10 Musicals und ihre Komponisten. Die besten Musicals basierend auf literarischen Klassikern

2. Der Ursprung des Musicals. Ursprünge …………………………………………….. 3
- Ministerel-Show
- Spiri?chuels
-Jazz
3 . Musikverwandte Genres…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………
4. Entwicklung des Musicals. Bemerkenswerte Komponisten und Aufführungen …………. 6
- Musikstil (Einfluss von Jazz, Ragtime, Hippie-Ideen)
- Bestandteile des Musicals

Definition von "musikalisch"

Was ist Musical?
Die Musikalische Enzyklopädie antwortet darauf wie folgt: „Ein musikalisches Bühnengenre, das sich der Ausdrucksmittel der Musik, der dramatischen, choreografischen und der Opernkunst bedient. Ihre Kombination und Verflechtung verlieh dem Musical eine besondere Dynamik, ein charakteristisches Merkmal vieler Musicals war die Auflösung des Ernstes dramaturgische Probleme mit einfachen künstlerischen Mitteln der Wahrnehmung."
Musical- ein Musical, oder wie sie oft schreiben und sagen, ein Musical - eine verkürzte Form der Begriffe Musikalische Komödie (musikalische Komödie) und Musikalisches Spiel (musikalisches Spiel, musikalische Darbietung) -es ist ein bühnenwerk, in dem lieder und dialoge, musik und tänze vermischt werden. Das Musical ist eines der angesagtesten Genres der Moderne Musiktheater. Manche halten es nur für eine amerikanische Spielart der Operette. Das ist nicht großer Fehler. Kunstgenres neigen dazu, sich zu entwickeln, und die Operette hat ihre nationale und Genre-Spezifität mehr als einmal geändert. Die sentimentalen und melodramatischen Operetten von I. Kalman und F. Lehar waren so verschieden von der Wiener Operette des späten 19. Jahrhunderts, und die musikalischen Komödien sowjetischer Autoren waren so verschieden von westlichen Produktionen, dass sie manchmal auch Anlass gaben, von ihnen zu sprechen neues Genre. Die Worte „Das ist keine Operette“ waren vielen Operettenautoren des 20. Jahrhunderts ein Begriff. Aber gerade im amerikanischen Musiktheater vollzog sich der qualitative Sprung, der es vielen erlaubt, das Musical als eigenständiges Bühnengenre zu betrachten, obwohl es in enger Beziehung und Kontinuität zur Operette steht.
Die Ursprünge dieses Genres sind Operette, komische Oper, Varieté, Burleske. Handlungsstränge für Musicals stammen oft aus bekannten literarischen Werken, aus der Weltdramaturgie, wie „My wunderschöne Dame von Bernard Shaw, "Küss mich Kat!" von Shakespeare, "Der Mann von La Mancha" von Cervantes, "Oliver!" und "Open House Night" von Dickens. Musicals sind eine der kommerziellsten Theaterkünste. Dies liegt an ihrer Unterhaltung und ihren teuren Spezialeffekten. Geschichten.

Der Ursprung des Musicals. Herkunft
Die Kunst, Geschichten durch Lieder zu erzählen, geht auf uralte Zeiten zurück. Bereits im 5. Jahrhundert v. Chr. bezogen die alten Griechen Musik und Tanz in ihre Theateraufführungen ein. Einige von ihnen schrieben spezielle Songs für jedes Musical, andere verwendeten vorhandene. Diese Stücke kombinierten Humor, politische und soziale Satire und alles andere, was die Massen unterhalten könnte. Mit Hilfe von Liedern war es möglich, Aktionen zu kommentieren und über das Geschehene zu sprechen. Die Römer haben fast alle Formen und Traditionen des griechischen Theaters kopiert, aber auch einige Änderungen vorgenommen. Insbesondere fingen sie an, Schuhe mit Metall zu polstern, um die Bewegungen der Tänzer besser zu hören, was die Bedeutung von Spezialeffekten zu betonen begann.
Der Geburtsort des Musicals sind zu Recht die Vereinigten Staaten von Amerika. Der amerikanische Weg der Entwicklung, im politischen oder kulturellen Bereich, gilt als besonders. Historiker nennen es "Amerikanische Art". Aufgrund der großen Zahl von Einwanderern und Puritanern konnte sich die Theaterkunst in Amerika nicht so entwickeln wie die europäische.
Die Puritaner, die nicht nur für die Reinheit des Glaubens, sondern auch für die Reinheit des Lebens kämpften, haben den Menschen die Meinung aufgezwungen, dass das Theater ein niedriges, heuchlerisches Genre ist. Sie waren sich sicher, dass eine Person nur durch Askese und Intellekt spirituelle Entwicklung erlangen kann - weder das eine noch das andere, so die Puritaner, war nicht im Theater. Trotz solch harter und unerträglicher Unterdrückung verschwand das amerikanische Theater nicht, aber einige seiner Genres kamen nie ans Licht. Bis zum 19. Jahrhundert war das Theater in Amerika verboten, gegenkulturelle, also grobe, vereinfachte Formen blühten auf. Die Schauspieler waren meist Einwanderer aus Europa oder "schwarze Amerikaner", sie fügten den Theateraufführungen ihren Folklore hinzu. So fand in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts eine Formation statt. Aufführungen im amerikanischen Theater waren meist unterhaltsam. Zuerst erscheint ein Ding, und dann denkt eine Person darüber nach, wie man es benennt. So werden diese Aufführungen benannt. "Minister-Show"(der Begriff selbst erschien 1837) - der Name selbst spricht von der Ironie seiner Schöpfer. Obwohl die Tradition, sich als Schwarze zu verkleiden, bereits Ende des 17. Jahrhunderts bei den Hausaufführungen weißer Siedler in Amerika stattfand, entwickelten sich Minstrel-Shows Ende der 1820er Jahre zu einer integralen Form der Unterhaltungskunst. in den USA. Den Anstoß für die Popularität der Minstrel-Show gaben Auftritte Thomas Dartmouth Reis, insbesondere seine Anzahl "Jim Crow"- Musikkomposition und Tanz imitieren den Negerstil. Die Popularität dieser Nummer war so groß, dass Rice das Pseudonym "Jim Crow" annahm und durch Amerika und Europa tourte. In seinen Fußstapfen in den 1830er Jahren. ähnliche Instrumental-Vokal-Ensembles und Solisten begannen zu erscheinen. Mitte der 1840er Jahre. Minnesänger-Shows, auch "äthiopische" Shows genannt (die neben Musik und Tanz auch kleine Comedy-Sketches mit Dialogen, Sketchen usw. enthielten) sind zu einer der beliebtesten Formen der Unterhaltung in den USA geworden, insbesondere in den Nordstaaten . Die Minnesänger parodierten das Leben und die Manieren der Neger und stellten sie oft auf die hässlichste Weise als faule, dumme und prahlerische Sklaven dar. Der Humor der Show war stumpf mit der Verwendung von Wortspielen. Oft gab es im Auftrag eines Bauernsklaven eine Satire auf die aktuelle Politik. Unter den Minnesängern gab es praktisch keine Schwarzen, erst ab Mitte der 1850er Jahre. Die ersten vollständig schwarzen Minnesängertruppen tauchten auf. Paradoxerweise schminkten sie auch ihre Gesichter und ließen sie so aussehen theatralische Maske. Negro-Minstrel-Shows versammelten auch ein Publikum, das die Aufführung echter Schwarzer sehen wollte. Die ursprünglich rassistische Natur der Minstrel-Show behinderte jedoch ihre Entwicklung unter schwarzen Darstellern (insbesondere im Süden).
Mit den ständig zunehmenden abolitionistischen Tendenzen in der nordamerikanischen Gesellschaft wurden Minstrel-Shows in diesem Licht als Kanal für die Ideen der Sklaverei angesehen. Gleichzeitig wurden in vielen Staaten des Südens Minstrel-Shows nach und nach verboten, da sie dort mit der Unterhaltung der Nordländer in Verbindung gebracht wurden. Während des Bürgerkriegs begann die Minstrel-Show-Industrie zu sinken: Zu dieser Zeit gewannen ähnliche Genres an Popularität. Varietés, Varietés und Singkomödien. Tourneen kleiner Spielmannstruppen rückten weiter an den Rand. Zur gleichen Zeit wurde das Minstrel-Genre in New York in riesige, reich geschmückte Shows mit der Teilnahme ausländischer Akrobaten und anderer Zirkuselemente verwandelt; Bald war schwarzes Make-up bei solchen Aufführungen nicht mehr obligatorisch. In den 1870er Jahren v Musikabteilung Menstrel Show trat in spirituelle Negerlieder ein, Spiritualität. In diesem Fall wurden die Lieder nicht imitiert, sondern direkt von umherziehenden schwarzen Musikern ausgeliehen.Die Quelle der Negro-Spirituals sind spirituelle Hymnen, die von weißen Siedlern nach Amerika gebracht wurden. Thema der Spirituals waren biblische alttestamentliche Geschichten, die an die spezifischen Alltags- und Lebensbedingungen von Schwarzen angepasst und einer folkloristischen Aufbereitung unterzogen wurden. Sie verbinden die charakteristischen Elemente afrikanischer Aufführungstraditionen (kollektive Improvisation, charakteristische Rhythmik mit ausgeprägtem Polyrhythmus (Polyrhythmus), Glissand-Sounds, untemperierte Akkorde, besondere Emotionalität) mit den Stilmerkmalen amerikanischer puritanischer Hymnen, die auf anglo-keltischer Basis entstanden sind. Spirituals haben eine Frage-Antwort (verantwortliche) Struktur, die sich im Dialog des Predigers mit den Gemeindemitgliedern ausdrückt.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte das Minstrel-Show-Genre seine Nützlichkeit vollständig überlebt und existierte nur noch in den ländlichen Gebieten der Südstaaten. Bis 1919 blieben nur noch drei bedeutende Minstrel-Truppen übrig.Eine solche Faszination für die Kultur der "Schwarzen", obwohl zunächst ein Scherz, musste Folgen haben. Seine bemerkenswerteste Folge war die Geburt - Jazz. Jazz wurde auf der Bühne aktiv zur Inszenierung von Burlesque-Aufführungen und Aufführungen im Geiste des Varieté-Farce eingesetzt. Diese Produktionen wurden bereits unter Beteiligung von Schauspielern und Musikern aufgeführt. Jazz wurde so populär, dass es zu Beginn des Zweiten Weltkriegs schwierig war, in ganz Amerika eine Unterhaltungsshow zu finden, die keine Jazzelemente enthielt. Aus der primitiven Negermusik wurde der Jazz zu einer Musik, die von der Philosophie des amerikanischen Lebens erzählt, und infolgedessen änderte sich auch das dramatische Genre der Aufführungen. Der Jazz vereinte alle bis dahin unterschiedlichen Genres – so entstand das Musical.
In den Produktionen des Musicals werden verschiedene Spezialeffekte aktiv eingesetzt, es werden einzigartige Tricks geschaffen, von denen der Zuschauer atemberaubend ist!

Musikverwandte Genres
Wie wiederholt gesagt wurde, war der Jazz ein großer Impulsgeber für die Entwicklung der Musikkultur, daher werden Jazzaufführungen zweifellos entfernt, aber immer noch Verwandte des Musicals sein. Wenn wir davon ausgehen, dass das Musical vieles aufgenommen hat, was für dramatische Inszenierungen charakteristisch ist - d.h. theatralische, dann verwandte Genres umfassen:
- Theater
- Melodram
- Komödie
- Tragödie
- Tragikomödie
- Farce
- Farce Varieté

Musikalische Entwicklung. Berühmte Komponisten und Musicals. Musikstil.
In den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg gaben die talentierten Emigranten Herbert, Friml, Romberg Impulse für die aktive Entwicklung des Musicals in Amerika. In den 20er und 30er Jahren, mit dem Aufkommen der neuen amerikanischen Komponisten Jerome Kern, George Gershwin, Col Porter, nimmt das Musical einen wahrhaft amerikanischen Charakter an. Das Libretto wurde komplizierter, der Einfluss von Jazz und Ragtime machte sich in den Rhythmen bemerkbar, in den Liedern tauchten typisch amerikanische Wendungen auf. Viele Songs aus Musicals sind zu Musical-Klassikern geworden. Die schauspielerischen Fähigkeiten der Sänger haben deutlich zugenommen. Gershwin gewann 1932 zum ersten Mal den Pulitzer-Preis für seine Arbeit an dem Musical Of Thee I Sing (1931). Die Uraufführung seiner berühmten Oper „Porgy and Bess“ fand Ende 1935 in New York statt gießen bestand aus klassisch ausgebildeten afroamerikanischen Sängern - eine mutige künstlerische Wahl für die damalige Zeit.
Mit der gemeinsamen Arbeit von Rogers und Hammerstein werden Produktionen wie z "Oklahoma!" (1943), ihr erstes Musical. Seine Handlung spielt 1906 in Oklahoma, in der Nähe der Stadt Claremore. Dann wurde auf dem sogenannten Indianerterritorium der neue Bundesstaat Oklahoma geschaffen. Das Stück basiert auf der Idee der Freundschaft und Zusammenarbeit zwischen verschiedenen Bevölkerungsgruppen des Staates: zwischen seinen ursprünglichen Bewohnern - Viehzüchtern und Neuankömmlingen aus dem Nachbarstaat Missouri - Bauern. Im Zentrum der Handlung steht eine Liebesgeschichte zwischen dem Cowboy Curly MacLaine und einem jungen Mädchen, Lori Williams, die auf ihrer eigenen Farm arbeitet. "Oklahoma!" den Titel des ersten Musicals in Anspruch nehmen kann modernes Verständnis Wörter. Zum ersten Mal wurden Gesang und Tanzroutinen zu einer vollständigen Geschichte kombiniert, die auf einem ernsthaften dramatischen Drehbuch basiert, das auf dem Stück The Lilacs Are Turning Green von Lynn Riggs aus dem Jahr 1931 basiert. Davor waren Lieder in musikalischen Komödien Plug-in-Nummern, die wenig mit der Handlung zu tun hatten.
"Karussell (1945), « Südpazifik », zeichnet sich durch ein hohes Maß an Dramaturgie aus. Sie hatten schlagender Erfolg an der Öffentlichkeit.
Musical "Südpazifik" erstellt von Richard Rogers und Oscar Hammerstein, basierend auf James Micheners Roman A Pacific Story (1948). Das Libretto wurde von Hammerstein in Zusammenarbeit mit Joshua Logan geschrieben. Im Zentrum der Handlung steht das Thema Rassendiskriminierung. Das Musical wurde 1949 am Broadway uraufgeführt. South Pacific war ein sofortiger Hit und wurde für zehn Tony Awards nominiert und gewann in allen Kategorien, darunter den Tony Award für das beste Musical, das beste Musical und das beste Libretto. Viele Songs wurden später sehr berühmt: „Bali Ha „i“, „I“ m Gonna Wash That Man Right Outta My Hair“, „Some Enchanted Evening“, „Happy Talk“, „Younger than Springtime“, „I“ m in Liebe mit einem wundervollen Kerl". Von 1950 bis 1955 fand eine nationale Tournee des Musicals in den Vereinigten Staaten statt, die in fünf Jahren in 118 Städten aufgeführt wurde. Die Rolle von Nellie Forbush in diesen Produktionen wurde von der amerikanischen Schauspielerin Janet Blair gespielt 1958 wurde der gleichnamige Film gedreht, in den Rollen spielten Rossano Brazzi und Mitzi Gaynor.

