Barok dönemin müzik aletleri. 17. yüzyılın enstrümantal müziği 17. yüzyılda hangi enstrümanlar popülerdi?

Organ

Bir hava üfleyici, bir dizi ahşap ve metal borudan oluşan karmaşık bir müzik aleti farklı boyutlar ve üzerinde kayıt düğmelerinin, birkaç klavyenin ve pedalın bulunduğu performans konsolundan (kürsü).

Klavsen

bakire

Spinet

Spinet, kare, dikdörtgen veya beşgen şeklinde küçük bir klavsendir.

klavisiteryum

Klavikite, dikey gövdeli bir klavsendir.

Klavikord

Dize dizeleri

barok keman

Ana makale: barok keman

kontrbas

Orkestradaki en büyük ve en derin yaylı çalgı. Ayakta veya yüksek bir taburede oturarak oynanır.

telli koparılmış

barok lavta

16. yüzyılda altı telli lavta en yaygın olanıydı (15. yüzyılda beş telli çalgılar biliniyordu), 17. yüzyıla geçişte (geç Barok dönem), tel sayısı yirmi dörde ulaştı. Çoğu zaman, 11 ila 13 tel vardı (9-11 çift ve 2 tek). D minörde yapı akoru (bazen majör).

Theorbo

Theorbo lavtanın bas versiyonudur. Tel sayısı 14'ten 19'a kadardır (çoğunlukla tek, ancak çiftli enstrümanlar da vardı).

Quitarrone

Kitarrone - sözde bas çeşidi. İtalyan gitarı (İspanyol gitarının aksine oval gövdeli bir enstrüman). Dize sayısı 14 tektir. Quitarrone, theorbo'dan neredeyse hiç farklı görünmüyor, ancak ondan farklı bir kökene sahip.

arşilut

Theorbo'dan daha küçük. Çoğu zaman 14 teli vardı, ilk altısı Rönesans'a özgü akortta - (ilk altı telin bir D minör akor verdiği barok lavtanın aksine), 3. ve 4. hariç temiz bir kuartta inşa edildi. büyük üçte birinde inşa edildi.

melek otu

Mandora

galiçon

kanun

mimar

Mandolin

barok gitar

Ana makale: barok gitar

Barok gitarda genellikle beş çift bağırsak teli (koro) bulunur. İlk barok veya beş korolu gitarlar 16. yüzyılın sonlarından bilinmektedir. O zaman gitara beşinci koro eklendi (ondan önce ona dört çift tel verildi). Rasgeado stili bu enstrümanı son derece popüler kılıyor.

Diğerlerini dizme

hurdy gurdy

Hurdy gurdy'nin çoğu aynı anda ses çıkaran ve sağ elle döndürülen tekerleğe sürtünme sonucu titreşen altı ila sekiz teli vardır. Sol el ile çubuklar yardımıyla ses kısmı kısaltılan veya uzatılan bir veya iki ayrı tel, melodiyi yeniden üretir ve kalan teller monoton bir uğultu yayar.

Pirinç

Korno

Barok kornanın hiçbir mekaniği yoktu ve yalnızca doğal gamın tonlarını çıkarmayı mümkün kılıyordu; tuşların her birinde çalmak için ayrı bir enstrüman kullanıldı.

Korna

Rüzgar pirinç ağızlıklı, valfsiz, konik namlulu müzik aleti.

Trombon

Trombon, büyük, oval şekilli bir metal boruya benziyor. Ağızlık üst kısmına yerleştirilmiştir. Trombonun alt kıvrımı hareketlidir ve kanat olarak adlandırılır. Zili dışarı çekmek sesi azaltır, içeri itmek sesi yükseltir.

nefesli çalgılar

enine flüt

blok flüt

Şalumot

Obua

Fagot

çeyrek fagot

Quartbassoon - büyütülmüş bir fagot. Yazılı olarak, çeyrek fagot kısmı fagotla aynı şekilde yazılır, ancak yazılı notanın altında mükemmel bir dörtlü gibi gelir.

kontrafagot

Kontrfagot fagotun bas versiyonudur.

Davul

timpani

Timpani, belirli bir perdeye sahip vurmalı bir müzik aletidir. Perde, vidalar veya özel bir mekanizma kullanılarak, çoğunlukla ayak pedalı şeklinde ayarlanır.

2. BÖLÜM Gitar Avrupa'yı Fethediyor

17. yüzyılda gitar Avrupa'yı fethetmeye devam etti.
O zamanın gitarlarından biri Londra'daki Royal College of Music müzesine ait. Melchior Dias adlı biri tarafından 1581'de Lizbon'da yaratıldı.
Bu gitarın yapısı, iki yüzyılı aşkın bir süredir müzik enstrümanlarının ustalarının eserlerinde tekrarlanacak özelliklere sahip.

Milano'daki Sforza Kalesi koleksiyonundan 17. yüzyıl İtalyan battente gitarı.

O zamanın tüm gitarları zengin bir şekilde süslenmişti. Zanaatkarlar, böylesine zarif bir ürünün üretimi için değerli malzemeler kullanır: nadir ahşaplar (özellikle siyah - abanoz), fildişi, bağa. Alt güverte ve yanlar kakma ile dekore edilmiştir. Üst güverte, aksine, basit kalır ve iğne yapraklı ağaçtan (çoğunlukla ladin) yapılır. Titreşimi bastırmamak için sadece rezonatör deliği ve kasanın kenarları tüm çevresi boyunca ahşap mozaiklerle süslenmiştir.
Ana dekoratif unsur, kabartmalı deriden yapılmış bir rozettir. Bu rozet sadece tüm kabinin güzelliğine rakip olmakla kalmıyor, aynı zamanda üretilen sesleri de yumuşatıyor. Açıkçası, bu lüks enstrümanların sahipleri, sesin karmaşıklığı kadar güç ve güçle ilgilenmiyorlardı.
17. yüzyıl gitarlarının günümüze ulaşan ilk örneklerinden biri Paris Konservatuarı Müzik Aletleri Müzesi koleksiyonundadır. Zanaatkar Venedikli Cristofo Coco'nun adını ve 1602 tarihini taşır. Düz gövde tamamen kahverengi tahtadan dar şeritlerle tutturulmuş fildişi levhalardan yapılmıştır.

Augustine Quesnel Gitarist 1610

17. yüzyılda popüler olduğu İspanya'dan getirilen razgueado stili Avrupa'nın büyük bir kısmına yayıldı. Gitar, ciddi müzisyenler için eskiden sahip olduğu önemi hemen kaybeder. Louis de Briseno'nun "Metod" un önsözünde yazdığı gibi (Paris, 1626), "şarkı söylemek, oynamak, dans etmek, zıplamak ... ayaklarınızı yere vurmak" için artık yalnızca eşlik için kullanılıyor.
Bordeaux'lu teorisyen Pierre Trichet de üzüntüyle belirtiyor (c. 1640): "Gitar veya hyterna, Fransızlar ve İtalyanlar arasında yaygın olarak kullanılan bir enstrümandır, ama özellikle İspanyollar arasında, onu başka hiçbir yerde olmadığı kadar dizginsizce kullananlar. ulus." Dans eden danslara müzik eşliğinde hizmet ediyor, "her tarafı seğiriyor, gülünç ve gülünç bir şekilde el hareketleri yapıyor, böylece enstrümanı çalmak belirsiz ve kafası karışmış hale geliyor." Pierre Trichet, gözlemlemek zorunda kaldığı şeye kızarak devam ediyor: "Fransa'da İspanyol modasına aşina olan hanımlar ve fahişeler onu taklit etmeye çalışıyor. Bunda, kendi evlerinde güzelce yemek yemek yerine komşuya gidip domuz pastırması, soğan ve kara ekmek yiyenlere benzerler.

David Teniers Genç Gitarist

Mattia Pretti Konseri 1630'lar

Buna rağmen gitar Fransa'da popüler olmaya devam ediyor. Gitar balede rahatlıkla kullanılır. The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) ve The Rich Widow'da (1626), İspanyol kostümleri giymiş müzisyenler daha fazla güvenilirlik uğruna gitar çalıyorlar. İlk balede, chaconne icracıları "gitarlarının seslerini ayaklarının çevik hareketlerine uyarlar". Majesteleri tarafından Louvre'un Büyük Salonunda sahnelenen ikincisinde, el bombalarının girişi de gitar eşliğinde açılıyor. Mercure de France'a göre, XIII.Louis bu performansta iki sarabande dansçıya gitarda eşlik etti.

Gerrit van Honthorst Gitar Çalıyor 1624

Jan Vermeer Gitarist 1672

17. yüzyılın ortalarında gitarda yeni bir altın çağ başlıyor. Ve bu kez güncelleme Fransa'dan geliyor. Ünlü öğretmen ve müzisyen Francesco Corbetta (1656), genç Fransız kralına gitar öğretmek için mahkemeye çağrılır. Louis XIV'ün on sekiz ayda öğretmenini geride bıraktığını (bazı saray mensuplarının aksine) iddia etmeye cesaret edememekle birlikte, kralın enstrümana olan gerçek tutkusundan şüphe edilemez. Saltanatı sırasında gitar yeniden aristokrasinin ve bestecilerin sevgilisi olur. Ve yine gitar modası tüm Avrupa'yı fethediyor.

Pieces for Guitar'ın eski bir baskısının kapağından gravür. 1676

Francisco Goya Nehir Kıyısında Dans 1777

Francisco Goya Kör Gitarist 1788

Ramon Baie Gitarı olan genç bir adam. 1789 Prado Müzesi. Madrid

Louis XIV'in (ö. 1715) saltanatının sonunda, gitar tarihinde bir dönüm noktası gelir - kraliyet mahkemesi ona kayıtsız kalır.
Ancak yine de halk arasında popülerdir. Ismarladığı portrede Matmazel de Charolais, elinde tellerini hafifçe çalan bir gitarla sunulur. Watteau ve Lancret, gitarı aşk sahnelerinin tasvirine dahil ediyor. Ve aynı zamanda, komedi oyuncuları ve gezici komedyenler için bir araçtır!
Watteau ve Lancre'nin çalışması ve gitar ayrı bir sayfadır. fransız resmi, bu yüzden bu malzemede bu sanatçılara ayrı galeriler ayırmaya karar verdim.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Rosalba Carriere Jean-Antoine Watteau'nun Portresi 1721

Fransız ressam ve ressam, Rokoko stilinin kurucusu ve en büyük ustası. 1698-1701'de Watteau, ısrarı üzerine Rubens, Van Dyck ve diğer Flaman ressamların eserlerini kopyaladığı yerel sanatçı Gerin ile çalıştı. 1702'de Watteau Paris'e gitti ve kısa süre sonra modern tiyatro hayatından sahneler çizen bir tiyatro sanatçısı ve dekoratör olan Claude Gillot'un şahsında bir öğretmen ve patron buldu. Watteau, öğretmenini beceri ve yakl. 1708, dekoratör Claude Audran'ın stüdyosuna girdi. 1709'da Watteau, Sanat Akademisi Grand Prix'sini kazanmayı başaramadı, ancak çalışmaları, aralarında hayırsever ve resim uzmanı Jean de Julienne, sanat tüccarı Edmond Francois Gersin, bankacı da dahil olmak üzere birçok etkili kişinin dikkatini çekti. ve sanatçının bir süre evinde yaşadığı koleksiyoncu Pierre Crozat vb. 1712'de Watteau akademisyen unvanıyla tanıştı ve 1717'de Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi'ne üye oldu. Watteau, 18 Temmuz 1721'de Nogent-sur-Marne'de öldü.

Jean-Antoine Watteau İtalyan komedisi 1714

Jean Antoine Watteau, Pierre Crozat 1714-16 Parkı'ndaki Ağaçların Arasından Görünüm

Jean-Antoine Watteau Gilles ailesiyle birlikte 1716

Jean Antoine Watteau Pierrot'un hikayesi

Jean Antoine Watteau Aşk Şarkısı 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Nicolas Lancre Otoportre 1720

Fransız sanatçı, Paris'te doğdu. Önce Pierre Dulin ile çalıştı ve ardından yaklaşık 1712'den itibaren, çalışmaları üzerinde büyük etkisi olan Jean Antoine Watteau ile tanıştığı Claude Gillot'un rehberliğinde birkaç yıl çalıştı. Lancre, Watteau ile aynı konulara yöneldi: İtalyan commedia dell'arte karakterlerini ve "cesur şenlikler" sahnelerini yazdı. Ayrıca La Fontaine masallarını resimledi ve yarattı. tür resimleri. Lancret 1743'te Paris'te öldü.

Parkta Nicola Lancret Konseri 1720

Nicola Lancre Bahçede Tatil

Parkta Nicola Lancre Konseri

Nicola Lancre cesur sohbet

Michel Brenet'e göre gitarın yeni yükselişi, salonlarda performans sergileyen iki yetenekli şarkıcının ortaya çıkmasıyla ilişkilendiriliyor. Kendilerine eşlik ederek düet yapıyorlar. Bunlar ünlü Pierre Geliot ve Pierre de la Garde.
Michel Bartolomeo Olivier'nin ünlü tablosu İngilizce Çay ve Prenses de Conti'nin Evi'nde Konser bu laik toplantıların atmosferini aktarıyor.

Vikipedi, özgür ansiklopedi

klavyeler

Organ

Hava enjeksiyon mekanizması, çeşitli boyutlarda bir dizi ahşap ve metal boru ve üzerinde kayıt düğmelerinin, birkaç klavyenin ve pedalın bulunduğu bir performans konsolundan (kürsü) oluşan karmaşık bir müzik aleti.

Klavsen

bakire

Spinet

Spinet, kare, dikdörtgen veya beşgen şeklinde küçük bir klavsendir.

klavisiteryum

Klavikite, dikey gövdeli bir klavsendir.

Klavikord

Dize dizeleri

barok keman

Bariton

Bas viyola "ayak" (gamba) tipi. Baritondaki ses, altlarında sempatik teller bulunan altı bağırsak telinden oluşan bir yay ile çıkarıldı. Sempatik (ek) tellerden, sol elin başparmağıyla bir tutam ile ses çıkarıldı.

viyolonsel

Bas viyola "ayak" (gamba) tipi.

Aslan

Bas viyola "ayak" (gamba) tipi. Akor çalmak için özel olarak uyarlanmıştır.

Çello

Çello, bas-tenor kaydının telli bir çalgısıdır. 4 tel beşte bire ayarlanmıştır (büyük bir oktavın tuzu ve tuzu, D küçük, la ilk). Çello, 15. yüzyılın sonlarında ve 16. yüzyılın başlarında ortaya çıktı. Klasik çellolar, 17. ve 18. yüzyılların İtalyan ustaları tarafından yaratılmıştır. Antonio Amati ve Girolamo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari.

kontrbas

Orkestradaki en büyük ve en derin yaylı çalgı. Ayakta veya yüksek bir taburede oturarak oynanır.

telli koparılmış

barok lavta

16. yüzyılda altı telli lavta en yaygın olanıydı (15. yüzyılda beş telli çalgılar biliniyordu), 17. yüzyıla geçişte (geç Barok dönem), tel sayısı yirmi dörde ulaştı. Çoğu zaman, 11 ila 13 tel vardı (9-11 çift ve 2 tek). D minörde yapı akoru (bazen majör).

Theorbo

Theorbo lavtanın bas versiyonudur. Tel sayısı 14'ten 19'a kadardır (çoğunlukla tek, ancak çiftli enstrümanlar da vardı).

Quitarrone

Kitarrone - sözde bas çeşidi. İtalyan gitarı (İspanyol gitarının aksine oval gövdeli bir enstrüman). Dize sayısı 14 tektir. Quitarrone, theorbo'dan neredeyse hiç farklı görünmüyor, ancak ondan farklı bir kökene sahip.

arşilut

Theorbo'dan daha küçük. Çoğu zaman 14 teli vardı, ilk altısı Rönesans'a özgü akortta - (ilk altı telin bir D minör akor verdiği barok lavtanın aksine), 3. ve 4. hariç temiz bir kuartta inşa edildi. büyük üçte birinde inşa edildi.

melek otu

Mandora

galiçon

kanun

mimar

Mandolin

barok gitar

Barok gitarda genellikle beş çift bağırsak teli (koro) bulunur. İlk barok veya beş korolu gitarlar 16. yüzyılın sonlarından bilinmektedir. O zaman gitara beşinci koro eklendi (ondan önce ona dört çift tel verildi). Rasgeado stili bu enstrümanı son derece popüler kılıyor.

Diğerlerini dizme

hurdy gurdy

Hurdy gurdy'nin çoğu aynı anda ses çıkaran ve sağ elle döndürülen tekerleğe sürtünme sonucu titreşen altı ila sekiz teli vardır. Sol el ile çubuklar yardımıyla ses kısmı kısaltılan veya uzatılan bir veya iki ayrı tel, melodiyi yeniden üretir ve kalan teller monoton bir uğultu yayar.

Pirinç

Korno

Barok kornanın hiçbir mekaniği yoktu ve yalnızca doğal gamın tonlarını çıkarmayı mümkün kılıyordu; tuşların her birinde çalmak için ayrı bir enstrüman kullanıldı.

Korna

Rüzgar pirinç ağızlıklı, valfsiz, konik namlulu müzik aleti.

Trombon

Trombon, büyük, oval şekilli bir metal boruya benziyor. Ağızlık üst kısmına yerleştirilmiştir. Trombonun alt kıvrımı hareketlidir ve kanat olarak adlandırılır. Zili dışarı çekmek sesi azaltır, içeri itmek sesi yükseltir.

nefesli çalgılar

enine flüt

blok flüt

Şalumot

Obua

Fagot

çeyrek fagot

Quartbassoon - büyütülmüş bir fagot. Yazılı olarak, çeyrek fagot kısmı fagotla aynı şekilde yazılır, ancak yazılı notanın altında mükemmel bir dörtlü gibi gelir.

kontrafagot

Kontrfagot fagotun bas versiyonudur.

Davul

timpani

Timpani, belirli bir perdeye sahip vurmalı bir müzik aletidir. Perde, vidalar veya özel bir mekanizma kullanılarak, çoğunlukla ayak pedalı şeklinde ayarlanır.

