Як називається японське мистецтво. Японія художні фільми

Формування чайної церемонії (тяною) як одного з найбільших явищ японської культури відбувалося в дуже важкий, невиразний для країни час, коли міжусобні криваві війни і чвари феодальних кланів робили життя людей нестерпним. Чайна церемонія виникла під впливом естетики та філософії дзен-буддизму і прагнула протиставити настрою безвиході поклоніння Красі.

У ті часи володарі з військового стану та багаті торговці, збираючись для політичних та торгових дискусій, часто користувалися випадком для того, щоб подати чай. Вважалося витонченим задоволенням сидіти на дозвіллі в тихій чайній кімнаті, відсторонившись від життєвих турбот і хвилювань, і слухати звуки води, що кипить на жаровні. Великий учитель Сен-но-Рікю звів чаювання в мистецтво. Він зміг розвинути мистецтво чайної церемонії в тому вигляді, в якому він це зробив, частково через вищезгадане соціальне тло.

Чайна кімната, споруджена Сен-но-Рікю, на перший погляд здавалася дуже простою і навіть надто маленькою. Але планувалася вона найретельніше, з тонкою розбірливістю, аж до найдрібнішої деталі. Вона була оформлена ковзними дверима, вкритими білим напівпрозорим японським папером. Стеля була оброблена бамбуком або очеретом, а відкрита фактура стін високо цінувалася. Опори здебільшого були дерев'яними, що зберігали свою природну кору. З метою створити ефект житла самітника при оформленні чайної кімнати все марне оздоблення та надмірні прикраси були відкинуті.

Сьогодні чайна церемонія - це найбільш самобутнє, унікальне мистецтво. Вона відіграє важливу роль у духовній та суспільного життяяпонців протягом кількох століть. Згодом ритуал проведення чайної церемонії канонізувався, заданими стали послідовність дій та поведінки. Вже увійшовши у просту дерев'яну браму, гості занурювалися в особливий світ, залишаючи за спиною все мирське і в мовчазній зосередженості підкоряючись лише законам дійства.

Класична тяною - це строго розписаний обряд, у якому бере участь майстер чаю (людина, яка заварює і розливає чай) та інші учасники церемонії. Фактично майстер чаю - це жрець, який здійснює чайне дійство, інші - прилучаються до нього. У кожного свій певний стиль поведінки, що включає як позу при сидінні, так і кожен рух, аж до виразу обличчя та манери мови.

Під час чаювання вимовляються мудрі мови, читаються вірші, розглядаються витвори мистецтва. Для кожного випадку з особливою ретельністю підбираються букети квітів та спеціальний посуд для заварювання напою.

Відповідний настрій створює і сама обстановка, яка напрочуд проста і скромна: мідний чайник, чашки, бамбукова мішалка, скринька для зберігання чаю тощо. Японці не люблять яскравих блискучих предметів, їм імпонує матовість. Д. Танідзакі пише з цього приводу: «Європейці вживають столове начиння зі срібла, сталі або нікелю, начищають її до сліпучого блиску, ми ж такого блиску не виносимо. Ми теж вживаємо вироби із срібла... але ніколи не начищаємо їх до блиску. Навпаки, ми радіємо, коли цей блиск сходить із поверхні предметів, коли вони набувають нальоту давнини, коли вони темніють від часу... Ми любимо речі, що носять на собі сліди людської плоті, масляної кіптяви, вивітрювання та дощових набряків». Всі предмети для чайної церемонії мають відбиток часу, але всі бездоганно чисті. Напівтемрява, тиша, найпростіший чайник, дерев'яна ложка для насипання чаю, груба керамічна чашка - все це заворожує присутніх.

Найважливішим елементом в інтер'єрі чайного будиночка вважається ніша – токонома. У ній зазвичай вміщено сувій з живописом або каліграфічним написом і ставиться букет квітів, курильниця з пахощами. Токонома розташовується навпроти входу і відразу привертає увагу гостей. Сувій для токонами підбирається з особливою ретельністю та є неодмінним предметом обговорення під час церемонії. Він написаний у дзенбуддійському стилі і такою архаїчною каліграфією, що мало хто може розібрати та зрозуміти зміст написаного, наприклад: «Бамбук зелений, а квіти червоні», «Речі є речі, і це чудово!» або "Вода є вода". Присутнім пояснюється зміст цих висловів, зовні простий, але водночас дуже глибокий філософському плані. Іноді ці думки виражені в поетичній формі хайку, іноді відбиті у картині старого майстра, як правило, з дотриманням принципу «вабі».

У Японії існує безліч форм чайної церемонії, але встановлено лише кілька: нічний чай, чай зі сходом сонця, ранковий чай, післяобідній чай, вечірній чай, спеціальний чай.

Нічний чай починається за місяця. Гості приходять приблизно о пів на дванадцяту і йдуть близько четвертої години ночі. Зазвичай заварюють порошкоподібний чай, який готують на очах у гостей: листя звільняють від прожилок і подрібнюють на порошок у ступі. Такий чай буває дуже міцним, його не подають на порожній шлунок. Тому спочатку гостей трохи частують різною їжею. Чай зі сходом сонця п'ють близько трьох чи чотирьох годин ранку. Гості залишаються при цьому до шостої години. Ранковий чай практикується у спеку, гості збираються до шостої години ранку. Пообідній чай зазвичай подається тільки з тістечками приблизно за годину дня. Вечірній чай починається близько шостої години вечора. Спеціальне чаювання (риндзитя-ною) влаштовують з будь-яких урочистих випадків: зустріч із друзями, свята, зміна пори року тощо.

На думку японців, чайна церемонія виховує простоту, природність, охайність. Це, звичайно, так, але в чайній церемонії укладено щось більше. Залучаючи людей до точно встановленого ритуалу, вона привчає їх до суворого порядку та безумовного виконання соціальних правил. Чайна церемонія є одним із найважливіших основ культивування національних почуттів.

Хімедзі - один із найдавніших замків Японії.

Мистецтво Японії найдавнішого періоду
Японська культура складалася та розвивалася у особливих природних та історичних умовах. Японія розташована на чотирьох великих і багатьох дрібних островах, що омиваються морями. Перебуваючи на самому краю сходу, вона зазнавала періодичного посилення, потім знову загасаючого впливу таких материкових культур, як Китай і Корея. Періоди взаємодії з зовнішнім світомзмінювалися в японській історії довгими століттями культурної ізоляції (періоди з X по XIV та з XVII по сер. XIX ст.). Остання обставина сприяла напрацюванню та закріпленню багатьох унікальних рис японської культури загалом та мистецтва зокрема. Знайомство з культурою Заходу відбулося XVI в., коли основні риси самобутньої японської цивілізації вже сформувалися. До 1854 Японія здійснювала торгівлю з Китаєм і Голландією тільки через один порт.

Від найдавніших мешканців Японських островів - мисливців та рибалок - дійшли виявлені в результаті археологічних розкопок Кам'яні сокири, гарпуни, наконечники стріл і виліплені від руки керамічні судини, що отримали назву через відбитий на них візерунок «Демон», що означає «слід мотузки». Тому культуру неоліту у Японії також називають Демон. Переселенці, які прибували з Сибіру, ​​з Полінезії, а пізніше з Кореї та Китаю, стояли на різних щаблях. культурного розвитку. Це пояснює те, що в одних культурних прошарках виявляються пам'ятники як неолітичної епохи, так і епохи бронзи. Мова японців близька до мов алтайської групи. Коли в результаті контактів з китайською культуроюяпонці познайомилися з китайською ієрогліфічною писемністю, виявилося дуже важко пристосувати китайську ієрогліфіку для передачі усного японського мовлення.

