İdeal bir şehir yaratma sorunu. İdeal Şehir

Rönesans en önemli dönemlerden biridir. kültürel gelişme insanlık, çünkü şu anda temelde temelleri atılıyor yeni kültür, gelecekte gelecek nesiller tarafından aktif olarak kullanılacak bir fikir, düşünce, sembol zenginliği vardır. XV.Yüzyılda. İtalya'da, gerçek bir mimari düzenlemeden çok bir proje, bir gelecek modeli gibi geliştirilen yeni bir şehir imajı doğuyor. Tabii ki, Rönesans İtalya'sında şehirleri çok güzelleştirdiler: sokakları düzleştirdiler, cepheleri düzleştirdiler, kaldırımlar yapmak için çok para harcadılar, vb. , yıkılan eski binaların yerine onları dikti. Genel olarak, İtalyan şehri gerçekte mimari manzarasında ortaçağ olarak kaldı. Aktif bir kentsel gelişme dönemi değildi, ancak tam da bu dönemde kentsel meseleler kültürel inşanın en önemli alanlarından biri olarak kabul edilmeye başlandı. Bir şehrin sadece politik değil, aynı zamanda sosyokültürel bir fenomen olarak da ne olduğu hakkında birçok ilginç inceleme ortaya çıktı. Rönesans hümanistlerinin gözünde ortaçağdan farklı olarak yeni bir şehir nasıl ortaya çıkıyor?

Tüm kentsel planlama modellerinde, projelerinde ve ütopyalarında, şehir her şeyden önce kendisini kutsal prototipinden - insan kurtuluşu alanını simgeleyen göksel Kudüs'ten, gemiden - kurtardı. Rönesans döneminde, fikir ideal şehir, ilahi prototipten başka bir şey değil, bireysel bir sonucu olarak yaratılmıştır. yaratıcı etkinlik mimar. Mimarlık Üzerine On Kitap klasiğinin yazarı olan ünlü L. B. Alberti, orijinal mimari fikirlerin kendisine genellikle geceleri, dikkatinin dağıldığı zamanlarda geldiğini ve uyanıkken kendini göstermeyen şeylerin göründüğü rüyalar gördüğünü iddia etti. Yaratıcı sürecin bu laikleştirilmiş tasviri, klasik Hıristiyan görme edimlerinden oldukça farklıdır.

Yeni şehir, sosyal, politik, kültürel ve evsel amacında göksel değil, dünyevi düzenlemelere karşılık gelen İtalyan hümanistlerinin eserlerinde ortaya çıktı. Kutsal-mekansal daralma ilkesi üzerine değil, işlevsel, tamamen seküler bir mekânsal sınırlandırma temelinde inşa edilmiş ve önemli konut veya kamu binaları etrafında gruplanmış meydanlara, sokaklara bölünmüştür. Böyle bir yeniden yapılanma, örneğin Floransa'da bir dereceye kadar gerçekleştirilmiş olsa da, daha büyük ölçüde görsel sanatlarda, Rönesans tablolarının yapımında ve mimari projelerde gerçekleştirilmiştir. Rönesans şehri, insanın doğaya karşı zaferini, insan uygarlığının doğadan "ayrılmasının" yeni insan yapımı dünyasına makul, uyumlu ve güzel gerekçelere sahip olduğuna dair iyimser inancı sembolize ediyordu.

Rönesans adamı, yaratıcı tarafından bitmemiş olduğu ortaya çıkan şeyi kendi elleriyle tamamlayan, uzayın fethi medeniyetinin bir prototipidir. Bu nedenle mimarlar, şehirleri planlarken, kentsel topluluğun yaşamı için gerekli tüm binaları yerleştirmenin gerekli olduğu çeşitli geometrik şekil kombinasyonlarının estetik önemine dayanan güzel projeler yaratmayı seviyorlardı. Faydacı düşünceler arka planda kayboldu ve mimari fantezilerin özgür estetik oyunu, o zamanın şehir planlamacılarının bilincine boyun eğdirdi. Bireyin varoluşunun temeli olarak özgür yaratıcılık fikri, Rönesans'ın en önemli kültürel zorunluluklarından biridir. Bu durumda mimari yaratıcılık, daha çok bazı karmaşık süs fantezilerine benzeyen bina projelerinin yaratılmasında ifade edilen bu fikri somutlaştırdı. Uygulamada, bu fikirlerin öncelikle düzenli şekilli levhalarla kaplanmış çeşitli taş döşeme türlerinin oluşturulmasında uygulandığı ortaya çıktı. Kasaba halkının gurur duyduğu ve onlara "elmas" adını verdiği ana yenilikler onlardı.

Şehir, başlangıçta doğal dünyanın doğallığına karşı yapay bir ürün olarak tasarlandı, çünkü ortaçağ şehrinin aksine, yaşam alanını boyun eğdirdi ve yönetti ve sadece araziye sığmadı. Bu nedenle, Rönesans'ın ideal şehirlerinin katı kuralları vardı. geometrik şekil kare, haç veya sekizgen şeklinde. I. E. Danilova'nın uygun ifadesine göre, o zamanın mimari projeleri, her şeyin tabi olduğu insan aklının egemenliğinin bir mührü olarak, araziye yukarıdan bindirilmiş gibiydi. Yeni Çağ çağında insan, anlaşılmaz şans veya talih oyunundan kurtulmak için dünyayı öngörülebilir, makul kılmaya çalıştı. Bu nedenle L. B. Alberti, "Aile Üzerine" adlı çalışmasında, aklın sivil işlerde ve insan yaşamında servetten çok daha büyük bir rol oynadığını savundu. Ünlü mimarlık ve şehir planlama teorisyeni, uygulamalı matematik ve geometri kurallarını ona genişleterek dünyayı test etme ve fethetme ihtiyacından bahsetti. Bu bakış açısına göre, Rönesans kenti dünyayı fethetmenin en yüksek biçimiydi, çünkü şehir planlama projeleri, doğal peyzajın yeniden düzenlenmesini ve bunun üzerine sınırları çizilmiş alanlardan oluşan geometrik bir ızgara dayatmanın bir sonucu olarak içeriyordu. Orta Çağ'dan farklı olarak, merkezi katedral değil, şehir surlarının ötesinde mesafeye bakan, her yönden sokaklarla açılan meydanın boş alanı olan açık bir modeldi.

Kültür alanındaki modern uzmanlar, Rönesans şehirlerinin mekansal organizasyonunun sorunlarına giderek daha fazla ilgi gösteriyor, özellikle şehir meydanının teması, doğuşu ve anlambilimi çeşitli uluslararası sempozyumlarda aktif olarak tartışılıyor. R. Barth şöyle yazdı: “Şehir, işlevlerinin sıralanabileceği eşdeğer öğelerden değil, önemli ve önemsiz öğelerden oluşan bir dokudur ... Ek olarak, her şeyin olduğunu not etmeliyim. daha büyük değer anlamlı olanın boşluğu yerine anlamlı olanın boşluğunu vermeye başlarlar. Başka bir deyişle, unsurlar kendi başlarına değil, bulundukları yere bağlı olarak giderek daha önemli hale geliyor.

Ortaçağ şehri, binaları, kilise, yakınlık olgusunu somutlaştırdı, ister bir katedral ister küçük bir kaleye benzer bir saray olsun, bazı fiziksel veya ruhsal engellerin üstesinden gelme ihtiyacı, bu özel, ayrılmış dış dünya uzay. Oraya nüfuz etmek her zaman bazı gizli sırlara aşina olmayı sembolize ederdi. Meydan ise bambaşka bir dönemin simgesiydi: sadece yukarıya değil, yanlara da sokaklar, ara sokaklar, pencereler vb. aracılığıyla açıklık fikrini somutlaştırdı. kapalı bir alan. Buna karşılık, herhangi bir kare anında açılmış ve açık bir alan hissi yaratmıştır. Şehir meydanları, olduğu gibi, mistik sırlardan kurtulma sürecini sembolize ediyor ve açıkça kutsallıktan arındırılmış alanı somutlaştırıyordu. L. B. Alberti, şehirlerin en önemli dekorasyonunun sokakların ve meydanların konumu, yönü, yazışmaları, yerleşimi ile verildiğini yazdı.

Bu fikirler, XIV ve XV yüzyıllarda Floransa'da gerçekleşen bireysel aile klanlarının kontrolünden kentsel alanların kurtarılması mücadelesinin gerçek uygulamasıyla desteklendi. F. Brunelleschi bu dönemde şehirde üç yeni meydan tasarlar. Çeşitli soyluların mezar taşları meydanlardan kaldırılır, buna göre pazarlar yeniden kurulur. Açık alan fikri, duvarlarla ilgili olarak L. B. Alberti tarafından somutlaştırılmıştır. Duvarların gelenekselliğini bir engel olarak vurgulamak için sütun dizilerinin mümkün olduğunca sık kullanılmasını tavsiye ediyor. Bu nedenle Alberti'deki kemer, kilitli şehir kapılarının tam tersi olarak algılanıyor. Kemer, sanki manzaraları açmak için bir çerçeve görevi görüyor ve böylece kentsel alanı birbirine bağlıyormuş gibi her zaman açıktır.

Rönesans kentleşmesi, kentsel mekanın yakınlığını ve izolasyonunu değil, aksine onun şehir dışına dağılımını ifade eder. "Doğanın fatihi" nin agresif saldırı duygusu, Francesco di Giorgio Martini'nin projelerinde gösteriliyor. Yu M. Lotman, incelemelerinin özelliği olan bu uzamsal dürtü hakkında yazdı. Çoğu durumda Martini kaleleri, güçlü bir şekilde dışa doğru uzanan burçlara sahip duvarların köşeleriyle her yönden çıplak bırakılan bir yıldız şekline sahiptir. Bu mimari çözüm, büyük ölçüde güllenin icadına bağlıydı. Uzayın çok ilerisindeki burçlara monte edilen toplar, düşmanlara aktif olarak karşı koymayı, onları çok uzaklardan vurmayı ve ana duvarlara ulaşmalarını engellemeyi mümkün kılıyordu.

Leonardo Bruni, Floransa üzerine övgü dolu eserlerinde, bize gerçek bir şehirden çok somutlaşmış bir sosyokültürel doktrin sunuyor, çünkü o, kentsel yerleşimi "düzeltmeye" ve binaların konumunu yeni bir şekilde tanımlamaya çalışıyor. Sonuç olarak, Palazzo Signoria, kentsel gücün bir sembolü olarak, gerçekte olduğundan daha geniş duvar halkaları, surlar vb. bir ortaçağ şehrinin kapalı modelinden ve somutlaştırmaya çalışır Yeni fikir yeni bir çağın bir nevi sembolü olan kentsel genişleme fikri. Floransa yakındaki toprakları ele geçirir ve geniş bölgeleri boyunduruk altına alır.

Böylece, XV. Yüzyılda ideal şehir. dikey kutsallaştırılmış bir projeksiyonda değil, bir kurtuluş alanı olarak değil, rahat bir yaşam ortamı olarak anlaşılan yatay bir sosyo-kültürel mekanda tasarlanır. Bu nedenle ideal şehir, 15. yüzyıl sanatçıları tarafından tasvir edilmiştir. uzak bir hedef olarak değil, insan yaşamının güzel ve uyumlu bir alanı olarak içeriden.

Bununla birlikte, başlangıçta Rönesans şehrinin imajında ​​\u200b\u200bbulunan bazı çelişkilere dikkat etmek gerekir. Bu dönemde, öncelikle "halkın iyiliği için" yaratılan yeni tipte muhteşem ve konforlu konutların ortaya çıkmasına rağmen, şehrin kendisi zaten izin vermeyen taş bir kafes olarak algılanmaya başlıyor. özgür, yaratıcı bir insan kişiliğinin gelişimi. Kent peyzajı, doğayla çelişen bir şey olarak algılanabilir ve bildiğiniz gibi, o dönemin sanatçıları, şairleri ve düşünürleri için estetik hayranlık konusu doğadır (insan ve insan olmayan).

Sosyo-kültürel alanın kentleşmesinin başlangıcı, ilkel, ilkel ve coşkuyla algılanan biçimlerinde bile, zaten bir ontolojik yalnızlık, yeni, "yatay" dünyada terk edilmişlik duygusu uyandırdı. Gelecekte bu ikilik gelişecek, modern zamanların kültürel bilinciyle şiddetli bir çelişkiye dönüşecek ve ütopik kent karşıtı senaryoların ortaya çıkmasına yol açacaktır.

RuNet'teki en geniş bilgi tabanına sahibiz, bu nedenle benzer sorguları her zaman bulabilirsiniz

Bu konu şuna aittir:

kültür bilimi

Kültür teorisi. Sosyo-insani bilgi sisteminde kültür bilimi. Zamanımızın temel kültürel kuramları ve ekolleri. Kültür dinamikleri. Kültür tarihi. Eski uygarlık - beşik Avrupa kültürü. kültür Avrupa Orta Çağı. Gerçek problemler modern kültür. Küreselleşen bir dünyada kültürün ulusal yüzleri. Diller ve kültür kodları.

Bu materyal bölümleri içerir:

Toplumun varlığı ve gelişimi için bir koşul olarak kültür

Bağımsız bir bilgi alanı olarak kültür bilimi

Kültürel çalışmaların kavramları, amacı, konusu, görevleri

Kültürel bilginin yapısı

Kültürel araştırma yöntemleri

Kültür anlayışında tarihsel ve mantıksal birlik

Kültür hakkında eski fikirler

Orta Çağ Kültürünü Anlamak

Modern zamanların Avrupa felsefesinde kültürün kavranması

XX yüzyılın kültürel araştırmalarının genel özellikleri.

O. Spengler'in kültürel kavramı

Kültürün entegrasyon teorisi P. Sorokin

Kültürün psikanalitik kavramları

Kültürün özünün analizine yönelik temel yaklaşımlar

Kültür morfolojisi

Kültürün normları ve değerleri

kültürün işlevleri

İtalya'da Rönesans sanatı (XIII-XVI yüzyıllar).

KAYNAĞIN MALZEMELERİ http://artclassic.edu.ru SAYFAYI DERLERKEN KULLANDIK

İtalya'da Rönesans sanatının özellikleri.