"Barok dönemin müzik aletleri" makalesi hakkında bir inceleme yazın

notlar

Barok dönemin müzik aletlerini karakterize eden bir alıntı

"Yüksek soylularınızdan herhangi bir emir gelecek mi?" - elini siperliğine koyarak ve tekrar hazırladığı emir subayı ve general oyununa dönerek Denisov'a dedi, - yoksa şerefinize mi kalmalıyım?
"Emirler mi?" dedi Denisov düşünceli bir şekilde. - Yarına kadar kalabilir misin?
- Ah, lütfen ... Seninle kalabilir miyim? Petya çığlık attı.
- Evet, "ala - şimdi çık" genginden size tam olarak nasıl emir verildi? Denisov sordu. Petya kızardı.
Evet, hiçbir şey söylemedi. Mümkün olduğunu düşünüyorum? dedi.
"Pekâlâ," dedi Denisov. Ve astlarına dönerek, grubun ormandaki nöbetçi kulübesinin yakınında belirlenen dinlenme yerine gitmesini ve Kırgız atlı memurun (bu memur emir subayı olarak hareket etti) Dolokhov'u aramaya, nerede olduğunu bulmaya gitmesini emretti. oldu ve akşam gelip gelmeyeceği . Denisov, esaul ve Petya ile birlikte, yarınki saldırıyı yönetecek olan Fransızların konumuna bakmak için Shamshev'e bakan ormanın kenarına kadar gitmeyi amaçladı.
"Pekala, Tanrı'nın kasidesi," diye köylü kondüktöre döndü, "beni Shamshev'e götür.
Denisov, Petya ve esaul, birkaç Kazak ve bir mahkum taşıyan bir hafif süvari eri eşliğinde, vadiden sola, ormanın kenarına gittiler.

Yağmur dinmişti, ağaçların dallarından sadece sis ve su damlaları düşüyordu. Denisov, esaul ve Petya, köklerin ve ıslak yaprakların üzerinden sak ayakkabılarla çıkan ayaklarıyla hafifçe ve sessizce adım atan şapkalı köylüyü sessizce takip ederek onları ormanın kenarına götürdü.
İzvolok'a çıkan köylü durdu, etrafına baktı ve incelen ağaç duvarına doğru yöneldi. Henüz yapraklarını dökmemiş büyük bir meşe ağacının yanında durdu ve gizemli bir şekilde eliyle onu işaret etti.
Denisov ve Petya ona doğru sürdüler. Köylünün durduğu yerden Fransızlar görülüyordu. Şimdi bir pınar tarlası ormanın arkasından yarı tepecik gibi iniyordu. Sağda, dik bir vadinin karşısında küçük bir köy ve çatısı çökmüş bir malikane görülüyordu. Bu köyde, malikanede ve tüm tepe boyunca, bahçede, kuyuların ve göletin yanında ve köprüden köye giden tüm yol boyunca, iki yüz sazhen'den fazla olmayan bir mesafede, insan kalabalığı dalgalanan siste görülebiliyordu. Rus olmayan çığlıkları, arabalardaki atların dağı parçalamalarından ve birbirlerine seslenmelerinden açıkça duyuldu.
Denisop, gözlerini Fransızlardan ayırmadan, "Mahkûmu buraya verin," dedi.
Kazak atından indi, çocuğu kaldırdı ve onunla birlikte Denisov'a yaklaştı. Fransızları işaret eden Denisov, ne tür birlikler olduklarını sordu. Üşümüş ellerini ceplerine sokan ve kaşlarını kaldıran çocuk, Denisov'a korkmuş baktı ve bildiği her şeyi söyleme arzusuna rağmen, cevaplarında kafası karıştı ve yalnızca Denisov'un sorduğu şeyi onayladı. Denisov kaşlarını çatarak ondan uzaklaştı ve esaul'a dönerek ona düşüncelerini anlattı.
Hızlı hareketlerle başını çeviren Petya, önemli bir şeyi kaçırmamaya çalışarak önce davulcuya, sonra Denisov'a, sonra esaul'a, sonra köyde ve yolda Fransızlara baktı.
- Pg "geliyor, pg değil" Dolokhov, bg "at! .. Ha?" dedi Denisov, gözleri neşeyle parlayarak.
"Yer uygun," dedi esaul.
"Aşağıdan, bataklıklardan piyade göndereceğiz," diye devam etti Denisov, "sürünerek bahçeye çıkacaklar; oradan Kazaklarla sesleneceksin, "Denisov köyün dışındaki ormanı işaret etti" ve ben buradan, gusaglarımla.
Esaul, "Oyukta mümkün olmayacak - bu bir bataklık," dedi. - Atları batıracaksınız, sola dönmelisiniz...
Onlar bu şekilde alçak sesle konuşurken, aşağıda, göletin çukurluğunda, bir atış tıklandı, duman beyazlaşmaya başladı, bir diğeri ve yüzlerce Fransız sesinin dostça, sanki neşeli gibi, haykırışı. yarım dağda duyuldu. İlk dakikada hem Denisov hem de esaul geriye yaslandı. O kadar yakındılar ki, bu atışların ve çığlıkların sebebi onlarmış gibi geldi. Ancak atışlar ve çığlıklar onlara ait değildi. Aşağıda, bataklıkların arasından kırmızı bir şey giymiş bir adam koşuyordu. Açıkçası, Fransızlar ona ateş ediyor ve ona bağırıyorlardı.
- Ne de olsa bu bizim Tikhon'umuz, - dedi esaul.
- O! bunlar!
Denisov, "Eka haydut," dedi.
- Ayrılmak! - gözlerini kıstı, dedi esaul.
Tikhon dedikleri adam nehre koşarak sıçradı, böylece su sıçradı ve bir an sudan tamamen siyah saklanarak dört ayak üzerinde indi ve koştu. Arkasından koşan Fransızlar durdu.
- Zekice, - dedi esaul.
- Ne canavar! Denisov aynı sıkıntı ifadesiyle söyledi. Ve şimdiye kadar ne yaptı?
- Bu kim? Petya sordu.
- Bu bizim plastiğimiz. Onu dili alması için gönderdim.
"Ah, evet," dedi Petya, Denisov'un ilk kelimesinden, tek bir kelimeyi kesinlikle anlamasa da her şeyi anlamış gibi başını salladı.
Tikhon Shcherbaty, partide en çok ihtiyaç duyulan kişilerden biriydi. Gzhatya yakınlarındaki Pokrovsky'den bir köylüydü. Denisov, eylemlerinin başlangıcında Pokrovskoye'ye geldiğinde ve her zaman olduğu gibi muhtarı arayıp Fransızlar hakkında ne bildiklerini sorduğunda, muhtar cevap verdi, çünkü tüm muhtarlar sanki kendilerini savunuyormuş gibi bilmediklerini yanıtladı. hiçbir şey, bilmediklerini bilin. Ancak Denisov onlara amacının Fransızları yenmek olduğunu açıkladığında ve Fransızların aralarına girip girmediğini sorduğunda, muhtar kesinlikle yağmacılar olduğunu, ancak köylerinde sadece Tishka Shcherbaty'nin bunlarla meşgul olduğunu söyledi. önemli. Denisov, Tikhon'un kendisine çağrılmasını emretti ve faaliyetlerinden dolayı onu öven, muhtarın önünde çara ve anavatana sadakat ve anavatan oğullarının gözlemlemesi gereken Fransız nefreti hakkında birkaç söz söyledi.
Denisov'un bu sözlerinden çekindiği belli olan Tikhon, "Fransızlara zarar vermiyoruz," dedi. - Biz sadece, yani, adamlarla uğraşmak için avlanıyoruz. Sanki iki düzine Miroderov dövülmüş gibi, yoksa kötü bir şey yapmadık ... - Ertesi gün, bu köylüyü tamamen unutan Denisov, Pokrovsky'den ayrıldığında, kendisine Tikhon'un partiye bağlı kaldığı bilgisi verildi ve istendi. onunla ayrıldı. Denisov onu terk etmesini emretti.
İlk başta ateş yakma, su taşıma, atların derisini yüzme vb. gerilla savaşı. Geceleri yağmalamak için dışarı çıktı ve her seferinde yanında bir elbise ve Fransız silahları getirdi ve emredildiğinde esirleri getirdi. Denisov, Tikhon'u işten uzaklaştırdı, onu gezilere çıkarmaya başladı ve onu Kazaklara kaydettirdi.
Tikhon ata binmeyi sevmezdi ve her zaman yürürdü, asla süvarilerin gerisinde kalmazdı. Silahları, daha çok gülmek için taktığı bir gaf, bir kurdun dişleri varmış gibi sahip olduğu bir mızrak ve bir baltaydı; Tikhon eşit derecede sadık bir şekilde, tüm gücüyle kütükleri bir baltayla böldü ve baltayı dipçikinden alarak onunla ince mandalları kesti ve kaşıkları kesti. Denisov'un partisinde Tikhon kendi özel, istisnai yerini işgal etti. Özellikle zor ve çirkin bir şey yapmak gerektiğinde - omzunuzla çamurda bir arabayı döndürmek, bir atı kuyruğundan bataklıktan çıkarmak, derisini yüzmek, Fransızların tam ortasına tırmanmak, elli mil yürümek bir gün - herkes kıkırdayarak Tikhon'u işaret etti.
Onun hakkında "Ne yapıyor, iri merenina" dediler.
Bir keresinde Tikhon'un götürdüğü bir Fransız, onu tabancayla vurdu ve sırtından vurdu. Tikhon'un içten ve dıştan sadece votka ile tedavi edildiği bu yara, tüm müfrezede en neşeli şakalara ve Tikhon'un isteyerek boyun eğdiği şakalara konu oldu.
"Ne, kardeşim, değil mi?" Ali kıkırdadı mı? Kazaklar ona güldüler ve kasıtlı olarak çömelerek ve surat asarak, kızgın gibi davranan Tikhon, Fransızları en saçma küfürlerle azarladı. Bu olay, Tikhon üzerinde yalnızca, yarasından sonra nadiren mahkum getirme etkisi yaptı.

Ukrayna Eğitim ve Bilim Bakanlığı

SevNTU

Bölüm: Ukrayna Çalışmaları. Kültüroloji. Pedagoji.

Kültürel çalışmalar üzerine deneme

Ders: “Barok dönemin enstrümantal müziği (XVII-XVII yüzyılın 1. yarısı). Türlerin kökeni - senfoni, konçerto. Antonio Vivaldi'nin eseri.

bir öğrenci tarafından yapılır

grup IM-12d

Stupko M.G.

Kontrol:

Kostennikov A.M.

Sivastopol 2007

Plan:

Giriiş.

Ana bölüm:

1) Barok müzik farklılıkları:

Rönesans'tan.

Klasisizm'den.

2) Barok dönem çalgı türlerinin genel özellikleri.

3) Batı Avrupa'da enstrümantal müziğin tarihi.

Son kısım.

1) Barok saz müziğinin sonraki dönem müziğe etkisi.

Klasisizm çağına geçiş (1740-1780).

Barok Tekniklerin Etkisi ve 1760 Sonrası Teknikler.

Caz.

2) Sonuç.

IV. Kaynakların listesi.

Giriiş:

Barok dönem (XVII yüzyıl), dünya kültür tarihinin en ilginç dönemlerinden biridir. Draması, yoğunluğu, dinamikleri, kontrastı ve aynı zamanda uyumu, bütünlüğü, birliği ile ilgi çekicidir.

Bu çağda özel bir rol tarafından işgal edilir müzik sanatı, eski "katı üslup" a karşı uzlaşmaz bir mücadele ile olduğu gibi, belirleyici bir dönüm noktasıyla başlar.

Müzik sanatının ifade olanakları genişliyor, aynı zamanda müziği kelimeden ayırma eğilimi var - büyük ölçüde Barok estetiğiyle ilişkili enstrümantal türlerin yoğun gelişimine. Büyük ölçekli döngüsel formlar (konçerto grosso, topluluk ve solo sonatlar), bazı süitlerde teatral teklifler, fügler, org tipi doğaçlamalar hayali bir şekilde dönüşümlü olarak ortaya çıkar. Müzik yazımının polifonik ve homofonik ilkelerinin karşılaştırılması ve iç içe geçmesi tipik hale gelir.Barok dönemin yazma ve icra teknikleri, klasik müzik kanonunun ayrılmaz ve önemli bir parçası haline geldi. O zamanın eserleri yaygın olarak icra edilir ve incelenir.

Barok müzikteki farklılıklar

rönesanstan

Barok müzik, Rönesans'tan polifoni ve kontrpuan kullanma pratiğini devraldı. Ancak bu teknikler farklı şekilde uygulanmıştır. Rönesans döneminde, çok sesliliğin yumuşak ve sakin hareketinde ünsüzlerin ikincil ve sanki tesadüfen ortaya çıkması üzerine müzikal uyum inşa edildi. Bununla birlikte, barok müzikte, ünsüzlerin ortaya çıkma sırası önemli hale geldi: hiyerarşik bir işlevsel tonalite şemasına (veya işlevsel bir majör-minör kip sistemine) göre oluşturulmuş akorların yardımıyla kendini gösterdi. 1600 civarında, tonalitenin ne olduğunun tanımı büyük ölçüde yanlıştı, özneldi. Örneğin, bazıları madrigallerin kadanslarında bir miktar ton gelişimi gördü, oysa aslında erken monodilerde tonalite hala çok belirsizdi. Tek tip mizaç sistemi teorisinin zayıf gelişiminin etkisi oldu. Sherman'a göre, ilk kez sadece 1533'te İtalyan Giovanni Maria Lanfranco, organ-klavye performansı pratiğine bir eşit mizaç sistemi önerdi ve tanıttı. Ve sistem çok sonra yaygınlaştı. Ve sadece 1722'de J.S. Bach'ın Well-Tempered Clavier'si ortaya çıktı. Barok ve Rönesans'ın müzikal uyumu arasındaki diğer bir fark, erken dönemde tonik kaymanın daha sık üçlülerde meydana gelmesi, Barok dönemde ise dörtlü veya beşli modülasyonun baskın olmasıydı (işlevsel tonalite kavramının ortaya çıkışının bir etkisi vardı). ). Ayrıca barok müzikte daha uzun melodik çizgiler ve daha sert bir ritim kullanılmıştır. Ana tema ya kendi kendine ya da sürekli bir bas eşliğinde genişletildi. Sonra başka bir sesle göründü. Daha sonra, Ana konu sadece ana seslerin yardımıyla değil, sürekli bas ile ifade edilmeye başlandı. Melodi ve eşlik hiyerarşisi bulanıktı.

Stilistik farklılıklar, Rönesans'ın pirinç arabalarından, fantezilerinden ve kanzonlarından barok müziğin ana biçimlerinden biri olan füglere geçişi belirledi. Monteverdi buna yeni, serbest stil adını verdi. ikinci pratik (ikinci biçim) aksine prima pratica Giovanni Pierluigi da Palestrina gibi Rönesans ustalarının motetlerini ve diğer kilise koro formlarını karakterize eden (ilk form). Monteverdi'nin kendisi her iki stili de kullandı; kitlesi "In illo tempore" eski üslupla ve "Kutsal Bakire'nin Vespers'ı" yeni üslupla yazılmıştır.

Barok ve rönesans tarzlarında başka, daha derin farklılıklar da vardı. Barok müzik, Rönesans müziğinden daha yüksek düzeyde duygusal tatmin için çabaladı. Barok yazılar genellikle tek, belirli bir duyguyu (sevinç, üzüntü, dindarlık vb.; bkz.etki teorisi). Barok müzik genellikle virtüöz şarkıcılar ve müzisyenler için yazılmıştı ve enstrümantal bölümlerin ayrıntılı kaydının Barok dönemin en önemli yeniliklerinden biri olmasına rağmen, icrası genellikle Rönesans müziğinden çok daha zordu. kullanmak neredeyse zorunlu hale geldi.müzikal süslemeler, genellikle müzisyen tarafından şu şekilde icra edilir:doğaçlama. gibi ifadelernotlarevrensel oldu; çoğu müzisyen tarafından, genellikle büyük bir uygulama özgürlüğü ile icra edilir.

Bir diğer önemli değişiklik de enstrümantal müziğe olan tutkunun vokal müziğe olan tutkuyu geride bırakmasıydı. gibi vokal parçalarmadrigaller Ve aryalar, aslında, daha sıklıkla söylenmediler, enstrümantal olarak icra edildiler. Bu, çağdaşların ifadelerinin yanı sıra, laik olanı temsil eden eserlerin sayısını aşan enstrümantal eserlerin el yazmalarının sayısıyla kanıtlanmaktadır. Vokal müzik . 16. yüzyılın vokal polifonisinden farklı, saf bir enstrümantal tarzın kademeli olarak ortaya çıkması, Rönesans'tan Barok'a geçişte en önemli adımlardan biriydi. 16. yüzyılın sonuna kadar enstrümantal müzik, vokal müzikten pek farklı değildi ve esas olarak dans melodilerinden, ünlü popüler şarkıların aranjmanlarından ve madrigallerden (esas olarak klavyeler ve klavyeler için) oluşuyordu.lavta) olarak karakterize edilebilecek polifonik parçaların yanı sıramotifler, kanzon, madrigallerşiir olmadan

Çeşitli varyasyon tedavileri olmakla birlikte,toccata, fanteziler Ve başlangıçlarlavta ve klavyeli çalgılar uzun zamandır bilindiği için topluluk müziği henüz bağımsız bir varlık kazanmadı. Bununla birlikte, İtalya ve diğer Avrupa ülkelerinde seküler vokal bestelerinin hızlı gelişimi, enstrümanlar için oda müziği yaratılmasına yeni bir ivme kazandırdı.

Örneğin, içinde İngiltereyaygın oyun sanatıviyola- farklı aralık ve boyutta telli çalgılar. Viyolacılar genellikle vokal grubuna katılarak eksik sesleri doldururlardı. Bu uygulama yaygınlaştı ve birçok baskı "Seslere veya Viyolalara Uygun" olarak etiketlendi.

Enstrümantal parçalar olarak çok sayıda sesli arya ve madrigal seslendirildi. Örneğin, madrigal"Gümüş Kuğu"Orlando Gibbonsonlarca koleksiyonda, etiketlenmiş ve enstrümantal bir parça olarak sunulmuştur.

klasisizm itibaren

Baroku takip eden klasisizm çağında kontrpuanın rolü azaldı (kontrpuan sanatının gelişimi durmasa da) ve müzik eserlerinin homofonik yapısı ön plana çıktı. Müzikte daha az süsleme vardır. Eserler, özellikle sonat formunda yazılanlar daha net bir yapıya yönelmeye başladı. Modülasyonlar (anahtar değişikliği) bir yapılandırma unsuru haline geldi; eserler, toniğe bir gidiş gelişler silsilesi, tuşlar dizisi üzerinden dram dolu bir yolculuk olarak dinlenmeye başlandı. Modülasyonlar barok müzikte de mevcuttu, ancak yapılandırıcı bir işlev taşımıyordu.

