Ostrovsky'nin Rus edebiyatındaki değeri. Ostrovsky'nin Yaratıcılığının Edebiyatın İdeolojik ve Estetik Gelişimindeki Önemi

A.N.'nin değeri nedir? Ostrovsky? I. A. Goncharov'a göre neden ancak Ostrovsky'den sonra kendi Rus ulusal tiyatromuza sahip olduğumuzu söyleyebiliriz? (Dersin epigrafına dön)

Evet, "Çallılar", "Woe from Wit", "Inspector General" vardı, Turgenev, A.K. Tolstoy, Sukhovo-Kobylin'in oyunları vardı ama bunlar yeterli değildi! Tiyatro repertuarının çoğu boş vodvil ve çevrilmiş melodramlardan oluşuyordu. Tüm yeteneğini yalnızca dramaturjiye adayan Alexander Nikolayevich Ostrovsky'nin gelişiyle tiyatro repertuarı niteliksel olarak değişti. Tek başına, tüm Rus klasiklerinin bir araya getiremediği kadar çok oyun yazdı: yaklaşık elli! Otuz yılı aşkın bir süredir her sezon sinemalarda yeni oyun, hatta iki! Şimdi oynayacak bir şey vardı!

ortaya çıktı yeni okul oyunculuk, yeni tiyatro estetiği, tüm Rus kültürünün malı haline gelen "Ostrovsky Tiyatrosu" ortaya çıktı!

Ostrovsky'nin tiyatroya olan ilgisinin nedeni neydi? Oyun yazarı bu soruyu kendisi şöyle yanıtladı: “Dramatik şiir, diğer tüm edebiyat dallarından daha halka yakındır. Diğer tüm eserler eğitimli insanlar için, dramalar ve komediler ise tüm insanlar için yazılmıştır ... ". Halk için yazmak, bilinçlerini uyandırmak, beğenilerini şekillendirmek sorumluluk gerektiren bir iştir. Ve Ostrovsky bunu ciddiye aldı. Örnek bir tiyatro yoksa, basit halk merakı ve duyarlılığı tahriş eden operetleri ve melodramları gerçek sanat sanabilir.

Ostrovsky'nin Rus tiyatrosuna olan temel değerlerini not ediyoruz.

1) Ostrovsky tiyatro repertuarını yarattı. 47 orijinal oyun ve genç yazarlarla birlikte 7 oyun yazdı. Ostrovsky tarafından İtalyanca, İngilizce ve Fransızca'dan yirmi oyun çevrildi.

2) Dramaturjisinin tür çeşitliliği daha az önemli değil: bunlar Moskova yaşamından "sahneler ve resimler", dramatik kronikler, dramalar, komediler, bahar masalı "The Snow Maiden".

3) Oyun yazarı, oyunlarında çeşitli sınıfları, karakterleri, meslekleri tasvir etmiş, kraldan meyhane uşağına kadar 547 oyuncu yaratmıştır.

4) Ostrovsky'nin oyunları çok geniş bir alanı kapsıyor. tarihi dönem: 17. yüzyıldan 10. yüzyıla kadar.

5) Oyunların aksiyonu şu şekilde gerçekleşir: toprak sahiplerinin mülkleri, hanlarda ve Volga kıyılarında. Bulvarlarda ve ilçe kasabalarının sokaklarında.

6) Ostrovsky'nin kahramanları - ve asıl mesele bu - kendi özelliklerine, tavırlarına, kendi kaderlerine ve yalnızca bu kahramana özgü canlı bir dile sahip yaşayan karakterlerdir.

İlk temsilin (Ocak 1853; Kızağına Binme) üzerinden bir buçuk asır geçti ve oyun yazarının adı tiyatroların afişlerinden çıkmıyor, dünyanın birçok sahnesinde temsiller sahneleniyor.

Ostrovsky'ye özellikle yoğun ilgi Sıkıntılı zamanlar bir insan hayatın en önemli sorularına cevap ararken: bize ne oluyor? Neden? Biz neyiz? Belki de öyle bir zamanda insan duygulardan, tutkulardan, hayatın doluluğu hissinden yoksundur. Ve yine de Ostrovsky'nin yazdığı şeye ihtiyacımız var: "Ve tüm tiyatro için derin bir iç çekiş ve içten gelen sıcak gözyaşları, doğrudan ruha akacak sıcak konuşmalar."

A. N. Ostrovsky'nin çalışmalarının dünya dramasındaki önemi nedir?

1. A. N. Ostrovsky'nin yerli drama ve sahnenin gelişimi için önemi, tüm Rus kültürünün başarılarındaki rolü yadsınamaz ve muazzamdır. Shakespeare'in İngiltere için veya Molière'in Fransa için yaptığı kadarını Rusya için yaptı.
   Ostrovsky 47 orijinal oyun yazdı (Kozma Minin ve Voevoda'nın ikinci baskıları ve S. A. Gedeonov (Vasilisa Melentyeva), N. Ya. Solovyov (Mutlu Günler, Belugin'in Evliliği, Vahşi, Parlıyor, ama sıcak değil) ile birlikte yedi oyun hariç) ve P. M. Nevezhin (Bliss, Eski ve Yeni Şekilde)... Ostrovsky'nin sözleriyle, bu tam bir halk tiyatrosu.
   Ancak Ostrovsky'nin dramaturjisi tamamen Rus fenomeniçalışmasına rağmen
   şüphesiz kardeş halkların dramaturjisini ve tiyatrosunu etkilemiştir.
   SSCB'ye ait. Oyunları çevrildi ve sahnelendi.
   Ukrayna, Beyaz Rusya, Ermenistan, Gürcistan vb.

   Ostrovsky'nin oyunları yurtdışında hayranlar kazandı. Onun oyunları sahnelenir
   eski halk demokratik ülkelerinin tiyatrolarında, özellikle sahnelerde
   Slav devletleri(Bulgaristan, Çekoslovakya).
   İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra oyun yazarının oyunları, kapitalist ülkelerdeki yayıncıların ve tiyatroların ilgisini giderek daha fazla çekmeye başladı.
   Burada her şeyden önce Fırtına oyunlarıyla ilgilenmeye başladılar, Her bilge için yeterince basitlik vardır, Orman, Kar Kızı, Kurtlar ve koyunlar, Çeyiz.
   Ancak Shakespeare veya Moliere gibi popülerlik ve tanınma, Rusça
   dünya kültüründe oyun yazarı kazanamadı.

2. Büyük oyun yazarının anlattığı her şey bugüne kadar ortadan kaldırılmadı.

Tüm yaratıcı hayat BİR. Ostrovsky, Rus tiyatrosuyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı ve Rus sahnesindeki değeri gerçekten ölçülemez. Hayatının sonunda şunu söylemek için her türlü nedeni vardı: "... Rus drama tiyatrosunun tek bir ben'i var. Ben her şeyim: akademi, sanatın hamisi ve savunma. Ek olarak, ... ben baş oldu Performans sanatları".

Ostrovsky, oyunlarının sahnelenmesinde aktif rol aldı, oyuncularla çalıştı, birçoğuyla arkadaş oldu ve onlarla yazıştı. Oyuncuların ahlakını savunmak için çok çaba sarf etti, Rusya'da kendi repertuarı olan bir tiyatro okulu yaratmaya çalıştı.

1865'te Ostrovsky, Moskova'da amacı sanatçıların, özellikle taşralı sanatçıların çıkarlarını korumak ve eğitimlerini teşvik etmek olan bir Sanat Çevresi kurdu. 1874'te Dramatik Yazarlar ve Opera Bestecileri Derneği'ni kurdu. Moskova'daki Maly Tiyatrosu ve St. Petersburg'daki Alexandrinsky Tiyatrosu'nda sahne sanatlarının gelişimi hakkında hükümete muhtıralar derledi (1881), Moskova tiyatrolarının repertuarından sorumluydu (1886) ve başkanıydı. tiyatro okulu (1886). 47 orijinal oyundan oluşan bütün bir "Rus tiyatrosu binasını" "inşa etti". I. A. Goncharov, Ostrovsky'ye "Edebiyat hediye olarak bütün bir sanat eserleri kütüphanesi getirdin," diye yazmıştı, "sahne için kendi özel dünyanı yarattın. Biz Ruslar gururla söyleyebiliriz: kendi Rus ulusal tiyatromuz var."

Ostrovsky'nin çalışması, Rus tiyatrosu tarihinde koca bir çağ oluşturdu. Hayatı boyunca oynadığı oyunların neredeyse tamamı Maly Tiyatrosu'nda sahnelendi, Rus sahnesinin harika ustaları haline gelen birkaç nesil sanatçı yetiştirdiler. Ostrovsky'nin oyunları Maly Tiyatrosu tarihinde o kadar önemli bir rol oynadı ki, gururla Ostrovsky Evi olarak adlandırılıyor.

Ostrovsky oyunlarını genellikle kendisi sahneledi. Tiyatronun seyircilerin gözünden gizlenmiş, kulis hayatını çok iyi biliyordu. Oyun yazarı bilgisi oyunculuk hayatı"Orman" (1871), "17. Yüzyıl Komedyeni" (1873), "Yetenekler ve Hayranlar" (1881), "Suçsuz Suçlu" (1883) oyunlarında açıkça kendini gösterdi.

Bu eserlerde farklı rollere sahip taşralı aktörlerin canlı tipleri karşımıza çıkmaktadır. Bunlar trajediciler, komedyenler, "ilk aşıklar". Ancak rol ne olursa olsun, oyuncuların hayatı kural olarak kolay değildir. Ostrovsky, oyunlarında onların kaderini tasvir ederek, ince bir ruha ve yeteneğe sahip bir kişinin ruhsuzluk ve cehaletin adaletsiz dünyasında yaşamasının ne kadar zor olduğunu göstermeye çalıştı. Aynı zamanda, Les'deki Neschastlivtsev ve Schastlivtsev gibi Ostrovsky imajındaki aktörler neredeyse dilenci olabilir; "Çeyiz" deki Robinson, "Suçsuz Suçlu" daki Shmaga gibi, "Yetenekler ve Hayranlar" daki Erast Gromilov gibi sarhoşluktan aşağılanmış ve insan görünümünü kaybetmiş.

"Orman" komedisinde Ostrovsky, Rus taşra tiyatrosunun oyuncularının yeteneklerini ortaya çıkardı ve aynı zamanda aşağılayıcı konumlarını, serseriliğe mahkum olduklarını ve günlük ekmeklerini aramak için dolaştıklarını gösterdi. Tanıştıklarında Schastlivtsev ve Neschastlivtsev'in ne bir kuruş paraları ne de bir tutam tütünleri vardır. Doğru, Neschastvittsev'in ev yapımı sırt çantasında bazı kıyafetleri var. Hatta bir frak bile vardı, ancak rolü oynamak için onu Kişinev'de "Hamlet kostümüyle" değiştirmek zorunda kaldı. Oyuncu için kostüm çok önemliydi ama gerekli gardıroba sahip olmak için çok para gerekiyordu ...

Ostrovsky, taşra aktörünün sosyal merdivenin alt basamağında olduğunu gösteriyor. Toplumda oyunculuk mesleğine karşı bir ön yargı var. Yeğeni Neschastlivtsev ve yoldaşı Schastlivtsev'in oyuncu olduğunu öğrenen Gurmyzhskaya, küstahça şöyle diyor: "Yarın sabah burada olmayacaklar. Bu tür beyler için bir otelim, tavernam yok." Yerel makamlar, oyuncunun davranışını beğenmezse veya belgesi yoksa, zulme uğrar ve hatta şehirden atılabilir. Arkady Schastlivtsev "Kazaklar tarafından kırbaçlarla üç kez ... dört mil boyunca şehirden kovuldu." Düzensizlik, sonsuz gezintiler nedeniyle oyuncular içiyor. Meyhaneleri ziyaret etmek, en azından bir süreliğine sorunları unutmak için gerçeklikten uzaklaşmanın tek yoludur. Schastlivtsev şöyle diyor: "... Biz onunla eşitiz, iki oyuncu da, o Neschastlivtsev, ben Schastlivtsev ve ikimiz de sarhoşuz" ve ardından kabadayılıkla ilan ediyor: "Biz özgürüz, yürüyen insanlarız - meyhaneye değer veriyoruz hemen hemen hepsi." Ancak Arkashka Schastlivtsev'in bu soytarılığı, yalnızca dayanılmaz acıyı sosyal aşağılanmadan gizleyen bir maskedir.

Zorlu yaşam, sıkıntı ve kızgınlığa rağmen, Melpomene'nin birçok bakanı ruhlarında nezaket ve asaleti koruyor. "Orman" da Ostrovsky, asil bir aktörün en canlı görüntüsünü yarattı - trajedi Neschastlivtsev. Zor bir kaderi olan "yaşayan" bir insanı hüzünlü bir şekilde canlandırdı. hayat hikayesi. Oyuncu çok içer ama oyun boyunca değişir, ortaya çıkar. En iyi özellikler onun doğası. Vosmibratov'u parayı Gurmyzhskaya'ya iade etmeye zorlayan Neschastlivtsev bir performans sergiliyor, sahte emirler veriyor. Şu anda, öyle bir güçle, öyle bir inançla oynuyor ki, kötülüğün cezalandırılabileceğine, gerçek, hayattaki başarıya ulaştığına: Vosmibratov para veriyor. Sonra son parasını Aksyusha'ya vererek mutluluğunu ayarlayan Neschastlivtsev artık oynamıyor. Eylemleri teatral bir jest değil, gerçek asil hareket. Ve oyunun sonunda F. Schiller'in "Hırsızlar" ından Karl Mohr'un ünlü monologunu söylediğinde, Schiller'in kahramanının sözleri özünde kendi öfkeli konuşmasının bir devamı haline gelir. Neschastlivtsev'in Gurmyzhskaya'ya ve tüm şirketine attığı sözün anlamı: "Biz sanatçıyız, asil sanatçıyız ve siz komedyensiniz", ona göre sanat ve yaşamın ayrılmaz bir şekilde bağlantılı olması ve aktörün değil. ikiyüzlü değil, taklitçi, sanatı gerçek duygu ve deneyimlere dayanıyor.

"17. yüzyılın Komedyeni" şiirsel komedisinde oyun yazarı, ulusal sahne tarihinin ilk sayfalarına döndü. Yetenekli komedyen Yakov Kochetov, sanatçı olmaktan korkuyor. Sadece o değil, babası da bunun kınanacak bir meslek olduğundan, soytarılığın bir günah olduğundan, hiçbir şeyin olamayacağından emin, çünkü 17. yüzyılda Moskova'daki insanların inşaat öncesi fikirleri böyleydi. Ancak Ostrovsky, soytarılara zulmedenleri ve onların "eylemlerini" Petrine öncesi dönemde tiyatronun aşıkları ve bağnazlarıyla karşılaştırdı. Oyun yazarı, Rus edebiyatının gelişiminde sahne performanslarının özel rolünü gösterdi ve komedinin amacını "... kötüyü ve kötüyü komik göstermek, güldürmek. ... Ahlakı tasvir ederek insanlara öğretmek" olarak formüle etti.

"Yetenekler ve Hayranlar" adlı dramada Ostrovsky, kendisini tutkuyla tiyatroya adamış, büyük bir sahne armağanına sahip aktrisin kaderinin ne kadar zor olduğunu gösterdi. Oyuncunun tiyatrodaki konumu, başarısı, bütün şehri ellerinde tutan varlıklı seyirciler tarafından sevilip sevilmemesine bağlıdır. Ne de olsa taşra tiyatroları, esasen kendilerini tiyatroda usta hisseden ve şartlarını oyunculara dikte eden yerel müşterilerin bağışlarıyla var oldu. "Yetenekler ve Hayranlar"dan Alexandra Negina, perde arkası entrikalarına katılmayı veya zengin hayranlarının kaprislerine yanıt vermeyi reddediyor: Prens Dulebov, resmi Bakin ve diğerleri. Negina, zengin hayranların himayesini isteyerek kabul eden ve aslında tutulan bir kadına dönüşen iddiasız Nina Smelskaya'nın kolay başarısından memnun olamaz ve tatmin olmak istemez. Negina'nın reddetmesinden rahatsız olan Prens Dulebov, onu mahvetmeye karar verdi, bir fayda performansını yırttı ve kelimenin tam anlamıyla tiyatrodan kurtuldu. Negina için onsuz varlığını hayal edemediği tiyatrodan ayrılmak, tatlı ama fakir bir öğrenci Petya Meluzov ile sefil bir hayattan memnun olmak demektir. Tek bir çıkışı var: başka bir hayranının, tiyatrosunda rollerini ve yankılanan başarısını vaat eden zengin toprak sahibi Velikatov'un bakımına gitmek. Alexandra'nın yeteneğine ve ruhuna olan iddiasını ateşli bir aşk olarak adlandırıyor, ancak özünde bu, büyük bir yırtıcı ile çaresiz bir kurban arasındaki samimi bir anlaşma. Knurov'un "Çeyiz" de yapmak zorunda olmadığı şeyi Velikatov yaptı. Larisa Ogudalova ölüm pahasına altın zincirlerden kurtulmayı başardı, Negina bu zincirleri kendine taktı çünkü sanatsız bir hayat hayal edemiyor.

