Rus opera sanatçısı irina lungu biyografisi. Irina Lungu: “Rusya'da şarkı söyleme mesleğinin temellerini aldım

Şarkıcı Moldova'da doğdu. 1990'ların başında, SSCB'nin dağılmasından sonra cumhuriyette milliyetçi duygular yoğunlaşınca, aile Rusya'da bulunan Borisoglebsk şehrine taşınmak zorunda kaldı. Voronej bölgesi Irina o sırada on bir yaşındaydı. Ve on sekiz yaşında Voronej Sanat Enstitüsü'ne girdi. Üstün yetenekli öğrenci St. Petersburg veya Moskova'da okumak için teklifler almasına rağmen, harika bir öğretmen olarak gördüğü ve başkası için değiştirmek istemediği Mikhail Podkopaev ile çalıştı. Şarkıcı, öğrencilik yıllarında bile Voronezh Tiyatrosu'nun bir sanatçısı oldu ve daha sonra çeşitli yarışmalara başarıyla katıldı: Moskova'da Bella voce'da zafer, yarışmada St.Petersburg'da ikincilik, adlı yarışmada Yunanistan'da Grand Prix sonrasında. , Yarışmada Diploma. …

Ancak 2003 yılında Avusturya'da gerçekleşen Belvedere yarışması gerçekten kaderdi. Irina Lungu, burada performans sergiledikten sonra La Scala Akademisi'ne davet edilir. O sırada La Scala'nın müzik direktörü olan seçmelerde yer aldı. Lungu, İtalyan repertuarını - Le Corsaire'den Medora aryasını ve operanın finalini seslendirdi. Aynı yılın Ekim ayında Irina, La Scala Akademisi'nde okumaya başladı ve Aralık ayında bu ünlü tiyatronun performansında sahne aldı. La Scala'nın kendi binası o sırada yeniden inşa edilmek üzere kapatıldı ve performans başka bir tiyatro olan Arcimboldi'nin sahnesindeydi. Fransız versiyonunda "Firavun ve Musa" operasıydı ve Lungu, Anaida rolünü oynadı.

La Scala Akademisi'nde onun için pek çok alışılmadık şey vardı - örneğin, vokal tekniğinin ve yorumunun farklı öğretmenler tarafından öğretilmesi, çünkü Rusya'da şarkıcı birinin diğerinden ayrılamaz olduğu gerçeğine alışmıştı. Yine de Akademi'deki dersler, özellikle Leyla Gencher'le olan dersler ona çok şey kattı.

Akademi'de okurken Verdi Voices yarışmasında başarılı bir performans sergileyen şarkıcı, 2005 yılında mezun olduktan sonra menajer M.Impallomeni ile yaptığı işbirliği sayesinde Batı'da oyunculuk kariyerine başladı. Akıl hocasının Voronej'de aşıladığı İtalyan operasına olan ateşli sevgisi, İtalyan kültürüne uyum sağlamasına yardımcı oldu. Başka ülkelerde de sahne aldı. Bununla birlikte, ilk başta - Rusya'dan bir şarkıcı olarak - özellikle Rus opera repertuarında, özellikle operalarda şarkı söyledi: İsviçre ve Portekiz'de Milano - Oksana'da başrolü oynadı. Daha sonra, şarkıcı İtalyan repertuarına geçti - ve onu İtalya'da icra etmenin büyük bir onur olduğunu düşünüyor, ancak konser programlarıçoğu zaman Rus bestecilerin eserlerini içerir.

Önemli bir adım, uygulama oldu. başrol V. Lorin Maazel onu seçmelere davet ettiğinde, rolü bile bilmiyordu ve klavyeden şarkı söylemek zorunda kaldı. Bununla birlikte, şarkıcı olumlu bir izlenim bıraktı ve ardından Violetta rolünü diğer bölümlerden daha sık - yüzden fazla ve daha fazla tiyatroda oynadı.

Şarkıcının repertuarı geniştir: Adina, Gilda, Nanetta, Liu, Mary Stuart, Juliet, Margarita, Michaela ve diğer birçok bölüm. Venedik'te La Fenice ve Torino'da Teatro Regio'da, ABD'de Metropolitan Opera'da ve İngiltere'de Covent Garden Theatre'da, Arena di Verona'da ve Ulusal Opera Hollanda, Madrid'deki Teatro Real'de ve Viyana Operası'nda. Daniele Gatti, Michel Plasson, Fabio Mastrangelo, Daniel Oren ve diğer ünlü şeflerle işbirliği yaptı. Şarkıcının hayatı uzun yıllardır İtalya ile ilişkilendirildiğinden, genellikle onu bir İtalyan sanatçı olarak posterlerde göstermeye çalışırlar, ancak Irina Lunga her zaman onun bir Rus şarkıcı olduğunu vurgular ve Rusya Federasyonu vatandaşlığını reddetmez.

Avusturya'daki kader yarışmasından on yıl sonra - 2013'te - Irina Lungu Rusya'da sahne aldı. Bu, başkentte "Yeni Opera" da gerçekleşen "Üç Kalbin Müziği" konserinin bir parçası olarak gerçekleşti. İlk bölüm, şarkıcının İtalyan kadar sevdiği Fransız müziğine ayrıldı. 2015 yılında aynı tiyatronun sahnesinde Giacomo Puccini'nin yönetmen Georgy Isahakyan tarafından çok özgün bir şekilde yorumlanan operasında Mimi olarak seslendirmiştir.

İtalyan ve Fransız operasına olan tüm sevgisi ve bu repertuardaki tüm başarısıyla Irina Lungu, Batı tiyatrolarında son derece nadiren sahnelendikleri için Rus operalarında oynama fırsatı bulamadığından pişmanlık duyuyor. Şarkıcı, Martha rolünü oynamak istediği en sevdiği Rus operalarından biri olan Tatyana'nın rolünü de hayal ediyor.

Her hakkı saklıdır. Kopyalanması yasaktır

I.K. Irina, bir dizi nesnel koşul nedeniyle, uluslararası kariyerin başka türlü değil, bu şekilde gelişmeye başladığı için, köklerinden kopmuş gibi hissediyor musun? Yoksa tamamen Batı Avrupa opera alanına asimile oldunuz mu ve bu sizin için sorun değil mi?

I.L. Gerçekten de, bir şekilde benim için bile beklenmedik bir şekilde öyle oldu ki kariyerim İtalya'da başladı. Ailemiz, ben on bir yaşındayken Voronezh bölgesi Borisoglebsk şehrine taşındı ve Voronezh Sanat Akademisi'nden mezun oldum. 2001'den 2003'e kadar iki sezon boyunca Voronezh Opera ve Bale Tiyatrosu'nda solist olarak çalıştı. Böylece Rusya'daki şarkıcılık mesleğinin temellerini aldım. Tiyatroda iki sezon geçirdikten sonra yurt dışına gitti ve bugün on iki yıl sonra nadiren de olsa Rusya'da şarkı söylemeye başlamasından çok memnun. İtalya'da mükemmel bir şekilde asimile olmama rağmen, hala Rusya'dan çok güçlü bir şekilde soyutlanmış hissediyorum: Rus dinleyicilerimi gerçekten özlüyorum...

Tabii ki, İtalya'da İtalyan repertuarını söylediğim için son derece mutluyum: bu benim için inanılmaz derecede büyük bir onur! Asimilasyon süreci, benim için yeni bir dile ve müzik ortamına alışma süreci oldukça hızlı geçti - kolay ve doğal. İtalyan operasına delice aşığım: İtalya'ya olan aşkım ondan doğdu. Opera sayesinde İtalyan kültürünü öğrenmeye başladım çünkü dünyaya operayı bir sanat formu olarak kazandıran ülke için opera binası kültürel mirasın çok önemli ve ayrılmaz bir parçası.

Şarkıcılık mesleğinizin temellerinin Rusya'da atıldığını söylediniz. Ve öğretmenin kimdi?

Voronej Sanat Akademisi'nde - Mihail İvanoviç Podkopaev. Ama yine de onunla çok dostuz, yakın iletişim kuruyoruz. Roller ve repertuar konusunda kendisine sürekli danışırım. O benim en büyük hayranım! İnternetin yardımıyla, bir tür yayınlar, sürekli kariyerimi izliyor, her zaman ne yaptığımın farkında. şu an. Ve bir şeyden hoşlanmazsa, her zaman bana hemen işaret verir: dikkat etmeniz gereken şey budur. Ve her zaman, Voronej'deyken sürekli onun derslerine giderim. Eski güzel günlerde olduğu gibi, onunla bir ders alıyoruz ve beni her zaman özel bir şekilde etkileyen bir Akademi öğrencisi olarak beş yıl boyunca okuduğum sınıfın atmosferi - bilinciniz aniden açıklanamaz bir şekilde dönüyor. mekanizmalar ve anlıyorsunuz: hiçbir şey Bundan daha iyi anlar yok...

Elbette Voronezh'e sık sık gelemem ve bugün yurtdışında birlikte çalıştığım iyi bir koçum var. Ayrıca şu anki büyük meşguliyetim nedeniyle onunla olduğundan çok daha sık tanışmak istiyorum: sürekli dünyayı dolaşıyor ve bazen şu anda çalıştığı yere kendim özellikle geliyorum. Ama sesimi veren ve tamamen güvendiğim ilk ve asıl öğretmenimle derslere olan ihtiyaç içimde hala alışılmadık derecede güçlü. Sizi sürekli dinleyecek ve düzeltecek deneyimli bir kulağa olan ihtiyaç bir şarkıcı olarak benim için açıktır. İlk yaklaşımdaki bazı şeyler, klavyeyi açıp kendime eşlik ederek kendimi izleyebilirim, ancak yalnızca sizi dışarıdan dinleyen biri, ince sorunların çoğunu ortaya çıkarabilir - ve sadece dinlemekle kalmaz, aynı zamanda sesinizi de çok iyi bilir.

Mihail İvanoviç'e gelince, herkese her zaman şunu söylüyorum: onun gibisi yok! Ne de olsa benimle sıfırdan çalışmaya başladı ve bel canto repertuarına dayanarak benden bir şarkıcı oluşturdu. Şu anki tekniğim ve nefesim tamamen onun eseri, ama şimdi anlıyorum ki, profesyonel becerilerimi bana aktarmanın yanı sıra, bana operaya, özellikle de İtalyan bel canto'ya gerçekten melomanik bir sevgi aşılamayı başardı. Rus sanatçılar için alışılmadık olan bu müziğe, bu çok ince müzik estetiğine karşı bende büyük bir ilgi uyandırdı. Şaşırtıcı bir şekilde, tüm hayatı boyunca Voronej'de yaşamış olmasına rağmen, bel canto'nun referans sesini doğal bir şekilde hissediyor! Çocukluğundan beri operaya aşıktı ve her zaman opera sanatçılarının birçok kaydını dinledi. Voronezh Opera Binası grubunda mükemmel bir baritondu, çok gelişmiş bir teatral düşünceye sahip ve opera derslerinde bazen yönetmen olarak performanslardan sahneler bile sahneledi. Ve sonuçta, bu harika öğretmeni Voronej'de buldum!

Ancak mesleğin temelleri kendi topraklarında atıldığı için, İtalya da dahil olmak üzere yurtdışında performans sergileyen İtalyan repertuvarı, sanırım hala bir Rus şarkıcı gibi hissediyorsunuz?

Bu kesinlikle doğrudur: başka türlü olamaz! Ve Rus repertuarını ancak kariyerimin başında söyledim. Ne de olsa, Batı'ya gelen bir Rus şarkıcı olarak size "Püritenler", "Lucia", başka hiçbir belkante parçası verilmeyecek. Daha sonra Çaykovski'nin iki operasını seslendirdim: Portekiz ve İsviçre'de - maestro Vladimir Fedoseev ile Iolanta ve La Scala Tiyatrosu'nda - Cherevichki, Yuri Alexandrov'un kendine özgü Rus peri masalı tadıyla çok güzel bir prodüksiyonunda: tüm tasarım yaratıldı. Faberge Paskalya yumurtalarının dekoratif estetiği. Yapıtın ruhuyla oldukça tutarlı olan bu yaklaşımın çok ilginç olduğu ortaya çıktı. Bu, elbette, hala Rus operasıyla küçük temasım, ancak Rus müziğini, aşk romanları da dahil olmak üzere, konser programlarıma her zaman dahil ettim.

Nerede yaşadığın önemli değil, içinde nasıl hissettiğin önemli - ve ben kesinlikle bir Rus şarkıcı gibi hissediyorum. Ama Rusya'da beni neredeyse tanımadıkları için, bazen buraya geldiğimde utançlar oluyor: beni posterde İtalya'dan bir şarkıcı olarak sunmaya çalışıyorlar, ama bu konuda, elbette, her zaman herkesi düzeltin. Ben bir Rusya vatandaşıyım, İtalyan vatandaşlığım yok ve kasıtlı olarak satın almak için başvurmuyorum. Küçük oğlumun hâlâ çifte vatandaşlığı var: on sekiz yaşına geldiğinde seçim kararını kendisi verecek. Babası ünlü İtalyan bas bariton Simone Albergini ama maalesef onunla yollarımızı ayırdık.

La Scala'da kalıcı solist bulunmadığı biliniyor ve her performansın kompozisyonu, sanatçılarla yapılan sözleşmelerle belirleniyor. Bunu göz önünde bulundurarak bize İtalya'daki ana tiyatronun solistleri arasına nasıl düştüğünüzü anlatın.

İÇİNDE Son zamanlarda bana gerçekten La Scala tiyatrosunun solisti diyorlar ve onda ondan fazla opera yapımında oynadığımda, oldukça temsili istatistikler biriktiğinde, o zaman muhtemelen böyle söylenebilir. Kesin olmak gerekirse, on bir yapım vardı: "La Traviata" yı söyledim. farklı yıllar iki farklı üretimde üç haddeleme serisinde. Bu nedenle, La Scala tiyatrosuna ait olduğumu hala üstü kapalı hissediyorum. Soyadım Rus örnekleri için kesinlikle alışılmadık olduğundan, yurtdışında kafaları karışıyor, çoğu zaman benim Rusya'dan olduğumdan şüphelenmiyorlar, çünkü Rumen veya Moldova soyadları çok sık "u" ile bitiyor. Bu yüzden benimkini tanımadığım büyükbabamdan aldım: Moldova'da doğdum ve zaten Rusya'da - Borisoglebsk'te büyüdüm. Ailemiz Rus ve ayrıldıktan sonra Sovyetler Birliği 1990'ların başında milliyetçi duygular yoğunlaşınca Rusya'ya gitmek zorunda kaldık çünkü ailem doğal olarak çocuklarının bir Rus okulunda okumasını ve Rusça eğitim görmesini istiyordu.

