Hohe Komödie Tartuffe. Die Bedeutung Molières für die Entwicklung der französischen Dramaturgie, die Herausbildung des Genres der „Hohen Komödie“ in seinem Werk
Das Thema „Spießbürgertum im Adel“ in den Werken Molières. Gründe für seine Relevanz.
Die satirische Ausrichtung von Molières Komödie „Tartuffe“. Die Rolle der Komödie im Kampf gegen die feudale katholische Reaktion.
Die Besonderheit der Interpretation des Bildes von Don Juan in Molieres Komödie „Don Juan“.
Vorträge: Molière führte zur Komödie ernsthafte Probleme, spricht aber komisch darüber („make and teaching“). Erweiterung der Charaktere: Bürger + Adlige. Arten von Molières Komödien: 1. Einakter – Sitcoms; 2. Rein hohe Komödien (in der Regel fünf Akte) – teilweise in Versen verfasst (Tartuffe, Don Juan, Miser).
Libertines: 1. Die Forderung nach Gedankenfreiheit. 2. Haushaltslibertinismus – Verletzung von Verboten auf der Ebene des Alltags. Don Juan ist ein Libertin.
Bereits in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Theoretiker des Klassizismus definierten das Genre der Komödie als ein niedrigeres Genre, dessen Umfang das Privatleben, den Alltag und die Bräuche umfasste. Trotz der Tatsache, dass in Frankreich Mitte des 17. Jahrhunderts. Die Komödien wurden von Corneille, Scarron und Cyrano de Bergerac geschrieben, der wahre Schöpfer der klassischen Komödie war Jean-Baptiste Poquelin ( Künstlername- Molière, Jean Baptiste Poquelin, Molière, 1622-1673), Sohn eines Hofpolsterer-Dekorateurs. Dennoch erhielt Moliere für die damalige Zeit eine hervorragende Ausbildung. Im Jesuitenkolleg von Clermont studierte er eingehend die alten Sprachen und Literatur der Antike. Moliere bevorzugte Geschichte, Philosophie und Naturwissenschaften. Sein besonderes Interesse galt den atomistischen Lehren der materialistischen Philosophen Epikur und Lucretius. Lukrez‘ Gedicht „Über die Natur der Dinge“ übersetzte er ins Französische. Diese Übersetzung ist nicht erhalten, aber er fügte später mehrere Verse von Lucretius in Eliants Monolog („Der Menschenfeind“, II, 3) ein. An der Hochschule lernte Moliere auch die Philosophie von P. Gassendi kennen und wurde ein überzeugter Anhänger davon. Nach Gassendi glaubte Moliere an die Legitimität und Rationalität der natürlichen Instinkte des Menschen, an das Bedürfnis nach Freiheit bei der Entwicklung der menschlichen Natur. Nach seinem Abschluss am Clermont College (1639) absolvierte er ein Jurastudium an der Universität von Orleans, das er mit dem erfolgreichen Bestehen der Prüfung für den Titel eines Lizenziats der Rechte abschloss. Nach Abschluss seiner Ausbildung konnte Molière Lateinist, Philosoph, Anwalt und Handwerker werden, was sein Vater so sehr wünschte.
Die Posse faszinierte Molière durch ihre Inhalte aus dem Alltag, die Vielfalt der Themen, die Vielfältigkeit und Lebendigkeit der Bilder sowie die Vielfalt der komischen Situationen. Diese Vorliebe für Farce behielt Molière zeitlebens bei und selbst in seinen höchsten Komödien (z. B. in „Tartuffe“) führte er oft possenhafte Elemente ein. Auch die in Frankreich sehr beliebte italienische Maskenkomödie (commedia dell'arte) spielte in Molieres Werk eine bedeutende Rolle. Die Improvisation der Schauspieler während der Aufführung, die komplizierte Intrige, die aus dem Leben übernommenen Charaktere, die für die Maskenkomödie charakteristischen Prinzipien des Schauspiels wurden von Moliere in seinem Frühwerk verwendet.
Molière, der Autor, der einst sagte: „Ich nehme mein Gutes, wo ich es finde“, baut Komödien nicht nur auf originellen Intrigen auf, sondern oft auch auf der Verwendung bereits entwickelter Handlungsstränge. Damals war das durchaus akzeptabel. Moliere ist belesen und wendet sich an römische Komiker, Renaissance-Italiener, spanische Romanciers und Dramatiker sowie an seine älteren französischen Zeitgenossen; berühmte Autoren (Scarron, Rotru).
1658 kehrten Molière und seine Truppe nach Paris zurück. Im Louvre spielten sie vor dem König Corneilles Tragödie „Nycomedes“ und Molieres Farce „Doctor in Love“, in der er die Hauptrolle spielte. Molières Erfolg verdankte er seinem eigenen Stück. Auf Wunsch Ludwigs XIV. durfte Molières Truppe abwechselnd mit der italienischen Truppe Aufführungen im Hoftheater Petit Bourbon aufführen.
Um den Anforderungen des Königs gerecht zu werden und unterhaltsame Spektakel zu schaffen, wendet sich Molière einem neuen Genre zu – dem Comedy-Ballett. In Paris schrieb Molière 13 Theaterstücke, in denen Musik ein notwendiger und oft auch Hauptbestandteil war. Molières Komödien-Ballette lassen sich stilistisch in zwei Gruppen einteilen. Die erste Kategorie umfasst lyrische Stücke erhabener Natur mit einer tiefen psychologischen Charakterisierung der Hauptfiguren. Dies sind zum Beispiel „Die Prinzessin von Elis“ (1664, präsentiert in Versailles beim Festival „Die Vergnügungen der verzauberten Insel“), „Melisert“ und „Cosmic Pastoral“ (1666, präsentiert beim Festival „Ballett der Verzauberten Insel“) Musen“ in Saint-Germain), „Brillante Liebhaber“ (1670, beim Festival „Königliche Unterhaltung“, ebenda), „Psyche“ (1671, in den Tuilerien). Die zweite Gruppe besteht hauptsächlich aus satirischen Alltagskomödien mit possenhaften Elementen, zum Beispiel: Der Sizilianer (1667, in Saint-Germain), Georges Dandin (1668, in Versailles), Monsieur de Poursonac (1669, in Chambord), „Der Kaufmann in der Adel“ (1670, ebd.), „Der eingebildete Kranke“ (1673, im Palais Royal). Moliere nutzte gekonnt verschiedene Methoden, um eine harmonische Verbindung von Gesang, Musik und Tanz mit dramatischer Aktion zu erreichen. Viele Comedy-Balletts waren neben ihrem hohen künstlerischen Wert auch von großer gesellschaftlicher Bedeutung. Darüber hinaus trugen diese innovativen Stücke von Molière (in Kombination mit der Musik von Lully) zur Entstehung neuer Musikgenres in Frankreich bei: der Tragödie in der Musik, d. h. der Oper (Ballettkomödien der ersten Gruppe) und der komischen Oper (Ballettkomödien). der zweiten Gruppe) - rein französisches demokratisches Genre, das im 18. Jahrhundert seine Blütezeit erlebte.
Molière bewertet die Komödie als Genre und erklärt, dass sie der Tragödie nicht nur ebenbürtig, sondern sogar überlegen sei, weil sie „ehrliche Menschen zum Lachen bringt“ und so „hilft, Laster auszurotten“. Aufgabe der Komödie ist es, ein Spiegel der Gesellschaft zu sein, die Unzulänglichkeiten der Menschen ihrer Zeit darzustellen. Das Kriterium der künstlerischen Komödie ist die Wahrheit der Realität. Diese Wahrheit kann nur erreicht werden, wenn der Künstler Material aus dem Leben selbst schöpft, die natürlichsten Phänomene auswählt und auf der Grundlage spezifischer Beobachtungen verallgemeinerte Charaktere schafft. Der Dramatiker solle keine Porträts malen, „sondern Moral, ohne Menschen zu berühren.“ Da „die Aufgabe der Komödie darin besteht, alle Unzulänglichkeiten der Menschen im Allgemeinen und der modernen Menschen im Besonderen darzustellen“, sei es „unmöglich, eine Figur zu schaffen, die niemandem in der Umgebung ähnelt“ („Impromptu von Versailles“, I, 3). Der Autor wird niemals den gesamten Stoff erschöpfen, „das Leben liefert ihn in Hülle und Fülle“ (ebd.). Im Gegensatz zur Tragödie, in der „Helden“ dargestellt werden, muss die Komödie „Menschen“ darstellen, wobei es notwendig ist, „der Natur zu folgen“, d. „Zumindest glaube ich“, schreibt Molière, „dass es viel einfacher ist, mit hohen Gefühlen zu spielen, Unglücke in Versen zu verspotten, das Schicksal zu zerschlagen und die Götter zu verfluchen, als in die lächerlichen Seiten der Menschen einzudringen und sie zu verändern.“ Mängel in einen angenehmen Anblick verwandeln. Wenn Sie eine Figur zeichnen, tun Sie, was Sie wollen ... Aber wenn Sie Menschen zeichnen, müssen Sie sie nach der Natur zeichnen. Diese Porträts müssen ähnlich sein, und wenn man darin keine Zeitgenossen erkennen kann, hat man vergebens gearbeitet“ („Kritik an der „Schule der Frauen“, I, 7). In Anlehnung an „die größte aller Regeln ist es, zu gefallen“ (ebd.) fordert Moliere dazu auf, „auf die gesunden Urteile des Parterre“ („Kritik an der „Schule der Frauen“, I, 6) zu hören, d. h. auf die Meinung des demokratischsten Zuschauers.
Molieres Komödien lassen sich in zwei Typen einteilen, die sich in der künstlerischen Struktur, der Art des Komischen, der Intrige und dem Inhalt im Allgemeinen unterscheiden. Die erste Gruppe umfasst Alltagskomödien mit skurriler Handlung, ein- oder dreiaktig, in Prosa verfasst. Ihre Komödie ist die Komödie der Positionen (The Ridiculous Pretenders, 1659; Sganarelle, or the Imaginary Cuckold, 1660; Reluctant Marriage, 1664; Reluctant Doctor, 1666; Skalen's Scammers, 1671). Die andere Gruppe sind die „High Comedys“. Sie sollten größtenteils in Versform verfasst sein und aus fünf Akten bestehen. Comic " hohe Komödie„- das ist eine Charakterkomödie, eine intellektuelle Komödie („Tartuffe“, „Don Juan“, „Menschenfeind“, „Wissenschaftliche Frauen“ usw.).
Mitte der 1660er Jahre entstehen Molieres beste Komödien, in denen er die Laster des Klerus, des Adels und des Bürgertums kritisiert. Das erste davon war „Tartuffe oder der Betrüger“ (herausgegeben 1664, 1667 und 1669)._Das Stück sollte während der grandiosen Hoffeier „Unterhaltung auf der verzauberten Insel“ aufgeführt werden, die im Mai 1664 in Versailles stattfand. Das Stück störte jedoch den Feiertag. Gegen Moliere kam es zu einer regelrechten Verschwörung, angeführt von Königinmutter Anna von Österreich. Moliere wurde Beleidigung von Religion und Kirche vorgeworfen und forderte eine Strafe dafür. Die Aufführungen des Stücks wurden abgesagt.
Moliere unternahm den Versuch, das Stück in einer Neuauflage zu inszenieren. In der ersten Ausgabe von 1664 war Tartuffe Geistlicher. Der reiche Pariser Bürger Orgon, in dessen Haus dieser Schurke eindringt und sich als Heiliger ausgibt, hat noch keine Tochter – der Priester Tartuffe konnte sie nicht heiraten. Tartuffe kommt geschickt aus einer schwierigen Situation heraus, trotz der Vorwürfe seines Sohnes Orgon, der ihn in dem Moment erwischte, als er seiner Stiefmutter Elmira den Hof machte. Der Triumph von Tartuffe war ein eindeutiger Beweis für die Gefahr der Heuchelei.
In der zweiten Auflage (1667; wie die erste ist sie uns nicht überliefert) erweiterte Molière das Stück, fügte den bestehenden drei Akten zwei weitere Akte hinzu, in denen er die Verbindungen des Heuchlers Tartuffe mit dem Gericht, dem Gericht und der Polizei schilderte . Tartuffe erhielt den Namen Panyulf und verwandelte sich in einen Mann von Welt, der Orgons Tochter Marianne heiraten wollte. Die Komödie mit dem Titel „Der Betrüger“ endete mit der Entlarvung Panyulfs und der Verherrlichung des Königs. In der letzten uns überlieferten Ausgabe (1669) wurde der Heuchler erneut Tartuffe genannt, und das ganze Stück hieß „Tartuffe oder der Betrüger“.
Der König wusste von Molieres Stück und billigte seine Idee. Im Kampf für Tartuffe verteidigte Molière in der ersten Petition an den König die Komödie, verteidigte sich gegen den Vorwurf der Gottlosigkeit und sprach über die gesellschaftliche Rolle des satirischen Schriftstellers. Der König hob das Verbot des Stücks nicht auf, aber er befolgte nicht den Rat der tollwütigen Heiligen, „nicht nur das Buch zu verbrennen, sondern auch seinen Autor, einen Dämon, einen Atheisten und einen Wüstling, der ein teuflisches, vollgestopftes Werk schrieb.“ „Abscheuliches Theaterstück, in dem er Kirche und Religion, die heiligen Funktionen, verspottet“ („Der größte König der Welt“, Broschüre von Dr. Sorbonne Pierre Roullet, 1664).
Die Erlaubnis, das Stück in seiner zweiten Auflage aufzuführen, erteilte der König mündlich und eilig, als er zur Armee aufbrach. Unmittelbar nach der Uraufführung wurde die Komödie erneut vom Präsidenten des Parlaments (der höchsten Justizbehörde) Lamoignon verboten, und der Pariser Erzbischof Perefix veröffentlichte eine Botschaft, in der er allen Gemeindemitgliedern und Geistlichen verbot, „ein gefährliches Theaterstück vorzuführen, zu lesen oder anzuhören“. ” unter Androhung der Exkommunikation. Molière vergiftete die zweite Petition an das Hauptquartier des Königs, in der er erklärte, dass er das Schreiben komplett einstellen würde, wenn der König nicht für ihn eintreten würde. Der König versprach, die Sache zu regeln. Mittlerweile werden Komödien in Privathäusern gelesen, in Manuskripten verteilt und in geschlossenen Heimaufführungen aufgeführt (z. B. im Palast des Prinzen von Condé in Chantilly). Im Jahr 1666 starb die Königinmutter und dies gab Ludwig XIV. die Gelegenheit, Molière eine baldige Bühnenerlaubnis zuzusagen. Es kam das Jahr 1668, das Jahr des sogenannten „kirchlichen Friedens“ zwischen orthodoxem Katholizismus und Jansenismus, der zu einer gewissen Toleranz in religiösen Angelegenheiten beitrug. Damals wurde die Herstellung von Tartuffe erlaubt. Am 9. Februar 1669 war die Aufführung des Stücks ein großer Erfolg.
Was war der Grund für solch heftige Angriffe auf „Tartuffe“? Molière fühlte sich schon lange vom Thema Heuchelei angezogen, das er überall im öffentlichen Leben sah. In dieser Komödie wandte sich Moliere der damals häufigsten Form der Heuchelei zu – der religiösen – und schrieb sie auf der Grundlage seiner Beobachtungen über die Aktivitäten einer geheimen religiösen Gesellschaft – der „Gesellschaft der Heiligen Gaben“, die von Anna von Österreich gefördert wurde und zu dessen Mitgliedern sowohl Lamoignon als auch Perefix sowie die Fürsten der Kirche, der Adel und die Bourgeoisie gehörten. Der König erteilte keine Genehmigung für die offene Tätigkeit dieser verzweigten Organisation, die seit mehr als 30 Jahren bestand, die Tätigkeit der Gesellschaft war von größtem Geheimnis umgeben. Unter dem Motto „Unterdrücke alles Böse, fördere alles Gute“ haben sich die Mitglieder des Vereins den Kampf gegen Freigeist und Gottlosigkeit zur Hauptaufgabe gemacht. Da sie Zugang zu Privathäusern hatten, übten sie im Wesentlichen die Funktionen einer Geheimpolizei aus, führten verdeckte Überwachung von Verdächtigen durch, sammelten Fakten, die angeblich ihre Schuld bewiesen, und übergaben auf dieser Grundlage mutmaßliche Kriminelle an die Behörden. Mitglieder der Gesellschaft predigten Sparmaßnahmen und Askese in der Moral, hatten eine negative Einstellung gegenüber allen Arten weltlicher Unterhaltung und Theater und verfolgten eine Leidenschaft für Mode. Moliere beobachtete, wie sich die Mitglieder der „Gesellschaft der Heiligen Gaben“ einschmeichelnd und geschickt in die Familien anderer Menschen einmischten, wie sie Menschen unterwarfen und ihr Gewissen und ihren Willen völlig eroberten. Dies war der Ausgangspunkt für die Handlung des Stücks, während der Charakter von Tartuffe aus den typischen Merkmalen geformt wurde, die den Mitgliedern der „Gesellschaft der Heiligen Gaben“ innewohnen.
Wie sie ist Tartuffe mit dem Gericht verbunden, mit der Polizei, er wird bei Gericht bevormundet. Er verbirgt sein wahres Aussehen und gibt sich als verarmter Adliger aus, der auf der Kirchenveranda nach Essen sucht. Er dringt in die Familie Orgon ein, weil in diesem Haus nach der Heirat des Besitzers mit der jungen Elmira statt der früheren Frömmigkeit freie Moral, Spaß, kritische Reden zu hören sind. Darüber hinaus hinterließ Orgons Freund Argas, ein politischer Exilant und Mitglied der Parlamentarischen Fronde (1649), belastende Dokumente, die in einer Kiste aufbewahrt werden. Eine solche Familie könnte der „Gesellschaft“ durchaus verdächtig erscheinen, und für solche Familien wurde eine Überwachung eingerichtet.