Die Version von The South aus dem Jahr 2008 wurde zur besten Neuproduktion eines klassischen Musicals gekürt und gewann Auszeichnungen für die beste Regie, den Hauptdarsteller, das Kostümbild, die Beleuchtung und den Ton.
Ein Musical schreiben "Meine schöne Dame" (1956) Frederick Lowe, Komponist von Musik, und Alan Lerner, Autor von Libretto und Texten, wurden von dem Drama von Bernard Shaw inspiriert "Pygmalion". Es ist nicht verwunderlich, dass die Handlung ihrer gemeinsamen Arbeit das Drama von Shaw wiederholt, das erzählt, wie die Hauptfigur, die ursprünglich ein gewöhnliches Blumenmädchen war, zu einer charmanten jungen Dame wird. Nach der Handlung des Musicals fand während des Streits zwischen dem Professor für Phonetik und seinem Freund, dem Linguisten, eine solche Transformation statt. Eliza Doolittle zog in das Haus des Wissenschaftlers, um den schwierigen Weg der Ausbildung zu gehen. Am Ende, beim Botschaftsball, besteht das Mädchen die schwierige Prüfung mit Bravour. Das Musical wurde am 15. März 1956 uraufgeführt. In London wurde die Aufführung erst im April 1958 gegeben. Rex Harrison fungierte als Professor-Lehrer und Julie Andrews bekam die Rolle von Eliza. Die Show erlangte sofort große Popularität, die Tickets dafür waren sechs Monate im Voraus ausverkauft. Dies stellte sich als echte Überraschung für die Macher heraus. In der Folge wurde das Musical 2717 Mal am Broadway und 2281 Mal in London aufgeführt, in elf Sprachen übersetzt und in mehr als zwanzig Ländern gespielt. „My Fair Lady“ gewann Tony Awards. Insgesamt wurden über 5 Millionen Aufnahmen des Musicals mit seiner ursprünglichen Broadway-Besetzung verkauft. 1964 wurde der gleichnamige Film veröffentlicht, und die Bosse von Warner Brothers zahlten eine Rekordsumme von 5,5 Millionen Dollar für das Recht, das Musical zu verfilmen. Eliza wurde von Audrey Hepburn gespielt und Rex Harrison wurde ihr Partner, nachdem er von der Bühne ins Kino gewechselt war. Und der Erfolg des Films war überwältigend – er wurde für 12 Oscars nominiert und gewann 8 davon. Das Musical kommt beim Publikum so gut an, dass es nun auch in London zu sehen ist. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Handlung des Musicals ernster, es erschien "West-Side-Story" (1957) Leonhard Bernstein. Basierend auf Shakespeares Tragödie "Romeo und Julia", während die Handlung im modernen New York stattfindet. Die Ausdruckskraft der Tänze zeigte die wachsende Bedeutung der Choreographie. Die Handlung spielt Mitte der 1950er Jahre im New York und erzählt von der Konfrontation zwischen zwei Straßenbanden - "Rockets" ("Jets"), Nachkommen weißer Einwanderer, und "Sharks" ("Sharks"), Puertoricaner. Der Protagonist, ehemaliges Rocket-Mitglied Tony, verliebt sich in Maria, die Schwester von Bernardo, dem Anführer der Sharks. Drama, entspannende Musik und das Aufwerfen akuter sozialer Probleme brachten der Musik Weltruhm, wenn auch nicht sofort. Die von Bernstein für das Musical geschriebenen Musikkompositionen wurden sehr beliebt. Insgesamt umfasst das Musical 11 Musiknummern: "Something's Coming", "Maria", "America", "Somewhere", "Tonight", "Jet Song", "I Feel Pretty", "A Boy Like That", " Eine Hand, ein Herz“, „Gee, Officer Krupke“ und „Cool“. Die ursprüngliche Broadway-Produktion von 1957 (Regie und Choreographie von Harold Robbins und Produktion von Robert Griffith und Harold Prince) war das Debüt des obskuren Librettisten Stephen Sondheim am Broadway. Die Premiere fand am 26. September auf der Bühne des Theaters "Winter Garden" statt. 732 Mal wurde das Musical gezeigt, bevor es auf Welttournee ging. Das Musical gewann 1957 den Tony Award für Choreografie, verlor aber gegen The Music Man für das beste Musical. Die Produktion gewann auch einen Oscar in 10 von 11 Nominierungen.Der gleichnamige Film von 1961, der auf dem musikalischen Drehbuch basiert, wurde ebenfalls ausgezeichnet. Derzeit wird das Musical oft in Bildungseinrichtungen, regionalen Theatern und sogar Weltklasse-Opernhäusern aufgeführt.

In den späten 60er Jahren des 20. Jahrhunderts entsteht unter dem Einfluss neuer Musikstile ein neues Verständnis des Musicals als Genre. In einem psychedelischen Musical "Haare" (1967) spiegelte damals modische Ideen wider Hippie, was der Produktion den Titel „Primitives amerikanisches Lyrical-Rock-Musical“ einbrachte.Musik geschrieben von Galt McDermot, Texte von James Rado und Jerome Ranyi. Die Premiere fand am 17. Oktober 1967 in New York statt. Im April 1968 zog es auf eine der Bühnen des Broadway, wo es 1.873 Vorstellungen lief. Im selben Jahr wurde es in Los Angeles und London aufgeführt.Im November 1999 zeigte das Moscow Variety Theatre eine amerikanische Autorenversion des Musicals, inszeniert von Regisseur Bo Crowell und Produzent Michael Butler zusammen mit dem Stas Namin Moscow Theatre of Music and Theater. Dann wurde die Inszenierung adaptiert und im Januar 2000 fand im Theater des jungen Zuschauers die Uraufführung der russischen Fassung statt. Das Musical wird immer noch erfolgreich im Stas Namin Moscow Theatre of Music and Drama aufgeführt.
Seit den 70er Jahren wurde die Anzahl der Aufführungen reduziert, aber die Kulissen und Kostüme neuer Musicals wurden luxuriöser. Drastische Änderungen im Konzept des Musicals wurden von der Produktion vorgestellt "Jesus Christ Superstar" ("Jesus Christ Superstar" 1971) Die Musik für das Werk wurde vom legendären Andrew Lloyd Weber geschrieben, und Tim Rice schuf das Libretto. Ursprünglich war geplant, eine vollwertige Oper mit moderner Musiksprache und allen relevanten Traditionen zu schaffen - die Arien der Hauptfiguren sollten vorhanden sein. Unterschied dieses Musical von den traditionellen darin, dass es keine dramatischen Elemente gibt, alles basiert auf Rezitativen und Gesang. Hier wird Rockmusik mit klassischer Geschichte kombiniert, modernes Vokabular wird in den Texten verwendet und die ganze Geschichte wird ausschließlich durch Lieder erzählt. All das machte „Jesus Christ Superstar“ zu einem Superhit. Die Geschichte handelt von den letzten sieben Tagen im Leben Jesu, die vor den Augen von Judas Iskariot vergehen, enttäuscht von den Lehren Christi. Die Handlung beginnt mit dem Einzug Jesu in Jerusalem und endet mit der Hinrichtung des Heiligen. Die Oper wurde erstmals 1970 in Form eines Albums aufgeführt, auf dem die Hauptrolle vom Sänger übernommen wurde Tiefe Bänder Lila von Ian Gillan. Die Rolle des Judas wurde von Murray Head gespielt, und Mary Magdalene wurde von Yvonne Elliman geäußert. 1971 erschien das Musical am Broadway. Viele bemerken, dass Jesus in der Produktion als der erste Hippie auf dem Planeten dargestellt wird. Die Produktion dauerte nur anderthalb Jahre auf der Bühne, erhielt aber 1972 in London einen neuen Atem. Die Hauptrolle spielte Paul Nicholas, Judas wurde von Stefan Tate verkörpert. Diese Version des Musicals wurde erfolgreicher und dauerte ganze acht Jahre. Basierend auf der Arbeit wurde wie üblich auch ein Spielfilm von Regisseur Norman Jewison gedreht. Der Oscar 1973 für die beste Musik ging an dieses besondere Werk. Der Film ist nicht nur wegen seiner hervorragenden Musik und seines Gesangs interessant, sondern auch wegen seiner ungewöhnlichen Interpretation des Jesus-Themas, das in einer alternativen traditionellen Sichtweise erscheint. Dieses Musical wird oft als Rockoper bezeichnet, das Werk hat viele Kontroversen ausgelöst und ist zum Kult der Hippie-Generation geworden. „Jesus Christ Superstar“ ist bis heute aktuell und wurde in viele Sprachen übersetzt. Seit mehr als 30 Jahren wird das Musical auf der ganzen Welt aufgeführt – auf den Bühnen Australiens, Japans, Frankreichs und Mexikos, Chiles und Deutschlands, Großbritanniens und der USA.
Das ernste Thema des Musicals "Evita" ("Evita", 1978) bewiesen den langen Weg, den das Genre während seiner Entwicklung zurückgelegt hat. Die Idee, ein Musical zu machen, entstand zufällig – im Oktober 1973 hörte Tim Rice im Auto das Ende einer Radiosendung, die sich mit Evita Peron beschäftigte. Die Frau war die Ehefrau des argentinischen Diktators Juan Peron, der Dichter interessierte sich für ihre Lebensgeschichte. Sein Co-Autor, Lloyd Webber, war zunächst nicht begeistert von der Geschichte, stimmte aber schließlich zu, daran zu arbeiten. Rice hat seine Geschichte gründlich studiert Hauptfigur, dafür verbrachte er viel Zeit in Londoner Bibliotheken und besuchte sogar das ferne Argentinien. Dort wurde der Hauptteil der Handlung geboren. Tim Rice führte einen Erzähler in das Musical ein, einen gewissen Che, dessen Vorbild Ernesto Che Guevara war. Die Geschichte selbst erzählt von Eva Duarte, die im Alter von 15 Jahren nach Buenos Aires kam und zunächst eine berühmte Schauspielerin und dann die Frau des Präsidenten des Landes wurde. Die Frau half den Armen, trug aber auch zur Herrschaft der Diktatur in Argentinien bei. "Evita" kombinierte verschiedene Musikstile mit lateinamerikanischen Motiven als Grundlage der Partitur. Die ersten Demos des Musicals wurden den Kritikern beim ersten Festival in Sidmonton präsentiert, und dann begannen die Aufnahmen des Albums im Olympic Studio. Evita war die Schauspielerin Julie Covington und Che war der junge Sänger Colm Wilkinson. Die Rolle des Peron ging an Paul Jones. Das Album war ein großer Erfolg – ​​in drei Monaten wurden eine halbe Million Exemplare verkauft. Obwohl "Evita" in Argentinien offiziell verboten war, galt der Rekordgewinn als Prestigesache. Das Musical wurde am 21. Juni 1978 unter der Regie von Hal Prince veröffentlicht. In seiner Produktion ging die Rolle von Evita an Elaine Page, und Che wurde von dem berühmten Rocksänger David Essex gespielt. Das Stück war so erfolgreich, dass es zum besten Musical des Jahres 1978 gekürt wurde. Die Hauptdarstellerin selbst wurde für ihre Leistung in Evita ausgezeichnet. Die allerersten Wochen nach der Veröffentlichung der Aufnahme des Musicals auf der Disc machten es Gold. Am 8. Mai 1979 fand die Uraufführung von „Evita“ in Amerika, in Los Angeles statt, und vier Monate später kam die Aufführung an den Broadway. Die Popularität von „Evita“ bewiesen 7 „Tony“-Auszeichnungen, die sie erhielt. Der Erfolg des Musicals ermöglichte es ihm, viele Länder zu besuchen - Korea, Ungarn, Australien, Mexiko, Japan, Israel und andere. 20 Jahre nach der Geburt des Musicals wurde beschlossen, einen Film darauf zu machen. Der Regisseur war Alan Parker, die Hauptrolle, Evita Peron, wurde von Madonna gespielt, die Rolle von Che wurde Antonio Banderas anvertraut, Peron wurde von Jonathan Pryce gespielt. Der Film enthielt einen neuen Song von Webber und Rice, „You Must Love Me“, der einen Oscar für den besten Originalsong gewann.
Webbers Kreation "Katzen" ("Katzen", 1981). Grundlage für dieses beliebte Musical war ein Zyklus von Kindergedichten von T.S. Eliots Old Possum's Book of Practical Cats, veröffentlicht 1939 in England. Die Sammlung sprach mit Ironie über die Gewohnheiten und Gewohnheiten von Katzen, aber hinter diesen Merkmalen ließen sich leicht menschliche Züge erahnen. Elliots Gedichte gefielen Andy Lloyd Webber, der in den 70er Jahren langsam Musik für sie komponierte. Und so hatte der Komponist bis 1980 genug Material gesammelt, um daraus ein Musical zu machen. Da die Briten Katzen sehr mögen, war ihre Show zum Erfolg verurteilt. Neben Webber gehörten zum Team der Produzent Cameron McIntosh, der Regisseur Trevor Nunn, der Künstler John Napier und die Choreografin Gillian Lynn. Doch bei der szenischen Umsetzung der Songs stellte sich heraus, dass es keine sinnvolle Handlung gab. Dank Eliots Witwe wurden jedoch Entwürfe und Briefe des Dichters gefunden, aus denen die Autoren des Musicals Ideen für die Zusammenstellung der Handlung des Stücks zusammensetzen konnten. Bei „Cats“ wurden besondere Anforderungen an die Künstler gestellt – es reichte nicht, gut zu singen und deutlich zu sprechen, man musste auch sehr plastisch sein. Es stellte sich heraus, dass es in England selbst fast unmöglich war, eine Truppe von 20 solcher Schauspieler zu rekrutieren, also wurden der Popsänger Paul Nicholas, die Schauspielerin Elaine Page, die junge Tänzerin und Sängerin Sarah Brightman und der Star des Royal Ballet, Wayne Sleep, in die Besetzung aufgenommen. Das "Cats"-Theater wurde von seinem eigenen Designer - John Napier - entworfen, daher gibt es überhaupt keinen Vorhang, und die Bühne und der Saal verschmelzen zu einem einzigen Raum. Die Aktion findet nicht frontal, sondern in der ganzen Tiefe statt. Die Szenerie selbst ist als Müllhalde gerahmt – darauf liegen Berge von malerischem Müll, tatsächlich ist die Szenerie aber mit ausgeklügeltem Equipment ausgestattet. Schauspieler erscheinen mit Hilfe eines komplexen, vielschichtigen Make-ups in Form anmutiger Katzen. Ihre Bodys sind handbemalt, ihre Perücken aus Yakwolle, ihre Schwänze und Kragen aus Wolle und sie tragen glänzende Kragen. Das Musical erschien erstmals am 11. Mai 1981 in London vor den Augen der Öffentlichkeit und kam ein Jahr später am Broadway an. Dadurch konnte „Cats“ bis zu seinem Abschluss am 11. Mai 2002 zur am längsten laufenden Produktion in der Geschichte des britischen Theaters werden. Insgesamt wurden 6.400 Vorstellungen gegeben, die Produktion wurde von mehr als 8 Millionen Menschen gesehen und die Macher konnten rund 136 Millionen Pfund verdienen. Und in den Staaten brach das Musical alle möglichen Rekorde. Bereits 1997 überstieg die Zahl der Aufführungen 6100, was es ermöglichte, die Aufführung als die wichtigste Langleber des Broadway zu bezeichnen. Infolgedessen wurde „Cats“ während der gesamten Zeit mehr als 40 Mal geliefert, die Gesamtzahl der Zuschauer in 30 Ländern überstieg 50 Millionen, die Songs wurden in 14 Sprachen aufgeführt und die Gesamtsumme der Gebühren betrug 2,2 Milliarden US-Dollar. Das Musical erhielt viele Auszeichnungen, darunter die bekanntesten sind der Laurence Olivier Award, der Evening Standard Award für das beste Musical, 7 Tony Awards, der Molière Award in Frankreich. Aufnahmen der Broadway- und Londoner Eigenkompositionen erhielten einen Grammy.
Ein weiteres beliebtes Werk von Webber war das Musical "Phantom der Oper"(„Das Phantom der Oper“), der Elemente aus Detektiv und Thriller vereint. Die Zusammenarbeit von Sarah Brightman und Andrew Lloyd Webber bei „Cats“ führte 1984 zu ihrer Hochzeit. Für seine Frau schuf der Komponist "Requiem", aber dieses Werk konnte das Talent des Sängers nicht in großem Umfang zeigen. Webber beschloss daher, ein neues Musical zu kreieren, das zum Phantom der Oper wurde, basierend auf dem gleichnamigen Roman des Franzosen Gaston Leroux aus dem Jahr 1910. romantisch aber dunkle Geschichte spricht über das Leben in einem Dungeon unter Pariser Oper ein mysteriöses Wesen mit übernatürlichen Kräften. Die Hauptrolle in der Produktion, Christina Daae, ging natürlich an Sarah Brightman. Die männliche Rolle übernahm Michael Crawford. Im ersten Teil spielte Steve Barton Christinas Liebhaber Raoul. Richard Stilgoe arbeitete mit Andrew Lloyd Webber am Libretto, und Charles Hart schrieb die Texte. Die Theaterkünstlerin Maria Bjornson verpasste dem Phantom die berühmte Maske und bestand auf der Entscheidung, den berüchtigten fallenden Kronleuchter nicht auf die Bühne, sondern direkt auf das Publikum zu senken. Das Phantom der Oper wurde am 9. Oktober 1986 im Royal Theatre uraufgeführt, sogar Mitglieder der Familie Ihrer Majestät waren anwesend. Und im Januar 1988 fand die erste Broadway-Produktion des Musicals statt, sie fand im New Yorker Majestic Theatre statt. Das Phantom der Oper wurde nach Cats das am zweitlängsten laufende Musical in der Geschichte des Broadway. Infolgedessen sahen sich allein in New York etwa 11 Millionen Menschen die Show an. Das Musical wurde in 18 Ländern aufgeführt, es wurden etwa 65.000 Aufführungen gegeben, mehr als 58 Millionen Menschen haben es dort gesehen und Gesamtzahl Zuschauer auf der ganzen Welt hat bereits 80 Millionen überschritten. Als Ergebnis - wohlverdiente Auszeichnungen und Preise, die mehr als 50 an der Zahl sind. Das Musical erhielt drei Laurence Olivier Awards und 7 Tony Awards, 7 Drama Desk Awards und den Evening Standard Award. Die Gesamteinnahmen aus dem Phantom der Oper beliefen sich auf 3,2 Milliarden Dollar. Der Roman inspirierte die Regisseure zu sieben Filmen, der letzte von ihnen, gedreht im Jahr 2004, wurde dreimal für einen Oscar nominiert, derselbe Webber war Produzent und Komponist.