Ostrovsky, Larisa'dan daha az manevi çeyiz olduğu ortaya çıkan bu kadın kahramanı suçluyor. Ama aynı zamanda, gönül yarasıyla bize şunları anlattı: dramatik kader oyuncu, katılımına ve sempatisine neden oluyor. E. Kholodov'un da belirttiği gibi, adının Ostrovsky'nin kendisiyle aynı olmasına şaşmamalı - Alexandra Nikolaevna.

Suçsuz Suçlu dramasında Ostrovsky, sorunları çok daha geniş olmasına rağmen yine tiyatro temasına dönüyor: hayatlarından mahrum bırakılan insanların kaderinden bahsediyor. Dramanın merkezinde, performanslarından sonra tiyatro kelimenin tam anlamıyla "alkışlardan ayrı düşen" seçkin aktris Kruchinina var. İmgesi, sanatta önemi ve büyüklüğü neyin belirlediğini düşünmek için sebep veriyor. Her şeyden önce Ostrovsky, bunun çok büyük bir olay olduğuna inanıyor. hayat deneyimi, kahramanının içinden geçtiği bir yoksunluk, eziyet ve ıstırap okulu.

Kruchinina'nın sahne dışındaki tüm hayatı "keder ve gözyaşı". Bu kadın her şeyi biliyordu: bir öğretmenin sıkı çalışması, sevilen birinin ihaneti ve ayrılışı, bir çocuğun kaybı, ciddi hastalık, yalnızlık. İkincisi, manevi asalet, sempatik bir kalp, iyiliğe inanç ve bir kişiye saygı ve üçüncüsü, sanatın yüce görevlerinin farkındalığıdır: Kruchinina, izleyiciye yüksek gerçeği, adalet ve özgürlük fikirlerini getirir. Sahneden gelen sözüyle "insanların kalbini yakmaya" çalışıyor. Ve ender bir doğal yetenek ve ortak bir kültürle birlikte, tüm bunlar, oyunun kahramanının dönüştüğü şey - "ihtişamı gök gürleyen" evrensel bir idol olmayı mümkün kılar. Kruchinina, izleyicilerine güzellerle temas kurmanın mutluluğunu yaşatıyor. İşte bu yüzden finalde oyun yazarının kendisi de ona kişisel mutluluk veriyor: kayıp oğlu, yoksul aktör Neznamov'u bulmak.

A. N. Ostrovsky'nin Rusya sahnesinden önceki değeri gerçekten ölçülemez. 19. yüzyılın 70'leri ve 80'lerindeki Rus gerçekliğinin koşullarını doğru bir şekilde yansıtan tiyatro ve oyuncularla ilgili oyunları, sanat hakkında bugün hala geçerli olan düşünceler içeriyor. Bunlar bazen zor olan düşüncelerdir. trajik kader yetenekli insanlar, sahnede gerçekleştirilirken tamamen kendilerini yakan; yaratıcılığın mutluluğu, kendini adama, sanatın yüce misyonu, iyiliği ve insanlığı olumlamayla ilgili düşünceler.

Oyun yazarı kendini ifade etti, yarattığı oyunlarda, belki de özellikle Rusya'nın derinliklerinde, taşrada bile yetenekli, ilgisiz insanlarla tanışabileceğinizi çok ikna edici bir şekilde gösterdiği tiyatro ve oyuncularla ilgili oyunlarda ruhunu ortaya çıkardı. en yüksek çıkarlara göre yaşayabilen insanlar. . Bu oyunların çoğu, B. Pasternak'ın harika şiirinde yazdığı "Ah, bunun olduğunu bir bilseydim ..." ile uyumludur:

Bir çizgi bir duyguyu dikte ettiğinde

Sahneye bir köle gönderir,

Ve sanatın bittiği yer burasıdır.

Ve toprak ve kader nefes alır.

Alexander Nikolayevich Ostrovsky (1823-1886) arasında haklı olarak değerli bir yer tutuyor. büyük temsilciler dünya draması.

Her yıl kırk yılı aşkın bir süredir Rusya'nın en iyi dergilerinde yayın yapan ve St. tiyatro hayatı I. A. Goncharov'un oyun yazarına hitaben yazdığı ünlü mektubunda kısaca ama doğru bir şekilde anlatılan dönem.

“Koca bir kitaplığı edebiyata armağan ettiniz, sahne için kendi özel dünyanızı yarattınız. Temeline Fonvizin, Griboyedov, Gogol'un temellerini attığınız binayı tek başınıza tamamladınız. Ama ancak sizden sonra Ruslarız, gururla söyleyebiliriz: "Kendi Rus ulusal tiyatromuz var." Adil olmak gerekirse, Ostrovsky'nin Tiyatrosu olarak adlandırılmalıdır.

Ostrovsky başladı yaratıcı yol 40'lı yıllarda, Gogol ve Belinsky'nin yaşamı boyunca ve 80'lerin ikinci yarısında, A.P. Chekhov'un edebiyatta zaten sağlam bir şekilde yerleştiği bir zamanda tamamladı.

Bir tiyatro repertuarı yaratan bir oyun yazarının çalışmasının yüksek bir kamu hizmeti olduğu inancı, Ostrovsky'nin faaliyetine nüfuz etti ve onu yönetti. Edebiyat hayatıyla organik olarak bağlantılıydı.

Oyun yazarı, genç yaşlarında eleştirel makaleler yazdı ve Moskvityanin'in yazı işlerine katılarak bu muhafazakar derginin yönünü değiştirmeye çalıştı, ardından Sovremennik ve Otechestvennye Zapiski'de yayın yaparken N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoy , I. S. Turgenev, I. A. Goncharov ve diğer yazarlar. Çalışmalarını takip etti, onlarla tartıştı ve oyunlarıyla ilgili görüşlerini dinledi.

bir devirde ne zaman devlet tiyatroları resmen "imparatorluk" olarak kabul edildi ve Mahkeme Bakanlığı'nın kontrolü altındaydı ve taşra eğlence kurumları ticari girişimcilerin tam emrine verildi, Ostrovsky, tiyatro işinin tamamen yeniden yapılandırılması fikrini ortaya attı. Rusya. Mahkeme ve ticari tiyatroyu halk tiyatrosuyla değiştirme ihtiyacını savundu.

Özel makale ve notlarda bu fikrin teorik gelişimi ile sınırlı kalmayan oyun yazarı, uzun yıllar uygulanması için mücadele etti. Tiyatroyla ilgili görüşlerini gerçekleştirdiği ana alanlar, çalışmaları ve oyuncularla çalışmalarıydı.

dramaturji, edebi temel Ostrovsky, performansı onun belirleyici unsuru olarak görüyordu. İzleyiciye kendi konseptine göre "Rus yaşamını ve Rus tarihini sahnede görme" fırsatı veren tiyatronun repertuarı, öncelikle "halk yazarlarının yazmak istediği ve yazmak zorunda olduğu" demokratik halka hitap ediyordu. " Ostrovsky, yazarın tiyatrosunun ilkelerini savundu.

Shakespeare, Moliere ve Goethe'nin tiyatrolarını bu türden örnek deneyler olarak görüyordu. Dramatik eserlerin yazarı ile sahnedeki tercümanının - oyuncuların öğretmeni, yönetmen - bir kişideki birleşimi, Ostrovsky'ye tiyatronun organik etkinliği olan sanatsal bütünlüğün bir garantisi gibi göründü.

Yönetmenliğin yokluğunda, teatral gösterinin bireysel, "tek başına" oyuncuların performansına yönelik geleneksel yönelimiyle bu fikir yenilikçi ve verimliydi. Yönetmenin tiyatronun ana figürü haline geldiği bugün bile önemi tükenmedi. Buna ikna olmak için B. Brecht'in tiyatrosu "Berliner Ensemble"ı hatırlamak yeterlidir.

Bürokratik yönetimin, edebi ve tiyatro entrikalarının ataletinin üstesinden gelen Ostrovsky, oyuncularla çalıştı ve sürekli olarak Maly Moskova ve Alexandrinsky Petersburg tiyatrolarında yeni oyunlarının yapımlarını yönetti.

Fikrinin özü, edebiyatın tiyatro üzerindeki etkisini uygulamak ve pekiştirmekti. Temelde ve kategorik olarak, 70'lerden giderek daha fazla hissedilenleri kınadı. dramatik yazarların oyuncuların zevklerine - sahnenin favorilerine, önyargılarına ve kaprislerine tabi kılınması. Aynı zamanda, Ostrovsky dramaturjiyi tiyatro olmadan tasavvur etmiyordu.

Oyunları, gerçek oyuncuların, sanatçıların doğrudan beklentisiyle yazılmıştır. Vurguladı: yazmak için iyi oyun, yazar, tiyatronun tamamen plastik tarafı olan sahnenin yasaları hakkında tam bilgiye sahip olmalıdır.

Her oyun yazarının uzağında, sahne sanatçıları üzerindeki gücü devretmeye hazırdı. Yalnızca kendine özgü dramaturjisini, sahnede kendi özel dünyasını yaratan bir yazarın sanatçılara söyleyecek, onlara öğretecek bir şeyi olduğundan emindi. Ostrovsky'nin modern tiyatroya karşı tutumu onun tarafından belirlendi. sanat sistemi. Ostrovsky'nin dramaturjisinin kahramanı halktı.

Oyunlarında tüm toplum ve dahası halkın sosyo-tarihsel yaşamı yer aldı. Ostrovsky'nin çalışmasına karşılıklı olarak zıt konumlardan yaklaşan eleştirmenler N. Dobrolyubov ve A. Grigoriev'in, yazarın tasvir ettiği hayatı farklı şekilde değerlendirmelerine rağmen, eserlerinde halkın yaşamının tam bir resmini görmeleri sebepsiz değil.

Yazarın yaşamın kitlesel fenomenlerine bu yönelimi, savunduğu topluluk oyunu ilkesine, oyun yazarının doğasında var olan birliğin önemine ilişkin bilince, performansa katılan aktörler ekibinin yaratıcı özlemlerinin bütünlüğüne tekabül ediyordu. .

Ostrovsky oyunlarında, kökenleri ve nedenleri genellikle uzak tarihsel dönemlere dayanan, derin kökleri olan sosyal olguları - çatışmaları tasvir etti.

Toplumda yükselen verimli özlemleri ve içinde yükselen yeni kötülüğü gördü ve gösterdi. Oyunlarındaki yeni özlemlerin ve fikirlerin taşıyıcıları, gelenek, muhafazakar gelenek ve görüşlerle kutsanmış eskiye karşı zorlu bir mücadele vermeye zorlanır ve yeni kötülük, içlerinde güçlü bir şekilde güçlü olan halkın asırlık etik idealiyle çarpışır. direniş gelenekleri sosyal adaletsizlik ve ahlaki yanlış.

Ostrovsky'nin oyunlarındaki her karakter, çevresi, dönemi ve halkının tarihi ile organik olarak bağlantılıdır. Aynı zamanda, kavramları, alışkanlıkları ve konuşmasının kendisi, sosyal ve akrabalık ilişkileri olan sıradan bir insan. ulusal barış, Ostrovsky'nin oyunlarının ilgi odağıdır.

Bir kişinin bireysel kaderi, bir bireyin, sıradan bir kişinin mutluluğu ve mutsuzluğu, ihtiyaçları, kişisel refahı için verdiği mücadele, bu oyun yazarının drama ve komedi izleyicisini heyecanlandırıyor. Bir kişinin konumu, onlarda toplumun durumunun bir ölçüsü olarak hizmet eder.

Dahası, Ostrovsky'nin dramaturjisinde tipik kişilik, insanların yaşamının bir kişinin bireysel özelliklerini "etkilediği" enerji, önemli bir etik ve estetik öneme sahiptir. Karakterizasyon harika.

Tıpkı Shakespeare'in oyun yazarları gibi trajik kahraman, etik değerlendirme açısından güzel ya da korkunç olsun, güzellik alanına aittir, Ostrovsky'nin oyunlarında karakteristik kahraman, tipikliği ölçüsünde, estetiğin somutlaşmış halidir ve bazı durumlarda manevi zenginliktir. , tarihi yaşam ve insanların kültürü.

Ostrovsky'nin dramaturjisinin bu özelliği, dikkatini her oyuncunun oyununa, oyuncunun bir türü sahnede sunma, bireysel, orijinal bir sosyal karakteri canlı ve büyüleyici bir şekilde yeniden yaratma becerisine önceden belirledi.

Ostrovsky, bu yeteneğe özellikle değer verdi. en iyi sanatçılar zamanlarını teşvik etmek ve geliştirmeye yardımcı olmak. A. E. Martynov'a hitaben şunları söyledi: “... deneyimsiz bir el tarafından çizilen birkaç özellikten, sanatsal gerçeklerle dolu son türleri yarattınız. Bu yüzden yazarlar için değerlisiniz.

Ostrovsky, tiyatronun milliyeti, dramaların ve komedilerin tüm insanlar için yazıldığı gerçeği hakkındaki tartışmasını bitirdi: "... drama yazarları bunu her zaman hatırlamalı, açık ve güçlü olmalılar."

Yazarın yaratıcılığının netliği ve gücü, oyunlarında yarattığı tiplerin yanı sıra, basit yaşam olayları üzerine inşa ettiği, ancak modern sosyal hayatın ana çarpışmalarını yansıtan eserlerindeki çatışmalarda ifade bulur.

A.F.'nin hikayesini olumlu değerlendiren ilk makalesinde Pisemsky "Yatak", Ostrovsky şunları yazdı: "Hikayenin entrikası, hayat gibi basit ve öğretici. Orijinal karakterler sayesinde, olayların doğal ve son derece dramatik akışı nedeniyle, dünyevi deneyimle edinilen asil bir düşünce parlar.

Bu hikaye doğru Sanat eseri". Olayların doğal dramatik akışı, orijinal karakterler, sıradan insanların yaşamının tasviri - Pisemsky'nin öyküsünde gerçek sanatın bu işaretlerini listeleyen genç Ostrovsky, şüphesiz bir sanat olarak dramanın görevleri hakkındaki düşüncelerinden yola çıktı.

Ostrovsky'nin öğreticiliğe büyük önem vermesi karakteristiktir. edebi eser. Sanatın öğreticiliği, ona karşılaştırma yapması ve sanatı hayata yaklaştırması için bir neden verir.

Ostrovsky, duvarları içinde geniş ve çeşitli bir seyirci toplayan, onu estetik bir zevk duygusuyla birleştiren tiyatronun toplumu eğitmesi, basit, hazırlıksız seyircilerin "hayatı ilk kez anlamalarına" yardımcı olması ve eğitimli olanlara "hayatı" vermesi gerektiğine inanıyordu. kurtulamayacağınız düşüncelerin tüm perspektifi” (ibid.).

Aynı zamanda, soyut didaktik Ostrovsky'ye yabancıydı. "Sahip olmak iyi düşünceler herkes yapabilir, ancak yalnızca seçilmiş olanlar zihinleri ve kalpleri kontrol edebilir, ”diye hatırladı, ciddi sanatsal sorunları eğitici tiradlar ve çıplak bir akımla değiştiren yazarlara ironik bir şekilde. Hayat bilgisi, onun doğru gerçekçi tasviri, toplum için en acil ve karmaşık meseleler üzerine düşünme - tiyatronun halka sunması gereken şey budur, sahneyi bir yaşam okulu yapan şey budur.

Sanatçı, izleyiciye düşünmeyi ve hissetmeyi öğretir, ancak ona hazır çözümler sunmaz. Hayatın bilgeliğini ve öğreticiliğini açığa çıkarmayan, ancak onu beyan edici olarak ifade edilen ortak gerçeklerle değiştiren didaktik dramaturji, insanların tiyatroya gelmesi tam da estetik izlenimler uğruna sanatsal olmadığı için sahtekârdır.

Ostrovsky'nin bu fikirleri, tarihsel dramaturjiye karşı tutumunda tuhaf bir kırılma buldu. Oyun yazarı, "tarihsel dramaların ve kroniklerin" olduğunu savundu.<...>insanların öz bilgilerini geliştirmek ve anavatan için bilinçli bir sevgi yetiştirmek.

Aynı zamanda, geçmişin şu ya da bu taraflı fikir uğruna çarpıtılmasının, melodramın tarihsel olay örgüsü üzerindeki dış sahne etkisinin hesaplanmadığını ve bilimsel monografların diyalojik bir forma dönüştürülmesinin değil, geçmiş yüzyılların yaşayan gerçekliğinin sahnede gerçekten sanatsal bir şekilde yeniden canlandırılması, vatansever performansın temeli olabilir.

Böyle bir performans, toplumun kendini tanımasına yardımcı olur, düşünmeye teşvik eder, anavatan için anlık sevgi duygusuna bilinçli bir karakter verir. Ostrovsky, her yıl yarattığı oyunların temelini oluşturduğunu anladı. çağdaş tiyatro keten repertuarı.

Örnek bir repertuarın var olamayacağı dramatik eser türlerini tanımlayarak, modern Rus yaşamını anlatan drama ve komedilere ve fanteziler adlı tarihi kroniklere ek olarak, müzik ve danslar eşliğinde şenlikli performanslar için masal oyunları tasarladı. renkli bir halk gösterisi olarak.