Початковий період культури Японії, про який збереглися достовірні дані, називається епохою кофунів (курганів) - поховань, наземна частина яких представляла земляний насип характерної форми - поєднання кола та трапеції, що нагадує замкову щілину, що символізувало союз землі та води. Вони були значних розмірів, їх оточував подвійний рів з водою, поверх кургану росла трава, а по внутрішньому периметру насипу розташовувалися порожнисті глиняні фігурки людей, тварин, моделі човнів та будинків заввишки від 30 см до півтора метра. Вони називалися "ханіва". Усередині похоронної комори розташовувалися труни з померлими представниками знаті, куди поміщали ритуальні предмети: дзеркало, дзвін «дотаку», чиє звучання мало відлякувати злих духів і залучати богів - покровителів землеробів. У похованнях царів Ямато обов'язково були такі ритуальні символи влади, як нефритові підвіски і мечі. Для звеличення царів роду Ямато було встановлено початок історії, визначено ієрархію богів, виділено божество Аматерасу («З небес сяюча»), яке передало владу над японськими островамицарям із клану Ямато. Назва «Ніппон» або «Ніхон», що означає «країна сонця, що сходить», з'явилося в VII ст. У 608 р. почалися поїздки для навчання до Китаю, які тривали протягом двох з лишком століть.

Дотаку - ритуальні бронзові дзвони - звужені до верху циліндри, увінчані широкими петлями з фігурними виступами, стінки яких розділені на квадрати, заповнені графічними зображеннями

Різнорідні вірування японців, яких дуже багато рис первісного анімізму і фетишизму, відбилися у Синто. Сінто («шлях богів») за своєю суттю відображає уявлення японців про загальну одухотвореність природи. Численна безліч так званих «камі» (духи) існує як у нерукотворних ландшафтних об'єктах, таких, як озеро Біва і гора Фудзі, так і в створених людьми предметах – мечах, дзеркалах, наділених через це магічними властивостями. Синтоїстський храм відрізняла простота дерев'яної конструкції: на палях містилося однозальне приміщення, з усіх боків оточене верандою. Усередині синтоїстського храму було напівтемно і порожньо. Віруючі не заходили до храму.

Період Пара (645-794 рр. І.Е.)

Нара - найменування першої столиці та єдиного на той час міста Японії. Це був час утвердження японської державності, запровадження буддизму та створення пам'яток буддійського мистецтва – храмів, пагод, різноманітних статуй буддійських божеств. Буддизм у період був й не так вірою народу, скільки продовженням політики двору. Різні секти буддизму грали дуже значну роль при дворі, земельні володіння буддійських монастирів зростали, ченці мали великий вплив при дворі. З'являються буддійські монастирі, що є групами дерев'яних будівель, розташованих на обнесеній стінами прямокутній ділянці. Особливого значення набули широка алея, що йде до парадних воріт, площа перед храмом, видима здалеку багатоярусна пагода. Дерев'яні храми були забарвлені червоним лаком, піднесені на кам'яних фундаментах, мали широкі вигнуті подвійні дахи - іримоя.

Серед ранніх буддистських храмів - Асукадера, Хорюдзі, будівництво останнього було розпочато в 607 р. за велінням правлячого тоді наслідного принца Сетоку Тайсі. Монастир складався з 53 будівель, розміщених на площі 90 тис. кв. м. Фасадом храм звернений на південь, основні споруди розміщені на осі північ – південь, сакральна зона – північ, там розташовувався зал для проповідей – кодо, кондо та п'ятиярусна пагода. У Хорюдзі знаходилося 265 статуй, головним скульптурним зображенням була трійця Шакьямуні, представлена ​​скульптурою засновника віровчення, що супроводжується двома бодхісаттвами. У VIII ст. при великих монастирях вже були майстерні скульпторів. Поширився культ бодхісаттви Каннон, чиє ім'я було перекладом санскритського імені Авалокітешвара (що слухає звуки світу). Сповнений співчуття до живих істот, бодхісаттва здатний слухати звуки страждаючих, де б вони не знаходилися. Культ Авалокітешвари виник у північно-західній Індії, поширився у Китаї. В «сутрі Лотоса» говорилося про те, що бодхісаттва приймав образ тих істот, які закликають до нього. У Японії поширення культу Каннон призвело до появи великої кількості її зображень - святої Каннон, що допомагає в пеклі, Каннон з головою коня поширює милосердя на худоби, злих духів - асурів рятує тисячорука Каннон, Каннон з рибальським лісом рятує людей.

Період Хейан (794-1185 рр.)

У 794 р. столицю держави було перенесено до міста Хейан (зараз Кіото). У період Хейан розквітла витончена придворна культура. Було створено японський складовий лист – кана (яп. – запозичений ієрогліф). Спочатку цим листом користувалися лише жінки, тоді як офіційна писемність продовжувала залишатися китайською. Протягом X ст. жіночий лист став використовуватися у приватній практиці. У ХІ ст. настав період розквіту японської класичної літератури, блискучим зразком її є роман «Гендзі Моногатарі», створений придворною жінкою Мурасакі Сікібу.

У мистецтві Хейан чільне місце займають буддійські образи езотеричних сект Тендай і Сінгон, що прийшли в цей час з Китаю, які вчили тому, що всі живі істоти мають сутність Будди. Тренуючи дух і тіло, виконуючи обітниці, будь-хто здатний набути сутність Будди в процесі кількох перероджень. Храми цих сект будувалися на вершинах гір та скельних уступах, молитовні в них ділилися на дві частини. У внутрішню, де було священне зображення, прості віруючі не допускалися.

Епоха Хейан – час розкоші правлячих кіл. У цей час формується тип жител Сіндена. Стіни та умови теплого клімату були капітальними і мали опорного значення. Вони дуже легко могли бути розсунуті, замінені міцнішими на холодний час або в теплий час зняті зовсім. Вікон також не було. На решітчастий каркас замість шибок натягувалася білий папір, що пропускає в приміщення неяскраве розсіяне світло. Широкий карниз даху оберігав стіни від вогкості та сонячних променів. Внутрішнє приміщення, позбавлене постійних меблів, мало ковзні стіни-перегородки, завдяки яким можна було за бажанням створювати то зал, то кілька невеликих ізольованих кімнат, підлогу вистилали солом'яними циновками - татами, одного розміру (180 на 90 см).

З Китаю в період Хейан привозили конфуціанські та буддійські тексти. Нерідко вони оздоблювалися зображеннями. Спочатку японські художники копіюють китайські «уславлені місця», але починаючи з X в. звертаються до зображення пейзажів та звичаїв рідної країни. Оформляється живопис «ямато-е», який відрізнявся від китайського живопису використанням тем з японської поезії, новел, романів або народних легенд. Свою назву живопис отримав від назви району Ямато – південно-заладної частини острова Хонсю, де склалася державність Японії.
Зображення часто представляло сувій ілюстрацій з відповідним текстом, який брався руками і розкручувався праворуч наліво, при прочитанні відповідної ділянки розглядалася ілюстрація.

Пік розквіту живопису ямато-е посідає пізній Хэйан. У цей час з'явилися художники-професіонали, що писали картини на світські сюжети на ширмах, розсувних перегородках (седзі) та сувої - емакімоно. Найстаріший із сувоїв – «Гендзі моногатарі». Свитки емакімано являли собою картини-повісті. До наших днів дійшов сувій «Гендзі-монога-тарі-емакі», знаменитий роман Мурасакі Сікібу, що зображує в яскравих фарбах пусте життя аристократії, він є синтезом каліграфії, літератури та живопису. У 19 з 54 розділів роману, що збереглися, в ілюстраціях немає єдиного сюжету і наскрізної дії. Більшість зображених сцен відбувається в інтер'єрах, все видиме показано зверху, немає єдиної точки сходження ліній, масштабної відповідності фігур та архітектури, обличчя всіх персонажів однакові, різні лише зачіски та одягу. Головним предметом уваги художника є передача емоційного змісту подій, що відбуваються в романі, які були добре відомі всім. Основні прийоми - побудова простору та використання можливостей кольору. Для передачі внутрішнього стану героїв та атмосфери кожної сцени художнику важливо, під яким кутом по відношенню до нижнього краю сувоя спрямовані діагональні лінії, що позначають балки конструкцій, карнизи завіс, або край веранди. Залежно від ступеня емоційної напруженості кут змінюється від 30 до 54 градусів.

Бодхісаттва — Каннон виступає в Китаї, Кореї та Японії переважно в жіночому вигляді, в руках зі глечиком, гілкою верби та ласо.