Das angloamerikanische Musical-Monopol endete 1985 mit der Premiere einer französischen Produktion auf der Londoner Bühne. "Les Misérables" ("Les Misérables") Der Komponist Claude-Michel Schonberg und der Librettist Alain Boublil haben Victor Hugos bereits klassischem Les Misérables eine zweite Geburt gegeben. Zwei Jahre lang wurde an der Entstehung des Musicals gearbeitet. Das Ergebnis war eine zweistündige Skizze, die dann in ein Konzeptalbum mit einer Auflage von 260.000 Exemplaren umgewandelt wurde. Ein Stich, der die kleine Cosette darstellt, ist zu einer Art Markenzeichen des Musicals geworden. Die Bühnenversion wurde am 17. September 1980 im Palais des Sports in Paris präsentiert. Infolgedessen wurde die Aufführung von mehr als einer halben Million Menschen gesehen. Die Rolle von Jean Valjean wurde von Maurice Barrier gespielt, Javert wurde von Jacques Mercier gespielt, Fantine von Rose Laurence und Cosette von Fabienne Guyon. Das Konzeptalbum „Les Misérables“ gefiel dem jungen Regisseur Peter Ferago, der den englischen Produzenten Cameron Mackintosh für die Arbeit holte. Dadurch war es möglich, eine wirklich hochklassige Show zu kreieren. Ein professionelles Team arbeitete an der Produktion – die Regisseure Trevor Nunn und John Caed, und Herbert Kretzmer passte den Text mit Hilfe der Macher des Musicals ins Englische an. Als Ergebnis - die Uraufführung der Aufführung unter der Schirmherrschaft der Royal Shakespeare Company im Barbican Theatre am 8. Oktober 1985. Bis heute wurde Les Misérables am häufigsten im Londoner Palace Theatre gezeigt, wo mehr als 6.000 Aufführungen des Musicals stattfanden. 1987 kamen „Les Miserables“ an den Broadway und begannen damit ihre Prozession um die Welt. Obwohl die Aufführung mehr als zwanzig Jahre alt ist, steht sie immer noch auf den Bühnen der Welttheater. Les Misérables wurde in viele Sprachen übersetzt, darunter auch exotische wie Japanisch, Mauretanische und Kreolische. Insgesamt wurde dieses Musical in 32 Ländern auf der ganzen Welt aufgeführt. Die Kreationen von Schönberg und Boublil wurden schließlich von mehr als 20 Millionen Menschen gesehen. Das hohe Niveau des Musicals als Genre beweist sich "Fräulein Saigon" ("Fräulein Saigon"), eine modernisierte Version von Puccinis Madama Butterfly.Anfang des 20. Jahrhunderts begeisterte Puccini das Publikum mit seiner romantischen Oper Madama Butterfly. Im letzten Viertel des letzten Jahrhunderts erhielt die Liebesgeschichte eines Mädchens aus dem Osten und eines Soldaten aus dem Westen eine neue Inkarnation. 1975 endete der Vietnamkrieg mit dem Fall von Saigon, und vierzehn Jahre später wurde Miss Saigon in der Londoner Musikszene gekrönt.
Die Idee, ein Musical über eine tragische Liebe zu machen, die während des Vietnamkriegs geboren wurde, entstand eher zufällig. 1985 wurde Schönberg auf ein Foto aufmerksam, das in einer der Zeitschriften veröffentlicht wurde – es zeigte eine Vietnamesin und ihre kleine Tochter am Flughafen in Ho Che Min (früher Saigon). Das Mädchen musste in ein Flugzeug steigen und in die Vereinigten Staaten fliegen, wo ihr Vater, ein ehemaliger amerikanischer Soldat, auf sie wartete. Die Mutter beschloss, sich von ihrer Tochter zu trennen, in der Hoffnung, dass ihr Vater ihr eine bessere Zukunft bieten würde. Schönberg erinnert sich, wie ihn die stille Trauer der Frau traf: Sie war schrecklicher als die bittersten Tränen. Sein Glück zu opfern, um seinem Kind Glück zu schenken, ist laut dem Komponisten „das höchste Opfer“. Ein ähnliches Opfer brachte die Heldin von Giacomo Puccinis berühmter Oper Madama Butterfly, die sich im Namen des Glücks ihres Sohnes das Leben nahm. "Miss Saigon“ ist, mit den Worten von Alain Boublil, „zuallererst tragische Geschichte Liebe, keine Geschichte über den Vietnamkrieg", sondern das Motiv des Aufeinanderprallens verschiedener Kulturen, Religionen und Rassen, das zu sinnlosem Blutvergießen eskaliert, verleiht dieser Geschichte eine epische Dimension.
In der Definition eines Musicals als Genre gibt es einen Punkt, nach dem ein Musical Theater und Tanz in sich synthetisiert, dh Ballett, Pop-Choreographie und moderne Choreographie werden Elemente des Musicals sein. In den Musicals des letzten Jahrzehnts hat Stripplastik Einzug gehalten: Elemente der leichten Erotik plus klassisches Ballett. Zum ersten Mal wurde etwas Ähnliches vor vielen Jahren im Musical „Chicago“ auf der Bühne gezeigt. Dort wurde mit Hilfe von Streifenplastiken das letzte Abschiedsgespräch zweier Liebender gezeigt, von denen der eine an diesem Abend durch die Hände des anderen dem Tode geweiht ist. Ballett in seiner reinsten Form ist in modernen Musicals nur noch selten zu finden, Elemente der Ballettschule sind jedoch immer präsent. So ist zum Beispiel der Tanz der Straßenkatzen im gleichnamigen Musical „Cats“ nichts anderes als eine Ballett-Frauenpartie. Ein interessanter Ansatz zur Definition von Genres im Zusammenhang mit dem Musical wurde von sowjetischen Musikkritikern gewählt. Das Musical galt als eine Art Operette. Zitat zum Nachdenken: „Heute wird das Musical als Genre der niedrigen Operette durch zwei Arten von Gruppen repräsentiert: Erstens sind dies Broadway-Theater eines Stücks, die mit dem Ziel geschaffen wurden, ein Werk zu fördern und zu verwerten, und das Ein anderer Typ sind reisende Operngruppen. Sie werden mit dem Ziel geschaffen, in den Provinzen eine Reihe einfacher Bühnenaufführungen zu zeigen. So dumm es auch scheinen mag, die moderne Musikkritik erkennt auch an, dass Oper und Operette zwei Musikgattungen sind, die als mit dem Musical verwandt angesehen werden können und sollten.
Die drei Hauptbestandteile eines Musicals- Musik, Texte und Libretto. Das Libretto eines Musicals bezieht sich auf das „Stück“ oder die Geschichte der Show – tatsächlich auf die gesprochene (nicht gesungene) Linie. "Libretto" kann sich jedoch auch auf Dialog und Text zusammen beziehen, wie ein Libretto in einer Oper. Musik und Text bilden zusammen eine Partitur. Die Interpretation des Musicals durch das Kreativteam hat großen Einfluss auf die Art und Weise, wie das Musical präsentiert wird. Das Kreativteam besteht aus einem Regisseur, einem Musikdirektor und normalerweise einem Choreografen. Auch die Produktion von Musicals ist gestalterisch geprägt von technischen Aspekten wie Bühnenbild, Kostümen,
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Ein Musical oder musikalische Komödie ist ein Bühnenwerk, in dem Lieder und Dialoge, Musik und Tänze vermischt werden. Die Vorfahren dieses Genres sind Operette, Varieté und Burleske. Musicals gehören zu den kommerziellsten Theaterkünste. Dies liegt an ihrer Unterhaltung und ihren teuren Spezialeffekten. Es wird angenommen, dass das erste Musical 1866 in New York aufgeführt wurde und Black Crook hieß.

