10 μιούζικαλ και οι συνθέτες τους. Τα καλύτερα μιούζικαλ βασισμένα σε κλασικά λογοτεχνικά έργα

2. Η προέλευση του μιούζικαλ. Καταγωγή……………………………………………….. 3
- Σόου Υπουργών
- Spiri?chuels
- Τζαζ
3 . Μουσικά είδη………………………………………………………………………………………………
4. Ανάπτυξη του μιούζικαλ. Αξιόλογοι συνθέτεςκαι παραστάσεις…………. 6
- στυλ μουσικής (επιρροή της τζαζ, του ράγκταιμ, των χίπι ιδεών)
- συστατικά του μιούζικαλ

Ορισμός του "μιούζικαλ"

Τι είναι το Musical;
Η Μουσική Εγκυκλοπαίδεια απαντά ως εξής: «Ένα μουσικό σκηνικό είδος που χρησιμοποιεί τα εκφραστικά μέσα της μουσικής, τις δραματικές, χορογραφικές και οπερατικές τέχνες. Ο συνδυασμός και η διασύνδεσή τους έδωσε στο μιούζικαλ έναν ιδιαίτερο δυναμισμό, χαρακτηριστικό γνώρισμα πολλών μιούζικαλ ήταν η λύση του σοβαρού δραματουργικά προβλήματα με απλά καλλιτεχνικά μέσα αντίληψης».
μιούζικαλ- ένα μιούζικαλ, ή, όπως γράφουν και λένε συχνά, ένα μιούζικαλ - μια συντομογραφία των εννοιών Μουσική κωμωδία (μουσική κωμωδία) και Μουσικό παιχνίδι (μουσικό παιχνίδι, μουσική παράσταση) -είναι ένα σκηνικό έργο στο οποίο αναμειγνύονται τραγούδια και διάλογοι, μουσική και χοροί. Το μιούζικαλ είναι ένα από τα πιο μοδάτα είδη του μοντέρνου μουσικό θέατρο. Κάποιοι το θεωρούν απλώς μια αμερικανική ποικιλία οπερέτας. Αυτό δεν είναι μεγάλο λάθος. Τα είδη τέχνης τείνουν να αναπτύσσονται και η οπερέτα έχει αλλάξει την εθνική και την ιδιαιτερότητα του είδους περισσότερες από μία φορές. Οι συναισθηματικές και μελοδραματικές οπερέτες του I. Kalman και του F. Lehar δεν έμοιαζαν τόσο με τη βιεννέζικη οπερέτα του τέλους του 19ου αιώνα και οι μουσικές κωμωδίες των σοβιετικών συγγραφέων ήταν τόσο διαφορετικές από τις δυτικές παραγωγές που μερικές φορές έδιναν επίσης λόγο να μιλήσουμε γι' αυτές ως νέο είδος. Οι λέξεις «αυτό δεν είναι οπερέτα» ήταν πολύ γνωστές σε πολλούς συγγραφείς οπερέτας του 20ού αιώνα. Αλλά ήταν στο αμερικάνικο μουσικό θέατρο που έγινε το ποιοτικό άλμα, το οποίο επιτρέπει σε πολλούς να θεωρούν το μιούζικαλ ως ανεξάρτητο σκηνικό είδος, αν και βρίσκεται σε στενή σχέση και συνέχεια με την οπερέτα.
Οι απαρχές αυτού του είδους είναι οπερέτα, κωμική όπερα, βοντβίλ, μπουρλέσκ.Οι πλοκές για μιούζικαλ συχνά λαμβάνονται από γνωστά λογοτεχνικά έργα, από την παγκόσμια δραματουργία, όπως το «My υπέροχη κυρίατου Bernard Shaw, "Kiss me Kat!" του Σαίξπηρ, "The Man from La Mancha" του Θερβάντες, "Oliver!" και «Open House Night» του Ντίκενς. Τα μιούζικαλ είναι μια από τις πιο εμπορικές τέχνες του θεάτρου. Αυτό οφείλεται στην ψυχαγωγία και τα ακριβά ειδικά εφέ τους.ιστορίες.

Η προέλευση του μιούζικαλ. προέλευση
Η τέχνη της αφήγησης ιστοριών μέσα από τραγούδια χρονολογείται από αμνημονεύτων χρόνων. Οι αρχαίοι Έλληνες συμπεριέλαβαν τη μουσική και τον χορό στις θεατρικές τους παραγωγές ήδη από τον 5ο αιώνα π.Χ. Κάποιοι από αυτούς έγραψαν ειδικά τραγούδια για κάθε μιούζικαλ, άλλοι χρησιμοποίησαν υπάρχοντα. Αυτά τα έργα συνδύαζαν χιούμορ, πολιτική και κοινωνική σάτιρα και οτιδήποτε άλλο μπορούσε να διασκεδάσει τις μάζες. Με τη βοήθεια τραγουδιών, ήταν δυνατό να σχολιάσουμε ενέργειες, να μιλήσουμε για το τι συνέβαινε. Οι Ρωμαίοι αντέγραψαν σχεδόν όλες τις μορφές και τις παραδόσεις του ελληνικού θεάτρου, αλλά έκαναν και κάποιες αλλαγές. Συγκεκριμένα, άρχισαν να γεμίζουν τα παπούτσια με μέταλλο για να ακούνε καλύτερα την κίνηση των χορευτών, κάτι που άρχισε να τονίζει τη σημασία των ειδικών εφέ.
Η γενέτειρα του μιούζικαλ είναι δικαίως οι Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής. Ο αμερικανικός τρόπος ανάπτυξης, σε πολιτικό ή πολιτιστικό τομέα, θεωρείται ιδιαίτερος. Οι ιστορικοί το αποκαλούν «Αμερικάνικος τρόπος».Λόγω του μεγάλου αριθμού μεταναστών και πουριτανών, η θεατρική τέχνη στην Αμερική δεν μπορούσε να αναπτυχθεί με τον ίδιο τρόπο όπως η ευρωπαϊκή.
Οι πουριτανοί, που αγωνίστηκαν όχι μόνο για την αγνότητα της πίστης, αλλά και για την αγνότητα της ζωής, επέβαλαν στους ανθρώπους την άποψη ότι το θέατρο είναι ένα χαμηλό, υποκριτικό είδος. Ήταν σίγουροι ότι ένα άτομο μπορεί να αποκτήσει πνευματική ανάπτυξη μόνο μέσω του ασκητισμού και της διανόησης - ούτε το ένα ούτε το άλλο, σύμφωνα με τους πουριτανούς, δεν ήταν στο θέατρο. Παρά την τόσο σκληρή και αφόρητη καταπίεση, το αμερικάνικο θέατρο δεν εξαφανίστηκε, αλλά μερικά από τα είδη του δεν ήρθαν ποτέ στο φως. Μέχρι τον 19ο αιώνα, το θέατρο στην Αμερική ήταν εκτός νόμου, αντιπολιτισμικό, τόσο ωμές, απλοποιημένες μορφές του άκμασαν. Οι ηθοποιοί ήταν ως επί το πλείστον μετανάστες από την Ευρώπη, ή «μαύροι Αμερικανοί», πρόσθεταν το λαϊκό τους λαϊκό στις θεατρικές παραστάσεις. Έτσι, κατά το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, έλαβε χώρα ένας σχηματισμός. Οι παραστάσεις στο αμερικανικό θέατρο ήταν κυρίως διασκεδαστικές. Πρώτα, εμφανίζεται ένα πράγμα και στη συνέχεια ένα άτομο σκέφτεται πώς να το ονομάσει. Έτσι ονομάζονται αυτές οι παραστάσεις. «Υπουργική εκπομπή»(ο ίδιος ο όρος εμφανίστηκε το 1837) - το ίδιο το όνομα μιλά για την ειρωνεία των δημιουργών του. Παρά το γεγονός ότι η παράδοση του ντυσίματος μαύρου έλαβε χώρα μεταξύ των παραστάσεων στο σπίτι των λευκών αποίκων στην Αμερική ήδη από τα τέλη του 17ου αιώνα, οι παραστάσεις των μινστρέλ αναπτύχθηκαν ως αναπόσπαστη μορφή ψυχαγωγικής τέχνης στα τέλη της δεκαετίας του 1820. στις ΗΠΑ. Το έναυσμα για τη δημοφιλία του σόου μινστρέλ δόθηκε από παραστάσεις Ρύζι Thomas Dartmouth, ιδίως τον αριθμό του "Τζιμ Κρόου"- μουσική σύνθεση και χορός που μιμείται το νέγρο. Η δημοτικότητα αυτού του αριθμού ήταν τόσο μεγάλη που ο Ράις πήρε το ψευδώνυμο «Τζιμ Κρόου» και έκανε περιοδεία στην Αμερική και την Ευρώπη. Ακολουθώντας τα χνάρια του στη δεκαετία του 1830. άρχισαν να εμφανίζονται παρόμοια οργανικά-φωνητικά σύνολα και σόλο ερμηνευτές. Στα μέσα της δεκαετίας του 1840. Minstrel shows, που ονομάζονται επίσης "αιθιοπικά" σόου (τα οποία, εκτός από μουσική και χορό, περιλάμβαναν μικρά κωμικά σκετς με διαλόγους, σκετς κ.λπ.) έχουν γίνει μια από τις πιο δημοφιλείς μορφές ψυχαγωγίας στις ΗΠΑ, ειδικά στις βόρειες πολιτείες . Οι μινστρέλ παρωδούσαν τη ζωή και τα ήθη των Νέγρων, παρουσιάζοντάς τους συχνά με τον πιο άσχημο τρόπο ως τεμπέληδες, ανόητους και καυχησιάρηδες σκλάβους. Το χιούμορ της εκπομπής ήταν αμβλύ με τη χρήση λογοπαιχνιδιών. Συχνά υπήρχε μια σάτιρα για την τρέχουσα πολιτική για λογαριασμό ενός χωριάτικου σκλάβου. Πρακτικά δεν υπήρχαν μαύροι μεταξύ των μινστραλών, μόνο από τα μέσα της δεκαετίας του 1850. άρχισαν να εμφανίζονται οι πρώτοι εντελώς νέγροι θίασοι μινστραλ. Παραδόξως, έφτιαχναν και τα πρόσωπά τους, κάνοντάς τα να μοιάζουν θεατρική μάσκα. Τα σόου των Negro Minstrel συγκέντρωσαν επίσης ένα κοινό που ήθελε να δει την παράσταση πραγματικών μαύρων. Ωστόσο, ο αρχικά ρατσιστικός χαρακτήρας του σόου μινστρέλ εμπόδισε την ανάπτυξή του μεταξύ των μαύρων ερμηνευτών (ειδικά στο Νότο).
Με τις διαρκώς αυξανόμενες τάσεις κατάργησης της βορειοαμερικανικής κοινωνίας, τα σόου των μινστρέλ θεωρήθηκαν υπό αυτό το πρίσμα ως αγωγός για τις ιδέες της δουλείας. Ταυτόχρονα, σε πολλές πολιτείες του Νότου, σταδιακά απαγορεύτηκαν οι παραστάσεις των minstrel, καθώς εκεί συνδέονταν με τη διασκέδαση των βορείων. Κατά τη διάρκεια του Εμφυλίου Πολέμου, η βιομηχανία των σόου μινστρέλ άρχισε να παρακμάζει: εκείνη τη στιγμή, παρόμοια είδη κέρδιζαν δημοτικότητα. βαριετέ, βοντβίλ και μουσικές κωμωδίες. Οι περιοδείες των μικρών θιάσων των μινστραλών μετακινήθηκαν περαιτέρω στην περιφέρεια. Ταυτόχρονα, στη Νέα Υόρκη, το είδος minstrel μετατράπηκε σε τεράστια, πλούσια διακοσμημένα σόου με τη συμμετοχή ξένων ακροβατών και άλλων στοιχείων του τσίρκου. σύντομα το μαύρο μακιγιάζ δεν ήταν πλέον υποχρεωτικό σε τέτοιες παραστάσεις. Στη δεκαετία του 1870 V τμήμα μουσικήςΤο Menstrel Show μπήκε στα πνευματικά νέγρικα τραγούδια, πνευματικοί. Στην περίπτωση αυτή, τα τραγούδια δεν μιμήθηκαν, αλλά δανείστηκαν άμεσα από πλανόδιους μαύρους μουσικούς.Η πηγή των πνευματικών των Νέγρων είναι πνευματικοί ύμνοι που έφεραν στην Αμερική λευκοί έποικοι. Το θέμα των πνευματικών ήταν οι βιβλικές ιστορίες της Παλαιάς Διαθήκης, οι οποίες προσαρμόστηκαν στις συγκεκριμένες συνθήκες της καθημερινότητας και της ζωής των μαύρων και υποβλήθηκαν σε λαογραφική επεξεργασία. Συνδυάζουν τα χαρακτηριστικά στοιχεία των αφρικανικών ερμηνευτικών παραδόσεων (συλλογικός αυτοσχεδιασμός, χαρακτηριστικός ρυθμός με έντονο πολύρυθμο (πολύρυθμος), ήχοι glissand, άτονες συγχορδίες, ιδιαίτερη συναισθηματικότητα) με τα στιλιστικά χαρακτηριστικά των αμερικανικών πουριτανικών ύμνων που προέκυψαν στην αγγλοκελτική βάση. Οι πνευματικοί έχουν δομή ερώτησης-απάντησης (υπεύθυνης), η οποία εκφράζεται στο διάλογο του ιεροκήρυκα με τους ενορίτες.
Μέχρι τις αρχές του 20ου αιώνα, το είδος του σόου minstrel είχε ξεπεράσει τελείως τη χρησιμότητά του και συνέχισε να υπάρχει μόνο στις αγροτικές περιοχές των νότιων πολιτειών. Μέχρι το 1919, είχαν απομείνει μόνο τρεις σημαντικοί θίασοι μινστράλ. Μια τέτοια γοητεία με την κουλτούρα των «μαύρων», αν και στην αρχή αστειευόταν, δεν μπορούσε παρά να έχει συνέπειες. Η πιο αξιοσημείωτη συνέπεια ήταν η γέννηση - τζαζ. Η τζαζ χρησιμοποιήθηκε ενεργά στη σκηνή για τη σκηνοθεσία μπουρλέσκ παραστάσεων και παραστάσεις στο πνεύμα της φάρσας βοντβίλ. Οι παραγωγές αυτές έχουν ήδη ανέβει με τη συμμετοχή ηθοποιών και μουσικών. Η τζαζ έγινε τόσο δημοφιλής που με την έναρξη του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, ήταν δύσκολο να βρεθεί ένα ψυχαγωγικό σόου σε όλη την Αμερική που να μην περιλαμβάνει στοιχεία τζαζ. Από την πρωτόγονη νέγρικη μουσική, η τζαζ μετατράπηκε σε μουσική που λέει για τη φιλοσοφία της αμερικανικής ζωής και, ως αποτέλεσμα, άλλαξε και το δραματικό είδος των παραστάσεων. Η τζαζ ένωσε όλα τα προηγουμένως ανόμοια είδη - έτσι γεννήθηκε το μιούζικαλ.
Στις παραγωγές του μιούζικαλ χρησιμοποιούνται ενεργά διάφορα ειδικά εφέ, δημιουργούνται μοναδικά κόλπα από τα οποία ο θεατής κόβει την ανάσα!

Είδη που σχετίζονται με τη μουσική
Όπως έχει ειπωθεί επανειλημμένα, η τζαζ ήταν μια μεγάλη ώθηση για την ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας, επομένως οι παραστάσεις της τζαζ θα είναι αναμφίβολα μακρινές, αλλά και πάλι συγγενείς του μιούζικαλ. Αν προχωρήσουμε από το γεγονός ότι το μιούζικαλ έχει απορροφήσει πολλά που είναι χαρακτηριστικά των δραματικών παραγωγών - δηλ. θεατρικά και στη συνέχεια σχετικά είδη θα περιλαμβάνουν:
- Δράμα
- μελόδραμα
- κωμωδία
- τραγωδία
- τραγική κωμωδία
- φάρσα
- φάρσα βοντβίλ

Μουσική ανάπτυξη. Διάσημοι συνθέτες και μιούζικαλ. Μουσικό στυλ.
Στα χρόνια που προηγήθηκαν του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, οι ταλαντούχοι μετανάστες Herbert, Friml, Romberg έδωσαν ώθηση στην ενεργό ανάπτυξη του μιούζικαλ στην Αμερική. Την περίοδο των δεκαετιών του '20 και του '30, με την εμφάνιση των νέων Αμερικανών συνθετών Jerome Kern, George Gershwin, Col Porter, το μιούζικαλ παίρνει μια αληθινή αμερικανική γεύση. Το λιμπρέτο έγινε πιο περίπλοκο, η επιρροή της τζαζ και του ράγκταιμ έγινε αισθητή στους ρυθμούς, τυπικές αμερικανικές στροφές εμφανίστηκαν στα τραγούδια. Πολλά τραγούδια από μιούζικαλ έχουν γίνει μουσικά κλασικά. Οι υποκριτικές ικανότητες των τραγουδιστών έχουν αυξηθεί σημαντικά. Ο Γκέρσουιν κέρδισε το βραβείο Πούλιτζερ για πρώτη φορά το 1932 για τη δουλειά του στο μιούζικαλ Of Thee I Sing (1931). Η πρεμιέρα της διάσημης όπερας του «Porgy and Bess» έγινε στη Νέα Υόρκη στα τέλη του 1935 και εκμαγείοαποτελούνταν από κλασικά εκπαιδευμένους αφροαμερικανούς τραγουδιστές - μια τολμηρή καλλιτεχνική επιλογή για την εποχή.
Με την κοινή δουλειά των Rogers και Hammerstein, παραγωγές όπως "Οκλαχόμα!" (1943), το πρώτο τους μιούζικαλ. Η δράση του διαδραματίζεται το 1906 στην Οκλαχόμα, κοντά στην πόλη Claremore. Τότε δημιουργήθηκε η νέα πολιτεία της Οκλαχόμα στο λεγόμενο ινδικό έδαφος. Το έργο βασίζεται στην ιδέα της φιλίας και της συνεργασίας μεταξύ διαφορετικών ομάδων του πληθυσμού της πολιτείας: μεταξύ των αρχικών κατοίκων - κτηνοτρόφων και νεοφερμένων από τη γειτονική πολιτεία του Μιζούρι - αγρότες. Στο κέντρο της πλοκής βρίσκεται μια ιστορία αγάπης μεταξύ του καουμπόη Curly MacLaine και μιας νεαρής κοπέλας, της Lori Williams, η οποία εργάζεται στη δική της φάρμα. "Οκλαχόμα!" μπορεί να διεκδικήσει τον τίτλο του πρώτου μιούζικαλ στο σύγχρονη κατανόησηλόγια. Για πρώτη φορά, τα φωνητικά και οι χορευτικές ρουτίνες συνδυάστηκαν σε μια ολοκληρωμένη ιστορία, βασισμένη σε ένα σοβαρό δραματικό σενάριο βασισμένο στο έργο του 1931 The Lilacs Are Turning Green της Lynn Riggs. Πριν από αυτό, στις μουσικές κωμωδίες, τα τραγούδια ήταν νούμερα plug-in που είχαν μικρή σχέση με την πλοκή.
«Καρουσέλ (1945), « νότιος Ειρηνικός », διακρίνεται από υψηλό επίπεδο δραματουργίας. Είχαν ηχηρή επιτυχίαστο κοινό.
Μιούζικαλ "Νότιος Ειρηνικός"δημιουργήθηκε από τους Richard Rogers και Oscar Hammerstein, βασισμένος στο μυθιστόρημα του James Michener A Pacific Story (1948). Το λιμπρέτο γράφτηκε από τον Hammerstein σε συνεργασία με τον Joshua Logan. Στο επίκεντρο της πλοκής βρίσκεται το θέμα των φυλετικών διακρίσεων. Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στο Μπρόντγουεϊ το 1949. Ο South Pacific ήταν μια άμεση επιτυχία και προτάθηκε για δέκα βραβεία Tony και κέρδισε σε όλες τις κατηγορίες, συμπεριλαμβανομένου του βραβείου Tony για το καλύτερο μιούζικαλ, το καλύτερο μιούζικαλ και το καλύτερο λιμπρέτο. Πολλά τραγούδια έγιναν στη συνέχεια πολύ διάσημα: "Bali Ha "i", "I" m Gonna Wash That Man Right Outta My Hair", "Some Enchanted Evening", "Happy Talk", "Younger than Springtime", "I" m in Love with a Wonderful Guy". Από το 1950 έως το 1955, πραγματοποιήθηκε μια εθνική περιοδεία του μιούζικαλ στις Ηνωμένες Πολιτείες, η οποία ανέβηκε σε 118 πόλεις σε πέντε χρόνια. Ο ρόλος της Nellie Forbush σε αυτές τις παραγωγές έπαιξε η Αμερικανίδα ηθοποιός Janet Blair Το 1958 γυρίστηκε η ομώνυμη ταινία με τους ρόλους των Rossano Brazzi και Mitzi Gaynor.

