Londoner Theater. Erstes Theater im Londoner Nationaltheater Großbritannien, das englische Schauspieler auf Tournee machte

London ist berühmt für seine Museen, historischen Gebäude und hochmodernen Restaurants. Aber nur das Theaterleben, das die Stadt beherrscht, unterscheidet sie von anderen Städten. Wenn ein Stück in London erfolgreich war, wird es seinen Erfolg anderswo wiederholen.

New York mit dem Broadway kann der einzige Konkurrent von London werden, aber selbst er kann sich nicht mit Theatergebäuden rühmen, die eine lange und reiche Geschichte haben. Der zentrale Teil der Stadt, das West End, die South Bank und die Victoria-Viertel überraschen mit einer besonderen Konzentration an Theatern - von kleinen Studios für 100 Zuschauer bis zu großen Tempeln von Melpomene. Wir bieten einen Überblick über die zehn beliebtesten große Theater London.

Das Shaftesbury Theatre, unweit der Holborn Street gelegen, ist als britisches Gebäude von architektonischem und historischem Wert aufgeführt. Dank eines kleinen Unfalls, der sich 1973 mit dem Dach des Gebäudes ereignete, achteten sie darauf. Seit 1968 wurde das berühmte Musical „Hair“ 1998 Mal auf seiner Bühne gezeigt. Später wurde die Show, die die Hippie-Bewegung förderte, geschlossen. Als das Musical zum ersten Mal von der Theaterbühne im West End gezeigt wurde, verbot es der Theaterzensor Lord Cameron Fromantil „Kim“, Baron Cobbold. Die Produzenten wandten sich hilfesuchend an das Parlament und gaben die Erlaubnis, indem sie einen Gesetzentwurf herausgaben, der das Verbot des Barons vollständig aufhob. Dieses beispiellose Ereignis in der Geschichte des Theaters beendete die Theaterzensur in Großbritannien – nicht schlecht für ein Theater mit einer Kapazität von 1.400 Zuschauern.

Nur wenige Blocks von Shaftesbury entfernt befindet sich das Palace Theatre, das ebenfalls 1.400 Zuschauern Platz bietet. Seine Spezialität sind Musicals wie Singing in the Rain oder Spamalot. Das Theater wurde 1891 eröffnet und wurde unter der Schirmherrschaft von Richard d'Oyley Kart als Royal English Opera bekannt. In letzter Zeit wurden neben Opern auch Musicals, Filme und andere Shows auf der Bühne gezeigt. In den 1960er Jahren entstand das Musical The Sound of Music wurde im Theater 2385 Mal aufgeführt. Das Theater wurde in Großbritannien als Gebäude von architektonischem und historischem Wert aufgeführt, zusammen mit anderen Gebäuden in der Gegend.

Das Adelphi Theatre feierte kürzlich sein 200-jähriges Bestehen. Trotz der bescheidenen Größe des Gebäudes bietet das Theater Platz für 1.500 Zuschauer. Er ist bekannt für Produktionen wie „Chicago“ und „Joseph and His Amazing, Multicolour Dreamcoat“. Ein Art-Deco-Gebäude aus dem Jahr 1930 grenzt an das Strand Palace Hotel. Dies ist der vierte Bau in der gesamten Geschichte des Theaters seit 1809. Eine Gedenktafel an der Wand einer nahe gelegenen Bar macht das Theater für den Tod eines Schauspielers verantwortlich, der einst von der großen Terriss unterstützt wurde. Tatsächlich bekannte sich Prinz Richard Archer, ein gescheiterter Schauspieler, der aufgrund seiner Alkoholsucht an Popularität und Anstand verlor, des Mordes an Terriss' Mentor im Wahnsinn schuldig und wurde zur Zwangsbehandlung in eine psychiatrische Klinik eingewiesen, wo er den Mord leitete Gefängnisorchester bis zu seinem Tod. Es wird gesagt, dass der Geist des ungerächten Terriss, der über das milde Urteil, das gegen seinen Schützling und Mörder verhängt wurde, aufgebracht ist, nachts immer noch durch das Theatergebäude streift.

Einige Shows spielen seit Jahrzehnten Theater im Londoner West End, und Victoria Palace bietet ständig frisches Repertoire, wie das Musical Billy Elliott. Obwohl er seit 2005 auf der Bühne steht, was laut regelmäßigen Zuschauern eine Menge ist. Das Theater hat eine lange Geschichte, die 1832 begann, als es noch klein war Konzertsaal. Heute bietet das 1911 erbaute Gebäude Platz für 1.517 Zuschauer. Sie ist mit einem ausfahrbaren Dach ausgestattet, das in den Pausen geöffnet wird, um die Halle zu belüften. Es gab viele denkwürdige Shows auf der Bühne des Theaters, aber die denkwürdigste davon war das patriotische Stück Young England von 1934, das viele negative Kritiken erhielt. Sie überstand nur 278 Vorstellungen.

Das Prince Edward Theatre befindet sich im Herzen von Soho und bietet Platz für 1.618 Personen. Es ist nach dem Thronfolger der britischen Krone, Edward VIII., benannt, einem König, der nur wenige Monate auf dem Thron saß und ihn im Namen der Liebe verließ. Traditionell ist die Bühne romantische Shows und Aufführungen wie „Show Boat“, „Mamma Mia“, „West Side Story“, „Miss Saigon“. Das Theater hat eine lange Geschichte, die 1930 begann, als es nur ein Kino und ein Tanzsaal war. Erst 1978 wurde das Theater eröffnet, zeitgleich mit der Eröffnung der Uraufführung des Musicals „Evita“ über die Welt berühmte Frau Ehefrau des Präsidenten von Argentinien. Das Stück erlebte 3.000 Aufführungen, und die Schauspielerin Elaine Paige, die Evita spielte, hatte einen glänzenden Start in ihre Karriere auf der Theaterbühne und wurde zum Star.

Trotz der Renovierung der Londoner Tottenham Court Road, um eine bessere Verbindung zu schaffen, bleibt eines gleich – eine riesige Statue von Freddie Mercury mit erhobener Hand, während er vor dem Dominion Theatre „We Will Rock You“ singt. Die Show steht seit 2002 auf der Theaterbühne und war trotz der negativen Kritiken ein Erfolg beim Publikum. Das 1929 auf dem Gelände einer alten Londoner Brauerei erbaute Theater bietet Platz für 2.000 Zuschauer. Das Gebäude beherbergt auch die Australian Sunday Church, die während der Messen die Bühne und Beleuchtung des Theaters nutzt.

Dies ist eines der großartigsten Theater in London. Die Säulen, die den Haupteingang schmücken, stammen aus dem Jahr 1834, und das Gebäude selbst wurde 1904 im Rokokostil umgebaut. In seiner gesamten Geschichte, die 1765 beginnt, hatte es alles außer dem Theater, zum Beispiel wurden hier 50 Jahre lang Abendessen abgehalten Geheimgesellschaft Rindersteak. 1939 wollte man das Gebäude schließen, aber im Zusammenhang mit dem Beginn des Straßenbaus wurde es gerettet. 14 Jahre lang wurde Der König der Löwen auf der Bühne des Theaters gespielt, und die Disney-Dramatisierung scheint sich hier längst etabliert zu haben und bringt gute Kassenrenditen.

Mit einer Kapazität von 2.196 Zuschauern ist das Royal Theatre, das als führendes Theater in London gilt, nicht aus diesem Grund. Seit 1663 gab es an dieser Stelle mehrere Theater, und die Drury Lane selbst gilt als Theater. Wie viele andere Theater arbeitete auch das Royal unter der Leitung von Andrew Lloyd Webber, dem Autor der Musicals „Evita“ und „Cats“. Andere Produktionen, die auf der Bühne zu sehen waren, waren Oliver, ein gleichnamiger Musikfilm, The Producers, Shrek und Charlie and the Chocolate Factory, der noch heute läuft. Neben Musicals und Schauspielern ist das Theater für seine Geister bekannt, wie zum Beispiel den Geist eines Mannes in einem grauen Anzug und Dreispitz. Der Legende nach wurde er im 18. und 19. Jahrhundert im Theatergebäude ermordet. Ein anderer Geist heißt Joseph Grimaldi, ein Clown, der nervösen Schauspielern auf der Bühne helfen soll.

Das London Paladium Theatre ist nicht nur in London, sondern auf der ganzen Welt bekannt. Es liegt nur wenige Schritte von der Oxford Street entfernt. Bekannt wurde er durch die nächtliche Show „Sunday Night at the London Palladium“, die von 1955 bis 1967 lief. Millionen von Zuschauern lernten die Spinnbühne kennen und Bühnenaktionen anderer Plan. 1966 versuchten die Eigentümer des Gebäudes, es für den weiteren Wiederaufbau zu verkaufen, aber es wurde dank Theaterinvestoren und der Tatsache gerettet, dass dort 1973 neben dem Theater ein Konzertsaal für Auftritte der Rockband „Slade “. Die ständig vollen Häuser und aktiven Aktionen der Fans der Band hätten fast den Balkon in der Halle zum Einsturz gebracht. 2014 wurde im Theatersaal die Talentshow „The X Factor: The Musical“ eröffnet.

Wenn das Apollo Victoria Theater nicht das beliebteste in London ist, kann es sicher als das höchste anerkannt werden. Es liegt nur wenige Meter vom Victoria Palace entfernt und bietet Platz für 2500 Zuschauer. Mehrere Theater aus dem vorgestellten Review befinden sich in unmittelbarer Nähe und bilden eine Art „Theaterland“. „Appollo Victoria“ wurde 1930 eröffnet. Das Gebäude ist im Art-Deco-Stil mit nautischem Thema gestaltet, mit Springbrunnen und Muscheln als Dekor. Es dauerte 18 Jahre, um die Eisenbahn für das Musical „Starlight Express“ zu entwerfen, damit der Zug laut Drehbuch entlang des Zuschauerraums fuhr. Ein weiteres beliebtes Musical, das im Theater aufgeführt wird, ist „Wicked“. Die Abendkasse der Premiere belief sich auf 761.000 Pfund, und für 7 Jahre werden die Einnahmen aus der Aufführung auf 150 Millionen geschätzt. Filmfans behaupten, dass das Theater in naher Zukunft aussterben wird, aber Statistiken über die Anzahl der Zuschauer bei jedem Musical, die Anzahl der Kinokassen, deuten auf etwas anderes hin. Der Geruch von Rouge und Weiß, der Lärm des Zuschauerraums wird niemals verschwinden.
Jedoch, moderne Architektur Schönheit und Eleganz in nichts nachstehen historische Gebäude Theater.

Englisches Theater

Im 19. Jahrhundert erfuhr das Theater, wie alle anderen Bereiche der englischen Kultur, eine neue Entwicklung. Der talentierteste tragische Schauspieler Edmund Kean (1787-1833) verkörperte den romantischen Trend in der Theaterkunst.

Edmund Keane ( Reis. 58) wurde in eine Schauspielfamilie hineingeboren. Seine Eltern starben, als er noch ein Kind war. Gezwungen, seinen Lebensunterhalt zu verdienen, zog der junge Mann mit einer Wandertruppe durch englische Städte und Dörfer. Diese Wanderungen wurden zu einer guten Schule für den jungen Künstler, der im Alter von zwanzig Jahren viele Teile Englands besucht hatte. Auf die Frage, was es braucht, um ein großartiger Schauspieler zu werden, antwortete der bereits berühmte Keane: „Know how to hunger.“

Reis. 58. Keane als Shylock

Edmund reiste mit einem reisenden Theater und versuchte sich in einer Vielzahl von Rollen und Stücken verschiedener Genres.

In Armut aufgewachsen, hatte der Schauspieler Verachtung für faule Aristokraten und Herrscher, die sich wenig um ihr eigenes Volk kümmerten. Das Lebens-Credo des jungen Keane drückte sich in den Worten aus: „Ich hasse alle Lords, außer Lord Byron.“ Die High Society konnte eine solche Einstellung zu sich selbst nicht verzeihen und verfolgte Keane ständig und nannte ihn einen Schauspieler der Menge.

Auf der Bühne der Provinz berühmt geworden, erhielt der Schauspieler 1914 eine Einladung, in London am Drury Lane Theatre aufzutreten, das in jenen Jahren schwere Zeiten durchmachte. Sein Debüt am Theater der Hauptstadt war die Rolle des Shylock in Shakespeares Der Kaufmann von Venedig. Die Führung von Drury Lane, die sich auf einen Provinzschauspieler stützte, scheiterte nicht: Mit seiner großartigen Leistung eroberte Keane einfach das verwöhnte Londoner Publikum.

Shakespeare wurde Keenes Lieblingsdramatiker. Der Schauspieler fühlte sich von den Eigenschaften angezogen, die er selbst besaß: eine tragische Haltung, ein gesteigertes Gefühl der Ungerechtigkeit, die Ablehnung einer Welt, in der die einen ein elendes Dasein fristen, während die anderen in Luxus baden.

Es war Shakespeare, der Edmund berühmt machte. Der Schauspieler verkörperte die Bilder von Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Kritiker riefen ihn an Tolles Spiel der beste Kommentar zum Werk des berühmten Dramatikers, und der Dichter Coleridge argumentierte: "Keanes Stück zu sehen, ist, als würde man Shakespeare blitzartig lesen."

Das Bild von Shylock, das Keane in Shakespeares „Der Kaufmann von Venedig“ schuf, hinterließ einen großen Eindruck auf das englische Publikum. Sein Held verbindet überraschenderweise eine ironische Haltung gegenüber den Menschen um ihn herum und ein bitteres Gefühl von Einsamkeit, tiefer Sehnsucht und seelenzerreißendem Hass, versteckt hinter äußerer Demut. The Merchant of Venice, aufgeführt in der Drury Lane, brachte den gestrigen Provinzruhm als bester Schauspieler Englands.