Der Beginn des 20. Jahrhunderts gab der Entwicklung des Genres in Amerika und den 30er Jahren einen aktiven Impuls, verbunden mit der Arbeit der talentierten Komponisten Gershwin, Porter und Kern. Die 60er Jahre brachten neue Ideen ins Musical, im Laufe der Zeit begann die Zahl der Aufführungen zu sinken, aber die Kulissen und Kostüme wurden prächtiger.

1985 wurde das Musical-Monopol der USA und Englands von den Franzosen mit ihren Les Misérables gebrochen. Heute sind Musicals, die in den 70er Jahren in der UdSSR schüchtern geboren wurden, in Russland beliebt. Lassen Sie uns über zehn der meisten sprechen Berühmte Werke dieses Genre im Laufe seiner Geschichte.

"Meine schöne Dame" Frederick Lowe, der Musikkomponist, und Alan Lerner, der Autor des Librettos und der Texte, wurden von Bernard Shaws Drama „Pygmallion“ zum Schreiben des Musicals inspiriert. Es ist nicht verwunderlich, dass die Handlung ihrer gemeinsamen Arbeit das Drama von Shaw wiederholt, das erzählt, wie die Hauptfigur, die ursprünglich ein gewöhnliches Blumenmädchen war, zu einer charmanten jungen Dame wird. Nach der Handlung des Musicals fand während des Streits zwischen dem Professor für Phonetik und seinem Freund, dem Linguisten, eine solche Transformation statt. Eliza Doolittle zog in das Haus des Wissenschaftlers, um den schwierigen Weg der Ausbildung zu gehen. Am Ende, beim Botschaftsball, besteht das Mädchen die schwierige Prüfung mit Bravour. Das Musical wurde am 15. März 1956 uraufgeführt. In London wurde die Aufführung erst im April 1958 gegeben. Rex Harrison fungierte als Professor-Lehrer und Julie Andrews bekam die Rolle von Eliza. Die Show erlangte sofort große Popularität, die Tickets dafür waren sechs Monate im Voraus ausverkauft. Dies stellte sich als echte Überraschung für die Macher heraus. In der Folge wurde das Musical 2717 Mal am Broadway und 2281 Mal in London aufgeführt, in elf Sprachen übersetzt und in mehr als zwanzig Ländern gespielt. „My Fair Lady“ gewann Tony Awards. Insgesamt wurden über 5 Millionen Aufnahmen des Musicals mit seiner ursprünglichen Broadway-Besetzung verkauft. 1964 wurde der gleichnamige Film veröffentlicht, und die Bosse von Warner Brothers zahlten eine Rekordsumme von 5,5 Millionen Dollar für das Recht, das Musical zu verfilmen. Eliza wurde von Audrey Hepburn gespielt und Rex Harrison wurde ihr Partner, nachdem er von der Bühne ins Kino gewechselt war. Und der Erfolg des Films war überwältigend – er wurde für 12 Oscars nominiert und gewann 8 davon. Das Musical kommt beim Publikum so gut an, dass es nun auch in London zu sehen ist.

"Klänge der Musik". Der deutsche Film „Von Trapp Family“ wurde zur Grundlage für dieses Musical. 1958 wurde die Idee von den Drehbuchautoren Howard Lindsay und Russell Cruz, dem Produzenten Richard Holliday und seiner Frau Mary Martin, die Schauspielerin war, vom Kino auf die Bühne übertragen. Das Bild erzählte von einer österreichischen Familie, die auf der Flucht vor den Nazis nach Amerika ging. Die Handlung des Films wurde nicht erfunden, sie basierte auf dem Buch von Maria von Trapp, die direkt an diesen Ereignissen beteiligt war. Mary Martin selbst war damals eine Berühmtheit des Musiktheaters, in diesem Fall war es eine ernsthafte dramatische Rolle. Die Schauspielerin konnte sich jedoch nicht weigern, in einer neuen Rolle als Sängerin aufzutreten. Zunächst beschlossen die Autoren, die Produktion mit Hilfe von zu arrangieren Volkslieder und religiöse Hymnen der Familie von Trapp. Mary bestand jedoch darauf, dass ein speziell für sie geschriebenes Lied vorhanden war. Mit der Hilfe des Komponisten Richard Rogers und des Librettisten Oscar Hammerstein erschienen neue Musiknummern im Stück und das Musical war geboren. Es wurde am 16. November 1959 am Broadway uraufgeführt. Mary Martins Partner war Theodor Bickel, der die Rolle des Hauptmanns von Trapp spielte. Mary Martin war so beliebt, dass das Publikum begierig darauf war, die Premiere des Musicals mit ihrer Teilnahme zu sehen und großzügige Gebühren zu zahlen. The Sound of Music gewann 8 Tony Awards und wurde 1443 Mal gespielt. Das Originalalbum gewann sogar einen Grammy. 1961 begann das Musical seine US-Tournee, gleichzeitig wurde die Show in London eröffnet, wo es 6 Jahre lang aufgeführt wurde und zum am längsten laufenden amerikanischen Musical in der Hauptstadt Englands wurde. Im Juni 1960 erwarben Filmemacher von 20th Century Fox die Filmrechte an der Produktion für 1,25 Millionen US-Dollar. Die Handlung des Films unterschied sich zwar von der des Theaterstücks, aber er war es, der "Sound of Music" wirklich weltweite Berühmtheit brachte. Der Film wurde am 2. März 1965 in New York uraufgeführt und gewann 5 der 10 Oscars, für die er nominiert war. Anschließend wurden weitere Versuche unternommen, das Musical zu verfilmen, was seiner Popularität als unabhängige Aufführung jedoch keinen Abbruch tat. In den 1990er Jahren wurde The Sound of Music in Griechenland und Israel, Finnland und Schweden, Peru und China, Island und den Niederlanden gespielt.

"Kabarett". Als Grundlage für diese legendäre Performance dienten Christopher Isherwoods „Berlin Stories“, die vom Leben in Deutschland Anfang der 30er Jahre erzählen. Ein weiterer Teil der Geschichte stammt aus John Van Drutens Stück I Am the Camera über die Liebesbeziehung zwischen einem jungen amerikanischen Schriftsteller und der Berliner Kabarettistin Sally Bowles. Das Schicksal brachte den jungen Brian Roberts, einen aufstrebenden Schriftsteller, Anfang der 30er Jahre in die Hauptstadt Deutschlands, um Schwarzarbeit zu leisten. Hier trifft er Sally, verliebt sich in sie und bekommt viele neue und unvergessliche Empfindungen. Erst jetzt weigert sich der Sänger, dem Typen nach Paris zu folgen, und bricht ihm das Herz. Das Kabarett, einst Symbol der Freiheit, beginnt sich im Laufe der Handlung allmählich mit Menschen mit einem Hakenkreuz am Ärmel zu füllen … Die Uraufführung des Musicals fand am 20. November 1966 statt. Die Produktion wurde vom berühmten Broadway-Regisseur Harold Prince durchgeführt. Musik von John Kanzer mit Texten von Fred Ebb und Libretto von Joe Masteroff. Die Originalbesetzung bestand aus Joel Gray als Entertainer, Jill Haworth als Sally und Bert Cliff als Cliff. Die Produktion hielt 1165 Vorstellungen stand und erhielt immerhin 8 Tonys. 1972 erschien der Film „Cabaret“ unter der Regie von Bob Foss. Joel Gray spielte die gleiche Rolle, aber Liza Minnelli verkörperte Sally brillant, während Michael York Brian spielte. Der Film erhielt 8 Oscars. Eine aktualisierte Version des Musicals erschien 1987 vor dem Publikum, und wo ohne Joel Gray? Aber 1993 in London und 1998 am Broadway hatte er bereits seine eigene Reise begonnen. neues Musical„Kabarett“ unter der Regie von Sam Mendes. Und diese Version hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten und wurde 2377 Mal eingereicht. Das Musical wurde schließlich am 4. Januar 2004 geschlossen, für wie lange?

"Jesus Christus Superstar". Die Musik für das Werk wurde vom legendären Andrew Lloyd Weber geschrieben, und Tim Rice schuf das Libretto. Ursprünglich war geplant, eine vollwertige Oper mit moderner Musiksprache und allen relevanten Traditionen zu schaffen - die Arien der Hauptfiguren sollten vorhanden sein. Der Unterschied zwischen diesen musikalischen und traditionellen besteht darin, dass es keine dramatischen Elemente gibt, alles basiert auf Rezitativen und Gesang. Hier wird Rockmusik kombiniert klassische Geschichte, die Texte verwenden modernes Vokabular, und die ganze Geschichte wird ausschließlich durch Lieder erzählt. All das machte „Jesus Christ Superstar“ zu einem Superhit. Die Geschichte handelt von den letzten sieben Tagen im Leben Jesu, die vor den Augen von Judas Iskariot vergehen, enttäuscht von den Lehren Christi. Die Handlung beginnt mit dem Einzug Jesu in Jerusalem und endet mit seiner Hinrichtung. Die Oper wurde erstmals 1970 in Form eines Albums aufgeführt, auf dem die Hauptrolle vom Sänger der Gruppe gespielt wurde dunkellila Ian Gillan. Die Rolle des Judas wurde von Murray Head gespielt, und Mary Magdalene wurde von Yvonne Elliman geäußert. 1971 erschien das Musical am Broadway. Viele bemerken, dass Jesus in der Produktion als der erste Hippie auf dem Planeten dargestellt wird. Die Produktion dauerte nur anderthalb Jahre auf der Bühne, erhielt aber 1972 in London einen neuen Atem. Die Hauptrolle spielte Paul Nicholas, Judas wurde von Stefan Tate verkörpert. Diese Version des Musicals wurde erfolgreicher und dauerte ganze acht Jahre. Basierend auf der Arbeit wurde wie üblich auch ein Spielfilm von Regisseur Norman Jewison gedreht. Der Oscar 1973 für die beste Musik ging an dieses besondere Werk. Der Film ist nicht nur wegen seiner hervorragenden Musik und seines Gesangs interessant, sondern auch wegen seiner ungewöhnlichen Interpretation des Jesus-Themas, das in einer alternativen traditionellen Sichtweise erscheint. Dieses Musical wird oft als Rockoper bezeichnet, das Werk hat viele Kontroversen ausgelöst und ist zum Kult der Hippie-Generation geworden. „Jesus Christ Superstar“ ist bis heute aktuell und wurde in viele Sprachen übersetzt. Seit mehr als 30 Jahren wird das Musical auf der ganzen Welt aufgeführt – auf den Bühnen Australiens, Japans, Frankreichs und Mexikos, Chiles und Deutschlands, Großbritanniens und der USA.

"Chicago". Das Musical basiert auf einem Artikel in der Chicago Tribune vom 11. März 1924. Die Journalistin Maureen Watkins sprach über eine Varieté-Schauspielerin, die ihren Geliebten tötete. Damals waren Geschichten über Sexualverbrechen sehr beliebt, es ist nicht verwunderlich, dass Watkins weiterhin über ähnliche Themen schrieb. Am 3. April 1924 ihre neue Notiz über Verheiratete Frau die ihren Freund erschossen hat. Diese Kriminalgeschichten Es gab viel Publicity, und dies hatte Auswirkungen auf Maureen, die schließlich die Zeitung verließ und ein Jurastudium in Yale begann. Dort schuf eine Frau als erzieherische Aufgabe das Theaterstück „Chicago“. Am Tag vor Beginn des Jahres 1927 fand am Broadway die Premiere des Stücks "Chicago" statt, es überstand 182 Aufführungen, 1927 und 1942 wurden Filme nach dem Stück gedreht. Die Wiedergeburt der Handlung wurde von Bob Foss, dem berühmten Broadway-Regisseur und Choreografen, gegeben. Er zog den Komponisten Dojn Kander an, und er und Fred Ebb arbeiteten am Libretto. Die Partitur von "Chicago" selbst war eine brillante Stilisierung amerikanischer Hits der 20er Jahre, und die Präsentation des musikalischen Materials ähnelte dem Varieté. Die Geschichte erzählt von der Corps de Ballet-Tänzerin Roxy Hart, die kaltblütig mit ihren Liebhabern umging. Im Gefängnis trifft eine Frau auf Velma Kelly und andere Kriminelle. Roxy konnte mit Hilfe des schlauen Anwalts Billy Flynn entkommen – das Gericht befand sie für unschuldig. Infolgedessen wurde die Welt des Showbusiness um das „Duett zweier funkelnder Sünder“, Velma Kelly und Roxie Hart, bereichert. Das Musical wurde am 3. Juni 1975 im 46th Street Theatre uraufgeführt. Die Rolle von Roxy ging an Gwen Verdon, Velma wurde von Chita Rivera gespielt und Billy wurde von Jerry Orbach gespielt. In London erschien das Musical nur 4 Jahre später, und die Produktion hatte nichts mit der Idee von Bob Fosse zu tun. Die Aufführung lief für 898 Vorführungen in Amerika und 600 im West End und wurde schließlich geschlossen. Die Show wurde jedoch 1996 unter der Leitung von Walter Bobby und der Choreografin Ann Rinking wiederbelebt. Die ersten Aufführungen im Stadtzentrum sorgten für so viel Aufsehen, dass beschlossen wurde, die Shows am Broadway fortzusetzen. Die Rolle von Roxy wurde von Rinking selbst gespielt, Bebe Neuwirth spielte Velma und James Naughton spielte Flynn. Diese Produktion erhielt 6 Tony Awards sowie einen Grammy für das beste Album. 1997 kam das Musical ins Londoner Adelphi Theatre, und die Produktion gewann den Laurence Olivier Award für das beste Musical. In aktualisierter Form wurde die Aufführung auf der ganzen Welt gezeigt - in Kanada, Australien, Holland, Argentinien, Japan, Mexiko, Russland und anderen Ländern. 2002 wurde der Miramax-Film mit den Stars Renee Zellweger (Roxy), Catherine Zeta-Jones (Velma) und Richard Gere (Billy Flynn) veröffentlicht. Das Projekt wurde von Rob Marshall geleitet und choreographiert. Der Film erhielt den Golden Globe in der Kategorie „Bestes Musical oder Komödie“ und gewann 6 von 12 Oscars, für die er nominiert war. In Russland wurde das Musical von Philip Kirkorov inszeniert, der selbst die Rolle eines erfahrenen und korrupten Anwalts verkörperte.