Oyun yazarı bu türden bir başyapıt yarattı - şiirsel fantezinin ve pitoresk ortamın derin lirik ve felsefi içerikle birleştirildiği bahar peri masalı "The Snow Maiden".

Rus edebiyatı tarihi: 4 ciltte / Düzenleyen N.I. Prutskov ve diğerleri - L., 1980-1983

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky bir "tiyatro edebiyatı devidir" (Lunacharsky), Rus tiyatrosunu yarattı, birçok kuşak oyuncunun yetiştirildiği bütün bir repertuar, sahne sanatı gelenekleri güçlendirildi ve geliştirildi. Abartmak zor Rus dramasının ve tüm ulusal kültürün gelişim tarihindeki rolü, Rus dramaturjisinin gelişimi için İngiltere'de Shakespeare, İspanya'da Lope de Vega, Fransa'da Molière, İtalya'da Goldoni ve Schiller'in yaptığı kadar çok şey yaptı. Almanya.

"Tarih, yalnızca tüm insanlar için nasıl yazılacağını bilen yazarlar için büyük ve parlak adını bıraktı ve yalnızca evde gerçekten popüler olan eserler yüzyıllar boyunca hayatta kaldı; bu tür eserler sonunda diğer insanlar için anlaşılır ve değerli hale geldi. nihayet ve tüm dünya için." Büyük oyun yazarı Alexander Nikolayevich Ostrovsky'nin bu sözleri kendi eserine atfedilebilir.

Sansürün, tiyatro ve edebiyat komitesinin ve imparatorluk tiyatrolarının müdürlüğünün yarattığı tacize, gerici çevrelerin eleştirilerine rağmen, Ostrovsky'nin dramaturjisi hem demokrat seyirciler hem de sanatçılar arasında her yıl daha fazla sempati kazandı.

İlerici yabancı dramaturji deneyimini kullanarak, yorulmadan yaşam hakkında bilgi edinerek, Rus dramatik sanatının en iyi geleneklerini geliştirmek Anavatan, insanlarla sürekli iletişim halinde olan, en ilerici çağdaş halkla yakın temas halinde olan Ostrovsky, Gogol, Belinsky ve diğer ilerici edebi figürlerin Rus karakterlerinin ortaya çıkışı ve zaferi hakkındaki hayallerini somutlaştıran, zamanının yaşamının olağanüstü bir tasviri haline geldi. ulusal sahne

Ostrovsky'nin yaratıcı faaliyeti, ilerici Rus dramasının tüm gelişimi üzerinde büyük bir etkiye sahipti. En iyi oyun yazarlarımızın çalıştığı ondandı, öğretti. Hevesli dramatik yazarları kendi zamanlarında çeken ona göreydi.

Ostrovsky'nin zamanının yazarları üzerindeki etkisinin gücü, oyun yazarı şair A. D. Mysovskaya'ya yazılan bir mektupla kanıtlanabilir. “Üzerimdeki etkinin ne kadar büyük olduğunu biliyor musun? Seni anlamamı ve takdir etmemi sağlayan sanat sevgisi değildi, aksine sen bana sanatı sevmeyi ve saygı duymayı öğrettin. Sefil edebi vasatlık arenasına düşme cazibesine karşı koyduğum, yarı eğitimli tatlı ve ekşi ellerin attığı ucuz defnelerin peşinden koşmadığım için sadece sana borçluyum. Sen ve Nekrasov beni düşünceye ve işe aşık ettiniz, ama Nekrasov bana sadece ilk ivmeyi verdi, yön sizsiniz. Eserlerinizi okurken kafiyenin şiir olmadığını, bir dizi cümlenin edebiyat olmadığını ve ancak akıl ve tekniği işleyerek sanatçının gerçek bir sanatçı olacağını anladım.

Ostrovsky'nin yalnızca yerli dramanın gelişimi üzerinde değil, aynı zamanda Rus tiyatrosunun gelişimi üzerinde de güçlü bir etkisi oldu. Ostrovsky'nin Rus tiyatrosunun gelişimindeki muazzam önemi, Ostrovsky'ye adanmış ve 1903'te M. N. Yermolova tarafından Maly Tiyatrosu sahnesinden okunan bir şiirde çok iyi vurgulanmıştır:

Sahnede, hayatın kendisi, sahneden gerçeği esiyor,

Ve parlak güneş bizi okşar ve ısıtır ...

Sıradan, yaşayan insanların canlı konuşması geliyor,

Sahnede “kahraman” değil, melek değil, kötü adam değil,

Ama sadece bir adam ... Mutlu aktör

Ağır prangaları hızla kırmak için aceleyle

Koşullar ve yalanlar. Sözler ve duygular yeni

Ama nefsin sırlarında, cevap onlara seslenir, -

Ve bütün ağızlar fısıldar: Ne mutlu şaire,

Eski püskü, cicili bicili kapakları yırttı

Ve karanlığın krallığına parlak bir ışık tuttu

Ünlü aktris 1924'te anılarında aynı şeyi yazdı: “Ostrovsky ile birlikte gerçeğin kendisi ve hayatın kendisi sahneye çıktı ... Moderniteye tepkilerle dolu orijinal dramanın büyümesi başladı ... Hakkında konuşmaya başladılar. fakir, aşağılanmış ve aşağılanmış.”

Ostrovsky tarafından sürdürülen ve derinleştirilen otokrasinin teatral politikası tarafından boğulan gerçekçi yön, tiyatroyu gerçeklikle yakın ilişki yoluna çevirdi. Ancak tiyatroya ulusal, Rus, halk tiyatrosu olarak hayat verdi.

“Koca bir kitaplığı edebiyata armağan ettiniz, sahne için kendi özel dünyanızı yarattınız. Fonvizin, Griboyedov, Gogol'un temel taşlarının atıldığı binayı tek başınıza tamamladınız. Bu harika mektup, edebi ve tiyatro faaliyetinin otuz beşinci yıldönümünde diğer tebriklerin yanı sıra, başka bir büyük Rus yazar olan Goncharov'dan Alexander Nikolaevich Ostrovsky'den alındı.

Ancak çok daha önce, henüz genç olan Ostrovsky'nin Moskvityanin'de yayınlanan ilk çalışması hakkında, ince bir zarafet uzmanı ve hassas bir gözlemci V. F. Odoevsky şöyle yazmıştı: bu adam büyük bir yetenek. Rusya'daki üç trajediyi düşünüyorum: "Çallılar", "Woe from Wit", "Inspector". İflas'a dört numarayı koydum.

Böyle umut verici bir ilk değerlendirmeden Goncharov'un yıldönümü mektubuna - dolu, yoğun bir yaşam; emek ve böylesine mantıklı bir değerlendirme ilişkisine yol açtı, çünkü yetenek, her şeyden önce kendi üzerinde büyük emek gerektiriyor ve oyun yazarı Tanrı'nın önünde günah işlemedi - yeteneğini toprağa gömmedi. İlk eserini 1847'de yayımlayan Ostrovsky, o zamandan beri 47 oyun yazdı ve 20'den fazla oyunu tercüme etti. Avrupa dilleri. Ve onun yarattığı her şeyde halk tiyatrosu- yaklaşık bin oyuncu.

Ölümünden kısa bir süre önce, 1886'da, Alexander Nikolayevich, L. N. Tolstoy'dan parlak nesir yazarının şunları kabul ettiği bir mektup aldı: “İnsanların sizin eşyalarınızı nasıl okuduğunu, dinlediğini ve hatırladığını deneyimlerinden biliyorum ve bu nedenle, şimdi sahip olmanıza yardımcı olmak istiyorum. şüphesiz, en geniş anlamda tüm insanların yazarı olduğunuz şey hızla gerçeğe dönüşür.

Ostrovsky'den önce bile, ilerici Rus dramaturjisinin muhteşem oyunları vardı. Fonvizin'in "Undergrowth", Griboedov'un "Woe from Wit", Pushkin'in "Boris Godunov", Gogol'un "Inspector General" ve Lermontov'un "Masquerade" filmini hatırlayalım. Bu oyunların her biri, Belinsky'nin haklı olarak yazdığı gibi, herhangi bir Batı Avrupa ülkesinin edebiyatını zenginleştirebilir ve süsleyebilir.

Ancak bu oyunlar çok azdı. Ve tiyatro repertuarının durumunu belirlemediler. Mecazi anlamda, uçsuz bucaksız bir çöl ovasındaki ıssız, ender dağlar gibi kitlesel dramaturji seviyesinin üzerinde yükseliyorlardı. O zamanki tiyatro sahnesini dolduran oyunların büyük çoğunluğu, korku ve suçlardan örülmüş boş, uçarı vodvil ve duygusal melodramların çevirileriydi. Hayattan son derece uzak olan vodvil de melodram da onun gölgesi bile değildi.

Rus dramaturjisinin ve yerli tiyatrosunun gelişiminde A.N. Ostrovsky'nin oyunlarının ortaya çıkışı bütün bir dönemi oluşturdu. Dramaturji ve tiyatroyu keskin bir şekilde hayata, gerçeğine, nüfusun ayrıcalıksız tabakasından, emekçi insanlara gerçekten dokunan ve heyecanlandıran şeylere döndürdüler. Dobrolyubov'un dediği gibi "hayat oyunları" yaratan Ostrovsky, korkusuz bir hakikat şövalyesi, otokrasinin karanlık krallığına karşı yorulmak bilmez bir savaşçı, yönetici sınıfların - soylular, burjuvazi ve sadakatle hizmet eden yetkililer - acımasız bir ifşacısı olarak hareket etti. onlara.

Ancak Ostrovsky, hicivli bir suçlayıcı rolüyle sınırlı değildi. Keyfiliğe ve şiddete karşı sosyo-politik ve ev içi despotizmin kurbanlarını, işçileri, hakikati arayanları, aydınlatıcıları, sıcak kalpli Protestanları canlı, sempatik bir şekilde tasvir etti.

Oyun yazarı sadece yapılmadı güzellikler Onun oyunları emek ve ilericilerin, halkın hakikat ve hikmetinin taşıyıcıları olmakla birlikte halk adına ve halk için de yazmıştır.

Ostrovsky, oyunlarında sıradan insanların günlük yaşam koşullarındaki düzyazısını tasvir etti. İyilik ve kötülük, hakikat ve adaletsizlik, güzellik ve çirkinlik gibi evrensel sorunları oyunlarının içeriğine alan Ostrovsky, zamanını geride bıraktı ve onun çağdaşı olarak çağımıza girdi.

A.N. Ostrovsky'nin yaratıcı yolu kırk yıl sürdü. İlk eserlerini 1846'da, son eserlerini ise 1886'da yazdı.

Bu süre zarfında Solovyov ile işbirliği içinde 47 orijinal oyun ve birkaç oyun yazdı (“Balzaminov'un Evliliği”, “Vahşi”, “Parlıyor ama ısınmaz” vb.); İtalyanca, İspanyolca, Fransızca, İngilizce, Hintçe (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 oyun) birçok çeviri yaptı. Oyunlarında 728 rol, 180 perde vardır; tüm Rus' temsil edilir. Dramaturjisinde çeşitli türler: komediler, dramalar, dramatik tarihler, aile sahneleri, trajediler, dramatik eskizler sunulmaktadır. Çalışmalarında romantik, aile reisi, trajedi yazarı ve komedyen olarak hareket ediyor.

Elbette, herhangi bir dönemlendirme bir dereceye kadar koşulludur, ancak Ostrovsky'nin çalışmalarının çeşitliliğinde daha iyi gezinmek için çalışmasını birkaç aşamaya ayıracağız.

1846 - 1852 - yaratıcılığın ilk aşaması. Bu dönemde yazılan en önemli eserler: “Zamoskvoretsky sakininin notları”, “Aile Mutluluğunun Resmi”, “Kendi İnsanlarımız - Yerleşelim”, “Zavallı Gelin” oyunları.

1853 - 1856 - sözde "Slavofil" dönem: "Kızağınıza binmeyin." "Yoksulluk bir ahlaksızlık değildir", "İstediğin gibi yaşama."

1856 - 1859 - Sovremennik çevresi ile yakınlaşma, gerçekçi pozisyonlara dönüş. Bu dönemin en önemli oyunları: "Karlı Bir Yer", "Öğrenci", "Başkasının Ziyafetinde Akşamdan Kalma", "Balzaminov Üçlemesi" ve son olarak devrimci durum döneminde yaratılan "Fırtına" .

1861 - 1867 - ulusal tarih çalışmasında derinleşme, sonuç Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, Pretender Dmitry ve Vasily Shuisky, Tushino, drama Vasilisa Melentievna, komedi Voyevoda veya Volga'da Rüya.

1869 - 1884 - Bu yaratıcılık döneminde yaratılan oyunlar, 1861 reformundan sonra Rus yaşamında gelişen sosyal ve ev içi ilişkilere ayrılmıştır. Bu dönemin en önemli oyunları: “Her Bilgeye Yeter Sadelik”, “Ateşli Yürek”, “Deli Para”, “Orman”, “Kurtlar ve Koyunlar”, “Son Kurban”, “Geç Aşk”, “Yetenekler ve Hayranlar”, “Suçsuz suçlu.”

Ostrovsky'nin oyunları birdenbire ortaya çıkmadı. Görünüşleri, kendilerinden önce gelen Rus komedisinin elde ettiği değerli her şeyi emen Griboedov ve Gogol'un oyunlarıyla doğrudan bağlantılı. Ostrovsky, 18. yüzyılın eski Rus komedisini iyi biliyordu, özellikle Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov'un eserlerini inceledi. Öte yandan - "doğal okul" nesirinin etkisi.

Ostrovsky, Gogol'ün dramaturjisinin en büyük edebi ve sosyal fenomen olarak kabul edildiği 1940'ların sonlarında edebiyata geldi. Turgenev şöyle yazdı: "Gogol, dramatik edebiyatımızın zamanla nasıl ilerleyeceğini gösterdi." Ostrovsky, faaliyetinin ilk adımlarından itibaren kendisini "doğal okul" Gogol geleneklerinin halefi olarak fark etti ve kendisini "edebiyatımızda yeni bir akımın" yazarları arasında gördü.

Ostrovsky'nin ilk büyük komedisi "Halkımız - Yerleşelim" üzerinde çalıştığı 1846-1859 yılları, onun gerçekçi bir yazar olarak şekillendiği yıllar oldu.

Oyun yazarı Ostrovsky'nin ideolojik ve sanatsal programı, eleştirel makalelerinde ve incelemelerinde açıkça ortaya konmuştur. "Hata" makalesi, Madame Tour'un hikayesi ("Moskvityanin", 1850), Dickens'ın "Dombey and Son" (1848) romanı üzerine bitmemiş bir makale, Menshikov'un komedisi "Fads", ("Moskvityanin" 1850) üzerine bir inceleme ), "Günümüzde Rusya'da Dramatik Sanatın durumuna ilişkin not" (1881), "Puşkin Üzerine Bir Tablo Sözü" (1880).

Ostrovsky'nin sosyo-edebi görüşleri, aşağıdaki ana hükümlerle karakterize edilir:

Birincisi, dramanın insan yaşamının, insan bilincinin bir yansıması olması gerektiğine inanıyor.

Ostrovsky'ye göre halk, her şeyden önce demokratik kitle, alt sınıflar, sıradan insanlardır.

Ostrovsky, yazarın halkın hayatını, insanları ilgilendiren sorunları incelemesini istedi.

“Halkın yazarı olmak için” diye yazıyor, “vatan sevgisi yetmez... insan kendi halkını iyi tanımalı, onlarla iyi geçinmeli, akraba olmalı. Yetenek için en iyi okul, kişinin milliyetini incelemesidir.

İkinci olarak Ostrovsky, dramaturji için ulusal kimliğe duyulan ihtiyaçtan bahsediyor.

Edebiyat ve sanatın milliyeti, Ostrovsky tarafından milliyetlerinin ve demokrasilerinin ayrılmaz bir sonucu olarak anlaşılmaktadır. "Yalnızca popüler olan sanat ulusaldır, çünkü milliyetin gerçek taşıyıcısı popüler, demokratik kitledir."

"Puşkin Hakkında Tablo Sözü" nde - böyle bir şairin bir örneği Puşkin'dir. Puşkin bir halk şairidir, Puşkin ise ulusal bir şairdir. Puşkin, "Rus yazara Rus olma cesaretini verdiği" için Rus edebiyatının gelişmesinde büyük rol oynadı.

Ve son olarak üçüncü hüküm, edebiyatın sosyal olarak suçlayıcı doğası hakkındadır. "Çalışma ne kadar popüler olursa, içindeki suçlayıcı unsur o kadar fazla olur, çünkü "Rus halkının ayırt edici özelliği", "keskin bir şekilde tanımlanmış her şeyden tiksinme", yaşamın "eski, zaten mahkum edilmiş biçimlerine" dönme isteksizliğidir. “en iyisini arama” arzusu.

Halk, sanattan toplumun ahlaksızlıklarını ve eksikliklerini kınamasını, hayatı yargılamasını bekler.

Bu ahlaksızlıkları kendi içlerinde kınayan sanatsal görüntüler yazar toplumda onlardan tiksinti uyandırır, onları daha iyi, daha ahlaklı olmaya zorlar. Bu nedenle, Ostrovsky, "sosyal, kınayıcı yön ahlaki ve kamusal olarak adlandırılabilir" diye vurguluyor. Toplumsal suçlayıcı ya da ahlaki-kamusal yönelimden bahsetmişken, şunu demek istiyor:

baskın yaşam biçimine yönelik suçlayıcı eleştiri; pozitif ahlaki ilkelerin korunması, yani sıradan insanların özlemlerini ve sosyal adalet arayışını korumak.