У будинках аристократів був ніяких перегородок, на ширмах і завісах кращі художники малювали картини ямато-е. Картини ямато-е становили єдність з літературними творами, які також розміщувалися на ширмах та завісах. В антологіях поезії X-XIII ст. часті вірші, написані на ширмах IX-X століть. Найбільша кількість таких віршів містить антологія «Суйсю». Як поезія була на тему чотирьох сезонів, так і живопис для ширм. У руслі народної пісенності складалася, та був стала основою японської класичної поетики певна система поетичних формул. Так, знаком весни був туманний серпанок, дерево верби, знаком літа – зозуля, цикади, осені – червоне листя клена, олень, місяць, зими – сніг та квіти сливи.

Кіото - стародавня перлина Японії.

Велика кількість у мові омонімів давало можливість надати віршам багато смислів. Теми та сюжети дозволяли через деталь або натяк при вкрай лаконічній віршованій формі (у танку 31 склад) висловити різноманіття всіх відтінків емоційних станів. Від ширм із текстами поступово відбувся перехід до ширм без тексту. Так склалися власне мальовничі жанрові підрозділи - сікі-е («картини чотирьох сезонів») та мей-се-е («картини уславлених місць»).
Композиція подібних картин не відповідала жодній із категорій китайського живопису. Найбільше злиття природи та людини стане характерним для різних жанрів мистецтва Японії.

Період Камакура (1185-1333 рр.) та Муроматі (1333-1568 рр.)

Наприкінці XII століття столиця знову була перенесена, владу в країні внаслідок кривавої міжусобиці захопив клан Мінамото, голова якого переніс столицю до свого поселення Камакура, назва якого стала іменем наступного етапу історії Японії. До влади в країні прийшов військовий стан самураїв, з-поміж яких виходили сьогуни - дійсні військові правителі Японії, за імператором, що залишився в Нара, зберігалися лише номінальні атрибути влади. Витонченості придворної культури самураї надавали перевагу простоті. Монастирі секти дзен вже не включали пагоди, храми нагадували сільські хатини. З кінця XIII ст. під впливом пантеїстичних уявлень секти дзен пейзаж став втілювати ідею про перебування буддійських божеств у будь-яких ландшафтних об'єктах. У монастирях Камакури склалася іконографія портретів Мінського патріарха: сидячої та спокійної пози з підкресленою характеристикою обличчя, гіпнотичною силою погляду. Під впливом секти дзен скульптура відсувається другого план, живопис, особливо пейзажна, висловлює світовідчуття людей цієї епохи.

Період Муроматі починається з подій 1333, коли феодали південно-східних районів острова Хонсю захопили і спалили Камакуру, повернувши столицю в Хейан. Це був час внутрішніх усобиць та воєн феодальних кланів. Ведучим для смутного часу стало вчення адептів секти дзен про те, що, досягнувши єдності з природою, можна змиритися з негараздами життя і досягти єднання зі світом. На перше місце в японському мистецтві під впливом вчення дзен про те, що «тілом» Будди є природа, висувається пейзажний живопис. У другій половині ХІІ ст. в Японію з Китаю проник живопис з використанням чорної туші. Японці, які переважно займалися таким живописом, були членами секти дзен. Вони й створили новий стиль, який пояснював нове віровчення (шига-ку - комбінація живопису та поезії). XV та XVI ст. - час максимального розквіту живопису тушшю, провідним майстром якого був Сессю Тойо (1420-1506 рр.). Паралельно із цим стилем існував і стиль ямато-е.

Зміни соціально-політичних відносин, які висунули першому плані військовий стан, зумовили і поява XVI в. архітектурного стилю «Сеїн». Насамперед єдиний об'єм будинку розчленовується тепер за допомогою розсувних дверей (сидзі), розсувних перегородок (фусума). У кімнатах з'явилося спеціальне місце для занять - полиця для книг та вікно з широким підвіконням і ніша (токонома), куди ставився букет або камінь вибагливої ​​форми та вішався вертикальний сувій.

У XVI ст. історія японського зодчества з'являються чайні павільйони у зв'язку з необхідністю правильного проведення чайної церемонії. Чай був завезений до Японії в період Камакура буддійськими ченцями як зілля. Чайний ритуал (тя-но-ю) було запроваджено з ініціативи дзенського ченця Мурата Сюко та вимагав спеціального методу для свого проведення. Так склався новий тип архітектурної споруди - тясіцю (павільйон для чайної церемонії), у своїй конструктивній основі він був близький до житлового будинку, а за своєю функцією - буддійського храму. Опори чайного павільйону були дерев'яними, по толок оброблявся бамбуком або очеретом. Усередині вистеленої циновками хатини в 1,5 або 2 тата ми з глинобитними стінами, маленькими різнорівневими вікнами, нішою токонома з висить монохромним пейзажем і квіткою у вазі знаходився вогнище, полиця для начиння.

У період Муроматі розквітає мистецтво створення садів. Японські сади різні. Малі сади найчастіше розташовані при храмах або пов'язані з традиційним будинком, призначені для перегляду. Великі ландшафтні садирозраховані сприйняття їх зсередини.

Кондо (яп. золотий зал) - головний храм буддійського комплексу, що містить ікони, статуї, настінні розписи

Дзенський прихрамовий сад будувався за принципом монохромного пейзажного свитка. Художник замість аркуша паперу використовував гладь озера або засипаний галькою майданчик, замість плям і розмивів гущі – каміння, мохи, листя дерев та чагарників. Поступово з саду зникли квіти, їх замінили мохи та чагарники, замість містків почали використовувати каміння. Одні сади були пейзажні, горбисті (цукіяма). Сади цукіяма були комбінацією таких природних елементів, як камені, мохи, дерева, водойми, з обов'язковим павільйоном на березі. Найдавніший пейзажний сад знаходиться в Кіото і належить монастирю Соході. Сухі сади звалися «хиранива», тобто. плоскі. Хіраніва - це «філософський» сад, як він вимагав від глядача розвиненої уяви. Сад хіранів «залишався з каміння, піску, гальки. Замкнений з трьох боків стіною, що обкрутила його, сад призначався тільки для споглядання. Наприкінці XV ст. створено один із найвідоміших сухих садів у монастирі Реандзі. Він включає 15 каменів, розташованих на прямокутному засипаному гравієм майданчику. У саду хіранива монастиря Дайтокудзі, створеному в 1509 р., природа представлена ​​композиціями з каміння та гальки. Одна з частин саду отримала назву «океану порожнечі» і є двома невисокими гальковими пагорбами серед прямокутного майданчика. Сади могли доповнювати одна одну.

Наприкінці XV ст. формується придворна школа декоративного живопису Кано. Засновник школи Кано Масанобу (1434-1530) походив із військового стану, ставши визнаним придворним художником-професіоналом. Його пейзажі мали лише передній план, все інше затуманювало туманний серпанок. Акцент на одному певному предметі зображення стане притаманним школі Кано. Головне місце у творчості художників школи Кано займали декоративні настінні розписи та ширми. жанровим живописом. Настінні розписи стали головним компонентом синтезу з архітектурною формою та засобом на образний зміст архітектурного простору. У свою чергу, особливості архітектурної форми вимагали певних стильових якостей розписів, чому поступово і сформувався новий стильовий канон, що зберігався в японського живописуаж до ХІХ ст.

Сінден – тип житлового будинку. Прямокутна в плані однозальна головна будівля, звернена південним фасадом до площі, а зі сходу та заходу обрамлена галереями

Період Момояма (1X73-1614 рр.)

І цей час добігла кінця епоха феодальних воєн, влада в країні перейшла до військових диктаторів, що послідовно змінили один одного - Ода Нобунага, Тойотомі Хідеєсі та Іяесу Токугава. Це був час зростання міст, змирення та демократизації культури, проникнення нових ціннісних орієнтацій. Культова архітектура втратила своє колишнє значення. Нові володарі Японії заявляли про свою могутність будівництвом грандіозних замків, спорудження яких було спричинене появою в Японії вогнепальної зброї та відповідною зміною тактики бою та оборони. Замок став новим типом японської архітектури. Асиметрично розташована територія замку, оточена ровом та сторожовими та кутовими вежами, включала центральну площу та безліч дворів та приміщень, підземних укриттів та переходів. Житлові приміщення знаходилися в розташованій на території замку дерев'яній будівлі із суворою ієрархією внутрішнього простору, яка відображала суспільну ієрархію. Зануреним у напівтемряву інтер'єрам замків найбільше підходили настінні декоративні розписи, грандіозні за розмірами, виконані яскравими фарбами на золотому тлі.