Η έκδοση του 2008 του The South ανακηρύχθηκε Καλύτερη Νέα Παραγωγή Κλασικού Μιούζικαλ και κέρδισε βραβεία Καλύτερης Σκηνοθεσίας, Πρωταγωνιστικού Ηθοποιού, Ενδυματολογίας, Φωτισμού και Ήχου.
Να γράψω ένα μιούζικαλ "Ωραία μου Κυρία" (1956)Ο Frederick Lowe, συνθέτης μουσικής, και ο Alan Lerner, συγγραφέας λιμπρέτου και στίχων, εμπνεύστηκαν από το δράμα του Bernard Shaw. "Πυγμαλλιών". Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι η πλοκή της κοινής τους δουλειάς επαναλαμβάνει το δράμα του Shaw, το οποίο λέει πώς ο κύριος χαρακτήρας, που ήταν αρχικά ένα συνηθισμένο κορίτσι λουλουδιών, γίνεται μια γοητευτική νεαρή κοπέλα. Σύμφωνα με την πλοκή του μιούζικαλ, κατά τη διάρκεια της διαμάχης μεταξύ του καθηγητή φωνητικής και του φίλου του, του γλωσσολόγου, έγινε μια τέτοια μεταμόρφωση. Η Ελίζα Ντούλιτλ μετακόμισε στο σπίτι του επιστήμονα για να περάσει τη δύσκολη διαδρομή της εκπαίδευσης. Στο τέλος, στο μπαλάκι της πρεσβείας, το κορίτσι περνά με λαμπρότητα τις δύσκολες εξετάσεις. Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στις 15 Μαρτίου 1956. Στο Λονδίνο, η παράσταση δόθηκε μόλις τον Απρίλιο του 1958. Ο Ρεξ Χάρισον ενήργησε ως καθηγητής-δάσκαλος και η Τζούλι Άντριους πήρε το ρόλο της Ελίζας. Η παράσταση κέρδισε αμέσως άγρια ​​δημοτικότητα, τα εισιτήρια για αυτήν εξαντλήθηκαν έξι μήνες νωρίτερα. Αυτό αποδείχθηκε μια πραγματική έκπληξη για τους δημιουργούς. Ως αποτέλεσμα, η παράσταση δόθηκε 2717 φορές στο Μπρόντγουεϊ και 2281 φορές στο Λονδίνο.Το μιούζικαλ μεταφράστηκε σε έντεκα γλώσσες και παίχτηκε σε περισσότερες από είκοσι χώρες. Το "My Fair Lady" κέρδισε τα βραβεία Tony. Συνολικά, έχουν πουληθεί πάνω από 5 εκατομμύρια ηχογραφήσεις του μιούζικαλ με το αρχικό καστ του Broadway. Το 1964 κυκλοφόρησε η ομώνυμη ταινία και τα αφεντικά της Warner Brothers πλήρωσαν ένα ρεκόρ 5,5 εκατομμυρίων δολαρίων για το δικαίωμα να γυρίσουν το μιούζικαλ. Την Eliza υποδύθηκε η Audrey Hepburn και ο Rex Harrison έγινε σύντροφός της, έχοντας μετακομίσει στον κινηματογράφο από τη σκηνή. Και η επιτυχία της ταινίας ήταν συντριπτική - ήταν υποψήφια για 12 Όσκαρ και κέρδισε 8 από αυτά. Το μιούζικαλ αγαπήθηκε τόσο πολύ από το κοινό που μπορεί πλέον να το δει και στο Λονδίνο. Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, η πλοκή των μιούζικαλ έγινε πιο σοβαρή, εμφανίστηκε "Ιστορία του West Side" (1957) Λέοναρντ Μπερνστάιν. Βασισμένο στην τραγωδία του Σαίξπηρ "ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ", ενώ η δράση διαδραματίζεται στη σύγχρονη Νέα Υόρκη. Η εκφραστικότητα των χορών έδειχνε την αυξανόμενη σημασία της χορογραφίας. Η δράση διαδραματίζεται στη Νέα Υόρκη στα μέσα της δεκαετίας του 1950, αφηγούμενη την αντιπαράθεση μεταξύ δύο συμμοριών του δρόμου - των "Rockets" ("Jets"), απογόνων λευκών μεταναστών και των "Sharks" ("Sharks"), Πορτορικανοί. Ο πρωταγωνιστής, πρώην μέλος των Rocket, Τόνι, ερωτεύεται τη Μαρία, την αδερφή του Μπερνάρντο, του αρχηγού των Καρχαριών. Το δράμα, η χαλαρωτική μουσική και η εγείροντας οξέα κοινωνικά προβλήματα, αν και όχι αμέσως, έφεραν στο μουσικό παγκόσμιο φήμη. Οι μουσικές συνθέσεις που έγραψε ο Bernstein για το μιούζικαλ έγιναν πολύ δημοφιλείς. Συνολικά, το μιούζικαλ περιλαμβάνει 11 μουσικά νούμερα: "Something's Coming", "Maria", "America", "Somewhere", "Tonight", "Jet Song", "I Feel Pretty", "A Boy Like That", " One Hand, One Heart», «Gee, Officer Krupke» και «Cool». Η αρχική παραγωγή του Μπρόντγουεϊ του 1957 (σε σκηνοθεσία και χορογραφία του Χάρολντ Ρόμπινς και παραγωγή των Ρόμπερτ Γκρίφιθ και Χάρολντ Πρινς) ήταν το ντεμπούτο του σκοτεινού λιμπρετίστα Στίβεν Σόνχαϊμ στο Μπρόντγουεϊ. Η πρεμιέρα έγινε στις 26 Σεπτεμβρίου στη σκηνή του θεάτρου «Winter Garden». Το μιούζικαλ προβλήθηκε 732 φορές πριν πάει σε παγκόσμια περιοδεία. Το μιούζικαλ κέρδισε το βραβείο Tony για Χορογραφία το 1957 αλλά έχασε από το The Music Man για το καλύτερο μιούζικαλ. Η παραγωγή κέρδισε επίσης ένα Όσκαρ σε 10 από τις 11 υποψηφιότητες. Βραβεύτηκε επίσης η ομώνυμη ταινία του 1961, βασισμένη στο μουσικό σενάριο. Επί του παρόντος, το μιούζικαλ ανεβάζεται συχνά σε εκπαιδευτικά ιδρύματα, περιφερειακά θέατρα και ακόμη και όπερες παγκόσμιας κλάσης.

Στα τέλη της δεκαετίας του '60 του ΧΧ αιώνα, υπό την επίδραση νέων μουσικών στυλ, έρχεται μια νέα κατανόηση του μιούζικαλ ως είδος. Σε ένα ψυχεδελικό μιούζικαλ "Μαλλιά" (1967)αντανακλούσε τότε μοντέρνες ιδέες χίπης, κερδίζοντας έτσι στην παραγωγή τον τίτλο "Primitive American Lyrical Rock Musical".Μουσική έγραψε ο Galt McDermot, στίχοι James Rado και Jerome Ranyi. Η πρεμιέρα έγινε στη Νέα Υόρκη στις 17 Οκτωβρίου 1967. Τον Απρίλιο του 1968 μετακόμισε σε μια από τις σκηνές του Μπρόντγουεϊ, όπου έτρεξε για 1.873 παραστάσεις. Την ίδια χρονιά, ανέβηκε στο Λος Άντζελες και στο Λονδίνο. Τον Νοέμβριο του 1999, το Moscow Variety Theatre παρουσίασε μια αμερικανική εκδοχή του μιούζικαλ, που ανέβηκε από τον σκηνοθέτη Bo Crowell και τον παραγωγό Michael Butler μαζί με το Stas Namin Moscow Theatre of Music και Δράμα. Στη συνέχεια η παραγωγή διασκευάστηκε και τον Ιανουάριο του 2000 έγινε η πρεμιέρα της ρωσικής εκδοχής στο Θέατρο του Νεαρού Θεατή. Το μιούζικαλ εξακολουθεί να ανεβαίνει με επιτυχία στο Θέατρο Μουσικής και Δράματος Stas Namin της Μόσχας.
Από τη δεκαετία του '70, ο αριθμός των παραστάσεων έχει μειωθεί, αλλά τα σκηνικά και τα κοστούμια των νέων μιούζικαλ γίνονται πιο πολυτελή. Δραστικές αλλαγές στο concept του μιούζικαλ παρουσίασε η παραγωγή "Jesus Christ Superstar" ("Jesus Christ Superstar" 1971) Η μουσική για το έργο γράφτηκε από τον θρυλικό Andrew Lloyd Weber και ο Tim Rice δημιούργησε το λιμπρέτο. Αρχικά, σχεδιάστηκε να δημιουργηθεί μια ολοκληρωμένη όπερα, χρησιμοποιώντας σύγχρονη μουσική γλώσσα και όλες τις σχετικές παραδόσεις - οι άριες των κύριων χαρακτήρων θα έπρεπε να ήταν παρούσες. διαφορά αυτό το μιούζικαλαπό τα παραδοσιακά στο ότι δεν υπάρχουν δραματικά στοιχεία, όλα βασίζονται σε ρετσιτάτι και φωνητικά. Εδώ, η ροκ μουσική συνδυάζεται με την κλασική ιστορία, το σύγχρονο λεξιλόγιο χρησιμοποιείται στους στίχους και η όλη ιστορία αφηγείται αποκλειστικά μέσα από τραγούδια. Όλα αυτά έκαναν το «Jesus Christ Superstar» σούπερ επιτυχία. Η ιστορία αφορά τις τελευταίες επτά ημέρες της ζωής του Ιησού, που περνούν μπροστά στα μάτια του Ιούδα του Ισκαριώτη, απογοητευμένου από τις διδασκαλίες του Χριστού. Η πλοκή ξεκινά με την είσοδο του Ιησού στην Ιερουσαλήμ και τελειώνει με την εκτέλεση του αγίου. Η όπερα παρουσιάστηκε για πρώτη φορά με τη μορφή άλμπουμ το 1970, στο οποίο ο κύριος ρόλος έπαιξε ο τραγουδιστής Βαθιές μπάντες Purple από τον Ian Gillan. Τον ρόλο του Ιούδα έπαιξε ο Murray Head και τη φωνή της Mary Magdalene είχε η Yvonne Elliman. Το 1971, το μιούζικαλ εμφανίστηκε στο Μπρόντγουεϊ. Πολλοί σημειώνουν ότι στην παραγωγή, ο Ιησούς απεικονίζεται ως ο πρώτος χίπης στον πλανήτη. Η παραγωγή διήρκεσε μόνο ενάμιση χρόνο στη σκηνή, αλλά πήρε μια νέα πνοή στο Λονδίνο το 1972. Τον κύριο ρόλο έπαιξε ο Paul Nicholas και ο Judas ενσάρκωσε ο Stefan Tate. Αυτή η εκδοχή του μιούζικαλ έγινε πιο επιτυχημένη, κρατώντας οκτώ ολόκληρα χρόνια. Με βάση το έργο, ως συνήθως, γυρίστηκε και μια ταινία μεγάλου μήκους από τον σκηνοθέτη Norman Jewison. Το Όσκαρ καλύτερης μουσικής το 1973 πήγε στο συγκεκριμένο έργο. Η ταινία είναι ενδιαφέρουσα όχι μόνο για την εξαιρετική της μουσική και τα φωνητικά της, αλλά και για την ασυνήθιστη ερμηνεία της στο θέμα του Ιησού, που εμφανίζεται σε μια εναλλακτική παραδοσιακή άποψη. Αυτό το μιούζικαλ αναφέρεται συχνά ως ροκ όπερα, το έργο έχει προκαλέσει πολλές διαμάχες και έχει γίνει λατρεία για τη γενιά των χίπις. Το «Jesus Christ Superstar» εξακολουθεί να είναι επίκαιρο σήμερα και έχει μεταφραστεί σε πολλές γλώσσες. Για περισσότερα από 30 χρόνια, το μιούζικαλ ανέβηκε σε όλο τον κόσμο - στις σκηνές της Αυστραλίας, της Ιαπωνίας, της Γαλλίας και του Μεξικού, της Χιλής και της Γερμανίας, της Μεγάλης Βρετανίας και των ΗΠΑ.
Το σοβαρό θέμα του μιούζικαλ "Evita" ("Evita", 1978)απέδειξε τον μακρύ δρόμο που έχει διανύσει το είδος κατά την ανάπτυξή του. Η ιδέα της δημιουργίας ενός μιούζικαλ εμφανίστηκε τυχαία - τον Οκτώβριο του 1973, ο Τιμ Ράις άκουσε το τέλος ενός ραδιοφωνικού προγράμματος στο αυτοκίνητο, το οποίο αφορούσε την Εβίτα Περόν. Η γυναίκα ήταν σύζυγος του Αργεντινού δικτάτορα Χουάν Περόν, ο ποιητής ενδιαφέρθηκε για την ιστορία της ζωής της. Ο συν-συγγραφέας του, Lloyd Webber, αρχικά δεν ήταν ενθουσιώδης με την ιστορία, αλλά τελικά συμφώνησε να το δουλέψει. Ο Ράις μελέτησε διεξοδικά την ιστορία του κύριος χαρακτήρας, για αυτό πέρασε πολύ χρόνο σε βιβλιοθήκες του Λονδίνου και μάλιστα επισκέφτηκε τη μακρινή Αργεντινή. Εκεί γεννήθηκε το κύριο μέρος της ιστορίας. Ο Τιμ Ράις εισήγαγε έναν αφηγητή στο μιούζικαλ, κάποιον Τσε, του οποίου το πρωτότυπο ήταν ο Ερνέστο Τσε Γκεβάρα. Η ίδια η ιστορία μιλάει για την Eva Duarte, η οποία ήρθε στο Μπουένος Άιρες σε ηλικία 15 ετών και έγινε πρώτα διάσημη ηθοποιός και μετά σύζυγος του προέδρου της χώρας. Η γυναίκα βοήθησε τους φτωχούς, αλλά συνέβαλε και στη βασιλεία της δικτατορίας στην Αργεντινή. Το «Evita» συνδύαζε διάφορα μουσικά στυλ, με μοτίβα της Λατινικής Αμερικής ως βάση της παρτιτούρας. Τα πρώτα demos του μιούζικαλ παρουσιάστηκαν στους κριτικούς στο πρώτο φεστιβάλ στο Sidmonton και στη συνέχεια ξεκίνησε η ηχογράφηση του άλμπουμ στο στούντιο της Olympic. Η Εβίτα ήταν η ηθοποιός Τζούλι Κόβινγκτον και ο Τσε ο νεαρός τραγουδιστής Κολμ Γουίλκινσον. Ο ρόλος του Peron πήγε στον Paul Jones. Το άλμπουμ είχε μεγάλη επιτυχία - μισό εκατομμύριο αντίτυπα πουλήθηκαν σε τρεις μήνες. Παρά το γεγονός ότι η «Evita» απαγορεύτηκε επίσημα στην Αργεντινή, η απόκτηση του ρεκόρ θεωρήθηκε θέμα κύρους. Το μιούζικαλ κυκλοφόρησε στις 21 Ιουνίου 1978, σε σκηνοθεσία Hal Prince. Στην παραγωγή του, ο ρόλος της Evita πήγε στην Elaine Page και τον Che υποδυόταν ο διάσημος τραγουδιστής της ροκ David Essex. Το έργο ήταν τόσο επιτυχημένο που ονομάστηκε το καλύτερο μιούζικαλ του 1978. Η ίδια η βασική ηθοποιός έλαβε βραβείο για την ερμηνεία της στο Evita. Οι πρώτες κιόλας εβδομάδες μετά την κυκλοφορία της ηχογράφησης του μιούζικαλ στο δίσκο το έκανε χρυσό. Στις 8 Μαΐου 1979 έγινε η πρεμιέρα της «Evita» στην Αμερική, στο Λος Άντζελες και τέσσερις μήνες αργότερα η παράσταση ήρθε στο Μπρόντγουεϊ. Η δημοτικότητα της «Εβίτα» απέδειξε 7 βραβεία «Τόνι» που έλαβε. Η επιτυχία του μιούζικαλ του επέτρεψε να επισκεφθεί πολλές χώρες - Κορέα, Ουγγαρία, Αυστραλία, Μεξικό, Ιαπωνία, Ισραήλ και άλλες. 20 χρόνια μετά τη γέννηση του μιούζικαλ, αποφασίστηκε να γίνει μια ταινία βασισμένη σε αυτό. Σκηνοθέτης ήταν ο Άλαν Πάρκερ, ο κύριος ρόλος, η Εβίτα Πέρον, έπαιξε η Μαντόνα, ο ρόλος του Τσε ανατέθηκε στον Αντόνιο Μπαντέρας, ο Περόν έπαιξε ο Τζόναθαν Πράις. Η ταινία περιλάμβανε ένα νέο τραγούδι των Webber και Rice, το "You Must Love Me", το οποίο κέρδισε ένα Όσκαρ Καλύτερου Πρωτότυπου Τραγουδιού.
Δημιουργία του Webber «Γάτες» («Γάτες», 1981). Η βάση για αυτό το δημοφιλές μιούζικαλ ήταν ένας κύκλος παιδικών ποιημάτων του T.S. Eliot's Old Possum's Book of Practical Cats, που εκδόθηκε στην Αγγλία το 1939. Η συλλογή μίλησε με ειρωνεία για τις συνήθειες και τις συνήθειες των γατών, αλλά τα ανθρώπινα χαρακτηριστικά μαντεύονταν εύκολα πίσω από αυτά τα χαρακτηριστικά. Τα ποιήματα του Έλιοτ απήχθησαν στον Άντι Λόιντ Γουέμπερ, ο οποίος κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του '70 συνέθετε μουσική για αυτούς αργά. Και έτσι, μέχρι το 1980, ο συνθέτης είχε συγκεντρώσει αρκετό υλικό για να το μετατρέψει σε μιούζικαλ. Δεδομένου ότι οι Βρετανοί αγαπούν πολύ τις γάτες, η εκπομπή τους ήταν καταδικασμένη σε επιτυχία. Εκτός από τον Webber, η ομάδα περιελάμβανε τον παραγωγό Cameron McIntosh, τον σκηνοθέτη Trevor Nunn, τον καλλιτέχνη John Napier και τη χορογράφο Gillian Lynn. Αλλά κατά τη σκηνική υλοποίηση των τραγουδιών, αποδείχθηκε ότι δεν υπήρχε λογική πλοκή. Ωστόσο, χάρη στη χήρα του Έλιοτ, βρέθηκαν προσχέδια και επιστολές από τον ποιητή, από τα οποία οι συγγραφείς του μιούζικαλ μπόρεσαν να συγκεντρώσουν ιδέες για τη σύνταξη του σχεδίου της πλοκής του έργου. Στο «Cats» δημιουργήθηκαν ειδικές απαιτήσεις για τους καλλιτέχνες - δεν αρκούσε να τραγουδάς καλά και να μιλάς καθαρά, έπρεπε επίσης να είσαι πολύ πλαστικός. Αποδείχθηκε ότι στην ίδια την Αγγλία ήταν σχεδόν αδύνατο να στρατολογηθεί ένας θίασος 20 τέτοιων ηθοποιών, έτσι ο ποπ τραγουδιστής Paul Nicholas, η ηθοποιός Elaine Page, η νεαρή χορεύτρια και τραγουδίστρια Sarah Brightman και το αστέρι του Royal Ballet Wayne Sleep συμπεριλήφθηκαν στο καστ. Το θέατρο "Cats" δημιουργήθηκε από τον δικό του σχεδιαστή - John Napier, με αποτέλεσμα να μην υπάρχει καθόλου αυλαία και η σκηνή και η αίθουσα συγχωνεύονται σε έναν ενιαίο χώρο. Η δράση λαμβάνει χώρα όχι μετωπικά, αλλά σε όλο το βάθος. Η ίδια η σκηνή πλαισιώνεται ως χωματερή - υπάρχουν βουνά από γραφικά σκουπίδια πάνω της, αλλά στην πραγματικότητα το τοπίο είναι εξοπλισμένο με εξελιγμένο εξοπλισμό. Οι ηθοποιοί, με τη βοήθεια σύνθετου πολυεπίπεδου μακιγιάζ, εμφανίζονται με τη μορφή χαριτωμένων γατών. Τα κορμάκια τους είναι ζωγραφισμένα στο χέρι, οι περούκες τους από μαλλί γιακ, η ουρά και ο γιακάς τους από μαλλί και φορούν γυαλιστερούς γιακάδες. Το μιούζικαλ εμφανίστηκε για πρώτη φορά μπροστά στα μάτια του κοινού στις 11 Μαΐου 1981 στο Λονδίνο και χτύπησε στο Μπρόντγουεϊ ένα χρόνο αργότερα. Ως αποτέλεσμα, το «Cats» μπόρεσε να γίνει η μακροβιότερη παραγωγή στην ιστορία του βρετανικού θεάτρου μέχρι το κλείσιμό του στις 11 Μαΐου 2002. Συνολικά, δόθηκαν 6.400 παραστάσεις, την παραγωγή είδαν περισσότερα από 8 εκατομμύρια άτομα και οι δημιουργοί μπόρεσαν να κερδίσουν περίπου 136 εκατομμύρια λίρες. Και στις Ηνωμένες Πολιτείες, το μιούζικαλ έσπασε όλα τα πιθανά ρεκόρ. Ήδη το 1997, ο αριθμός των παραστάσεων ξεπέρασε τις 6100, γεγονός που επέτρεψε να ονομαστεί η παράσταση το κύριο μακρύ συκώτι του Μπρόντγουεϊ. Ως αποτέλεσμα, για όλο το διάστημα που οι "Cats" παραδόθηκαν περισσότερες από 40 φορές, ο συνολικός αριθμός θεατών σε 30 χώρες ξεπέρασε τα 50 εκατομμύρια, τα τραγούδια εκτελέστηκαν σε 14 γλώσσες και το συνολικό ποσό των αμοιβών ήταν 2,2 δισεκατομμύρια δολάρια. Το μιούζικαλ έλαβε πολλά βραβεία, μεταξύ των οποίων τα πιο διάσημα είναι το βραβείο Laurence Olivier, το Evening Standard Award for Best Musical, 7 Tony Awards, το Molière Award στη Γαλλία. Οι ηχογραφήσεις των πρωτότυπων συνθέσεων του Μπρόντγουεϊ και του Λονδίνου έλαβαν Grammy.
Ένα άλλο δημοφιλές έργο του Webber ήταν το μιούζικαλ "Το φάντασμα της όπερας"(«The Phantom of the Opera»), που συνδυάζει στοιχεία ντετέκτιβ και θρίλερ. Η συνεργασία της Sarah Brightman και του Andrew Lloyd Webber στο Cats οδήγησε στον γάμο τους το 1984. Για τη σύζυγό του, ο συνθέτης δημιούργησε το "Ρέκβιεμ", αλλά αυτό το έργο δεν μπορούσε να δείξει το ταλέντο του τραγουδιστή σε μεγάλη κλίμακα. Ο Webber αποφάσισε λοιπόν να δημιουργήσει ένα νέο μιούζικαλ, το οποίο έγινε το Φάντασμα της Όπερας, βασισμένο στο ομώνυμο μυθιστόρημα του 1910 του Γάλλου Gaston Leroux. ρομαντικό αλλά σκοτεινή ιστορίαμιλάει για τη ζωή σε ένα μπουντρούμι κάτω Όπερα του Παρισιούένα μυστηριώδες ον με υπερφυσικές δυνάμεις. Ο κύριος ρόλος στην παραγωγή, η Christina Daae, πήγε φυσικά στη Sarah Brightman. Το ανδρικό μέρος ερμήνευσε ο Michael Crawford. Στο πρώτο μέρος του εραστή της Χριστίνας, Ραούλ, έπαιξε ο Στιβ Μπάρτον. Ο Richard Stilgoe εργάστηκε στο λιμπρέτο με τον Andrew Lloyd Webber και ο Charles Hart έγραψε τους στίχους. Η θεατρολόγος Maria Bjornson έδωσε στο Phantom τη διάσημη μάσκα και επέμεινε στην απόφαση να κατέβει ο διαβόητος πολυέλαιος που έπεφτε όχι στη σκηνή, αλλά απευθείας στο κοινό. Το Φάντασμα της Όπερας έκανε πρεμιέρα στις 9 Οκτωβρίου 1986 στο Βασιλικό Θέατρο, παρευρέθηκαν ακόμη και μέλη της οικογένειας της Αυτής Μεγαλειότητας. Και τον Ιανουάριο του 1988 πραγματοποιήθηκε η πρώτη παραγωγή του μιούζικαλ στο Μπρόντγουεϊ, έλαβε χώρα στο New York Majestic Theatre. Το Phantom of the Opera έγινε το δεύτερο μακροβιότερο μιούζικαλ στην ιστορία του Μπρόντγουεϊ, μετά το Cats. Ως αποτέλεσμα, περίπου 11 εκατομμύρια άνθρωποι παρακολούθησαν την παράσταση μόνο στη Νέα Υόρκη. Το μιούζικαλ ανέβηκε σε 18 χώρες, δόθηκαν περίπου 65 χιλιάδες παραστάσεις, περισσότεροι από 58 εκατομμύρια άνθρωποι το παρακολούθησαν εκεί και συνολικός αριθμόςΟι τηλεθεατές σε όλο τον κόσμο έχουν ήδη ξεπεράσει τα 80 εκατομμύρια. Ως αποτέλεσμα - άξια βραβεία και βραβεία, που αριθμούν περισσότερα από 50. Το μιούζικαλ έλαβε τρία βραβεία Laurence Olivier και 7 βραβεία Tony, 7 βραβεία Drama Desk και το βραβείο Evening Standard. Τα συνολικά έσοδα από το Φάντασμα της Όπερας ανήλθαν σε 3,2 δισεκατομμύρια δολάρια. Το μυθιστόρημα ενέπνευσε τους σκηνοθέτες να δημιουργήσουν έως και επτά ταινίες, η τελευταία από τις οποίες γυρίστηκε το 2004, ήταν υποψήφια για Όσκαρ τρεις φορές, ο ίδιος Γουέμπερ ήταν ο παραγωγός και ο συνθέτης.