Klasik dönem eserlerinde, çoğu zaman eserin bir bölümünde birçok duygu açığa çıkarken, barok müzikte bir bölüm, açıkça çizilmiş bir duygu taşıyordu. Ve son olarak, klasik eserlerde, genellikle işin sonunda çözülen duygusal bir doruğa ulaşılırdı. Barok eserlerde bu doruğa ulaştıktan sonra son notaya kadar hafif bir ana duygu duygusu kaldı. Barok formların çokluğu, sonat formunun gelişimi için bir başlangıç ​​noktası olarak hizmet etti ve temel kadansların birçok varyantını geliştirdi.

Barok dönem çalgı türlerinin genel özellikleri.

Türlerin kökeni - senfoni, konçerto. 17. yüzyılda Sonat

Senfoninin prototipi, 17. yüzyılın sonunda Scarlatti altında şekillenen İtalyan uvertürü olarak kabul edilebilir. Bu forma daha sonra bir senfoni deniyordu ve bir araya getirilmiş allegro, andante ve allegro'dan oluşuyordu. Öte yandan, senfoninin öncüsü, en basit formlarda ve çoğunlukla aynı tonda birkaç bölümden oluşan orkestral sonattı. Klasik bir senfonide sadece ilk ve son bölümler aynı tuşlara sahiptir ve orta kısımlar, tüm senfoninin anahtarını belirleyen ana bölümle ilgili tuşlara yazılır. Daha sonra Haydn, senfoninin klasik formunun ve orkestra renginin yaratıcısı olarak kabul edilir; Mozart ve Beethoven, gelişimine önemli katkılarda bulundu.

Bir müzik bestesinin adı olan Concert kelimesi, 16. yüzyılın sonunda İtalya'da ortaya çıktı. 17. yüzyılın sonunda üç bölümden oluşan bir konçerto çıktı. İtalyan Corelli (bkz.), bu konçertonun kurucusu olarak kabul edilir.

Konser genellikle 3 bölümden oluşur (uç kısımlar hızlı çekimdedir). 18. yüzyılda birçok enstrümanın yer yer solo olarak seslendirildiği bir senfoniye konçerto grosso adı verildi. Daha sonra, bir enstrümanın diğerlerine kıyasla daha bağımsız bir önem kazandığı senfoni, senfonik konçertant, konserde Sinfonie olarak bilinmeye başlandı. Genetik olarak, konçerto grosso, bir temanın sesler aracılığıyla ardışık geçişine dayanan, tematik olmayan yapılarla değişen ara geçişlere dayanan bir füg formuyla ilişkilendirilir. Concerto grosso, konçertonun ilk yapısının polifonik olması farkıyla bu prensibi devralır. Konçerto grosso'da 3 tip doku vardır:

polifonik;

homofonik;

koro (koro).

(neredeyse hiçbir zaman saf hallerinde bulunmazlar. Sentetik doku hakimdir - homofonik-polifonik depo).

Sonat (sonat formuyla karıştırılmamalıdır). 17. yüzyılın sonuna kadar, enstrümantal parçaların yanı sıra enstrümanlar için düzenlenmiş bir vokal motet koleksiyonuna sonat adı verildi. Sonatlar iki türe ayrıldı: oda sonatları (ital. sonat da kamera ), farklı tonlarda yazılmış prelüdler, arioso, danslar vb. ve bir kilise sonatından (ital. sonat da chiesa ), kontrpuan stilinin hakim olduğu. Birçok orkestra enstrümanı için yazılmış bir dizi enstrümantal parçaya sonat değil, büyük konçerto (ital. konçerto grosso ). Sonat, senfonilerin yanı sıra orkestralı solo bir enstrüman için konçertolarda da kullanılır.

Barok dönemin başlıca enstrümantal türleri.

konçerto grosso ( konçerto grosso)

Füg

Süit

Allemande

Courant

Sarabande

Gigue

Gavot dansı

Menüet

sonat

Oda Sonatı Sonat da kamera

kilise sonat sonat da chiesa

üçlü sonat

Klasik sonat

Uvertür

Fransız uvertürü (fr. uvertür)

İtalyan Uvertürü (İtalyanca) senfoni)

Partita

canzona

Senfoni

fantezi

Reachercar

Toccata

başlangıç

Chaconne

pasakaglia

koro başlangıcı

Barok dönemin temel enstrümanları.

Kutsal ve laik oda müziğindeki org, Barok'un ana müzik enstrümanı oldu. Klavsen, mızraplı ve yaylı teller ve nefesli çalgılar da yaygın olarak kullanıldı: viyoller, barok gitar, barok keman, çello, kontrbas, çeşitli flütler, klarnet, obua, fagot. Barok dönemde lavta gibi yaygın olarak kullanılan telli bir çalgının işlevleri büyük ölçüde basso sürekli eşliğe indirgenmiş ve yavaş yavaş yerini bu forma bırakmıştır. klavye aletleri. Önceki Rönesans'ta popülaritesini yitiren ve yoksulların ve serserilerin çalgısı haline gelen hurdy gurdy ikinci kez doğdu; 18. yüzyılın sonuna kadar. hurdy-gurdy, kırsal hayata düşkün Fransız aristokratlarının modaya uygun bir oyuncağı olarak kaldı.

Batı Avrupa'da enstrümantal müziğin tarihi.

İtalya'nın enstrümantal müziği.

17. yüzyılın İtalya'sı, sürekli arayışların ve yeni ilerici türlerin ve enstrümantal müzik biçimlerinin kademeli olarak oluşumunun gerçekleştiği bir tür büyük deneysel stüdyo rolünü oynadı. Bu yenilikçi arayışlar, büyük sanat hazinelerinin yaratılmasına yol açmıştır.

Bu tür açık, demokratik müzik yapma biçimleri, yalnızca ruhani değil, aynı zamanda seküler müziğin de icra edildiği kilise konserleri olarak ortaya çıktı. Bu konserler, Pazar günleri Ayin kutlandıktan sonra kilise ve katedrallerin binalarında cemaatçiler için düzenlendi. Çeşitli halk ezgilerinin çeşitli yöntemleri, profesyonel müziğe geniş çapta nüfuz etmiştir.

17. yüzyılın enstrümantal müziğinin tarihi. İtalya'da bu, kemanın başrolde olduğu enstrümantal toplulukların yaratılmasının tarihidir, çünkü ancak şimdi nihayet oda-nefis altı telli viyola, lavtayı bir kenara iterek çeyrek tert sistemiyle değiştirmiştir. Beşinci sistem, kemanı özellikle enstrümantal müziğe giderek daha fazla nüfuz eden armoninin ifade edici olanaklarıyla uyumlu bir enstrüman haline getirir.

Venedik, İtalya'daki ilk keman okulunu kurdu; burada ilk kez profesyonel bir yaylı çalgılar üçlüsünün (iki keman ve bas) kompozisyonu oluşturuldu ve bu topluluk için tipik hale gelen tür tanımlandı: çok parçalı üçlü sonat.

Yüzyılın ortalarında, yeni bir tür döngü olarak bir sonat oluşur.

Bu şunlara yol açtı:

1) yeni bir tematik, mecazi kesinlik, somutluk arayışı;

2) kompozisyon kapsamının genişletilmesi, parçaların kendi kaderini tayin etmesi;

3) makro ve mikro ölçeklerde dinamiklerin ve şarkı sözlerinin kontrastı.

Yavaş yavaş sonat, kontrast-bileşik bir formdan bir döngüye dönüşür.

Süit türü de gelişiyor. Yavaş yavaş bir tür konser yaratılıyor - grosso, bu tür

İtalyan enstrümantal müziğinin temsilcileri:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

XVII yüzyılın İtalyan org okulunun kurucusu. Besteleri: kanzonlar, toccatalar, richercats, koralin org için uyarlamaları, klavsen fügleri, kanzonlar ve partitalar. Geçmiş yüzyılların katı yazılarından ayrılarak yeni bir özgür üslubun temellerini attı. Melodik temalar, çeşitli tür özellikleri kazanarak onları günlük, sıradan yaşama yaklaştırdı. Frescobaldi, duygusal olarak canlı ve kişiselleştirilmiş temalar yarattı. Bütün bunlar, o zamanın enstrümantal polifonisinde, melodisinde ve armonik düşüncesinde yeni ve taze bir kelimeydi.

Arcangelo Corelli (1653 -1713)

17. yüzyılın en büyük kemancısı. Yaratıcı miras altı eserde bulunur: - On iki üçlü sonat (org eşliğinde) - 1685.

On iki üçlü sonat (klavsen eşliğinde) - 1685.

On iki üçlü sonat (organ eşliğinde) - 1689.

On iki üçlü sonat (klavsen eşliğinde) - 1694.

On bir sonat ve keman varyasyonları (klavsen eşliğinde) - 1700.

On iki konçerto grosso - 1712

Karakteristik: bölümlerde tematik zıtlıkların olmaması; müzikal dokuyu harekete geçirmek için solo ve tutti'nin (oyunculuk) yan yana getirilmesi; net ve açık yaratıcı dünya.

Corelli, sonata klasik bir form bütünlüğü verdi. Türün kurucusu oldu konçerto grosso.

Antonio Vivaldi (1678-1741). Yaratılış.

İtalyan besteci, kemancı, orkestra şefi, öğretmen. Venedik'teki San Marco Katedrali'nin kemancısı olan babası Dzhevan Battista Vivaldi ile, muhtemelen G. Legrenzi ile de çalıştı. 1703-25'te bir öğretmen, ardından bir orkestra şefi ve konser direktörü ve ayrıca Pieta Kadın Konservatuarı'nın (1713'ten beri) direktörü (1735'te kısa bir süre için yeniden bando şefi oldu). Konservatuarın çok sayıda dünyevi ve ruhani konserleri için müzik besteledi. Aynı zamanda Venedik tiyatroları için operalar yazdı (yapımlarına katıldı). Bir virtüöz kemancı olarak İtalya ve diğer ülkelerde konserler verdi. Son yıllar Viyana'da geçirdi.

Vivaldi'nin eserinde konçerto grosso en yüksek zirvesine ulaştı. A. Corelli'nin başarılarına dayanarak Vivaldi, konçerto grosso için 3 parçalı bir döngüsel form oluşturdu ve solistin virtüöz kısmını seçti. Solo türünü yarattı enstrümantal konser, virtüöz keman tekniğinin gelişmesine katkıda bulundu. Vivaldi'nin müzik tarzı, melodi, cömertlik, sesin dinamizmi ve ifadesi, yazma orkalarının şeffaflığı, duygusal zenginlikle birleşen klasik uyum ile ayırt edilir. Vivaldi'nin konçertoları, J. S. Bach (klavsen ve org için yaklaşık 20 Vivaldi keman konçertosu yazdı) dahil olmak üzere birçok besteci için konser türünün modeli olarak hizmet etti. "Mevsimler" döngüsü, program orkestra müziğinin en eski örneklerinden biridir.

Vivaldi'nin enstrümantasyonun gelişimine katkısı önemlidir (gaboes, horns, fagots ve diğer enstrümanları bağımsız olarak kullanan ve kopyalanmayan ilk kişi oydu). Vivaldi'nin enstrümantal konçertosu, klasik bir senfoninin oluşumuna giden yolda bir sahneydi. Siena'da, Vivaldi'nin adını taşıyan İtalyan Enstitüsü kuruldu (F. Malipiero başkanlığında).

Kompozisyonlar:

operalar (27)-
Roland - hayali bir deli (Orlando fiato pozzo, 1714, "Sant'Angelo" tiyatrosu, Venedik), Sezar olan Nero (Nerone fatto Cesare, 1715, age), Darius'un Taç Giymesi (L "incoronazione di Daria, 1716) dahil , age), Aşkta muzaffer aldatma (L "inganno trionfante in amore, 1725, age), Farnache (1727, age, daha sonra Pontus hükümdarı Farnache olarak da anılır), Cunegonda (1727, age), Olympias ( 1734, age), Griselda (1735, tiyatro "San Samuele", Venedik), Aristides (1735, age), Oracle in Messenia (1738, tiyatro "Sant'Angelo", Venedik), Ferasp (1739, age.) ;

oratoryo-
Firavun tanrısı Musa (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Muzaffer Judith (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), Magi'nin Hayranlığı (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

laik kantatlar (56)-
sürekli baslı ses için 37, yaylı ses için 14, orkestra, büyük kantat Gloria ve Hymen (1725) dahil;

kült müzik (yaklaşık 55 parça) -
Stabat Mater, motetler, mezmurlar vb. dahil;

enstrümantal. İşler-
76 sonat (sürekli bas ile), 30'u keman için, 19'u 2 keman için, 10'u çello için, 1'i keman ve çello için, 2'si lavta ve keman için, 2'si obua için; 49 konçertosu dahil 465 konçerto, sürekli bas ile bir enstrüman için 331 (keman için 228, çello için 27, viyolonsel için 6, enine için 13, uzunlamasına flüt için 3, obua için 12, fagot için 38, fagot için 1 mandolin) 2 sürekli baslı enstrüman için 38 (keman için 25, çello için 2, keman ve çello için 3, korno için 2, mandolin için 1), sürekli baslı 3 veya daha fazla enstrüman için 32.

Domenico Scarlatti (1685–1757).

Besteci, İtalyan clavier müziğinin en büyük ustası. başlıklı parlak clavier sonatlarının çoğu Essercizi (Egzersizler ), Domenico tarafından tüm hayatı boyunca öğretmenine sadık kalan yetenekli öğrencisi Maria Barbara için yazılmıştır. Domenico'nun bir diğer ünlü öğrencisinin İspanyol besteci Padre Antonio Soler olduğuna inanılıyor.

Scarlatti'nin clavier stilinin özgünlüğü 1738 tarihli 30 sonatında ortaya çıkmıştır. gitar kültürü. Bu sonatlar genellikle kesin olarak ikili bir biçime (AABB) sahiptir, ancak iç içeriği çok çeşitlidir.

Bestecinin stilinin en çarpıcı özelliklerinden biri ahenksiz armonilerin ve cesur modülasyonların parlaklığıdır. Scarlatti'nin clavier yazısının benzersizliği, dokunun zenginliğiyle ilişkilidir: bu, sol ve sağ ellerin kesişmesine, provalara, trillere ve diğer süsleme türlerine atıfta bulunur. Bugün, Domenico'nun sonatları, klavyeli çalgılar için yazılmış en orijinal eserler arasında sayılıyor.

Almanya'nın enstrümantal müziği.

17. yüzyılın enstrümantal müziğinde. organ gurur kaynağı oldu. Alman org bestecilerinin ilk kuşaklarında Scheidt (1587-1654) ve Johann Froberger'in (1616-1667) figürleri en ilgi çekici olanlardı. Füge giden yolda çoksesli biçimlerin tarihi ve koral düzenlemeleri açısından önemi büyüktür. Froberger, org ve klavsen müziğini (doğaçlama, dokunaklılık, virtüözlük, hareketlilik, ayrıntıların ince detaylandırılması) bir araya getirdi. Bach'ın hemen öncülleri arasında Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude vardır. Büyük ve özgün sanatçılar, adeta Bach öncesi org sanatının farklı yönlerini temsil ediyorlar: Pachelbel - "klasik" çizgi, Buxtelhude - "barok". Buxtelhude'nin çalışması, bir kompozisyon yayılımı, hayal gücü özgürlüğü, dokunaklılık, drama ve hitabet tonlamaları için bir tutku ile karakterize edilir.

Johann Sebastian Bach.

Enstrümantal müziklerin çoğu tamamen sekülerdir (organ için müzik bir istisnadır). Enstrümantal müzikte çeşitli alanların, türlerin, sunum biçimlerinin etkileşim ve karşılıklı zenginleşme süreci vardır. Clavier ve org için müzik merkez sahneye çıkıyor.

Clavier yaratıcı bir laboratuvardır. Bach, enstrümandan aşırı taleplerde bulunarak repertuarın sınırlarını zorladı. Clavier tarzı, enerjik ve görkemli, ölçülü ve dengeli duygusal yapısı, doku zenginliği ve çeşitliliği, tonlama zenginliği ile ayırt edilir. Bach yeni çalma teknikleri tanıttı. Eserler: Yeni başlayanlar için parçalar (küçük prelüdler, fughettalar), prelüdler ve fügler (HTK), süitler, konçertolar (İtalyanca), tokkatalar, fanteziler (serbest doğaçlama, acıklı bir şekilde yükseltilmiş ton, virtüöz doku), "The Art of Fugue" (yaratılan klasik füg).

Bach'ın çalışmalarında büyük rol organa aittir. Organ stili, bestecinin tüm enstrümantal düşüncesine damgasını vurdu. Enstrümantal müziği ruhani kantatlar ve tutkularla birleştiren türe ait organdır - koro düzenlemeleri (150'den fazla). Organ çalışmaları, Bach'ın niteliksel olarak yeni bir yorum verdiği yerleşik biçimlere, geleneksel türlere yöneldi: prelüd ve füg (iki kompozisyon alanını ayırt etti, geliştirdi, yeni bir sentezde yeniden birleştirdi).

Bach ayrıca diğer enstrümanlar için de yazdı: daha fazla müzikal gelişimde büyük rol oynayan çello süitleri, oda toplulukları, orkestra süitleri, konçertolar.

Bach'ın geniş mirasının ahlaki bir etkisi vardır. Tek bir stilin, bir çağın çok ötesine geçti.

İngiltere'nin enstrümantal müziği.

İngiliz enstrümantal müziği alanında, clavier okulu şekilleniyordu (verzhdinelists - enstrüman adına göre). Temsilciler: Kuş, Boğa, Morny, Gibbons... Çalışmalarının en ilgi çekici olanı, dans ve şarkı temalı varyasyonlardır.

George Friedrich Handel.

Enstrümantal müzik - bestecinin tarzının bir göstergesidir, vokal eserlerle ilişkilidir, temayı, oyunların genel görünümünü, bireysel bölümleri etkileyen kelimelerle müziğin resimsel özellikleridir. Genel olarak, parlaklık, acıklılık, ses yoğunluğu, şenlikli ciddiyet, tam ses, ışık-gölge kontrastları, mizaç, doğaçlama dökülmeleri karakteristiktir.

Brüt konçerto türü ve genel olarak konçerto (org için, orkestra için...) yaratıcı imgenin en karakteristik özelliğidir. Handel, konser döngüsünün ücretsiz bir kompozisyonuna izin verdi, "hızlı-yavaş" ilkesine bağlı kalmadı. Org için olanlar da dahil olmak üzere konçertoları, dans bölümleri de dahil olmak üzere tamamen dünyevi eserlerdir. Genel tona şenlik, enerji, kontrast, doğaçlama hakimdir.

Handel ayrıca enstrümantal müziğin diğer türlerinde de çalıştı: sonatlar (üçlü sonatlar), fanteziler, kaprisler, varyasyonlar, eğlenceli müzikler yazdı (çift konçertolar, “Suda Müzik”).