Böylece, nesnel anlamında "ahlaki suçlayıcı yön" terimi, eleştirel gerçekçilik kavramına yaklaşır.

Ostrovsky'nin 40'ların sonlarında ve 50'lerin başında yazdığı "Aile Mutluluğunun Resmi", "Zamoskvoretsky Sakininin Notları", "Halkımız - Yerleşelim", "Zavallı Gelin - eserleri organik olarak bağlantılıdır. doğal okul edebiyatı.

"Aile mutluluğunun resmi" büyük ölçüde dramatize edilmiş bir deneme niteliğindedir: fenomenlere bölünmez, olay örgüsünün tamamlanması yoktur. Ostrovsky, tüccarların hayatını tasvir etme görevini üstlendi. Kahraman, Ostrovsky'yi yalnızca mülkünün, yaşam tarzının, düşünce tarzının bir temsilcisi olarak ilgilendirir. Doğal okulun ötesine geçer. Ostrovsky, karakterlerinin ahlakı ile sosyal varlıkları arasındaki yakın bağlantıyı ortaya koyuyor.

Tüccarların aile hayatını bu çevrenin parasal ve maddi ilişkileriyle doğrudan ilişkilendirir.

Ostrovsky, kahramanlarını tamamen kınıyor. Kahramanları aile, evlilik, eğitim hakkındaki görüşlerini, bu görüşlerin vahşiliğini gösterircesine ifade ederler.

Bu teknik, 40'ların hiciv literatüründe yaygındı - kendi kendine maruz kalma yöntemi.

Ostrovsky 40'lerin en önemli eseri. - çağdaşlar tarafından dramada doğal okulun büyük bir fethi olarak algılanan "Halkımız - hadi yerleşelim" (1849) komedisi geldi.

Turgenev, Ostrovsky için "Olağanüstü başladı" diye yazıyor.

Komedi hemen yetkililerin dikkatini çekti. Sansür, oyunu değerlendirilmek üzere çara sunduğunda, Nicholas şunu yazdım: “Boşuna basılmış! Her durumda aynı yasağı oynamak için.

Ostrovsky'nin adı güvenilmez kişiler listesine alındı ​​ve oyun yazarı beş yıl boyunca gizli polis gözetimi altına alındı. "Yazar Ostrovsky Davası" açıldı.

Ostrovsky, Gogol gibi, topluma egemen olan ilişkilerin temellerini eleştiriyor. O, çağdaş toplumsal yaşamı eleştirir ve bu anlamda Gogol'ün takipçisidir. Ve aynı zamanda Ostrovsky kendisini hemen bir yazar - bir yenilikçi olarak tanımladı. Çalışmasının ilk aşamasının (1846-1852) eserlerini Gogol'ün gelenekleriyle karşılaştırarak, Ostrovsky'nin edebiyata ne gibi yenilikler getirdiğini görelim.

Gogol'un "yüksek komedisinin" eylemi, sanki mantıksız bir gerçeklik dünyasında - "Hükümet Müfettişi" gibi gerçekleşir.

Gogol, bir kişinin topluma, yurttaşlık görevine karşı tavrını test etti ve gösterdi - bu insanların böyle olduğunu. Burası ahlaksızlıkların merkezidir. Toplumu hiç umursamıyorlar. Davranışlarında dar bencil hesaplamalar, bencil çıkarlar tarafından yönlendirilirler.

Gogol günlük hayata odaklanmıyor - gözyaşlarıyla kahkaha. Ona göre bürokrasi, toplumsal bir tabaka olarak değil, bir bütün olarak toplum yaşamını belirleyen siyasi bir güç olarak hareket eder.

Ostrovsky'nin tamamen farklı bir şeyi var - sosyal yaşamın kapsamlı bir analizi.

Doğal okulun denemelerinin kahramanları gibi, Ostrovsky'nin kahramanları da sıradan, tipik temsilciler her zamanki arkadaşları tarafından paylaşılan sosyal çevreleri gündelik Yaşam, tüm önyargıları.

a) "Halkımız - yerleşeceğiz" oyununda Ostrovsky, bir tüccarın tipik bir biyografisini yaratır, sermayenin nasıl biriktiğinden bahseder.

Bolşov, çocukken bir tezgahtan turta sattı ve ardından Zamoskvorechye'deki ilk zengin adamlardan biri oldu.

Podkhalyuzin, sahibini soyarak sermayesini oluşturdu ve sonunda Tishka bir ayakçı, ancak yine de yeni sahibini nasıl memnun edeceğini zaten biliyor.

Burada bir tüccarın kariyerinin üç aşaması olduğu gibi verilmiştir. Ostrovsky, kaderleri aracılığıyla sermayenin nasıl oluştuğunu gösterdi.

b) Ostrovsky'nin dramaturjisinin özelliği, bu soruyu -bir tüccar ortamında sermayenin nasıl oluştuğunu- aile içi, günlük, sıradan ilişkileri dikkate alarak göstermesiydi.

Rus dramasında günlük, gündelik ilişkilerin ağını iplik iplik ele alan ilk kişi Ostrovsky idi. Hayatın tüm bu önemsiz şeylerini, aile sırlarını, küçük ekonomik meseleleri sanat alanına sokan ilk kişi oydu. Kocaman bir yer, görünüşte anlamsız gündelik sahnelerle dolu. Karakterlerin pozlarına, jestlerine, konuşma tarzlarına, konuşmalarına çok dikkat edilir.

Ostrovsky'nin ilk oyunları okuyucuya sahne için değil, dramatik eserlerden çok anlatı gibi alışılmadık görünüyordu.

Ostrovsky'nin 40'ların doğal okuluyla doğrudan ilgili olan çalışmalarının çemberi, Zavallı Gelin (1852) oyunuyla kapanıyor.

İçinde Ostrovsky, bir kişinin ekonomik, parasal ilişkilere aynı bağımlılığını gösteriyor. Birkaç talip, Marya Andreevna'nın elini arar, ancak onu alan kişinin hedefe ulaşmak için herhangi bir çaba sarf etmesine gerek yoktur. Her şeye paranın karar verdiği kapitalist bir toplumun iyi bilinen ekonomik yasası onun için çalışıyor. Marya Andreevna'nın imajı, kendisi için yeni bir konu olan Ostrovsky'nin çalışmasında başlıyor, her şeyin ticari hesaplamalarla belirlendiği bir toplumdaki fakir bir kızın konumu. ("Orman", "Öğrenci", "Çeyiz").

Yani, Ostrovsky'de ilk kez (Gogol'ün aksine) sadece ahlaksızlık değil, aynı zamanda bir ahlaksızlık kurbanı da ortaya çıkıyor. Modern toplumun efendilerine ek olarak, ihtiyaçları bu çevrenin yasa ve gelenekleriyle çelişen özlemleri olan onlara karşı çıkanlar var. Bu yeni renkler gerektiriyordu. Ostrovsky, yeteneğinin yeni yönlerini keşfetti - dramatik hiciv. "Kendi insanları - sayacağız" - hiciv.

Ostrovsky'nin bu oyundaki sanatsal tarzı, Gogol'ün dramaturjisinden daha da farklıdır. Arsa burada üstünlüğünü kaybediyor. Sıradan bir vakaya dayanmaktadır. Gogol'un "Evlilik" adlı eserinde dile getirilen ve hicivli bir şekilde ele alınan tema - evliliğin bir alım satıma dönüşmesi, burada trajik bir ses kazandı.

Ama aynı zamanda bu, karakterizasyon açısından, konumlar açısından bir komedi. Ancak Gogol'ün kahramanları halkın kahkahalarına ve kınamasına neden olursa, o zaman Ostrovsky'de izleyici günlük hayatını gördü, bazılarına derin bir sempati duydu - diğerlerini kınadı.

Ostrovsky'nin (1853 - 1855) faaliyetlerindeki ikinci aşama, Slav yanlısı etkilerin mührü ile işaretlenmiştir.

Her şeyden önce, Ostrovsky'nin Slav yanlısı pozisyonlara bu geçişi, 1848-1855'in "kasvetli yedi yılında" kurulan tepki olan atmosferin yoğunlaşmasıyla açıklanmalıdır.

Bu etki hangi özel şekilde ortaya çıktı, Slavofillerin hangi fikirlerinin Ostrovsky'ye yakın olduğu ortaya çıktı? Her şeyden önce, Ostrovsky'nin, davranışları Rus ulusal yaşamına, halk sanatına ve Ostrovsky'ye çok yakın olan halkın tarihi geçmişine olan karakteristik ilgileriyle açıklanması gereken Moskvityanin'in sözde "genç editörleri" ile yakınlaşması .

Ancak Ostrovsky, bu ilgide, ataerkil olan her şeye hayranlıkla, tarihsel ilerleme kavramına karşı düşmanca bir tavırla, hüküm süren toplumsal çelişkilerde kendini gösteren ana muhafazakar ilkeyi ayırt edemedi.

Aslında Slavofiller, küçük ve orta burjuvazinin toplumsal olarak geri kalmış unsurlarının ideologları gibi hareket ettiler.

"Moskvityanin" in "Genç Baskısı" nın en önde gelen ideologlarından biri olan Apollon Grigoriev, insanların yaşamının organik temelini oluşturan tek bir "ulusal ruh" olduğunu savundu. Bu milli ruhu yakalamak bir yazar için en önemli şeydir.

Toplumsal çelişkiler, sınıf mücadelesi - bunlar aşılacak ve ulusun birliğini bozmayan tarihsel tabakalaşmalardır.

Yazar, halkın karakterinin ebedi ahlaki ilkelerini göstermelidir. Bu ebedi ahlaki ilkelerin taşıyıcısı, halkın ruhu, "orta, endüstriyel, tüccar" sınıftır, çünkü eski Rus geleneklerinin ataerkilliğini koruyan, inancını, geleneklerini ve dilini koruyan bu sınıftı. babaların. Medeniyetin sahteliği bu sınıfa dokunmadı.

Ostrovsky'nin bu doktrini resmi olarak tanıması, Eylül 1853'te Pogodin'e (Moskvityanin'in editörü) yazdığı ve Ostrovsky'nin artık özü olumlu ilkelere başvurmak olan "yeni yönün" destekçisi haline geldiğini yazdığı mektubudur. günlük yaşam ve halk karakteri.

Olaylara eski bakış açısı artık ona "genç ve çok acımasız" görünüyor. Sosyal ahlaksızlıkların ihbar edilmesi ana görev gibi görünmüyor.

“Düzelticiler biz olmadan da bulunacak. İnsanları gücendirmeden düzeltme hakkına sahip olmak için, onlara arkalarındaki iyiyi bildiğini göstermek gerekir” (Eylül 1853), diye yazıyor Ostrovsky.

Bu aşamada Ostrovsky'nin Rus halkının ayırt edici bir özelliği, modası geçmiş yaşam normlarından vazgeçme isteği değil, ataerkillik, yaşamın değişmeyen, temel koşullarına bağlılıktır. Ostrovsky şimdi oyunlarında "yüksek ile çizgi roman" ı birleştirmek istiyor, yüksek ile tüccar yaşamının olumlu özelliklerini ve "komik" ile - ticaret çevresinin dışında kalan, ancak etkisini onun üzerinde uygulayan her şeyi anlıyor.

Ostrovsky'nin bu yeni görüşleri, Ostrovsky'nin üç sözde "Slavofil" oyununda ifadesini buldu: "Kızağınızda oturmayın", "Yoksulluk bir ahlaksızlık değildir", "İstediğiniz gibi yaşamayın."

Ostrovsky'nin üç Slav yanlısı oyununun da belirleyici bir başlangıcı vardır - yaşamın ataerkil temellerini ve tüccar sınıfının aile ahlakını idealleştirme girişimi.

Ve bu oyunlarda Ostrovsky, aileye ve gündelik konulara yöneliyor. Ancak bunların arkasında artık ekonomik, sosyal ilişkiler yok.

Aile, ev içi ilişkiler tamamen ahlaki terimlerle yorumlanır - her şey insanların ahlaki niteliklerine bağlıdır, bunun arkasında hiçbir maddi, parasal çıkar yoktur. Ostrovsky, karakterlerin ahlaki yeniden doğuşunda çelişkileri ahlaki terimlerle çözmenin bir yolunu bulmaya çalışır. (Borodkin ve Rusakov'un ruhunun asaleti Gordey Tortsov'un ahlaki aydınlanması). Tiranlık, sermayenin varlığıyla, ekonomik ilişkilerle değil, bir kişinin kişisel özellikleriyle çok fazla haklı çıkar.

Ostrovsky, tüccar yaşamının, kendisine göründüğü gibi, ulusal, sözde "ulusal ruh" un yoğunlaştığı yönlerini tasvir ediyor. Bu nedenle, tüccar yaşamının şiirsel, parlak yönlerine odaklanır, ritüel, folklor motiflerini tanıtır, kahramanların yaşamlarının "halk-epik" başlangıcını, toplumsal kesinliklerinin zararına göstererek gösterir.

Ostrovsky, bu dönemin oyunlarında, tüccar-kahramanlarının halka yakınlığını, köylülükle sosyal ve ev içi bağlarını vurguladı. Kendileri hakkında "basit", "ahlaksız" insanlar olduklarını, babalarının köylü olduğunu söylüyorlar.

Sanatsal açıdan bakıldığında, bu oyunlar açıkça öncekilerden daha zayıf. Kompozisyonları kasıtlı olarak basitleştirildi, karakterlerin daha az net olduğu ortaya çıktı ve sonuç daha az haklı çıktı.

Bu dönemin oyunları didaktizmle karakterize edilir, açık ve karanlık ilkeleri açıkça karşılaştırırlar, karakterler keskin bir şekilde "iyi" ve "kötü" olarak ayrılır, kötülük sonunda cezalandırılır. "Slavofil döneminin" oyunları, açık ahlak, duygusallık ve eğitim ile karakterize edilir.

Aynı zamanda, bu dönemde Ostrovsky'nin genel olarak gerçekçi bir pozisyonda kaldığı söylenmelidir. Dobrolyubov'a göre, "doğrudan sanatsal duygunun gücü yazarı burada da bırakamazdı ve bu nedenle özel konumlar ve bireysel karakterler gerçek gerçekle ayırt edilir."

Ostrovsky'nin bu dönemde yazılan oyunlarının önemi, her şeyden önce, hangi biçimde ortaya çıkarsa çıksın tiranlığı alaya almaya ve kınamaya devam etmesinde yatmaktadır /Lubim Tortsov/. (Bolşov - kaba ve açık sözlü - bir tür tiran ise, o zaman Rusakov yumuşar ve uysaldır).

Dobrolyubov: "Bolşov'da, Rusakov'da ticaret hayatından etkilenen güçlü bir doğa gördük, bize öyle geliyor: ama dürüst ve nazik doğalar bile ondan böyle çıkıyor."

Bolşov: "Emir vermezsem ben ve babam ne yapacağız?"

Rusakov: "Sevdiği kişi için değil, sevdiğim kişi için vereceğim."

Bu oyunlarda ataerkil yaşamın yüceltilmesi, akut sosyal sorunların formülasyonu ve ulusal idealleri (Rusakov, Borodkin) somutlaştıracak görüntüler yaratma arzusuyla, yeni özlemler getiren gençlere sempati ile çelişkili, her şeye muhalefet ataerkil, eski. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

Bu oyunlarda Ostrovsky'nin sıradan insanlarda parlak, pozitif bir başlangıç ​​bulma arzusu dile getirildi.

Çevreye cesurca ve bağımsız bir şekilde bakma yeteneğinde ve bazen başkalarının iyiliği için kendi çıkarlarını feda etme yeteneğinde ifade edilen basit bir insanın doğasının genişliği olan halk hümanizmi teması bu şekilde ortaya çıkar.

Bu tema daha sonra Ostrovsky'nin "Fırtına", "Orman", "Çeyiz" gibi merkezi oyunlarında seslendirildi.

Bir halk performansı - didaktik bir performans - yaratma fikri, "Yoksulluk bir ahlaksızlık değildir" ve "İstediğin gibi yaşama" yı yarattığında Ostrovsky'ye yabancı değildi.

Ostrovsky, demokratik izleyiciden yerli hayatının, ulusal antik çağın şiirine bir yanıt uyandırmak için halkının etik ilkelerini, hayatının estetik temelini aktarmaya çalıştı.

Ostrovsky'ye bu konuda "demokratik izleyiciye ilk kültürel aşıyı verme" asil arzusu rehberlik etti. Başka bir şey de alçakgönüllülüğün, alçakgönüllülüğün, muhafazakarlığın idealleştirilmesidir.

Chernyshevsky'nin "Yoksulluk bir ahlaksızlık değildir" ve Dobrolyubov'un "Karanlık Krallık" makalelerinde Slavofil oyunların değerlendirmesi merak ediliyor.