Το αγγλοαμερικανικό μονοπώλιο των μιούζικαλ έληξε το 1985 όταν μια γαλλική παραγωγή έκανε πρεμιέρα στη σκηνή του Λονδίνου. "Les Misérables" ("Les Miserables")Ο συνθέτης Claude-Michel Schonberg και ο λιμπρετίστας Alain Boublil έφεραν μια δεύτερη γέννηση στο ήδη κλασικό Les Misérables του Victor Hugo. Οι εργασίες για τη δημιουργία του μιούζικαλ πραγματοποιήθηκαν για δύο χρόνια. Το αποτέλεσμα ήταν ένα σκίτσο δύο ωρών, το οποίο στη συνέχεια μετατράπηκε σε ένα concept άλμπουμ με κυκλοφορία 260.000 αντιτύπων. Ένα χαρακτικό που απεικονίζει τη μικρή Κοζέτα έχει γίνει ένα είδος σήμα κατατεθέν του μιούζικαλ. Η σκηνική εκδοχή παρουσιάστηκε στις 17 Σεπτεμβρίου 1980 στο Palais des Sports στο Παρίσι. Ως αποτέλεσμα, την παράσταση παρακολούθησαν περισσότεροι από μισό εκατομμύριο άνθρωποι. Τον ρόλο του Jean Valjean έπαιξε ο Maurice Barrier, τον Javert ο Jacques Mercier, τον Fantine η Rose Laurence και την Cosette η Fabienne Guyon. Το concept άλμπουμ «Les Misérables» απήχησε τον νεαρό σκηνοθέτη Peter Ferago, ο οποίος προσέλκυσε τον Άγγλο παραγωγό Cameron Mackintosh να εργαστεί. Αυτό κατέστησε δυνατή τη δημιουργία μιας πραγματικά υψηλής ποιότητας παράστασης. Στην παραγωγή εργάστηκε μια επαγγελματική ομάδα - οι σκηνοθέτες Trevor Nunn και John Caed, και ο Herbert Kretzmer προσάρμοσε το κείμενο στα αγγλικά με τη βοήθεια των δημιουργών του μιούζικαλ. Ως αποτέλεσμα - η πρεμιέρα της παράστασης υπό την αιγίδα της Royal Shakespeare Company στο θέατρο Barbican στις 8 Οκτωβρίου 1985. Μέχρι σήμερα, το Les Misérables έχει προβληθεί συχνότερα στο Palace Theatre του Λονδίνου, με περισσότερες από 6.000 παραστάσεις του μιούζικαλ να λαμβάνουν χώρα εκεί. Το 1987, οι «Les Miserables» ήρθαν στο Μπρόντγουεϊ και έτσι ξεκίνησε η πορεία τους σε όλο τον κόσμο. Αν και η παράσταση μετρά περισσότερα από είκοσι χρόνια, εξακολουθεί να βρίσκεται στις σκηνές των παγκόσμιων θεάτρων. Το Les Misérables έχει μεταφραστεί σε πολλές γλώσσες, συμπεριλαμβανομένων εξωτικών όπως τα ιαπωνικά, τα μαυριτανικά και τα κρεολικά. Συνολικά, αυτό το μιούζικαλ ανέβηκε σε 32 χώρες σε όλο τον κόσμο. Τις δημιουργίες των Schonberg και Boublil είδαν τελικά περισσότεροι από 20 εκατομμύρια άνθρωποι. Το υψηλό επίπεδο του μιούζικαλ ως είδος αποδεικνύει "Miss Saigon" ("Miss Saigon"), μια εκσυγχρονισμένη εκδοχή της Madama Butterfly του Πουτσίνι.Στις αρχές του εικοστού αιώνα, ο Πουτσίνι καθήλωσε το κοινό με τη ρομαντική του όπερα Madama Butterfly. Το τελευταίο τέταρτο του περασμένου αιώνα, η ιστορία αγάπης ενός κοριτσιού από την Ανατολή και ενός στρατιώτη από τη Δύση έλαβε μια νέα ενσάρκωση. Το 1975, ο πόλεμος του Βιετνάμ τελείωσε με την πτώση της Σαϊγκόν και δεκατέσσερα χρόνια αργότερα, η Μις Σαϊγκόν στέφθηκε στη μουσική σκηνή του Λονδίνου.
Η ιδέα να δημιουργηθεί ένα μιούζικαλ για τον τραγικό έρωτα που γεννήθηκε κατά τη διάρκεια του πολέμου του Βιετνάμ προέκυψε τυχαία. Το 1985, η προσοχή του Σόνμπεργκ τράβηξε την προσοχή του σε μια φωτογραφία που δημοσιεύτηκε σε ένα από τα περιοδικά - απεικόνιζε μια Βιετναμέζα και τη μικρή της κόρη στο αεροδρόμιο στο Χο Τσε Μιν (πρώην Σαϊγκόν). Το κορίτσι έπρεπε να επιβιβαστεί σε αεροπλάνο και να πετάξει για τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου την περίμενε ο πατέρας της, πρώην Αμερικανός στρατιώτης. Η μητέρα αποφάσισε να αποχωριστεί την κόρη της με την ελπίδα ότι ο πατέρας της θα της παρείχε ένα καλύτερο μέλλον. Ο Schoenberg θυμάται πώς τον χτύπησε η σιωπηλή θλίψη της γυναίκας: ήταν πιο τρομερή από τα πιο πικρά δάκρυα. Το να θυσιάσει κανείς την ευτυχία του για να δώσει ευτυχία στο παιδί του είναι, σύμφωνα με τον συνθέτη, «η υψηλότερη θυσία». Ανάλογη θυσία έκανε και η ηρωίδα της διάσημης όπερας του Τζάκομο Πουτσίνι, Μαντάμ Μπάτερφλάι, η οποία αυτοκτόνησε στο όνομα της ευτυχίας του γιου της. "Η Μις Σαϊγκόν» είναι, σύμφωνα με τα λόγια του Αλέν Μπουμπίλ, «πρώτα απ' όλα τραγική ιστορίααγάπη, όχι μια ιστορία για τον πόλεμο του Βιετνάμ», αλλά το μοτίβο της σύγκρουσης διαφορετικών πολιτισμών, θρησκειών και φυλών, που κλιμακώθηκε σε παράλογη αιματοχυσία, δίνει σε αυτή την ιστορία μια επική διάσταση.
Στον ορισμό του μιούζικαλ ως είδος, υπάρχει ένα σημείο σύμφωνα με το οποίο ένα μιούζικαλ συνθέτει το θέατρο και τον χορό από μόνο του, δηλαδή το μπαλέτο, η ποπ χορογραφία και η σύγχρονη χορογραφία θα είναι στοιχεία του μιούζικαλ. Στα μιούζικαλ της τελευταίας δεκαετίας, το strip plastic έχει γίνει ευρέως διαδεδομένο: στοιχεία ελαφρού ερωτισμού και κλασικού μπαλέτου. Για πρώτη φορά κάτι παρόμοιο προβλήθηκε στη σκηνή πριν από πολλά χρόνια στο μιούζικαλ «Chicago». Εκεί, με τη βοήθεια πλαστικών λωρίδων, προβλήθηκε η τελευταία, αποχαιρετιστήρια συνομιλία δύο εραστών, εκ των οποίων ο ένας είναι καταδικασμένος να πεθάνει στα χέρια του άλλου εκείνο το βράδυ. Το μπαλέτο στην πιο αγνή του μορφή βρίσκεται πλέον σπάνια στα σύγχρονα μιούζικαλ, αλλά στοιχεία της σχολής μπαλέτου είναι πάντα παρόντα. Έτσι, για παράδειγμα, ο χορός των γατών του δρόμου στο ομώνυμο μιούζικαλ «Cats» δεν είναι παρά ένα γυναικείο μέρος μπαλέτου. Μια ενδιαφέρουσα προσέγγιση στον ορισμό των ειδών που σχετίζονται με το μιούζικαλ υιοθετήθηκε από τους σοβιετικούς κριτικούς μουσικής. Το μιούζικαλ θεωρήθηκε ένα είδος οπερέτας. Απόσπασμα για προβληματισμό: «Σήμερα, το μιούζικαλ, ως είδος χαμηλής οπερέτας, αντιπροσωπεύεται από ομάδες δύο τύπων: πρώτα απ 'όλα, πρόκειται για θέατρα Μπρόντγουεϊ ενός έργου, που δημιουργήθηκαν με στόχο την προώθηση και εκμετάλλευση ενός έργου, και άλλος τύπος είναι οι περιοδεύουσες ομάδες όπερας. Δημιουργούνται με στόχο να προβάλουν στις επαρχίες μια σειρά από απλές σκηνικές παραστάσεις. Όσο ανόητο κι αν φαίνεται, η σύγχρονη μουσική κριτική αναγνωρίζει επίσης ότι η όπερα και η οπερέτα είναι δύο μουσικά είδη που μπορούν και πρέπει να θεωρηθούν ότι σχετίζονται με το μιούζικαλ.
Τα τρία βασικά συστατικά ενός μιούζικαλ- μουσική, στίχοι και λιμπρέτο. Το λιμπρέτο ενός μιούζικαλ αναφέρεται στο «παιχνίδι» ή την ιστορία της παράστασης - στην πραγματικότητα η προφορική (όχι φωνητική) γραμμή της. Ωστόσο, το "λιμπρέτο" μπορεί επίσης να αναφέρεται σε διάλογο και στίχους μαζί, όπως ένα λιμπρέτο σε μια όπερα. Μουσική και στίχοι μαζί σχηματίζουν μια μουσική παρτιτούρα. Η ερμηνεία του μιούζικαλ από τη δημιουργική ομάδα επηρεάζει πολύ τον τρόπο παρουσίασης του μιούζικαλ. Η δημιουργική ομάδα περιλαμβάνει έναν σκηνοθέτη, έναν μουσικό διευθυντή και συνήθως έναν χορογράφο. Η παραγωγή μιούζικαλ χαρακτηρίζεται επίσης δημιουργικά από τεχνικές πτυχές όπως σκηνικά, κοστούμια,
και τα λοιπά.................