Hâlâ Voronej Sanat Akademisi'nde okurken ve ardından Voronezh Opera ve Bale Tiyatrosu solisti olarak birçok vokal yarışmasına katıldım. Ve elimi üzerlerinde denediğimde, birinin beni La Scala'ya götüreceğini hayal bile edemezdim. Serilerindeki ilki, ödüllü olduğum Moskova'daki Bella ses yarışmasıydı ve ilk zafer bana ilham verdi ve beni devam etmeye zorladı. Ardından St. Petersburg'da 2.lik ödülü aldığım Elena Obraztsova Yarışması ve Moskova'da öğrenci olduğum Çaykovski Yarışması vardı. Sonra yabancı yarışmalarda zaferler oldu: Andorra'da Montserrat Caballe, Atina'da (Grand Prix'i kazandığım yer) Maria Callas ve son olarak Viyana'daki Belvedere yarışmasında.

Aslında 2003 yazında "Belvedere" belirleyici oldu. Aynı zamanda güçlü bir şarkıcılar fuarı olması bakımından da çok önemlidir: genellikle birçok opera binası ajanı ve sanat yönetmeni katılır. Viyana'ya ilk kez geldim ve o yarışmada La Scala'nın o zamanki sanat yönetmeni Luca Targetti tarafından fark edildim: İlk turdan hemen sonra bana yaklaştı ve sadece birkaç gün içinde bir seçmelere gitmemi önerdi. Maestro Muti olacak. Hemen gideceğimi söyledim, ama asıl sorun, daha sonra Rusya ile Avusturya arasındaki kültürel alışverişin bir parçası olarak bana ücretsiz olarak verilen ulusal bir Avusturya vizem olmasıydı. Milano'ya seyahat edecek ve zaten Rusya'ya uçabileceğim Viyana'ya dönecek zamanım oldu, ancak vizem elbette bana bu yolculuk hakkını vermedi. Prensip olarak, sınırlarda Schengen pasaportları genellikle kontrol edilmez, ancak yine de bir şekilde rahatsız ediciydi. Resmi olarak Schengen'i almak için Rusya'ya dönmem gerekiyordu ama artık bunun için zaman yoktu: Finalin ertesi günü İtalya'ya gitmek zorunda kaldım ve gittim. Gerçekten de kimse belgeleri kontrol etmedi ve seçmelerin yapıldığı gün sabah dokuzda Milano merkez istasyonunda beni Arcimboldi Tiyatrosu'na götüren bir taksiye biniyordum.

Ve bir gecede Viyana'dan taşındıktan sonra hemen seçmelere mi gittin?

Evet: 10:30'da başladı ve Donizetti'nin Anna Boleyn'inin finalini ve Verdi'nin Le Corsaire'inden Medora'nın aryasını söyledim. O zamanlar İtalyancayı iyi anlamıyor ve güçlükle konuşuyordum. Muti'nin tırmandığını hatırlıyorum yeşil masa ve sahneye çıkarak kaç yaşında olduğumu sordu. Ona yirmi üç dedim. Sonra bana La Scala Tiyatrosu'nun Genç Şarkıcılar Akademisi'nde okumak isteyip istemediğimi sordu. O zaman pek bir şey anlamadım ama ne olur ne olmaz “evet” dedim. Bunun, on kişilik beş yüz kişilik akıl almaz bir yarışmayla Akademi için son seçmeler olduğu ortaya çıktı ve özel davetle katıldığım için bundan haberim bile yoktu!

Böylece "La Scala" Akademisine girdim ve hemen Donizetti'nin "Paris Kontu Hugo" operasının ana bölümünü söylemem teklif edildi. Akademi solistlerinin bu tür performansları genellikle sezonda bir yapılır ve bana bir piyano notası gönderdiler. Bianchi'nin rolünü evde Borisoglebsk'te öğrenmeye başladım ve zaten Eylül ayında Bergamo'daki Donizetti Tiyatrosu sahnesine çıktım: sadece iki performans ve iki oyuncu vardı ve ardından açık bir kostümlü prova söyledim. Ve Donizetti'nin anavatanındaki ender bel canto'suyla bu yeni müziğe hızlı bir şekilde daldırma yöntemiyle ilk temas, benim için tek kelimeyle unutulmazdı! Daha sonra 2004 yılında Catania'da Teatro Massimo Bellini sahnesinde bu bölümü seslendirdim.

Akademi'deki dersler Ekim'de başladı ve Aralık ayında beklenmedik bir şekilde Rossini'nin Milano'da Musa ve Firavun'unda Anaida'yı söyledim. Bu derslerde öncelikle 19. yüzyıl bel canto operalarının temeli olan arkaik İtalyanca da dahil olmak üzere İtalyanca ve tabii ki Leyla Gencer ile çalışma fırsatı bulduğum yorum tarzıyla ilgilendim. efsanevi şarkıcı 20. yüzyılın bel kantosu. Ve sonra bir gün bana Anaida aryasının notlarını getirdiler: Onu öğrenmem ve dört gün içinde Muti'ye göstermem gerekiyor. Barbara Frittoli ilk oyuncu kadrosu için onaylandı, ancak galadan bir ay önce sigortası için ikinci soprano asla bulunamadı. Sonra bana bir eşlikçi-antrenör verdiler - hem dil hem de stil konusunda çok yoğun çalışmaya başladık. İlk Fransızca aryamı ezbere öğrendim ve seçmelerde kulağa elbette hala sağlıklı olmaktan uzak gelse de, Muti yine de beni onayladı. Sadece sigortam vardı ama bir performans bedavaydı ve kostümlü provadan sonra maestro onu bana emanet etti. Bu yüzden 19 Aralık 2003'te La Scala'da ilk kez sahneye çıktım.

İnanılmaz ama gerçek! Leyla Gencher hakkında birkaç kelime söyleyebilir misiniz?

La Scala Akademisi'nde tekniğe ve yoruma göre bir öğretmen bölümü vardı ki bunu hiç anlamadım: genel olarak böyle bir bölünmeye karşıyım. Voronej'deki hocamla her zaman "teknik yorumlama yoluyla, yorumlama teknik yoluyla" ilkesi üzerinde çalıştık. Akademideki teknik öğretmeni, harika bir ses ustası olan ünlü İtalyan şarkıcı Luciana Serra'ydı, ancak onunla çalışmayı reddettim, çünkü kendimi kırmak ve Rusya'da öğretmenimle başardıklarımıza karşı çıkmak bence kesinlikle yanlıştı. . Metodolojisi benim alışık olduğumdan o kadar farklıydı ki, iki veya üç derse gittikten sonra fark ettim: bu benim değil ve reddetme kararı hiç de kolay olmadı. Büyük bir skandal çıktı ama ben hayatta kaldım. Özellikle tüm bunlar Anaida olarak çıkışımdan önce olduğu için şarkı söyleme tarzımı kökten değiştiremedim ve sadece önceki yıllarda bende güçlenen teknik güveni kaybetmekten korkuyordum.

Leyla Gencher'e gelince, genç bir şarkıcı olan benim için, böylesine büyük bir bel canto figürüyle, böyle bir efsaneyle tanışmak, elbette, çalışmamda, tarzımı daha da geliştirmemde inanılmaz bir teşvik oldu. Ne de olsa, kayıtlarının, özellikle bel canto operalarının büyük bir hayranıyım: O harika bir şarkıcı, ama bir öğretmen olarak ondan temelde sadece bazılarını çizebildim. genel noktalar belirli becerilerden ziyade. Ama belki de yine de bana doğru ifadeyi öğretti, ama açısından teknik çalışma ilk öğretmenim bana sesle ilgili her şeyi zaten verdi: bu, sesimin oluşumunda ve gelişmesinde kilit bir an, bu nedenle fırsat doğduğunda her zaman tekrar tekrar ilk öğretmenime dönüyorum. Leyla Gencher'in rehberliğinde yapılan eğitim, daha çok, onun yaratıcı kişiliğinin devasa boyutuna duyulan bir tür coşku ve hayranlık üzerine gerçekleşti. Onunla tanışmak, prova sürecinin şaşırtıcı derecede duygusal dolu olması açısından çok anlamlıydı, çünkü onunla çok nadir bir Donizetti bel canto repertuvarı yaptım! Onunla dalmak mutluluktu! Sadece Hugo, Count of Paris'te değil, ertesi yıl Parisine'de de başrolde: Onu Bergamo'da La Scala Akademisi aracılığıyla da seslendirdim.

Hem La Scala Akademisi hem de Leila Gencher ile tanışmanız, yaratıcı biyografinizin gelişiminde çok önemli kilometre taşları gibi geliyor bana...

Elbette öyle ama aynı zamanda La Scala Academy'de repertuar açısından biraz kayboldum, hangi yöne ilerleyeceğim konusunda şüphelerim vardı. Gerçek şu ki, Rusya'da ve yurtdışında şarkıcı yetiştirmeye yönelik yaklaşımlar temelde farklı. Voronej'deki uzmanlık haftada üç kez programda olmasına rağmen, her zaman ruhunu en sevdiği işe koyan Mihail İvanoviç ile neredeyse her gün geceye kadar pratik yaptık ve bu özellikle yarışmalara hazırlanırken geçerliydi. Zamana bakmadılar bile: Bir şey yapana kadar onu bilemeyiz, aklımıza getirmeyiz, dağılmayız. Ve sürekli velayete, sürekli ilgiye, öğretmenin ana hatlarıyla belirttiği programın günlük uygulamasına, sürekli disipline alıştım. İtalya'da durum böyle değil: orada tamamen kendinize bırakıldınız ve öğrenme süreci yaratıcı atölyeler ilkesine dayanıyor: bir şeyler yaparsınız ve başarılarınızı öğretmene gösterirsiniz ve sürecin kendisi sizin iç disiplininize dayanır. . O zamanlar hala çok gençtim ve sanırım yaşım nedeniyle o zamanlar kendi kendine örgütlenme benim için yeterli değildi.

Beni sürekli teşvik edecek, harekete geçirecek, doğru yöne yönlendirecek ilk öğretmenim gibi bir otoriteye ihtiyacım vardı. Onunla o kadar koşulsuz bir anlayışım vardı ki, Milano'da susuz bir balık gibi onsuz kaldım. Sürekli eğitim eksikliğinden dolayı bana öyle geliyor ki La Scala Akademisi'nde şüphesiz bir şeyler kazandım, hala ilk yıl tutmama rağmen çok şey kaybetmeye başladım. Ve ikinci yılda gerçekten zor oldu, geri dönmek istedim ve Voronej'deki öğretmenimi ziyaret etmeye başladım ama orada bir haftadan fazla kalamadım! Sesle ilgili her şey çok bireysel: Milanlı öğretmenler elbette harikaydı, ancak günlük hayatta herhangi bir vokalistin "kendi öğretmeni" diye bir şeyi vardır ki bu sizin için doğru. Onu bulmak kolay değil ama şanslıydım: Voronej'de onu hemen buldum. Ve yerli şarkıcı yetiştirme sistemimizin etkinliği lehine, bugün Rus sanatçılar yurtdışında büyük talep görüyor, çünkü vokaller her şeyden önce disiplin ve sporcular gibi sürekli eğitim.

2004 yılında La Scala Academy'de henüz öğrenciyken Busseto'daki Verdi Voices yarışmasında 1.lik ödülünü kazandım. Bu arada, işte başarılı yarışmalarımdan biri daha. O sırada Mina'nın Verdi'nin "Aroldo" aryasını söyledim - müzikal olarak çok etkili. Bu tam olarak sancılı bir repertuar arayışı dönemiydi, bu yüzden erken Verdi'de kendimi de denedim (The Two Foscari, Louise Miller, aynı Corsair'den aryalar da hazırladım). Repertuarınızı seçme anı çok hassas bir an, çünkü sesiniz çok çeşitli parçaları icra etmenize izin verse bile, yine de kendi nişinizi - en iyi yaptığınız şeyi - seçmeniz gerekiyor. Kendinizi tüm repertuarın bir şarkıcısı olarak sunmak - en azından kariyerinizin başında - temelde yanlıştır. Ancak sanat yönetmenlerinin görevleri ve genç şarkıcı kendi repertuarını arıyorum - temelde farklı ve İtalya'daki çeşitli küçük tiyatrolar için seçmelere katıldığımda, bunu henüz fark etmemiştim. Bunu ancak şimdi tam olarak anladım ve şimdi repertuar seçimine çok dikkat ediyorum.

Böylece 2005'te La Scala Akademisi arkanızda kaldı: ondan mezun oldunuz. Sıradaki ne? Ne de olsa yabancı opera binalarının kapıları acentesiz açılmıyor ve onları bulmak da kolay değil...

Ve burada da davanın iradesi. "La Scala" Akademisi'nden sonra, kariyerine yeni başlayan genç, enerjik bir ajan Marco Impallomeni ile tanıştım. Ben de hevesli bir şarkıcıydım, bu yüzden birbirimizi yeni bulduk. Ama o zamana kadar La Scala'da ilk kez sahneye çıktım ve yarışmalarda bir dizi zafer kazandım, bu yüzden elbette onun için ilginçtim. Ama asıl önemli olan Marco bana inandı ve bu nedenle kariyerime çok aktif bir şekilde başladı ve yurtdışındaki ilk profesyonel adımlarım onunla bağlantılıydı. Kendi ajansını kurdu ve işbirliğimizin faydaları karşılıklıydı. Ancak 2007'de La Scala'da La Traviata'yı ilk söylediğimde menajerimi değiştirmeyi düşünmeye başladım.