Tartuffe ist nicht die Verkörperung der Heuchelei als universelles Laster, sondern ein gesellschaftlich verallgemeinerter Typus. Kein Wunder, dass er mit der Komödie nicht allein ist: Sein Diener Laurent, der Gerichtsvollzieher Loyal und die alte Frau – Orgons Mutter, Mrs. Pernel – sind heuchlerisch. Sie alle vertuschen ihre unschönen Taten mit frommen Reden und beobachten aufmerksam das Verhalten anderer. Das charakteristische Erscheinungsbild von Tartuffe entsteht durch seine imaginäre Heiligkeit und Demut: „Er betete jeden Tag in der Kirche neben mir, / In einem frommen Impuls kniete er nieder. // Er zog die Aufmerksamkeit aller auf sich“ (I, 6). Tartuffe ist nicht ohne äußere Attraktivität, er hat höfliche, einschmeichelnde Manieren, hinter denen sich Besonnenheit, Energie, ein ehrgeiziger Machthunger und die Fähigkeit zur Rache verbergen. Er hat sich gut im Haus von Orgon eingelebt, wo der Besitzer nicht nur seine kleinsten Launen befriedigt, sondern auch bereit ist, ihm seine Tochter Marianna, eine reiche Erbin, zur Frau zu geben. Orgon vertraut ihm alle Geheimnisse an und vertraut ihm auch die Aufbewahrung der wertvollen Kiste mit belastenden Dokumenten an. Tartuffe hat Erfolg, weil er ein subtiler Psychologe ist; Er spielt mit der Angst vor dem leichtgläubigen Orgon und zwingt diesen, ihm irgendwelche Geheimnisse zu verraten. Tartuffe verdeckt seine heimtückischen Pläne mit religiösen Argumenten. Er ist sich seiner Stärke bewusst und unterdrückt daher seine bösartigen Neigungen nicht. Er liebt Marianne nicht, sie ist für ihn nur eine gewinnbringende Braut, er war fasziniert von der schönen Elmira, die Tartuffe zu verführen versucht. Seine kasuistische Argumentation, dass Verrat keine Sünde sei, wenn niemand davon wisse, empört Elmira. Damis, der Sohn von Orgon, Zeuge eines geheimen Treffens, will den Bösewicht entlarven, doch er macht Orgon erneut zu seinem Beschützer, nachdem er eine Pose der Selbstgeißelung und Reue für vermeintlich unvollkommene Sünden eingenommen hat. Als Tartuffe nach dem zweiten Date in eine Falle gerät und Orgon ihn aus dem Haus wirft, beginnt er sich zu rächen und zeigt dabei voll und ganz seine bösartige, korrupte und selbstsüchtige Natur.
Aber Molière entlarvt nicht nur Heuchelei. In Tartuffe wirft er eine wichtige Frage auf: Warum ließ sich Orgon so täuschen? Dieser Mann mittleren Alters, offensichtlich nicht dumm, mit starkem Temperament und starkem Willen, erlag der weit verbreiteten Mode der Frömmigkeit. Orgon glaubte an die Frömmigkeit und „Heiligkeit“ Tartuffes und sah ihn als seinen spirituellen Mentor. Er wird jedoch zum Spielball in den Händen von Tartuffe, der schamlos erklärt, dass Orgon ihm lieber „glauben würde als seinen eigenen Augen“ (IV, 5). Der Grund dafür ist die Trägheit von Orgons Bewusstsein, das in der Unterwerfung unter Autoritäten erzogen wurde. Diese Trägheit gibt ihm nicht die Möglichkeit, die Phänomene des Lebens kritisch zu begreifen und die Menschen um ihn herum zu bewerten. Wenn Orgon nach der Enthüllung von Tartuffe dennoch ein gesundes Weltbild erlangt, dann hat seine Mutter, die alte Frau Pernel, eine dumme fromme Anhängerin träger patriarchaler Ansichten, nie das wahre Gesicht von Tartuffe gesehen.
Die in der Komödie dargestellte jüngere Generation, die sofort das wahre Gesicht von Tartuffe sah, wird durch die Magd Dorina vereint, die lange und treu im Hause Orgon gedient hat und hier geliebt und respektiert wird. Ihre Weisheit, ihr gesunder Menschenverstand und ihre Einsicht helfen dabei, die am besten geeigneten Mittel zur Bekämpfung des listigen Schurken zu finden.
Die Komödie „Tartuffe“ war von großer gesellschaftlicher Bedeutung. Darin stellte Moliere keine privaten Familienbeziehungen dar, sondern das schädlichste soziale Laster – die Heuchelei. Im Vorwort zu Tartuffe, einem wichtigen theoretischen Dokument, erläutert Molière die Bedeutung seines Stücks. Er bekräftigt den öffentlichen Zweck der Komödie und erklärt, dass „die Aufgabe der Komödie darin besteht, Laster zu geißeln, und es sollte hier keine Ausnahmen geben.“ Das Laster der Heuchelei aus staatlicher Sicht ist in seinen Folgen eines der gefährlichsten. Das Theater hat die Fähigkeit, dem Laster entgegenzuwirken. Es war die Heuchelei, nach Molieres Definition das wichtigste Staatslaster Frankreichs seiner Zeit, die zum Gegenstand seiner Satire wurde. In einer Komödie, die Lachen und Angst hervorruft, zeichnete Molière ein tiefes Bild dessen, was in Frankreich geschah. Heuchler wie Tartuffe, Despoten, Betrüger und Rächer, beherrschen ungestraft das Land und begehen echte Gräueltaten; Gesetzlosigkeit und Gewalt sind die Folgen ihrer Aktivitäten. Moliere malte ein Bild, das diejenigen, die das Land regierten, hätte alarmieren sollen. Und obwohl der ideale König am Ende des Stücks Gerechtigkeit widerfährt (was durch Molieres naiven Glauben an einen gerechten und vernünftigen Monarchen erklärt wurde), wirkt die von Moliere skizzierte soziale Situation bedrohlich.
Moliere, der Künstler, verwendete bei der Schaffung von „Tartuffe“ eine Vielzahl von Mitteln: Hier finden sich Elemente der Farce (Orgon versteckt sich unter dem Tisch), Intrigenkomödien (die Geschichte der Kiste mit Dokumenten), Sittenkomödien (Szenen in das Haus eines wohlhabenden Bürgers), Charakterkomödien (Abhängigkeit der Entwicklungshandlungen von der Natur des Helden). Gleichzeitig ist Molières Werk eine typische klassische Komödie. Darin werden alle „Regeln“ strikt eingehalten: Es dient nicht nur der Unterhaltung, sondern auch der Belehrung des Zuschauers. Im „Vorwort“ zu „Tartuffe“ heißt es: „Man kann solche Leute nicht dadurch erwischen, dass man ihre Unzulänglichkeiten darstellt.“ Sie hören sich Vorwürfe gleichgültig an, können aber Spott nicht ertragen. Komödie im angenehmen Unterricht wirft den Menschen ihre Unzulänglichkeiten vor.
„Don Giovanni oder der steinerne Gast“ (1665) wurde äußerst schnell geschrieben, um die Angelegenheiten des Theaters nach dem Verbot von Tartuffe zu verbessern. Molière wandte sich einem außerordentlich populären Thema zu, das erstmals in Spanien entwickelt wurde und von einem Ausschweifenden handelt, der in seinem Streben nach Vergnügen keine Grenzen kennt. Zum ersten Mal schrieb Tirso de Molina unter Verwendung volkstümlicher Quellen über Don Juan. Sevilla-Chroniken handeln von Don Juan Tenorio, einem Wüstling, der die Tochter des Kommandanten Gonzalo de Ulloa entführte, ihn tötete und sein Grabbild entweihte. Später erregte dieses Thema die Aufmerksamkeit von Dramatikern in Italien und Frankreich, die es als Legende über einen reuelosen Sünder ohne nationale und alltägliche Merkmale entwickelten. Moliere behandelte dieses bekannte Thema auf völlig originelle Weise und verzichtete dabei auf die religiöse und moralische Interpretation des Bildes des Protagonisten. Sein Don Juan ist ein gewöhnlicher, säkularer Mensch, und die Ereignisse, die ihm widerfahren, sind auf die Eigenschaften seiner Natur, auf alltägliche Traditionen und vieles mehr zurückzuführen Soziale Beziehungen. Don Juan von Moliere, der von Beginn des Stücks an von seiner Dienerin Sganarelle als „der größte aller Bösewichte, die die Erde je getragen hat, ein Monster, ein Hund, ein Teufel, ein Türke, ein Ketzer“ definiert wird ( I, 1), ist ein junger Draufgänger, ein Lebemann, der keine Hindernisse für die Manifestation seiner bösartigen Persönlichkeit sieht: Er lebt nach dem Prinzip „Alles ist erlaubt“. Als Moliere seinen Don Juan schuf, prangerte er nicht die Ausschweifung im Allgemeinen an, sondern die Unmoral, die dem französischen Aristokraten des 17. Jahrhunderts innewohnte; Moliere kannte diese Art von Menschen gut und beschrieb seinen Helden daher sehr zuverlässig.
Wie alle weltlichen Dandys seiner Zeit lebt Don Juan in Schulden und leiht sich Geld von dem „schwarzen Knochen“, den er verachtete – vom bürgerlichen Dimanche, den er mit seiner Höflichkeit bezaubert, und schickt ihn dann ohne Bezahlung aus der Tür Schulden. Don Juan befreite sich von jeder moralischen Verantwortung. Er verführt Frauen, zerstört die Familien anderer Menschen, versucht zynisch, jeden zu korrumpieren, mit dem er zu tun hat: einfältige Bauernmädchen, denen er jede zu heiraten verspricht, einen Bettler, dem er Gold für Gotteslästerung anbietet, Sganarelle, auf die er sich einlässt ein klares Beispiel für die Behandlung des Gläubigers Dimansh. Die „kleinbürgerlichen“ Tugenden – eheliche Treue und kindlicher Respekt – rufen bei ihm nur ein Lächeln hervor. Don Juans Vater, Don Luis, versucht seinen Sohn zur Vernunft zu bringen und überzeugt ihn davon, dass „der Titel eines Adligen durch persönliche „Würden und gute Taten“ gerechtfertigt sein muss, denn „edle Herkunft ist nichts ohne Tugend“ und „Tugend“. ist das erste Zeichen von Adel.“ Empört über die Unmoral seines Sohnes gibt Don Luis zu, dass „der Sohn einer Haushälterin, wenn er …“ gerechter Mann“, er stellt „höher als den Königssohn“, wenn dieser wie Don Juan lebt (IV, 6). Don Juan unterbricht seinen Vater nur einmal: „Wenn du dich hinsetzen würdest, wäre es für dich bequemer zu reden“, aber er drückt seine zynische Haltung ihm gegenüber mit den Worten aus: „Oh, du stirbst so schnell wie möglich, das macht mich wütend.“ dass Väter so lange leben wie Söhne“ (IV, 7). Don Juan schlägt den Bauern Piero, dem er sein Leben verdankt, als Reaktion auf seine Empörung: „Glaubst du, wenn du ein Meister bist, kannst du unsere Mädchen vor unserer Nase belästigen?“ (II, 3). Er lacht über Sganarelles Einwand: „Wenn du aus einer adeligen Familie stammst, wenn du eine blonde Perücke hast … einen Hut mit Federn … dann bist du schlauer dafür … dir ist alles erlaubt, und niemand traut sich.“ um Ihnen die Wahrheit zu sagen?" (I, 1). Don Juan weiß, dass genau das der Fall ist: Er wird in besonders privilegierten Bedingungen untergebracht. Und er beweist in der Praxis die traurige Beobachtung von Sganarelle: „Auch wenn er ein edler Herr ist schlechter Mann, dann ist es schrecklich“ (I, 1). Allerdings stellt Moliere in seinem Helden objektiv die für den Adel charakteristische intellektuelle Kultur fest. Eleganz, Witz, Mut, Schönheit – das sind auch die Merkmale von Don Juan, der nicht nur Frauen zu bezaubern weiß. Sganarelle, eine polysemantische Figur (er ist sowohl einfach als auch äußerst intelligent), verurteilt seinen Meister, obwohl er ihn oft bewundert. Don Juan ist klug, er denkt weitreichend; Er ist ein universeller Skeptiker, der über alles lacht – und über die Liebe, die Medizin und die Religion. Don Juan ist ein Philosoph, ein Freidenker. Allerdings unterstreichen die attraktiven Gesichtszüge Don Juans, gepaart mit seiner Überzeugung, dass er das Recht hat, die Würde anderer mit Füßen zu treten, nur die Vitalität dieses Bildes.
Das Wichtigste für Don Juan, einen überzeugten Frauenhelden, ist die Lust am Vergnügen. Er möchte nicht an die Missgeschicke denken, die ihn erwarten, und gibt zu: „Ich kann nicht einmal lieben, jedes neue Objekt fasziniert mich ... Nichts kann meine Wünsche aufhalten.“ Mein Herz ist in der Lage, die ganze Welt zu lieben.“ Ebenso wenig denkt er über die moralische Bedeutung seines Handelns und deren Folgen für andere nach. Molière porträtierte in Don Juan einen jener säkularen Freidenker des 17. Jahrhunderts, die ihr unmoralisches Verhalten mit einer bestimmten Philosophie begründeten: Sie verstanden Vergnügen als die ständige Befriedigung sinnlicher Wünsche. Gleichzeitig verachteten sie offen die Kirche und die Religion. Für Don Juan gibt es kein Leben nach dem Tod, keine Hölle, keinen Himmel. Er glaubt nur, dass zwei plus zwei gleich vier ist. Sganarelle hat die Oberflächlichkeit dieser Tapferkeit genau erkannt: „Es gibt solche Schurken auf der Welt, die ausschweifen, ohne dass jemand weiß, warum, und die aus sich selbst Freidenker machen, weil sie glauben, dass es ihnen passt.“ Allerdings schließt die oberflächliche säkulare Libertinage, die in Molières Don Juan in den 1660er Jahren in Frankreich so weit verbreitet war, echtes philosophisches Freidenken nicht aus: Als überzeugter Atheist gelangte er zu solchen Ansichten durch einen entwickelten Intellekt, der von Dogmen und Verboten befreit war. Und seine ironisch gefärbte Logik im Streit mit Sganarelle weiter Philosophische Themenüberzeugt den Leser und entscheidet zu seinen Gunsten. Einer von attraktive Funktionen Don Juans Aufrichtigkeit bleibt während des größten Teils des Stücks erhalten. Er ist kein Heuchler, er versucht nicht, sich besser darzustellen, als er ist, und im Allgemeinen schätzt er die Meinung anderer ein wenig. In der Szene mit dem Bettler (III, 2), der ihn nach Herzenslust verspottet, gibt er ihm dennoch Gold „nicht um Christi willen, sondern aus Menschenliebe“. Doch im fünften Akt vollzieht sich bei ihm eine markante Veränderung: Don Juan wird zum Heuchler. Der abgenutzte Sganarelle ruft entsetzt aus: „Was für ein Mann, was für ein Mann!“ Vortäuschung, die Maske der Frömmigkeit, die Don Juan aufsetzt, ist nichts weiter als eine vorteilhafte Taktik; sie ermöglicht ihm, sich aus scheinbar hoffnungslosen Situationen zu befreien; sich mit seinem Vater versöhnen, von dem er finanziell abhängig ist, und einem Duell mit dem von ihm verlassenen Bruder Elvira sicher entgehen. Wie viele in seinem sozialen Umfeld tat er nur den Anschein eines anständigen Menschen. In seinen eigenen Worten ist Heuchelei zu einem „modischen privilegierten Laster“ geworden, das jegliche Sünden vertuscht, und modische Laster werden als Tugenden angesehen. Moliere führt das in Tartuffe aufgeworfene Thema fort und zeigt den allgemeinen Charakter der Heuchelei, die in verschiedenen Klassen weit verbreitet ist und offiziell gefördert wird. Daran war auch der französische Adel beteiligt.
Bei der Schaffung von „Don Giovanni“ folgte Moliere nicht nur der alten spanischen Handlung, sondern auch den Methoden des Aufbaus einer spanischen Komödie mit ihrem Wechsel von tragischen und komischen Szenen, der Ablehnung der Einheit von Zeit und Ort, der Verletzung der Einheit Sprachstil(Die Rede der Figuren ist hier individueller als in jedem anderen Stück von Molière). Auch die Charakterstruktur des Protagonisten ist komplexer. Und doch bleibt „Don Juan“ trotz dieser teilweisen Abweichungen von den strengen Kanons der Poetik des Klassizismus im Großen und Ganzen eine klassizistische Komödie, deren Hauptzweck der Kampf gegen menschliche Laster, die Formulierung moralischer und sozialer Probleme ist Bild verallgemeinerter, typisierter Zeichen.
„Ein Kleinbürger im Adel“ (1670) wurde direkt im Auftrag Ludwigs XIV. verfasst. Als 1669 aufgrund von Colberts Politik, diplomatische und wirtschaftliche Beziehungen zu den Ländern des Ostens aufzubauen, die türkische Botschaft in Paris eintraf, empfing der König sie mit sagenhaftem Luxus. Allerdings brachten die Türken mit ihrer muslimischen Zurückhaltung keine Bewunderung für diese Pracht zum Ausdruck. Der beleidigte König wollte auf der Bühne ein Spektakel sehen, bei dem man über türkische Zeremonien lachen konnte. Dies ist der äußere Anstoß zur Entstehung des Stücks. Zunächst erfand Moliere die Szene der vom König genehmigten Einweihung in die Würde von „Mamamushi“, aus der später die gesamte Handlung der Komödie erwuchs. In den Mittelpunkt stellt er einen engstirnigen und eingebildeten Kaufmann, der um jeden Preis ein Adliger werden will. Dies lässt ihn leicht glauben, dass der Sohn des türkischen Sultans angeblich seine Tochter heiraten will.
Im Zeitalter des Absolutismus wurde die Gesellschaft in „Hof“ und „Stadt“ geteilt. Im gesamten 17. Jahrhundert Wir beobachten in der „Stadt“ eine ständige Anziehungskraft auf den „Hof“: Kauf von Ämtern, Landbesitz (was vom König gefördert wurde, da er die immer leere Schatzkammer wieder auffüllte), Schmeicheleien, Aneignung edler Manieren, Sprache und Sitten, die Die Bourgeoisie versuchte, sich denjenigen anzunähern, von denen sie die bürgerliche Herkunft trennte. Der Adel, der einen wirtschaftlichen und moralischen Niedergang erlebte, behielt jedoch seine privilegierte Stellung. Sein im Laufe der Jahrhunderte aufgebautes Ansehen, seine Arroganz und, wenn auch oft äußere, Kultur unterwarfen das Bürgertum, das in Frankreich noch nicht die Reife erreicht hatte und kein Klassenbewusstsein entwickelt hatte. Indem er das Verhältnis zwischen diesen beiden Klassen beobachtete, wollte Moliere die Macht des Adels über den Geist der Bourgeoisie zeigen, die auf der Überlegenheit der Adelskultur und dem niedrigen Entwicklungsstand der Bourgeoisie beruhte; gleichzeitig wollte er die Bourgeoisie von dieser Macht befreien, sie nüchtern machen. Molière stellt Menschen des dritten Standes, der Bourgeoisie, dar und teilt sie in drei Gruppen ein: diejenigen, die durch Patriarchat, Trägheit und Konservatismus gekennzeichnet waren; Menschen eines neuen Typs, die ein Gefühl für ihre eigene Würde besitzen, und schließlich diejenigen, die den Adel nachahmen, was sich nachteilig auf ihre Psyche auswirkt. Zu diesen Letzteren gehört der Protagonist von „The Tradesman in the Nobility“, Mr. Jourdain.
