. เจฟฟ์ คูนส์ แรบบิท 2529 91.075 ล้านเหรียญสหรัฐ

ยิ่งคุณดูงานประมูลของ Jeff Koons (1955) นานเท่าไหร่ คุณก็ยิ่งเชื่อมั่นว่าไม่มีอะไรที่เป็นไปไม่ได้สำหรับป๊อปอาร์ต คุณสามารถชื่นชมรูปปั้น Koons ในรูปแบบของของเล่นบอลลูนหรือคุณสามารถพิจารณาว่าเป็นศิลปที่ไร้ค่าและมีรสนิยมที่ไม่ดี - ถูกต้อง สิ่งหนึ่งที่ปฏิเสธไม่ได้: การติดตั้งของ Jeff Koons นั้นใช้เงินมหาศาล

Jeff Koons เริ่มเส้นทางสู่ชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่มีชีวิตที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกในปี 2550 เมื่อผลงานศิลปะโลหะขนาดยักษ์ของเขา Hanging Heart ถูกซื้อที่ Sotheby's ด้วยราคา 23.6 ล้านเหรียญ ผลงานนี้ซื้อโดย Larry Gagosian Gallery ซึ่งเป็นตัวแทนของ Koons (ในสื่อเขียนว่า มันอยู่ในความสนใจของมหาเศรษฐีชาวยูเครน Viktor Pinchuk) แกลเลอรี่ไม่ได้เป็นเพียงการติดตั้ง แต่ในความเป็นจริงแล้วเป็นผลงาน ศิลปะเครื่องประดับ. แม้ว่าชิ้นงานจะไม่ได้ทำจากทองคำ (เป็นวัสดุสแตนเลส) และมีขนาดที่ใหญ่กว่าจี้ทั่วไปอย่างเห็นได้ชัด (รูปปั้นสูง 2.7 ม. หนัก 1,600 กก.) แต่ก็มีจุดประสงค์คล้ายกัน ใช้เวลากว่าหกพันชั่วโมงครึ่งในการผลิตองค์ประกอบที่มีหัวใจเคลือบด้วยสีสิบชั้น เป็นผลให้มีการจ่ายเงินจำนวนมหาศาลสำหรับ "การตกแต่ง" ที่งดงาม

ถัดมาคือการขาย Purple Balloon Flower ในราคา 12.92 ล้านปอนด์ (25.8 ล้านเหรียญสหรัฐ) ที่ Christie's London เมื่อวันที่ 30 มิถุนายน 2551 ที่น่าสนใจเมื่อ 7 ปีก่อน เจ้าของคนเดิมของ "Flower" ได้ซื้อผลงานชิ้นนี้ในราคา 1.1 ล้านดอลลาร์ คำนวณง่ายๆ ว่าในช่วงเวลานี้ราคาตลาดของมันเพิ่มขึ้นเกือบ 25 เท่า

การตกต่ำของตลาดศิลปะในปี 2551-2552 ทำให้ผู้คลางแคลงมีเหตุผลที่จะใส่ร้ายว่าแฟชั่นสำหรับ Koons ได้ผ่านไปแล้ว แต่พวกเขาคิดผิด: พร้อมกับตลาดศิลปะความสนใจในผลงานของ Koons ก็ฟื้นขึ้นมา ผู้สืบทอดบัลลังก์ของราชาแห่งป๊อปอาร์ตของ Andy Warhol อัปเดตผลงานส่วนตัวของเขาในเดือนพฤศจิกายน 2555 ด้วยการขายประติมากรรมหลากสี "Tulips" จากซีรีส์ "Triumph" ที่ Christie's ในราคา 33.7 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชั่น

แต่ "ดอกทิวลิป" เป็น "ดอกไม้" ในความหมายที่แท้จริงและโดยนัย เพียงหนึ่งปีต่อมาในเดือนพฤศจิกายน 2013 การขายประติมากรรมสุนัขบอลลูนสแตนเลส (สีส้ม) ตามมา ราคาของค้อนสูงถึง 58.4 ล้านเหรียญสหรัฐ! ผลรวมที่ยอดเยี่ยมสำหรับศิลปินที่มีชีวิต ผลงานของนักเขียนร่วมสมัยถูกขายในราคาภาพวาดของแวนโก๊ะหรือปิกัสโซ นั่นคือผลเบอร์รี่ ...

ด้วยผลลัพธ์นี้ Koons ครองตำแหน่งสูงสุดของการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตเป็นเวลาหลายปี ในเดือนพฤศจิกายน 2018 เขาถูกแซงหน้าโดย David Hockney ในช่วงสั้นๆ (ดูอันดับที่สองในการจัดอันดับของเรา) แต่เพียงหกเดือนต่อมา ทุกอย่างก็กลับมาเป็นปกติ ในวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 ในนิวยอร์ก ในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัย คริสตี้ได้วางขายประติมากรรมแบบเรียนสำหรับ Koons ในปี 1986 ซึ่งเป็นรูปปั้นเงิน “กระต่าย” ทำจากสแตนเลสเลียนแบบลูกโป่งที่มีรูปร่างคล้ายกัน

โดยรวมแล้ว Koons สร้างประติมากรรมดังกล่าว 3 ชิ้นพร้อมสำเนาของผู้แต่งหนึ่งคน การประมูลรวมสำเนา "Rabbit" หมายเลข 2 - จากการรวบรวมของสำนักพิมพ์ลัทธิ Cy Newhouse เจ้าของร่วมของสำนักพิมพ์ Conde Nast (นิตยสาร Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ และอื่น ๆ ) เงิน "กระต่าย" ถูกซื้อโดย "บิดาแห่งความเย้ายวนใจ" Cy Newhouse ในปี 1992 ด้วยจำนวนที่น่าประทับใจตามมาตรฐานในช่วงหลายปีที่ผ่านมา - 1 ล้านเหรียญ หลังจาก 27 ปีในการต่อสู้ของผู้ประมูล 10 ราย ราคาของค้อนรูปสลักก็สูงกว่าราคาขายก่อนหน้านี้ถึง 80 เท่า และด้วยค่าคอมมิชชันระดับพรีเมียมของผู้ซื้อ ผลลัพธ์สุดท้ายคือบันทึก 91.075 ล้านดอลลาร์สำหรับศิลปินที่มีชีวิตทั้งหมด

2. DAVID HOKNEY ภาพเหมือนของศิลปิน สระว่ายน้ำที่มีสองร่าง 2515 90,312,500 ดอลลาร์

David Hockney (1937) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอังกฤษที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 20 ในปี 2011 David Hockney ได้รับการโหวตให้เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่ทรงอิทธิพลที่สุดตลอดกาลจากการสำรวจจิตรกรและประติมากรชาวอังกฤษหลายพันคน ในเวลาเดียวกัน Hockney ก็ข้ามอาจารย์เช่น William Turner และ Francis Bacon ตามกฎแล้วงานของเขามีสาเหตุมาจากศิลปะป๊อปแม้ว่าในผลงานแรก ๆ ของเขาเขาจะมุ่งไปที่การแสดงออกในจิตวิญญาณของฟรานซิสเบคอน

เกิดและเติบโตที่ David Hockney ในอังกฤษ เมืองยอร์คเชียร์ แม่ของศิลปินในอนาคตทำให้ครอบครัวเคร่งครัดเคร่งครัดและพ่อของเขาซึ่งเป็นนักบัญชีธรรมดาที่วาดภาพในระดับมือสมัครเล่นเล็กน้อยสนับสนุนให้ลูกชายของเขาวาดภาพ ในวัยยี่สิบต้นๆ เดวิดย้ายไปแคลิฟอร์เนีย ที่ซึ่งเขาอาศัยอยู่รวมแล้วประมาณสามทศวรรษ เขายังมีเวิร์กช็อปอีกสองแห่งที่นั่น Hockney ทำให้ฮีโร่ในผลงานของเขากลายเป็นคนรวยในท้องถิ่น วิลล่า สระว่ายน้ำ สนามหญ้าอาบแสงแดดแคลิฟอร์เนีย ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาในยุคอเมริกาคือภาพวาด "Splash" - เป็นภาพละอองฝอยที่พุ่งขึ้นจากสระน้ำหลังจากที่มีคนกระโดดลงไปในน้ำ เพื่อพรรณนามัดนี้ "มีชีวิต" ไม่เกินสองวินาที Hockney ทำงานเป็นเวลาสองสัปดาห์ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดนี้ถูกขายที่ Sotheby’s ในราคา 5.4 ล้านดอลลาร์ในปี 2549 และบางครั้งถือเป็นงานที่แพงที่สุดของเขา

Hockney (1937) อยู่ในวัยแปดสิบแล้ว แต่เขายังคงทำงานและแม้แต่ประดิษฐ์เทคนิคทางศิลปะใหม่ ๆ โดยใช้นวัตกรรมทางเทคนิค เมื่อเขาเกิดแนวคิดในการสร้างภาพปะติดขนาดใหญ่จากภาพโพลารอยด์ พิมพ์งานของเขาบนเครื่องแฟกซ์ และวันนี้ศิลปินก็เชี่ยวชาญการวาดภาพบน iPad อย่างกระตือรือร้น ภาพวาดที่วาดบนแท็บเล็ตเกิดขึ้นอย่างถูกต้องในนิทรรศการของเขา

ในปี 2548 ในที่สุด Hockney ก็เดินทางกลับจากอเมริกาไปยังอังกฤษ ตอนนี้เขาวาดภาพในที่โล่งและในสตูดิโอขนาดใหญ่ (มักประกอบด้วยหลายส่วน) ภูมิทัศน์ของป่าในท้องถิ่นและพื้นที่รกร้างว่างเปล่า จากข้อมูลของฮอคนีย์ ตลอด 30 ปีที่เขาอยู่ในแคลิฟอร์เนีย เขาไม่เคยชินกับการเปลี่ยนแปลงของฤดูกาลเลย ซึ่งนั่นทำให้เขารู้สึกทึ่งและทึ่งมาก วัฏจักรทั้งหมดของผลงานล่าสุดของเขาอุทิศให้กับภูมิทัศน์เดียวกันในช่วงเวลาต่างๆ ของปี

ในปี 2018 ภาพวาดของ Hockney ทำรายได้ทะลุหลัก 10 ล้านเหรียญหลายครั้ง และเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2018 มีการบันทึกสถิติใหม่สำหรับผลงานของศิลปินที่มีชีวิตที่ Christie's - $ 90,312,500 สำหรับภาพวาด "Portrait of the Artist (Pool with Two Figures)"

3. เกอร์ฮาร์ด ริชเตอร์ ภาพวาดนามธรรม. 2529 46.3 ล้านเหรียญสหรัฐ

ใช้ชีวิตแบบคลาสสิก เกอร์ฮาร์ด ริกเตอร์ (1932)อันดับที่สองในการจัดอันดับของเรา ศิลปินชาวเยอรมันเป็นผู้นำในหมู่เพื่อนร่วมงานที่มีชีวิตจนกระทั่งทำลายสถิติที่ 58 ล้านของ Jeff Koons แต่ไม่น่าเป็นไปได้ที่กรณีนี้จะทำให้ผู้มีอำนาจในตลาดศิลปะของริกเตอร์สั่นคลอนได้ จากผลของปี 2555 มูลค่าการประมูลประจำปีของศิลปินชาวเยอรมันเป็นรองเพียง Andy Warhol และ Pablo Picasso

เป็นเวลาหลายปีที่ไม่มีอะไรคาดเดาถึงความสำเร็จที่เกิดขึ้นกับ Richter ในขณะนี้ เป็นเวลาหลายทศวรรษที่ศิลปินครอบครองตำแหน่งที่เรียบง่ายในตลาดศิลปะร่วมสมัยและไม่ได้ปรารถนาที่จะมีชื่อเสียงเลย เราสามารถพูดได้ว่าชื่อเสียงครอบงำเขาด้วยตัวมันเอง จุดเริ่มต้นที่หลายๆ คนมองว่าเป็นการซื้อพิพิธภัณฑ์ MoMA แห่งนิวยอร์กในปี 1995 ของซีรีส์ Richter's 18 ตุลาคม 1977 พิพิธภัณฑ์อเมริกันจ่ายเงิน 3 ล้านดอลลาร์สำหรับภาพวาดระดับสีเทา 15 ภาพ และในไม่ช้าก็เริ่มคิดถึงการหวนรำลึกถึงศิลปินชาวเยอรมันผู้นี้อย่างเต็มรูปแบบ นิทรรศการอันยิ่งใหญ่นี้เปิดขึ้นในอีก 6 ปีต่อมาในปี 2544 และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาความสนใจในงานของ Richter ก็เพิ่มขึ้นอย่างก้าวกระโดด จากปี 2547 ถึงปี 2551 ราคาภาพวาดของเขาเพิ่มขึ้นสามเท่า ในปี 2010 ผลงานของ Richter ทำรายได้ไปแล้ว 76.9 ล้านดอลลาร์ ในปี 2011 ตามเว็บไซต์ Artnet ผลงานของ Richter ในการประมูลทำรายได้รวม 200 ล้านดอลลาร์ และในปี 2012 (อ้างอิงจาก Artprice) - 262.7 ล้านดอลลาร์ ซึ่งมากกว่าผลงานของใดๆ ศิลปินที่มีชีวิตคนอื่น

