θέατρα του Λονδίνου. πρώτο θέατρο στο Λονδίνο Εθνικό Θέατρο του Ηνωμένου Βασιλείου περιοδεύοντας Άγγλοι ηθοποιοί έγιναν

Το Λονδίνο φημίζεται για τα μουσεία, τα ιστορικά κτίρια και τα εστιατόρια αιχμής. Όμως μόνο η θεατρική ζωή που κυριαρχεί στην πόλη τη διακρίνει από τις άλλες πόλεις. Αν ένα έργο είχε επιτυχία στο Λονδίνο, θα επαναλάβει την επιτυχία του και αλλού.

Η Νέα Υόρκη με το Μπρόντγουεϊ μπορεί να γίνει ο μοναδικός ανταγωνιστής του Λονδίνου, αλλά ακόμη και ο ίδιος δεν μπορεί να καυχηθεί για θεατρικά κτίρια που έχουν μακρά και πλούσια ιστορία. Το κεντρικό τμήμα της πόλης, οι συνοικίες West End, South Bank και Victoria εκπλήσσουν με μια ιδιαίτερη συγκέντρωση θεάτρων - από μικρά στούντιο για 100 θεατές μέχρι μεγάλους ναούς της Μελπομένης. Προσφέρουμε μια επισκόπηση των δέκα περισσότερων μεγάλα θέατραΛονδίνο.

Το Θέατρο Shaftesbury, που βρίσκεται κοντά στην οδό Holborn, είναι καταχωρισμένο ως βρετανικό κτήριο αρχιτεκτονικής και ιστορικής αξίας. Χάρη σε ένα μικρό ατύχημα που συνέβη με την οροφή του κτιρίου το 1973, το έδωσαν προσοχή. Από το 1968, το διάσημο μιούζικαλ "Hair" έχει προβληθεί στη σκηνή του 1998 φορές. Αργότερα έκλεισε η εκπομπή που προωθούσε το κίνημα των χίπις. Όταν το μιούζικαλ προβλήθηκε για πρώτη φορά από τη θεατρική σκηνή του Γουέστ Εντ, ο λογοκριτής του θεάτρου Λόρδος Κάμερον Φρομαντίλ «Κιμ», ο βαρόνος Κόμπολντ το απαγόρευσε. Οι παραγωγοί στράφηκαν στη Βουλή για βοήθεια και έδωσαν την άδεια εκδίδοντας νομοσχέδιο που ακύρωσε εντελώς την απαγόρευση του βαρώνου. Αυτό το πρωτοφανές γεγονός στην ιστορία του θεάτρου έδωσε τέλος στη θεατρική λογοκρισία στη Βρετανία - καθόλου άσχημα για ένα θέατρο χωρητικότητας 1.400 θεατών.

Μόλις λίγα τετράγωνα από το Shaftesbury βρίσκεται το Palace Theatre, το οποίο μπορεί επίσης να φιλοξενήσει 1.400 θεατές. Η ειδικότητά του είναι τα μιούζικαλ, όπως το Singing in the Rain ή το Spamalot. Το θέατρο άνοιξε το 1891 και έγινε γνωστό ως Βασιλική Αγγλική Όπερα υπό την αιγίδα του Richard d "Oyley Kart. Πρόσφατα, εκτός από όπερες, μιούζικαλ, ταινίες και άλλες παραστάσεις έχουν προβληθεί στη σκηνή. Κατά τη δεκαετία του 1960, το μιούζικαλ The Sound της Μουσικής ανέβηκε στο θέατρο 2385 φορές Το θέατρο καταχωρήθηκε ως κτίριο αρχιτεκτονικής και ιστορικής αξίας στη Βρετανία, μαζί με άλλα κτίρια της περιοχής.

Το Θέατρο Αδελφοί γιόρτασε πρόσφατα τα 200 χρόνια λειτουργίας του. Παρά το μικρό μέγεθος του κτιρίου, το θέατρο μπορεί να φιλοξενήσει 1.500 θεατές. Είναι γνωστός για παραγωγές όπως το "Chicago" και το "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat". Ένα κτήριο αρ ντεκό του 1930 δίπλα στο Strand Palace Hotel. Αυτό είναι το τέταρτο κτίριο σε ολόκληρη την ιστορία του θεάτρου από το 1809. Μια αναμνηστική πλακέτα στον τοίχο ενός κοντινού μπαρ κατηγορεί το θέατρο για τον θάνατο ενός ηθοποιού που κάποτε υποστηρίχθηκε από τη μεγάλη Terriss. Αλλά στην πραγματικότητα, ο πρίγκιπας Ρίτσαρντ Άρτσερ, ένας αποτυχημένος ηθοποιός που έχασε τη δημοτικότητα και την αξιοπρέπεια λόγω εθισμού στον αλκοολισμό, ομολόγησε την ενοχή του για τη δολοφονία του μέντορα του Τέρις σε κατάσταση παραφροσύνης και στάλθηκε για υποχρεωτική θεραπεία σε ψυχιατρείο, όπου οδήγησε το ορχήστρα των φυλακών μέχρι το θάνατό του. Λέγεται ότι το φάντασμα του αδικημένου Τέρις, που αναστατώνεται από την επιεική ποινή που επιβλήθηκε στον προστατευόμενο και δολοφόνο του, περιφέρεται ακόμα στο κτίριο του θεάτρου τη νύχτα.

Ορισμένες παραστάσεις παίζουν θέατρα στο West End του Λονδίνου εδώ και δεκαετίες, και το Victoria Palace προσφέρει συνεχώς φρέσκο ​​ρεπερτόριο, όπως το μιούζικαλ Billy Elliott. Αν και είναι στη σκηνή από το 2005, που είναι πολύ, σύμφωνα με τους τακτικούς τηλεθεατές. Το θέατρο έχει μια μακρά ιστορία που ξεκίνησε το 1832 όταν ήταν μόνο ένα μικρό Μέγαρο Μουσικής. Σήμερα, το κτίριο, που χτίστηκε το 1911, μπορεί να φιλοξενήσει 1.517 θεατές. Είναι εξοπλισμένο με αναδιπλούμενη οροφή, η οποία ανοίγει κατά τα διαλείμματα για αερισμό της αίθουσας. Υπήρχαν πολλές αξιομνημόνευτες παραστάσεις στη σκηνή του θεάτρου, αλλά το πιο αξιομνημόνευτο από αυτά ήταν το πατριωτικό έργο του 1934 Young England, το οποίο έλαβε πολλές αρνητικές κριτικές. Άντεξε μόλις σε 278 παραστάσεις.

Το Prince Edward Theatre βρίσκεται στην καρδιά της περιοχής Soho και μπορεί να φιλοξενήσει 1.618 άτομα. Πήρε το όνομά του από τον διάδοχο του θρόνου του βρετανικού στέμματος, Εδουάρδο Η', ενός βασιλιά που ήταν στο θρόνο για λίγους μόνο μήνες και τον εγκατέλειψε στο όνομα της αγάπης. Παραδοσιακά, η σκηνή είναι ρομαντικές εκπομπέςκαι παραστάσεις όπως «Show Boat», «Mamma Mia», «West Side Story», «Miss Saigon». Το θέατρο έχει μια μακρά ιστορία που ξεκίνησε το 1930 όταν ήταν απλώς ένας κινηματογράφος και μια αίθουσα χορού. Μόλις το 1978 άνοιξε το θέατρο, χρονικά να συμπέσει με τα εγκαίνιά του η πρεμιέρα του μιούζικαλ "Evita" για τον κόσμο διάσημη γυναίκασύζυγος του προέδρου της Αργεντινής. Το έργο πέρασε από 3.000 παραστάσεις και η ηθοποιός Elaine Paige, που υποδύθηκε την Evita, ξεκίνησε λαμπρά την καριέρα της στη θεατρική σκηνή και έγινε σταρ.

Παρά την ανακαίνιση του Tottenham Court Road του Λονδίνου για να παρέχει μια καλύτερη διασταύρωση, ένα πράγμα παραμένει το ίδιο - ένα γιγάντιο άγαλμα του Freddie Mercury με το χέρι του σηκωμένο ενώ τραγουδούσε το "We Will Rock You" μπροστά από το Dominion Theatre. Η παράσταση βρίσκεται στη σκηνή του θεάτρου από το 2002 και, παρά τις αρνητικές κριτικές από τους κριτικούς, σημείωσε επιτυχία στο κοινό. Το θέατρο, που χτίστηκε το 1929 στη θέση μιας παλιάς ζυθοποιίας του Λονδίνου, μπορεί να φιλοξενήσει 2.000 θεατές. Στο κτίριο στεγάζεται επίσης η Αυστραλιανή Κυριακάτικη Εκκλησία, η οποία χρησιμοποιεί τη σκηνή και τον φωτισμό του θεάτρου κατά τη διάρκεια των λειτουργιών.

Αυτό είναι ένα από τα μεγαλύτερα θέατρα του Λονδίνου. Οι κίονες που διακοσμούν την κύρια είσοδο χρονολογούνται από το 1834 και το ίδιο το κτίριο ανακατασκευάστηκε το 1904 σε στυλ ροκοκό. Σε όλη την ιστορία της ύπαρξής του, και ξεκινά το 1765, είχε τα πάντα εκτός από το θέατρο, για παράδειγμα, εδώ γίνονταν δείπνα για 50 χρόνια μυστική κοινωνίαμοσχαρίσια μπριζόλα. Το 1939 ήθελαν να κλείσουν το κτίριο, αλλά σε σχέση με την έναρξη της κατασκευής του δρόμου, σώθηκε. Για 14 χρόνια, ο Βασιλιάς των Λιονταριών παιζόταν στη σκηνή του θεάτρου και η δραματοποίηση της Disney φαίνεται να έχει εγκατασταθεί εδώ για πολύ καιρό και φέρνει καλές εισπράξεις.