Keane betrachtete die Rollen von Hamlet und Othello als seine bedeutendsten Werke. Sein Prinz von Dänemark, traurig und melancholisch, versteht, dass es unmöglich ist, gegen das Böse zu kämpfen, das in der Welt herrscht. Othello ist von Natur aus ungewöhnlich vertrauensvoll, aufrichtig und ganzheitlich und stellt die Liebe über alles, und daher bedeutet ihr Tod für ihn den vollständigen Zusammenbruch all seiner Bestrebungen.

Großen Erfolg brachte Keane die Rolle des Geldverleihers Overrich in dem Stück „A New Way to Pay Old Debts“ von F. Messinger. Das Publikum, gefesselt von der Darbietung des Schauspielers, konnte seine Tränen nicht zurückhalten. Es wird gesagt, dass Byron, der die Aufführung besuchte, so geschockt war, dass er in Ohnmacht fiel.

Um das Verständnis des Zuschauers zu erreichen, hat Keane sorgfältig und lange an jeder Rolle gearbeitet. Er hat alle Bewegungen und Mimik vor dem Spiegel ausgearbeitet, ist immer wieder zu den schwierigsten Episoden zurückgekehrt, hat an den kleinsten Details seiner Rolle gefeilt. Der Sport verhalf ihm zu einer außergewöhnlichen Plastizität (Kane galt damals als einer der besten Fechter Englands).

Das letzte Werk des großen Schauspielers war die Rolle des Othello. Nachdem der 46-jährige Schauspieler den Satz „Othellos Werk ist beendet“ ausgesprochen hatte, verlor er das Bewusstsein und stürzte. Drei Wochen später war er weg. Keanes Tod endete romantische Richtung im englischen Theater.

Edmund Keanes Sohn, Charles Keane (1811-1868), der hauptsächlich in Melodramen spielte, war ebenfalls Schauspieler.

Die viktorianische Ära brachte ihre eigenen Veränderungen in das kulturelle Leben Englands. Für die Literatur waren diese Jahre die Zeit der Herausbildung des kritischen Realismus (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Der Name des Schriftstellers Charles Dickens (1812-1870) ist mit dem Übergang des englischen Theaters vom Klassizismus zum modernen Drama verbunden. Für das Theater wurden melodramatische Stücke geschrieben (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, erstmals 1879 veröffentlicht, etc.).

Großen Erfolg für den Dramatiker Dickens brachte die exzentrische Komödie The Strange Gentleman, die auf einer der Handlungen des Essays Essays von Boz basiert. Alle Stücke von Dickens, mit Ausnahme von The Lampmaker, wurden in der Saison 1836-1837 im St. James Theatre aufgeführt. Darüber hinaus schuf der Schriftsteller eine Dramatisierung seines Romans Great Expectations, aber das Stück wurde nicht inszeniert.

Dickens' Stücke waren nicht nur in England, sondern auch im Ausland beliebt. Die Handlungen mehrerer seiner Romane bilden die Grundlage für eine Reihe von Opern.

1951 eröffnete der Schriftsteller ein Laientheater, dessen Repertoire aus Klassik und Theater bestand zeitgenössische Werke. Viele junge englische Dramatiker begannen ihre kreative Karriere in diesem Theater. Dickens, der über hervorragende schauspielerische Fähigkeiten verfügte, spielte in seinem Theater die Rolle des Shallow in „Die lustigen Weiber von Windsor“. Große Popularität erlangte der Schriftsteller auch als ausgezeichneter Vorleser, der seine eigenen Werke auf der Bühne aufführte.

Im gleichen Alter wie Dickens begann der englische Dichter und Dramatiker Robert Browning (1812-1889) im Alter von 22 Jahren für das Theater zu arbeiten. 1835 erschien sein erstes Schauspiel Paracelsius. Dann kamen die für das Covent Garden Theatre geschriebenen historischen Dramen Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842). Die Hauptrollen in diesen Produktionen spielte der Schauspieler W. Macready.

1843 inszenierte Covent Garden Brownings The Spot on the Coat of Arms. Und 1853 wurde ein weiteres Stück dieses Autors, Columbus' Birthday, auf seiner Bühne aufgeführt.

Brownings romantische Werke stehen wie seine historischen Stücke in der Tradition des poetischen Dramas von J. G. Byron und P. B. Shelley. Zu einer Zeit, als das Melodrama die englische Bühne dominierte, versuchte Browning, die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf eine ernsthafte, bedeutungsvolle Darbietung zu lenken. Von Zeitgenossen missverstanden, bewegte sich der Autor allmählich vom Bühnendrama zum Genre des sogenannten Lesestücks.

Das Werk von Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), einem ebenfalls berühmten englischen Schriftsteller und Dramatiker Politiker. Seine bevorzugten Genres waren Romane und Dramen mit historischen Themen. Gleichzeitig beraubten melodramatische Motive und Methoden der äußeren Prunkhaftigkeit Bulwer-Lyttons Werke des echten Historismus.

Die Dramen „Die Schöne von Lyon“ (1838) und „Richelieu“ (1839) machten den Dramatiker berühmt. Politisch gefragt und zugleich unterhaltsam, szenisch und voller Dynamik erregten diese Stücke sofort die Aufmerksamkeit der großen englischen Regisseure der damaligen Zeit. "Richelieu" unter der Regie von Henry Irving lange Zeit verließ die Bühne des Hauptstadttheaters "Lyceum" nicht. Und in den 1840er - 1860er Jahren konnte das russische Publikum das Bulwer-Litton-Drama sehen (die Hauptfiguren wurden von den Schauspielern V. V. Samoilov und N. K. Miloslavsky gespielt).

Edward Bulwer-Lytton wurde nicht nur von historischen Stücken angezogen, sondern auch von Komödien, die die Sitten der viktorianischen Gesellschaft lächerlich machten – „Wir sind nicht so schlecht, wie wir scheinen“ und „Geld“ (1840). Obwohl sich der Dramatiker nicht mit Gesellschaftskritik befasste, zog der Realismus seiner Werke die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich. Die Bulwer-Lytton-Komödien gehörten viele Jahre zum Repertoire englischer Theater.

Der historische Roman Rienzi von Bulwer-Lytton interessierte den berühmten deutschen Komponisten Richard Wagner, der seine Handlung auf der gleichnamigen Oper basierte, die 1840 dem Publikum präsentiert wurde.

Ende des 19. Jahrhunderts begann der berühmte englische Schriftsteller, Prosaist und Dramatiker George Bernard Shaw (1856-1950) seine schöpferische Tätigkeit ( Reis. 59). Er wurde in Dublin in der Familie eines armen Angestellten geboren. Im Alter von zwanzig Jahren zog Shaw nach London, wo er einer der Gründer der Fabian Society wurde. Arbeiten in der Musik u Theaterkritiker, schrieb Bernard mehrere obskure Romane. Sein erstes Stück „Das Haus des Witwers“ erschien 1892. Das Stück berührte wichtige soziale und ethische Themen und kritisierte scharf Vermieter, die Wohnungen in den Slums vermieten. Der Dramatiker forderte seine Leser auf, sich zu verbessern und die Welt um sie herum zu verändern. Das im Independent Theatre aufgeführte Stück „Witwerhaus“ wurde vom Publikum kühl begrüßt und nach zwei Vorstellungen von der Bühne entfernt.

Reis. 59. George Bernard Shaw

In den folgenden sechs Jahren schrieb der Dramatiker neun Theaterstücke (darunter einen Einakter). Das traurige Drama „Heartbreaker“ (1893), das von einer einträglichen Ehe erzählt, die im völligen Scheitern endete, wurde von keinem Theater der Hauptstadt zur Produktion angenommen. 1894 erschien das Drama „Mensch und Waffe“, das die Unmenschlichkeit und Grausamkeit des Krieges aufdeckte. 1897 entstand das Theaterstück „The Devil’s Disciple“ und 1898 erschien die zweibändige Sammlung „Pleasant and Unpleasant“, die Stücke aus verschiedenen Jahren umfasste („Mrs. Warren’s Profession“, 1894; „Man and Weapon“ , "Candida", 1897; "Die Auserwählte des Schicksals", 1897; "Wait and see", 1899 usw.). Das Stück „Mrs. Warren’s Profession“, das das Thema Prostitution aufgreift, wurde von der Zensur verboten, durfte aber später, als es dennoch aufgeführt werden durfte, erst 1902 die Theaterbühnen verlassen. Candida war 1903 in New York ein Riesenerfolg. Und in seiner Heimat erfreute sich Shaw noch keiner Beliebtheit. Die wahre Anerkennung des englischen Publikums erlangte er 1904, als er zusammen mit seiner Frau sowie dem Schauspieler und Regisseur Harley Grenville-Barker das Gebäude des Royal Court Theatre mietete. Shaws Stücke wurden von Grenville-Barker und John Vedrenn inszeniert. Von den 988 Aufführungen, die zwischen 1904 und 1907 auf der Bühne des Royal Court gespielt wurden, wurden mehr als 700 auf der Grundlage von Shaws Werken aufgeführt.

Zu den besten Werken des Dramatikers gehört das Stück "Man and Superman" (1905) - eine philosophische Komödie, die den Zuschauer präsentiert Haltung des Autors Religion, Ehe, Familie. Evolution menschliche Gesellschaft gezeigt durch die Auseinandersetzungen von Don Juan, der in der Unterwelt mit dem Teufel landete.

Shaws berühmtestes Stück war Pygmalion (1913), eine antiromantische Komödie, die speziell für die Schauspielerin Patrick Campbell geschrieben wurde. Nach dem Tod der Dramatikerin schufen Frederick Lowe und Alan Jay Lerner aus ihren Motiven das Musical My Fair Lady.

Zu Shaws späteren Stücken gehören The Heartbreak House (1919), Back to Methusalah (1922), das historische Drama Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) und andere.

Die Show, die zum Inbegriff englischen Witzes geworden ist, hat mehr als 50 Werke für das Theater geschaffen. Als der große Dramatiker starb, schalteten Theater in vielen Teilen der Welt in Trauer ihre Lichter aus.

Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung des englischen Theaters leistete der Schriftsteller Oscar Wilde (1854-1900). Wie Shaw wurde er als Sohn eines renommierten Chirurgen in Dublin geboren. Ausgebildet an der Universität Oxford. Wildes erste Werke waren das Gedicht „Ravenna“ (1878) und die Sammlung „Poems“ (1881).

Ruhm brachte dem Schriftsteller seine lyrischen Geschichten und Märchen ("Star Boy" usw.), philosophischer Roman„Das Bildnis des Dorian Grey“. Für das Theater schuf Wilde eine Reihe von Stücken mit gesellschaftskritischem Fokus (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). Das Theaterstück „Salome“ wurde in französischer Sprache verfasst und 1894 in England veröffentlicht, übersetzt von Alfred Douglas mit Illustrationen des Künstlers Aubrey Beardsley. Dieses Stück bildete die Grundlage für die berühmte gleichnamige Oper von Richard Strauss (1904).

Ende des 19. Jahrhunderts begann der englische Dramatiker Henry Arthur Jones (1851-1929) für das Theater zu schreiben. Aus einer armen Bauernfamilie stammend, verdiente er seinen Lebensunterhalt mit der Schauspielerei.

Als Schauspieler nicht berühmt geworden, wandte sich Jones dem Schreiben von Theaterstücken zu, aber auch seine ersten Stücke brachten nicht den gewünschten Erfolg. Die Theater weigerten sich, seine Werke anzunehmen, und erst 1878 wurde in einem der Provinztheater Jones' Stück "It's just around the corner" zur Produktion angenommen.

Der lang ersehnte Erfolg kam dem Dramatiker, nachdem sein Silver King im Princess Theatre aufgeführt wurde. Unter den meisten bedeutende Arbeit John kann die Stücke "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebellious Susannah", "The Triumph of the Hypnots", "Michael and His Lost Angel", "Protection of Mrs. Dane" nennen. Viele von Jones' Dramen prangern die scheinheilige Moral der viktorianischen Gesellschaft an (The Liars, 1897; The Lies, 1914), obwohl eine Faszination für melodramatische Techniken ihre Bedeutung etwas mindert. Aber trotzdem kann man mit Sicherheit sagen, dass die Arbeit von Jones einen Einfluss auf die Bildung einer realistischen Richtung in der Theaterkunst Englands am Ende des 19. Jahrhunderts hatte. Jones arbeitete mit Bernard Shaw zusammen, und dieser schätzte seine Arbeiten sehr.

Die englische Bühnenkunst des späten 19. Jahrhunderts ist mit dem Namen des Schauspielers und Unternehmers Arthur Voucher (1863-1927) verbunden. 1884 wurde der junge Schauspieler, der in Eton und später in Oxford ausgebildet wurde, einer der Gründer der Oxford University Dramatic Society. Auf seiner Bühne spielte er in Shakespeares Stücken ("Heinrich IV", "Zwölfte Nacht", "Die lustigen Weiber von Windsor", "Julius Caesar").

Vouchers Debüt war die Rolle des Jacques in Shakespeares Komödie As You Like It, die 1889 auf der professionellen Bühne in Wolverhampton aufgeführt wurde. Die Aufführung machte den Schauspieler berühmt, und 1889-1894 spielte er in verschiedenen englischen und amerikanischen Theatern.

1895-1896 leitete Voucher das Royal Theatre, und seine Frau E. Vanbrugh war eine Hauptdarstellerin, die die Hauptrollen in Komödien und Farcen spielte. Zwischen 1900 und 1906 hatte Voucher die Position inne künstlerischer Leiter"Garrick Tietra". Zu dieser Zeit spielte er viele Rollen in den Stücken von Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. 1910 schloss sich der Schauspieler der Truppe von Beerbom Tree (Hiz majestis tietr) an, wo er die Bilder von Henry VIII und der Foundation in Shakespeares Stücken Henry VIII und A Midsummer Night's Dream verkörperte. Als sehr temperamentvoller und emotionaler Künstler spielte Voucher besonders erfolgreich helle, charakteristische Rollen (John Silver in „Die Schatzinsel“ nach dem Roman von R. L. Stevenson).