Rönesans sanatı, 14. yüzyılda ortaya çıkan bir sosyal düşünce akımı olan hümanizm temelinde (Latince humanus - “insan”) ortaya çıktı. İtalya'da ve ardından 15. yüzyılın ikinci yarısında ve 16. yüzyılda. diğer Avrupa ülkelerine yayıldı. Hümanizm, insanın ve onun iyiliğinin en yüksek değerini ilan etti. Bu akımın takipçileri, her insanın yeteneklerini gerçekleştirerek özgürce bir kişi olarak gelişme hakkına sahip olduğuna inanıyorlardı. Hümanizmin fikirleri, ana teması sınırsız manevi ve yaratıcı olanaklara sahip güzel, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir insan olan sanatta en eksiksiz ve canlı bir şekilde somutlaştırılmıştı. Hümanistler, kendilerine bir bilgi kaynağı ve bir sanatsal yaratıcılık modeli olarak hizmet eden antik çağlardan ilham aldılar. İtalya'nın sürekli kendini hatırlatan büyük geçmişi, o zamanlar en yüksek mükemmellik olarak algılanırken, Orta Çağ sanatı beceriksiz ve barbarca görünüyordu. 16. yüzyılda ortaya çıkan "canlanma" terimi, klasik antik kültürü canlandıran yeni bir sanatın doğuşu anlamına geliyordu. Bununla birlikte, Rönesans sanatı, Orta Çağ'ın sanatsal geleneğine çok şey borçludur. Eski ve yeni ayrılmaz bir şekilde birbirine bağlı ve karşı karşıya geliyordu. Kökenlerinin tüm çelişkili çeşitliliğine rağmen, Rönesans sanatına derin ve temel bir yenilik damgasını vurmuştur. Modern zamanların Avrupa kültürünün temellerini attı. Tüm büyük sanat formları - resim ve grafik, heykel, mimari - muazzam bir şekilde değişti.
Mimaride, antik çağın yaratıcı bir şekilde elden geçirilmiş ilkeleri sipariş sistemi , yeni tip kamu binaları ortaya çıktı. Boyama çizgisel ve zenginleştirilmiş hava perspektifi insan vücudunun anatomisi ve oranları hakkında bilgi. Dünyevi içerik, sanat eserlerinin geleneksel dini temalarına nüfuz etti. Antik mitolojiye, tarihe, gündelik sahnelere, manzaralara, portrelere artan ilgi. Üzerini süsleyen anıtsal duvar resimlerinin yanı sıra mimari yapılar, bir resim belirdi; yağlıboya kökenlidir.
Sanat henüz bir zanaat olmaktan çıkmadı ama o zamanlar faaliyetleri çok çeşitli olan sanatçının yaratıcı bireyselliği zaten ilk sırayı almıştı. Rönesans ustalarının evrensel yeteneği şaşırtıcı - genellikle mimarlık, heykel ve resim alanında aynı anda çalıştılar, edebiyat, şiir ve felsefe tutkularını kesin bilimler çalışmasıyla birleştirdiler. Yaratıcı açıdan zengin veya "Rönesans" kişiliği kavramı daha sonra her yerde kullanılan bir kelime haline geldi.
Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir. Bilişsel anlamı, yüce şiirsel güzellikle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı; doğallık arayışında, günlük yaşamın önemsizliğine inmedi. Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.
İtalya'da Rönesans kültürünün oluşumu ekonomik olarak bağımsız şehirlerde gerçekleşti. Rönesans sanatının yükselişinde ve gelişmesinde, Kilise ve taçsız hükümdarların muhteşem mahkemeleri - resim, heykel ve mimari eserlerinin en büyük patronları ve müşterileri olan yönetici zengin aileler önemli bir rol oynadı. Rönesans kültürünün ana merkezleri önce Floransa, Siena, Pisa, ardından Padua, Ferrara, Cenova, Milano ve daha sonra 15. yüzyılın ikinci yarısında zengin tüccar Venedik şehirleriydi. 16. yüzyılda. başkent İtalyan Rönesansı Roma oldu. O zamandan beri Venedik dışındaki diğer tüm kültür merkezleri eski önemini yitirmiştir.
İtalyan Rönesansı döneminde, birkaç dönemi ayırt etmek gelenekseldir:

Proto-Rönesans (XIII-XIV yüzyılların ikinci yarısı),

Erken Rönesans (XV. yüzyıl),

Yüksek Rönesans (15. yüzyılın sonları - 16. yüzyılın ilk üçte biri)

Geç Rönesans (16. yüzyılın son üçte ikisi).

Proto-Rönesans

XIII-XIV yüzyılların İtalyan kültüründe. Hâlâ güçlü olan Bizans ve Gotik geleneklerinin zemininde, daha sonra Rönesans sanatı olarak adlandırılacak olan yeni bir sanatın özellikleri ortaya çıkmaya başladı. Bu nedenle, tarihinin bu dönemine çağrıldı. Proto-Rönesans(Yunanca "protos" - "ilk", yani Rönesans'ın başlangıcını hazırladı). Hiçbir Avrupa ülkesinde buna benzer bir geçiş dönemi yaşanmadı. İtalya'da proto-Rönesans sanatı yalnızca Toskana ve Roma'da ortaya çıktı ve gelişti.
İtalyan kültüründe eski ve yeninin özellikleri iç içe geçmiştir. Orta Çağ'ın son şairi ve yeni çağın ilk şairi Dante Alighieri (1265-1321), İtalyan edebi dilini yaratmıştır. Dante'nin başlattığı şey, 14. yüzyılın diğer büyük Floransalıları tarafından devam ettirildi - Avrupa lirik şiirinin kurucusu Francesco Petrarch (1304-1374) ve dünyada roman (öykü) türünün kurucusu Giovanni Boccaccio (1313-1375). edebiyat. Dönemin gururu mimarlar ve heykeltraşlar Niccolo ve Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio ve ressamdır. Giotto di Bondone .
Mimari
İtalyan mimarisi, uzun bir süre, esas olarak çok sayıda Gotik motifin kullanımıyla ifade edilen ortaçağ geleneklerini takip etti. Aynı zamanda, İtalyan Gotiği, Kuzey Avrupa'nın Gotik mimarisinden çok farklıydı: sakinliğe yöneldi. büyük formlar, hatta hafif, yatay bölmeler, geniş duvar yüzeyleri. 1296'da Floransa'da inşaat başladı Santa Maria del Fiore Katedrali. Arnolfo di Cambio, katedralin sunağını devasa bir kubbe ile taçlandırmak istedi. Ancak 1310'da mimarın ölümünden sonra inşaat gecikti, zaten o dönemde tamamlandı. Erken Rönesans. 1334 yılında, Giotto'nun tasarımına göre, çan kulesi denilen katedralin çan kulesinin inşasına başlandı - katlara göre yatay bölmelere sahip ince dikdörtgen bir kule ve sivri kemerli şekli zarif Gotik pencereler İtalyan mimarisinde uzun süre korunmuştur.
En ünlü şehir sarayları arasında Floransa'daki Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) yer alır. Arnolfo di Cambio tarafından yaptırıldığı sanılıyor. Sert taş rustik kaplama ile kaplı yüksek kuleli ağır bir küptür. Üç katlı cephe, tüm binaya ölçülü bir kemer sıkma izlenimi veren yarım daire biçimli kemerlerle yazılmış çift pencerelerle dekore edilmiştir. Bina, meydanı sert bir kütle ile işgal ederek eski şehir merkezinin görünümünü tanımlar.
Heykel
Mimari ve resimden daha önce, sanatsal arayışlar heykelde ve her şeyden önce kurucusu Niccolò Pisano olan (1220 dolaylarında - 1278 ile 1284 arasında) Pisan okulunda ana hatları çizildi. Niccolo Pisano, İtalya'nın güneyindeki Apulia'da doğdu. Antik çağın klasik geleneklerini yeniden canlandırma ruhunun yeşerdiği güney okullarında heykel eğitimi aldığına inanılıyor. Hiç şüphesiz Niccolo, geç Roma ve erken Hıristiyan lahitlerinin heykelsi dekorasyonunu inceledi. Bugünün en erken ünlü eserler heykeltıraş - altıgen mermer minber, Pisa'daki vaftizhane için yaptığı (1260), - Rönesans heykelinin seçkin bir eseri oldu ve daha da gelişmesi üzerinde büyük etkisi oldu. Heykeltıraşın ana başarısı, formlara hacim ve ifade vermeyi başarması ve her görüntünün bedensel güce sahip olmasıdır.
Niccolò Pisano'nun atölyesinden, Proto-Rönesans'ın olağanüstü heykel ustaları - oğlu Giovanni Pisano ve mimar olarak da bilinen Arnolfo di Cambio geldi. Arnolfo di Cambio (yaklaşık 1245 - 1310'dan sonra) yaşam gözlemlerini kullandığı anıtsal heykellere yöneldi. Babası ve oğlu Pisano ile birlikte yaptığı en iyi işlerden biri - Piazza Perugia'daki Çeşme(1278). Çok sayıda heykel ve kabartma ile süslenmiş Fonte Maggiore, şehrin gururu haline gelmiştir. Ondan hayvanlar içmek, şarap fıçılarında ve fıçılarda su içmek haramdı. yıkanmamış bulaşıklar. Şehir müzesi, çeşme için Arnolfo di Cambio tarafından yapılmış uzanmış figürlerin parçalarını korumuştur. Heykeltıraş, bu figürlerde insan vücudunun hareketlerinin tüm zenginliğini aktarmayı başardı.
Tablo
İtalyan Rönesans sanatında duvar resmi baskın bir yer tutuyordu. Fresk tekniğinde yapılmıştır. Su üzerinde hazırlanan boyalarla ya ıslak sıva üzerine (aslında bir fresk) ya da kuru üzerine yazdılar - bu tekniğe "seko" (İtalyanca'dan çevrilmiş - "kuru") denir. Sıvanın ana bağlayıcısı kireçtir. Çünkü kirecin kuruması biraz zaman alır, fresk resminin hızlı bir şekilde, genellikle aralarında bağlantı dikişlerinin olduğu kısımlarda yapılması gerekiyordu. XV yüzyılın ikinci yarısından itibaren. fresk tekniği bir secco resmiyle desteklenmeye başlandı; ikincisi daha yavaş çalışmaya izin verdi ve parçaların bitirilmesine izin verdi. Duvar resimleri üzerindeki çalışmalardan önce, ilk sıva tabakasında fresk altında uygulanan sinopya - yardımcı çizimler yapıldı. Bu çizimler, Karadeniz kıyısında bulunan Sinop şehri yakınlarında kilden çıkarılan kırmızı aşı boyası ile yapılmıştır. Şehrin adına göre boya Sinop veya sinopya olarak adlandırıldı, daha sonra çizimlerin kendileri de aynı şekilde anılmaya başlandı. Sinopya, 13. yüzyıldan 15. yüzyılın ortalarına kadar İtalyan resminde kullanılmıştır. Ancak, tüm ressamlar sinopinin yardımına başvurmadı - örneğin, Giotto di Bondone Proto-Rönesans döneminin en önemli temsilcisi onlarsız yaptı. Yavaş yavaş, sinopi terk edildi. XV yüzyılın ortalarından itibaren. Kartonlar, ileride yapılacak işlerin boyutunda kağıt veya kumaş üzerine yapılan resim - hazırlık çizimlerinde yaygın olarak kullanılıyordu. Çizimin konturları, kömür tozu yardımıyla ıslak sıvaya aktarıldı. Konturda açılan deliklerden üflendi ve keskin bir aletle sıvaya bastırıldı. Bazen bir eskiz taslağından özet, bitmiş bir anıtsal çizime dönüştü ve kartonlar, bağımsız resim çalışmalarının değerini kazandı.

Yeni İtalyan resim stilinin kurucusu Cimabue'dur (aslında Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue, Floransa'da ciddi sunak resimleri ve ikonaları ustası olarak ünlüydü. Görüntüleri, soyutlama ve statik karakter ile karakterize edilir. Ve Cimabue, eserlerinde Bizans geleneklerini takip etmesine rağmen, eserlerinde dünyevi duyguları ifade etmeye, Bizans kanonunun katılığını yumuşatmaya çalıştı.
Piero Cavallini (1240 ile 1250 arasında - 1330 civarında) Roma'da yaşadı ve çalıştı. Trastevere'deki Santa Maria Kilisesi mozaiklerinin (1291) ve Trastevere'deki Santa Cecilia Kilisesi'nin fresklerinin (yaklaşık 1293) yazarıdır. Cavallini, eserlerinde biçimlere hacim ve somutluk kazandırmıştır.
Başarılar Cavallini benimsedi ve devam etti Giotto di Bondone(1266 veya 1267 - 1337), Proto-Rönesans'ın en büyük sanatçısı. Giotto'nun adı, İtalyan resminin gelişimindeki bir dönüş, ortaçağ sanatsal kanonlarından kopması ve 13. yüzyıl İtalyan-Bizans sanatının gelenekleriyle ilişkilendirilir. En ünlü eserler Giotto - Padua'daki Arena Şapeli'ndeki freskler (1304-06). Freskler, netlikleri, karmaşık olmayan anlatımları, tasvir edilen sahnelere canlılık ve doğallık veren günlük detayların varlığı ile ayırt edilir. Giotto, o dönemin sanatına egemen olan kilise kanonunu reddederek, karakterlerini benzer şekilde tasvir eder. gerçek insanlar: orantılı, bodur vücutlar, yuvarlak (uzun değil) yüzler, doğru kesilmiş gözler vb. Azizleri yerin üzerinde uçmaz, iki ayağıyla sağlam bir şekilde üzerinde durur. Cennetten çok dünyevi olanı düşünürler, tamamen insani duygu ve duyguları deneyimlerler. İtalyan resim tarihinde ilk kez bir tablonun kahramanlarının ruh halleri yüz ifadeleri, jestler, duruşlarla aktarılıyor. Giotto'nun freskleri, geleneksel altın zemin yerine, bazilikaların cephelerinde manzaraları, iç mekanları veya heykelsi grupları tasvir ediyor.
XIV yüzyılın ikinci yarısında. pitoresk Siena okulu ön plana çıkıyor. XIV.Yüzyılın Siena resminin en büyük ve en rafine ustası. Simone Martini'ydi (c. 1284-1344). Simone Martini'nin fırçası, beton sanat tarihindeki ilk görüntünün sahibidir. tarihi olayçağdaş bir portre ile. Bu görüntü " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"Geleceğin çok sayıda binicilik portresinin prototipi olan Palazzo Publico'daki (Siena) Mappamondo (Dünya Haritaları) odasında. Şu anda Floransa'daki Uffizi Galerisi'nde saklanan Simone Martini'nin altar panosu The Müjde hak ettiği bir üne sahiptir.

Rönesans'ın özellikleri. Proto-Rönesans

Rönesans'ın özellikleri

Erken Rönesans

XV.Yüzyılda. İtalya sanatı, Avrupa'nın sanat yaşamında baskın bir konuma sahipti. Siena ve Pisa'yı geri plana iten hümanist seküler (yani dini olmayan) bir kültürün temelleri Floransa'da atıldı. Buradaki siyasi güç tüccarlara ve zanaatkarlara aitti, şehir işleri üzerindeki en güçlü etki, sürekli birbirleriyle rekabet eden birkaç varlıklı aile tarafından uygulandı. Bu mücadele 14. yüzyılın sonunda sona erdi. Medici bankacılık evinin zaferi. Başkanı Cosimo de' Medici, Floransa'nın sözsüz hükümdarı oldu. Yazarlar, şairler, bilim adamları, mimarlar, sanatçılar Cosimo Medici'nin sarayına akın etti. Floransa'nın Rönesans kültürü, Muhteşem lakaplı Lorenzo de' Medici döneminde zirveye ulaştı. Lorenzo, İtalya'nın seçkin beyinlerinin, şairlerin ve filozofların bir araya geldiği, ruhu ve zihni yükselten incelikli tartışmaların yapıldığı Platonik Akademisi'nin yaratıcısı, sanat ve bilimlerin büyük bir koruyucusuydu.