Με χωρητικότητα 2.196 θεατών, το Βασιλικό Θέατρο, που θεωρείται το κορυφαίο θέατρο του Λονδίνου, δεν είναι για αυτόν τον λόγο. Από το 1663, υπάρχουν πολλά θέατρα σε αυτόν τον ιστότοπο και το ίδιο το Drury Lane θεωρείται θεατρικό. Όπως πολλά άλλα θέατρα, το Royal εργάστηκε υπό τη διεύθυνση του Andrew Lloyd Webber, του συγγραφέα των μιούζικαλ "Evita" και "Cats". Άλλες παραγωγές που έχουν παρουσιαστεί στη σκηνή είναι ο Όλιβερ, μια ομώνυμη μουσική ταινία, οι Παραγωγοί, ο Σρεκ και ο Τσάρλι και το Εργοστάσιο Σοκολάτας, που προβάλλεται ακόμα και σήμερα. Εκτός από τα μιούζικαλ και τους ηθοποιούς, το θέατρο είναι γνωστό για τα φαντάσματα του, όπως το φάντασμα ενός άνδρα ντυμένου με γκρι κοστούμι και καπέλο. Σύμφωνα με τον μύθο, σκοτώθηκε στο κτίριο του θεάτρου τον 18ο και 19ο αιώνα. Ένα άλλο φάντασμα ονομάζεται Joseph Grimaldi, ένας κλόουν που λέγεται ότι βοηθά νευρικούς ηθοποιούς στη σκηνή.

Το θέατρο Paladium του Λονδίνου είναι γνωστό όχι μόνο στο Λονδίνο, αλλά σε όλο τον κόσμο. Βρίσκεται λίγα βήματα από την Oxford Street. Έγινε δημοφιλής χάρη στη νυχτερινή εκπομπή «Sunday Night at the London Palladium», που προβλήθηκε από το 1955 έως το 1967. Εκατομμύρια θεατές γνώρισαν την περιστρεφόμενη σκηνή και σκηνικές δράσειςδιαφορετικό σχέδιο. Το 1966, οι ιδιοκτήτες του κτιρίου προσπάθησαν να το πουλήσουν για περαιτέρω ανακατασκευή, αλλά σώθηκε χάρη στους θεατρικούς επενδυτές και το γεγονός ότι εκτός από το θέατρο, το 1973 άνοιξε εκεί μια αίθουσα συναυλιών για παραστάσεις από το ροκ συγκρότημα «Slade ". Τα συνεχή γεμάτα σπίτια και οι ενεργές ενέργειες των θαυμαστών του συγκροτήματος παραλίγο να προκαλέσουν την κατάρρευση του μπαλκονιού στην αίθουσα. Το 2014 άνοιξε στην αίθουσα του θεάτρου το talent show «The X Factor: The Musical».

Εάν το θέατρο Apollo Victoria δεν είναι το πιο δημοφιλές στο Λονδίνο, τότε μπορεί να αναγνωριστεί με ασφάλεια ως το υψηλότερο. Βρίσκεται λίγα μέτρα από το Victoria Palace και μπορεί να φιλοξενήσει 2500 θεατές. Αρκετά θέατρα από την παρουσιαζόμενη κριτική βρίσκονται κοντά και δημιουργούν ένα είδος «θεατρικής χώρας». Το «Appollo Victoria» άνοιξε το 1930. Το κτίριο είναι σχεδιασμένο σε στιλ art deco με ναυτικό θέμα, με σιντριβάνια και κοχύλια ως διακόσμηση. Χρειάστηκαν 18 χρόνια για να σχεδιαστεί ο σιδηρόδρομος για το μιούζικαλ «Starlight Express», έτσι ώστε το τρένο, σύμφωνα με το σενάριο, να κινείται κατά μήκος της περιμέτρου του αμφιθέατρου. Ένα άλλο δημοφιλές μιούζικαλ που ανέβηκε στο θέατρο είναι το "Wicked". Το ταμείο από την πρεμιέρα ανήλθε στις 761.000 λίρες, και για 7 χρόνια τα έσοδα από την παράσταση υπολογίζονται στα 150 εκατομμύρια. Οι λάτρεις του κινηματογράφου ισχυρίζονται ότι το θέατρο θα πεθάνει στο εγγύς μέλλον, αλλά τα στατιστικά στοιχεία που σχετίζονται με τον αριθμό των θεατών σε κάθε μιούζικαλ, το ποσό των εισιτηρίων, υποδηλώνουν το αντίθετο. Η μυρωδιά του ρουζ και του λευκού, ο θόρυβος της αίθουσας δεν θα εξαφανιστεί ποτέ.
Ωστόσο, σύγχρονη αρχιτεκτονικήσε καμία περίπτωση δεν είναι κατώτερη από την ομορφιά και την κομψότητα ιστορικά κτίριαθέατρα.

αγγλικό θέατρο

Τον 19ο αιώνα, το θέατρο, όπως και όλες οι άλλες σφαίρες του αγγλικού πολιτισμού, έλαβε νέα ανάπτυξη. Ο πιο ταλαντούχος τραγικός ηθοποιός Έντμουντ Κιν (1787-1833) προσωποποίησε τη ρομαντική τάση στη θεατρική τέχνη.

Έντμουντ Κιν ( ρύζι. 58) γεννήθηκε σε οικογένεια ηθοποιών. Οι γονείς του πέθαναν όταν ήταν ακόμη παιδί. Αναγκασμένος να κερδίσει τα προς το ζην, ο νεαρός ταξίδεψε με έναν περιπλανώμενο θίασο σε αγγλικές πόλεις και χωριά. Αυτές οι περιπλανήσεις έγιναν ένα καλό σχολείο για τον νεαρό καλλιτέχνη, ο οποίος μέχρι την ηλικία των είκοσι ετών είχε επισκεφτεί πολλά μέρη της Αγγλίας. Όταν ρωτήθηκε για το τι χρειάζεται για να γίνεις σπουδαίος ηθοποιός, ο Keane, ήδη διάσημος, απάντησε: «Να ξέρεις πώς να πεινάς».

Ρύζι. 58. Κιν ως Σάιλοκ

Ταξιδεύοντας με ένα περιοδεύον θέατρο, ο Έντμουντ δοκίμασε τον εαυτό του σε διάφορους ρόλους και έργα διαφόρων ειδών.

Μεγαλωμένος στη φτώχεια, ο ηθοποιός περιφρονούσε τους αδρανείς αριστοκράτες και τους ηγεμόνες που νοιάζονταν ελάχιστα για τους δικούς τους ανθρώπους. Η πίστη της ζωής του νεαρού Κιν εκφράστηκε με τα λόγια: «Μισώ όλους τους άρχοντες, εκτός από τον Λόρδο Μπάιρον». Η υψηλή κοινωνία δεν μπορούσε να συγχωρήσει μια τέτοια στάση απέναντι στον εαυτό της και κυνηγούσε συνεχώς τον Keane, αποκαλώντας τον ηθοποιό του πλήθους.

Έχοντας γίνει διάσημος στην επαρχιακή σκηνή, το 1914 ο ηθοποιός έλαβε πρόσκληση να εμφανιστεί στο Λονδίνο στο Drury Lane Theatre, το οποίο περνούσε δύσκολες στιγμές εκείνα τα χρόνια. Το ντεμπούτο του στο θέατρο της πρωτεύουσας ήταν ο ρόλος του Σάιλοκ στον Έμπορο της Βενετίας του Σαίξπηρ. Η ηγεσία του Drury Lane, στηριζόμενη σε έναν επαρχιακό ηθοποιό, δεν απέτυχε: με την υπέροχη ερμηνεία του, ο Keane απλώς κατέκτησε το κακομαθημένο κοινό του Λονδίνου.

Ο Σαίξπηρ έγινε ο αγαπημένος θεατρικός συγγραφέας του Κιν. Ο ηθοποιός τον έλκυαν εκείνες οι ιδιότητες που διέθετε ο ίδιος: μια τραγική στάση, ένα αυξημένο αίσθημα αδικίας, απόρριψη ενός κόσμου όπου κάποιοι απολαμβάνουν μια άθλια ύπαρξη, ενώ άλλοι λούζονται στην πολυτέλεια.

Ήταν ο Σαίξπηρ που έφερε φήμη στον Έντμουντ. Ο ηθοποιός ενσάρκωσε τις εικόνες των Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Οι κριτικοί τον κάλεσαν υπέροχο παιχνίδιο καλύτερος σχολιασμός του έργου του διάσημου θεατρικού συγγραφέα και ο ποιητής Κόλριτζ υποστήριξε: «Το να βλέπεις το έργο του Κιν είναι σαν να διαβάζεις τον Σαίξπηρ αστραπιαία».

Η εικόνα του Σάιλοκ, που δημιούργησε ο Κιν στον Έμπορο της Βενετίας του Σαίξπηρ, έκανε τεράστια εντύπωση στο αγγλικό κοινό. Ο ήρωάς του συνδυάζει εκπληκτικά μια ειρωνική στάση απέναντι στους ανθρώπους γύρω του και ένα πικρό αίσθημα μοναξιάς, βαθιά λαχτάρα και μίσος που σπαρασσεύει την ψυχή, που κρύβονται πίσω από την εξωτερική ταπεινοφροσύνη. Το The Merchant of Venice, που ανέβηκε στο Drury Lane, έφερε τη χθεσινή επαρχιακή φήμη ως ο καλύτερος ηθοποιός στην Αγγλία.

Ο Keane θεωρούσε τους ρόλους του Άμλετ και του Οθέλλου ως τα σημαντικότερα έργα του. Ο πρίγκιπας του της Δανίας, λυπημένος και μελαγχολικός, καταλαβαίνει ότι είναι αδύνατο να πολεμήσει ενάντια στο κακό που βασιλεύει στον κόσμο. Ασυνήθιστα έμπιστος, ειλικρινής και αναπόσπαστος χαρακτήρας, ο Οθέλλος βάζει την αγάπη πάνω απ' όλα, και ως εκ τούτου ο θάνατός της σημαίνει για αυτόν την πλήρη κατάρρευση όλων των φιλοδοξιών του.

Μεγάλη επιτυχία για τον Keane έφερε ο ρόλος του τοκογλύφου Overrich στο έργο «A New Way to Pay Old Debts» του F. Messinger. Το κοινό, συνεπαρμένο από την ερμηνεία του ηθοποιού, δεν μπορούσε να συγκρατήσει τα δάκρυά του. Λέγεται ότι ο Βύρων, που παρακολούθησε την παράσταση, σοκαρίστηκε τόσο πολύ που λιποθύμησε.