Dies ist ein Mann, der völlig von einem Traum erfüllt ist – ein Adliger zu werden. Die Möglichkeit, sich edlen Menschen zu nähern, ist für ihn Glück, sein ganzer Ehrgeiz besteht darin, Ähnlichkeit mit ihnen zu erreichen, sein ganzes Leben besteht aus dem Wunsch, sie nachzuahmen. Der Gedanke an den Adel nimmt ihn völlig in Besitz, in seiner geistigen Blindheit verliert er jede richtige Vorstellung von der Welt. Er handelt ohne Begründung, zu seinem eigenen Nachteil. Er erreicht geistige Niedergeschlagenheit und beginnt, sich seiner Eltern gegenüber zu schämen. Er lässt sich von jedem täuschen, der es will; Er wird von Lehrern für Musik, Tanz, Fechten, Philosophie, Schneidern und verschiedenen Lehrlingen beraubt. Unhöflichkeit, schlechte Manieren, Ignoranz, Vulgarität der Sprache und Manieren von Herrn Jourdain kontrastieren auf komische Weise mit seinen Ansprüchen an edle Eleganz und Glanz. Aber Jourdain sorgt für Gelächter, nicht für Ekel, denn im Gegensatz zu anderen Emporkömmlingen dieser Art verneigt er sich desinteressiert vor dem Adel, aus Unwissenheit, als eine Art Traum von Schönheit.
Herr Jourdain wird von seiner Frau bekämpft, einer wahren Vertreterin der Bourgeoisie. Dies ist eine vernünftige, praktische Frau mit Selbstwertgefühl. Sie versucht mit aller Kraft, der Manie ihres Mannes und seinen unangemessenen Ansprüchen zu widerstehen und vor allem das Haus von ungebetenen Gästen zu befreien, die von Jourdain leben und seine Leichtgläubigkeit und Eitelkeit ausnutzen. Im Gegensatz zu ihrem Mann hat sie keinen Respekt vor dem Adelstitel und verheiratet ihre Tochter lieber mit einem Mann, der ihr ebenbürtig ist und auf die bürgerlichen Verwandten nicht herabschaut. Die jüngere Generation – Jourdains Tochter Lucille und ihr Verlobter Cleont – sind Menschen eines neuen Typs. Lucille wurde gut erzogen, sie liebt Cleont wegen seiner Tugenden. Cleon ist edel, aber nicht seiner Herkunft nach, sondern seinem Charakter und seinen moralischen Eigenschaften nach: ehrlich, wahrhaftig, liebevoll, er kann der Gesellschaft und dem Staat nützlich sein.
Wer sind diejenigen, die Jourdain nachahmen möchte? Graf Dorant und Marquiseurin Dorimena – Personen edle Geburt Sie haben raffinierte Manieren und eine bestechende Höflichkeit. Aber der Graf ist ein armer Abenteurer, ein Betrüger, der um des Geldes willen zu jeder Gemeinheit bereit ist, sogar zur Angeberei. Dorimena beraubt zusammen mit Dorant Jourdain. Die Schlussfolgerung, zu der Molière den Betrachter führt, liegt auf der Hand: Lass Jourdain unwissend und einfach sein, lass ihn lächerlich und egoistisch sein, aber er ist ein ehrlicher Mann, und es gibt nichts, wofür man ihn verachten könnte. Moralisch gesehen steht Jourdain, der in seinen Träumen leichtgläubig und naiv ist, über den Aristokraten. So wurde das Komödienballett, dessen ursprünglicher Zweck darin bestand, den König in seinem Schloss Chambord zu unterhalten, wo er auf die Jagd ging, unter der Feder von Molière zu einem satirischen, sozialen Werk.
Im Werk Molières gibt es mehrere Themen, die er immer wieder aufgreift, weiterentwickelt und vertieft. Darunter sind das Thema der Heuchelei („Tartuffe“, „Don Giovanni“, „Misanthrope“, „The Imaginary Sick“ usw.), das Thema des Händlers im Adel („School of Wives“, „George Danden“). , „Der Kaufmann im Adel“), das Thema Familie, Ehe, Erziehung, Bildung. Die erste Komödie zu diesem Thema war, wie wir uns erinnern, „Die lächerlichen Prätendenten“, sie wurde in der „Schule der Ehemänner“ und „Schule der Frauen“ fortgesetzt und in der lächerlichen Komödie „Gelehrte Frauen“ (1672) vollendet Zweitens die äußerliche Leidenschaft für Wissenschaft und Philosophie in den Pariser Salons Hälfte des XVII V. Moliere zeigt, wie aus einem säkularen Literatursalon eine „wissenschaftliche Akademie“ wird, in der Eitelkeit und Pedanterie geschätzt werden und in der versucht wird, die Vulgarität und Unfruchtbarkeit des Geistes mit Ansprüchen auf die Korrektheit und Eleganz der Sprache zu überdecken (II, 6, 7; III, 2). Eine oberflächliche Faszination für die Philosophie von Platon oder die Mechanik von Descartes hindert Frauen daran, ihre unmittelbaren Grundpflichten als Ehefrau, Mutter und Hausherrin zu erfüllen. Molière sah darin eine soziale Gefahr. Er lacht über das Verhalten seiner pseudowissenschaftlichen Heldinnen – Filamintha, Belize, Armande. Aber er bewundert Henrietta, eine Frau mit klarem, nüchternem Verstand und keineswegs unwissend. Natürlich verspottet Moliere hier nicht Wissenschaft und Philosophie, sondern ein fruchtloses Spiel darin, das einer praktischen, gesunden Lebensanschauung abträglich ist.
Kein Wunder, dass Boileau, der die Arbeit von Moliere sehr schätzte, seinem Freund vorwarf, „zu beliebt“ zu sein. Der volkstümliche Charakter von Molières Komödien, der sich sowohl inhaltlich als auch formal manifestierte, basierte vor allem auf den volkstümlichen Traditionen der Farce. Moliere folgte diesen Traditionen in seiner literarischen und schauspielerischen Arbeit und bewahrte zeitlebens eine Leidenschaft für das demokratische Theater. Die Nationalität von Molières Werk wird auch durch seine belegt Volksfiguren. Dies sind vor allem Diener: Mascaril, Sganarelle, Sozy, Scapin, Dorina, Nicole, Toinette. Es waren ihre Bilder, die Molière zum Ausdruck brachte Charaktereigenschaften französischer Nationalcharakter: Fröhlichkeit, Geselligkeit, Freundlichkeit, Witz, Geschicklichkeit, Tapferkeit, gesunder Menschenverstand.
Darüber hinaus schilderte Molière in seinen Komödien die Bauern und das bäuerliche Leben mit echtem Mitgefühl (man erinnere sich an die Szenen im Dorf in „Der unwillige Doktor“ oder „Don Juan“). Auch die Sprache von Molieres Komödien zeugt von ihrer wahren Nationalität: Sie enthält oft folkloristisches Material – Sprichwörter, Sprüche, Überzeugungen, Volkslieder, die Molière mit Spontaneität, Einfachheit und Aufrichtigkeit anzog („Misanthrop“, „Teilnehmer des Adels“). Molière verwendete kühn Dialektismen, Volkspatois (Dialekt), verschiedene Umgangssprachen und Wendungen, die aus Sicht der strengen Grammatik falsch waren. Witz und volkstümlicher Humor verleihen Molières Komödien einen einzigartigen Charme.
Bei der Beschreibung der Arbeit von Molière argumentieren Forscher oft, dass er in seinen Werken „über die Grenzen des Klassizismus hinausgegangen ist“. In diesem Fall beziehen sie sich meist auf Abweichungen von den formalen Regeln der klassizistischen Poetik (zum Beispiel in Don Juan oder einigen Komödien possenhaften Typs). Dem kann man nicht zustimmen. Die Regeln für die Konstruktion der Komödie wurden nicht so streng ausgelegt wie die Regeln für die Tragödie und ließen eine größere Variation zu. Molière ist der bedeutendste und charakteristischste Komiker des Klassizismus. Moliere teilte die Prinzipien des Klassizismus als künstlerisches System und machte echte Entdeckungen auf dem Gebiet der Komödie. Er forderte eine getreue Wiedergabe der Realität und zog es vor, von der direkten Beobachtung von Lebensphänomenen zur Schaffung typischer Charaktere überzugehen. Diese Charaktere erlangen unter der Feder des Dramatikers soziale Sicherheit; Viele seiner Beobachtungen erwiesen sich daher als prophetisch: So etwa die Darstellung der Besonderheiten der bürgerlichen Psychologie.
Die Satire in Molières Komödien hatte schon immer eine soziale Bedeutung. Der Komiker malte keine Porträts und hielt keine unbedeutenden Phänomene der Realität fest. Er schuf Komödien, die das Leben und die Bräuche der modernen Gesellschaft darstellten, aber für Moliere war es im Wesentlichen eine Ausdrucksform des sozialen Protests, der Forderung nach sozialer Gerechtigkeit.
Im Zentrum seiner Weltanschauung standen experimentelle Erkenntnisse, konkrete Beobachtungen des Lebens, die er abstrakten Spekulationen vorzog. In seinen Ansichten zur Moral war Molière davon überzeugt, dass nur die Befolgung der Naturgesetze der Schlüssel zum rationalen und moralischen Verhalten eines Menschen ist. Aber er schrieb Komödien, was bedeutet, dass seine Aufmerksamkeit auf Verstöße gegen die Normen der menschlichen Natur, Abweichungen von natürlichen Instinkten im Namen weit hergeholter Werte gelenkt wurde. In seinen Komödien werden zwei Arten von „Narren“ dargestellt: diejenigen, die ihre Natur und ihre Gesetze nicht kennen (Moliere versucht, solche Menschen zu belehren und nüchtern zu machen), und diejenigen, die absichtlich ihre eigene Natur oder die Natur anderer verkrüppeln (er hält solche Menschen für gefährlich). und Isolation erfordern). Wenn die Natur eines Menschen pervertiert ist, wird er, so der Dramatiker, zu einer moralischen Deformation; Falsche, falsche Ideale liegen einer falschen, pervertierten Moral zugrunde. Molière forderte echte moralische Strenge, eine vernünftige Einschränkung des Einzelnen; Freiheit des Einzelnen bedeutet für ihn nicht, blind dem Ruf der Natur zu folgen, sondern die Fähigkeit, seine Natur den Anforderungen des Geistes unterzuordnen. Deshalb ist es Leckereien vernünftig und vernünftig.
3. Kreativität Molière. Genremerkmale seiner Werke. Tradition und Innovation.
Comedy-Tradition: Karneval(einheimisch, beliebt beim einfachen Volk) und dell arte(Italienisch, entlehnt). Mit dem Komischen ist entweder ein Positionswechsel oder eine Farce verbunden. Es gibt keine Charaktere. Nirgends. Im Allgemeinen versucht Moliere, Farce als Grundlage des Interesses des Zuschauers und Dell'Arte als Grundlage der Dramaturgie zu kombinieren. Er schuf hohe Komödien und Sitcoms. Er lehnte auch die Dreifaltigkeit ab, aber das ist nicht korrekt.
Chronologisch Molière (1622 - 1673) liegt zwischen Corneille und Racine. Moliere (richtiger Name - Poquelin, änderte ihn, um seinen Vater nicht mit seinem sündigen Schauspielberuf zu blamieren) erhielt eine Erbschaft, versuchte, ein eigenes Theater zu gründen, ging bankrott. Außerdem ritt er 13 Jahre lang mit einer Wandertruppe. In Paris entwickelt er eine Formel „Unterrichten und gleichzeitig unterhalten“. Was ein absolut klassisches Prinzip ist.
Molière beginnt mit einem gelungenen Stück „Lustige Preciosa“.
Die erste wichtige Qualität der Dramaturgie Molières. Schreibt zu aktuellen Themen. Die Aktualität in Dell'Arte lag jenseits des Dramas, jenseits der Handlung. Obwohl sie sich Dell'Arte nur ihretwegen ansahen. Für Molière wird es zum Hauptthema und zur Hauptintrige.
Die zweite wichtige Eigenschaft. Präzise Literatur ist eine Art französischer Barock. Es liegt in der Fülle süßer Worte. Sie pflegt eine Rückbesinnung auf die ritterliche Tradition und allgemein auf das Bild einer Dame im Allgemeinen. Einerseits diese Kultur soziales Problem, aber andererseits sieht Moliere hier eine Beugung (sie sagen in hoher Sprache über einige niedrige Dinge, z. B.). UND Moliere argumentiert dagegen, dass das Problem der Präzision über die Zweckmäßigkeit hinausgegangen sei. Im Allgemeinen bringt er einige Themen in den Vordergrund, kritisiert jedoch deren Verwendung.
Molière analysiert ein Problem aus verschiedenen Blickwinkeln in drei hintereinander geschriebenen Stücken: Tartuffe, Don Giovanni, Misanthrope.
“Tartuffe“ (1664).
Das Stück wurde verboten (wegen des Bildes des heuchlerischen/präzisen Tartuffe, der angeblich die Kirche beleidigt), Molière versuchte lange, das Stück wieder auf die Bühne zu bringen und erreichte es schließlich.
Das Stück basiert auf dem Familienkonflikt zwischen Orgon und seiner Mutter gegen Tatruff. Es gibt auch einen Liebeskonflikt. Molière lehnt die Geschichte der Comedy dell'Art nicht ab und verwebt sie in das Stück. Tartuffe vereint beide Konflikte, obwohl er nicht an den Konflikten selbst teilnimmt, alles ist um ihn herum. Es handelt sich nicht um eine Handlung, sondern um ein ideologisches Bild.
Das Bild von Tartuffe entsteht bereits vor dem Erscheinen von Tartuffe (vor dem zweiten Akt). Um es am Ende zu zerstören, natürlich. Bevor er erschien sollte wie ein dünner, guter Kerl erscheinen, aber in Wirklichkeit ist er ein rundlicher Lügner und ein Heuchler.
Seit 1530 führt Frankreich einen revolutionären Religionskrieg. In jüngerer Zeit der Dreißigjährige Religionskrieg. Als Teil dieser religiösen Opposition sollte der Mönch Tartuffe als gut angesehen werden, aber tatsächlich ist er es irgendwie nicht. Tartuffe fördert die Askese für alle, obwohl er genau das Gegenteil tut. Moliere spielt mit diesem Kontrast, mit der Diskrepanz zwischen Worten und Taten. Tartuffe ist ein Heuchler, Don Juan zum Beispiel jedoch nicht. Tartuffe glaubt, dass dies die einzige Möglichkeit ist, sich an das Leben anzupassen. Und er ist gerade wegen eines lebendigen Bildes Mönch. Weil es aktuell ist. Moliere wendet sich nicht gegen religiöse Ideale, sondern gegen schlechte Priester und die Tatsache, dass Werte zu manipulierbaren Objekten werden.
Historischer Zusammenhang: Der französische Absolutismus nahm schließlich Gestalt an, als Ludwig XIV. Minister ablehnte. Dem ging eine Fronde voran, in der es hieß, die höchste Aristokratie versuche, diesen absoluten Absolutismus zu verhindern. Damit Richelieu und Mazarin einige Entscheidungen beeinflussen konnten. All dies wurde von einem internen aktiven Kampf zwischen dem Parlament und der Königin begleitet. Aber am Ende verschwand die Front. Eine der führenden Figuren war der Prinz von Condé, der für seine List bekannt war. Wenn es nötig war, porträtierte er die Welt, wenn es nicht nötig war, spuckte er auf alles, bis hin zum Eintritt in die spanische Armee, also politischen Verrat.
Der erste Verstoß gegen klassische Normen ist die Wahl der Oberschicht als Helden für die Komödie. Am Ende erscheint sogar der König(!).
Der zweite Verstoß – zwei Handlungsstränge, die Einheit der Handlung bleibt nicht erhalten.
Der dritte Verstoß besteht darin, dass das Low-Comedy-Genre in Versen und nicht in Prosa geschrieben ist.
Comedy-Tricks:
Die entscheidende dramatische Rolle im Liebeskonflikt spielt die Magd Dorina – die Dell-Arte-Tradition.
Abhören (Dorina direkt, Doris aus dem Schrank und Orgon unter dem Tisch – eine Variante von Molière).
Mögliche skurrile Mittel wie Kämpfe werden als Andeutung eines Kampfes dargestellt. Er macht sie für ein großes Publikum ästhetisch akzeptabler.
Molière schuf eine hochkarätige Komödie und fügte ihr Charakter hinzu. Es entstand eine neue Art von Komödie – eine Charakterkomödie. Molière gibt den ursprünglichen komödiantischen Inhalt zurück.
“Don Juan“ (1665) und „Der Menschenfeind“ (1666).
Es ist wichtig, Generationen gegenüberzustellen.
„Ein Adliger zu sein reicht nicht aus, man muss diesen Titel mit tugendhaften Eigenschaften rechtfertigen“ (c) Don Luis – Vater.
„Du musst so leben, wie du willst“ (c) Don Juan ist ein Sohn.
Im Gegensatz zu Tartuffe können Helden nicht in positive und negative unterteilt werden. Denn Charakter setzt das Vorhandensein dieser oder jener Eigenschaften voraus. Cleanthe und Tartuffe können auf der Ebene der Idee als Protagonisten und Antagonisten betrachtet werden. In „Der Menschenfeind“ sind dies Alceste und Célimène. Resonator - Filint. Philintus, ein Freund von Alceste, ist die „goldene Mitte“ zwischen dem „schlechten“ Alceste (Zyniker) und dem „guten“ Orontes (sanfter Dichter). (Beide junge Männer sind in dasselbe Mädchen verliebt – Célimène, aber Alcestes Weltanschauung erlaubt ihm nicht, bei ihr in Paris zu bleiben, inmitten der höfischen Atmosphäre ständiger Lügen, Heuchelei und Schmeichelei.)