Evita. Die Idee, ein Musical zu machen, entstand zufällig – im Oktober 1973 hörte Tim Rice im Auto das Ende einer Radiosendung, die sich mit Evita Peron beschäftigte. Die Frau war die Ehefrau des argentinischen Diktators Juan Peron, der Dichter interessierte sich für ihre Lebensgeschichte. Sein Co-Autor, Lloyd Webber, war zunächst nicht begeistert von der Geschichte, stimmte aber schließlich zu, daran zu arbeiten. Rice studierte die Geschichte seiner Hauptfigur gründlich, verbrachte dafür viel Zeit in Londoner Bibliotheken und besuchte sogar das ferne Argentinien. Dort wurde der Hauptteil der Handlung geboren. Tim Rice führte einen Erzähler in das Musical ein, einen gewissen Che, dessen Vorbild Ernesto Che Guevara war. Die Geschichte selbst erzählt von Eva Duarte, die im Alter von 15 Jahren nach Buenos Aires kam und zunächst eine berühmte Schauspielerin und dann die Frau des Präsidenten des Landes wurde. Die Frau half den Armen, trug aber auch zur Herrschaft der Diktatur in Argentinien bei. "Evita" kombinierte verschiedene Musikstile mit lateinamerikanischen Motiven als Grundlage der Partitur. Die ersten Demos des Musicals wurden den Kritikern beim ersten Festival in Sidmonton präsentiert, und dann begannen die Aufnahmen des Albums im Olympic Studio. Evita war die Schauspielerin Julie Covington und Che war der junge Sänger Colm Wilkinson. Die Rolle des Peron ging an Paul Jones. Das Album war ein großer Erfolg – ​​in drei Monaten wurden eine halbe Million Exemplare verkauft. Obwohl "Evita" in Argentinien offiziell verboten war, galt der Rekordgewinn als Prestigesache. Das Musical wurde am 21. Juni 1978 unter der Regie von Hal Prince veröffentlicht. In seiner Produktion ging die Rolle von Evita an Elaine Page, und Che wurde von dem berühmten Rocksänger David Essex gespielt. Das Stück war so erfolgreich, dass es zum besten Musical des Jahres 1978 gekürt wurde. Sie selber Hauptdarstellerin erhielt eine Auszeichnung für ihre Leistung in Evita. Die allerersten Wochen nach der Veröffentlichung der Aufnahme des Musicals auf der Disc machten es Gold. Am 8. Mai 1979 fand die Uraufführung von „Evita“ in Amerika, in Los Angeles statt, und vier Monate später kam die Aufführung an den Broadway. Die Popularität von „Evita“ bewiesen 7 „Tony“-Auszeichnungen, die sie erhielt. Der Erfolg des Musicals ermöglichte es ihm, viele Länder zu besuchen - Korea, Ungarn, Australien, Mexiko, Japan, Israel und andere. 20 Jahre nach der Geburt des Musicals wurde beschlossen, einen Film darauf zu machen. Der Regisseur war Alan Parker, die Hauptrolle, Evita Peron, wurde von Madonna gespielt, die Rolle von Che wurde Antonio Banderas anvertraut, Peron wurde von Jonathan Pryce gespielt. Der Film enthielt einen neuen Song von Webber und Rice, „You Must Love Me“, der einen Oscar für den besten Originalsong gewann.

"Die Ausgestoßenen". Der Komponist Claude-Michel Schonberg und der Librettist Alain Boublil haben Victor Hugos bereits klassischem Les Misérables eine zweite Geburt gegeben. Zwei Jahre lang wurde an der Entstehung des Musicals gearbeitet. Das Ergebnis war eine zweistündige Skizze, die dann in ein Konzeptalbum mit einer Auflage von 260.000 Exemplaren umgewandelt wurde. Ein Stich, der die kleine Cosette darstellt, ist zu einer Art Markenzeichen des Musicals geworden. Die Bühnenversion wurde am 17. September 1980 im Palais des Sports in Paris präsentiert. Infolgedessen wurde die Aufführung von mehr als einer halben Million Menschen gesehen. Die Rolle von Jean Valjean wurde von Maurice Barrier gespielt, Javert wurde von Jacques Mercier gespielt, Fantine von Rose Laurence und Cosette von Fabienne Guyon. Das Konzeptalbum „Les Misérables“ gefiel dem jungen Regisseur Peter Ferago, der den englischen Produzenten Cameron Mackintosh für die Arbeit holte. Dadurch war es möglich, eine wirklich hochklassige Show zu kreieren. Ein professionelles Team arbeitete an der Produktion – die Regisseure Trevor Nunn und John Caed, und Herbert Kretzmer passte den Text mit Hilfe der Macher des Musicals ins Englische an. Als Ergebnis - die Uraufführung der Aufführung unter der Schirmherrschaft der Royal Shakespeare Company im Barbican Theatre am 8. Oktober 1985. Bis heute wurde Les Misérables am häufigsten im Londoner Palace Theatre gezeigt, wo mehr als 6.000 Aufführungen des Musicals stattfanden. 1987 kamen „Les Miserables“ an den Broadway und begannen damit ihre Prozession um die Welt. Obwohl die Aufführung mehr als zwanzig Jahre alt ist, steht sie immer noch auf den Bühnen der Welttheater. Les Misérables wurde in viele Sprachen übersetzt, darunter auch exotische wie Japanisch, Mauretanische und Kreolische. Insgesamt wurde dieses Musical in 32 Ländern auf der ganzen Welt aufgeführt. Die Kreationen von Schönberg und Boublil wurden schließlich von mehr als 20 Millionen Menschen gesehen.

"Katzen". Grundlage für dieses beliebte Musical war ein Zyklus von Kindergedichten von T.S. Eliots Old Possum's Book of Practical Cats, veröffentlicht 1939 in England. Die Sammlung sprach mit Ironie über die Gewohnheiten und Gewohnheiten von Katzen, aber hinter diesen Merkmalen ließen sich leicht menschliche Züge erahnen. Elliots Gedichte gefielen Andy Lloyd Webber, der in den 70er Jahren langsam Musik für sie komponierte. Und so hatte der Komponist bis 1980 genug Material gesammelt, um daraus ein Musical zu machen. Da die Briten Katzen sehr mögen, war ihre Show einfach zum Erfolg verurteilt. Neben Webber gehörten zum Team der Produzent Cameron McIntosh, der Regisseur Trevor Nunn, der Künstler John Napier und die Choreografin Gillian Lynn. Doch bei der szenischen Umsetzung der Songs stellte sich heraus, dass es keine sinnvolle Handlung gab. Dank Eliots Witwe wurden jedoch Entwürfe und Briefe des Dichters gefunden, aus denen die Autoren des Musicals Ideen für die Zusammenstellung der Handlung des Stücks zusammensetzen konnten. Bei „Cats“ wurden besondere Anforderungen an die Künstler gestellt – es reichte nicht, gut zu singen und deutlich zu sprechen, man musste auch sehr plastisch sein. Es stellte sich heraus, dass es in England selbst fast unmöglich war, eine Truppe von 20 solcher Schauspieler zu rekrutieren, also wurden der Popsänger Paul Nicholas, die Schauspielerin Elaine Page, die junge Tänzerin und Sängerin Sarah Brightman und der Star des Royal Ballet, Wayne Sleep, in die Besetzung aufgenommen. Das "Cats"-Theater wurde von seinem eigenen Designer - John Napier - entworfen, daher gibt es überhaupt keinen Vorhang, und die Bühne und der Saal verschmelzen zu einem einzigen Raum. Die Aktion findet nicht frontal, sondern in der ganzen Tiefe statt. Die Szenerie selbst ist als Müllhalde gerahmt – darauf liegen Berge von malerischem Müll, tatsächlich ist die Szenerie aber mit ausgeklügeltem Equipment ausgestattet. Schauspieler erscheinen mit Hilfe eines komplexen, vielschichtigen Make-ups in Form anmutiger Katzen. Ihre Bodys sind handbemalt, ihre Perücken aus Yakwolle, ihre Schwänze und Kragen aus Wolle und sie tragen glänzende Kragen. Das Musical erschien erstmals am 11. Mai 1981 in London vor den Augen der Öffentlichkeit und kam ein Jahr später am Broadway an. Dadurch konnte „Cats“ bis zu seinem Abschluss am 11. Mai 2002 zur am längsten laufenden Produktion in der Geschichte des britischen Theaters werden. Insgesamt wurden 6.400 Vorstellungen gegeben, die Produktion wurde von mehr als 8 Millionen Menschen gesehen und die Macher konnten rund 136 Millionen Pfund verdienen. Und in den Staaten brach das Musical alle möglichen Rekorde. Bereits 1997 überstieg die Zahl der Aufführungen 6100, was es ermöglichte, die Aufführung als die wichtigste Langleber des Broadway zu bezeichnen. Infolgedessen wurde „Cats“ während der gesamten Zeit mehr als 40 Mal aufgeführt, die Gesamtzahl der Zuschauer in 30 Ländern überstieg 50 Millionen, die Lieder wurden in 14 Sprachen aufgeführt und die Gesamtsumme der Gebühren betrug 2,2 Milliarden Dollar! Das Musical erhielt viele Auszeichnungen, darunter die bekanntesten sind der Laurence Olivier Award, der Evening Standard Award für das beste Musical, 7 Tony Awards, der Molière Award in Frankreich. Aufnahmen der Broadway- und Londoner Eigenkompositionen erhielten einen Grammy.

"Phantom der Oper". Die Zusammenarbeit von Sarah Brightman und Andrew Lloyd Webber bei „Cats“ führte 1984 zu ihrer Hochzeit. Für seine Frau schuf der Komponist "Requiem", aber dieses Werk konnte das Talent des Sängers nicht in großem Umfang zeigen. Webber beschloss daher, ein neues Musical zu kreieren, das zum Phantom der Oper wurde, basierend auf dem gleichnamigen Roman des Franzosen Gaston Leroux aus dem Jahr 1910. Eine romantische, aber dunkle Geschichte erzählt von einer mysteriösen Kreatur mit übernatürlichen Kräften, die in einem Kerker unter der Pariser Oper lebt. Die Hauptrolle in der Produktion, Christina Daae, ging natürlich an Sarah Brightman. Die männliche Rolle übernahm Michael Crawford. Im ersten Teil spielte Steve Barton Christinas Liebhaber Raoul. Richard Stilgoe arbeitete mit Andrew Lloyd Webber am Libretto, und Charles Hart schrieb die Texte. Die Theaterkünstlerin Maria Bjornson verpasste dem Phantom die berühmte Maske und bestand auf der Entscheidung, den berüchtigten fallenden Kronleuchter nicht auf die Bühne, sondern direkt auf das Publikum zu senken. Das Phantom der Oper wurde am 9. Oktober 1986 im Royal Theatre uraufgeführt, sogar Mitglieder der Familie Ihrer Majestät waren anwesend. Und im Januar 1988 fand die erste Broadway-Produktion des Musicals statt, sie fand im New Yorker Majestic Theatre statt. Das Phantom der Oper wurde nach Cats das am zweitlängsten laufende Musical in der Geschichte des Broadway. Infolgedessen sahen sich allein in New York etwa 11 Millionen Menschen die Show an. Das Musical wurde in 18 Ländern aufgeführt, etwa 65.000 Aufführungen wurden gegeben, mehr als 58 Millionen Menschen haben es dort gesehen, und die Gesamtzahl der Zuschauer auf der ganzen Welt hat bereits 80 Millionen überschritten. Als Ergebnis - wohlverdiente Auszeichnungen und Preise, die mehr als 50 an der Zahl sind. Das Musical erhielt drei Laurence Olivier Awards und 7 Tony Awards, 7 Drama Desk Awards und den Evening Standard Award. Die Gesamteinnahmen aus dem Phantom der Oper beliefen sich auf 3,2 Milliarden Dollar. Der Roman inspirierte die Regisseure zu sieben Filmen, der letzte von ihnen, gedreht im Jahr 2004, wurde dreimal für einen Oscar nominiert, derselbe Webber war Produzent und Komponist.