Ende des 19. Jahrhunderts begann der Schauspieler und Unternehmer Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) seine Laufbahn im Theater. Er debütierte als Fritz in Grnadis Stück „The Old Jew“, das 1895 im Garrick Theatre aufgeführt wurde. Im selben Jahr schloss er sich der Truppe Beerbom Three an und ging mit ihr auf Tournee in den Vereinigten Staaten. 1899-1901 besuchte er erneut Amerika, diesmal zusammen mit der berühmten englischen Schauspielerin Patrick Campbell.

Die bedeutendste Bühnenarbeit des Schauspielers zu dieser Zeit war die Rolle von Sandford Cleave in The Famous Mrs. Ebbsmith und Captain Ardale in Pineros The Second Mrs. Tanqueray. 1902 wurde Du Maurier Unternehmer in der Truppe von Ch. Froman (Duke of York Theatre), wo er mit großem Erfolg die Bilder von Ernest Wooller (Delightful Crichton von J. Barry), Hook and Darling (Peter Pan by the gleicher Autor). ).

Vor allem in komödiantischen Rollen war Du Maurier erfolgreich. Die Fähigkeit, sich natürlich, aufrichtig und einfach zu verhalten, half dem Schauspieler, die Liebe des Publikums zu gewinnen. Seine besten Werke waren die Bilder von Montgomery Brewster in McCachons Brewster's Millions und Hugh Drummond in Bulldog Drummond, einer Dramatisierung von McNeils Roman.

In der Zeit von 1910 bis 1925 leitete Du Maurier zusammen mit F. Curzon das Wyndhams Theatre und von 1925 bis 1929 zusammen mit G. Miller das St. James Theatre. Die Bühnenproduktion von Lonsdales Stück The Last Days of Mrs. Cheney (1925) brachte dem Theater großen Erfolg. In der Zukunft inszenierte Du Maurier mehrere weitere Aufführungen in verschiedenen Theatern (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Mortons Alibi nach Christies Roman, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr" usw.).

Eine prominente Figur im englischen Theater des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts war der Schauspieler, Regisseur und berühmte Lehrer Frank Robert Benson (1858-1939). Schon in jungen Jahren nahm er aktiv an allen Arten von Amateuraufführungen teil. Seine erste professionelle Bühne war das Londoner Theater „Lyceum“, geleitet von G. Irving. Ein Jahr später eröffnete der junge Schauspieler sein eigenes mobiles Theater, das nicht nur in London, sondern auch in Stratford und anderen Provinzstädten auftrat.

Bensons Lieblingsdramatiker war Shakespeare. In nur wenigen Jahren inszenierte der Regisseur fast alle Stücke des großen Dramatikers, mit Ausnahme von Titus Andronicus und Troilus und Cressida. Von 1886 bis 1919 spielte die Kompanie unter der Leitung von Benson im Shakespeare Memorial Theatre in Stratford-on-Avon. In der Heimat von Shakespeare fanden mit ihrer Teilnahme jährliche Festivals von Shakespeares Stücken statt.

Als wunderbarer Schauspieler und Regisseur war Benson auch ein talentierter Lehrer, der viele wunderbare Künstler ausbildete. Sein Stift gehört zur Schauspielarbeit. Schrieb Benson und ein Buch mit Memoiren. In den letzten Jahren seines Lebens beschäftigte er sich mit dem Filmemachen.

Als Schauspieler begann der berühmte englische Schauspieler, Regisseur und Dramatiker Harley Grenville-Barker (1877-1946) seine Theaterkarriere. 1891 trat er der Truppe von S. Thorne in Marget bei. Im folgenden Jahr trat Grenville-Barker bereits im London Comedy Theatre auf.

Von 1904 bis 1907 leitete Grenville-Barker zusammen mit dem Dramatiker Bernard Shaw das Royal Court Theatre, Teil der freien Theaterbewegung, die sich auf ernstes realistisches Drama konzentrierte.

Grenville-Barker, der den Bühnenrealismus förderte, träumte davon, ein Nationaltheater mit einem festen Repertoire zu eröffnen, aber leider war sein Versuch, es zu schaffen, nicht erfolgreich.

Unter den Werken von Grenville-Barker nehmen Aufführungen nach Shakespeares Stücken einen wichtigen Platz ein. Der Regisseur veröffentlichte ein 5-bändiges Werk „Vorwort zu Shakespeare“, in dem er ausführlich die schwierigsten Shakespeare-Stücke für die szenische Umsetzung analysierte und gab praktische Ratschläge in ihrer Inszenierung im modernen Theater. Grenville-Barkers Stücke The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Inheritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen und andere waren weithin bekannt.

Nach dem Ersten Weltkrieg erhielt England eine Reihe deutscher Kolonien und einen Teil der Länder des Nahen Ostens, die zur Türkei gehörten. Die vom Krieg geschwächte britische Wirtschaft begann sich zu erholen, aber das hielt nicht lange an. Bereits 1921 setzte ein inflationäres Wachstum und ein Sinken des Lebensstandards der Bevölkerung ein.

1924 kam die Labour-Regierung an die Macht, aber trotz aller Bemühungen änderte sich die wirtschaftliche und politische Situation im Land nicht, und die Konservativen, die die Labour-Anhänger ersetzten, verschlimmerten die Situation noch mehr. Im Mai 1924 begann in England ein Generalstreik. Werke und Fabriken wurden komplett stillgelegt, Eisenbahnen und Minen funktionierten nicht mehr. Der Regierung gelang es einige Zeit, die Spannungen im Land abzubauen, aber bereits 1929 brach eine schwere Wirtschaftskrise aus.

Die 1930er Jahre waren auch unruhig. Hitler kam in Deutschland an die Macht, und in England nahm die British Union of Fascists mit der Duldung von Baldwin und Chamberlain, die ihn ersetzten, ihre Aktivitäten auf.

Als der Zweite Weltkrieg begann, stellte sich heraus, dass England darauf völlig unvorbereitet war. Nach der Niederlage bei Dünkirchen verließ das britische Expeditionskorps den Kontinent. Nachdem die Nazis Frankreich besetzt hatten, bereiteten sie bereits eine Invasion der britischen Inseln vor, wurden jedoch durch die von britischen Flugzeugen gewonnene Schlacht um Großbritannien daran gehindert, und dann begannen die Feindseligkeiten gegen die UdSSR.

Am 26. Mai 1942 unterzeichneten England und die UdSSR ein Abkommen über ein militärisches Bündnis und eine Zusammenarbeit in Friedenszeiten, aber Churchill verzögerte einige Zeit die Eröffnung einer zweiten Front. Am Ende des Zweiten Weltkriegs enttäuschte die Politik der Konservativen das Volk endgültig, und bei den Wahlen von 1945 errang die Labour Party einen vernichtenden Sieg.

Die soziale Situation des Landes musste sich im englischen Drama der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts widerspiegeln. In diesen Jahren arbeiteten so berühmte Schriftsteller wie Somerset Maugham und John Boynton Priestley im Land.

Reis. 60. Somerset Maugham

Englischer Schriftsteller William Somerset Maugham (1874-1965) ( Reis. 60) wurde in Paris in der Familie des Rechtsberaters der englischen Botschaft geboren. Im Alter von zehn Jahren wurde er ohne Eltern zurückgelassen und wuchs in England bei Verwandten auf. An Tuberkulose erkrankt, ließ sich Maugham in Südfrankreich nieder und zog dann nach Deutschland, wo er Volontär an der Universität Heidelberg wurde. In Deutschland zukünftiger Schriftsteller näherte sich Ibsen

und Wagner. Es waren Ibsens Stücke, die in Maugham den Wunsch weckten, Dramatiker zu werden.

Nach seiner Rückkehr nach England begann Maugham an einer medizinischen Fakultät zu studieren. Drei Jahre lang arbeitete er als Sanitäter in einem Krankenwagen, wodurch er das Leben der einfachen Leute kennenlernte (als Teil seines Berufs besuchte Somerset die ärmsten Viertel Londons). Sein 1897 geschriebener Roman Lisa of Lambeth erzählt von den Londoner Slums. Er brachte dem jungen Schriftsteller den ersten Ruhm. Anschließend schuf Maugham eine Reihe von Romanen, die ein breites Panorama des Lebens der englischen Gesellschaft zeichnen (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Das Theater hat Maugham schon immer angezogen, aber es war nicht einfach, auf diesem Gebiet erfolgreich zu sein. Der Wunsch nach einer realistischen Wiedergabe der Realität schreckte Unternehmer manchmal vom Schriftsteller ab. Trägte nicht zur Popularität des Schriftstellers in der Gebrauchsgrafik und zur Produktion seines Stücks "Man of Honor" (1903) bei.

1907 gelang es Maugham schließlich, die vom Publikum begeistert aufgenommene Komödie Lady Frederick zu inszenieren. Danach öffneten die Londoner Theater dem Dramatiker ihre Türen, und im selben Jahr, 1907, erschienen drei weitere Aufführungen, die auf seinen Stücken basierten.

Der Dramatiker schuf eine Spielart, die er „klug“ nannte. Die moderne Realität seiner Arbeit wird durch ein Aufeinanderprallen von Charakteren gezeigt, und die Handlung wird oft unterbrochen, damit die Charaktere die Situation diskutieren können. Bei der Erstellung seiner Stücke verwendet Maugham oft die Techniken, die für die Werke von Shaw und Ibsen charakteristisch sind, aber meistens wendet er sich der englischen Komödie der Restaurationszeit zu. Es ist von der Dramaturgie des zweiten Hälfte des XVI- Der Beginn des 18. Jahrhunderts ist die Kunst des Charakters und der Intrige, die in den Werken von Maugham vorhanden ist. In vielen seiner Stücke findet sich auch ein Interesse an den Traditionen des französischen Theaters.

Maughams frühe Stücke "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", die 1907 in Londoner Theatern aufgeführt wurden, waren im Stil der Salonkomödie geschrieben. In Zukunft entfernte sich der Dramatiker von leichter Satire und wandte sich ernsten realistischen Dramen über "Menschen, die alles wissen" zu. 1913 erschien The Promised Land und erzählte vom Schicksal des armen Mädchens Nora. In einem bürgerlichen englischen Umfeld aufgewachsen, verschlägt es sie nach Kanada zu ihrem Bauernbruder. Sie ist arbeitsunfähig und versucht, sich wie eine Dame zu benehmen, und verärgert die Frau ihres Bruders. Doch nachdem Nora die Frau eines benachbarten Bauern geworden ist, ändert sie sich allmählich und als ihr die Gelegenheit geboten wird, in ihr früheres Leben in London zurückzukehren, weigert sie sich, da sie erkennt, dass sie nicht länger unter Faulenzern und wertlosen Menschen leben kann.

Thema Nachkrieg Englisches Leben das Stück The Hearth and the Beautiful Wife (1919) ist gewidmet. Der Erste Weltkrieg endete und der Major kehrte nach Hause zurück, den alle für tot halten. Seine Frau Victoria heiratete seinen Freund, ebenfalls Major. Freunde konkurrieren im Adel und geben sich gegenseitig das Recht, bei der schönen Victoria zu bleiben, aber sie lässt sich von beiden scheiden und wird die Frau eines Spekulanten, der ein Vermögen mit Militärgütern gemacht hat. Dieser von der Front entflohene Geldbeutel fährt einen Cadillac und hat die Möglichkeit, sich irgendwelche Lebensmittel zu besorgen. Beide ex Mann Die unvergleichliche Victoria behauptet, sie habe immer über ihre Gemeinheit und Gier geahnt. Dies ist der Herd, für den die Briten im Krieg gekämpft haben.

Das Thema der Ehe in der bürgerlichen Gesellschaft wird von Maughams berühmtem Stück The Circle (1919) fortgesetzt. Elizabeth, die Frau eines jungen Politikers, ist enttäuscht von ihrem Mann und bewundert seine Mutter, die sie nie gesehen hat: In ihrer Jugend lief sie mit seinem Freund Lord Proteus, der für das Amt des Premierministers kandidierte, vor ihrem Mann davon. Aber nach einer solchen Tat wurde den Liebenden der Zugang zur Gesellschaft verschlossen, und nur Elizabeth lud sie heimlich zu sich ein. Was war ihre Enttäuschung, als sie statt eines romantischen Paares eine sich verjüngende alte Frau und einen ungezogenen, bösen alten Mann sah. Vieles wurde der jungen Frau klar, aber sie gab ihre Liebe nicht auf und verließ das Haus eines wohlhabenden Mannes, um mit einem jungen Kolonialbeamten ins ferne Malaya zu gehen.

Zwischen 1928 und 1933 erschienen vier weitere Maugham-Stücke: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) und Sheppey (1933). Der Provinzanwalt im Drama „For Military Merit“ glaubt, dass Gerechtigkeit und Wohlstand in der Gesellschaft herrschen, obwohl seine eigene Familie unter dem Druck der Umstände stirbt.