ยกตัวอย่างเช่น Jasper Johns ประสบความสำเร็จอย่างมากในการประมูล งานแรกการแบ่งที่เฉียบแหลมเช่นนี้ไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับผลงานของ Richter: ความต้องการนั้นคงที่พอๆ กันสำหรับสิ่งต่างๆ จากช่วงเวลาสร้างสรรค์ต่างๆ ซึ่งมีอยู่มากมายในอาชีพของ Richter ในช่วงหกสิบปีที่ผ่านมาศิลปินคนนี้ได้ลองตัวเองในการวาดภาพแบบดั้งเดิมเกือบทุกประเภท - ภาพบุคคล, ทิวทัศน์, ท่าจอดเรือ, ภาพเปลือย, หุ่นนิ่งและแน่นอนว่าเป็นนามธรรม

ประวัติศาสตร์ของบันทึกการประมูลของ Richter เริ่มต้นด้วยชุดของหุ่นนิ่ง "Candles" ภาพเทียนที่เหมือนจริง 27 ภาพในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ในขณะที่เขียนนั้นมีราคาเพียง 15,000 มาร์กเยอรมัน (5,800 ดอลลาร์) ต่องาน แต่ก็ยังไม่มีใครซื้อ Candles ในนิทรรศการครั้งแรกที่ Max Hetzler Gallery ในสตุตการ์ต จากนั้นจึงเรียกธีมของภาพวาดว่าเชย วันนี้ "เทียน" ถือเป็นผลงานตลอดกาล และมีราคาหลายล้านดอลลาร์

ในเดือนกุมภาพันธ์ 2551 "เทียน"เขียนในปี 1983 ถูกซื้อโดยไม่คาดคิดในราคา 1 ปอนด์ 7.97 ล้าน ($16 ล้าน). บันทึกส่วนตัวนี้มีอายุสามปีครึ่ง แล้ว ในเดือนตุลาคม 2554อีกอันหนึ่ง "เทียน" (2525)ตกอยู่ภายใต้ขุนค้อนของคริสตี้แล้วในราคา 10.46 ล้าน ($16.48 ล้าน). ด้วยสถิตินี้ Gerhard Richter เข้าสู่สามอันดับแรกของศิลปินที่มีชีวิตที่ประสบความสำเร็จสูงสุดเป็นครั้งแรก โดยแทนที่ Jasper Johns และ Jeff Koons

จากนั้นขบวนแห่งชัยชนะของ "ภาพวาดนามธรรม" ของริกเตอร์ก็เริ่มขึ้น ศิลปินเขียนงานที่คล้ายกันโดยใช้เทคนิคเฉพาะของผู้เขียน: เขาใช้ส่วนผสมของ สีที่เรียบง่ายแล้วใช้มีดโกนยาวขนาดเท่ากันชนรถ เลอะไปทั่วผืนผ้าใบ ซึ่งส่งผลให้เกิดการเปลี่ยนสี จุด และลายเส้นที่ซับซ้อน การตรวจสอบพื้นผิวของ "ภาพวาดนามธรรม" ของเขาเป็นเหมือนการขุดค้น: ร่องรอยของ "ตัวเลข" ต่างๆ มองผ่านช่องว่างของเลเยอร์หลากสีสันบนพวกมัน

9 พฤศจิกายน 2554ในการประมูลงานศิลปะสมัยใหม่และหลังสงครามขนาดใหญ่ของ Sotheby "ภาพวาดนามธรรม (849-3)"พ.ศ. 2540 อยู่ภายใต้ค้อนสำหรับ $20.8m (£13.2m). และอีกหกเดือนต่อมา 8 พฤษภาคม 2555ในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยของคริสตี้ในนิวยอร์ก "ภาพวาดนามธรรม (798-3)" 1993 ไปสำหรับการบันทึก 21.8 ล้านเหรียญสหรัฐ(รวมคอมมิชชั่น). ห้าเดือนต่อมา - บันทึกอีกครั้ง: "ภาพวาดนามธรรม (809-4)"จากคอลเลกชั่นของนักดนตรีร็อค Eric Clapton เมื่อวันที่ 12 ตุลาคม 2012 ที่ Sotheby's ในลอนดอน ไปอยู่ภายใต้ค้อนสำหรับ£ 21.3 ล้าน ($34.2 ล้าน). ริกเตอร์กั้นกำแพง 30 ล้านได้อย่างง่ายดายราวกับว่ามันไม่เกี่ยวกับการวาดภาพสมัยใหม่ แต่เกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกที่มีอายุหนึ่งร้อยปีแล้ว - ไม่น้อย แม้ว่าในกรณีของริกเตอร์ดูเหมือนว่าการรวม "ผู้ยิ่งใหญ่" ไว้ในวิหารแพนธีออนเกิดขึ้นแล้วในช่วงชีวิตของศิลปิน ราคาเยอรมันยังคงเพิ่มขึ้น

บันทึกต่อไปของ Richter เป็นผลงานภาพถ่ายเหมือนจริง - ทิวทัศน์ "Cathedral Square, Milan (Domplatz, Mailand)" 2511. งานถูกขายสำหรับ 37.1 ล้านในการประมูลของ Sotheby 14 พฤษภาคม 2556. ทิวทัศน์ของจัตุรัสที่สวยงามที่สุดถูกเขียนขึ้น โดยศิลปินชาวเยอรมันในปี พ.ศ. 2511 โดย Siemens Electro โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับสำนักงานในมิลานของบริษัท ในขณะที่เขียน มันเป็นงานอุปมาอุปไมยที่ใหญ่ที่สุดของริกเตอร์ (ขนาดเกือบสามคูณสามเมตร)

บันทึกของ Cathedral Square ยืนหยัดมาเกือบสองปีจนกระทั่ง 10 กุมภาพันธ์ 2558ไม่ขัดจังหวะเขา "จิตรกรรมนามธรรม" ( 2529): ราคาค้อนถึง£ 30.389 ล้าน (46.3 ล้านเหรียญสหรัฐ). ภาพวาดนามธรรมขนาด 300.5 × 250.5 ซม. ถูกนำไปประมูลที่ Sotheby’s เป็นหนึ่งในผลงานขนาดใหญ่ชิ้นแรกของ Richter โดยใช้เทคนิคพิเศษของผู้เขียนในการขูดชั้นสีออก ใน ครั้งสุดท้ายในปี 1999 "ภาพวาดนามธรรม" นี้ถูกประมูลในราคา 607,000 ดอลลาร์ (ตั้งแต่ปีนี้จนถึงการขายปัจจุบัน ผลงานนี้จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ลุดวิกในโคโลญจน์) ในการประมูลเมื่อวันที่ 10 กุมภาพันธ์ 2558 ลูกค้าชาวอเมริกันบางรายในขั้นตอนการประมูลที่ 2 ล้านปอนด์มีราคาค้อนทุบที่ 46.3 ล้านเหรียญ นั่นคือตั้งแต่ปี 2542 งานมีราคาเพิ่มขึ้นมากกว่า 76 เท่า!

4. Tsui Zhuzhuo "ภูเขาที่ปกคลุมด้วยหิมะอันยิ่งใหญ่" 2556 39.577 ล้านเหรียญสหรัฐ

เป็นเวลานานแล้วที่เราไม่ได้ติดตามพัฒนาการของสถานการณ์ในตลาดศิลปะจีนอย่างใกล้ชิด โดยไม่ต้องการให้ผู้อ่านได้รับข้อมูลมากเกินไปเกี่ยวกับงานศิลปะที่ "ไม่ใช่ของเรา" ยกเว้นผู้คัดค้าน Ai Weiwei ซึ่งไม่ได้มีราคาแพงเท่ากับศิลปินที่มีจังหวะเสียง นักเขียนชาวจีนดูเหมือนจะมีจำนวนมากเกินไปและห่างไกลจากเราที่จะเจาะลึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในตลาดของพวกเขาที่นั่น แต่ตามที่พวกเขากล่าวว่าสถิติเป็นผู้หญิงที่จริงจังและหากเรากำลังพูดถึงนักเขียนที่มีชีวิตที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกเราก็ไม่สามารถทำได้หากไม่มีเรื่องราวเกี่ยวกับตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะร่วมสมัยของอาณาจักรซีเลสเชียล

เริ่มกันที่ศิลปินจีน Cui Ruzhuo. ศิลปินเกิดในปี 2487 ในกรุงปักกิ่งและอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปี 2524 ถึง 2539 หลังจากกลับมาที่ประเทศจีน เขาเริ่มสอนที่สถาบันศิลปะแห่งชาติ Cui Ruzhuo ตีความสไตล์การวาดภาพด้วยหมึกจีนแบบดั้งเดิมอีกครั้งและสร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่นักธุรกิจและเจ้าหน้าที่ชาวจีนชอบมอบเป็นของขวัญให้กันและกัน ในฝั่งตะวันตก ไม่ค่อยมีใครรู้จักเขามากนัก แม้ว่าหลายคนต้องจำเรื่องราวของม้วนหนังสือมูลค่า 3.7 ล้านดอลลาร์ที่ถูกคนทำความสะอาดของโรงแรมในฮ่องกงโยนทิ้งโดยไม่ตั้งใจ เข้าใจผิดคิดว่าเป็นขยะ ดังนั้นจึงเป็นคัมภีร์ของ Cui Ruzhuo

Cui Ruzhuo อยู่ในวัย 70 ปี และตลาดสำหรับงานของเขากำลังเฟื่องฟู ผลงานของศิลปินรายนี้กว่า 60 ชิ้นทำรายได้เกิน 1 ล้านดอลลาร์ อย่างไรก็ตาม ผลงานของเขาประสบความสำเร็จในการประมูลของจีนเท่านั้น บันทึกของ Cui Ruzhuo น่าประทับใจจริงๆ อย่างแรกเลย "ทิวทัศน์ในหิมะ"ที่ Poly Auction ในฮ่องกง 7 เมษายน 2557ถึงราคาทุบที่ 184 ล้านเหรียญฮ่องกง ( 23.7 ล้านเหรียญสหรัฐ).

หนึ่งปีต่อมา 6 เมษายน 2558ที่งานประมูล Poly Auction พิเศษในฮ่องกงซึ่งอุทิศให้กับงานของ Cui Ruzhuo โดยเฉพาะ ซึ่งเป็นซีรีส์ "ทิวทัศน์หิมะอันยิ่งใหญ่ของภูเขา Jiangnan"(Jiangnan เป็นภูมิภาคประวัติศาสตร์ในประเทศจีน ครอบครองฝั่งขวาของแม่น้ำแยงซีตอนล่าง) ภาพทิวทัศน์หมึกบนกระดาษ 8 ภาพมีราคาทุบสถิติที่ 236 ล้านเหรียญฮ่องกง ( 30.444 ล้านเหรียญสหรัฐ).