"Mama Mia" Die Popularität der Songs der ABBA-Gruppe ist so groß, dass die Idee, ein ganzes Musical darauf zu erstellen, das der Produzentin Judy Kramer in den Sinn kam, nicht verwundert. Die Basis des Musicals waren 22 Songs legendäre Band. Im Original wurden alle Lieder von Frauen vorgetragen, also wurde eine Geschichte über eine Mutter und eine Tochter entwickelt – Menschen zweier verschiedener Generationen. Damit eine Geschichte würdig ist berühmte Hits, wurde die Schriftstellerin Katherine Johnson eingeladen, die sich eine Geschichte über eine Familie einfallen ließ, die auf den griechischen Inseln lebt. Infolgedessen wird der Zuschauer nicht nur von musikalischen Hits angezogen, sondern auch von der Handlung, in die Musik eng verwoben ist. Die Lieder wurden in Dialoge unterteilt, nachdem sie neue Intonationen erhalten hatten. Die Produktion wurde von Phyllida Loyd inszeniert und von ABBA-Mitglied Bjorn Ulvaeus und Benny Anderson komponiert. Das Ergebnis ist eine romantische Komödie, die ironisch und ziemlich modern ist. Es gibt zwei Hauptlinien im Musical – eine Liebesgeschichte und die Beziehung zweier Generationen. Die Handlung von „Mama Mia“ ist voller komödiantischer Situationen, die sich vor dem Hintergrund der fröhlichen Kompositionen von „ABBA“ abspielen, die Charaktere kommunizieren ziemlich witzig und ihre Kostüme sind hell und originell. Das charakteristische Logo von „Mama Mia“ ist zum Bild einer glücklichen Braut geworden, wodurch es zu einer Art Marke geworden ist, die auf der ganzen Welt erkennbar ist. Die Handlung des Musicals ist wie folgt. Die junge Sophie bereitet sich bald darauf vor, Braut zu werden. Sie wird ihren Vater zur Hochzeit einladen, um sie zum Traualtar zu bringen. Nur die Mutter des Mädchens, Donna, sprach nie über ihn. Sophie fand das Tagebuch ihrer Mutter, das über ihre Beziehung zu drei verschiedenen Männern berichtete, woraufhin eine Einladung an alle verschickt wurde. Als die Gäste zur Hochzeit eintreffen, passiert das Interessanteste ... Am Ende der Handlung heiratet Mama mit Sophie. Der erste Test von „Mama Mia“ war seine Vorpremiere am 23. März 1999 in London. Das Publikum war restlos begeistert – sie saßen während der Aufführung nicht still, sondern tanzten in den Gängen, klatschten und sangen mit. Die eigentliche Premiere fand am 6. April 1999 statt. Die erfolgreiche Produktion in London führte dazu, dass das Musical in 11 weiteren Ländern auf der ganzen Welt aufgeführt wurde und die Abendkasse des Musicals dort wöchentlich 8 Millionen US-Dollar erreicht! Heute wurde "Mama Mia" von mehr als 27 Millionen Menschen gesehen, die täglichen Besucherzahlen steigen um 20.000. Das Musical spielte weltweit über 1,6 Milliarden Dollar ein. Während der Vermietung besuchte die Show 130 Großstädte, und das Album, das die allererste Aufführung aufzeichnete, wurde in den USA, Korea und Australien mit Platin, in Großbritannien mit Doppelplatin und in Schweden, Neuseeland und Deutschland mit Gold ausgezeichnet. 2008 wurde das Musical gedreht, es nahmen Stars wie Meryl Streep und Pierce Brosnan teil, und dieselbe Phyllida Loyd wurde Regisseurin.

Erst nach vielen Jahren, langer und schmerzhafter Arbeit ist das Musical geboren. Der große Tag der Premiere steht bevor.

1. „Meine feenhafte Dame“ (1956)

Frederic Lowe (Musik) und Alan Jay Lerner (Libretto und Texte) analysierten das dramatische Material von Bernard Shaws Stück Pygmalion und beschlossen, ein Musical zu schreiben. Die Handlung des Musicals wiederholt weitgehend Shaws Stück, die Geschichte der Verwandlung der Hauptfigur von einem vulgären Blumenmädchen in eine charmante junge Dame.

Henry Higgins, Professor für Phonetik, schließt mit seinem Sprachkollegen Colonel Pickering eine Wette ab, um ein Londoner Blumenmädchen namens Eliza Doolittle in eine echte Dame zu verwandeln. Eliza zieht in das Haus des Professors, das Lernen ist nicht einfach, aber am Ende macht sie Fortschritte. Auf dem Botschaftsball besteht Eliza die Prüfung mit Bravour. Das Ende des Musicals ist optimistisch – Eliza kehrt zu ihrem Lehrer Higgins zurück.

Das Musical wurde am 15. März 1956 uraufgeführt. Die Londoner Premiere fand im April 1958 statt. Die Rolle von Higgins wurde von Rex Harrison gespielt und Eliza wurde von Julie Andrews gespielt. Die Show wurde sofort sehr beliebt, die Tickets waren sechs Monate im Voraus ausverkauft. Der überwältigende Erfolg des Musicals war jedoch eine völlige Überraschung für seine Schöpfer.

Das Musical wurde 2.717 Mal am Broadway und 2.281 Mal in London aufgeführt, in elf Sprachen, darunter auch Hebräisch, übersetzt und in mehr als zwanzig Ländern erfolgreich aufgeführt. Das Musical erhielt 6 Tony Awards. Die ursprüngliche Broadway-Besetzung verzeichnete über fünf Millionen verkaufte Exemplare, und George Cukors gleichnamiger Film wurde 1964 veröffentlicht. Warner Brothers zahlte eine Rekordsumme von 5,5 Millionen Dollar für die Filmrechte an dem Musical. Die Rolle der Eliza ging an Audrey Hepburn, und Rex Harrison wechselte erfolgreich von der Bühne auf die große Leinwand. Der Film wurde für einen Oscar nominiert und erhielt acht der 12 Statuetten.

Das Musical „My Fair Lady“ wird immer noch vom Publikum geliebt und dank Produzent Cameron Mackintosh und Regisseur Trevor Nunn ist die Show jetzt in London zu sehen.

2. „The Sound of Music“ (Der Klang der Musik) (1959)

1958 taten sich die amerikanischen Drehbuchautoren Howard Lindsay und Russell Cruz zusammen mit dem Produzenten Richard Holliday und seiner Frau, der Schauspielerin Mary Martin, zusammen, um an einem Theaterstück zu arbeiten, das auf dem deutschen Film „Die Familie von Trapp“ basiert. Der Film erzählt von einer österreichischen Familie, die auf der Flucht vor der Verfolgung durch die Nazis ihre Heimat verlassen und nach Amerika gehen musste. Die Geschichte wurde nicht erfunden – der Film basiert auf einem Buch von Maria von Trapp, einer direkten Teilnehmerin der beschriebenen Ereignisse.

Mary Martin war ein Musiktheaterstar, und obwohl es diesmal eine dramatische Aufführung war, konnte sie sich das Vergnügen nicht versagen, als Sängerin aufzutreten. Zunächst für musikalische Gestaltung Für die Inszenierung wollten die Autoren Volkslieder und religiöse Hymnen aus dem Repertoire der Familie von Trapp verwenden. Mary wollte jedoch ein speziell für sie geschriebenes Lied aufführen. Der Komponist Richard Rogers und der Librettist Oscar Hammerstein halfen Martin dabei. Sie komponierten völlig neue Musiknummern und verwandelten das Stück in das Musical „The Sound of Music“.

16. November 1959 am Broadway uraufgeführt. Das Stück wurde von David Jay Donahue inszeniert. Die Hauptrolle spielte natürlich Mary Martin, die Rolle des Hauptmanns von Trapp - Theodor Bickel. Das Publikum, das in Mary Martin verliebt war, hatte Mühe, in das Musical einzusteigen, was ihm hervorragende Gagen einbrachte.

The Sound of Music wurde 1.443 Mal gespielt und gewann 8 Tony Awards, darunter Best Musical, und das Originalalbum gewann einen Grammy. 1961 tourte das Musical durch die Vereinigten Staaten, und im selben Jahr wurde die Show in London eröffnet, wo sie mehr als sechs Jahre lang lief und damit zum am längsten laufenden amerikanischen Musical in der Geschichte des West End wurde.

Im Juni 1960 erwarb 20th Century Fox die Filmrechte für 1,25 Millionen Dollar. Die Handlung des Films war etwas anders als die im Stück erzählte Geschichte, aber in dieser Version erlangte The Sound of Music weltweite Berühmtheit. Der Film hatte seine Weltpremiere in New York am 2. März 1965. Der Film wurde in 10 Kategorien für einen Oscar nominiert, von denen er fünf gewann.

Die Verfilmung war nicht die letzte Seite in der Geschichte des Musicals, sie wird bis heute vom Publikum geliebt und auf der ganzen Welt aufgeführt. In den 90er Jahren war die Show in Großbritannien zu sehen, Südafrika, China, Niederlande, Schweden, Island, Finnland, Peru, Israel und Griechenland.

3. "Kabarett" (Kabarett) (1966)

Literarische Grundlage Diese legendäre Aufführung wurde von Christopher Isherwoods „Berlin Stories“ über Deutschland in den frühen 1930er Jahren und John Van Drutens Theaterstück „I Am a Camera“ inspiriert. Das Musical erzählt von der Romanze eines jungen Mannes Amerikanischer Schriftsteller Cliff Bradshaw und Sängerin des Berliner Kabaretts „Kit-Kat Club“ Sally Bowles.

Im Berlin der 1930er-Jahre wirft das Schicksal des jungen Engländers Brian Roberts, eines aufstrebenden Schriftstellers, der gezwungen ist, sich durch Unterricht etwas dazuzuverdienen, einen weiteren Verlauf. Die Bekanntschaft mit der amerikanischen Kabarettsängerin Sally beschert Brian ein frisches, unvergessliches Erlebnis. Der Schriftsteller und der Sänger verliebten sich ineinander, aber sie sind dazu bestimmt, die Trennung zu überleben. Sally weigert sich, mit ihrer Geliebten nach Paris zu gehen, Cliff verlässt Berlin mit gebrochenes Herz. Das Kabarett, die letzte Zuflucht des Freiheitsgeistes, ist voller Menschen mit Hakenkreuzen am Ärmel...

Die Uraufführung fand am 20. November 1966 statt. Die Produktion wurde vom berühmten Broadway-Regisseur Harold Prince geleitet, John Kantser schrieb die Musik, Songtexte - Fred Ebb, Libretto - Joe Masteroff. Die ursprüngliche Besetzung umfasste Joel Gray (Entertainer), Jill Haworth (Sally), Bert Convy (Cliff) und andere.

Die Produktion überstand 1.165 Vorstellungen und erhielt 8 Tony Awards, darunter die Nominierung für das beste Musical. 1972 wurde Bob Fosseys Cabaret mit Joel Gray (Entertainer), Liza Minnelli (Sally) und Michael York (Bryan) veröffentlicht. Der Film erhielt acht Oscars.

1987 spielte Joel Gray erneut die Rolle des Entertainers bei der Wiederbelebung der Show. 1993 wurde in London und dann fünf Jahre später am Broadway eine völlig neue Produktion von Cabaret eröffnet, die von Regisseur Sam Mendes kreiert wurde. Auch diese Fassung des Stücks wurde mehrfach ausgezeichnet. Das Musical durchlief etwa 2.377 Vorstellungen und 37 Vorpremieren und endete am 4. Januar 2004.

4. Jesus Christ Superstar (1971)

"Jesus Christ" wurde von Andrew Lloyd Webber (komponierte Musik) und Tim Rice (Libretto) nicht als traditionelles Musical konzipiert, sondern als vollwertige Oper, die in moderner Musiksprache geschrieben ist und alle Operntraditionen (Heldenarie, Chor, Heldin) einhält Arie usw.) d.). Im Gegensatz zu traditionellen Musicals hat "Jesus Christ" keine dramatischen Stücke - alles baut auf Gesang und Rezitative auf. Die Kombination von Rockmusik mit klassischen Motiven, die Verwendung moderner Vokabeln in den Texten, ihre hohe Qualität, das sogenannte Durchsingprinzip (die ganze Geschichte wird ausschließlich durch Lieder erzählt, ohne den Einsatz von unbesungenen Dialogen) machten „Jesus Christ Superstar“ ein echter Hit.

Das Musical „Jesus Christ Superstar“ erzählt von den letzten sieben Tagen im Leben des Jesus von Nazareth, gesehen durch die Augen seines Schülers Judas Iskariot, der desillusioniert war, was aus den Lehren Christi geworden war. Die Handlung umfasst den Zeitraum vom Einzug Jesu in Jerusalem bis zu seiner Hinrichtung auf Golgatha.

1970 war die Oper erstmals in Form eines Albums zu hören, auf dem Ian Gillan, der Sänger der „goldenen Komposition“ von Deep Purple, die Hauptrolle spielte, die Rolle des Judas spielte Murray Head, Mary Magdalene von Yvonne Elliman. Auf der Broadway-Bühne wurde das Musical erstmals 1971 gezeigt. Einige Kritiker glauben, dass Jesus als erster Hippie auf Erden dargestellt wurde. Die Broadway-Produktion dauerte nur 18 Monate.