Sohn Sydney kam blind aus dem Krieg zurück, und eine der Schwestern kümmert sich um ihn, obwohl es sie belastet und quält. Sie träumt davon, ihr Schicksal mit einem Mann zu vereinen, der ebenfalls kürzlich von der Front zurückgekehrt ist, aber ihr Verlobter, der sich in dieser Gesellschaft nicht wiederfinden kann, begeht Selbstmord, und das unglückliche Mädchen verliert den Verstand. Ihre Schwester wird die Frau eines demobilisierten Offiziers - einer arroganten und ungezogenen Person. Tragisch ist auch das Schicksal der dritten Tochter. Um einer düsteren Situation zu entkommen, rennt sie mit einem wohlhabenden Spekulanten, der sein Vermögen mit schmutzigen Geschäften gemacht hat, von zu Hause weg. Der Krieg brach das Schicksal aller Familienmitglieder. Sidneys Worte sind voller Bitterkeit: „Ich weiß, dass wir alle Marionetten in den Händen mittelmäßiger Narren waren, die unsere Länder regierten. Ich weiß, dass wir alle ihrer Eitelkeit, Gier und Dummheit geopfert wurden. Und das Schlimmste ist, dass sie, soweit ich weiß, nichts gelernt haben.“

Die Geschichte des Protagonisten aus dem Drama „Sheppy“ ist traurig. Sheppey, ein Friseur mittleren Alters, wurde stolzer Besitzer eines großen Gewinns.

Er träumt davon, Bedürftigen zu helfen, aber seine Tochter und ihr Verlobter glauben, dass dieses Geld ihnen helfen wird, in die große Politik einzusteigen, und versuchen, Sheppey als verrückt anzuerkennen.

Die nichtkommerzielle Kunstproduktion von Sheppey scheiterte und Maugham beschloss, das Schreiben von Theaterstücken aufzugeben und nie wieder für das Theater zu arbeiten.

Reis. 61. John BoyntonPriestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( Reis. 61) wurde in der Stadt Bradford (Yorkshire) in der Familie eines Lehrers geboren. 1914 wurde er Student an der Cambridge University, meldete sich aber bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs freiwillig an die Front. Priestley schloss sein Studium an der Universität nach Kriegsende ab. Als Essayist, Literaturwissenschaftler und Kritiker erlangte er bald Berühmtheit. Der 1929 geschriebene Roman The Good Companions, der den Leser in das Leben umherziehender Schauspieler einführt, brachte Priestley großen Erfolg. Die erste und ungewöhnlich erfolgreiche Erfahrung des Schriftstellers im Drama war das 1932 inszenierte Stück "Dangerous Turn".

Genau wie Maugham war Priestley in der Lage, menschliche Typen genau zu vermitteln und Intrigen zu erzeugen. Gleichzeitig sind seine Stücke problematischer als die Werke von Maugham und Shaw.

In „A Dangerous Turn“ enthüllt Priestley wie Maugham, was sich hinter dem äußeren Wohlbefinden des Lebens verbirgt. Was hinter den Schichten von Lügen und Betrug erscheint, ist wirklich schrecklich. Der Dramatiker baut Theaterstücke nach dem Prinzip des „Detektivs im geschlossenen Raum“. Im engen Bekanntenkreis ist ein Mord begangen worden, jeder steht unter Verdacht, und gleichzeitig werden alle zu Hobbydetektiven.

Allmählich entspinnt sich eine Kette von Enthüllungen, begonnen durch versehentlich fallengelassene Worte auf einer Party beim Verleger Robert Kaplan, der erfährt, dass sein geliebter Bruder Martin ein Sexwahnsinniger war und nicht, wie offiziell angenommen, Selbstmord begangen hat, sondern von einer Frau getötet wurde . Fast alle seine Verwandten waren an seinem Tod beteiligt. Als Robert die schreckliche Wahrheit erfuhr, nahm er sich das Leben. Dies ist jedoch nur eine hypothetische Version der Ereignisse. Die darauffolgende Dunkelheit löst sich auf und die Atmosphäre des ersten Akts erscheint wieder vor den Augen des Zuschauers. Die Charaktere führen dasselbe Gespräch, und der Satz, der als Beginn der Belichtung diente, wird nicht entwickelt. "Gefährliche Wende" sicher bestanden, die Party geht weiter. Doch was sich eigentlich hinter dem ruhigen Lebenslauf verbirgt, ist dem Betrachter bereits bekannt.

1937 erschien Priestleys Theaterstück Time and the Conway Family, in dem der Autor die Turn-of-Events-Technik anwendet. Die Handlung beginnt 1919 mit einem Familienurlaub. Eine freundliche und wohlhabende Familie feiert Kates Geburtstag. Das Mädchen ist einundzwanzig Jahre alt, voller Hoffnung auf eine glückliche Zukunft und träumt davon, Schriftstellerin zu werden.

Der zweite Akt bezieht sich auf das Jahr 1937. Die Charaktere sind die gleichen, aber sie sind alle unglücklich. Eine Party, die vor vielen Jahren stattfand, war ein Ereignis, das das Leben der Familie in eine Richtung lenkte, die alle ihre Mitglieder zu einem traurigen Ergebnis führte.

Der dritte Akt bezieht sich wieder auf das Jahr 1919, doch nun wirkt das Familienfest auf den Zuschauer, der viele Jahre später erfahren hat, nicht heiter und fröhlich.

Auch in seinen weiteren Stücken thematisierte Priestley das Motiv der Zeit: „I was here before“ (1937), „Music at night“ (1938), „Johnson beyond the Jordan“ (1939). Um die Eigenschaften seiner Figuren zu vertiefen, versetzt der Autor sie in eine ungewöhnliche Umgebung, die enthüllt, was zuvor nicht nur anderen, sondern auch ihnen selbst verborgen war.

In einer Reihe von Stücken verwendet Priestley kühne Experimente. So treten in dem Drama "From Paradise Times" (1939), das auf den Bühnen der Theater in vielen europäischen Ländern stattfand, die Schauspieler direkt vor den Augen des Publikums in die Figur ein und wechseln sogar die Rollen.

Der englische Dramatiker schätzte Tschechows Werk sehr. Am deutlichsten wird sein Einfluss in dem Stück „Eden End“ (1934). Eden End, das an Tschechows Der Kirschgarten erinnert, erzählt die Geschichte einer Frau, die vor vielen Jahren vom Haus ihrer Eltern weglief, um Schauspielerin zu werden. Jetzt kehrte sie in das ruhige und gemütliche Zuhause ihres Vaters zurück und träumte davon, sich wieder glücklich zu fühlen. Aber die Vergangenheit kann nicht zurückgebracht werden, und die Figuren des Stücks, so sehr sie es auch mögen würden, können kein neues Leben beginnen.

Comedy nimmt einen wichtigen Platz in Priestleys Dramaturgie ein. In diesem Genre hat der Schriftsteller eine Reihe ungewöhnlich witziger Werke geschaffen, die das Leben der Gesellschaft kritisieren. Seine Komödien waren in europäischen Ländern äußerst beliebt, brachten dem Dramatiker in seiner Heimat jedoch keinen großen Erfolg.

Die Komödie The Rocket Grove (1933) war weithin bekannt. Ein unauffälliger und bescheidener Besitzer eines kleinen Schreibwarenlagers gesteht seiner Familie plötzlich, dass er tatsächlich eine Bande von Fälschern anführt. Verwandte, die davon gehört haben, zeigen ihm jeden Respekt, obwohl sie ihn zuvor mit Verachtung behandelt haben. Sie alle glauben, dass er nicht schlimmer ist als die großen Finanzmagnaten, die ihn während der Wirtschaftskrise bankrott gemacht und zum Verbrecher gemacht haben.

Einige Komödien zeugen von Priestleys Interesse am Leben von Vertretern bestimmter Berufe (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

Etwas abseits steht das Theaterstück „Bienen an Bord eines Schiffes“ (1936), das der Autor selbst „eine possenhafte Tragödie in zwei Akten“ und „eine politische Satire in Form einer Farce“ nannte. Die Besatzung, die auf einem während der Wirtschaftskrise von ihren Eignern ihrem Schicksal überlassenen Ozeandampfer ausgesetzt wurde, versucht ihr Schiff vor allerlei Attentatsversuchen zu retten. Im Finale stirbt das Schiff durch eine Explosion, die von der Firma - dem Eigentümer des Liners - organisiert wurde.

Ungewöhnlich ist auch Priestleys Drama-Utopie "They Came to the City" (1943), die von dem utopischen Roman inspiriert ist. Englischer Künstler und der Schriftsteller William Morris ' News from Nowhere oder das Zeitalter des Glücks (1891). Die Helden von Priestleys Stück leben in einer Stadt, in der es kein Privateigentum gibt, sie sind glücklich und fröhlich. Mit der Technik des „Shift in Time“ führt der Autor Charaktere aus verschiedenen Schichten der modernen englischen Gesellschaft in das Stück ein, die die ungewöhnliche Stadt und ihre Bewohner unterschiedlich wahrnahmen.

Zwei weitere Stücke von Priestley wurden mit großem Interesse aufgenommen: The Inspector Came (1945) und The Linden Family (1947).

Im ersten Stück wendet der Dramatiker wieder seine Lieblingstechnik der „Zeitverschiebung“ an. Die Familie des Industriellen Berling feiert die Verlobung ihrer Tochter. Plötzlich erscheint ein Polizeiinspektor im Haus, der den Selbstmord eines Mädchens namens Eva Smith untersucht. Es stellt sich heraus, dass alle Familienmitglieder an ihrem Tod schuld sind. Beurling feuerte sie aus seinem Unternehmen, seine Tochter sorgte dafür, dass Eva aus dem Laden geworfen wurde, und ihr Verlobter verführte und ließ die Unglücklichen zurück. Zu allem Überfluss sorgte Burlings Frau, die Einfluss auf die Wohltätigkeitsorganisation hatte, dafür, dass dem Mädchen die Hilfe verweigert wurde.

Nachdem der Inspektor alles herausgefunden hat, geht die Familie Berling, überrascht, dass sich ihre Handlungen auf dasselbe Mädchen beziehen, und beginnt, das Krankenhaus und die Polizei zu rufen. Sie erfahren, dass es keine Selbstmordfälle gab und der Kommissar mit diesem Namen nicht für die Polizei arbeitet. Die Berlings beruhigten sich, aber wie sich herausstellte, zu früh. Plötzlich klingelte das Telefon und dem Familienoberhaupt wurde mitgeteilt, dass ein Mädchen, das zuvor in seiner Fabrik gearbeitet hatte, im Krankenhaus gestorben sei und ein Polizeiinspektor käme, um die Todesumstände zu klären.

In den 1950er Jahren arbeitete Priestley weiterhin als Dramatiker, aber er konnte nichts Bedeutendes mehr schreiben.

Einen großen Beitrag zur Entwicklung des englischen Dramas leistete der Dichter Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Abb. 62), der davon träumte, ein neues poetisches Drama zu schaffen, das auf den Traditionen der antiken und mittelalterlichen Kunst basiert.

Reis. 62. Thomas StearnsEliot

Eliot wurde in den USA geboren. 1910 kam er nach Europa, um an der Sorbonne zu studieren. Seine Ausbildung als Schriftsteller erfolgte unter dem Einfluss modernistischer Strömungen, die zu Beginn des Jahrhunderts auftauchten. Unzufrieden mit der modernen bürgerlichen Kultur wandte sich Eliot bei seiner Suche dem Neoklassizismus zu, der auf den Traditionen der Antike und des Mittelalters basierte.

Eliots Übergang von den Texten zum Drama hängt mit seinem brennenden Wunsch zusammen, „wahre Spiritualität“, die Ideale des Humanismus, mehr Menschen zu vermitteln. Dieses Ziel verfolgen alle seine Stücke, die in den 1930er, dann in den 1940er und 1950er Jahren erschienen (Mord im Dom, 1935; Familientreffen, 1938; Cocktailparty, 1949; Privatsekretär), 1953; „Der betagte Staatsmann“ , 1958).

Die Frage nach der persönlichen Verantwortung eines Menschen für alles, was in der Welt passiert, wird durch das Stück „Mord in der Kathedrale“ aufgeworfen, das ein anschauliches Beispiel für Eliots poetische Tragödie war. Der Dramatiker, der sein Werk in Friedenszeiten schuf, schien den kommenden Weltkrieg vorauszusehen, bis zu dem es noch fünf Jahre dauerte.

"Murder in the Cathedral" sollte beim Canterbury Festival gezeigt werden, wo auch andere Werke präsentiert wurden, die das Schicksal von Thomas Becket, dem Erzbischof von Canterbury, der im 12. Jahrhundert lebte, erzählen. Becket half Heinrich II. beim Kampf für eine zentralisierte Monarchie, wurde aber später zum Gegner des Königs, wofür er mit seinem Leben bezahlte. Nach seinem Tod wurde der Erzbischof von der Kirche als Heiliger heiliggesprochen. Die Persönlichkeit von Becket sorgt immer noch für Kontroversen unter Historikern und Schriftstellern. Eliot stellte seinen Helden als einen Mann dar, dessen Handlungen vom Wunsch nach hoher Spiritualität getrieben waren, weshalb er gegen die niederen Interessen des Monarchen und seiner Günstlinge kämpfte. Indem er das Martyrium akzeptierte, nahm Becket die Sünden der Menschheit auf sich und öffnete den Menschen den Weg zu Humanismus und Wahrheit.

Das Stück, das poetische Sprache mit Prosa verbindet, basiert nicht nur auf historischem Material, sondern auch auf den Realitäten der 1930er Jahre. So ähneln die Reden der Ritter, die den Erzbischof getötet haben, sehr den Reden der extremen Rechten mit der Drohung einer „Nacht der langen Messer“ an alle, die mit ihren Ideen nicht einverstanden sind.

Die größten Vertreter der englischen linken Dramaturgie waren der Dichter Whiston Hugh Auden (1907-1973) und der Romancier Christopher Isherwood (geb. 1904), die den Versuch unternahmen, ein modernes poetisches Drama zu schaffen, das auf den Traditionen des englischen Varietés basiert .

1933 schrieb Auden das Theaterstück Dance of Death, das das Ende der modernen bürgerlichen Gesellschaft voraussagte. 1936 wurde es von Regisseur Rupert Doone auf der Bühne des Londoner Group Theatre aufgeführt. In Zukunft arbeitete der Dramatiker mit Isherwood zusammen.