Кано Ейток (1543-1590). Автор нового стилю розписів, покликаного звеличити військових диктаторів. Він уперше розробив принцип єдиної композиції на великих горизонтальних поверхнях, укрупнивши форми, відмовившись від дрібних деталейдля передачі як силуетів, а й динаміки їх форм. Для Ейток характерне прагнення до збільшення площинності картини, посилення її декоративних якостей. Так, на місцях, що символізують порожній простір, розміщені плями із домішкою золотої пудри. Простір композиції розгортався не вглиб, а вздовж погляду.
У 1576 р. на березі озера Біва був зведений небачений досі замок із колосальною семиповерховою вежею, який мав демонструвати міць диктатора Ода Нобунага. Особливістю замку була наявність не лише офіційних, а й приватних покоїв. Головними у декорі кімнат стали настінні розписи, які було доручено здійснити Кано Ейтоку, котрий працював над ними три роки з великою групою помічників. Кано Ейтоку, якого диктатор поспішав із виконанням замовлення, став укрупнювати форми, використовуючи товсту кисть із рисової соломи, вдаючись до лаконічної художньої мови. Головне місце займало зображення дерев, квітів, птахів та тварин. Колірна гама була яскравою, відсутнє нюансування кольору.

Зміна соціальної ситуації в країні після того, як до влади прийшли сьогуни Токугава, призвело до заборони на будівництво замків.
У творчості художників першої третини XVII ст. починають переважати нові риси. У живопису помітнішим стало прагнення до врівноважених, спокійних композицій, наростання орнаментальності форм, інтересу і культури Хейанської епохи та творів ямато-е. Відмінна рисашколи Кано цього часу – орнаментальність та підвищена декоративність. Коли у другій чверті XVII ст. було заборонено будівництво замків, головною формою декоративного розпису стала ширма. З декоративного живопису пішла монументальність Кано Ейтоку. Мистецтво набуло особистісного забарвлення, що вплинуло і на його стильові якості. Декоративний живопис XVII ст. надихалася найчастіше героями і темами класичної літератури, відображаючи коло інтересів родової аристократії, а таксі буржуазної еліти, що народжується. Декоративний живопис розвивався у старій столиці - Кіото.

Виразником смаку нових споживачів мистецтва – мешканців міста, торговців та ремісників – став Огата Корін, новий представникшколи Кано.

Емакімано - горизонтальний сувій з паперу або шовку, наклеєний на основу, обрамлену парчовою облямівкою з дерев'яним валиком на кінці

Огата Корін (1658-1716) жив як багатий гульвіса, постійно відвідував «веселі квартали». Тільки після руйнування, зіткнувшись із суворою необхідністю заробляти собі життя, він почав займатися розписом тканин і живописом. Огата Корін мав справу і з керамікою, і з виробами з лаку, розписував кімоно та віяла. Як
майстер, він почав зі знайомства з традиційним живописомта її прийомами. Корін завжди прагнув компактності, врівноваженості форм, характерна особливість творчої манери- зосередженість на розробці кількох сюжетних мотивів, їх багаторазове повторення та варіювання. У творчості Огата Коріна вперше з'явилася робота з натури. У розписі ширми «Червоне і біле дерево сливи» сюжетний мотив, взятий Коріном, походить від класичної поезії з її образами ранньої весни і природи, що прокидається. По обидва боки від потоку на золотому фоні написані квітучі дерева: кремезне, з товстим вигнутим стволом і майже гілками, що вертикально піднімаються, дерево червоної сливи та інше, позначене лише підніжжям стовбура і різко зігнутою, ніби припадаючою до води, а тому раптом злетіла вгору. посипаний білими квітами.

Кано Ейтоку яструб на сосні. Ширма. Деталь кінець XVI ст.

Огата Кендзан (1663-1743) на відміну від свого старшого брата Огата Коріна з юності тяжів до духовних цінностей, був послідовником дзен-буддизму, знав китайську та японську класичну літературу, театр Але, чайний ритуал. На території, що належить храму Ніннадзі, Кендзан отримав дозвіл збудувати власну керамічну піч, що випускала продукцію протягом 13 років до 1712 р. Він не прагнув прибутковості, ним керувала ідея створення високохудожньої продукції. Вперше він використовував традиційні прийоми живопису тушшю в розписі об'ємної форми. Кендзан почав використовувати колір, він писав по сирому черепку, пориста глина вбирала фарбу, подібно до паперу в живописі тушшю. Подібно до свого великого сучасника поета Басі, що перетворив популярний низький жанр хайку на одкровення, Огата Кендзан показав, що звичайні керамічні тарілки, чашки, вази можуть бути і утилітарними предметами, і одночасно поетичними шедеврами мистецтва.

Період Едо (1614-1868 рр.)

У 1615 р. з Кіото в Едо було переселено самураї. Зросла значення стану купців, торговців і лихварів, зосереджених у Мара, Кіото та Осака. Для представників цих соціальних групбуло характерне мирське сприйняття життя, прагнення звільнитися з-під впливу феодальної моралі. Вперше мистецтво звертається до тем повсякденності, включаючи побут т.зв. веселих кварталів – світу чайних будинків, театру Кабукі, борців сумо. Поява гравюри на дереві була пов'язана з демократизацією культури, оскільки гравюрі властива тиражність, дешевизна та доступність. Слідом за побутовим живописомгравюра стала називатися укіє-е (дослівно - тлінний мінливий світ).

Виготовлення гравюр набуло широкого розмаху. Ранній період розвитку графіки укіє пов'язаний з ім'ям Хасікава Моронобу (1618-1694), який зображував нехитрі сцени з життя мешканців чайних будинків, ремісників, поєднуючи на одній гравюрі різночасні, не пов'язані між собою події. Фон гравюр залишався білим, чіткі лінії. Поступово коло тем гравюр розширилося, глибшим став інтерес не лише до зовнішнього, а й до внутрішнього світу персонажів. Японська гравюра у 1780-1790 pp. набуває період розквіту. Судзукі Харанобу (1725-1770) вперше почав розкривати внутрішній світ героїв у таких гравюрах, як «Красуні, що зривають гілку сливи», «Закохані в засніженому саду». Він вперше застосував прийом гуркоту, що створює перехід від темного до світлого тону, варіював товщину та фактуру ліній. Він ніколи не дбав про реальне забарвлення, море на його гравюрах рожеве, небо пісочне, трава блакитна, все залежить від загального емоційного настроюсцени. Одна з його кращих робіт«Закохані, що грають на одному семісені» створена на тему японського прислів'я – «Якщо музика сприяє коханню – грайте».

Токонома - ніша в інтер'єрі чайного будинку

Кітагава Утамаро (1753-1806 рр.) - Видатний майстер укіе-е. Його творчість розпочалася з альбомів «Книга комах», «Пісні раковин». У своїх поясних, погрудних жіночих портретах Утамаро вперше застосовує слюдяний порошок, що створює мерехтливий фон. Ідеальна красуня Утамаро з витонченою формою та посадкою голови,
тонкою шиєю, маленьким ротом, короткими чорними бровами. У серіях «Десять жіночих характерів» і «Дні та години жінок» він прагнув виявлення різних типів зовнішності та характеру жінок. Наприкінці 90-х років. в Утамаро звертається до теми материнства в таких гравюрах, як «Мати з дитиною» та «Гра в м'яч», у цей же час він створює триптихи та поліптихи на історичні теми, вдаючись до непрямого позначення (герої країни зображуються у вигляді красунь). Тесюсай Сяраку створив серію портретів акторів театру Кабукі та борців сумо. Він відмовився від загальноприйнятих традицій, зробивши гротеск своїм основним прийомом. Третій період розвитку гравюри укіе-е припадає на 1800-1868 р.р. В цей час посилився вплив на японське мистецтвоголландських та німецьких офортів. Для творчості художньої династії Утагава стали характери відмова від пошуків індивідуальності, прагнення формальної витонченості. Розквіт жанру пейзажу у гравюрі пов'язані з ім'ям Кацусика Хокусая (1760-1849). Хокусай вивчав стародавні та сучасні напрямкияпонського мистецтва, знав мистецтво Китаю та познайомився з європейською гравюрою. Майже до 50 років Хокусай працював у традиційній манері художників укіе-е. Лише альбомах «Манга» (книга нарисів), перший том яких вийшов 1812 р., Хокусай знайшов свою область мистецтва. Тепер він малював побутові сцени, краєвиди, натовп.