Eine neue Produktion des Musicals wurde 1972 im Londoner Theater geschaffen, die Rolle von Jesus wurde von Paul Nicholas, Judas - Stephen Tate gespielt. Diese Produktion war erfolgreicher, lief acht Jahre lang auf der Bühne und wurde zum am längsten laufenden Musical. Der amerikanische Regisseur Norman Jewison drehte 1973 einen Spielfilm, der auf der Arbeit basiert. 1974 erhielt der Film einen Oscar für die beste Musik. Neben großartiger Musik und Gesang ist der Film interessant für seine ungewöhnliche Interpretation des Christusthemas, das eine Alternative zum orthodoxen Christentum darstellt.

Einer der meisten berühmte Musicals, auch Rockoper genannt, löste viele Kontroversen aus und wurde zum Kultwerk einer ganzen Hippie-Generation, ohne an Aktualität zu verlieren. „Jesus Christ Superstar“ wurde übersetzt verschiedene Sprachen, wurde wiederholt aufgeführt und wird seit mehr als 30 Jahren auf den Bühnen Australiens, Neuseelands, Ungarns, Bulgariens, Frankreichs, Schwedens, Amerikas, Mexikos, Chiles, Panamas, Boliviens, Deutschlands, Japans und Großbritanniens aufgeführt.

5. "Chicago" (Chicago) (1975)

Am 11. März 1924 veröffentlichte die Chicago Tribune in Chicago, Illinois, einen Artikel der Journalistin Maureen Dallas Watkins über eine bestimmte Schauspielerin, die ihren Freund getötet hatte. Da Sexualkriminalgeschichten bei den Lesern besonders beliebt waren, erschien am 3. April 1924 ein weiterer Artikel von Watkins. Diesmal ging es um eine verheiratete Frau, die ihren Liebhaber erschoss. Die Begeisterung, die diese und andere Kriminalgeschichten begleitete, hinterließ einen tiefen Eindruck auf Maureen. Später verließ sie die Zeitung und studierte Schauspiel an der Yale University. Dort schrieb sie als Bildungsauftrag das Theaterstück „Chicago“.

Am 30. Dezember 1926 wurde Chicago am Broadway eröffnet. Das Stück überstand 182 Vorstellungen, 1927 wurde der gleichnamige Film gedreht und 1942 erschien der Film „Roxy Hart“ unter der Regie von William Velman mit Ginger Rogers in der Titelrolle.

Bob Fossey, der berühmte Choreograf und Broadway-Regisseur, konnte an einer solchen Handlung nicht vorbeigehen. Fossey holte den Komponisten John Kander und die Librettisten Fred Ebb und Bob Fossey zur Umsetzung des Projekts. Die Partitur von „Chicago“ ist eine brillante Stilisierung amerikanischer Hits der späten 20er Jahre, und in der Art und Weise, wie das musikalische Material dargeboten wird und thematisch, ist „Chicago“ dem Varieté sehr nahe.

Dies ist die Geschichte der Corps de Ballet-Tänzerin Roxie Hart, die ihren Geliebten kaltblütig ermordet. Im Gefängnis trifft Roxy auf Velma Kelly und andere Killer. Roxy wird von der Gefängniswärterin, Matrone Mama Morton, und dem schlauen Anwalt Billy Flynn unterstützt. Das Gericht befindet Roxy für unschuldig, was ihr jedoch keine Freude bereitet. In der letzten Szene des Musicals kündigt der Entertainer das Debüt von „dem Duo zweier funkelnder Sünder“ an, den Königinnen der Chicagoer Unterwelt, Velma Kelly und Roxie Hart. Sie haben ihren Weg ins Showbusiness gefunden.

Das Musical wurde am 3. Juni 1975 im 46th Street Theatre mit Gwen Verdon als Roxy, Chita Rivera als Velma und Jerry Orbach als Billy uraufgeführt. Chicago wurde erst 1979 im West End eröffnet. Diese Produktion hatte nichts mit der Leistung von Bob Fossey zu tun. Nach 898 Vorstellungen am Broadway und 600 Vorstellungen im West End wurde die Show abgesetzt. 1996 wurde die Show unter der Leitung von Walter Bobby und der Choreografin Ann Rinking wiederbelebt. Die vier Aufführungen im City Center wurden mit solcher Begeisterung aufgenommen, dass die Produzenten der Show beschlossen, sie an den Broadway zu verlegen. Die Besetzung umfasste Ringing selbst als Roxy, Bebe Neuwirth als Velma, James Naughton als Billy Flynn und Joel Gray als Amos. Chicago hat sechs Tony Awards und einen Grammy Award für das beste Album gewonnen.

1997 wurde das Musical im Londoner Adelphi Theatre uraufgeführt. Londons „Chicago“ wurde mit dem Laurence Olivier Award als „Bestes Musical“ ausgezeichnet, und Ute Lemper – als „ Beste Schauspielerin Musical." Die Aufführung wurde in Kanada, Australien, Singapur, Hongkong, Holland, Argentinien, Deutschland, Schweden, Mexiko, Japan, der Schweiz, Österreich, Portugal und Russland remastert.

Ende 2002 veröffentlichte das Filmstudio Miramax eine Verfilmung des Musicals mit Catherine Zeta-Jones (Velma), Renee Zellweger (Roxy) und Richard Gere (Billy Flynn) unter der Regie und Choreographie von Rob Marshall. Der Film „Chicago“ wurde vom Publikum begeistert aufgenommen und mit dem „Golden Globe“ in der Kategorie „Bestes Musical oder Komödie“ ausgezeichnet. Außerdem wurde der Film in 12 Kategorien für einen Oscar nominiert, von denen er sechs gewann.

6. Evita (1978)

Im Oktober 1973 fuhr Tim Rice ein Auto und hörte versehentlich das Ende einer Radiosendung. In der Sendung ging es um Evita Peron, die Frau des argentinischen Diktators Juan Peron, und diese Geschichte interessierte den Dichter. Tim Rice war der Meinung, dass Evas Lebensgeschichte durchaus Gegenstand eines neuen Musicals sein könnte. Sein Co-Autor Lloyd Webber war von der Idee nicht begeistert, stimmte aber nach einiger Überlegung zu.

Rice studierte die Biografie der Hauptfigur seines zukünftigen Musicals im Detail, ging durch Londoner Bibliotheken und reiste nach Argentinien, wo er den größten Teil der Handlung schrieb. „Evita“ vereint verschiedene Musikstile, die Partitur enthält lateinamerikanische Motive. Tim Rice führt einen Erzähler, einen gewissen Che (dessen Prototyp Ernesto Che Guevara ist), in das Musical ein.

Im Sommer 1976 wurden die ersten Demoaufnahmen eines neuen Musicals von Andrew Lloyd Webber und Tim Rice den Gästen des ersten Sidmonton Festivals präsentiert. Bald begann das Studio "Olympic" mit der Aufnahme des Albums. Die Rolle der Evita wurde von der Schauspielerin Julie Covington gespielt, der junge Sänger Colm Wilkinson wurde zu Che, und Peron wurde von Paul Jones aufgeführt. Album hatte Wilder Erfolg. Bereits drei Monate nach der Veröffentlichung betrug die Zahl der verkauften Exemplare 500.000, und selbst in Argentinien, wo die Disc verboten war, hielt es jede anständige Familie für notwendig, sie zu kaufen.

Starregisseur Hal Prince begann mit der Arbeit an der Produktion. Elaine Page wurde die neue Evita, und der berühmte Rocksänger David Essex wurde eingeladen, die Rolle von Che zu spielen. Evita wurde am 21. Juni 1978 uraufgeführt. Das Stück war ein großer Erfolg und gewann den Preis der West End Theatre Society als „Bestes Musical des Jahres 1978“, Elaine Page erhielt den Preis als beste Schauspielerin in einem Musical. Die Scheibe mit der Aufnahme der Londoner Originalbesetzung von Evita wurde in den ersten Wochen nach Verkaufsstart mit Gold ausgezeichnet.

Am 8. Mai 1979 wurde Evita in Los Angeles eröffnet. Vier Monate nach der amerikanischen Premiere, am 21. September 1979, trat die gleiche Besetzung zum ersten Mal am Broadway auf. Evita hat die Herzen der Öffentlichkeit erobert und 7 Tony Awards erhalten.

Nach dem Erfolg am Broadway wurde das Musical in einer Vielzahl von Ländern aufgeführt: Australien, Spanien, Mexiko, Österreich, Japan, Israel, Korea, Südafrika, Ungarn. Die Dreharbeiten begannen zwanzig Jahre nach Evitas Geburt. Die Regie wurde Alan Parker anvertraut, Madonna spielte Eva Peron, der spanische Filmstar Antonio Banderas wurde für die Rolle des Che eingeladen, der britische Schauspieler Jonathan Pryce war Peron. Speziell für den Film wurde ein neues Lied geschrieben – „Du musst mich lieben“, das seinen Autoren einen Oscar einbrachte.

7. Les Misérables (1980)

Les Misérables von Victor Hugo wurde in einem Musical des Komponisten Claude-Michel Schonberg und des Librettisten Alain Boublil zum zweiten Mal geboren. Die Arbeit an dem Musical dauerte zwei Jahre und schließlich wurde eine zweistündige Skizze des zukünftigen Musicals aufgenommen. Mit Hilfe des Librettisten Jean-Marc Nathel wurde aus dieser Skizze ein Konzeptalbum, das 1980 veröffentlicht und 260.000 Mal verkauft wurde. Das Markenzeichen des Musicals war ein Stich, der eine kleine Cosette darstellte.

Die Bühnenversion wurde den Parisern am 17. September 1980 im Palais des Sports präsentiert. Die Aufführung wurde von über einer halben Million Menschen besucht. Maurice Barrier spielte die Rolle von Jean Valjean, Jacques Mercier – Javert, Rose Laurence – Fantine, Marie – Eponina, Fabienne Guyon – Cosette.

1982 machte der junge Regisseur Peter Ferago, der das Konzeptalbum Les Misérables sehr mochte, den britischen Produzenten Cameron Mackintosh darauf aufmerksam. McIntosh machte aus dem Projekt eine Show der Spitzenklasse. An der Neufassung des Musicals „Les Misérables“ arbeitete ein starkes Team: Regie führten Trevor Nunn und John Caed, englischer Text komponiert von Herbert Kretzmer in enger Zusammenarbeit mit den Machern des Musicals. Die Aufführung wurde im Barbican Theatre unter der Schirmherrschaft der Royal Shakespeare Company aufgeführt. Die Uraufführung der Neufassung des Musicals fand am 8. Oktober 1985 statt. Auf die „langlebigste“ Inszenierung des Musicals „Les Misérables“ ist das Palace Theatre in London stolz. Insgesamt wurde die Aufführung in diesem Theater mehr als sechstausend Mal gezeigt.

1987 überquerten Les Misérables den Atlantik, ließen sich am Broadway nieder und traten damit ihren Siegeszug um die Welt an. Obwohl das Musical bereits über zwanzig Jahre alt ist, verlässt es die Bühne nicht und erfreut sich weiterhin großer Beliebtheit auf der ganzen Welt. Les Misérables wurde in viele Sprachen übersetzt: Japanisch, Hebräisch, Ungarisch, Isländisch, Norwegisch, Deutsch, Polnisch, Schwedisch, Niederländisch, Dänisch, Tschechisch, Spanisch, Mauretanien, Kreolisch, Flämisch, Finnisch, Portugiesisch. Insgesamt wurde das Musical „Les Misérables“ von Einwohnern von zweihundert Städten in zweiunddreißig Ländern der Welt gesehen. Die Kreation von Alan Boublil und Claude-Michel Schonberg wurde von mehr als 20 Millionen Zuschauern auf der ganzen Welt verfolgt.

8. "Katzen" (Katzen) (1981)

Grundlage für „Cats“ war ein Zyklus von Kindergedichten von T.S. Eliots Old Possum's Book of Practical Cats, veröffentlicht 1939 in England. Dies ist eine Sammlung ironischer Skizzen katzenartiger Charaktere und Gewohnheiten, hinter denen sich verschiedene Menschentypen leicht erraten lassen.

Andrew Lloyd Webber begann Anfang der 70er Jahre, Songs zu schreiben, die auf Eliots Gedichten basierten. Bis 1980 hatte der Komponist genug musikalisches Material gesammelt, das beschlossen wurde, zu einem Musical verarbeitet zu werden. Der Katzenausstellung war ein Erfolg beschieden: Die Briten sind bekannt für ihre Liebe zu diesen Tieren. Das Musikteam bestand aus talentierten Leuten – dem Produzenten Cameron Mackintosh, dem Regisseur Trevor Nunn, dem Bühnenbildner John Napier und der Choreografin Gillian Lynn.

Als es um die Bühnenaufführung von Webbers Songs ging, war das Hauptproblem, mit dem die Macher des Musicals konfrontiert waren, das Fehlen einer Handlung. Glücklicherweise verfügten die Autoren dank der Witwe von T. S. Eliot, Valerie, über Briefe und Entwürfe des Dichters, aus denen sie nach und nach Ideen für die Handlung des Stücks herausfischten.

An die Schauspieler des Musicals wurden besondere Anforderungen gestellt – sie mussten nicht nur gut singen und eine perfekte Diktion haben, sondern auch extrem plastisch sein. In Großbritannien war es nicht einfach, eine Truppe von 20 Personen zu rekrutieren, daher umfasste die Besetzung der Darsteller die Premiere des Royal Ballet Wayne Sleep, den Popsänger Paul Nicholas, die Schauspielerin Elaine Paige und die junge Sängerin und Tänzerin Sarah Brightman.