Auden und Isherwoods Stück The Dog Under the Skin (1935), das 1936 aufgeführt wurde, stieß auf Interesse. Dieses Werk, das Elemente der Parodie, der hohen Poesie, des Agitprop, der Märchen und des Expressionismus enthielt, hatte gleichzeitig eine stilistische Einheit.

Jedes Jahr schicken die Dorfbewohner von Pressen Embo einen der jungen Männer auf die Suche nach Sir Francis, dem plötzlich verschwundenen Erben des Anwesens. Die Reihe kam an Alan Norman, einen ehrlichen und einfachen Mann. Zusammen mit ihm erholt sich der Hund Francis, der in der einen oder anderen Familie lebt, unterwegs. Reisende besuchten viele Länder und trafen verschiedene Menschen, aber der Erbe wurde nie gefunden. Alan hatte bereits beschlossen, weitere Suchen einzustellen, als er herausfand, dass sein Hund der gesuchte Sir Francis war. Das Hundefell half ihm, viel zu lernen, zu verstehen, wie marode die gesellschaftlichen Grundlagen waren. Als Francis in sein Dorf zurückkehrte, sah er, dass die Ideen des Faschismus darin alle anderen überwogen. Zusammen mit einer Gruppe junger Menschen zieht der Erbe los, um gegen Ungerechtigkeit und Böses zu kämpfen.

Von großem Interesse ist das symbolträchtige Stück On the Border (1938) von Auden und Isherwood, das von zwei Familien erzählt, die im selben Raum leben. Zwischen ihnen liegt eine unsichtbare Linie, die sie in zwei Kriegsparteien verwandelt hat. Zu den Figuren des Stücks gehören junge Liebende, die diesen Familien angehören, die erst nach dem Tod vereint sind, der Kyniker, der die Natur des Faschismus erklärt (das Oberhaupt des Stahlkonzerns), und der Anführer, der Demagoge, der von der genährt wird Zyniker.

Anschließend wichen Auden und Isherwood von ihren früheren Ideen ab. 1966 wurde Isherwoods Roman Farewell to Berlin (1939), der von Deutschland vor der Machtübernahme durch die Nazis erzählt, im Musical Cabaret aufgeführt, und 1972 - der berühmte gleichnamige Film.

Der Erste Weltkrieg und die Zeit davor zerstörten das bereits im 19. Jahrhundert entstandene System der Theaterunternehmen, an deren Spitze die Schauspieler G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander standen. Das kommerzielle Theater des West End trat im Theaterleben Englands in den Vordergrund und bot den kriegsmüden Menschen fröhliche und spektakuläre Spektakel. Farcen, Melodramen, leichte Komödien sowie Musikshows waren sehr beliebt.

Die Lage im Theaterwelt hat sich nicht geändert Nachkriegsjahre. Auf der Bühne herrschten immer noch leichte Genres, und ernste Stücke von Strindberg, Ibsen, Tschechow waren nur auf den Bühnen kleiner Londoner Theater (Evryman, Barnes) und Theaterclubs zu sehen. Der amerikanische Kritiker T. Dickinson schrieb über das damalige englische Theater: „Die Britischen Inseln sind politisch isoliert. Das englische Theater befindet sich in ähnlicher Isolation. In den 1920er Jahren erwies sich das Theater Großbritanniens als weitgehend unfähig, auf die tiefen Impulse zu reagieren, die das Theater auf dem Kontinent leiteten.

Die englische Jugend, die die Traditionen der viktorianischen Ära ablehnte und eine amerikanisierte Lebensweise anstrebte, war gelangweilt von Shakespeare, dessen Dramen von der Bühne des West End verschwunden waren.

Die Aufführungen des Cambridge Festival Theatre, das von 1926 bis 1933 von Terence Gray geleitet wurde, wurden zu echten Parodien auf den großen Shakespeare. So hielt Portia in Der Kaufmann von Venedig ihren berühmten Monolog über die Barmherzigkeit mit gelangweiltem Blick und völlig ausdrucksloser Stimme, und die Richter, die vor ihr saßen, gähnten. Die Adligen in Henry VIII, inszeniert von Gray, sind in Kostüme von Kartenbuben und -königinnen gekleidet, und anstelle einiger Charaktere sah das Publikum Nachbildungen von Spielkarten.

Es ist interessant, dass sich die englischen Regisseure dieser Zeit oft der Komödie der Restaurationszeit zuwandten, wenn sie die Klassiker leugneten. Unter ihnen war berühmter Schauspieler, Direktor und Besitzer des Lyric Theatre in London, Nigel Playfair, der eine Reihe alter Komödien inszenierte. Auf der Lyrica-Bühne wurden auch Aufführungen nach Stücken von Komikern des 18. Jahrhunderts aufgeführt, die im Zeitgeist interpretiert wurden. So verlor beispielsweise John Gays Beggar's Opera, die drei Jahre lang die Lyric-Bühne nicht verlassen hatte, ihren satirischen Fokus und verwandelte sich in ein leichtes, fröhliches Spektakel. In Playfairs Interpretation repräsentierte Gays Stück ein sorgloses und fröhliches Zeitalter, dessen Atmosphäre dazu beitrug, die in den Kronleuchtern des Auditoriums angezündeten Kerzen, die Perücken der Musiker des Theaterorchesters sowie die Musik von Händel und Purcell zu vermitteln . N. Marshall beschrieb Playfairs stilistisches Können als Regisseur sehr treffend: „Im stillosen englischen Theater dieser Zeit gab er ein Beispiel für einen eleganten und ganzheitlichen Bühnenstil.“

Der Star des Lyric Theatre war die Schauspielerin Edith Evans (1888-1976), die während der Restauration mit den Rollen junger Comedy-Heldinnen begann. Ein großer Erfolg brachte ihr 1924 das Bild von Milliment in dem Stück "So tun sie in der Welt", das auf dem Stück von Congreve basiert. Milliment ist, genau wie Sallen in Farkers „Cunning Plan of the Dandies“, ein ungewöhnlich fröhliches und anmutiges Wesen, das danach strebt, alle Freuden des Lebens kennenzulernen.

Die Stücke von Bernard Shaw, gespielt auf den Bühnen des West End und in experimentellen kleinen Theatern, hatten großen Erfolg beim englischen Publikum der 1920er Jahre. St. Joan, aufgeführt im New Theatre, brachte den Machern einen riesigen kommerziellen Erfolg. Die Aufführung verließ die Bühne lange Zeit nicht und hielt mehr als zweihundertvierzig Aufführungen stand. Die Rolle der Jeanne wurde von der berühmten Tragödin Sybil Thorndike (1886-1976) gespielt.

Die Rolle der Jeanne war von Bernard Shaw selbst für Sybil Thorndike vorgesehen. Er probte mit ihr und anderen Schauspielern und versuchte, ihnen den Eindruck zu vermitteln, dass sie ein modernes Stück spielten und kein Kostümdrama, das der Vergangenheit gewidmet war. Sybil Thorndike spielte eine Heldin, deren Hauptmerkmale nicht Romantik, sondern ein nüchterner Geist und moralische Stärke waren. Beim Anblick von Zhanna verstand das Publikum, dass dieses einfache Bauernmädchen, das sich in längst vergangenen Schlachten bewährt hatte, die Heldin des modernen Ersten Weltkriegs werden könnte.

Ende der 1920er Jahre in Theaterkreise Die Idee war geboren, jährliche Festivals der Stücke von Bernard Shaw in der kleinen Stadt Malvern zu veranstalten. Das erste Malvern Festival fand Anfang 1929 statt und wurde mit Shaws Theaterstück The Apple Cart eröffnet. Rolle Hauptfigur Schauspielerin Edith Evans spielte in dieser Aufführung. Das Festival dauerte bis zum Ausbruch des Zweiten Weltkriegs.

Barry Jackson (1879-1961), der das Birmingham Repertory Theatre leitete, spielte eine wichtige Rolle bei der Organisation des Malvern Festivals. Dieses Theater wurde 1913 eröffnet, etwa zur gleichen Zeit wie die Repertoiretheater von Bristol, Manchester und Liverpool. Im Gegensatz zu kommerziellen hatten sie eine feste Truppe und führten ernsthafte, problematische Stücke auf. Auf der Bühne in Birmingham Repertorium Theater es gab Aufführungen nach Werken von D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser und natürlich B. Shaw. 1923 inszenierte Barry Jackson seine Pentalogie Back to Methusalah, in der berühmte Londoner Schauspieler, darunter Edith Evans, zusammen mit Vertretern der Birminghamer Theatertruppe spielten. Shaw nahm auch an den Proben teil.

1925 zeigte die Truppe von Barry Jackson in London "Hamlet" (Regisseur - G. Eilif). Das Londoner Publikum war noch nie so überrascht: Hamlet trug einen Trainingsanzug, Laertes in Oxford-Hose kam mit einem Koffer mit einem bunten Aufkleber auf die Bühne: "Passenger to Paris". Polonius trug einen Frack und Claudius einen Morgenmantel aus scharlachroter Seide. Die Höflinge des Königs spielten Bridge und tranken Whiskey. Das dänische Königreich hat sich mit seinen gut etablierten Traditionen zum modernen England entwickelt. In diese alte heuchlerische Welt trat Hamlet mit seiner Wahrheit ein, die er aus den Schützengräben des Ersten Weltkriegs mitgebracht hatte.

In den 1920er Jahren erschienen Tschechows Stücke im Repertoire der Theater in England. Eine bedeutende Rolle bei der Bekanntmachung des englischen Publikums mit Tschechows Werken spielte der Regisseur Fjodor Komissarzhevsky (1882-1954), der 1925 vom Unternehmer Philip Ridgway ins Barnes Theatre eingeladen wurde. Die erste Aufführung eines russischen Regisseurs auf der Barnes-Bühne war Ivanov ( Hauptrolle es wurde von R. Farkerson aufgeführt). Dann wurde Drei Schwestern (1926) inszeniert, von Komissarzhevsky als romantisch erhabenes und außergewöhnlich poetisches Spektakel interpretiert. Der Regisseur verwendete helle Licht- und Farbeffekte, die für Tschechows Stil ungewöhnlich sind. Im selben Jahr, 1926, sah das Publikum von "Barnes" zwei weitere Dramen von Tschechow - "Onkel Wanja" und "Der Kirschgarten".

In diesen Jahren Tschechows Theaterstücke wurden nur in kleinen Theatern aufgeführt und konnten erst in den 1930er Jahren fast das gesamte englische Publikum sehen. Zur gleichen Zeit erschien eine ganze Galaxie im Land talentierte Schauspieler. Zusammen mit den Stars der 1920er Jahre (Sybil Thorndike, Edith Evans etc.) glänzten Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness auf der englischen Bühne. Man konnte sie hauptsächlich im Old Vic und Gielgud's Entreprise in den New und Queens Theatres spielen sehen.

Das an der Waterloo Road gelegene Old Vic wurde im 19. Jahrhundert eröffnet, wurde aber vor dem Ersten Weltkrieg weithin bekannt. In den Jahren 1918-1923 wurden Shakespeares Stücke auf seiner Bühne aufgeführt, auf der die besten englischen Schauspieler spielten, die die hohen Gagen des West End um der echten Kunst willen ablehnten. Edith Evans wurde in alle Theater des West End eingeladen, aber sie zog ein kleines Gehalt im Old Vic vor. In Shakespeares Stücken spielte sie viele Rollen, darunter Katarina, Viola, Rosalind.

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Das erste Theater in London, das Theatre hieß, wurde 1577 von dem Schauspieler James Burbage in Shoreditch eröffnet. Ein paar Monate später wurde in der Nähe ein zweites Theater namens „The Curtain“ eröffnet. Bald organisierten Burbage und sein Sohn Thomas, der berühmter wurde als sein Vater, das Black Brothers Theatre – zu Ehren des klösterlichen Dominikanerordens, da die Bühne im Refektorium des alten Klosters aufgebaut war. Alle Theater wurden jedoch ständig von den Londoner Behörden angegriffen, die diese Einrichtungen als Teufel der Hölle und Quelle des Unglücks, als Ort des Müßiggangs und der Ausschweifung, als Versammlung bösartiger Menschen verfluchten, die vom Anblick von Jungen in Frauenkleidern begeistert waren - mit anderen Worten, ein Ort für diejenigen, die lieber mit Trompetenschall zu einem Theaterstück eilen, als einer Predigt zum Klang einer Glocke zu lauschen.

In Southwark hatten die Schauspieler mehr Willenskraft als in der Stadt, wo das Leben der Theater durch die von den Behörden aufgestellten Regeln stark eingeschränkt war. Außerdem war Tula per Boot oder Brücke gut zu erreichen. Zum Zeitpunkt der Schließung der Klöster ging ein Teil von Southwark, der zuvor dem Kloster Bermondsey und dem Kloster der Heiligen Jungfrau Maria gehört hatte, in den Besitz des Königs über. 1550 wurde es für etwa tausend Pfund an die Stadt verkauft. Nur zwei Grundstücke blieben unverkauft, die außerhalb der Zuständigkeit der Stadt blieben. Auf dem einen stand ein Gefängnis, das andere hieß ("Pariser Garten"); An diesen beiden Orten entstanden Theater zur Zeit von Queen Elizabeth, frei von den Verboten und der Zensur Londons. Im Rose Theatre, das 1587 erbaut wurde, wurden Marlowes Stücke zum ersten Mal aufgeführt, und Edward Alleyns Talent blühte hier auf der Bühne auf. Dann kamen die Theater "Swan" (1596), "Globe" (1599; ein Zehntel davon gehörte Shakespeare) und 1613 - "Hope".