Για να πετύχει την κατανόηση του θεατή, ο Keane εργάστηκε προσεκτικά και για μεγάλο χρονικό διάστημα σε κάθε ρόλο. Επεξεργάστηκε όλες τις κινήσεις και τις εκφράσεις του προσώπου μπροστά στον καθρέφτη, ξανά και ξανά επέστρεψε στα πιο δύσκολα επεισόδια, αλίευσε τις πιο μικρές λεπτομέρειες του ρόλου του. Ο αθλητισμός τον βοήθησε να επιτύχει εξαιρετική πλαστικότητα (ο Κέιν θεωρούνταν ένας από τους καλύτερους ξιφομάχους στην Αγγλία εκείνη την εποχή).

Το τελευταίο έργο του μεγάλου ηθοποιού ήταν ο ρόλος του Οθέλλου. Έχοντας πει τη φράση: «Το έργο του Οθέλλου τελείωσε», ο σαρανταεξάχρονος ηθοποιός έχασε τις αισθήσεις του και έπεσε. Τρεις εβδομάδες αργότερα έφυγε. Ο θάνατος του Keane τελείωσε ρομαντική σκηνοθεσίαστο αγγλικό θέατρο.

Ο γιος του Έντμουντ Κιν, Τσαρλς Κιν (1811-1868), που έπαιζε κυρίως σε μελοδράματα, ήταν επίσης ηθοποιός.

Η βικτωριανή εποχή έφερε τις δικές της αλλαγές στην πολιτιστική ζωή της Αγγλίας. Για τη λογοτεχνία, αυτά τα χρόνια ήταν η εποχή της διαμόρφωσης του κριτικού ρεαλισμού (Τζορτζ Έλιοτ, Γουίλιαμ Θάκερεϊ, Τσαρλς Ντίκενς).

Το όνομα του συγγραφέα Charles Dickens (1812-1870) συνδέεται με τη μετάβαση του αγγλικού θεάτρου από τον κλασικισμό στο σύγχρονο δράμα. Μελοδραματικά έργα γράφτηκαν για το θέατρο (Country Coquettes, 1836· The Lampmaker, που πρωτοδημοσιεύτηκε το 1879 κ.λπ.).

Μεγάλη επιτυχία στον Ντίκενς τον θεατρικό συγγραφέα έφερε η εκκεντρική κωμωδία The Strange Gentleman, που γράφτηκε βασισμένη σε μια από τις πλοκές του δοκιμίου Δοκίμια του Μποζ. Όλα τα έργα του Ντίκενς, εκτός από τον Φανοποιό, ανέβηκαν στο Θέατρο Σεντ Τζέιμς τη σεζόν 1836-1837. Εκτός από αυτά, ο συγγραφέας δημιούργησε μια δραματοποίηση του μυθιστορήματός του Μεγάλες Προσδοκίες, αλλά το έργο δεν ανέβηκε.

Τα έργα του Ντίκενς ήταν δημοφιλή όχι μόνο στην Αγγλία, αλλά και στο εξωτερικό. Οι πλοκές αρκετών από τα μυθιστορήματά του αποτελούν τη βάση για μια σειρά από όπερες.

Το 1951, ο συγγραφέας άνοιξε ένα ερασιτεχνικό θέατρο του οποίου το ρεπερτόριο αποτελούνταν από κλασικά και σύγχρονα έργα. Πολλοί νέοι Άγγλοι θεατρικοί συγγραφείς ξεκίνησαν τη δημιουργική τους καριέρα σε αυτό το θέατρο. Ο Ντίκενς, ο οποίος είχε εξαιρετικές υποκριτικές ικανότητες, έπαιξε στο θέατρό του τον ρόλο του Shallow στο The Merry Wives of Windsor. Ο συγγραφέας κέρδισε επίσης μεγάλη δημοτικότητα ως εξαιρετικός αναγνώστης που ερμήνευσε τα δικά του έργα από τη σκηνή.

Στην ίδια ηλικία με τον Ντίκενς, ο Άγγλος ποιητής και θεατρικός συγγραφέας Ρόμπερτ Μπράουνινγκ (1812-1889) άρχισε να εργάζεται για το θέατρο σε ηλικία είκοσι δύο ετών. Το πρώτο του θεατρικό έργο, Paracelsius, εκδόθηκε το 1835. Μετά ήρθαν τα ιστορικά δράματα Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842), που γράφτηκαν για το Covent Garden Theatre. Τους βασικούς ρόλους σε αυτές τις παραγωγές έπαιξε ο ηθοποιός W. Macready.

Το 1843, το Covent Garden ανέβασε το The Spot on the Coat of Arms του Browning. Και το 1853, ένα άλλο έργο αυτού του συγγραφέα, τα Γενέθλια του Κολόμβου, ανέβηκε στη σκηνή του.

Τα ρομαντικά έργα του Browning, όπως και τα ιστορικά του έργα, είναι στην παράδοση του ποιητικού δράματος των J. G. Byron και P. B. Shelley. Σε μια εποχή που το μελόδραμα κυριαρχούσε στην αγγλική σκηνή, ο Μπράουνινγκ προσπάθησε να επιστήσει την προσοχή του κοινού σε μια σοβαρή, ουσιαστική παράσταση. Παρεξηγημένος από τους σύγχρονους, ο συγγραφέας σταδιακά πέρασε από το σκηνικό δράμα στο είδος του λεγόμενου θεατρικού έργου για ανάγνωση.

Το έργο του Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), ενός Άγγλου συγγραφέα και θεατρικού συγγραφέα, ο οποίος ήταν επίσης διάσημος πολιτικός. Τα αγαπημένα του είδη ήταν τα μυθιστορήματα και τα δράματα ιστορικών θεμάτων. Ταυτόχρονα, μελοδραματικά μοτίβα και μέθοδοι εξωτερικής επιδείξεως στέρησαν από τα έργα του Bulwer-Lytton τον γνήσιο ιστορικισμό.

Τα δράματα The Beauty of Lyon (1838) και Richelieu (1839) έφεραν φήμη στον θεατρικό συγγραφέα. Πολιτικά περιζήτητα και ταυτόχρονα διασκεδαστικά, σκηνικά και γεμάτα δυναμική, αυτά τα έργα τράβηξαν αμέσως την προσοχή μεγάλων Άγγλων σκηνοθετών της εποχής. «Ρισελιέ» σε σκηνοθεσία Χένρι Ίρβινγκ για πολύ καιρόδεν έφυγε από τη σκηνή του θεάτρου της πρωτεύουσας «Λύκειο». Και στις δεκαετίες 1840 - 1860, το ρωσικό κοινό μπορούσε να δει το δράμα Bulwer-Litton (τους κύριους χαρακτήρες έπαιξαν οι ηθοποιοί V.V. Samoilov και N.K. Miloslavsky).

Ο Edward Bulwer-Lytton προσελκύθηκε όχι μόνο από τα ιστορικά έργα, αλλά και από κωμωδίες που γελοιοποιούσαν τα ήθη της βικτωριανής κοινωνίας - «Δεν είμαστε τόσο κακοί όσο φαινόμαστε» και «Money» (1840). Αν και ο θεατρικός συγγραφέας δεν εμβαθύνει στην κοινωνική κριτική, ο ρεαλισμός των έργων του τράβηξε την προσοχή του κοινού. Οι κωμωδίες Bulwer-Lytton ήταν στα ρεπερτόρια των αγγλικών θεάτρων για πολλά χρόνια.

Το ιστορικό μυθιστόρημα Rienzi του Bulwer-Lytton ενδιέφερε τον διάσημο Γερμανό συνθέτη Richard Wagner, ο οποίος βασίστηκε στην πλοκή του στην ομώνυμη όπερα, που παρουσιάστηκε στο κοινό το 1840.

Στα τέλη του 19ου αιώνα, ο διάσημος Άγγλος συγγραφέας, πεζογράφος και θεατρικός συγγραφέας George Bernard Shaw (1856-1950) ξεκίνησε τη δημιουργική του δραστηριότητα ( ρύζι. 59). Γεννήθηκε στο Δουβλίνο, στην οικογένεια ενός φτωχού υπαλλήλου. Σε ηλικία είκοσι ετών, ο Shaw μετακόμισε στο Λονδίνο, όπου έγινε ένας από τους ιδρυτές της Fabian Society. Εργασία στη μουσική και κριτικός θεάτρου, ο Μπέρναρντ έγραψε αρκετά σκοτεινά μυθιστορήματα. Το πρώτο του έργο, The Widower's House, εμφανίστηκε το 1892. Το έργο έθιξε σημαντικά κοινωνικά και ηθικά ζητήματα, ασκώντας δριμεία κριτική στους ιδιοκτήτες που νοικιάζουν κατοικίες στις φτωχογειτονιές. Ο θεατρικός συγγραφέας προέτρεψε τους αναγνώστες του να βελτιώσουν τον εαυτό τους και να αλλάξουν τον κόσμο γύρω τους. Το κοινό χαιρέτησε ψύχραιμα την παράσταση «Σπίτι του Χήρου», που ανέβηκε στο Ανεξάρτητο Θέατρο και μετά από δύο παραστάσεις απομακρύνθηκε από τη σκηνή.