пейзажні сади Японії

У віці 70 років Хокусай створює свою серію «36 видів гори Фудзі», на кожній із гравюр художник зображує гору Фудзі. У поєднанні жанрової теми з пейзажем – особливість Хокусая. На відміну від стародавніх пейзажистів, Хокусай показує землю знизу. Одночасно він створює серії «Подорож водоспадами країни», «Мости», «Великі квіти», «100 видів Фудзі». Хокусай міг передавати речі з несподіваного боку. У гравюрах «100 видів Фудзі» гори то виникають із мороку ночі, як бачення, то проглядаються за стеблами бамбука, то відбиваються в озері. Послідовник Хокусая Андо Хіросіге (1797-1858) писав природу набагато реалістичніше. За професією річковий агент, він багато їздив країною, створюючи свої серії «53 станції Токайдо», «8 видів озера Омі», «69 видів Кісікайдо». Мистецтво Хіросіге наближається до європейського живопису, завершуючи двохсотлітній період розквіту гравюри укіе-е.

Японії? Як відбувався її розвиток? На ці та інші питання ми відповімо у статті. Японська культура сформувалася у результаті історичного руху, що почалося тоді, коли японці переселилися з материка на архіпелаг і зародилася цивілізація періоду Демон.

На нинішню освіченість цього народу сильно вплинули Європа, Азія (особливо Корея та Китай) та Північна Америка. Однією з ознак культури японців є її тривалий розвиток в епоху повної ізоляції держави (політика сакоку) від інших країн за часів правління Сегуната Токугави, що тривав до середини XIX століття - початку ери Мейдзі.

Вплив

Як розвивалася мистецька культура Японії? На цивілізацію значний вплив мало відокремлене регіональне розташування країни, кліматичні та географічні особливості, а також природні явища (тайфуни та часті землетруси). Це виявилося у незвичайному відношенні населення до природи як до живої істоти. Особливістю національного характеру японця є вміння захоплюватися поточною красою Всесвіту, що виражається у багатьох типах мистецтв маленької країни.

Художня культура Японії створювалася під впливом буддизму, синтоїзму та конфуціанства. Ці напрями впливали і подальше її розвиток.

Стародавні часи

Погодьтеся, художня культура Японії чудова. Синтоїзм сягає корінням у давні часи. А буддизм, хоч і з'явився до нашої ери, почав поширюватися лише з п'ятого століття. Хеанська пора (8-12 ст.) вважається золотою епохою державності Японії. У той самий період мальовнича культура цієї країни досягла найвищої точки.

У 13 столітті з'явилося конфуціанство. На цьому етапі і стався поділ філософії Конфуція та буддизму.

Ієрогліфи

Образ художньої культури Японії втілений в унікальному віршуванні, яке називається У цій країні також дуже розвинене мистецтво каліграфії, яке, за переказами, виникло з небесних божественних образів. Саме вони вдихнули життя у писемність, тому населення трепетно ​​ставиться до кожного знаку у правописі.

Ходять чутки, що японську культуру подарували саме ієрогліфи, оскільки з них з'явилися образи, що оточують написане. Трохи пізніше почало дотримуватись міцне поєднання елементів живопису та вірша в одному творі.

Якщо вивчити японський сувій, можна виявити, що у праці міститься два види символів. Це знаки писемності – печатки, вірші, колофени, а також мальовничі. Водночас завоював велику популярність театр Кабукі. Іншому виду театру - Але - віддають перевагу переважно військовослужбовці. їх строгість і жорстокість вплинули на Але сильний вплив.

Живопис

Художня культура вивчена багатьма фахівцями. Величезну роль її становленні зіграла живопис кайга, що японською означає малюнок чи картину. Це мистецтво розцінюється як найстаріший вид живопису держави, що визначається великою кількістю рішень та форм.

У ньому особливе місце посідає природа, що визначає священний початок. Поділ розпису на сумі-е та ямато-е існує з десятого століття. Перший стиль розвинувся ближче до чотирнадцятого століття. Він є якоюсь монохромною аквареллю. Ямато-е - це згорнуті горизонтально сувої, які зазвичай застосовувалися в оформленні творів літератури.

Трохи пізніше, у 17-му столітті, в країні з'явилася печатка на дощечках - укіе-е. Майстри зображали пейзажі, гейш, відомих акторівТеатр Кабуки. Подібний вид живопису в 18 столітті вплинув на мистецтво Європи. Віяння, що з'явилося, назвали «японізмом». У середні віки культура Японії вийшла за межі країни - її стали використовувати у дизайні стильних та модних інтер'єрів усього світу.

Каліграфія

Ах, яка прекрасна художня культура Японії! Розуміння гармонії з природою можна побачити в кожному її сегменті. Що являє собою сучасна японська каліграфія? Її називають седо («шлях сповіщень»). Каліграфія, як і лист, є обов'язковою дисципліною. Вчені з'ясували, що туди це мистецтво прийшло одночасно з китайською писемністю.

До речі, у давнину про культуру людини судили за її рівнем володіння каліграфією. Сьогодні існує велика кількість стилів написання, а розвивають їх ченці буддистів.

Вояння

Як виникла культура Японії? Розвиток та види цієї галузі життєдіяльності людини ми вивчимо максимально докладно. Скульптура є найдавнішим типом мистецтва Японії. У давнину народ цієї країни виготовляв із кераміки фігурки ідолів та посуд. Потім люди стали на могилах встановлювати статуї ханіву, створені з обпаленої глини.

Розвиток скульптурного ремесла у сучасній японській культурі пов'язані з поширенням державі буддизму. Одним із найдавніших представників японських монументів вважається розміщена в храмі Дзенко-дзі статуя будди Амітабхи, виконана з дерева.

Скульптури дуже часто виготовлялися з брусів, але виглядали вони дуже багато: майстри покривали їх лаком, золотом та яскравими фарбами.

Орігамі

Вам подобається художня культура Японії? Розуміння гармонії з природою принесе незабутні враження. Характерною рисоюяпонської культури стали дивовижні вироби орігамі («складений папір»). Ця майстерність своєю появою завдячує Китаю, де, власне, і був винайдений пергамент.

Спочатку «складений папір» застосовувався у релігійних обрядах. Це мистецтво могло вивчати лише вищий стан. Але після Другої світової війни орігамі пішло з помешкань вельмож і знайшло своїх шанувальників по всій Землі.

Ікебана

Кожна людина має знати, що таке мистецька культура країн Сходу. Японія вклала багато праці її розвиток. Ще одним компонентом цієї культури дивовижної країниє ікебана («живі квіти», « нове життяквітів»). Японці - шанувальники естетики та простоти. У твори вкладаються саме ці дві якості. Вишуканість образів досягається за допомогою вигідного застосування природної краси рослинності. Ікебана, як і орігамі, також була частиною релігійної церемонії.

Мініатюри

Напевно, багато хто вже зрозумів, що художня культура Стародавнього Китаюта Японії тісно переплетена. А що являє собою бонсай? Це унікальне японське вміння культивувати практично точну мініатюрну копію реального дерева.

У Японії також поширене виготовлення нецке - маленьких скульптур, які є свого роду брелоком. Часто такі фігурки саме в цій якості кріпилися до одягу японця, у якого були відсутні кишені. Вони її не лише прикрашали, а й служили самобутньою противагою. Брелоки виготовлялися у формі ключа, кисета, плетеного кошика.