Ένα μιούζικαλ, ή μουσική κωμωδία, είναι ένα σκηνικό έργο στο οποίο αναμειγνύονται τραγούδια και διάλογοι, μουσική και χοροί. Οι πρωτεργάτες αυτού του είδους είναι η οπερέτα, το βοντβίλ και το μπουρλέσκ. Τα μιούζικαλ είναι από τα πιο εμπορικά θεατρικές τέχνες. Αυτό οφείλεται στην ψυχαγωγία και τα ακριβά ειδικά εφέ τους. Πιστεύεται ότι το πρώτο μιούζικαλ ανέβηκε το 1866 στη Νέα Υόρκη και ονομαζόταν Μαύρος απατεώνας.

Οι αρχές του 20ου αιώνα έδωσε μια ενεργή ώθηση στην ανάπτυξη του είδους στην Αμερική και τη δεκαετία του '30, σε συνδυασμό με το έργο των ταλαντούχων συνθετών Gershwin, Porter και Kern. Η δεκαετία του '60 έφερε νέες ιδέες στα μιούζικαλ, με την πάροδο του χρόνου ο αριθμός των παραστάσεων άρχισε να μειώνεται, αλλά τα σκηνικά και τα κοστούμια έγιναν πιο υπέροχα.

Το 1985, το μονοπώλιο των Ηνωμένων Πολιτειών και της Αγγλίας στα μιούζικαλ έσπασε οι Γάλλοι με τους Les Misérables. Σήμερα, τα μιούζικαλ, δειλά γεννημένα στην ΕΣΣΔ τη δεκαετία του '70, είναι δημοφιλή στη Ρωσία. Ας μιλήσουμε για δέκα από τα περισσότερα διάσημα έργααυτό το είδος σε όλη την ιστορία του.

"Ομορφη μου κυρία"Ο Frederick Lowe, ο συνθέτης της μουσικής, και ο Alan Lerner, ο συγγραφέας του λιμπρέτου και των στίχων, εμπνεύστηκαν για να γράψουν το μιούζικαλ από το δράμα του Bernard Shaw "Pygmallion". Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι η πλοκή της κοινής τους δουλειάς επαναλαμβάνει το δράμα του Shaw, το οποίο λέει πώς ο κύριος χαρακτήρας, που ήταν αρχικά ένα συνηθισμένο κορίτσι λουλουδιών, γίνεται μια γοητευτική νεαρή κοπέλα. Σύμφωνα με την πλοκή του μιούζικαλ, κατά τη διάρκεια της διαμάχης μεταξύ του καθηγητή φωνητικής και του φίλου του, του γλωσσολόγου, έγινε μια τέτοια μεταμόρφωση. Η Ελίζα Ντούλιτλ μετακόμισε στο σπίτι του επιστήμονα για να περάσει τη δύσκολη διαδρομή της εκπαίδευσης. Στο τέλος, στο μπαλάκι της πρεσβείας, το κορίτσι περνά με λαμπρότητα τις δύσκολες εξετάσεις. Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στις 15 Μαρτίου 1956. Στο Λονδίνο, η παράσταση δόθηκε μόλις τον Απρίλιο του 1958. Ο Ρεξ Χάρισον ενήργησε ως καθηγητής-δάσκαλος και η Τζούλι Άντριους πήρε το ρόλο της Ελίζας. Η παράσταση κέρδισε αμέσως άγρια ​​δημοτικότητα, τα εισιτήρια για αυτήν εξαντλήθηκαν έξι μήνες νωρίτερα. Αυτό αποδείχθηκε μια πραγματική έκπληξη για τους δημιουργούς. Ως αποτέλεσμα, η παράσταση δόθηκε 2717 φορές στο Μπρόντγουεϊ και 2281 φορές στο Λονδίνο.Το μιούζικαλ μεταφράστηκε σε έντεκα γλώσσες και παίχτηκε σε περισσότερες από είκοσι χώρες. Το "My Fair Lady" κέρδισε τα βραβεία Tony. Συνολικά, έχουν πουληθεί πάνω από 5 εκατομμύρια ηχογραφήσεις του μιούζικαλ με το αρχικό καστ του Broadway. Το 1964 κυκλοφόρησε η ομώνυμη ταινία και τα αφεντικά της Warner Brothers πλήρωσαν ένα ρεκόρ 5,5 εκατομμυρίων δολαρίων για το δικαίωμα να γυρίσουν το μιούζικαλ. Την Eliza υποδύθηκε η Audrey Hepburn και ο Rex Harrison έγινε σύντροφός της, έχοντας μετακομίσει στον κινηματογράφο από τη σκηνή. Και η επιτυχία της ταινίας ήταν συντριπτική - ήταν υποψήφια για 12 Όσκαρ και κέρδισε 8 από αυτά. Το μιούζικαλ αγαπήθηκε τόσο πολύ από το κοινό που μπορεί πλέον να το δει και στο Λονδίνο.

«Ήχοι μουσικής». Η γερμανική ταινία «Οικογένεια Φον Τραπ» έγινε η βάση για αυτό το μιούζικαλ. Το 1958, η ιδέα μεταφέρθηκε από τον κινηματογράφο στη σκηνή από τους σεναριογράφους Howard Lindsay και Russell Cruz, τον παραγωγό Richard Holliday και τη σύζυγό του, Mary Martin, που ήταν ηθοποιός. Η εικόνα μιλούσε για μια αυστριακή οικογένεια που, φεύγοντας από τους Ναζί, πήγε στην Αμερική. Η πλοκή της ταινίας δεν επινοήθηκε, βασίστηκε στο βιβλίο της Maria von Trapp, η οποία συμμετείχε άμεσα σε αυτά τα γεγονότα. Η ίδια η Mary Martin εκείνη την εποχή ήταν μια διασημότητα του μουσικού θεάτρου, στην προκειμένη περίπτωση ήταν μια σοβαρή δραματικό ρόλο. Ωστόσο, η ηθοποιός δεν μπορούσε να αρνηθεί να παίξει σε έναν νέο ρόλο ως τραγουδίστρια. Στην αρχή, οι συγγραφείς αποφάσισαν να κανονίσουν την παραγωγή με τη βοήθεια του παραδοσιακά τραγούδιακαι θρησκευτικούς ύμνους της οικογένειας von Trapp. Ωστόσο, η Μαίρη επέμεινε να υπάρχει ένα τραγούδι που γράφτηκε ειδικά για εκείνη. Με τη βοήθεια του συνθέτη Richard Rogers και του λιμπρετίστα Oscar Hammerstein, εμφανίστηκαν νέοι μουσικοί αριθμοί στο έργο και το μιούζικαλ γεννήθηκε. Έκανε πρεμιέρα στο Μπρόντγουεϊ στις 16 Νοεμβρίου 1959. Ο σύντροφος της Mary Martin ήταν ο Theodor Bickel, ο οποίος έπαιζε τον ρόλο του Captain von Trapp. Η Mary Martin ήταν τόσο δημοφιλής που το κοινό ανυπομονούσε να δει την πρεμιέρα του μιούζικαλ με τη συμμετοχή της, παρέχοντας γενναίες αμοιβές. Το The Sound of Music κέρδισε 8 Βραβεία Tony και παίχτηκε 1443 φορές. Το αρχικό άλμπουμ κέρδισε ακόμη και ένα Grammy. Το 1961, το μιούζικαλ ξεκίνησε την περιοδεία του στις ΗΠΑ, την ίδια στιγμή η παράσταση άνοιξε στο Λονδίνο, όπου ανέβηκε για 6 χρόνια, και έγινε το μακροβιότερο αμερικανικό μιούζικαλ στην πρωτεύουσα της Αγγλίας. Τον Ιούνιο του 1960, κινηματογραφιστές της 20th Century Fox αγόρασαν τα δικαιώματα της ταινίας για την παραγωγή για 1,25 εκατομμύρια δολάρια. Αν και η πλοκή της ταινίας ήταν διαφορετική από το έργο, αλλά ήταν αυτός που έφερε το "Sound of Music" πραγματικά παγκόσμια φήμη. Η ταινία έκανε πρεμιέρα στις 2 Μαρτίου 1965 στη Νέα Υόρκη και κέρδισε 5 από τα 10 Όσκαρ για τα οποία ήταν υποψήφια. Στη συνέχεια, έγιναν περισσότερες προσπάθειες για να κινηματογραφηθεί το μιούζικαλ, αλλά αυτό δεν εμπόδισε τη δημοτικότητά του ως ανεξάρτητη παράσταση. Στη δεκαετία του 1990, το The Sound of Music παιζόταν στην Ελλάδα και το Ισραήλ, τη Φινλανδία και τη Σουηδία, το Περού και την Κίνα, την Ισλανδία και την Ολλανδία.

"Καμπαρέ". Για αυτή τη θρυλική παράσταση, ελήφθησαν ως βάση οι «Ιστορίες του Βερολίνου» του Christopher Isherwood, που μιλούσαν για τη ζωή στη Γερμανία στις αρχές της δεκαετίας του '30. Ένα άλλο μέρος της ιστορίας προέρχεται από το έργο του John Van Druten I Am the Camera, για τον έρωτα μεταξύ μιας νεαρής Αμερικανίδας συγγραφέα και της τραγουδίστριας του καμπαρέ του Βερολίνου, Sally Bowles. Η μοίρα έφερε τον νεαρό Μπράιαν Ρόμπερτς, έναν επίδοξο συγγραφέα, να φιγουράρει με μαθήματα στην πρωτεύουσα της Γερμανίας στις αρχές της δεκαετίας του '30. Εδώ γνωρίζει τη Sally, την ερωτεύεται, αποκτώντας πολλές νέες και αξέχαστες αισθήσεις. Μόνο που τώρα ο τραγουδιστής αρνείται να ακολουθήσει τον τύπο στο Παρίσι, ραγίζοντας την καρδιά του. Το καμπαρέ, που κάποτε ήταν σύμβολο ελευθερίας, αρχίζει σταδιακά να γεμίζει την πορεία της δράσης με ανθρώπους με μια σβάστικα στα μανίκια... Η πρεμιέρα του μιούζικαλ έγινε στις 20 Νοεμβρίου 1966. Την παραγωγή ανέλαβε ο διάσημος σκηνοθέτης του Μπρόντγουεϊ Χάρολντ Πρινς. Μουσική John Kanzer σε στίχους Fred Ebb και λιμπρέτο Joe Masteroff. Το αρχικό καστ περιλάμβανε τον Joel Gray ως διασκεδαστή, την Jill Haworth ως Sally και τον Bert Cliff ως Cliff. Η παραγωγή άντεξε 1165 παραστάσεις, λαμβάνοντας όλα τα ίδια 8 Tony. Το 1972 κυκλοφόρησε η ταινία «Καμπαρέ» σε σκηνοθεσία Μπομπ Φος. Ο Joel Gray έπαιξε τον ίδιο ρόλο, αλλά η Liza Minnelli ενσάρκωσε έξοχα τη Sally, ενώ ο Michael York υποδύθηκε τον Brian. Η ταινία έλαβε 8 Όσκαρ. Μια ενημερωμένη έκδοση του μιούζικαλ εμφανίστηκε στο κοινό το 1987, και πού χωρίς τον Joel Gray; Όμως το 1993 στο Λονδίνο και το 1998 στο Μπρόντγουεϊ είχε ήδη ξεκινήσει το δικό του ταξίδι. νέο μιούζικαλ«Καμπαρέ» σε σκηνοθεσία Σαμ Μέντες. Και αυτή η έκδοση έχει λάβει πολλά βραβεία, που υποβλήθηκε 2377 φορές. Το μιούζικαλ έκλεισε τελικά στις 4 Ιανουαρίου 2004, για πόσο;

«Jesus Christ Superstar».Η μουσική για το έργο γράφτηκε από τον θρυλικό Andrew Lloyd Weber και ο Tim Rice δημιούργησε το λιμπρέτο. Αρχικά, σχεδιάστηκε να δημιουργηθεί μια ολοκληρωμένη όπερα, χρησιμοποιώντας σύγχρονη μουσική γλώσσα και όλες τις σχετικές παραδόσεις - οι άριες των κύριων χαρακτήρων θα έπρεπε να ήταν παρούσες. Η διαφορά μεταξύ αυτού του μουσικού και του παραδοσιακού είναι ότι δεν υπάρχουν δραματικά στοιχεία, όλα βασίζονται σε ρετσιτάτι και φωνητικά. Εδώ συνδυάζεται η ροκ μουσική κλασική ιστορία, τα κείμενα χρησιμοποιούν σύγχρονο λεξιλόγιο, και όλη η ιστορία αφηγείται αποκλειστικά μέσα από τραγούδια. Όλα αυτά έκαναν το «Jesus Christ Superstar» σούπερ επιτυχία. Η ιστορία αφορά τις τελευταίες επτά ημέρες της ζωής του Ιησού, που περνούν μπροστά στα μάτια του Ιούδα του Ισκαριώτη, απογοητευμένου από τις διδασκαλίες του Χριστού. Η πλοκή ξεκινά με την είσοδο του Ιησού στην Ιερουσαλήμ και τελειώνει με την εκτέλεσή του. Η όπερα παρουσιάστηκε για πρώτη φορά με τη μορφή άλμπουμ το 1970, στο οποίο τον κύριο ρόλο έπαιξε ο τραγουδιστής του συγκροτήματος βαθύ μωβΊαν Γκίλαν. Τον ρόλο του Ιούδα έπαιξε ο Murray Head και τη φωνή της Mary Magdalene είχε η Yvonne Elliman. Το 1971, το μιούζικαλ εμφανίστηκε στο Μπρόντγουεϊ. Πολλοί σημειώνουν ότι στην παραγωγή, ο Ιησούς απεικονίζεται ως ο πρώτος χίπης στον πλανήτη. Η παραγωγή διήρκεσε μόνο ενάμιση χρόνο στη σκηνή, αλλά πήρε μια νέα πνοή στο Λονδίνο το 1972. Τον κύριο ρόλο έπαιξε ο Paul Nicholas και ο Judas ενσάρκωσε ο Stefan Tate. Αυτή η εκδοχή του μιούζικαλ έγινε πιο επιτυχημένη, κρατώντας οκτώ ολόκληρα χρόνια. Με βάση το έργο, ως συνήθως, γυρίστηκε και μια ταινία μεγάλου μήκους από τον σκηνοθέτη Norman Jewison. Το Όσκαρ καλύτερης μουσικής το 1973 πήγε στο συγκεκριμένο έργο. Η ταινία είναι ενδιαφέρουσα όχι μόνο για την εξαιρετική της μουσική και τα φωνητικά της, αλλά και για την ασυνήθιστη ερμηνεία της στο θέμα του Ιησού, που εμφανίζεται σε μια εναλλακτική παραδοσιακή άποψη. Αυτό το μιούζικαλ αναφέρεται συχνά ως ροκ όπερα, το έργο έχει προκαλέσει πολλές διαμάχες και έχει γίνει λατρεία για τη γενιά των χίπις. Το «Jesus Christ Superstar» εξακολουθεί να είναι επίκαιρο σήμερα και έχει μεταφραστεί σε πολλές γλώσσες. Για περισσότερα από 30 χρόνια, το μιούζικαλ ανέβηκε σε όλο τον κόσμο - στις σκηνές της Αυστραλίας, της Ιαπωνίας, της Γαλλίας και του Μεξικού, της Χιλής και της Γερμανίας, της Μεγάλης Βρετανίας και των ΗΠΑ.

"Σικάγο". Το μιούζικαλ βασίστηκε σε ένα άρθρο στο Chicago Tribune με ημερομηνία 11 Μαρτίου 1924. Η δημοσιογράφος Maureen Watkins μίλησε για μια ηθοποιό βαριετέ που σκότωσε τον εραστή της. Εκείνες τις μέρες, οι ιστορίες για τα σεξουαλικά εγκλήματα ήταν πολύ δημοφιλείς, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι ο Watkins συνέχισε να γράφει για παρόμοια θέματα. Στις 3 Απριλίου 1924, το νέο της σημείωμα για παντρεμένη γυναίκαπου πυροβόλησε τον φίλο της. Αυτά τα εγκληματικές ιστορίεςΥπήρξε μεγάλη δημοσιότητα και αυτό επηρέασε τη Μορίν, η οποία τελικά εγκατέλειψε την εφημερίδα και άρχισε να σπουδάζει νομικά στο Γέιλ. Εκεί ήταν που μια γυναίκα, ως εκπαιδευτικό έργο, δημιούργησε το έργο «Σικάγο». Μια μέρα πριν την έναρξη του 1927, έγινε η πρεμιέρα του έργου «Σικάγο» στο Μπρόντγουεϊ, άντεξε σε 182 παραστάσεις, το 1927 και το 1942 γυρίστηκαν ταινίες βασισμένες στο έργο. Την αναγέννηση της πλοκής έδωσε ο Μπομπ Φος, ο διάσημος σκηνοθέτης και χορογράφος του Μπρόντγουεϊ. Προσέλκυσε τον συνθέτη Dojn Kander και αυτός και ο Fred Ebb δούλεψαν στο λιμπρέτο. Η ίδια η παρτιτούρα του "Chicago" ήταν ένα λαμπρό στυλιζάρισμα των αμερικανικών επιτυχιών της δεκαετίας του '20 και η παρουσίαση του μουσικού υλικού ήταν παρόμοια με το βοντβίλ. Η ιστορία μιλάει για τη χορεύτρια του μπαλέτου Roxy Hart, η οποία αντιμετώπιζε τους εραστές της εν ψυχρώ. Στη φυλακή, μια γυναίκα συναντά τη Βέλμα Κέλι και άλλους εγκληματίες. Η Roxy κατάφερε να ξεφύγει με τη βοήθεια του πονηρού δικηγόρου Billy Flynn - το δικαστήριο την έκρινε αθώα. Ως αποτέλεσμα, ο κόσμος του θεάματος εμπλουτίστηκε από το «ντουέτο δύο αστραφτερών αμαρτωλών», της Βέλμα Κέλι και της Ρόξι Χαρτ. Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στις 3 Ιουνίου 1975 στο 46th Street Theatre. Ο ρόλος της Roxy πήγε στην Gwen Verdon, η Velma υποδυόταν η Chita Rivera και ο Billy ο Jerry Orbach. Στο Λονδίνο, το μιούζικαλ εμφανίστηκε μόλις 4 χρόνια αργότερα και η παραγωγή δεν είχε καμία σχέση με το πνευματικό τέκνο του Bob Fosse. Η παράσταση έτρεξε για 898 προβολές στην Αμερική και 600 στο West End και τελικά έκλεισε. Ωστόσο, η παράσταση αναβίωσε το 1996 υπό τη διεύθυνση του Walter Bobby και της χορογράφου Ann Rinking. Οι πρώτες παραστάσεις στο κέντρο της πόλης προκάλεσαν τέτοιο σάλο που αποφασίστηκε να συνεχιστούν οι παραστάσεις στο Μπρόντγουεϊ. Τον ρόλο της Roxy έπαιξε η ίδια η Rinking, η Bebe Neuwirth έπαιξε τη Velma και ο James Naughton τον Flynn. Αυτή η παραγωγή έλαβε 6 βραβεία Tony, καθώς και ένα Grammy για το καλύτερο άλμπουμ. Το 1997, το μιούζικαλ ήρθε στο Adelphi Theatre του Λονδίνου και η παραγωγή κέρδισε το βραβείο Laurence Olivier για το καλύτερο μιούζικαλ. Σε ενημερωμένη μορφή, η παράσταση προβλήθηκε σε όλο τον κόσμο - Καναδά, Αυστραλία, Ολλανδία, Αργεντινή, Ιαπωνία, Μεξικό, Ρωσία και άλλες χώρες. Το 2002, κυκλοφόρησε η ταινία Miramax με πρωταγωνιστές τη Renee Zellweger (Roxy), την Catherine Zeta-Jones (Velma) και τον Richard Gere (Billy Flynn). Η σκηνοθεσία και η χορογραφία του έργου έγινε από τον Rob Marshall. Η ταινία έλαβε τη Χρυσή Σφαίρα στην κατηγορία "Καλύτερη Μιούζικαλ ή Κωμωδία" και κέρδισε 6 Όσκαρ από τα 12 για τα οποία ήταν υποψήφια. Στη Ρωσία, το μιούζικαλ ανέβηκε από τον Philip Kirkorov, ο οποίος ενσάρκωσε ο ίδιος τον ρόλο ενός ειδικευμένου και διεφθαρμένου δικηγόρου.