Akademiden mezun olduktan hemen sonra girdiğim Cherevichki'deki Oksana'dan sonra Don Juan'da Donna Anna için La Scala seçmelerine katıldım ama beni almadılar. Ve sadece bir hafta sonra, beklenmedik bir şekilde, telefon oradan tekrar çaldı: Angela Georgiou ile La Traviata için ikinci kadro için bir şarkıcı arayan Lorin Maazel için seçmelere davet edildiler. Ve o zamanlar bu partiyi bilmiyordum ve ilgi göstermiyordum çünkü ne kadar ünlüyse o kadar şarkı söylüyordu. Bel canto'yu ve her türlü ender operaları sevdim ve hala seviyorum ve Verdi'nin mutlak şaheseri La Traviata, gözlerimde bir şekilde banal görünüyordu. Ama yapacak bir şey yoktu çünkü La Scala'dan aradılar! Clavier'i aldım ve gittim.

Maazel beni sahnede değil, salonda dinledi ve ezbere değil de klavyeden şarkı söylememe çok şaşırdı. Ve ilk aryayı kendim hissettiğim gibi yaptım - herhangi bir ders ve hazırlık yapmadan. Maestronun ilgilendiğini ve son aryayı söylemesini istediğini görüyorum. Şarkı söyledim ve sonra canlandı, herkesin ilk aryayı söylediğini ve zaten tamamen farklı - dramatik - renkler gerektiren ikinci aryada sesin tam olarak nasıl çıkacağını anlamasının onun için önemli olduğunu söyledi. Ve beni onayladı. Performanslarım başarılıydı, iyi bir baskı aldım ve bundan sonra Violetta benim ikonik rolüm oldu: bugün onu diğerlerinden daha fazla söyledim ve bunun olduğu opera binalarının sahne sayısı da önemli bir marjda. Batı'daki gerçekten önemli kariyerim, La Scala'daki La Traviata'dan hemen sonra başladı.

Ve şu anki menajeriniz Alessandro Ariosi'yi onun peşinde buldunuz mu?

Andre Chenier'in her nedense iptal edilen yapımı planlanan prodüksiyonu yerine bir yıl sonra plansız gerçekleşen aynı prodüksiyon ama farklı bir dizi performansın ardından. 2008'de prömiyeri çoktan seslendirmiştim ve La Scala'daki La Traviata davetlerinin ikisi de aslında o zamanki sanat yönetmeni Luca Targetti ile uzun süreli tanışıklığımın sonucuydu. La Scala'daki La Traviata arasında bir yıl boyunca, her şeyin bana bağlı olduğunu, harekete geçmem gerektiğini fark ederek bir sonraki adımı atmaya giderek daha kararlı hale geldim. Ve sonunda karar verdim...

Ancak bir temsilciyi değiştirmenin her zaman yalnızca şansınızı kaçırmamak için doğal bir istek olmadığını, aynı zamanda büyük bir risk olduğunu da anlamalısınız. Sonuçta, eski temsilciyle zaten iyi çalıştıysanız, o zaman yenisi prensip olarak size uygun olmayabilir. Bu arada bu, daha önce bahsettiğim bir şarkıcı ile öğretmen arasındaki uyum sorununa çok benziyor. Ancak La Scala'daki başarının ardından bu riskin hala haklı olduğunu düşündüm. Ayrıca Alessandro'yu La Scala Academy'de okuduğum, henüz ajan olmadığı dönemden tanıyordum ve üniversitede okurken hevesli bir müzik aşığı, La Scala galerisinin bir sakini olarak biliniyordu. Akademi konserlerine çok sık geldi. Ariosi, daha şimdiden bir ajan olarak, opera dünyasında Three Tenors projesinin ünlü kurucusu Mario Dradi ile çalışmaya başladı.

Alessandro'nun La Traviata'nın galasından sonra Dradi ile bir ajansta çalışmaya başladığını bildiğim için onu kendim aradım: İlgileneceklerinden emindim. Aynı zamanda birden fazla şarkı söylediğim Leo Nucci'nin ajanlarıydı ve bu nedenle performanslarına geldiklerinde elbette beni de duydular (2007'de Nucci ile Parma'da Louise Miller'ı söyledim ve ardından 2008'de yıl - ve La Scala'da La Traviata). Buluştuk ve onlara beni hangi repertuarda gördüklerini sordum. Yanıt olarak bu konudaki fikirlerimle örtüşenleri duyunca, aradığımı bulduğumu fark ettim: Bel canto repertuarını ve Fransız lirik operasını iki ana alan olarak adlandırmaları benim için çok önemliydi. Onlara geçişle birlikte, önemli ölçüde daha aktif yaratıcı hayat, tiyatro yelpazesi önemli ölçüde genişledi (ve yalnızca İtalya'da değil).

Ariosi kendi ajansını açtıktan ve aslında tek başına çalışmaya başladıktan sonra, onun ve dolayısıyla benim işim yokuş yukarı gitti: Hem Metropolitan'da hem de Covent Garden'da şarkı söyledim. Ajanstan ayrıldığında serbest yüzme, Büyük bir risk aldım ama sonuç olarak faaliyet alanımda gerçekten birinci sınıf bir profesyonel oldum ve onunla bir ekibimiz olduğu için son derece mutluyum! O bir işkolik. O her zaman iletişim için hazırdır, her zaman iletişim halindedir ve şarkıcıların telefonda ulaşamayacakları temsilciler de vardır! Yıllar geçtikçe sadece iş değil, aynı zamanda dostane insan ilişkileri de geliştirdik. Özellikle sağlık sorunları yaşadığım bir dönemde Ariosi çok destek oldu. Bana çok yardımcı oldu ve kariyerimde bir çocuğun doğumuyla ilgili bir mola verdiğimde - size daha önce bahsettiğim bir oğul. Şimdi oğlum Andrea'yı tek başıma büyütüyorum ama bugün bir de nişanlım var - genç ve gelecek vadeden İtalyan orkestra şefi Carlo Goldstein. Bu arada, Rusya'da - St. Petersburg, Murmansk, Samara, Bryansk, Novosibirsk ve Tomsk'ta da çok şey yönetti. Şimdiye kadar bir orkestra şefi, ağırlıklı olarak senfonik, ancak şimdiden çok başarılı bir şekilde operaya girmeye başlıyor.

Şarkıcı için repertuar seçimi doğal olarak sesine göre belirlenir. Bunu kendiniz nasıl karakterize edebilirsiniz? Sopranonuz nedir?

İtalyanca olarak şunu söyleyebilirim: soprano lirik di agilita, yani hareketli bir lirik soprano. Bel canto repertuarından bahsedecek olursak, o zaman tabii ki şarkı söylerken gerekli bir renk olarak, bir vokal tekniği olarak koloratür kullanıyorum ama sesimin tınısından bahsedecek olursak, o zaman içinde koloratur bileşeni yok. Prensip olarak sınırlar koymak çok zordur ve her durumda, eğer şu veya bu repertuar sesime uygunsa ve ben bunu üstlenirsem, seslendirme tarzı ve tarzı belirli müzikal görevlerle belirlenmelidir. Gilda, Adina, Norina gibi genç kahramanların rollerine mümkün olduğunca uzun süre bağlı kalmaya çalışıyorum. Onları çok seviyorum ve sesin içinde gençlik ve tazelik tonunu korumayı, bunun için sürekli çabalamayı mümkün kılıyorlar çünkü her zaman yaş bölümlerine geçmek için zamanım olacak. La Traviata ve Rigoletto, L'elisir d'amore ve Don Pasquale'ye ek olarak, repertuarım elbette geçen sezon Verona'daki Teatro Philharmonico'da ilk çıkışımı yaptığım Lucia di Lammermoor. Gelecek sezon The Puritans'ta Elvira olarak ilk çıkışımı yapacağım, yani şimdi bel cante repertuarını amaçlı olarak genişletme yolundayım. "Mary Stuart" ın ana bölümünü zaten söyledim - çok fazla koloratur değil, ama diyebilirim ki, merkezi olanı. Gelecek sezon nihayet Anne Boleyn'i deneyeceğim: bu kısım zaten daha dramatik. Yani sürekli deniyorum, arıyorum. Ne de olsa, bir rolden korkarsınız, onun çok güçlü, çok karmaşık ve "çok merkezi" olduğunu düşünürsünüz, ancak çoğu zaman, zaten şarkı söylediğinizde, bu rolün size ait olduğunu açıkça anlamaya başlarsınız. zararına değil, iyiliğine olması sana yakışıyor. Cümleleme de dahil olmak üzere sesimde bazı Belkante unsurlarını geliştirmeme çok yardımcı olan, geçiş notaları üzerinde merkez üzerinde çalışmamı sağlayan Mary Stuart ile başıma gelen buydu. Kendi hislerime göre Mary Stuart'ın sesim üzerinde çok verimli bir etkisi oldu.

Elbette, yalnızca kayıttan yargılayabilirim: Beverly Sills'in bu bölümde ne kadar harika olduğunu hatırlayın, çok yüksek lirik bir koloratur. Yani emsaller var...

Ama sen sadece ulaşılamaz olandan bahsediyorsun, bence, 20. yüzyılın bel canto yıldızı: bu bağlamda, kendini tamamen garip hissediyorsun. Ama her halükarda, belirli bir partide kendimi nasıl hissettiğim, sesimle nasıl ve ne söyleyebileceğim benim için çok önemli - her zaman üzerine inşa etmemiz gereken şey bu. Örneğin, bugün Fransız lirik operası birçok coloratura sopranos tarafından söyleniyor, örneğin parlak Nathalie Dessay, ancak Gounod, Bizet ve Massenet'in bir coloratura repertuarı olmaktan çok uzak olduğuna inanıyorum: daha doğrusu, coloratura onun ana yönü değil . Bu soprano bölümleri çok merkezi, ama bu arada, ilk başta şunu da hafife aldım: Ancak onlarla karşılaştığımda fark ettim. Gounod'un Romeo ve Juliet'indeki Juliet'i ele alalım: olay örgüsüne göre o bir kız ama müzikal olarak merkez üzerine inşa edilen rolü kesinlikle dramatik! Ansiklopedilere bakın, hangi ses yelpazesi onu söyledi ve her şey hemen yerine oturacak.

Kayıtlı çok fazla müzik dinliyorum. Bir bölümü kabul ettiğimde, ne yapmak istediğimi zaten net bir şekilde biliyorum: Piyano notasına bakıyorum, müzik kitaplığıma giriyorum. Bazı meslektaşlarım kasten kendilerini etkilemesin diye hiçbir şey dinlemediklerini söylüyorlar. Ve dinliyorum ve bu kayıtların beni etkilemesini istiyorum, her seferinde geçmişin ustalarının büyüsüne kapılmak istiyorum ki kendime ait bir şeyler bulmama yardımcı olsun. Ve etkisine yenik düşebileceğim böyle bir usta bulduğumda mutluyum. Renata Scotto benim için tam anlamıyla tüm rollerinde böyle bir usta: Ben bu şarkıcının iflah olmaz bir hayranıyım! Onu dinlediğimde, söylediği her cümle bana sadece onu anlatmakla kalmıyor. teknik taraf, ama sanki benimle bir tür iç diyalog kuruyor, ruhumun en derin iplerini etkiliyor. Ve sanki bilinçaltı bir seviyede, belli belirsiz ve bilinçsizce bir şeyi anlamaya başlıyorum - elbette her şeyi değil, ama bu bile harika!

Sinyora Scotto ile şahsen tanıştınız mı?

İtalya'daki ilk yıllarımda, henüz oldukça gençken, kısa bir süreliğine oldu: bunlar ders değildi, ustalık sınıfları değildi, sadece onunla basit bir iletişimdi. Şimdi bu iletişime ayrıntılı olarak dönmek istiyorum ki bu kolay değil: Roma'da yaşıyor, birçok öğrencisi var ve hala çok meşgul. Ama bunu yapmalıyım, onun beynine, benim bilmediğim tekniğinin sırlarına nüfuz etmeliyim, sesiyle yaptığı her şeyi anlamalıyım. Mary Stuart'ıyla bağlantılı olarak Beverly Sills'ten bahsettiniz. Renata Scotto ve Beverly Sills benim vokal anlayışımla çok uyumlu iki ana idolüm ve onlarla sürekli iç diyaloğumu yürütüyorum. 2008'de La Scala'da maestro Antonino Fogliani ile "Mary Stuart" şarkısını söylediğimde, itiraf etmeliyim ki, tonlama, ifade açısından Sills'i çok kopyaladım ama en çok onun tınısının inanılmaz dokunuşunu, onun tınısını kopyalamak isterim. kesinlikle harika vibrato. Finali söylediğinde, sadece tüylerim diken diken olmuyor, aynı zamanda bu karaktere tüm ciddiyetinizle sempati duyduğunuz, onun kaderini gerçekten umursadığınız hissine kapılıyorum. Ancak bu tam olarak kopyalanamayan şeydir - Sills bu açıdan benzersizdi ...

Atina'da Megaron Opera Binası sahnesinde Richard Boning ile söylediğim "Mary Stuart"ı hatırlıyorum. Bu bir La Scala turuydu ve Pizzi'nin aynı prodüksiyonuydu. Bu sefer, Boning'in kendisi için her zaman büyüleyici varyasyonlar bulduğu Joan Sutherland'ın izlenimi altındayken, itibarımı kaybetmemeye karar verdim ve zaten sahip olduğum başarılara ek olarak, her türden pek çok şey buldum. kendim için takılar Bir hafta uyumadım - her şeyi yazdım, ama bana yeterince rafine edilmemiş, yeterince koloratur değilmiş gibi geldi ve sonuç olarak, strettas'taki ikinci tekrarın benim için kolayca fark edilmediği ortaya çıktı. Boning ile ilk provadan önce çok endişelendim çünkü bu kişinin bel canto müziği için sadece bir referans kulağı var. Bütün operayı onunla birlikte söyledik ve o, çok incelikli bir adam gibi, gerçek bir beyefendi gibi bana şöyle dedi: “Pekala, güzel, güzel ... Çok güzel varyasyonlar, ama neden bu kadar çok şey? Varyasyonlar olmadan yapalım, çünkü onlarsız bile çok güzel!..” Bu yüzden bazı minimal figürasyonlar bırakarak benim için neredeyse her şeyi çıkardı. Bu benim için çok beklenmedik bir şeydi: Rolün neredeyse temiz bir metnini bırakarak beni ne teknik ne de virtüözlük için azarlamadı, ancak rolün sahne yönlerine, bu rolün kendisine çok dikkat etti.