หนึ่งปีต่อมา ประวัติศาสตร์ซ้ำรอยอีกครั้ง: ในการประมูลเดี่ยวของ Cui Ruzhuo ซึ่งจัดโดย Poly Auctions ในฮ่องกง 4 เมษายน 2559 polyptych ในหกส่วน "ภูเขาหิมะอันยิ่งใหญ่" 2013 ถึงราคาค้อน (รวมค่าคอมมิชชั่น บ้านประมูล) 306 ล้านเหรียญฮ่องกง (39.577 ล้านเหรียญสหรัฐฯ). จนถึงตอนนี้ นี่เป็นสถิติที่แน่นอนในหมู่ศิลปินที่มีชีวิตในเอเชีย

จอห์นสัน ชาน ผู้ค้างานศิลปะซึ่งทำงานเกี่ยวกับศิลปะร่วมสมัยของจีนมาเป็นเวลา 30 ปี กล่าวว่า มีความปรารถนาอย่างไม่มีเงื่อนไขที่จะขึ้นราคาผลงานของนักเขียนคนนี้ แต่ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในระดับราคาที่นักสะสมที่มีประสบการณ์ไม่น่าจะต้องการ จะซื้ออะไร “ชาวจีนต้องการเพิ่มอันดับของศิลปินของตนโดยการเพิ่มราคาผลงานของพวกเขาในการประมูลระดับนานาชาติที่สำคัญ เช่น ที่จัดโดย Poly ในฮ่องกง แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการจัดอันดับเหล่านี้ถูกประดิษฐ์ขึ้นอย่างสมบูรณ์” จอห์นสัน ชาง แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับ Cui Ruzhuo's บันทึกล่าสุด

แน่นอนว่านี่เป็นเพียงความคิดเห็นของดีลเลอร์รายเดียวเท่านั้น และเรามีบันทึกจริงที่บันทึกไว้ในฐานข้อมูลทั้งหมด ลองพิจารณาเขา Cui Ruzhuo พิจารณาจากคำพูดของเขาแล้ว ยังห่างไกลจากความสุภาพเรียบร้อยของ Gerhard Richter เมื่อพูดถึงความสำเร็จในการประมูลของเขา ดูเหมือนว่าการแข่งขันเพื่อบันทึกนี้จะทำให้เขาหลงใหลอย่างจริงจัง “ฉันหวังว่าในอีก 5-10 ปีข้างหน้า ราคาผลงานของฉันจะสูงกว่าราคาผลงานของปรมาจารย์ชาวตะวันตกอย่างปีกัสโซและแวนโก๊ะ นี่คือความฝันของจีน” Cui Ruzhuo กล่าว

5 แจสเปอร์ จอห์นส์ ธง. พ.ศ. 2526 36 ล้านเหรียญสหรัฐ

อันดับที่สามในการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตเป็นของชาวอเมริกัน ถึงแจสเปอร์ จอห์นส์ (1930). ราคาบันทึกปัจจุบันสำหรับงานของโจนส์คือ $ 36 ล้าน. จ่ายมากสำหรับชื่อเสียงของเขา "ธง"ในการประมูลของคริสตี้ 12 พฤศจิกายน 2557.

ชุดภาพวาด "ธง" ซึ่งเริ่มโดยโจนส์ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1950 ทันทีหลังจากที่ศิลปินกลับมาจากกองทัพ กลายเป็นหนึ่งในผลงานหลักของเขา แม้แต่ในวัยหนุ่มของเขา ศิลปินก็ยังสนใจในแนวคิดของงานสำเร็จรูป การเปลี่ยนสิ่งของในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นงานศิลปะ อย่างไรก็ตาม ธงของโจนส์ไม่ใช่ของจริง แต่เป็นสีน้ำมันบนผ้าใบ ดังนั้นงานศิลปะจึงได้รับคุณสมบัติของสิ่งของจาก ชีวิตธรรมดาในเวลาเดียวกันทั้งรูปธงและตัวธง ผลงานชุดหนึ่งที่มีธงทำให้แจสเปอร์ จอห์นส์มีชื่อเสียงไปทั่วโลก แต่ผลงานนามธรรมของเขาก็ได้รับความนิยมไม่น้อย เป็นเวลาหลายปีที่รายชื่อผลงานที่แพงที่สุดซึ่งรวบรวมตามกฎข้างต้นมีบทคัดย่อ "เริ่มต้นผิด". จนถึงปี 2550 ผืนผ้าใบที่สดใสและตกแต่งซึ่งวาดโดยโจนส์ในปี 2502 ถือเป็นเจ้าของในราคาที่ไม่สามารถเข้าถึงได้จริงสำหรับศิลปินที่มีชีวิต (แม้ว่าจะเป็นคลาสสิกตลอดชีวิต) - $ 17 ล้าน. นั่นคือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายเป็นทองคำสำหรับตลาดศิลปะ 2531.

ที่น่าสนใจคือประสบการณ์ของ Jasper Johns ในฐานะเจ้าของสถิตินั้นไม่ต่อเนื่อง ในปี 1989 เขาถูกขัดจังหวะโดยงานของ Willem de Kooning เพื่อนร่วมงานของเขา: นามธรรมสองเมตร "Mixing" ถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 20.7 ล้านเหรียญ Jasper Johns ต้องย้าย แต่หลังจาก 8 ปีในปี 1997 de Kooning เสียชีวิต และ " False start" โจนส์ได้รับการจัดอันดับการประมูลของศิลปินที่มีชีวิตอีกครั้งเป็นเวลาเกือบ 10 ปี

แต่ในปี 2550 ทุกอย่างเปลี่ยนไป บันทึก False Start ถูกบดบังเป็นครั้งแรกโดยผลงานของ Damien Hirst และ Jeff Koons ที่อายุน้อยและมีความทะเยอทะยาน จากนั้นมีการขายภาพวาด "The Sleeping Benefit Inspector" โดย Lusien Freud ในราคา 33.6 ล้านดอลลาร์ (ปัจจุบันเสียชีวิตแล้วจึงไม่ได้เข้าร่วมในการจัดอันดับนี้) จากนั้นบันทึกของ Gerhard Richter ก็เริ่มต้นขึ้น โดยทั่วไปแล้ว Jasper Johns ซึ่งเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะหลังสงครามของอเมริกาซึ่งมีสถิติปัจจุบันอยู่ที่ 36 ล้านคน ซึ่งทำงานที่จุดตัดระหว่างลัทธินีโอดาดา ลัทธิการแสดงออกทางนามธรรม และศิลปะป๊อป อยู่ในอันดับที่สามที่มีเกียรติ

6. เอ็ด รัชเฮย์ ทุบ พ.ศ. 2506 30.4 ล้านเหรียญสหรัฐ

ความสำเร็จอย่างกะทันหันของภาพวาด "Smash" โดยศิลปินชาวอเมริกัน เอ็ดเวิร์ด รุสชา (พ.ศ. 2480)ในการประมูล คริสตี้ 12 พฤศจิกายน 2014นำผู้เขียนคนนี้มาสู่จำนวนศิลปินที่มีชีวิตแพงที่สุด ราคาบันทึกก่อนหน้าสำหรับผลงานของ Ed Ruscha (ชื่อ Ruscha มักจะออกเสียงในภาษารัสเซียว่า "Rusha" แต่การออกเสียงที่ถูกต้องคือ Ruscha) คือ "เพียง" 6.98 ล้านดอลลาร์: นั่นคือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายสำหรับผืนผ้าใบของเขา "การเผาไหม้ก๊าซ สถานี" ในปี 2550 เจ็ดปีต่อมาของเขา ทุบด้วยเงินประมาณ 15–20 ล้านดอลลาร์ มันถึงราคาของค้อน 30.4 ล้านเหรียญสหรัฐ. เห็นได้ชัดว่าตลาดสำหรับผลงานของผู้เขียนคนนี้ได้มาถึงระดับใหม่แล้ว - มันไม่ไร้ประโยชน์ที่เขาประดับประดา ทำเนียบขาว Barack Obama และ Larry Gagosian จัดแสดงในแกลเลอรีของพวกเขาเอง

Ed Ruscha ไม่เคยใฝ่ฝันถึงนิวยอร์กหลังสงครามด้วยความคลั่งไคล้ในการแสดงออกทางนามธรรม เขาแสวงหาแรงบันดาลใจในแคลิฟอร์เนียเป็นเวลากว่า 40 ปี ซึ่งเขาย้ายจากเนแบรสกาเมื่ออายุ 18 ปี ศิลปินยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของศิลปะแนวใหม่ที่เรียกว่าป๊อปอาร์ต ร่วมกับ Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud และนักร้องเพลงป๊อปคนอื่น ๆ Edward Ruscha เข้าร่วมในนิทรรศการ New Image of Ordinary Things ของ Pasadena Museum ในปี 1962 ซึ่งกลายเป็นนิทรรศการศิลปะป๊อปอเมริกันครั้งแรกของพิพิธภัณฑ์ อย่างไรก็ตาม ตัว Ed Ruscha เองก็ไม่ชอบใจเมื่อผลงานของเขามีที่มาจากป๊อปอาร์ต แนวคิดนิยม หรือกระแสอื่นๆ ในงานศิลปะ

สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเรียกว่า ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 1950 Ed Ruscha เริ่มวาดภาพคำ เช่นเดียวกับ Warhol กระป๋องซุปกลายเป็นงานศิลปะ สำหรับ Ed Ruscha คำและวลีธรรมดาๆ ที่นำมาจากป้ายโฆษณาหรือบรรจุภัณฑ์ในซุปเปอร์มาร์เก็ต หรือจากเครดิตของภาพยนตร์ (ฮอลลีวูดอยู่ข้าง Ruscha เสมอ และ รัชชีย์เคารพ "โรงงานแห่งความฝัน" ซึ่งแตกต่างจากเพื่อนศิลปินหลายคนของเขา) คำพูดบนผืนผ้าใบของเขาได้รับคุณสมบัติของวัตถุสามมิติ สิ่งเหล่านี้คือชีวิตจริงที่สร้างจากคำพูด เมื่อดูที่ผืนผ้าใบของเขาสิ่งแรกที่นึกถึงคือการรับรู้ภาพและเสียงของคำที่วาดและหลังจากนั้น - ความหมายเชิงความหมาย ตามกฎแล้วไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างชัดเจน คำและวลีที่ Ruscha เลือกสามารถตีความได้หลายวิธี คำว่า "Smash" สีเหลืองสดใสคำเดียวกันบนพื้นหลังสีน้ำเงินเข้มสามารถรับรู้ได้ว่าเป็นการเรียกร้องอย่างก้าวร้าวเพื่อทุบบางสิ่งหรือใครบางคนให้แหลกเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย เป็นคำคุณศัพท์โดดๆ ที่ไม่ได้อยู่ในบริบท (เช่น ส่วนหนึ่งของพาดหัวข่าวในหนังสือพิมพ์บางฉบับ) หรือเป็นเพียงคำๆ เดียวที่ปรากฏในกระแสภาพของเมือง Ed Ruscha มีความสุขกับความไม่แน่นอนนี้ “ผมมีความเคารพอย่างลึกซึ้งต่อสิ่งแปลกประหลาดที่อธิบายไม่ได้เสมอ... คำอธิบาย ในแง่หนึ่ง คือการฆ่าบางสิ่ง” เขากล่าวในการให้สัมภาษณ์

7. คริสโตเฟอร์ วูล ไม่มีชื่อ (RIOT) 2533 29.93 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินชาวอเมริกัน คริสโตเฟอร์ วูล(1955) ติดอันดับศิลปินที่มีชีวิตเป็นครั้งแรกในปี 2013 หลังจากขาย Apocalypse Now ในราคา 26.5 ล้านเหรียญ สถิตินี้ทำให้เขาอยู่ในระดับเดียวกับ Jasper Johns และ Gerhard Richter จำนวนการทำธุรกรรมครั้งประวัติศาสตร์นี้ - มากกว่า 20 ล้านดอลลาร์ - ทำให้หลาย ๆ คนประหลาดใจเนื่องจากก่อนหน้านี้ราคาผลงานของศิลปินไม่เกิน 8 ล้านดอลลาร์ อย่างไรก็ตามการเติบโตอย่างรวดเร็วของตลาดสำหรับผลงานของ Christopher Wool นั้นชัดเจนแล้วในเวลานั้น : ประวัติของศิลปินรวมถึงธุรกรรมการประมูล 48 รายการที่มีมูลค่ามากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ และ 22 รายการ (เกือบครึ่งหนึ่ง) เกิดขึ้นในปี 2556 อีกสองปีต่อมา จำนวนผลงานของ Chris Wool ขายได้มากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ สูงถึง 70 ชิ้น และบันทึกส่วนตัวใหม่ก็มาถึงในไม่ช้า ในการประมูล งาน 12 พฤษภาคม 2558 ของ Sotheby เรื่อง "Untitled (RIOT)"ถูกขายในราคา $ 29.93ล้านรวมถึงพรีเมี่ยมของผู้ซื้อ

คริสโตเฟอร์ วูล เป็นที่รู้จักดีที่สุดจากตัวอักษรสีดำขนาดใหญ่บนแผ่นอะลูมิเนียมสีขาว ตามกฎแล้วพวกเขาเป็นผู้กำหนดบันทึกในการประมูล สิ่งเหล่านี้ล้วนมาจากช่วงปลายทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 ตามตำนานเล่าว่า เย็นวันหนึ่ง วูลกำลังเดินไปรอบๆ นิวยอร์กในตอนเย็น แล้วจู่ๆ ก็เห็นภาพกราฟิตีเป็นตัวอักษรสีดำบนรถบรรทุกสีขาวคันใหม่ ซึ่งก็คือคำว่า sex และ luv ภาพนี้ทำให้เขาประทับใจมากจนเขากลับไปที่สตูดิโอทันทีและเขียนเวอร์ชันของตัวเองด้วยคำพูดเดียวกัน ปีนั้นคือปี 1987 และการค้นหาคำและวลีเพิ่มเติมของศิลปินสำหรับผลงาน "ตามตัวอักษร" ของเขาสะท้อนให้เห็นถึงจิตวิญญาณที่ขัดแย้งกันในยุคนี้ นี่คือชื่อ "ขายบ้าน ขายรถ ขายลูก" ถ่ายโดยวูลจากภาพยนตร์เรื่อง "Apocalypse Now" และคำว่า "FOOL" ("คนโง่") เป็นตัวพิมพ์ใหญ่ และคำว่า "RIOT" ("กบฏ") ซึ่งมักพบในพาดหัวข่าวของหนังสือพิมพ์ในยุคนั้น