Mimari

Cosimo ve Lorenzo Medici yönetiminde, Floransa mimarisinde gerçek bir devrim gerçekleşti: burada şehrin çehresini önemli ölçüde değiştiren kapsamlı inşaat başlatıldı. İtalya'daki Rönesans mimarisinin atası Filippo Brunelleschi(1377-1446) - bilimsel perspektif teorisinin yaratıcılarından biri olan mimar, heykeltıraş ve bilim adamı. Brunelleschi'nin en büyük mühendislik başarısı kubbenin inşasıydı. Santa Maria del Fiore Katedrali Floransa'da. Matematiksel ve teknik dehası sayesinde Brunelleschi, zamanının en zor problemini çözmeyi başardı. Ustanın karşılaştığı ana zorluk, yayılmayı kolaylaştırmak için özel çaba gerektiren devasa orta haç açıklığından (42 m) kaynaklanıyordu. Brunelleschi, ustaca bir tasarım uygulayarak sorunu çözdü: iki kabuktan oluşan hafif içi boş bir kubbe, onları çevreleyen halkalarla birbirine bağlanan sekiz taşıyıcı nervürden oluşan bir çerçeve sistemi, kemeri kapatan ve yükleyen bir ışık feneri. Santa Maria del Fiore Katedrali'nin kubbesi, İtalya ve diğer Avrupa ülkelerindeki çok sayıda kubbeli kilisenin öncüsü oldu.

Brunelleschi, İtalya mimarisinde eski düzen sistemini yaratıcı bir şekilde kavrayan ve orijinal olarak yorumlayan ilk kişilerden biriydi ( Ospedale degli Innocenti (Kuruluşlar için barınak), 1421-44), eski düzene dayalı kubbeli kiliselerin yaratılmasının başlangıcı oldu ( San Lorenzo Kilisesi ). Erken Rönesans'ın gerçek bir cevheri, varlıklı bir Floransalı aile tarafından görevlendirilen Brunelleschi tarafından yaratıldı. Pazzi Şapeli(1429'da başladı). Brunelleschi'nin yapıtlarının hümanizmi ve şiirselliği, binalarının Gotik geleneklerle bağını koruyan ahenkli oranı, hafifliği ve zarafeti, fikirlerinin yaratıcı özgürlüğü ve bilimsel geçerliliği, Brunelleschi'nin Rönesans mimarisinin sonraki gelişimi üzerindeki büyük etkisini belirledi.

15. yüzyıl İtalyan mimarisinin ana başarılarından biri. daha sonra kamu binaları için bir model görevi gören yeni bir şehir sarayı türü olan palazzo'nun yaratılmasıydı. 15. yüzyıl sarayının özellikleri binanın kapalı hacminin üç kata net bir şekilde bölünmesi, yazlık kat revakları olan açık bir avlu, cephe kaplaması için pas (kabaca eğimli veya dışbükey bir ön yüzeye sahip taş) kullanımı ve ayrıca güçlü bir şekilde uzatılmış dekoratif korniş . Bu tarzın çarpıcı bir örneği, Brunelleschi'nin öğrencisi Medici ailesinin saray mimarı Michelozzo di Bartolommeo'nun (1396-1472) sütun başlığıdır - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), birçok Floransa sarayının inşası için bir model görevi gördü. Michelozzo'nun yaratılması yakındır Palazzo Strozzi(1481'de kuruldu), mimar ve heykeltıraş Benedetto da Maiano'nun (1442-97) adıyla ilişkilendirilir.

İtalyan mimarlık tarihinde özel bir yer kaplar. Leon Battista Alberti(1404-72). Kapsamlı bir şekilde yetenekli ve geniş çapta eğitim almış bir adam, zamanının en parlak hümanistlerinden biriydi. İlgi alanları alışılmadık derecede çeşitliydi. Ahlak ve hukuk, matematik, mekanik, ekonomi, felsefe, şiir, müzik, resim, heykel, mimariyi kapsıyordu. Parlak bir stilist olan Alberti, Latince ve İtalyanca çok sayıda eser bıraktı. Alberti, İtalya'da ve yurtdışında seçkin bir sanat teorisyeni olarak ün kazandı. "Mimarlık Üzerine On Kitap" (1449-52), "Resim Üzerine", "Heykel Üzerine" (1435-36) gibi ünlü risaleler onun kalemine aittir. Ancak mimarlık, Alberti'nin ana mesleğiydi. Alberti, mimari çalışmalarda eski sanatsal mirası yenilikçi bir şekilde kullanarak cesur, deneysel çözümlere yöneldi. Alberti yeni bir tür şehir sarayı yarattı ( Palazzo Rucellai ). Dini mimaride, ihtişam ve sadelik için çabalayan Alberti, cephelerin tasarımında Roma zafer kemerleri ve pasajlarının motiflerini kullandı ( Sant'Andrea Kilisesi Mantua'da, 1472-94). Alberti adı, haklı olarak İtalyan Rönesans kültürünün büyük yaratıcıları arasında ilklerden biri olarak kabul edilir.

Heykel

XV.Yüzyılda. Mimariden bağımsız bağımsız bir önem kazanan İtalyan heykeli gelişiyor. Kamu binalarının dekorasyon siparişleri sanat hayatının pratiğine girmeye başlıyor; resim yarışmaları düzenlenmektedir. Bu yarışmalardan biri - Floransa vaftizhanesinin ikinci kuzey kapılarının bronz üretimi için (1401) - açılan önemli bir olay olarak kabul edilir. yeni sayfaİtalyan Rönesans heykel tarihinde. Zafer Lorenzo Ghiberti (1381-1455) tarafından kazanıldı.

Zamanının en eğitimli insanlarından biri, ilk tarihçi İtalyan sanatı Parlak bir ressam olan Ghiberti, hayatını bir tür heykele adadı - kabartma. Ghiberti sanatının ana prensibi, görüntünün tüm unsurlarının dengesini ve uyumunu düşündü. Ghiberti'nin çalışmalarının zirvesi, floransa vaftizhanesinin doğu kapıları (1425-52), ustanın adını ölümsüzleştiren. Kapıların dekorasyonu, yaldızlı bronzdan (" Adem ve Havva'nın Yaratılışı”), alışılmadık ifadeleriyle pitoresk tabloları anımsatıyor. Sanatçı, doğa resimleri, insan figürleri, mimari yapılarla dolu mekanın derinliğini aktarmayı başardı. Michelangelo'nun hafif eli ile Floransa vaftizhanesinin doğu kapıları çağrılmaya başlandı. "Cennetin Kapıları".

Ghiberti atölyesi, tüm nesil sanatçılar için bir okul haline geldi, özellikle İtalyan heykelinin büyük reformcusu olan ünlü Donatello burada çalıştı. 14. yüzyılda Floransa kültürünün demokratik geleneklerini özümseyen Donatello'nun (c. 1386-1466) eseri, Erken Rönesans sanatının gelişimindeki zirvelerden biridir. Rönesans sanatının özelliği olan gerçekliği tasvir etmenin yeni, gerçekçi yollarını aramayı somutlaştırdı. yakın ilgi insana ve onun manevi dünyasına. Donatello'nun çalışmalarının İtalyan Rönesans sanatının gelişimi üzerindeki etkisi çok büyüktü.

İkinci nesil Floransalı heykeltıraşlar daha lirik, barışçıl, dünyevi sanata yöneldiler. İçinde başrol, heykeltıraşlar della Robbia ailesine aitti. Ailenin reisi Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), sır tekniğini yuvarlak heykel ve rölyeflerde kullanmasıyla ünlendi. Antik çağlardan Küçük Asya halkları tarafından bilinen sır tekniği (majolica), Orta Çağ'da İber Yarımadası'na ve Mayorka adasına (adı buradan gelmektedir) getirilmiş ve ardından İtalya'da geniş çapta yayılmıştır. Lucca della Robbia, binalar ve sunaklar, çiçek ve meyve çelenkleri, Madonna, İsa ve azizlerin majolika büstleri için masmavi zemin üzerine kabartmalı madalyonlar yarattı. Bu ustanın neşeli, zarif, nazik sanatı, çağdaşları tarafından hak edilmiş bir takdir gördü. Mayolika tekniğinde büyük mükemmellik, yeğeni Andrea della Robbia (1435-1525) tarafından da sağlandı ( Ospedale degli Innocenti'nin cephesindeki kabartmalar).

Tablo

Brunelleschi'nin Erken Rönesans mimarisinde ve Donatello'nun heykelde oynadığı büyük rol, resimde Masaccio'ya (1401-1428) aitti. Masaccio, 27 yaşına gelmeden genç yaşta öldü ve yine de resim alanında çok şey yapmayı başardı. Ünlü sanat tarihçisi Vipper şöyle dedi: "Masaccio, Avrupa resim tarihindeki en bağımsız ve tutarlı dahilerden biri, yeni bir gerçekçiliğin kurucusu ..." Giotto'yu aramaya devam eden Masaccio, ortaçağ sanatsal geleneklerinden cesurca kopuyor. İçinde fresk "Üçlü"(1426-27), Floransa'daki Santa Maria Novella kilisesi için ilk kez bir duvar resminde yaratılmıştır. Masaccio'nun tablosu tam perspektif uygular. Masaccio, Floransa'daki Santa Maria del Carmine Kilisesi'nin (1425-28) Brancacci Şapeli'nin duvar resimlerinde - kısa yaşamının ana eseri - görüntülere eşi görülmemiş bir canlılık verir, karakterlerinin fizikselliğini ve anıtsallığını vurgular, ustalıkla aktarır. görüntülerin psikolojik derinliğinin duygusal durumu. İçinde Fresk "Cennetten Kovulma" sanatçı, çıplak bir insan figürünü tasvir etmek için zamanının en zor görevini çözer. Masaccio'nun sert ve cesur sanatı, Rönesans'ın sanat kültürü üzerinde büyük bir etkiye sahipti.

Erken Rönesans resminin gelişimi belirsizdi: sanatçılar bazen farklı şekillerde kendi yollarına gittiler. Laik başlangıç, büyüleyici bir anlatı arzusu, lirik dünyevi duygu, Karmelit tarikatından bir keşiş olan Fra Filippo Lippi'nin (1406-69) eserlerinde canlı ifadesini buldu. Büyüleyici usta, aralarında resmin en iyisi olduğu kabul edilen birçok sunak kompozisyonunun yazarı « Çocuğun Hayranlığı » şapel için oluşturulan Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi içlerinde insan sıcaklığını ve doğaya olan şiirsel sevgiyi aktarmayı başardı.

XV yüzyılın ortalarında. Orta İtalya tablosu hızla çiçek açtı, en iyi örnek hangi yaratıcılık hizmet edebilir Piero della Francesca(1420-92), Rönesans'ın en büyük sanatçısı ve sanat teorisyeni. Piero della Francesca'nın en dikkat çekici eseri - Arezzo'daki San Francesco kilisesindeki fresk döngüsü, Hayat Veren Haç Ağacı efsanesine dayanmaktadır. Üç katman halinde düzenlenmiş freskler, Adem'in mezarındaki iyilik ve kötülüğü bilme cennet ağacının tohumundan kutsal bir ağacın büyüdüğü en başından itibaren hayat veren haç tarihini izler. ("Adem'in Ölümü") sonuna kadar, Bizans imparatoru Herakleios, Hıristiyan kalıntısını ciddiyetle Kudüs'e iade ettiğinde (« Heraclius ve Chosroes arasındaki savaş » ). Piero della Francesca'nın çalışmaları, yerel resim okullarının ötesine geçti ve genel olarak İtalyan sanatının gelişimini belirledi.

15. yüzyılın ikinci yarısında, birçok yetenekli zanaatkar kuzey İtalya'da Verona, Ferrara ve Venedik şehirlerinde çalıştı. Bu zamanın ressamları arasında en ünlüsü şövale ve anıtsal resim ustası, ressam ve oymacı, heykeltıraş ve mimar olan Andrea Mantegna'dır (1431-1506). Sanatçının resimsel tarzı, formların ve çizimlerin peşinde koşması, genelleştirilmiş görüntülerin titizliği ve doğruluğu ile ayırt edilir. Mantegna, figürlerin uzamsal derinliği ve heykelsi doğası sayesinde bir an için donmuş gerçek bir sahne izlenimi veriyor - karakterleri çok hacimli ve doğal görünüyor. Mantegna hayatının büyük bir bölümünü Mantua'da geçirdi ve burada en ünlü eserini yarattı - duvar resmi "Chamber degli Sposi" Marquis L. Gonzaga'nın kır kalesinde. Tek başına resim yaparak, burada tören resepsiyonları ve tatiller için bir yer olan lüks bir Rönesans iç mekanı yarattı. Büyük ün kazanan Mantegna sanatı, tüm kuzey İtalya resmini etkiledi.

Erken Rönesans resminde özel bir yer Sandro Boticelli(aslında Alessandro di Mariano Filipepi), 1445'te Floransa'da zengin bir deri tabaklayıcı ailesinde doğdu. 1459-64'te. genç adam ünlü Floransalı usta Filippo Lippi ile resim eğitimi alıyor. 1470'te Floransa'da kendi atölyesini açtı ve 1472'de St. Luke Loncası'na üye oldu.

Botticelli'nin ilk yaratımı, Floransa ticaret mahkemesi için seslendirdiği "Strength" bestesiydi. Genç sanatçı, kısa sürede müşterilerin güvenini kazandı ve şöhret kazandı, bu da Floransa'nın yeni hükümdarı Muhteşem Lorenzo'nun dikkatini çekerek mahkeme efendisi ve favorisi oldu. Botticelli, resimlerinin çoğunu dükün ve diğer soylu Floransalı ailelerin evlerinin yanı sıra Floransa'daki kiliseler, manastırlar ve kamu binaları için yaptı.

1470'lerin ve 1480'lerin ikinci yarısı Botticelli için yaratıcı bir çiçeklenme dönemi oldu. Santa Maria Novella kilisesinin ana cephesi için " kompozisyonu yazıyor. magi'nin hayranlığı"- bir tür mitolojikleştirilmiş grup portresi Medici ailesi. Birkaç yıl sonra, sanatçı ünlü mitolojik alegorisi "Bahar" ı yaratır.

1481'de Papa Sixtus IV, aralarında Botticelli'nin de bulunduğu bir grup ressama, daha sonra "Sistine" adını alacak olan şapelini fresklerle süslemelerini emretti. Botticelli tarafından Sistine Şapeli'ndeki freskler İsa'nın günaha », « Musa'nın hayatından sahneler », « Kore, Dathan ve Aviron'un Cezası". Önümüzdeki birkaç yıl içinde Botticelli, Boccaccio'nun Decameron'undaki kısa öykülere dayanan 4 fresk serisini tamamladı, en ünlü mitolojik eserlerini yarattı (“Venüs'ün Doğuşu”, “ Pallas ve Centaur”) ve ayrıca Floransa kiliseleri için çeşitli sunak kompozisyonları (“ Meryem Ana'nın taç giyme töreni », « San Barnaba Sunağı"). Çoğu zaman Madonna'nın imajına döndü (" Madonna del Magnificat », « Narlı Madonna », « Bir kitapla Madonna”), portre türünde de çalıştı (“ Giuliano Medici'nin Portresi”, “Genç bir kadının portresi”, “Genç bir adamın portresi”).