Bununla birlikte, önde gelen yaratıcılık alanı sentetik türler tarafından işgal edilir: opera, oratoryo.

Fransa'nın enstrümantal müziği.

17. yüzyıl, enstrümantal müzik tarihinin zirvesidir. Dünya müzik kültürü hazinesi, Fransız clavecin virtüözleri Jacques Chambonnière, Louis Coupren ve Francois Coupren'in eserlerini içermektedir. Favori bir tür, birbirini takip eden küçük dans parçalarından oluşan bir takımdı. F.Kupren, enstrümantal müzikte yeni bir türün yaratıcısıdır. rondo (klavsen çalma sanatı). Klavsen müziğinin tarzı, melodik zenginlik, süsleme bolluğu, esnek zarif ritim ile ayırt edilir.

Son kısım.

Barok enstrümantal müziğin daha sonraki müzik üzerindeki etkisi.

Klasisizm çağına geçiş (1740-1780)

Geç barok ve erken klasisizm arasındaki, birbiriyle çelişen fikirlerle ve farklı dünya görüşlerini birleştirme girişimleriyle dolu geçiş aşamasının birkaç adı vardır. "Cesur tarz", "Rokoko", "Klasik öncesi dönem" veya "Erken klasik dönem" olarak adlandırılır. Bu birkaç on yılda Barok üslupta çalışmaya devam eden besteciler yine de başarılıydılar ama onlar zaten bugüne değil geçmişe aitti. Müzik bir yol ayrımındaydı: eski tarzın ustaları mükemmel tekniğe sahipti ve halk zaten yenisini istiyordu. Bu arzudan yararlanan Carl Philipp Emmanuel Bach ün kazandı: Eski tarzın mükemmel bir ustasıydı, ancak onu güncellemek için çok çalıştı. Clavier sonatları, yapıdaki özgürlükleri, eserin yapısı üzerindeki cesur çalışmaları ile dikkat çekicidir.

Bu geçiş anında kutsal ve dünyevi müzik arasındaki ayrım arttı. Manevi besteler ağırlıklı olarak Barok çerçevesinde kalırken, laik müzik yeni stile yöneldi.

Özellikle orta Avrupa'nın Katolik ülkelerinde barok üslup, kendi zamanında olduğu gibi on sekizinci yüzyılın sonuna kadar ruhani müzikte de mevcuttu. antik tarz rönesans on yedinci yüzyılın ilk yarısına kadar devam etti. Haydn ve Mozart'ın orkestrasyon ve süsleme açısından klasik olan ayinleri ve oratoryoları, kontrpuan ve armonik yapılarında birçok barok tekniği içeriyordu. Barok'un düşüşüne, eski ve yeni tekniklerin uzun bir arada yaşama dönemi eşlik etti. Birçok Alman şehrinde barok performans uygulaması, örneğin J.S. Bach'ın hayatının sonunda çalıştığı Leipzig'de 1790'lara kadar varlığını sürdürdü.

İngiltere'de, Handel'in kalıcı popülaritesi, artık solmakta olan barok tarzda beste yapan daha az tanınan besteciler için başarı sağladı: Charles Avison (Eng. Charles Avison ), William Boyes (İng. William Boyce ) ve Thomas Augustine Arn (eng. Thomas Augustine Arne ). Kıta Avrupa'sında, bu tarz çoktan modası geçmiş olarak kabul edildi; ona sahip olmak, yalnızca kutsal müzik bestelemek ve o zamanlar birçok konservatuarda görünmek için mezun olmak için gerekliydi.

1760 sonrası Barok teknik ve tekniklerin etkisi

Barok müziğin çoğu müzik eğitiminin temeli haline geldiğinden, barok üslubun etkisi, barok üslubun icra ve performans olarak ayrılmasından sonra da devam etti. besteci tarzı. Örneğin, genel bas uygulaması kullanılmaz hale gelmesine rağmen, müzik notasının bir parçası olarak kaldı. 19. yüzyılda, Barok ustalarının notalarının tam baskıları basıldı, bu da "katı yazı" kontrpuanına olan ilginin yeniden artmasına yol açtı (örneğin, Rus besteci S. I. Taneyev zaten 19. yüzyılın sonunda yazdı) teorik çalışma “Katı yazının mobil karşılığı”).

20. yüzyıl Barok dönemine adını vermiştir. O dönemin müziğinin sistematik bir çalışması başladı. Barok formlar ve tarzlar, Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky ve Bela Bartok gibi çok çeşitli bestecileri etkilemiştir. Yirminci yüzyılın başlarında, Henry Purcell ve Antonio Vivaldi gibi olgun Barok bestecilere olan ilgi yeniden canlandı.

Çağdaş bestecilerin bir dizi eseri, Barok ustalarının "kayıp ama yeniden keşfedilmiş" eserleri olarak yayınlandı. Örneğin, Henri Casadesus tarafından bestelenen viyola konçertosu (fr. Henri-Gustav Casadesus ), ancak kendisi tarafından Handel'e atfedilmiştir. Veya Fritz Kreisler'in birkaç eseri (Almanca. Fritz Kreisler ), onun tarafından az bilinen barok besteciler Gaetano Pugnani'ye (ital. Gaetano Pugnani ) ve Padre Martini (ital. Peder Martini ). Ve 21. yüzyılın başında, yalnızca Barok tarzında yazan besteciler var, örneğin Giorgio Paccioni (İtalyan. Giorgio Pacchioni).

20. yüzyılda çoksesliliğin taklidine odaklanan "neo-barok" üslupta birçok eser bestelenmiştir. Bunlar Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston ve Bohuslav Martinu gibi bestecilerin eserleri. Müzikologlar, Barok dönem bestecilerinin yarım kalan eserlerini bitirmek için girişimlerde bulunuyorlar (bu eserlerin en ünlüsü J. S. Bach'ın The Art of Fugue adlı eseridir). Müzikal barok bütün bir dönemin alamet-i farikası olduğundan, "barok altında" yazılan çağdaş eserler genellikle televizyon ve film kullanımı için görünür. Örneğin, besteci Peter Schickele, P. D. K. Bach takma adıyla klasik ve barok tarzların parodilerini yapar.

20. yüzyılın sonunda, tarihsel olarak bilgilendirilmiş performans (veya "otantik performans" veya "otantiklik") ortaya çıktı. Bu, Barok dönemin müzisyenlerinin performans tarzını ayrıntılı olarak yeniden yaratma girişimiydi. Quantz ve Leopold Mozart'ın eserleri, barok müzik performansının yönlerinin incelenmesi için temel oluşturdu. Otantik performans, metal yerine sinirden yapılmış tellerin kullanımını, klavsenlerin yeniden inşasını, eski ses üretimi yöntemlerinin ve unutulmuş çalma tekniklerinin kullanılmasını içeriyordu. Birkaç popüler topluluk bu yenilikleri kullandı. Bunlar Anonymous 4, Academy of Early Music, Boston Society of Haydn and Handel, Academy of St. Martin in Fields, William Christie's Les Arts Florissants Ensemble, Le poete harmonique, Catherine the Great's Orchestra ve diğerleridir.

20. ve 21. yüzyılın başında barok müziğe ve her şeyden önce barok operaya ilgi arttı. Cecilia Bartoli gibi ünlü opera sanatçıları repertuarlarında barok eserlere yer vermişlerdir. Performanslar hem konserde hem de klasik versiyonda gerçekleştirilir.

Caz

Barok müzik ve cazın bazı ortak noktaları var. Barok müzik, tıpkı caz gibi, bir caz dörtlüsü gibi, esas olarak küçük topluluklar için yazılmıştır (o zamanlar yüzlerce müzisyenden oluşan bir orkestrayı bir araya getirmek gerçekten mümkün değildi). Barok eserler de doğaçlama icra etmek için geniş bir alan bırakmaktadır. Örneğin, birçok barok vokal eseri iki ses bölümü içerir: ilk bölüm bestecinin belirttiği şekilde söylenir/çalınır ve ardından tekrarlanır, ancak vokalist ana melodiyi doğaçlama bir şekilde triller, lütuflar ve diğer süslemelerle süsler. Ancak cazdan farklı olarak ritim ve temel melodide bir değişiklik yoktur. Barok doğaçlama yalnızca tamamlar ama hiçbir şeyi değiştirmez.

XX yüzyılın 50'li yıllarındaki havalı caz tarzının bir parçası olarak, müzikle paralellik kurma eğilimi vardı. caz besteleri Barok müzik eşliğinde. Müzikal ve estetik açıdan böylesine uzak dönemlerde ortak armonik ve melodik ilkeleri keşfeden müzisyenler, J.S. Bach'ın enstrümantal müziğine ilgi gösterdiler. Bir dizi müzisyen ve topluluk bu fikirleri geliştirme yolunu tuttu. Bunların arasında Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan var, ancak bu öncelikle piyanist John Lewis liderliğindeki "Modern Caz Dörtlüsü" anlamına geliyor.

Çözüm.

Barok dönemi, dünya kültürünün muazzam sayıda başyapıtını geride bıraktı ve bunların küçük bir kısmı enstrümantal müzik kreasyonları değil.Böylece barok, müzikal günlük yaşamda, hafif müziğin tonlamalarında ve ritimlerinde, kötü şöhretli "Vivaldi'nin müziğine", okul normlarında yaşar. müzik dili. Barok dönemden doğan türler yaşıyor ve kendilerine göre gelişiyor: füg, opera, kantat, prelüd, sonat, konçerto, arya, varyasyonlar...Tarihinin izini sürdükten ve analiz ettikten sonra, neredeyse tüm modern müziğin Barok dönemin müziğiyle, enstrümantal müzikten ayrı olarak bir şekilde bağlantılı olduğuna ikna oldunuz. Bugüne kadar, erken dönem müzik toplulukları yaratılıyor ve bu çok şey söylüyor…

Kaynakların listesi:

Brockhaus ve Efron'un Ansiklopedik Sözlüğü (1890-1907).

Sposobin I. "Müzik formu." M., 1984

Sherman N. S. "Eşit Mizaç Oluşumu". M., 1964.

Livanova T.N., "1789'a (XVII.Yüzyıl) Kadar Batı Avrupa Müziği Tarihi", 2 ciltlik ders kitabı. T.1.M., 1983

Rosenshield. "Hikaye yabancı müzik 18. yüzyılın ortalarına kadar. M. “Müzik” 1979

Kolesov. "Dünya tarihi üzerine dersler sanatsal kültür." Kiev-2000

tr.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Koruyucu levha.

Barok dönem (XVII yüzyıl), dünya kültür tarihinin en ilginç dönemlerinden biridir. Bu çağda özel bir rol, eski "katı üslup" a karşı uzlaşmaz bir mücadele ile olduğu gibi, belirleyici bir dönüm noktasıyla başlayan müzik sanatı tarafından işgal edilmektedir.Hakimiyet nihayet belirlendi dünyevi müzik(Almanya'da ve diğer bazı ülkelerde kilise de büyük önemini korusa da).

Barok müzik, Rönesans müziğine göre daha karmaşık hale gelir ve klasisizm müziği, daha az süslemeyle daha yapılandırılmış ve birçok duyguyu açığa çıkarırken, barok müzikte bir parça, açıkça izlenen bir duygu taşır.

Seçkin müzisyenler sayesinde senfoni ve konçerto gibi yeni müzik türleri ortaya çıkıyor, sonat gelişiyor, füg benzeri görülmemiş bir popülariteye ulaşıyor.En önemli konçerto türü grosso'dur, bu türgüçlü kontrastlar üzerine kurulu; enstrümanlar, tam bir orkestranın sesine katılanlara ve daha küçük bir solo gruba ayrılır. Müzik, gürültülü kısımlardan sessiz kısımlara keskin geçişler üzerine kuruludur, hızlı pasajlar yavaş olanlara karşıdır.

Kuşkusuz, barok enstrümantal müziğin beşiği ve merkezi, dünyaya en fazla sayıda parlak virtüöz besteci veren İtalya'dır (Girolamo Frescobaldi (1583-1643),Domenico Scarlatti (1685–1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli (1653-1713). Bu en büyük bestecilerin müziği dinleyicileri memnun etmekten asla vazgeçmez.

İtalya ve diğer Batı Avrupa ülkelerine ayak uydurmaya çalışıyor: Almanya, Fransa, İngiltere.

Almanya'da en önemli figür J.S. Orga çalışmalarında başrolü veren Bach. Bach'ın geniş mirasının ahlaki bir etkisi vardır. Tek bir stilin, bir çağın çok ötesine geçti.

Dünya müzik kültürü hazinesi, Fransız clavecin virtüözleri Jacques Chambonnière, Louis Coupren ve Francois Coupren'in eserlerini içermektedir.

İngiliz enstrümantal müziği alanında clavier okulu şekilleniyordu. En önemli besteci Georg Friedrich Handel'di. Brüt konçerto türü ve genel olarak konçerto (org için, orkestra için...) yaratıcı imgenin en karakteristik özelliğidir. Handel, konser döngüsünün ücretsiz bir kompozisyonuna izin verdi, "hızlı-yavaş" ilkesine bağlı kalmadı. Org için olanlar da dahil olmak üzere konçertoları, dans bölümleri de dahil olmak üzere tamamen dünyevi eserlerdir.

Ardından barok enstrümantal müzik, sonraki tüm müzikler üzerinde önemli bir etkiye sahip oldu ve cazda bile ortak özellikler bulundu.

Şimdi bile erken dönem müzik toplulukları yaratılıyor.

Flüt, en eski müzik aletlerinden biridir. Enine ve boyunadırlar. Boyuna olanlar, oluğun üst ucundaki deliğe hava üfleyerek dümdüz önde tutulur. Enine olanlar, oluğun yan deliğine hava üfleyerek yatay bir yönde tutulur.

Boyuna oluğun ilk sözü, Yunan mitolojisi ve Mısır tarihi (MÖ üçüncü binyıl).

Çin'de, beş veya altı parmak deliği olan enine bir oluğun ilk sözü, tıpkı Japonya ve Hindistan'da olduğu gibi, MÖ 1. binyıla kadar uzanıyor. Flüt tasarımındaki devrim niteliğindeki değişiklikler, Theobald Boehm'in yardımıyla on dokuzuncu yüzyılın tam ortasında gerçekleşti.

Modern flütler nefesli çalgılar olsalar da genellikle altın, gümüş ve hatta platin kullanılarak metal alaşımlarından yapılırlar. Bu, onlara geçmiş yüzyıllarda metal flütlerden önce gelen tahta flütlerden daha parlak bir ses ve çalması daha kolay verir.

Flüt, bir senfoni orkestrasındaki en virtüöz enstrümanlardan biridir. Pariaları arpejler ve pasajlarla doludur.

Pirinç müzik aletleri

Pirinç aletler - grup rüzgar müzik aletleri Üflenen hava akışının gücünü veya dudakların konumunu değiştirerek harmonik ünsüzler elde etmek olan çalma ilkesi.

"Bakır" adı tarihsel olarak bu aletlerin yapıldığı malzemeye kadar uzanır, zamanımızda bakırın yanı sıra genellikle imalatlarında kullanılırlar. pirinç, daha az sıklıkla gümüş ve Orta Çağ ve Barok'un bazı enstrümanları benzer bir ses üretme yöntemiyle (örneğin, yılan ) tahtadan yapılmıştır.

Pirinç enstrümanlar arasında modern boynuz, trompet, kornet, flugelhorn, trombon, tuba . Ayrı bir grup ise saksofon . Eski pirinç aletler -çuval (modern trombonun selefi), yılan ve diğerleri Bazı halk çalgıları da bakırdır, örneğin Orta Asya karnay.

Pirinç enstrümanların tarihi

Boşluğa üfleme sanatı korna hayvanın veya bir kabuğun içinde olduğu zaten eski zamanlarda biliniyordu. Daha sonra insanlar, metalden, boynuza benzeyen ve askeri, avcılık ve dini amaçlar için tasarlanmış özel aletler yapmayı öğrendiler.

Modern pirinç enstrümanların ataları av kornaları, askeri kornalar ve posta borularıdır. Mekanizması olmayan bu aletler vanalar birkaç ses verdidoğal ölçek , yalnızca oyuncunun dudaklarının yardımıyla alındı. Buradan, müzik pratiğinde sağlam bir şekilde yerleşmiş olan, doğal ölçeğin seslerine dayanan askeri ve avcılık tantanaları ve işaretleri ortaya çıktı.

Metal işleme teknolojisinin ve metal ürünlerin üretiminin gelişmesiyle, rüzgar enstrümanları için belirli boyutlarda ve istenen bitirme derecesinde borular üretmek mümkün hale geldi. Bakır rüzgar borularının gelişmesi ve üzerlerindeki doğal ölçekten önemli miktarda ses çıkarma sanatının gelişmesiyle birlikte kavram ortaya çıktı.doğal aletler yani, mekanizması olmayan, yalnızca doğal bir ölçek üretebilen aletler.

19. yüzyılın başında, performans tekniğini önemli ölçüde değiştiren ve pirinç üflemeli çalgıların yeteneklerini artıran valf mekanizması icat edildi.

Bakır aletlerin sınıflandırılması

Pirinç üflemeli çalgılar birkaç aileye ayrılır:

• Vana araçları icracının parmakları tarafından kontrol edilen birkaç kapısı (genellikle üç veya dört) vardır. Valfin prensibi, ana boruya anında aletin uzunluğunu artıran ve tüm sistemini alçaltan ek bir taç eklemektir. Farklı uzunluklardaki tüpleri birbirine bağlayan birkaç valf, kromatik bir ölçek elde etmeyi mümkün kılar. Modern pirinç aletlerin çoğu valflidir - kornalar, trompetler, tubalar, saksafonlar vb. Valfin iki tasarımı vardır - "döner" ve "ayakta" (piston).
• boyunduruk araçları U şeklinde özel bir geri çekilebilir tüp kullanın - hareketi kanaldaki havanın uzunluğunu değiştiren, böylece çıkarılan sesleri azaltan veya artıran bir sahne. Müzikte kullanılan başlıca rock enstrümanı trombondur.
• doğal aletler ek tüpleri yoktur ve yalnızca doğal skaladaki sesleri çıkarabilirler. 18. yüzyılda özeldoğal korna orkestraları . 19. yüzyılın başlarına kadar müzikte yaygın olarak kullanılan doğal çalgılar, daha sonra kapak mekanizmasının icadıyla kullanılmaz hale geldi. Doğal enstrümanlar bazen özel ses efektleri için 19.-20. yüzyıl bestecilerinin (Wagner, R. Strauss, Ligeti) notalarında da bulunur. Doğal enstrümanlar arasında antik trompetler ve Fransız kornolarının yanı sıraalp boynuzu , tantana, borazan, sinyal kornaları (avlanma, posta) ve benzerleri.
• Valf Aletleri gövdesinde icracının parmaklarıyla açılıp kapanan delikler vardırnefesli çalgılar . Bu tür enstrümanlar 18. yüzyıla kadar yaygındı, ancak onları çalmanın bazı sakıncaları nedeniyle, onlar da kullanılmaz hale geldi. Temel Valfli Pirinç Aletler - kornet (çinko), yılan , ophicleid, vana borusu . Ayrıca içerirler posta kornası.