Εβίτα. Η ιδέα της δημιουργίας ενός μιούζικαλ εμφανίστηκε τυχαία - τον Οκτώβριο του 1973, ο Τιμ Ράις άκουσε το τέλος ενός ραδιοφωνικού προγράμματος στο αυτοκίνητο, το οποίο αφορούσε την Εβίτα Περόν. Η γυναίκα ήταν σύζυγος του Αργεντινού δικτάτορα Χουάν Περόν, ο ποιητής ενδιαφέρθηκε για την ιστορία της ζωής της. Ο συν-συγγραφέας του, Lloyd Webber, αρχικά δεν ήταν ενθουσιώδης με την ιστορία, αλλά τελικά συμφώνησε να το δουλέψει. Ο Ράις μελέτησε διεξοδικά την ιστορία του κύριου χαρακτήρα του, γι 'αυτό πέρασε πολύ χρόνο σε βιβλιοθήκες του Λονδίνου και επισκέφτηκε ακόμη και τη μακρινή Αργεντινή. Εκεί γεννήθηκε το κύριο μέρος της ιστορίας. Ο Τιμ Ράις εισήγαγε έναν αφηγητή στο μιούζικαλ, κάποιον Τσε, του οποίου το πρωτότυπο ήταν ο Ερνέστο Τσε Γκεβάρα. Η ίδια η ιστορία μιλάει για την Eva Duarte, η οποία ήρθε στο Μπουένος Άιρες σε ηλικία 15 ετών και έγινε πρώτα διάσημη ηθοποιός και μετά σύζυγος του προέδρου της χώρας. Η γυναίκα βοήθησε τους φτωχούς, αλλά συνέβαλε και στη βασιλεία της δικτατορίας στην Αργεντινή. Το «Evita» συνδύαζε διάφορα μουσικά στυλ, με μοτίβα της Λατινικής Αμερικής ως βάση της παρτιτούρας. Τα πρώτα demos του μιούζικαλ παρουσιάστηκαν στους κριτικούς στο πρώτο φεστιβάλ στο Sidmonton και στη συνέχεια ξεκίνησε η ηχογράφηση του άλμπουμ στο στούντιο της Olympic. Η Εβίτα ήταν η ηθοποιός Τζούλι Κόβινγκτον και ο Τσε ο νεαρός τραγουδιστής Κολμ Γουίλκινσον. Ο ρόλος του Peron πήγε στον Paul Jones. Το άλμπουμ είχε μεγάλη επιτυχία - μισό εκατομμύριο αντίτυπα πουλήθηκαν σε τρεις μήνες. Παρά το γεγονός ότι η «Evita» απαγορεύτηκε επίσημα στην Αργεντινή, η απόκτηση του ρεκόρ θεωρήθηκε θέμα κύρους. Το μιούζικαλ κυκλοφόρησε στις 21 Ιουνίου 1978, σε σκηνοθεσία Hal Prince. Στην παραγωγή του, ο ρόλος της Evita πήγε στην Elaine Page και τον Che υποδυόταν ο διάσημος τραγουδιστής της ροκ David Essex. Το έργο ήταν τόσο επιτυχημένο που ονομάστηκε το καλύτερο μιούζικαλ του 1978. εαυτήν βασική ηθοποιόςέλαβε βραβείο για την ερμηνεία της στην Εβίτα. Οι πρώτες κιόλας εβδομάδες μετά την κυκλοφορία της ηχογράφησης του μιούζικαλ στο δίσκο το έκανε χρυσό. Στις 8 Μαΐου 1979 έγινε η πρεμιέρα της «Evita» στην Αμερική, στο Λος Άντζελες και τέσσερις μήνες αργότερα η παράσταση ήρθε στο Μπρόντγουεϊ. Η δημοτικότητα της «Εβίτα» απέδειξε 7 βραβεία «Τόνι» που έλαβε. Η επιτυχία του μιούζικαλ του επέτρεψε να επισκεφθεί πολλές χώρες - Κορέα, Ουγγαρία, Αυστραλία, Μεξικό, Ιαπωνία, Ισραήλ και άλλες. 20 χρόνια μετά τη γέννηση του μιούζικαλ, αποφασίστηκε να γίνει μια ταινία βασισμένη σε αυτό. Σκηνοθέτης ήταν ο Άλαν Πάρκερ, ο κύριος ρόλος, η Εβίτα Πέρον, έπαιξε η Μαντόνα, ο ρόλος του Τσε ανατέθηκε στον Αντόνιο Μπαντέρας, ο Περόν έπαιξε ο Τζόναθαν Πράις. Η ταινία περιλάμβανε ένα νέο τραγούδι των Webber και Rice, το "You Must Love Me", το οποίο κέρδισε ένα Όσκαρ Καλύτερου Πρωτότυπου Τραγουδιού.

«Οι απόκληροι». Ο συνθέτης Claude-Michel Schonberg και ο λιμπρετίστας Alain Boublil έφεραν μια δεύτερη γέννηση στο ήδη κλασικό Les Misérables του Victor Hugo. Οι εργασίες για τη δημιουργία του μιούζικαλ πραγματοποιήθηκαν για δύο χρόνια. Το αποτέλεσμα ήταν ένα σκίτσο δύο ωρών, το οποίο στη συνέχεια μετατράπηκε σε ένα concept άλμπουμ με κυκλοφορία 260.000 αντιτύπων. Ένα χαρακτικό που απεικονίζει τη μικρή Κοζέτα έχει γίνει ένα είδος σήμα κατατεθέν του μιούζικαλ. Η σκηνική εκδοχή παρουσιάστηκε στις 17 Σεπτεμβρίου 1980 στο Palais des Sports στο Παρίσι. Ως αποτέλεσμα, την παράσταση παρακολούθησαν περισσότεροι από μισό εκατομμύριο άνθρωποι. Τον ρόλο του Jean Valjean έπαιξε ο Maurice Barrier, τον Javert ο Jacques Mercier, τον Fantine η Rose Laurence και την Cosette η Fabienne Guyon. Το concept άλμπουμ «Les Misérables» απήχησε τον νεαρό σκηνοθέτη Peter Ferago, ο οποίος προσέλκυσε τον Άγγλο παραγωγό Cameron Mackintosh να εργαστεί. Αυτό κατέστησε δυνατή τη δημιουργία μιας πραγματικά υψηλής ποιότητας παράστασης. Στην παραγωγή εργάστηκε μια επαγγελματική ομάδα - οι σκηνοθέτες Trevor Nunn και John Caed, και ο Herbert Kretzmer προσάρμοσε το κείμενο στα αγγλικά με τη βοήθεια των δημιουργών του μιούζικαλ. Ως αποτέλεσμα - η πρεμιέρα της παράστασης υπό την αιγίδα της Royal Shakespeare Company στο θέατρο Barbican στις 8 Οκτωβρίου 1985. Μέχρι σήμερα, το Les Misérables έχει προβληθεί συχνότερα στο Palace Theatre του Λονδίνου, με περισσότερες από 6.000 παραστάσεις του μιούζικαλ να λαμβάνουν χώρα εκεί. Το 1987, οι «Les Miserables» ήρθαν στο Μπρόντγουεϊ και έτσι ξεκίνησε η πορεία τους σε όλο τον κόσμο. Αν και η παράσταση μετρά περισσότερα από είκοσι χρόνια, εξακολουθεί να βρίσκεται στις σκηνές των παγκόσμιων θεάτρων. Το Les Misérables έχει μεταφραστεί σε πολλές γλώσσες, συμπεριλαμβανομένων εξωτικών όπως τα ιαπωνικά, τα μαυριτανικά και τα κρεολικά. Συνολικά, αυτό το μιούζικαλ ανέβηκε σε 32 χώρες σε όλο τον κόσμο. Τις δημιουργίες των Schonberg και Boublil είδαν τελικά περισσότεροι από 20 εκατομμύρια άνθρωποι.

«Γάτες». Η βάση για αυτό το δημοφιλές μιούζικαλ ήταν ένας κύκλος παιδικών ποιημάτων του T.S. Eliot's Old Possum's Book of Practical Cats, που εκδόθηκε στην Αγγλία το 1939. Η συλλογή μίλησε με ειρωνεία για τις συνήθειες και τις συνήθειες των γατών, αλλά τα ανθρώπινα χαρακτηριστικά μαντεύονταν εύκολα πίσω από αυτά τα χαρακτηριστικά. Τα ποιήματα του Έλιοτ απήχθησαν στον Άντι Λόιντ Γουέμπερ, ο οποίος κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του '70 συνέθετε μουσική για αυτούς αργά. Και έτσι, μέχρι το 1980, ο συνθέτης είχε συγκεντρώσει αρκετό υλικό για να το μετατρέψει σε μιούζικαλ. Δεδομένου ότι οι Βρετανοί αγαπούν πολύ τις γάτες, η εκπομπή τους ήταν απλά καταδικασμένη σε επιτυχία. Εκτός από τον Webber, η ομάδα περιελάμβανε τον παραγωγό Cameron McIntosh, τον σκηνοθέτη Trevor Nunn, τον καλλιτέχνη John Napier και τη χορογράφο Gillian Lynn. Αλλά κατά τη σκηνική υλοποίηση των τραγουδιών, αποδείχθηκε ότι δεν υπήρχε λογική πλοκή. Ωστόσο, χάρη στη χήρα του Έλιοτ, βρέθηκαν προσχέδια και επιστολές από τον ποιητή, από τα οποία οι συγγραφείς του μιούζικαλ μπόρεσαν να συγκεντρώσουν ιδέες για τη σύνταξη του σχεδίου της πλοκής του έργου. Στο «Cats» δημιουργήθηκαν ειδικές απαιτήσεις για τους καλλιτέχνες - δεν αρκούσε να τραγουδάς καλά και να μιλάς καθαρά, έπρεπε επίσης να είσαι πολύ πλαστικός. Αποδείχθηκε ότι στην ίδια την Αγγλία ήταν σχεδόν αδύνατο να στρατολογηθεί ένας θίασος 20 τέτοιων ηθοποιών, έτσι ο ποπ τραγουδιστής Paul Nicholas, η ηθοποιός Elaine Page, η νεαρή χορεύτρια και τραγουδίστρια Sarah Brightman και το αστέρι του Royal Ballet Wayne Sleep συμπεριλήφθηκαν στο καστ. Το θέατρο "Cats" δημιουργήθηκε από τον δικό του σχεδιαστή - John Napier, με αποτέλεσμα να μην υπάρχει καθόλου αυλαία και η σκηνή και η αίθουσα συγχωνεύονται σε έναν ενιαίο χώρο. Η δράση λαμβάνει χώρα όχι μετωπικά, αλλά σε όλο το βάθος. Η ίδια η σκηνή πλαισιώνεται ως χωματερή - υπάρχουν βουνά από γραφικά σκουπίδια πάνω της, αλλά στην πραγματικότητα το τοπίο είναι εξοπλισμένο με εξελιγμένο εξοπλισμό. Οι ηθοποιοί, με τη βοήθεια σύνθετου πολυεπίπεδου μακιγιάζ, εμφανίζονται με τη μορφή χαριτωμένων γατών. Τα κορμάκια τους είναι ζωγραφισμένα στο χέρι, οι περούκες τους από μαλλί γιακ, η ουρά και ο γιακάς τους από μαλλί και φορούν γυαλιστερούς γιακάδες. Το μιούζικαλ εμφανίστηκε για πρώτη φορά μπροστά στα μάτια του κοινού στις 11 Μαΐου 1981 στο Λονδίνο και χτύπησε στο Μπρόντγουεϊ ένα χρόνο αργότερα. Ως αποτέλεσμα, το «Cats» μπόρεσε να γίνει η μακροβιότερη παραγωγή στην ιστορία του βρετανικού θεάτρου μέχρι το κλείσιμό του στις 11 Μαΐου 2002. Συνολικά, δόθηκαν 6.400 παραστάσεις, την παραγωγή είδαν περισσότερα από 8 εκατομμύρια άτομα και οι δημιουργοί μπόρεσαν να κερδίσουν περίπου 136 εκατομμύρια λίρες. Και στις Ηνωμένες Πολιτείες, το μιούζικαλ έσπασε όλα τα πιθανά ρεκόρ. Ήδη το 1997, ο αριθμός των παραστάσεων ξεπέρασε τις 6100, γεγονός που επέτρεψε να ονομαστεί η παράσταση το κύριο μακρύ συκώτι του Μπρόντγουεϊ. Ως αποτέλεσμα, για όλο το διάστημα που οι "Cats" ανέβηκαν περισσότερες από 40 φορές, ο συνολικός αριθμός θεατών σε 30 χώρες ξεπέρασε τα 50 εκατομμύρια, τα τραγούδια εκτελέστηκαν σε 14 γλώσσες και το συνολικό ποσό των αμοιβών ήταν 2,2 δισεκατομμύρια δολάρια! Το μιούζικαλ έλαβε πολλά βραβεία, μεταξύ των οποίων τα πιο διάσημα είναι το βραβείο Laurence Olivier, το Evening Standard Award for Best Musical, 7 Tony Awards, το Molière Award στη Γαλλία. Οι ηχογραφήσεις των πρωτότυπων συνθέσεων του Μπρόντγουεϊ και του Λονδίνου έλαβαν Grammy.

"Το φάντασμα της όπερας". Η συνεργασία της Sarah Brightman και του Andrew Lloyd Webber στο Cats οδήγησε στον γάμο τους το 1984. Για τη σύζυγό του, ο συνθέτης δημιούργησε το "Ρέκβιεμ", αλλά αυτό το έργο δεν μπορούσε να δείξει το ταλέντο του τραγουδιστή σε μεγάλη κλίμακα. Ο Webber αποφάσισε λοιπόν να δημιουργήσει ένα νέο μιούζικαλ, το οποίο έγινε το Φάντασμα της Όπερας, βασισμένο στο ομώνυμο μυθιστόρημα του 1910 του Γάλλου Gaston Leroux. Μια ρομαντική αλλά σκοτεινή ιστορία λέει για ένα μυστηριώδες πλάσμα με υπερφυσικές δυνάμεις που ζει σε ένα μπουντρούμι κάτω από την Όπερα του Παρισιού. Ο κύριος ρόλος στην παραγωγή, η Christina Daae, πήγε φυσικά στη Sarah Brightman. Το ανδρικό μέρος ερμήνευσε ο Michael Crawford. Στο πρώτο μέρος του εραστή της Χριστίνας, Ραούλ, έπαιξε ο Στιβ Μπάρτον. Ο Richard Stilgoe εργάστηκε στο λιμπρέτο με τον Andrew Lloyd Webber και ο Charles Hart έγραψε τους στίχους. Η θεατρολόγος Maria Bjornson έδωσε στο Phantom τη διάσημη μάσκα και επέμεινε στην απόφαση να κατέβει ο διαβόητος πολυέλαιος που έπεφτε όχι στη σκηνή, αλλά απευθείας στο κοινό. Το Φάντασμα της Όπερας έκανε πρεμιέρα στις 9 Οκτωβρίου 1986 στο Βασιλικό Θέατρο, παρευρέθηκαν ακόμη και μέλη της οικογένειας της Αυτής Μεγαλειότητας. Και τον Ιανουάριο του 1988 πραγματοποιήθηκε η πρώτη παραγωγή του μιούζικαλ στο Μπρόντγουεϊ, έλαβε χώρα στο New York Majestic Theatre. Το Phantom of the Opera έγινε το δεύτερο μακροβιότερο μιούζικαλ στην ιστορία του Μπρόντγουεϊ, μετά το Cats. Ως αποτέλεσμα, περίπου 11 εκατομμύρια άνθρωποι παρακολούθησαν την παράσταση μόνο στη Νέα Υόρκη. Το μιούζικαλ ανέβηκε σε 18 χώρες, δόθηκαν περίπου 65 χιλιάδες παραστάσεις, περισσότεροι από 58 εκατομμύρια άνθρωποι το παρακολούθησαν εκεί και ο συνολικός αριθμός θεατών σε όλο τον κόσμο έχει ήδη ξεπεράσει τα 80 εκατομμύρια. Ως αποτέλεσμα - άξια βραβεία και βραβεία, που αριθμούν περισσότερα από 50. Το μιούζικαλ έλαβε τρία βραβεία Laurence Olivier και 7 βραβεία Tony, 7 βραβεία Drama Desk και το βραβείο Evening Standard. Τα συνολικά έσοδα από το Φάντασμα της Όπερας ανήλθαν σε 3,2 δισεκατομμύρια δολάρια. Το μυθιστόρημα ενέπνευσε τους σκηνοθέτες να δημιουργήσουν έως και επτά ταινίες, η τελευταία από τις οποίες γυρίστηκε το 2004, ήταν υποψήφια για Όσκαρ τρεις φορές, ο ίδιος Γουέμπερ ήταν ο παραγωγός και ο συνθέτης.