In Don Juan gibt es keinen Antagonisten. Nichts außer dem Finale, nichts steht dem guten Leben von Don Juan entgegen. Es handelt sich eher um eine Reihe von Szenen über sein gutes Leben. Es gibt keine Resonanzposition, außer dem Monolog des Papstes, der nicht einmal etwas ändert. Sganarelles Versuch, ein Denker zu sein, scheitert, weil er wie Tartuffe aussieht. Und seine Gedanken werden vom strengen Blick Don Juans bestimmt. Das für die klassische Komödie charakteristische Wertesystem ist verschwommen. Don Juan ist ein 100-prozentiger Gefühlsmensch, er baut nichts aus sich heraus, er macht, was er will. Tartuffe gibt vor, ein guter Priester zu sein und tut, was er will. Sein Ziel ist Deckung. Alceste schlägt vor, ein gutes Ziel in den Vordergrund zu stellen. Und Alceste hat ein wenig versagt.
Hochintelligentes Fazit: Tartuffe bedient sich moralischer Werte, Don Juan akzeptiert sie nicht in seinem Leben, Alceste wird sie bis zum Ende verteidigen. Moliere zeigt Modelle und Optionen für den Umgang mit Werten auf, sagt aber nicht, was genau mit ihnen zu tun ist.
Molières Komödie
Jean-Baptiste Poquelin (Molière) (1622-1673) war der erste, der die Komödie als ein der Tragödie gleichwertiges Genre erscheinen ließ. Er fasste die besten Errungenschaften der Komödie von Aristophanes bis zur zeitgenössischen Komödie des Klassizismus zusammen, einschließlich der Erfahrungen von Cyrano de Bergerac, den Wissenschaftler oft zu den direkten Schöpfern der ersten Beispiele nationaler französischer Komödie zählen.
Das Leben und der Schaffensweg Molières sind ausreichend erforscht. Es ist bekannt, dass der zukünftige Komiker in der Familie eines Gerichtspolsterers geboren wurde. Allerdings wollte er das Geschäft seines Vaters nicht erben und verweigerte ihm 1643 die entsprechenden Privilegien.
Dank seines Großvaters lernte der Junge schon früh das Theater kennen. Jean Baptiste hatte eine große Leidenschaft für ihn und träumte davon, Schauspieler zu werden. После окончания школы иезуитов в Клермоне (1639) и получения диплома адвоката в 1641 году в Орлеане он организовал в 1643 году труппу «Блистательный театр», в состав которой вошли его друзья и единомышленники на многие годы – мадемуазель Мадлена Бежар, мадемуазель Дюпари, мадемуазель Дебри und andere. Der junge Poquelin träumt von einer Karriere als Tragiker und nimmt den Namen Molière als Theaterpseudonym an. Als tragischer Schauspieler trat Moliere jedoch nicht auf. Nach einer Reihe von Rückschlägen im Herbst 1645 wurde das Brilliant Theatre geschlossen.
Die Jahre 1645–1658 sind die Wanderjahre der Molière-Truppe in den französischen Provinzen, die den Dramatiker mit unvergesslichen Eindrücken und Lebensbeobachtungen bereicherten. Während der Reise entstanden die ersten Komödien, deren Schreiben sofort Molieres Talent als zukünftiger großer Komiker offenbarte. Zu seinen ersten erfolgreichen Experimenten gehörten „Naughty or Everything at random“ (1655) und „Love Annoyance“ (1656).
1658 – Molière und seine Truppe kehren nach Paris zurück und spielen vor dem König. Ludwig XVI. erlaubt ihnen, in Paris zu bleiben und ernennt seinen Bruder zum Patron der Truppe. Der Truppe wird der Bau des Petit Bourbon Palace übertragen.
Seit 1659, mit der Inszenierung von „Die lächerlichen Prätendenten“, beginnt eigentlich der Ruhm des Dramatikers Molière.
Im Leben des Komikers Molière gab es Höhen und Tiefen. Trotz aller Kontroversen um sein Privatleben und seine Beziehungen zum Hof lässt das Interesse an seinen Kreationen nicht nach, die für nachfolgende Generationen zu einer Art Kriterium für hohe Kreativität geworden sind, wie zum Beispiel die „Schule der Ehemänner“ (1661), „ Schule der Frauen“ (1662), „Tartuffe“ (1664), „Don Giovanni oder der steinerne Gast“ (1665), „Der Menschenfeind“ (1666), „Der widerstrebende Doktor“ (1666), „Der Kaufmann in der Adel“ (1670) und andere.
Wissenschaftler wie S. Mokulsky, G. Boyadzhiev, J. Bordonov und R. Brae untersuchten die Moliere-Traditionen in den Werken von Schriftstellern anderer Jahrhunderte und versuchten, das Phänomen Moliere, die Natur und den Inhalt des Moliere-Phänomens zu entschlüsseln lustig in seinen Werken. E. Faguet argumentierte: „Moliere ist der Apostel des „gesunden Menschenverstandes“, also jener allgemein akzeptierten Ansichten der Öffentlichkeit, die er vor Augen hatte und denen er gefallen wollte.“ Auch in der modernen Literaturkritik lässt das Interesse an Molière nicht nach. In den letzten Jahren sind Werke erschienen, die sich nicht nur den oben genannten Themen widmen, sondern auch den Fragen der Romantisierung des klassizistischen Konflikts (A. Karelsky) und das Theater von Molière im Konzept von M. Bulgakov (A. Grubin) bewerten.
Im Werk von Molière erhielt die Komödie Eingang weitere Entwicklung wie ein Genre. Es entstanden Formen wie „hohe“ Komödie, „Schulkomödie“ (Begriff von N. Erofeeva), Ballettkomödie und andere. G. Boyadzhiev wies in dem Buch „Molière: Historische Wege der Entstehung des Genres der Hochkomödie“ darauf hin, dass die Normen des neuen Genres mit der Annäherung der Komödie an die Realität entstanden und dadurch eine Problematik erlangten, die durch objektiv bestehende soziale Probleme bestimmt wurde in Wirklichkeit selbst. Basierend auf den Erfahrungen antiker Meister, Commedia dell'arte und Farce, entstand nach Ansicht des Wissenschaftlers die klassische Komödie höhere Entwicklung bei Molière.
Moliere legte seine Ansichten zu Theater und Komödie in den polemischen Stücken „Kritik der Frauenschule“ (1663), „Impromptu von Versailles“ (1663), im Vorwort zu Tartuffe (1664) und anderen dar. Das Hauptprinzip der Ästhetik des Autors besteht darin, „zu lehren und gleichzeitig zu unterhalten“. Molière trat für eine wahrheitsgetreue Widerspiegelung der Realität in der Kunst ein und bestand auf einer sinnvollen Wahrnehmung theatralische Aktion, als Thema wählte er am häufigsten die typischsten Situationen, Phänomene und Charaktere. Gleichzeitig wandte sich der Dramatiker an Kritiker und Zuschauer: „Lasst uns nicht akzeptieren, was jedem innewohnt, und wir werden so viel Nutzen wie möglich aus der Lektion ziehen, ohne das zu zeigen.“ wir redenüber uns".
Schon in den frühen Werken verstand Moliere laut G. Boyadzhiev „die Notwendigkeit, romantische Helden in die Welt der einfachen Leute zu übertragen“. Daher die Handlungen von „Funny Pretenders“, „School of Wives“, „School of Husbands“ und darunter auch „Tartuffe“.
Parallel zur Entwicklung des Genres der „hohen“ Komödie im Werk Molières bildet sich eine Komödien-„Schule“. Dies belegen bereits die „Funny coynesses“ (1659). In dem Stück wandte sich der Dramatiker der Analyse der Normen des aristokratischen Geschmacks an einem konkreten Beispiel zu, bei der Bewertung dieser Normen konzentrierte er sich auf den natürlichen, gesunden Geschmack der Menschen, daher wandte er sich am häufigsten seiner Lebenserfahrung zu und wandte sich an seine eigene Schärfste Beobachtungen und Bemerkungen zum Parterre.
Generell nimmt der Begriff „Tugend“ einen wichtigen Platz in Molieres Ästhetik ein. Vor den Aufklärern stellte der Dramatiker die Frage nach der Rolle von Moral und Moral bei der Gestaltung des privaten und öffentlichen Lebens eines Menschen. Am häufigsten kombinierte Moliere beide Konzepte und forderte, Sitten darzustellen, ohne Persönlichkeiten zu berühren. Dies widersprach jedoch nicht seinem Anspruch, Menschen richtig darzustellen, „aus dem Leben“ zu schreiben. Tugend war schon immer ein Spiegelbild der Moral, und Moral war ein verallgemeinertes Konzept des moralischen Paradigmas der Gesellschaft. Gleichzeitig wurde Tugend als Synonym für Moral zum Kriterium, wenn nicht schön, dann gut, positiv, vorbildlich und damit moralisch. Und auch Molieres Humor wurde maßgeblich vom Entwicklungsstand der Tugend und ihrer Bestandteile bestimmt: Ehre, Würde, Bescheidenheit, Vorsicht, Gehorsam usw., also jene Eigenschaften, die einen positiven und idealen Helden auszeichnen.
Der Dramatiker zog positive oder negative Beispiele aus dem Leben und zeigte auf der Bühne mehr typische Situationen, soziale Tendenzen und Charaktere als seine Autorenkollegen. Molières Innovation wurde von G. Lanson bemerkt, der schrieb: „Keine Wahrheit ohne Komödie und fast keine Komödie ohne Wahrheit: Hier ist Molières Formel.“ Komik und Wahrheit stammen bei Molière aus derselben Quelle, nämlich aus Beobachtungen menschlicher Typen.
Wie Aristoteles betrachtete Molière das Theater als „Spiegel“ der Gesellschaft. In seinen Komödien-„Schulen“ festigte er den „Entfremdungseffekt“ des Aristophanes durch den „Lerneffekt“ (N. Erofeevas Begriff), der im Werk des Dramatikers weiterentwickelt wurde.
Die Performance – eine Form des Spektakels – wurde als didaktisches Mittel für den Zuschauer präsentiert. Er sollte das Bewusstsein wecken, das Bedürfnis zum Streiten, und im Streit entsteht bekanntlich die Wahrheit. Konsequent (aber indirekt) bot der Dramatiker jedem Zuschauer eine „Spiegelsituation“, in der das Gewöhnliche, Vertraute und Alltägliche wie von außen wahrgenommen wurde. Es wurden mehrere Varianten einer solchen Situation angenommen: gewöhnliche Wahrnehmung; eine unerwartete Wendung der Handlung, als das Vertraute und Verständliche ungewohnt wurde; die Entstehung einer Handlungslinie, die die Situation dupliziert, die möglichen Konsequenzen der dargestellten Situation hervorhebt, und schließlich das Ende, dessen Wahl der Betrachter treffen muss. Darüber hinaus war das Ende der Komödie eines der möglichen, wenn auch für den Autor wünschenswerten. Es ist nicht bekannt, wie die reale Situation auf der Bühne bewertet wird. Moliere respektierte die Wahl jedes Zuschauers, seine persönliche Meinung. Die Charaktere durchliefen eine Reihe moralischer, philosophischer und psychologischer Lektionen, die der Handlung den ultimativen Inhalt verliehen, und die Handlung selbst wurde als Informationsträger zum Anlass für ein inhaltliches Gespräch und eine Analyse einer bestimmten Situation oder eines bestimmten Phänomens Das Leben der Menschen. Sowohl in der „hohen“ Komödie als auch in der „Schul“-Komödie kam das didaktische Prinzip des Klassizismus voll zur Geltung. Molière ging jedoch noch weiter. Die Ansprache des Publikums am Ende des Stücks bedeutete eine Einladung zur Diskussion, und wir sehen dies beispielsweise in „Die Schule der Ehemänner“, als Lisette, sich dem Parkett zuwendend, wörtlich Folgendes sagt:
Wenn Sie Werwolf-Ehemänner kennen, schicken Sie sie zumindest auf unsere Schule.
Die Einladung „an unsere Schule“ hebt die Didaktik als Grenze zwischen Autor-Lehrer und Zuschauer-Schüler auf. Der Dramatiker trennt sich nicht vom Publikum. Er konzentriert sich auf die Formulierung „für uns“. In der Komödie nutzte Moliere häufig die semantischen Möglichkeiten von Pronomen. Also sagt Sganarelle, obwohl er davon überzeugt ist, dass er recht hat, stolz zu seinem Bruder „meine Lektionen“, doch sobald er Angst verspürt, informiert er Arist sofort über die „Konsequenz“ „unserer Lektionen“.
Mit der Gründung der „Schule der Ehemänner“ folgte Molière Gessendy, der den Vorrang der Erfahrung vor abstrakter Logisierung bekräftigte, und Terence, in dessen Komödie „Brüder“ das Problem der wahren Bildung gelöst wurde. Bei Molière streiten wie bei Terenz zwei Brüder über den Inhalt der Bildung. Zwischen Arist und Sganarelle entbrennt ein Streit darüber, wie und mit welchen Mitteln eine gute Erziehung von Leonora und Isabella erreicht werden kann, um sie in Zukunft heiraten und glücklich sein zu können.
Denken Sie daran, dass der Begriff „l“? ducation“ – „Erziehung, Bildung“ – im säkularen Wörterbuch der Europäer aus dem 15 Bildung, Erziehung. Wir beobachten beide Konzepte in der Komödie „Schule der Ehemänner“. Die Ausgangspunkte, die den Kern des Streits zwischen den Brüdern bestimmten, waren zwei Szenen – die zweite im ersten Akt und die fünfte im zweiten.
Zum Thema des Streits ließ Molière als erster Ariste zu Wort kommen. Er ist älter als Sganarelle, aber risikofreudiger, vertritt fortschrittliche Bildungsauffassungen und gewährt Leonora einige Freiheiten, etwa Theaterbesuche, Bälle. Er ist davon überzeugt, dass sein Schüler eine „weltliche Schule“ besuchen sollte. Die „weltliche Schule“ ist wertvoller als die Erbauung, da das darin erworbene Wissen durch Erfahrung geprüft wird. Auf Rationalität basierendes Vertrauen sollte zu einem positiven Ergebnis führen. Damit zerstörte Moliere die traditionelle Vorstellung eines älteren konservativen Vormunds. Der jüngere Bruder von Arista Sganarelle erwies sich als solch ein Konservativer. Seiner Meinung nach bedeutet Bildung in erster Linie Strenge und Kontrolle. Tugend und Freiheit können nicht vereinbar sein. Sganarelle liest Isabella Notizen vor und weckt in ihr den Wunsch, ihn zu täuschen, obwohl dieser Wunsch von dem Mädchen nicht offen geäußert wird. Das Erscheinen von Valera ist ein Strohhalm, nach dem Isabella greift und sich ihrem Vormund entzieht. Das ganze Paradox liegt darin, dass der junge Vormund nicht in der Lage ist, die Bedürfnisse des jungen Schülers zu verstehen. Es ist kein Zufall, dass im Finale das Komische durch das Dramatische ersetzt wird. Die „Lektion“, die Isabella dem Vormund präsentiert, ist ganz natürlich: Einem Menschen muss man vertrauen, sein Wille muss respektiert werden, sonst wächst der Protest, der verschiedene Formen annimmt.
Der Geist der Libertinage bestimmt nicht nur das Handeln von Isabella, sondern auch das Verhalten von Aristo und Leonora. Wie Terentius verwendet Moliere „liberalitas“ nicht wie im Goldenen Zeitalter – „liberalis“ – „großzügig“, sondern im Sinne von „artes liberales, homo liberalis“ – jemand, dessen Verhalten den Titel eines freien, edlen Mannes verdient (Z. Korsh).
Sganarelles Idealvorstellung von Bildung wird zerstört. Dadurch erweist sich Leonora als tugendhaft, da ihr Verhalten von einem Gefühl der Dankbarkeit geleitet wird. Das Wichtigste für sie ist für sie der Gehorsam gegenüber dem Vormund, dessen Ehre und Würde sie aufrichtig respektiert. Allerdings verurteilt auch Molière Isabellas Tat nicht. Es zeigt ihr natürliches Bedürfnis nach Glück und Freiheit. Der einzige Weg, einem Mädchen Glück und Freiheit zu verschaffen, ist Täuschung.
Für den Dramatiker war Tugend das Endergebnis des Bildungsprozesses Bestandteil Begriffsketten „Schule“ – „Unterricht“ – „Bildung (Erziehung)“ – „Schule“. Zwischen Titel und Ende besteht ein direkter Zusammenhang. Die „Schule“, von der Lisette am Ende des Stücks spricht, ist das Leben selbst. Es ist notwendig, bestimmte Verhaltensnormen und -regeln sowie Kommunikationsfähigkeiten zu beherrschen, um immer eine angesehene Person zu bleiben. Dabei helfen die praxiserprobten „Lehren der weltlichen Schule“. Sie basieren auf den universellen Konzepten von Gut und Böse. Bildung und Tugend hängen nicht vom Alter ab, sondern von der Lebenseinstellung eines Menschen. Vernünftig und egoistisch sind unvereinbar. Egoismus führt zu einer negativen Wirkung. Dies wurde durch Sganarelles Verhalten vollständig bewiesen. Der Unterricht erscheint nicht nur als Grundlage der Handlungsstruktur des Stücks, sondern auch als Ergebnis der Ausbildung der Figuren in der „Schule der menschlichen Kommunikation“.
Bereits in der ersten Komödien-„Schule“ entdeckte Moliere einen neuen Blick auf die Ethik seiner zeitgenössischen Gesellschaft. Bei der Beurteilung der Realität ließ sich der Dramatiker von einer rationalistischen Analyse des Lebens leiten und untersuchte konkrete Beispiele der typischsten Situationen und Charaktere.
In „The School for Wives“ lag das Hauptaugenmerk des Dramatikers auf der „Lektion“. Das Wort „Lektion“ wird in allen Schlüsselszenen der Komödie siebenmal verwendet. Und das ist kein Zufall. Moliere definiert das Thema der Analyse – die Vormundschaft – klarer. Der Zweck der Komödie besteht darin, allen Vormunden Ratschläge zu geben, die das Alter, das Vertrauen und die wahre Tugend vergessen haben, die die Grundlage der Vormundschaft im Allgemeinen bilden.
Im Verlauf der Handlung beobachten wir, wie sich der Begriff „Unterricht“ erweitert und vertieft, aber auch die Situation selbst, die den Zuschauern aus dem Alltag vertraut ist. Vormundschaft erhält die Züge eines sozial gefährlichen Phänomens. Als Bestätigung dafür klingen Arnolfs selbstsüchtige Pläne, zu deren Verwirklichung er unter dem Deckmantel eines tugendhaften Menschen bereit ist, Agnes eine eng gefasste Ausbildung zu geben, die ihre Rechte als Person einschränkt. Für den Schüler wählt Arnolf die Position eines Einsiedlers. Dadurch war ihr Leben vollständig vom Willen des Vormunds abhängig. Tugend, von der Arnolf so viel spricht, wird tatsächlich zu einem Mittel, um einen anderen Menschen zu versklaven. Vom eigentlichen Konzept der „Tugend“ an interessiert sich der Vormund nur für Komponenten wie Gehorsam, Reue, Demut, Gerechtigkeit und Barmherzigkeit werden von Arnolf einfach ignoriert. Er ist sicher, dass er Agnes bereits favorisiert hat, woran er sie von Zeit zu Zeit gerne erinnert. Er sieht sich als berechtigt, über das Schicksal des Mädchens zu entscheiden. Im Vordergrund steht die ethische Dissonanz im Verhältnis der Figuren, die das Finale der Komödie objektiv erklärt.
