Teil 3 der Mondscheinsonate Stimmung und Charakter. "Mondscheinsonate"

Unsterbliche Klänge der Mondscheinsonate

1. Gefühle der Einsamkeit, unerwiderte Liebe, verkörpert in der Musik von L. Beethovens Mondscheinsonate.
2. Die Bedeutung der Metapher „Ökologie der menschlichen Seele“ verstehen.

Musikmaterial:

1. L. Beethoven. Sonate Nr. 14 für Klavier. Teil I (Anhörung); Teile II und III (auf Wunsch des Lehrers);
2. A. Rybnikov, Text von A. Voznesensky. „Ich werde dich nie vergessen“ aus der Rockoper „Juno und Avos“ (Gesang).

Merkmale der Aktivitäten:

1. Den Einfluss von Musik auf eine Person erkennen und darüber sprechen.
2. Identifizieren Sie Chancen emotionale Wirkung Musik pro Person.
3. Bewerten Sie musikalische Werke unter dem Gesichtspunkt der Schönheit und Wahrheit.
4. Die intonatorischen und figurativen Grundlagen der Musik erkennen.
5. Lernen Sie durch Eigenschaften(Intonation, Melodien, Harmonien) Musik einzelner herausragender Komponisten (L. Beethoven)

„Musik an sich ist Leidenschaft und Mysterium.
Worte sprechen vom Menschlichen;
Musik drückt aus, was niemand weiß, niemand erklären kann,
aber was ist mehr oder weniger in jedem ... "

F. Garcia Lorca(spanischer Dichter, Dramatiker, auch bekannt als Musiker und Grafiker)

Solche ewigen Leidensquellen wie Einsamkeit oder unerwiderte Liebe erscheinen in der Kunst keineswegs erbärmlich, im Gegenteil: Sie sind von einer Art Erhabenheit erfüllt, weil sie es sind, die die wahre Würde der Seele offenbaren.

Beethoven, von Giulietta Guicciardi abgelehnt, schreibt die „Mondschein“-Sonate, auch wenn ihre Dämmerung die Gipfel der Welt erleuchtet Musikalische Kunst. Was ist es an dieser Musik, das immer neue Generationen anzieht? Welches unsterbliche Lied erklingt in der Mondscheinsonate, triumphierend über alle Stände der Welt, über Eitelkeit und Wahn, über das Schicksal selbst?

Reichtum und Macht können sich frei bewegen,
Betritt den Ozean von Gut und Böse,
Wenn sie unsere Hände verlassen;
Liebe, auch wenn es falsch war,
Unsterblich, bleibe in der Unsterblichkeit,
Alles wird übertreffen, was war – oder sein wird.

(P. B. Shelley. Liebe ist unsterblich)

Die Mondscheinsonate ist eine der bekanntesten beliebte Werke großen Komponisten und ist eines der bemerkenswertesten Werke der Welt Klaviermusik. Lunar verdankt seinen wohlverdienten Ruhm nicht nur der Tiefe der Gefühle und der seltenen Schönheit der Musik, sondern auch seiner erstaunlichen Integrität, dank derer alle drei Teile der Sonate als etwas Einheitliches, Untrennbares wahrgenommen werden. Die gesamte Sonate ist eine Steigerung eines leidenschaftlichen Gefühls, das einen wahren mentalen Sturm erreicht.

Die Sonate Nr. 14 in cis-Moll (cis-moll op. 27 Nr. 2, 1801) wurde zu Beethovens Lebzeiten berühmt. Den Namen „Lunar“ erhielt sie mit leichter Hand des Dichters Ludwig Relshtab. In der Kurzgeschichte „Theodor“ (1823) beschrieb Relshtab die Nacht auf dem Firwaldstet-See in der Schweiz: „Die Oberfläche des Sees wird vom schimmernden Glanz des Mondes erleuchtet; die Welle trifft gedämpft das dunkle Ufer; düstere, mit Wäldern bedeckte Berge trennen diesen heiligen Ort von der Welt; Schwäne schwimmen wie Geister mit einem raschelnden Plätschern vorbei, und von der Seite der Ruinen sind die geheimnisvollen Klänge einer Äolischen Harfe zu hören, die klagend von leidenschaftlicher und unerwiderter Liebe singen.

Leser verbanden diese romantische Landschaft leicht mit dem alteingesessenen Teil I von Beethovens Sonate, zumal all diese Assoziationen für die Ohren der Musiker und des Publikums der 1820er und 1830er Jahre völlig natürlich erschienen.

Gespenstische Arpeggios auf dem nebligen umhüllenden rechten Pedal (ein Effekt, der bei Klavieren dieser Zeit möglich war) könnten als mystisch-melancholischer Klang einer Äolischen Harfe wahrgenommen werden, einem Instrument, das zu dieser Zeit im Alltag und in Gärten und Parks äußerst verbreitet war. Das sanfte Wiegen der Triolenfiguren erinnerte optisch sogar an leichte Wellen auf der Oberfläche des Sees und die majestätisch-traurige Melodie, die über den Figurationen schwebte - wie der Mond, der die Landschaft erhellt oder in ihr fast ätherisch ist pure Schönheit Schwan.

Es ist schwer zu sagen, wie Beethoven auf solche Interpretationen reagiert hätte (der Releshtab besuchte ihn 1825, aber nach den Memoiren des Dichters zu urteilen, diskutierten sie völlig andere Themen). Es ist möglich, dass der Komponist nichts Unannehmbares an dem von Reshtab gezeichneten Bild gefunden hätte: Er hatte nichts dagegen, wenn seine Musik mit Hilfe poetischer oder bildhafter Assoziationen interpretiert wurde.

Reshtab hat nur die Außenseite dieser brillanten Schöpfung Beethovens erfasst. Tatsächlich zeigt sich hinter den Naturbildern die persönliche Welt eines Menschen – von konzentrierter, ruhiger Kontemplation bis hin zu extremer Verzweiflung.

Gerade in dieser Zeit, als Beethoven das Nahen der Taubheit spürte, fühlte er (zumindest schien es ihm), dass zum ersten Mal in seinem Leben die wahre Liebe zu ihm kam. Er fing an, an seine charmante Schülerin, die junge Gräfin Juliet Guicciardi, als seine zukünftige Frau zu denken. „... Sie liebt mich, und ich liebe sie. Das sind die ersten hellen Minuten in den letzten zwei Jahren“, schrieb Beethoven an seinen Arzt und hoffte, dass das Glück der Liebe ihm helfen würde, seine schreckliche Krankheit zu überwinden.
Und sie? Sie, in einer aristokratischen Familie aufgewachsen, blickte auf ihren Lehrer herab – wenn auch von berühmter, aber bescheidener Herkunft, und außerdem ohrenbetäubend.
„Leider gehört sie einer anderen Klasse an“, gab Beethoven zu, als ihm bewusst wurde, welch ein Abgrund zwischen ihm und seiner Geliebten liegt. Aber Julia konnte ihren genialen Lehrer nicht verstehen, dazu war sie zu leichtfertig und oberflächlich. Sie versetzte Beethoven einen doppelten Schlag: Sie wandte sich von ihm ab und heiratete Robert Gallenberg, einen mittelmäßigen Musikkomponisten, aber einen Grafen ...
Beethoven war ein großartiger Musiker und ein großartiger Mensch. Ein Mann mit titanischem Willen, einem mächtigen Geist, einem Mann mit erhabenen Gedanken und tiefsten Gefühlen. Wie groß müssen seine Liebe und seine Leiden und sein Wunsch gewesen sein, diese Leiden zu überwinden!
„Moonlight Sonata“ entstand in dieser schwierigen Zeit seines Lebens. Unter seinem eigentlichen Namen „Sonata quasi una Fantasia“, also „Sonate wie eine Fantasie“, schrieb Beethoven: „Dedicated to Countess Giulietta Guicciardi“ …
„Hört jetzt diese Musik! Hören Sie es nicht nur mit Ihren Ohren, sondern mit ganzem Herzen! Und vielleicht hörst du jetzt im ersten Teil eine so unermessliche Trauer, wie du sie noch nie gehört hast; im zweiten Teil - so ein strahlendes und gleichzeitig so trauriges Lächeln, das vorher nicht aufgefallen war; und schließlich im Finale - ein so stürmisches Aufkochen der Leidenschaften, ein so unglaublicher Wunsch, sich aus den Fesseln der Traurigkeit und des Leidens zu befreien, was nur ein wahrer Titan tun kann. Beethoven, vom Unglück getroffen, aber nicht unter seinem Gewicht gebeugt, war ein solcher Titan. D. Kabalewski.