"Mama Mia" Η δημοτικότητα των τραγουδιών του γκρουπ ABBA είναι τόσο μεγάλη που η ιδέα της δημιουργίας ενός ολόκληρου μιούζικαλ βασισμένου σε αυτά, που ήρθε στο μυαλό της παραγωγού Judy Kramer, δεν προκαλεί έκπληξη. Η βάση του μιούζικαλ ήταν 22 τραγούδια θρυλικό συγκρότημα. Στο πρωτότυπο, όλα τα τραγούδια ερμηνεύτηκαν από γυναίκες, έτσι αναπτύχθηκε μια ιστορία για μια μητέρα και μια κόρη - άτομα δύο διαφορετικών γενεών. Για να αξίζει μια ιστορία διάσημες επιτυχίες, ήταν καλεσμένη η συγγραφέας Katherine Johnson, η οποία σκέφτηκε μια ιστορία για μια οικογένεια που ζει στα ελληνικά νησιά. Ως αποτέλεσμα, ο θεατής έλκεται όχι μόνο από τις μουσικές επιτυχίες, αλλά και από την πλοκή, στην οποία η μουσική είναι στενά συνυφασμένη. Τα τραγούδια χωρίστηκαν σε διαλόγους, έχοντας λάβει νέους τόνους. Η σκηνοθεσία της παραγωγής έγινε από τη Phyllida Loyd και τη σύνθεση των ABBA, Bjorn Ulvaeus και Benny Anderson. Το αποτέλεσμα είναι μια ρομαντική κωμωδία ειρωνική και αρκετά μοντέρνα. Υπάρχουν δύο βασικές γραμμές στο μιούζικαλ - μια ιστορία αγάπης και η σχέση δύο γενεών. Η πλοκή του "Mama Mia" είναι γεμάτη με κωμικές καταστάσεις που διαδραματίζονται με φόντο τις χαρούμενες συνθέσεις του "ABBA", οι χαρακτήρες επικοινωνούν αρκετά πνευματώδεις και τα κοστούμια τους είναι φωτεινά και πρωτότυπα. Το χαρακτηριστικό λογότυπο του «Mama Mia» έχει γίνει η εικόνα μιας ευτυχισμένης νύφης, με αποτέλεσμα να έχει γίνει ένα είδος μάρκας, αναγνωρίσιμο σε όλο τον κόσμο. Η υπόθεση του μιούζικαλ έχει ως εξής. Η νεαρή Σόφι ετοιμάζεται σύντομα να γίνει νύφη. Πρόκειται να καλέσει τον πατέρα της στο γάμο για να την πάει στο βωμό. Μόνο η μητέρα του κοριτσιού, η Ντόνα, δεν μίλησε ποτέ για αυτόν. Η Σόφι βρήκε το ημερολόγιο της μητέρας της, που έλεγε για τη σχέση της με τρεις διαφορετικούς άντρες, με αποτέλεσμα να σταλεί πρόσκληση σε όλους. Όταν οι καλεσμένοι αρχίζουν να φτάνουν στο γάμο, συμβαίνει το πιο ενδιαφέρον... Στο τέλος της δράσης, η μαμά παντρεύεται με τη Σόφι. Η πρώτη δοκιμή του «Mama Mia» ήταν η προ-πρεμιέρα του στο Λονδίνο στις 23 Μαρτίου 1999. Το κοινό ήταν σε απόλυτη χαρά - δεν κάθονταν ακίνητα σε όλη τη διάρκεια της παράστασης, αλλά χόρευαν στους διαδρόμους, χειροκρότησαν και τραγούδησαν μαζί. Η πραγματική πρεμιέρα έγινε στις 6 Απριλίου 1999. Η επιτυχημένη παραγωγή του Λονδίνου οδήγησε στο γεγονός ότι το μιούζικαλ ανέβηκε σε 11 ακόμη χώρες σε όλο τον κόσμο και το box office του μιούζικαλ εκεί φτάνει τα 8 εκατομμύρια δολάρια την εβδομάδα! Σήμερα το "Mama Mia" είδαν περισσότερα από 27 εκατομμύρια άτομα, οι καθημερινοί αριθμοί επισκέψεων αυξάνονται κατά 20 χιλιάδες. Το μιούζικαλ έχει εισπράξει πάνω από 1,6 δισεκατομμύρια δολάρια παγκοσμίως. Κατά τη διάρκεια της ενοικίασης, η εκπομπή επισκέφτηκε 130 μεγάλες πόλειςκαι το άλμπουμ που ηχογράφησε την πρώτη παράσταση έγινε πλατινένιο στις ΗΠΑ, την Κορέα και την Αυστραλία, διπλά πλατινένιο στο Ηνωμένο Βασίλειο και χρυσό στη Σουηδία, τη Νέα Ζηλανδία και τη Γερμανία. Το 2008, γυρίστηκε το μιούζικαλ, παρακολούθησαν αστέρια όπως η Meryl Streep και ο Pierce Brosnan και η ίδια Phyllida Loyd έγινε σκηνοθέτης.

Μόνο μετά από πολλά χρόνια, πολύωρη και επίπονη δουλειά, γεννιέται το μιούζικαλ. Η μεγάλη μέρα της πρεμιέρας πλησιάζει.

1. «My Fairy Lady» (1956)

Ο Φρέντερικ Λόου (μουσική) και ο Άλαν Τζέι Λέρνερ (λιμπρέτο και στίχοι) ανέλυσαν το δραματικό υλικό του έργου Πυγμαλίων του Μπέρναρντ Σω και αποφάσισαν να γράψουν ένα μιούζικαλ. Η πλοκή του μιούζικαλ επαναλαμβάνει σε μεγάλο βαθμό το παιχνίδι του Shaw, την ιστορία της μεταμόρφωσης του κύριου χαρακτήρα από ένα χυδαίο κορίτσι λουλουδιών σε μια γοητευτική νεαρή κυρία.

Ο καθηγητής Φωνητικής Χένρι Χίγκινς βάζει στοίχημα με τον γλωσσολόγο συνάδελφό του, συνταγματάρχη Πίκερινγκ, να μετατρέψουν ένα κορίτσι λουλουδιών από το Λονδίνο που ονομάζεται Ελίζα Ντούλιτλ σε πραγματική κυρία. Η Ελίζα μετακομίζει στο σπίτι του καθηγητή, η μάθηση δεν είναι εύκολη, αλλά, στο τέλος, αρχίζει να προοδεύει. Στο μπαλάκι της πρεσβείας, η Ελίζα περνά με λαμπρότητα τις εξετάσεις. Το τέλος του μιούζικαλ είναι αισιόδοξο - η Ελίζα επιστρέφει στον δάσκαλό της Χίγκινς.

Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στις 15 Μαρτίου 1956. Η πρεμιέρα στο Λονδίνο έγινε τον Απρίλιο του 1958. Τον ρόλο του Χίγκινς έπαιξε ο Ρεξ Χάρισον και την Ελίζα η Τζούλι Άντριους. Η παράσταση έγινε αμέσως εξαιρετικά δημοφιλής, τα εισιτήρια εξαντλήθηκαν έξι μήνες νωρίτερα. Ωστόσο, η συντριπτική επιτυχία του μιούζικαλ ήταν μια πλήρης έκπληξη για τους δημιουργούς του.

Το μιούζικαλ παίχτηκε 2.717 φορές στο Μπρόντγουεϊ και 2.281 φορές στο Λονδίνο, μεταφράστηκε σε έντεκα γλώσσες, συμπεριλαμβανομένης της εβραϊκής, και παρουσιάστηκε με επιτυχία σε περισσότερες από είκοσι χώρες. Το μιούζικαλ έλαβε 6 βραβεία Tony. Το αρχικό καστ του Μπρόντγουεϊ ηχογράφησε πάνω από πέντε εκατομμύρια αντίτυπα που πουλήθηκαν και η ομώνυμη ταινία του Τζορτζ Κιούκορ κυκλοφόρησε το 1964. Η Warner Brothers πλήρωσε ένα ρεκόρ 5,5 εκατομμυρίων δολαρίων για τα δικαιώματα της ταινίας για το μιούζικαλ. Ο ρόλος της Eliza πήγε στην Audrey Hepburn και ο Rex Harrison μετακόμισε με επιτυχία από τη σκηνή στη μεγάλη οθόνη. Η ταινία ήταν υποψήφια για Όσκαρ και έλαβε οκτώ από τα 12 αγαλματίδια.

Το μιούζικαλ «My Fair Lady» εξακολουθεί να αγαπιέται από το κοινό και, χάρη στον παραγωγό Cameron Mackintosh και τον σκηνοθέτη Trevor Nunn, η παράσταση μπορεί πλέον να προβληθεί στο Λονδίνο.

2. "The Sound of Music" (The Sound of Music) (1959)

Το 1958, οι Αμερικανοί σεναριογράφοι Howard Lindsay και Russell Cruz, μαζί με τον παραγωγό Richard Holliday και τη σύζυγό του, ηθοποιό Mary Martin, συνεργάστηκαν για να δουλέψουν σε ένα θεατρικό έργο βασισμένο στη γερμανική ταινία The Von Trapp Family. Η ταινία μιλάει για μια αυστριακή οικογένεια που, φεύγοντας από τις ναζιστικές διώξεις, αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν την πατρίδα τους και να πάνε στην Αμερική. Η ιστορία δεν επινοήθηκε - η ταινία βασίστηκε σε ένα βιβλίο που έγραψε η Μαρία φον Τραπ, μια άμεση συμμετέχουσα στα γεγονότα που περιγράφονται.

Η Μαίρη Μάρτιν ήταν σταρ του μουσικού θεάτρου, και παρόλο που αυτή τη φορά ήταν μια δραματική παράσταση, δεν μπορούσε να αρνηθεί στον εαυτό της την ευχαρίστηση να εμφανιστεί ως τραγουδίστρια. Αρχικά για μουσική διασκευήΓια την παραγωγή, οι συγγραφείς επρόκειτο να χρησιμοποιήσουν δημοτικά τραγούδια και θρησκευτικούς ύμνους από το ρεπερτόριο της οικογένειας von Trapp. Ωστόσο, η Μαίρη ήθελε να ερμηνεύσει ένα τραγούδι που γράφτηκε ειδικά για εκείνη. Ο συνθέτης Richard Rogers και ο λιμπρετίστας Oscar Hammerstein βοήθησαν τον Martin σε αυτό. Συνέθεσαν εντελώς νέα μουσικά νούμερα, μετατρέποντας το έργο στο μιούζικαλ «The Sound of Music».

Στις 16 Νοεμβρίου 1959 έκανε πρεμιέρα στο Μπρόντγουεϊ. Το έργο σκηνοθέτησε ο David Jay Donahue. Τον κύριο ρόλο, φυσικά, έπαιξε η Μαίρη Μάρτιν, τον ρόλο του Λοχαγού φον Τραπ - Θίοντορ Μπίκελ. Το κοινό, ερωτευμένο με τη Μαίρη Μάρτιν, πάλεψε να μπει στο μιούζικαλ, το οποίο του παρείχε εξαιρετικές αμοιβές.

Το The Sound of Music παίχτηκε 1.443 φορές και κέρδισε 8 βραβεία Tony, συμπεριλαμβανομένου του καλύτερου μιούζικαλ, και το αρχικό άλμπουμ κέρδισε ένα Grammy. Το 1961, το μιούζικαλ έκανε περιοδεία στις Ηνωμένες Πολιτείες και την ίδια χρονιά η παράσταση άνοιξε στο Λονδίνο, όπου διεξήχθη για περισσότερα από έξι χρόνια, και έγινε το μακροβιότερο αμερικανικό μιούζικαλ στην ιστορία του West End.

Τον Ιούνιο του 1960, η 20th Century Fox απέκτησε τα δικαιώματα της ταινίας για 1,25 εκατομμύρια δολάρια. Η πλοκή της ταινίας ήταν κάπως διαφορετική από την ιστορία που ειπώθηκε στο έργο, αλλά ήταν σε αυτή την έκδοση που το The Sound of Music κέρδισε παγκόσμια φήμη. Η ταινία έκανε την παγκόσμια πρεμιέρα της στη Νέα Υόρκη στις 2 Μαρτίου 1965. Η φωτογραφία ήταν υποψήφια για Όσκαρ σε 10 κατηγορίες, από τις οποίες κέρδισε τις πέντε.

Η κινηματογραφική μεταφορά δεν έγινε η τελευταία σελίδα στην ιστορία του μιούζικαλ, εξακολουθεί να αγαπιέται από το κοινό και ανεβαίνει σε όλο τον κόσμο. Στη δεκαετία του '90, η παράσταση μπορούσε να δει στο Ηνωμένο Βασίλειο, Νότια Αφρική, Κίνα, Ολλανδία, Σουηδία, Ισλανδία, Φινλανδία, Περού, Ισραήλ και Ελλάδα.

3. "Cabaret" (Cabaret) (1966)

Λογοτεχνική βάσηΑυτή η θρυλική παράσταση εμπνεύστηκε από τις «Ιστορίες του Βερολίνου» του Christopher Isherwood για τη Γερμανία στις αρχές της δεκαετίας του 1930 και το έργο του John Van Druten «I Am a Camera». Το μιούζικαλ μιλάει για το ειδύλλιο ενός νέου Αμερικανός συγγραφέαςΟ Cliff Bradshaw και η τραγουδίστρια από το καμπαρέ του Βερολίνου "Kit-Kat Club" Sally Bowles.

Στο Βερολίνο της δεκαετίας του 1930, η μοίρα ενός νεαρού Άγγλου Μπράιαν Ρόμπερτς, ενός επίδοξου συγγραφέα που αναγκαζόταν να κερδίσει επιπλέον χρήματα από τα μαθήματα, πέφτει. Η γνωριμία με την Αμερικανίδα τραγουδίστρια του καμπαρέ Σάλι δίνει στον Μπράιαν μια φρέσκια, αξέχαστη εμπειρία. Ο συγγραφέας και ο τραγουδιστής ερωτεύτηκαν ο ένας τον άλλον, αλλά είναι προορισμένοι να επιβιώσουν από τον χωρισμό. Η Σάλι αρνείται να πάει στο Παρίσι με τον αγαπημένο της, ο Κλιφ φεύγει από το Βερολίνο μαζί πληγωμένος. Το καμπαρέ, το τελευταίο καταφύγιο του πνεύματος της ελευθερίας, είναι γεμάτο με ανθρώπους με σβάστικες στα μανίκια...

Η πρεμιέρα έγινε στις 20 Νοεμβρίου 1966. Την παραγωγή σκηνοθέτησε ο διάσημος σκηνοθέτης του Μπρόντγουεϊ Χάρολντ Πρινς, ο Τζον Κάντσερ έγραψε τη μουσική, τους στίχους του τραγουδιού - Φρεντ Έμπ, το λιμπρέτο - τον Τζο Μάστεροφ. Το αρχικό καστ περιλάμβανε τους Joel Gray (διασκεδαστής), Jill Haworth (Sally), Bert Convy (Cliff) και άλλους.

Η παραγωγή άντεξε 1.165 παραστάσεις και έλαβε 8 βραβεία Tony, συμπεριλαμβανομένης της υποψηφιότητας για το Καλύτερο Μουσικό. Το 1972 κυκλοφόρησε το Cabaret του Bob Fossey με τους Joel Gray (διασκεδαστής), Liza Minnelli (Sally) και Michael York (Bryan). Η ταινία έλαβε οκτώ Όσκαρ.

Το 1987, ο Joel Gray έπαιξε ξανά το ρόλο του διασκεδαστή στην αναβίωση της παράστασης. Το 1993, στο Λονδίνο, και έπειτα πέντε χρόνια αργότερα, στο Μπρόντγουεϊ, άνοιξε μια εντελώς νέα παραγωγή του Cabaret, που δημιουργήθηκε από τον σκηνοθέτη Σαμ Μέντες. Αυτή η έκδοση του έργου έχει επίσης λάβει πολλά βραβεία. Το μιούζικαλ πέρασε από περίπου 2.377 παραστάσεις και 37 προεπισκοπήσεις και έκλεισε στις 4 Ιανουαρίου 2004.

4. Jesus Christ Superstar (1971)

Το «Jesus Christ» επινοήθηκε από τον Andrew Lloyd Webber (σύνθεση μουσικής) και τον Tim Rice (λιμπρέτο) όχι ως παραδοσιακό μιούζικαλ, αλλά ως μια ολοκληρωμένη όπερα γραμμένη στη σύγχρονη μουσική γλώσσα, που τηρεί όλες τις οπερατικές παραδόσεις (άρια ήρωα, χορωδία, ηρωίδα άρια, κλπ.). δ.). Σε αντίθεση με τα παραδοσιακά μιούζικαλ, το "Jesus Christ" δεν έχει δραματικά κομμάτια - όλα είναι χτισμένα σε φωνητικά και ρετσιτάτι. Ο συνδυασμός της ροκ μουσικής με τα κλασικά μοτίβα, η χρήση μοντέρνου λεξιλογίου στους στίχους, η υψηλή ποιότητά τους, η λεγόμενη αρχή του τραγουδιού (όλη η ιστορία αφηγείται αποκλειστικά μέσα από τραγούδια, χωρίς τη χρήση άγνωστων διαλόγων) έκαναν το «Jesus Christ Superstar» μια πραγματική επιτυχία.

Το μιούζικαλ «Jesus Christ Superstar» αφηγείται τις τελευταίες επτά ημέρες της ζωής του Ιησού από τη Ναζαρέτ, ιδωμένη μέσα από τα μάτια του μαθητή του Ιούδα Ισκαριώτη, ο οποίος ήταν απογοητευμένος με το τι είχαν γίνει οι διδασκαλίες του Χριστού. Η πλοκή καλύπτει την περίοδο από την είσοδο του Ιησού στην Ιερουσαλήμ μέχρι την εκτέλεσή του στον Γολγοθά.

Η όπερα ακούστηκε για πρώτη φορά με τη μορφή ενός άλμπουμ το 1970, στο οποίο τον κύριο ρόλο έπαιξε ο Ian Gillan, ο οποίος είναι ο τραγουδιστής της "χρυσής σύνθεσης" των Deep Purple, τον ρόλο του Judas έπαιξαν οι Murray Head, Mary Magdalene της Yvonne Elliman Στη σκηνή του Broadway, το μιούζικαλ προβλήθηκε για πρώτη φορά το 1971. Μερικοί κριτικοί πιστεύουν ότι ο Ιησούς απεικονίστηκε ως ο πρώτος χίπης στη γη. Η παραγωγή του Broadway διήρκεσε μόνο 18 μήνες.