1490'larda Floransa'yı sarsan toplumsal hareketler ve keşiş Savonarola'nın mistik vaazları döneminde Botticelli'nin sanatında ("İftira", "İftira", "İftira", "Keşiş Savonarola"nın mistik vaazları) moral verici notlar ve drama yer alır. Mesih için ağıt », « mistik noel"). Sanatçı, Savonarola'nın etkisi altında, dini bir yüceltme anında bazı eserlerini bile yok etti. 1490'ların ortalarında, Muhteşem Lorenzo'nun ölümü ve oğlu Pietro'nun Floransa'dan kovulmasıyla Botticelli, büyük bir sanatçı olarak ününü kaybetti. Unutulmuş, hayatını kardeş Simon'ın evinde sessizce yaşıyor. 1510'da sanatçı öldü.

Botticelli'nin stilizasyon unsurlarıyla (yani, geleneksel teknikler kullanılarak görüntülerin genelleştirilmesi - rengin, şeklin ve hacmin basitleştirilmesi) zarif sanatı, resmin gelişiminin zirvelerinden biri olarak kabul edilir. Botticelli'nin sanatı, erken dönem Rönesans ustalarının çoğunun aksine, kişisel deneyime dayanıyordu. Son derece duyarlı ve samimi olan Botticelli, gençliğinde dünyanın şiirsel algısından yetişkinliğinde mistisizme ve dini yüceltmeye kadar zor ve trajik bir yaratıcı arayış yolundan geçti.

ERKEN CANLANMA

ERKEN CANLANMA

Yüksek Rönesans

İnsanlığa büyük ustalar veren Yüksek Rönesans, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, nispeten kısa bir süreyi kapsar - 15. yüzyılın sonu ve 16. yüzyılın ilk üçte biri. Sadece Venedik'te sanatın gelişmesi yüzyılın ortalarına kadar devam etti.

Dünya tarihindeki belirleyici olaylarla ilgili temel değişimler, ileri bilimsel düşüncenin başarıları, insanların dünya hakkındaki fikirlerini - sadece dünya hakkında değil, aynı zamanda uzay hakkında da - sonsuz bir şekilde genişletti. Dünya ve insan kişiliği algısı genişlemiş görünüyordu; sanatsal yaratıcılıkta bu, yalnızca mimari yapıların, anıtların, ciddi fresk döngülerinin ve resimlerin görkemli ölçeğine değil, aynı zamanda içeriklerine, görüntülerin ifadesine de yansıdı. Yüksek Rönesans sanatı, göz kamaştırıcı derecede parlak yükselişler ve müteakip krizlerle canlı ve karmaşık bir sanatsal süreçtir.

Donato Bramante.

Roma, önceki keşifler ve başarılar temelinde tek bir klasik tarzın oluşturulduğu Yüksek Rönesans mimarisinin merkezi haline geldi. Ustalar, görkemli anıtsallığı çağla uyumlu olan yapılar yaratarak eski düzen sistemini yaratıcı bir şekilde kullandılar. Donato Bramante (1444-1514), Yüksek Rönesans mimarisinin en büyük temsilcisi oldu. Bramante'nin binaları, anıtsallık ve ihtişam, oranların uyumlu mükemmelliği, kompozisyon ve mekansal çözümlerin bütünlüğü ve netliği ve klasik formların özgür, yaratıcı kullanımı ile ayırt edilir. en yüksek yaratıcı başarı Bramante, Vatikan'ın yeniden inşasıdır (mimar aslında organik olarak dağınık eski binaları da içeren yeni bir bina yaratmıştır). Bramante ayrıca Roma'daki Aziz Petrus Katedrali'nin tasarımını da yazmıştır. Bramante, çalışmaları ile 16. yüzyılda mimarinin gelişimini belirledi.

Leonardo da Vinci.

İnsanlık tarihinde eşit bir başkasını bulmak kolay değildir. parlak kişilik, Yüksek Rönesans sanatının kurucusu olarak Leonardo da Vinci(1452-1519). Bu büyük sanatçının, heykeltıraşın, mimarın, bilim adamının ve mühendisin faaliyetlerinin kapsamlı doğası, ancak onun mirasından dağılmış, bilimsel ve mimari projeler, icatlar ve eskizler içeren yedi binden fazla sayfadan oluşan el yazmaları incelendiğinde ortaya çıktı. Dehasının dokunmadığı bilgi alanını adlandırmak zor. Leonardo'nun evrenselliği o kadar anlaşılmaz ki, Rönesans figürlerinin ünlü biyografi yazarı Giorgio Vasari, bu fenomeni cennetin müdahalesinden başka türlü açıklayamadı: "Bu adam neye yönelirse yönelsin, her eylemi kutsallığın damgasını taşıyor."

Ünlü "Resim Üzerine İnceleme" (1498) ve diğer notlarında Leonardo, insan vücudunun incelenmesine, anatomi bilgilerine, orantılara, hareketler arasındaki ilişkiye, yüz ifadelerine ve bir kişinin duygusal durumuna büyük önem verdi. Leonardo ayrıca ışık-gölge, hacimsel modelleme, doğrusal ve hava perspektifi problemleriyle de meşguldü. Leonardo, yalnızca sanat teorisine saygı göstermedi. Bir dizi muhteşem sunak ve portre yarattı. Leonardo'nun fırçası, dünya resminin en ünlü eserlerinden biri olan Mona Lisa'ya ("La Gioconda") aittir. Leonardo, anıtsal heykel görüntüleri yarattı, mimari yapılar tasarladı ve inşa etti. Leonardo, bugüne kadar Rönesans'ın en karizmatik kişiliklerinden biri olmaya devam ediyor. Ona çok sayıda kitap ayrılmıştır, hayatı en ayrıntılı şekilde incelenir. Ve yine de, çalışmalarının çoğu bir sır olarak kalıyor ve insanların zihinlerini heyecanlandırmaya devam ediyor.

Rafael Santi.

Raphael Santi'nin (1483-1520) sanatı da İtalyan Rönesansının zirvelerine aittir. Yüce güzellik ve uyum fikri, dünya sanat tarihinde Raphael'in çalışmalarıyla ilişkilendirilir. Yüksek Rönesans'ın parlak ustalarının takımyıldızında, uyumun ana taşıyıcısı olan Raphael'in olduğu genel olarak kabul edilir. Parlak, mükemmel bir başlangıç ​​için amansız çaba, Raphael'in tüm çalışmalarına nüfuz eder, onun içsel anlamını oluşturur. Çalışmaları, doğal zarafetiyle olağanüstü derecede çekici (" Sistine Madonna"). Belki de bu yüzden usta halk arasında olağanüstü bir popülerlik kazandı ve sanatçılar arasında her zaman çok sayıda takipçisi oldu. Raphael sadece harika bir ressam, portre ressamı değil, aynı zamanda fresk tekniğinde çalışan bir muralist, mimar ve dekoratördü. Tüm bu yetenekler, Papa II. Julius'un Vatikan'daki ("Atina Okulu") dairelerinin resimlerinde özel bir güçle kendini gösterdi. Parlak bir sanatçının sanatında, bir Rönesans adamının yeni bir imajı doğdu - güzel, uyumlu, fiziksel ve ruhsal olarak mükemmel.

Michelangelo Buonarotti.

Modern Leonardo da Vinci ve Rafael onların ezeli rakibiydi - Michelangelo Buonarroti , en büyük usta Yüksek Rönesans - heykeltıraş, ressam, mimar ve şair. Bana ait yaratıcı yol rönesansın bu titanı heykelle başladı. Devasa heykelleri, yeni bir adamın - bir kahramanın ve bir dövüşçünün ("David") sembolü haline geldi. Usta, en ünlüsü Floransa'daki Medici Şapeli olan birçok mimari ve heykelsi yapı inşa etti. Bu eserlerin ihtişamı, karakterlerin duygularının muazzam gerilimi üzerine kuruludur ( Giuliano de' Medici'nin Lahdi). Ancak Michelangelo'nun Vatikan'da, Sistine Şapeli'nde parlak bir ressam olduğunu kanıtladığı tabloları özellikle ünlüdür. Belki de ne Michelangelo'dan önce ne de sonra sanat dünyasında hiç kimse beden ve ruh olarak bu kadar güçlü karakterler yaratmamıştır (" Adem'in Yaratılışı"). Tavandaki devasa, inanılmaz derecede karmaşık fresk, sanatçı tarafından asistan olmadan tek başına yapılmıştır; Bugüne kadar emsalsiz kaldı. anıtsal eserİtalyan resmi. Ancak, Sistine Şapeli'nin tavanındaki duvar resimlerine ek olarak, zaten yaşlı olan usta, büyük çağının ideallerinin çöküşünün bir sembolü olan, son derece ilham verici "Son Yargı" yı yarattı.

Michelangelo mimaride çok ve verimli bir şekilde çalıştı, özellikle Aziz Petrus Katedrali ve topluluğun inşasını denetledi. Başkent Meydanı Roma'da. Büyük Michelangelo'nun eseri bütün bir dönemi oluşturdu ve zamanının çok ilerisindeydi, dünya sanatında muazzam bir rol oynadı, özellikle Barok ilkelerinin oluşumunu etkiledi.

Giorgione ve Titian.

Yüksek Rönesans sanat tarihinde Venedik, resmin zirvede olduğu parlak bir sayfaya girdi. Giorgione, Venedik'teki Yüksek Rönesans'ın ilk ustası olarak kabul edilir. Sanatı çok özeldir. İçinde net bir uyum ruhu ve bazı özel samimi tefekkür ve hayaller hüküm sürüyor. Sık sık hoş güzellikler, gerçek tanrıçalar yazdı. Genellikle bu şiirsel bir kurgudur - boş bir rüyanın somutlaşmış hali, romantik bir duyguya ve güzel bir kadına hayranlık. Resimlerinde şehvetli tutku, tatlı zevk, doğaüstü mutluluk ipucu var. Giorgione'nin sanatıyla Venedik resmi, sanatsal özelliklerini öne sürerek tüm İtalyanlara özgü bir önem kazandı.

Titian içindeİtalyan sanat tarihine bir titan ve Venedik okulunun başı olarak altın çağının bir sembolü olarak geçti. Bu sanatçının çalışmasında, yeni bir çağın nefesi özel bir güçle - fırtınalı, trajik, şehvetli - tezahür etti. Titian'ın çalışmaları, resim türlerinin ve türlerinin olağanüstü geniş ve çok yönlü kapsamı ile ayırt edilir. Titian, anıtsal sunak resminin, bağımsız bir tür olarak manzaranın, ciddi törensel olanlar da dahil olmak üzere çeşitli portre türlerinin kurucularından biriydi. İşinde mükemmel görüntüler parlak karakterler, trajik çatışmalar - coşkulu neşe sahneleri, dini kompozisyonlar - mitolojik ve tarihi resimlerle yan yana.

Titian yeni bir boyama tekniği 20. yüzyıla kadar dünya güzel sanatlarının gelişimi üzerinde istisnai bir etkiye sahip olan. Titian, dünya resminin en büyük renkçilerine aittir. Resimleri altınla ve karmaşık bir titreşen parlak renk tonları yelpazesiyle parlıyor. Neredeyse bir asırdır yaşayan Titian, Rönesans ideallerinin çöküşünden sağ kurtuldu, ustanın eserinin yarısı Geç Rönesans'a ait. Düşman güçlere karşı mücadeleye giren kahramanı ölür ama büyüklüğünü korur. Titian'ın büyük atölyesinin etkisi tüm Venedik sanatını etkiledi.

YÜKSEK CANLANMA

YÜKSEK CANLANMA

Geç Rönesans

XVI yüzyılın ikinci yarısında. İtalya'da ekonomi ve ticaretteki gerileme büyüyordu, Katoliklik hümanist kültürle mücadeleye giriyordu, sanat derin bir kriz içindeydi. Davranışçılıkta somutlaşan Rönesans karşıtı eğilimleri güçlendirdi. Ancak, tavırcılık ikinci yarıda Venedik'i neredeyse etkilemedi. 16. yüzyıl Geç Rönesans sanatının ana odak noktası oldu. Yüksek hümanist Rönesans geleneğine uygun olarak, Venedik'teki yeni tarihsel koşullarda, Geç Rönesans'ın büyük ustalarının yeni biçimlerle zenginleştirilmiş çalışmaları gelişti - Palladio, Veronese, Tintoretto.

andrea palladio

Kuzey İtalyan mimar Andrea Palladio'nun (1508-80), antik ve Rönesans mimarisinin derin bir çalışmasına dayanan eseri, Geç Rönesans sanatının zirvelerinden biridir. Palladio, 17-18. Yüzyılların Avrupa klasisizm mimarisinde geliştirilen mimari ilkelerini geliştirdi. ve Palladyanizm adını aldı. Mimar, Four Books on Architecture (1570) teorik çalışmasında fikirlerini özetledi. Palladio'nun binaları (esas olarak kentsel saraylar ve villalar) zarif güzellik ve doğallık, uyumlu bütünlük ve katı düzen ile doludur, planlamanın netliği ve uygunluğu ve çevre ile organik bir bağlantı ile ayırt edilirler ( Palazzo Chiericati). Mimariyi çevredeki manzara ile uyumlu hale getirme yeteneği, zarafet ve aydınlanmış bir doğa duygusuyla dolu ve klasik netlik ve formların ve kompozisyonun basitliği ile işaretlenmiş Palladio villalarında özel bir güçle kendini gösterdi ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio, İtalya'daki ilk anıtsal tiyatro binası olan Teatro Olimpico'yu yarattı. Palladio'nun sonraki yüzyıllarda mimarinin gelişimi üzerindeki etkisi çok büyüktü.

Veronese ve Tintoretto..

Şenlikli, yaşamı onaylayan karakter Venedik Rönesansı en açık şekilde Paolo Veronese'nin çalışmasında tezahür etti. Anıtsal bir sanatçı olarak, pek çok karakter ve eğlenceli ayrıntılarla muhteşem dekoratif duvar ve tavan resim toplulukları yarattı. Veronese kendi tarzını yarattı: muhteşem, muhteşem resimleri duygu, tutku ve yaşamla dolu ve kahramanlar, Venedik soyluları, genellikle asilzade saraylarında veya lüks doğanın zemininde bulunuyor. Görkemli ziyafetlere veya büyüleyici şenliklere ("Kana'da Evlilik") kapılırlar. Veronese, neşeli Venedik'in, zaferlerinin efendisi, altın parlaklığının şairiydi. Veronese'nin bir renkçi olarak olağanüstü bir yeteneği vardı. Renkleri ışıkla doludur, yoğundur ve nesnelere sadece renk bahşetmekle kalmaz, aynı zamanda kendileri de bir nesneye dönüşerek bulutlara, kumaşa, insan vücuduna dönüşür. Bu nedenle, figürlerin ve nesnelerin gerçek güzelliği, renk ve doku güzelliği ile çarpılır ve bu da izleyici üzerinde güçlü bir duygusal etki yaratır.