Chernyshevsky, makalesini Ostrovsky'nin Slav yanlılarına yakın olduğu ve Ostrovsky'nin gerçekçi konumlardan uzaklaşma tehlikesi olduğu 1854'te yayınladı. Chernyshevsky, Ostrovsky'nin oyunlarına "Yoksulluk bir ahlaksızlık değildir" ve "Kendi kızağınıza oturmayın" "yanlış" diyor, ancak devam ediyor: "Ostrovsky harika yeteneğini henüz mahvetmedi, gerçekçi bir yöne dönmesi gerekiyor." Chernyshevsky, "Aslında, yeteneğin gücü, hatalı bir yön, en güçlü yeteneği bile yok eder," sonucuna varıyor.

Dobrolyubov'un makalesi, 1859'da, Ostrovsky kendisini Slav yanlısı etkilerden kurtardığında yazıldı. Önceki yanılgıları hatırlamak anlamsızdı ve Dobrolyubov, kendisini bu puanla ilgili sıkıcı bir ipucuyla sınırlayarak, aynı oyunların gerçekçi başlangıcını ortaya çıkarmaya odaklanıyor.

Çernişevski ve Dobrolyubov'un değerlendirmeleri birbirini tamamlar ve devrimci demokratik eleştiri ilkelerinin bir örneğidir.

1856'nın başında Ostrovsky'nin çalışmalarında yeni bir aşama başladı.

Oyun yazarı, Sovremennik'in editörlerine yaklaşıyor. Bu yakınlaşma, devrimci bir durumun olgunlaşmasıyla birlikte, ilerici toplumsal güçlerin yükseliş dönemine rastlar.

Nekrasov'un tavsiyesine uyuyormuş gibi, sosyal gerçekliği inceleme yoluna, modern yaşamın resimlerinin verildiği analitik oyunlar yaratma yoluna geri döner.

("İstediğin Gibi Yaşama" oyununun bir incelemesinde Nekrasov, tüm önyargılı fikirleri terk ederek, kendi yeteneğinin götüreceği yolu izlemesini tavsiye etti: "yeteneğine ücretsiz gelişim ver" - yolu gerçek hayatı tasvir eden).

Chernyshevsky, Ostrovsky'nin "harika yeteneği, güçlü yeteneği. Dobrolyubov - oyun yazarının "sanatsal yeteneğinin gücü".

Bu dönemde Ostrovsky, "Öğrenci", "Karlı Yer", Balzaminov hakkındaki üçleme ve son olarak devrimci durum döneminde - "Fırtına" gibi önemli oyunlar yarattı.

Ostrovsky'nin çalışmalarının bu dönemi, her şeyden önce, yaşam fenomenlerinin kapsamının genişlemesi, konuların genişlemesi ile karakterize edilir.

Ostrovsky, ilk olarak toprak sahibi, serf ortamını içeren araştırması alanında, toprak sahibi Ulanbekova'nın ("Öğrenci") kurbanlarıyla okuma yazma bilmeyen, cahil tüccarlar kadar acımasızca alay ettiğini gösterdi.

Ostrovsky, zengin ve fakir, yaşlı ve genç arasındaki aynı mücadelenin toprak sahibi-soylu ortamında olduğu kadar tüccar ortamında da devam ettiğini gösteriyor.

Ayrıca aynı dönemde Ostrovsky, darkafalılık konusunu gündeme getiriyor. Ostrovsky, darkafalılığı bir sosyal grup olarak fark eden ve sanatsal olarak keşfeden ilk Rus yazardı.

Oyun yazarı, hamkafalıkta, malzemeye yönelik diğer tüm çıkarların baskın ve gölgede kalan bir çıkarını keşfetti, Gorki daha sonra bunu "çirkin gelişmiş bir sahiplenme duygusu" olarak tanımladı.

Balzaminov hakkındaki üçlemede (“Şenlikli uyku - akşam yemeğinden önce”, “Kendi köpeklerin ısırır, başkasınınkini rahatsız etme”, “Ne ararsan bulursun”) / 1857-1861 /, Ostrovsky önemsizliği kınıyor- zihniyetiyle, sınırlamalarıyla, bayağılığıyla, açgözlülüğüyle, gülünç hayalleriyle burjuva varoluş biçimi.

Balzaminov ile ilgili üçlemede sadece cehalet veya dar görüşlülük değil, aynı zamanda bir tür entelektüel sefalet, bir esnafın aşağılığı ortaya çıkıyor. Görüntü, bu zihinsel aşağılık, ahlaki önemsizlik - ve kendini beğenmişlik, kişinin haklarına olan güveninin karşıtlığı üzerine inşa edilmiştir.

Bu üçlemede vodvil unsurları, soytarılık, dış komedi özellikleri var. Ancak Balzaminov'un figürü içsel olarak komik olduğu için, içinde bir iç komedi hakimdir.

Ostrovsky, darkafalıların dünyasının, tek bir amaca - kâra yönelik, aşılmaz kabalığın, vahşetin aynı karanlık krallığı olduğunu gösterdi.

Bir sonraki oyun - "Karlı Yer" - Ostrovsky'nin "ahlaki ve suçlayıcı" dramaturji yoluna dönüşüne tanıklık ediyor. Aynı dönemde Ostrovsky, başka bir karanlık krallığın - yetkililerin krallığı, kraliyet bürokrasisinin - keşfiydi.

Serfliğin kaldırıldığı yıllarda, bürokratik düzenlerin feshedilmesinin özel bir siyasi anlamı vardı. Bürokrasi, otokratik-feodal sistemin en eksiksiz ifadesiydi. Otokrasinin sömürücü-yığmacı özünü somutlaştırdı. Artık sadece iç keyfilik değil, hukuk adına ortak çıkarların ihlaliydi. Dobrolyubov'un "tiranlık" kavramını genel olarak otokrasi olarak anlayarak genişletmesi bu oyunla bağlantılıdır.

"Karlı Yer", konular açısından N. Gogol'un komedisi "Baş Müfettiş" i andırıyor. Ancak Genel Müfettiş'te kanunsuzluk işleyen yetkililer kendilerini suçlu hissederler ve intikam almaktan korkarlarsa, Ostrovsky'nin yetkilileri, haklarının ve cezasızlığının bilincine kapılır. Rüşvet, taciz, onlara ve diğerlerine norm gibi görünüyor.

Ostrovsky, toplumdaki tüm ahlaki normların çarpıtılmasının yasa olduğunu ve yasanın kendisinin yanıltıcı bir şey olduğunu vurguladı. Hem yetkililer hem de onlara bağlı kişiler, yasaların her zaman gücü elinde bulunduranlardan yana olduğunu bilirler.

Böylece, yetkililer - literatürde ilk kez - Ostrovsky, hukukta bir tür tacir olarak gösteriliyor. (Yetkili kanunu istediği gibi çevirebilir).

Ostrovsky'nin oyununa yeni bir kahraman da geldi - üniversiteden yeni mezun olmuş genç bir yetkili Zhadov. Eski oluşumun temsilcileri ile Zhadov arasındaki çatışma, uzlaşmaz bir çelişkinin gücünü kazanır:

a / Ostrovsky, dürüst bir yetkili hakkındaki yanılsamaların, yönetimin suiistimallerini durdurabilecek bir güç olarak başarısızlığını göstermeyi başardı.

b/ "Yusovizm" e karşı mücadele veya uzlaşma, ideallere ihanet - Zhadov'un başka seçeneği yok.

Ostrovsky, bu sistemi, rüşvet alanlara yol açan yaşam koşullarını kınadı. Komedinin ilerici önemi, içinde eski dünyanın uzlaşmaz reddinin ve "Yusovizm" in yeni bir ahlak arayışıyla birleşmesi gerçeğinde yatmaktadır.

Zhadov zayıf bir insan, kavgaya dayanamıyor, o da sormaya gidiyor " karlı yer».

Çernişevski, oyunun dördüncü perdede, yani Zhadov'un çaresizlik çığlığıyla bitseydi daha da güçlü olacağına inanıyordu: "Amcaya gidip karlı bir iş isteyelim!" Beşincisinde Zhadov, onu ahlaki açıdan neredeyse mahveden uçurumla karşı karşıya kalır. Ve Vyshimirsky'nin sonu tipik olmasa da, Zhadov'un kurtuluşunda bir şans unsuru var, sözlerinde, "bir yerlerde daha ısrarcı, değerli insanlar var" inancı, taviz vermeyecek, uzlaşmayacak, yapmayacak pes edin, yeni sosyal ilişkilerin daha da geliştirilmesi olasılığı hakkında konuşun. Ostrovsky, yaklaşmakta olan sosyal yükselişi önceden gördü.

19. yüzyılın ikinci yarısında gözlemlediğimiz psikolojik gerçekçiliğin hızlı gelişimi dramaturjide de kendini göstermiştir. Ostrovsky'nin dramatik yazılarının sırrı, insan tiplerinin tek boyutlu özelliklerinde değil, iç çelişkileri ve mücadeleleri dramatik hareket için güçlü bir itici güç görevi gören safkan insan karakterleri yaratma arzusunda yatmaktadır. G.A. Tovstonogov, Ostrovsky'nin yaratıcı tarzının bu özelliği hakkında iyi konuştu ve özellikle, ideal bir karakter olmaktan uzak olan Her Bilge Adam İçin Yeter Basitlik adlı komediden Glumov'a atıfta bulundu: “Glumov, bir dizi aşağılık iş yapmasına rağmen neden büyüleyici? bize karşı anlayışsızsa, o zaman performans olmaz, onu çekici kılan bu dünyaya duyduğu nefrettir ve biz onun intikam alma şeklini içten içe haklı çıkarırız.

Tüm halleriyle insan kişiliğine duyulan ilgi, yazarları onları ifade etmenin yollarını aramaya zorladı. Dramada, bu tür ana araçlar, karakterlerin dilinin stilistik bireyselleştirilmesiydi ve bu yöntemin geliştirilmesinde başrolü oynayan Ostrovsky idi. Ek olarak, psikolojide Ostrovsky, yazarın niyeti çerçevesinde karakterlerine mümkün olan maksimum özgürlüğü verme yolunda daha ileri gitmeye çalıştı - böyle bir deneyin sonucu, Fırtına'daki Katerina imajıydı.

"Fırtına" da Ostrovsky, yaşayan insan duygularının ölümcül ev inşa etme hayatıyla trajik bir çarpışması imajına yükseldi.

Ostrovsky'nin ilk eserlerinde sunulan dramatik çatışma türlerinin çeşitliliğine rağmen, şiirsellikleri ve genel atmosferleri, her şeyden önce, tiranlığın doğal ve kaçınılmaz bir yaşam olgusu olarak içlerinde verilmesi gerçeğiyle belirlendi. Parlak ve iyi ilkeler arayışıyla sözde "Slavofil" oyunlar bile tiranlığın baskıcı atmosferini yok etmedi ve ihlal etmedi. "Fırtına" oyunu da bu genel renklendirme ile karakterize edilir. Ve aynı zamanda, içinde korkunç, ölümcül rutine kararlı bir şekilde karşı çıkan bir güç var - bu, hem halk karakterlerinde (Katerina, her şeyden önce Kuligin ve hatta Kudryash) hem de Rus doğasında ifade edilen halk unsurudur. bu da dramatik aksiyonun temel bir unsuru haline gelir.

Modern yaşamın karmaşık meselelerini gündeme getiren ve köylülerin sözde "kurtuluşunun" hemen arifesinde basılı olarak ve sahnede yer alan "Fırtına" oyunu, Ostrovsky'nin sosyal yollara dair her türlü yanılsamadan arınmış olduğunu kanıtladı. Rusya'da gelişme.

"Fırtına" yayınlanmadan önce bile Rus sahnesinde göründü. Prömiyer 16 Kasım 1859'da Maly Tiyatrosu'nda gerçekleşti. Oyunda muhteşem oyuncular yer aldı: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Wild), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) ve diğerleri. Yapım, N. Ostrovsky tarafından yönetildi. Prömiyer büyük bir başarıydı ve sonraki performanslar muzafferdi. The Thunderstorm'un parlak galasından bir yıl sonra, oyun en yüksek akademik ödül olan Büyük Uvarov Ödülü'ne layık görüldü.

Fırtına'da, Rusya'nın sosyal sistemi keskin bir şekilde kınanır ve ölüm ana karakter oyun yazarı tarafından "karanlık krallıktaki" umutsuz durumunun doğrudan bir sonucu olarak gösterildi. The Thunderstorm'daki çatışma, özgürlüğü seven Katerina'nın vahşi ve yaban domuzlarının korkunç dünyasıyla uzlaşmaz çarpışması üzerine kuruludur ve "insanın zulmü, yalanları, alayları, aşağılanması"na dayanan hayvani yasalara sahiptir. Katerina, tiranlığa ve gericiliğe karşı çıktı. , yalnızca duygularının gücüyle, yaşam hakkı bilinciyle, mutlulukla ve sevgiyle donanmış. Dobrolyubov'un adil sözlerine göre, "ruhunun doğal susuzluğunu giderme fırsatını hissediyor ve artık hareketsiz kalamıyor: özlüyor yeni bir hayat için, bu dürtü içinde ölmesi gerekse bile."

Katerina, çocukluğundan beri romantik hayal gücü, dindarlığı ve özgürlüğe olan susuzluğuyla gelişen tuhaf bir ortamda büyüdü. Bu karakter özellikleri, konumunun trajedisini daha da belirledi. Dindar bir ruhla yetiştirilmiş, Boris'e karşı duygularının tüm "günahkarlığını" anlıyor, ancak doğal çekiciliğe karşı koyamıyor ve bu dürtüye tamamen teslim oluyor.

Katerina, yalnızca "Kabanov'un ahlak kavramlarına" karşı çıkmıyor. Kilise evliliğinin kategorik dokunulmazlığını onaylayan ve Hıristiyan öğretisine aykırı olarak intiharı kınayan değişmez dini dogmalara açıkça karşı çıkıyor. Dobrolyubov, Katerina'nın protestosunun bu dolgunluğunu akılda tutarak şunları yazdı: "Burada Doğru güç her durumda güvenebileceğiniz karakter! Bu, halk yaşamımızın gelişimi içinde ulaştığı, ancak edebiyatımızda çok az kişinin yükselebildiği ve hiç kimsenin Ostrovsky kadar iyi tutunamadığı zirvedir.

Katerina, çevredeki ölümcül duruma katlanmak istemiyor. Varvara'ya "Ben burada yaşamak istemiyorum, bu yüzden beni kessen bile yapmayacağım!" der ve intihar eder. Katerina'nın karakteri karmaşık ve çok yönlüdür. ana karakterin karakterinin görünüşte tamamen zıt olan baskınlıklarından başlayarak, birçok seçkin oyuncunun onu sonuna kadar tüketememiş olması. çeşitli yorumlar Katerina'nın karakterindeki ana şeyi tam olarak açıklamadılar: genç bir doğanın tüm dolaysızlığıyla kendisine verdiği aşkı. Yaşam deneyimi önemsizdir, en önemlisi doğasında bir güzellik duygusu, şiirsel bir doğa algısı gelişmiştir. Ancak karakteri hareket halinde, gelişim halinde verilir. Oyundan bildiğimiz gibi, doğayı bir kez düşünmek onun için yeterli değil. Manevi güçlerin başka uygulama alanlarına ihtiyaç vardır. Dua, hizmet, mitler de ana karakterin şiirsel duygularını tatmin etmenin araçlarıdır.

Dobrolyubov şunları yazdı: “Kilisede onu meşgul eden ritüeller değil: orada söylediklerini ve okuduklarını hiç duymuyor; ruhunda başka müzikler, başka vizyonlar var, çünkü onun için ayin, sanki bir saniyede sanki fark edilmeden sona eriyor. Garip bir şekilde resimlere çizilmiş ağaçlarla meşgul ve tüm bu tür ağaçların olduğu ve her şeyin çiçek açtığı, güzel kokulu, her şeyin ilahi şarkılarla dolu olduğu bütün bir bahçeler ülkesini hayal ediyor. Aksi takdirde, güneşli bir günde, "kubbeden çok parlak bir sütunun nasıl indiğini ve bu sütunda bulutlar gibi dumanın yürüdüğünü" görecek ve şimdi "sanki melekler uçuyor ve şarkı söylüyormuş gibi" görüyor. sütun.” Bazen kendini tanıtacak - neden uçmasın? Ve bir dağın üzerinde durduğunda, böyle uçmaya çekilir: böyle kaçar, ellerini kaldırır ve uçar ... ".

Manevi güçlerinin tezahürünün yeni, ancak keşfedilmemiş bir alanı, sonunda trajedisinin nedeni haline gelen Boris'e olan aşkıydı. I. A. Goncharov haklı olarak, "Sinirli, tutkulu bir kadının tutkusu ve borçla mücadele, düşme, pişmanlık ve suçluluk için ağır kefaret - tüm bunlar en canlı dramatik ilgiyle dolu ve olağanüstü sanat ve yürek bilgisi ile yürütülüyor" dedi. .