Μια νέα παραγωγή του μιούζικαλ δημιουργήθηκε στο θέατρο του Λονδίνου το 1972, τον ρόλο του Ιησού έπαιξε ο Paul Nicholas, Judas - Stephen Tate. Αυτή η παραγωγή ήταν πιο επιτυχημένη, έτρεξε στη σκηνή για οκτώ χρόνια και έγινε το μακροβιότερο μιούζικαλ. Ο Αμερικανός σκηνοθέτης Norman Jewison γύρισε μια ταινία μεγάλου μήκους βασισμένη στο έργο το 1973. Το 1974, η ταινία έλαβε Όσκαρ Καλύτερης Μουσικής. Εκτός από την εξαιρετική μουσική και τα φωνητικά, η ταινία είναι ενδιαφέρουσα για την ασυνήθιστη ερμηνεία του θέματος του Χριστού, που είναι μια εναλλακτική στον ορθόδοξο χριστιανισμό.

Ενα από τα πολλά διάσημα μιούζικαλ, που ονομάζεται και ροκ όπερα, προκάλεσε πολλές διαμάχες και έγινε καλτ έργο για μια ολόκληρη γενιά χίπις, χωρίς να χάσει τη σημασία του σήμερα. Το «Jesus Christ Superstar» μεταφράστηκε στο διαφορετικές γλώσσες, έχει ανέβει επανειλημμένα και έχει ανέβει για περισσότερα από 30 χρόνια στις σκηνές της Αυστραλίας, της Νέας Ζηλανδίας, της Ουγγαρίας, της Βουλγαρίας, της Γαλλίας, της Σουηδίας, της Αμερικής, του Μεξικού, της Χιλής, του Παναμά, της Βολιβίας, της Γερμανίας, της Ιαπωνίας και του Ηνωμένου Βασιλείου.

5. "Σικάγο" (Σικάγο) (1975)

Στις 11 Μαρτίου 1924 στο Σικάγο του Ιλινόις, η Chicago Tribune δημοσίευσε ένα άρθρο της δημοσιογράφου Maureen Dallas Watkins για μια συγκεκριμένη ηθοποιό της ποικιλίας που είχε σκοτώσει τον φίλο της. Επειδή οι ιστορίες σεξουαλικού εγκλήματος ήταν ιδιαίτερα δημοφιλείς στους αναγνώστες, ένα άλλο άρθρο του Watkins εμφανίστηκε στις 3 Απριλίου 1924. Αυτή τη φορά επρόκειτο για παντρεμένη γυναίκα που πυροβόλησε τον εραστή της. Το βουητό που συνόδευε αυτές και άλλες αστυνομικές ιστορίες έκανε βαθιά εντύπωση στη Maureen. Αργότερα, φεύγοντας από την εφημερίδα, πήγε να σπουδάσει δράμα στο Πανεπιστήμιο του Γέιλ. Εκεί, ως εκπαιδευτική εργασία, έγραψε το έργο «Σικάγο».

Στις 30 Δεκεμβρίου 1926, το Σικάγο άνοιξε στο Μπρόντγουεϊ. Το έργο άντεξε σε 182 παραστάσεις, το 1927 γυρίστηκε η ομώνυμη ταινία και το 1942 κυκλοφόρησε η ταινία «Ρόξυ Χαρτ» σε σκηνοθεσία Γουίλιαμ Βέλμαν με τον Τζίντζερ Ρότζερς στον ομώνυμο ρόλο.

Ο Μπομπ Φόσεϊ, ο διάσημος χορογράφος και σκηνοθέτης του Μπρόντγουεϊ, δεν θα μπορούσε να περάσει από μια τέτοια πλοκή. Ο Fossey έφερε τον συνθέτη John Kander και τους λιμπρετίστους Fred Ebb και Bob Fossey για να υλοποιήσουν το έργο. Η παρτιτούρα του «Chicago» είναι ένα λαμπρό στυλιζάρισμα αμερικανικών επιτυχιών του τέλους της δεκαετίας του '20 και όσον αφορά τον τρόπο παρουσίασης του μουσικού υλικού και το θέμα του, το «Chicago» είναι πολύ κοντά στο βοντβίλ.

Αυτή είναι η ιστορία της χορεύτριας του μπαλέτου Roxie Hart, η οποία δολοφόνησε εν ψυχρώ τον εραστή της. Μόλις μπει στη φυλακή, η Ρόξυ συναντά τη Βέλμα Κέλι και άλλους δολοφόνους. Η Ρόξυ βοηθείται από τη φύλακα της φυλακής, Ματρόνα Μαμά Μόρτον, και τον πονηρό δικηγόρο Μπίλι Φλιν. Το δικαστήριο βρίσκει τη Roxy αθώα, αλλά αυτό δεν της φέρνει χαρά. Στην τελευταία σκηνή του μιούζικαλ, ο διασκεδαστής ανακοινώνει το ντεμπούτο του «του ντουέτου των δύο απαστράπτων αμαρτωλών», βασίλισσες του υποκόσμου του Σικάγο, Βέλμα Κέλι και Ρόξι Χαρτ. Έφτασαν στον χώρο του θεάματος.

Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στο 46th Street Theatre στις 3 Ιουνίου 1975 με την Gwen Verdon ως Roxy, την Chita Rivera ως Velma και τον Jerry Orbach ως Billy. Το Σικάγο άνοιξε μόνο στο West End το 1979. Αυτή η παραγωγή δεν είχε καμία σχέση με την ερμηνεία του Bob Fossey. Μετά από 898 παραστάσεις στο Broadway και 600 εμφανίσεις στο West End, η παράσταση ακυρώθηκε. Το 1996, η παράσταση αναβίωσε υπό τη διεύθυνση του Walter Bobby και της χορογράφου Ann Rinking. Οι τέσσερις παραστάσεις που παίχτηκαν στο City Center έγιναν δεκτές με τέτοιο ενθουσιασμό που οι παραγωγοί της παράστασης αποφάσισαν να τη μεταφέρουν στο Broadway. Το καστ περιλάμβανε τον εαυτό της Ringing ως Roxy, Bebe Neuwirth ως Velma, James Naughton ως Billy Flynn και Joel Gray ως Amos. Το Σικάγο έχει κερδίσει έξι βραβεία Tony και ένα βραβείο Grammy για το καλύτερο άλμπουμ.

Το 1997 το μιούζικαλ άνοιξε στο Adelphi Theatre του Λονδίνου. Το "Chicago" του Λονδίνου τιμήθηκε με το βραβείο Laurence Olivier για το "Καλύτερο Μιούζικαλ" και η Ute Lemper - ως " Καλύτερη Ηθοποιόςμιούζικαλ." Η παράσταση έγινε remaster σε Καναδά, Αυστραλία, Σιγκαπούρη, Χονγκ Κονγκ, Ολλανδία, Αργεντινή, Γερμανία, Σουηδία, Μεξικό, Ιαπωνία, Ελβετία, Αυστρία, Πορτογαλία και Ρωσία.

Στα τέλη του 2002, το κινηματογραφικό στούντιο Miramax κυκλοφόρησε μια κινηματογραφική μεταφορά του μιούζικαλ με την Catherine Zeta-Jones (Velma), τη Renee Zellweger (Roxy) και τον Richard Gere (Billy Flynn), σε σκηνοθεσία και χορογραφία του Rob Marshall. Η ταινία «Σικάγο» έγινε δεκτή με ενθουσιασμό από το κοινό και βραβεύτηκε με τη «Χρυσή Σφαίρα» στην κατηγορία «Καλύτερο Μιούζικαλ ή Κωμωδία». Επιπλέον, η εικόνα ήταν υποψήφια για Όσκαρ σε 12 κατηγορίες, εκ των οποίων κέρδισε έξι.

6. Evita (1978)

Τον Οκτώβριο του 1973, ο Τιμ Ράις οδηγούσε ένα αυτοκίνητο και κατά λάθος άκουσε το τέλος μιας ραδιοφωνικής εκπομπής. Το πρόγραμμα αφορούσε την Εβίτα Περόν, τη σύζυγο του Αργεντινού δικτάτορα Χουάν Περόν, και αυτή η ιστορία ενδιέφερε τον ποιητή. Ο Τιμ Ράις ένιωσε ότι η ιστορία της ζωής της Εύας θα μπορούσε κάλλιστα να γίνει το θέμα ενός νέου μιούζικαλ. Ο συν-συγγραφέας του Lloyd Webber δεν ήταν ενθουσιώδης με την ιδέα, αλλά μετά από σκέψη συμφώνησε.

Ο Ράις μελέτησε λεπτομερώς τη βιογραφία του κύριου ήρωα του μελλοντικού μιούζικαλ του, περπατώντας στις βιβλιοθήκες του Λονδίνου και ταξιδεύοντας στην Αργεντινή, όπου έγραψε το μεγαλύτερο μέρος της ιστορίας. Το «Evita» συνδυάζει διάφορα μουσικά στυλ, η παρτιτούρα περιλαμβάνει μοτίβα από τη Λατινική Αμερική. Ο Τιμ Ράις εισάγει έναν αφηγητή, έναν συγκεκριμένο Τσε (το πρωτότυπο του οποίου είναι ο Ερνέστο Τσε Γκεβάρα), στο μιούζικαλ.

Το καλοκαίρι του 1976, οι πρώτες ηχογραφήσεις επίδειξης ενός νέου μιούζικαλ από τους Andrew Lloyd Webber και Tim Rice παρουσιάστηκαν στους επισκέπτες στο πρώτο φεστιβάλ Sidmonton. Σύντομα το στούντιο "Olympic" άρχισε να ηχογραφεί το άλμπουμ. Το μέρος της Εβίτα ερμήνευσε η ηθοποιός Τζούλι Κόβινγκτον, ο νεαρός τραγουδιστής Κολμ Γουίλκινσον έγινε Τσε και ο Περόν ερμήνευσε ο Πολ Τζόουνς. Άλμπουμ είχε άγρια ​​επιτυχία. Ήδη τρεις μήνες μετά την κυκλοφορία του, ο αριθμός των αντιτύπων που πωλήθηκαν ήταν 500 χιλιάδες και ακόμη και στην Αργεντινή, όπου ο δίσκος απαγορεύτηκε, κάθε οικογένεια που σέβεται τον εαυτό του θεώρησε απαραίτητο να τον αγοράσει.

Ο διάσημος σκηνοθέτης Χαλ Πρινς άρχισε να εργάζεται για την παραγωγή. Η Elaine Page έγινε η νέα Evita και ο διάσημος τραγουδιστής της ροκ David Essex κλήθηκε να παίξει το ρόλο του Che. Το Evita έκανε πρεμιέρα στις 21 Ιουνίου 1978. Το έργο είχε τεράστια επιτυχία και κέρδισε το βραβείο West End Theatre Society για το «Καλύτερο Μιούζικαλ του 1978», η Elaine Page έλαβε το βραβείο Καλύτερης Ηθοποιού σε Μιούζικαλ. Ο δίσκος με την ηχογράφηση της αρχικής λονδρέζικης σύνθεσης της Evita έγινε χρυσός τις πρώτες εβδομάδες μετά την κυκλοφορία του.

Στις 8 Μαΐου 1979, η Evita άνοιξε στο Λος Άντζελες. Τέσσερις μήνες μετά την αμερικανική πρεμιέρα, στις 21 Σεπτεμβρίου 1979, το ίδιο καστ εμφανίστηκε για πρώτη φορά στο Μπρόντγουεϊ. Η Εβίτα έχει κερδίσει τις καρδιές του κοινού και έχει λάβει 7 βραβεία Tony.

Μετά την επιτυχία στο Broadway, το μιούζικαλ ανέβηκε σε έναν τεράστιο αριθμό χωρών: Αυστραλία, Ισπανία, Μεξικό, Αυστρία, Ιαπωνία, Ισραήλ, Κορέα, Νότια Αφρική, Ουγγαρία. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν είκοσι χρόνια μετά τη γέννηση της Εβίτα. Η σκηνοθεσία ανατέθηκε στον Άλαν Πάρκερ, η Μαντόνα έπαιξε την Εύα Περόν, ο Ισπανός αστέρας του κινηματογράφου Αντόνιο Μπαντέρας προσκλήθηκε στο ρόλο του Τσε, ο Βρετανός ηθοποιός Τζόναθαν Πράις ήταν ο Περόν. Ειδικά για την ταινία, γράφτηκε ένα νέο τραγούδι - "You must love me", το οποίο έφερε στους δημιουργούς του ένα Όσκαρ.

7. Les Misérables (1980)

Το Les Misérables του Βίκτορ Ουγκώ γεννήθηκε για δεύτερη φορά σε ένα μιούζικαλ που δημιουργήθηκε από τον συνθέτη Claude-Michel Schonberg και τον λιμπρετίστα Alain Boublil. Οι εργασίες για το μιούζικαλ διήρκεσαν δύο χρόνια και, τελικά, ηχογραφήθηκε ένα δίωρο σκίτσο του μελλοντικού μιούζικαλ. Με τη βοήθεια του λιμπρετίστα Jean-Marc Nathel, αυτό το σκετς μετατράπηκε σε ένα concept άλμπουμ, το οποίο κυκλοφόρησε το 1980 και πούλησε 260.000 αντίτυπα. Το σήμα κατατεθέν του μιούζικαλ ήταν ένα χαρακτικό που απεικόνιζε μια μικρή Κοζέτα.

Η σκηνική εκδοχή παρουσιάστηκε στους Παριζιάνους στις 17 Σεπτεμβρίου 1980 στο Palais des Sports. Την παράσταση παρακολούθησαν πάνω από μισό εκατομμύριο άνθρωποι. Ο Maurice Barrier έπαιξε τον ρόλο του Jean Valjean, Jacques Mercier - Javert, Rose Laurence - Fantine, Marie - Eponina, Fabienne Guyon - Cosette.

Το 1982, ο νεαρός σκηνοθέτης Peter Ferago, που του άρεσε πολύ το concept άλμπουμ Les Misérables, το έφερε στην προσοχή του Βρετανού παραγωγού Cameron Mackintosh. Ο McIntosh μετέτρεψε το έργο σε μια παράσταση της υψηλότερης κατηγορίας. Μια ισχυρή ομάδα εργάστηκε για τη δημιουργία της νέας έκδοσης του μιούζικαλ "Les Misérables": σκηνοθέτες ήταν οι Trevor Nunn και John Caed, Αγγλικό κείμενοσύνθεση του Herbert Kretzmer σε στενή συνεργασία με τους δημιουργούς του μιούζικαλ. Η παράσταση ανέβηκε στο θέατρο Barbican υπό την αιγίδα της Royal Shakespeare Company. Η πρεμιέρα της νέας έκδοσης του μιούζικαλ έγινε στις 8 Οκτωβρίου 1985. Η πιο «μακρόβια» παραγωγή του μιούζικαλ «Les Misérables» είναι περήφανη για το Palace Theatre στο Λονδίνο. Συνολικά, η παράσταση προβλήθηκε σε αυτό το θέατρο περισσότερες από έξι χιλιάδες φορές.

Το 1987, οι Les Misérables διέσχισαν τον Ατλαντικό και εγκαταστάθηκαν στο Broadway, ξεκινώντας έτσι τη θριαμβευτική τους πορεία σε όλο τον κόσμο. Παρά το γεγονός ότι το μιούζικαλ είναι ήδη πάνω από είκοσι ετών, δεν φεύγει από τη σκηνή και συνεχίζει να είναι πολύ δημοφιλές σε όλο τον κόσμο. Το Les Misérables έχει μεταφραστεί σε πολλές γλώσσες: Ιαπωνικά, Εβραϊκά, Ουγγρικά, Ισλανδικά, Νορβηγικά, Γερμανικά, Πολωνικά, Σουηδικά, Ολλανδικά, Δανικά, Τσέχικα, Ισπανικά, Μαυριτανικά, Κρεολικά, Φλαμανδικά, Φινλανδικά, Πορτογαλικά. Συνολικά, το μιούζικαλ "Les Misérables" είδαν κάτοικοι διακοσίων πόλεων σε τριάντα δύο χώρες του κόσμου. Τη δημιουργία των Alan Boublil και Claude-Michel Schonberg παρακολούθησαν περισσότεροι από 20 εκατομμύρια θεατές σε όλο τον κόσμο.

8. "Cats" (Cats) (1981)

Η βάση για τις «Γάτες» ήταν ένας κύκλος παιδικών ποιημάτων του Τ.Σ. Eliot's Old Possum's Book of Practical Cats, που εκδόθηκε το 1939 στην Αγγλία. Πρόκειται για μια συλλογή από ειρωνικά σκίτσα χαρακτήρων και συνηθειών αιλουροειδών, πίσω από τα οποία μαντεύονται εύκολα διάφοροι ανθρώπινοι τύποι.

Ο Andrew Lloyd Webber άρχισε να γράφει τραγούδια βασισμένα στην ποίηση του Eliot στις αρχές της δεκαετίας του '70. Μέχρι το 1980, ο συνθέτης είχε συγκεντρώσει αρκετό μουσικό υλικό, το οποίο αποφασίστηκε να μετατραπεί σε μιούζικαλ. Το σόου με γάτες προοριζόταν για επιτυχία: οι Βρετανοί είναι γνωστοί για την αγάπη τους για αυτά τα ζώα. Η μουσική ομάδα αποτελούνταν από ταλαντούχους ανθρώπους - τον παραγωγό Cameron Mackintosh, τον σκηνοθέτη Trevor Nunn, τον σκηνογράφο John Napier και τη χορογράφο Gillian Lynn.

Όταν επρόκειτο για σκηνική απόδοση των τραγουδιών του Webber, το κύριο πρόβλημα που αντιμετώπισαν οι δημιουργοί του μιούζικαλ ήταν η έλλειψη πλοκής. Ευτυχώς, χάρη στη χήρα του T. S. Eliot, Valerie, οι συγγραφείς είχαν στη διάθεσή τους επιστολές και προσχέδια του ποιητή, από τα οποία έβγαλαν σιγά σιγά ιδέες για το περίγραμμα της πλοκής του έργου.

Υπήρχαν ιδιαίτερες απαιτήσεις για τους ηθοποιούς του μιούζικαλ - έπρεπε όχι μόνο να τραγουδούν καλά και να έχουν τέλεια λεξικό, αλλά και να είναι εξαιρετικά πλαστικοί. Στο Ηνωμένο Βασίλειο, δεν ήταν εύκολο να στρατολογηθεί ένας θίασος 20 ατόμων, έτσι η σύνθεση των ερμηνευτών περιελάμβανε την πρεμιέρα του Royal Ballet Wayne Sleep και του ποπ τραγουδιστή Paul Nicholas και της ηθοποιού Elaine Paige και της νεαρής τραγουδίστριας και χορεύτριας. Σάρα Μπράιτμαν.