Im „Cats“-Theater, entworfen von Designer John Napier, gibt es keinen Vorhang, Saal und Bühne sind ein einziger Raum, und die Handlung spielt sich nicht frontal, sondern in der Tiefe ab. Die Bühne ist als Müllkippe konzipiert und ein Berg aus malerischem Müll, die Kulisse ist mit ausgeklügelter Elektronik bestückt. Die Schauspieler verwandeln sich in anmutige Katzen mit mehrschichtigem Make-up, handbemalten Trikots, Yakhaarperücken, Pelzkragen, Schwänzen und Glitzerhalsbändern.

Das Musical wurde am 11. Mai 1981 in London uraufgeführt und ein Jahr später wurde das Stück am Broadway uraufgeführt. Bis zu ihrem Ende am 11. Mai 2002 war die Aufführung in London mit großem Erfolg zu sehen und erhielt den Titel der am längsten laufenden Theaterproduktion der Geschichte. Englisches Theater(über 6.400 Vorstellungen). Das Musical „Cats“ brach in den USA alle erdenklichen Rekorde. 1997, nach 6.138 Aufführungen, wurde das Musical als die Nummer eins der Broadway-Langlebigkeit anerkannt. Über 8 Millionen Menschen haben die Londoner Produktion in 21 Jahren gesehen, und ihre Schöpfer haben 136 Millionen Pfund verdient.

Während seines Bestehens wurde das Musical mehr als vierzig Mal aufgeführt, es wurde von mehr als 50 Millionen Zuschauern in dreißig Ländern besucht, in 14 Sprachen übersetzt und die Gesamtsumme der Gagen in momentan 2,2 Milliarden US-Dollar überschritten. Zu den Auszeichnungen von Cats gehören der Laurence Olivier Award und der Evening Standard Award für das beste Musical, sieben Tony Awards und der French Molière Award. Aufnahmen sowohl der Londoner als auch der Broadway-Originalbesetzung wurden mit Grammys ausgezeichnet.

9. Das Phantom der Oper (1986)

Die Geburt des Musicals begann 1984, als Britischer Komponist Andrew Lloyd Webber heiratete die junge Schauspielerin und Sängerin Sarah Brightman. Basierend auf der Stimme von Sarah komponierte Lloyd Webber „Requiem“, aber er wollte das Talent seiner Frau in einem größeren Werk zeigen. Diese Arbeit war das Musical "Das Phantom der Oper", das auf der Grundlage des gleichnamigen Romans entstand. Französischer Schriftsteller Gaston Leroux. Dies ist eine dunkle und romantische Geschichte über eine übernatürliche Kreatur, die in einem Kerker unter der Pariser Oper lebte.

Sarah Brightman spielte die Rolle der Hauptfigur - Christina Daae. Heim Männerparty gespielt von Michael Crawford. Die Rolle von Christinas Liebhaber Raul wurde von Steve Barton in der Premierenbesetzung gespielt. Das Libretto stammt von Richard Stilgoe und Andrew Lloyd-Webber, die Texte stammen von Charles Hart. Die Theaterkünstlerin Maria Bjornson konzipierte die berühmte Phantommaske und bestand darauf, dass der berüchtigte fallende Kronleuchter auf das Publikum und nicht auf die Bühne gesenkt wurde.

Das Musical wurde am 9. Oktober 1986 im Her Majesty's Theatre in Anwesenheit von Mitgliedern der königlichen Familie uraufgeführt. Die erste Broadway-Produktion von Ghost wurde im Januar 1988 im New Yorker Majestic Theatre uraufgeführt. Mit 10,3 Millionen Zuschauern wurde es nach Cats zum zweitlängsten Stück in der Geschichte des Broadway.

Über 65.000 Aufführungen von The Phantom wurden in 18 Ländern aufgeführt, darunter Japan, Österreich, Kanada, Schweden, Deutschland und Australien. Produktionen von Das Phantom der Oper haben mehr als 50 renommierte Auszeichnungen erhalten, darunter drei Laurence Olivier Awards und 7 Tony Awards, 7 Drama Desk Awards und den Evening Standard Award. Das Phantom der Oper gewann die Sympathie von mehr als 58 Millionen Zuschauern aus aller Welt. Fast 11 Millionen Menschen haben es allein in New York bereits gesehen, weltweit über 80 Mio. Die Einnahmen aus dem Ticketverkauf für das Phantom der Oper überstiegen 3,2 Milliarden US-Dollar.

10. „Mamma Mia“ (Mamma Mia) (1999)

Die Idee, ein originelles Musical basierend auf ABBA-Songs zu kreieren, gehört der Produzentin Judy Kramer. Grundlage des Musicals sind 22 Lieder der Gruppe. Da im Original alle Lieder von Frauen gesungen wurden, wie z Startpunkt Es wurde eine Geschichte über eine Mutter und eine Tochter angeboten, über zwei Generationen. Es war notwendig, sich eine Geschichte auszudenken, die den berühmten Hits des schwedischen Quartetts würdig ist. Die Schriftstellerin Katherine Johnson kam zu Hilfe und schrieb eine Geschichte über eine Familie, die auf den griechischen Inseln lebte. Geschichte interessiert den Betrachter nicht weniger als Lieder. Katherine war in der Lage, die Songs logisch zu einer einzigen Handlung zusammenzubauen, die Songs sind in Dialoge unterteilt und mit neuen Intonationen koloriert. Die Musik wurde von Benny Anderson und Bjorn Ulvaeus geschrieben und von Phyllida Lloyd inszeniert.

„Mama Mia“ ist eine moderne, ironische Romantikkomödie, in der zwei Hauptstränge vorkommen: eine Liebesgeschichte und eine Beziehung zwischen zwei Generationen. Die Handlung der Aufführung ist eine Verflechtung komödiantischer Situationen, die durch die fröhliche Musik von ABBA, originelle Kostüme und witzige Dialoge der Charaktere unterstrichen werden. Die Essenz des Projekts drückt sich auch im charakteristischen Logo „Mama Mia“ aus – dem Bild einer glücklichen Braut. Dieses Bild ist zu einer international anerkannten Marke geworden.

Das junge Mädchen Sophie steht kurz vor der Hochzeit. Sie möchte ihren Vater zur Hochzeit einladen, um sie vor den Traualtar zu führen. Aber sie weiß nicht, wer er ist, da ihre Mutter Donna nie über ihn gesprochen hat. Sophie findet das Tagebuch ihrer Mutter, in dem sie Beziehungen zu drei Männern beschreibt. Sofia beschließt, Einladungen an alle drei zu senden. Die interessantesten Dinge beginnen zu passieren, wenn Gäste zur Hochzeit eintreffen ... Mama heiratet zur gleichen Zeit wie ihre Tochter.

Der erste Test des Musicals „Mama Mia“ fand am 23. März 1999 statt, als eine Vorpremiere in London stattfand. Dann war die Reaktion des Publikums mit einem Wort zu beschreiben - Freude: Die Leute im Saal saßen keine Minute auf ihren Plätzen - sie tanzten in den Gängen, sangen mit und klatschten. Die Uraufführung fand am 6. April 1999 statt.

Nach der Londoner Produktion wird das Musical „Mamma Mia“ parallel an 11 verschiedenen Orten auf der ganzen Welt aufgeführt. 11 weltweite Produktionen bringen mehr als 8 Millionen US-Dollar pro Woche ein. Mehr als 27 Millionen – so viele Zuschauer weltweit haben das Musical „Mama Mia“ besucht. Weltweit besuchen täglich mehr als 20.000 Menschen das Musical Mama Mia.

1,6 Milliarden US-Dollar weltweite Kasseneinnahmen von Mama Mia.

Acht Jahre lang wurde das Musical in mehr als 130 Großstädten aufgeführt. Das Album, auf dem die erste Produktion von „Mama Mia“ aufgenommen wurde, wurde in den USA, Australien und Korea mit „Platin“ ausgezeichnet; Doppelplatin in Großbritannien und Gold in Deutschland, Schweden und Neuseeland.

Das beliebteste Musical

Das berühmte Musical "Das Phantom der Oper" von Andrew Lloyd Weber wurde unter anderem geschrieben, um seiner Frau, der Sängerin Sarah Brightman, eine Gelegenheit zu geben (sie war die erste Darstellerin des Hauptdarstellers). weibliche Rolle), um das volle Ausmaß seines Talents zu demonstrieren. Literarische Grundlage war der „Gothic“-Krimi „Das Phantom der Oper“ von Gaston Leroux. Das Musical wurde 1986 am Royal Theatre in London uraufgeführt und zwei Jahre später am Broadway aufgeführt. Das Phantom der Oper wurde mit Begeisterung aufgenommen: Allein in New York sahen es mehr als 11 Millionen Menschen. Das Musical wurde in 18 Ländern der Welt aufgeführt, erhielt mehr als 50 Auszeichnungen, 7 Filme wurden darauf basierend gedreht. Der letzte von ihnen, der 2004 von Joel Schumacher (mit Webber selbst als Produzent) gedreht wurde, gewann die Liebe und Anerkennung von Zuschauern und Kritikern und erhielt drei Oscar-Nominierungen.

Fiddler on the Roof wurde 1964 am Broadway uraufgeführt. Basierend auf Sholom Aleichems Roman Tevye the Milkman wurde das Stück von Jerome Robbins choreografiert, das Libretto von Joseph Stein und die Musik von Jerry Bock geschrieben. Das Musical gewann schnell Anerkennung: Die Originalproduktion gewann neun Tony Awards und verließ die Bühne fast neun Jahre lang nicht, danach wurde sie noch dreimal wieder aufgenommen. 1971 drehte Norman Jewis einen auf dem Musical basierenden Film, der drei Oscars und einen Golden Globe gewann.

Die Grundlage für das legendäre Musical des Komponisten Friedrich Nieder und Librettist Alan Lerner, diente als Drama von Bernard Shaw „Pygmallion“. Die Musical-Version der Geschichte über einen Phonetik-Professor, der ein Straßenblumenmädchen in eine „echte Dame“ verwandelt und sich dabei in sie verliebt, wurde erstmals 1956 der Öffentlichkeit präsentiert und erlangte bald sowohl am Broadway als auch in New York wilde Popularität London. Das Musical wurde in 11 Sprachen übersetzt und 1964 erschien ein Film mit Audrey Hepburn in der Hauptrolle. Auch die Verfilmung war ein voller Erfolg und erhielt 12 Oscar-Nominierungen – und gewann acht davon.

Die Musik für das Kultmusical wurde von Andrew Lloyd Webber geschrieben, das Libretto von Tim Rice. „Jesus Christ Superstar“ wurde als abendfüllende Oper konzipiert, in der es keine „gesprochenen“ Episoden gibt, sondern nur Gesang und Rezitative. Die Rockoper wurde 1970 als Audioalbum veröffentlicht und die Aufnahme wurde sofort zum Hit. 1971 wurde das Musical am Broadway aufgeführt, 1972 – in London, 1973 – erschien eine Verfilmung, gedreht von Norman Jewison und ausgezeichnet mit einem Oscar für die beste Musik. „Jesus Christ Superstar“ wird in vielen Ländern der Welt aufgeführt und gilt als eines der Sinnbilder der „Hippie-Generation“.

Das weltberühmte Musical entstand aus der Liebe des berühmten Komponisten Andy Lloyd Webber zu Old Possums Practical Cat Book, Eliots Zyklus von Kindergedichten. Viele Jahre lang hat Webber im „Hintergrund“ Musik zu diesen Gedichten geschrieben – und so wurde das angesammelte Material in ein Musical verwandelt. Die Premiere fand 1981 in London statt, ein Jahr später ging „Cats“ an den Broadway. Und sie wurden zum „langspielreichsten“ Musical der Geschichte, ohne die Bühne 20 Jahre lang zu verlassen (6400 Aufführungen), wurden in 30 Ländern aufgeführt, brachen alle möglichen Kassenrekorde und sammelten eine beeindruckende Sammlung von Theater- und Musikpreisen.

1924 veröffentlichte der Journalist der Chicago Tribune, Maurice Watkins, eine Reihe von Artikeln über Frauen, die ihre Ehemänner oder Liebhaber getötet hatten. Später verließ sie die Zeitung und trat in die Juristische Fakultät ein – doch die Erinnerung an den Zeitungsrummel um diese Art von Kriminalität blieb bei ihr. Und einmal schrieb sie als Studienaufgabe das Theaterstück „Chicago“. Das Stück lief am Broadway, es wurde sogar verfilmt. Und viele Jahre später machte der berühmte Broadway-Regisseur und Choreograf Bob Foss aus „Chicago“ ein Musical, die Musik dazu, stilisiert als 20er-Jahre, stammt von John Kander. Die Uraufführung fand 1975 statt, das Musical wurde mehrfach am Broadway und in London aufgeführt und reiste um die Welt. 2002 erschien die Filmversion des Musicals mit Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones und Richard Gere, die mit 6 Oscars und einem Golden Globe ausgezeichnet wurde.

Grundlage für "Kabarett". Da waren Christopher Isherwoods Geschichten über das Leben in Deutschland im Vorkriegsjahrzehnt, während der Entstehung des Nationalsozialismus - und John Van Drutens Stück "I Am a Camera" über die Liebe zwischen einer Berliner Kabarettistin und einem aufstrebenden amerikanischen Schriftsteller. Das Musical, inszeniert von dem renommierten Regisseur Harold Prince, wurde 1966 am Broadway uraufgeführt. Das Libretto wurde von Joe Masteroff geschrieben, die Texte wurden von Fred Ebb geschrieben und die Musik wurde von John Canzer geschrieben. Das Stück wurde mit acht Tony Awards ausgezeichnet und erhielt eine dauerhafte "Registrierung" am Broadway. Und 1972 erschien eine Filmversion unter der Regie von Bob Foss mit der brillanten Liza Minnelli in der Titelrolle und erhielt 8 Oscars.