คำและวลี ขนสัตว์ ใช้กับแผ่นอะลูมิเนียมโดยใช้สเตนซิลด้วยสีอัลคิดหรือสีเคลือบ โดยจงใจทิ้งรอยริ้ว รอยฉลุ และหลักฐานอื่นๆ กระบวนการสร้างสรรค์. ศิลปินแบ่งคำเพื่อให้ผู้ชมไม่เข้าใจความหมายในทันที ในตอนแรก คุณจะเห็นเพียงกลุ่มตัวอักษร นั่นคือ คุณมองว่าคำนั้นเป็นวัตถุที่มองเห็นได้ จากนั้นคุณจึงอ่านและถอดรหัสความหมายของวลีหรือคำนั้น วูลใช้ฟอนต์ที่กองทัพสหรัฐฯ ใช้หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับคำสั่ง คำสั่ง คำขวัญ งาน "ตัวอักษร" เหล่านี้ถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์เมือง เป็นงานกราฟฟิตีที่ผิดกฎหมายซึ่งละเมิดความสะอาดของพื้นผิวของวัตถุบนถนนบางส่วน ผลงานชุดนี้ของคริสโตเฟอร์ วูล ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของนามธรรมทางภาษา ดังนั้นจึงเป็นที่ชื่นชอบของผู้ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัย

8. ปีเตอร์ ดอยก์ โรสเดล พ.ศ. 2534 28.81 ล้านเหรียญสหรัฐ

อังกฤษ ปีเตอร์ ดอยก์(1959) แม้ว่าเขาจะเป็นคนรุ่นหลังสมัยใหม่ Koons และ Hirst แต่ก็เลือกแนวภูมิทัศน์แบบดั้งเดิมอย่างสมบูรณ์สำหรับตัวเขาเอง เป็นเวลานานอดีตไม่เข้าข้างศิลปินขั้นสูง ด้วยผลงานของเขา Peter Doig ฟื้นความสนใจที่จางหายไปของสาธารณชนในการวาดภาพเชิงอุปมาอุปไมย งานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากทั้งนักวิจารณ์และผู้ที่ไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญ และหลักฐานของสิ่งนี้คือราคาที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วสำหรับผลงานของเขา หากในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ภูมิทัศน์ของเขามีราคาหลายพันดอลลาร์ ตอนนี้บิลก็กลายเป็นหลักล้านไปแล้ว

งานของ Doig มักถูกเรียกว่าสัจนิยมมหัศจรรย์ จากภูมิประเทศจริง เขาสร้างภาพแฟนตาซี ลึกลับ และมักจะมืดมน ศิลปินชอบวาดภาพสิ่งของที่ถูกทิ้งร้างโดยผู้คน: อาคารทรุดโทรมที่สร้างโดย Le Corbusier กลางป่า หรือเรือแคนูสีขาวที่ว่างเปล่าบนพื้นผิวของทะเลสาบกลางป่า นอกจากธรรมชาติและจินตนาการแล้ว Doig ยังได้รับแรงบันดาลใจจากภาพยนตร์สยองขวัญ โปสการ์ดเก่าๆ ภาพถ่าย วิดีโอมือสมัครเล่น และอื่นๆ ภาพวาดของ Doig นั้นมีสีสัน ซับซ้อน มีการตกแต่งและไม่เร้าใจ เป็นเรื่องดีที่ได้เป็นเจ้าของภาพวาดดังกล่าว ผลผลิตต่ำของผู้แต่งยังกระตุ้นความสนใจของนักสะสม: ศิลปินที่อาศัยอยู่ในตรินิแดดสร้างภาพวาดไม่เกินโหลต่อปี

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ภาพทิวทัศน์แต่ละภาพโดยศิลปินถูกขายในราคาหลายแสนดอลลาร์ ในขณะเดียวกัน ผลงานของ Doig ก็รวมอยู่ใน Saatchi Gallery, ที่ Biennale ที่พิพิธภัณฑ์ Whitney และในคอลเลกชัน MoMA ในปี 2549 เอาชนะการประมูลมูลค่า 1 ล้านดอลลาร์ได้ และในปีต่อมา ความก้าวหน้าที่คาดไม่ถึงก็เกิดขึ้น งาน "เรือแคนูสีขาว" ที่เสนอที่ Sotheby's เมื่อวันที่ 7 กุมภาพันธ์ 2550 ด้วยมูลค่าประมาณ 0.8–1.2 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเกินประมาณการเบื้องต้น ห้าครั้งและถูกขายในราคา 5.7 ล้านปอนด์ (11.3 ล้านเหรียญสหรัฐ) ในเวลานั้นมันเป็นราคาที่สูงเป็นประวัติการณ์สำหรับผลงานของศิลปินชาวยุโรปที่มีชีวิต

ในปี 2008 Doig จัดนิทรรศการเดี่ยวที่ Tate Gallery และพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในปารีส ป้ายราคาหลายล้านดอลลาร์สำหรับผลงานของ Doig ได้กลายเป็นบรรทัดฐาน บันทึกส่วนตัวของ Peter Doig ได้รับการอัปเดตปีละหลายครั้ง - เรามีเวลาเปลี่ยนรูปภาพและสถานที่ของศิลปินคนนี้เท่านั้นในการจัดอันดับนักเขียนที่มีชีวิต

งานที่แพงที่สุดของ Peter Doig จนถึงปัจจุบันคือ Rosedale snowscape ในปี 1991 ที่น่าสนใจคือ การบันทึกไม่ได้เกิดขึ้นที่ Sotheby's หรือ Christie's แต่อยู่ที่การประมูลงานศิลปะร่วมสมัยของ Phillips เหตุการณ์นี้เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 18 พฤษภาคม 2017 ทิวทัศน์ของ Rosedale ที่ปกคลุมด้วยหิมะ หนึ่งในย่านของโตรอนโต ถูกขายแล้ว ผู้ซื้อโทรศัพท์ในราคา 28.81 ล้านดอลลาร์ ซึ่งมากกว่าบันทึกก่อนหน้าประมาณ 3 ล้าน (25.9 ล้านดอลลาร์สำหรับงาน "Swallowed by the Mire") ภาพวาด "Rosedale" เข้าร่วมในนิทรรศการสำคัญของ Doig ที่ Whitechapel Gallery ในลอนดอนในปี 1998 และโดยทั่วไปแล้วงานนี้ยังใหม่สำหรับตลาด ดังนั้นราคาที่สูงเป็นประวัติการณ์จึงสมควรได้รับ

9. FRANK STELLA ต้นสนแหลม พ.ศ. 2502 28 ล้านเหรียญสหรัฐ

Frank Stella เป็นตัวแทนที่สดใสของนามธรรมหลังการวาดภาพและศิลปะแบบมินิมัลลิสต์ ในขั้นตอนหนึ่งจะเรียกว่าสไตล์การวาดภาพขอบแข็ง ในตอนแรก สเตลลาเปรียบเทียบรูปทรงเรขาคณิตที่เคร่งครัด ภาพขาวดำแบบนักพรต และโครงสร้างของภาพเขียนของเขากับความเป็นธรรมชาติและการสุ่มของผืนผ้าใบของนักแสดงออกทางนามธรรมอย่างแจ็คสัน พอลล็อก

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 เจ้าของแกลเลอรีชื่อดัง Leo Castelli พบเห็นศิลปินและได้รับรางวัลนิทรรศการเป็นครั้งแรก เขานำเสนอสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดสีดำ" - ผืนผ้าใบที่วาดทับด้วยเส้นสีดำขนานโดยมีช่องว่างบาง ๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ทาสีคั่นกลาง เส้นรวมกันถึง รูปทรงเรขาคณิตค่อนข้างชวนให้นึกถึง ภาพลวงตารูปภาพเดียวกันเหล่านั้นที่สั่นไหว ขยับ บิด สร้างความรู้สึกของห้วงอวกาศ หากคุณดูเป็นเวลานาน เรื่อง เส้นขนานด้วยแถบแบ่งบาง ๆ สเตลล่ายังคงทำงานกับอลูมิเนียมและทองแดง สี พื้นฐานภาพ และแม้กระทั่งรูปร่างของภาพวาดเปลี่ยนไป (รวมถึงงานอื่นๆ ที่เป็นรูปตัวอักษร U, T, L) แต่ หลักการสำคัญภาพวาดของเขายังคงโครงร่างที่ชัดเจน ความยิ่งใหญ่ รูปแบบเรียบง่าย เอกรงค์ ในทศวรรษต่อมา สเตลล่าเปลี่ยนจากการวาดภาพรูปทรงเรขาคณิตไปสู่รูปแบบและเส้นที่เรียบเป็นธรรมชาติ และเปลี่ยนจากภาพวาดสีเดียวไปสู่การเปลี่ยนสีที่สดใสและหลากหลาย ในช่วงปี 1970 สเตลล่ารู้สึกทึ่งกับลวดลายขนาดใหญ่ที่ใช้ในการทาสีเรือ ศิลปินใช้มันสำหรับภาพวาดขนาดใหญ่ที่มีองค์ประกอบการประกอบ - เขารวมชิ้นส่วนของท่อเหล็กหรือลวดตาข่ายไว้ในผลงานของเขา

ในการสัมภาษณ์ในช่วงแรก แฟรงก์ สเตลล่าพูดอย่างตรงไปตรงมาเกี่ยวกับความหมายที่ใส่ลงไปในงานของเขาหรือมากกว่านั้น เกี่ยวกับการที่พวกเขาไม่อยู่: "สิ่งที่คุณเห็นก็คือสิ่งที่คุณเห็น" ภาพวาดเป็นวัตถุในตัวเอง ไม่ใช่การลอกเลียนแบบสิ่งใด “มันเป็นพื้นเรียบๆ ทาสีทับไว้ ไม่มีอะไรอย่างอื่น” สเตลล่ากล่าว

ซึ่งลงนามโดยแฟรงก์ สเตลล่า "พื้นผิวที่มีสีอยู่" นี้อาจมีมูลค่าหลายล้านดอลลาร์ในปัจจุบัน เป็นครั้งแรกในการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิต Frank Stella ได้รับในปี 2558 ด้วยการขาย Delaware Crossing (1961) ในราคา 13.69 ล้านดอลลาร์รวมค่าคอมมิชชั่น

สี่ปีต่อมา ในวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 งาน "Cape of Pines" ในช่วงต้นปี (1959) ได้สร้างสถิติใหม่ โดยราคาของค้อนมีมูลค่ามากกว่า 28 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชัน นี่เป็นหนึ่งใน 29 "ภาพวาดสีดำ" ซึ่งเป็นภาพที่สเตลล่าเปิดตัวในนิทรรศการครั้งแรกในนิวยอร์ก Frank Stella บัณฑิตจากมหาวิทยาลัย Princeton อายุ 23 ปี บ่อยครั้งที่เขาไม่มีเงินเพียงพอสำหรับสีน้ำมันสำหรับศิลปิน ศิลปินหนุ่มใช้แสงจันทร์เป็นงานซ่อมแซม เขาชอบสีบริสุทธิ์ของสีมาก จากนั้นจึงเกิดความคิดที่จะทำงานกับสีนี้บนผืนผ้าใบ ด้วยสีอีนาเมลสีดำ สเตลล่าจึงวาดลายเส้นคู่ขนาน โดยเว้นเส้นผ้าใบบางๆ ยิ่งกว่านั้น เขาเขียนด้วยตาโดยไม่มีไม้บรรทัดโดยไม่มีร่างเบื้องต้น สเตลล่าไม่เคยรู้แน่ชัดว่าจะมีเส้นสีดำกี่เส้นในภาพวาดหนึ่งๆ ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "Cape of Pines" มี 35 ภาพ ชื่อผลงานหมายถึงชื่อแหลมในอ่าวแมสซาชูเซตส์ - จุดต้นสน ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 มีสวนสนุกขนาดใหญ่ และปัจจุบันเป็นหนึ่งในเขตของเมืองเรเวีย