Im Laufe der Handlungsentwicklung begreift der Betrachter die Bedeutung des Wortes „Lektion“ als ethisches Konzept. Zunächst wird eine „Unterrichtsanweisung“ entwickelt. Georgette schmeichelt dem Besitzer und versichert ihm, dass er sich an alle seine Lektionen erinnern wird. Die strikte Ausführung der Lektionen, also Anweisungen, Regeln, verlangt Arnolf von Agnes. Er besteht darauf, dass sie sich die Regeln der Tugend einprägt: „Sie müssen diese Lektionen mit Ihrem Herzen lernen.“ Eine Unterrichtsanweisung, eine Aufgabe, ein Beispiel, dem man folgen soll – natürlich wird ein junger Mensch, der nicht weiß, wie es anders sein könnte, kaum verstehen. Und selbst als Agnes sich den Lehren des Vormunds widersetzt, wird sie sich ihres Protests nicht ganz bewusst.
Die Handlung gipfelt im fünften Akt. Überraschungen bestimmen die letzten Szenen, in deren Mittelpunkt Agnes‘ Vorwurf gegenüber dem Vormund steht: „Und du bist der Mann, der sagt, dass er mich zur Frau nehmen will. Ich habe deine Lektionen befolgt und du hast mich gelehrt, zu heiraten, um die Sünde abzuwaschen.“ Gleichzeitig sind „Ihre Lektionen“ nicht mehr nur Unterrichtsanweisungen. In den Worten von Agnes – eine Herausforderung für den Vormund, der ihr eine normale Erziehung und eine säkulare Gesellschaft vorenthielt. Allerdings kommt Agnes' Aussage nur für Arnolf überraschend. Zuschauer beobachten, wie dieser Protest allmählich wächst. Agnes' Worte führen zum Verständnis der moralischen Lektion, die das Mädchen im Leben erhalten hat.
Arnolf erhält auch eine moralische Lektion, die eng mit der „Warnungslektion“ verbunden ist. Diese Lektion im ersten Akt wird von Arnolfs Freund Chrysald erteilt. In einem Gespräch mit Arnolf zeichnet er, sich über einen Freund lustig machend, das Bild eines gehörnten Ehemanns. Arnolf hat Angst davor, ein solcher Ehemann zu werden. Er ist kein junger Mann mehr hartgesottener Junggeselle Wer sich für eine Heirat entscheidet, hofft, dass er das Schicksal vieler Ehemänner vermeiden kann, dass seine Lebenserfahrung viel gebracht hat gute Beispiele und er kann Fehler vermeiden. Doch die Angst, die eigene Ehre zu beschädigen, wird zur Leidenschaft. Sie wird auch von Arnolfs Wunsch angetrieben, Agnes vom säkularen Leben zu isolieren, das seiner Meinung nach voller gefährlicher Versuchungen ist. Arnolf wiederholt Sganarelles Fehler und die „Warnung“ erklingt für alle vergessenen Wächter.
Schließlich wird auch der Name der Komödie geklärt, der sowohl als Subjekt (Vormundschaft) als auch als Lehrmethode fungiert, an die Naturgesetze erinnert, dass sie nicht abgelehnt werden können, und auch wie ein Rat, eine Warnung an Ehemänner klingt, die wagen es wie Arnolf, das natürliche Menschenrecht auf Freiheit und freie Wahl zu verletzen. „Schule“ erschien erneut als ein System von Lebensweisen, deren korrekte Entwicklung einen Menschen vor lächerlichen Situationen und Dramen schützt.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass bereits im Werk Molières die Comedy-„Schule“ als Genreform aktiv weiterentwickelt wurde. Ihre Aufgabe ist es, die Gesellschaft zu erziehen. Diese Bildung ist jedoch im Gegensatz zur moralistischen Dramaturgie frei von offener Didaktik, sie basiert auf einer rationalistischen Analyse, die darauf abzielt, die traditionellen Vorstellungen des Betrachters zu verändern. Bildung war nicht nur ein Prozess, bei dem sich die Weltanschauung des Betrachters veränderte, sondern auch ein Mittel zur Beeinflussung seines Bewusstseins und des Bewusstseins der Gesellschaft als Ganzes.
Die Helden der Comedy-„Schule“ waren das charakteristischste Beispiel für Leidenschaft, Charakter oder Phänomen im gesellschaftlichen Leben. Sie durchliefen eine Reihe moralischer, ideologischer und sogar psychologischer Lektionen, beherrschten bestimmte Kommunikationsfähigkeiten, die nach und nach ein neues System bildeten ethische Konzepte eine andere Wahrnehmung der Alltagswelt erzwingen. Gleichzeitig wurde die „Lektion“ in der Komödie „Schule“ in fast allen historisch etablierten lexikalischen Bedeutungen offenbart – von „Aufgabe“ bis „Schlussfolgerung“. Die moralische Zweckmäßigkeit der Handlungen eines Menschen beginnt, seinen Nutzen im Leben zu bestimmen. einzelne Familie und sogar die ganze Gesellschaft.
Das Hauptkonzept der Komödie – „Schule“ wird zur „Tugend“. Moliere verbindet damit vor allem Moral. Der Dramatiker führt in den Inhalt der „Tugend“ Begriffe wie „Rationalität“, „Vertrauen“, „Ehre“, „freie Wahl“ ein. „Tugend“ fungiert auch als Kriterium für „schön“ und „hässlich“ im Handeln von Menschen und bestimmt maßgeblich die Abhängigkeit ihres Verhaltens davon soziales Umfeld. Darin war Molière den Aufklärern voraus.
Die „Spiegel“-Situation trug dazu bei, den Dogmatismus der gewöhnlichen Weltanschauung zu überwinden und durch die Methode der „Entfremdung“ den gewünschten „Lerneffekt“ zu erzielen. Eigentlich Bühnenaktion zeichnete lediglich ein Verhaltensmodell als anschauliches Beispiel für eine rationalistische Analyse der Realität durch den Betrachter.
Molières Komödie war eng mit dem Leben verbunden. Daher gibt es oft ein dramatisches Element. Ihre Träger sind Charaktere, die in der Regel bestimmte persönliche Qualitäten in ihren Charakteren verkörpern, die im Widerspruch zu allgemein anerkannten Normen stehen. Auf der Bühne erklingen oft schwere soziale Konflikte. In ihrer Entscheidung wird Charakteren einfacher Herkunft – Dienern – ein besonderer Platz eingeräumt. Sie fungieren auch als Träger gesunder Prinzipien des gesellschaftlichen Lebens. A. S. Puschkin schrieb: „Beachten wir, dass hohe Komödien nicht nur auf Lachen basieren, sondern auf der Entwicklung von Charakteren und dass sie oft einer Tragödie nahe kommen.“ Diese Bemerkung kann vollständig der Komödien-„Schule“ zugeschrieben werden, die sich im Werk Molières parallel zur „hohen“ Komödie entwickelt.
Der Klassiker Moliere sprach sich gegen die Aufgeblasenheit und Unnatürlichkeit des klassischen Theaters aus. Seine Charaktere sprachen in gewöhnlicher Sprache. Während seines gesamten Schaffens folgte der Dramatiker seinem Anspruch, das Leben wahrheitsgetreu wiederzugeben. Die Träger des gesunden Menschenverstandes waren in der Regel junge Charaktere. Die Wahrheit des Lebens wurde durch die Kollision solcher Helden mit der satirischen Hauptfigur sowie durch die Gesamtheit der Kollisionen und Beziehungen der Charaktere in der Komödie ans Licht gebracht.
Moliere weicht in vielerlei Hinsicht von den strengen klassizistischen Normen ab und bleibt dennoch im Rahmen dieses künstlerischen Systems. Seine Schriften sind im Geiste rationalistisch; Alle Charaktere sind einlinear, ohne spezifische historische Details und Details. Und doch waren es seine komischen Bilder, die zu einem anschaulichen Spiegelbild der Prozesse wurden, die mit den wichtigsten Trends in der Entwicklung der französischen Gesellschaft in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts verbunden waren.
Die Merkmale der „hohen“ Komödie kamen am deutlichsten im berühmten Stück „Tartuffe“ zum Ausdruck. A. S. Puschkin bemerkte beim Vergleich der Werke von Shakespeare und Moliere: „Die von Shakespeare geschaffenen Gesichter sind nicht wie die von Moliere Typen dieser oder jener Leidenschaft, dieses und jenes Lasters; sondern Lebewesen, erfüllt von vielen Leidenschaften, vielen Lastern; Umstände entfalten vor dem Betrachter ihre vielfältigen und vielschichtigen Charaktere. Molière ist geizig – und nur bei Shakespeare ist Shylock geizig, schlagfertig, rachsüchtig, kinderliebend, witzig. Bei Molière schleppt der Heuchler die Frau seines Wohltäters, des Heuchlers, hinterher, der das Anwesen zur Erhaltung annimmt, der Heuchler; bittet um ein Glas Wasser, der Heuchler.“ Puschkins Worte wurden zu einem Lehrbuch, weil sie die Essenz des Charakters der Hauptfigur des Stücks sehr genau wiedergaben, was eine neue Etappe in der Entwicklung der französischen Nationalkomödie bestimmte.
Das Stück wurde erstmals am 12. Mai 1664 auf einem Festival in Versailles aufgeführt. „Die Komödie über Tartuffe begann mit allgemeiner begeisterter und wohlwollender Aufmerksamkeit, die sofort in größtes Staunen überging. Am Ende des dritten Aktes wusste das Publikum nicht mehr, was es denken sollte, und es kam einem der Gedanke durch den Kopf, dass Monsieur de Molière vielleicht nicht ganz bei Verstand war. So beschreibt M. A. Bulgakov die Reaktion des Publikums auf die Aufführung. Nach den Erinnerungen von Zeitgenossen und in der Forschung Literatur XVII Jahrhundert, einschließlich der Geschichte des Theaters, wird festgestellt, dass das Stück sofort einen Skandal auslöste. Es richtete sich gegen die jesuitische „Gesellschaft der Heiligen Gaben“, was bedeutete, dass Molière in einen Bereich von Beziehungen eindrang, die jedem, auch dem König selbst, verboten waren. Auf Drängen von Kardinal Hardouin de Beaumont de Perefix und unter dem Ansturm empörter Höflinge wurde Tartuffe von der Inszenierung ausgeschlossen. Mehrere Jahre lang überarbeitete der Dramatiker die Komödie: Er entfernte Zitate aus dem Evangelium aus dem Text, änderte das Ende, entfernte Tartuffe die Kirchenkleidung und stellte ihn einfach als frommen Menschen dar, milderte außerdem bestimmte Momente und zwang Cleante, einen Monolog zu sprechen über wirklich fromme Menschen. Nach einer einzigen Inszenierung in überarbeiteter Form im Jahr 1667 kam das Stück erst 1669, also nach dem Tod der Mutter des Königs, einer fanatischen Katholikin, endgültig auf die Bühne.
Das Stück wurde also im Zusammenhang mit bestimmten Ereignissen im gesellschaftlichen Leben Frankreichs geschrieben. Sie werden von Molière in Form einer neoattischen Komödie gekleidet. Es ist kein Zufall, dass die Charaktere alte Namen tragen – Orgon, Tartuffe. Der Dramatiker wollte zunächst die Mitglieder der „Gesellschaft der Heiligen Gaben“ lächerlich machen, die vom Vertrauen ihrer Mitbürger profitieren. Zu den Hauptinspiratoren der „Gesellschaft“ gehörte die Mutter des Königs. Die Inquisition scheute sich nicht, sich durch Denunziationen gegen die leichtgläubigen Franzosen zu bereichern. Die Komödie wurde jedoch zu einer Verunglimpfung der christlichen Frömmigkeit als solcher, und die Hauptfigur Tartuffe wurde zum geflügelten Wort für einen Fanatiker und Heuchler.
Das Bild von Tartuffe basiert auf dem Widerspruch zwischen Worten und Taten, zwischen Erscheinung und Wesen. Mit anderen Worten: Er „geißelt alle sündigen Dinge öffentlich“ und will nur das, „was dem Himmel gefällt“. Aber tatsächlich begeht er alle Arten von Gemeinheit und Gemeinheit. Er lügt ständig und ermutigt Orgon zu schlechten Taten. Also vertreibt Orgon seinen Sohn aus dem Haus, weil Damis sich gegen die Heirat von Tartuffe mit Mariana ausspricht. Tartuffe frönt der Völlerei und begeht Hochverrat, indem er sich die Schenkung zum Eigentum seines Wohltäters betrügerisch aneignet. Die Magd Dorina charakterisiert diesen „Heiligen“ wie folgt:
... Tartuffe ist ein Held, ein Idol. Die Welt sollte über seine Tugenden staunen; Seine Taten sind Wunder, und was auch immer er sagt, ist ein Urteil vom Himmel. Doch als Er solch einen Einfaltspinsel sieht, täuscht Er ihn mit seinem endlosen Spiel; Er hat die Heuchelei zu einer Quelle des Profits gemacht und er bereitet sich darauf vor, uns zu lehren, solange wir leben.
Wenn wir die Taten von Tartuffe sorgfältig analysieren, werden wir feststellen, dass alle sieben Todsünden vorhanden sind. Gleichzeitig ist die Methode, mit der Molière das Bild der Hauptfigur konstruiert, eigenartig.
Das Bild von Tartuffe basiert nur auf Heuchelei. Heuchelei wird durch jedes Wort, jede Tat und jede Geste verkündet. Es gibt keine anderen Charakterzüge in Tartuffes Charakter. Moliere selbst schrieb, dass Tartuffe in diesem Bild vom Anfang bis zum Ende kein einziges Wort ausspricht, das dem Publikum nicht einen schlechten Menschen darstellen würde. Beim Zeichnen dieser Figur greift der Dramatiker auch auf satirische Übertreibungen zurück: Tartuffe ist so fromm, dass er sich, als er im Gebet einen Floh zerquetschte, bei Gott dafür entschuldigt, ein Lebewesen getötet zu haben.
Um den scheinheiligen Beginn in Tartuffe hervorzuheben, baut Molière zwei Szenen hintereinander auf. Im ersten Teil bittet der „heilige Mann“ Tartuffe verlegen die Magd Dorina, ihr Dekolleté zu bedecken, doch nach einer Weile versucht er, Orgons Frau Elmira zu verführen. Molières Stärke liegt in dem, was er gezeigt hat: Christliche Moral und Frömmigkeit behindern nicht nur das Sündigen nicht, sondern helfen sogar, diese Sünden zu bedecken. So macht Molière in der dritten Szene des dritten Aktes mit der Technik des „Abreißens der Masken“ den Zuschauer darauf aufmerksam, wie geschickt Tartuffe das „Wort Gottes“ nutzt, um die Leidenschaft für Ehebruch zu rechtfertigen. Damit entblößt er sich.
Tartuffes leidenschaftlicher Monolog endet mit einem Geständnis, das den Heiligenschein der Heiligkeit endgültig seiner frommen Natur beraubt. Moliere entlarvt durch den Mund von Tartuffe sowohl die Sitten der High Society als auch die Sitten der Kirchenmänner, die sich kaum voneinander unterscheiden.
Tartuffes Predigten sind ebenso gefährlich wie seine Leidenschaften. Sie verändern einen Menschen, seine Welt so sehr, dass er wie Orgon aufhört, er selbst zu sein. Orgon selbst gesteht den Streit mit Cleanthes:
... Wer ihm folgt, schmeckt die gesegnete Welt, und alle Kreaturen im Universum sind ihm ein Gräuel. Durch diese Gespräche mit ihm wurde ich völlig anders: Von nun an habe ich keine Eigensinne, und ich schätze nichts mehr auf der Welt; Lasst meinen Bruder, meine Mutter, meine Frau und meine Kinder sterben, ich werde darüber so sehr verärgert sein, sie-sie-sie!
Der Comedy-Denker Cleante fungiert nicht nur als Beobachter der Ereignisse in Orgons Haus, sondern versucht auch, die Situation zu ändern. Er erhebt offen Vorwürfe gegen Tartuffe und ähnliche Heilige. Sein berühmter Monolog ist ein Urteil über Heuchelei und Heuchelei. Wie Tartuffe stellt sich Cleante gegen Menschen mit reinem Herzen und hohen Idealen.
Auch die Magd Dorina stellt sich Tartuffe und verteidigt die Interessen ihrer Herren. Dorina ist die witzigste Figur der Komödie. Sie überschüttet Tartuffe buchstäblich mit Spott. Ihre Ironie trifft auch den Besitzer, denn Orgon ist ein abhängiger, zu vertrauensvoller Mensch, weshalb Tartuffe ihn so leicht täuscht.
Dorina verkörpert ein gesundes Volksprinzip. Die Tatsache, dass der aktivste Kämpfer gegen Tartuffe der Träger des gesunden Menschenverstandes ist, ist zutiefst symbolisch. Es ist kein Zufall, dass Cleanthe, der den aufgeklärten Geist verkörpert, Dorinas Verbündeter wird. Das war der Utopismus von Molière. Der Dramatiker glaubte, dass dem Übel in der Gesellschaft durch die Vereinigung von gesundem Menschenverstand und aufgeklärter Vernunft begegnet werden könne.