Son orkestrada final sahnesinden önce orkestrayı durdurdu ve bana şöyle dedi: "Şimdi nerede olduğunu tamamen unut, rolün kendisini bile unut ama şarkı söyle ki herkes senin için üzülsün!" O çok basit ama çok önemli sözleri hala hatırlıyorum. Böyle bir bel canto ustasından bu müzikte asıl olanın varyasyonlar ve koloratür değil, görüntünün duyusal içeriği olduğunu duymak benim için tam bir şoktu. Ve fark ettim ki, bu repertuarda, başka hiçbir repertuarda olmadığı gibi, kendinizi sürekli kontrol altında tutmanız gerekiyor, çünkü teknik virtüözlük, koloratür ve anlatım peşinde koşarken, tiyatroda olduğunuzu ve sahnede neye ihtiyacınız olduğunu gerçekten unutabilirsiniz. Her şeyden önce, karakterinizin hayatını yaşayın. Ancak seyirci tam da bunu bekliyor - sadece güzel değil, aynı zamanda duyusal olarak dolu şarkı. Ve ben, tekrar Beverly Sills'e dönüyorum, tekniğinin tüm mükemmelliğine rağmen, bu şarkıcının sesiyle her seferinde ruhunuzu sizden aldığını düşünüyorum. Tekniği unutmadan bel canto repertuarında çaba gösterilmesi gereken şey budur.

Rossini olarak tek rolünüz La Scala'daki Anaida mı?

HAYIR. Cenova'da, İtalya'da kendi Türkçesiyle Fiorilla'yı da söyledi. Bir müzik aşığı, bir dinleyici olarak Rossini'ye bayılıyorum, onun müzikal estetiği bana çok yakın. onun içinde komik operalar- her zaman alışılmadık derecede rafine bir mizah anlayışı ve "İtalya'daki Türk" te olduğu gibi genellikle komik olan, ciddi bir mizahla ilişkilendirilir. Ama aynı zamanda yarı seri operaları da var, örneğin Hırsız Saksağan veya Mathilde di Chabran: içlerinde komik ve ciddi zaten birbirinden ayrılamaz. Tabii ki bu bölümleri, özellikle de Hırsız Saksağan'daki Ninetta'yı söylemeyi çok isterim. Bu genellikle benim rolüm, sadece kendimi onda görüyorum: karakter olarak daha merkezi, yüksek tessituraya sadece küçük geziler ve mezzosoprano ile çok lüks bir düeti var! Kısacası bu benim hayalim...

Ama elbette Rossini'nin ciddi repertuarı da beni cezbediyor. Anaida'ya ek olarak, onun diğer bölümlerini de hayal ediyorum ama şimdilik Semiramide'yi üstlenmekten korkuyorum: bu bölüm müzikal ölçeğinde ayrılıyor, özel ses bilimi, özel dramatik içerik gerektiriyor. Ama ciddi olarak Tancred'deki Amenaide'yi düşünüyorum. Ama görüyorsunuz, bugün dünya pazarında Rossini'nin repertuarına olan talep - ve o gerçekten talep görüyor - belirli klişeler var. Sadece Rossini'yi söyleyen dar bir uzmanlığa sahip şarkıcılar var ama benim repertuvarım çok geniş ve tiyatro yönetmenlerinin bu repertuarda sözümü söyleyebileceğime ciddi ciddi inanamayacaklarını çok iyi anlıyorum. Durumu hayal edin: Rossini'nin sorumlu bir prodüksiyonu hazırlanıyor ve tiyatro, Fransız lirik repertuarı Verdi'yi ve şimdi de Puccini'nin La bohème'sinde Mimi'yi söyleyen bir şarkıcıyı işe almanın buna değip değmeyeceğini düşünmeye başlıyor.

Bugün Rossini'yi gerçekten özlüyorum ve onu söyleyebileceğimi hissediyorum çünkü bunun için sesimin hareketliliğine sahibim. Bunda bir sıkıntı yok ama bu hareketliliğin daha da geliştirilebileceğini hissediyorum ama bunun için bir teşvike ihtiyacım var, oyuna alınmam gerekiyor. Aynı zamanda, bugün aniden Rossini'yi ele geçirmeye başlayan barok sanatçılar arasında sıklıkla olduğu gibi, onu iğdiş edilmemiş bir tını ile söylemek önemlidir. Bu benim versiyonum değil: ses hareketliliğinin zarafeti kesinlikle parlak tını dolgunluğuyla birleştirilmelidir. Yani, Rossini'nin potansiyelini kendimde hissediyorum ve şimdi menajerime bağlı - sürekli bunun üzerinde çalışıyor ve Journey to Reims'deki Corinna, yakın gelecekte benim için Rossini'nin oyunlarından biri olacak. Bu İspanya'da olacak ve Corinna'nın bu repertuarda kendine yer edinmesi ve bazı teknik noktalarını geliştirmesi için çok iyi bir rol olduğunu düşünüyorum. Hislerime göre oldukça başarılı olan "The Turk in Italy" de Fiorilla olarak ilk çıkışım bir şekilde fark edilmedi ve bu nedenle gelecekte bu kısma geri dönmeyi çok isterim. Bir repertuar kavşağında olduğum bir andı ve hemen ona geri dönmedim ama umarım tekrar olur.

Rossini ile ilişkiniz konusunda artık tam bir netliğe sahibim, ancak Puccini hakkında konuşmadan önce, Moskova'daki Novaya Operası'ndaki La bohème galasına katılımınıza atıfta bulunarak, Violetta'nın bugün haline gelen kısmına geri dönmek istiyorum. "arama kartınız": onu kaç kez ve dünyanın kaç aşamasında söylediniz?

Yaklaşık bir buçuk ila iki düzine farklı tiyatronun sahnelerinde yaklaşık 120 kez - ve bugün teklifler gelmeye devam ediyor. Onları reddetmeseydim ve her şeyi kabul etseydim, muhtemelen böyle bir “La Traviata” söylerdim. Bugün Ariosi'ye "Eğer bu başka bir La Traviata ise, beni arama bile!" dedim. Artık yapamıyorum: şarkı söylemek sorun değil, ama her zaman aynı şeyi söylemek imkansız: Çeşitlilik istiyorum, yeni bir şeye geçmek istiyorum. Violetta, tam bir simbiyoz geliştirdiğim bir parti. Bu, hiçbir şey icat etmek zorunda olmadığım bir rol. Anladığım ve hemen kabul ettiğim bir rol bu. Tabii ki, her honladığımda, içimde büyüdü ve gelişti ama aynı kısmı orantısız bir şekilde söylediğinizde, oyunculuk dolgunluğunu hissetme hissi, ne yazık ki, donuklaşıyor.

Ancak buna sahneleme anları da eklenir: tüm tiyatrolar farklıdır ve içlerindeki performanslar da çok farklıdır. "La Traviata" yı hem harika yapımlarda hem de en hafif tabirle "pek parlak olmayan" yapımlarda söylemek zorunda kaldım. Ve böyle "pek parlak olmayan" yapımlar, tüm sahteliklerini, yönetmenliğin tüm çaresizliğini ve sizinkiyle görüntünün uyumsuzluğunu hissettiğinizde kendi fikri onun hakkında, tanınmış markalı tiyatrolarda bile çok şey var. Örneğin Berlin Staatsoper'da La Traviata'yı üç kez söyledim ama maalesef öyle bir ortamda görüntünün görevlerinden uzaklaştım ki, her seferinde tamamen soyutlamak zorunda kaldım: şarkı söylemenin başka yolu yoktu! Kısa bir süre önce Zürih Operası'nda La Traviata'da ilk kez sahneye çıktım, müzik seviyesi açısından harika bir tiyatro ama orada bir prodüksiyon vardı, size “henüz o!” Bütün bunlar elbette çok moral bozucu, yaratıcılık arzusunu caydırıyor, ancak kendinizi böyle bir durumda bulduğunuzda, özellikle orkestra şefine çok fazla güvenmeye başlıyorsunuz. İlk Violetta'm, dediğim gibi, Lorin Maazel gibi koşulsuz bir ustaylaydı. Harika şef Gianandrea Noseda ile tanışmamı da hatırlıyorum ve yüzden fazla performansın ardından kader beni daha önce bilmediğim İtalyan şef Renato Palumbo ile bir araya getirdi.

İlk başta bu toplantının bana yeni bir şey getirmeyeceğini düşündüm: Sadece kendi rolümü tam olarak bilmiyordum - bu operadaki tüm bölümleri biliyordum! Ancak maestro, çoğu zaman olduğu gibi sadece bir prova yapmakla kalmayıp, notayı birkaç kez çok derinlemesine inceleyerek, gözlerimi birçok şeye açmış gibiydi. Muhtemelen zaten yüz tane La Traviata'm vardı ve sanırım onda daha fazlası var ama coşkusu, tüm becerisini ve ruhunu işine koyma ve size bir şeyler aktarma arzusu, asla unutmayacağım! Onunla çalışmak bir zevkti! On yapımda bunlardan birine rastlarsanız zaten çok değerlidir, şimdiden büyük şans! Ve gerçekten bunun başıma gelen son sefer olmadığını umuyorum! Bir parti hazırlamaya yeni başladığınızda, hepsini bir sünger gibi emersiniz. Ancak zamanla, rutine girdikten sonra durgunluğu fark etmeyebilirsiniz. Ve Palumbo, güçlü sarsıntısıyla beni bundan kurtardı. Unutulmazdı: Onunla çalışmaktan büyük bir memnuniyet duydum. Şarkıcılar gerçek insanlardır ve formunuzun zirvesinde olmak her zaman mümkün değildir ve bazen tam anlamıyla beyninizi patlatmaya çalışan tüm bu modern yapımları haklı çıkarmak için tiyatroya gitmek bile istemezsiniz. Madrid'de Palumbo ile yapılan prodüksiyon ise tam tersine harikaydı ve bizim çalışmalarımız ondan yayılan bir enerji pınarıydı. Gelecekteki birçok performans için modern yönetmenliğin "fırfırlarının" üstesinden gelmem için bana güç veren şey buydu.

Rossini ve Verdi'den Puccini'ye geçelim. Hangi partilerle ve nerede başladı ve şimdi Moskova'da La Boheme'de Mimi ile karşılaşmak riskli değil miydi?

Her şey 2006'da Liu'nun "Turandot"taki rolüyle başladı: ilk kez Toulon'da (Fransa'da) söyledim. Çok sonra - 2013'te - Metropolitan Opera'da La Bohème'de Musetta vardı (bu arada, onu Verdi'nin Rigoletto'sunda Gilda ile aynı yılın ilk çıkışından sonra orada söyledim) ve sonra aynı yıl ben ve Musetta'ydım. Covent Garden'da. Bu sezon, Muscat'ta (Umman'da) Arena di Verona tiyatrosu turnesinde iki kez Liu'yu canlandırdı: bir kez de Placido Domingo yönetiminde. Moskova'daki Mimi'ye gelince, o zaman elbette bir risk vardı, çünkü bu görünüşte lirik kısmın gerçekleştirilmesi için hala belirli bir drama derecesi gerekiyor. Bununla birlikte, bu sefer hem yaratıcı motifler (bu inanılmaz derecede çekici kısmı söyleme arzusu) hem de pratik motifler bir araya geldi. Bugün "La Boheme" dünyada çok talep gören bir isim ve Mimi'nin partisi hacim olarak hala çok büyük değil. Ve son zamanlarda yavaş yavaş uzaklaşmaya başladığım Violetta partisine bir alternatif olarak uzun süre yakından bakmaya başladım.

Artık ne Violetta ne de Gilda'yı hiç söylemediğimde, gelecekte repertuarımda talebin istikrarlı olacağı daha az popüler olmayan bir parçaya sahip olmam gerekecek. Puccini'nin Mimi'si, herhangi bir repertuar tiyatrosunda prodüksiyonlara hızla girebilecek bir parti, örneğin, iki provada girdiğim, yukarıda bahsedilen Berlin'deki La Traviata'da olduğu gibi. Sezonda her zaman en az bir ay boyunca prova yaptığınız birkaç yeni yapım vardır, ancak aynı zamanda iki veya üç günlüğüne bazı repertuar tiyatrolarına gitme, hızla role girme, onu söyleme ve böylece kendinizi içinde tutma fırsatınız olur. gerekli performans tonu . Aynı zamanda, yeni bir yapımda olduğu gibi, gücünüzü "sıkıştırmamanız" çok önemlidir, ancak bu tür projelerde genellikle sürprizler, keşifler ve beklenmedik yaratıcı sevinçler sizi bekleyebilir. Kariyerin bu kısmı küçümsenemez - ayrıca bugün Mimi'nin rolüyle yaptığım, kesinlikle geleceğe bakarak dikkat edilmesi gerekiyor.

Finalde ölen Violetta ve Mary Stuart gibi kendini beğenmiş kadın kahramanların ardından Musetta'yı söylemeye başladığımda, bu büyüleyici ve genel olarak karmaşık olmayan bölümden, özellikle de her zaman artan ilgiyi çeken ikinci perdedeki gösteriden keyif aldım. , Tüm kalbimle eğlendim. Ancak performansın sonunda, sahnede olduğum ve başka bir sopranonun ölmekte olduğu gerçeğini asla kabullenemedim - ben değil. Rolümde ölme alışkanlığı bende oldukça derin bir şekilde yerleşmiş durumda ve her zaman şöyle düşündüm: "Bir şekilde Mimi farklı ölüyor, bu yüzden ben de farklı yapardım." Yani, Musette'de, rolün döngüsel olarak tamamlanmasından açıkça yoksundum: ikinci ve üçüncü perdelerden sonra, onun yerine ölmek için Mimi'nin yatağına koşmak istedim. Ve böylece inanç bu kısmı söylemek için olgunlaştı, ama ilk başta korkutucuydu.

İtiraf etmeliyim ki, bir keresinde Mimi'nin rolünü bir konser performansında söylemiştim. 2007'de (İtalya'da) Stresa festivalinde maestro Noseda yönetimindeydi, ama o zamanlar muhtemelen buna henüz hazır değildim. Her şey merkez üzerine inşa edildi ve uzun süre acı çektim, kendime ait, içinde özel bir şey bulmaya çalıştım. O zaman bana pek ilginç gelmedi, ama tabii ki konserde - sahnelenmemiş - versiyonda elbette geri dönüşü olmayan bir şekilde çok şey kaybetmesinin bir sonucuydu. Ve Noseda bana mümkün olan her şekilde yardımcı olsa da, Mimi'nin tüm kırılgan ve parlak dünyasını konser çerçevesinde aktarmanın son derece zor olduğunu hissettim. Ve böylece, Torino'da yeni bir La Bohème yapımıyla gelecek sezonu açmak üzereyken, maestro birdenbire uzun süreli işbirliğimizi hatırladı ve beni ünlü yapım ekibi La Fura dels Baus'un yapımına davet etti. DVD olarak çıkması bekleniyor.