10. มีดหมอ YOSHITOMO NARA 2543 24.95 ล้านเหรียญสหรัฐ

Yoshitomo Nara (1959) เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของศิลปะแนวนีโอป๊อปของญี่ปุ่น ภาษาญี่ปุ่น - เพราะแม้จะมีชื่อเสียงระดับโลกและทำงานในต่างประเทศมาหลายปี แต่งานของเขาก็ยังโดดเด่นด้วยความเด่นชัด เอกลักษณ์ประจำชาติ. ตัวละครโปรดของนาราคือเด็กผู้หญิงและสุนัขในสไตล์การ์ตูนญี่ปุ่นและการ์ตูนอนิเมะ ภาพที่เขาประดิษฐ์ขึ้นเป็นเวลาหลายปีนั้น "ไปสู่ผู้คน": พวกมันพิมพ์บนเสื้อยืด, ของที่ระลึกและ "สินค้า" ต่างๆที่ทำขึ้นกับพวกเขา เกิดในครอบครัวที่ยากจน ห่างไกลจากเมืองหลวง เขาไม่เพียงเป็นที่รักในความสามารถเท่านั้น แต่ยังชื่นชมในฐานะคนที่สร้างตัวเอง ศิลปินทำงานอย่างรวดเร็วและชัดเจน เป็นที่ทราบกันดีว่าผลงานชิ้นเอกบางชิ้นของเขาเสร็จสมบูรณ์ในชั่วข้ามคืน ภาพวาดและประติมากรรมโดยโยชิโทโมะ นารา มักจะมีความกระชับมาก หากไม่ละเว้น หมายถึงการแสดงออกแต่มักมีอารมณ์รุนแรง เด็กสาววัยรุ่นที่นารามักจะมองผู้ชมด้วยสายตาที่ไม่ปรานี ในสายตาของพวกเขา - ความอวดดีความท้าทายและความก้าวร้าว ในมือ - แล้วก็มีดแล้วก็บุหรี่ มีความเห็นว่าพฤติกรรมที่ผิดเพี้ยนที่ปรากฎเป็นปฏิกิริยาต่อศีลธรรมสาธารณะที่กดขี่ ข้อห้ามต่างๆ และหลักการศึกษาที่ชาวญี่ปุ่นนำมาใช้ ความรุนแรงและความละอายเกือบยุคกลางผลักดันปัญหาภายในสร้างพื้นฐานสำหรับการระเบิดทางอารมณ์ที่ล่าช้า "มีดอยู่ข้างหลัง" สะท้อนให้เห็นถึงแนวคิดหลักอย่างหนึ่งของศิลปิน ในงานนี้มีท่าทางที่เกลียดชังของหญิงสาว และมือที่ขู่จะทำร้ายเธอที่ด้านหลังของเธอ จนถึงปี 2019 ภาพวาดและประติมากรรมของ Yoshitomo Nara ได้ทะลุหลักล้านหรือหลายล้านครั้งไปแล้ว แต่ยี่สิบล้าน - เป็นครั้งแรก นาราเป็นหนึ่งในศิลปินที่เกิดในประเทศญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงมากที่สุดในโลก และตอนนี้ค่าครองชีพแพงที่สุด เมื่อวันที่ 6 ตุลาคม พ.ศ. 2109 ที่ Sotheby's ในฮ่องกง เขาได้รับตำแหน่งนี้จาก Takashi Murakami และมีประสิทธิภาพเหนือกว่า Yayoi Kusama ศิลปินแนวหน้าวัย 90 ปีอย่างเห็นได้ชัด (ราคาประมูลสูงสุดสำหรับภาพวาดของเธอใกล้จะถึง 9 ล้านเหรียญแล้ว)

11. เซง ฟานซี อาหารค่ำมื้อสุดท้าย. 2544 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐ

ที่ Sotheby's Hong Kong 5 ตุลาคม 2556ผืนผ้าใบมาตราส่วนปี "อาหารค่ำมื้อสุดท้าย"ศิลปินปักกิ่ง เซิง ฟานจือ (พ.ศ. 2507)ถูกขายเป็นประวัติการณ์ถึง 160 ล้านดอลลาร์ฮ่องกง - 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐสหรัฐอเมริกา. แน่นอนว่าค่าใช้จ่ายทั้งหมดของงานเขียนของ Fanzhi ภายใต้อิทธิพลของ Leonardo da Vinci นั้นสูงกว่าสองเท่า การประเมินเบื้องต้นประมาณ 10 ล้านดอลลาร์ บันทึกราคาครั้งก่อนของ Zeng Fanzhi อยู่ที่ 1 ดอลลาร์ 9.6 ล้านจ่ายในการประมูลของ Christie's Hong Kong ในเดือนพฤษภาคม 2551 สำหรับงานนี้ ชุดหน้ากาก. 2539 ฉบับที่ 6".

"The Last Supper" เป็นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุด (2.2 × 4 เมตร) โดย Fanzhi ในชุด "Masks" ซึ่งครอบคลุมช่วงเวลาตั้งแต่ปี 1994 ถึง 2001 วงจรนี้อุทิศให้กับวิวัฒนาการของสังคมจีนภายใต้อิทธิพลของการปฏิรูปเศรษฐกิจ การนำองค์ประกอบของระบบเศรษฐกิจแบบตลาดมาใช้โดยรัฐบาล PRC นำไปสู่การกลายเป็นเมืองและการแตกแยกของชาวจีน Fanzhi แสดงให้เห็นถึงชาวเมืองจีนยุคใหม่ที่ต้องต่อสู้เพื่อแย่งชิงพื้นที่ภายใต้แสงแดด ทุกคน องค์ประกอบที่มีชื่อเสียงจิตรกรรมฝาผนังของ Leonardo ในการอ่าน Fanzhi มีความหมายที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: ฉากถูกย้ายจากกรุงเยรูซาเล็มไปยังห้องเรียนของโรงเรียนจีนโดยมีกระดานอักษรอียิปต์โบราณอยู่บนผนัง "พระคริสต์" และ "อัครสาวก" กลายเป็นผู้บุกเบิกที่มีเนคไทสีแดง และมีเพียง "ยูดาส" เท่านั้นที่สวมเนคไทสีทอง - นี่คืออุปมาอุปไมยของระบบทุนนิยมตะวันตกที่เจาะและทำลายวิถีชีวิตปกติในประเทศสังคมนิยม

ผลงานของ Zeng Fanzhi มีรูปแบบใกล้เคียงกับศิลปะการแสดงออกของยุโรปและมีความน่าทึ่งพอๆ กัน แต่ในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยสัญลักษณ์และลักษณะเฉพาะของจีน ความเก่งกาจนี้ดึงดูดทั้งนักสะสมชาวจีนและชาวตะวันตกให้สนใจผลงานของศิลปิน การยืนยันโดยตรงเกี่ยวกับสิ่งนี้คือที่มาของ The Last Supper: ผลงานนี้ถูกนำไปประมูลโดยนักสะสมแนวหน้าของจีนที่มีชื่อเสียงในช่วงทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 Guy Ullens บารอนชาวเบลเยียม

12. โรเบิร์ต เรย์แมน สะพาน. พ.ศ. 2523 20.6 ล้านเหรียญสหรัฐ

ในการประมูล คริสตี้ 13 พฤษภาคม 2558งานที่เป็นนามธรรม "สะพาน"ศิลปินชาวอเมริกันวัย 85 ปี โรเบิร์ต ไรแมน(โรเบิร์ต ไรแมน) ถูกขายในราคา 20.6 ล้านเหรียญสหรัฐโดยคำนึงถึงค่าคอมมิชชั่น - แพงกว่าค่าประมาณที่ต่ำกว่าสองเท่า

โรเบิร์ต ไรแมน(พ.ศ. 2473) ไม่รู้ตัวในทันทีว่าเขาต้องการเป็นศิลปิน เมื่ออายุได้ 23 ปี เขาย้ายไปนิวยอร์กจากแนชวิลล์ รัฐเทนเนสซี โดยต้องการเป็นนักเป่าแซ็กโซโฟนแจ๊ส ในขณะเดียวกัน เขาไม่ได้เป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียง เขาต้องหาเงินพิเศษจากการเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ MoMA ซึ่งเขาได้พบกับ Saul LeWitt และ Dan Flavin คนแรกทำงานในพิพิธภัณฑ์ในตำแหน่งเลขานุการส่วนกลางคืน และคนที่สองเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยและพนักงานควบคุมลิฟต์ ได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของนักแสดงออกเชิงนามธรรมที่เขาเห็นที่ MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock และ Newman - Robert Ryman เริ่มวาดภาพในปี 1955

Ryman มักถูกเรียกว่ามินิมัลลิสต์ แต่เขาชอบที่จะถูกเรียกว่า "นักสัจนิยม" เพราะเขาไม่สนใจในการสร้างภาพลวงตา เขาเพียงแสดงคุณภาพของวัสดุที่เขาใช้เท่านั้น ผลงานส่วนใหญ่ของเขาถูกวาดด้วยเฉดสีขาวที่เป็นไปได้ทั้งหมด (จากสีเทาหรือสีเหลืองไปจนถึงสีขาวพราว) โดยอิงจากรูปทรงสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่พูดน้อย ในอาชีพของเขา Robert Ryman ได้ลองใช้วัสดุและเทคนิคมากมาย: เขาวาดภาพด้วยน้ำมัน อะคริลิก เคซีน อีนาเมล สีพาสเทล gouache ฯลฯ บนผืนผ้าใบ เหล็ก ลูกแก้ว อลูมิเนียม กระดาษ กระดาษลูกฟูก ไวนิล วอลล์เปเปอร์ ฯลฯ ของเขา ออร์ริน ไรลีย์ เพื่อนนักซ่อมแซมมืออาชีพ แนะนำให้เขาทราบเรื่องการกัดกร่อนของวัสดุที่เขาคิดว่าจะใช้ ดังที่ศิลปินคนหนึ่งเคยกล่าวไว้ว่า “ฉันไม่เคยมีคำถาม อะไรเขียนสิ่งสำคัญ - ยังไงเขียน". ทุกอย่างเกี่ยวกับพื้นผิว ลักษณะของลายเส้น เส้นขอบระหว่างพื้นผิวที่มีสีสันและขอบของฐาน ตลอดจนความสัมพันธ์ระหว่างผลงานกับผนัง ตั้งแต่ปี 1975 องค์ประกอบพิเศษชิ้นงานของเขากลายเป็นของตกแต่งที่ Ryman ออกแบบเองและจงใจให้มองเห็นได้ โดยเน้นย้ำว่างานของเขานั้น ไรแมนชอบให้ผลงานเป็น "ชื่อ" มากกว่า "ชื่อเรื่อง" "ชื่อ" คือสิ่งที่ช่วยแยกแยะผลงานชิ้นหนึ่งออกจากอีกงานหนึ่ง และ Ryman มักจะตั้งชื่องานของเขาตามยี่ห้อสี บริษัท ฯลฯ และ "ชื่อเรื่อง" อ้างถึงการพาดพิงถึงและความหมายที่ซ่อนอยู่ลึก ๆ ซึ่งปรากฏอยู่ในผลงานของเขา ผลงานที่ศิลปินปฏิเสธเป็นประจำ ไม่มีอะไรสำคัญนอกจากวัสดุและเทคนิค

13. เดเมี่ยน เฮิร์สต์ ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน 2545 19.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินอังกฤษ ถึง Damien Hirst (1965)ถูกกำหนดให้เป็นคนแรกที่ได้รับการจัดอันดับนี้ในข้อพิพาทกับ Jasper Johns คลาสสิกที่มีชีวิต งานที่กล่าวถึงแล้ว "False Start" อาจยังคงเป็นผู้นำที่ไม่มีวันจมไปอีกนานหาก 21 มิถุนายน 2550การติดตั้งในเวลานั้น Hirst อายุ 42 ปี "ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน"(2002) ไม่ได้ขายที่ Sotheby's ในราคา £ 9.76 ล้าน นั่นคือสำหรับ 19.2 ล้านดอลลาร์. งานนี้มีรูปแบบที่ค่อนข้างแปลก ในแง่หนึ่ง นี่คือตู้จัดแสดงที่มียาหลอก (6,136 เม็ด) ที่จริงแล้วเป็นการติดตั้งแบบคลาสสิก และในทางกลับกัน ตู้โชว์นี้ถูกทำให้แบน (ลึก 10 ซม.) นำไปเข้ากรอบและแขวนบนผนังเหมือนแผงพลาสมา จึงให้ความสะดวกสบายในการครอบครองอย่างเต็มที่ซึ่งแฝงอยู่ในภาพวาด ในปี 2545 Sleepy Winter น้องสาวของการติดตั้งขายได้ในราคา 7.4 ล้านดอลลาร์ซึ่งถูกกว่าครึ่งหนึ่ง มีคน "อธิบาย" ความแตกต่างของราคาโดยข้อเท็จจริงที่ว่ายาเม็ดมีสีจางกว่าในฤดูหนาว แต่เป็นที่ชัดเจนว่าคำอธิบายนี้ไม่มีมูลความจริงอย่างแน่นอน เนื่องจากกลไกการกำหนดราคาสำหรับสิ่งเหล่านี้ไม่เกี่ยวข้องกับเอฟเฟกต์การตกแต่งอีกต่อไป