Günümüzde erken dönem müziğe olan ilginin canlanmasıyla birlikte, doğal ve valfli enstrümanlar üzerinde çalmak yeniden bir pratik haline geliyor.

Pirinç aletler akustik özelliklerine göre de sınıflandırılabilir:

• Tam dolu― harmonik ölçeğin temel tonunu çıkarabileceğiniz enstrümanlar.
• yarım― ana tonun çıkarılamadığı ve gamın ikinci armonik ünsüzle başladığı enstrümanlar.

Müzikte üflemeli çalgıların kullanımı

Pirinç üflemeli çalgılar, çeşitli müzik türlerinde ve bestelerde yaygın olarak kullanılmaktadır. Bir parçası olarakSenfoni Orkestrası ana gruplarından birini oluştururlar. Bir senfoni orkestrasının standart bileşimi şunları içerir:

• Boynuzlar (ikiden sekize kadar çift sayı, çoğunlukla dört)
• Borular (ikiden beşe, çoğunlukla ikiden üçe)
• Trombonlar (genellikle üç: iki tenor ve bir bas)
• Tüp (genellikle bir)

19. yüzyılın notalarında, senfoni orkestrası da sıklıkla yer aldı. kornetler ancak performans tekniklerinin gelişmesiyle birlikte parçaları borular üzerinde yapılmaya başlandı. Diğer pirinç enstrümanlar orkestrada yalnızca ara sıra görünür.

Bakır aletler temeldirbando , yukarıdaki araçlara ek olarak şunları da içerir: saksofon farklı boyutlar.

Pirinç için solo edebiyat oldukça fazladır - doğal borular ve kornalar üzerinde virtüöz icracılar Barok çağın başlarında zaten vardı ve besteciler bestelerini onlar için isteyerek yarattılar. Romantizm çağında üflemeli çalgılara olan ilgideki bir miktar düşüşün ardından, 20. yüzyılda nefesli çalgılar için yeni icra olanakları keşfedildi ve repertuarlarında önemli bir genişleme oldu.

Oda topluluklarında, pirinç aletler nispeten nadiren kullanılır, ancak bunlar en yaygın olan topluluklarda birleştirilebilirler. pirinç beşli (iki trompet, boru, trombon, tuba).

Trompet ve trombonlar önemli bir rol oynamaktadır. caz ve bir dizi başka çağdaş müzik türü.

Ksilofon

sınıflandırma
İlgili Enstrümanlar
Wikimedia Commons'ta Ksilofon

Ksilofon(Yunancadan. ξύλον - ağaç + φωνή - ses) -vurmalı çalgı belirli bir perde ile. Belirli notalara göre ayarlanmış, farklı boyutlarda bir dizi ahşap bloktur. Çubuklara küresel uçlu sopalarla veya küçük kaşıklara benzeyen özel çekiçlerle vurulur (müzisyenlerin jargonunda bu çekiçlere "keçi bacağı" denir).

tını ksilofon keskin ve kuvvetlidir ve piyanoda yumuşaktır.

Enstrümanın tarihi

Ksilofon var eski köken- bu türden en basit enstrümanlar farklı insanlar arasında olmuştur ve hala bulunmaktadır. Afrika, Güneydoğu Asya , Latin Amerika .

Avrupa'da, ksilofonun ilk sözü 16. yüzyılın başlarına kadar uzanıyor: Arnolt Schlick, müzik enstrümanları üzerine yaptığı bir incelemede, hueltze glechter adlı benzer bir enstrümandan bahsediyor. 19. yüzyıla kadar, Avrupa ksilofonu, bir zincire bağlanmış ve çalmak için düz bir yüzeye yerleştirilmiş yaklaşık iki düzine ahşap çubuktan oluşan oldukça ilkel bir enstrümandı. Böyle bir enstrümanı taşımanın rahatlığı gezici müzisyenlerin ilgisini çekmiştir.

Guzikov tarafından geliştirilmiş ksilofon

Ksilofonun gelişimi 1830'lara kadar uzanıyor. Belaruslu müzisyen Mikhoel Guzikov aralığını iki buçuk oktava çıkardı ve ayrıca tasarımı değiştirerek çubukları dört sıra halinde özel bir şekilde düzenledi. Ksilofonun bu modeli yüz yıldan fazla bir süredir kullanılmaktadır.

Modern bir ksilofonda, çubuklar piyano tuşları gibi iki sıra halinde düzenlenmiş, kalay tüp şeklinde rezonatörlerle donatılmış ve hareket kolaylığı için özel bir masa sehpası üzerine yerleştirilmiştir.

Ksilofonun müzikteki rolü

Ksilofonun bir orkestrada bilinen ilk kullanımı Yedi Varyasyon'dur.Ferdinand Cauer 1810'da yazılmış yıl. Çalışmalarında yer aldığı partiler Fransız besteci Kastner. Ksilofonun dahil olduğu en ünlü bestelerden biri senfonik bir şiirdir.Camille Saint-Saens "Ölüm dansı" ( 1872 ).

Şu anda, ksilofonSenfoni Orkestrası , sahnede, son derece nadiren - solo bir enstrüman olarak (ksilofon ve orkestra için "Japon gravürlerinin temaları üzerine fantezi", Op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

domra

Domra, eski bir Rus telli müzik aletidir. Kaderi şaşırtıcı ve kendi türünde benzersiz.

Domra'nın nereden geldiği, Rusya'da nasıl ve ne zaman ortaya çıktığı araştırmacılar için hala bir muamma olmaya devam ediyor. İÇİNDE tarihi kaynaklar domra hakkında çok az bilgi günümüze ulaşmıştır, eski Rus domrasının daha da az görüntüsü bize ulaşmıştır. Ve bize gelen belgelerde domraların mı yoksa o günlerde yaygın olan diğer bazı koparma aletlerinin mi tasvir edildiği de bilinmiyor. Domra'nın ilk sözü 16. yüzyıl kaynaklarında bulundu. Domra'dan o dönemde Rusya'da oldukça yaygın olan bir çalgı olarak söz ediliyor.

Şu anda, domranın kökenine dair en olası iki versiyon var. İlk ve en yaygın olanı, Rus domrasının doğu kökleri hakkındaki versiyondur. Gerçekten de, tasarım ve ses çıkarma yöntemi bakımından benzer enstrümanlar Doğu ülkelerinin müzik kültürlerinde vardı ve hala var. Kazak dombrasını, Türk bağlamasını veya Tacik rubabını daha önce gördüyseniz veya duyduysanız, hepsinin yuvarlak veya oval bir şekle, düz bir ses tahtasına sahip olduğunu, sesin farklı frekans ve yoğunlukta bir mızrap vurularak çıkarıldığını fark etmişsinizdir. Genel olarak tüm bu enstrümanların tek bir atası olduğu kabul edilir - doğu tanburu. Oval bir şekle ve düz bir ses tahtasına sahip olan tamburdu, doğaçlama malzemelerden oyulmuş özel bir çiple - bir mızrapla çaldılar. Muhtemelen daha sonra bir domraya dönüşen enstrüman, ya Tatar-Moğol boyunduruğu sırasında ya da Doğu ülkeleri ile ticari ilişkiler sırasında getirilmiştir. Ve "domra" adının da şüphesiz bir Türk kökü vardır.

Başka bir versiyon, domra'nın soyunu Avrupa udundan aldığı varsayımından hareket eder. Prensip olarak, Orta Çağ'da herhangi bir ipe lavta deniyordu. koparılmış alet, gövdesi, boynu ve ipleri olan. Lavta da bir doğu enstrümanından - Arapça al-ud'dan geliyordu. Belki de domranın görünümü ve tasarımı Batı, Avrupa, Slavların enstrümanlarından, örneğin Polonya-Ukrayna kobzasından ve onun geliştirilmiş versiyonundan - banduradan etkilenmiştir. Sadece bandura, doğrudan lavtadan çok şey ödünç aldı. Orta Çağ'da Slavların sürekli olarak karmaşık tarihsel ve kültürel ilişkiler içinde oldukları göz önüne alındığında, elbette domra, o zamanın tüm Avrupa telli çalgılarına da benzer sayılabilir.

Bu nedenle, bugüne kadar elde edilen bilgi ve araştırmalara dayanarak, domranın, devletimizin kültür ve tarihindeki pek çok şey gibi, hem Avrupa hem de Asya özelliklerini birleştiren tipik bir Rus enstrümanı olduğu sonucuna varabiliriz.

Bununla birlikte, domranın gerçek kökeni ne olursa olsun, bu isimde bir enstrümanın Rusya'da var olduğu ve 16.-17. yüzyıllarda Rus kültürünün ayrılmaz bir parçası olduğu iyi bilinmektedir. Araştırmacıların meşhur atasözünden de anlaşılacağı gibi, soytarı müzisyenleri tarafından çalınırdı, “İyi ki soytarılar domraları hakkındadır”. Dahası, kraliyet sarayında, temeli domraları, arpları, kornaları ve diğer eski Rus müzik aletleriyle soytarılardan oluşan bir tür müzik ve eğlence grubu olan bütün bir "Eğlence Odası" vardı. Ek olarak, bazı araştırmacılara göre, o zamanlar domra zaten bir topluluk çeşitleri ailesi oluşturmuştu. En küçük ve gıcırtılı olana "domrishka", en büyük ve en düşük sesli - "bas domra" adı verildi.

Domra ve domra icracılarının - soytarılar ve "domrachi" nin halk arasında oldukça popüler olduğu da bilinmektedir. Her devirde ve bütün halklar arasında her türlü kutlamalar, şenlikler ve halk bayramları şarkılar ve çalgılar eşliğinde yapılırdı. Orta Çağ'da Rusya'da, "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" ve diğer müzisyenlerin çoğu halkı eğlendiriyordu. Domrada arp gibi eşlik ettiler halk destanı, destanlar, efsaneler ve türkülerde domra melodik çizgiyi desteklemiştir. Mahkemeye ve Sibirya'ya teslimatlarının kayıtları tarihi belgelerde saklanan domra ve domra iplerinin el yapımı üretiminin kurulduğu gerçek olarak biliniyor ...

Muhtemelen domra yapma teknolojisi şu şekildeydi: tek bir tahta parçasından bir gövde oyulmuş, ona bir sopa-akbaba takılmış, ipler veya hayvan damarları çekilmiştir. Bir şerit, bir tüy, bir balık kılçığı ile oynadılar. Görünüşe göre nispeten basit bir teknoloji, aletin Rusya'da yaygın olarak kullanılmasına izin verdi.

Ancak burada domra tarihinin en dramatik anı gelir. Laik kültürün gelişmesinden endişe duyan kilise bakanları, müzisyenlere karşı silaha sarıldı ve soytarıların performanslarını "şeytani oyunlar" ilan etti. Sonuç olarak, 1648'de Çar Alexei Mihayloviç, masum enstrümanların - "şeytani oyunların" araçlarının toplu imhasına ilişkin bir kararname çıkardı. Ünlü kararname şöyledir: "Domras, surns, bip sesleri, psaltery ve hari ve her türden vızıldayan gemiler nerede olacak ... ele geçirme emri verildi ve bu şeytani oyunları bozarak yakılması emredildi." 17. yüzyıl Alman seyyahı Adam Olearius'a göre, Rusların genel olarak enstrümantal müzik yapması yasaklandı ve bir kez halktan alınan enstrümanlarla dolu birkaç araba Moskova Nehri'nden geçirilip orada yakıldı. Hem müzisyenler hem de genel olarak soytarılık zulüm gördü.

Belki de kaderin böylesine trajik bir cilvesi dünyadaki hiçbir müzik aletinin başına gelmemiştir. Yani, ister barbarca bir imha ve yasaklama sonucu, ister başka nedenlerle, ancak 17. yüzyıldan sonra, araştırmacılar eski domradan önemli bir söz bulamıyorlar. Eski Rus enstrümanının tarihi burada bitiyor ve buna bir son verilebilirdi, ama ... Domra'nın kaderi tam anlamıyla küllerden yeniden doğmaktı!

Bu, olağanüstü yetenekli ve olağanüstü bir kişi olan olağanüstü bir araştırmacı ve müzisyenin - Vasily Vasilyevich Andreev'in faaliyetleri sayesinde oldu. 1896'da Vyatka eyaletinde, yarım küre gövdeli bilinmeyen bir alet keşfetti. Görünüşünden bunun domra olduğunu varsayarak ünlü usta Semyon İvanoviç Nalimov'a gitti. Birlikte, bulunanın şekline ve tasarımına dayalı olarak yeni bir enstrümanın tasarımını geliştirdiler. Tarihçiler hala Andreev'in bulduğu enstrümanın gerçekten eski bir domra olup olmadığını tartışıyorlar. Yine de 1896'da yeniden yapılan enstrümana "domra" adı verildi. Yuvarlak bir gövde, orta uzunlukta bir boyun, üç telli, dördüncü bir sistem - yeniden yapılanmış domra böyle görünüyordu.

O zamana kadar Andreev'in zaten bir balalayka orkestrası vardı. Ancak parlak fikrini gerçekleştirmek için, Büyük Rus Orkestrası'nın önde gelen bir melodik enstrüman grubuna ihtiyacı vardı ve yeni yetenekleriyle restore edilmiş domra bu rol için idealdi. Büyük Rus Orkestrası'nın yaratılış tarihi ile bağlantılı olarak, belki de fikrin somutlaşmasını bulamayacağı bir seçkin kişiden daha bahsetmeye değer. Bu, Andreev'in en yakın ortağı olan piyanist ve profesyonel besteci Nikolai Petrovich Fomin. Fomin'in profesyonel yaklaşımı sayesinde Andreev'in çevresi, önce amatör olarak müzik notaları okudu, profesyonel bir temelde durdu ve ardından performanslarıyla hem Rusya'da hem de yurtdışında dinleyicileri fethetti. Ve eğer Andreev öncelikle bir fikir üreteciyse, o zaman Fomin, aslında domraların ve balalaykaların tam teşekküllü akademik araçlar olarak gelişme yoluna girdiği kişi oldu.

Ama domra'ya geri dönelim. 1896-1890 döneminde. V. Andreev ve S. Nalimov, topluluk domra çeşitleri tasarladılar. Ve yeni doğumundan sonraki ilk birkaç on yılda domra, orkestra ve topluluk performansına uygun olarak gelişti.

Bununla birlikte, neredeyse anında, Andreev domrasının yetenekleri üzerindeki bazı sınırlamalar ortaya çıktı ve bununla bağlantılı olarak, onu yapıcı bir şekilde geliştirmek için girişimlerde bulunuldu. Ana görev, aracın aralığını genişletmekti. 1908'de şef G. Lyubimov'un önerisi üzerine usta S. Burov, beşinci sistemle dört telli bir domra yarattı. "Dört telli" bir keman aralığı aldı, ancak maalesef tını ve renk açısından "üç telli" den daha düşüktü. Daha sonra, topluluk çeşitleri ve dört telli domralardan oluşan bir orkestra da ortaya çıktı.

Domraya olan ilgi her yıl arttı, müzikal ve teknik ufuklar genişledi, virtüöz müzisyenler ortaya çıktı. Son olarak, 1945'te, Rus halk enstrümanlarından oluşan bir orkestra ile domra için ilk enstrümantal konçerto yaratıldı. ünlü konser g-moll Nikolai Budashkin, orkestra şefinin isteği üzerine yazılmıştır. Osipov Aleksey Simonenkov. Bu olay domra tarihinde yeni bir çağ açmıştır. İlk enstrümantal konserin gelişiyle domra, solo, virtüöz bir enstrüman haline gelir.

1948'de Moskova'da I.I. Devlet Müzik ve Pedagoji Enstitüsü'nde Rusya'daki ilk halk çalgıları bölümü açıldı. Gnesinler. İlk domra öğretmeni seçkin besteci Yu. Shishakov ve ardından adını taşıyan orkestranın genç solistleri oldu. Osipova V. Miromanov ve A. Alexandrov - üç telli domra çalmanın ilk okulunun yaratıcısı. sayesinde daha yüksek profesyonel eğitim aslen halk çalgısı domra, kısa sürede senfoni orkestrasının enstrümanlarının üzerinde yüzyıllar sürdüğü akademik sahnenin yolunu geçti (sonuçta keman bir zamanlar bir halk çalgısıydı!).

Domra performansı dev bir hızla ilerliyor. 1974'te, halk enstrümanları üzerine Tüm Rusya sanatçıları yarışması düzenlendi, yarışmanın kazananları seçkin virtüöz domristlerdi - Alexander Tsygankov ve Tamara Volskaya (bkz. bölüm yaratıcı etkinlik domra sanatının hem performans alanında hem de domra repertuarında gelişim yönünü on yıllar boyunca belirleyen bu.

Bugün domra, gerçekten Rus köklerine sahip olan ve yine de akademik türün doruklarına yükselen, büyük, öncelikle müzikal ve ifade potansiyeline sahip, gelecek vaat eden genç bir enstrümandır. Gelecekteki kaderi ne olacak? Söz sizin sevgili domristler!

Balalayka

Tanım
Gövde ayrı (6-7) parçadan yapıştırılmıştır, uzun boyunlu baş hafifçe geriye doğru kıvrıktır. Metal teller (18. yüzyılda ikisi damarlıydı; modern balalaykaların naylon veya karbon telleri vardır). Modern bir balalaykanın klavyesinde 16-31 metal perde vardır (19. yüzyılın sonuna kadar - 5-7 zorunlu perde).

Ses yüksek ama yumuşak. Sesi çıkarmak için en yaygın teknikler: tıkırtı, pizzicato, çift pizzicato, tek pizzicato, vibrato, tremolo, kesirler, gitar hileleri.

inşa etmek

Balalayka'nın 19. yüzyılın sonunda Vasily Andreev tarafından bir konser enstrümanına dönüştürülmesine kadar kalıcı, her yerde bulunan bir sistemi yoktu. Her icracı enstrümanı kendi icra tarzına, çalınan parçaların genel havasına ve yerel geleneklere göre akort etti.