Ve geçen sezonun sonunda Haziran ayında Torino'da gerçekleşen Faust yapımında beni hatırladı: Margarita'yı söyledim ve o yönetti. akustik olarak Kraliyet Tiyatrosu Torino'da çok zor ve bu anlamda Noseda'nın kendisi: O, buyurgan bir senfonik jestin şefi ve orkestranın oldukça yoğun bir dokusu. Onunla Margarita veya Violetta şarkısını söylemek bir şey, Mimi başka bir şey. Ve uzun süredir Gilda'yı, Lucia'yı ve ayrıca The Puritans'ta Elvira'yı hedefleyen ben, bu kadar cazip bir teklifi ilk anda reddettim. Ama sonra inisiyatifi Vasily Ladyuk aldı (Torino'da Faust'ta Valentine'ı söyledi ve Ildar Abdrazakov Mephistopheles'di). Biz - üç Rus şarkıcı - o zamanlar çok sıcak karşılandık ve bu başarının ardından Vasily Ladyuk bana, kendi görüşüne göre benim için her şeyin yoluna girmesi gerektiğini söyledi. Ve ona İtalya'da Mimi söylemenin ve hatta sezonun açılışında bile tiyatroya gelen herhangi bir taksi şoförünün sizin için La bohème'i söylemesinin benim için çok sorumlu olduğunu, bunu yürütmenin güzel olacağını söyledim. başka bir yerde ilk etapta rol. Ve sonra şimşek hızıyla tepki verdi: "Sizi festivalime, Novaya Operası'ndaki galaya davet edeceğim." Onun sayesinde kendimi bir haftalık provalar yaptığım Moskova'da buldum. Ve rolü bilmeme rağmen, o kadar uzun zaman önceydi ki, sahneleme anlarına odaklanarak, bu rolü tekrar yüksek sesle "şarkı söyleyerek" çok şey tekrar etmem gerekti. Bütün bunlar için yeterince zaman vardı ve dün prömiyeri söyledim. Noseda'nın teklifi hâlâ geçerli: Muhtemelen şimdi kabul edeceğim...

Sizi Moskova'daki başarınızdan dolayı tebrik etmek isterim, ancak bir izleyici olarak benim için bu à la moderne yapımın kendisi oldukça tuhaf görünüyor: İçinde beni tamamen sarsacak hiçbir şey yok, ama aynı zamanda öyle de değil. Puccini'nin skoru ile Georgy Isahakyan'ın performansı karşılaştırıldığında, kişinin kolayca tutunabileceği pek çok şey. Ve ana bölümün sanatçısının içinden ona bakışı nedir?

- Böyle bir prodüksiyonun ilk çıkışım için ideal olduğunu düşünüyorum: Bir şarkıcı ve aktris olarak benim için rahatsız edici hiçbir şey yok ve - bugün bazen gösterişli performanslarla karşılaştırıldığında - fantezilerinde hala oldukça mantıklı ve ölçülü . İçinde düşünülemez bir "bükülme" yok ve prensipte oldukça basit, anlaşılır ve role ilişkin duyusal ve sesli duygularımla oldukça uyumlu. Sonuç olarak, özellikle Rusya'da uzun süredir bir prömiyer yapmadığım için, bir çıkışın her zaman bir heyecan olmasına rağmen, iç diyapazonum ona oldukça doğal bir şekilde uyum sağladı. Ve bu galada çok endişelendim - ellerim titriyordu! Tabii her şey istediğimiz gibi olmadı. Ama ilginç olan, bence en çok korktuğum şey iyi gitti, ama endişelenmediğim şey daha az başarılı oldu. Ancak bir prömiyer, bir galadır ve bu yaygın bir şeydir: ikinci performansa her zaman çok daha sofistike yaklaşırsınız ...

Mimi'nin dublörüyle ilgili olarak Georgy Isahakyan'ın ortaya attığı fikir aslında çok ilginç ve onu anlamak, kabul etmek ve içinde tamamen erimek tam anlamıyla iki veya üç prova aldı. Musetta olduğumda, dediğim gibi, kahramanımın ölümünü kaçırdım. Zaten Mimi olduğumda, yönetmen tarafından önerilen ana karakterin ölüm sahnesinde, onun imajıyla birleşmek benim için ilk başta bir şekilde belirsiz, belirsizdi. İlk provaya geldiğimde ve bir mimik oyuncusu kılığında "kendimi" - ölürken ama şarkı söylemeden - gördüğümde, "Aman Tanrım, bu nedir?!" Ve ilk tepkim, bunun imkansız olduğu, yeniden yapılması gerektiğiydi. Ancak ikinci seferden itibaren bu fikri giderek daha fazla aşılamaya başladım. Ve anladım ki bu durum Gerçekçi ölüm sadece tamamen soyutlanmamalı, aynı zamanda hikayede olduğu gibi "anahtarınızı bulmaya" da çalışmalı, kelimenin tam anlamıyla Mimi ve Rudolph ile ilk perdede oluyor, çünkü Mimi'nin imajı o zaman bile bölünmeye başlıyor - andan itibaren önce sahnede belirir.

Ve tüm bunların finalde ikna edici bir şekilde okunması için, sesimde nostaljik renklere, geçmişin anılarını almaya karar verdim, gözlerinin önünde ortaya çıkan trajedi hakkında şehvetli bir yorumcu pozisyonunu aldım. görüntüleyici Yani finalde kendime şu şekilde formüle edilebilecek bir görev belirledim: "katılmamak, katılmak." Bunun ne kadar başarılı olduğuna karar vermek elbette izleyiciye kalmış, ancak bu deneyin kendisi bana büyük memnuniyet getirdi. Bu hikayede bir an daha var: Gerçekten uzanarak şarkı söylemek istemedim ve aynı zamanda bir şekilde kendi kendine çözüldü - kolay ve doğal bir şekilde. Mimi'nin ruhu gibi görünmez bir gölge gibi duran finali söyledim ve öldüğü anda sahneden kayboldum, yani "sonsuzluğa bırakıldım". Ama en önemlisi, dramatik üçüncü perde yüzünden bu kısımdan korktum ama şarkı söyledikten sonra, bu özel perdenin kesinlikle benim olduğunu fark ettim! Şaşırtıcı bir şekilde, en organik olarak üçüncü perdede hissettim. İlk perdenin en kolayı olduğunu düşünmüştüm ama benim için en zoru çıktı! Ne de olsa, içinde, ilk çok önemli sözlerde, henüz söylenmemişsiniz. Ve Rudolph aryasını söylediğinde, onu dinleyerek, kendi aryanızı da söylemeniz gerektiğini ve sesinizin aynı zamanda tazeliğini ve ifadesini kaybetmemesi gerektiğini anlıyorsunuz - bu yüzden heyecan. Bu ancak performans anında, ancak toplum içine çıkma anında hissedilebilir. Yani birinci veya ikinci perdede, role girmeye çalışırken, üçüncü veya dördüncü perdede kendime çok daha fazla güveniyordum.

Yani yönetmen, ana karakterin iki katı fikriyle sizi büyüledi mi?

şüphesiz. Görevi prensipte özetledikten sonra, bana tam bir özgürlük vermesi çok önemlidir, böylece görüntüyü cilalamanın tüm anları, bazı aramalar, yol boyunca ortaya çıkan bazı değişiklikler yaratıcı bir şekilde ilginç ve coşkuluydu. Ancak yönetmenin diğer tüm karakterlere yaklaşımı aynıydı. Onun ana erdeminin, hepimizi kendi içinde çok yardımcı olan ideal bir bağlama koyması olduğuna inanıyorum. Ve bu mecazi idealleştirme, partinin inşasını üzerine inşa etmenin mümkün olduğu sağlam temel haline geldi. Bu, çok muhteşem bir muhteşem senaryo ile kolaylaştırıldı. İlk iki perdede Paris'in bir sembolü vardı - Eyfel Kulesi, üçüncüsünde çok sıra dışı bir döner merdiven perspektifi icat edildi (asansörsüz eski Paris evleri için tipik olan bir granit sahanlıktan yukarıdan görünüm) . Bu merdivende Mimi, Rudolf'tan ayrıldı, böylece onunla bir daha asla karşılaşmasın ya da daha doğrusu, ölüm saatinde buluşmasın. Yalnızca son perde olay örgüsü çatışmasıyla açıkça uyumsuzdur, ancak bundan kaçınılamaz. Şimdi üçüncü ve dördüncü perdeler otuz yıl arayla ayrıldı ve XX yüzyılın 40'lı yıllarının sonundan - bu özel üretimin dönemi böyle - 70'lerin sonuna taşınıyoruz ve kendimizi Marsilya'nın vernisinde buluyoruz. Ünlü bir sanatçı-tasarımcı olan , buraya gelen eski arkadaşları da artık daha az saygın değiller. Açılış gününde çatı katındaki ilk perdede, dördüncü perdede yer alan galvanizli kova, şimdiden bir çağdaş sanat enstalasyonunun bir öğesi.

İtalyan şef tarzının taşıyıcısı olan şef Fabio Mastrangelo ile nasıl çalıştınız?

İnanılmaz! Bir prova ve üç orkestra provamız vardı ve tabii ki hem İtalyan dilini hem de İtalyan kültürünü anadili olarak bu operayı iyice bilmesi ve yazılan her kelimeyi, her notayı anlaması çok yardımcı oldu. İlk defa birlikte çalıştığım bu orkestra şefi, mesleğe bakış açımla çok uyumlu, “çok hareket, az söz” yaratıcı inancı olan bir müzisyen olarak beni etkiledi. Kendisi çok güvenilir ve deneyimli bir maestrodur. Dediğim gibi, galada çok endişelendim ve bir noktada tanıtımı bile kaçırdım. Hiçbirimiz bunu bekleyemezdik, ancak Fabio beni o kadar kendinden emin bir şekilde aldı ki durum hemen düzeldi: kritik bir hal almadı. Size dürüstçe söyleyeceğim: Rusya'daki şimdiye kadarki birkaç performansımda, Metropolitan veya La Scala'daki çıkışlarımdan orantısız bir şekilde daha fazla endişeliydim. Bu çok özel, eşsiz bir duygu. Böylece 2013'te Rusya'daki on iki yıllık yabancı kariyerimin ilk konserindeydim: yine Novaya Operası sahnesinde Vasily Ladyuk ile yer aldı. Bu yüzden, oldukça yakın bir zamanda 10 Kasım'da Rusya'nın Bolşoy Tiyatrosu'nda Elena Obraztsova onuruna düzenlenen "Opera Balosu" gala konserindeydi. Yani, elbette, şu anki prömiyerde oldu.

Aralık ayındaki iki La bohème performansına ek olarak, gelecekte bu prodüksiyona gelecek misiniz?

Gerçekten isterdim, ama şimdiye kadar bu beklenmiyor: galaya şu anki katılımım, tam da çerçevesinde gerçekleştiği Vasily Ladyuk festivaline davet nedeniyle (ilk performanstan bahsediyoruz) . Bu konuda bana bağlı bir şey varsa, o zaman elbette yoğun programıma rağmen bu prodüksiyona geri dönmek için her türlü çabayı göstereceğim. Bu kez ironik bir şekilde, uzun süredir evde olmadığım için Kasım ayının sonunu ve Aralık ayının tamamını Rusya için boş tuttum. Bu dönemin başlangıcını yeni Moskova'da "La Boheme" altına aldım. Bu sezon benim için çok gergin başladı: La Traviata'yı Viyana ve Zürih Operalarında seslendirdim, Güney Kore'de, Umman'da, yine La Scala'da ve yine İtalya'da Salerno Opera Binası'nda seslendirdim. Şimdiki Viyana La Traviata, Viyana Staatsoper sahnesindeki ilk çıkışımdı: Viyana'da - ve ayrıca La Traviata - ondan önce sadece An der Wien Tiyatrosu'nda şarkı söyledim ve sonra yeni üretim.

Bu yüzden şimdi Moskova'dan Voronezh'deki evime dinlenmeye (sadece sessiz ol ve hiçbir şey yapma) ve benim için tamamen yeni parçalar öğrenmeye başlayacağım - Anne Boleyn ve Puritan. Puritani, bu repertuarın ilk denemesi olarak beni İtalya'da (Parma, Modena ve Piacenza'da) bekliyor ve ondan sonra başka teklifler var. Anne Boleyn, Avignon'da yapılacak. Altında Yılbaşı 1 Ocak'ta Almanya'ya gitmem gerektiğinden İtalya'ya dönüyorum: mevcut sözleşmeler kapsamında iş yeniden başlıyor. Ocak-Şubat aylarında Staatsoper Hamburg ve Deutsche Oper Berlin'de La Traviata'm var. Dördüncü kez Berlin'e gideceğim: Oradaki prodüksiyonu gerçekten seviyorum, öyleyse beni davet ettiklerine göre neden olmasın? Ancak Hamburg'da üretim modern (kötü olmayan incelemeler için umarım). Hamburg, Alman opera binalarının markalarından biridir ve bu durumda benim için önemli bir başka sahneye daha hakim olmak önemlidir.

Moskova'daki Bolşoy Tiyatrosu'nda - çok iyi ve oldukça taze, 2012 yapımı, Francesca Zambello'nun "La Traviata" oyunu. Oradan herhangi bir öneri var mı?