Katerina'nın doğasının tutkusu, dolaysızlığı ne sıklıkla kınanır ve derin ruhsal mücadelesi, zayıflığın bir tezahürü olarak algılanır. Bu arada sanatçı E. B. Piunova-Shmidthof'un anılarında Ostrovsky'nin kahramanıyla ilgili ilginç öyküsünü buluyoruz: "Katerina," dedi Alexander Nikolayevich, "tutkulu bir yapıya ve güçlü bir karaktere sahip bir kadın. Bunu Boris'e olan sevgisi ve intiharıyla kanıtladı. Katerina, ortamdan bunalmış olmasına rağmen, ilk fırsatta tutkusuna teslim olur ve ondan önce: "Ne olursa olsun, ama Boris'i göreceğim!" Cehennem resminin önünde, Katerina öfke ve histeriye kapılmaz, ancak yalnızca yüzü ve tüm figürüyle ölümcül korkuyu tasvir etmelidir. Boris'e veda sahnesinde Katerina, bir hasta gibi sessizce konuşuyor ve sadece son sözler: "Arkadaşım! Benim sevincim! Güle güle!" - Olabildiğince yüksek sesle konuşuyor. Katherine'in durumu ümitsiz hale geldi. Kocanın evinde yaşayamazsın ... Gidecek yer yok. Ebeveynlere? Evet, o zamana kadar onu bağlayıp kocasına getirirlerdi. Katerina, daha önce yaşadığı gibi yaşamanın imkansız olduğu sonucuna vardı ve güçlü bir iradeye sahip olarak kendini boğdu ... ".

I. A. Goncharov, "Abartıyla suçlanmaktan korkmadan, dürüstçe söyleyebilirim ki edebiyatımızda drama diye bir eser yoktu. Şüphesiz, yüksek klasik güzelliklerde ilk sırayı işgal ediyor ve muhtemelen uzun süre işgal edecek. Hangi açıdan ele alınırsa alınsın, ister yaratım planı, ister dramatik hareket veya son olarak karakterler açısından olsun, her yerde yaratıcılığın gücü, gözlem inceliği ve dekorasyonun zarafeti ile damgalanmıştır. Goncharov'a göre Fırtına'da "ulusal yaşamın ve geleneklerin geniş bir resmi yatıştı."

Ostrovsky, Fırtına'yı bir komedi olarak tasarladı ve ardından onu drama olarak adlandırdı. N. A. Dobrolyubov, Fırtına'nın tür doğası hakkında çok dikkatli konuştu. "Karşılıklı tiranlık ve sessizlik ilişkilerinin en trajik sonuçlara götürüldüğünü" yazdı.

19. yüzyılın ortalarında, Dobrolyubov'un "yaşam oyunu" tanımının, hala klasik normların yükü altında olan dramatik sanatın geleneksel alt bölümünden daha geniş olduğu ortaya çıktı. Rus dramasında, dramatik şiirin günlük gerçeklikle yakınsama süreci vardı ve bu da doğal olarak tür doğasını etkiledi. Örneğin Ostrovsky şöyle yazdı: “Rus edebiyatı tarihinin sonunda birleşen iki dalı vardır: bir dal aşılamadır ve yabancı, ancak köklü bir tohumun yavrularıdır; Lomonosov'dan Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky vb. bir başkasıyla yakınlaşmaya başladığı Puşkin'e; diğeri - Kantemir'den, aynı Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboedov'un komedileri aracılığıyla Gogol'a; onda ikisi de tamamen birleşmiştir; dualizm bitti. Bir yanda övgü dolu gazeller, Fransız trajedileri, eskilerin taklitleri, on sekizinci yüzyıl sonlarının duyarlılığı, Alman romantizmi, çılgın gençlik edebiyatı; ve diğer tarafta: hicivler, komediler, komediler ve " Ölü ruhlar”, Rusya, sanki aynı zamanda, en iyi yazarlarının şahsında, dönem dönem yabancı edebiyatların hayatını yaşadı ve kendi edebiyatını evrensel insani öneme yükseltti.

Böylece komedi, Rus yaşamının günlük fenomenlerine en yakın olduğu ortaya çıktı, Rus halkını endişelendiren her şeye duyarlı bir şekilde yanıt verdi, hayatı dramatik ve trajik tezahürlerinde yeniden üretti. Bu nedenle Dobrolyubov, "yaşam oyunu" tanımına bu kadar inatla bağlı kaldı ve onda geleneksel bir tür anlamından çok modern yaşamı dramada yeniden üretme ilkesi olarak gördü. Aslında Ostrovsky aynı ilkeden bahsetti: “Pek çok koşullu kural ortadan kalktı ve bazıları da ortadan kalkacak. Artık dramatik eserler, dramatize edilmiş bir yaşamdan başka bir şey değildir. "Bu ilke, 19. yüzyılın sonraki on yıllarında dramatik türlerin gelişimini belirledi. Fırtına, türü açısından toplumsal bir trajedidir.

AI Revyakin haklı olarak, trajedinin ana özelliğinin - "olağanüstü bir kişi olan kahramanın ölümüne neden olan uzlaşmaz yaşam çelişkilerinin görüntüsü" - Fırtına'da belirgin olduğuna dikkat çekiyor. Elbette halk trajedisinin tasviri, somutlaşmasının yeni, orijinal yapıcı biçimlerine yol açtı. Ostrovsky, dramatik eserler inşa etmenin hareketsiz, geleneksel tarzına defalarca karşı çıktı. Thunderstorm da bu anlamda yenilikçiydi. Turgenev'e 14 Haziran 1874 tarihli bir mektupta, "Fırtına" nın Türkçe'ye çevrilmesi önerisine yanıt olarak ironi olmadan bundan bahsetti. Fransızca: “Fırtına'nın iyi bir Fransızca çevirisiyle basılmasına engel olmaz, orijinalliği ile etkileyebilir; ama sahneye çıkarılıp çıkarılmaması - bunun hakkında düşünülebilir. Fransızların oyun yapma yeteneklerini çok takdir ediyorum ve korkunç beceriksizliğimle onların hassas zevklerini gücendirmekten korkuyorum. Fransız bakış açısına göre Fırtına'nın inşası çirkin, ancak genel olarak pek tutarlı olmadığı kabul edilmelidir. Fırtına'yı yazdığımda, ana rolleri bitirerek kendimi kaptırdım ve affedilemez bir anlamsızlıkla "forma tepki verdim ve aynı zamanda merhum Vasiliev'in fayda performansına ayak uydurmak için acelem vardı."

A.I. Zhuravleva'nın "Fırtına" nın tür özgünlüğü hakkındaki muhakemesi merak uyandırıcıdır: "Tür yorumlama sorunu, bu oyunun analizinde en önemlisidir. Bu oyunun yorumunun bilimsel-eleştirel ve teatral geleneklerine dönersek, hakim olan iki eğilimi ayırt edebiliriz. Bunlardan biri, Fırtına'nın günlük hayatın özel bir öneme sahip olduğu sosyal ve ev içi bir drama olarak anlaşılmasıyla belirlenir. Yönetmenlerin ve buna bağlı olarak seyircilerin dikkati, eylemdeki tüm katılımcılar arasında olduğu gibi eşit olarak dağıtılır, her kişi eşit önem alır.

Başka bir yorum, "Fırtına" nın bir trajedi olarak anlaşılmasıyla belirlenir. Zhuravleva, "Fırtına" nın bir drama olarak yorumunun Ostrovsky'nin tür tanımına dayanmasına rağmen, böyle bir yorumun daha derin olduğuna ve "metinde daha fazla desteğe" sahip olduğuna inanıyor. Araştırmacı haklı olarak "bu tanımın geleneğe bir övgü olduğunu" belirtiyor. Gerçekten de, önceki Rus dramaturji tarihinin tamamı, kahramanların tarihsel figürler, hatta efsanevi olanlar değil, özel kişiler olacağı bir trajedi örneği sağlamadı. Bu bakımdan "Fırtına" benzersiz bir fenomen olarak kaldı. Türü anlamanın anahtarı dramatik çalışma bu durumda karakterlerin "sosyal statüsü" değil, her şeyden önce çatışmanın doğasıdır. Katerina'nın kayınvalidesi ile bir çarpışma sonucu ölümünü anlarsak, onu aile baskısının kurbanı olarak görürsek, o zaman kahramanların ölçeği bir trajedi için gerçekten küçük görünüyor. Ancak Katerina'nın kaderinin iki tarihi dönemin çatışmasıyla belirlendiğini görürseniz, o zaman çatışmanın trajik doğası oldukça doğal görünüyor.

Trajik yapının tipik bir işareti, bitiş sırasında seyircinin yaşadığı katarsis duygusudur. Ölümle, kahraman hem baskıdan hem de ona eziyet eden iç çelişkilerden kurtulur.

Böylece tüccar sınıfının hayatından çıkan sosyal drama bir trajediye dönüşür. Ostrovsky, sıradan insanların bilincinde meydana gelen çığır açan dönüm noktasını bir aşk-gündelik çarpışmasıyla göstermeyi başardı. Uyanan kişilik duygusu ve bireysel iradeye dayanmayan dünyaya karşı yeni bir tutum, yalnızca Ostrovsky'nin modern ataerkil yaşam tarzının gerçek, dünyevi güvenilir durumuyla değil, aynı zamanda ideal fikirle de uzlaşmaz bir düşmanlık içinde olduğu ortaya çıktı. yüksek bir kahramanın doğasında var olan ahlak.

Dramanın trajediye dönüşmesi, Fırtına'daki lirik unsurun zaferinden de kaynaklanıyordu.

Oyunun başlığının sembolizmi önemlidir. Her şeyden önce, "fırtına" kelimesinin metninde doğrudan bir anlamı var. Başlık görüntüsü, oyun yazarı tarafından eylemin geliştirilmesine dahil edilir, ona doğal bir fenomen olarak doğrudan katılır. Oyunda bir fırtınanın nedeni, birinci perdeden dördüncü perdeye kadar gelişir. Aynı zamanda, bir fırtına görüntüsü de Ostrovsky tarafından bir manzara olarak yeniden yaratıldı: nemle dolu kara bulutlar (“bir topun içinde bir bulut kıvrılıyormuş gibi”), havada havasızlık hissediyoruz, gök gürültüsü duyuyoruz, biz şimşek ışığında donmak.

Oyunun adı var mecazi anlamda. Fırtına, Katerina'nın ruhunda şiddetleniyor, yaratıcı ve yıkıcı ilkelerin mücadelesine, parlak ve kasvetli önsezilerin çarpışmasına, iyi ve günahkar duygulara yansıyor. Grokha'nın olduğu sahneler, oyunun dramatik aksiyonunu ileriye taşıyor gibi görünüyor.

Oyundaki fırtına kazanır ve sembolik anlamda, bütün işin fikrini bir bütün olarak ifade etmek. Katerina ve Kuligin gibi insanların karanlık krallığındaki görünümü, Kalinov üzerinde bir fırtınadır. Oyundaki fırtına, hayatın yıkıcı doğasını, ikiye bölünmüş dünyanın durumunu aktarıyor. Oyunun adının çok yönlülüğü ve çok yönlülüğü, oyunun özünü daha derinden anlamanın bir tür anahtarı haline gelir.

A. D. Galakhov, "Bay Ostrovsky'nin "Fırtına" adını taşıyan oyununda, "birçok yerde kahkahalar uyandırsa da, aksiyon ve atmosfer trajiktir" diye yazmıştı. Fırtına sadece trajik ve komik olanı değil, özellikle önemli olanı destansı ve lirik olanı birleştirir. Bütün bunlar, oyunun kompozisyonunun özgünlüğünü belirler. V.E. Meyerhold bu konuda mükemmel bir şekilde yazdı: “Fırtına inşasının özelliği şu ki en yüksek nokta gerilim Ostrovsky tarafından dördüncü perdede verilir (ikinci perdenin ikinci sahnesinde değil) ve senaryodaki artış kademeli değil (ikinci perdeden üçüncü perdeden dördüncü perdeye), ancak bir itme ile veya bunun yerine iki itme; ilk yükseliş, ikinci perdede, Katerina'nın Tikhon'a veda sahnesinde (yükseliş güçlü, ancak henüz çok değil) ve ikinci yükseliş (çok güçlü - bu en hassas itiş) dördüncü perdede belirtilir. Katerina'nın tövbe ettiği anda.

Bu iki perde arasında (sanki eşit olmayan ama keskin bir şekilde yükselen iki tepenin tepesindeymiş gibi) - üçüncü perde (her iki resimle birlikte) bir vadideymiş gibi uzanır.

Yönetmen tarafından ustaca ortaya konulan The Thunderstorm'un inşasının iç planının Katerina'nın karakterinin gelişim aşamaları, gelişim aşamaları ve Boris'e olan hisleri tarafından belirlendiğini görmek kolaydır.

A. Anastasiev, Ostrovsky'nin oyununun kendi özel kaderi olduğuna dikkat çekiyor. On yıllardır "Fırtına" Rus tiyatrolarının sahnesinden ayrılmadı, N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasilyev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova, ana rollerin performanslarıyla ünlendi, P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen, VN Pashennaya. Ve aynı zamanda, "tiyatro tarihçileri bütünsel, uyumlu, olağanüstü performanslara tanık olmadılar." Araştırmacıya göre bu büyük trajedinin çözülmemiş gizemi, "pek çok fikrinde, inkar edilemez, koşulsuz, somut tarihsel hakikat ile şiirsel sembolizmin en güçlü karışımında, gerçek eylem ile derinden gizli lirik bir başlangıcın organik bileşiminde" yatmaktadır. "

Genellikle "Fırtına" nın lirizminden bahsettiklerinde, her şeyden önce oyunun ana karakterinin dünya görüşünün lirik sistemini kastederler, aynı zamanda en genel haliyle karşı çıkan Volga'dan da bahsederler. "ahır" yaşam tarzı ve Kuligin'in lirik taşkınlıklarına neden olan . Ancak oyun yazarı - türün yasaları gereği - Volga'yı, güzel Volga manzaralarını, genel olarak doğayı dramatik aksiyon sistemine dahil edemedi. Sadece doğanın ayrılmaz bir unsur haline geldiği yolu gösterdi. sahne eylemi. Buradaki doğa sadece bir hayranlık ve hayranlık nesnesi değil, aynı zamanda var olan her şeyi değerlendirmenin ana kriteri, modern yaşamın alojizmini, doğal olmayanlığını görmenize izin veriyor. “Fırtına'yı Ostrovsky mi yazdı? "Fırtına" Volga yazdı! - ünlü tiyatro eleştirmeni ve eleştirmen S. A. Yuryev'i haykırdı.

Tanınmış tiyatro figürü A. I. Yuzhin-Sumbatov daha sonra Ostrovsky'ye atıfta bulunarak "Her gerçek gündelik işçi aynı zamanda gerçek bir romantiktir" diyecektir. Kelimenin geniş anlamıyla romantik, doğa yasalarının doğruluğu ve katılığı ve bu yasaların kamusal yaşamda ihlali karşısında şaşırır. Ostrovsky'nin ilk yazılarından birinde tartıştığı şey buydu. günlük girişleri Kostroma'ya vardıktan sonra yerler: “Ve Volga'nın diğer tarafında, şehrin tam karşısında iki köy var; biri özellikle pitoresk, en kıvrımlı koru Volga'ya kadar uzanıyor, günbatımında güneş bir şekilde mucizevi bir şekilde kökten içine tırmandı ve birçok mucize yaptı.

Ostrovsky, bu manzara taslağından yola çıkarak şunu düşündü:

"Buna bakmaktan yoruldum. Doğa - sen sadık bir aşıksın, sadece çok şehvetlisin; seni ne kadar seversen sev, yine de tatminsizsin; tatminsiz tutku gözlerinizde kaynıyor ve arzularınızı tatmin edemeyeceğinize nasıl yemin ederseniz edin, kızmayın, uzaklaşmayın, her şeye tutkulu gözlerinizle bakın ve beklenti dolu bu gözler infazdır. ve bir kişiye eziyet.

The Thunderstorm'un biçim olarak çok özel olan lirizmi (Ap. Grigoriev bu konuda ince bir şekilde şunları söyledi: "... sanki bir şair değil, bütün bir insan burada yaratılmış gibi ..."), tam olarak yakınlık temelinde ortaya çıktı. kahramanın ve yazarın dünyası.

1950'lerde ve 1960'larda sağlıklı bir doğal başlangıca yönelme, yalnızca Ostrovsky'nin değil, Tolstoy ve Nekrasov'dan Çehov ve Kuprin'e kadar tüm Rus edebiyatının sosyal ve etik ilkesi haline geldi. "Yazarın" sesinin dramatik eserlerdeki bu tuhaf tezahürü olmadan, "Zavallı Gelin"in psikolojisini, "Fırtına" ve "Çeyiz"deki sözlerin doğasını ve yeni dramanın şiirselliğini tam olarak anlayamayız. geç XIX yüzyıl.

1960'ların sonunda Ostrovsky'nin çalışmaları tematik olarak genişliyordu. Yeninin eskiyle nasıl karıştığını gösteriyor: Tüccarlarının olağan imgelerinde parlaklık ve laiklik, eğitim ve "hoş" tavırlar görüyoruz. Artık aptal despotlar değiller, sadece bir aileyi veya şehri değil, tüm eyaletleri yumruklarında tutan yağmacı alıcılar. Onlarla çatışan çok çeşitli insanlar var, çevreleri sonsuz geniş. Ve oyunların suçlayıcı acımasızlığı daha güçlü. En iyileri: "Ateşli Kalp", "Deli Para", "Orman", "Kurtlar ve Koyunlar", "Son Kurban", "Çeyiz", "Yetenekler ve Hayranlar".