Klänge von Musik

Der erste Satz des Lunar Adagio sostenuto unterscheidet sich stark von den ersten Sätzen der anderen Sonaten Beethovens: Es gibt keine Kontraste oder abrupten Übergänge. Der gemächliche, ruhige Musikfluss spricht von einem reinen lyrischen Gefühl. Der Komponist bemerkte, dass dieser Teil die "feinste" Aufführung erfordert. Der Zuhörer betritt definitiv die verzauberte Welt der Träume und Erinnerungen eines einsamen Menschen. Langsame, wellenförmige Begleitung lässt Gesang voller tiefer Ausdruckskraft entstehen. Das Gefühl, zunächst ruhig, sehr konzentriert, wächst zu einem leidenschaftlichen Appell. Allmählich stellt sich Ruhe ein, und wieder erklingt eine traurige, melancholische Melodie, die dann in tiefe Bässe übergeht vor dem Hintergrund kontinuierlich erklingender Begleitwellen.

Der zweite, sehr kleine Teil der „Mondschein“-Sonate ist voll von weichen Kontrasten, leichten Intonationen, dem Spiel von Licht und Schatten. Diese Musik wurde mit den Tänzen der Elfen aus Shakespeares Ein Sommernachtstraum verglichen. Der zweite Teil dient als wunderbarer Übergang von der Verträumtheit des ersten Teils zum mächtigen, stolzen Finale.

Das Finale der „Moonlight“-Sonate, in einer vollblütigen, satten Sonatensatzform geschrieben, bildet den Schwerpunkt des Werks. In einem schnellen Wirbelsturm leidenschaftlicher Impulse rauschen Themen durch - bedrohlich, klagend und traurig - eine ganze Welt einer aufgewühlten und schockierten menschlichen Seele. Es spielt sich ein wahres Drama ab. Die „Mondschein“-Sonate gibt zum ersten Mal in der Weltmusikgeschichte ein so seltenes Bild der geistigen Welt des Künstlers in Integrität.

Alle drei Teile von „Lunar“ wirken durch feinste motivische Arbeit wie eine Einheit. Darüber hinaus entfalten sich viele der im zurückhaltenden Kopfsatz enthaltenen expressiven Elemente und kulminieren in einem stürmisch-dramatischen Finale. Die schnelle Aufwärtsbewegung der Arpeggios im abschließenden Presto beginnt mit den gleichen Klängen wie der ruhig wogende Anfang des Kopfsatzes (Tonika-Dreiklang in cis-Moll). Die sehr aufwärts gerichtete Bewegung über zwei oder drei Oktaven kam von der zentralen Episode des ersten Satzes.

Die Liebe ist unsterblich: Obwohl sie ein seltener Gast auf der Welt ist, existiert sie immer noch, solange Werke wie die Mondscheinsonate erklingen. Ist das nicht der hohe ethische (ethisch-moralische, edle) Wert der Kunst, die in der Lage ist, menschliche Gefühle zu erziehen, die Menschen zu Güte und Barmherzigkeit untereinander aufzurufen?

Denken Sie darüber nach, wie dünn und sanft die innere Welt eines Menschen ist, wie leicht es ist, zu verletzen, zu verletzen, manchmal für viele Jahre. Wir sind uns der Notwendigkeit des Schutzes zunehmend bewusst Umfeld, die Ökologie der Natur, sind aber noch blind für die "Ökologie" der menschlichen Seele. Aber dies ist die dynamischste und mobilste Welt, die sich manchmal erklärt, wenn nichts korrigiert werden kann.

Hören Sie alle möglichen Schattierungen von Traurigkeit, an denen Musik so reich ist, und stellen Sie sich vor, dass lebendige menschliche Stimmen Ihnen von ihren Sorgen und Zweifeln erzählen. In der Tat handeln wir oft nachlässig, nicht weil wir von Natur aus böse sind, sondern weil wir nicht wissen, wie wir andere Menschen verstehen sollen. Dieses Verständnis kann durch Musik gelehrt werden: Sie müssen nur glauben. Dass es nicht nach irgendwelchen abstrakten Ideen klingt, sondern nach realen, heutigen Problemen und Leiden der Menschen.

Fragen und Aufgaben:

1. Welches „unsterbliche Lied“ erklingt in L. Beethovens Mondscheinsonate? Erkläre deine Antwort.
2. Stimmen Sie der Aussage zu, dass das Problem der "Ökologie" der menschlichen Seele eines der wichtigsten ist, eigentliche Probleme Menschheit? Welche Rolle sollte die Kunst bei ihrer Lösung spielen? Denk darüber nach.
3. Welche Probleme und Leiden der Menschen spiegeln sich in der Kunst der Gegenwart wider? Wie werden sie umgesetzt?

Präsentation

Im Komplekt:
1. Präsentation, ppsx;
2. Musikklänge:
Beethoven. Mondscheinsonate:
I. Adagio sostenuto, mp3;
II. Allegretto .mp3;
III. Presto agitato, mp3;
Beethoven. Mondscheinsonate, Teil I (aufgeführt von einem Symphonieorchester), mp3;
3. Begleitartikel, docx.

Entstehungsgeschichte“ Mondscheinsonate"L.Beethoven

Ende des 18. Jahrhunderts war Ludwig van Beethoven in seiner Blütezeit, er war unglaublich beliebt, führte ein reges gesellschaftliches Leben, er konnte mit Recht als das Idol der damaligen Jugend bezeichnet werden. Aber ein Umstand begann das Leben des Komponisten zu überschatten - ein allmählich verblassendes Ohr. „Ich schleppe ein bitteres Dasein“, schrieb Beethoven an seinen Freund, „ich bin taub. Mit meinem Handwerk kann nichts Schrecklicheres sein ... Oh, wenn ich diese Krankheit los wäre, würde ich die ganze Welt umarmen.

1800 lernte Beethoven die aus Italien nach Wien gekommenen Aristokraten der Guicciardi kennen. Die Tochter aus angesehenem Hause, die sechzehnjährige Julia, hatte gute musikalische Fähigkeiten und wollte Klavierunterricht bei dem Idol der Wiener Aristokratie nehmen. Bezahlt wird Beethoven von der jungen Gräfin nicht, dafür schenkt sie ihm ein Dutzend selbstgenähter Hemden.