Ρύζι. 59. Τζορτζ Μπέρναρντ Σο

Τα επόμενα έξι χρόνια, ο θεατρικός συγγραφέας έγραψε εννέα θεατρικά έργα (συμπεριλαμβανομένου ενός μονόπρακτου). Το θλιβερό δράμα «Heartbreaker» (1893), που μιλάει για έναν επικερδή γάμο που κατέληξε σε πλήρη κατάρρευση, δεν έγινε δεκτό για παραγωγή από κανένα από τα θέατρα της πρωτεύουσας. Το 1894 εμφανίστηκε το δράμα «Άνθρωπος και Όπλο», που αποκάλυπτε την απανθρωπιά και τη σκληρότητα του πολέμου. Το 1897 δημιουργήθηκε το έργο «Ο μαθητής του διαβόλου» και το 1898 εκδόθηκε η δίτομη συλλογή «Ευχάριστο και δυσάρεστο», που περιελάμβανε θεατρικά έργα από διάφορα χρόνια («Το επάγγελμα της κυρίας Γουόρεν», 1894· «Άνθρωπος και όπλο» , «Candida», 1897· «Ο εκλεκτός της μοίρας», 1897· «Wait and see», 1899, κ.λπ.). Το έργο «Το επάγγελμα της κυρίας Γουόρεν», που θίγει το θέμα της πορνείας, απαγορεύτηκε από τη λογοκρισία, αλλά αργότερα, όταν ωστόσο επιτράπηκε να ανέβει, δεν εγκατέλειψε τις σκηνές του θεάτρου παρά το 1902. Η Candida ήταν μια τεράστια επιτυχία στη Νέα Υόρκη το 1903. Και στην πατρίδα του, ο Shaw δεν απολάμβανε ακόμα καμία δημοτικότητα. Η πραγματική αναγνώριση του αγγλικού κοινού του ήρθε το 1904, όταν μαζί με τη σύζυγό του, καθώς και με τον ηθοποιό και σκηνοθέτη Harley Grenville-Barker, νοίκιασαν το κτίριο του Royal Court Theatre. Τα έργα του Shaw σκηνοθετήθηκαν από τους Grenville-Barker και John Vedrenn. Από τις 988 παραστάσεις που παίχτηκαν στη σκηνή της Βασιλικής Αυλής το 1904-1907, περισσότερες από επτακόσιες ανέβηκαν με βάση τα έργα του Shaw.

Ανάμεσα στα καλύτερα έργα του θεατρικού συγγραφέα είναι το έργο «Man and Superman» (1905) - μια φιλοσοφική κωμωδία που παρουσιάζει τον θεατή στάση του συγγραφέαθρησκεία, γάμος, οικογένεια. Εξέλιξη ανθρώπινη κοινωνίαφαίνεται μέσα από τις διαμάχες του Δον Ζουάν, που κατέληξε στον κάτω κόσμο, με τον διάβολο.

Το πιο διάσημο έργο του Shaw ήταν ο Πυγμαλίων (1913), μια αντιρομαντική κωμωδία που γράφτηκε ειδικά για τον ηθοποιό Πάτρικ Κάμπελ. Μετά τον θάνατο του θεατρικού συγγραφέα, ο Frederick Lowe και ο Alan Jay Lerner δημιούργησαν το μιούζικαλ My Fair Lady με βάση τα κίνητρά της.

Τα μεταγενέστερα έργα του Shaw περιλαμβάνουν The Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), το ιστορικό δράμα Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) και άλλα.

Η παράσταση, που έγινε η επιτομή της αγγλικής ευφυΐας, έχει δημιουργήσει περισσότερα από 50 έργα για το θέατρο. Όταν έφυγε από τη ζωή ο μεγάλος θεατρικός συγγραφέας, τα θέατρα σε πολλά μέρη του κόσμου έσβησαν τα φώτα τους σε πένθος.

Σημαντική συμβολή στην ανάπτυξη του αγγλικού θεάτρου είχε ο συγγραφέας Όσκαρ Ουάιλντ (1854-1900). Όπως και ο Shaw, γεννήθηκε στο Δουβλίνο, γιος ενός διάσημου χειρουργού. Σπούδασε στο Πανεπιστήμιο της Οξφόρδης. Τα πρώτα έργα του Ουάιλντ ήταν το ποίημα «Ραβέννα» (1878) και η συλλογή «Ποιήματα» (1881).

Η φήμη έφερε στον συγγραφέα τις λυρικές ιστορίες και τα παραμύθια του ("Star Boy" κ.λπ.), φιλοσοφικό μυθιστόρημα«The Picture of Dorian Grey». Για το θέατρο, ο Ουάιλντ δημιούργησε μια σειρά από έργα με κοινωνικά κριτικό προσανατολισμό (Lady Windermere's Fan, 1892· An Ideal Husband, 1895· The Importance of Being Earnest, 1899). Το έργο «Σαλώμη» γράφτηκε στα γαλλικά, εκδόθηκε στην Αγγλία το 1894, σε μετάφραση Άλφρεντ Ντάγκλας με εικονογράφηση του καλλιτέχνη Aubrey Beardsley. Αυτό το έργο αποτέλεσε τη βάση της διάσημης ομώνυμης όπερας του Richard Strauss (1904).

Στα τέλη του 19ου αιώνα, ο Άγγλος θεατρικός συγγραφέας Henry Arthur Jones (1851-1929) άρχισε να γράφει για το θέατρο. Προερχόμενος από φτωχή αγροτική οικογένεια, κέρδιζε το ψωμί του με την υποκριτική.

Μη κερδίζοντας φήμη ως ηθοποιός, ο Τζόουνς στράφηκε στη συγγραφή θεατρικών έργων, αλλά και τα πρώτα του έργα δεν έφεραν την επιθυμητή επιτυχία. Τα θέατρα αρνήθηκαν να πάρουν τα έργα του και μόνο το 1878, σε ένα από τα επαρχιακά θέατρα, το έργο του Τζόουνς «Είναι ακριβώς στη γωνία» έγινε δεκτό για παραγωγή.

Η πολυαναμενόμενη επιτυχία ήρθε στον θεατρικό συγγραφέα μετά την ανέβασμα του Silver King του στο Princess Theatre. Από τα περισσότερα σημαντικά έργαΟ Γιάννης μπορεί να ονομαστεί τα έργα «Άγιοι και αμαρτωλοί», «Η χορεύτρια», «Επαναστατική Σουζάνα», «Ο θρίαμβος των υπνωτών», «Ο Μάικλ και ο χαμένος άγγελός του», «Προστασία της κυρίας Ντέιν». Πολλά από τα δράματα του Τζόουνς καταγγέλλουν την αγιασμένη ηθική της βικτωριανής κοινωνίας (The Liars, 1897· The Lies, 1914), αν και η γοητεία με τις μελοδραματικές τεχνικές μειώνει κάπως τη σημασία τους. Όμως, παρόλα αυτά, μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι το έργο του Τζόουνς είχε αντίκτυπο στη διαμόρφωση μιας ρεαλιστικής τάσης στη θεατρική τέχνη της Αγγλίας στα τέλη του 19ου αιώνα. Ο Τζόουνς συνεργάστηκε με τον Μπέρναρντ Σο και ο τελευταίος εκτιμούσε ιδιαίτερα τα έργα του.

Η αγγλική σκηνική τέχνη του τέλους του 19ου αιώνα συνδέεται με το όνομα του ηθοποιού και επιχειρηματία Arthur Voucher (1863-1927). Το 1884, ο νεαρός ηθοποιός, που εκπαιδεύτηκε στο Eton και αργότερα στην Οξφόρδη, έγινε ένας από τους ιδρυτές της Δραματικής Εταιρείας του Πανεπιστημίου της Οξφόρδης. Στη σκηνή του έπαιξε σε έργα του Σαίξπηρ ("Ερρίκος Δ'", "Δωδέκατη νύχτα", "Οι εύθυμες σύζυγοι του Ουίνδσορ", "Ιούλιος Καίσαρ").

Το ντεμπούτο του κουπόνι ήταν ο ρόλος του Ζακ στην κωμωδία του Σαίξπηρ As You Like It, που παίχτηκε το 1889 στην επαγγελματική σκηνή στο Wolverhampton. Η παράσταση έφερε φήμη στον ηθοποιό και το 1889-1894 έπαιξε σε διάφορα αγγλικά και αμερικανικά θέατρα.

Το 1895-1896, ο Βάουτσερ ήταν επικεφαλής του Βασιλικού Θεάτρου και η σύζυγός του, Ε. Βανμπρού, ήταν πρωταγωνίστρια που έπαιζε τους κύριους ρόλους σε κωμωδίες και φάρσες. Μεταξύ 1900 και 1906, ο Voucher κατείχε τη θέση καλλιτεχνικός διευθυντής«Garrick tietra». Εκείνη την εποχή έπαιξε πολλούς ρόλους στα έργα των Σαίξπηρ (Σάιλοκ, Μάκβεθ), Α. Πινέρο, Τζ. Γκίλμπερτ, Γ. Α. Τζόουνς. Το 1910, ο ηθοποιός εντάχθηκε στον θίασο του Beerbom Tree (Hiz majestis tietr), όπου ενσάρκωσε τις εικόνες του Ερρίκου Η' και του Ιδρύματος στα έργα του Σαίξπηρ Ερρίκος Η' και Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας. Ένας πολύ ιδιοσυγκρασιακός και συναισθηματικός καλλιτέχνης, ο Voucher έπαιξε με ιδιαίτερη επιτυχία φωτεινούς, χαρακτηριστικούς ρόλους (ο John Silver στο "Treasure Island" βασισμένο στο μυθιστόρημα του R. L. Stevenson).

Στα τέλη του 19ου αιώνα, ο ηθοποιός και επιχειρηματίας Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) ξεκίνησε την καριέρα του στο θέατρο. Έκανε το ντεμπούτο του ως Φριτς στο έργο «Ο Γέρος Εβραίος» του Γρνάντι, που ανέβηκε το 1895 στο θέατρο Garrick. Την ίδια χρονιά εντάχθηκε στο θίασο των Beerbom Three και μαζί του πήγε σε περιοδεία στις Ηνωμένες Πολιτείες. Το 1899-1901 επισκέφτηκε ξανά την Αμερική, αυτή τη φορά μαζί με τον διάσημο Άγγλο ηθοποιό Πάτρικ Κάμπελ.

Το πιο σημαντικό σκηνικό έργο του ηθοποιού αυτή τη στιγμή ήταν ο ρόλος του Sandford Cleave στο The Famous Mrs. Ebbsmith και του Captain Ardale στο The Second Mrs. Tanqueray του Pinero. Το 1902, ο Du Maurier έγινε επιχειρηματίας στον θίασο του Ch. Froman (Duke of York Theatre), όπου δημιούργησε με μεγάλη επιτυχία τις εικόνες του Ernest Wooller (Delightful Crichton του J. Barry), του Hook and Darling (Peter Pan by the ο ίδιος συγγραφέας).

Κυρίως ο Du Maurier πέτυχε σε κωμικούς ρόλους. Η ικανότητα να συμπεριφέρεται φυσικά, ειλικρινά και απλά βοήθησε τον ηθοποιό να κερδίσει την αγάπη του κοινού. Τα καλύτερα έργα του ήταν οι εικόνες του Μοντγκόμερι Μπρούστερ στο ΜακΚάτσον Μπρούστερ'ς Εκατομμύρια και του Χιου Ντράμοντ στο Μπουλντόγκ Ντράμοντ, μια δραματοποίηση του μυθιστορήματος του ΜακΝιλ.