Ostrovsky'nin son dönemdeki çalışmalarındaki değişimler, örneğin "Sıcak Kalp" i "Fırtına" ile karşılaştırırsak çok net bir şekilde görülebilir. Tüccar Kuroslepov, şehirde seçkin bir tüccardır, ancak Wild kadar zorlu değildir, daha çok eksantriktir, hayatı anlamaz ve hayalleriyle meşguldür. İkinci karısı Matryona'nın katip Narkis ile açıkça bir ilişkisi var. İkisi de sahibini soyar ve Narkis kendisi de tüccar olmak ister. Hayır, "karanlık krallık" artık yekpare değil. Domostroevsky yaşam tarzı artık belediye başkanı Gradoboev'in iradesini kurtarmayacak. Zengin tüccar Khlynov'un dizginsiz cümbüşü, hayatın yakılmasının, çürümenin, saçmalığın bir simgesidir: Khlynov sokaklara şampanya dökülmesini emreder.

Parasha, "kalbi ateşli" bir kızdır. Ancak The Thunderstorm'daki Katerina, karşılıksız bir kocanın ve zayıf iradeli bir sevgilinin kurbanı olduğu ortaya çıkarsa, Parasha onun güçlü ruhsal gücünün farkındadır. O da uçmak istiyor. Karakterinin zayıflığını, sevgilisinin kararsızlığını seviyor ve lanetliyor: "Bu nasıl bir adam, nasıl bir ağlak bana dayatılıyor ... Görünüşe göre, ben kendim kendi kafamı düşünmeliyim."

The Last Victim'de Yulia Pavlovna Tugina'nın değersiz genç eğlence düşkünü Dulchin'e olan aşkının gelişimi büyük bir gerilimle gösteriliyor. Ostrovsky'nin sonraki dramalarında, ana karakterlerin ayrıntılı bir psikolojik tasviri ile aksiyon dolu durumların bir kombinasyonu var. Kahramanın veya kadın kahramanın kendisiyle, kendi duygularıyla, hatalarıyla ve varsayımlarıyla mücadelesinin büyük bir yer tutmaya başladığı, yaşadıkları azabın iniş çıkışlarına büyük önem verilir.

Bu bakımdan "Çeyiz" karakteristiktir. Yazar, belki de ilk kez burada, annesinin bakımından ve eski yaşam tarzından kaçan kadın kahramanın hissine odaklanıyor. Bu oyunda ışıkla karanlığın mücadelesi değil, aşkın kendi hakları ve özgürlüğü için verdiği mücadele vardır. Larisa Paratova, Karandysheva'yı tercih etti. Çevresindeki insanlar alaycı bir şekilde Larisa'nın duygularını suistimal ettiler. “Çeyizsiz” kızını para babasına “satmak” isteyen anne, kendisinin böyle bir hazinenin sahibi olacağını düşünerek çileden çıktı. Paratov, en iyi umutlarını aldatarak ve Larisa'nın aşkını geçici zevklerden biri olarak görerek onu taciz etti. Knurov ve Vozhevatov da Larisa'yı kendi aralarında oynayarak taciz etti.

Reform sonrası Rusya'da toprak sahiplerinin sahtecilik, şantaj, bencil amaçlarla rüşvet vermeye hazır ne tür alaycılara dönüştüğünü "Koyun ve Kurtlar" oyunundan öğreniyoruz. "Kurtlar" toprak sahibi Murzavetskaya, toprak sahibi Berkutov ve "koyunlar" genç zengin dul Kupavina, iradeli yaşlı beyefendi Lynyaev'dir. Murzavetskaya, ahlaksız yeğenini Kupavina ile evlendirmek istiyor ve onu merhum kocasının eski faturalarıyla "korkutuyor". Aslında faturalar, Kupavina'ya eşit derecede hizmet eden güvenilir bir avukat olan Chugunov tarafından düzenlendi. Berkutov, yerel alçaklardan daha aşağılık bir toprak sahibi ve bir iş adamı olan St. Petersburg'dan baskın yaptı. Sorunun ne olduğunu anında anladı. Büyük başkentleriyle Kupavina, duygulardan bahsetmeden devraldı. Murzavetskaya'yı sahtekarlığı ifşa ederek ustaca "papağanlık yaparak" onunla hemen bir ittifak kurdu: soyluların liderleri için yapılan seçimlerde oy pusulasını kazanması onun için önemlidir. O gerçek bir "kurt" ve onun yanında kalan her şey "koyun". Aynı zamanda oyunda alçaklar ve masumlar şeklinde keskin bir ayrım yoktur. "Kurtlar" ve "koyunlar" arasında sanki bir tür aşağılık komplo varmış gibi. Herkes birbiriyle savaş oynar ve aynı zamanda kolayca katlanıp ortak bir çıkar bulur.

Görünüşe göre Ostrovsky'nin tüm repertuarındaki en iyi oyunlardan biri Suçsuz Suçlu oyunudur. Daha önceki birçok çalışmanın motiflerini birleştirir. Ana karakter, yüksek manevi kültüre sahip bir kadın olan aktris Kruchinina, büyük bir yaşam trajedisi yaşadı. O nazik ve cömert kalpli ve bilge Kruchinina, iyilik ve ıstırabın zirvesinde duruyor. İsterseniz, o ve "karanlık krallıktaki" "ışık ışını", o ve "son kurban", o ve "ateşli kalp", o ve etrafındaki "çeyiz", "hayranlar" dır. yırtıcı "kurtlar", paragözler ve alaycılardır. Henüz Neznamov'un oğlu olduğunu varsaymayan Kruchinina, ona hayatı öğretiyor, katılaşmamış kalbini ortaya koyuyor: “Ben senden daha deneyimliyim ve dünyada daha çok yaşadım; İnsanlarda çok fazla asalet, çok fazla sevgi, özveri olduğunu biliyorum, özellikle kadınlarda.

Bu oyun, asaletinin ve özverisinin apotheosis'i olan Rus kadınına bir methiyedir. Bu, gerçek ruhunu Ostrovsky'nin iyi bildiği Rus aktörün özüdür.

Ostrovsky tiyatro için yazdı. Bu, onun hediyesinin özelliğidir. Yarattığı yaşam görüntüleri ve resimleri sahne için tasarlanmıştır. Ostrovsky'nin karakterlerinin konuşması bu yüzden çok önemli, bu yüzden eserleri kulağa çok parlak geliyor. Innokenty Annensky'nin ona "gerçekçi-denetçi" demesine şaşmamalı. Sahnede sahnelenmeden eserleri tamamlanmamış gibiydi, bu yüzden Ostrovsky oyunlarının tiyatro sansürüyle yasaklanmasını bu kadar sert karşıladı. ("Halkımız - Yerleşelim" komedisinin tiyatroda sahnelenmesine, Pogodin'in bir dergide yayınlamayı başarmasından yalnızca on yıl sonra izin verildi.)

A. N. Ostrovsky, gizlenmemiş bir memnuniyet duygusuyla, 3 Kasım 1878'de arkadaşı, Alexandrinsky Tiyatrosu sanatçısı A. F. Burdin'e şunları yazdı: "Çeyiz" oybirliğiyle tüm eserlerimin en iyisi olarak kabul edildi.

Ostrovsky "Çeyiz" yaşadı, bazen sadece kırkıncı şeyi üzerinde yaşadı, "dikkatini ve gücünü" yönlendirdi ve onu en kapsamlı şekilde "bitirmek" istedi. Eylül 1878'de bir tanıdığına şöyle yazdı: "Oyunum üzerinde tüm gücümle çalışıyorum; görünüşe göre kötü sonuçlanmayacak."

Prömiyerden bir gün sonra, 12 Kasım'da Ostrovsky, "tüm izleyiciyi, hatta en saf seyircileri bile" nasıl yormayı başardığını öğrenebildi ve şüphesiz Russkiye Vedomosti'den öğrendi. Çünkü o - seyirci - ona sunduğu gözlükleri açıkça "büyüttü".

1970'lerde Ostrovsky'nin eleştirmenler, tiyatrolar ve izleyicilerle ilişkisi giderek daha karmaşık hale geldi. Ellilerin sonunda ve altmışların başında kazandığı evrensel tanınırlığın tadını çıkardığı dönemin yerini, oyun yazarına karşı farklı soğuma çevrelerinde giderek büyüyen bir başkası aldı.

Tiyatro sansürü, edebi sansürden daha şiddetliydi. Bu tesadüf değil. Özünde tiyatro sanatı demokratiktir, edebiyattan daha doğrudandır, halka hitap eder. Ostrovsky, "Günümüzde Rusya'da dramatik sanatın durumuna ilişkin bir not" (1881) adlı eserinde, "dramatik şiir, edebiyatın diğer dallarından daha halka yakındır. Diğer tüm eserler eğitimli insanlar için yazılır ve dramalar ve komediler yazılır. - tüm halk için; drama yazarları bunu her zaman hatırlamalı, açık ve güçlü olmalıdırlar. Halka olan bu yakınlık dramatik şiiri zerre kadar küçük düşürmez, aksine gücünü ikiye katlar ve onun kaba ve kabalaşmasını engeller. küçük." Ostrovsky, "Not"unda 1861'den sonra Rusya'daki tiyatro seyircisinin nasıl genişlediğini anlatıyor. Ostrovsky, sanatta deneyimsiz yeni bir izleyici hakkında yazıyor: “Güzel edebiyat onun için hala sıkıcı ve anlaşılmaz, müzik de, sadece tiyatro ona tam bir zevk veriyor, orada sahnede olan her şeyi bir çocuk gibi yaşıyor, iyiye sempati duyuyor. ve açıkça sunulan kötülüğü tanır." Ostrovsky, "taze bir seyirci" için, "güçlü drama, büyük komedi, meydan okuyan, açık sözlü, yüksek kahkaha, sıcak, samimi duygular gereklidir" diye yazdı. Kökleri halk gösterisine dayanan Ostrovsky'ye göre, insanların ruhlarını doğrudan ve güçlü bir şekilde etkileme yeteneğine sahip olan tiyatrodur. Yirmi beş yıl sonra, şiir hakkında konuşan Alexander Blok, özünün ana, "yürüyen" gerçeklerde, onları okuyucunun kalbine aktarma yeteneğinde yattığını yazacak.

Devam edin, yaslı dırdırcılar!

Aktörler, zanaatta ustalaşın,

Yürüyen hakikatten

Herkes hasta ve hafif hissetti!

("Balagan"; 1906)

Ostrovsky'nin tiyatroya verdiği büyük önem, tiyatro sanatı hakkındaki düşünceleri, Rusya'daki tiyatronun konumu, oyuncuların kaderi hakkındaki düşünceleri - bunların hepsi oyunlarına yansıdı.

Ostrovsky'nin hayatında tiyatro büyük bir rol oynadı. Oyunlarının yapımında yer aldı, oyuncularla çalıştı, birçoğuyla arkadaş oldu, yazıştı. Oyuncuların haklarını savunmak için çok çaba sarf etti, Rusya'da kendi repertuvarı olan bir tiyatro okulu yaratmaya çalıştı.

Ostrovsky, tiyatronun seyircilerin gözünden gizlenmiş iç, kulis yaşamını çok iyi biliyordu. "Orman" (1871) ile başlayan Ostrovsky, tiyatro temasını geliştirir, oyuncuların görüntülerini yaratır, kaderlerini tasvir eder - bu oyunu "17. yüzyılın Komedyeni" (1873), "Yetenekler ve Hayranlar" (1881) izler. ), "Suçsuz Suçlu" ( 1883).

Ostrovsky'nin imajındaki tiyatro, okuyucunun ve izleyicinin diğer oyunlarından aşina olduğu o dünyanın yasalarına göre yaşıyor. Sanatçıların kaderlerinin şekillenme biçimi, "ortak" yaşamın gelenekleri, ilişkileri, koşulları tarafından belirlenir. Ostrovsky'nin zamanın doğru, canlı bir resmini yeniden yaratma yeteneği, oyuncularla ilgili oyunlarda da tam olarak kendini gösteriyor. Bu, Ostrovsky ("Yetenekler ve Hayranlar", "Suçsuz Suçlu"), asil bir mülk ("Orman") için modern bir taşra şehri olan Çar Alexei Mihayloviç ("17. yüzyılın Komedyeni") döneminin Moskova'sıdır.

Ostrovsky'nin çok iyi tanıdığı Rus tiyatrosunun hayatında, aktör, çoklu bağımlılık içinde olan zorunlu bir insandı. "O zaman favoriler için bir zaman vardı ve repertuar müfettişinin tüm idari titizliği, repertuarı derlerken mümkün olan her türlü özeni göstermesi için baş yönetmene talimat vermekten ibaretti, böylece performans başına yüksek ücret alan favoriler her gün oynuyor ve mümkünse Ostrovsky, "Dramatik Eserler için İmparatorluk Tiyatroları Üzerine Taslak Kurallar Üzerine Bir Not" (1883) adlı eserinde "iki tiyatroda" yazdı.

Ostrovsky'nin tasvirinde oyuncular, Orman'daki Neschastlivtsev ve Schastlivtsev gibi aşağılanmış, sarhoşluk nedeniyle insan formlarını kaybeden, The Dowry'deki Robinson gibi, Suçsuz Suçlu'daki Shmaga gibi, Erast Gromilov gibi neredeyse dilencilere dönüşebilirler. Yetenekler ve hayranlar", "Biz sanatçılar, yerimiz büfedir", - diyor Shmaga meydan okurcasına ve kötü niyetli bir ironiyle.

Ostrovsky'nin oyuncular hakkında oyunlar yazdığı sıralarda, 70'lerin sonlarında taşralı aktrislerin hayatı olan tiyatro, M.E. "Beyler Golovlev" romanında Saltykov-Shchedrin. Yudushka'nın yeğenleri Lyubinka ve Anninka, Golovlev'in hayatından kaçan aktrisler olurlar, ancak sonunda bir doğum sahnesinde bulunurlar. Yetenekleri yoktu, eğitimleri yoktu, oyunculuk eğitimi almamışlardı ama tüm bunlar taşra sahnesinde gerekli değildi. Oyuncuların hayatı, Anninka'nın anılarında cehennem gibi, bir kabus gibi görünür: "İşte isli, yakalanmış ve rutubetten kaygan bir manzaraya sahip bir sahne; burada kendisi sahnede dönüyor, sadece dönüyor, oynadığını hayal ediyor ... Sarhoş ve hırçın geceler; gelip geçen toprak sahipleri cılız cüzdanlarından aceleyle yeşil bir tane çıkarıyorlar; “oyuncuları” neredeyse ellerinde bir kırbaçla alkışlayan tüccar tutuşu. Ve sahne arkası hayatı çirkin ve sahnede oynanan şey çirkin: "... Ve süvari süvarisi ile çarpıcı Gerolstein Düşesi ve önü beline kadar yırtmaçlı bir gelinlik giymiş Cleretta Ango , ve Güzel Elena, önü, arkası ve her yanı yarıklarla... Utanmazlık ve çıplaklıktan başka bir şey değil... Hayat böyleydi!" Bu hayat Lubinka'yı intihara sürükler.

Taşra tiyatrosunu tasvir ederken Shchedrin ve Ostrovsky arasındaki tesadüfler doğaldır - ikisi de iyi bildiklerini yazarlar, gerçeği yazarlar. Ancak Shchedrin acımasız bir hicivcidir, o kadar abartır ki görüntü grotesk hale gelirken, Ostrovsky hayatın nesnel bir resmini verir, onun " karanlık krallık"umutsuzca değil - boşuna değil N. Dobrolyubov" ışık ışını "hakkında yazdı.

Ostrovsky'nin bu özelliği, ilk oyunları ortaya çıktığında bile eleştirmenler tarafından not edildi. "... Gerçeği olduğu gibi tasvir etme yeteneği - "gerçeğe matematiksel sadakat", abartı olmaması ... Bütün bunlar Gogol'ün şiirinin alamet-i farikaları değil; bütün bunlar yeni komedinin alamet-i farikaları," B Almazov, "Bir komedi vesilesiyle rüya gör" makalesinde yazdı. Zaten zamanımızda, edebiyat eleştirmeni A. Skaftymov, "Belinsky ve A.N. Ostrovsky'nin dramaturjisi" adlı çalışmasında, "Gogol ve Ostrovsky'nin oyunları arasındaki en çarpıcı fark, Gogol'un bir ahlaksızlık kurbanı olmaması ve Ostrovsky'nin olmasıdır. her zaman acı çeken bir kurban yardımcısı vardır... Ahlaksızlığı tasvir eden Ostrovsky, ondan bir şeyi korur, birini korur... Böylece, gerçek insanlığın iç meşruiyetini, hakikatini ve şiirini keskin bir şekilde ortaya koymak için oyunun tüm içeriği değişir, baskın bir kişisel çıkar ve aldatma atmosferinde ezilir ve sürülür. Ostrovsky'nin Gogol'ünkinden farklı olan gerçeği tasvir etme yaklaşımı, elbette yeteneğinin özgünlüğü, sanatçının "doğal" özellikleriyle ve aynı zamanda değişen zamanla (bu gözden kaçırılmamalıdır) açıklanmaktadır: bireye, haklarına, değerinin tanınmasına artan ilgi.