Die Londoner wurden von lauten Trompeten und wehenden Fahnen in diese und andere Theater gelockt. Das Geld wurde direkt im Theater von den Besuchern gesammelt und in eine spezielle Box gelegt, die dann in einem kleinen Raum - der Kasse (im "Kassenschrank") - verschlossen wurde. Die Zuschauer saßen in Sesseln, die in Reihen um die Bühne angeordnet waren, oder auf Bänken direkt auf der Bühne, und die Aufführung begann mit ihren lauten Ausrufen. Schauspieler spielten ihre Rollen, und das Publikum unterbrach sie mit empörten oder anerkennenden Schreien, Beleidigungen oder Lob. Dies dauerte bis zum Ende des Akts, danach füllte sich die Bühne mit Tänzern, Jongleuren und Akrobaten; Hausierer mit Tabletts und Körben drängten sich durch die Gänge zwischen den Sitzen der Zuschauer und verkauften Pasteten, Früchte, Kräuterheilmittel, Broschüren; Männer waren nett zu Frauen. Theaterarbeiter rauchten oft, die Luft war von Tabakrauch erfüllt, Holzstühle fingen oft Feuer und das Publikum eilte zu den Türen. brannte im selben Jahr nieder, in dem Nadezhda eröffnet wurde; Nur eine Person wurde dabei verletzt - seine Hose fing Feuer, aber er löschte sie schnell, indem er Bier aus einer Flasche goss.

In der Nähe der Theater gab es Gärten mit Bären, Arenen zum Ködern eines angebundenen Stiers mit Hunden, Gründe für Hahnenkämpfe, die ein vielfältiges Publikum anzogen - Reiche und Arme, Adlige und einfache Leute. Nachdem die Zuschauer die Aufführung von Othello oder Edward II. genossen hatten, sahen sie am nächsten Tag zu, wie der Bär von Hunden im Pariser Garten geködert wurde, die Kampfhähne, die, nachdem sie ihre Sporen losgelassen hatten, den Sand der Arena mit Blut und Federn bedeckten, die Hunde, die weit weg von Schlägen tollwütiger Stiere flogen (Hunde wurden in Korbfallen gefangen, damit sie nicht verkrüppelt wurden, wenn sie fielen und weiterkämpfen konnten), auf Menschen, die mit Schwertern hackten und sich unter lauter Zustimmung Ohren und Finger abhackten der Menge.

Theater im West End

Das Gesicht der Straßen des West End hat sich dramatisch verändert. Viele Gebäude des XVIII Jahrhunderts. wurden sowohl außen als auch innen nach dem Zeitgeschmack rekonstruiert. So zeigte Mrs. Arthur James in der Grafton Street (heute Salon von Helena Rubinstein) ihren Reichtum mit einer beeindruckenden Renovierung eines Hauses, das in den 1750er Jahren entworfen wurde. Herr Robert Taylor.

Viele Gebäude in Georgian, Regency und Viktorianische Stile, brachte neue Theater hervor, wie das Duke of York's Theatre, Neues Theater, The Rock, Palladium, Gaiety, Her Highness Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe“, „Queens“ und „Coliseum“. Sie alle wurden während der letzten zehn Jahre der Herrschaft von Königin Victoria und neun Jahren der Herrschaft von Edward selbst gebaut.

Hunderte von alten Gebäuden wurden abgerissen, um Platz für Geschäfte, große Einkaufspassagen mit prächtigen Glasfenstern und mit Messing eingelegten Mahagonitüren zu machen. 1901 begannen die Terrakottawände des Harrods General Store in der Brompton Road zu steigen. Es folgte schnell der Bau neuer Straßenläden in übertrieben barockem Stil, wie Wearing and Gillows (1906), kolossal an Größe, insbesondere das stattliche Gebäude, das der Kaufmann Harry Selfridge aus Wisconsin 1909 zu bauen begann.

Als Selfridges Laden fertiggestellt war, hatte sich die Regent Street komplett verändert; Der Aldwych Loop durchquerte das Straßenlabyrinth nördlich des Strands gegenüber dem Somerset House, wurde von monumentalen Gebäuden gesäumt, und die Kingsway Street erstreckte sich nach Norden bis nach Holborn.

Die dramatische Kunst in Großbritannien ist vor langer Zeit erschienen. Es stammt von Straßenaufführungen, die an kirchlichen Feiertagen stattfanden und einer Art Moralisierung dienten. In der Renaissance erhalten alle Bereiche der Kunst einen profaneren Charakter und entfernen sich von religiösen Themen. Zu dieser Zeit entstand das damals revolutionäre Theater, in dem W. Shakespeare, der heute der ganzen Welt bekannt ist, Stücke aufführte.

Die moderne Entwicklung des Theaters strebt in allen seinen Sphären nach größtmöglichem Realismus und überdenkt sogar klassische Plots. Jetzt überraschen die Theater Englands nicht nur mit interessanten Aufführungen, sondern auch mit origineller Architektur sowie ungewöhnlichen Entscheidungen des Regisseurs.

Wenn Sie eine Reise nach London planen, sollten Sie unbedingt das Piccadilly Theatre besuchen. Es besteht seit mehr als acht Jahrzehnten und erfreut Kenner der Theaterkunst nicht nur mit modernen, sondern auch mit traditionellen klassischen Inszenierungen.

Eines der ältesten Theater Londons ist das Aldwych Theatre, das seit über einem Jahrhundert die ganze Stadt um sich versammelt. So bedeutende Schauspieler wie Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone und andere traten einst auf seiner Bühne auf.

Fans von hell Musikalische Darbietungen Sehenswert ist das New London Theatre. Es waren die Musicals, die das eher junge Theater in den 70-80er Jahren des letzten Jahrhunderts zu echtem Ruhm bei jungen Leuten brachten. Bis jetzt erfreut er das Publikum mit Auftritten auf Weltniveau, mit lebendigen Bühnenauftritten und guter Musik.

Ein weiteres Theater in London, das für Aufführungen im Stil von Musicals und Komödien bekannt ist, ist das Shaftesbury Theatre. Vor nicht allzu langer Zeit feierte er sein hundertjähriges Bestehen - die Arbeit des Theaters hörte auch während des Zweiten Weltkriegs nicht auf. Das Gebäude dieses Theaters verdient wegen seines ungewöhnlichen alten Designs besondere Aufmerksamkeit.

Unter moderne Theater In London sticht das Pinkock Theatre hervor. Durch seine innovative Herangehensweise an die klassische Dramaturgie hält es dem Wettbewerb mit alten Theatern stand. Die Szene verwendet oft Elemente der Moderne Straßentanz und sogar akrobatische Nummern, um die Wirkung des Spiels zu verstärken.

Das Gebäude der Grand Opera in Belfast beeindruckt mit seiner Schönheit. Bereits im 19. Jahrhundert erbaut, ist es nicht nur ein architektonisches Wahrzeichen im orientalischen Stil, sondern begeistert auch Theaterfans mit seinem klassischen Repertoire und einer hervorragenden Akustik.

Das wichtigste Zentrum der dramatischen Kunst in Großbritannien heißt Königliches Theater Drury Lane. Es befindet sich in London und spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Theaters im Land. Während seiner Existenz gelang es vielen bedeutenden Schauspielern, seine Bühne zu besuchen.

Ein weiteres architektonisches Denkmal Großbritanniens ist das Her Majesty's Theatre. Das Theater wurde Anfang des 18. Jahrhunderts gegründet und zog Ende des 19. Jahrhunderts in einen großen Neubau um, wo es sich noch heute befindet. Es ist von großem historischen und kulturellen Wert, und das klassische Repertoire wird alle Liebhaber dieser Kunstform ansprechen. Dieses Theater befindet sich in London, im Westen von Westminster.

Städtisches Bildungsministerium der Verwaltung von Polysaevo

Informations- und Methodenzentrum

Gemeinde Bildungseinrichtung

"Sekundarschule Nr. 35"

Geschichte des britischen Theaters

Forschungsprojekt

Polysaevo 2007

Städtisches Bildungsministerium der Verwaltung von Polysaevo

Informations- und Methodenzentrum

Städtische Bildungseinrichtung

"Sekundarschule Nr. 35"

Geschichte des britischen Theaters

Daria Putintseva,

Vorgeschlagen Forschung enthält eine Beschreibung der Geschichte des Theaters in Großbritannien. Das Forschungsprojekt charakterisiert das englische Theater vom Mittelalter bis zur Gegenwart, seine Richtungen und Tendenzen. Die Arbeit zeichnet die Entstehung und Entwicklung der wichtigsten Theatertrends, die Originalität des Theaterkampfes in verschiedenen Stadien der historischen Entwicklung nach. Besonderes Augenmerk wird auf die Frage nach den nationalen Besonderheiten des englischen Theaters gelegt.

Geschichte des Theaters in Großbritannien: Forschung / . - Polysaevo: Informations- und Methodenzentrum, 2007.

Erläuterungen

Ziel der Arbeit: Kennenlernen einer fremden Kultur.

Arbeitsaufgaben: Erweiterung des kulturellen Wissens über Großbritannien.

Englisches Theater ist ein integraler Bestandteil der Weltkultur. Die besten Traditionen der nationalen englischen Kunst haben den weltweiten Theaterprozess bereichert. Die Arbeit englischer Schauspieler, Regisseure und Dramatiker fand weit über die Grenzen Englands hinaus Liebe und Anerkennung.

Die Arbeit von Schauspielern, Regisseuren und Dramatikern Großbritanniens genießt in Russland seit langem Anerkennung und Liebe.

Die Geschichte des Theaters ist seit langem mit der Geschichte der Menschheit verbunden. Von dieser ersten Seite der Geschichte an erinnert sich die Menschheit, wenn sie sich selbst erinnert, auch an das Theater, das zu ihrem ewigen Begleiter geworden ist.

Liebst du das Theater genauso wie ich? - fragte unser großer Landsmann Vissarion Belinsky seine Zeitgenossen, zutiefst davon überzeugt, dass ein Mensch das Theater lieben muss.

Du liebst Theater? Mit der gleichen Frage hätten sich vor mehr als 20 Jahrhunderten die großen Väter des antiken Theaters Äschylus und Sophokles, Euripides und Aristophanes an ihre Zuschauer wenden können, die die Steinbänke der riesigen Amphitheater unter freiem Himmel von Hellas füllten.

Ihnen folgen bereits in anderen Jahrhunderten andere historische Epochen, die sich mit ähnlicher Anziehungskraft an ihre Zeitgenossen, Shakespeare und Ben Jonson in England wenden könnten. Und alle fragen die Menschen ihrer Zeit: "Magst du das Theater?" - mit einer bejahenden Antwort rechnen dürfen.

Englisches Theater, Literatur und Musik sind ein integraler Bestandteil der Weltkultur. Die besten Traditionen der englischen Kultur haben den weltweiten kulturellen Prozess bereichert, Liebe und Anerkennung weit über die Grenzen Englands hinaus gewonnen.

Die Arbeit englischer Dramatiker genießt in Russland seit langem Anerkennung und Liebe. Die größten Schauspieler des russischen Theaters spielten in Shakespeares Tragödien.

In der englischen Kulturgeschichte werden folgende Hauptperioden unterschieden: das Mittelalter, die Renaissance, das 17. Jahrhundert, das 18. Jahrhundert (Aufklärung), das 19. Jahrhundert (Romantik, kritischer Realismus), die Zeit des späten 19. Jahrhunderts - Anfang des 20. Jahrhunderts (1871 - 1917) und des 20. Jahrhunderts, in dem zwei Perioden unterschieden werden: 1917 - 1945. und 1945 - heute.

Frühes Mittelalter ( v – XI Jahrhunderte)

Im 6. Jahrhundert v. Chr. wurden die Britischen Inseln von den Kelten besetzt. Im 1. Jahrhundert n. Chr. wurde Britannien von den Römern erobert. Die Herrschaft des Römischen Reiches dauerte bis zum 5. Jahrhundert, als die Angelsachsen und Juten in das Gebiet Großbritanniens eindrangen. Die angelsächsischen Stämme brachten ihre Sprache, Kultur und Lebensweise auf die Britischen Inseln.

Die Geschichte des mittelalterlichen Theaters ist die Geschichte des Kampfes idealistisch-religiöser Lebensanschauungen mit der realistischen Weltanschauung der Menschen.

Über viele Jahrhunderte im Leben der Menschen im feudalen Europa wurden die Traditionen heidnischer ritueller Festlichkeiten bewahrt, die Elemente der Theatralisierung enthielten: der Zusammenprall von Winter und Sommer, die Maispiele, bei denen Sketche unter Beteiligung des Königs und aufgeführt wurden Maikönigin usw. usw. Truppen durchstreiften Europa Volksvergnügungen - Histrions. Sie konnten alles: singen, tanzen, jonglieren, schauspielern. Sie spielten komische Szenen und amüsierten oft nicht nur das Publikum, sondern machten sich auch über diejenigen lustig, die einfache Menschen unterdrückten und unterdrückten. Deshalb verbot die Kirche rituelle Spiele, verfolgte Histrion, war aber machtlos, die Liebe der Menschen zu Theateraufführungen zu zerstören.

Um den Gottesdienst – die Liturgie – effektiver zu gestalten, beginnen die Geistlichen selbst, sich theatralischer Formen zu bedienen. Das erste Genre des mittelalterlichen Theaters erscheint - das liturgische Drama (IX-XIII Jahrhundert). Während der Liturgie spielten die Priester Geschichten aus der Heiligen Schrift nach. Im Laufe der Zeit werden Aufführungen liturgischer Dramen aus der Kirche auf die Veranda und den Kirchhof gebracht.

XI – XV Jahrhundert

Im 11. Jahrhundert wurden die Britischen Inseln von den Normannen erobert. Dies trug zum französischen Einfluss auf das kulturelle Leben des Landes bei.