Andreev tarafından tanıtılan sistem (birlikte iki tel - "mi" notu, bir - bir çeyrek daha yüksek - "la" notası (ve ilk oktavın "mi" ve "la") konser balalayka oyuncuları arasında yaygınlaştı ve başladı "akademik" olarak adlandırılacak. "Halk" sistemi de var - birinci dize "tuz", ikinci - "mi", üçüncü - "do". Bu sistemde triadların alınması daha kolay, dezavantajı açık tellerde çalmanın zorluğudur.Yukarıdakilere ek olarak, enstrümanı akort etmenin bölgesel gelenekleri de vardır.Nadir yerel ayarlar iki düzine ulaşır ..

Çeşitler

Modern bir Rus halk enstrümanları orkestrasında beş çeşit balalayka kullanılır: prima, saniye, viyola, bas ve kontrbas. Bunlardan yalnızca prima solo, virtüöz bir enstrümandır, geri kalanı ise tamamen orkestral işlevlere sahiptir: ikinci ve viyola akor eşliğini uygularken, bas ve kontrbas bas işlevini gerçekleştirir.

Yaygınlık

Balalayka, Rusya, Beyaz Rusya, Ukrayna ve Kazakistan'daki akademik müzik eğitim kurumlarında incelenen oldukça yaygın bir müzik aletidir.

Bir çocuk müzik okulunda balalayka eğitimi süresi 5-7 yıldır (öğrencinin yaşına bağlı olarak) ve ortalama olarak Eğitim kurumu- 4 yıl, bir yüksek öğretim kurumunda 4-5 yıl. Repertuar: türkü aranjmanları, klasik eser aranjmanları, yazar müziği.

Hikaye
Balalayka'nın ortaya çıkma zamanı hakkında tek bir bakış açısı yoktur. Balalayka'nın 17. yüzyılın sonlarından itibaren yayıldığı sanılıyor. Ustalar Paserbsky ve Nalimov ile birlikte V. Andreev sayesinde geliştirildi. Modernize edilmiş bir balalayka ailesi yaratıldı: pikolo, prima, saniye, viyola, bas, kontrbas. Balalayka solo konser, topluluk ve orkestra enstrümanı olarak kullanılır.

etimoloji
Enstrümanın adı zaten merak uyandırıyor, tipik olarak hecelerin sesiyle üzerinde çalma karakterini aktaran bir halk çalgısıdır. "Balalayka" kelimelerinin kökü veya aynı zamanda "balabayka" olarak da adlandırılan kök, Rusça balakat, balabonit, balabolit, joker gibi sohbet etmek, boş gibi kelimelerle akrabalığı nedeniyle uzun süredir araştırmacıların dikkatini çekmiştir. çağrılar (aynı anlama gelen yaygın Slav *bolbol'a geri dönün). Birbirini tamamlayan tüm bu kavramlar, hafif, eğlenceli, "tıngırdayan", çok ciddi olmayan bir enstrüman olan balalayka'nın özünü aktarır.

"Balalayka" kelimesi ilk kez I. Peter dönemine kadar uzanan yazılı anıtlarda bulunur.

Balalayka'nın ilk yazılı sözü, 13 Haziran 1688 tarihli bir belgede yer almaktadır - diğer şeylerin yanı sıra Streltsy düzeninin Moskova'da getirildiğini bildiren “Streltsy düzeninden Küçük Rus düzenine hatıra” (RGADA). “<...>kasabalı Savka Fedorov<...>Evet<...>köylü Ivashko Dmitriev ve onlarla birlikte bir balalayka getirildi, böylece Yausky kapılarına bir araba atına bindiler, şarkılar söylediler ve toi'de balalayka çaldılar ve Yausky kapılarında nöbet tutan bekçi okçuları azarladı<...>».

Balalayka'dan bahsedildiği bir sonraki yazılı kaynak, Peter I tarafından imzalanan ve 1715'e atıfta bulunan "Kayıt" tır: St. oyunbazlar tarafından taşınan dört balalayka seçildi.

Kelime ilk kez 18. yüzyılın başlarındaki Ukrayna dilinde (1717-1732 belgelerinde) "balabaika" biçiminde onaylandı (açıkçası bu onun daha eski biçimi, ayrıca Kursk ve Karaçev lehçelerinde de korunuyor) ). V. I. Maikov'un "Elisey" şiirinde ilk kez Rusça olarak, 1771, şarkı 1: "Bana bir düdük veya balalayka akort ediyorsun."

Çello (İtalyan viyolonsel, kısaltılmış çello, Alman Viyolonsel, Fransız viyolonsel, İngiliz çello)

İlk çağlardan beri bilinen, bas ve tenor kaydının yaylı telli bir müzik aleti. XVI'nın yarısı yüzyılda, keman veya viyola ile aynı yapıda, ancak çok daha büyük. Çello, geniş ifade olanaklarına ve özenle geliştirilmiş performans tekniğine sahiptir, solo, topluluk ve orkestra enstrümanı olarak kullanılır.

Enstrümanın ortaya çıkışı ve gelişimi tarihi

Çellonun ortaya çıkışı 16. yüzyılın başlarına kadar uzanmaktadır. Başlangıçta, şarkı söylemeye veya daha yüksek bir sicile sahip bir enstrümanı çalmaya eşlik etmek için bir bas enstrümanı olarak kullanıldı. Boyut, tel sayısı ve akort bakımından birbirinden farklı olan çok sayıda çello çeşidi vardı (en yaygın akort, modern olandan bir ton daha düşüktü).
17.-18. yüzyıllarda, İtalyan okullarının önde gelen müzik ustalarının (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, vb.) çabaları, sağlam bir vücut ölçüsüne sahip klasik bir çello modeli yarattı. 17. yüzyılın sonunda, çello için ilk solo eserler ortaya çıktı - Giovanni Gabrieli'nin sonatları ve pirinç arabaları. 18. yüzyılın ortalarında çello, daha parlak, daha dolgun sesi ve gelişen performans tekniği sayesinde bir konser enstrümanı olarak kullanılmaya başlandı ve sonunda viyola da gamba'yı müzik pratiğinden çıkardı. Çello ayrıca senfoni orkestrası ve oda topluluklarının bir parçasıdır. Müziğin önde gelen enstrümanlarından biri olan çellonun nihai onayı, 20. yüzyılda seçkin müzisyen Pablo Casals'ın çabalarıyla gerçekleşti. Bu enstrümanda performans okullarının gelişimi, düzenli olarak solo konserler veren çok sayıda virtüöz çellistlerin ortaya çıkmasına neden olmuştur.
Çello repertuarı çok geniştir ve çok sayıda konçerto, sonat, refakatsiz beste içerir.


]Çello çalma tekniği

Stradivari'den bir Duport çello ile Mstislav Rostropovich.
Çelloda çalma ve vuruş ilkeleri kemanla aynıdır, ancak enstrümanın daha büyük boyutu ve çalanın farklı konumu nedeniyle çello çalma tekniği biraz sınırlıdır. Flageolets, pizzicato, thumb bet ve diğer oyun teknikleri kullanılmaktadır. Çellonun sesi sulu, melodik ve gergin, üst sicilde hafifçe sıkıştırılmış.
Çello teli yapısı: C, G, d, a (do, büyük oktavın tuzu, re, la küçük oktavın tuzu), yani viyoladan bir oktav aşağıdadır. Bir tel üzerinde geliştirilmiş çalma tekniği sayesinde çello aralığı çok geniştir - C'den (büyük bir oktavaya) a4'e (dördüncü oktavın A'sı) ve daha yükseğine. Notalar, gerçek sese göre bas, tenor ve tiz nota anahtarlarında yazılır.


enstrüman bacakların baldırları tarafından tutuldu
Sanatçı çalarken çelloyu ancak 19. yüzyılın sonunda yaygınlaşan bir ırgatla yere yaslıyor (bundan önce enstrüman bacaklarının baldırlarından tutuluyordu). Modern çellolarda, Fransız çellist P. Tortelier tarafından icat edilen kavisli ırgat yaygın olarak kullanılmaktadır ve bu, enstrümana daha düz bir konum vererek çalma tekniğini bir şekilde kolaylaştırmaktadır.
Çello solo çalgı olarak yaygın olarak kullanılır, çello grubu yaylı çalgılar ve senfoni orkestralarında kullanılır, çello yaylı dörtlünün zorunlu bir üyesidir ve içinde en düşük seviyededir (bazen kullanılan kontrbas hariç) t) ses açısından çalgılardan olup, diğer oda topluluklarında da sıklıkla kullanılmaktadır. Orkestra partisyonunda viyola ve kontrbas bölümleri arasına çello bölümü yazılır.

Kemanın yaratılış tarihi

Müzik tarihi, kemanın en mükemmel şeklinin 16. yüzyılda ortaya çıktığını kabul eder. O zamana kadar, Orta Çağ boyunca aktif olan tüm yaylı çalgılar zaten biliniyordu. Belirli bir sıraya göre düzenlenmişlerdi ve o zamanın bilim adamları, büyük veya küçük bir olasılıkla tüm soylarını biliyorlardı. Sayıları çok fazlaydı ve şimdi bu konunun derinliklerine inmeye gerek yok.

En son araştırmacılar, kemanın hiçbir şekilde azaltılmış bir "viola da gamba" olmadığı sonucuna vardılar. Ayrıca, cihazlarındaki bu iki tür aletin de birbirinden keskin bir şekilde farklı özelliklere sahip olduğu yeterli doğrulukla kurulmuştur. "Viole da gamba" ile ilgili tüm enstrümanların düz bir sırtı, düz kenarları, perdelerle bölünmüş bir boynu, daha az sıklıkla yonca şeklinde bir kafası ve daha sıklıkla bir hayvan veya insan kafası görüntüsü, üzerinde kesikler vardı. Enstrümanın üst yüzeyi Latin harfi "C" nin ana hatlarında ve son olarak, dörtlü ve üçte bir tel akordu. Aksine, modern kemanın hemen öncülü olan "viola da brachio", tellerin beşinci akortuna, dışbükey bir sırtına, kenarları biraz yükseltilmiş, klavyesi perdesiz, başı şeklindeydi. birbirine bakan küçük harflerin ana hatlarında bir kaydırma ve çentikler veya "efs", italik Latin f.
Bu durum, gerçek viyol ailesinin gamba'nın art arda indirgenmesinden oluşmasına yol açtı. Böylece, yalnızca çeşitli boyutlardaki viyolalardan oluşan eski "dörtlü" veya "beşli" nin eksiksiz bir bileşimi ortaya çıktı. Ancak, eksiksiz bir viyola ailesinin ortaya çıkmasıyla birlikte, tüm ayırt edici ve en belirgin özelliklere sahip bir enstrüman gelişti ve gelişti. karakter özellikleri modern keman. Ve bu enstrüman aslında kelimenin tam anlamıyla bir "el viyola" bile değil, Slav topraklarının bir halk çalgısı olarak modernin temelini oluşturan sözde "el liri" dir. keman ailesi. Büyük Raphael(1483-1520), 1503 tarihli resimlerinden birinde bu enstrümanın mükemmel bir tasvirini verir. Üzerinde düşünüldüğünde, "el liri"nin zamanımızın mükemmel kemanına tam olarak dönüşmesine çok az kaldığına dair en ufak bir şüphe yok. Raphael'in imajını modern kemandan ayıran tek fark, yalnızca tellerin sayısında - iki bas varlığında beş tane var - ve mandallara hala çok benzeyen mandalların ana hatlarında yatıyor. eski viyol.
O zamandan beri kanıtlar inanılmaz bir hızla çoğaldı. Eski "lir da brachio" görüntüsünde yapılabilecek önemsiz düzeltmeler, ona modern kemanın en kusursuz benzerliğini verecektir. Eski bir keman biçimindeki bu tanıklıklar, Basel'deki bir kitapçının seçtiği 1516 ve 1530 yıllarına kadar uzanıyor. eski keman ticari markanız ile. Aynı zamanda, Fransız tarzı viyolondaki "keman" kelimesi ilk olarak 16. yüzyılın başlarında Fransızca sözlüklerde yer aldı. Henri Pruneer (1886-1942), bu kelimenin 1529 gibi erken bir tarihte, zamanın bazı ticari gazetelerinde yer aldığını iddia ediyor. Bununla birlikte, "viyolon" kavramının 1490 civarında ortaya çıktığına dair göstergeler şüpheli kabul edilmelidir. İtalya'da viyolonist anlamında viyolonista kelimesi 1462'den itibaren ortaya çıkmaya başlarken, "keman" anlamında violino kelimesinin kendisi ancak yüz yıl sonra yaygınlaşarak kullanıma girdi. İngilizler, kelimenin Fransızca yazımını yalnızca 1555'te benimsedi, ancak bunun yerini üç yıl sonra tamamen İngilizce "keman" aldı.
En eski anıtların ifadesine göre, Rusya'da yaylı çalgılar çok uzun zamandır biliniyordu, ancak hiçbiri daha sonra bir senfoni orkestrasının aleti olacak kadar gelişmedi. En eski eski Rus yay enstrümanı bip sesidir. En saf haliyle, üzerine üç tel gerilmiş oval, biraz armut biçimli bir ahşap gövdeye sahipti. Modern olanla hiçbir ilgisi olmayan kemerli bir yay ile düdük çaldılar. Düdüğün ne zaman ortaya çıktığı tam olarak bilinmemekle birlikte, "bip" in Rus'ta "doğu" enstrümanlarının - domra, surna ve smyk - nüfuz etmesiyle birlikte ortaya çıktığı varsayımı var. Bu süre genellikle XIV. yüzyılın ikinci yarısı ve XV. yüzyılın başına göre belirlenir. Kelimenin tam anlamıyla "kemanların" ne zaman ortaya çıktığını söylemek zor. Kesin olarak bilinen tek şey, 16.-17. yüzyılların alfabe kitaplarında kemancıdan ilk söz edilmesinin "tercümanların bu konuda hiçbir fikri olmadığını eşit derecede gösterdiği". Her halükarda, P. F. Findeisen'e (1868-1928) göre, bu enstrüman Moskova Rus'un ev içi ve kamusal yaşamında henüz bilinmiyordu ve ilk kemanlar görünüşe göre Moskova'da tamamen tamamlanmış haliyle ortaya çıktı, ancak başlangıçta XVIII yüzyıl. Ancak bir zamanlar gerçek bir keman görmemiş olan alfabe kitaplarını derleyenler, yalnızca bu çalgının telli bir çalgı olması gerektiğini anlamışlar ve bu nedenle onu yanlışlıkla "gusli" ve "Küçük Rus lirası"na benzetmişlerdir. tabii ki kesinlikle doğru değildi.
Batı'daki yeni kemanın az çok ayrıntılı açıklamaları ancak 16. yüzyılın ortalarından itibaren ortaya çıkmaya başlar. Böylece, Philibert Jambes de Fair (1526-1572), çağdaş kemanın özelliklerini ve ayırt edici özelliklerini özetleyerek, "keman ailesinin" model ve benzerliği üzerine inşa edildiği sonucuna varılabilecek bir dizi isimden alıntı yapar. viyola. Bu zamandan, 1556'dan, kemanın 17. yüzyılın sonuna kadar, Fransızca dessus, quinte, haute-contre, tailee ve basse isimleri altında bilinen çeşitli çeşitleri vardı. Bu formda, keman ailesinin kompozisyonu, Peer Maryann'ın (1588-1648) onun hakkında yazmaya başladığı zamana kadar kuruldu. "Yirmi dörtlü çete" - bir zamanlar Les vingt-quatre olarak adlandırılıyordu - aynı enstrümanlardan oluşuyordu, ancak isimleri zaten taşınmıştı. Dessus'u haute-contre izledi ve quinte, tailee ile basse arasındaydı, ancak hacimleri, az önce bahsedilen önceki verilere tam olarak karşılık geliyordu. Daha sonra kemanların bu kompozisyonunda başka bir değişiklik oldu, bu nedenle haute-contre tamamen ortadan kalktı, yerini dessus'a bıraktı ve tailee quinte ile birleşerek ikincisinin sırasını benimsedi. Böylece, dessus'un birinci ve ikinci kemanlara, tailee veya quinte - viyolalara ve bas - çellolara karşılık geldiği yeni bir dört parçalı yay kombinasyonu oluşturuldu.
Artık "keman" adı altında bilinen o enstrümanın son tamamlanmasının ne zaman gerçekleştiğini kesin olarak tespit etmek artık zor. Büyük olasılıkla, bu gelişme sürekli bir dizi halinde devam etti ve her usta kendine ait bir şey getirdi. Bununla birlikte, 17. yüzyılın keman için “altın çağ” olduğu, çalgının yapısındaki ilişkilerin nihai olarak tamamlandığı ve “geliştirilmeye” çalışılmayacak mükemmelliğe ulaştığı açıkça ifade edilebilir. çoktan adım atabilirdi. Tarih, büyük keman dönüştürücülerinin isimlerini hafızasında tutmuş ve bu enstrümanın gelişimini üç keman yapımcısı ailesinin isimleriyle ilişkilendirmiştir. Her şeyden önce, bu, Andrea Guarneri (1626?-1698) ve Antonio Stradivari'nin (1644-1736) öğretmenleri olan Cremonese ustalarından oluşan Amati ailesidir. Bununla birlikte, keman nihai olarak tamamlanmasını en çok Giuseppe-Antonio Guarneri'ye (1687-1745) ve özellikle de modern kemanın en büyük yaratıcısı olarak saygı duyulan Antonio Stradivari'ye borçludur.
Ancak kemandaki o zamana kadar büyük Cremonese tarafından kurulmuş olan her şeyi herkes beğenmedi. Birçoğu Stradivari tarafından benimsenen oranları değiştirmeye çalıştı ve elbette kimse bunu başaramadı. Ancak en ilginç olanı, en geri kalmış ustalardan bazılarının kemanı yakın geçmişe döndürme ve ona viyolanın eskimiş özelliklerini empoze etme arzusuydu. Bildiğiniz gibi kemanın perdesi yoktu. Bu, ses hacmini genişletmeyi ve keman çalma tekniğini mükemmelleştirmeyi mümkün kıldı. Ancak İngiltere'de kemanın bu nitelikleri "şüpheli" görünüyordu ve enstrümanın "tonlaması" yeterince doğru değildi. Bu nedenle, sesin çıkarılmasındaki olası "yanlışlığı" ortadan kaldırmak için kemanın klavyesindeki perdeler tanıtıldı ve John Playford (1623-1686?) liderliğindeki yayınevi, 1654'ten 1730'a kadar bir el kitabını yeniden bastı. "modal tabloya" göre derlenmiştir. Ancak adalet, bunun genellikle keman çalma tarihinde bilinen tek vaka olduğunu söylemeyi gerektirir. Bu enstrümanın çalınmasını iyileştirmeye ve kolaylaştırmaya yönelik diğer girişimler, tel akortuna veya sözde "scordatura" ya indirgenmiştir. Bu mantıklıydı ve Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) ve diğer birkaç kişi gibi önde gelen birçok kemancının her biri enstrümanlarını kendi yöntemleriyle akort etti. Bazen bu tel akort yöntemi şimdi bile özel, sanatsal hedefler doğrultusunda kullanılmaktadır.
Stradivarius kemanı. Fotoğraf gruhn.com'dan Böylece, keman en mükemmel enkarnasyonunu 17. yüzyılın sonunda aldı. Antonio Stradivari onu bugünkü haline getiren son kişiydi ve 18. yüzyıldan kalma bir usta olan François Tourt, modern yayın yaratıcısı olarak saygı görüyor. Ancak kemanın geliştirilmesinde ve gerçek hayatta uygulanmasında işler daha az başarılıydı. Keman tekniğinin bu gelişiminin ve gelişiminin uzun ve çeşitli tarihini birkaç kelimeyle anlatmak çok zordur. Kemanın görünümünün birçok rakibe neden olduğunu söylemek yeterli. Birçoğu viyolanın kaybolan güzelliklerinden pişmanlık duyarken, diğerleri davetsiz yabancıya yönelik tüm "incelemeler" ile geldi. Keman çalma tekniğini kararlılıkla ileriye taşıyan büyük kemancılar sayesinde keman hak ettiği yeri almıştır. 17. yüzyılda bu virtüöz kemancılar Giuseppe Torelli ve Arcangelo Corelli idi. Gelecekte, Antonio Vivaldi (1675-1743) kemanın yararına çok çalıştı ve nihayet, Niccolò Paganini başkanlığındaki harika kemancılardan oluşan bir galaksi. modern keman beşte akortlu dört teli vardır. En üstteki tel bazen beşinci olarak adlandırılır ve en alttaki tel bas olarak adlandırılır. Kemanın tüm telleri damarlı veya bağırsaklıdır ve sesin daha fazla dolgunluğu ve güzelliği için yalnızca "bas" ince bir gümüş iplik veya "gimp" ile dolanmıştır. Şu anda, tüm kemancılar "beşinci" için metal bir tel kullanıyor ve tamamen aynı, ancak yumuşaklık için yalnızca ince bir alüminyum iplikle sarılmış, A teli, ancak bazı müzisyenler ayrıca herhangi bir "gimp" içermeyen saf alüminyum A teli kullanıyor. Bu bağlamda, mi için metal tel ve la için alüminyum, daha sonra hala damarlı olan telin sesini güçlendirmeyi gerekli kıldı ve bu, etrafını saran bir alüminyum "gimp" yardımıyla yapıldı. "bask", bu ikincisi ve bu arada, bu ona iyi geldi. Bununla birlikte, tüm bu olaylar gerçek uzmanları çok üzüyor, çünkü diğer durumlarda metal tellerin sesinin çınlaması ve keskinliği çok belirgin ve nahoş, ancak yapacak bir şey yok ve koşullara katlanmak gerekiyor.
Enstrümanın gereksinimlerine göre akort edilen kemanın telleri açık veya boş olarak adlandırılır ve ses, ikinci oktavın mi'sinden küçük bir tuza doğru inen saf beşte bir sırasına göredir. Tellerin sırası her zaman yukarıdan aşağıya dikkate alınır ve bu gelenek, eski zamanlardan beri tüm eğilmiş ve eğilmiş teller ile ilgili olarak korunmuştur. telli çalgılar"saplı" veya "çubuklu". Keman için notalar sadece "tiz nota anahtarı" veya G'nin anahtarı ile yazılır.
"Açık" kavramı veya orkestral kullanımda - boş bir tel, telin standdan somuna kadar olan uzunluğu boyunca, yani akort sırasında gerçek yüksekliğini belirleyen iki nokta arasındaki sesini ifade eder. İpin uzunluğu genellikle aynı noktalarla belirlenir, çünkü orkestrada dikkate alınan telin ses kısmıdır ve boyun altı ile mandallar arasına kapatılan "mutlak değeri" değildir. Notalarda açık bir dize, notanın üstüne veya altına yerleştirilmiş küçük bir daire veya sıfır ile gösterilir.
Bazı durumlarda, eserin müzikal dokusu gerektirdiğinde, "bask" için küçük bir oktavın F diyezini veya "beşinci" için ikinci bir D diyezini elde etmek için teli yarım tona kadar akort edebilirsiniz.
Kaynak music-instrument.ru