İÇİNDE VE. Nemirovich-Danchenko, "Tiyatronun Doğuşu" adlı kitabında, Ostrovsky'nin oyunlarını özellikle görsel kılan şeyin ne olduğunu yazıyor: "nezaket atmosferi", "tiyatro salonunun her zaman son derece hassas olduğu, kırgınlar tarafında açık, kesin sempati" ."

Tiyatro ve oyuncularla ilgili oyunlarda Ostrovsky kesinlikle gerçek bir sanatçı imajına sahiptir ve güzel insan. Gerçek hayatta, Ostrovsky birçok mükemmel insanı tanıyordu. tiyatro dünyası, onlara çok değer verdi, saygı duydu. Fırtına'da Katerina'yı zekice canlandıran L. Nikulina-Kositskaya, hayatında önemli bir rol oynadı. Ostrovsky, sanatçı A. Martynov ile arkadaştı, oyunlarında oynadığı N. Rybakov, G. Fedotova, M. Yermolova'yı çok takdir etti; P. Strepetova.

Suçsuz Suçlu oyununda aktris Elena Kruchinina şöyle diyor: "İnsanların çok fazla asaleti, çok fazla sevgisi ve özverili olduğunu biliyorum." Ve Otradina-Kruchinina'nın kendisi o kadar harika, asil insanlara ait ki, o harika bir sanatçı, zeki, anlamlı, samimi.

Narokov, Sasha Negina'ya "Ağlama, gözyaşlarına değmezler. Sen siyah bir kale sürüsünde beyaz bir güvercinsin, bu yüzden seni gagalarlar. Beyazlığın, saflığın onları rahatsız ediyor" diyor Narokov, Sasha Negina'ya Yetenekler ve Hayranlar.

Ostrovsky'nin yarattığı asil bir aktörün en canlı görüntüsü, Orman'daki trajedi Neschastlivtsev'dir. Ostrovsky, zor bir kaderi olan, üzücü bir yaşam öyküsü olan "yaşayan" bir insanı tasvir ediyor. Çok içki içen Neschastlivtsev'e "beyaz güvercin" denemez. Ancak oyun boyunca değişir, olay örgüsünün durumu ona doğasının en iyi özelliklerini tam olarak ortaya çıkarma fırsatı verir. İlk başta Neschastlivtsev'in davranışı, taşra trajedisinin doğasında var olan duruşuyla, kendini beğenmiş ezbere bir tercih gösteriyorsa (bu anlarda gülünçtür); ustayı oynayarak kendini saçma durumlarda bulursa, o zaman Gurmyzhskaya malikanesinde neler olup bittiğini, metresinin ne kadar saçma olduğunu anladıktan sonra, Aksyusha'nın kaderinde ateşli bir rol alır, mükemmel insan nitelikleri gösterir. Rol olduğu ortaya çıktı asil kahraman onun için organik, bu gerçekten onun rolü - ve sadece sahnede değil, hayatta da.

Ona göre sanat ve yaşam ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır, oyuncu ikiyüzlü değildir, taklitçi değildir, sanatı gerçek duygulara, gerçek deneyimlere dayanır, hayatta gösteriş ve yalanlarla hiçbir ilgisi olmamalıdır. Gurmyzhskaya ve tüm Neschastlivtsev şirketinin attığı sözün anlamı budur: "... Biz sanatçıyız, asil sanatçıyız ve siz komedyensiniz."

Gurmyzhskaya, The Forest'ta oynanan yaşam performansında ana komedyen olarak çıkıyor. Kendine katı ahlaki kurallara sahip, cömert, hayırsever bir kadın gibi çekici ve güzel bir rol seçer. iyi işler("Beyler, kendim için mi yaşıyorum? Sahip olduğum her şey, tüm param fakirlere ait. Ben sadece paramla bir memurum ve her fakir, her talihsiz mal sahibi onların sahibidir," başkalarına ilham veriyor). Ama bütün bunlar ikiyüzlülük, gerçek yüzünü gizleyen bir maske. Gurmyzhskaya aldatıyor, iyi kalpli gibi davranıyor, başkaları için bir şeyler yapmayı, birine yardım etmeyi bile düşünmedi: “Neden duygusallaştım! Gurmyzhskaya sadece kendisine tamamen yabancı bir rolü oynamakla kalmıyor, aynı zamanda başkalarını da onunla birlikte oynamaya zorluyor, onlara kendisini en uygun ışıkta sunması gereken roller dayatıyor: Neschastlivtsev, minnettar, sevgi dolu bir yeğen rolünü oynamakla görevlendirildi. . Aksyusha - gelinin rolü, Bulanov - Aksyusha'nın damadı. Ancak Aksyusha, onun için bir komedi bozmayı reddediyor: "Onunla evlenmeyeceğim, öyleyse neden bu komedi?" Oynanan oyunun yönetmeni olduğunu artık gizlemeyen Gurmyzhskaya, Aksyusha'yı kaba bir şekilde yerine koyar: "Komedi! Ne cüretle? komedi."

Gurmyzhskaya'nın performansını ilk başta inanç üzerine kabul eden trajik Neschastlivtsev'den daha anlayışlı olduğu ortaya çıkan komedyen Schastlivtsev, önündeki gerçek durumu anlayarak Neschastlivtsev'e şunları söylüyor: “Görünüşe göre lise öğrencisi daha akıllı; burada seninkinden daha iyi bir rol ... O bir aşık oynuyor ve sen ... bir ahmaksın.

İzleyicinin önünde, koruyucu bir farisi maskesi olmadan gerçek görünen Gurmyzhskaya - açgözlü, bencil, düzenbaz, ahlaksız bir bayan. Oynadığı performans düşük, aşağılık, kirli hedefler peşindeydi.

Ostrovsky'nin oyunlarının çoğu, hayatın böylesine sahte bir "tiyatrosunu" sunar. Ostrovsky'nin ilk oyunu "Halkımız - Yerleşelim" de Podkhalyuzin, bir kişinin en sadık ve sadık sahibi rolünü oynar ve böylece amacına ulaşır - Bolşov'u aldatarak, kendisi mal sahibi olur. "Her Bilge Adam İçin Yeterince Aptallık" komedisindeki Glumov, kariyerini şu veya bu maskeyi takarak karmaşık bir oyun üzerine inşa ediyor. Başlattığı entrikada amacına ulaşmasını yalnızca şans engellemiştir. "Çeyiz" de sadece Vozhevatov ve Paratov'u eğlendiren Robinson bir lord olarak görünmüyor. Komik ve acınası Karandyshev önemli görünmeye çalışır. Larisa'nın nişanlısı olduktan sonra, "... başını o kadar yükseğe kaldırdı ki birine rastlayacaktı. Ve nedense gözlük taktı ama hiç takmadı. Eğiliyor - zar zor başını sallıyor" diyor Vozhevatov. Karandyshev'in yaptığı her şey yapay, her şey gösteriş için: sahip olduğu sefil at, duvarda ucuz silahlar olan halı ve düzenlediği akşam yemeği. Paratov'un adamı - ihtiyatlı ve ruhsuz - ateşli, sınırsızca geniş bir doğa rolünü oynuyor.

Hayatta tiyatro, heybetli maskeler kılık değiştirme, ahlaksız, utanç verici bir şeyi saklama, siyahı beyaza benzetme arzusundan doğar. Böyle bir performansın arkasında genellikle hesaplama, ikiyüzlülük, kişisel çıkar vardır.

"Suçsuz Suçlu" adlı oyunda, Korinkinina'nın başlattığı entrikanın kurbanı olan ve Kruchinina'nın yalnızca kibar ve asil bir kadın gibi davrandığına inanan Neznamov, acı bir şekilde şöyle diyor: "Oyuncu! Oyuncu! öyleyse sahnede oynayın. Para ödüyorlar. İyi bir numara için Ve hayatta oyun oynamaya ihtiyaç duymayan, gerçeği soran basit, saf kalpler üzerinde oynamak için... idam edilmeleri gerekir bunun için... hileye ihtiyacımız yok! , saf gerçek!" Oyunun kahramanı burada Ostrovsky için tiyatro, onun yaşamdaki rolü, oyunculuğun doğası ve amacı hakkında çok önemli bir fikri ifade ediyor. Ostrovsky, hayattaki komedi ve ikiyüzlülüğü, sahnede hakikat ve samimiyetle dolu sanatla karşılaştırır. Gerçek bir tiyatro, bir sanatçının ilham verdiği bir oyun her zaman ahlakidir, iyilik getirir, insanı aydınlatır.

Ostrovsky'nin 1970'ler ve 1980'lerdeki Rus gerçekliğinin koşullarını doğru bir şekilde yansıtan aktörler ve tiyatro hakkındaki oyunları, bugün hala yaşayan sanat hakkında düşünceler içeriyor. Bunlar, kendini gerçekleştirirken harcayan, yakan gerçek bir sanatçının zor, bazen trajik kaderi, yaratıcılıkta bulduğu mutluluk, tam özveri, sanatın yüce misyonu hakkında düşüncelerdir. insanlık. Ostrovsky, yarattığı oyunlarda, belki de özellikle açık sözlü olarak tiyatro ve oyuncularla ilgili oyunlarda kendini ifade etti, ruhunu ortaya koydu. İçlerindeki çoğu, yüzyılımızın şairinin harika dizelerde yazdığı şeyle uyumludur:

Duygu çizgiyi dikte ettiğinde

Sahneye bir köle gönderir,

Ve sanatın bittiği yer burasıdır.

Ve toprak ve kader nefes alır.

(B.Pasternak " Ah bilseydim

ne oluyor... ").

Ostrovsky'nin oyunlarının prodüksiyonlarında tüm nesiller boyunca olağanüstü Rus sanatçılar büyüdü. Sadovsky'lerin yanı sıra Martynov, Vasiliev, Strepetov, Yermolov, Massalitinov, Gogolev de var. Maly Tiyatrosu'nun duvarları, büyük oyun yazarını canlı olarak gördü ve gelenekleri sahnede hâlâ gelişiyor.

Ostrovsky'nin dramatik becerisi, yakından inceleme konusu olan modern tiyatronun malıdır. Pek çok tekniğin bazı modası geçmiş olmasına rağmen, hiç de modası geçmiş değil. Ancak bu eski moda, Shakespeare, Moliere, Gogol tiyatrosundakiyle tamamen aynı. Bunlar eski, gerçek elmaslar. Ostrovsky'nin oyunları, sahne performansı ve oyunculuk gelişimi için sınırsız olasılıklar içerir.

Oyun yazarının temel gücü, her şeyi fetheden gerçek, tipleştirmenin derinliğidir. Dobrolyubov ayrıca Ostrovsky'nin sadece tüccar türlerini, toprak sahiplerini değil, aynı zamanda evrensel türleri de tasvir ettiğini kaydetti. Tüm işaretlere sahibiz en yüksek sanat hangisi ölümsüzdür.

Ostrovsky'nin dramaturjisinin özgünlüğü, yeniliği özellikle tipleştirmede açıkça ortaya çıkıyor. Fikirler, temalar ve olay örgüsü, Ostrovsky'nin dramaturjisinin içeriğinin özgünlüğünü ve yeniliğini ortaya koyuyorsa, o zaman karakterlerin tipleştirilmesi ilkeleri zaten onun sanatsal tasviri ve biçimiyle ilgilidir.

Batı Avrupa ve Rus dramasının gerçekçi geleneklerini sürdüren ve geliştiren A. H. Ostrovsky, kural olarak, istisnai kişilikler tarafından değil, az ya da çok tipikliğe sahip sıradan, sıradan sosyal karakterler tarafından cezbedildi.

Ostrovsky'nin hemen hemen her karakteri orijinaldir. Aynı zamanda oyunlarında birey, toplumsal olanla çelişmez.

Karakterlerini bireyselleştiren oyun yazarı, onların psikolojik dünyalarına en derin nüfuz etme armağanını keşfeder. Ostrovsky'nin oyunlarının birçok bölümü, insan psikolojisinin gerçekçi tasvirinin başyapıtlarıdır.

Dobrolyubov haklı olarak "Ostrovsky," diye yazmıştı, "bir insanın ruhunun derinliklerine nasıl bakılacağını biliyor, doğayı dışarıdan kabul edilen tüm deformasyonlardan ve büyümelerden nasıl ayırt edeceğini biliyor; bu nedenle, bir insanı ezen tüm durumun ağırlığı olan dış baskı, eserlerinde birçok hikayeden çok daha güçlü hissedilir, içerik olarak son derece çirkindir, ancak konunun dış, resmi tarafı içini tamamen gizler. insan tarafı. Dobrolyubov, Ostrovsky'nin yeteneğinin "doğayı fark etme, bir kişinin ruhunun derinliklerine nüfuz etme, dış resmi ilişkilerinin imajına bakılmaksızın duygularını yakalama" yeteneğindeki ana ve en iyi özelliklerinden birini kabul etti.

Karakterler üzerinde çalışırken Ostrovsky, psikolojik becerisinin yöntemlerini sürekli geliştirdi, kullanılan renk yelpazesini genişletti ve görüntülerin renklerini karmaşıklaştırdı. İlk çalışmasında, karakterlerin parlak ama az ya da çok tek çizgili karakterleriyle karşı karşıyayız. Diğer çalışmalar, insan görüntülerinin daha derinlemesine ve karmaşık bir şekilde açıklanmasının örnekleridir.

Rus dramaturjisinde, Ostrovsky okulu oldukça doğal olarak belirlenmiştir. I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Soloviev, P. M. Nevezhin ve A. Kupchinsky'yi içerir. Ostrovsky'den öğrenen I. F. Gorbunov, küçük burjuva tüccar ve zanaat hayatından harika sahneler yarattı. Ostrovsky'nin ardından A. A. Potekhin, oyunlarında soyluların yoksullaşmasını ("En Yeni Kahin"), zengin burjuvazinin yağmacı özünü ("Suçlu"), rüşveti, bürokrasinin kariyerciliğini ("Tinsel"), manevi güzelliği ortaya çıkardı. köylülüğün ("Koyun Kürk Mantosu - insan ruhu"), demokratik bir depoda yeni insanların ortaya çıkışı ("Kesilmiş yığın"). Potekhin'in 1854'te ortaya çıkan ilk draması The Judgment of Man Not God, Ostrovsky'nin Slavofilizm etkisinde yazdığı oyunlarını anımsatıyor. 1950'lerin sonunda ve 1960'ların başında, Alexandrinsky Tiyatrosu sanatçısı ve Iskra dergisine sürekli katkıda bulunan I. E. Chernyshev'in oyunları Moskova, St. Petersburg ve taşrada çok popülerdi. Liberal-demokratik bir ruhla yazılmış, Ostrovsky'nin sanatsal üslubunu açıkça taklit eden bu oyunlar, ana karakterlerin münhasırlığı, ahlaki ve ev içi meselelerin keskin formülasyonu ile izlenim bıraktı. Örneğin Borç Ofisinden Damat (1858) komedisinde zengin bir toprak sahibiyle evlenmeye çalışan fakir bir adamdan bahsedilirken, Mutluluk Parada Değildir (1859) komedisinde ruhsuz bir avcı-tüccar tasvir edilir. Ailenin Babası (1860) dramasında zorba-ev sahibi ve komedi "Şımarık Hayat" (1862) komedisinde son derece dürüst, kibar bir memuru, saf karısını ve onların mutluluğunu ihlal eden onursuzca hain bir peçeyi tasvir ediyor.

Ostrovsky'nin etkisi altında, daha sonra, 19. yüzyılın sonunda ve 20. yüzyılın başında, A.I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naidenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich ve diğerleri.

Ostrovsky'nin ülkenin ilk oyun yazarı olarak tartışılmaz otoritesi, tüm ilerici edebiyat figürleri tarafından kabul edildi. Ostrovsky'nin dramaturjisini "ülke çapında" olarak çok takdir eden, onun tavsiyesini dinleyen L. N. Tolstoy, 1886'da ona "İlk Damıtıcı" oyununu gönderdi. Ostrovsky'yi "Rus dramaturjisinin babası" olarak nitelendiren "Savaş ve Barış"ın yazarı, bir kapak mektubunda ondan oyunu okumasını ve bu konudaki "babasının kararını" ifade etmesini istedi.

Ostrovsky'nin oyunları, ikinci dramaturjide en ilerici XIX'in yarısı yüzyıl, dünya dramatik sanatının gelişiminde ileriye doğru bir adım, bağımsız ve önemli bir bölüm oluşturur.

Ostrovsky'nin Rus, Slav ve diğer halkların dramaturjisi üzerindeki muazzam etkisi tartışılmaz. Ancak çalışmaları sadece geçmişle bağlantılı değil. Şimdiki zamanda aktif olarak yaşar. Günümüz yaşamının bir ifadesi olan tiyatro repertuarına yaptığı katkılarla, büyük oyun yazarı çağdaşımızdır. İşine olan ilgisi azalmaz aksine artar.

Ostrovsky, fikirlerinin hümanist ve iyimser dokunuşları, kahramanlarının, iyi ve kötünün derin ve geniş genellemesi, evrensel insani özellikleri ve orijinal dramatik becerisinin benzersizliği ile yerli ve yabancı izleyicilerin kalplerini ve zihinlerini uzun süre kendine çekecek.