ในปี 2550 หลายคนรู้จักเฮิรสต์ในฐานะผู้ประพันธ์งานที่แพงที่สุดในบรรดาศิลปินที่มีชีวิต อย่างไรก็ตาม คำถามมาจากหมวด "ขึ้นอยู่กับวิธีการนับ" ความจริงก็คือ Hurst ถูกขายด้วยเงินปอนด์ราคาแพงและ Jones ขายในราคาดอลลาร์ที่ตอนนี้ราคาตกลงและเมื่อยี่สิบปีก่อน แต่แม้ว่าเราจะนับตามมูลค่าโดยไม่คำนึงถึงอัตราเงินเฟ้อในรอบ 20 ปี งานของเฮิรสท์ก็มีราคาแพงกว่าในหน่วยดอลลาร์ ส่วนโจนส์เป็นปอนด์ สถานการณ์เป็นเส้นเขตแดน และทุกคนมีอิสระที่จะตัดสินใจว่าใครควรพิจารณาว่าใครแพงที่สุด แต่เฮิรสท์รั้งที่หนึ่งได้ไม่นานนัก ในปี 2550 Koons ถูกแทนที่ด้วย "Hanging Heart" จากที่หนึ่ง

ในช่วงก่อนที่ราคาศิลปะร่วมสมัยจะลดลงทั่วโลก Hirst ได้ดำเนินการอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ - การประมูลผลงานเดี่ยวของเขาซึ่งจัดขึ้นเมื่อวันที่ 15 กันยายน 2551 ในลอนดอน ข่าวการล้มละลายของ Lehman Brothers ที่ประกาศเมื่อวันก่อนไม่ได้ทำลายความอยากอาหารของผู้รักศิลปะร่วมสมัย จากผลงาน 223 ชิ้นที่ Sotheby's เสนอ มีเพียง 5 ชิ้นเท่านั้นที่ไม่พบเจ้าของใหม่ (หนึ่งในผู้ซื้อคือ Viktor Pinchuk ). งาน "ราศีพฤษภทอง"- หุ่นจำลองวัวขนาดใหญ่ในฟอร์มาลดีไฮด์สวมมงกุฎด้วยแผ่นทองคำ - นำมา 10.3 ล้านปอนด์ (18.6 ล้านเหรียญสหรัฐ). นี่เป็นผลลัพธ์ที่ดีที่สุดของ Hurst หากวัดเป็นปอนด์ (ในสกุลเงินที่ทำข้อตกลง) อย่างไรก็ตาม เราจัดอันดับเป็นสกุลเงินดอลลาร์ ดังนั้น (ขอให้ลูกวัวทองคำยกโทษให้เราด้วย) เราจะถือว่าสินค้าขายดีที่สุดของ Hirst คือ Sleepy Spring

ตั้งแต่ปี 2008 เฮิรสท์ไม่มียอดขายของ Sleepy Spring และ Golden Calf บันทึกใหม่ของยุค 2010 - สำหรับผลงานของ Richter, Jones, Fanzhi, Wool และ Koons - ทำให้ Damien อยู่ในอันดับที่หกของการจัดอันดับของเรา แต่อย่าตัดสินอย่างเด็ดขาดเกี่ยวกับการลดลงของยุค Hirst ตามที่นักวิเคราะห์ Hurst เป็น "ซุปเปอร์สตาร์" ได้หายไปแล้วในประวัติศาสตร์ซึ่งหมายความว่าพวกเขาจะซื้อมันเป็นเวลานานมาก อย่างไรก็ตาม มูลค่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอนาคตนั้นถูกคาดการณ์ไว้สำหรับผลงานที่สร้างขึ้นในช่วงเวลาแห่งนวัตกรรมสูงสุดในอาชีพของเขา นั่นคือในช่วงปี 1990

14. เมาริซิโอ คาเตลัน เขา. 2544 17.19 ล้านเหรียญสหรัฐ

Maurizio Cattelan ชาวอิตาลี (1960) เข้าสู่งานศิลปะหลังจากทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัย คนทำอาหาร คนทำสวน และนักออกแบบเฟอร์นิเจอร์ นักเขียนที่เรียนรู้ด้วยตนเองคนนี้มีชื่อเสียงไปทั่วโลกจากงานประติมากรรมและงานจัดวางที่น่าขันของเขา เขาทำอุกกาบาตตกใส่พระสันตะปาปา, เปลี่ยนภรรยาของลูกค้าให้เป็นถ้วยรางวัลการล่าสัตว์, ฉีกรูบนพื้นของพิพิธภัณฑ์ Old Masters, ชูนิ้วกลางขนาดยักษ์ไปที่ตลาดหลักทรัพย์ในมิลาน, นำลาที่มีชีวิตมาที่งาน Frieze . ในอนาคตอันใกล้ Cattelan สัญญาว่าจะติดตั้งโถส้วมทองคำที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ ในท้ายที่สุด การแสดงตลกของ Maurizio Cattelan ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในโลกศิลปะ: เขาได้รับเชิญให้เข้าร่วม Venice Biennale (งานแสดง "Others" ในปี 2011 - ฝูงนกพิราบสองพันตัวที่ดูน่ากลัวจากท่อและคานที่ฝูงชนของผู้เข้าชม ผ่านด้านล่าง) จัดให้มีการย้อนหลังที่พิพิธภัณฑ์ New York Guggenheim Museum (พฤศจิกายน 2554) และในที่สุดเงินจำนวนมากก็จ่ายให้กับประติมากรรมของเขา

งานที่แพงที่สุดของ Maurizio Cattelan ตั้งแต่ปี 2010 เป็นต้นมา หุ่นขี้ผึ้งมองออกมาจากรูบนพื้นของชายคนหนึ่งที่ดูเหมือนตัวศิลปินเอง (Untitled, 2001) การติดตั้งประติมากรรมนี้ซึ่งมีอยู่ในจำนวนสามชุดรวมกับสำเนาของผู้แต่ง จัดแสดงครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ Boijmans van Beuningen ในเมืองรอตเตอร์ดัม จากนั้นตัวละครซุกซนตัวนี้ก็มองออกมาจากรูบนพื้นห้องโถงที่มีภาพวาดของจิตรกรชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 18 และ 19 Maurizio Cattellan ในผลงานชิ้นนี้เชื่อมโยงตัวเองกับอาชญากรผู้กล้าหาญที่บุกรุกพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์ของโถงพิพิธภัณฑ์ด้วยภาพวาดโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ดังนั้นเขาจึงต้องการกีดกันรัศมีแห่งความศักดิ์สิทธิ์ที่ผนังพิพิธภัณฑ์มอบให้ งานนี้เพื่อจัดแสดงซึ่งทุกครั้งที่คุณต้องเจาะพื้นถูกขายในราคา 7.922 ล้านดอลลาร์ที่ Sotheby's

สถิตินี้คงอยู่จนถึงวันที่ 8 พฤษภาคม 2016 เมื่อผลงานที่เร้าใจยิ่งขึ้นของ Cattelan เรื่อง "Him" ซึ่งวาดภาพฮิตเลอร์คุกเข่าอยู่ภายใต้ค้อนด้วยราคา 17.189 ล้านดอลลาร์ สิ่งที่แปลก ชื่อก็แปลก การเลือกตัวละครมีความเสี่ยง เช่นเดียวกับทุกสิ่งทุกอย่างที่มี Cattelan พระองค์หมายความว่าอย่างไร? "พระองค์" หรือ "ความยิ่งใหญ่ในนรก"? เป็นที่ชัดเจนว่าเราไม่ได้พูดถึงการสวดมนต์ของ Fuhrer อย่างแน่นอน ในผลงานชิ้นนี้ ฮิตเลอร์ปรากฏตัวในรูปแบบที่ไร้ประโยชน์และน่าสมเพช และที่ไร้สาระ - ร่างอวตารของซาตานถูกสร้างขึ้นให้มีขนาดเท่าเด็ก สวมชุดนักเรียนชายและคุกเข่าด้วยสีหน้าถ่อมตน สำหรับ Cattelan ภาพนี้เชิญชวนให้สะท้อนถึงธรรมชาติของความชั่วร้ายอย่างแท้จริงและวิธีขจัดความกลัว อย่างไรก็ตาม ประติมากรรม "พระองค์" เป็นที่รู้จักกันดีในหมู่ผู้ชมชาวตะวันตก พี่น้องของเธอในซีรีส์นี้จัดแสดงมากกว่า 10 ครั้งในพิพิธภัณฑ์ชั้นนำทั่วโลก รวมถึง Pompidou Center และ Solomon Guggenheim Museum

15. MARC GROTJAN Untitled (S III ปล่อยให้ France Face 43.14) 2554 16.8 ล้านเหรียญสหรัฐ

เมื่อวันที่ 17 พฤษภาคม 2017 ภาพวาดที่ทรงพลังที่สุดชิ้นหนึ่งของ Marc Grotjan เคยนำออกประมูลได้ปรากฏตัวขึ้นในการประมูลตอนเย็นของ Christie ในนิวยอร์ก ภาพวาด “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” จัดแสดงโดยนักสะสมชาวปารีส Patrick Seguin ด้วยมูลค่าประมาณ 13-16 ล้านดอลลาร์ และเนื่องจากบุคคลที่สามรับประกันการขายล็อตนี้ จึงไม่มีใครแปลกใจเป็นพิเศษ โดยสร้างสถิติการประมูลส่วนตัวใหม่ของศิลปินวัย 49 ปี ราคาของค้อนอยู่ที่ 14.75 ล้านดอลลาร์ (16.8 ล้านดอลลาร์สำหรับ Buyer's Premium) แซงหน้าสถิติการประมูลครั้งก่อนของ Grotjan ที่มากกว่า 10 ล้านดอลลาร์ ทำให้เขาอยู่ในกลุ่มศิลปินที่มีชีวิตซึ่งผลงานขายได้แปดหลัก ผลลัพธ์เดียวกันเจ็ดหลัก (ยอดขายมากกว่า $1 ล้าน แต่ไม่เกิน $10 ล้าน) ในการประมูลกระปุกออมสิน Mark Grotyan ประมาณสามสิบ

Mark Grotjan (1968) ซึ่งผู้เชี่ยวชาญด้านงานมองว่าอิทธิพลของลัทธิสมัยใหม่ ความเรียบง่ายแบบนามธรรม ป๊อปและออปอาร์ต มาสู่เอกลักษณ์องค์กรของเขาในช่วงกลางทศวรรษที่ 1990 หลังจากย้ายไปกับเพื่อนของเขา Brent Peterson ที่ลอสแองเจลิสและเปิดแกลเลอรีที่นั่น "ห้อง 702" ในขณะที่ศิลปินเองจำได้ว่าในเวลานั้นเขาเริ่มคิดว่าอะไรมาก่อนสำหรับเขาในงานศิลปะ เขากำลังมองหาแรงจูงใจที่เขาสามารถทดลองได้ และฉันก็รู้ว่าเขาสนใจเส้นและสีเสมอ การทดลองในจิตวิญญาณของเรยอนและมินิมัลลิสต์ด้วยมุมมองเชิงเส้น จุดที่หายไปจำนวนมาก และรูปทรงสามเหลี่ยมนามธรรมหลากสีทำให้ Grotjan มีชื่อเสียงไปทั่วโลก

จากภูมิประเทศที่เป็นนามธรรมและมีสีสันที่มีเส้นขอบฟ้าและจุดที่หายไปหลายจุด เขาลงเอยด้วยรูปทรงสามเหลี่ยมที่ชวนให้นึกถึงปีกผีเสื้อ ภาพวาดโดย Grotjan 2544-2550 พวกเขาเรียกมันว่า "ผีเสื้อ" ทุกวันนี้ การย้ายจุดที่หายไปหรือใช้จุดที่หายไปหลายจุดพร้อมกันโดยเว้นระยะห่างกันในอวกาศ ถือเป็นหนึ่งในเทคนิคที่ทรงพลังที่สุดของศิลปิน