Στο θέατρο «Γάτες», που δημιούργησε ο σχεδιαστής Τζον Νάπιερ, δεν υπάρχει αυλαία, η αίθουσα και η σκηνή είναι ένας ενιαίος χώρος και η δράση λαμβάνει χώρα όχι μετωπικά, αλλά σε όλο το βάθος. Η σκηνή είναι σχεδιασμένη ως χωματερή και είναι ένα βουνό με γραφικά σκουπίδια, το τοπίο είναι εξοπλισμένο με εξελιγμένα ηλεκτρονικά. Οι ηθοποιοί μεταμορφώνονται σε χαριτωμένες γάτες με πολυεπίπεδο μακιγιάζ, ζωγραφισμένα στο χέρι κορδόνια, περούκες γιακ μαλλιών, γούνινο γιακά, ουρές και αστραφτερούς γιακάδες.

Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στις 11 Μαΐου 1981 στο Λονδίνο και ένα χρόνο αργότερα το έργο άνοιξε στο Μπρόντγουεϊ. Μέχρι το κλείσιμό της στις 11 Μαΐου 2002, η παράσταση ήταν στο Λονδίνο με μεγάλη επιτυχία, κερδίζοντας τον τίτλο της μακροβιότερης θεατρικής παραγωγής στην ιστορία. αγγλικό θέατρο(πάνω από 6.400 παραστάσεις). Το μιούζικαλ «Cats» έσπασε κάθε πιθανό ρεκόρ στις Ηνωμένες Πολιτείες. Το 1997, μετά από 6.138 παραστάσεις, το μιούζικαλ αναγνωρίστηκε ως το νούμερο ένα μακροζωία στο Μπρόντγουεϊ. Πάνω από 8 εκατομμύρια άνθρωποι έχουν παρακολουθήσει την παραγωγή του Λονδίνου σε 21 χρόνια και οι δημιουργοί της έχουν κερδίσει 136 εκατομμύρια λίρες.

Κατά τη διάρκεια της ύπαρξής του, το μιούζικαλ ανέβηκε περισσότερες από σαράντα φορές, το επισκέφθηκαν περισσότεροι από 50 εκατομμύρια θεατές σε τριάντα χώρες, μεταφράστηκε σε 14 γλώσσες και το συνολικό ποσό των αμοιβών σε επί του παρόντοςξεπέρασε τα 2,2 δισεκατομμύρια δολάρια. Τα βραβεία των Cats περιλαμβάνουν το βραβείο Laurence Olivier και το βραβείο Evening Standard για το καλύτερο μιούζικαλ, επτά βραβεία Tony και το γαλλικό βραβείο Molière. Ηχογραφήσεις από το αρχικό καστ του Λονδίνου και του Μπρόντγουεϊ βραβεύτηκαν με Grammy.

9. The Phantom of the Opera (1986)

Η γέννηση του μιούζικαλ ξεκίνησε το 1984, όταν Βρετανός συνθέτηςΟ Andrew Lloyd Webber παντρεύτηκε τη νεαρή ηθοποιό και τραγουδίστρια Sarah Brightman. Βασισμένος στη φωνή της Σάρα, ο Λόιντ Γουέμπερ συνέθεσε το «Ρέκβιεμ», αλλά ήθελε να δείξει το ταλέντο της γυναίκας του σε ένα μεγαλύτερο έργο. Αυτό το έργο ήταν το μιούζικαλ «Το Φάντασμα της Όπερας», που δημιουργήθηκε με βάση το ομώνυμο μυθιστόρημα. Γάλλος συγγραφέαςΓκαστόν Λερού. Αυτή είναι μια σκοτεινή και ρομαντική ιστορία για ένα υπερφυσικό πλάσμα που ζούσε σε ένα μπουντρούμι κάτω από την Όπερα του Παρισιού.

Η Sarah Brightman έπαιξε το ρόλο του κύριου χαρακτήρα - Christina Daae. Σπίτι ανδρικό πάρτιερμηνεύεται από τον Michael Crawford. Τον ρόλο του εραστή της Χριστίνας, Ραούλ, έπαιξε ο Στιβ Μπάρτον στο καστ της πρεμιέρας. Το λιμπρέτο γράφτηκε από τους Richard Stilgoe και Andrew Lloyd-Webber, τους στίχους έγραψε ο Charles Hart. Η θεατρική καλλιτέχνις Maria Bjornson συνέλαβε τη διάσημη μάσκα Phantom και επέμεινε να κατέβει ο διαβόητος πολυέλαιος που έπεφτε πάνω στο κοινό και όχι στη σκηνή.

Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα στις 9 Οκτωβρίου 1986 στο Her Majesty's Theatre, παρουσία μελών της βασιλικής οικογένειας. Η πρώτη παραγωγή του Broadway του Ghost έκανε πρεμιέρα στο Majestic Theatre της Νέας Υόρκης τον Ιανουάριο του 1988. Έγινε το δεύτερο μακροβιότερο έργο στην ιστορία του Μπρόντγουεϊ, μετά το Cats, με 10,3 εκατομμύρια θεατές.

Πάνω από 65.000 παραστάσεις του The Phantom έχουν παιχτεί σε 18 χώρες, συμπεριλαμβανομένων της Ιαπωνίας, της Αυστρίας, του Καναδά, της Σουηδίας, της Γερμανίας και της Αυστραλίας. Οι παραγωγές του The Phantom of the Opera έχουν λάβει περισσότερα από 50 βραβεία κύρους, συμπεριλαμβανομένων τριών βραβείων Laurence Olivier και 7 Tony Awards, 7 Drama Desk Awards και του Evening Standard Award. Το Φάντασμα της Όπερας κέρδισε τη συμπάθεια περισσότερων από 58 εκατομμυρίων θεατών από όλο τον κόσμο. Σχεδόν 11 εκατομμύρια άνθρωποι το έχουν ήδη παρακολουθήσει μόνο στη Νέα Υόρκη και πάνω από 80 εκατομμύρια παγκοσμίως. Τα έσοδα από τις πωλήσεις εισιτηρίων για το Phantom of the Opera ξεπέρασαν τα 3,2 δισεκατομμύρια δολάρια.

10. "Mamma Mia" (Mamma Mia) (1999)

Η ιδέα της δημιουργίας ενός πρωτότυπου μιούζικαλ βασισμένου σε τραγούδια των ABBA ανήκει στην παραγωγό Judy Kramer. Η βάση του μιούζικαλ είναι 22 τραγούδια του γκρουπ. Αφού στο πρωτότυπο όλα τα τραγούδια ερμηνεύονταν από γυναίκες, όπως αφετηρίαπροσφέρθηκε μια ιστορία για μια μητέρα και μια κόρη, για δύο γενιές. Ήταν απαραίτητο να καταλήξουμε σε μια ιστορία αντάξια των διάσημων επιτυχιών του σουηδικού κουαρτέτου. Η συγγραφέας Katherine Johnson ήρθε στη διάσωση, γράφοντας μια ιστορία για μια οικογένεια που ζει στα ελληνικά νησιά. Η ιστορία δεν ενδιαφέρει λιγότερο τον θεατή από τα τραγούδια. Η Katherine μπόρεσε λογικά να χτίσει τα τραγούδια σε μια ενιαία ιστορία, τα τραγούδια χωρίζονται σε διαλόγους και χρωματίζονται με νέους τόνους. Η μουσική γράφτηκε από τους Benny Anderson και Bjorn Ulvaeus και τη σκηνοθεσία της Phyllida Lloyd.

Το «Mama Mia» είναι μια σύγχρονη, ειρωνική, ρομαντική κωμωδία στην οποία εμφανίζονται δύο βασικές γραμμές: μια ιστορία αγάπης και μια σχέση δύο γενεών. Η πλοκή της παράστασης είναι μια συνάφεια κωμικών καταστάσεων, που τονίζονται από την εύθυμη μουσική των ABBA, πρωτότυπα κοστούμια και πνευματώδεις διαλόγους των χαρακτήρων. Η ουσία του έργου εκφράζεται επίσης στο χαρακτηριστικό λογότυπο "Mama Mia" - την εικόνα μιας ευτυχισμένης νύφης. Αυτή η εικόνα έχει γίνει μια διεθνώς αναγνωρισμένη μάρκα.

Μια νεαρή κοπέλα η Σόφι πρόκειται να παντρευτεί. Θέλει να καλέσει τον πατέρα της στο γάμο για να την πάει στο βωμό. Δεν ξέρει όμως ποιος είναι, καθώς η μητέρα της Ντόνα δεν μίλησε ποτέ για αυτόν. Η Σόφι βρίσκει το ημερολόγιο της μητέρας της, στο οποίο περιγράφει σχέσεις με τρεις άντρες. Η Σοφία αποφασίζει να στείλει προσκλήσεις και στους τρεις. Όλα τα πιο ενδιαφέροντα πράγματα αρχίζουν να συμβαίνουν όταν φτάνουν καλεσμένοι για το γάμο... Η μαμά παντρεύεται την ίδια στιγμή με την κόρη της.

Η πρώτη δοκιμή του μιούζικαλ «Mama Mia» έγινε στις 23 Μαρτίου 1999, όταν έγινε μια προπρεμιέρα προβολή στο Λονδίνο. Τότε η αντίδραση του κοινού θα μπορούσε να περιγραφεί με μία λέξη - απόλαυση: οι άνθρωποι στην αίθουσα δεν κάθονταν στις θέσεις τους για ένα λεπτό - χόρευαν στους διαδρόμους, τραγούδησαν μαζί και χειροκροτούσαν. Η πρεμιέρα έγινε στις 6 Απριλίου 1999.

Μετά τη λονδρέζικη παραγωγή, το μιούζικαλ «Mamma Mia» ανεβαίνει παράλληλα σε 11 διαφορετικά μέρη σε όλο τον κόσμο. 11 παγκόσμιες παραγωγές κερδίζουν περισσότερα από 8 εκατομμύρια δολάρια την εβδομάδα. Πάνω από 27 εκατομμύρια - ο συνολικός αριθμός των θεατών σε όλο τον κόσμο που επισκέφτηκαν το μιούζικαλ "Mama Mia". Περισσότεροι από 20.000 άνθρωποι επισκέπτονται το μιούζικαλ Mama Mia καθημερινά σε όλο τον κόσμο.

Έσοδα 1,6 δισεκατομμυρίων δολαρίων παγκοσμίως από το Mama Mia.

Για οκτώ χρόνια μίσθωσης, το μιούζικαλ ανέβηκε σε περισσότερες από 130 μεγάλες πόλεις. Το άλμπουμ που ηχογράφησε την πρώτη παραγωγή του "Mama Mia" έγινε "πλατινένιο" στις ΗΠΑ, την Αυστραλία και την Κορέα. διπλή πλατίνα στο Ηνωμένο Βασίλειο και χρυσός στη Γερμανία, τη Σουηδία και τη Νέα Ζηλανδία.

Το πιο δημοφιλές μιούζικαλ

Το διάσημο μιούζικαλ "The Phantom of the Opera" του Andrew Lloyd Weber γράφτηκε, μεταξύ άλλων, για να δώσει στη σύζυγό του, τραγουδίστρια Sarah Brightman, μια ευκαιρία (ήταν αυτή που έγινε η πρώτη ερμηνεύτρια του κύριου γυναικείο ρόλο) για να επιδείξει την πλήρη κλίμακα του ταλέντου του. Λογοτεχνική βάση ήταν το «γοτθικό» αστυνομικό μυθιστόρημα «Το Φάντασμα της Όπερας» του Γκαστόν Λερού. Το μιούζικαλ έκανε πρεμιέρα το 1986 στο Βασιλικό Θέατρο του Λονδίνου και δύο χρόνια αργότερα το έργο ανέβηκε στο Μπρόντγουεϊ. Το Φάντασμα της Όπερας έγινε δεκτό με ενθουσιασμό: μόνο στη Νέα Υόρκη το παρακολούθησαν περισσότεροι από 11 εκατομμύρια άνθρωποι. Το μιούζικαλ ανέβηκε σε 18 χώρες του κόσμου, έλαβε περισσότερα από 50 βραβεία, 7 ταινίες έγιναν με βάση αυτό. Το τελευταίο από αυτά, που γυρίστηκε το 2004 από τον Joel Schumacher (με τον ίδιο τον Webber να ενεργεί ως παραγωγός), κέρδισε την αγάπη και την αναγνώριση τόσο των θεατών όσο και των κριτικών και έλαβε τρεις υποψηφιότητες για Όσκαρ.

Το Fiddler on the Roof έκανε πρεμιέρα στο Broadway το 1964. Βασισμένο στο μυθιστόρημα του Sholom Aleichem Tevye the Milkman, η χορογραφία του έργου έγινε από τον Jerome Robbins, το λιμπρέτο έγραψε ο Joseph Stein και τη μουσική έγραψε ο Jerry Bock. Το μιούζικαλ κέρδισε γρήγορα την αναγνώριση: η αρχική παραγωγή κέρδισε εννέα βραβεία Tony και δεν έφυγε από τη σκηνή για σχεδόν εννέα χρόνια, μετά από τα οποία συνεχίστηκε άλλες τρεις φορές. Το 1971, ο Νόρμαν Τζιούις γύρισε μια ταινία βασισμένη στο μιούζικαλ, η οποία κέρδισε τρία Όσκαρ και μια Χρυσή Σφαίρα.

Η βάση για το θρυλικό μιούζικαλ που δημιούργησε ο συνθέτης Φρέντερικ Λόουκαι ο λιμπρετίστας Alan Lerner, υπηρέτησε ως το δράμα του Bernard Shaw "Pygmallion". Η μουσική εκδοχή της ιστορίας για έναν καθηγητή φωνητικής που μετατρέπει ένα κορίτσι με λουλούδια του δρόμου σε «πραγματική κυρία» και την ερωτεύεται στην πορεία παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό το 1956 και σύντομα κέρδισε τρελή δημοτικότητα τόσο στο Μπρόντγουεϊ όσο και στο Λονδίνο. Το μιούζικαλ μεταφράστηκε σε 11 γλώσσες και το 1964 κυκλοφόρησε μια ταινία με πρωταγωνίστρια την Audrey Hepburn. Η κινηματογραφική εκδοχή γνώρισε επίσης απίστευτη επιτυχία, καθώς έλαβε 12 υποψηφιότητες για Όσκαρ - και κέρδισε οκτώ από αυτές.

Η μουσική για το καλτ μιούζικαλ γράφτηκε από τον Andrew Lloyd Webber και το λιμπρέτο από τον Tim Rice. Το «Jesus Christ Superstar» επινοήθηκε ως μια όπερα μεγάλου μήκους, όπου δεν υπάρχουν «ομιλούμενα» επεισόδια, παρά μόνο φωνητικά και ρετσιτάτι. Η ροκ όπερα κυκλοφόρησε ως ηχητικό άλμπουμ το 1970 και η ηχογράφηση έγινε αμέσως επιτυχία. Το 1971, το μιούζικαλ ανέβηκε στο Μπρόντγουεϊ, το 1972 - στο Λονδίνο, το 1973 - εμφανίστηκε μια κινηματογραφική εκδοχή, που γυρίστηκε από τον Norman Jewison και βραβεύτηκε με Όσκαρ καλύτερης μουσικής. Το «Jesus Christ Superstar» ανεβαίνει σε πολλές χώρες του κόσμου και θεωρείται ένα από τα σύμβολα της «γενιάς των χίπηδων».

Το παγκοσμίου φήμης μιούζικαλ γεννήθηκε από την αγάπη του διάσημου συνθέτη Andy Lloyd Webber για το Practical Cat Book του Old Possum, τον κύκλο παιδικών ποιημάτων του Eliot. Για πολλά χρόνια, ο Webber στο «παρασκήνιο» έγραφε μουσική σε αυτά τα ποιήματα - και ως αποτέλεσμα, το συσσωρευμένο υλικό μετατράπηκε σε μιούζικαλ. Η πρεμιέρα έγινε στο Λονδίνο το 1981 και ένα χρόνο αργότερα το «Cats» πήγε στο Μπρόντγουεϊ. Και έγιναν το πιο «μακροχρόνιο» μιούζικαλ στην ιστορία, χωρίς να φύγουν από τη σκηνή για 20 χρόνια (6400 παραστάσεις), ανέβηκαν σε 30 χώρες, έσπασαν όλα τα πιθανά ρεκόρ εισιτηρίων και συγκέντρωσαν μια εντυπωσιακή συλλογή από βραβεία θεάτρου και μουσικής.

Το 1924, ο δημοσιογράφος του Chicago Tribune Maurice Watkins δημοσίευσε μια σειρά άρθρων για γυναίκες που είχαν σκοτώσει τους συζύγους ή τους εραστές τους. Αργότερα, άφησε την εφημερίδα και μπήκε στη Νομική Σχολή - αλλά η ανάμνηση της διαφημιστικής εκστρατείας των εφημερίδων γύρω από αυτό το είδος εγκλήματος παρέμεινε μαζί της. Και μια φορά, ως εργασία μελέτης, έγραψε το έργο «Σικάγο». Το έργο πήγε στο Μπρόντγουεϊ, έγινε ακόμη και ταινία. Και πολλά χρόνια αργότερα, ο διάσημος σκηνοθέτης και χορογράφος του Μπρόντγουεϊ, Μπομπ Φος, μετέτρεψε το «Σικάγο» σε μιούζικαλ, τη μουσική του, στυλιζαρισμένη στα 20s, έγραψε ο Τζον Κάντερ. Η πρεμιέρα έγινε το 1975, το μιούζικαλ ανέβηκε στο Μπρόντγουεϊ και στο Λονδίνο αρκετές φορές και ταξίδεψε σε όλο τον κόσμο. Το 2002, κυκλοφόρησε η κινηματογραφική εκδοχή του μιούζικαλ με τη Ρενέ Ζελβέγκερ, την Κάθριν Ζέτα Τζόουνς και τον Ρίτσαρντ Γκιρ, η οποία έλαβε 6 Όσκαρ και μια Χρυσή Σφαίρα.

Βάση για το «Καμπαρέ». υπήρχαν οι ιστορίες του Christopher Isherwood για τη ζωή στη Γερμανία την προπολεμική δεκαετία, κατά τη διάρκεια της συγκρότησης του ναζισμού - και το έργο του John Van Druten "I Am a Camera" για την αγάπη μεταξύ ενός τραγουδιστή του καμπαρέ του Βερολίνου και ενός επίδοξου Αμερικανού συγγραφέα. Το μιούζικαλ, που ανέβηκε από τον διάσημο σκηνοθέτη Χάρολντ Πρινς, έκανε πρεμιέρα στο Μπρόντγουεϊ το 1966. Το λιμπρέτο έγραψε ο Joe Masteroff, τους στίχους ο Fred Ebb και τη μουσική ο John Canzer. Το έργο τιμήθηκε με οκτώ βραβεία Tony και έλαβε μόνιμη «εγγραφή» στο Broadway. Και το 1972, κυκλοφόρησε μια κινηματογραφική εκδοχή, σε σκηνοθεσία Μπομπ Φος με την λαμπρή Λίζα Μινέλι στον ομώνυμο ρόλο και έλαβε 8 Όσκαρ.