Tarihi yapı elektro gitarı (elektro gitar)

20. yüzyılda teknolojinin gelişimi, insan varoluşunun kültürel yönünü göz ardı etmedi. Çalma ve en önemlisi ses işleme için elektronik cihazların ortaya çıkışı, sonunda müzik enstrümanlarının kendilerini etkileyemezdi. Temelde yeni müzik enstrümanları yaratma girişimlerine ek olarak, iyi bilinen eskileri "modernize etmek" için de girişimlerde bulunuldu. Böylece 1924'te Lloyd Loher, metal bir telin titreşimlerini elektrik sinyaline dönüştüren bir cihaz olan ilk manyetik alıcıyı tasarladı. Bu yetenekli mühendis o dönemde çalıştı, sizce nerede? - Gibson'da! Ama anladığınız gibi, Les Paul'ün yaratılması hala oldukça uzak - 28 yıl kadar uzun bir süre, bu nedenle ilk seri üretilen elektro gitarlar hiçbir şekilde Gibson tarafından üretilmedi. Ve bu, kurucularından biri Adolf Rickenbacker olan Electro String Company adlı bir şirket tarafından yapıldı ve daha sonra, muhtemelen zaten tahmin ettiğiniz gibi, John Lennon - 325JL için imzalı bir gitar yayınlayan çok ünlü Rickenbacker şirketini kurdu. Bu ilk gitarların gövdeleri alüminyumdan yapılmıştır, bu nedenle içtenlikle "kızartma tavaları" adını almıştır. Bu olay 1931'de gerçekleşti. Bir gitara manyetik takmak için başka girişimler olup olmadığını bilmiyorum, muhtemelen vardı, ancak yalnızca 1951'de bu çok klasik ve tanınabilir formları aldılar. Ve Leo Fender bunu ünlü Telecaster'ını piyasaya sürerek yaptı ve bu zaten bir atılımdı, bir uzay aracını tabii ki içinde bir adam varken yörüngeye yerleştirmek gibi bir şeydi. Tasarım olarak klasik bir gitarla hiçbir ortak yanı olmamasına rağmen gövde ahşaptan yapılmıştır. Bazı nedenlerden dolayı, birçok insan elektro gitarların kim bilir neyden yapıldığını düşünüyor: metal, plastik ve diğer bazı ultra modern malzemeler, hiçbir gitar yapılmadı ve bugüne kadar, tıpkı bir insan gibi, çoğunlukla ahşaptan yapıldı. %70 su.
O andan itibaren elektro gitarın bir müzik aleti ve kültürel bir olgu olarak yerini aldığı söylenebilir. Gibson, elbette, gerisinde kalmadı ve 1952'de efsanevi Les Paul'lerini piyasaya sürdü. Ve test atışı 1954'te, Fender Stratocaster'ı yörüngeye fırlattığında geldi. Blues, rock ve country müzisyenleri bu model ve üreticilerin gitarlarını çalmaya başladı. Tabii ki, o zamandan beri pek çok farklı güzel ve çok popüler olmayan ve popüler olmayan gitarlar oldu, ancak ses işlemeyi hesaba katmazsanız, bugüne kadar birinin daha önemli bir şey bulması pek olası değil. Elbette, yedinci ve hatta sekizinci bir telin eklenmesi gibi çeşitli yenilikler var (kural olarak, bunlar aşırı stil ve trendlere sahip gruplar ve müzisyenler için tasarlanmış gitarlardır), ancak tüm bunlar "olmayan fenomenlerdir. önemleri bakımından yukarıda "keşifler" olarak listelenenlere yaklaşın.
Ama en ilginç şey, gitarın hala bir gitar olarak kalması. Nedense müziğe uzak olan birçok kişi elektro gitarın klasik gitarla alakası olmayan bir müzik aleti olduğunu düşünür. Fark, elbette, büyük dış görünüşçalma tekniklerine bağlıdır, ancak yine de aynı (bazı istisnalar dışında) akort ve akor parmaklarıyla tek ve aynı enstrümandır; bu, şarkıların akorlarını bilerek, hem elektrik hem de akustik gitarlarda eşit başarı ile çalınabilecekleri anlamına gelir. .

GİTARIN KISA TARİHİ VE BUGÜNE KADARKİ DURUMU

Bildiğiniz gibi gitar İspanya'nın ulusal çalgısıdır. Şimdiye kadar gitarın kökeni tam olarak belirlenememiştir. Prototipinin Asur-Babil kefarası veya Mısır citharası olduğu varsayılmalıdır. İber Yarımadası'na Romalılar (Latin gitar) veya Araplar (Mağribi gitar) tarafından getirilmiş olabilir. İlkinde "punteado" tekniği ile yani bir tutamla, daha keskin bir sese sahip olan ikincisinde "rasgueado" tekniğiyle yani tüm telleri şakırdatarak oynadılar. sağ elin parmakları.

Modern tipte veya her halükarda ona yakın gitar, muhtemelen 16. yüzyıldan önce olmayan antik cithara'nın bu iki çeşidinin kaynaşmasından kaynaklanmıştır. Gitarın bu ikili kökenine dair dolaylı bir göstergeye sahibiz, onu günümüze kadar farklı bir şekilde çalma tarzına sahibiz: folk - "rasgueado", - Mağribi gitar çalmaktan ve profesyonel - "punteado", - Latin gitarından. .

Diğer Avrupa ülkelerine girdiğinde (XVI-XVII yüzyıllar), gitarın ilgili lavta gibi çeyrek oranda akort edilmiş beş teli vardı. Altıncı dizenin Almanya'da mı yoksa İtalya'da mı eklendiği kesin değil. Bu son haliyle gitar, ciddi bir enstrümanın haklarını elde etmiş oldu. Müzikal olanaklarındaki bu artışa bağlı olarak, altı telli gitar ilk altın çağını yaşadı (18. yüzyılın sonundan 19. yüzyılın ortalarına kadar). Bu dönemde gitar, İspanyollar Aguado ve Sor ve İtalyanlar Giuliani, Leniani, Carcassi, Carcassi, Carulli, Zani de Ferranti, Regondi, Moretti ve diğerleri gibi bir dizi parlak virtüöz ve besteci getirdi. Bu gitaristlerin Avrupa ülkelerindeki konser faaliyetleri, gitarı yüksek bir profesyonel seviyeye yükseltti ve en büyük müzisyenler, şairler ve yazarlar arasından birçok taraftar kazandı. Bazıları - besteciler Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - operalarında gitar kullandılar; diğerleri - besteciler Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - gitarı kendileri çaldılar; diğerleri - Glinka, Çaykovski - gitar dinlemeyi severdi. Ünlü kemancı Paganini'nin aynı zamanda mükemmel bir gitarist olduğunu ve gitar için bir dizi eser yazdığını özellikle belirtmek gerekir. Şairler ve yazarlar: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire ve diğerleri gitarı çok sevdiler ve eserlerinde ona birden fazla sayfa ayırdılar.

Neredeyse 19. yüzyılın sonuna kadar süren gitarın en parlak dönemi, yerini esas olarak piyanonun ortaya çıkması nedeniyle düşüşüne bıraktı. Bununla birlikte, 20. yüzyılın başından beri, görünüşe göre, eski ve en etkileyici halk enstrümanlarından biri olarak genel halkın ona karşı tutumundaki bir değişikliğin neden olduğu gitarın yeni bir parlak dönemine tanık oluyoruz. . Sonuç olarak, çoğu İspanyol olan bir dizi olağanüstü yetenekli gitar virtüözü ortaya çıktı: gitar çalma sanatını mükemmelleştiren ve gitarı diğer geleneksel solo enstrümanlarla aynı seviyeye getiren Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol ve diğerleri. Ve yine, ilk parlak çağında olduğu gibi, gitar Turin, de Falla, Pons, Roussel ve diğerleri gibi en önde gelen bestecilerden birçok arkadaşı kendine çekiyor.

Ülkemizde altı telli gitarla birlikte çeşitliliği yaygındı - yedi telli gitar, esas olarak üçlü bir sistemle.

Akordeon, düğme akordeon

Kamışlı çalgıların tarihçesi ve çeşitleri (akordeon, düğme akordeon vb.)

Akordeon, seslerin serbestçe kayan metal sazlar - körüklerle pompalanan bir hava akımının etkisi altında titreşen ince plakalar - tarafından yapıldığı bir müzik aletidir. İcracı sol eliyle körüğü kontrol etmekte, ayrıca sağ eliyle çaldığı melodiye eşlik etmesi için bas ve akor düğmelerine basmaktadır.

Rusya'da, Moskova'da dünyanın en iyi ve en kapsamlı Harmonik Müzesi var (dünyada bu tür 4 müze var: ayrıca Almanya'da Klingenthal'de Ulusal Harmonik Müzesi, İtalya'da Castelfidardo'da Harmonik Müzesi var. ve ABD'de .Super Ior-Delucy'deki Akordeon Müzesi).

Kamış enstrümanların gelişiminin genel tarihi

Kamış ses çıkarma ilkesine sahip bilinen ilk enstrüman, eski Doğu Sheng'dir (Burma, Tibet, Laos ve Çin'de ortaya çıkmıştır). Bu aletin yaratıldığı kesin tarih bilinmiyor, ancak 2.000 yıldan daha eski olduğuna inanılıyor. "Saf" bir enstrüman, yani kutsal müziğin icrasına uygun olarak kabul edildi. MS 700 civarında sheng geliştirildi popüler enstrüman 12 tuşta çalınabiliyordu ve bu çalgılar için armoni ders kitabı oluşturuldu.



Rusya'da armonikaların, düğme akordeonlarının ve akordeonların görünümü

Rusya'da harmoniklerin ortaya çıkışı, XIX yüzyılın 40'lı yıllarının başlarına kadar uzanıyor. belirtildiği gibi, nüfusun ayrıcalıklı kesimleri edebi kaynaklar, yurtdışından el mızıkaları satın aldı ve serf hizmetkarları aracılığıyla mızıkalar ortaya çıktı ve köylerde popüler oldu. Mızıkaların Tula silah fabrikalarına sipariş edilen yabancı zanaatkarlar tarafından ithal edilebileceği varsayımı var.
Tula zanaatkarları arasında, silah ustaları Sizov ve Shkunaev'in mızıka icat ettiği görüşü vardı. Bazı haberlere göre, XIX yüzyılın 30'larında üretildiler. Tula eyaletinde ise hangi harmoniklerin olduğu bilinmiyor. söz konusu- labiyal veya manuel hakkında.



Harmonik cihazı hakkında genel bilgiler

Mızıka, sesin, bir hava akımının etkisi altında titreşen, serbestçe kayan metal bir dil (ses) tarafından yeniden üretildiği tüm müzik aletleri olarak adlandırılabilir. Armonikalardaki hava, bir el veya ayak körüğü (el armonikaları, armonyumlar), bir fan (organolalar, organetler) veya icracının ciğerleri (ağız armonikaları) yardımıyla dışarı verilir ve solunur. Tüm modern armonikalarda, kamış bir ucunda perçinleme ile çerçeve (şasi) adı verilen metal bir taban üzerine sabitlenir. Perçinli dil ile birlikte çerçeveye çubuk denir.



Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Sheng, Burma, Tibet, Laos ve Çin menşeli mızıka ailesinin en eski enstrümanlarından biridir. Eski Çin el yazmalarına göre (MÖ 2-3 bin yıl), bilim adamları enstrümanın en eski adını belirlediler - Yu. Daha sonra şekline ve üretimi için kullanılan malzemeye bağlı olarak chao, ho, sheng olarak adlandırılmaya başlandı. Diğer sheng çeşitleri de bilinmektedir - chonofui veya gonofui (Japonya), ken (Laos), lusheng ve hulusheng (Güneybatı Çin). Rusya'da ve diğer Avrupa ülkelerinde, sheng'lere bazen Çin ağız organları deniyordu.



Bibelharmonica, orchestrion, elodicon

Avrupa'da yeni ses üretimi ilkesi (kayan metal dil) üzerine inşa edilen ilk müzik aletleri ortaya çıktığında, org yapımcıları eski müzik aletleri biçimlerini kullandılar: taşınabilir org, regalia, pozitif (taşınabilir) org, vb. Bu açıkça görülüyor. bu türden ilk enstrümanlar örneğinde.

Sentezleyici

Bir veya daha fazla ses dalgası üreteci kullanarak sesi sentezleyen elektronik bir müzik aleti. İstenen ses, elektrik sinyalinin özelliklerini değiştirerek (analog sentezleyicilerde) veya merkezi işlemcinin parametrelerini ayarlayarak (dijital sentezleyicilerde) elde edilir.

Klavyeli kasa şeklinde yapılmış bir sentezleyiciye klavye sentezleyici denir.
Klavyesiz kasa şeklinde yapılmış bir sentezleyici, sentezleyici modülü olarak adlandırılır ve bir MIDI klavyesinden kontrol edilir.
Bir klavye sentezleyici yerleşik bir sıralayıcı ile donatılmışsa buna iş istasyonu denir.
Sentezleyici türleri:

Kullanılan teknolojiye bağlı olarak, sentezleyiciler birkaç türe ayrılır:

Analog sentezleyiciler, eklemeli ve çıkarmalı sentez türlerini uygular. Analog sentezleyicilerin ana özelliği, sesin gerçek elektrik devreleri kullanılarak üretilmesi ve işlenmesidir. Genellikle çeşitli sentez modüllerinin bağlantısı, özel kablolar - yama telleri kullanılarak yapılır, bu nedenle "yama", müzisyenler arasında bir sentezleyicinin belirli bir tınısının ortak adıdır.

Analog sentezleyicilerin ana avantajı, filtre kesme frekansının hareketi gibi sesin doğasında zaman içinde meydana gelen tüm değişikliklerin son derece düzgün (sürekli olarak) gerçekleşmesidir. Dezavantajlar arasında yüksek düzeyde gürültü bulunur, ayar dengesizliği sorunu artık aşılmıştır. Günümüzde kullanılan en ünlü analog sentezleyiciler şunları içerir: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Sanal analog sentezleyiciler, vücutlarında bir yazılım bileşeni taşıyan, analog sentezleyici ile dijital arasındaki bir melezdir. Bunların en ünlüleri şunlardır: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Dijital sentezleyiciler, dijital sentezleyicilerin yanı sıra varyasyonlarını içerir: sanal sentezleyiciler-eklentiler / bağımsız ve etkileşimli sentezleyiciler. Çeşitli sentez türlerini uygularlar. Orijinal dalga biçimleri oluşturmak ve oynatmak, sesi filtreler, zarflar vb. ile değiştirmek için. bir merkezi işlemciye ve birkaç yardımcı işlemciye dayalı dijital cihazlar kullanılır.