ผลงานชุดต่อไปเรียกว่า "Faces"; ในบรรทัดที่เป็นนามธรรมของซีรีส์นี้ เราสามารถเดาลักษณะของใบหน้ามนุษย์ได้ โดยทำให้ง่ายขึ้นกับสถานะของหน้ากากในจิตวิญญาณของ Matisse, Jawlensky หรือ Brancusi เมื่อพูดถึงการทำให้รูปแบบง่ายขึ้นและมีสไตล์ที่สุดเกี่ยวกับการแก้ปัญหาการแต่งภาพเมื่อรูปทรงที่กระจัดกระจายของดวงตาและปากดูเหมือนจะมองมาที่เราจากพุ่มไม้นักวิจัยสังเกตเห็นความเชื่อมโยงของใบหน้าของ Grotjan กับศิลปะของยุคดึกดำบรรพ์ ชนเผ่าต่างๆ ของแอฟริกาและโอเชียเนีย ในขณะที่ตัวศิลปินเองก็เพียงแค่ "ชอบภาพที่มีดวงตาที่มองออกมาจากป่า บางครั้งฉันก็จินตนาการถึงใบหน้าของลิงบาบูนหรือลิง ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปะแอฟริกันดึกดำบรรพ์โดยรู้ตัวหรือโดยไม่รู้ตัว แต่ฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปินที่ได้รับอิทธิพลจากมัน ปิกัสโซคือตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุด”

ผลงานของซีรีส์ "Faces" เรียกว่าโหดและสง่างามเจริญตาและเจริญใจ เมื่อเวลาผ่านไปพื้นผิวของงานเหล่านี้ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ของพื้นที่ภายในศิลปินใช้สีหนาเป็นวงกว้างแม้กระทั่งการโปรยลงมาแบบ Pollock แต่พื้นผิวของภาพวาดนั้นถูกปรับระดับเพื่อให้ตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ดูเหมือนแบนไปหมด ภาพวาดทำลายสถิติการประมูล Untitled (S III Released to France Face 43.14) เป็นของ Mark Grotjan ผู้โด่งดังชุดนี้

16. ทาคาชิ มูรากามิ คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน 15.16 ล้านเหรียญสหรัฐ

ญี่ปุ่น ทาคาชิ มูราคามิ (2505)เข้าสู่การจัดอันดับของเราด้วยประติมากรรม "คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน"ขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤษภาคม 2551 ในราคา $ 15.16ล้าน. ด้วยการขายนี้ ทาคาชิ มูราคามิถือเป็นศิลปินเอเชียที่มีชีวิตที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดมาช้านาน จนกระทั่งเขาถูกบดบังด้วยการขาย The Last Supper ของ Zeng Fanzhi

Takashi Murakami ทำงานเป็นศิลปิน ประติมากร นักออกแบบแฟชั่น และนักสร้างแอนิเมเตอร์ มูราคามิต้องการใช้ความเป็นญี่ปุ่นอย่างแท้จริงเป็นพื้นฐานในการทำงานของเขา โดยไม่ต้องยืมแบบตะวันตกหรืออื่นๆ ในช่วงที่เป็นนักศึกษา เขาหลงใหลในศิลปะญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมของนิฮงกะ ต่อมาศิลปะยอดนิยมอย่างอะนิเมะและมังงะก็ถูกแทนที่ด้วยศิลปะยอดนิยมของญี่ปุ่น จึงเกิดเป็น Mr DOB ที่ทำให้เคลิบเคลิ้ม ลวดลายดอกไม้ยิ้ม และประติมากรรมไฟเบอร์กลาสที่แวววาวราวกับเพิ่งก้าวออกมาจากหน้าการ์ตูนญี่ปุ่น บางคนคิดว่าศิลปะของ Murakami เป็นอาหารจานด่วนและเป็นศูนย์รวมของความหยาบคายคนอื่น ๆ เรียกศิลปินชาวญี่ปุ่นว่า Andy Warhol - และในกลุ่มหลังอย่างที่เราเห็นมีคนร่ำรวยมากมาย

มูราคามิยืมชื่อประติมากรรมของเขามาจาก The Lonely Cowboys (1968) ของ Andy Warhol ซึ่งชาวญี่ปุ่นเองก็ยอมรับว่าไม่เคยดู แต่เขาชอบการผสมคำมาก มูราคามิกับรูปปั้นหนึ่งชิ้นทำให้แฟน ๆ การ์ตูนญี่ปุ่นแนวอีโรติกพอใจและหัวเราะเยาะพวกเขา ขนาดที่เพิ่มขึ้นและนอกจากนี้ยังเป็นแบบสามมิติฮีโร่อนิเมะกลายเป็นเครื่องรางของวัฒนธรรมมวลชน คำพูดทางศิลปะนี้ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของป๊อปอาร์ตตะวันตกคลาสสิก (จำชุดเฟอร์นิเจอร์ของ Allen Jones หรือ Pink Panther ของ Koons) แต่มีการหักมุมของชาติ

17. KAWS อัลบั้ม KAWS. 2548 14,784,505 ดอลลาร์

KAWS เป็นนามแฝงของ Brian Donelly ศิลปินชาวอเมริกันจากรัฐนิวเจอร์ซีย์ เขาเป็นผู้เข้าร่วมที่อายุน้อยที่สุดในการจัดอันดับของเรา เกิดในปี 1974 Donelly เริ่มเป็นแอนิเมเตอร์ที่ Disney (วาดพื้นหลังให้กับการ์ตูนเรื่อง 101 Dalmatians และอื่นๆ) ฉันสนใจกราฟฟิตีมาตั้งแต่เด็ก ในตอนแรก การออกแบบลายเซ็นของเขาคือหัวกะโหลกที่มี "X" แทนที่เบ้าตา ผลงานของนักเขียนหนุ่มเป็นที่ชื่นชอบของนักธุรกิจการแสดงและผู้คนจากวงการแฟชั่น เขาขึ้นปกอัลบั้ม Kanye West ออกผลงานร่วมกับ Nike, Comme des Garçons และ Uniqlo เมื่อเวลาผ่านไป KAWS ได้กลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในโลกศิลปะร่วมสมัย ฟิกเกอร์มิกกี้เมาส์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาได้เข้าสู่พิพิธภัณฑ์ พื้นที่สาธารณะ และของสะสมส่วนตัว เมื่อ KAWS เปิดตัวของเล่นไวนิลรุ่นลิมิเต็ดกับแบรนด์ My Plastic Heart และจู่ๆ พวกเขาก็กลายเป็นประเด็นที่นักสะสมให้ความสนใจอย่างมาก หนึ่งในผู้หลงใหลในการสะสม "ของเล่น" เหล่านี้คือผู้ก่อตั้ง ดาวสีดำแร็ปเปอร์ Timati: เขารวบรวมชุด "Companions Cavs" เกือบทั้งหมด

งานของ KAWS สร้างสถิติสำหรับผลงานของศิลปิน - 14.7 ล้านเหรียญสหรัฐ - ในการประมูลของ Sotheby's Hong Kong เมื่อวันที่ 1 เมษายน 2019 มันเคยอยู่ในคอลเลกชันของ Nigo นักออกแบบแฟชั่นชาวญี่ปุ่น Meter canvas อัลบั้ม KAWS เป็นการแสดงความเคารพต่อปกอัลบั้ม The Beatles ที่มีชื่อเสียง "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" ในปี 1967 แทนที่จะเป็นคนเท่านั้น มันมี Kimpsons ซึ่งเป็นตัวละครที่มีสไตล์จากซีรีส์การ์ตูน Simpsons ที่มี "X" แทนดวงตา

18. จินชาน เจ้าสาวทาจิกิสถาน พ.ศ. 2526 13.89 ล้านเหรียญสหรัฐ

ในบรรดาศิลปินจีนรุ่นเยาว์และร่วมสมัย ซึ่งล้วนเป็นสมาชิกของสิ่งที่เรียกว่า "คลื่นลูกใหม่" ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ใน ศิลปะจีนตัวแทนของรุ่นที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงและโรงเรียนอื่นได้รับการจัดอันดับของเราโดยไม่คาดคิด Jin Shangyi ซึ่งตอนนี้อายุ 80 ปีเป็นเจ้าของ ตัวแทนที่โดดเด่นศิลปินรุ่นแรกในจีนคอมมิวนิสต์ มุมมองของศิลปินกลุ่มนี้ก่อตัวขึ้นในระดับใหญ่ภายใต้อิทธิพลของพันธมิตรคอมมิวนิสต์ที่ใกล้ที่สุด - สหภาพโซเวียต

ศิลปะอย่างเป็นทางการของโซเวียต สัจนิยมสังคมนิยม ภาพวาดสีน้ำมัน ซึ่งไม่ปกติแม้แต่ในจีน (ตรงข้ามกับภาพวาดหมึกจีนดั้งเดิม) ได้รับความนิยมสูงสุดในทศวรรษ 1950 และเขามาที่มหาวิทยาลัยศิลปะปักกิ่งเป็นเวลาสามปี (ตั้งแต่ปี 1954 ถึง 2500) เพื่อสอน ศิลปินโซเวียต Konstantin Methodievich Maksimov Jin Shani ซึ่งตอนนั้นอายุน้อยที่สุดในกลุ่มได้เข้าเรียน ศิลปินจำครูของเขาด้วยความอบอุ่นเสมอโดยบอกว่า Maksimov เป็นคนสอนให้เขาเข้าใจและอธิบายแบบจำลองอย่างถูกต้อง K. M. Maksimov นำเสนอกาแลคซีของนักสัจนิยมชาวจีนทั้งมวลซึ่งตอนนี้เป็นคลาสสิก

ในผลงานของ Jin Shan เราสามารถสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของทั้ง "รูปแบบที่รุนแรง" ของโซเวียตและโรงเรียนจิตรกรรมในยุโรป ศิลปินอุทิศเวลามากมายเพื่อศึกษามรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและศิลปะแบบคลาสสิก ในขณะที่เขาคิดว่าจำเป็นต้องรักษาจิตวิญญาณของชาวจีนไว้ในผลงานของเขา ภาพวาด "เจ้าสาวทาจิกิสถาน" ซึ่งวาดในปี 1983 ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล ซึ่งเป็นก้าวใหม่ในผลงานของ Jin Shan เธอคือผู้ที่เข้าร่วมการประมูล China Guardian ในเดือนพฤศจิกายน 2013 และขายแพงกว่าที่ประเมินไว้หลายเท่า - ในราคา 13.89 ล้านดอลลาร์รวมค่าคอมมิชชัน

19. BANKSY รัฐสภาที่เสื่อมโทรม 2551 12.14 ล้านเหรียญสหรัฐ

ภาพวาดฝาผนังที่มีแท็ก Banksy เริ่มปรากฏบนกำแพงเมืองต่างๆ (ครั้งแรกในสหราชอาณาจักรและทั่วโลก) ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ปรัชญาและกราฟฟิตีที่เฉียบแหลมของเขาในเวลาเดียวกันได้อุทิศให้กับปัญหาการโจมตีของรัฐต่อเสรีภาพของประชาชนการก่ออาชญากรรมต่อ สิ่งแวดล้อมการบริโภคที่ขาดความรับผิดชอบ ความไร้มนุษยธรรมของระบบการย้ายถิ่นที่ผิดกฎหมาย เมื่อเวลาผ่านไป กำแพง "คำตำหนิ" ของ Banksy ได้รับความนิยมจากสื่ออย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ในความเป็นจริง เขากลายเป็นหนึ่งในกระบอกเสียงหลักสำหรับมติมหาชนที่ประณามความเจ้าเล่ห์ของรัฐและบรรษัท สร้างความอยุติธรรมในระบบทุนนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ

ความสำคัญของ Banksy ความรู้สึกของ "เส้นประสาทของเวลา" และความแม่นยำของคำอุปมาอุปไมยของเขาไม่เพียงแต่ได้รับความชื่นชมจากผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักสะสมด้วย ในปี 2010 มีการมอบเงินหลายแสนหรือมากกว่าหนึ่งล้านดอลลาร์สำหรับผลงานของเขา มันถึงจุดที่กราฟฟิตีของ Banksy ถูกทำลายและถูกขโมยไปพร้อมกับชิ้นส่วนของกำแพง

ในยุคของการเฝ้าระวังทางดิจิตอลขั้นสูง Banksy ยังคงไม่เปิดเผยตัวตน มีรุ่นที่ไม่ใช่คนคนเดียวอีกต่อไป แต่เป็นกลุ่มศิลปินหลายคนนำโดยผู้หญิงที่มีความสามารถ นั่นจะอธิบายได้มาก และความแตกต่างภายนอกของนักเขียนที่ติดอยู่ในเลนส์ของกล้องพยาน และวิธีการใช้ลายฉลุที่ไม่มีตัวตน (ให้ ความเร็วสูงและไม่ต้องการการมีส่วนร่วมโดยตรงจากผู้เขียน) และความโรแมนติกที่สัมผัสได้ของวัตถุในภาพวาด (ลูกบอล เกล็ดหิมะ ฯลฯ) แต่คนจากโปรเจ็กต์ Banksy รวมถึงผู้ช่วยของเขารู้วิธีปิดปาก