Dorina hilft Mariana auch in ihrem Kampf ums Glück. Sie äußert gegenüber dem Besitzer offen ihre Meinung zu seinen Plänen, seine Tochter mit Tartuffe zu verheiraten, obwohl dies bei den Bediensteten nicht akzeptiert wurde. Der Streit zwischen Orgon und Dorina macht auf das Problem der Familienerziehung und die Rolle des Vaters darin aufmerksam. Orgon hält sich für das Recht, die Kinder und ihr Schicksal zu kontrollieren, und trifft daher eine Entscheidung ohne den geringsten Zweifel. Die unbegrenzte Macht des Vaters wird von fast allen Figuren des Stücks verurteilt, aber nur Dorina geißelt Orgon in ihrer gewohnt ätzenden Art scharf, sodass die Bemerkung die Haltung des Meisters gegenüber den Aussagen der Magd treffend wiedergibt: „Orgon ist immer bereit, Dorina ins Gesicht zu schlagen und dreht sich bei jedem Wort, das er zu seiner Tochter sagt, zu Dorina um…“
Die Ereignisse entwickeln sich so, dass der utopische Charakter des Finales der Komödie deutlich wird. In der ersten Version war er natürlich ehrlicher. Monsieur Loyal kam, um den Gerichtsbeschluss zu erfüllen – das Haus der ganzen Familie zu räumen, da nun Monsieur Tartuffe der Eigentümer dieses Gebäudes ist. Moliere fügt in den Schlussszenen ein dramatisches Element ein, das bis zum Äußersten den Kummer offenbart, in dem sich die Familie nach Orgons Laune befand. Die siebte Manifestation des fünften Aktes ermöglicht es schließlich, das Wesen von Tartuffes Natur zu verstehen, der sich nun als schrecklicher und grausamer Mensch offenbart. Zu Orgon, der diesen Heuchler in seinem Haus beherbergte, erklärt Tartuffe arrogant:
Seien Sie ruhig, mein Herr! Wohin rennst du so? Du hast nur noch einen kurzen Weg zu einer neuen Unterkunft für die Nacht vor dir, und nach dem Willen des Königs werde ich dich verhaften.
Molière verkündete mutig das Verbotene – durch den Willen des Königs wurden die Mitglieder der „Gesellschaft der Heiligen Gaben“ bei ihrer Tätigkeit geleitet. I. Glikman weist auf das Vorhandensein eines politischen Motivs im Handeln hin, das mit dem vergangenen Schicksal der Helden des Stücks zusammenhängt. Insbesondere im fünften Akt wird eine bestimmte Truhe mit Dokumenten von staatlicher Bedeutung erwähnt, von der Orgons Verwandte nichts wussten. Es handelt sich um Dokumente des Emigranten Argas, der vor der Repression der Regierung geflohen ist. Wie sich herausstellte, nahm Tartuffe durch Täuschung Besitz an der Truhe mit Papieren und überreichte sie dem König, um die Verhaftung von Orgon zu erwirken. Deshalb verhält er sich so unzeremoniell, als ein Beamter und ein Gerichtsvollzieher zu Orgons Haus kommen. Laut Tartuffe wurde er vom König zum Haus Orgon geschickt. Alles Böse im Staat kommt also vom Monarchen! Ein solches Ende konnte nur einen Skandal auslösen. Allerdings enthält der Text des Stücks bereits in der überarbeiteten Fassung ein Element des Wunders. In dem Moment, als Tartuffe im Vertrauen auf seinen Erfolg die Umsetzung des königlichen Befehls verlangt, bittet der Offizier Tartuffe unerwartet, ihm ins Gefängnis zu folgen. Molière macht einen Knicks vor dem König. Der Offizier zeigt auf Tartuffe und bemerkt zu Orgon, wie barmherzig und gerecht der Monarch sei und wie weise er seine Untertanen regiere.
Gemäß den Anforderungen der Ästhetik des Klassizismus siegt also letztendlich das Gute und das Laster wird bestraft. Das Finale ist der schwächste Punkt des Stücks, es schmälert jedoch nicht den gesellschaftlichen Gesamtklang der Komödie, die bis heute nicht an Aktualität verloren hat.
Unter den Komödien, die von Molières gegensätzlichen Ansichten zeugen, kann man das Stück „Don Juan“ oder „Der steinerne Gast“ nennen. Dies ist das einzige Prosastück, in dem der Aristokrat Don Juan und Bauern, Diener, sogar ein Bettler und ein Bandit gleichberechtigte Schauspieler sind. Und jeder von ihnen hat seine eigene charakteristische Sprache. Mehr als in allen seinen Stücken entfernte sich Molière hier vom Klassizismus. Es ist auch eine der aufschlussreichsten Komödien des Dramatikers.
Das Stück basiert auf einer geliehenen Handlung. Es wurde erstmals vom spanischen Dramatiker Tirso de Molina in der Komödie Der schelmische Mann von Sevilla in die große Literatur eingeführt. Molière lernte dieses Stück durch italienische Schauspieler kennen, die es in der Saison 1664 auf Tournee aufführten. Molière hingegen schafft ein originelles Werk mit einer klar antiadligen Ausrichtung. Jeder französische Zuschauer erkannte in Don Juan einen bekannten Typus eines Aristokraten – zynisch, entschlossen, der seine Straflosigkeit zur Schau stellt. Die Moral, von der Don Juan sprach, herrschte am Hof, insbesondere unter der „goldenen Jugend“ aus dem Gefolge von König Ludwig XIV. Molières Zeitgenossen nannten die Namen der Höflinge, die für Ausschweifung, „Mut“ und Blasphemie berühmt waren, doch Versuche zu erraten, wen der Dramatiker unter dem Namen Don Juan mitbrachte, waren vergeblich, weil Hauptfigur Die Komödie erinnerte auffallend an viele Menschen und an niemanden im Besonderen. Und der König selbst gab oft ein Beispiel für solche Moralvorstellungen. Zahlreiche leichtfertige Abenteuer und Siege über die Herzen der Frauen galten bei Hofe als Unfug. Molière hingegen betrachtete die Tricks von Don Juan aus einer anderen Position – vom Standpunkt des Humanismus und der Staatsbürgerschaft. Den Titel des Stücks „Der Schalk von Sevilla“ lehnt er bewusst ab, weil er Don Juans Verhalten nicht für Unfug und unschuldige Streiche hält.
Der Dramatiker bricht kühn mit den Regeln des Klassizismus und verletzt die Einheit von Zeit und Ort, um das Bild seines Helden möglichst lebendig zu zeichnen. Der allgemeine Schauplatz ist Sizilien, aber jeder Akt wird von einer Bemerkung begleitet: Im ersten heißt es: „Die Szene stellt den Palast dar“, im zweiten heißt es: „Die Szene stellt das Gebiet am Meeresufer dar“, im dritten heißt es: „Die Szene stellt den Wald dar.“ „, der vierte: „Die Szene stellt Don Giovannis Gemächer dar“, und der fünfte: „Die Szene stellt einen offenen Bereich dar.“ Dadurch war es möglich, Don Juan in Beziehungen zu verschiedenen Menschen, darunter auch zu Vertretern verschiedener Klassen, zu zeigen. Der Aristokrat trifft auf seinem Weg nicht nur Don Carlos und Don Alonso, sondern auch Bauern, einen Bettler und den Kaufmann Dimansh. Dadurch gelingt es dem Dramatiker, in der Figur des Don Juan die wesentlichsten Merkmale des „goldenen Jünglings“ aus dem Gefolge des Königs darzustellen.
Sganarelle gibt gleich beim ersten Auftritt des ersten Aktes eine vollständige Charakterisierung seines Herrn, als er dem Stallknecht Guzmán erklärt:
„... mein Meister Don Juan ist der größte aller Bösewichte, die die Erde je getragen hat, ein Monster, ein Hund, ein Teufel, ein Türke, ein Ketzer, der weder an den Himmel noch an Heilige noch an Gott glaubt, noch im Teufel, der wie abscheuliches Vieh lebt, wie ein epikureisches Schwein, wie ein echter Sardanapalus, der nicht auf christliche Lehren hören will und alles, was wir glauben, für Unsinn hält“ (übersetzt von A. Fedorov). Weitere Maßnahmen bestätigen nur alle oben genannten Punkte.
Don Juan von Moliere ist ein zynischer, grausamer Mann, der die Frauen, die ihm vertrauten, rücksichtslos zerstört. Darüber hinaus erklärt der Dramatiker den Zynismus und die Grausamkeit der Figur damit, dass er ein Aristokrat sei. Bereits im ersten Akt des ersten Phänomens wird dies dreimal angedeutet. Sganarelle gesteht Guzman: „Wenn ein edler Herr auch ein schlechter Mensch ist, ist es schrecklich: Ich muss ihm treu bleiben, obwohl ich unerträglich bin.“ Nur die Angst macht mich fleißig, sie zügelt meine Gefühle und zwingt mich, zu akzeptieren, was meiner Seele widerspricht. Somit wird klar, warum Sganarelle dem Zuschauer als dumm und lustig erscheint. Angst bestimmt sein Handeln. Er gibt vor, ein Narr zu sein und verbirgt seine natürliche Weisheit und moralische Reinheit hinter clownesken Launen. Das Bild von Sganarelle soll die ganze Niedrigkeit von Don Juans Natur überdecken, der auf Straflosigkeit vertraut, weil sein Vater ein Hofaristokrat ist.
Der Typus des Wüstlings bot dem Dramatiker einen fruchtbaren Boden, um moralische Verantwortungslosigkeit vom Standpunkt der rationalistischen Ethik aus zu entlarven. Doch gleichzeitig entlarvt Molière Don Juan vor allem aus gesellschaftlicher Sicht, was das Bild der Hauptfigur über den abstrakt-logischen Charakter der Klassiker hinausführt. Molière stellt Don Juan als typischen Träger der Laster seiner Zeit dar. Auf den Seiten der Komödie erwähnen verschiedene Charaktere ständig, dass alle Herren Heuchler, Wüstlinge und Betrüger seien. Also erklärt Sganarelle seinem Meister: „Oder vielleicht denken Sie, wenn Sie aus einer Adelsfamilie stammen, dass Sie eine blonde, kunstvoll gelockte Perücke, einen Hut mit Federn, ein mit Gold besticktes Kleid und feurig farbige Bänder haben. .. vielleicht denkst du, dass du dadurch schlauer bist, dass dir alles erlaubt ist und sich niemand traut, dir die Wahrheit zu sagen? Der gleichen Meinung ist der Bauer Pierrot, der Don Juan von Charlotte vertreibt: „Verdammt! Da Sie ein Meister sind, können Sie dann unsere Frauen vor unserer Nase belästigen? Nein, machen Sie weiter und bleiben Sie bei Ihrem.
Es ist anzumerken, dass Moliere auch Beispiele hoher Ehre aus einem aristokratischen Umfeld zeigt. Einer von ihnen ist Don Juans Vater, Don Luis. Der Adlige bleibt dem Ruhm seiner Vorfahren treu und widersetzt sich dem unanständigen Verhalten seines Sohnes. Er ist bereit, seinen Sohn selbst zu bestrafen und seiner Ausschweifung ein Ende zu setzen, ohne auf die himmlische Strafe zu warten. In der Komödie gibt es keinen traditionellen Denker, aber es ist Don Luis, der seine Rolle spielen soll. Die an den Sohn gerichtete Rede ist ein Appell an die Halle: „Wie tief bist du gefallen! Erröten Sie nicht, weil Sie Ihrer Herkunft so wenig würdig sind? Haben Sie, sagen Sie mir, einen Grund, stolz auf ihn zu sein? Was haben Sie getan, um den Titel eines Adligen zu rechtfertigen? Oder glauben Sie, dass ein Name und ein Wappen genügen und dass uns edles Blut an sich schon erhöht, selbst wenn wir schändlich gehandelt haben? Nein, nein, Adel ohne Tugend ist nichts. Wir nehmen nur insoweit am Ruhm unserer Vorfahren teil, als wir selbst danach streben, wie sie zu sein ... Verstehen Sie schließlich, dass ein Adliger, der ein schlechtes Leben führt, ein Monster der Natur ist, dass Tugend das erste Zeichen von Adel ist, dass ich Legen Sie viel weniger Wert auf Namen als auf Taten, und dass ich den Sohn einer Haushälterin, wenn er ein ehrlicher Mann ist, höher stelle als den Sohn eines Königs, wenn er wie Sie lebt. Die Worte von Don Luis spiegelten sowohl die Ansichten des Dramatikers selbst als auch die Stimmung jenes Teils des Adels wider, der bereit war, sich der Freizügigkeit der Vertreter dieser Klasse und Kaste im öffentlichen Leben zu widersetzen.
Die antiadlige Ausrichtung der Komödie wird auch durch die Art und Weise, wie das Bild des Protagonisten aufgebaut ist, verstärkt. Bei der Darstellung von Don Juan weicht Moliere von der Ästhetik des Klassizismus ab und verleiht negativer Charakter eine Reihe positiver Eigenschaften, die im Gegensatz zu den von Sganarelle angegebenen Eigenschaften stehen.
Don Juan kann man Witz, Mut und Großzügigkeit nicht absprechen. Im Gegensatz zum Beispiel zum Kommandanten im Drama „Lope de Vega“ versucht er, Bäuerinnen zu umwerben. Aber dann entlarvt Molière sehr treffend und dabei mit seinem künstlerischen Können jede positive Eigenschaft seines Helden. Don Juan ist mutig, wenn er zwei gegen drei kämpft. Als Don Juan jedoch erfährt, dass er gegen die Zwölf kämpfen muss, gewährt er dem Diener das Recht, an seiner Stelle zu sterben. Gleichzeitig wird die unterste Stufe des moralischen Charakters des Adligen zum Ausdruck gebracht, indem er erklärt: „Glücklich ist der Diener, dem es gegeben ist, für seinen Herrn einen glorreichen Tod zu sterben.“
Don Juan wirft großzügig einen goldenen Bettler. Aber die Szene mit dem Wucherer Dimansh, in der er sich vor dem Gläubiger demütigen muss, zeigt, dass Don Juans Großzügigkeit eine Verschwendung ist, denn er wirft das Geld anderer Leute weg.
Zu Beginn der Handlung wird der Betrachter von der Geradlinigkeit Don Juans angezogen. Er will nicht heuchlerisch sein und erklärt Elvira ehrlich, dass er sie nicht liebt, dass er sie absichtlich verlassen hat, sein Gewissen hat ihn dazu veranlasst. Doch ausgehend von der Ästhetik des Klassizismus beraubt Molière im Laufe der Entwicklung des Stücks Don Giovanni auch dieser positiven Qualität. Auffallend ist sein Zynismus gegenüber der Frau, die ihn liebt. Ein aufrichtiges Gefühl ruft keine Reaktion in seiner Seele hervor. Beim Verlassen von Doña Elvira offenbart Don Juan die Gefühllosigkeit seines Wesens:
Don Juan. Aber wissen Sie, ich habe wieder etwas in ihr gespürt, in dieser ungewöhnlichen Form von ihr habe ich einen besonderen Reiz gefunden: Nachlässigkeit in der Kleidung, träger Blick, Tränen – all das erweckte in mir die Überreste eines erloschenen Feuers.
Sganarelle. Mit anderen Worten: Ihre Reden hatten überhaupt keine Wirkung auf Sie.
Don Juan. Essen, leben!
Moliere legt besonderen Wert auf Heuchelei. Es wird nicht nur von Höflingen verwendet, um Karriere zu machen, sondern auch in Beziehungen zwischen nahestehenden Menschen. Dies wird durch den Dialog zwischen Don Juan und seinem Vater belegt. Heuchelei ist ein Mittel, um eigene egoistische Ziele zu erreichen. Don Juan kommt zu dem Schluss, dass Heuchelei bequem und sogar profitabel ist. Und er gesteht dies seinem Diener. Moliere legt Don Juan eine Hymne auf die Heuchelei in den Mund: „Heute schämen sie sich dessen nicht mehr: Heuchelei ist ein modisches Laster, und alle modischen Laster gelten als Tugenden.“ Die Rolle eines Mannes mit guten Regeln ist die beste aller Rollen, die man spielen kann. Heuchelei hat in unserer Zeit enorme Vorteile. Dank dieser Kunst wird die Täuschung immer respektiert, selbst wenn sie aufgedeckt wird, wird niemand es wagen, ein einziges Wort dagegen zu sagen. Alle anderen menschlichen Laster unterliegen der Kritik, es steht jedem frei, sie offen anzugreifen, aber Heuchelei ist ein Laster, das besondere Vorteile genießt, es bringt jeden mit seiner eigenen Hand zum Schweigen und genießt in aller Ruhe völlige Straflosigkeit ...“
Don Juan ist ein Bild, mit dem auch die antireligiöse Thematik der Komödie verbunden ist. Molière macht seinen negativen Helden ebenfalls zum Freidenker. Don Juan erklärt, dass er weder an Gott noch an den schwarzen Mönch glaubt, sondern dass zweimal zwei vier ergibt.
Auf den ersten Blick mag es scheinen, dass Molière, indem er den negativen Helden zum Freidenker machte, selbst das Freidenken ablehnte. Um das Bild von Don Juan zu verstehen, sollte man sich jedoch daran erinnern, dass es im Frankreich des 17. Jahrhunderts zwei Arten des Freidenkens gab – aristokratisch und echt. Für die Aristokratie war die Religion ein Zaumzeug, das sie daran hinderte, einen ausschweifenden Lebensstil zu führen. Aber das Freidenken der Aristokratie war Einbildung, da die Religion von ihr für ihre eigenen Interessen genutzt wurde. Echtes Freidenken fand seinen Ausdruck in den Schriften von Descartes, Gassendi und anderen Philosophen. Es ist diese Art des freien Denkens, die die gesamte Komödie von Molière durchdringt.
In Anlehnung an Don Juan verspottet Molière die Anhänger des aristokratischen Freidenkens. In den Mund einer Comicfigur, des Dieners von Sganarelle, legt er die Rede des Verteidigers der Religion. Aber die Art und Weise, wie Sganarelle es ausspricht, zeugt von den Absichten des Dramatikers. Sganarelle will beweisen, dass es einen Gott gibt, er lenkt die Angelegenheiten der Menschen, doch alle seine Argumente beweisen das Gegenteil: „Glaube ist gut und Dogmen sind gut!“ Es stellt sich heraus, dass Ihre Religion Arithmetik ist? Was für absurde Gedanken tauchen, um die Wahrheit zu sagen, in den Köpfen der Menschen auf ... Ich, Herr Gott sei Dank, habe nicht wie Sie studiert, und niemand kann sich rühmen, dass er mir etwas beigebracht hat, außer ich, mit meinem Verstand , mit meinem winzigen gesunden Menschenverstand verstehe ich alles besser als jeder Schriftgelehrte, und ich verstehe vollkommen gut, dass diese Welt, die wir sehen, nicht über Nacht wie ein Pilz wachsen kann. Wer, das möchte ich Sie fragen, hat diese Bäume, diese Felsen, diese Erde und diesen Himmel über uns erschaffen? Nehmen Sie zum Beispiel zumindest Sie selbst: Sind Sie allein auf die Welt gekommen, musste Ihre Mutter nicht deshalb von Ihrem Vater schwanger werden? Können Sie sich all die komplizierten Dinge ansehen, aus denen die Maschine des menschlichen Körpers besteht, und sich nicht darüber wundern, wie alles zusammenpasst? Nerven, Knochen, Venen, Arterien, genau diese ... Lunge, Herz, Leber und andere Teile, die hier sind und ...“
Auch die Szene mit dem Bettler ist von einer tiefen antireligiösen Bedeutung erfüllt. Der Bettler ist fromm, er hungert, er betet zu Gott, ist aber dennoch arm, und die gute Tat geht auf den Gotteslästerer Don Juan zurück, der ihm aus angeblicher Menschenliebe Gold zuwirft. Gleichzeitig ist er nicht abgeneigt, den gottesfürchtigen Bettler zu verspotten, von dem er für Gold Gotteslästerung verlangt. Wie D. D. Oblomievsky schreibt, ist Don Juan „ein Verführer von Frauen, ein überzeugter Gotteslästerer und ein Heuchler, der die religiöse Bekehrung nachahmt.“ Verdorbenheit ist natürlich die Haupteigenschaft von Don Juan, aber sie unterdrückt nicht seine anderen Merkmale.