Την περίοδο από το 1910 έως το 1925, ο Du Maurier, μαζί με τον F. Curzon, ήταν επικεφαλής του Wyndhams Theatre και από το 1925 έως το 1929, μαζί με τον G. Miller, ηγήθηκαν του St. James Theatre. Η σκηνική παραγωγή του έργου του Λόνσντεϊλ Οι τελευταίες μέρες της κυρίας Τσένι (1925) έφερε μεγάλη επιτυχία στο θέατρο. Στο μέλλον, ο Du Maurier ανέβασε πολλές ακόμη παραστάσεις σε διάφορα θέατρα (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Morton's Alibi βασισμένο στο μυθιστόρημα του Christie, 1928, Prince of Wells "Doctorg tietr"; Owen, 1932, "Playhouse tietr", κ.λπ.).

Εξέχουσα προσωπικότητα του αγγλικού θεάτρου στα τέλη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα ήταν ο ηθοποιός, σκηνοθέτης και διάσημος δάσκαλος Frank Robert Benson (1858-1939). Από μικρός συμμετείχε ενεργά σε κάθε είδους ερασιτεχνικές παραστάσεις. Η πρώτη του επαγγελματική σκηνή ήταν το λονδρέζικο θέατρο «Lyceum», με επικεφαλής τον G. Irving. Ένα χρόνο αργότερα, ο νεαρός ηθοποιός άνοιξε το δικό του κινητό θέατρο, το οποίο έδινε παραστάσεις όχι μόνο στο Λονδίνο, αλλά και στο Στράτφορντ, καθώς και σε άλλες επαρχιακές πόλεις.

Ο αγαπημένος θεατρικός συγγραφέας του Μπένσον ήταν ο Σαίξπηρ. Μέσα σε λίγα μόλις χρόνια, ο σκηνοθέτης ανέβασε σχεδόν όλα τα έργα του μεγάλου θεατρικού συγγραφέα, με εξαίρεση τον Τίτο Ανδρόνικο και τον Τροίλο και την Κρεσίντα. Από το 1886 έως το 1919 η εταιρεία, με επικεφαλής τον Benson, έπαιξε στο Shakespeare Memorial Theatre στο Stratford-on-Avon. Στην πατρίδα του Σαίξπηρ, με τη συμμετοχή της, γίνονταν ετήσια φεστιβάλ θεατρικών έργων του Σαίξπηρ.

Ένας υπέροχος ηθοποιός και σκηνοθέτης, ο Benson ήταν επίσης ένας ταλαντούχος δάσκαλος που εκπαίδευσε πολλούς υπέροχους καλλιτέχνες. Η πένα του ανήκει στο έργο της υποκριτικής. Έγραψε ο Benson και ένα βιβλίο με απομνημονεύματα. Τα τελευταία χρόνια της ζωής του ασχολήθηκε με τον κινηματογράφο.

Ως ηθοποιός, ο διάσημος Άγγλος ηθοποιός, σκηνοθέτης και θεατρικός συγγραφέας Harley Grenville-Barker (1877-1946) ξεκίνησε τη θεατρική του καριέρα. Το 1891 εντάχθηκε στο θίασο του S. Thorne στο Marget. Την επόμενη χρονιά, ο Γκρένβιλ-Μπάρκερ εμφανιζόταν ήδη στο Θέατρο Κωμωδίας του Λονδίνου.

Από το 1904 έως το 1907, μαζί με τον θεατρικό συγγραφέα Bernard Shaw, ο Grenville-Barker διηύθυνε το Royal Court Theatre, μέρος του κινήματος του ελεύθερου θεάτρου, το οποίο εστίαζε στο σοβαρό ρεαλιστικό δράμα.

Ο Γκρένβιλ-Μπάρκερ, που προωθούσε τον σκηνικό ρεαλισμό, ονειρευόταν να ανοίξει ένα εθνικό θέατρο με μόνιμο ρεπερτόριο, αλλά, δυστυχώς, η προσπάθειά του να το δημιουργήσει δεν στέφθηκε με επιτυχία.

Ανάμεσα στα έργα του Γκρένβιλ-Μπάρκερ σημαντική θέση κατέχουν οι παραστάσεις βασισμένες στα έργα του Σαίξπηρ. Ο σκηνοθέτης εξέδωσε ένα έργο 5 τόμων «Πρόλογος στον Σαίξπηρ», στο οποίο ανέλυσε λεπτομερώς τα πιο δύσκολα έργα του Σαίξπηρ για σκηνική υλοποίηση και έδωσε πρακτικές συμβουλέςστην παραγωγή τους στο σύγχρονο θέατρο. Τα έργα του Grenville-Barker The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Inheritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen και άλλα ήταν ευρέως γνωστά.

Μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, η Αγγλία έλαβε μια σειρά από γερμανικές αποικίες και μέρος των εδαφών της Μέσης Ανατολής που ανήκαν στην Τουρκία. Η βρετανική οικονομία, υπονομευμένη από τον πόλεμο, άρχισε να αναζωογονείται, αλλά αυτό δεν κράτησε πολύ. Ήδη το 1921 άρχισε η πληθωριστική ανάπτυξη και η πτώση του βιοτικού επιπέδου του πληθυσμού.

Το 1924, η κυβέρνηση των Εργατικών ήρθε στην εξουσία, αλλά, παρά τις προσπάθειές της, η οικονομική και πολιτική κατάσταση στη χώρα δεν άλλαξε και οι Συντηρητικοί που αντικατέστησαν τους Εργατικούς επιδείνωσαν ακόμη περισσότερο την κατάσταση. Τον Μάιο του 1924 ξεκίνησε γενική απεργία στην Αγγλία. Τα εργοστάσια και τα εργοστάσια σταμάτησαν εντελώς, οι σιδηρόδρομοι και τα ορυχεία έπαψαν να λειτουργούν. Η κυβέρνηση κατάφερε να εκτονώσει την ένταση στη χώρα για κάποιο χρονικό διάστημα, αλλά ήδη το 1929 ξέσπασε μια σοβαρή οικονομική κρίση.

Η δεκαετία του 1930 ήταν επίσης ενοχλητική. Ο Χίτλερ ανέβηκε στην εξουσία στη Γερμανία και στην Αγγλία, με τη συνεννόηση του Μπάλντουιν και του Τσάμπερλεν, που τον αντικατέστησαν, ξεκίνησε τις δραστηριότητές της η Βρετανική Ένωση Φασιστών.

Όταν ξεκίνησε ο Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος, αποδείχθηκε ότι η Αγγλία ήταν εντελώς απροετοίμαστη γι 'αυτό. Μετά την ήττα στη Δουνκέρκη, το βρετανικό εκστρατευτικό σώμα εγκατέλειψε την ήπειρο. Έχοντας καταλάβει τη Γαλλία, οι Ναζί προετοιμάζονταν ήδη να ξεκινήσουν μια εισβολή στα βρετανικά νησιά, αλλά εμποδίστηκαν από τη μάχη για τη Βρετανία, που κέρδισαν τα βρετανικά αεροσκάφη και στη συνέχεια άρχισαν οι εχθροπραξίες κατά της ΕΣΣΔ.

Στις 26 Μαΐου 1942, η Αγγλία και η ΕΣΣΔ υπέγραψαν συμφωνία για στρατιωτική συμμαχία και συνεργασία σε καιρό ειρήνης, αλλά για κάποιο διάστημα ο Τσόρτσιλ καθυστέρησε το άνοιγμα ενός δεύτερου μετώπου. Στο τέλος του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, η πολιτική των Συντηρητικών τελικά απογοήτευσε τον λαό και στις εκλογές του 1945 το Εργατικό Κόμμα κέρδισε μια συντριπτική νίκη.

Η κοινωνική κατάσταση στη χώρα δεν θα μπορούσε να μην αποτυπωθεί στο αγγλικό δράμα του πρώτου μισού του 20ού αιώνα. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, διάσημοι συγγραφείς όπως ο Somerset Maugham και ο John Boynton Priestley εργάστηκαν στη χώρα.

Ρύζι. 60. Somerset Maugham

Ο Άγγλος συγγραφέας William Somerset Maugham (1874-1965) ( ρύζι. 60) γεννήθηκε στο Παρίσι, στην οικογένεια του νομικού συμβούλου της αγγλικής πρεσβείας. Σε ηλικία δέκα ετών έμεινε χωρίς γονείς και μεγάλωσε στην Αγγλία από συγγενείς. Έχοντας αρρωστήσει από φυματίωση, ο Maugham εγκαταστάθηκε στη νότια Γαλλία και στη συνέχεια μετακόμισε στη Γερμανία, όπου έγινε εθελοντής στο Πανεπιστήμιο της Χαϊδελβέργης. Στα γερμανικά μελλοντικός συγγραφέαςέγινε κοντά στον Ίψεν

και ο Βάγκνερ. Ήταν τα έργα του Ibsen που ξύπνησαν στον Maugham την επιθυμία να γίνει θεατρικός συγγραφέας.

Επιστρέφοντας στην Αγγλία, ο Maugham άρχισε να σπουδάζει σε μια ιατρική σχολή. Για τρία χρόνια εργάστηκε ως παραϊατρικός σε ένα ασθενοφόρο, το οποίο του έδωσε γνώση της ζωής των απλών ανθρώπων (στο πλαίσιο του επαγγέλματός του, ο Σόμερσετ επισκεπτόταν τις πιο φτωχές συνοικίες του Λονδίνου). Το μυθιστόρημά του Lisa of Lambeth, που γράφτηκε το 1897, μιλάει για τις φτωχογειτονιές του Λονδίνου. Έφερε στον νεαρό συγγραφέα την πρώτη φήμη. Στη συνέχεια, ο Maugham δημιούργησε μια σειρά από μυθιστορήματα που δίνουν ένα ευρύ πανόραμα της ζωής της αγγλικής κοινωνίας (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Το θέατρο πάντα προσέλκυε τον Maugham, αλλά δεν ήταν εύκολο να πετύχεις σε αυτόν τον τομέα. Η επιθυμία για μια ρεαλιστική αντανάκλαση της πραγματικότητας μερικές φορές τρόμαζε τους επιχειρηματίες μακριά από τον συγγραφέα. Δεν συνέβαλε στη δημοτικότητα του συγγραφέα στην εμπορική τέχνη και την παραγωγή του θεατρικού του έργου "Άνθρωπος της τιμής" (1903).