Beethoven war strenger Lehrer. Wenn ihm Julias Spiel nicht gefiel, war er verärgert und warf Noten auf den Boden, wandte sich trotzig von dem Mädchen ab, und sie sammelte schweigend Hefte vom Boden auf.
Juliette war hübsch, jung, kontaktfreudig und kokett mit ihrer 30-jährigen Lehrerin. Und Beethoven erlag ihrem Charme. „Jetzt bin ich öfter in Gesellschaft, und darum ist mein Leben heiter geworden“, schrieb er im November 1800 an Franz Wegeler. - Diese Veränderung wurde in mir von einem süßen, charmanten Mädchen vorgenommen, das mich liebt und das ich liebe. Ich habe wieder helle Momente und komme zu dem Schluss, dass die Ehe einen Menschen glücklich machen kann. Beethoven dachte an Heirat, obwohl das Mädchen einer Adelsfamilie angehörte. Aber der verliebte Komponist tröstete sich damit, dass er Konzerte geben würde, die Unabhängigkeit erlangen würde und dann eine Ehe möglich wäre.

Den Sommer 1801 verbrachte er in Ungarn auf dem Gut der ungarischen Grafen von Braunschweig, Verwandten von Julias Mutter, in Korompa. Der mit seiner Geliebten verbrachte Sommer war für Beethoven die glücklichste Zeit.
Auf dem Höhepunkt seiner Gefühle machte sich der Komponist daran, eine neue Sonate zu schaffen. Der Pavillon, in dem der Legende nach Beethoven komponierte Magische Musik, hat bis heute überlebt. In der Heimat des Werkes, in Österreich, ist es unter dem Namen „Gartenhaussonate“ oder „Sonate – Laube“ bekannt.

Die Sonate begann in einem Zustand großer Liebe, Freude und Hoffnung. Beethoven war sich sicher, dass Julia die zärtlichsten Gefühle für ihn hatte. Viele Jahre später, 1823, schrieb Beethoven, damals schon taub und mit Hilfe von Konversationsheften kommunizierend, im Gespräch mit Schindler: „Ich wurde von ihr sehr geliebt und war mehr denn je ihr Ehemann ...“
Im Winter 1801/1802 vollendete Beethoven die Komposition eines neuen Werkes. Und im März 1802 erschien in Bonn die Sonate Nr. 14, die der Komponist quasi una Fantasia, also „im Geiste der Fantasie“, nannte, mit der Widmung „Alla Damigella Contessa Giullietta Guicciardri“ („Der Gräfin Juliette Guicciardi gewidmet“. ").
In Wut, Wut und stärkstem Groll beendete der Komponist sein Meisterwerk: Schon in den ersten Monaten des Jahres 1802 zeigte die windige Kokette eine deutliche Vorliebe für den ebenfalls musikbegeisterten und komponierenden achtzehnjährigen Grafen Robert von Gallenberg Mittelmäßige musikalische Werke. Juliet Gallenberg schien jedoch brillant zu sein.
Den ganzen Sturm menschlicher Gefühle, der damals in Beethovens Seele war, vermittelt der Komponist in seiner Sonate. Das sind Trauer, Zweifel, Eifersucht, Untergang, Leidenschaft, Hoffnung, Sehnsucht, Zärtlichkeit und natürlich Liebe.

Beethoven und Julia trennten sich. Und auch späterer Komponist bekam einen Brief. Es endete mit grausamen Worten: „Ich überlasse ein Genie, das bereits gewonnen hat, einem Genie, das noch um Anerkennung kämpft. Ich möchte sein Schutzengel sein." Es war ein „Doppelschlag“ – als Mann und als Musiker. 1803 heiratete Giulietta Guicciardi Gallenberg und ging nach Italien.
In Aufruhr verließ Beethoven im Oktober 1802 Wien und ging nach Heiligenstadt, wo er das berühmte „Heiligenstädter Testament“ verfasste (6. Oktober 1802): „O ihr Leute, die mich für boshaft, störrisch, ungezogen halten – wie ungerecht Mich; Du kennst den geheimen Grund für das, was du denkst, nicht. Seit meiner Kindheit bin ich in meinem Herzen und meinem Verstand für ein zärtliches Gefühl der Freundlichkeit prädisponiert, ich war immer bereit, große Dinge zu tun. Aber denken Sie nur, dass ich mich seit sechs Jahren in einem unglücklichen Zustand befinde ... Ich bin völlig taub ... "
Angst, der Zerfall von Hoffnungen lassen beim Komponisten Selbstmordgedanken aufkommen. Aber Beethoven sammelte seine Kräfte, beschloss, ein neues Leben zu beginnen, und schuf in fast völliger Taubheit große Meisterwerke.
1821 kehrte Julia nach Österreich zurück und lebte bei Beethoven. Weinend erinnerte sie sich an die wunderbare Zeit, als der Komponist ihr Lehrer war, über die Armut und die Schwierigkeiten ihrer Familie sprach, sie um Verzeihung und finanzielle Hilfe bat. Als freundlicher und edler Mann gab ihr der Maestro eine beträchtliche Summe, bat sie jedoch, zu gehen und niemals in seinem Haus zu erscheinen. Beethoven wirkte gleichgültig und gleichgültig. Aber wer weiß, was in seinem von zahlreichen Enttäuschungen zerrissenen Herzen vorging.
„Ich habe sie verachtet“, erinnerte sich Beethoven erst viel später, „wenn ich dieser Liebe mein Leben hingeben wollte, was blieb dann für das Edle, für das Höhere?“

Im Herbst 1826 erkrankte Beethoven. Erschöpfende Behandlung, drei komplexe Operationen konnten den Komponisten nicht auf die Beine stellen. Den ganzen Winter über war er völlig taub, ohne aus dem Bett aufzustehen, gequält von der Tatsache, dass ... er nicht weiterarbeiten konnte. Am 26. März 1827 starb das große Musikgenie Ludwig van Beethoven.
Nach seinem Tod wurde in einer geheimen Schublade des Kleiderschranks ein Brief „An die unsterbliche Geliebte“ gefunden (so betitelte Beethoven den Brief selbst): „Mein Engel, mein Alles, mein Ich ... Warum ist da tiefe Traurigkeit wo? Notwendigkeit herrscht? Kann unsere Liebe nur auf Kosten des Opfers bestehen, indem sie sich weigert, voll zu sein, kannst du nicht die Situation ändern, in der du nicht ganz mein und ich nicht ganz dein bin? Was für ein Leben! Ohne dich! So nah! So weit weg! Welche Sehnsucht und Tränen für dich – dich – dich, mein Leben, mein Alles …“ Viele werden sich dann darüber streiten, an wen genau die Botschaft gerichtet ist. Doch eine Kleinigkeit weist speziell auf Juliet Guicciardi hin: Neben dem Brief befand sich ein winziges Porträt von Beethovens Geliebter, angefertigt von einem unbekannten Meister, und das Heiligenstädter Testament.

Wie dem auch sei, es war Julia, die Beethoven zu einem unsterblichen Meisterwerk inspirierte.
„Das Denkmal der Liebe, das er mit dieser Sonate schaffen wollte, verwandelte sich ganz selbstverständlich in ein Mausoleum. Für einen Mann wie Beethoven konnte Liebe nichts anderes sein als Hoffnung über das Grab hinaus und Trauer, spirituelle Trauer hier auf Erden“ (Alexander Serov, Komponist und Musikkritiker).
Sonate „im Geiste der Fantasie“ war zunächst einfach Sonate Nr. 14 in cis-Moll, die aus drei Sätzen bestand – Adagio, Allegro und Finale. 1832 Deutscher Dichter Ludwig Relshtab, einer von Beethovens Freunden, sah im ersten Teil der Arbeit das Bild des Vierwaldstättersees in einer ruhigen Nacht, mit Mondlicht, das von der Oberfläche mit Überläufen reflektiert wird. Er schlug den Namen „Lunar“ vor. Jahre werden vergehen, und der erste gemessene Teil des Werkes: „Adagio sonata N 14 quasi una fantasia“, wird unter dem Namen „Mondscheinsonate“ der ganzen Welt bekannt werden.

Giulietta Guicciardi... die Frau, deren Porträt Ludwig van Beethoven zusammen mit dem Heiligenstädter Testament und dem nicht abgeschickten Brief an die "Unsterbliche Geliebte" aufbewahrte (und es ist möglich, dass sie diese mysteriöse Geliebte war).

1800 war Julia achtzehn Jahre alt, und Beethoven gab einem jungen Aristokraten Unterricht – doch die Kommunikation der beiden ging bald über das Lehrer-Schüler-Verhältnis hinaus: „Es wurde mir angenehmer zu leben … Diese Änderung wurde vollzogen durch den Charme eines süßen Mädchens“, gibt der Komponist in einem Brief an einen Freund zu und verbindet mit Julia „die ersten glücklichen Momente in den letzten zwei Jahren“. Im Sommer 1801, den Beethoven mit Julia auf dem Gut ihrer Braunschweiger Verwandten verbringt, zweifelt er nicht mehr daran, dass er geliebt wird, dass Glück möglich ist – sogar edle Geburt der Auserwählte schien ihm kein unüberwindbares Hindernis zu sein ...

Aber die Fantasie des Mädchens wurde von Wenzel Robert von Gallenberg, einem aristokratischen Komponisten, weit entfernt von der bedeutendsten Persönlichkeit in der Musik seiner Zeit, gefesselt, aber die junge Gräfin Gvichchardi betrachtete ihn als Genie, worüber sie ihren Lehrer nicht versäumte, darüber zu informieren. Dies machte Beethoven wütend, und bald teilte Julia ihm in einem Brief ihre Entscheidung mit, "von einem Genie, das bereits gewonnen hatte, zu einem Genie, das noch um Anerkennung kämpfte" zu gehen ... Julias Ehe mit Gallenberg war nicht besonders glücklich, und sie traf Beethoven 1821 wieder - Julia wandte sich an ihren ehemaligen Liebhaber mit der Bitte um ... finanzielle Unterstützung. „Sie bedrängte mich mit Tränen, aber ich verachtete sie“, beschrieb Beethoven dieses Treffen, er bewahrte jedoch ein Porträt dieser Frau auf ... Aber all dies wird später geschehen, und dann wurde der Komponist von diesem Schicksalsschlag hart bedrängt. Die Liebe zu Julia Guicciardi machte ihn nicht glücklich, sondern schenkte der Welt eines der schönsten Werke Ludwig van Beethovens – die Sonate Nr. 14 in cis-Moll.

Die Sonate ist unter dem Namen „Lunar“ bekannt. Der Komponist selbst gab ihr keinen solchen Namen - er wurde dem Werk zugeordnet leichte Hand Der deutsche Schriftsteller und Musikkritiker Ludwig Relshtab, der im ersten Teil ihres „ Mondlichtüber den Firwaldstädter See. Paradoxerweise blieb dieser Name hängen, obwohl er auf viele Einwände stieß – insbesondere argumentierte Anton Rubinstein, dass die Tragik des ersten Teils und die stürmischen Gefühle des Finales überhaupt nicht der Melancholie und dem „sanften Licht“ der Landschaft entsprachen. mondhelle Nacht.

Sonate Nr. 14 wurde 1802 zusammen mit veröffentlicht. Beide Werke wurden vom Autor als „Sonata quasi una Fantasia“ bezeichnet. Dies bedeutete eine Abkehr von der traditionellen, etablierten Struktur des Sonatenzyklus, die auf dem Kontrastprinzip "schnell - langsam - schnell" aufgebaut war. Die vierzehnte Sonate entwickelt sich linear – von langsam nach schnell.

Der erste Satz, Adagio sostenuto, ist in einer Form geschrieben, die zweistimmige und Sonatenzüge kombiniert. Das Hauptthema erscheint isoliert betrachtet äußerst einfach – doch die beharrliche Wiederholung des fünften Tons verleiht ihm eine außergewöhnliche emotionale Intensität. Verstärkt wird dieses Gefühl durch die triolische Figuration, an der der gesamte erste Satz vorbeizieht – wie ein eindringlicher Gedanke. Die Bassstimme im Rhythmus fällt fast mit der melodischen Linie zusammen, verstärkt sie dadurch und verleiht ihr Bedeutung. Diese Elemente entwickeln sich in einem harmonischen Farbwechsel, einer Gegenüberstellung von Registern und repräsentieren eine ganze Bandbreite von Gefühlen: Traurigkeit, ein heller Traum, Entschlossenheit, „sterbliche Verzweiflung“ – wie Alexander Serov es treffend formulierte.

Musik Jahreszeiten

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Der Name der Sonate stammt von dem romantischen Dichter L. Relshtab, in dessen Vorstellung die Musik des ersten Teils das Bild einer Mondnacht am Ufer des Firvaldshtet-Sees erschuf. Dies entspricht jedoch nicht der Intention des Komponisten, der in dieser Sonate seine persönliche Dramatik offenbart. Es ist bekannt, dass Beethovens Beziehung zu Juliet Guicciardi, der die Sonate gewidmet ist, der unmittelbare Anlass für die Komposition der Sonate war. Die gegenseitige Liebe führte schließlich zur Enttäuschung – Julia lehnte Beethovens Angebot ab und zog ihm den mittelmäßigen Komponisten Gallenberg vor. Gleichzeitig verursachten offenbar nicht nur eine erfolglose Romanze mit der italienischen Gräfin, sondern auch andere, nicht weniger schmerzhafte Schicksalsschläge die schwierigen emotionalen Erfahrungen des Komponisten.

Die Komposition der Sonate offenbart das Drama des Helden, in dem das Bild der Hoffnungslosigkeit und Leblosigkeit durch einen Zustand gewaltsamer Aktivität ersetzt wird. Unter Beibehaltung der klassischen Struktur der Sonate verletzt Beethoven die Interpretation und Form des Satzes I. Es ist in einer dreiteiligen Form mit einer sich entwickelnden Schrift in der Mitte geschrieben, weil Die Basis des Teils ist eins - ein konzentriertes, eingefrorenes Bild. Es ist kein Zufall, dass Beethovens Bemerkung - "eine Sonate im Geiste der Fantasie".

Der erste Teil beginnt mit einer kurzen Einleitung, die auf einer statischen Triolenbewegung vor dem Hintergrund ausgehaltener Oktaven in tiefen Bässen basiert. Es ist diese Triolenbewegung, die sich durch den gesamten ersten Satz zieht und ein Bild von Unbeweglichkeit, Hoffnungslosigkeit und düsterer Konzentration erzeugt. Die Melodie, die vor dem Hintergrund von Triolen erscheint, ist eingefroren und ausdruckslos (Wiederholung auf einem Ton), enthält die rhythmische Grundlage des Trauermarsches und zeigt nur eine Abweichung zum parallelen E-Dur ein lyrisches Element darin. Im mittleren Durchführungsabschnitt entwickelt sich das Thema tonal (benennen Sie die Tonarten) und intonatorisch. Das sogenannte Kreuzmotiv steht im Mittelpunkt der Melodie, die seit J. S. Bach als Manifestation tragischster Gefühle galt. Den Höhepunkt markiert die Einführung eines dominanten Orgelpunkts im Bass, gegen den gebrochene Figurationen in einer Aufwärtsbewegung mit einem reduzierten Septakkord am Fuß anklingen. Das Thema deckt ein sehr breites Spektrum ab und klingt intensiv und leidenschaftlich. Oben angelangt, bewegen sich die Passagen nun abwärts, vermitteln eine allmähliche Spannungsabnahme und münden in eine Reprise. Am Ende des ersten Teils erklingen Echos der Melodie in tiefen Bässen. Dies ist ein rebellischer Geist, der durch Leiden gebunden ist und die Schicksalsschläge überwinden muss.

Der zweite Teil der Sonate steht im Kontrast zum ersten. „Eine Blume zwischen zwei Abgründen“, um es mit dem treffenden Ausdruck von Franz Liszt zu sagen. Vielleicht hat Beethoven hier ein Porträt der anmutigen, frivolen und koketten Giulietta Guicciardi geschaffen. Die Musik des zweiten Teils enthält die Züge eines eleganten Menuetts (Größe ¾, Mäßiges Tempo, charakteristischer Rhythmus) und gleicht auch einem verspielten Scherzo (leichte Akkorde in hoher Lage, kurze Phrasen, Staccato). Im Trio gibt es keinen figurativen Kontrast, die Tonalität von Des dur bleibt erhalten, aber das Thema wird schwerfällig und rau dank der schwirrenden Oktaven und Quinten in der tiefen Lage und dem synkopierten Rhythmus.

Teil III ist der Höhepunkt des Zyklus. Gefühle wie Groll, Wut, Empörung, die in Teil I verborgen waren, „brechen“ nach außen durch. Es ist kein Zufall, dass die ursprüngliche Tonalität von cis moll zurückkehrte. Teil III ist in Sonatenform geschrieben, wobei G.P. besteht aus vier Sätzen. Dies sind eine Art vier Wellen, basierend auf der schnellen Aufwärtsbewegung von Sechzehnteln entsprechend den Klängen von Akkorden. Dieser Satz scheint sich an den kraftvollen sF-Akkorden auszuruhen und vermittelt das Bild eines dramatischen Impulses. Motorische Begleitung rundet das Bild ab. P.P. GP ist nicht kontrastierend, sondern ebenso aktiv und ungestüm (Tonalität der Molldominante, motorische Begleitung, punktierter Rhythmus und Sprünge in weiten Abständen in der Melodie). Gleichzeitig ist sie melodiös, dank des weichen Abschlusses von Phrasen. Z.P. Ostinato im Rhythmus und sehr gespannt in der harmonischen Sprache.

Alle Themen der Ausstellung finden ihre Entwicklung in der Entwicklung. Es hat drei Abschnitte: die Entwicklung von G.P., die Entwicklung von P.P. und der dominante Orgelpunkt, der die Funktion eines Vorläufers der Reprise erfüllt.

In der Reprise erklingen alle Themen in der Haupttonart, aber es gibt keinen Sinn für Konfliktlösung. Wichtigster Höhepunkt ist der Code, der vom Maßstab her mit der zweiten Entwicklung gleichzusetzen ist. Erst in der letzten Folge, die auf P.P.s Thema basiert, lässt die Spannung nach. Der Komponist betont die Willenskraft und vitale Aktivität eines Menschen, seinen Wunsch, alle Hindernisse auf dem Lebensweg zu überwinden.

L. BEETHOVEN Sonate Nr. 23 f-Moll „Appasionata“

Sonate Nr. 23 f-Moll (op. 57) wurde 1806 geschrieben und Franz Braunschweig gewidmet. Es ist allgemein anerkannt, dass Appassionata zu Beethovens größten Eroberungen auf dem Gebiet der heroischen Kunst gehört. Dies ist der Höhepunkt in der Entwicklung der heroisch-dramatischen Sonate, einem Werk von ungeheurer Wirkungskraft. Der Komponist selbst hielt die Appassionata für seine beste Sonate. Der Titel wird nicht vom Autor vergeben. Es erschien später in einer der nachgelassenen Ausgaben (im Besitz des Hamburger Kranz-Verlags). Das lateinische „passio“ bedeutet Leidenschaft, wie auch Leiden, Tortur. Der Name spiegelt sehr treffend die Essenz von Beethovens Werk wider, in dessen Musik Leidenschaften wahrhaft Shakespeares wüten. Es ist bekannt, dass Beethoven den Inhalt der Appassionata (wie auch der Sonate Nr. 17) mit Shakespeares „Der Sturm“ verband und den Mut des Menschen, seinen Geist und Willen gegen die Urgewalten der Natur verherrlichte. Beethoven argumentiert: Der Sinn des menschlichen Lebens liegt in der Überwindung von Angst und Verzweiflung, im heroischen Widerstand, im unerbittlichen Kampf.

Die Appassionata ist die symphonischste aller Sonaten Beethovens. Ihr 3-teiliger Zyklus ist von einer auffälligen Einheit geprägt: Er stellt ein untrennbares Ganzes dar, in dem das Finale die Rolle des dramatischen Zentrums spielt. Mit außergewöhnlicher Klarheit zeigt Appassionata die typischsten Muster von Beethovens Entwicklung: Entwicklung durch den Kampf der Widersprüche, die Einheit der Gegensätze .

Das Sonate-Allegro des 1. Satzes ist klassisches Muster Umsetzung des Prinzips des abgeleiteten Kontrasts. All die verschiedenen Themen, auch die scharf kontrastierenden, werden hier auf die eine oder andere Weise miteinander verbunden Hauptthema. Dies ist eines der „unerwartetesten“ Themen Beethovens. Bereits der anfängliche 4-Takt demonstriert eine neue Kontrastqualität zwischen zwei gegensätzlichen Elementen. Einer von ihnen wird in Unisono-Bewegung entlang der Töne eines Moll-Dreiklangs gegeben, der einen weiten Bereich abdeckt (ein interessantes Detail: Der Unisono wird um 2 Oktaven „gespreizt“. In der Klavierliteratur vor Beethoven findet man eine solche Technik fast nie). Der Charakter ist hart, tragisch, insgeheim herrschsüchtig. Ein weiteres Element, das auf dem zweiten Klagemotiv basiert, setzt dem vorherigen eine 4-stimmige harmonische Darstellung in einem engen Bereich entgegen. Nach einer modifizierten Wiederholung des anfänglichen Kontrastkerns dringt unerwartet ein weiteres, drittes Element in die Entwicklung ein. Dies ist eine Halbton-Intonation VI - I st. (V. 10), im Bass anhaltend bedrohlich klingend. Das neue Motiv tritt in einen Dialog mit dem zweiten Element des ursprünglichen Kontrasts. Erhöhte Atmung (4t. - 2t. - It., d.h. melodische Phrasen werden verkürzt), die Dominanz harmonischer Instabilität, erhöhte störende, versteckte Spannung - sie bereiten eine kulminierende "Explosion" von außergewöhnlicher Stärke vor. Schnelle Arpeggio-Welle auf den Klängen des Geistes. 5/3 deckt fast die gesamte Klaviertastatur ab (Takt 14-15). Dies ist das vierte Element von G.P. Die Helligkeit des Höhepunkts betont zunächst die Entwicklung des Hauptthemas F. Das Hauptthema ist tonal äußerst instabil: Die Tonika erscheint nie nach dem ersten Zweitakt. Aber die „neapolitanische Harmonie“ spielt eine außerordentlich wichtige Rolle. Es färbt viele der Themen der Appassionata und ist ein auffälliger Faktor in der Einheit des Ganzen.

Der zweite Satz von ch.t. dynamisiert: Das Eröffnungsmotiv wird nun von kräftigen Akkorden begleitet, mächtige Wellen schlagen aus R zu donnernd ff. Diese Fortsetzung des Hauptthemas fungiert als Bindeglied, was in Beethovens Sonatensatz die Regel ist. Das „Motiv der Klage“ (2. Element) tritt in den Vordergrund, das vor dem Hintergrund des klopfenden Ostinato-Rhythmus des „Schicksalsmotivs“ (3. Element) auf den Laut „es“ erklingt, der dominant von As-dur ist eine Seitentaste (daher wird sie als Vorläufer davon wahrgenommen). Der verbindende Teil stellt also eine neue, höhere Stufe in der Entwicklung des Hauptthemas, seiner Elemente dar.

Nebenpartei, mit seiner "hymnischen", willensstarken Fanfare, wird mit französischen Revolutionsliedern wie "La Marseillaise" in Verbindung gebracht. Anders als bei der Hauptstimme ist bei ihr die tonale Stabilität deutlich zu spüren. Die Nebengeschichte ist mit ihrem Enthusiasmus am weitesten vom bisherigen thematischen Stoff entfernt. Intonativ und rhythmisch ist es jedoch mit dem ersten Element des Hauptteils verwandt. Der Triumph des Lichts währt nicht lange: Bereits im 8. Takt des Seitenthemas macht das Moll-S die Durchführung zum gleichnamigen As-Moll, in dem das Schlussthema stattfindet. Ihr spontaner Impuls markiert den Höhepunkt der Ausstellung. Der Charakter ist düster-angespannt, wütend, aber auch titanenstark. Es gilt als Bild des mutigen Widerstands. Thematismus Z.P. auch abgeleitet von G.P. (4 und 3 el-you, und das "Motiv des Schicksals" wird von einer beeindruckenden Fanfare überfallen). So sind alle Themen der Ausstellung nach dem Prinzip des abgeleiteten Kontrasts aus dem Hauptthema gewachsen: aus dem 1. Element - einem sekundären, aus dem 2. - einem verbindenden, aus dem 4. - dem letzten, in dem die 3. Element erscheint - "das Motiv des Schicksals". In Zukunft markiert dieses Motiv (3. Element) die Momente höchste Spannung, zum Beispiel auf dem Höhepunkt der Entwicklung. Außerdem geht es in Achteldauern immer wieder in einen durchgehenden Probensatz über und bildet einen unveränderlichen rhythmischen Hintergrund für den gesamten Satz (ähnlich einer „Voranregung“ vor einem Seitenthema).

Das Hauptthema ist eine Art Prototyp aller Weiterentwicklung. Die Entfaltung musikalischer "Ereignisse" sowohl in Teil I als auch im gesamten Zyklus folgt dem von ihm gelegten "Kanal" - nach dem Prinzip der hellsten Hervorhebung des Schlusshöhepunkts: Für das Hauptthema ist dies das 4. Element; für die gesamte Ausstellung - das letzte Spiel; für Sonatenstimme Allegro I - Coda; für den gesamten Zyklus - das Finale. Im ersten Teil der Appassionata weigerte sich Beethoven erstmals, die Exposition zu wiederholen. („Die Bewegung der Leidenschaft ist zu stark, um zurückgehen zu können“- R. Rollan). Die Durchführung beginnt mit der Hauptstimme in E-dur (der Übergang ist sehr schnell, durch enharmonischen Ersatz von as-moll 5/3 durch gis-moll) und wiederholt sich Themenplan Exposition: Auf die Hauptausstellung folgt eine Verbindungsausstellung, dann eine Neben- und Schlussausstellung. Alle Themen werden von einer sehr aktiven tonal-harmonischen, Register-, Intonationsentwicklung begleitet. Musik erzeugt ein Gefühl akuten Kampfes, schmerzhafter Anstrengungen, extremer Anspannung. mentale Stärke. Die thematische Natur des Schlussteils verwandelt sich in einen ununterbrochenen Fluss von Arpeggios an den Geist VII f-moll, der von einem klopfenden Motiv aus dem Hauptthema (3. el-t) „durchtrennt“ wird. Er "rumpelt" weiter ff jetzt in Groß- und dann in Kleinbuchstaben, was den Höhepunkt der Entwicklung markiert und zu führt Prädikat. Die Besonderheit dieses Prädikats besteht darin, dass vor dem Hintergrund des Ostinato-Pulsierens auf dem Ton „s“ die gesamte Reprise von Kap. Themen, wodurch die Grenze zwischen Teilen der Sonatensatzform verwischt wird. Der Ostinato-Bass hält die einzelnen Elemente des Themas weiter zusammen.

Die höchste Zuspitzung und Neuentwicklung von Themen ist gegeben Code. Koda führt eine qualitative Transformation des Materials und Synthese durch, wodurch es praktisch unmöglich ist, die Thematik von Kap. und gewinnen wie sie verschmelzen.

II. Teil Sonate enthält Tiefe und philosophische Konzentration. Das Andante in Des-dur in Form von Variationen. Sein majestätisches, ruhig getragenes Thema vereint die Merkmale eines Chorals und einer Hymne. Vier Variationen vereint die Stimmung erhabener Erleuchtung.

Umso tragischer Das endgültige(f-moll) Angriff auf Attaca mit scharfen Protesten. Mind VII4/3 wird 13 Mal wiederholt, woraufhin Andante einfriert, als Signal für einen Sturm, während die Dynamik abrupt abschaltet pp Zu ff. Es genügt nicht, im letzten Sturm nur das Toben der elementaren Naturgewalten zu hören – es sind Stürme und ein Wirbelsturm geistiger Leidenschaften. Im Gegensatz zum siegreichen Finale von Beethovens heroisch-dramatischen Sinfonien verdichtet sich im letzten Satz der Appassionata die Dunkelheit, das Drama wird endgültig. Die Sonatensatzform des Finales (genauer gesagt die Sonatensatzform mit einer Episode, d.h. einem neuen Thema in der Entwicklung) ist sehr eigenartig: Sie enthält keine ausgedehnten fertigen Melodien. Vor dem Hintergrund eines unaufhörlichen Stroms ansteigender und fallender Passagenwellen entstehen kurze Motive, mal heroisch, stolz, beschwörend (im Kap.), mal schmerzlich traurig (ein zweites Motiv in der Randbemerkung, vor allem ein neues Thema in b-moll aus der Entwicklung); es gibt auch keine Entlastungsstopps, Zäsuren. Der ungestüme wogende Wirbelwind stoppt nur einmal (eine Pause vor der Reprise); bei aller Individualität verschiedene Themen Finale gibt es keine deutlichen figurativen Kontraste darin. Das Finale ist alles – Impuls, Bewegung, Kampf

Das semantische Ergebnis der ganzen Sonate ist Code. Darin kam der Gedanke zum Ausdruck, der in der 5. Sinfonie mit neuem Elan erklingen wird: Nur in der Einheit mit anderen Menschen, mit der Masse, kann ein Mensch siegen, Kraft gewinnen. Das Thema der Coda ist neu, es war weder in der Exposition noch in der Durchführung des Finales enthalten. Dies ist ein kraftvoller Heldentanz in einem einfachen Rhythmus, der das Bild des Volkes erzeugt.

Die Hauptmerkmale von Beethovens symphonischer Methode:

· Das Bild in der Einheit der gegensätzlichen, miteinander kämpfenden Elemente zeigen. Beethovens Themen bauen oft auf kontrastierenden Motiven auf, die sich bilden innere Einheit. Daher ihr innerer Konflikt, der als Voraussetzung für eine intensive Weiterentwicklung dient.

· Die große Rolle des abgeleiteten Kontrasts. Der abgeleitete Kontrast ist ein solches Entwicklungsprinzip, bei dem ein neues kontrastierendes Motiv oder Thema das Ergebnis der Transformation des vorherigen Materials ist. Das Neue erwächst aus dem Alten, das sich in sein eigenes Gegenteil verkehrt.

Kontinuität der Entwicklung u qualitative Veränderungen Bilder. Die Entwicklung von Themen beginnt buchstäblich mit ihrer Präsentation. In der 5. Sinfonie im ersten Teil gibt es also keinen einzigen Takt der eigentlichen Exposition (mit Ausnahme des „Epigraphs“ - der allerersten Takte). Bereits im Hauptteil wird das Ausgangsmotiv auffallend transformiert - es wird sowohl als „fatales Element“ (Schicksalsmotiv) als auch als Symbol des heroischen Widerstands, also des beginnenden widerstrebenden Schicksals, wahrgenommen. Äußerst dynamisch ist auch das Thema des Hauptteils der „Heroischen“ Symphonie, was sich im Verlauf der rasanten Entwicklung auch sofort ergibt. Deshalb sind trotz der Lakonie von Beethovens Themen die Parteien der Sonatenform sehr entwickelt. Der Entwicklungsprozess umfasst ab der Ausstellung nicht nur die Entwicklung, sondern auch die Reprise und den Code, der gleichsam zu einer zweiten Entwicklung wird.

· Qualitativ neue Einheit des Sonaten-Symphonie-Zyklus , im Vergleich zu den Zyklen von Haydn und Mozart. Sinfonie wird „Instrumentales Drama“, wo jeder Teil ein notwendiges Glied in einer einzigen musikalischen und dramatischen „Aktion“ ist. Der Höhepunkt dieses "Dramas" ist das Finale. Das leuchtendste Beispiel von Beethovens Instrumentaldrama ist die "Heroische" Sinfonie, deren alle Teile durch eine gemeinsame Entwicklungslinie verbunden sind, die im Finale auf ein grandioses Bild eines nationalen Triumphs gerichtet ist.

1. Apropos Beethovens Symphonien, man sollte seine hervorheben Orchesterinnovation. Von Innovationen:

2. Die eigentliche Bildung der Kupfergruppe. Obwohl die Trompeten immer noch zusammen mit den Pauken gespielt und aufgenommen werden, beginnt man, sie und die Hörner funktionell als eine einzige Gruppe zu behandeln. Dazu gesellen sich Posaunen, die es im Sinfonieorchester von Haydn und Mozart nicht gab. Posaunen spielen im Finale der 5. Symphonie (3 Posaunen), in der Gewitterszene der 6. (hier sind es nur 2), und auch in einigen Teilen der 9. (im Scherzo und in der Gebetsepisode der Finale sowie in der Coda).

3. Verdichtung der „mittleren Ebene“ macht es erforderlich, die Vertikale von oben und unten zu erhöhen. Oben erscheint die Piccoloflöte (in allen angegebenen Fällen, mit Ausnahme der Gebetsepisode im Finale der 9.) und unten - das Kontrafagott (im Finale der 5. und 9. Symphonie). Aber in jedem Fall gibt es in einem Beethoven-Orchester immer zwei Flöten und Fagotte.

In Fortführung der Traditionen von Haydns Londoner Sinfonien und Mozarts späten Sinfonien steigert Beethoven die Eigenständigkeit und Virtuosität der Stimmen fast aller Instrumente, einschließlich Trompete und Pauke. Er hat oft wirklich 5 Streicherstimmen (Kontrabässe sind von Celli getrennt) und manchmal mehr (Divisi-Spiel). Alle Holzbläser, einschließlich des Fagotts, sowie der Hörner können solo spielen und sehr helles Material spielen.

Symphonie Nr. 3 "Heroisch"

Als Autor von bereits acht Symphonien (d. h. bis zur Entstehung der letzten, der 9.), nannte Beethoven auf die Frage, welche von ihnen er für die beste halte, die 3. Offensichtlich hatte er die fundamentale Rolle dieser Symphonie im Sinn. "Heroic" eröffnete nicht nur die zentrale Periode im Werk des Komponisten selbst, sondern auch eine neue Ära in der Geschichte der symphonischen Musik - die Symphonie des 19. Jahrhunderts, während die ersten beiden Symphonien weitgehend damit verbunden sind Kunst XVIII Jahrhundert mit Werken von Haydn und Mozart. Bekannt ist die Tatsache der angeblichen Widmung der Sinfonie an Napoleon, den Beethoven als Ideal eines nationalen Führers empfand. Als er jedoch von der Ausrufung Napoleons zum Kaiser von Frankreich erfuhr, zerstörte der Komponist wütend die ursprüngliche Widmung. Die außergewöhnliche figurative Leuchtkraft der 3. Sinfonie veranlasste viele Forscher, in ihrer Musik nach einer besonderen programmatischen Idee zu suchen. Allerdings Links zu bestimmten historische Ereignisse nicht hier - die Musik der Sinfonie vermittelt im Allgemeinen die heroischen, freiheitsliebenden Ideale der Epoche, die Atmosphäre der revolutionären Zeit.

Die vier Teile des Sonaten-Symphonie-Zyklus sind vier Akte eines einzigen Instrumentaldramas: Teil I zeichnet ein Panorama des heroischen Kampfes mit seinem Druck, Drama und siegreichen Triumph; Teil 2 entwickelt den Heldengedanken auf tragische Weise weiter: Er widmet sich der Erinnerung an gefallene Helden; der inhalt von teil 3 ist die bewältigung der trauer; Teil 4 ist ein grandioses Bild im Geiste der Massenfeste der Französischen Revolution. Vieles hat die 3. Symphonie mit der Kunst des revolutionären Klassizismus gemeinsam: das Bürgertum der Ideen, das Pathos einer Heldentat, die Monumentalität der Formen. Im Vergleich zur 5. Symphonie ist die 3. epischer, sie erzählt vom Schicksal einer ganzen Nation. Eine epische Tragweite zeichnet alle Teile dieser Symphonie aus, die zu den monumentalsten in der gesamten Geschichte der klassischen Symphonie gehört.

Wirklich grandiose Proportionen Teil I, die A.N. Serov nannte "Adler Allegro". Hauptthema(Es-dur, Cello), dem zwei kraftvolle Orchester-Tutti-Akkorde vorangehen, beginnt mit verallgemeinerten Intonationen im Geiste revolutionärer Massengenres. Doch schon im 5. Takt scheint das weite, freie Thema auf ein Hindernis zu stoßen – der veränderte Ton „cis“, betont durch Synkopen und eine Abweichung im g-moll. Dies bringt einen Hauch von Konflikt in das mutige, heroische Thema. Zudem ist das Thema äußerst dynamisch, es ist sofort im Prozess der rasanten Entwicklung gegeben. Seine Struktur ist wie eine wachsende Welle, die zum Höhepunkt eilt, der mit dem Beginn des Seitenteils zusammenfällt. Dieses "Wellen"-Prinzip wird während der gesamten Ausstellung beibehalten. Nebenpartei auf sehr unkonventionelle Weise gemacht. Es hat nicht ein, sondern 2 Themen. Beide sind lyrisch und in derselben Tonart B-dur geschrieben, aber das erste basiert auf dreistimmigen Motiven von Holzbläsern und Streichern (Appell), was ihm einen pastoralen Charakter verleiht, während das zweite einen dichteren hat Textur, klingt sanft und verträumt. Zwischen diesen beiden Themen wird platziert dramatisches Element, Personifizierung des Bildes einer unheilvollen Kraft. Es hat einen dramatischen Charakter, der von ungestümer Energie durchdrungen ist; seine rhythmische Basis bilden eine Achtelnote und zwei Sechzehntelnoten. Geistige Unterstützung. VII 7 macht es instabil.

Wie Belichtung Entwicklung(das Bild des Kampfes) ist mehrfach dunkel, fast alle Themen der Ausstellung werden darin entwickelt. Die Themen werden in konflikthafter Wechselwirkung zueinander gegeben, ihr Erscheinungsbild verändert sich tiefgreifend. So klingt beispielsweise das Thema der Hauptstimme zu Beginn der Durchführung düster und angespannt (in Moll, tiefer Lage). Wenig später schließt sich kontrapunktisch ein 2. Nebenthema an, das die dramatische Gesamtspannung verstärkt. Nicht zufällig taucht in der Klangfarbe der Oboe in e-Moll ein neues, trauriges Thema auf, das als Klage um die toten Helden empfunden wird. Es ist diese sanfte und traurige Musik, die das Ergebnis des vorherigen mächtigen Drucks wird. Intonation ändert sich Hauptthema weiter drin Wiederholung. Die Klangfarbe des Themas ändert sich: Statt einer g-moll-Abweichung leuchten helle Dur-Farben. Wie die Entwicklung ist Teil I Code einer der

der grandioseste in Bezug auf Lautstärke und dramatisch intensiv. In prägnanterer Form wiederholt es den Weg der Entwicklung, aber das Ergebnis dieses Weges ist anders: kein trauriger Höhepunkt in Moll, sondern die Behauptung eines siegreichen Heldenbildes. Der letzte Abschnitt der Coda schafft eine Atmosphäre des nationalen Triumphs, ein freudiger Impuls, der durch eine reiche Orchestertextur mit dem Summen von Pauken und Blechbläserfanfaren unterstützt wird.

II. Teil(c-moll) - Schalter figurative Entwicklung in ein Gebiet großer Tragödie. Der Komponist nannte es den „Trauermarsch“. Das Hauptthema des Marsches – die Melodie eines Trauerzuges – verbindet die rhetorischen Figuren Ausruf (Wiederholung von Tönen) und Weinen (Seufzer) mit „ruckartigen“ Synkopen, leiser Klangfülle, Mollfarben. Das Trauerthema wechselt sich mit einer anderen, männlichen Melodie in Es-dur ab, die als Verherrlichung des Helden empfunden wird. Die Komposition des Marsches basiert auf der für diese Gattung charakteristischen komplexen 3x-stimmigen Form mit einem leichten Trio in Dur (C-dur). Die 3-stimmige Form ist jedoch mit einer durchgehenden symphonischen Entwicklung gefüllt: Die Reprise, beginnend mit der üblichen Wiederholung des Anfangsthemas, schlägt unerwartet in f-Moll um, wo sie sich entfaltet Fugato An neues Thema(aber verwandte Hauptsache). Die Musik ist von ungeheurer dramatischer Spannung erfüllt, die orchestrale Klangfülle wächst. Das ist der Höhepunkt des ganzen Stückes. Im Allgemeinen ist die Lautstärke der Reprise doppelt so groß wie die des ersten Teils. Noch eins neues Aussehen- lyrische Kantilene - erscheint im Code (Des - dur): In der Musik der Ziviltrauer ist eine "persönliche" Note zu hören.

Der auffälligste Kontrast in der gesamten Symphonie besteht zwischen dem Trauermarsch und dem folgenden Scherzo, Volksbilder die vom Finale vorbereitet wird. Die Musik des Scherzos (Es - dur, eine komplexe 3-stimmige Form) ist alles in ständiger Bewegung, Impuls. Sein Hauptthema ist ein schnell rauschender Strom willensstarker Beschwörungsmotive. In Harmonie - eine Fülle von Ostinato-Bässen, Orgelpunkten, die original klingende Quartharmonien bilden. Trio voller Poesie der Natur: Das Fanfarenthema der drei Solohörner gleicht den Signalen von Jagdhörnern.

IV. Teil(Es-dur, Variationen) – dies ist der Höhepunkt der gesamten Symphonie, die Bekräftigung der Idee eines nationalen Triumphs.

1801 erschien Beethovens berühmte Mondscheinsonate. In jenen Jahren erlebte der Komponist nicht beste Zeit In meinem Leben. Einerseits war er erfolgreich und beliebt, seine Werke wurden immer beliebter, er wurde in berühmte Adelshäuser eingeladen. Der dreißigjährige Komponist machte den Eindruck eines fröhlichen, glücklichen Menschen, unabhängig und modeverachtend, stolz und zufrieden. Aber Ludwigs Seele wurde von tiefen Gefühlen gequält - er begann sein Gehör zu verlieren. Dies war eine schreckliche Katastrophe für den Komponisten, denn vor seiner Krankheit zeichnete sich Beethovens Gehör durch erstaunliche Feinheit und Genauigkeit aus, er konnte den kleinsten falschen Ton oder Ton bemerken und sich fast visuell alle Feinheiten der reichen Orchesterfarben vorstellen.

Die Ursachen der Krankheit bleiben unbekannt. Vielleicht war es eine Überanstrengung des Gehörs oder eine Erkältung und Entzündung des Ohrnervs. Wie dem auch sei, ein unerträglicher Tinnitus quälte Beethoven Tag und Nacht, und die gesamte medizinische Fachwelt konnte ihm nicht helfen. Schon um 1800 musste der Komponist sehr nah an der Bühne stehen, um die hohen Klänge des Orchesterspiels zu hören, er konnte die Worte der Menschen, die ihn ansprachen, kaum verstehen. Er verbarg seine Taubheit vor Freunden und Verwandten und versuchte, weniger gesellig zu sein. Zu dieser Zeit tauchte die junge Julia Guicciardi in seinem Leben auf. Sie war sechzehn, sie liebte Musik, spielte wunderbar Klavier und wurde Schülerin des großen Komponisten. Und Beethoven verliebte sich sofort und unwiderruflich. Er sah immer nur das Beste im Menschen, und Julia erschien ihm perfekt, ein unschuldiger Engel, der zu ihm herabkam, um seine Ängste und Sorgen zu stillen. Er war fasziniert von der Fröhlichkeit, Gutmütigkeit und Geselligkeit des jungen Studenten. Beethoven und Julia begannen eine Beziehung, und er kam auf den Geschmack des Lebens. Er fing an, öfter auszugehen, er lernte wieder, einfache Dinge zu genießen - Musik, die Sonne, das Lächeln seiner Geliebten. Beethoven träumte davon, Julia eines Tages seine Frau zu nennen. Voller Freude begann er mit der Arbeit an einer Sonate, die er „Sonate im Geiste der Fantasie“ nannte.

Aber seine Träume wurden nicht wahr. Die windige und frivole Kokette begann eine Affäre mit dem Adelsgrafen Robert Gallenberg. Sie interessierte sich nicht mehr für einen gehörlosen, ungesicherten Komponisten aus einer einfachen Familie. Sehr bald wurde Julia Gräfin von Gallenberg. Die Sonate, die Beethoven in einem Zustand echter Freude, Freude und zitternder Hoffnung zu schreiben begann, wurde in Wut und Wut vollendet. Sein erster Teil ist langsam und sanft, und das Finale klingt wie ein Hurrikan, der alles auf seinem Weg hinwegfegt. Nach Beethovens Tod in seiner Loge Schreibtisch es gab einen Brief, den Ludwig an die leichtsinnige Julia richtete. Darin schrieb er, wie viel sie ihm bedeutete und welche Sehnsucht ihn nach Julias Verrat überkam. Die Welt des Komponisten brach zusammen, und das Leben verlor seinen Sinn. Einer von Beethovens besten Freunden, der Dichter Ludwig Relshtab, nannte die Sonate nach seinem Tod „Mondschein“. Bei den Klängen der Sonate stellte er sich die stille Weite des Sees vor und das einsame Boot, das darauf im schwankenden Mondlicht trieb.