Auch das Finale des Stücks erhält einen breiten antireligiösen Klang. Der Atheist Don Juan reicht der Statue die Hand und stirbt. Die Statue spielt die Rolle der höchsten Vergeltung, verkörpert in diesem Bild. Molière behält genau das Ende von Tirso de Molinas Stück bei. Doch wenn das Publikum nach der Komödie des spanischen Dramatikers vor Entsetzen geschockt das Theater verließ, dann war das Ende von Molières Komödie von Gelächter begleitet. Tatsache ist, dass hinter den Kulissen der Bestrafung des Sünders sofort Sganarelle auftauchte, der mit seinen Possen und komischen Bemerkungen für Gelächter sorgte. Das Lachen beseitigte jede Angst vor der Strafe Gottes. Dabei übernahm Moliere die Traditionen sowohl der antiken Komödie als auch der Renaissance-Komödie und der Literatur im Allgemeinen.
Das Stück löste einen riesigen Skandal aus. Nach der fünfzehnten Aufführung wurde es verboten. Erst nach 176 Jahren kehrte die Komödie auf die französische Bühne zurück. Molière wurde vorgeworfen, dass seine Ansichten völlig mit denen Don Juans übereinstimmten. Der Theaterkenner Rochemont erklärte die Komödie zu einem „teuflischen Stück“ und widmete ihrer Analyse in „Bemerkungen zu Molières Komödie mit dem Titel „Der steinerne Gast““ (1665) viele abwertende Zeilen.
Aufgaben für selbständiges Arbeiten
1. Machen Sie sich mit der methodischen Literatur für den Lehrer vertraut: In welcher Klasse soll das Werk von Molière studiert werden?
2. Erstellen Sie einen zusammenfassenden Plan zum Thema „Molières Werk in der Schule studieren“.
Kreative Arbeit zum Thema
1. Entwickeln Sie einen Unterrichtsplan zum Thema „Mr. Jourdain und seine Welt“.
2. Schreiben Sie einen Aufsatz zum Thema: „Der Misanthrop“ von Moliere und „Woe from Wit“ von Griboyedov (Ähnlichkeit und Unterschied zwischen den Charakteren).
Kolloquiumsfrage
Das komödiantische Werk von Molière.
26 Poetik von Molières „hoher Komödie“ („Tartuffe“, „Don Giovanni“).
Um das Repertoire seiner Truppe aufzufüllen, beginnt Moliere, Theaterstücke zu schreiben, in denen:
- fasst die Traditionen grober Volksfarcen zusammen
- zeigt den Einfluss der italienischen Komödie
- All dies wird durch das Prisma seines französischen Geistes und Rationalismus gebrochen
Moliere ist ein geborener Komiker, alle Stücke, die unter seiner Feder entstanden sind, gehören zum Comedy-Genre:
· Comedy-Unterhaltung
· Sitcoms
Sittenkomödien
Comedy-Ballette
· „hohe“ – also klassische – Komödien.
Mit der Aufführung einer seiner frühen Komödien am Hofe Ludwigs Die Stücke „Lustige Hähne“ (1659) und „Eine Lektion für Frauen“ (1662) brachten ihm landesweiten Ruhm und viele Feinde, die sich in den satirischen Bildern seiner Komödien wiedererkannten. Und selbst der Einfluss des Königs rettete Molière nicht vor dem Verbot seiner besten Stücke, die in den sechziger Jahren entstanden: zweimal für das öffentliche Theater „Tartuffe“ verboten, aus dem Repertoire von „Don Juan“ gestrichen. Tatsache ist, dass die Komödie im Werk Molières nicht mehr nur ein Genre ist, das nur dazu da ist, das Publikum zum Lachen zu bringen; Molière brachte erstmals ideologischen Inhalt und gesellschaftliche Schärfe in die Komödie.
Merkmale von Molières „hoher Komödie“
Gemäß der klassischen Hierarchie der Genres Komödie - niedriges Genre, weil es die Realität in ihrer gewöhnlichen, realen Form darstellt.
Für Molière liegt die Komik ganz im Inneren reale, meist bürgerliche Welt.
Seine Helden haben im Leben wiedererkennbare Charaktere und gebräuchliche Namen; die Handlung dreht sich um Familie und Liebesprobleme; Molières Privatleben basiert auf Eigentum, und doch in ihrem beste Komödien Der Dramatiker reflektiert den Alltag vom Standpunkt eines hohen humanistischen Ideals, so erhält seine Komödie einen idealen Anfang, wird also reinigende, lehrreiche, klassische Komödie.
Molières Freund Nicolas Boileau, der Gesetzgeber der klassischen Poetik, stellt sein Werk in der „Poetischen Kunst“ auf höchstes Niveau, neben den antiken Autoren – Menander und Plautus – gerade dank moralisches Pathos Molieres Kreationen.
Molière selbst reflektierte seine bahnbrechende Komödie in zwei Stücken, die zur Verteidigung der Schule der Frauen geschrieben wurden: „Kritik der Schule der Frauen“ und „Impromptu von Versailles“ (1663). Durch die Lippen des Helden des ersten Stücks, Chevalier Durant, bringt Molière sein Credo als Komiker zum Ausdruck:
Ich finde es viel einfacher, über Hochgefühle zu sprechen, in Versen gegen das Glück zu kämpfen, dem Schicksal die Schuld zu geben, die Götter zu verfluchen, als die lächerlichen Züge eines Menschen genauer zu betrachten und auf diese Weise die Laster der Gesellschaft auf der Bühne zu zeigen dass es unterhaltsam ist ... Wenn man gewöhnliche Menschen porträtiert, muss man hier aus der Natur schreiben. Porträts sollten ähnlich sein, und wenn Menschen Ihrer Zeit darin nicht erkannt werden, haben Sie Ihr Ziel nicht erreicht ... Anständige Menschen zum Lachen zu bringen ist keine leichte Aufgabe ...
Molière ist also erhebt die Komödie auf die Ebene der Tragödie Er sagt, dass die Aufgabe eines Komikers schwieriger sei als die eines Tragödienautors.
Ein wesentliches Merkmal der hohen Komödie war tragisches Element, am deutlichsten manifestiert in „Der Menschenfeind“, der manchmal als Tragikomödie und sogar als Tragödie bezeichnet wird.
Molières Komödien berühren weiter Kreis Probleme modernes Leben:
- Vater-Kind-Beziehung
- Erziehung
- Ehe und Familie
- der moralische Zustand der Gesellschaft (Heuchelei, Gier, Eitelkeit usw.)
- Klasse, Religion, Kultur, Wissenschaft (Medizin, Philosophie) usw.
Molière bringt vor in den Vordergrund keine unterhaltsamen, sondern lehrreiche und satirische Aufgaben. Seine Komödien zeichnen sich durch scharfe, peitschende Satire, Unnachgiebigkeit gegenüber dem gesellschaftlichen Übel und gleichzeitig sprühenden gesunden Humor und Fröhlichkeit aus.
Merkmale der Charaktere in Molière
HauptmerkmalMolieres Charaktere - Unabhängigkeit, Aktivität, die Fähigkeit, ihr Glück und ihr Schicksal im Kampf gegen das Alte und Veraltete zu gestalten. Jeder von ihnen hat seine eigenen Überzeugungen, sein eigenes Ansichtensystem, das er vor seinem Gegner verteidigt; Die gegnerische Figur ist erforderlich für die klassische Komödie, weil sich die Handlung darin im Kontext von Auseinandersetzungen und Diskussionen entwickelt.
Ein weiteres Merkmal von Molieres Charakteren ist ihre Mehrdeutigkeit. Viele von ihnen haben nicht eine, sondern mehrere Eigenschaften (Don Juan), oder im Verlauf der Handlung kommt es zu einer Komplikation oder Veränderung ihrer Charaktere (Orgon in Tartuffe, Georges Dandin).
Alle negativen Charaktere haben eines gemeinsam: Maßverstoß. Das Maß ist das Hauptprinzip der klassischen Ästhetik. In den Komödien von Molière ist es identisch mit gesundem Menschenverstand und Natürlichkeit (und damit Moral). Ihre Träger erweisen sich oft als Vertreter des Volkes (eine Magd in Tartuffe, eine plebejische Frau von Jourdain im Philister im Adel). Molière erkennt die Unvollkommenheit der Menschen das Hauptprinzip des Comedy-Genres- durch Lachen die Welt und die menschlichen Beziehungen in Einklang bringen.
„Tartuffe“
Kurzer historischer Hintergrund
Ein Beispiel für „High Comedy“ kann „Tartuffe“ sein. Der Kampf um die Produktion von Tartuffe dauerte von 1664 bis 1669; Im Vertrauen auf die Auflösung der Komödie überarbeitete Moliere sie dreimal, konnte seine Gegner jedoch nicht besänftigen. Die Gegner von Tartuffe waren mächtige Leute – Mitglieder der Gesellschaft der Heiligen Gaben, einer Art säkularer Zweig des Jesuitenordens, der als unausgesprochene Moralpolizei fungierte, kirchliche Moral und den Geist der Askese pflanzte und heuchlerisch verkündete, dass er kämpfte Ketzer, Feinde der Kirche und der Monarchie. Obwohl dem König das Stück gefiel, das erstmals 1664 auf einem Hoffest aufgeführt wurde, konnte sich Ludwig vorerst nicht gegen die Kirchenmänner stellen, die ihn davon überzeugt hatten, dass das Stück nicht Heuchelei, sondern Religiosität im Allgemeinen angriff. Erst als der König vorübergehend mit den Jesuiten in Konflikt geriet und in seiner Religionspolitik eine Phase relativer Toleranz einsetzte, wurde Tartuffe schließlich in seiner jetzigen, dritten Auflage inszeniert. Diese Komödie war für Moliere die schwerste und bescherte ihm den größten Erfolg seines Lebens.
„Tartuffe“ ist die erste Komödie von Molière, in der bestimmte Merkmale des Realismus. Im Allgemeinen folgt es, wie seine frühen Stücke, den Grundregeln und Kompositionstechniken des klassischen Werks; Moliere weicht jedoch oft von ihnen ab (zum Beispiel wird in Tartuffe die Regel der Einheit der Zeit nicht vollständig eingehalten – die Handlung enthält eine Hintergrundgeschichte über die Bekanntschaft von Orgon und dem Heiligen).
Worum geht es
„Tartuffe“ bedeutet in einem der Dialekte Südfrankreichs „Betrüger“, „Betrüger“. So definiert Molière bereits im Namen des Stücks den Charakter des Protagonisten, der in weltlicher Kleidung auftritt und ein sehr erkennbares Porträt eines Mitglieds der „Heiligenkabale“ darstellt. Tartuffe, der sich als rechtschaffener Mann ausgibt, dringt in das Haus des wohlhabenden Bürgers Orgon ein und unterwirft den Besitzer vollständig, der sein Eigentum an Tartuffe überträgt. Die Natur von Tartuffe ist für den gesamten Haushalt Orgons offensichtlich – dem Heuchler gelingt es nur, den Besitzer und seine Mutter, Madame Pernel, zu täuschen. Orgon bricht mit jedem, der es wagt, ihm die Wahrheit über Tartuffe zu sagen, und vertreibt sogar seinen Sohn von zu Hause. Um seine Hingabe an Tartuffe zu beweisen, beschließt er, mit ihm zu heiraten und ihm seine Tochter Mariana zur Frau zu geben. Um diese Heirat zu verhindern, unternimmt Marianas Stiefmutter, Orgons zweite Frau Elmira, die Tartuffe seit langem heimlich umwirbt, ihn vor ihrem Mann bloßzustellen, und in einer absurden Szene versteckt sich Orgon unter dem Tisch Elmira provoziert Tartuffe zu unbescheidenen Vorschlägen und zwingt ihn, sich seiner Schamlosigkeit und seines Verrats zu vergewissern. Doch nachdem er ihn aus dem Haus vertrieben hat, gefährdet Orgon sein eigenes Wohlergehen – Tartuffe beansprucht die Rechte an seinem Eigentum, ein Gerichtsvollzieher kommt mit einem Räumungsbefehl zu Orgon, außerdem erpresst Tartuffe Orgon mit dem ihm achtlos anvertrauten Geheimnis eines anderen, und nur das Eingreifen des weisen Königs, der den Befehl gibt, einen bekannten Schurken zu verhaften, der eine ganze Reihe „schamloser Taten“ begangen hat, rettet das Haus Orgon vor dem Zusammenbruch und sorgt für ein glückliches Ende der Komödie.
Charaktereigenschaften
Charaktere in der klassischen Komödie drücken in der Regel aus: ein Merkmal.
- TartuffeIn Molière verkörpert er den universellen Menschen Laster der Heuchelei, das sich hinter religiöser Heuchelei verbirgt, und in diesem Sinne ist sein Charakter von Anfang an klar angedeutet, entwickelt sich nicht im Laufe der Handlung, sondern offenbart sich nur mit jeder Szene, an der Tartuffe teilnimmt, tiefer. Eine Maske tragen- Eigentum der Seele von Tartuffe. Heuchelei ist nicht sein einziges Laster, aber sie wird von anderen in den Vordergrund gerückt negative Eigenschaften diese Eigenschaft wird verstärkt und betont. Molière ist es gelungen, ein wahres Konzentrat an Heuchelei zu synthetisieren, das fast bis zum Absoluten stark verdichtet ist. In Wirklichkeit wäre dies unmöglich. Die aktuellen Bildelemente, die mit der Anprangerung der Aktivitäten der Gesellschaft der Heiligen Gaben verbunden sind, sind längst in den Hintergrund getreten, es ist jedoch wichtig, sie aus der Sicht der Poetik des Klassizismus zu beachten. Es kommt unerwartet Verteilung des Textes nach Akten: Im ersten und zweiten Akt fehlt Tartuffe völlig auf der Bühne, dominiert jedoch nur im dritten Akt, seine Rolle wird im vierten Akt merklich reduziert und verschwindet im fünften Akt fast. Das Bild von Tartuffe verliert jedoch nicht an Kraft. Es offenbart sich durch die Vorstellungen des Charakters, seine Handlungen, die Wahrnehmung anderer Charaktere, das Bild der katastrophalen Folgen der Heuchelei.
- Auch viele andere Zeichen sind unilinear Komödien: bekannte Rollen junge Liebhaber Bilder darstellen Mariana und ihre Verlobte Valera, lebhaftes Dienstmädchen — Bild von Dorina; Denker, das heißt, eine Figur, die dem Betrachter die moralische Lektion dessen, was geschieht, „ausspricht“, - Elmiras Bruder Cleanthe.
- Allerdings gibt es in jedem Stück von Molière einen die Rolle, die er selbst spielte, und der Charakter dieser Figur ist immer der lebenswichtigste, dramatischste und zweideutigste im Stück. In „Tartuffe“ spielte Moliere Orgon.
Orgon- praktisch gesehen ein erwachsener, erfolgreicher Unternehmer, gleichzeitig der Familienvater verkörpert spirituellen Mangel an Selbstgenügsamkeit normalerweise charakteristisch für Kinder. Dies ist die Art von Person, die einen Anführer braucht. Wer auch immer dieser Anführer sein mag, Menschen wie Orgon sind ihm gegenüber von grenzenloser Dankbarkeit erfüllt und vertrauen ihrem Idol mehr als ihren Nächsten. Orgon fehlt ein eigener innerer Inhalt, den er durch den Glauben an die Güte und Unfehlbarkeit Tartuffes auszugleichen versucht. Orgon ist spirituell abhängig, er kennt sich selbst nicht, ist leicht beeinflussbar und wird Opfer der Selbstblindung. Ohne leichtgläubige Orgone gibt es keine Tartuffe-Betrüger.. Mit Orgon schafft Moliere eine besondere Art von Comicfigur, die sich durch die Wahrheit seiner persönlichen Gefühle mit ihrer objektiven Falschheit auszeichnet und deren Qualen vom Betrachter als Ausdruck moralischer Vergeltung, als Triumph eines positiven Prinzips wahrgenommen werden.
Form und Zusammensetzung
Nach Form„Tartuffe“ hält sich strikt an die klassische Regel der drei Einheiten: Die Handlung dauert einen Tag und spielt sich vollständig im Haus Orgon ab, die einzige Abweichung von der Handlungseinheit ist die Linie der Liebesmissverständnisse zwischen Valera und Mariana. Die Komödie ist, wie immer bei Moliere, in einfacher, klarer und natürlicher Sprache geschrieben.
KompositionDie Komödie ist sehr eigenartig und unerwartet: Die Hauptfigur Tartuffe erscheint nur im dritten Akt. Die ersten beiden Akte ist ein Streit um Tartuffe. Das Oberhaupt der Familie, in der sich Tartuffe rieb, Orgon und seine Mutter, Frau Pernel, betrachten Tartuffe als einen heiligen Menschen, ihr Vertrauen in den Heuchler ist grenzenlos. Die religiöse Begeisterung, die Tartuffe in ihnen hervorrief, macht sie blind und lächerlich. Im anderen Extrem stehen Orgons Sohn Damis, Tochter Marie mit ihrer Geliebten Valera, Orgons Frau Elmira und andere Helden. Unter all diesen Charakteren, die Tartuffe hassen, sticht vor allem die Magd Dorina hervor. In Molière sind in vielen Komödien Menschen aus dem Volk schlauer, talentierter und einfallsreicher als die Energie ihrer Herren. Für Orgon ist Tartuffe der Gipfel aller Vollkommenheit, für Dorina ist er es „Der Bettler, der dünn und barfuß hierher kam“, und jetzt „sieht sich selbst als Herrscher.“
III und IV Akte sind sehr ähnlich aufgebaut: Schließlich taucht Tartuffe zweimal auf und gerät in die „Mausefalle“, sein Wesen wird offensichtlich. Dieser heilige Mann hat beschlossen, Orgons Frau Elmyra zu verführen und handelt völlig schamlos.