Bolşoy Tiyatrosu'nda La Traviata'yı tereddüt etmeden söylerdim ama şu ana kadar herhangi bir teklif yok. bildiğim kadarıyla CEO Vladimir Urin dün Bohemya'daydı. Ayrıca Bolşoy Tiyatrosu'ndaki La Traviata yapımının gerçekten değerli olduğunu duydum. İlk başta, Liliana Cavani'nin performansını, daha önce de söylediğim gibi, iki sezon üst üste şarkı söylediğim, ancak bir şeylerin yolunda gitmediği La Scala'dan aktarmayı planladılar - ve ardından Francesca Zambello davet edildi. Bolşoy sahnesine ilk çıkışım, Elena Obraztsova onuruna Kasım ayında düzenlenen gala konserine katılmaktı. Ve yine tarif edilemez bir heyecan: sadece diz kirişleri titriyordu! Daha büyük salonlarda şarkı söyledim (örneğin, Metropolitan Opera Binası yaklaşık dört bin seyirciyi ağırlayabilir), ama hayranlığım Bolşoy Tiyatrosu bizim için, Rus şarkıcılar, bazı genetik seviyelerde ortaya konmuştur! Ne yazık ki, o akşamın çok uzun sürmesi nedeniyle, duyurulan başka bir parçayı - Juliet'in Gounod'un Romeo ve Juliet'inden ("içkiyle") aryasını söyleme şansım olmadı. Ama umarım bir dahaki sefere kesin olarak şarkı söylerim. Bu aynı zamanda en sevdiğim parçalardan biridir ve artık dünyanın farklı tiyatrolarında zevkle söylüyorum.

Metropolitan Opera'nın bu kadar büyük kapasitesiyle, bu tiyatro bir şarkıcı için akustik olarak ne kadar rahat?

Oradaki akustik çok iyi ama Bolşoy Tiyatrosu'ndaki akustiğin de iyi olduğuna ikna oldum. Sevdim: heyecanı bir kenara bırakırsanız, içinde şarkı söylemek kolaydı. Herkes onu azarlasa da sesi salonun içinde uçuyor ve bu gerçekten - ki bu son derece önemli! - sana geri döner. Sonuçta, çoğu zaman, sesin salona mükemmel bir şekilde uçması olur, ancak kendinizi duymazsınız ve bu nedenle yapay olarak "basmaya" ve zorlamaya başlarsınız. Ve burada ses mükemmel bir şekilde geri döndü ve bir vokalist olarak çok rahattım. Kesinlikle aynı - ve Metropolitan Opera'da. Doğru, orada Zeffirelli'nin yönettiği Musetta'yı söylediğimde, ikinci perdede üç yüz kişi artı atlar ve eşekler sahnedeydi, onların yarattığı doğal gürültüyü aşmak neredeyse imkansızdı, bu yüzden oraya gitmek zorunda kaldım. ön. Ve La Scala'da hemen söyleyeceğim, akustik kötü. Bu bakımdan tiyatro çok garip, çünkü içinde hiç ses çıkarmayan gerçekten çok büyük sesler var! Uzmanların dediği gibi, sözde "Callas noktasında" bile, yeniden yapılanmadan sonra ses daha da kötüleşti.

La Scala'da söylediğin parçalar arasında Hindemith'in Aziz Susanna'sının ana bölümü var...

Müzikal ve melodik estetiği açısından dinleyicinin algısı için çok güzel bir operadır. Riccardo Muti de beni Susanna için onayladı: Anaida'dan sonra ona, partinin doruk noktasının iki sayfası olan rol için seçmeleri seslendirdim. Onun projesi olması gerekiyordu ve rolü iyice prova ettikten sonra tüm provaları onunla birlikte yaptık. Ama sonra, zaten orkestra aşamasında, liderlikte iyi bilinen bir skandal çıktı ve kapıyı çarparak maestro La Scala'dan ayrıldı, bu nedenle prodüksiyon bir yıl ertelendi ve performansı şefle söyledim. Slovenya, Marco Letonya. Opera küçük - sadece 25 dakika. Don Giovanni hakkındaki ünlü hikayenin bir tür antitezi olan İtalyan Azio Corgi "Il Dissoluto assolto" ("The Justified Debaucher") adlı başka bir tek perdelik yapıta diptik gibi gitti. "Saint Susanna", müzik açısından her şeyin "yüzdüğü", ancak nihai doruk noktasının kesinlikle C majör tonal olarak yazıldığı, tamamen alışılmadık bir atonal operadır. Bu işten büyük zevk aldım - çok oynamanın gerekli olduğu bir rolden, tekniklere sahip olmak Sprechgesang. Bu arada, bu benim bugün Almanca oynadığım tek oyun ve Muti bu konularda benimle çok dikkatli çalıştı, şöyle dedi: suoni profesyonel, yani 20. yüzyılın "hoş kokulu sesleri" üzerinden, ana karakterin bitkinliğini, tutkusunu ve şehvetini ifade ediyor.

Kendisiyle bu opera üzerinde çalışmaya başladığımızda, o sıralar daha La Scala Akademisi'ndeydim ve Gencher beni aradı. Bel canto'nun yorumu onun için tüm hayatının ana anlamıydı ve alıcıda şunu duydum: "Hindemith'e çağrıldınız, ancak aynı fikirde olmamalısınız: bu sizin değil! 20. yüzyılın müziğine neden ihtiyacın var - sadece sesini mahvedeceksin! Ama La Scala Tiyatrosu'nun müzik direktörü beni aradığında nasıl gitmem! Ve konuşmanın oldukça zor olduğu ortaya çıktı: seçmelere gidersem artık beni tanımak istemediğini söyledi. Ama yapacak bir şey yoktu: zirvenin olduğu doruk noktasını öğrendikten sonra. önceüçte sekiz bar sürer kuvvet orkestrada, Muti'ye gittim tabii ki. Tekrar dinledikten sonra Gencher'den bir telefon geldi: "Seni götürdüklerini biliyorum ... Peki, tamam, ne tür bir opera olduğunu söyle bana ..." Sesimi bozmayacağımı, bütünün böyle olduğunu söylemeye başladım. opera yarım saatten az sürdü. Ve bu yüzden ona, kahramanımın çıldırmış, kutsal çarmıha gerilmenin önünde soyunan ve ardından diri diri duvara kapatılan genç bir rahibe olduğunu açıklıyorum; Dini coşkusunun fiziksel coşkuda ifade bulduğunu söylüyorum. Ve hemen - soru: "Peki orada soyunmak gerekli olacak mı?" “Bilmiyorum” diyorum, “henüz üretim yok. Muhtemelen gerekli ... "Ve sonra bir duraklama oldu, ardından bana şöyle dedi:" Pekala, şimdi neden bu role götürüldüğünü anlıyorum!

Bu nedenle, 20. yüzyılın bel canto efsanesi, ona göre, yalnızca bel canto repertuarını söylemem gerekirken seçimin neden bana düştüğüne dair tek makul açıklamayı buldu. Bu, elbette bir meraktı ve bunun hakkında bir kereden fazla konuştum, ancak bu teklifin ayrıntılarını bilmeden, Gencher içgüdüsel olarak ilişkimizin bozulmaması için beni kurtarmak istedi - ve bu en iyisiydi önemli şey. Genelde bu tür deneyleri severim. Hem Richard Strauss tiyatrosunu hem de duygusal yapısında çok özel olan Janáček tiyatrosunu gerçekten seviyorum, ancak bu, şu anda bu müziğe döneceğim gerçeğiyle ilgili değil: bunun zamanı geldi henüz gelmedi ama mutlaka gelecektir. Bu arada, "Salome" yi hayal ediyorum: vokal olarak, bu keskin dramatik, kesinlikle kendinden geçmiş kısım, bana öyle geliyor ki, zamanla ustalaşabilirim, ama sonuçta burada da çok önemli Almanca, o zaman daha az yakından ele alınması gerekmeyecek, ama bu benim için son derece zor olan şey! Yani yeni deneyler çok ama çok uzak bir olasılık, aksi takdirde size aynı anda pek çok şey sunulur! Konuşmaya bile korkuyorum: Bir keresinde bir gün Norma'yı söylemeyi çok istediğimi söylemiştim, ama hemen bir teklif yağmuru düştü! Ancak bu arada, bu anlaşılabilir bir durum çünkü bugün bu partinin oyları kelimenin tam anlamıyla altın değerinde: hareketli hafiflik, belkante telkari ve aynı zamanda dramatik olgunluk gerekiyor. Bu yüzden gücünüzü yeterince hesaplamanız gerekiyor: her şeyin bir zamanı var.

Ve Amenaida'dan ve Hindemith'in operasında Susanna rolünde çalıştıktan sonra, maestro Muti ile yaratıcı yollarınız artık sizi birbirine bağlamadı mı?

Ondan bir kereden fazla teklif almamıza rağmen artık gerçek ortak projelerimiz yoktu: bunlar esas olarak Napoliten tarafından ender bulunan opera barok performanslarıydı. XVIII bestecileri yüzyıl. Birkaç sezon üst üste bu repertuar dizisini Salzburg'da gerçekleştirdi. Ama ne yazık ki, tüm bunlar açıkça benim değil, bu yüzden her seferinde büyük bir pişmanlıkla reddetmek zorunda kaldım. Yapılacak hiçbir şey yok: koşullar öyle ki, bugün Maestro Muti tamamen farklı bir repertuarla meşgul - kendimi görmediğim bir şey ama kim bilir, ya her şey yolunda giderse ...

Verdi'nin erken dönem bel canto'suna dönmek ister misiniz?

Artık öyle düşünmüyorum. Müzik açısından, artık geleneksel bel canto repertuarıyla daha çok ilgileniyorum - Donizetti, Bellini ve özel bir makale olarak Rossini. Ancak yemin etmeyeceğim: aniden iyi bir orkestra şefi belirir, iyi bir teklif, iyi tiyatro, iyi sahneleme, o zaman belki evet. Türler ve karakterler açısından bakıldığında, bugün kendim için oldukça fazla tamamen farklı müzik görüyorum.

Ya müziği genellikle ses için hijyen olarak adlandırılan Mozart?

Buna kesinlikle katılmıyorum. Herkes genç sanatçıların Mozart söylemesi gerektiğini söylüyor. Sen nesin! Mozart söylemelerine gerek yok! Mozart onlar için çok zor bir müzik! Mozart'ın operaları sadece en yüksek sesli akrobasi! Henüz repertuarımda çok fazla Mozart yok ama sanırım hayatımda Mozart'tan asla ayrılmayacağım. Fiordiligi'yi "Così fan tutte"de söyledim ama hemen bıraktım: Bu çok zor bir orta bölüm. Genç sesler neden böyle roller üstlensin, hiç anlamıyorum! Ama gençliğimde, tamamen farkında olmadan aldım. Şimdi, ancak zaman geçtikten sonra ona dönüşün mümkün olduğu benim için açık. Donna Anna - Don Juan'da parti tamamen farklı, şimdiden yüzde yüz benim. Arena di Verona için beş gün içinde acilen öğrendim: Bunu reddeden sanatçıyı değiştirmem teklif edildi. Neyse ki, o zaman boş bir dönemim oldu ve memnuniyetle kabul ettim. Doğru, bundan önce Faust'u yeni söylemiştim ve bu nedenle hemen Mozart'a geçmek benim için zordu ama kendimi topladım ve yaptım. Ve Donna Anna artık repertuarımda olduğu için mutluyum. Bugün Le nozze di Figaro'da Kontes'i gerçekten söylemek istiyorum ve menajerim bunun üzerinde çok çalışıyor. Kontes'i söylemek istiyorum, Susanna'yı değil. Belki on yıl önce böyle düşünmezdim, ama Suzanne henüz benim partim değil: bugün benim için onun şarkısını söylemek, hazinenin olmadığı belli olan bir yeri kazmak gibi ve kazmak uğruna, onunla uğraşmaya değmez. . Ve Kontes, Donna Anna'da olduğu gibi, hiçbir şeye ihtiyacım olmayan türden bir parti - sadece dışarı çıkıp şarkı söylemem gerekiyor. Bu iki kısım, bugünkü vokal arketipime, rolüme çok iyi uyuyor. Tabii Mozart'ın opera serileri de ilgimi çekiyor ama hiç sunulmuyorlar. Ama bunu sunmuyorlar, çünkü bugün burada da bir yanlış anlaşılma var, Rossini'nin repertuarında olduğu gibi kavramların aynı yanlış yorumlanması, çünkü barok şarkıcılar Rossini'nin repertuarına girdiğinde, seyreltilmiş, tını birleşik bir sesin geldiğini zaten söylemiştik. "moda"ya dönüştü.

Ve yanlış anlama, günümüzde teknolojinin yalnızca sesin hareketliliği anlamına gelmesinden kaynaklanmaktadır, ancak teknoloji yalnızca hareketlilik değildir, teknoloji genellikle sesin doğasında olan her şeydir. Sesin kalitesine değil de hareketliliğe vurgu yapıldığında, hem Rossini hem de Mozart'ın standartlarının günümüz estetiği ve aslında barok açıkça deforme oluyor, alt üst oluyor. 20. yüzyılda barok repertuarın en parlak dönemi, örneğin Montserrat Caballe ve Marilyn Horn gibi büyük seslerle ilişkilendirildi, ama aynı zamanda barokla sınırları çok ince olan bel canto müziğinin mükemmel yorumcularıydılar. Bugün artık orada olmayan standart buydu ... Ya da kariyerinin zirvesindeyken Katya Ricciarelli'yi alın: bugün sopranodan onun gibi şarkı söyleyen, aynı zamanda Verdi'nin Un ballo in maschera (orta kısım) Amelia) ve Rossini'nin repertuarı? Bugün bu imkansız, çünkü zamanımızın vokal estetiği açıkça yanlış yönde değişti.

Bugün Mozart'ta bazı orkestra şefleri haksız yere barok anlar geliştirmeye başlıyorlar: benden doğrudan, titreşimsiz bir sesle şarkı söylememi, tamamen kuru, doğal olmayan cümlelere başvurmamı istiyorlar, ki bu benim bu sese dair hislerime hiç uymuyor. müzik. Sonuçta, her zaman bir orkestra şefi seçemezsiniz ve böyle bir kondüktörle karşılaşırsanız ne yapmalısınız? Onunla tüm performansa eziyet edeceksin çünkü ilk başta senden doğrudan bir ses talep edecek ve sadece diğer anlarda onu titretecek. Temelde yanlış olduğunu düşünerek bunu kategorik olarak kabul etmiyorum. Bunu hiç yapmadım ve yapmayacağım, çünkü benim için tekniğin kendisi, sesinize tını rengi veren, kantilden sorumlu olan ve sesli mesajı duygusal içerikle dolduran vibrato çalışmasıyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılı. Ve örneğin, Almanya'da Mozart bugün sadece böyle hadım edilmiş, tonsuz bir şekilde söyleniyor. Bu nedenle, Mozart ile tuzağa düşme tehlikesi vardır: İtalya'da bir yerde, sizin gibi düşünen kişi olan bir orkestra şefi varsa, o zaman mümkün olan her şekilde Mozart içinim!