In den XIII-XIV Jahrhunderten. erscheint und neues Genre mittelalterliche Theateraufführung – mirakl ("Wunder"). Die Handlungen der Wunder sind den Legenden über die Heiligen und die Jungfrau Maria entlehnt.

Höhepunkt des mittelalterlichen Theaters – Geheimnis . Es entwickelt sich im XIV-XV Jahrhundert während der Blütezeit der mittelalterlichen Städte. Auf den Plätzen der Stadt werden Rätsel gespielt. Die Darstellung des Mysteriums war massiv - und je nach Teilnehmerzahl war die Allegorie" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorisch. Moralische Charaktere verkörperten meist verschiedene menschliche Eigenschaften, seine Laster und Tugenden .

Der Held der Moral ist eine Person im Allgemeinen. „Every man“ – so hieß die englische Moral Ende des 15. Jahrhunderts. In diesem Stück erschien jedem Menschen der Tod und rief ihn auf eine „lange Reise“ und erlaubte ihm, jeden Gefährten mitzunehmen. Eine Person wandte sich an Freundschaft, Verwandtschaft, Reichtum, wurde aber überall abgelehnt. Stärke, Schönheit, Vernunft, fünf Sinne erklärten sich bereit, eine Person zu begleiten, aber am Rand des Grabes verließen sie ihn alle. Nur gute Taten sprangen mit ihm ins Grab. Moralite gab biblische Themen auf, behielt aber die religiöse Erbauung bei.

Farce - das erste Genre des mittelalterlichen Theaters, das mit der religiösen Moral brach. Die Farce, ein fröhliches und satirisches Genre, machte sich über die sozialen, politischen und moralischen Konzepte der feudalen Gesellschaft lustig. Törichte Ritter, habgierige Kaufleute, wollüstige Mönche spielen in der Farce mit. Aber der wahre Held dieses Genres, von allen nicht sehr anständigen, aber immer lustigen, lächerlichen Handlungen, ist ein fröhlicher Schelm aus dem einfachen Volk. Bei einer Farce hat derjenige Recht, der alle überlistet hat.

Die Erfahrung von Farce-Aufführungen wurde vom Theater der nachfolgenden Epochen weit verbreitet. Shakespeares Komödien übernahmen nicht nur die albernen Methoden der Farce, sondern auch den Geist des populären freien Denkens, der sie erfüllte.

Renaissance

Im XV- XVI Jahrhundert v europäische Länder es gibt eine "fortschreitende größte Umwälzung aller bis dahin erlebten Menschheit", - der Übergang vom feudalen Mittelalter in die neue Zeit, gekennzeichnet durch Anfangszeit Entwicklung des Kapitalismus. Diese Übergangszeit wurde Renaissance oder Renaissance genannt.

Es war die Ära der Entstehung einer neuen Kultur, die mit religiösen Dogmen brach, die Ära der rasanten Entwicklung von Kunst und Literatur, die die Ideale der Antike wiederbelebte. Tolle Möglichkeiten für aktive Kreative Aktivitäten. In dieser Zeit findet die Bildung der nationalen Kultur statt.

Das 16. Jahrhundert war in England die Blütezeit des Dramas. Das englische Theater reagierte auf öffentliche Interessen und war in einer Atmosphäre des nationalen Aufschwungs ungewöhnlich beliebt. Ende des 16. Jahrhunderts gab es in London etwa zwanzig Theater; unter ihnen waren das James Burbage Theatre und das Philip Hensloe Theatre besonders berühmt. Die Entwicklung der Theaterkultur verlief nicht ohne Schwierigkeiten, das Haupthindernis waren die Aktionen der Puritaner, die das Theater als "dämonische" Angelegenheit betrachteten.

Zu den Dramatikern dieser Zeit gehörten Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe und andere.

Die Stücke von Beaumont (1584-1616) und Fletcher (1579-1625) kennzeichnen eine andere Ära in der Geschichte des englischen Theaters. Sie versuchten, das Theater zu aristokratieren, eine gewisse Raffinesse und Anstand in die Bühnenaufführungen einzuführen. Edle, monarchistische Ideen werden im Theater von Beaumont und Fletcher zum Thema besonderer Aufmerksamkeit. Von der Bühne sind ständig Rufe nach selbstlosem Dienst am König zu hören.

William Shakespeare

Das Theater der englischen Renaissance verdankt seine Blütezeit vor allem William Shakespeare. Die Dramaturgie Shakespeares ist das Ergebnis der gesamten bisherigen Entwicklung des Dramas, der Spitze des Theaters.

"Die Tragödie wurde auf dem Platz geboren" - schrieb er und bezog sich auf die fernen Ursprünge von Shakespeares Werk - das Volkstheater mittelalterlicher Mysterien. Die Traditionen des Theaters der Plätze - eine breite Berichterstattung über Ereignisse, der Wechsel von komödiantischen und tragischen Episoden, die Dynamik der Handlung - wurden von Shakespeares Vorgängern - den Dramatikern R. Green, K. Marlo und anderen - bewahrt. Sie brachten freiheitsliebende Ideen auf die Bühne, zeigten neue Helden mit starkem Willen und ganzem Charakter.

In der ersten, „optimistischen“ Periode seines Schaffens schrieb Shakespeare Komödien voller fröhlicher Stimmungen. Doch als sich vor dem durchdringenden Blick des Dichters das „Meer der Katastrophen“ auftat, als der unaufhaltsame Lauf der Geschichte die Widersprüche von Feudalismus und aufkommendem Kapitalismus immer schärfer offenlegte, wurde der ideale Held in seinen Werken durch einen machthungrigen, egoistischer und eigennütziger Mensch und manchmal sogar ein Krimineller.

Zum ersten Mal wurde diese Wendung in der Tragödie "Hamlet" offenbart. Aber die Helden von Shakespeare beugten sich nicht vor der Welt des Bösen. Die Helden von Shakespeares Tragödien, die in den Kampf eintraten und Opfer ihrer allmächtigen Gegner wurden, bekräftigten sogar durch ihren Tod den Glauben an den Menschen und sein strahlendes Schicksal. Darin liegt die Unsterblichkeit von Shakespeares Tragödien und ihr moderner Klang.

Shakespeares Globe Theatre befand sich neben anderen Theatern am Südufer der Themse außerhalb von London, da die Behörden dort Schauspiele verboten hatten

William Shakespeare

Globus-Theater". Aussehen.

die Stadt selbst. Das Gebäude wurde von einem kleinen Turm gekrönt, an dem während der Aufführung eine Fahne flatterte.

Die Aktion fand unter freiem Himmel statt - eine Menschenmenge stand vor der Bühne, wohlhabende Bürger ließen sich auf den Galerien nieder, die in drei Rängen die runden Wände des Theaters umgaben. Die Bühne war in 3 Teile geteilt: die Vorderseite - das Proszenium, die Rückseite, die durch zwei Seitensäulen getrennt und mit einem Strohdach bedeckt war, und die Spitze - in Form eines Balkons. Die Bühne war mit Teppichen und Matten dekoriert, und von oben hing eine Tafel: schwarz - in Tragödien und blau - in Komödien. Der Schauplatz der Aktion wurde durch ein Detail angezeigt (der Baum zeigte an, dass die Aktion im Wald stattfand, und der Thron - der im Palast).

Die Zusammensetzung der Truppe war klein - nur 8-12 Personen. Manchmal musste jeder Schauspieler bis zu drei oder mehr Rollen in einem Stück spielen. Die Heldinnen wurden von hübschen, zerbrechlichen jungen Männern gespielt. Die wichtigsten tragischen Schauspieler waren Edward Alleyn, der mit besonderem Erfolg in den Stücken von K. Marlowe spielte, und Richard Burbage – der beste Darsteller der Rollen von Hamlet, Lear, Othello und Macbeth. Richard Tarlton und William Kemp spielten in komödiantischen Rollen mit.

XVII Jahrhundert

Wenn während der Renaissance in England Dramaturgie und Theater ihre Blütezeit hatten, waren die Theaterbräuche damals in London recht frei, herrschte sowohl auf der Bühne als auch im Zuschauerraum völlige Leichtigkeit, und Schauspieler und Zuschauer waren vor Äußerungen nicht zurückgeschreckt, dann in der Im 17. Jahrhundert wurden sie von den Puritanern verfolgt.

In der Renaissance konnte man einen Zauberer mit einem Hund auf der Bühne sehen, der „und den König von England, den Prinzen von Wales, und wenn er auf seinem Rücken sitzt, dann den Papst und den König von Spanien“ darstellte. Eine Frau in einer Komödie könnte anhand der Bühne erkennen, dass Sie anhand des Urins raten können, oder ein Herr - schreiben Sie auf, wo er gepinkelt hat. „Unsere Bühne hat manchmal den gleichen Dreck und Gestank wie Smithfield (ein Vorort von London, wo Jahrmärkte abgehalten und manchmal Ketzer verbrannt wurden), sagt Ben Jonson. „Dort heißt alles beim richtigen Namen“, schrieb Voltaire schon im 18. Jahrhundert über die englische Bühne.

Theatermoral lässt sich aus dem anonymen „Protest oder Klage der Schauspieler gegen die Unterdrückung ihres Berufs und ihre Vertreibung aus mehreren Theatern“ (1643) ableiten. „Wir versprechen für die Zukunft, niemals promiskuitive Frauen in unsere Sixpenny-Lodges zu lassen, die nur dorthin kommen, um von Lehrlingen und Anwaltsangestellten mitgenommen zu werden, und keine anderen Frauen dieser Art, außer denen, die mit ihren Ehemännern kommen oder nahe Verwandte. Auch die Einstellung zum Tabak wird sich ändern: er wird nicht verkauft ... was Schimpfwörter und ähnliche Gemeinheiten betrifft, die anständige Menschen empören und schlechte Menschen in Ausschweifungen treiben können, wir werden sie zusammen mit unmoralischen und unhöflichen Autoren - Dichtern - vollständig ausschließen .

Das Spielen und Aufführen von Theaterstücken wurde als sündige Tätigkeit erklärt; Der Besuch des Theaters wurde entschieden verurteilt und als schädliche und schädliche Handlung angesehen. Mit der Machtübernahme der Puritaner wurden Theateraufführungen in England verboten. Am 2. September 1642 schloss das englische Parlament die Theater und verbot alle Aufführungen mit dem Argument, dass die Spektakel „oft ungezügelte Fröhlichkeit und Frivolität ausdrücken“, während man seine Gedanken auf „Reue, Versöhnung und Hinwendung zu Gott“ richten sollte. Fünf Jahre später bestätigte das Parlament diese Entschließung, jetzt in härteren Worten und ordnete an, ungehorsame Personen (Schauspieler) als Kriminelle ins Gefängnis zu bringen. Die Kultur erlebte eine akute Krise. Die Kirche hat lange und entschieden gegen Theaterspektakel gekämpft. "Die Theater sind voll, aber die Kirchen sind leer", klagen puritanische Priester. Im Theater "regieren freie Gesten, lockere Reden, Gelächter und Spott, Küsse, Umarmungen und unbescheidene Blicke", empört sich die Geistlichkeit. „Dort wird gegen das Wort Gottes verstoßen und die in unserem Staat etablierte Gottesreligion profaniert“, sagt der Oberbürgermeister.

Das Theater des 17. Jahrhunderts wurde der puritanischen Bourgeoisie Englands als ein Theater der Zügellosigkeit und Ausschweifung präsentiert, ein Theater, das den Geschmack der Aristokraten bedient und das einfache Volk korrumpiert.

Es gab auch Verteidiger. Der Dramatiker Thomas Nash schrieb 1592, dass die Handlung der Stücke den englischen Chroniken entlehnt, die großen Taten der Vorfahren aus dem „Grab des Vergessens“ geholt und damit die Verurteilung der „entarteten und verwöhnten Moderne“ ausgesprochen werde, dass in den Stücken "die mit äußerer Heiligkeit vergoldete Lüge seziert wird".

Die Merkmale der Kultur wurden durch die Ereignisse der bürgerlichen Revolution bestimmt. Die Klassengegensätze zwischen der Bourgeoisie und den Großgrundbesitzern verschärften sich, die Regierung der bürgerlichen Republik wurde von Oliver Cromwell geführt, dann wurde die Stuart-Monarchie wiederhergestellt.

Die Stuarts, die an die Macht zurückkehrten, eröffneten 1660 wieder Theater, und die brillante, aber unmoralische Komödie der Restaurationszeit bestätigte sozusagen die negative Bewertung, die Cromwells Mitarbeiter dem Theater entgegenbrachten.

Nach dem Staatsstreich kam Wilhelm III. von Oranien an die Macht. Die Volksbewegung wuchs.

Wilhelm III. hat die Theater nicht geschlossen, aber mit Erlass vom 01.01.01 hat er die Schauspieler streng gewarnt, „wenn sie weiterhin Stücke spielen, die gegen Religion und Anstand verstoßende Äußerungen enthalten und Gotteslästerung und Unsittlichkeit auf der Bühne zulassen, dann dafür müssen sie mit dem Kopf antworten.

Im selben Jahr, 1698, wurde eine Abhandlung von einem gewissen puritanischen Theologen namens Jeremy Collier unter dem sehr farbenfrohen Titel „ Kurze Review Unmoral und Gottlosigkeit der englischen Bühne. Der Theologe verurteilte die bestehende Theaterpraxis auf das Schärfste. Er schrieb, dass es auf der Bühne Wut und Wut gegeben habe. „Blut und Barbarei werden fast vergöttert“, dass „der Ehrbegriff pervertiert, christliche Prinzipien gedemütigt werden“, dass „Teufel und Helden aus demselben Metall sind“, und forderte eine radikale Umstrukturierung der Theater, machte sie zu einem eine Art Schule der Tugend, des guten Benehmens und des Anstands: „Der Zweck des Theaterstücks ist es, die Tugend zu fördern und das Laster aufzudecken, die Zerbrechlichkeit menschlicher Größe, die plötzlichen Wechselfälle des Schicksals und die schädlichen Folgen von Gewalt und Ungerechtigkeit zu zeigen.