Veronese'nin tam tersi, İtalyan Rönesansının son büyük ustası olan çağdaş Tintoretto'ydu (1518-94). Dış sanatsal etkilerin bolluğu, Tintoretto'nun benzersiz yaratıcı bireyselliğinde eridi. Çalışmalarında volkanik mizacın, şiddetli tutkuların ve kahramanca yoğunluğun yaratıcısı olan devasa bir figürdü. Çalışmaları hem çağdaşları hem de sonraki nesiller arasında büyük bir başarıydı. Tintoretto, gerçekten insanlık dışı bir çalışma yeteneği, yorulmak bilmeyen arama ile ayırt edildi. Zamanının trajedisini çağdaşlarının çoğundan daha keskin ve derin hissetti. Usta, görsel sanatlarda yerleşik geleneklere - simetriye uyulması, katı denge, statik; mekanın sınırlarını genişletti, dinamiklerle doyurdu, dramatik aksiyon, insan duygularını daha canlı ifade etmeye başladı. 1590 . Maniyerizm sanatı, dünyanın ahenkli algısının Rönesans ideallerinden ayrılır. İnsan doğaüstü güçlerin insafına kalmıştır. Dünya kararsız, sallantılı ve çürüme halinde görünüyor. Maniyerist imgeler kaygı, huzursuzluk ve gerginlikle doludur. Sanatçı doğadan uzaklaşır, onu aşmaya çalışır, çalışmasında temeli gerçek dünya değil, yaratıcı hayal gücü olan öznel bir "içsel fikir" in peşinden gider; performansın aracı, belirli tekniklerin toplamı olarak "güzel tavır"dır. Bunların arasında figürlerin gelişigüzel uzaması, karmaşık serpantin ritmi, fantastik alan ve ışığın gerçek dışılığı ve bazen de soğuk delici renkler yer alır.

Jacopo Pontormo (1494-1556), karmaşık yaratıcı kaderin ressamı olan tavırcılığın en büyük ve en yetenekli ustasıydı. onun içinde Ünlü resim « Haçtan İniş» kompozisyon dengesiz, figürler iddialı bir şekilde bozuk, açık renkler keskin. Francesco Mazzola, takma adı Parmigianino (1503-40) izleyiciyi etkilemeyi severdi: örneğin, " Dışbükey aynada otoportre". Kasıtlı kasıtlılık onu ayırt eder Ünlü resim « Uzun boyunlu Madonna ».

Medici saray ressamı Agnolo Bronzino (1503-72), tören portreleriyle tanınır. İtalyan toplumunun en yüksek çevrelerini saran kanlı vahşet ve ahlaki gerileme dönemini yansıtıyorlardı. Bronzino'nun asil müşterileri, sanki izleyiciden görünmez bir mesafeyle ayrılıyor; duruşlarının sertliği, yüzlerinin kayıtsızlığı, kıyafetlerinin zenginliği, güzel ön ellerinin jestleri - tüm bunlar, içsel kusurlu bir yaşamı gizleyen bir dış kabuk gibidir. Toledo'lu Eleanor'un oğluyla birlikte yaptığı portrede (c. 1545), soğuk, mesafeli görüntünün erişilemezliği, izleyicinin dikkatinin tamamen düşesin muhteşem brokar kıyafetlerinin düz büyük deseni tarafından çekilmesi gerçeğiyle pekiştirilir. Maniyeristlerin yarattığı mahkeme portresi türü, 16.-17. yüzyılların portre sanatını etkiledi. diğer birçok Avrupa ülkesinde.

Maneviyat sanatı bir geçiş dönemiydi: Rönesans geçmişte kaldı, yeni bir pan-Avrupa sanatının zamanı gelmişti. sanatsal tarz- barok.

Kuzey Rönesans Sanatı.

Ülkeler Kuzey Avrupa eski geçmişleri yoktu, ancak tarihlerinde Rönesans dönemi göze çarpıyor: dönüşten15. – XVI.ikinci yarı içinXVII.yüzyıl. Bu zaman, Rönesans ideallerinin çeşitli kültür alanlarına nüfuz etmesi ve tarzındaki kademeli değişim ile ayırt edilir. Rönesans'ın doğum yerinde olduğu gibi, Kuzey Rönesans sanatında da gerçek dünyaya duyulan ilgi, sanatsal yaratıcılığın biçimlerini değiştirdi. Bununla birlikte, kuzey ülkelerinin sanatı, man-titan'ın gücünü yücelten İtalyan resminin acımasızlığıyla karakterize edilmedi. Kasabalılar (sözde zengin kasaba halkı) dürüstlüğe, göreve ve söze sadakate, evlilik yemininin kutsallığına ve ocağa daha çok değer veriyordu. Kent çevrelerinde, kendi insan idealleri gelişiyordu - açık, ölçülü, dindar ve ticari. Kasabalıların sanatı, sıradan ortalama insanı ve onun dünyasını - günlük hayatın ve basit şeylerin dünyasını - şiirselleştirir.

Hollanda'da Rönesans ustaları.

Rönesans sanatının yeni özellikleri, öncelikle Avrupa'nın en zengin ve en sanayileşmiş ülkelerinden biri olan Hollanda'da ortaya çıktı. Kapsamlı olmaları nedeniyle Uluslararası ilişkiler Hollanda, yeni keşifleri diğer İskandinav ülkelerinden çok daha hızlı kabul etti.

Hollanda'da Rönesans tarzı açıldı Jan Van Eyck(1390-1441). En ünlü eseri ise Gent mihrabı ağabeyi ile birlikte çalışmaya başladığı ve ölümünden sonra 6 yıl daha tek başına çalışmalarına devam ettiği . Şehir katedrali için yaratılan Ghent sunağı, 12 panoda günlük, günlük yaşamın resimleri (kapak kapatıldığında görülebilen dış panolarda) ve şenlikli, coşkulu, şekil değiştiren iki katmanlı bir kattır. yaşam (sırasında açık görünen iç kapılarda) kilise tatilleri). Bu, dünyevi yaşamın güzelliğini yücelten bir sanat anıtıdır. Van Eyck'in duygusal duygusu - her zerresi güzel olan "dünya bir cennet gibidir" - açık ve net bir şekilde ifade edilmiştir. Sanatçı, doğadan birçok gözleme dayanıyordu. Tüm şekiller ve nesneler üç boyutlu hacme ve ağırlığa sahiptir. Van Eycke kardeşler, olasılıkları ilk keşfedenler arasındaydı. yağlı boya; bu andan itibaren, sıcaklığın kademeli olarak yer değiştirmesi başlar.

X'in ikinci yarısındaVYüzyılda, siyasi ve dini çekişmelerle dolu olan Hollanda sanatında, karmaşık, kendine özgü bir sanat göze çarpmaktadır. Hieronymus Bosch(1450?-1516). Bu, olağanüstü bir hayal gücüne sahip çok meraklı bir sanatçı. Kendi ve korkunç dünyasında yaşıyordu. Bosch'un resimlerinde, ortaçağ folklor temsillerinin, yaşayan ve mekanik olanın, korkunç ve komik olanın grotesk montajlarının bir yoğunlaşması var. Merkezi olmayan bestelerinde ana karakter yoktur. Birkaç katmandaki alan, çok sayıda figür ve nesne grubuyla doludur: canavarca abartılı sürüngenler, kara kurbağaları, örümcekler, farklı yaratıkların ve nesnelerin parçalarının birleştirildiği korkunç yaratıklar. Bosch'un bestelerinin amacı ahlaki eğitimdir. Bosch, doğada uyum ve mükemmellik bulamıyor, şeytani görüntüleri, dünyadaki kötülüğün, yaşam ve ölüm döngüsünün canlılığını ve her yerde varlığını hatırlatıyor.

Bosch'un resimlerindeki adam zavallı ve zayıf. Yani, triptikte saman taşıma» sanatçı, insanlık tarihini gözler önüne seriyor. Sol kanat Adem ve Havva'nın düşüşünün hikayesini anlatıyor, sağ kanat cehennemi ve burada günahkarları bekleyen tüm dehşeti tasvir ediyor. Resmin orta kısmı, "Dünya bir saman yığınıdır, herkes ondan kapmayı başardığını alır" halk atasözünü göstermektedir. Bosch, insanların bir saman parçası için nasıl savaştığını, bir vagonun tekerlekleri altında nasıl öldüğünü, üzerine tırmanmaya çalıştığını gösteriyor. Vagonun tepesinde dünyadan vazgeçen aşıklar şarkı söyleyip öpüşürler. Bir tarafında melek, diğer tarafında şeytan: kim kazanacak? Ürkütücü yaratıklar arabayı yeraltı dünyasına sürükler. İnsanların tüm eylemlerinin arkasında, Tanrı şaşkınlıkla bakar. Resimde daha da kasvetli bir ruh hali var " haçı taşımak”: Mesih, şişkin gözleri ve açık ağızları olan iğrenç insanlarla çevrili ağır haçını taşıyor. Onların iyiliği için Rab kendini feda eder, ama onun çarmıhtaki ölümü onları kayıtsız bırakacaktır.

Başka bir ünlü Hollandalı sanatçı doğduğunda Bosch çoktan ölmüştü - Yaşlı Pieter Brueghel(1525-1569), köylülerin hayatını tasvir eden birçok resim için Muzhitsky lakaplıydı. Brueghel birçok konuyu temel aldı halk atasözleri, sıradan insanların günlük endişeleri. Resimlerin görüntülerinin eksiksizliği " köylü düğünü" Ve " köylü dansı"halk unsurlarının gücünü taşır. resimler bile İncil hikayeleri Brueghel'in eserlerinde Hollandalılar yaşıyor ve uzaktaki Judea'daki olaylar, onun loş gökyüzünün altındaki karla kaplı sokakların fonunda geçiyor. Anavatan (« Vaftizci Yahya'nın Vaazı"). Görünüşte önemsiz, önemsiz görünen sanatçı, insanların hayatlarındaki asıl şeyden bahsediyor, zamanının ruhunu yeniden yaratıyor.

küçük bir tuval karda avcılar” (Ocak), “Mevsimler” serisinden dünya resminin eşsiz başyapıtlarından biri olarak kabul edilir. Köpekli yorgun avcılar eve döner. Onlarla birlikte izleyici, küçük bir kasaba panoramasının açıldığı tepeye girer. Nehrin karla kaplı kıyıları, dikenli ağaçlar berrak soğuk havada donuyor, kuşlar uçuyor, ağaç dallarına ve evlerin çatılarına oturuyor, insanlar günlük işleriyle meşgul. Tüm bu görünüşte önemsiz şeyler, gökyüzünün mavisi, siyah ağaçlar, beyaz karla birlikte, resimde sanatçının tutkuyla sevdiği bir dünya panoraması yaratıyor.

Brueghel'in en trajik tablosu Kör benzetmesi"Sanatçı tarafından ölümünden kısa bir süre önce yazılmış. resimliyor müjde hikayesi"Kör köre yol gösterirse ikisi de çukura düşer." Belki de bu, arzularıyla kör olmuş, ölüme doğru ilerleyen insanlığın bir görüntüsüdür. Bununla birlikte, Brueghel yargılamaz, ancak insanların birbirleriyle, çevreyle ilişkilerinin yasalarını kavrayarak, insan doğasının özüne nüfuz ederek, insanlara kendilerini, dünyadaki yerlerini gösterir.

Rönesans döneminde Almanya'da resim.

Almanya sanatında Rönesans'ın özellikleri Hollanda'dan daha sonra ortaya çıkıyor. Alman hümanizminin, laik bilimlerinin ve kültürünün altın çağı ilk yıllara denk geliyor.XVI.V. Alman kültürünün dünyaya en yüksek sanatsal değeri verdiği kısa bir dönemdi. Her şeyden önce, çalışmaları içermelidirler. Albrecht Dürer(1471-1528) - Alman Rönesansının en önemli sanatçısı.

Dürer - tipik temsilci Rönesans, ressam, oymacı, matematikçi ve mühendisti, tahkimat ve sanat teorisi üzerine incelemeler yazdı. Açık otoportreler zeki, asil, konsantre ve derin felsefi düşüncelerle dolu görünüyor. Dürer, resimlerinde biçimsel güzellikle yetinmez, soyut düşüncelerin simgesel anlatımını vermeye çalışır.

15 büyük gravürün yer aldığı Apocalypse serisi, Dürer'in yaratıcı mirasında özel bir yere sahiptir. Dürer, "İlahiyatçı Yuhanna'nın Vahiyi" nden tahminleri, örneğin, " levhayı gösteriyor. dört atlı"korkunç felaketleri simgeliyor - savaş, veba, kıtlık, haksız yargı. Gravürlerde ifade edilen değişimin, zorlu denemelerin ve felaketlerin önsezisinin kehanet olduğu ortaya çıktı (Reformasyon ve Köylü ve onu takip eden din savaşları kısa süre sonra başladı).

O zamanın bir başka büyük sanatçısı da Yaşlı Lucas Cranach(1472-1553). Hermitage onun resimlerini barındırıyor Elma Ağacının Altında Madonna ve Çocuk" Ve " kadın portre". Onlarda, ustanın birçok resminde (hatta "Cranach" olarak anılır) yakalanmış bir kadın yüzü görüyoruz: küçük bir çene, dar bir gözler, altın rengi saçlar. Takı ve kıyafetleri özenle kaleme alan sanatçının resimleri göz ziyafeti çekiyor. Görüntülerin saflığı ve naifliği bir kez daha bu resimlerin içine bakmanızı sağlıyor. Cranach harika bir portre ressamıydı, birçok ünlü çağdaşının resimlerini yarattı - Martin Luther (arkadaşıydı), Saksonya Dükü Henry ve diğerleri.

Ancak Kuzey Rönesansının en ünlü portre ressamı, şüphesiz başka bir Alman ressam olarak kabul edilebilir. Genç Hans Holbein(1497-1543). Uzun bir süre İngiliz Kralı Henry'nin saray ressamıydı.8.. Holbein, portresinde, şüpheye aşina olmayan kralın buyurgan doğasını mükemmel bir şekilde aktarıyor. Etli bir yüzdeki küçük zeki gözler, içindeki bir tiranı ele verir. Heinrich'in portresi 8. o kadar güvenilirdi ki, kralı tanıyan insanları korkuttu. Holbein, başta devlet adamı ve yazar Thomas More, Rotterdamlı filozof Erasmus ve daha birçokları olmak üzere, o zamanın birçok ünlü insanının portrelerini yaptı.

Almanya, Hollanda ve diğer bazı Avrupa ülkelerinde Rönesans kültürünün gelişimi, Reform ve onu takip eden din savaşları ile kesintiye uğradı. Bunu takiben, gelişiminin bir sonraki aşamasına giren sanatta yeni ilkelerin oluşturulması zamanı geldi.

Rönesans sanatı

Rönesans- bu, tiyatro, edebiyat ve müzik de dahil olmak üzere tüm sanatların altın çağıdır, ancak şüphesiz, zamanının ruhunu en iyi şekilde ifade eden, aralarındaki ana güzel sanatlardı.

Rönesans'ın, sanatçıların artık baskın "Bizans" üslubunun çerçevesinden memnun kalmamaları ve çalışmaları için model ararken ilk dönenlerin olmaları gerçeğiyle başladığına dair bir teori olması tesadüf değildir. antik çağa. "Rönesans" (Rönesans) terimi, dönemin düşünürü ve sanatçısı Giorgio Vasari ("Ünlü ressamların, heykeltraşların ve mimarların biyografisi") tarafından tanıtıldı. Bu yüzden zamanı 1250'den 1550'ye çağırdı. Onun bakış açısından bu, antik çağın canlanma zamanıydı. Vasari için antik dönem ideal bir şekilde ortaya çıkıyor.