Τελικά, το 1907, ο Maugham κατάφερε να ανεβάσει την κωμωδία Lady Frederick, η οποία έγινε δεκτή με ενθουσιασμό από το κοινό. Μετά από αυτό, τα θέατρα του Λονδίνου άνοιξαν τις πόρτες τους στον θεατρικό συγγραφέα και την ίδια χρονιά, το 1907, εμφανίστηκαν άλλες τρεις παραστάσεις βασισμένες στα έργα του.

Ο θεατρικός συγγραφέας δημιούργησε ένα είδος θεατρικού έργου που ονόμασε «έξυπνο». Η σύγχρονη πραγματικότητα του έργου του παρουσιάζεται μέσα από μια σύγκρουση χαρακτήρων και η δράση συχνά διακόπτεται ώστε οι χαρακτήρες να συζητήσουν την κατάσταση. Κατά τη δημιουργία των έργων του, ο Maugham χρησιμοποιεί συχνά τις τεχνικές που χαρακτηρίζουν τα έργα του Shaw και του Ibsen, αλλά τις περισσότερες φορές στρέφεται στην αγγλική κωμωδία της εποχής της αποκατάστασης. Είναι από τη δραματουργία του δεύτερου το μισό του XVI- η αρχή του XVIII αιώνα είναι η τέχνη του χαρακτήρα και της ίντριγκας, που υπάρχει στα έργα του Maugham. Σε πολλά έργα του υπάρχει ενδιαφέρον και για τις παραδόσεις του γαλλικού θεάτρου.

Τα πρώτα έργα του Μομ «Lady Frederick», «Mrs. Dot», «Jack Straw», που ανέβηκαν στις αίθουσες του Λονδίνου το 1907, γράφτηκαν σε στυλ κωμωδίας σαλονιού. Στο μέλλον, ο θεατρικός συγγραφέας απομακρύνθηκε από την ελαφριά σάτιρα και στράφηκε σε σοβαρά ρεαλιστικά δράματα για «ανθρώπους που ξέρουν τα πάντα». Το 1913 εμφανίστηκε η Γη της Επαγγελίας, λέγοντας για τη μοίρα του φτωχού κοριτσιού Νόρα. Μεγαλωμένη σε ένα αστικό αγγλικό περιβάλλον, καταλήγει στον Καναδά, στον αγρότη αδερφό της. Ανίκανη για δουλειά και προσπαθώντας να φερθεί σαν κυρία, εξοργίζει τη γυναίκα του αδερφού της. Όμως, έχοντας γίνει σύζυγος ενός γειτονικού αγρότη, η Νόρα αλλάζει σταδιακά και, όταν της δίνεται η ευκαιρία να επιστρέψει στην προηγούμενη ζωή της στο Λονδίνο, αρνείται, συνειδητοποιώντας ότι δεν θα μπορεί πλέον να ζει ανάμεσα σε αδρανείς και άχρηστους ανθρώπους.

Θέμα μεταπολεμικά Αγγλική ζωήαφιερώνεται το έργο Η Εστία και η Όμορφη Σύζυγος (1919). Ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος τελείωσε και ο ταγματάρχης επέστρεψε στο σπίτι, τον οποίο όλοι θεωρούν νεκρό. Η σύζυγός του Βικτώρια παντρεύτηκε τον φίλο του, επίσης ταγματάρχη. Οι φίλοι διαγωνίζονται στην αρχοντιά, δίνοντας ο ένας στον άλλο το δικαίωμα να μείνει με την όμορφη Βικτώρια, αλλά εκείνη χωρίζει και τις δύο και γίνεται σύζυγος ενός κερδοσκόπου που έκανε μια περιουσία με στρατιωτικές προμήθειες. Αυτό το κουπόνι που ξέφυγε μπροστά οδηγεί μια Cadillac και έχει την ευκαιρία να πάρει οποιοδήποτε φαγητό. Και τα δυο πρώην σύζυγοςΗ απαράμιλλη Βικτώρια ισχυρίζεται ότι πάντα μάντευαν για την κακία και την απληστία της. Αυτή είναι η εστία για την οποία πολέμησαν οι Βρετανοί στον πόλεμο.

Το θέμα του γάμου στην αστική κοινωνία συνεχίζεται από το διάσημο θεατρικό έργο του Maugham The Circle (1919). Η Ελισάβετ, σύζυγος ενός νεαρού πολιτικού, είναι απογοητευμένη από τον σύζυγό της και θαυμάζει τη μητέρα του, την οποία δεν έχει ξαναδεί: στα νιάτα της, έφυγε από τον άντρα της με τον φίλο του, τον Λόρδο Πρωτέα, που ήταν υποψήφιος για πρωθυπουργός. Αλλά μετά από μια τέτοια πράξη, η είσοδος στην κοινωνία έκλεισε στους εραστές και μόνο η Ελισάβετ τους προσκάλεσε κρυφά στη θέση της. Ποια ήταν η απογοήτευσή της όταν, αντί για ένα ρομαντικό ζευγάρι, είδε μια αναζωογονητική ηλικιωμένη γυναίκα και έναν κακότροπο, κακό γέρο. Πολλά έγιναν ξεκάθαρα στη νεαρή γυναίκα, αλλά δεν εγκατέλειψε τον έρωτά της και άφησε το σπίτι ενός ευκατάστατου συζύγου για να πάει με έναν νεαρό αξιωματούχο της αποικίας στη μακρινή Μαλάγια.

Μεταξύ 1928 και 1933, εμφανίστηκαν τέσσερα ακόμη έργα του Maugham: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) και Sheppey (1933). Ο επαρχιώτης δικηγόρος στο δράμα «For Military Merit» πιστεύει ότι η δικαιοσύνη και η ευημερία βασιλεύουν στην κοινωνία, αν και η ίδια του η οικογένεια πεθαίνει υπό την πίεση των συνθηκών.

Ο γιος Σίδνεϊ επέστρεψε στο σπίτι από τον πόλεμο τυφλός και μια από τις αδερφές τον φροντίζει, αν και τη βαραίνει και τη βασανίζει. Ονειρεύεται να ενώσει τη μοίρα της με έναν άντρα που επίσης πρόσφατα επέστρεψε από το μέτωπο, αλλά ο αρραβωνιαστικός της, μη μπορώντας να βρεθεί σε αυτή την κοινωνία, αυτοκτονεί και η άτυχη κοπέλα χάνει το μυαλό της. Η αδερφή της γίνεται σύζυγος ενός αποστρατευμένου αξιωματικού - ενός αλαζονικού και κακομαθημένου ανθρώπου. Τραγική είναι και η μοίρα της τρίτης κόρης. Προσπαθώντας να ξεφύγει από μια ζοφερή κατάσταση, τρέχει μακριά από το σπίτι με έναν πλούσιο κερδοσκόπο που έχει κάνει την περιουσία του σε βρώμικες συναλλαγές. Ο πόλεμος έσπασε τη μοίρα όλων των μελών της οικογένειας. Τα λόγια του Σίντνεϊ είναι γεμάτα πικρία: «Ξέρω ότι όλοι ήμασταν μαριονέτες στα χέρια μέτριων ανόητων που κυβέρνησαν τις χώρες μας. Ξέρω ότι όλοι έχουμε θυσιαστεί στη ματαιοδοξία, την απληστία και τη βλακεία τους. Και το χειρότερο είναι ότι, από όσο καταλαβαίνω, δεν έχουν μάθει τίποτα».

Θλιβερή η ιστορία του πρωταγωνιστή από το δράμα «Sheppy». Ο Sheppey, ένας μεσήλικας κομμωτής, έγινε ο περήφανος ιδιοκτήτης μιας μεγάλης νίκης.

Ονειρεύεται να βοηθήσει όσους έχουν ανάγκη, αλλά η κόρη του και ο αρραβωνιαστικός της πιστεύουν ότι αυτά τα χρήματα θα τους βοηθήσουν να μπουν στη μεγάλη πολιτική και θα αναζητήσουν την αναγνώριση του Sheppey ως τρελού.

Η μη εμπορική καλλιτεχνική παραγωγή του Sheppey απέτυχε και ο Maugham αποφάσισε να εγκαταλείψει τη συγγραφή θεατρικών έργων και να μην επιστρέψει ποτέ στη δουλειά για το θέατρο.

Ρύζι. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( ρύζι. 61) γεννήθηκε στην πόλη Bradford (Yorkshire), στην οικογένεια ενός δασκάλου. Το 1914 έγινε φοιτητής στο Πανεπιστήμιο του Κέιμπριτζ, αλλά με το ξέσπασμα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, πήγε εθελοντής στο μέτωπο. Ο Priestley ολοκλήρωσε τις σπουδές του στο Πανεπιστήμιο μετά το τέλος του πολέμου. Σύντομα απέκτησε φήμη ως συγγραφέας δοκιμίων, καθώς και ως λογοτεχνικός μελετητής και κριτικός. Γραμμένο το 1929, το μυθιστόρημα The Good Companions, εισάγοντας τον αναγνώστη στη ζωή των πλανόδιων ηθοποιών, έφερε στον Priestley μεγάλη επιτυχία. Η πρώτη και ασυνήθιστα επιτυχημένη εμπειρία του συγγραφέα στο δράμα ήταν το έργο "Επικίνδυνη στροφή", που ανέβηκε το 1932.

Ακριβώς όπως ο Maugham, ο Priestley ήταν σε θέση να μεταφέρει με ακρίβεια τους ανθρώπινους τύπους και να δημιουργήσει ίντριγκα. Ταυτόχρονα, τα έργα του είναι πιο προβληματικά από τα έργα των Maugham και Shaw.