Історія живопису

Художня культура Стародавню Японіюцікавить багатьох людей. Живопис у цій країні зародився в період японського палеоліту та розвивався таким чином:

• Період Ямато. За часів Асука та Кофун (IV-VII століття) одночасно з впровадженням ієрогліфів, створенням за китайським зразком державного режиму та популяризації буддизму, в Японію з Піднебесної було завезено багато витворів мистецтва. Після цього в Країні сонця, що сходить, почали відтворювати мальовничі вироби в китайському стилі.
• Час Нара. У VI та VII ст. буддизм продовжував розвиватися у Японії. У зв'язку з цим став процвітати релігійний живопис, який застосовується для прикраси численних храмів, збудованих аристократією. Загалом в епоху Нара внесок у розвиток скульптури та мистецтва був більшим, ніж у живопис. Ранні картиницього циклу включають розписи внутрішніх стін храму Хорю-дзі у префектурі Нара, що оповідають про життя Будди Шакьямуні.
• Епоха Хейан. У японської живопису, починаючи з X століття, виділяють віяння ямато-е, що ми писали вище. Такі картини є горизонтальними сувої, якими ілюстрували книги.
• Епоха Муроматі. У XIV столітті з'явився стиль супі-е (акварель монохромна), а першій половині XVII в. художники почали друкувати гравюри на дощечках – укіє-е.
• Живопис епохи Адзуті-Момояма виступає у різкому контрасті з розписом періоду Муроматі. Їй притаманний поліхромний стиль з широким застосуванням срібною і в цей період великим престижем та популярністю користувався навчальний заклад Кано. Його засновником був Кано Ейтоку, який розписував стелі та розсувні двері для поділу кімнат. Такі малюнки прикрашали замки та палаци військової знаті.
• Епоха Майдзі. З другої половини XIX століття мистецтво розділилося на конкуруючі традиційний і європейський стилі. Під час епохи Майдзі Японія зазнала великих соціальних та політичних змін у процесі модернізації та європеїзації, організованих владою. Молодих перспективних художників було відправлено за кордон для навчання, а закордонні живописці приїжджали до Японії для створення шкільних програм з мистецтва. Як би там не було, після первинного сплеску цікавості до художньому стилюЗаходу маятник хитнувся у зворотний бік, і японський традиційний стиль відродився. У 1880 році звичаї західного мистецтва були заборонені на офіційних виставках і зазнавали різкої критики.

Поезія

Художня культура Стародавньої Японії вивчається досі. Її особливістю є багатосторонність, деяка синтетичність, оскільки вона формувалася під впливом різних релігій. Відомо, що японська класична поезія з'явилася з побуту, діяла всередині нього, і ця її приземленість певною мірою збереглася в традиційних формах нинішньої віршування - тривірші хайку і п'ятивірші танка, які відрізняються яскраво вираженим масовим характером. До речі, саме ця якість різнить їх з «вільним віршем», що тяжіє до елітарності, що з'явився на початку 20-го століття в Японії під впливом поезії Європи.

Ви помітили, що етапи розвитку мистецької культури Японії багатогранні? Поезія у суспільстві цієї країни грала особливу роль. Один із найвідоміших жанрів - хокку, зрозуміти його можна, лише ознайомившись із його історією.

Вперше він з'явився в епоху Хейан, був схожий на стиль ренга, який був подібністю до віддушини для поетів, які бажали відпочити від глибокодумних віршів ваха. Хайкай перетворився на самостійний жанр у 16-му столітті, оскільки ренга став занадто серйозним, а хайку спирався на розмовну мову і, як і раніше, був гумористичним.

Звичайно ж, художня культура Японії коротко описана в багатьох працях, але ми намагатимемося розповісти про неї детальніше. Відомо, що в Середньовіччі одним із найвідоміших літературних японських жанрів був танк («лаконічна пісня»). У більшості випадків це п'ятивірш, що складається з пари строф з фіксованою кількістю складів: 5-7-5 складів у трьох рядках першої строфи, і 7-7 у двох рядках другого. Що стосується змісту, в танку застосовується наступна схема: перша строфа представляє конкретний природний образ, а друга відображає почуття людини, що перегукується з цим чином:

• У далеких глухих горах
  Фазан довгохвостий дрімає -
  Цю довгу-довгу ніч
  Чи мені спати одному? ( Якіномото-но Хітоваро, початок 8-го століття, переклад Сановича.)

Японська драматургія

Багато хто стверджує, що художня культура Китаю та Японії зачаровує. Вам подобається сценічне мистецтво? Традиційна драматургія Країни сонця, що сходить, ділиться на дерурі (театр ляльок), драматургію театру Але (кеген і екек), театр Кабукі і сінгекі. Звичаї цього мистецтва налічують п'ять базових театральних жанрів: кеген, проте, бугаку, кабуки та бунраку. Всі ці п'ять традицій є і сьогодні. Незважаючи на колосальні відмінності, вони пов'язані загальними естетичними принципами, що ґрунтують японське мистецтво. До речі, драматургія Японії зародилася на підмостках Але.

Театр Кабукі з'явився у 17-му столітті і досяг апогею до кінця 18-го. Форма уявлень, що склалася за зазначений період, зберігається і на сучасних підмостках Кабуки. Постановки цього театру, на відміну сцен Але, орієнтованих на вузьке коло шанувальників стародавнього мистецтва, розраховані на масового глядача. Коріння умінь Кабукі беруть свій початок від уявлень комедіантів - виконавців маленьких фарсів, сценок, що складалися з танців і співів. Театральна майстерність Кабукі ввібрала в себе елементи дерурі і Але.

Поява театру Кабукі пов'язана з ім'ям працівниці буддійського святилища О-Куні у Кіото (1603). О-Куні виступала на підмостках з релігійними танцями, до яких були включені рухи народних танців німбуцу-одорі. Її виступи перемежовувалися комічними п'єсами. На цьому етапі постановки називалися юдзе-кабуки (Кабукі куртизанок), О-куні-кабуки або онна-кабуки (дамський Кабукі).

Гравюри

У минулому столітті європейці, а згодом і росіяни саме через гравюру зіткнулися з феноменом мистецтва Японії. Тим часом у Країні сонця, що сходить, малюнок на дереві спочатку взагалі не вважали вмінням, хоча воно мало всі властивості масової культури - дешевизну, доступність, тираж. Знавці укіе-е вміли домагатися найвищої зрозумілості і простоти як у втіленні сюжетів, так і в їхньому виборі.

Укіє була особливою художньою школою, тому вона змогла висунути цілу низку видатних майстрів. Так, з ім'ям Хісікава Моронобу (1618-1694 рр.) пов'язана початкова фаза розвитку сюжетної гравюри. У середині XVIII століття творив перший знавець кольорової гравюри Судзукі Харунобу. Головними мотивами його творчості були ліричні сцени, в яких приділялася увага не дії, а передачі настроїв та почуттів: кохання, ніжності, смутку. Подібно до вишуканого стародавньому мистецтвуепохи Хейан, віртуози укіє відроджували в оновленому міському середовищі незвичайний культ витонченої краси жінки.

Різниця полягала лише в тому, що замість гордих хейанських аристократок на гравюрах зображалися витончені гейші з розважальних кварталів Едо. Художник Утамаро (1753-1806 рр.) є, мабуть, унікальним історія живопису прикладом професіонала, повністю присвятив своє творення зображенню жінок у різноманітних позах і туалетах, у різних життєвих обставин. Однією з його найкращих робіт є гравюра «Гейша Осама», що зберігається у Москві, у Музеї живопису ім. А. С. Пушкіна. Художник надзвичайно тонко передав єдність жесту та настрою, виразу обличчя.

Манга та аніме

Багато художників намагаються вивчити живопис Японії. А що таке аніме (японська анімація)? Воно від інших анімаційних жанрів відрізняється більшою налаштованістю на дорослого глядача. Тут має місце дублюючий поділ на стилі для однозначної цільової аудиторії. Мірою дроблення виступає стать, вік чи психологічний портрет кіноглядача. Дуже часто аніме є екранізованим японським коміксом манга, який також здобув велику популярність.

Базова частина манги розрахована на дорослого глядача. За даними на 2002 рік, близько 20% всього японського книжкового ринку займали комікси з мангою.

Японія близька до нас географічно, але, незважаючи на це, протягом тривалого часу залишалася незрозумілою та недоступною усьому світу. Сьогодні ми знаємо про цю країну багато. Довга добровільна ізоляція призвела до того, що її зовсім не схожа на культури інших держав.

Подробиці Категорія: Образотворче мистецтво та архітектура XIX століття Розміщено 14.08.2017 18:30 Переглядів: 1604

У першій половині ХІХ ст. в японському живопису ще панував стиль укіе-е. У 1868 р., після революції Мейдзі і відкриття кордонів, в Японії стали доступнішими досягнення західної цивілізації, і укіе-е поступово виходить з моди, замінюючись фотографією.
Але про все по порядку.