Şimdi Fransızca lirik repertuvarınızdan bahsedelim. İçinde kondüktörünüzü buldunuz mu?

Hakikaten öyle bir maestro var ki, onun sayesinde bu repertuara girdim ve Fransız operasına tüm kalbimle aşık oldum. Hakkında mükemmel Fransız orkestra şefi hakkında: halk tarafından çok az bilinmesine rağmen adı Stephane Deneuve. Bugün bu gerçekten parlak müzisyen- Stuttgart Radyo Orkestrası'nın Baş Şefi. 2010'da La Scala'da, bu operadaki ilk çıkışım olan Gounod's Faust'ta onunla Marguerite oynadım ve maestro ikna edici bir şekilde benden rolü kimseyle öğrenmememi istedi - sadece onunla. Prömiyerden bir yıl önce Berlin'de buluştuk: Orada, Deutsche Oper'da La Traviata vardı, ama ben bir hafta önce geldim ve aynı zamanda bilerek geldi, tiyatroda bir ders vermemizi ayarladı ve bir zamanlar hazırlık aşamasında olan "Faust" clavier'i okumakla meşgul olduk opera performansı yaygın bir şeydi, ama sonunda gözden kayboldu. Kelimenin tam anlamıyla onunla bu operayı sayfadan okudum. Prömiyerden önceki yıl boyunca tanıştık ve tiyatroda provalar başladığında ben zaten tamamen hazırlanmıştım.

Fransız operasının bu büyük ve bilinmeyen dünyasına tam anlamıyla bir pencere açan, beni hem üslup hem de figüratif estetik açısından aşina olduğum bir rolle tanıştırdığı için maestroya son derece minnettarım. Bana Fransızca telaffuz öğretti, şarkı söylerken tüm fonetik inceliklerini hesapladı, benimle birlikte cümleleri çalıştı, Fransızca'nın İtalyanca'dan nasıl farklı olduğunu açıkladı. Bir İtalyan bir Fransız operası yönetse bile, gereksinimleri bir Fransız şefinkinden tamamen farklıdır. İtalyan tutkusu ve mizacından farklı olarak, Fransız müziğinde her şey daha zarif ve örtülü algılanıyor, tüm Fransız duyguları, İtalyan operasında alıştığımız gibi, dıştan çok içsel görünüyor.

Fransız müziğiyle ilk temasımın Voronezh Opera ve Bale Tiyatrosu'nda gerçekleştiğini not ediyorum: Bizet'nin The Pearl Seekers galasında Leila idi ve daha sonra Rusça sahnelendi. Ve şimdi, bundan yıllar sonra, Bilbao'da (İspanya'da) Leila'yı tabii ki orijinal dilinde söylemem gerekiyor. Leila, Voronezh'de iki sezonda söylemeyi başardığım iki rolden biri oldu (ikincisi, Rimsky-Korsakov'un The Tsar's Bride filmindeki Martha). Bugüne kadar repertuvarımda Bizet'nin Carmen'indeki Michaela ve Gounod'un Romeo ve Juliet'indeki Juliet de yer alıyor. Juliet'i ilk kez Madrid'de bir konserde söylediğimde, bu bölüm Seul'deki ilk çıkışım oldu ve bu yaz onu Arena di Verona'da söyledim. Henüz onunla ilgili başka proje yok ama umarım bu kadın kahramanla tekrar tanışırım. Bu arada Novaya Operası'nda güzel bir Romeo ve Juliet prodüksiyonu olduğunu duydum. İlk başta Vasily Ladyuk beni davet etti, ancak tarihler işe yaramadı - ve "La Boheme" üzerinde anlaştık. Gelecek sezon Bilbao ve Torino'da "Manon" Massenet'e sahip olacağım ve bu sezon, ama şimdiden gelecek yıl Rigoletto için Paris'e gittiğimde kesinlikle orada iyi bir Fransız antrenör bulmaya çalışacağım. Palais Garnier'deki Gilda, Paris Ulusal Operası'ndaki ilk çıkışım olacak.

Pek çok yaratıcı planın olduğunu görüyorum! Rus repertuarını genişletecek misin?

Genişletmek isterdim ama Rus operaları Batı'da çok nadiren sahneleniyor! Tabii ki, her şeyden önce, Çar'ın Gelini'nde tekrar Martha'ya dönmek isterim, ancak bu zaten “Fransız” Leila ile planlanmışsa, o zaman Rus Martha ile neredeyse hiç şans yok. Rus repertuarı ile ilgili ikinci hayalim Çaykovski'nin Eugene Onegin'indeki Tatiana. Batı'da bu kısmı "yakalamak" daha kolay olacak ve kesinlikle söyleyeceğim - Bu konuda da hiçbir şüphem yok, ancak onu ancak içinde zaten özel bir şey söyleyebileceğimi anladığımda söyleyeceğim. Şu anda, hissetmiyorum. Ve bu yine çok, çok uzak bir perspektif meselesidir. Rusya'da Rus repertuarına davetler olsaydı (şimdiye kadar sadece Çarın Gelini'ndeki Martha'dan bahsedebildim), o zaman elbette onları kabul ederdim. Ama aynı zamanda şunu da anlıyorum iyi şarkıcılar Rusya'da pek çok kişi var, bu yüzden nesnel olarak her şey o kadar basit değil, bu nedenle önümüzdeki birkaç yıl boyunca repertuarım ağırlıklı olarak İtalyanca, ama aynı zamanda Fransız besteciler. Ve Mozart...

Ancak Voronej'de, müzikte yetenekli çocuklara yönelik hedefli yardım için Vali Fonu'na fon toplayan yardım balolarında mümkün olduğunca şarkı söylemeye çalışıyorum. Bazılarının bir müzik aleti alması gerekiyor, birinin başka bir mali yardım sağlaması gerekiyor, çünkü çok sayıda genç yeteneğimiz var, ancak herkesin kaderi farklıdır ve her zaman ve herkes becerilerini ve yeteneklerini kendi başına gerçekleştiremez. Yardım baloları düzenleme girişimi Voronej bölgesi valisine ait ve ben de buna elbette karşılık verdim. Bu aktiviteye yeni başlıyoruz, ancak bölgem için sanatsal açıdan önemli bir şey yapmak istiyorum, örneğin bir müzik festivali düzenlemek. Ama tabii ki benim ne böyle projeleri organize edecek yeteneğim ne de organize edecek zamanım var: İşin sadece sanatsal kısmını üstlenebildim. Şimdi tüm bu soruları düşünüyoruz. Ve gözlerimin önünde canlı ve etkili bir örnek var - bu Moskova'daki Vasily Ladyuk festivali. 2013 yılında Novaya Operası'ndaki “Üç Kalbin Müziği” konserinde tesadüfen Vasily ile tanıştık, çünkü öyle oldu ki, o sırada mücbir sebepler nedeniyle gelemeyen sanatçıyı acilen değiştirdim. Ve tiyatro yönetmeni Dmitry Sibirtsev, 2001'den beri hala Samara'da yaşarken ve Dresden'deki bir yarışmada eşlikçiyken tanıdığımız beni aniden hatırladı ve ben de üçüncü sınıf öğrencisiyken buna katıldım. Voronezh Sanat Akademisi. Bir kez daha, dünya küçükse, o zaman sanat dünyasının iki kat küçük olduğuna ikna oldunuz: bazen, takdirin iradesiyle, mesleğimizde gerçekten mucize gibi görünen "tuhaf yakınlaşmalar oluyor" ...

Yulia Lezhneva, zamanımızın en genç (sadece 24 yaşında) opera divalarından biridir.

Aynı zamanda Lezhneva, hem Avrupa'da hem de Rusya'da salonlar tarafından şimdiden alkışlanıyor. Son kez Moskova'da Yulia, Opera Apriori festivalinin açılışında ve seyirciler Moskova Devlet Konservatuarı Büyük Salonunda şarkı söyledi. P. I. Çaykovski koridorlarda bile durdu - melek soprano Lezhneva'yı çok duymak istediler.

Sonra içini çiçeklerle doldurdular. Aynı zamanda, Yulia iletişimde şaşırtıcı derecede tatlı ve hoş olmaya devam ediyor - VM muhabiri de buna ikna olmuştu.

Yulia Lezhneva, öyle oldu ki tam olarak yurtdışına açıldım - diyor. - Ama Moskova'da bir konser her zaman özeldir. 7 yaşında ailem Moskova'ya taşındı, işte ailem, arkadaşlarım, eski öğretmenler, çalışmalarım sırasında beni tanıyan insanlar benim için tezahürat yaptı, destekledi, bu yüzden herkesin sizi beklediği burada performans sergilemek önemli ve çok keyifli.

- Çocukken, belki de her hevesli piyanist Ayışığı Sonatı çalmayı hayal eder. Böyle bir vokal "Ay Işığı Sonatı" var mıydı?

Bir keresinde beni hayrete düşüren St. Matthew Passion için konservatuara girdim. İcra edilme şekli bile değil, müziğin kendisi.

Ve o akşam konservatuarda her sayının kelimesi kelimesine tercümesinin olduğu kitapçıklar verdiklerini hatırlıyorum. Ve bir yıl sonra kitapçıktan ve içinde " Matthew Passion" bulunan bir diskin bulunduğu oyuncudan ayrılmadım, - Sürekli dinledim, kitapçığa yorumlar ve izlenimler ekledim ... Harika bir dönem.

- "Sesini kesmenden" önce mi sonra mıydı?

Ve müzik odasında bile melismalar, zarif notalar ve diğer vokal "güzel şeyler" almada en iyi olduğumu hatırladım. Sınıfta "Yulia gibi şarkı söylemelisin" dediklerini hatırlıyorum - sonra koloratur geliştirmenin gerekli olduğunu anladım.

- Şu anda bir rol modeliniz var mı?

Belirli bir tane yok ama açık bir ruhum var, etraftaki her şeyi dinliyorum, şarkıcıları, enstrümantalistleri dinlemeyi seviyorum, yeni izlenimleri seviyorum ... Daha önce Cecilia Bartoli'ydi, ona karşı oldukça saygılıydım. , ancak kopyalamaya çalışmadı, istemeden ortaya çıktı. Kelimenin tam anlamıyla diskiyle yattım ve tüm notaları bulup söyleyene kadar sakinleşmedim. Benim de yapabileceğimi anladığımda "erteledim" - bana her şeyi öğretti.

- Hem Rusya'da hem de Avrupa'da okudunuz. sen kimin şarkıcısısın

Ben çok vatansever bir insanım. Evet, kariyerim yurt dışında başladı ama aynı zamanda Rusya'da başladı. müzik eğitimi. Burada harika bir şekilde okudum müzik Okulu ve Moskova Konservatuarı'ndaki kolej. Bu nedenle, Rusya veya Avrupa'yı seçmek istemiyorum. Ben oradayım ve oradayım.

- Kırılgan görünüşünüzle, büyük opera divalarının klişesini yıkıyorsunuz.

Hayır, ama canınız istediğinde yememeye başlarsanız, gücünüzün tükendiğini hissedersiniz ve şarkı söylerken ince bir ton eksikliği olur, halk tarafından fark edilmez ama şarkıcı tarafından fark edilir. . Ve kendinize hiçbir şeyi inkar etmediğinizde, her şey yolunda gider.

- Yani kendine hiçbir şeyi inkar etmemeye mi çalışıyorsun?

Evet, ama önemli olan aşırıya kaçmamak, her şeyden biraz denemek, eğlenmek. Ana şey acele etmemek.

- Performanslarınız ışık ve ışıltıyla dolu. sana ne ilham verir?

Sevdiğim işi yapabilmemin, sesin var olmasının. Hayattan içtenlikle zevk alıyorum ama bazen oluyor - gülümseme kayboluyor ve görünüşe göre her şey kötü ... Ve böyle anlarda kimse bana yardım edemez. Kendinize hayatın harika bir hediye olduğunu söylemeniz önemlidir. Çünkü oturup yas tuttuğunuzu fark ettiğinizde daha çok yas tutmaya başlarsınız çünkü deneyimlere o kadar çok zaman harcamışsınızdır ki...

REFERANS

Moskova Devlet Konservatuarı Akademik Müzik Koleji'nden onur derecesiyle mezun oldu. P. I. Tchaikovsky vokal ve piyano sınıfında. Julia, Elena Obraztsova'nın iki uluslararası yarışmasında Grand Prix'i kazandı. 16 yaşında Mozart'ın Requiem'inde Moskova Konservatuarı Büyük Salonu sahnesinde ilk kez sahneye çıktı.

"Orlovsky's Ball" opera sanatı projesi "Kahkaha Operası" performansını ilk kez 4 Kasım'da "Brateevo" kültür merkezinde sunacak.
Moskova'nın Güney İdari Bölgesi'nin Brateevo bölgesi
31.10.2019 Yenileme mahallelerinin projelerinin sergilenmesi, 1 Kasım'dan itibaren Nagorny bölgesinin idaresinde açılacak.
Nagorny Bölgesi, Moskova'nın Güney İdari Bölgesi
31.10.2019 Konserde yaratıcılık, repertuar ve planları anlatan müzikal sayılar yer aldı. korolar departmanlar.
Moskova'nın Lomonosovsky bölgesi SWAD
31.10.2019

Mayıs-Haziran aylarında, zamanımızın en büyük opera şarkıcılarından birinin katılımıyla Giuseppe Verdi'nin La Traviata operasının üç gösterimi yapılacak.