Gelecekte, terimin içeriği gelişti. Canlanma, bilim ve sanatın teolojiden özgürleşmesi, Hıristiyan etiğine karşı bir soğuma, ulusal edebiyatların doğuşu, insanın Katolik Kilisesi'nin kısıtlamalarından kurtulma arzusu anlamına gelmeye başladı. Yani, özünde Rönesans şu anlama gelmeye başladı: hümanizm.

CANLANMA, RÖNESANS(Fransız rönesansı - yeniden doğuş) - en büyük çağlardan biri, Orta Çağ ile yeni zaman arasındaki dünya sanatının gelişiminde bir dönüm noktası. Rönesans, XIV-XVI yüzyıllarını kapsar. İtalya'da, XV-XVI yüzyıllar. diğer Avrupa ülkelerinde. Adı - Rönesans (veya Rönesans) - kültürün gelişimindeki bu dönem, ilginin yeniden canlanmasıyla bağlantılı olarak alındı. tarihi Sanat. Ancak o zamanın sanatçıları sadece eski kalıpları kopyalamakla kalmadı, aynı zamanda onlara niteliksel olarak yeni bir içerik koydu. Rönesans, sanatsal bir tarz veya yön olarak görülmemelidir, çünkü bu dönemde çeşitli sanatsal tarzlar, eğilimler, akımlar vardı. Rönesans'ın estetik ideali, yeni bir ilerici dünya görüşü olan hümanizm temelinde şekillendi. Gerçek dünya ve insan en yüksek değer ilan edildi: İnsan her şeyin ölçüsüdür. Özellikle yaratıcı kişinin rolü artmıştır.

Dönemin hümanist duygusu en iyi, önceki yüzyıllarda olduğu gibi evrenin bir resmini vermeyi amaçlayan sanatta somutlaştı. Yeni olan, maddi ve manevi olanı bir bütün halinde birleştirmeye çalışmalarıydı. Sanata kayıtsız bir insan bulmak zordu ama tercih güzel sanatlar ve mimariye verildi.

15. yüzyıl İtalyan tablosu çoğunlukla anıtsal (freskler). Resim, güzel sanatlar türleri arasında önde gelen bir yer tutar. Rönesans'ın "doğayı taklit etme" ilkesine tam olarak karşılık gelir. Doğanın incelenmesi temelinde yeni bir görsel sistem oluşturulur. Sanatçı Masaccio, hacim anlayışının gelişimine, ışık-gölgenin yardımıyla aktarımına değerli bir katkı yaptı. Doğrusal ve havadan perspektif yasalarının keşfi ve bilimsel olarak doğrulanması, Avrupa resminin sonraki kaderini önemli ölçüde etkiledi. Yeni bir plastik heykel dili oluşuyor, kurucusu Donatello idi. Serbest duran yuvarlak heykeli canlandırdı. En iyi eseri David heykelidir (Floransa).

Mimaride kadim düzen sisteminin ilkeleri yeniden canlandırılmakta, oranların önemi yükseltilmekte, yeni yapı türleri (şehir sarayı, kır villası vb.) oluşturulmakta, mimarlık kuramı ve ideal kent kavramı irdelenmektedir. geliştirilmekte. Mimar Brunelleschi, antik mimarlık anlayışı ile geç Gotik geleneklerini birleştirdiği binalar inşa ederek, mimaride eskilerin bilmediği yeni bir figüratif maneviyat elde etti. Yüksek Rönesans sırasında, yeni dünya görüşü en iyi şekilde haklı olarak dahiler olarak adlandırılan sanatçıların çalışmalarında somutlaştırıldı: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione ve Titian. 16. yüzyılın son üçte ikisi geç Rönesans denir. Şu anda kriz sanatı kapsıyor. Düzenlenir, kibarlaşır, sıcaklığını ve doğallığını kaybeder. Bununla birlikte, bireysel büyük sanatçılar - Titian, Tintoretto bu dönemde başyapıtlar yaratmaya devam ediyor.

İtalyan Rönesansı, Fransa, İspanya, Almanya, İngiltere ve Rusya'nın sanatı üzerinde büyük bir etkiye sahipti.

Hollanda, Fransa ve Almanya sanatının gelişmesinde görülen yükseliş (XV-XVI yüzyıllar) Kuzey Rönesansı olarak adlandırılır. Ressam Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder'ın çalışmaları, sanatın gelişiminde bu dönemin zirvesidir. Almanya'da A. Dürer, Alman Rönesansının en büyük sanatçısıydı.

Rönesans döneminde manevi kültür ve sanat alanında yapılan keşifler, sonraki yüzyıllarda Avrupa sanatının gelişimi için büyük tarihsel öneme sahipti. Onlara olan ilgi bugüne kadar devam ediyor.

İtalya'daki Rönesans birkaç aşamadan geçti: erken Rönesans, yüksek Rönesans, geç Rönesans. Floransa, Rönesans'ın doğum yeri oldu. Yeni sanatın temelleri ressam Masaccio, heykeltıraş Donatello ve mimar F. Brunelleschi tarafından geliştirildi.

İkonlar yerine resimler yaratan ilk kişi, Proto-Rönesans'ın en büyük ustasıydı. Giotto. Sembolizmi gerçek alan ve belirli nesnelerin tasviriyle değiştirerek, gerçek insan duygu ve deneyimlerinin tasviri yoluyla Hristiyan etik fikirlerini aktarmaya çalışan ilk kişi oydu. Giotto'nun ünlü fresklerinde Padua'daki Arena Şapeli azizlerin yanında oldukça sıra dışı karakterler görebilirsiniz: çobanlar veya bir iplikçi. Giotto'daki her bir kişi oldukça belirli deneyimleri, belirli bir karakteri ifade eder.

Sanatta erken Rönesans döneminde, eski sanatsal mirasın gelişimi gerçekleşir, yeni etik idealler oluşur, sanatçılar bilimin başarılarına (matematik, geometri, optik, anatomi) yönelirler. Erken Rönesans sanatının ideolojik ve üslup ilkelerinin oluşumunda öncü rol, Floransa. Donatello, Verrocchio gibi ustaların yarattığı görüntülerde, Donatello'nun atlı condottiere Gattamelata David heykeli, kahramanlık ve vatanseverlik ilkelerine (Donatello'dan "St. George" ve "David" ve Verrocchio'dan "David") hakimdir.

Masaccio, Rönesans resminin kurucusudur.(Brancacci Şapeli'ndeki duvar resimleri, "Teslis"), Masaccio, uzayın derinliğini aktarmayı başardı, figürü ve manzarayı tek bir kompozisyon fikriyle birleştirdi ve bireylere portre ifade gücü verdi.

Ancak Rönesans kültürünün insana olan ilgisini yansıtan resimli portrenin oluşumu ve evrimi, Umrbi ekolünün sanatçılarının isimleriyle ilişkilendirilir: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Sanatçının çalışmaları erken Rönesans'ta ayrı duruyor Sandro Boticelli. Yarattığı imgeler ruhani ve şiirsel. Araştırmacılar, sanatçının çalışmalarındaki soyutlama ve incelikli entelektüelliğe, karmaşık ve şifreli içeriğe sahip mitolojik kompozisyonlar yaratma arzusuna ("Bahar", "Venüs'ün Doğuşu") dikkat çekiyor. Botticelli'nin biyografi yazarlarından biri, Madonnas ve Venüs'ün izlenimi verdiğini söyledi. kayıp, bizde silinmez bir hüzün duygusuna neden oluyor... Bazıları gökyüzünü, diğerleri - dünyayı kaybetti.

"Bahar" "Venüs'ün Doğuşu"

İtalyan Rönesansının ideolojik ve sanatsal ilkelerinin gelişiminin doruk noktası, Yüksek Rönesans. Yüksek Rönesans sanatının kurucusu, büyük bir sanatçı ve bilim adamı olan Leonardo da Vinci'dir.

O yarattı bütün çizgi Başyapıtlar: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Kesin olarak, Gioconda'nın yüzü, kısıtlama ve sakinlik ile ayırt edilir, dünya çapındaki ününü yaratan ve daha sonra Leonardo okulunun çalışmalarının vazgeçilmez bir parçası haline gelen gülümseme. içinde zar zor fark edilir. Ancak yüzü ve figürü saran yumuşakça eriyen pus içinde Leonardo, insan yüz ifadelerinin sınırsız değişkenliğini hissettirmeyi başardı. Gioconda'nın gözleri dikkatli ve sakin bir şekilde izleyiciye baksa da, göz yuvalarının gölgelenmesi nedeniyle hafifçe kaşlarını çattığı düşünülebilir; dudakları sıkıştırılmış, ancak köşelerinde zar zor algılanan gölgeler, sizi her dakika açılacaklarına, gülümseyeceklerine, konuşacaklarına inandırıyor. Bakışları ile dudaklarındaki yarım gülümseme arasındaki zıtlık, deneyimlerinin çelişkili doğası hakkında bir fikir veriyor. Leonardo'nun modeline uzun seanslarla işkence etmesi boşuna değildi. Hiç kimse gibi, bu resimde gölgeleri, gölgeleri ve yarı tonları aktarmayı başardı ve bunlar titreyen bir yaşam hissine yol açtı. Vasari'nin Mona Lisa'nın boynunda bir damarın nasıl attığını görebileceğinizi düşünmesine şaşmamalı.

Gioconda'nın portresinde Leonardo, yalnızca vücudu ve onu saran hava ortamını mükemmel bir şekilde aktarmakla kalmadı. Ayrıca, bir resmin uyumlu bir izlenim yaratması için gözün neye ihtiyacı olduğuna dair bir anlayış da ekledi; bu nedenle her şey, müzikte gergin bir uyumsuzluk çözüldüğünde olduğu gibi, formlar doğal olarak birbirinden doğuyormuş gibi görünür. ahenkli bir akor ile. Gioconda, kesinlikle orantılı bir dikdörtgenin içine mükemmel bir şekilde yazılmıştır, yarım figürü bütün bir şeyi oluşturur, katlanmış eller imajına bütünlük verir. Şimdi, elbette, erken Müjde'nin tuhaf bukleleri söz konusu olamazdı. Ancak tüm konturlar ne kadar yumuşatılmış olursa olsun, Gioconda'nın dalgalı saç tutamı şeffaf duvağıyla uyum içindedir ve omzuna atılan sarkan kumaş, uzak yolun düzgün kıvrımlarında yankı bulur. Bütün bunlarda Leonardo, ritim ve uyum yasalarına göre yaratma yeteneğini gösterir. “Teknik açısından, Mona Lisa her zaman açıklanamaz bir şey olarak görülmüştür. Şimdi sanırım bu bilmeceyi cevaplayabilirim,” diyor Frank. Ona göre Leonardo, geliştirdiği "sfumato" (İtalyanca "sfumato", kelimenin tam anlamıyla - "duman gibi kayboldu") tekniğini kullandı. İşin püf noktası, resimlerdeki nesnelerin net sınırları olmamalı, her şey sorunsuz bir şekilde birinden diğerine geçiş yapmalı, nesnelerin ana hatları, onları çevreleyen hafif hava pusunun yardımıyla yumuşatılmalıdır. Bu tekniğin ana zorluğu, ne mikroskop altında ne de X-ışınları kullanılarak tanınamayan en küçük vuruşlarda (yaklaşık bir milimetrenin dörtte biri) yatmaktadır. Bu nedenle, bir da Vinci tablosunu yapmak birkaç yüz seans aldı. Mona Lisa'nın görüntüsü, yaklaşık 30 kat sıvı, neredeyse şeffaf yağlı boyadan oluşur. Görünüşe göre sanatçının bu tür mücevher işleri için bir büyüteç kullanması gerekiyordu. Belki de bu kadar emek-yoğun bir tekniğin kullanılması, uzun zamandır portre üzerinde çalışmak - neredeyse 4 yıl.

, "Son Akşam Yemeği" kalıcı bir izlenim bırakır. Duvarda, sanki üstesinden geliyor ve izleyiciyi uyum ve görkemli vizyonlar dünyasına götürüyormuş gibi, aldatılmış güvenin eski müjde draması ortaya çıkıyor. Ve bu dram, ana karaktere - olanları kaçınılmaz olarak kabul eden kederli bir yüze sahip bir kocaya - yönelik genel bir dürtüde çözümünü bulur. Mesih öğrencilerine, "İçinizden biri bana ihanet edecek" demişti. Hain diğerlerinin yanında oturur; eski ustalar Yahuda'yı ayrı otururken tasvir ettiler, ancak Leonardo onun kasvetli yalnızlığını çok daha inandırıcı bir şekilde ortaya çıkardı ve yüz hatlarını bir gölgeyle örttü. Mesih, kaderine boyun eğiyor, başarısının fedakarlığının bilinciyle dolu. Eğik başı, gözleri yere eğik, ellerinin hareketi sonsuz derecede güzel ve görkemli. Figürünün arkasındaki pencereden büyüleyici bir manzara açılıyor. Mesih, tüm kompozisyonun, ortalığı kasıp kavuran tüm bu tutku girdabının merkezidir. Üzüntüsü ve sakinliği, olduğu gibi, ebedi, doğaldır - ve gösterilen dramanın derin anlamı budur.Doğada mükemmel sanat biçimlerinin kaynaklarını arıyordu, ancak N. Berdyaev, yaklaşan süreçten onu sorumlu görüyor. insanı doğadan koparan insan yaşamının mekanizasyonu ve mekanizasyonu.

Resim, yaratıcılıkta klasik uyumu yakalar Raphael. Sanatı, Madonnas'ın (Madonna Conestabile) ilk soğuk Umbria imgelerinden Floransa ve Roma eserlerinin "mutlu Hıristiyanlık" dünyasına doğru evrildi. "Saka Kuşlu Madonna" ve "Koltuktaki Madonna", insanlıkları açısından yumuşak, insancıl ve hatta sıradandır.

Ancak "Sistine Madonna" imajı görkemli, sembolik olarak göksel ve dünyevi dünyaları birbirine bağlıyor. En önemlisi, Raphael, Madonnas'ın nazik görüntülerinin yaratıcısı olarak bilinir. Ancak resimde hem Rönesans evrensel insanın idealini (Castiglione'nin portresi) hem de tarihsel olayların dramasını somutlaştırdı. Sistine Madonna (yaklaşık 1513, Dresden, Sanat Galerisi), sanatçının en ilham verici eserlerinden biridir. St.Petersburg manastırının kilisesi için bir sunak olarak yazılmıştır. Piacenza'daki Sixtus, bu tablo, görüntünün tasarımı, kompozisyonu ve yorumu açısından, Floransa döneminin Madonnalarından önemli ölçüde farklıdır. Güzel bir genç kızın küçümseyici bir şekilde iki bebeğin eğlencelerini takip ettiği mahrem ve dünyevi bir görüntü yerine, birisinin araladığı bir perde sayesinde aniden gökyüzünde beliren harika bir görüntüyle karşı karşıyayız. Altın bir ışıltıyla çevrili, ciddi ve görkemli Meryem, İsa çocuğunu önünde tutarak bulutların arasından yürüyor. Sol ve sağ onun St. Sixtus ve St. Barbara. Simetrik, kesinlikle dengeli kompozisyon, siluetin netliği ve formların anıtsal genelleştirilmesi Sistine Madonna'ya özel bir ihtişam kazandırıyor.