Стиль укіе-е

Укіє-е(яп. картини (образи) мінливого світу) – напрямок у образотворчому мистецтві Японії. Спочатку цей буддистський термін вживався у значенні «тлінний світ, юдоль печалі». Але в епоху Едо, з появою спеціально відведених міських кварталів, в яких процвітав театр Кабукі і знаходилися вдома гейш та куртизанок, термін був переосмислений, і його стали розуміти як «світ скороминучих насолод, світ кохання».
Гравюри в стилі укіє-е – основний вид ксилографії у Японії. Ця форма мистецтва стала популярною у міській культурі у другій половині XVII ст. Основоположник укіє-е – японський живописець та графік Хісікава Моронобу.

Х. Моронобу «Осінь в Асакуса. Квітуча вишня у парку Уено». Розпис ширми. Галерея Фрір (Вашингтон)
Спочатку гравюри були чорно-білими, виконаними тушшю. З початку XVIII ст. деякі роботи розфарбовувалися вручну за допомогою пензля.
Гравюри укіє-е призначалися в основному для міських жителів, які не могли собі дозволити дорожчі живописні картини.
Теми укіє - е - картини повсякденного життя: прекрасні гейші, борці сумо, популярні актори театру кабуки, а пізніше - пейзажна гравюра.

Кацусіка Хокусай "Велика хвиля в Канагаві" (1823-1831)
У період XVIII-XIX ст. відомими художниками були Утамаро, Хокусай, Хіросіге та Тосюсай Сяраку.
У той час, коли в Японії стиль укіє став виходити з моди, він набув популярності в Західній Європі та Америці, гравюри починають масово скуповувати мистецтвознавці.
Японські гравюри надихнули багатьох європейських художників, які працювали в стилі кубізму, імпресіонізму, постімпресіонізму: Вінсента ван Гога, Клода Моне та ін Цей вплив назвали «японізмом».

Вінсент ван Гог "Портрет татуся Тангі" (1887-1888). Полотно, олія. Музей Родена (Париж)

Відомі художники стилю укіе-е:

Хісікава Моронобу (XVII ст.)
Кітагава Утамаро (XVIII ст.)
Каванабе Кесай (XIX ст.)
Кацусика Хокусай (XVIII-XIX ст.)
Утагава Хіросіге (XIX ст.)
Утагава Кунісада (XIX ст.)
Утагава Куніосі (XIX ст.)
Кейсай Ейсен (XIX ст.)
Судзукі Харунобу (XIX ст.)
Тоєхара Кунітіка (XIX ст.)
Цукіока Ёсітосі (XIX ст.)
Огата Гекко (XIX-XX ст.)
Хасуї Кавасе (XX ст.)

Розглянемо творчість деяких із них.

Кацусіка Хокусаї (1760-1849)

Кацусіка Хокусай. Автопортрет
Відомий японський художник укіе-е, ілюстратор, гравер. Працював під безліччю псевдонімів (щонайменше 30). Народився у сім'ї ремісника, почав малювати у віці 6 років. Працюючи у книжковій лавці, навчився грамоти. Потім працював у майстерні гравера – гравюра на той час була дуже популярною в Японії.
У 1793-1794 pp. починається самостійне життяхудожника, досить важка у матеріальному плані, але насичена мистецтвом – він вивчає різні школи живопису: школи Кано (пейзажі, зображення птахів та тварин, побутові сценки; вони прикрашали малюнком дверей розсувних ширм); школа Сотацу (зображення повсякденному життіяпонців та японські пейзажіна розсувних дверях). Художник поступово починає виробляти свій стиль.
У 1796 р. художник став використовувати широко згодом широко відомим псевдонімХокусай. У 1800 р., у віці 41 року, художник став називати себе Гакедзін Хокусай («Божевільний живописом Хокусай»).
Картину світу художник осмислює через свідомість значущості, особливої ​​цінності щоденного життя людей, їхньої праці та турбот. Життя природи, її сенс і краса у пейзажах Хокусай стають зрозумілими лише завдяки присутності у яких людей, зайнятих своїми звичайними справами. Більшу частину свого життя Хокусай провів у подорожах країною, замальовуючи все, що було побачено. Хокусай був відомий як гравер, а й як письменник, поет і живописець.
Він був першим із художників японської гравюри, у творчості якого пейзаж отримав значення самостійного жанру. У пейзажах Хокусай був відбитий живий і величний вигляд природи Японії.
За свою довгу художню діяльністьвін створив близько 30 тисяч малюнків та гравюр та проілюстрував близько 500 книг.
Розквіт творчості Хокусай належить до 1820-початку 1830-х років. У цей час їм було створено найкращі його пейзажні серії. Ці серії вражають глибиною і багатством художнього бачення Хокусаї - від широкого філософського осмислення картини світу в серії «36 видів гори Фудзі» (1823-1829), показу епічної величі природи в серії «Мости» (1823-1829), милування її стихійною міццю «Водоспади» (1827-1830) до тонкого ліричного переживання природи в серії «Поети Китаю та Японії» (1830).

Кацусіка Хокусай «Південний вітер. Ясний день". Кольорова гравюра на дереві (1823-1831) із серії «Тридцять шість видів Фудзі»
Однією з самих значних робітХокуса, в якій найповніше розкрилося своєрідність його творчості як художника-мислителя, є серія «36 видів Фудзі». Більша кількість аркушів цієї серії представляють різні жанрові сцени: рибалки, що закинув сіті; працюючих на дров'яному складі пильщиків; бочара, що майструє баддю, тощо. Всі ці сцени розгорнуті у пейзажі з горою Фудзі на задньому плані.
Творчість Хокусаї викликало численні наслідування, число його учнів було дуже велике. Але майже всім послідовників художника характерне засвоєння лише зовнішнього боку його творчого методу.

Сурімоно

Сурімоно – вид традиційного японського мистецтва, кольорова ксилографія, яка слугувала подарунком серед японської міської інтелігенції. Приводом для такого подарунка могли бути ювілеї, народження сина, настання пори цвітіння вишень, Новий рік і т.д. Жанри суримоно були різноманітні: зображення фігур, зображення тварин, квітів та птахів, пейзаж.
Створюваний образотворчими, віршованими і технічними засобами образ повинен був мати цілісність. Сурімоно - це і мистецтво, і гра, і спосіб розваг, частина побуту городян.

Кацусика Хокусай «Карпи» (сурімоно)
Заслуга Хокусая у злеті популярності суримоно велика: він робить його найважливішим із видів японської ксилографії.
Люди на суримоно Хокусая – «живі». Зображені на тлі пейзажу, вони активно з ним взаємодіють: прикривають рукою очі від сонця, вказують на хмари, вдивляються у безкраї простори, іноді навіть повернувшись спиною до глядача.

Кацусіка Хокусай. Сурімоно

Манга

«Манга» (яп. буквально «малюнки Хокусая») – одна з найголовніших робіт у творчій спадщині художника, створена ним у зеніті слави. «Манга» є виразом поглядів Хокусая творчість, його філософії, розкриває секрети майстра; вона цінна не лише як віха в житті Хокусая, а й як важливе джерело інформації про культуру та мистецтво Японії епохи пізнього феодалізму. "Мангу" Хокусая нерідко називають "енциклопедією японського народу". Більшість малюнків зображали сценки з міського життя, містилося безліч замальовок людей. Збірник був щоденник, куди майстер заносив все бачене їм у житті у вигляді малюнків (не текстом).

Кацусіка Хокусай "Споглядання гори Фудзі" (1814) Манга
Хокусай, як і японське мистецтво загалом, вплинув на європейське мистецтво XIXв., зокрема на французький імпресіонізм. Тематика гравюр Хокусая присутня в роботах Клода Моне, П'єра Огюста Ренуара та ін.
Останнім значним представником японської гравюри першої половини ХІХ ст. був пейзажист Андо Хіросіге.