Στο «A Dangerous Turn», ο Priestley, όπως και ο Maugham, αποκαλύπτει τι κρύβεται πίσω από την εξωτερική ευημερία της ζωής. Αυτό που εμφανίζεται πίσω από τα στρώματα του ψέματος και της εξαπάτησης είναι πραγματικά τρομερό. Ο θεατρικός συγγραφέας χτίζει έργα με βάση την αρχή του «ντετέκτιβ κλειστού δωματίου». Έχει διαπραχθεί ένας φόνος σε στενό κύκλο στενών γνωστών, όλοι είναι υπό υποψίες, και ταυτόχρονα γίνονται όλοι ερασιτέχνες ντετέκτιβ.

Σταδιακά, μια αλυσίδα αποκαλύψεων ξετυλίγεται, που ξεκίνησε από κατά λάθος λόγια σε ένα πάρτι στον εκδότη Robert Kaplan, ο οποίος μαθαίνει ότι ο αγαπημένος του αδελφός Martin ήταν σεξουαλικός μανιακός και δεν αυτοκτόνησε, όπως πιστεύεται επίσημα, αλλά σκοτώθηκε από μια γυναίκα. . Στο θάνατό του ενεπλάκησαν σχεδόν όλοι οι συγγενείς του. Όταν έμαθε την τρομερή αλήθεια, ο Ρόμπερτ αυτοκτόνησε. Αλλά αυτό είναι μόνο μια υποθετική εκδοχή των γεγονότων. Το σκοτάδι που ακολουθεί διαλύεται και η ατμόσφαιρα της πρώτης πράξης εμφανίζεται ξανά μπροστά στα μάτια του θεατή. Οι χαρακτήρες συνεχίζουν την ίδια συνομιλία και η φράση που χρησίμευσε ως αρχή της έκθεσης δεν αναπτύσσεται. «Επικίνδυνη στροφή» πέρασε με ασφάλεια, το πάρτι συνεχίζεται. Το τι κρύβεται όμως στην πραγματικότητα πίσω από την ήρεμη πορεία της ζωής είναι ήδη γνωστό στον θεατή.

Το 1937 εμφανίστηκε το θεατρικό έργο του Priestley Time and the Conway Family, στο οποίο ο συγγραφέας χρησιμοποιεί την τεχνική της αλλαγής των γεγονότων. Η δράση ξεκινά το 1919 με οικογενειακές διακοπές. Μια φιλική και πλούσια οικογένεια γιορτάζει τα γενέθλια της Κέιτ. Το κορίτσι είναι είκοσι ενός ετών, είναι γεμάτη ελπίδα για ένα ευτυχισμένο μέλλον και ονειρεύεται να γίνει συγγραφέας.

Η δεύτερη πράξη αναφέρεται στο 1937. Οι χαρακτήρες είναι ίδιοι, αλλά είναι όλοι δυστυχισμένοι. Ένα πάρτι που έγινε πριν από πολλά χρόνια ήταν ένα γεγονός που έστρεψε τη ζωή της οικογένειας προς την κατεύθυνση που οδήγησε όλα τα μέλη της σε ένα θλιβερό αποτέλεσμα.

Η τρίτη πράξη αναφέρεται και πάλι στο 1919, αλλά τώρα στον θεατή, που έμαθε τι συνέβη πολλά χρόνια αργότερα, το οικογενειακό πάρτι δεν φαίνεται χαρούμενο και χαρούμενο.

Ο Priestley αναφέρθηκε επίσης στο κίνητρο του χρόνου στα περαιτέρω θεατρικά του έργα: «I was here before» (1937), «Music at night» (1938), «Johnson after the Jordan» (1939). Για να κάνει τα χαρακτηριστικά των χαρακτήρων του βαθύτερα, ο συγγραφέας τους τοποθετεί σε ένα ασυνήθιστο περιβάλλον, που αποκαλύπτει ό,τι προηγουμένως κρυβόταν όχι μόνο από τους άλλους, αλλά και από τους ίδιους.

Σε μια σειρά από έργα, ο Priestley χρησιμοποιεί τολμηρά πειράματα. Έτσι, στο δράμα «From Paradise Times» (1939), που διαδραματίστηκε στις σκηνές των θεάτρων σε πολλές ευρωπαϊκές χώρες, οι ηθοποιοί μπαίνουν στον χαρακτήρα ακριβώς μπροστά στα μάτια του κοινού και αλλάζουν ακόμη και ρόλους.

Ο Άγγλος θεατρικός συγγραφέας εκτιμούσε ιδιαίτερα το έργο του Τσέχοφ. Η επιρροή του είναι πιο εμφανής στο έργο «Eden End» (1934). Το Eden End, που θυμίζει τον Βυσσινόκηπο του Τσέχοφ, αφηγείται την ιστορία μιας γυναίκας που έφυγε από το σπίτι των γονιών της πριν από πολλά χρόνια για να γίνει ηθοποιός. Τώρα επέστρεψε στο ήσυχο και άνετο σπίτι του πατέρα της, ονειρευόμενη να νιώσει ξανά ευτυχισμένη. Όμως το παρελθόν δεν μπορεί να επιστραφεί και οι χαρακτήρες του έργου, όσο κι αν το ήθελαν, δεν μπορούν να ξεκινήσουν μια νέα ζωή.

Η κωμωδία κατέχει σημαντική θέση στη δραματουργία του Priestley. Σε αυτό το είδος, ο συγγραφέας δημιούργησε μια σειρά από ασυνήθιστα πνευματώδη έργα που ασκούν κριτική στη ζωή της κοινωνίας. Οι κωμωδίες του ήταν εξαιρετικά δημοφιλείς στις ευρωπαϊκές χώρες, αλλά δεν έφεραν μεγάλη επιτυχία στον θεατρικό συγγραφέα στην πατρίδα του.

Η κωμωδία The Rocket Grove (1933) ήταν ευρέως γνωστή. Ένας ασυνήθιστος και σεμνός ιδιοκτήτης μιας μικρής αποθήκης χαρτικών ομολογεί ξαφνικά στην οικογένειά του ότι στην πραγματικότητα ηγείται μιας συμμορίας πλαστογράφων. Οι συγγενείς, έχοντας ακούσει για αυτό, του δείχνουν κάθε σεβασμό, αν και προηγουμένως τον αντιμετώπιζαν με περιφρόνηση. Όλοι πιστεύουν ότι δεν είναι χειρότερος από τους μεγάλους οικονομικούς μεγιστάνες που τον χρεοκόπησαν στη διάρκεια της οικονομικής κρίσης και τον μετέτρεψαν σε εγκληματία.

Ορισμένες κωμωδίες μαρτυρούν το ενδιαφέρον του Priestley για τη ζωή εκπροσώπων ορισμένων επαγγελμάτων (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

Το έργο «Μέλισσες σε πλοίο» (1936) ξεχωρίζει κάπως, το οποίο ο ίδιος ο συγγραφέας ονόμασε «φαρσική τραγωδία σε δύο πράξεις» και «πολιτική σάτιρα σε μορφή φάρσας». Το πλήρωμα, εγκαταλελειμμένο σε ένα υπερωκεάνιο που εγκατέλειψαν οι ιδιοκτήτες του στην τύχη του κατά τη διάρκεια της οικονομικής κρίσης, προσπαθεί να σώσει το πλοίο του από κάθε είδους απόπειρες δολοφονίας. Στην τελική, το πλοίο πεθαίνει από έκρηξη που οργάνωσε η εταιρεία - ιδιοκτήτης του πλοίου.

Το δράμα-ουτοπία του Priestley «They Came to the City» (1943), εμπνευσμένο από το ουτοπικό μυθιστόρημα, είναι επίσης ασυνήθιστο. Άγγλος καλλιτέχνηςκαι τα Νέα από το πουθενά, ή η εποχή της ευτυχίας του συγγραφέα William Morris (1891). Οι ήρωες του έργου του Priestley ζουν σε μια πόλη που δεν υπάρχει ιδιωτική περιουσία, είναι χαρούμενοι και ευδιάθετοι. Χρησιμοποιώντας την τεχνική της «μετατόπισης στο χρόνο», ο συγγραφέας εισάγει στο έργο χαρακτήρες από διαφορετικά στρώματα της σύγχρονης αγγλικής κοινωνίας, που αντιλαμβάνονταν διαφορετικά την ασυνήθιστη πόλη και τους κατοίκους της.

Δύο ακόμη έργα του Priestley έγιναν δεκτά με μεγάλο ενδιαφέρον: The Inspector Came (1945) και The Linden Family (1947).

Στο πρώτο έργο, ο θεατρικός συγγραφέας χρησιμοποιεί ξανά την αγαπημένη του τεχνική της «μετατόπισης στο χρόνο». Η οικογένεια του βιομήχανου Berling πρόκειται να γιορτάσει τον αρραβώνα της κόρης τους. Ξαφνικά, ένας αστυνομικός επιθεωρητής εμφανίζεται στο σπίτι, ο οποίος ερευνά την αυτοκτονία μιας κοπέλας που ονομάζεται Eva Smith. Αποδεικνύεται ότι όλα τα μέλη της οικογένειας είναι ένοχα για τον θάνατό της. Ο Μπέρλινγκ την απέλυσε από την επιχείρησή του, η κόρη του φρόντισε να διώξουν την Εύα από το κατάστημα και ο αρραβωνιαστικός της παρέσυρε και άφησε τον άτυχο. Επιπροσθέτως, η σύζυγος του Burling, η οποία είχε επιρροή στη φιλανθρωπική οργάνωση, φρόντισε να αρνηθεί τη βοήθεια στο κορίτσι.

Έχοντας μάθει τα πάντα, ο επιθεωρητής φεύγει και η οικογένεια Berling, έκπληκτη που οι πράξεις τους αναφέρονται στο ίδιο κορίτσι, αρχίζουν να καλούν το νοσοκομείο και την αστυνομία. Μαθαίνουν ότι δεν υπήρξαν περιπτώσεις αυτοκτονίας και ο επιθεωρητής με αυτό το όνομα δεν εργάζεται στην αστυνομία. Οι Berlings ηρέμησαν, αλλά, όπως αποδείχθηκε, πολύ νωρίς. Ξαφνικά χτύπησε το τηλέφωνο και ο αρχηγός της οικογένειας ενημερώθηκε ότι μια κοπέλα που εργαζόταν προηγουμένως στο εργοστάσιό του πέθανε στο νοσοκομείο και ερχόταν ένας επιθεωρητής της αστυνομίας για να διευκρινίσει τις συνθήκες του θανάτου.