Bu resimde Raphael, belki de başka herhangi bir yerden daha büyük ölçüde, görüntünün gerçeğe yakın gerçekliğini ideal mükemmellik özellikleriyle birleştirmeyi başardı. Madonna'nın imajı karmaşıktır. Çok genç bir kadının dokunaklı saflığı ve saflığı, onda kesin kararlılık ve kahramanca fedakarlık hazırlığı ile birleşiyor. Bu kahramanlık, Madonna imajını İtalyan hümanizminin en iyi gelenekleriyle ilişkilendirir. Bu resimde ideal ve gerçeğin birleşimi, Rafael'in arkadaşı B. Castiglione'ye yazdığı bir mektuptan çok bilinen sözlerini akla getiriyor. "Ve sana söyleyeceğim," diye yazdı Raphael, "bir güzellik yazmak için birçok güzelliği görmem gerekiyor ... ama eksiklik nedeniyle ... güzel kadınlar aklıma gelen bazı fikirleri kullanıyorum. . Mükemmelliği var mı bilmiyorum ama ona ulaşmak için çok çabalıyorum. Bu sözler sanatçının yaratıcı yöntemine ışık tutuyor. Gerçeklikten hareket ederek ve ona güvenerek, aynı zamanda imajı tesadüfi ve geçici olan her şeyin üzerine çıkarmaya çalışır.

Michelangelo(1475-1564) - şüphesiz sanat tarihinin en ilham verici sanatçılarından biri ve İtalyan yüksek rönesansının en güçlü figürü olan Leonardo da Vinci ile birlikte. Bir heykeltıraş, mimar, ressam ve şair olarak Michelangelo, çağdaşları ve genel olarak sonraki Batı sanatı üzerinde muazzam bir etkiye sahipti.

6 Mart 1475'te Arezzo şehri yakınlarındaki küçük Caprese köyünde doğmuş olmasına rağmen, kendisini bir Floransalı olarak görüyordu. Michelangelo şehrini, sanatını, kültürünü derinden sevmiş ve bu sevgisini ömrünün sonuna kadar taşımıştır. Olgunluk yıllarının çoğunu Roma'da papalar için çalışarak geçirdi; ancak, cesedinin Floransa'da Santa Croce kilisesindeki güzel bir mezara gömülmesine uygun olarak bir vasiyet bıraktı.

Michelangelo sahne aldı mermer heykel Meryemana resmi(Mesih'in Ağıtı) (1498-1500), hala orijinal konumunda - Aziz Petrus Katedrali'nde. Bu, dünya sanat tarihinin en ünlü eserlerinden biridir. Pieta muhtemelen Michelangelo tarafından 25 yaşından önce tamamlandı. İmzaladığı tek eser bu. Genç Meryem, Kuzey Avrupa sanatından ödünç alınan bir görüntü olan dizlerinin üzerinde ölü İsa ile tasvir edilmiştir. Mary'nin bakışı ciddi olduğu kadar üzgün değil. Bu en yüksek nokta genç Michelangelo'nun eseri.

Genç Michelangelo'nun daha az önemli eseri dev (4,34 m) bir mermer görüntü değildi. Davut(Akademi, Floransa), Floransa'ya döndükten sonra 1501 ile 1504 yılları arasında idam edildi. Kahraman Eski Ahit Michelangelo tarafından, sanki düşmanı - savaşmak zorunda olduğu Goliath'ı değerlendiriyormuş gibi endişeyle mesafeye bakan yakışıklı, kaslı, çıplak bir genç adam şeklinde tasvir edilmiştir. David'in yüzündeki canlı, gergin ifade, Michelangelo'nun birçok eserinin karakteristiğidir - bu, onun bireysel heykelsi tavrının bir işaretidir. Michelangelo'nun en ünlü heykeli olan David, Floransa'nın bir simgesi haline geldi ve orijinal olarak Floransa belediye binası Palazzo Vecchio'nun önündeki Piazza della Signoria'ya yerleştirildi. Bu heykelle Michelangelo, çağdaşlarına sadece tüm çağdaş sanatçıları değil, aynı zamanda antik çağın ustalarını da geride bıraktığını kanıtladı.

Sistine Şapeli'nin mahzenindeki resim 1505'te Michelangelo, Papa II. Julius tarafından iki emri yerine getirmesi için Roma'ya çağrıldı. En önemlisi, Sistine Şapeli mahzeninin fresk resmiydi. Tavanın hemen altındaki yüksek iskelede yatan Michelangelo, 1508 ile 1512 yılları arasında İncil'deki bazı hikayeler için en güzel illüstrasyonları yarattı. Papalık şapelinin kasasında, Işığın Karanlıktan Ayrılmasıyla başlayan ve Adem'in Yaratılışı, Havva'nın Yaratılışı, Adem ve Havva'nın Ayartılması ve Düşüşü ve Tufan dahil Tekvin Kitabından dokuz sahneyi tasvir etti. . Ana resimlerin çevresinde, mermer tahtlar üzerindeki peygamberlerin ve sibillerin, diğer Eski Ahit karakterlerinin ve İsa'nın atalarının dönüşümlü görüntüleri vardır.

Bu harika işe hazırlanmak için Michelangelo, çeşitli pozlarda oturan figürleri tasvir ettiği çok sayıda eskiz ve karton yaptı. Bu muhteşem, güçlü görüntüler, sanatçının Batı Avrupa sanatında yeni bir yöne ivme kazandıran insan anatomisi ve hareketi konusundaki ustaca anlayışını kanıtlıyor.

Diğer iki mükemmel heykel, Bağlı Mahkum ve Bir Kölenin Ölümü(her ikisi de yaklaşık 1510-13) Paris, Louvre'dadır. Michelangelo'nun heykele yaklaşımını gösteriyorlar. Ona göre figürler basitçe mermer bloğun içine kapatılmıştır ve fazla taşı kaldırarak onları serbest bırakmak sanatçının görevidir. Çoğu zaman Michelangelo, ya artık ihtiyaç kalmadığı için ya da sadece sanatçıya olan ilgilerini yitirdikleri için heykelleri yarım bıraktı.

San Lorenzo Kütüphanesi II. Julius'un mezarının projesi mimari çalışma gerektiriyordu, ancak Michelangelo'nun mimari alandaki ciddi çalışmaları ancak 1519'da, sanatçının tekrar geri döndüğü Floransa'daki St. bu proje asla uygulanmadı). 1520'lerde, Kütüphane'nin San Lorenzo kilisesine bitişik zarif giriş salonunu da tasarladı. Bu yapılar, yazarın ölümünden yalnızca birkaç on yıl sonra tamamlandı.

Cumhuriyetçi hizbin bir taraftarı olan Michelangelo, 1527-29 yıllarında Medici'ye karşı savaşa katıldı. Sorumlulukları arasında Floransa surlarının inşası ve yeniden inşası vardı.

Medici Şapelleri. Michelangelo, Floransa'da oldukça uzun bir süre yaşadıktan sonra, 1519 ile 1534 yılları arasında Medici ailesinin San Lorenzo kilisesinin yeni kutsal yerine iki mezar dikme görevini tamamladı. Sanatçı, yüksek kubbeli tonozlu bir salonda, Urbino Dükü Lorenzo De Medici ve Nemours Dükü Giuliano De Medici için duvarlara iki muhteşem mezar dikti. İki karmaşık mezar, zıt tiplerin temsilleri olarak tasarlandı: Lorenzo - kendi içine kapanmış, düşünceli, içine kapanık bir kişi; Giuliano ise tam tersine aktif, açık. Heykeltıraş, Lorenzo'nun mezarının üzerine Sabah ve Akşam'ın alegorik heykellerini ve Giuliano'nun mezarının üzerine - Gündüz ve Gece alegorileri yerleştirdi. Medici mezarları üzerindeki çalışmalar, Michelangelo'nun 1534'te Roma'ya dönmesinden sonra da devam etti. Bir daha çok sevdiği şehrini ziyaret etmedi.

Son Yargı

1536'dan 1541'e kadar Michelangelo, Roma'da Vatikan'daki Sistine Şapeli'nin sunak duvarını boyamak için çalıştı. Rönesans'ın en büyük freski, Son Yargı gününü tasvir eder.Elinde ateşli bir şimşek olan Mesih, dünyanın tüm sakinlerini amansız bir şekilde kompozisyonun sol tarafında tasvir edilen kurtarılmış doğrulara ve içine inen günahkarlara böler. Dante'nin cehennemi (freskinin sol tarafı). Michelangelo, kesinlikle kendi geleneğini takip ederek, tüm figürleri başlangıçta çıplak boyadı, ancak on yıl sonra, kültürel iklim daha muhafazakar hale geldikçe bazı Püriten sanatçılar onları "giydirdi". Michelangelo freskte kendi portresini bıraktı - yüzü, Kutsal Şehit Havari Bartholomew'den yırtılan deride kolayca tahmin ediliyor.

Bu dönemde Michelangelo'nun Havari Aziz Paul şapelini boyamak (1940) gibi başka resimsel siparişleri olmasına rağmen, her şeyden önce tüm gücünü mimariye adamaya çalıştı.

Aziz Petrus Katedrali'nin kubbesi. 1546'da Michelangelo, Vatikan'da yapım aşamasında olan Aziz Petrus Katedrali'nin baş mimarı olarak atandı. Bina, Donato Bramante'nin planına göre inşa edildi, ancak Michelangelo nihayetinde sunak apsisinin yapımından ve katedralin kubbesi için mühendislik ve sanatsal çözümün geliştirilmesinden sorumlu oldu. Aziz Petrus Katedrali'nin inşaatının tamamlanması, Floransalı ustanın mimarlık alanındaki en büyük başarısıydı. Uzun yaşamı boyunca Michelangelo, Lorenzo de Medici'den Leo X, Clement VIII ve Pius III'e kadar birçok prens ve papanın yanı sıra birçok kardinal, ressam ve şairin yakın arkadaşıydı. Sanatçının karakterini, hayattaki konumunu eserleri aracılığıyla kesin olarak anlamak zordur - çok çeşitlidirler. Belki şiir dışında, kendi şiirlerinde, Michelangelo yaratıcılık ve sanattaki yeri sorularına daha sık ve daha derinden yöneldi. Eserlerinde karşılaştığı sorun ve zorluklara, dönemin en önemli temsilcileriyle olan kişisel ilişkilerine şiirlerinde geniş yer verilir.Rönesans'ın en ünlü şairlerinden biri olan Lodovico Ariosto, için bir kitabe yazmıştır. Bu ünlü artist: "Michele bir ölümlüden daha fazlası, o ilahi bir melek."

SAYFA \* MERGEFORMAT 2

Federal ajans demiryolu taşımacılığı

Sibirya Devlet Ulaştırma Üniversitesi

"Felsefe" Bölümü

RÖNESANS'IN SANATSAL İMGELERİ

Makale

"Kültüroloji" disiplininde

Kafa Tasarımı

Profesör öğrenci gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(imza) (imza)

08.12.2012

(muayene tarihi) (muayene için teslim tarihi)

yıl2012

giriiş

Rönesans, Avrupa kültürünün gelişim tarihindeki en parlak dönemlerden biri olarak kabul edilir. Canlanma, Orta Çağ'dan yeni zamana geçiş sürecinde kültürel bir alt üst oluşun (bir dönüm noktası, bir kayma) yaşandığı bütün bir kültürel dönem diyebiliriz. Temel değişiklikler mitolojinin ortadan kaldırılmasıyla ilişkilidir.

Rönesans teriminin kökenine rağmen (fr. Rönesans, "Rönesans"), antik çağın yeniden canlanması olmadı ve olamazdı. İnsan geçmişine geri dönemez. Antik çağın derslerini kullanan Rönesans, yenilikler getirdi. Tüm antik türleri hayata döndürmedi, yalnızca zamanının ve kültürünün özlemlerinin özelliği olan türleri hayata döndürdü. Rönesans, antik çağın yeni bir okumasını yeni bir Hıristiyanlık okumasıyla birleştirdi.

Seçilen konunun alaka düzeyi, modern çağ ile Rönesans arasındaki bağlantıdan kaynaklanmaktadır - bu, her şeyden önce, değerler sisteminde, var olan her şeyin ve onunla ilgili olarak değerlendirilmesinde bir devrimdir.

Çalışmanın temel amacı, ele alınan dönemin en büyük figürlerinin dünya görüşünde meydana gelen köklü değişiklikleri göstermektir.

1. Rönesans Kültürü

XIII-XVI Yüzyıllar ekonomi, politika ve kültürde büyük değişimlerin yaşandığı bir dönem olmuştur. Şehirlerin hızlı büyümesi ve zanaatların gelişmesi ve daha sonra fabrika üretimine geçiş, ortaçağ Avrupa'sının çehresini değiştirdi.

Şehirler ön plana çıktı. Bundan kısa bir süre önce, ortaçağ dünyasının en güçlü güçleri - imparatorluk ve papalık - derin bir kriz içindeydi. İÇİNDE XVI. yüzyılda, Alman ulusunun çürüyen Kutsal Roma İmparatorluğu, ilk iki anti-feodal devrime - Almanya'daki Büyük Köylü Savaşı ve Hollanda Ayaklanması - sahne oldu.

Çağın geçiş doğası, hayatın her alanında yer alan ortaçağ yollarından kurtulma süreci, aynı zamanda, ortaya çıkan kapitalist ilişkilerin hala az gelişmiş olması, o dönemin sanatsal kültürünün ve estetik düşüncesinin özelliklerini etkileyemezdi. .

A. V. Stepanov'a göre, toplum yaşamındaki tüm değişikliklere, geniş bir kültür yenilenmesi eşlik etti - doğa ve kesin bilimlerin gelişmesi, ulusal dillerde edebiyat ve güzel sanatlar. İtalya şehirlerinden başlayan bu yenilenme daha sonra diğer Avrupa ülkelerini de etkisi altına aldı. Yazar, matbaanın icadından sonra edebi ve bilimsel eserlerin yayılması için benzeri görülmemiş fırsatların ortaya çıktığına ve ülkeler arasında daha düzenli ve yakın iletişimin yeni sanatsal akımların nüfuz etmesine katkıda bulunduğuna inanıyor.

Bu, Orta Çağ'ın yeni akımların önünde gerilediği anlamına gelmiyordu: kitle bilincinde geleneksel fikirler korunuyordu. Kilise, bir ortaçağ aracı olan Engizisyon kullanarak yeni fikirlere direndi. İnsanın özgürlüğü fikri, sınıflara bölünmüş bir toplumda var olmaya devam etti. Köylülerin feodal bağımlılık biçimi tamamen ortadan kalkmadı ve bazı ülkelerde (Almanya, Orta Avrupa) serfliğe dönüş oldu. Feodal sistem oldukça fazla canlılık gösterdi. Her biri Avrupa ülkesi kendi tarzında ve kendi kronolojik çerçevesi içinde yaşadı. Kapitalizm, hem şehirdeki hem de kırsaldaki üretimin yalnızca bir bölümünü kapsayan bir yaşam biçimi olarak uzun süre varlığını sürdürdü. Bununla birlikte, ataerkil ortaçağ yavaşlığı geçmişe doğru çekilmeye başladı.