Viyana Devlet Operası / Wiener Staatsoper / Avusturya, Viyana
Opera "La Traviata" / La Traviata
Besteci Giuseppe Verdi
Libretto, Francesco Maria Piave tarafından, Alexandre Dumas'ın oğlu "Kamelyaların Hanımı" adlı oyunundan uyarlanmıştır.
Kondüktör:
Yönetmen: Jean-Francois Civadier

Döküm

Violetta Valerie, fahişe Irina Lungu (soprano)
Provence'tan genç bir adam olan Alfred Germont - Pavol Breslik (tenor)
Georges Germont, babası - Placido Domingo (bariton)

günleri göster

Bir ara ile üç perdelik opera
Fransızca ve İngilizce altyazılı, İtalyanca olarak söylendi

Besteci Giuseppe Verdi'nin en popüler operalarından biri olan La Traviata, 150 yılı aşkın bir süredir tüm dünyada opera sahnelerinde sahneleniyor.
Plácido Domingo için özel bir üretim. Domingo, 19 yaşındayken La Traviata'da Alfredo rolünü oynadı. Bu rol, şarkıcının ilk büyük rolü ve aynı zamanda yankılanan başarısının başlangıcıydı. Sanat kariyeri boyunca dünyanın birçok ülkesindeki sahnelerde yaklaşık 130 ana parça seslendirdi. Başka hiçbir tenor böyle bir başarıya sahip olamaz.

La Traviata'nın sahne prodüksiyonunun yanı sıra Placido Domingo, Franco Zeffirelli'nin yönettiği ünlü opera filmi La Traviata'da rol aldı.

Aynı performans, Placido Domingo'nun şef olarak ilk çıkışıydı. 1973/1794 sezonunda New York'ta La Traviata operasını yönetti.

Maestro, bariton bölümleri icra etmeye geçtikten sonra, La Traviata repertuarında kaldı. Ancak şimdi Alfredo'nun babası Georges Germont rolünü oynuyor.

Pek çok röportaj, Placido Domingo'nun oynadığı tüm rollere ne kadar ilham verdiğini gösteriyor:
- Tabii gençken söylediğim parçalar var ve şimdi onları söyleyemem. Ama bugün oynadığım tüm roller beni zorluyor ve aynı zamanda bana zevk veriyor.

Geçtiğimiz Mayıs ayında Placido Domingo 50. yılını sahnede kutladı. Viyana Operası. İÇİNDE Şu anki mevsim seyirciye Viyana Opera Binası'ndaki performanslarını izlemeleri için yine eşsiz bir fırsat sunuyor.

Irina Lungu - Rusça Opera şarkıcısı, muhteşem bir sopranonun sahibi. Son opera sezonunun sonuçlarına göre, şarkıcı dünyanın en çok aranan sopranoları listesinde ikinci sırada yer alıyor (yetkili portalın değerlendirmesi klasik müzik bachtrack.com.) Irina Lungu ilk çıkışını Milano'daki La Scala'da yaptı, son sezonlarda dünyanın önde gelen opera binalarının sahnelerinde sahne aldı - Grand Opera, Viyana Operası, Metropolitan Operası, Covent Garden, opera evlerinde Berlin, Roma, Madrid ve en ünlü yaz opera festivallerinde.

Gösterinin tüm günlerinde, Viyana Operası'nın orkestrasını seçkin şef Marco Armigliato yönetecek.

larina elena

"Üç kalbin müziği" - bahar konserlerinden birinin adı buydu yeni opera en başarılı şarkıcılardan birinin yer aldığı modern İtalya Irina Lungu. Vatandaşımız üç yaşındaki oğlu Andre ile Milano'da yaşıyor. 2003 yılında Voronezh Opera ve Bale Tiyatrosu solisti olan Irina, La Scala Tiyatrosu'ndan burs aldı. O zamandan beri şarkıcılık kariyeri son derece başarılı oldu, ancak Avrupa'da. Irina Lungu birçok uluslararası yarışmanın galibidir. Bunlar arasında Moskova'daki Çaykovski Yarışması, St. Petersburg'daki Elena Obraztsova Yarışması, Viyana'daki Belvedere, Andorra'daki Montserrat Caballe, Los Angeles'taki Operalia yer alıyor. Zaferleri arasında en parlak olanı, Atina'daki Maria Callas Uluslararası Vokal Yarışmasında Grand Prix ve altın madalyadır. Bugün Irina Lungu, İtalya ve Avrupa'nın önde gelen opera sahnelerinde şarkı söylüyor. Novaya Operası'ndaki konser aslında şarkıcının on yıllık bir aradan sonra memleketindeki ilk performansı.

— Irina, önce Voronezh'de, sonra İtalya'da okudun. Rusya'da ve İtalya'da ses eğitimi ne kadar farklı?

— İnanıyorum ki bizim Rus vokal okulu en iyisi değilse, o zaman uluslararası düzeye karşılık gelir. Çok iyi seslerimiz var. Sanırım çok şanslıyım. 18 yaşında harika bir ses öğretmeni Mihail İvanoviç Podkopaev ile tanıştım ve davetlere rağmen onu ne Moskova ne de St. Petersburg öğretmenleri olarak değiştirmek istemedim. Yanında beş yıl okudum, mezun oldum. voronej enstitüsü onun yönetimi altında sanat. Ve 2003'te İtalya'ya gittikten sonra, hala tavsiye almak için ona geri dönüyorum. repertuar politikası, ses üzerinde çalışmak için. Bel canto'ya, operaya aşık bir adam bu ve orada öyle hocalar yok. Her halükarda, orada böyle bir insan bulamadım. Orada harika müzisyenler var, ünlü soprano Leila Kubernet, harika piyanistler ile bir ses üzerinde çalışıyorum. Bu aşamada Fransız müziği eğitimi alıyorum. Ve tabii ki, Batı repertuarı üzerinde çalışmak için, dilin kültürünü, zihniyetini özümsemek için orada olmanız gerekir. Ama içimdeki temel, elbette Voronezh'deki öğretmenim tarafından atıldı. Bunu büyük bir gururla söylüyorum çünkü çok önemli. Avrupa'da işte böyle bir titizlikle hiç karşılaşmadım. Orada, ifadelerde bir miktar düzeltmeye güvenebilirsiniz, ancak bu tür temel çalışmalar yalnızca Rus vokal okulumuz tarafından yürütülür ve bu nedenle benzersizdir.

— Avrupa'da Rus repertuarını söylemeyi başarıyor musunuz?

— Ne yazık ki, çok az. 2005'te La Scala'da Tchaikovsky'nin "Cherevichki" şarkısını söyledim ve bana öyle geliyor ki hepsi bu. İtiraf etmeliyim ki, pratikte oraya gitmediği için artık Rus repertuarından uzaklaştım. Şimdi ağırlıklı olarak bel canto söylüyorum - Bellini, Donizetti, Verdi, Fransız müziğini çok seviyorum. repertuarımda var Fransız operaları, ve bu konserde ilk bölümü Fransız müziğine ayırdık. Örneğin, şarkı söylediğimiz bir konserde büyük sahne Faust'tan ve bu benim en sevdiğim rollerden biri. Carmen'i seviyorum elbette. Konserlerde sık sık Fransızca aryalar söylüyorum çünkü bir şarkıcı olarak bireyselliğimi vurguladıklarını düşünüyorum. "Romeo ve Juliet" operasından Juliet'in aryasını sık sık söylerim, bu opera günümüzün en repertuarlarından biri haline geldi.

— Şimdi repertuarına hangi bölümü eklemek istersin?

— Şimdi Lucia di Lamermour'un (Aralık'ta gösterime girecek) provasını yapacağım ve bir sonraki rüya çıkışı Bellini'nin Puritani'sinden Elvira olacak.

— Rus repertuarından bir şarkı söylemek ister misiniz?

— Gerçekten seviyorum" kraliyet gelini”, ama Avrupa'da bu operanın oynanacağı bir tiyatro bulmak çok zor.

— Yurtdışında inanılmaz derecede başarılı bir kariyerin var. İtalya'nın, Almanya'nın, Viyana'nın, Pekin'in, Los Angeles'ın en iyi sahnelerinde şarkı söylüyorsunuz ve 10 yıldır Rusya'da değilsiniz. Bunun için herhangi bir nedeni var mı?

— Sadece gittiğimden beri davet edilmedim ve tüm bağlantılarım kesildi. Avrupa'da çalıştığım için bazı davetler reddedildi. Ama çok şükür buradayım. Dmitry Alexandrovich (Novaya Operası direktörü D.A. Sibirtsev) beni iki gün boyunca kaçırmayı başardı. Şimdi Verona'da "Aşk İksiri" yapımına katılıyorum ve diplomatik hamlelerle iki günlüğüne serbest bırakıldım. Ve işte buradayım, yol maceraları olmadan olmasa da önemli değil. Elbette Batı'da çeşitli ünlü ve prestijli tiyatrolarda çalışıyorum ama Rusya'da şarkı söylemek benim için kesinlikle özel bir duygu. Çok heyecanlıyım çünkü bu benim memleketimde bir performans, burada inanılmaz sıcak bir atmosfer var ve özel bir tatmin ve unutulmaz duygular yaşatıyor.

— Irina, bize Voronej'den La Scala'ya gitmeyi nasıl başardığını anlat, çünkü orada zaten 10 prömiyer yaptın?

— Herhangi bir şarkıcı için iyi yardımcı servettir. önemli doğru zaman doğru yerde olmak, herhangi bir yarışmada başarıyla şarkı söylemek. Ama asıl gördüğüm şey hazırlıkta aynı. Hayal edebileceğiniz cilalı bir repertuarınız olmalı. Benim durumumda böyleydi. Eğitimimin son yılında kendi programımla, eşlikçimle çeşitli uluslararası yarışmalara gittim. Gösterilerim o kadar inandırıcıydı ki ödüller ve ödüller aldık, fark edildim. Ve sonra Viyana'daki bir yarışmada, beni Riccardo Muti için seçmelere davet eden Luca Targetti beni duydu (o sırada La Scala'nın sanat yönetmeniydi) ve benden hoşlandı. O zamandan beri her şey böyle devam etti. Ama bence asıl mesele, fikrinizi, repertuarınızı, bireyselliğinizi, özelliğinizi satmayı mümkün kılan mesleki eğitiminizdir, böylece binlerce kişi arasından fark edilebilirsiniz. Moskova ve St. Petersburg'u geçerek hemen İtalya'ya böyle gittim. Ama hayatım boyunca birlikte çalıştığım eşlikçim Marina Podkopayeva'ya sadık kaldım. Voronezh'de yaşıyor. Ve fırsat bulur bulmaz hemen memleketime gidiyorum ve eski sınıftaki eski güzel günlerdeki gibi çalışıyoruz ve bu beni destekliyor ve bana güven veriyor. Ailem gibi - anne, erkek kardeş, kız kardeş.

— Irina, harika şeflerle çalıştın. Riccardo Muti'den bahsettiniz ama La Traviata'da birlikte şarkı söylediğiniz Lorin Maazel ve diğer harika ustalar da vardı. Orkestra şeflerine karşı bir tutkunuz var mı?

— Ben kesinlikle açık bir insanım, herhangi bir yaklaşımı severim. Elbette üretime kendi fikrimle geliyorum ama kesinlikle başkalarının fikirlerini de açıkça kabul ediyorum. Konser bir anlamda sonuçtur. Ve çalışma sürecini, teması ve hatta yüzleşmeyi seviyorum. Burada maestro Campellone ile Fransız repertuarında harika bir iş çıkardık, bize çok faydalı şeyler anlattı. Bu yüzden sadece bir isim veremem, sadece herkesle çalışmaktan gerçekten zevk alıyorum. Hem genç şeflerle hem de Lorin Maazel gibi ustalarla çaldım. En ünlü şeflerçok demokratik ve arkadaş canlısı, size yardım etmeyi o kadar çok istiyorlar ki! Onlarla çok iyi bir yaratıcı temas var.

— Opera binasında genellikle çok abartılı olan modern yönetmenlik hakkında ne düşünüyorsunuz? Yönetmenin niyetini kabul etmediğiniz için yapımı yarıda bırakmak zorunda kaldınız mı?

— Opera binasında modern yönü kabul etmeyen şarkıcılar var. Ben onlardan biri değilim. Benim için asıl mesele, bunun delicesine yetenekli bir fikir olması ve inandırıcı olması. Tiyatroyu bilen bir yönetmen her zaman aksan yerleştirebilecektir. Ve kahramanların mini etek mi yoksa mayo mu giyeceği o kadar da önemli değil. Tarihi kostümlü, korseli ve takılı performansları tabii ki seviyorum. Ama aynı zamanda çok gerçekçi oynamam gereken modern minimalist performanslarda da çalıştım ve bundan çok keyif aldım. Roland Beli, Robert Carsen, Jean-Francois Sevadieu gibi klasik okumadan ayrılan yönetmenler sayabilirim ama bence harika performanslardı.

— "Eugene Onegin" oyunundaki Tatyana rolü için Bolşoy Tiyatrosu yapımına davet edildiğinizi hatırlıyorum. Ancak sonuç olarak Moskova'daki prömiyeri terk ettiler. Reddetmenize yönetmen Dmitry Chernyakov ile olan anlaşmazlıklar neden olmadı mı?

— Sadece birbirimize uymadık. O bir şey istedi ve ben başka bir şey gördüm. İkili bir çatışma vardı ve o sırada La Scala'daki prodüksiyona geç kaldım ve Milano'daki projeyi Chernyakov'un bana pek yakın olmayan fikrine feda etmemeye karar verdim. Ayrıca aradan yıllar geçti ve bir sanatçı olarak bende belli bir gelişme oldu. Bugün bazı şeyleri kabul etmiş ve kendi tarzımda onlarla oynamış olabilirim. Ve sonra genç bir maksimalisttim. Bu tür her olayın kendi bağlamı vardır. Belki farklı bir anda ve farklı bir bağlamda her şey farklı olabilirdi. Sadece Chernyakov ve ben birbirimize uymuyoruz. Olur. Bolşoy Tiyatrosu'ndan başka teklif almadım.

— Halihazırda hangi projeleri ve sözleşmeleri planladınız?

— Bir sonraki prömiyer Verona - Donizetti'nin Aşk İksiri'nde yapılacak. Ardından Aix-en-Provence'daki festivalde yeni bir prodüksiyon olacak "Rigoletto" Rusya'da bulunan Robert Carsen ve şef Gianandrea Noseda tarafından yönetilecek.Mariinsky Tiyatrosu'ndaki çalışmalarından biliyorum. Sonra La Scala'dan Japonya turuna çıkıyorum. "Lucia di Lamermoor" un daha fazla üretimi İtalyan tiyatrosu Katanya'daki Bellini. Ardından Metropolitan Opera'da, Liceo Tiyatrosu'nda (Barselona), Covent Garden'da vb. La bohème. Ve böylece 2016'ya kadar.

fotoğraf Galerisi