Андо Хіросіге (1797-1858)

Утагава Хіросіге – японський художник-графік, представник напрямку укіе-е, майстер кольорової ксилографії. Автор не менш ніж 5400 гравюр. У ліричних пейзажах із жанровими мотивами передавав хиткі стани природи, атмосферні ефекти снігу та туману. Працював під псевдонімом Андо Хіросіге.
Рано втратив батька та матір. Образотворчим мистецтвомпочав займатися після того, як побачив роботи Хокусая.
Хіросіге був учнем гравера Утагава Тоєхіро (1763-1828). Першою роботою, яка принесла Хіросізі популярність, була серія гравюр «53 станції Токайдо», надрукована в 1834 р. Продовжуючи пейзажний жанр Хокусая, Хіросіге розробляє його по-своєму.
Токайдо була однією з п'яти доріг, що з'єднували Едо з іншими частинами Японії. Вона пролягала вздовж східного берега Хонсю. Уздовж неї були розташовані 53 поштові станції, де мандрівникам пропонувався ночівля, їжа та стайні.
У 1832 р. Хіросіге проїхав Токайдо у складі офіційної делегації, що перевозила коней для імператорського двору. Краєвиди справили сильне враження на художника, і він зробив безліч ескізів. Після повернення додому він створив цикл із 53 робіт. Успіх цієї серії зробив Хіросіге одним із найзначніших і найвизнаніших майстрів гравюри.

А. Хіросіге. 1-а станція: Синогава

А. Хіросіге. 30-та станція: Маїсака

А. Хіросіге. 32-а станція: Сірасука
У природній красіПрирода Хіросіге приваблює виразність.
Творчість Хіросіге завершує період блискучого розквіту японської кольорової ксилографії XVIII та першої половини XIX ст. Гравюра 1850-1860 років. не висунула жодного великого художника, у ній все виразніше виступають стилізаторство та еклектика.
У 1868 р. у Японії відбулася буржуазна революція, а 1880-х роках вона стала монархією. Ці події започаткували новий етап історія японського мистецтва, т.к. Японія увійшла у світову систему капіталістичних країн. У мистецтві Японії цього періоду виникають численні школи та угруповання. Деякі з них стали на шлях освоєння європейського мистецтва, інші японські художники (наприклад, Курода Кійотері (1866-1924), поїхали вчитися до Європи, але були й ті, хто прагнув зберегти чистоту національних традицій.
Кінець XIX-початок XX ст. у мистецтві Японії був часом перегляду старої художньої традиції, освоєнням європейського мистецтва, пошуками нового, і навіть власного шляху розвитку.

Прикладне мистецтво Японії

Розквіт японського прикладного мистецтва розпочався наприкінці XVI ст. У ХІХ ст. велике поширення набули різьблення по дереву, по кістки, кераміка, порцеляна.
Слід сказати і про нецке– мініатюрної скульптури, твори японського декоративно-ужиткового мистецтва. Нецке є невеликим різьбленим брелоком, який використовувався на традиційному японському одязі кімоно і косоде.

Нецке, що зображує Хотея (бог спілкування, веселощів та благополуччя). Слонова кістка, сучасна робота
Перші нецке з'явилися торік у Японії у другій половині XVI-початку XVII в. З кінця ХІХ ст. та весь XX ст. нецке виконувалися на експорт. Виготовляються вони й у наш час. Це сувенірна продукція, що випускається конвеєрним способом, не дуже високої якості. Але мистецтво нецке не зникло. І в наші дні існують майстри, спеціальність яких – різьблення нецке.

Нецке із секретом

Японія - дивовижна східна країна, розташована на островах. Інша назва Японії – Країна Вранішнього Сонця. М'який теплий вологий клімат, гірські ланцюги вулканів та морські води створюють чудові краєвиди, серед яких виростають юні японці, що, безперечно, відкладає відбиток на мистецтво цієї невеликої держави. Тут люди з ранніх роківзвикають до краси, а живі квіти, декоративні рослини та невеликі садочки з озерцем є атрибутом їхнього житла. Кожен намагається організувати собі шматочок дикої природи. Як і всі східні національності, японці зберегли зв'язок із природою, яку вшановують і поважають протягом століть існування своєї цивілізації.

Зволоження повітря: миття повітря «WINIX WSC-500» генерує дрібні частинки водяного.Режими роботи миття Winix WSC-500: Миття повітря «WINIX WSC-500» має зручний автоматичний режим роботи. При цьому підтримується найбільш оптимальна та комфортна вологість у приміщенні - 50-60% і за замовчуванням включений режим плазмового очищення повітря та іонізації («Plasma Wave™»).

Архітектура Японії

Довгий часЯпонія вважалася закритою країною, контакти були лише з Китаєм та Кореєю. Тому і розвиток їх відбувався своїм особливим шляхом. Пізніше коли різні нововведення стали проникати на територію островів, японці їх швидко пристосовували для себе і переробляли на свій лад. Японський архітектурний стиль є будинками з масивними вигнутими дахами, що дозволяють захиститися від проливних дощів, що постійно йдуть. Справжнім витвором мистецтва є імператорські палациз садами та павільйонами.

З культових споруд, що зустрічаються в Японії, можна виділити дерев'яні синтоїстські храми, що збереглися до наших днів, буддійські пагоди і буддійські храмові комплекси, які з'явилися в більш пізній періодісторії, коли буддизм проник у країну з материка і було оголошено державною релігією. Дерев'яні будинки, як відомо, не довговічні і вразливі, але в Японії прийнято відтворювати будівлі в первісному вигляді, тому навіть після пожеж їх будують заново у тому вигляді, в якому їх збудували свого часу.

Скульптура Японії

Буддизм вплинув на розвиток японського мистецтва. Багато творів є зображенням Будди, так у храмах були створені численні статуї і скульптури Будди. Їх робили з металу, дерева та каменю. Тільки через деякий час з'явилися майстри, які стали робити світські портретні скульптури, але згодом потреба в них відпала, тому все частіше для прикрас будівель стали використовувати скульптурні рельєфи з глибоким різьбленням.

Національним видом мистецтва у Японії вважається мініатюрна скульптура нецке. Спочатку такі фігурки грали роль брелока, що кріпився до пояса. На кожній фігурці був отвір для шнурка, на який підвішувалися потрібні предмети, оскільки одяг у той час не мав кишень. Фігурки нецке зображували світських персонажів, богів, демонів або різні предмети, що мали особливий таємний зміст, наприклад, побажання сімейного щастя. Нецке роблять із дерева, слонової кістки, кераміки чи металу.

Декоративно-ужиткове мистецтво Японії

У ранг мистецтва Японії звели виготовлення холодної зброї, довівши виготовлення самурайського меча до досконалості. Мечі, кинджали, оправи для мечів, елементи бойової амуніції служили своєрідною чоловічою ювелірною прикрасою, що означає належність до стану, тому їх виконували майстерні майстри, прикрашали дорогоцінним камінням та різьбленням. Також до народних ремесел Японії входить виготовлення виробів з кераміки, лакованих виробів, ткацтво та майстерність гравюри на дереві. Традиційні керамічні вироби японські гончарі розфарбовують різними візерунками та глазур'ю.

Живопис Японії

У японської живопису спочатку переважав монохромний тип картин, що тісно переплітається з мистецтвом каліграфії. Те й інше створювалося за тими самими принципами. Мистецтво виготовлення фарб, туші та паперу прийшло до Японії з материка. У зв'язку з цим розпочався новий виток розвитку мистецтва живопису. У той час одним із видів японського живопису були довгі горизонтальні сувої емакіномо, на яких були зображені сценки з життя Будди. Пейзажний живопис у Японії почав розвиватися значно пізніше, після чого з'явилися художники, що спеціалізуються на сюжетах з світського життянаписання портретів і військових сцен.

Малювали в Японії зазвичай на складаних ширмах, сідзі, стінах будинків та одязі. Ширма для японців не тільки функціональний елемент житла, а й витвір мистецтва для споглядання, що визначає загальний настрій кімнати. Національний одяг кімоно також відноситься до предметів японського мистецтва, несучи особливий східний колорит. Декоративні панно на золотій фользі з використанням яскравих фарб можна віднести до творів японського живопису. Великої майстерності здобули японці у створенні укіе-е, так званої, гравюри по дереву. Сюжетом подібних картин ставали епізоди з життя звичайних городян, артистів і гейш, а також чудові краєвиди, що стали результатом розвитку мистецтва живопису Японії.