Aslında, bir dijital sentezleyici oldukça özel bir bilgisayardır. Kişisel bilgisayarlar gibi modern dijital sentezleyicilerin en gelişmiş modelleri (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros) güncelleme yapmanıza olanak tanır. işletim sistemi, sayfa menüleri, yerleşik yardım dosyaları, ekran koruyucular vb. içerir.

Sanal sentezleyiciler, dijital sentezleyicilerin bir alt kümesidir, ancak özel bir yazılım türüdür. Ses oluşturmak için kişisel bir bilgisayarın merkezi işlemcisi ve RAM'i kullanılır ve sesi bir oynatma aygıtına göndermek için bir PC ses kartı kullanılır.

Sanal sentezleyiciler, hem bağımsız yazılım ürünleri hem de genellikle çok kanallı bir kayıt cihazı (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour, vb.). Yüksek kullanılabilirlik, gerçek hayattaki enstrümanların modelleri (örneğin, Native Pro53 - Prophet sentezleyici emülatörü, Novation V-Station - Novation K-Station sentezleyici emülatörü, Korg Legacy - Korg M1 sentezleyici emülatörleri, Wavestation) dahil olmak üzere sanal sentezleyicilerin artan popülaritesine yol açar , PolySix, MS20 vb.).

>Etkileşimli veya ev sentezleyicileri, özellikle ev ve salon amatör müzik yapımının yanı sıra etkileşimli müzik eğitimi için tasarlanmış çeşitli dijital sentezleyicilerdir. Tipik olarak, bu sentezleyiciler, gerçek zamanlı kontroller dahil olmak üzere gelişmiş ses düzenleme araçlarına sahip değildir. Çeşitli orkestra enstrümanlarının gerçekçi taklidi ve otomatik eşlik işlevinin kullanımına vurgu yapılır. Bu durumda, herhangi bir müzik parçasını çalmak için icracının sıralayıcıya sesleri programlaması veya bölümleri kaydetmesi gerekmez - sadece bir melodi için hazır bir ses ve otomatik eşlik için bir tarz seçin.

Tabii ki, bu tür sentezleyicilerin kontrolü, profesyonel performans gösteren modellerden çok daha basittir ve genellikle bir çocuk tarafından bile erişilebilir. Bu türden birçok sentezleyici, "notayı tahmin et" veya "akoru tahmin et" gibi eğitici oyunları, dinleme ve öğrenme için hazır müzik koleksiyonlarını, ekranda şarkı sözlerini gösteren bir karaoke işlevini vb. içerir. Bu sentezleyici kategorisi Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR ailelerini vb. içerir.

Ses sentezi türleri:

Ses dalgalarını üretme yöntemine ve bunların dönüşümüne bağlı olarak, ses sentezi aşağıdaki gibi sınıflandırılabilir:

Farklı frekanslara ve genliklere sahip basit (genellikle sinüzoidal) bir şekle sahip birkaç dalganın üst üste binme (üst üste binme) ilkesini kullanan toplama (toplama) sentezi. Elektrik organlarına benzetilerek, bu dalgalara kayıt adı verilir ve 16' (alınan sesten bir oktav daha düşük ton), 8' (ilk ton), 4' (alınan sesten bir oktav daha yüksek ton) vb. olarak gösterilir. (şekil, ilgili organ kaydının fit cinsinden boru uzunluğudur). Saf haliyle elektrik organlarında (Hammond, Farfisa) ve bunların dijital öykünücülerinde (Korg CX-3, Roland VK-8, vb.) bulunur. Enstrümanın sesi daha zengindir, tasarımda daha fazla kayıt kullanılır.

Orijinal keyfi dalga formunun çeşitli filtrelerden, zarf üreteçlerinden, efekt işlemcilerinden vb. geçerken tını değiştirdiği eksiltici (eksiltici) sentez. Bir alt küme olarak, bu tür sentez, neredeyse tüm modern sentezleyici modellerinde yaygın olarak kullanılmaktadır.

Basit bir formdaki birkaç dalganın etkileşiminin (frekans modülasyonu ve toplamı) gerçekleştiği operatör (FM, İngiliz Frekans Modülasyonundan) sentezi. Her dalga, özellikleriyle birlikte bir operatör olarak adlandırılır, operatörlerin belirli bir konfigürasyonu bir algoritma oluşturur. Sentezleyicinin tasarımında ne kadar çok operatör kullanılırsa, enstrümanın sesi o kadar zengin olur. Örneğin, bugüne kadar hala popüler olan Yamaha DX-7 sentezleyici (1984), 36 farklı algoritma tarafından yapılandırılan 6 operatöre sahiptir.

Güçlü işlemcilerin kullanılması nedeniyle, gerçek fiziksel süreçlerin şu veya bu tür müzik enstrümanlarında simüle edildiği fiziksel sentez. Örneğin flüt gibi üflemeli çalgılar için parametreler borunun uzunluğu, profili ve çapı, hava akış hızı, gövde malzemesi olacaktır; telli çalgılar için - gövde boyutu, malzeme, tel uzunluğu ve gerginliği, vb. Fiziksel sentez, Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, vb. enstrümanlar tarafından kullanılır.

Sesin, enstrümanın hafızasında önceden kaydedilmiş gerçek müzik enstrümanlarının (örnekler ve çoklu örnekler) ses parçalarının çalınmasıyla oluşturulduğu dalga tablosu (PCM) sentezi. Bu gruptaki en ünlü sentezleyici, dünyanın en pahalı sentezleyicisi olarak da bilinen Waldorf Wave'dir.

Farklı ses sentezi yöntemlerinin bir veya daha fazlasının kullanıldığı hibrit sentez, örneğin "toplama + çıkarma", "dalga + çıkarma", "operatör + çıkarma" vb. Modern enstrümanların çoğu, tınıyı en geniş aralıkta değiştirmek için çok güçlü araçlara sahip olduğundan, hibrit sentez temelinde oluşturulur.

Modern bir sentezleyicinin kontrolü:

Modern bir profesyonel sentezleyicinin kontrolü, sesin belirli yönlerinden sorumlu olan yüzlerce hatta binlerce çeşitli parametrenin kontrolü ile ilişkili karmaşık bir süreçtir. Bazı parametreler döner düğmeler, tekerlekler, pedallar, düğmeler kullanılarak gerçek zamanlı olarak kontrol edilebilir; diğer parametreler, belirli özelliklerin zamanında önceden programlanmış değişiklikleri için kullanılır. Bu bağlamda, dijital sentezleyicilerin tınılarına (yamalarına) da genellikle programlar denir.

Klavye ve dinamik izleme, bir tuş vuruşunun konumunu ve hızını izlemek için kullanılır. Örneğin, alt tuşlardan üst tuşlara geçerken, tını çellodan flüte sorunsuz bir şekilde değişebilir ve tuşa daha kuvvetli bir şekilde basıldığında, genel sese timpani eklenir.

Bir sesin belirli bir parametresini periyodik olmayan bir şekilde değiştirmek için bir zarf kullanılır. Tipik olarak, zarf grafiği, saldırı (Saldırı), bozulma (Çürüme), destek (Sürdürme) ve bozulmadan (Serbest bırakma) oluşan kesikli bir çizgidir (ayrıca ADSR zarfına bakın), ancak çeşitli sentezleyici modellerinde daha basit bulunurlar ( ADR ) ve daha karmaşık çok aşamalı zarflar. Toplam Zarf, bir sentezleyicinin önemli bir özelliğidir.

Filtre, toplam sinyal spektrumundan belirli bir frekans bandını kesmek için kullanılır. Çoğu zaman, filtre ayrıca frekans bandını kesme sınırında keskin bir şekilde artırmayı mümkün kılan rezonans ile donatılmıştır. Filtre özelliklerini gerçek zamanlı kontroller, klavye takibi ve/veya zarflarla değiştirmek, son derece çeşitli ses seçenekleri elde etmenizi sağlar. Toplam filtre sayısı, bir sentezleyicinin önemli bir özelliğidir.

Halka modülatör, orijinal sinyali, harmoniklerle önemli bir zenginleşme olduğu için belirli bir (sabit veya değişken) frekansa sahip başka bir sinyalle modüle etmenize olanak tanır. "Zil" (eng. "çağrı") adı, bu düğümün genellikle enstrümanın "zil benzeri" bir sesini elde etmeye hizmet etmesinden kaynaklanmaktadır.

Düşük Frekanslı Osilatör, perde, ses seviyesi, filtre kesme frekansı vb. gibi sesin belirli parametrelerini periyodik olarak değiştirmek için kullanılır. Hacimdeki döngüsel değişiklik durumunda tremolo etkisi, perdedeki değişiklik vibrato etkisi yaratır, filtre kesme frekansındaki periyodik değişiklik “wah-wah” etkisi olarak adlandırılır.

Efekt işleme, sesi sonlandırmak için kullanılır. Modern sentezleyiciler genellikle oldukça fazla sayıda efekt işlemcisi ile donatılmıştır (örneğin, Korg Karma - 8 işlemci, Roland Fantom - 6 işlemci, vb.). İşlemciler, istenirse seri devreler halinde birleştirilebilmelerine rağmen, birbirlerinden bağımsız olarak çalışırlar. Modern efekt işlemcileri, çok sayıda uzamsal (yankı, gecikme, yankı), modülasyon (flanş, koro, fazer) ve diğer (overamp, frekans kayması, harmonik zenginleştirme) efekt algoritmalarını uygular.

En gelişmiş modeller, gerçek zamanlı kontroller, zarflar, LFO'lar ve daha fazlasından gelen efekt parametrelerini kontrol etme araçlarına sahiptir.

Modern piyanonun mekaniği, 17. yüzyılın sonunda İtalyan usta Cristofori tarafından icat edildi ( resmi tarih- TAMAM. 1709), tasarımında çekiçler tellerin altındaydı. Enstrümanın adı gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - ve daha sonra piyanonun adı sabitlendi.

Cristofori'nin icadı, İngiliz sisteminin mekaniğinin gelişiminin başlangıcı oldu. Diğer mekanik türleri Fransa'da Marius (1716) ve Almanya'da Schroeter (1717-21) tarafından geliştirildi. Sebastian Erard, tuşa yarıdan hızlıca tekrar basarak ses çıkarmayı mümkün kılan çift prova mekaniğini icat etti. İngiliz sisteminin mekaniğinde, böyle bir tekrar ancak anahtar tamamen kaldırıldığında mümkündü.

Rusya'da piyano işi öncelikle St. Petersburg ile ilişkilendirildi. Sadece 18. yüzyılda 50'den fazla piyano ustası burada çalıştı. 19. yüzyılın ilk yarısında fabrika piyano üretiminin gelişimi, ilk Rus piyano üreticisi, İmparatorluk Mahkemesi tedarikçisi, İngiliz usta G. Faverier, Alman ustalar I.-A. Tischner'in faaliyetlerinden etkilenmiştir. K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I.-F. Schroeder ve 1840'tan beri Belçikalı G.-G. Lichtental. Bugüne kadar, 1917 devriminden önce Rusya'da çalışan 600'den fazla piyano ustasının adı biliniyor, bu çalışmalarla St.Petersburg Konservatuarı'nın piyano ustası, filoloji bilimleri adayı Sergeev M.V.
19. yüzyılın ortalarında Almanya'da, ABD'de J. Blutner, K. Bechstein'ın fabrikaları açıldı - Steinway ve oğulları, uzun yıllar benzersiz
20. yüzyılda, temelde yeni enstrümanlar ortaya çıktı - elektronik piyanolar ve sentezleyicilerin yanı sıra özel bir ses üretimi biçimi - hazırlanmış bir piyano.

Piyano için özel olarak yazılmış ilk müzik parçası 1732'de çıktı (Lodovico Giustini'nin sonatı). Bununla birlikte, besteciler kırk ya da elli yıl sonra, Haydn ve Mozart günlerinde toplu halde klavsen yerine piyanoya odaklanmaya başladılar.

Piyanolar kuyruklu piyanolar - yatay telli enstrümanlar - ve dik piyanolar olarak ikiye ayrılır. Bilinen ilk dikey piyano, onu 1745 yılında yaratan K.-E. 1748'de böyle G. Silbermann da aynı enstrümanları yaptı. Dikey piyano çeşitleri - piramit, piyano-lir, piyano-büro, piyano-arp vb. 19. yüzyılın ortalarından beri sadece piyanolar ve kuyruklu piyanolar üretilmiştir.

Piyanoda ses, tellere çekiçle vurularak üretilir. Teller, rezonans güvertesine yapıştırılmış tiz ve bas mandallarından geçerek pimler (mandallar) yardımıyla bir dökme demir çerçeve üzerine gerilir (piyanoda, güverte dikey konumdadır, kuyruklu piyanolarda - bir yatay pozisyon). Her ses için bir yaylı korosu vardır: orta ve yüksek aralıklar için üç, alçak aralıklar için iki veya bir. Çoğu piyanonun aralığı, A alt kontroktavından 5. oktav'a kadar 88 yarım tondur (eski enstrümanlar yukarıdan 4. oktavın A notası ile sınırlı olabilir; daha geniş bir aralığa sahip enstrümanlar bulabilirsiniz). Nötr konumda, teller, son bir buçuk ila iki oktav hariç, sönümleyiciler (susturucular) ile temas halindedir. Tuşlara basıldığında, piyano mekaniği adı verilen kaldıraçlar, kayışlar ve çekiçlerden oluşan bir cihaz etkinleştirilir. Bastıktan sonra, amortisör, telin serbestçe ses çıkarabilmesi için karşılık gelen tel korosunu terk eder ve keçe (keçe) ile kaplanmış bir çekiç ona vurur.
Piyano pedalları
Modern piyanoların iki veya üç pedalı vardır (en yeni modellerde dört pedal bulunur). Daha önceki enstrümanlarda, aynı amaç için piyanistin dizleriyle bastırmak zorunda kaldığı geri çekilebilir kollar kullanılıyordu.
Sağ pedal (en sık kullanıldığı için bazen kısaca "pedal" olarak anılır) tüm sönümleyicileri aynı anda yükseltir, böylece tuş bırakıldığında karşılık gelen teller çalmaya devam eder. Ek olarak, enstrümanın diğer tüm telleri de titreşmeye başlayarak ikincil bir ses kaynağı haline gelir. Sağ pedal iki amaç için kullanılır: teknik zorluklar nedeniyle parmakla yapmanın imkansız olduğu durumlarda çıkarılan seslerin sırasını ayrılmaz hale getirmek (legato çalma) ve sesi yeni tonlarla zenginleştirmek. Pedalı kullanmanın iki yolu vardır: doğrudan pedal - tutulacak tuşlara basmadan önce pedala basma ve tuşa basıldıktan hemen sonra ve bırakmadan önce pedala basıldığında gecikmeli pedal. Notalarda, bu pedal P harfiyle (veya Ped kısaltmasıyla) gösterilir ve çıkarılması bir yıldız işaretiyle gösterilir. Romantizm ve izlenimcilik dönemlerinin bestecilerinin müziğinde, genellikle sese özel bir tat vermek için bu tanımlamalara sıklıkla rastlanır.
Sol pedal sesi kısmak için kullanılır. Kuyruklu piyanolarda bu, çekiçlerin sağa kaydırılmasıyla elde edilir, böylece koronun üç teli yerine yalnızca ikisini vururlar (eskiden, bazen yalnızca bir). Bir piyanoda, çekiçler tellere daha yakın hareket eder. Bu pedal çok daha az kullanılır. Notalarda una corda olarak işaretlenir, çıkarılması tre corde veya tutte le corde olarak işaretlenir. Piyano çalarken sol pedalı kullanmak, sesi zayıflatmanın yanı sıra, serbest bırakılan koro tellerinin titreşimi nedeniyle sesi yumuşatmanıza, daha sıcak ve güzel hale getirmenize olanak tanır.
Orta (veya tarihsel olarak en son eklendiğinden üçüncü) pedal veya sostenuto pedalı, amortisörleri seçici olarak yükseltmeye yarar. Orta pedala basıldığında, tuşlara basıldığında yükselen damperler, pedal bırakılana kadar yüksekte kalır. Sağ pedal gibi legato çalmak için kullanılabilir, ancak sesi diğer tellerin titreşimiyle zenginleştirmez. Bu pedal bugün çoğu piyanoda yoktur ve çoğu kuyruklu piyanoda bulunur. Orta pedalın sola "kaydığı" ve böylece sabitlendiği piyanolar varken, çekiçler ve teller arasına sesin çok sessiz hale gelmesi nedeniyle müzisyenin çalmasına izin veren özel bir kumaş yerleştirilir. geceleyin.
Piyano hem solo enstrüman olarak hem de orkestra ile birlikte kullanılabilir (örneğin, orkestra ile piyano konçertolarında). Piyano çalmak iyi teknik, dikkat ve özveri gerektiren bir aktivitedir. Eğitime başlamanız önerilir. çocukluk. çocuklarda müzik okulları(DMSH) Rusya'da, eğitim programa bağlı olarak 5 veya 7 yıl sürer, bazı öğrenciler bir müzik okuluna girmeden önce mezun olduktan sonra bir veya iki yıl daha kalırlar. Müzik okulu veya eşdeğer bir eğitimden sonra, eğitiminize bir müzik okulu veya kolejinde ve ardından bir konservatuarda, üniversitede devam edebilirsiniz. profesyonel piyanist. Müzik okulunda, genel piyano da neredeyse tüm ana dallar için zorunlu bir derstir. Seçkin piyanistler XX yüzyıl - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould ve diğerleri.
Piyano, zamanla enstrümanın tellerinin gerginliği zayıfladığından, doğru bakım koşullarının yanı sıra düzenli akort gerektirir. Akortlama sıklığı aletin sınıfına, üretim kalitesine, yaşına, bakım ve çalıştırma koşullarına bağlıdır. Akort, kural olarak, icracının kendisi tarafından değil, bir uzman - usta bir piyano akortçusu tarafından yapılır, ancak teorik olarak, elinizde bir elektronik akort aleti olması ve her bir telin tam frekans özelliklerini bilmesi durumunda, herkes yapabilir. akort, müzik kulağı olmasa bile.
Delphic Games adaylarından biridir.