Zum ersten Mal werden seine offenen Geständnisse gegenüber Elmira vom Sohn von Orgon Damis gehört. Doch Orgon glaubt seinen Offenbarungen nicht, er vertreibt Tartuffe nicht nur nicht, sondern überlässt ihm im Gegenteil sein Haus. Es musste die gesamte Szene wiederholt werden, damit Orgon klar sehen konnte. Um den Heuchler zu entlarven, greift Molière zu traditionelle Farce-Szene„Der Ehemann unter dem Tisch“, wenn Orgon mit eigenen Augen sieht, wie Tartuffe Elmira umwirbt, und seine Worte mit eigenen Ohren hört. Jetzt verstand Orgon die Wahrheit. Doch unerwartet widersprach ihm Madame Pernel, die nicht an das Verbrechen von Tartuffe glauben konnte. Egal wie wütend Orgon auf sie ist, nichts kann sie überzeugen, bis Tartuffe die ganze Familie aus dem Haus vertreibt, das ihm jetzt gehört, und einen Beamten herbeiruft, um Orgon als Verräter am König zu verhaften (Orgon vertraute Tartuffe die geheimen Dokumente der Fronde an Teilnehmer). So betont Molière besondere Gefahr der Heuchelei: Es ist schwer, an die Niedrigkeit und Unmoral eines Heuchlers zu glauben, bis man direkt auf seine kriminellen Aktivitäten stößt und sein Gesicht nicht ohne eine fromme Maske sieht.
Akt V in dem Tartuffe, nachdem er seine Maske abgeworfen hat, Orgon und seine Familie mit den größten Nöten bedroht, tragische Züge annimmt, entwickelt sich eine Komödie zur Tragikomödie. Die Grundlage des Tragikomischen in Tartuffe ist die Einsicht Orgons. Solange er Tartuffe blind glaubte, verursachte er nur Gelächter und Verurteilung. Doch schließlich erkannte Orgon seinen Fehler und bereute ihn. Und nun beginnt er als Mensch, der Opfer eines Bösewichts geworden ist, Mitleid und Mitgefühl hervorzurufen. Die Dramatik der Situation wird dadurch verstärkt, dass die ganze Familie mit Orgon auf der Straße war. Und besonders dramatisch ist, dass nirgends eine Erlösung zu erwarten ist: Keiner der Helden des Werkes kann Tartuffe besiegen.
Aber Molière, den Gesetzen des Genres gehorchend, beendet die Komödie mit einem glücklichen Ende Auflösung: Es stellt sich heraus, dass der von Tartuffe mitgebrachte Beamte zur Verhaftung von Orgon einen königlichen Befehl hat, Tartuffe selbst zu verhaften. Der König verfolgte diesen Betrüger schon seit langem, und sobald Tartuffes Aktivitäten gefährlich wurden, wurde sofort ein Dekret über seine Verhaftung erlassen. Allerdings ist das Ende von Tartuffe angeblich glücklich Auflösung. Tartuffe ist keine bestimmte Person, sondern ein verallgemeinertes Bild, ein literarischer Typus, hinter ihm stehen Tausende von Heuchlern. Der König hingegen ist kein Typus, sondern die einzige Person im Staat. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass Er über alle Tartuffes Bescheid wusste. Der tragikomische Ton des Werkes wird durch sein Happy End also nicht beseitigt.
Komödien „Don Juan“ und „Misanthrope“
Während des Verbots von Tartuffe schuf Moliere zwei weitere Meisterwerke im Genre der „hohen Komödie“: 1665 wurde „Don Giovanni“ inszeniert und 1666 „Der Menschenfeind“.
"Don Juan"
Comedy-Handlung wurde einem italienischen Drehbuch entlehnt, das auf Tirso de Molinas Komödie Der schelmische Mann von Sevilla basiert. Die Leistung der Italiener hielt die ganze Saison über an und gab keinen Anlass zu besonderen Beanstandungen. Die Inszenierung von Molière löste sofort eine Welle von Angriffen und Beschimpfungen aus. Der Kampf zwischen der Kirche und dem Dichter nahm einen sehr scharfen Charakter an.
Das Bild von Don Juan
Im Bild von Don Juan brandmarkte Molière der Typ, den er hasst ein ausschweifender und zynischer Aristokrat, ein Mann, der seine Gräueltaten nicht nur ungestraft begeht, sondern auch damit prahlt, dass er aufgrund seiner adeligen Herkunft das Recht hat, nicht mit den Gesetzen der Moral zu rechnen, die nur für Menschen verbindlich sind ein einfacher Rang. Solche Ansichten herrschten am Hof, wo Treue und eheliche Ehre als kleinbürgerliche Vorurteile galten und der König selbst einen ähnlichen Ton angab, indem er seinen ständigen und zeitweiligen Günstling, den Molière-Helden, mit Leichtigkeit wechselte.
Aber was den Aristokraten als harmlose Abwechslung der Freuden erschien, als eine Art Dekoration eines müßigen Daseins, sah Moliere von der menschlichen und dramatischen Seite. Ausgehend von den Positionen Humanismus und Staatsbürgerschaft zeigte der Dramatiker im Bild von Don Juan nicht nur einen leichtfertigen Eroberer der Frauenherzen, sondern auch einen zynischen und grausamen Erben feudaler Rechte, der im Namen einer momentanen Laune rücksichtslos die ruiniert Leben und Ehre der jungen Frauen, die ihm vertrauten. Schändung einer Person, Verletzung der Würde der Frau, Verspottung ihrer reinen und vertrauensvollen Seelen – all dies wurde in der Komödie als Ergebnis der bösartigen Leidenschaften eines Aristokraten gezeigt, die in der Gesellschaft in keiner Weise gezügelt werden.
Don Juans Diener Sganarelle erwartet Figaros ätzende Angriffe und sagt zu seinem Herrn: „... vielleicht denkst du, wenn du aus einer adligen Familie stammst, wenn du eine blonde, kunstvoll gelockte Perücke, einen Hut mit Federn, ein mit Gold besticktes Kleid und feurig gefärbte Bänder hast, dann denkst du vielleicht, dass du einer bist schlauer dadurch, dass dir alles erlaubt ist und dir niemand die Wahrheit sagen kann? Lerne von mir, von deinem Diener, dass früher oder später ... ein schlechtes Leben zu einem schlimmen Tod führen wird ...“ Diese Worte sind deutlich hörbar Notizen über sozialen Protest.
Aber Molière gibt seinem Helden eine so eindeutige Charakterisierung beraubt ihn nicht dieser persönlichen, subjektiven Eigenschaften, Mit dieser Methode täuschte Don Juan alle, die mit ihm zu tun hatten, insbesondere Frauen. Er blieb ein herzloser Mann, war leidenschaftlichen, vorübergehenden Leidenschaften ausgesetzt, besaß Einfallsreichtum und Witz und sogar einen besonderen Charme.
Die Abenteuer von Don Juan, egal wie aufrichtig die Impulse des Herzens sie auch rechtfertigen, brachte den umliegenden Menschen den größten Schaden. Don Juan hörte nur auf die Stimme seiner Leidenschaften und übertönte sein Gewissen völlig; Er vertrieb zynisch seine Mätressen, die sich vor ihm ekelten, und empfahl seinem betagten Elternteil unverschämt, so schnell wie möglich ins Jenseits zu gehen und ihn nicht mit langweiligen Vorträgen zu belästigen. Molière sah sehr gut dass sinnliche Impulse, die nicht durch die Zügel der öffentlichen Moral zurückgehalten werden, der Gesellschaft den größten Schaden zufügen.
Die Tiefe von Don Juans Charakterisierung zeigte Molière im Bild eines modernen Aristokraten, der von einem unbändigen Durst nach Vergnügen erfasst wird jene extremen Grenzen, bis zu denen die Vitalität des Renaissance-Helden reichte. Einst fortschrittliche Bestrebungen, die sich gegen die asketische Abtötung des Fleisches richteten, im Neuen historische Bedingungen, nicht mehr durch irgendwelche Barrieren der öffentlichen Moral und humanistischer Ideale eingeschränkt, degenerierte zum räuberischen Individualismus, zu einer offenen und zynischen Manifestation egoistischer Sinnlichkeit. Aber gleichzeitig stattete Moliere seinen Helden mit kühnen freigeistigen Ideen aus, die objektiv zur Zerstörung religiöser Ansichten und zur Verbreitung materialistischer Weltanschauungen in der Gesellschaft beitrugen.
In einem Gespräch mit Sganarelle gesteht Don Juan, dass er nicht an den Himmel oder die Hölle, nicht an das Verbrennen oder an das Leben nach dem Tod glaubt, und als der verwirrte Diener ihn fragt: „Woran glaubst du?“ Don Juan antwortet ruhig: „Ich glaube, Sganarelle, dass zweimal zwei vier ist und zweimal vier acht ist.“
In dieser Arithmetik steckte neben der zynischen Anerkennung des Profits als höchste moralische Wahrheit auch eine eigene Weisheit. Der Freidenker Don Juan glaubte nicht an eine alles verzehrende Idee, nicht an den Heiligen Geist, sondern nur in die Realität der menschlichen Existenz durch die irdische Existenz begrenzt.
Bild von Sganarelle
Indem er Don Juan seinem Diener Sganarelle gegenüberstellte, skizzierte Moliere die Wege, die später zu kühnen Verurteilungen von Figaro führen würden. Die Begegnung zwischen Don Juan und Sganarelle enthüllte Konflikt zwischen aristokratischem Eigenwillen und bürgerlicher Vernunft, aber Moliere beschränkte sich nicht auf die äußere Opposition dieser beiden Gesellschaftstypen, Kritik an der Aristokratie. Er gab auch bekannt Widersprüche, die in der bürgerlichen Moralisierung lauern. Das soziale Bewusstsein der Bourgeoisie war bereits so weit entwickelt, dass man die bösartige egoistische Seite der Sinnlichkeit der Renaissance erkennen konnte, aber der „dritte Stand“ war noch nicht in seine heroische Periode eingetreten und seine Ideale waren noch nicht in Erscheinung getreten so absolut, wie sie den Aufklärern erscheinen. Daher hatte Molière die Gelegenheit, nicht nur die starken, sondern auch die schwachen Seiten der Weltanschauung und des Charakters von Sganarelle aufzuzeigen, die kleinbürgerlichen Beschränkungen dieses Typs aufzuzeigen.
Als Sganarelle Don Juan die Schuld gibt und sagt, dass er „glaubt nicht an den Himmel, noch an Heilige, noch an Gott, noch an den Teufel“ was er „lebt wie ein abscheuliches Vieh, wie ein lukullisches Schwein, wie ein echter Sardanapalus, der nicht auf christliche Lehren hören will und alles, was wir glauben, für Unsinn hält“, Dann kann man in diesem Philippus deutlich die Ironie Molières über die Grenzen der tugendhaften Sganarelle heraushören. Als Antwort auf die philosophische Arithmetik von Don Juan entwickelt Sganarelle einen Beweis für die Existenz Gottes aus der Tatsache der Vernünftigkeit des Universums. Sganarelle demonstriert die Vollkommenheit göttlicher Schöpfungen an sich selbst und lässt sich von Gesten, Drehungen, Sprüngen und Sprüngen so mitreißen, dass er am Ende hinfällt und dem Atheisten Anlass gibt zu sagen: „Hier ist deine Begründung und er hat sich die Nase gebrochen.“ Und in dieser Szene steht Molière klar hinter Don Juan. Sganarelle lobte die Rationalität des Universums und bewies nur eines: seine eigene Dummheit. Sganarelle hält edle Reden, doch in Wirklichkeit ist er naiv und offen feige. Und natürlich hatten die Kirchenväter Recht, als sie es Molière übel nahmen, dass er diesen komischen Diener als den einzigen Verteidiger des Christentums darstellte. Aber der Autor von „Tartuffe“ wusste, dass die religiöse Moral so dehnbar war, dass sie von jedermann gepredigt werden konnte, da sie kein reines Gewissen, sondern nur orthodoxe Reden erforderte. Persönliche Tugenden spielten hier keine Rolle: Ein Mensch kann die schlimmsten Taten begehen, und niemand wird ihn für einen Sünder halten, wenn er sein bösartiges Gesicht mit einer dünnen Maske auffälliger Frömmigkeit bedeckt.
Tartuffe wurde verboten, aber der leidenschaftliche Wunsch, die Heuchelei anzuprangern, brannte im Herzen des Dichters. Er konnte seinen Zorn gegen die Jesuiten und Heuchler nicht zurückhalten und zwang Don Juan, diesen völligen Sünder, sarkastisch über die heuchlerischen Schurken zu sprechen: „Lassen Sie ihre Intrigen bekannt werden, lassen Sie alle wissen, wer sie sind, trotzdem verlieren sie nicht das Selbstvertrauen: Wenn sie ein- oder zweimal den Kopf neigen, reuig seufzen oder die Augen verdrehen, und jetzt ist alles geklärt ...“ Und hier in den Worten von Don Juan die Stimme von Molière ist zu hören. Don Juan beschließt, es selbst zu versuchen magische Kräfte Heuchelei. „Unter diesem fruchtbaren Baldachin möchte ich mich verstecken, um in völliger Gelassenheit zu handeln“, sagt er. „Ich werde meine süßen Gewohnheiten nicht aufgeben, aber ich werde mich vor dem Licht verstecken und heimlich Spaß haben.“ Und wenn sie mich bedecken, werde ich keinen Finger am Finger rühren; Die ganze Bande wird für mich eintreten und mich vor jedem beschützen. Mit einem Wort: Dies ist der beste Weg, ungestraft zu tun, was immer Sie wollen.
Tatsächlich ist Heuchelei eine hervorragende Verteidigung gegen Angriffe. Don Juan wird des Meineids beschuldigt, und er faltete demütig die Hände, verdrehte die Augen zum Himmel und murmelte: „So will der Himmel“, „Das ist der Wille des Himmels“, „Ich gehorche der Stimme des Himmels“ usw. Aber Don Juan ist nicht der Typ, der lange Zeit die feige Rolle eines heuchlerischen, gerechten Mannes spielt. Das unverschämte Bewusstsein seiner Straflosigkeit erlaubte ihm zu handeln und ohne Maske. Wenn es im Leben keine Gerechtigkeit gegen Don Juan gab, dann konnte Molière auf der Spur seine wütende Stimme gegen den kriminellen Aristokraten erheben, und Comedy-Finale- Der Donner und die Blitze, die Don Juan trafen, waren kein traditioneller Bühneneffekt, sondern bildlicher Ausdruck der Vergeltung, in Bühnenform verkörpert, ein Vorbote einer schrecklichen Strafe, die auf die Köpfe der Aristokraten fallen wird.
"Menschenfeind" ist das am wenigsten fröhliche Stück von Molière und wahrscheinlich das beste Beispiel für hohe Komödie.
Die Handlung der Komödie beginnt mit einem Streit zwischen Alceste und seinem Freund Philint. Philint predigt eine versöhnliche, lebensfreundliche Philosophie. Warum sich gegen die Lebensart wehren, wenn man sie sowieso nicht ändern kann? Es ist viel vernünftiger, sich der öffentlichen Meinung anzupassen und weltlichen Vorlieben zu frönen. Aber Alceste hasst eine solche Krümmung der Seele. Er sagt zu Philint:
Aber da du die Laster unserer Tage magst,
Du, verdammt noch mal, gehörst nicht zu meinem Volk.
Alceste leidenschaftlich hasst die Menschen um ihn herum; Aber dieser Hass betrifft nicht das eigentliche Wesen der menschlichen Natur, sondern jene Perversionen, die eine falsche Gesellschaftsordnung mit sich bringt. Molière nimmt die Ideen der Aufklärung vorweg und stellt sie im Bild seines Misanthropen dar Zusammenstoß des „natürlichen Menschen“ mit dem „künstlichen“, durch schlechte Gesetze korrumpierten Menschen. Alceste verlässt voller Abscheu die abscheuliche Welt mit ihren grausamen und betrügerischen Bewohnern.
Mit dieser verhassten Gesellschaft verbindet Alceste nur eine leidenschaftliche Verbindung Liebe zu Selimene. Die junge Célimène ist ein kluges und entschlossenes Mädchen, aber ihr Bewusstsein und ihre Gefühle sind völlig den Sitten der High Society untergeordnet, und deshalb ist sie leer und herzlos. Nachdem Célimènes High-Society-Bewunderer sie aufgrund ihrer Verleumdung verlassen haben, willigt sie ein, Alcestes Frau zu werden. Alceste ist unendlich glücklich, aber er stellt seiner zukünftigen Freundin eine Bedingung: Sie müssen die Welt für immer verlassen und in Einsamkeit inmitten der Natur leben. Célimène lehnt eine solche Torheit ab und Alceste erwidert ihr Wort.
Alceste stellt sich kein Glück in einer Welt vor, in der man nach den Gesetzen des Wolfes leben muss – seinen ideologische Überzeugung siegt über wahnsinnige Leidenschaft. Aber Alceste lässt die Gesellschaft weder am Boden zerstört noch besiegt zurück. Schließlich hat er nicht umsonst die pompösen Verse des Marquis lächerlich gemacht und ihnen ein bezauberndes Volkslied gegenübergestellt, fröhlich und aufrichtig. Der Menschenfeind lobte die ländliche Muse und zeigte sich als ein Mensch, der sein Volk zutiefst liebt und versteht. Aber Alceste kannte, wie alle seine Zeitgenossen, noch nicht die Wege, die den Demonstranten allein in das Lager der öffentlichen Empörung führen. Moliere selbst kannte diese Wege nicht, da sie noch nicht von der Geschichte gepflastert waren.
Alceste vom Anfang bis zum Ende der Komödie bleibt Protestant, aber Molière kann kein Großes finden Lebensthema. Der Prozess, den Alceste mit seinem Gegner durchführt, ist nicht Teil der Handlung des Spiels, er ist sozusagen ein Symbol für die Ungerechtigkeit, die in der Welt herrscht. Alceste muss seinen Kampf nur auf die Kritik an niedlichen Versen und Vorwürfe an die windige Célimène beschränken. Molière konnte noch kein Stück mit einem bedeutenden sozialen Konflikt konstruieren, weil ein solcher Konflikt noch nicht von der Realität vorbereitet worden war; und doch wurden im Leben die Stimmen des Protests immer deutlicher gehört, und Molière hörte sie nicht nur, sondern fügte ihnen auch seine laute und deutliche Stimme hinzu.