ในปี 2019 งานที่แพงที่สุดของ Banksy ได้กลายเป็นผืนผ้าใบยาวสี่เมตรโดยไม่คาดคิด รัฐสภาที่เสื่อมโทรม (“เสื่อมโทรม”, “เสื่อมโทรม” หรือ “ได้รับมอบหมาย” รัฐสภา) ลิงชิมแปนซีโต้เถียงกันในสภาดูเหมือนจะล้อเลียนผู้ชมในปีที่เกิด Brexit อันอื้อฉาว เป็นเรื่องที่น่าแปลกใจที่ภาพวาดนี้ถูกวาดขึ้นเมื่อ 10 ปีก่อนจุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์นี้ และด้วยเหตุนี้จึงมีคนคิดว่าเป็นภาพลางสังหรณ์ ในการประมูลของ Sotheby เมื่อวันที่ 3 ตุลาคม 2019 ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักได้ซื้อน้ำมันในราคา 12,143,000 ดอลลาร์ในการเสนอราคาที่ดุเดือด ซึ่งเป็นราคาที่สูงกว่าราคาประเมินเบื้องต้นถึง 6 เท่า

20. JOHN CURREN "อ่อนหวานและเรียบง่าย" 2542 12.007 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินชาวอเมริกัน จอห์น เคอร์แรน (1962)เป็นที่รู้จักจากภาพวาดที่เปรียบเปรยเชิงเสียดสีในประเด็นทางเพศและสังคมที่เร้าใจ งานของ Curren สามารถผสมผสานเทคนิคการวาดภาพของปรมาจารย์รุ่นเก่า (โดยเฉพาะ Lucas Cranach the Elder และนักมารยาทศาสตร์) และการถ่ายภาพแฟชั่นจากนิตยสารเคลือบมัน Karren มักจะบิดเบือนสัดส่วนของร่างกายมนุษย์ ขยายหรือย่อส่วนต่างๆ ของร่างกาย แสดงให้เห็นวีรบุรุษในท่าทางที่เสียมารยาท

Curren เริ่มในปี 1989 ด้วยภาพวาดของเด็กผู้หญิงที่วาดใหม่จากอัลบั้มของโรงเรียน ดำเนินต่อไปในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ด้วยภาพของสาวงามนมโตที่ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพถ่ายจาก Cosmopolitan และ Playboy; ในปี 1992 ภาพของหญิงชราผู้มั่งคั่งปรากฏขึ้น และในปี 1994 Curren ได้แต่งงานกับประติมากร Rachel Feinstein ซึ่งกลายมาเป็นนางแบบและต้นแบบหลักของเขามานานหลายปี ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1990 ความสามารถทางเทคนิคของ Currin บวกกับศิลปะที่ไร้ค่าและความพิสดารของภาพวาดทำให้เขาได้รับความนิยม ในปี 2546 Larry Gagosian เข้ารับช่วงต่อการส่งเสริมศิลปินและหากตัวแทนจำหน่ายอย่าง Gagosian รับตำแหน่งผู้แต่งก็รับประกันความสำเร็จได้ ในปี 2547 การแสดงย้อนหลังของจอห์น เคอร์แรนจัดขึ้นที่พิพิธภัณฑ์วิทนีย์

ในช่วงเวลานี้ งานของเขาเริ่มขายได้ในราคาหกหลัก สถิติปัจจุบันสำหรับภาพวาดของ John Curran เป็นของ Sweet and Simple ซึ่งขายเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2016 ที่ Christie's ในราคา 12 ล้านเหรียญ ตอนนี้อายุมากกว่า 50 ปี นี่เป็นความก้าวหน้าในอาชีพการงานอย่างแน่นอน สถิติเดิมของเขาในปี 2551 คือ 5.5 ล้านดอลลาร์ (โดยวิธีการจ่ายสำหรับผลงานเดียวกัน "น่ารักและเรียบง่าย")

21. บริซ มาร์เดน ผู้เข้าร่วม 2539–2542 10.917 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินนามธรรมชาวอเมริกันที่มีชีวิตอีกคนในการจัดอันดับของเราคือ Bryce Marden (1938) ผลงานของ Marden ในรูปแบบของความเรียบง่ายและตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1980 เป็นต้นมา - ภาพวาดท่าทางมีความโดดเด่นด้วยจานสีที่ไม่ออกเสียงเล็กน้อยของผู้เขียนที่ไม่เหมือนใคร การผสมสีในผลงานของ Marden ได้รับแรงบันดาลใจจากการเดินทางรอบโลก - กรีซ อินเดีย ไทย ศรีลังกา ในบรรดานักเขียนที่มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของ Marden ได้แก่ Jackson Pollock (ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 Marden ทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่พิพิธภัณฑ์ชาวยิวซึ่งเขาสังเกตเห็น "หยด" ของ Pollock เป็นการส่วนตัว), Alberto Giacometti (คุ้นเคยกับงานของเขาในปารีส) และ Robert Rauschenberg (บางคนในขณะที่ Marden ทำงานเป็นผู้ช่วยของเขา) ขั้นตอนแรกของงานของ Marden นั้นอุทิศให้กับผืนผ้าใบมินิมอลคลาสสิกซึ่งประกอบด้วยบล็อกสี่เหลี่ยมสี (แนวนอนหรือแนวตั้ง) แตกต่างจากงานมินิมัลลิสต์อื่นๆ ที่แสวงหาคุณภาพงานในอุดมคติ ราวกับว่าพิมพ์ด้วยเครื่องจักรและไม่ได้วาดโดยคน Marden ยังคงรักษาร่องรอยของผลงานของศิลปิน โดยผสมผสานวัสดุต่างๆ (ขี้ผึ้งและ สีน้ำมัน). ตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 1980 ภายใต้อิทธิพลของการเขียนพู่กันแบบตะวันออก สิ่งที่เป็นนามธรรมทางเรขาคณิตได้ถูกแทนที่ด้วยเส้นที่มีลักษณะคดเคี้ยว ซึ่งพื้นหลังเป็นฟิลด์สีเดียวแบบเอกรงค์ หนึ่งในผลงาน "คดเคี้ยว" เหล่านี้ - "ผู้เข้าร่วม" - ถูกขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤศจิกายน 2556 ในราคา 10.917 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชัน

22. จางเสี่ยวกัง รักนิรนดร์. 10.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

อีกหนึ่งตัวแทนของศิลปะร่วมสมัยของจีนคือนักสัญลักษณ์และนักเหนือจริง จาง เสี่ยวกัง (1958). ที่ Sotheby's Hong Kong 3 เมษายน 2554ซึ่งเป็นที่ที่ชาวจีนแนวหน้าจากคอลเลกชันของ Guy Ullens บารอนชาวเบลเยียมขายอันมีค่าโดย Zhang Xiaogang "รักนิรนดร์"ถูกขายในราคา $ 10.2 ล้าน. ในเวลานั้น ไม่เพียงแต่เป็นบันทึกของศิลปินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะร่วมสมัยของจีนด้วย ว่ากันว่างานของ Xiaogang ถูกซื้อโดย Wang Wei ภรรยาของมหาเศรษฐีซึ่งกำลังจะเปิดพิพิธภัณฑ์ของเธอเอง

Zhang Xiaogang ผู้ชื่นชอบเวทย์มนต์และปรัชญาตะวันออก เขียนเรื่อง "Eternal Love" แบ่งเป็น 3 ส่วน ได้แก่ ชีวิต ความตาย และการเกิดใหม่ ภาพอันมีค่านี้จัดแสดงในนิทรรศการ China/Avant-Garde อันโด่งดังในปี 1989 ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติ นอกจากนี้ ในปี 1989 การเดินขบวนของนักศึกษายังถูกปราบปรามอย่างไร้ความปราณีในจัตุรัสเทียนอันเหมินโดยทหาร หลังจากเหตุการณ์โศกนาฏกรรมนี้ สกรูเริ่มแน่น - นิทรรศการที่พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติถูกแยกย้ายกันไป ศิลปินหลายคนอพยพ เพื่อตอบสนองต่อสัจนิยมสังคมนิยมที่กำหนดจากเบื้องบน ทิศทางของความสมจริงเชิงเหยียดหยามก็ปรากฏขึ้น ซึ่งหนึ่งในตัวแทนหลักคือจางเสี่ยวกัง

23. บรูซ เนามาน เฮนรี่ มัวร์ทำอะไรไม่ถูก พ.ศ. 2510 9.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

อเมริกัน บรูซ เนามาน (2484)ผู้ชนะรางวัลหลักของ Venice Biennale ครั้งที่ 48 (1999) ได้ทำลายสถิติของเขาไปนานแล้ว Nauman เริ่มอาชีพของเขาในอายุหกสิบเศษ ผู้ที่ชื่นชอบเรียกเขาว่า Andy Warhol และ Joseph Beuys ซึ่งเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุดในงานศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ อย่างไรก็ตาม ความเฉลียวฉลาดและความไม่ปรุงแต่งโดยสิ้นเชิงของผลงานบางชิ้นของเขาขัดขวางการรับรู้และความสำเร็จอย่างรวดเร็วของเขากับสาธารณชนทั่วไปอย่างเห็นได้ชัด นาวมานมักจะทดลองภาษา ค้นพบความหมายที่คาดไม่ถึงของวลีที่คุ้นเคย กลายเป็นคำพูด อักขระกลางผลงานของเขาหลายชิ้น รวมทั้งป้ายไฟนีออนหลอกและแผง เนามันน์เรียกตัวเองว่าประติมากรแม้ว่าในช่วงสี่สิบปีที่ผ่านมาเขาได้พยายามอย่างเต็มที่ ประเภทที่แตกต่างกัน- ประติมากรรม การถ่ายภาพ วิดีโออาร์ต การแสดง กราฟิก ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 Larry Gagosian ได้กล่าวคำทำนายว่า "คุณค่าที่แท้จริงของงานของ Naumann ยังไม่เป็นที่ประจักษ์" และมันก็เกิดขึ้น: 17 พฤษภาคม 2544ที่ Christie's by Naumann ในปี 1967 "เฮนรี่ มัวร์ทำอะไรไม่ถูก (มองจากด้านหลัง)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) สร้างสถิติใหม่ในส่วนของศิลปะหลังสงคราม มือของ Naumann ถูกมัดไพล่หลัง ทำจากปูนปลาสเตอร์และขี้ผึ้ง อยู่ใต้ค้อนราคา 1 ดอลลาร์ 9.9 ล้านในคอลเลกชันของเจ้าสัวฝรั่งเศส Francois Pinault (ตามแหล่งอื่น American Phyllis Wattis) ประมาณการของงานเพียง 2-3 ล้านเหรียญ ดังนั้นผลลัพธ์ที่ได้จึงเป็นเรื่องที่น่าประหลาดใจสำหรับทุกคน

ก่อนการขายในตำนานนี้ ผลงานของ Naumann เพียงสองชิ้นเท่านั้นที่มีราคาทะลุหลักล้านดอลลาร์ และในอาชีพการประมูลทั้งหมดของเขาจนถึงตอนนี้ มีเพียงหกงานเท่านั้น นอกเหนือจาก "เฮนรี่ มัวร์ ... " ที่มีตัวเลขถึงเจ็ดหลัก แต่ผลลัพธ์ของพวกเขายังไม่สามารถเทียบได้กับเก้าล้าน

"Helpless Henry Moore" เป็นหนึ่งในผลงานการโต้เถียงของ Naumann เกี่ยวกับร่างของ Henry Moore (พ.ศ. 2441-2529) ศิลปินชาวอังกฤษผู้ซึ่งได้รับการพิจารณาให้เป็นหนึ่งในประติมากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศตวรรษที่ 20 ในอายุหกสิบเศษ นักเขียนหนุ่มซึ่งพบว่าตัวเองอยู่ในเงามืดของปรมาจารย์ที่เป็นที่รู้จัก จากนั้นโจมตีเขาด้วยคำวิจารณ์ที่รุนแรง งานของ Naumann เป็นการตอบสนองต่อคำวิจารณ์นี้และในขณะเดียวกันก็สะท้อนถึงหัวข้อของความคิดสร้างสรรค์ ชื่อของผลงานกลายเป็นการเล่นสำนวนเนื่องจากเชื่อมโยงความหมายสองคำของคำภาษาอังกฤษ bound - bound (ในความหมายตามตัวอักษร) และชะตากรรมที่แน่นอน

ความสนใจ! เนื้อหาทั้งหมดของไซต์และฐานข้อมูลผลการประมูลของไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่มีภาพประกอบเกี่ยวกับผลงานที่ขายในการประมูล มีไว้สำหรับการใช้งานตามศิลปะเท่านั้น 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์ไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของวัสดุที่ส่งโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่มีการละเมิดสิทธิ์ของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบพวกเขาออกจากไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอของหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต