Komponisten der Romantik. Spätromantiker

Romantik in der Musik

Hauptartikel: Musik der Romantik

In der Musik entwickelte sich die Richtung der Romantik 1820 Jahre dauerte seine Entwicklung das Ganze XIX Jahrhundert. Romantische Komponisten versuchten mit Hilfe von musikalische Mittel drücken die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt des Menschen aus. Musik wird geprägter, individueller. Song-Genres entwickeln sich, einschließlich Ballade.

Vertreter der Romantik in der Musik sind: in Österreich - Franz Schubert; v Deutschland - Ernst Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v Italien - Niccolò Paganini, Vincenzo Bellini, früh Giuseppe Verdi; In Frankreich - G. Berlioz, D. F. Ober, J. Meyerbeer; v Polen - Frederic Chopin; v Ungarn - Franz Liszt.

In Russland arbeiteten sie im Einklang mit der Romantik A. A. Aliabiev, M. I. Glinka, Dargomyschski, Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky,Borodin, Cui, P. I. Tschaikowsky.

Die Idee der Kunstsynthese fand ihren Ausdruck in der Ideologie und Praxis der Romantik. Die Romantik in der Musik entstand in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts unter dem Einfluss der Literatur der Romantik und entwickelte sich in enger Verbindung mit ihr, mit der Literatur im Allgemeinen (Hinwendung zu synthetischen Gattungen, vor allem Oper, Lied, Instrumentalminiaturen und musikalische Programmierung). Der für die Romantik charakteristische Appell an die innere Welt des Menschen drückte sich im Kult des Subjektiven aus, der Sehnsucht nach emotional Intensivem, die den Primat von Musik und Lyrik in der Romantik bestimmte.

Musik 1 Hälfte XIX v. schnell entwickelt. Eine neue Musiksprache entstand; in der Instrumental- und Kammermusik erhielt die Miniatur einen besonderen Platz; das Orchester erklang in einem vielfältigen Farbspektrum; die Möglichkeiten des Klaviers und der Violine wurden auf eine neue Weise offenbart; Die Musik der Romantiker war sehr virtuos.

Die musikalische Romantik manifestierte sich in vielen verschiedenen Zweigen, die mit verschiedenen verbunden sind nationale Kulturen und mit verschiedenen sozialen Bewegungen. So unterscheiden sich beispielsweise der intime, lyrische Stil der deutschen Romantiker und das für Kreativität charakteristische „rednerische“ bürgerliche Pathos erheblich. Französische Komponisten. Vertreter neuer nationaler Schulen, die auf der Grundlage einer breiten nationalen Befreiungsbewegung entstanden (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), sowie Vertreter der italienischen Opernschule, die eng mit der Risorgimento-Bewegung verbunden sind (Verdi, Bellini) unterscheiden sich in vielerlei Hinsicht von Zeitgenossen in Deutschland, Österreich oder Frankreich, insbesondere durch die Tendenz, die klassischen Traditionen zu bewahren.

Dennoch sind sie alle von einigen allgemeinen künstlerischen Prinzipien geprägt, die es uns erlauben, von einer einzigen romantischen Denkstruktur zu sprechen.

Aufgrund der besonderen Fähigkeit der Musik, die reiche Welt menschlicher Erfahrungen tief und eindringlich zu offenbaren, wurde sie von der romantischen Ästhetik an die erste Stelle unter den anderen Künsten gestellt. Viele Romantiker betonten einen intuitiven Beginn der Musik, schrieben ihr die Eigenschaft zu, das „Unerkennbare“ auszudrücken. Die Werke herausragender romantischer Komponisten hatten eine starke realistische Grundlage. Interesse am Leben gewöhnliche Menschen, die Fülle des Lebens und die Wahrheit der Gefühle, das Vertrauen in die Musik des Alltags bestimmte den Realismus der Arbeit der besten Vertreter der musikalischen Romantik. Reaktionäre Tendenzen (Mystik, Realitätsflucht) sind nur in relativ wenigen Werken der Romantik angelegt. Sie erschienen teilweise in der Oper Euryanta von Weber (1823), in einigen Musikdramen von Wagner, im Oratorium Christ von Liszt (1862) usw.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts tauchten grundlegende Studien der Folklore, Geschichte, antiken Literatur auf, mittelalterliche Legenden, gotische Kunst und die vergessene Kultur der Renaissance wurden wiederbelebt. In dieser Zeit entwickelten sich im Werk des Komponisten in Europa viele nationale Schulen besonderer Art, die dazu bestimmt waren, die Grenzen der gemeinsamen europäischen Kultur erheblich zu erweitern. Russisch, das bald, wenn nicht den ersten, dann einen der ersten Plätze im kulturellen Schaffen der Welt einnahm (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tschaikowsky), Polnisch (Chopin, Moniuszko), Tschechisch (Sauerrahm, Dvorak), Ungarisch ( List), dann Norwegisch (Grieg), Spanisch (Pedrel), Finnisch (Sibelius), Englisch (Elgar) - alle, die sich in den allgemeinen Mainstream des Schaffens des Komponisten in Europa einfügten und sich keineswegs gegen die etablierten alten Traditionen stellten . Es entstand ein neuer Kreis von Bildern, die die einzigartigen nationalen Merkmale der nationalen Kultur zum Ausdruck brachten, der der Komponist angehörte. Die Intonationsstruktur des Werks ermöglicht es Ihnen, die Zugehörigkeit zu einer bestimmten nationalen Schule sofort nach Gehör zu erkennen.

Komponisten beziehen in die gemeinsame europäische Musiksprache die intonatorischen Wendungen der alten, meist bäuerlichen Folklore ihrer Länder ein. Sie reinigten sozusagen das russische Volkslied von der lackierten Oper, sie führten in das kosmopolitische Intonationssystem des 18. Jahrhunderts Liedwendungen volkstümlicher Alltagsgattungen ein. Das auffälligste Phänomen in der Musik der Romantik, das im Vergleich zur figurativen Sphäre der Klassik besonders lebhaft wahrgenommen wird, ist die Dominanz des lyrisch-psychologischen Prinzips. Eine Besonderheit der musikalischen Kunst im Allgemeinen ist natürlich die Brechung jeglicher Phänomene durch die Sphäre der Gefühle. Musik aller Epochen unterliegt diesem Muster. Aber die Romantiker übertrafen alle ihre Vorgänger im Wert des lyrischen Anfangs in ihrer Musik, in Kraft und Perfektion bei der Vermittlung der Tiefen der inneren Welt eines Menschen, der subtilsten Stimmungsschattierungen.

Das Thema Liebe nimmt darin einen dominierenden Platz ein, denn es ist dieser Geisteszustand, der alle Tiefen und Nuancen der menschlichen Psyche am umfassendsten und vollständigsten widerspiegelt. Aber in der höchste Grad Charakteristisch ist, dass sich dieses Thema nicht auf die Motive der Liebe beschränkt buchstäblich Worte, sondern wird mit den unterschiedlichsten Phänomenen identifiziert. Die rein lyrischen Erfahrungen der Figuren offenbaren sich vor dem Hintergrund eines breiten historischen Panoramas. Die Liebe eines Menschen zu seiner Heimat, zu seinem Vaterland, zu seinem Volk zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk aller romantischen Komponisten.

In musikalischen Werken kleiner und großer Formen nimmt das Naturbild einen großen Platz ein, eng und untrennbar mit dem Thema der lyrischen Beichte verwoben. Wie die Bilder der Liebe verkörpert das Bild der Natur den Geisteszustand des Helden, der so oft von einem Gefühl der Disharmonie mit der Realität geprägt ist.

Das Thema Fantasie konkurriert oft mit Naturbildern, die wahrscheinlich durch den Wunsch erzeugt werden, der Gefangenschaft des wirklichen Lebens zu entkommen. Typisch für Romantiker war die Suche nach einer wunderbaren, im Farbenreichtum funkelnden Welt, die dem grauen Alltag entgegensteht. In diesen Jahren wurde die Literatur mit Märchen und Balladen russischer Schriftsteller bereichert. Die Komponisten der romantischen Schule haben fabelhafte, fantastische Bilder eine nationale Identität annehmen. Die Balladen sind von russischen Schriftstellern inspiriert, und dank dessen entstehen Werke mit einem fantastischen grotesken Plan, die sozusagen die falsche Seite des Glaubens symbolisieren und sich bemühen, die Ideen der Angst vor den Mächten des Bösen umzukehren.

Viele romantische Komponisten traten auch als Musikschriftsteller und -kritiker auf (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt etc.). Die theoretische Arbeit von Vertretern der progressiven Romantik hat einen sehr bedeutenden Beitrag zur Entwicklung der wichtigsten Fragen der Musikkunst geleistet. Die Romantik fand auch in den darstellenden Künsten ihren Ausdruck (der Geiger Paganini, der Sänger A. Nurri und andere).

Die progressive Bedeutung der Romantik in dieser Zeit liegt hauptsächlich in der Aktivität Franz Liszt. Liszts Werk war trotz der widersprüchlichen Weltanschauung im Grunde progressiv, realistisch. Einer der Begründer und Klassiker der ungarischen Musik, ein herausragender nationaler Künstler.

Ungarische Nationalthemen spiegeln sich in vielen von Liszts Werken wider. Liszts romantische, virtuose Kompositionen erweiterten die technischen und Ausdrucksmöglichkeiten des Klavierspiels (Konzerte, Sonaten). Bedeutsam waren Liszts Verbindungen zu Vertretern der russischen Musik, deren Werke er aktiv förderte.

Gleichzeitig spielte Liszt eine große Rolle in der Entwicklung der Weltmusikkunst. Nach Liszt sei „für das Pianoforte alles möglich geworden“. Die charakteristischen Merkmale seiner Musik sind Improvisation, romantisches Hochgefühl, ausdrucksstarke Melodie. Liszt wird als Komponist, Performer, Musiker geschätzt. Hauptwerke des Komponisten: Oper „ Don Sancho oder das Schloss der Liebe„(1825), 13 sinfonische Dichtungen“ Tasso”, ” Prometheus”, “Weiler“ und andere, Werke für Orchester, 2 Konzerte für Klavier und Orchester, 75 Romanzen, Chöre und andere ebenso bekannte Werke.

Eine der ersten Manifestationen der Romantik in der Musik war Kreativität Franz Schubert(1797-1828). Schubert ging als größter Begründer der musikalischen Romantik und Schöpfer einer Reihe neuer Gattungen in die Musikgeschichte ein: romantische Symphonie, Klavierminiatur, lyrisch-romantisches Lied (Romanze). Das Wichtigste in seiner Arbeit ist Lied, in denen er besonders viele innovative Tendenzen zeigte. In Schuberts Liedern offenbart sich die innere Welt eines Menschen am tiefsten, seine charakteristische Verbindung zur Volksmusik ist am deutlichsten, eines der wesentlichsten Merkmale seines Talents ist am deutlichsten - die erstaunliche Vielfalt, Schönheit und Anmut der Melodien. ZU die besten Lieder frühe Periode gehören zu " Margarita am Spinnrad”(1814) , “König des Waldes". Beide Lieder sind nach Goethes Worten geschrieben. Im ersten erinnert sich das verlassene Mädchen an ihre Geliebte. Sie ist einsam und leidet tief, ihr Lied ist traurig. Eine einfache und aufrichtige Melodie wird nur vom monotonen Summen der Brise widergehallt. „Der Waldkönig“ ist ein komplexes Werk. Dies ist kein Lied, sondern eine dramatische Szene, in der drei Charaktere vor uns erscheinen: ein Vater, der auf einem Pferd durch den Wald reitet, ein krankes Kind, das er bei sich trägt, und ein beeindruckender Waldkönig, der einem fiebrigen Jungen erscheint Delirium. Jeder von ihnen hat seine eigene melodische Sprache. Schuberts Lieder "Forelle", "Barkarole", "Morgenständchen" sind nicht weniger berühmt und beliebt. Diese in späteren Jahren geschriebenen Lieder zeichnen sich durch ihre überraschend einfache und ausdrucksstarke Melodie und ihre frischen Farben aus.

Schubert schrieb auch zwei Liederzyklen - „ schöner Müller"(1823), und" Winterweg"(1872) - zu Worten Deutscher Dichter Wilhelm Müller. In jedem von ihnen werden die Lieder durch eine Handlung vereint. Die Lieder des Zyklus „Die schöne Müllerin“ erzählen von einem kleinen Jungen. Dem Lauf des Baches folgend, begibt er sich auf die Suche nach seinem Glück. Die meisten Lieder in diesem Zyklus haben einen leichten Charakter. Ganz anders die Stimmung des Zyklus „Winterweg“. Ein armer junger Mann wird von einer reichen Braut verstoßen. Verzweifelt verlässt er seine Heimatstadt und zieht um die Welt. Seine Begleiter sind der Wind, ein Schneesturm, eine bedrohlich krächzende Krähe.

Die wenigen hier angeführten Beispiele erlauben es uns, auf die Besonderheiten von Schuberts Songwriting einzugehen.

Schubert liebte es zu schreiben Klaviermusik. Für dieses Instrument schrieb er eine Vielzahl von Werken. Seine Klavierwerke waren wie Lieder nah an der Alltagsmusik und ebenso einfach und verständlich. Die bevorzugten Genres seiner Kompositionen waren Tänze, Märsche und In letzten Jahren Leben - spontan.

Walzer und andere Tänze traten gewöhnlich auf Schuberts Bällen, bei Landspaziergängen auf. Dort improvisierte er sie und nahm sie zu Hause auf.

Wenn wir Schuberts Klavierstücke mit seinen Liedern vergleichen, finden wir viele Gemeinsamkeiten. Zunächst einmal ist es eine große melodische Ausdruckskraft, Anmut, farbenfrohes Nebeneinander von Dur und Moll.

Einer der größten Französisch Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts George Bizet, der Schöpfer einer unsterblichen Kreation für das Musiktheater - Opern “Carmen„und wunderbare Musik zum Drama von Alphonse Daudet“ Arlesisch”.

Bizets Arbeit zeichnet sich durch Genauigkeit und Klarheit des Denkens, Neuheit und Frische der Ausdrucksmittel, Vollständigkeit und Eleganz der Form aus. Bizet zeichnet sich durch die Schärfe der psychologischen Analyse beim Verständnis menschlicher Gefühle und Handlungen aus, die für die Arbeit der großen Landsleute des Komponisten - der Schriftsteller Balzac, Flaubert, Maupassant - charakteristisch ist. Der zentrale Ort im genreübergreifenden Schaffen Bizets gehört der Oper. Die Opernkunst des Komponisten entstand auf nationalem Boden und wurde von den Traditionen des französischen Opernhauses genährt. Bizet sah die erste Aufgabe in seinem Werk in der Überwindung des Bestehenden Französische Oper Genrebeschränkungen behindern seine Entwicklung. Die „große“ Oper erscheint ihm als tote Gattung, die lyrische Oper irritiert mit ihrer Weinerlichkeit und kleinbürgerlichen Borniertheit, die Komik verdient mehr Aufmerksamkeit als andere. Zum ersten Mal erscheinen in Bizets Oper saftige und lebhafte häusliche und Massenszenen, die das Leben und lebendige Szenen vorwegnehmen.

Bizets Musik zu Alphonse Daudets Drama „Arlesisch“ ist vor allem für zwei Konzertsuiten bekannt, die aus ihren besten Nummern bestehen. Bizet verwendete einige authentische provenzalische Melodien : „Marsch der Heiligen Drei Könige“ Und "Tanz der munteren Pferde".

Bizets Oper Carmen“ – ein Musikdrama, das mit überzeugender Wahrhaftigkeit und mit fesselnder künstlerischer Kraft vor dem Publikum die Liebes- und Todesgeschichte seiner Helden entfaltet: des Soldaten Jose und der Zigeunerin Carmen. Opera Carmen wurde auf der Grundlage der Traditionen des französischen Musiktheaters geschaffen, brachte aber gleichzeitig auch viele neue Dinge mit. Basierend auf den besten Errungenschaften der Nationaloper und der Reformierung ihrer wichtigsten Elemente schuf Bizet neues Genre- realistisches Musikdrama.

In der Geschichte des Opernhauses des 19. Jahrhunderts nimmt die Oper Carmen einen der ersten Plätze ein. Seit 1876 beginnt ihr Siegeszug durch die Bühnen. Opernhäuser Wien, Brüssel, London.

Die Manifestation einer persönlichen Beziehung zur Umwelt wurde von Dichtern und Musikern vor allem in Unmittelbarkeit, emotionaler „Offenheit“ und Leidenschaft des Ausdrucks ausgedrückt, um den Zuhörer mit Hilfe der unaufhörlichen Intensität des Tons zu überzeugen Anerkennung oder Geständnis.

Diese neuen Strömungen in der Kunst hatten entscheidenden Einfluss auf die Entstehung Lyrische Oper. Es entstand als Antithese zu „groß“ und komische Oper, aber sie kam nicht an ihren Eroberungen und Errungenschaften auf dem Gebiet der Operndramaturgie und der musikalischen Ausdrucksmittel vorbei.

Eine Besonderheit des neuen Operngenres war die lyrische Interpretation jeder literarischen Handlung - historisch, philosophisch oder modernes Thema. Die Helden der lyrischen Oper sind mit den Merkmalen gewöhnlicher Menschen ausgestattet, ohne Exklusivität und etwas Übertreibung, die für eine romantische Oper charakteristisch sind. Der bedeutendste Künstler auf dem Gebiet der lyrischen Oper war Charles Gounod.

Unter dem ziemlich zahlreichen Opernerbe von Gounod ist die Oper „ Faust" nimmt einen besonderen und, könnte man sagen, außergewöhnlichen Platz ein. Ihr weltweiter Ruhm und Popularität werden von Gounods anderen Opern nicht erreicht. Die historische Bedeutung der Oper Faust ist besonders groß, weil sie nicht nur die beste, sondern im Wesentlichen die erste unter den Opern der neuen Richtung war, über die Tschaikowsky schrieb: „Es ist unmöglich zu leugnen, dass Faust geschrieben wurde, wenn nicht mit Genie, dann mit außergewöhnlichem Können und ohne nennenswerte Identität.“ Im Bild von Faust werden die scharfe Widersprüchlichkeit und „Verzweigung“ seines Bewusstseins, die ewige Unzufriedenheit, die durch den Wunsch, die Welt zu kennen, verursacht wird, geglättet. Gounod konnte nicht die ganze Vielseitigkeit und Komplexität des Bildes von Goethes Mephistopheles vermitteln, der den Geist der militanten Kritik dieser Zeit verkörperte.

Einer der Hauptgründe für die Popularität von "Faust" war, dass er das Beste und grundlegend Neue an der jungen Gattung der lyrischen Oper konzentrierte: eine emotional direkte und lebendig individuelle Übertragung der Innenwelt der Opernfiguren. Die tiefe philosophische Bedeutung von Goethes Faust, der die historischen und gesellschaftlichen Schicksale der gesamten Menschheit am Beispiel des Konflikts der Hauptfiguren aufzuzeigen suchte, verkörperte Gounod in Form eines humanen lyrischen Dramas von Margarete und Faust.

Französischer Komponist, Dirigent, Musikkritiker Hektor Berlioz als größter romantischer Komponist, Schöpfer der Programmsymphonie, Erneuerer auf dem Gebiet der musikalischen Form, der Harmonielehre und insbesondere der Instrumentierung in die Musikgeschichte eingegangen. In seiner Arbeit fanden sie eine lebendige Verkörperung der Merkmale revolutionären Pathos und Heldentums. Berlioz kannte M. Glinka, dessen Musik er sehr schätzte. Er war mit den Führern der "Mighty Handful" befreundet, die seine Schriften und kreativen Prinzipien begeistert annahmen.

Er schuf 5 musikalische Bühnenwerke, darunter die Oper „ Benvenuto Cillini”(1838), “ Trojaner”,”Beatrice und Benedikt(basierend auf Shakespeares Komödie Viel Lärm um nichts, 1862); 23 Vokal- und Symphoniewerke, 31 Romanzen, Chöre, er schrieb die Bücher „Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration“ (1844), „Evenings in the Orchestra“ (1853), „Through Songs“ (1862), „Musical Curiosities“ (1859), „Memoiren“ (1870), Artikel, Rezensionen.

Deutsch Komponist, Dirigent, Dramatiker, Publizist Richard Wagner ging in die Weltgeschichte ein musikalische Kultur als einer der größten Musikschöpfer und größten Reformer Opernkunst. Ziel seiner Reformen war es, ein monumentales programmatisches vokal-sinfonisches Werk in dramatischer Form zu schaffen, das alle Arten von Opern- und Symphoniemusik ersetzen sollte. Ein solches Werk war ein musikalisches Drama, in dem die Musik in einem kontinuierlichen Strom fließt und alle dramatischen Verbindungen miteinander verschmilzt. Wagner lehnte den fertigen Gesang ab und ersetzte ihn durch eine Art emotional reiches Rezitativ. Einen großen Platz in Wagners Opern nehmen eigenständige Orchesterepisoden ein, die einen wertvollen Beitrag zur weltweiten symphonischen Musik darstellen.

Wagners Hand gehört zu 13 Opern:“ Der fliegende Holländer“ (1843), „Tannhäuser“ (1845), „Tristan und Isolde“ (1865), „Gold des Rheins“ (1869) usw.; Chöre, Klavierstücke, Romanzen.

Ein weiterer herausragender deutscher Komponist, Dirigent, Pianist, Lehrer und Musiker war Felix Mendelssohn Bartholdy. Ab seinem 9. Lebensjahr begann er als Pianist aufzutreten, mit 17 schuf er eines der Meisterwerke - eine Ouvertüre zu einer Komödie " Ein Sommernachtstraum“ Shakespeare. 1843 gründete er in Leipzig das erste Konservatorium Deutschlands. Im Werk Mendelssohns, „einem Klassiker unter den Romantikern“, verbinden sich romantische Züge mit der klassischen Denkweise. Seine Musik zeichnet sich durch helle Melodie, Demokratismus des Ausdrucks, Mäßigung der Gefühle, Ruhe des Denkens, das Vorherrschen heller Emotionen, lyrische Stimmungen, nicht ohne einen leichten Hauch von Sentimentalität, makellose Formen, brillante Handwerkskunst aus. R. Schumann nannte ihn „Mozart des 19. Jahrhunderts“, G. Heine – „ein musikalisches Wunder“.

Autor von landschaftsromantischen Symphonien („schottisch“, „italienisch“), Programmkonzertouvertüren, einem beliebten Violinkonzert, Stückzyklen für Pianoforte „Lied ohne Worte“; die Opern Camachos Hochzeit Er schrieb Musik für das dramatische Stück Antigone (1841), Ödipus in Colon (1845) von Sophokles, Atalia von Racine (1845), Shakespeares Ein Sommernachtstraum (1843) und andere; Oratorien "Paul" (1836), "Elia" (1846); 2 Konzerte für Klavier und 2 für Violine.

INItalienisch Musikkultur ein besonderer Platz gehört GiuseppeVerdi- ein hervorragender Komponist, Dirigent, Organist. Das Hauptgebiet von Verdis Schaffen ist die Oper. Er trat vor allem als Sprecher der heroisch-patriotischen Gefühle und nationalen Befreiungsideen des italienischen Volkes auf. In den Folgejahren widmete er sich in seinen Opern dramatischen Konflikten, die durch soziale Ungleichheit, Gewalt, Unterdrückung und angeprangertes Böses ausgelöst wurden. Charakteristische Merkmale von Verdis Werk: Volksmusik, dramatisches Temperament, melodische Helligkeit, Verständnis für die Gesetzmäßigkeiten der Szene.

Er schrieb 26 Opern: „ Nabucco“, „Macbeth“, „Troubadour“, „La Traviata“, „Othello“, „Aida" usw . , 20 Romanzen, Vokalensembles .

Jung norwegisch Komponist Edvard Grieg (1843-1907) strebte nach der Entwicklung der nationalen Musik. Dies drückte sich nicht nur in seiner Arbeit aus, sondern auch in der Förderung der norwegischen Musik.

Während seiner Jahre in Kopenhagen schrieb Grieg viel Musik: „ Poetische Bilder“ Und "Humoreske", Sonate für Klavier und erste Violinsonate, Lieder. Mit jedem neuen Werk wird das Bild Griegs als norwegischer Komponist deutlicher. In den subtil lyrischen "Poetischen Bildern" (1863) brechen noch zaghaft nationale Züge durch. Die rhythmische Figur findet sich oft in der norwegischen Volksmusik; es wurde charakteristisch für viele von Griegs Melodien.

Griegs Werk ist umfangreich und facettenreich. Grieg schrieb Werke verschiedener Genres. Piano Concerto and Ballades, drei Sonaten für Violine und Klavier und eine Sonate für Cello und Klavier zeugt das Quartett von Griegs ständigem Verlangen nach Musik große Form. Gleichzeitig blieb das Interesse des Komponisten an Instrumentalminiaturen unverändert. Im gleichen Maße wie das Hammerklavier war der Komponist von der kammervokalen Miniatur angezogen - einer Romanze, einem Lied. Seien Sie bei Grieg nicht der Hauptdarsteller, das Feld des symphonischen Schaffens ist geprägt von Meisterwerken wie den Suiten „ Per Gounod”, “Aus Holbergs Zeiten". Ein von charakteristische Arten Griegs Werke - Bearbeitungen von Volksliedern und Tänzen: in Form von einfachen Klavierstücken, einem Suitenzyklus für Klavier zu vier Händen.

Griegs Musiksprache ist strahlend originell. Die Individualität des Komponistenstils wird vor allem durch seine tiefe Verbundenheit mit der norwegischen Volksmusik bestimmt. Grieg verwendet in großem Umfang Genremerkmale, Intonationsstrukturen, rhythmische Formeln von Volkslied- und Tanzmelodien.

Griegs bemerkenswerte Beherrschung der Variations- und Variantenentwicklung einer Melodie wurzelt in Volkstraditionen der wiederholten Wiederholung einer Melodie mit ihren Änderungen. „Ich habe die Volksmusik meines Landes aufgenommen.“ Hinter diesen Worten verbirgt sich Griegs ehrfürchtige Haltung gegenüber Volkskunst und Anerkennung seiner prägenden Rolle für seine eigene Kreativität.

Romantik und schließlich ein kraftvolles Realistisches ... folgten. II. Romantik in der russischen Malerei Romantik Anders in Russland...

Zweig hatte recht: Europa hat seit der Renaissance keine so wunderbare Generation wie Romantiker gesehen. Wunderbare Bilder der Traumwelt, nackte Gefühle und die Sehnsucht nach erhabener Spiritualität – das sind die Farben, die die Musikkultur der Romantik malen.

Die Entstehung der Romantik und ihre Ästhetik

Während in Europa die industrielle Revolution stattfand, ruhten die Hoffnungen auf den Großen Französische Revolution. Der Kult der Vernunft, proklamiert durch das Zeitalter der Aufklärung, wurde gestürzt. Der Gefühlskult und das Naturprinzip im Menschen bestiegen den Sockel.

So wurde die Romantik geboren. In der Musikkultur dauerte sie etwas mehr als ein Jahrhundert (1800-1910), während sie in verwandten Bereichen (Malerei und Literatur) ein halbes Jahrhundert früher ablief. Vielleicht ist die Musik daran „schuld“ – sie war es, die als die spirituellste und freieste der Künste an der Spitze der Romantikerkünste stand.

Anders als Vertreter der Epochen der Antike und des Klassizismus errichteten die Romantiker jedoch keine Hierarchie der Künste mit ihrer klaren Einteilung in Typen und. Das romantische System war universell, die Künste konnten sich frei ineinander bewegen. Die Idee der Synthese der Künste war eine der Schlüsselideen in der Musikkultur der Romantik.

Diese Beziehung galt auch für die Kategorien der Ästhetik: Das Schöne wurde mit dem Hässlichen, das Hohe mit dem Niedrigen, das Tragische mit dem Komischen verbunden. Solche Übergänge verband eine romantische Ironie, die auch das universelle Weltbild widerspiegelte.

Alles, was mit Schönheit zu tun hatte, bekam bei den Romantikern eine neue Bedeutung. Die Natur wurde zum Objekt der Anbetung, der Künstler wurde als der Höchste der Sterblichen vergöttert und die Gefühle wurden über die Vernunft erhoben.

Eine geistlose Wirklichkeit stand einem Traum gegenüber, schön, aber unerreichbar. Ein Romantiker baute mit Hilfe der Vorstellungskraft seine neue Welt, im Gegensatz zu anderen Realitäten.

Welche Themen wählten die romantischen Künstler?

Die Interessen der Romantiker manifestierten sich deutlich in der Wahl der Themen, die sie in der Kunst wählten.

• Thema Einsamkeit. Ein unterschätztes Genie oder ein einsamer Mensch in der Gesellschaft – diese Themen prägten die Komponisten dieser Zeit (Schumanns „Dichterliebe“, Mussorgskys „Ohne Sonne“).
• Das Thema „lyrische Beichte“. In vielen Werken romantischer Komponisten findet sich ein Hauch von Autobiographie (Schumanns Karneval, Berlioz' Phantastische Symphonie).
• Liebesthema. Im Grunde ist dies ein Thema von ungeteiltem oder tragische Liebe, aber nicht unbedingt („Liebe und Leben einer Frau“ von Schumann, „Romeo und Julia“ von Tschaikowsky).
• Pfad-Thema. Sie wird auch gerufen Reisethema. Die von Widersprüchen zerrissene Seele der Romantik suchte ihren eigenen Weg („Harald in Italien“ von Berlioz, „Wanderjahre“ von Liszt).
• Das Thema Tod. Im Grunde war es der geistige Tod (Tschaikowskis Sechste Sinfonie, Schuberts „Winterreise“).
• Thema Natur. Die Natur in den Augen einer romantischen und beschützenden Mutter, einer einfühlsamen Freundin und eines strafenden Schicksals („Die Hebriden“ von Mendelssohn, „In Zentralasien» Borodina). Auch der Kult der Heimat (Polonaises und Chopin-Balladen) ist mit diesem Thema verbunden.
• Fantasy-Thema. Die imaginäre Welt für Romantiker war viel reicher als die reale (" magischer Shooter» Weber, «Sadko» Rimski-Korsakow).

Musikgenres der Romantik

Die Musikkultur der Romantik gab Impulse für die Entwicklung der Gattungen der Kammergesangslyrik: Ballade(„Der Waldkönig“ von Schubert), Gedicht(„Lady of the Lake“ von Schubert) und Lieder, oft kombiniert in Fahrräder("Myrte" von Schumann).

romantische Oper zeichnete sich nicht nur durch die fantastische Handlung aus, sondern auch durch die starke Verbindung von Wort, Musik und Bühnenhandlung. Die Oper wird symphonisiert. Es genügt, an Wagners Ring des Nibelungen mit einem ausgebauten Leitmotivgeflecht zu erinnern.

Unter den instrumentalen Genres der Romantik gibt es Klavierminiatur. Um ein Bild oder eine momentane Stimmung zu vermitteln, reicht ihnen ein kleines Theaterstück. Trotz seines Ausmaßes ist das Stück voller Ausdruck. Sie kann sein „Lied ohne Worte“ (wie Mendelssohn) Mazurka, Walzer, Nocturne oder spielt mit programmatischen Titeln (Schumanns Impulse).

Wie Lieder werden Theaterstücke manchmal zu Zyklen zusammengefasst („Schmetterlinge“ von Schumann). Gleichzeitig bildeten Teile des Zyklus, hell kontrastierend, aufgrund musikalischer Verbindungen immer eine einzige Komposition.

Romantiker liebten Programmmusik, die sie mit Literatur, Malerei oder anderen Künsten verband. Daher regierte oft die Handlung in ihren Schriften. Es gab einsätzige Sonaten (Liszts h-Moll-Sonate), einsätzige Konzerte (Liszts erstes Klavierkonzert) und symphonische Dichtungen (Liszts Präludien), eine fünfsätzige Symphonie (Berliozs Fantastische Symphonie).

Musiksprache romantischer Komponisten

Das von den Romantikern besungene Gesamtkunstwerk beeinflusste die Mittel musikalische Ausdruckskraft. Die Melodie ist individueller geworden, sensibler für die Poetik des Wortes, und die Begleitung ist nicht mehr neutral und typisch strukturiert.

Harmony wurde mit beispiellosen Farben angereichert, um von den Erlebnissen des romantischen Helden zu erzählen, und so vermittelten die romantischen Intonationen der Mattigkeit perfekt veränderte Harmonien, die die Spannung erhöhen. Romantiker liebten auch die Wirkung von Hell-Dunkel beim Dur-Wechsel Minor mit dem gleichen Namen, Side-Step-Akkorde und schöne Tastenbelegungen. Neue Effekte wurden auch gefunden, besonders wenn es darum ging, den Volksgeist oder fantastische Bilder in Musik zu transportieren.

Überhaupt strebte die Melodie der Romantik nach Kontinuität der Entwicklung, lehnte jede automatische Wiederholung ab, vermied die Regelmäßigkeit der Akzente und hauchte jedem ihrer Motive Ausdruckskraft ein. Und die Textur ist zu einem so wichtigen Bindeglied geworden, dass ihre Rolle mit der der Melodie vergleichbar ist.

Hören Sie, was für eine wunderbare Mazurka Chopin hat!

Anstelle eines Fazits

Musikkultur der Romantik Wende des XIX und XX Jahrhundert erlebten die ersten Anzeichen einer Krise. "Frei" musikalische Gestalt begann sich aufzulösen, Harmonie überwog die Melodie, die gehobenen Gefühle der romantischen Seele wichen schmerzlicher Angst und niedrigen Leidenschaften.

Diese zerstörerischen Tendenzen machten der Romantik ein Ende und öffneten den Weg für die Moderne. Aber als Trend beendet, lebte die Romantik sowohl in der Musik des 20. Jahrhunderts als auch in der Musik des aktuellen Jahrhunderts in ihren verschiedenen Komponenten weiter. Blok hatte Recht, als er sagte, dass die Romantik "in allen Epochen des menschlichen Lebens" auftaucht.

Romantik in ihrer reinsten Form ist ein Phänomen der westeuropäischen Kunst. Auf Russisch Musik des 19 v. von Glinka bis Tschaikowsky wurden die Merkmale des Klassizismus mit den Merkmalen der Romantik kombiniert, das führende Element war ein helles, originelles nationales Prinzip.

Die Zeit (1812, der Aufstand der Dekabristen, die darauf folgende Reaktion) hinterließ ihre Spuren in der Musik. Welches Genre wir auch nehmen – Romantik, Oper, Ballett, Kammermusik – überall haben russische Komponisten ihr neues Wort gesagt.

Anfang des 19. Jahrhunderts - dies sind die Jahre der ersten und strahlenden Blüte des Romance-Genres. Die bescheidenen aufrichtigen Texte klingen immer noch und erfreuen die Zuhörer. Alexander Alexandrowitsch Aljabyjew (1787-1851). Er schrieb Romanzen zu den Versen vieler Dichter, aber die Unsterblichen sind es "Nachtigall" zu den Versen von Delvig, "Winterstraße", "Ich liebe dich" zu Puschkins Gedichten.

Alexander Egorowitsch Warlamow (1801-1848) schrieb Musik für dramatische Aufführungen, aber wir kennen ihn besser von berühmte Romanzen „Rotes Sommerkleid“, „Weck mich nicht im Morgengrauen“, „Ein einsames Segel wird weiß“.

Alexander Lwowitsch Gurilew (1803-1858)- Komponist, Pianist, Geiger und Lehrer, er besitzt solche Romanzen wie „Die Glocke läutet eintönig“, „Im Morgengrauen einer nebligen Jugend“ usw.

Den prominentesten Platz nehmen hier die Romanzen von Glinka ein. Niemand sonst hatte eine so natürliche Verschmelzung von Musik mit der Poesie von Puschkin, Schukowski, erreicht.

Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857)- ein Zeitgenosse von Puschkin, einem Klassiker der russischen Literatur, wurde der Gründer musikalische Klassiker. Sein Werk gehört zu den Höhepunkten der russischen und weltweiten Musikkultur. Es verbindet harmonisch Reichtum Volksmusik und die höchsten Errungenschaften der Komponistenkunst. Glinkas zutiefst volkstümlich realistisches Werk spiegelte die mächtige Blüte der russischen Kultur in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wider, die mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 und der Dekabristenbewegung verbunden war. Leichter, lebensbejahender Charakter, Harmonie der Formen, Schönheit ausdrucksvoller und melodiöser Melodien, Vielfalt, Brillanz und Subtilität der Harmonien sind die wertvollsten Eigenschaften von Glinkas Musik. IN berühmte Oper "Iwan Susanin"(1836) erhielt einen brillanten Ausdruck der Idee des Volkspatriotismus; Die moralische Größe des russischen Volkes wird auch in der Märchenoper verherrlicht“ Ruslan und Ludmila“. Orchesterwerke von Glinka: „Fantasy-Walzer“, „Nacht in Madrid“ und vor allem "Kamarinskaja", bilden die Grundlage der russischen klassischen Symphonie. Bemerkenswert in Bezug auf die Kraft des dramatischen Ausdrucks und die Helligkeit der Merkmale der Musik für die Tragödie "Prinz Cholmsky". Glinkas Gesangstexte (Romanzen "Ich erinnere mich wundervoller Moment", "Zweifeln") ist eine unübertroffene Verkörperung der russischen Poesie in der Musik.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. die Geburt einer nationalen Musikschule. In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. dominiert von romantischen Tendenzen, die sich im Werk von A.N. Verstovsky, der in seiner Arbeit historische Themen verwendete. Der Gründer der russischen Musikschule war M.I. Glinka, der Schöpfer der wichtigsten Musikgenres: Opern ("Ivan Susanin", "Ruslan und Lyudmila"), Sinfonien, Romantik, der in seiner Arbeit aktiv Folkloremotive verwendete. Ein Innovator auf dem Gebiet der Musik war A.S. Dargomyzhsky, Autor des Opernballetts "The Triumph of Bacchus" und Schöpfer des Rezitativs in der Oper. Seine Musik war eng mit der Arbeit der Komponisten der „Mighty Handful“ – M.P. Mussorgsky, M. A. Balakireva, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, die danach strebten, in ihren Werken „das Leben zu verkörpern, egal wo es wirkt“, wandten sich aktiv historischen Handlungen und folkloristischen Motiven zu. Ihre Arbeit begründete das Genre des Musikdramas. "Boris Godunov" und "Chovanshchina" von Mussorgsky, "Prince Igor" von Borodin, "The Snow Maiden" und " königliche Braut"Rimsky-Korsakov sind der Stolz der russischen und der Weltkunst.

Einen besonderen Platz in der russischen Musik nimmt P.I. Tschaikowsky, der in seinen Werken die innere Dramatik und Aufmerksamkeit verkörperte innere Welt menschlich, charakteristisch für den Russen Literatur XIX Jahrhundert, dem sich der Komponist oft zuwandte (Opern „Eugen Onegin“, „ Pik-Dame“, „Mazepa“).

Die kürzeste Geschichte der Musik. Das vollständigste und prägnanteste Handbuch von Henley Daren

Spätromantiker

Spätromantiker

Viele der Komponisten dieser Zeit schrieben bis weit ins 20. Jahrhundert hinein Musik. Wir sprechen jedoch hier und nicht im nächsten Kapitel über sie, weil gerade der Geist der Romantik in ihrer Musik stark war.

Es sei darauf hingewiesen, dass einige von ihnen enge Verbindungen und sogar Freundschaften zu den in den Unterabschnitten „Frühromantiker“ und „Nationalisten“ erwähnten Komponisten pflegten.

Darüber hinaus sollte berücksichtigt werden, dass während dieser Zeit in unterschiedlichen europäische Länder hat so viele große Komponisten geschaffen, dass jede Einteilung nach irgendeinem Prinzip völlig willkürlich wäre. Wenn in verschiedenen Literaturen, die sich der Klassik und dem Barock widmen, ungefähr der gleiche Zeitrahmen erwähnt wird, dann wird die Romantik überall anders definiert. Es scheint, dass die Grenze zwischen dem Ende der Romantik und dem Beginn des 20. Jahrhunderts in der Musik sehr fließend ist.

Der führende Komponist des Italiens des 19. Jahrhunderts war zweifellos Giuseppe Verdi. Dieser schaut uns an leuchtende Augen ein Mann mit dickem Schnurrbart und Augenbrauen war einen ganzen Kopf größer als alle anderen Opernkomponisten.

Alle Kompositionen von Verdi sind buchstäblich überfüllt mit hellen, einprägsamen Melodien. Insgesamt schrieb er 26 Opern, von denen die meisten bis heute regelmäßig aufgeführt werden. Darunter sind die berühmtesten und herausragendsten Werke der Opernkunst aller Zeiten.

Verdis Musik wurde schon zu Lebzeiten des Komponisten hoch geschätzt. bei der Uraufführung Hades Das Publikum spendete so lange Standing Ovations, dass sich die Künstler bis zu 32 Mal verbeugen mussten.

Verdi war ein reicher Mann, aber Geld konnte die beiden Ehefrauen und zwei Kinder des Komponisten nicht vor dem frühen Tod retten, daher gab es tragische Momente in seinem Leben. Er vermachte sein Vermögen einem unter seiner Leitung errichteten Heim für alte Musiker in Mailand. Verdi selbst betrachtete die Schaffung eines Schutzraums und nicht der Musik als seine größte Leistung.

Obwohl der Name Verdi in erster Linie mit Opern verbunden ist, ist es unmöglich, ihn nicht zu erwähnen Requiem, gilt als eines der besten Beispiele Chormusik. Es ist voller Dramatik, und einige Züge der Oper schlüpfen hindurch.

Unser nächster Komponist ist keineswegs der charmanteste Mensch. Im Allgemeinen ist dies die skandalöseste und umstrittenste Figur aller in unserem Buch erwähnten. Wenn wir eine Liste erstellen würden, die nur auf Persönlichkeitsmerkmalen basiert, dann Richard Wagner würde es nie treffen. Allerdings orientieren wir uns ausschließlich an musikalischen Kriterien, und die Geschichte der klassischen Musik ist ohne diesen Mann nicht denkbar.

Wagners Talent ist unbestreitbar. Aus - unter seiner Feder kamen einige der bedeutendsten und beeindruckendsten Musikalische Kompositionen für die gesamte Romantik - insbesondere für die Oper. Gleichzeitig wird er als Antisemit, Rassist, Bürokratie, letzter Betrüger und sogar als Dieb bezeichnet, der nicht zögert, sich alles zu nehmen, was er braucht, und als unhöflicher Mensch ohne Reue. Wagner hatte ein übertriebenes Selbstwertgefühl, und er glaubte, dass sein Genie ihn über alle anderen Menschen erhebt.

Wagner ist für seine Opern bekannt. Dieser Komponist brachte die deutsche Oper auf eine ganz neue Ebene, und obwohl er zur gleichen Zeit wie Verdi geboren wurde, unterschied sich seine Musik stark von den italienischen Kompositionen dieser Zeit.

Eine von Wagners Neuerungen war, dass jeder Hauptfigur ein eigenes musikalisches Thema gegeben wurde, das jedes Mal wiederholt wurde, wenn er begann, eine bedeutende Rolle auf der Bühne zu spielen.

Heute scheint es selbstverständlich, aber damals machte diese Idee eine echte Revolution.

Wagners größte Leistung war der Zyklus Ring des Nibelungen, bestehend aus vier Opern: Rheingold, Walküre, Siegfried Und Tod der Götter. Sie finden in der Regel vier Nächte hintereinander statt und dauern insgesamt etwa fünfzehn Stunden. Diese Opern allein würden ausreichen, um ihren Komponisten zu verherrlichen. Bei aller Zweideutigkeit der Person Wagner sollte man anerkennen, dass er ein herausragender Komponist war.

Eine Besonderheit von Wagners Opern ist ihre Dauer. Sein letzte Oper parzival dauert über vier Stunden.

Der Dirigent David Randolph sagte einmal über sie:

„Das ist eine Oper aus der Kategorie derer, die bei sechs anfangen, und wenn man nach drei Stunden anschaut Armbanduhr, es stellt sich heraus, dass sie 6:20 anzeigen.

Leben Anton Brückner Als Komponist ist dies eine Lektion, wie man nicht aufgibt und auf sich selbst besteht. Er übte zwölf Stunden am Tag, widmete seine ganze Zeit der Arbeit (er war Organist) und lernte selbst viel in der Musik, wobei er in einem ziemlich reifen Alter - mit siebenunddreißig - die Beherrschung der Schreibfähigkeiten durch Korrespondenz vollendete.

Heute sind vor allem Bruckners Symphonien in Erinnerung geblieben, von denen er insgesamt neun Stücke geschrieben hat. Zeitweilig wurde er von Zweifeln an seiner musikalischen Eignung gepackt, doch Anerkennung erlangte er, wenn auch gegen Ende seines Lebens. Nachdem Sie es ausgeführt haben Sinfonien Nr. 1 Kritiker lobten schließlich den Komponisten, der zu diesem Zeitpunkt bereits 44 Jahre alt war.

Johannes Brahms nicht einer jener Komponisten, die sozusagen mit einem silbernen Stab in der Hand geboren wurden. Zum Zeitpunkt seiner Geburt hatte die Familie ihren früheren Reichtum verloren und kam kaum über die Runden. In seiner Jugend verdiente er seinen Lebensunterhalt damit, in seinen Bordellen zu spielen Heimatort Hamburg. Als Brahms erwachsen wurde, lernte er zweifellos weit entfernt von den attraktivsten Seiten des Lebens kennen.

Brahms' Musik wurde von seinem Freund Robert Schumann gefördert. Nach Schumanns Tod kam Brahms Clara Schumann nahe und verliebte sich schließlich sogar in sie. Es ist nicht genau bekannt, welche Art von Beziehung sie hatten, obwohl das Gefühl für sie wahrscheinlich eine gewisse Rolle in seinen Beziehungen zu anderen Frauen gespielt hat - er hat keiner von ihnen sein Herz geschenkt.

Als Mensch war Brahms eher hemmungslos und reizbar, aber seine Freunde behaupteten, dass in ihm Weichheit sei, obwohl er es seinen Mitmenschen nicht immer zeigte. Eines Tages, als er von einer Party nach Hause kam, sagte er:

„Wenn ich niemanden beleidigt habe, dann bitte ich ihn um Verzeihung.“

Brahms hätte den Wettbewerb um den modischsten und elegantesten Komponisten nicht gewonnen. Er kaufte nicht gern neue Kleidung und trug oft die gleiche weite, geflickte Hose, fast immer zu kurz für ihn. Bei einer Aufführung wäre ihm fast die Hose heruntergefallen. Bei einer anderen Gelegenheit musste er seine Krawatte abnehmen und sie anstelle eines Gürtels verwenden.

Brahms' Musikstil wurde stark von Haydn, Mozart und Beethoven beeinflusst, und einige Musikhistoriker behaupten sogar, er habe im Geiste der damals schon aus der Mode gekommenen Klassik geschrieben. Gleichzeitig besitzt er auch mehrere neue Ideen. Besonders erfolgreich war er darin, kleine Musikstücke zu entwickeln und sie durch das Werk hindurch zu wiederholen – was Komponisten ein „sich wiederholendes Motiv“ nennen.

Opern schrieb Brahms nicht, aber er versuchte sich in fast allen anderen Genres der klassischen Musik. Daher kann es als eines bezeichnet werden die größten Komponisten in unserem Buch erwähnt, ein wahrer Gigant der klassischen Musik. Er selbst sagte über seine Arbeit:

"Es ist nicht schwer zu komponieren, aber es ist überraschend schwierig, zusätzliche Noten unter den Tisch zu werfen."

Max Bruch wurde nur fünf Jahre nach Brahms geboren, und dieser hätte ihn sicher in den Schatten gestellt, wäre da nicht ein Werk gewesen, Violinkonzert Nr. 1.

Bruch selbst hat diese Tatsache anerkannt und mit einer für viele Komponisten ungewöhnlichen Bescheidenheit festgestellt:

„In fünfzig Jahren wird Brahms als einer der größten Komponisten aller Zeiten bezeichnet werden, und ich werde für das Schreiben des Violinkonzerts in g-Moll in Erinnerung bleiben.“

Und er sollte Recht behalten. Es stimmt, der Brujah selbst hat etwas, an das er sich erinnern muss! Er hat viele andere Werke komponiert – insgesamt etwa zweihundert – er hat besonders viele Werke für Chor und Oper, die heutzutage selten aufgeführt werden. Seine Musik ist melodisch, aber er hat nichts besonders Neues zu ihrer Entwicklung beigetragen. Vor seinem Hintergrund scheinen viele andere Komponisten dieser Zeit echte Innovatoren zu sein.

1880 wurde Bruch zum Dirigenten der Liverpool Royal Philharmonic Society ernannt, kehrte aber drei Jahre später nach Berlin zurück. Die Musiker des Orchesters waren nicht glücklich mit ihm.

Auf den Seiten unseres Buches sind wir schon vielen musikalischen Wunderkindern begegnet Camille Saint-Sans nimmt unter ihnen nicht den letzten Platz ein. Bereits im Alter von zwei Jahren lernte Saint-Saens Melodien am Klavier und lernte gleichzeitig Notenlesen und -schreiben. Im Alter von drei Jahren spielte er Theaterstücke eigene Komposition. Im Alter von zehn Jahren spielte er Mozart und Beethoven perfekt. Er interessierte sich jedoch ernsthaft für Entomologie (Schmetterlinge und Insekten) und später für andere Wissenschaften, einschließlich Geologie, Astronomie und Philosophie. Es schien so talentiertes Kind lässt sich einfach nicht auf eine Sache beschränken.

Nach seinem Abschluss am Pariser Konservatorium arbeitete Saint-Saens viele Jahre als Organist. Mit zunehmendem Alter begann er zu beeinflussen Musikalisches Leben Frankreich, und es war ihm zu verdanken, dass die Musik von Komponisten wie J. S. Bach, Mozart, Händel und Gluck häufiger aufgeführt wurde.

Am meisten berühmter Aufsatz Heiliger - Sansa - Tierkarneval, die der Komponist zu Lebzeiten aufzuführen untersagte. Er war besorgt darüber, wie Musikkritiker, nachdem er dieses Werk gehört hatte, hielt es nicht für zu leichtfertig. Immerhin ist es lustig, wenn das Orchester auf der Bühne einen Löwen, Hühner mit Hahn, Schildkröten, einen Elefanten, ein Känguru, ein Aquarium mit Fischen, Vögeln, einem Esel und einem Schwan darstellt.

Saint-Saens schrieb einige seiner anderen Kompositionen für nicht so häufige Kombinationen von Instrumenten, einschließlich der berühmten "Orgel" Symphonie Nr. 3, klang im Film "Babe".

Die Musik von Saint-Saens beeinflusste die Arbeit anderer französischer Komponisten, darunter Gabriel Faure. Dieser junge Mann übernahm die Stelle des Organisten an der Pariser Kirche St. Magdalene, die zuvor von Saint-Saens bekleidet wurde.

Und obwohl Faures Talent nicht mit dem Talent seines Lehrers verglichen werden kann, war er ein großartiger Pianist.

Fauré war ein armer Mann und arbeitete deshalb hart, spielte Orgel, leitete den Chor und gab Unterricht. Er schrieb ein Freizeit, die sehr wenige blieben, aber trotzdem gelang es ihm, mehr als zweihundertfünfzig seiner Werke zu veröffentlichen. Einige von ihnen wurden sehr lange komponiert: zum Beispiel work on Requiem dauerte über zwanzig Jahre.

1905 wurde Fauré Direktor des Pariser Konservatoriums, also der Mann, von dem die Entwicklung der französischen Musik jener Zeit maßgeblich abhing. Fünfzehn Jahre später ging Faure in den Ruhestand. Am Ende seines Lebens litt er unter Hörverlust.

Heute wird Faure außerhalb Frankreichs respektiert, obwohl er dort am meisten geschätzt wird.

Für Fans englische Musik das Aussehen einer solchen Figur wie Eduard Elgar, es muss wie ein echtes Wunder erschienen sein. Viele Musikhistoriker bezeichnen ihn als den ersten Bedeutenden Englischer Komponist nach Henry Purcell, der in der Barockzeit wirkte, obwohl wir etwas früher auch Arthur Sullivan erwähnt haben.

Elgar liebte England sehr, besonders seine Heimatstadt Worcestershire, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte und Inspiration in den Feldern der Malvern Hills fand.

Als Kind war er überall von Musik umgeben: Sein Vater besaß ein lokales Musikgeschäft und brachte dem kleinen Elgar bei, verschiedene zu spielen Musikinstrumente. Bereits im Alter von zwölf Jahren ersetzte der Junge den Organisten bei Gottesdiensten.

Nachdem er in einer Anwaltskanzlei gearbeitet hatte, beschloss Elgar, sich einem finanziell weniger abgesicherten Beruf zu widmen. Einige Zeit arbeitete er halbtags, gab Geigen- und Klavierunterricht, spielte in örtlichen Orchestern und dirigierte sogar ein wenig.

Allmählich wuchs Elgars Ruhm als Komponist, obwohl er sich schwer tun musste, seinen Weg außerhalb seines Heimatlandes zu finden. Der Ruhm brachte ihn Variationen auf ursprüngliches Thema, die heute besser bekannt sind als Enigma-Variationen.

Jetzt wird Elgars Musik als sehr englisch empfunden und erklingt bei den größten Veranstaltungen des nationalen Maßstabs. Bei den ersten Tönen davon Cellokonzert die englische Landschaft taucht sofort auf. Nimrod aus Variationen oft bei offiziellen Zeremonien gespielt, und Feierlicher und zeremonieller Marsch Nr. 1, bekannt als Land der Hoffnung und des Ruhms aufführen Abschlussfeiern in ganz Großbritannien.

Elgar war ein Familienmensch und liebte ein ruhiges, geordnetes Leben. Trotzdem hat er seine Spuren in der Geschichte hinterlassen. Dieser Komponist mit einem dicken, üppigen Schnurrbart ist auf der 20-Pfund-Banknote sofort zu erkennen. Offensichtlich stellten die Designer von Banknoten fest, dass solche Gesichtsbehaarung sehr schwer zu fälschen wäre.

In Italien wurde Giuseppe Verdis Nachfolger in der Opernkunst Giacomo Puccini, gilt als einer der anerkannten Weltmeister dieser Kunstform.

Die Familie Puccini ist seit langem verbunden Kirchenmusik aber als Giacomo zum ersten Mal Oper hörte Aida Verdi erkannte er, dass dies seine Berufung war.

Nach seinem Studium in Mailand komponiert Puccini eine Oper Manon Lesko, was ihm 1893 seinen ersten großen Erfolg einbrachte. Danach folgte eine erfolgreiche Produktion auf die andere: Böhmen 1896, Sehnsucht um 1900 u Frau Schmetterling im Jahr 1904.

Insgesamt komponierte Puccini zwölf Opern, von denen die letzte war Turandot. Er starb, ohne diese Komposition fertig zu stellen, und ein anderer Komponist vollendete das Werk. Bei der Premiere der Oper stoppte Dirigent Arturo Toscanini das Orchester genau dort, wo Puccini aufgehört hatte. Er wandte sich an das Publikum und sagte:

Mit dem Tod Puccinis endete die Blütezeit der Opernkunst Italiens. In unserem Buch wird Italienisch nicht mehr erwähnt Opernkomponisten. Aber wer weiß, was die Zukunft für uns bereithält?

Im Leben Gustav Mahler Als Dirigent war er besser bekannt als als Komponist. Im Winter dirigierte er, im Sommer schrieb er in der Regel lieber.

Als Kind soll Mahler auf dem Dachboden des Hauses seiner Großmutter ein Klavier gefunden haben. Vier Jahre später, im Alter von zehn Jahren, gab er bereits seinen ersten Auftritt.

Mahler studierte am Wiener Konservatorium, wo er mit dem Komponieren begann. 1897 wurde er Direktor der Wiener Staatsoper und erlangte in den nächsten zehn Jahren auf diesem Gebiet beachtliche Berühmtheit.

Er selbst begann drei Opern zu schreiben, vollendete sie aber nie. In unserer Zeit ist er vor allem als Komponist von Symphonien bekannt. In diesem Genre besitzt er einen der echten "Hits" - Symphonie Nr. 8, an deren Aufführung mehr als tausend Musiker und Sänger beteiligt sind.

Nach Mahlers Tod kam seine Musik für 50 Jahre aus der Mode, gewann aber in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts vor allem in Großbritannien und den USA wieder an Popularität.

Richard Strauß in Deutschland geboren und in die Dynastie Wiener Strauss gehörte nicht dazu. Obwohl dieser Komponist fast die gesamte erste Hälfte des 20. Jahrhunderts lebte, gilt er bis heute als Vertreter der deutschen Musikromantik.

Die weltweite Popularität von Richard Strauss litt etwas darunter, dass er sich entschied, nach 1939 in Deutschland zu bleiben, und ihm nach dem Zweiten Weltkrieg voll und ganz der Kollaboration mit den Nazis vorgeworfen wurde.

Strauss war ein ausgezeichneter Dirigent, dank dessen er perfekt verstand, wie dieses oder jenes Instrument im Orchester klingen sollte. Dieses Wissen wendete er oft in der Praxis an. Er gab auch anderen Komponisten verschiedene Ratschläge, wie zum Beispiel:

„Schau niemals Posaunen an, du ermutigst sie nur.“

„Schwitzen Sie nicht, während Sie auftreten; nur die Zuhörer sollen heiß werden.“

An Strauss erinnert man sich heute vor allem im Zusammenhang mit seiner Komposition Also sprach Zarathustra, das Intro, das Stanley Kubrick in seinem Film 2001: Odyssee im Weltraum verwendet hat. Aber er hat auch einige der besten deutschen Opern geschrieben, darunter - Rosenkavalier, Salome Und Ariadne auf Naxos. Ein Jahr vor seinem Tod komponierte er auch sehr schön Vier neuste Lieder für Stimme und Orchester. Eigentlich waren dies nicht die letzten Lieder von Strauss, aber sie wurden zu einer Art Finale seines Schaffens.

Bisher gab es unter den in diesem Buch erwähnten Komponisten nur einen Vertreter Skandinaviens - Edvard Grieg. Aber jetzt werden wir wieder in dieses raue und kalte Land transportiert - diesmal nach Finnland, wo Jean Sibelius, großes musikalisches Genie.

Die Musik von Sibelius nahm die Mythen und Legenden seiner Heimat auf. Sein größte Arbeit, Finnland, gilt wie in Großbritannien als Verkörperung des Nationalgeistes der Finnen nationaler Schatz Elgars Werke werden anerkannt. Außerdem war Sibelius, wie Mahler, ein wahrer Meister der Sinfonien.

Was die anderen Leidenschaften des Komponisten betrifft, so trank und rauchte er in seinem täglichen Leben übermäßig, so dass er im Alter von über vierzig Jahren an Kehlkopfkrebs erkrankte. Außerdem fehlte ihm oft das Geld, und der Staat gab ihm eine Rente, damit er weiter Musik schreiben konnte, ohne sich um sein finanzielles Wohlergehen sorgen zu müssen. Aber mehr als zwanzig Jahre vor seinem Tod hörte Sibelius überhaupt auf, irgendetwas zu komponieren. Er lebte den Rest seines Lebens in relativer Einsamkeit. Er war besonders hart gegenüber denen, die Geld für Rezensionen seiner Musik erhielten:

„Achten Sie nicht darauf, was die Kritiker sagen. Bisher hat noch kein einziger Kritiker eine Statue bekommen.“

Der letzte in unserer Liste der Komponisten der Romantik lebte ebenfalls bis fast zur Mitte des 20. Jahrhunderts, obwohl die meisten seiner am meisten Berühmte Werke er schrieb in den 1900er Jahren. Und doch zählt er zu den Romantikern, und es scheint uns, dass dies der romantischste Komponist der ganzen Gruppe ist.

Sergej Wassiljewitsch Rahmaninow wurde in eine Adelsfamilie hineingeboren, die damals viel Geld ausgegeben hatte. Schon früh entwickelte er ein Interesse an Musik frühe Kindheit, und seine Eltern schickten ihn zum Studium, zuerst nach St. Petersburg und dann nach Moskau.

Rachmaninow war ein überraschend talentierter Pianist, und er entpuppte sich auch als wunderbarer Komponist.

Mine Klavierkonzert Nr. 1 er schrieb mit neunzehn. Auch für seine erste Oper fand er Zeit, Aleko.

Aber dieses Leben toller musiker war in der Regel nicht besonders erfreut. Auf vielen Fotos sehen wir einen wütenden, die Stirn runzelnden Mann. Ein anderer russischer Komponist, Igor Strawinsky, bemerkte einmal:

„Die unsterbliche Essenz von Rachmaninoff war sein Stirnrunzeln. Er war 1,80 m groß und runzelte die Stirn … er war ein furchterregender Mann.“

Als der junge Rachmaninow für Tschaikowsky spielte, war er so begeistert, dass er eine Fünf mit vier Plus auf den Notenbogen setzte – die höchste Note in der Geschichte des Moskauer Konservatoriums. Bald ach junges Talent die ganze Stadt sprach.

Trotzdem blieb das Schicksal dem Musiker lange Zeit ungünstig.

Kritiker gingen sehr hart mit ihm um. Sinfonien Nr. 1, dessen Uraufführung mit einem Misserfolg endete. Das machte Rachmaninow zu schaffen. seelische Gefühle, er verlor den Glauben an seine eigene Kraft und konnte überhaupt nichts komponieren.

Nur die Hilfe des erfahrenen Psychiaters Nikolai Dahl ließ ihn schließlich aus der Krise herauskommen. Bis 1901 hatte Rachmaninoff das Klavierkonzert fertiggestellt, an dem er viele Jahre hart gearbeitet und Dr. Dahl gewidmet hatte. Diesmal begrüßte das Publikum das Werk des Komponisten mit Freude. Seitdem Klavierkonzert Nr. 2 wurde zum Liebling ein Klassiker durchgeführt von verschiedenen musikalische Gruppen weltweit.

Rachmaninow begann mit Tourneen durch Europa und die USA. Nach seiner Rückkehr nach Russland dirigierte und komponierte er.

Nach der Revolution von 1917 besuchten Rachmaninov und seine Familie Konzerte in Skandinavien. Er kehrte nie nach Hause zurück. Stattdessen zog er in die Schweiz, wo er ein Haus am Ufer des Vierwaldstättersees kaufte. Er liebte Gewässer schon immer, und jetzt, als er ein ziemlich reicher Mann wurde, konnte er es sich leisten, am Ufer zu entspannen und die sich öffnende Landschaft zu bewundern.

Rachmaninoff war ein ausgezeichneter Dirigent und gab denjenigen, die auf diesem Gebiet hervorragende Leistungen erbringen wollten, immer den folgenden Rat:

„Ein guter Dirigent muss ein guter Fahrer sein. Beide brauchen die gleichen Qualitäten: Konzentration, kontinuierliche intensive Aufmerksamkeit und Geistesgegenwart. Der Dirigent muss die Musik nur ein wenig kennen …“

1935 beschloss Rachmaninow, sich in den USA niederzulassen. Er lebte zunächst in New York und zog dann nach Los Angeles. Dort begann er für sich zu bauen neues Haus, völlig identisch mit dem, was er in Moskau hinterlassen hat.

Turchin V S

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Im Zeitalter der Romantik nahm die Musik einen herausragenden Platz im System der Künste ein. Dies liegt an seiner Spezifität, die es Ihnen ermöglicht, emotionale Erfahrungen mit Hilfe des gesamten Arsenals an Ausdrucksmitteln am vollständigsten zu reflektieren.

Romantik in der Musik erscheint im 19. Jahrhundert in den Werken von F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Wenig später spiegelte sich dieser Stil in den Werken von F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi und anderen Komponisten wider.

Die Romantik entstand im frühen 19. Jahrhundert in Europa. Es wurde eine Art Opposition zum Klassizismus. Die Romantik erlaubte dem Zuhörer einzudringen magische Welt Legenden, Lieder und Geschichten. Leitprinzip dieser Richtung ist der Gegensatz (Träume und Alltag, perfekte Welt und Alltag), erstellt kreative Vorstellungskraft Komponist. Dieser Stil war beliebt bei kreative Leute bis in die vierziger Jahre des 19. Jahrhunderts.

Romantik in der Musik spiegelt Probleme wider moderner Mann, sein Konflikt mit Außenwelt und seine Einsamkeit. Diese Themen werden zu einem zentralen Bestandteil der Arbeit von Komponisten. Im Gegensatz zu anderen begabt, fühlt sich eine Person ständig von anderen missverstanden. Sein Talent und wird zur Ursache der Einsamkeit. Deshalb sind die Lieblingshelden romantischer Komponisten Dichter, Musiker und Künstler (R. Schumann „Die Liebe eines Dichters“; Berlioz ist der Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“ zur „Fantastischen Symphonie“ usw. ).

Romantik in der Musik, die die Welt der inneren Erfahrungen einer Person vermittelt, trägt oft einen Hauch von Autobiografie, Aufrichtigkeit und Lyrik. Die Themen Liebe und Leidenschaft sind weit verbreitet. Z.B, berühmter Komponist R. Schumann widmete seiner geliebten Clara Wieck viele Klavierstücke.

Auch im Werk der Romantiker ist das Thema Natur weit verbreitet. Komponisten wehren sich oft dagegen Geisteszustand Mann, gefärbt mit Schattierungen von Disharmonie.

Das Thema Fantasy ist zu einer echten Entdeckung der Romantik geworden. Sie arbeiten aktiv an der Schaffung fantastischer Charaktere und der Übertragung ihrer Bilder durch eine Vielzahl von Elementen. musikalische Sprache( Mozart " magische Flöte"- Königin der Nacht).

Oft bezieht sich Romantik in der Musik Volkskunst. Komponisten verwenden in ihren Werken eine Vielzahl von Folkloreelementen (Rhythmen, Intonationen, alte Modi), die aus Liedern und Balladen stammen. Dadurch können Sie den Inhalt von Musikstücken erheblich bereichern.

Die Verwendung neuer Bilder und Themen erforderte die Suche nach geeigneten Formen und so weiter romantische Werke Sprachintonationen, natürliche Harmonien, Oppositionen verschiedener Tonarten, Soloparts (Stimmen) treten auf.

Die Romantik in der Musik verkörperte die Idee eines Gesamtkunstwerks. Ein Beispiel dafür sind die programmatischen Werke von Schumann, Berlioz, Liszt und anderen Komponisten (Symphonie „Harold in Italien“, Gedicht „Präludien“, Zyklus „Wanderjahre“ etc.).

Die russische Romantik spiegelte sich lebhaft in den Werken von M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tschaikowsky und anderen wider.

A. Dargomyzhsky vermittelt in seinen Werken facettenreiche psychologische Bilder („Meerjungfrau“, Romanzen). In der Oper Ivan Susanin malt M. Glinka Bilder aus dem Leben des einfachen russischen Volkes. Zu Recht gelten die Werke der Komponisten der berühmten „Mighty Handful“ als Höhepunkt. Sie benutzten Ausdrucksmittel und charakteristische Intonationen, die dem Russischen innewohnen Volkslied, Haushaltsmusik, Umgangssprache.

Später wurde dieser Stil auch von A. Scriabin (das Vorspiel "Dreams", das Gedicht "To the Flame") und S. Rachmaninov (Skizzen-Bilder, die Oper "Aleko", die Kantate "Spring") verwendet.