Die englische Bourgeoisie wollte nicht mehr wie früher die Schließung der Theater, sondern ihre Anpassung an die Bedürfnisse der Klasse. Obwohl die "glorreiche Revolution" von 1688 ein Bündnis zwischen der Bourgeoisie und dem neuen Adel hervorbrachte, blieben die Feindseligkeiten bestehen. Die Positionen der Gutsbesitzer waren immer noch stark, obwohl sich die Aristokraten den Verhältnissen unterwarfen, waren sie keineswegs vollständig versöhnt. Angriffe auf den Adel waren auch bei Theateraufführungen zu hören.

1713 versuchte Joseph Addison (1672-1719), die klassische Tragödie auf der englischen Bühne zu etablieren.

Zu dieser Zeit erschien ein neues Genre - Drama, aber Comedy wollte seine Positionen nicht aufgeben. Die Zuschauer, die bei den Aufführungen von The London Merchant reichlich Tränen vergossen und beim düsteren Finale des Stücks mit Entsetzen erfüllt waren, wollten von Zeit zu Zeit lachen. Diese Gelegenheit wurde ihnen von Fielding und später von Oliver Goldsmith und Richard Brinsley Sheridan gegeben.

Goldsmith wollte die „schwule Komödie“ von Shakespeare und Ben Jonson wiederbeleben. In seiner Abhandlung An Essay on the Theatre, or a Comparison of Jolly and sentimentale Komödie“ (1733), sprach er direkt darüber und schrieb mehrere Lustspiele ohne zu moralisieren, ohne viel Tendenz, sich lustig über die Unerfahrenheit leicht zu täuschender Jugendlicher lustig zu machen. Die Stücke sind voller lustiger Fehler, die Charaktere sind ganz natürlich dargestellt.

Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) hinterließ jedoch die größten Spuren in der Geschichte des englischen Dramas dieser Zeit. Er schrieb für kurze Zeit. Alle seine besten Stücke entstanden innerhalb von fünf Jahren. Der Brand seines Theaters in der Drury Lane versetzte dem Schriftsteller den letzten Schlag.

Der Klassizismus in seiner klassischen Form konnte in England keinen festen Boden finden. Dafür gab es zwei Gründe: die politische Lage des Landes und die Autorität von Shakespeares Theater.

Was Shakespeare betrifft, so stellte er die Errungenschaften des antiken Dramas so in den Schatten, dass es nach ihm einfach undenkbar war, sich ganz auf das Beispiel antiker griechischer Autoren zu verlassen. Englische Dramatiker, die für das Theater arbeiteten, konnten Aischylos, Sophokles und Euripides nicht so bedingungslos folgen wie ihre französischen Kollegen. Vor ihnen war das Beispiel von Shakespeare, der nach einem völlig anderen System arbeitete und beispiellose Ergebnisse erzielte.

1644 wurde Shakespeares Globe Theatre abgerissen, nach einem Brand 1613 wieder aufgebaut, 1649 - die Theater Fortune und Phoenix, 1655 - Blackfriars. Im ganzen Land verstreute Schauspieler gingen in die Soldaten, verschwanden spurlos, so ein anonymer Autor aus dem 17. Jahrhundert (Historia histrionica).

1643 verfassten die Schauspieler ein berührendes anonymes Dokument: eine Klage über die Unterdrückung ihres Berufes. "Wir wenden uns an Sie, großer Phoebus, und an Sie, neun Schwestern - Musen, Gönnerinnen des Geistes und Beschützer von uns, arme gedemütigte Schauspieler", schrieben sie. „Wenn wir mit Hilfe Ihres allmächtigen Eingreifens wieder in unseren ehemaligen Theatern installiert werden und zu unserem Beruf zurückkehren könnten ...“ Die Schauspieler schrieben, dass die Komödien und Tragödien, die sie aufführten, „eine lebendige Reproduktion der Handlungen von Menschen“ seien , „dass das Laster in ihnen bestraft und die Tugend belohnt wurde, dass „die englische Sprache am richtigsten und natürlichsten ausgedrückt wurde“. Phoebus und neun Schwestern - Musen, Förderer der Künste - antworteten nicht. Das Theater hat irreparable Schäden erlitten.

John Milton, der größte englische Dichter des 17. Jahrhunderts, teilte die ablehnende Haltung der Puritaner gegenüber Theateraufführungen nicht. Milton war besonders entschieden gegen die Dramatiker und das Theater der Restaurationszeit, das einen betont unterhaltsamen Charakter hatte. Milton betrachtete die Tragödie als die Hauptsache in der dramatischen Kunst, klassische Proben antike griechische Kunst. Er ahmte sie nach, führte einen Chor ein, der das Geschehen kommentierte, und stellte die Einheit der Zeit fest: Die Dauer der Ereignisse in der Tragödie überschreitet 24 Stunden nicht. Die Einheit von Ort und Handlung wird strikt gewahrt.

Restaurierungszeit

Die Restaurationszeit begann in England kurz nach Cromwells Tod.

Die von den Puritanern verhängten Verbote für Theateraufführungen und verschiedene Arten von Unterhaltung wurden aufgehoben. Die Theater wurden wiedereröffnet, aber sie unterschieden sich stark vom englischen Theater des 16. - frühen 17. Jahrhunderts und in ihrer externe Gestaltung, und die Natur der Spiele. Auf der Bühne wurden reiche Kulissen und prächtige Kostüme verwendet.

Besonders erfolgreich waren die Komödien von William Wycherley (1640-1716) und William Congreve (1670-1729).

Englische Theater "Drury Lane" und "Covent Garden"

Lassen Sie uns jetzt die Theater von London besuchen. 1663 wurde das Drury Lane Theatre in London gebaut, das das Recht auf ein Monopol bei der Auswahl des Repertoires erhielt. 1732 erschien ein weiteres großes Theater - Covent Garden. In den Londoner Theatern herrschte wenig Ordnung. Das Publikum, das in den Zuschauerraum stürmte, eilte geradeaus an den Sitzbänken des Parketts entlang, um Sitzplätze näher an der Bühne zu ergattern. Von Zeit zu Zeit gab es eigenartige "Theaterunruhen" - das Publikum, unzufrieden mit der Aufführung, der Preiserhöhung, jedem Darsteller, übertönte die Stimmen der Schauspieler, bewarf sie mit Früchten und platzte manchmal auf die Bühne.

In diesem aufrührerischen London des 18. Jahrhunderts versuchten die Schauspieler, sich anständig zu verhalten und mit gemessenen Stimmen zu sprechen. Der englische Klassizismus war jedoch nicht vollständig, integral - er wurde ständig durch die realistische Tradition von Shakespeare "korrigiert".

Schauspieler Thomas Betterton (1635 - 1710) spielte die Rolle des Hamlet, wie Burbage sie einst spielte, nachdem er Anweisungen von Shakespeare selbst erhalten hatte. Schauspieler James Quinn (1693 - 1766), der den Briten zu klassizistisch erschien, spielte die Rolle des Falstaff durchaus realistisch. 1741 spielte Charles Maclean (1697-1797) realistisch Shylock in Shakespeares Der Kaufmann von Venedig. Im selben Jahr spielte David Garrick (1717 - 1779), der zum bedeutendsten realistischen Schauspieler des 18. Jahrhunderts wurde, die Rolle des Richard III. Garrick spielte komische und tragische Rollen gleichermaßen gut. Als Mimik kannte Garrick seinesgleichen. Sein Gesicht konnte konsequent alle Schattierungen und Übergänge von Gefühlen darstellen. Er wusste, wie man lustig, erbärmlich, majestätisch und beängstigend war. Garrick war ein sehr intelligenter Schauspieler mit einer reich entwickelten und präzisen Technik und gleichzeitig ein Gefühlsschauspieler. Einmal, als er König Lear in Shakespeares Tragödie spielte, wurde Garrick so hingerissen, dass er seine Perücke abriss und sie beiseite warf.

Garrick leitete viele Jahre das Drury Lane Theatre, wo er eine bemerkenswerte Truppe zusammenstellte und 25 Shakespeare-Stücke inszenierte. Niemand vor ihm hat so gewissenhaft und hartnäckig an der Inszenierung von Shakespeares Stücken gearbeitet. Nach Garrick lernten sie Shakespeare viel mehr schätzen als zuvor. Der Ruhm dieses Schauspielers donnerte in ganz Europa.

Kreativität Garrick fasste die Entwicklung des Theaters des 18. Jahrhunderts zusammen - vom Klassizismus zum Realismus.

18. Jahrhundert

Zeitalter der Erleuchtung

Im 18. Jahrhundert begann eine Übergangszeit, die in der französischen bürgerlichen Revolution gipfelte. Die Befreiungsbewegung entwickelte sich, es wurde notwendig, den Feudalismus zu zerstören und durch den Kapitalismus zu ersetzen.

Englische Literatur

Die turbulente Ära brachte die Blüte der demokratischen Kultur zum Leben, einschließlich theatralische Kreativität.

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20. Jahrhundert

1945 - heute

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde im Zusammenhang mit der Bildung des sozialistischen Weltsystems und dem Anwachsen des nationalen Befreiungskrieges der Völker der Zusammenbruch des britischen Empire unvermeidlich und natürlich. Theater stehen für turbulente Wendepunkte und gesellschaftliche Umbrüche.

In den ersten Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg war John Boynton Priestley der beliebteste Schriftsteller Englands. Er schrieb über vierzig Theaterstücke. Die bedeutendsten von ihnen sind "Dangerous Corner" (Dangerous Corner, 1932), "Time and the Conway Family" ("Time und das Conways, 1937).

In Priestleys Stücken ist der Einfluss von Tschechows Dramaturgie spürbar. Priestley ist bestrebt, das Drama des Alltags zu vermitteln, das Leben mit all seinen Halbtönen zu zeigen, die Charaktere nicht nur der Hauptfiguren, sondern auch der Nebenfiguren zu enthüllen.

Die Stücke von John Osborne (1929) spielten eine wichtige Rolle in der englischen Kultur. Die Stücke von John Osborne stimulierten einen Aufschwung in der Entwicklung des englischen Dramas in den 60er Jahren.

1956 wurde John Osbornes Stück Look Back in Anger im Royal Court Theatre aufgeführt, das ein durchschlagender Erfolg war. Der Dramatiker hat die Stimmung der damaligen englischen Jugend sehr treffend wiedergegeben. Jimmy Porter betrat die Szene - der junge "wütende" Held, wie ihn die Kritiker nannten. Dieser junge Mann von ganz unten, der sich in einen Feind eingeschlichen hat soziales Umfeld, sich schlecht vorstellen, was eine würdige Existenz ist. Er erhob die Waffen, ersparte keine Kraft, gegen das Bestehende Moralvorstellungen, die traditionelle Art des öffentlichen Lebens, teilweise dagegen soziale Gesetze. Dieselben Merkmale unterscheiden einige der Charaktere, sowohl moderne als auch historische, in den Stücken von John Arden, Sheila Delaney und anderen.

Die Fähigkeiten fortschrittlicher Schauspieler und Regisseure in einigen Ländern werden an klassischem dramatischem Material perfektioniert, an den besten Beispielen realistischer Literatur. Sie verwenden die Klassiker, um akute zeitgenössische Probleme aufzuwerfen. Der englische Schauspieler Laurence Olivier in Gestalt von Othello vermittelte einen wütenden Protest gegen die aufkommende bürgerliche Zivilisation. Hamlet diente Paul Scofield dazu, die traurigen, schwierigen Gedanken der jungen Nachkriegsgeneration europäischer Intellektueller auszudrücken, die sich für die Verbrechen verantwortlich fühlten, die in der Welt begangen wurden.

Die Inszenierungen von Shakespeares Stücken durch den englischen Regisseur Peter Brook erfreuen sich beim Publikum eines wohlverdienten Publikumserfolgs.

Die Theaterkunst der letzten Zeit ist geprägt von vielen kleinen professionellen, semiprofessionellen und nichtprofessionellen Truppen, die von einem Ort zum anderen wandern; Revitalisierung von Studententheatern; der wachsende Protest von Schauspielern und Regisseuren gegen den Kunsthandel. Jugendliche nutzen die Bühne oft für scharfe politische Diskussionen. Das Theater geht auf die Straße, wo semi-improvisierte Aufführungen gespielt werden.

Nahezu jedes Phänomen der theatralischen Kreativität in England ist von grausamen inneren Widersprüchen durchdrungen, die mit einem Aufeinanderprallen gegensätzlicher ideologischer und ästhetischer Tendenzen behaftet sind.

John Osborne ist ein Befürworter des Theaters, das die soziale Ordnung in der kapitalistischen Welt kritisiert, das die überzeugendste Waffe der Zeit ist.

Die Stücke von John Osborne bestimmten die Entwicklung des englischen Dramas in den 1960er Jahren.

Die Originalität der Dramaturgie von Sean O'Casey, einem herausragenden anglo-irischen Dramatiker, wird durch die Verbindung mit der irischen Folkloretradition bestimmt. Seine Stücke zeichnen sich durch eine bizarre Kombination aus Tragik und aus

Laurence Olivier als Richard III

"Richard III" W. Shakespeare

komisch, real und fantastisch, alltäglich und erbärmlich. O'Caseys Dramen bedienen sich der Konventionen des expressionistischen Theaters.

Die Bewegung der Volkstheater, die hauptsächlich erzieherische Ziele verfolgten, erfasste ganz Europa. In England entstand das Workshop Theatre unter der Leitung von Joan Littlewood und erlangte großen Ruhm.