Büyük coğrafi keşifler bu atılımda büyük rol oynadı. Örneğin, 1492'de. Hindistan'a giden bir yol arayan H. Columbus, Atlantik Okyanusu'nu geçti ve yeni bir kıta olan Amerika'yı keşfederek Bahamalar'ın yakınına indi. 1498'de Afrika'yı dolaşan İspanyol gezgin Vasco da Gama, gemilerini başarıyla Hindistan kıyılarına getirdi. İLE XVI. V. Avrupalılar, daha önce hakkında çok belirsiz bir fikre sahip oldukları Çin ve Japonya'ya sızıyorlar. 1510'dan itibaren Amerika'nın fethi başlar. İÇİNDE XVII. V. Avustralya keşfedildi. Dünyanın şekli fikri değişti: F. Magellan'ın dünya turu, top şeklinde olduğu varsayımını doğruladı.

Dünyevi her şeyi hor görmenin yerini artık gerçek dünyaya, insana, doğanın güzelliğinin ve ihtişamının bilincine olan açgözlü bir ilgi alıyor ve bu, Rönesans'ın kültürel anıtlarını analiz ederek kanıtlanabilir. Orta Çağ'da teolojinin bilim üzerindeki tartışılmaz üstünlüğü, hakikatin en yüksek ölçüsü haline gelen insan aklının sınırsız olanaklarına olan inançla sarsılır. Yeni seküler entelijansiyanın temsilcileri, ilahi olana karşı insana olan ilgiyi vurgulayarak, kendilerini "hümanistler" olarak adlandırdılar ve bu kelimeyi "" kavramından aldılar. insancıl çalışma ”, insan doğası ve onun manevi dünyasıyla bağlantılı her şeyin incelenmesi anlamına gelir.

Rönesans'ın eserleri ve sanatı için, sınırsız yaratıcı olanaklara sahip özgür bir varlık fikri karakteristik hale geldi. Rönesans estetiğinde ve güzel, yüce, kahramanlık anlayışında insanmerkezcilikle ilişkilendirilir. Güzel bir sanatsal ve yaratıcı insan kişiliği ilkesi, Rönesans teorisyenleri tarafından her türlü oranı, simetriyi ve perspektifi matematiksel olarak hesaplama girişimiyle birleştirildi.

Bu dönemin estetik ve sanatsal düşüncesi ilk kez insan algısı olduğu gibi ve dünyanın duyusal olarak gerçek bir resminde. Burada, dini ve ahlaki yorumları ne olursa olsun, yaşam duyumlarına yönelik öznelci-bireyci susuzluk da dikkat çekicidir, ancak ikincisi prensipte reddedilmemektedir. Rönesans estetiği, sanatı doğanın taklidine odaklar. Bununla birlikte, burada ilk etapta, yaratıcı etkinliğinde Tanrı'ya benzetilen sanatçı kadar doğa değildir.

E. Chamberlin, zevki sanat eserlerinin algılanması için en önemli ilkelerden biri olarak görüyor, çünkü bu, önceki estetik teorilerin skolastik "öğrenme"sinin aksine önemli bir demokratik eğilimi gösteriyor.

Rönesans'ın estetik düşüncesi, yalnızca Orta Çağ'daki ilahi kişiliğin aksine insan bireyinin mutlaklaştırılması fikrini değil, aynı zamanda mutlak kendini olumlamaya dayanan bu tür bireyciliğin sınırlamalarına dair belirli bir farkındalığı da içerir. bireysel. Dolayısıyla, W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo ve diğerlerinin eserlerinde bulunan trajedinin motifleri, bu, eski ortaçağ mutlaklarından ayrılan, ancak tarihsel koşullar nedeniyle henüz yeni bir şey bulamayan bir kültürün çelişkili doğasıdır. güvenilir temeller

Sanat ve bilim arasındaki bağlantı, kültürün karakteristik özelliklerinden biridir. Sanatçılar bilimlerde destek aradılar ve genellikle gelişimlerini teşvik ettiler. Rönesans, aralarında birincilik Leonardo da Vinci'ye ait olan sanatçı-bilim adamlarının ortaya çıkışıyla dikkat çekiyor.

Bu nedenle, Rönesans'ın görevlerinden biri, insanın ilahi güzelliklerle dolu bir dünyayı idrak etmesidir. Dünya insanı cezbeder çünkü o, Tanrı tarafından ruhsallaştırılmıştır. Ancak Rönesans'ta, bir kişinin varoluşunun trajedisini hissetmesine yönelik başka bir eğilim vardı.

2. Büyük ustaların eserlerinde dünya ve insan imgesi Rönesans

"Rönesans" terimi (Fransızca "Rönesans" teriminin çevirisi), yeni kültürün antik çağla bağlantısını gösterir. Avrupalılar, Haçlı Seferleri döneminde Doğu ile, özellikle Bizans ile tanışmanın bir sonucu olarak, eski hümanist el yazmaları, eski güzel sanatlar ve mimarinin çeşitli anıtları ile tanıştı. Tüm bu eski eserler, kısmen toplandıkları ve incelendikleri İtalya'ya taşınmaya başlandı. Ancak İtalya'nın kendisinde bile, İtalyan şehir aydınlarının temsilcileri tarafından da dikkatle incelenmeye başlayan birçok antik Roma anıtı vardı. İtalyan toplumunda klasik antik dillere derin bir ilgi doğdu. antik felsefe, tarih ve edebiyat. Floransa şehri bu harekette özellikle önemli bir rol oynadı. Floransa'dan bir sıra geldi seçkin figürler yeni kültür.

Yeni burjuvazi, bir zamanlar en canlı, ekonomik anlamda antik çağ şehirleri yaratan eski ideolojiyi kullanarak, onu kendi tarzında elden geçirdi ve daha önce hüküm süren feodalizm dünya görüşüne keskin bir şekilde zıt yeni dünya görüşünü formüle etti. Yeninin ikinci adı İtalyan kültürü- hümanizm sadece bunu kanıtlıyor.

Hümanist kültür, ortaçağ ideolojisinde olduğu gibi ilahi, uhrevi olanı değil, insanın kendisini (insan - insan) dikkatinin merkezine koydu. Çileciliğin artık hümanist dünya görüşünde yeri yoktu. İnsan bedeni, tutkuları ve ihtiyaçları, bastırılması veya eziyet edilmesi gereken "günahkar" bir şey olarak değil, kendi içinde bir amaç, hayattaki en önemli şey olarak görülüyordu. Dünyevi varoluş tek gerçek olarak kabul edildi. Doğanın ve insanın bilgisi, bilimin özü ilan edildi. Ortaçağ skolastiklerinin ve mistiklerinin dünya görüşüne hakim olan karamsar motiflerin aksine, Rönesans halkının dünya görüşü ve ruh halindeki iyimser motifler galip geldi; insana, insanlığın geleceğine, insan aklının ve aydınlanmanın zaferine olan inançla karakterize edildiler. Olağanüstü şairler ve yazarlar, bilim adamları ve figürlerden oluşan bir galaksi Çeşitli türler sanat bu büyük yeni entelektüel harekete katıldı. İtalya'nın görkemi harika sanatçılar tarafından getirildi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian.

Rönesans'ın şüphesiz başarısı, resmin geometrik olarak doğru inşasıydı. Sanatçı, geliştirdiği teknikleri kullanarak görüntüyü oluşturdu. O zamanın ressamları için asıl mesele, nesnelerin oranlarını gözlemlemekti. Doğa bile matematiksel oyunların altına düştü.

Başka bir deyişle, Rönesans'taki sanatçılar, örneğin doğanın zemininde bir kişinin doğru bir görüntüsünü aktarmaya çalıştılar. Bir tür tuval üzerinde görülen bir görüntüyü yeniden yaratmanın modern yöntemleriyle karşılaştırıldığında, büyük olasılıkla, sonraki düzeltmeli bir fotoğraf, Rönesans sanatçılarının ne için uğraştığını anlamaya yardımcı olacaktır.

Rönesans ressamları, doğanın kusurlarını düzeltme hakkına sahip olduklarına inanıyorlardı, yani bir kişinin yüz hatları çirkinse, sanatçılar yüzü tatlı ve çekici hale getirecek şekilde düzelttiler.

İncil sahnelerini tasvir eden Rönesans sanatçıları, bir kişinin dünyevi tezahürlerinin, kullanırlarsa daha net tasvir edilebileceğini açıkça ortaya koymaya çalıştılar. İncil hikayeleri. O dönemin sanatçılarının eserlerini tanımaya başlarsanız, düşüşün, günaha, cehennemin veya cennetin ne olduğunu anlayabilirsiniz. Madonna'nın aynı görüntüsü bize bir kadının güzelliğini aktarır ve aynı zamanda dünyevi insan sevgisi anlayışını taşır.

Böylece Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir. Bilişsel anlamı, yüce şiirsel güzellikle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı; doğallık arayışında, günlük yaşamın önemsizliğine inmedi. Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.

Çözüm

Dolayısıyla, Rönesans veya Rönesans, insanlığın yaşamında sanat ve bilimde muazzam bir yükselişin damgasını vurduğu bir dönemdir. Rönesans, insanı hayatın en yüksek değeri olarak ilan etti.

Sanatta ana tema, sınırsız ruhsal ve yaratıcı olanaklara sahip bir insandı.Rönesans sanatı, Yeni Çağ Avrupa kültürünün temellerini attı ve tüm ana sanat türlerini kökten değiştirdi.

Mimaride yeni tip kamu binaları gelişmiştir.Resim, doğrusal ve havadan bir perspektif, anatomi bilgisi ve insan vücudunun oranları ile zenginleştirildi.Dünyevi içerik, sanat eserlerinin geleneksel dini temalarına nüfuz etti. Antik mitolojiye, tarihe, gündelik sahnelere, manzaralara, portrelere artan ilgi. Bir resim vardı, bir resim vardı. yağlı boyalar. Sanatçının yaratıcı bireyselliği sanatta ilk sırayı aldı.

Rönesans sanatında dünyayı ve insanı bilimsel ve sanatsal idrak yolları iç içe geçmiştir.Sanat, evrensel bir manevi ihtiyaç haline geldi.

İnsanlık tarihinin en güzel dönemlerinden biri kuşkusuz Rönesans'tır.

KAYNAKÇA

1. Kustodieva T.K. XIII-XVI YÜZYIL RÖNESANSI İTALYAN SANATI (MAKALE KILAVUZU) / Т.К. KUSTODIEVA, ART, 1985. 318 S.
2. RÖNESANS KÜLTÜRÜNDE AŞK VE GÜZELLİK İMGELERİ / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 S.
3. Stepanov A.V. RÖNESANS SANATI. İTALYA XIV-XV YÜZYILLAR / M.Ö. STEPANOV, M., 2007. 610 S.
4. Stepanov A.V. RÖNESANS SANATI. HOLLANDA, ALMANYA, FRANSA, İSPANYA, İNGİLTERE / A.V. STEPANOV, AZBUKA-KLASİKLERİ, 2009. 640 S.
5. CHAMBERLIN E. RÖNESANS ÇAĞI. HAYAT, DİN, KÜLTÜR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 S.

Erken Rönesans'ın (Quattrocento) İtalyan mimarisi, Avrupa mimarisinin gelişiminde Avrupa'daki hakimiyeti terk ederek yeni bir dönem açtı. gotik sanat ve emir sistemine dayalı yeni ilkeleri onaylayarak.

Bu dönemde eski felsefe, sanat ve edebiyat kasıtlı ve bilinçli bir şekilde incelendi. Bu nedenle antik çağ, Orta Çağ'ın güçlü asırlık geleneklerine, özellikle de Rönesans kültürünün özellikle karmaşık doğasının pagan ve Hıristiyan konuların dönüşümüne ve iç içe geçmesine dayandığı Hıristiyan sanatına dayanıyordu.

Quattrocento, Proto-Rönesans çağında olduğu gibi sezgi değil, kesin bilimsel bilginin ön plana çıktığı deneysel araştırmaların zamanıdır. Artık sanat, hakkında 15. yüzyılın birçok bilimsel incelemesinin yazıldığı, çevreleyen dünyanın evrensel bilgisinin rolünü oynadı.

Mimarlık ve resmin ilk teorisyeni, teoriyi geliştiren Leon Batista Alberti idi. doğrusal perspektif, uzayın derinliğinin resmindeki gerçek bir görüntüye dayanmaktadır. Bu teori, ideal bir şehir yaratmayı amaçlayan yeni mimari ve şehir planlama ilkelerinin temelini oluşturdu.

Rönesans'ın ustaları, Platon'un ideal bir şehir ve ideal bir devlet rüyasına yeniden dönmeye başladılar ve eski kültür ve felsefede zaten ana olan fikirleri - insan ve doğa arasındaki uyum fikirleri, hümanizm fikirleri - somutlaştırdılar. Dolayısıyla, ideal şehrin yeni imajı, ilk başta belirli bir formül, bir fikir, gelecek için cesur bir iddiaydı.

Rönesans şehir planlamasının teori ve pratiği birbirine paralel olarak gelişmiştir. Eski binalar yeniden inşa edildi, yenileri inşa edildi ve aynı zamanda şehirlerin mimarisi, tahkimatı ve yeniden geliştirilmesi üzerine risaleler yazıldı. İncelemelerin yazarları (Alberti ve Palladio), bitmiş projeleri tarif etmek yerine, ideal bir şehir fikri olan grafiksel olarak tasvir edilen bir konsept sunan, pratik inşaat ihtiyaçlarının çok ilerisindeydi. Ayrıca kentin savunma, ekonomi, estetik ve hijyen açısından nasıl konumlandırılması gerektiği konusunda da akıl yürütmeler yaptılar.

Aslında Alberti, antik orantı duygusu ile yeni çağın rasyonalist yaklaşımını sentezleyerek geliştirilen, Rönesans'ın ideal kentsel topluluğunun temel ilkelerini ilan eden ilk kişiydi. Yani, Rönesans şehir planlamacılarının estetik ilkeleri şunlardı:

• ana ve ikincil binaların mimari ölçeklerinin tutarlılığı;
• binanın yüksekliğinin önündeki alana oranı (1:3'ten 1:6'ya);
• ahenksiz kontrastların olmaması;
• kompozisyon dengesi.

İdeal şehir, Rönesans'ın birçok büyük ustası için çok heyecan vericiydi. Fikri, yük taşımacılığının alt katta hareket ettiği ve üst katta kara ve yaya yollarının bulunduğu iki seviyeli bir şehir yaratmak olan Leonardo da Vinci de bunu düşündü. Da Vinci'nin planları aynı zamanda Floransa ve Milano'nun yeniden inşasının yanı sıra mil şehrinin taslağıyla da ilişkilendirildi.

16. yüzyılın sonuna gelindiğinde, birçok şehir planlama teorisyeni, savunma yapıları ve ticari alanlar konusu karşısında şaşkına dönmüştü. Böylece kale kuleleri ve duvarları, şehir sınırları dışına çıkarılan toprak burçlarla değiştirildi, bu nedenle şehirler ana hatlarıyla çok ışınlı bir yıldıza benzemeye başladı.

Ve taştan tek bir ideal şehir inşa edilmemiş olsa da (küçük kale şehirleri hariç), böyle bir şehir inşa etmenin birçok ilkesi, İtalya'da ve diğer birçok ülkede düz geniş caddelerin döşenmeye başladığı 16. yüzyılda zaten gerçek oldu. kentsel topluluğun önemli unsurlarını birbirine bağladı.