Στη δεκαετία του 1950, ο Priestley συνέχισε να εργάζεται στη συγγραφή θεατρικών έργων, αλλά δεν μπορούσε πλέον να γράψει τίποτα σημαντικό.

Μεγάλη συνεισφορά στην ανάπτυξη του αγγλικού δράματος είχε ο ποιητής Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Εικ. 62), που ονειρευόταν να δημιουργήσει ένα νέο ποιητικό δράμα βασισμένο στις παραδόσεις της αρχαίας και μεσαιωνικής τέχνης.

Ρύζι. 62. Τόμας Στερνς Έλιοτ

Ο Έλιοτ γεννήθηκε στις Η.Π.Α. Το 1910 ήρθε στην Ευρώπη για να σπουδάσει στη Σορβόννη. Η διαμόρφωσή του ως συγγραφέα έγινε υπό την επίδραση των μοντερνιστικών τάσεων που εμφανίστηκαν στις αρχές του αιώνα. Δυσαρεστημένος με τη σύγχρονη αστική κουλτούρα, στην αναζήτησή του ο Έλιοτ στράφηκε στον νεοκλασικισμό, βασισμένος στις παραδόσεις της αρχαιότητας και του Μεσαίωνα.

Η μετάβαση του Έλιοτ από τους στίχους στο δράμα συνδέεται με τη διακαή επιθυμία του να μεταφέρει την «αληθινή πνευματικότητα», τα ιδανικά του ουμανισμού σε περισσότερους ανθρώπους. Αυτός ο στόχος επιδιώκεται από όλα τα έργα του που εμφανίστηκαν στη δεκαετία του 1930 και στη συνέχεια στη δεκαετία του 1940 και του 1950 (Murder in the Cathedral, 1935; Family Reunion, 1938; Cocktail Party, 1949; Private Secretary), 1953, "The elman" , 1958).

Το ζήτημα της προσωπικής ευθύνης ενός ανθρώπου για όλα όσα συμβαίνουν στον κόσμο θέτει το έργο «Φόνος στον Καθεδρικό Ναό», που ήταν ένα ζωντανό δείγμα της ποιητικής τραγωδίας του Έλιοτ. Δημιουργώντας το έργο του σε καιρό ειρήνης, ο θεατρικός συγγραφέας φαινόταν να προβλέπει τον επερχόμενο παγκόσμιο πόλεμο, πριν από τον οποίο έμειναν ακόμη πέντε χρόνια.

Το «Murder in the Cathedral» προοριζόταν να παρουσιαστεί στο Φεστιβάλ του Καντέρμπουρυ, όπου παρουσιάστηκαν άλλα έργα που μιλούσαν για τη μοίρα του Τόμας Μπέκετ, του Αρχιεπισκόπου του Καντέρμπουρι, που έζησε τον 12ο αιώνα. Ο Μπέκετ βοήθησε τον Ερρίκο Β' να πολεμήσει για μια συγκεντρωτική μοναρχία, αλλά αργότερα έγινε αντίπαλος του βασιλιά, για την οποία πλήρωσε με τη ζωή του. Μετά το θάνατό του, ο αρχιεπίσκοπος αγιοποιήθηκε από την εκκλησία ως άγιος. Η προσωπικότητα του Μπέκετ εξακολουθεί να προκαλεί διαμάχες μεταξύ ιστορικών και συγγραφέων. Ο Έλιοτ παρουσίασε τον ήρωά του ως έναν άνθρωπο του οποίου οι πράξεις καθοδηγούνταν από την επιθυμία για υψηλή πνευματικότητα, γι' αυτό και πολέμησε ενάντια στα ευτελή συμφέροντα του μονάρχη και των τσιράδων του. Αποδεχόμενος το μαρτύριο, ο Μπέκετ ανέλαβε τις αμαρτίες της ανθρωπότητας και άνοιξε το δρόμο στους ανθρώπους προς τον ανθρωπισμό και την αλήθεια.

Το έργο, που συνδυάζει την ποιητική γλώσσα με την πεζογραφία, βασίζεται όχι μόνο σε ιστορικό υλικό, αλλά και στην πραγματικότητα της δεκαετίας του 1930. Έτσι, οι ομιλίες των ιπποτών που σκότωσαν τον αρχιεπίσκοπο μοιάζουν πολύ με τις ομιλίες της ακροδεξιάς με απειλές για «νύχτα μακριών μαχαιριών» σε όλους όσους δεν συμφωνούν με τις ιδέες τους.

Οι μεγαλύτεροι εκπρόσωποι της αγγλικής αριστερής δραματουργίας ήταν ο ποιητής Whiston Hugh Auden (1907-1973) και ο μυθιστοριογράφος Christopher Isherwood (γεννημένος το 1904), οι οποίοι προσπάθησαν να δημιουργήσουν ένα σύγχρονο ποιητικό δράμα βασισμένο στις παραδόσεις της αγγλικής μουσικής αίθουσας. .

Το 1933, ο Auden έγραψε το έργο Dance of Death, το οποίο προέβλεψε το τέλος της σύγχρονης αστικής κοινωνίας. Το 1936 ανέβηκε από τον σκηνοθέτη Rupert Doone στη σκηνή του Group Theatre του Λονδίνου. Στο μέλλον, ο θεατρικός συγγραφέας εργάστηκε σε συνεργασία με τον Isherwood.

Το έργο των Auden και Isherwood The Dog Under the Skin (1935), που ανέβηκε το 1936, έτυχε ενδιαφέροντος. Το έργο αυτό, που περιλάμβανε στοιχεία παρωδίας, υψηλής ποίησης, agitprop, παραμυθιών, εξπρεσιονισμού, είχε ταυτόχρονα μια ενότητα ύφους.

Κάθε χρόνο, οι χωρικοί του Πρέσεν Έμπο στέλνουν έναν από τους νεαρούς άντρες να αναζητήσει τον Σερ Φράνσις, τον κληρονόμο του κτήματος που ξαφνικά εξαφανίστηκε. Η σειρά ήρθε στον Άλαν Νόρμαν, έναν έντιμο και απλό άνθρωπο. Μαζί του αναρρώνει στο δρόμο του και ο σκύλος Φράνσις που ζει σε μια ή την άλλη οικογένεια. Οι ταξιδιώτες επισκέφθηκαν πολλές χώρες και συνάντησαν διαφορετικούς ανθρώπους, αλλά ο κληρονόμος δεν βρέθηκε ποτέ. Ο Άλαν είχε ήδη αποφασίσει να εγκαταλείψει περαιτέρω έρευνες όταν ανακάλυψε ότι ο σκύλος του ήταν ο καταζητούμενος Σερ Φράνσις. Το δέρμα του σκύλου τον βοήθησε να μάθει πολλά, να καταλάβει πόσο σάπια ήταν τα κοινωνικά θεμέλια. Επιστρέφοντας στο χωριό του, ο Φραγκίσκος είδε ότι οι ιδέες του φασισμού σε αυτό υπερίσχυαν όλων των άλλων. Μαζί με μια ομάδα νέων, ο κληρονόμος φεύγει για να πολεμήσει την αδικία και το κακό.

Μεγάλο ενδιαφέρον παρουσιάζει το έργο των Auden και Isherwood On the Border (1938), γεμάτο συμβολισμούς, το οποίο μιλάει για δύο οικογένειες που ζουν στο ίδιο δωμάτιο. Ανάμεσά τους βρίσκεται μια αόρατη γραμμή που τους έχει μετατρέψει σε δύο αντιμαχόμενα μέρη. Μεταξύ των χαρακτήρων του έργου είναι νέοι εραστές που ανήκουν σε αυτές τις οικογένειες, ενωμένοι μόνο μετά θάνατον, ο Κυνικός, που εξηγεί τη φύση του φασισμού (ο επικεφαλής του χαλύβδινου καταπιστεύματος) και ο Ηγέτης, ο δημαγωγός, που τρέφεται από τον Κυνικός.

Στη συνέχεια, ο Auden και ο Isherwood αποχώρησαν από τις προηγούμενες ιδέες τους. Το 1966, το μυθιστόρημα του Isherwood Αντίο στο Βερολίνο (1939), το οποίο μιλά για τη Γερμανία πριν έρθουν οι Ναζί στην εξουσία, ανέβηκε στο μιούζικαλ Cabaret και το 1972 - η διάσημη ταινία με το ίδιο όνομα.

Ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος και η εποχή που προηγήθηκε κατέστρεψε το σύστημα των θεατρικών επιχειρήσεων που είχε διαμορφωθεί τον 19ο αιώνα, με επικεφαλής τους ηθοποιούς G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. Το εμπορικό θέατρο του West End ήρθε στο προσκήνιο στη θεατρική ζωή της Αγγλίας, προσφέροντας στους κουρασμένους από τον πόλεμο εύθυμα και θεαματικά θεάματα. Οι φάρσες, τα μελοδράματα, οι ελαφριές κωμωδίες, καθώς και τα μουσικά σόου ήταν πολύ δημοφιλή.

Η κατάσταση σε κόσμο του θεάτρουδεν έχει αλλάξει σε μεταπολεμικά χρόνια. Τα ελαφρά είδη εξακολουθούσαν να βασίλευαν στη σκηνή και σοβαρά έργα του Στρίντμπεργκ, του Ίψεν, του Τσέχοφ μπορούσαν να προβληθούν μόνο στις σκηνές των μικρών θεάτρων του Λονδίνου (Evryman, Barnes) και των θεατρικών κλαμπ. Ο Αμερικανός κριτικός Τ. Ντίκινσον έγραψε για το αγγλικό θέατρο εκείνης της εποχής: «Τα βρετανικά νησιά είναι πολιτικά απομονωμένα. Σε παρόμοια απομόνωση βρίσκεται και το αγγλικό θέατρο. Στη δεκαετία του 1920, το θέατρο της Μεγάλης Βρετανίας αποδείχθηκε σε μεγάλο βαθμό ανίκανο να ανταποκριθεί στις βαθιές παρορμήσεις που καθοδηγούσαν το θέατρο στην Ήπειρο.

Η αγγλική νεολαία, που απέρριπτε τις παραδόσεις της βικτωριανής εποχής και φιλοδοξούσε έναν αμερικανοποιημένο τρόπο ζωής, είχε βαρεθεί τον Σαίξπηρ, του οποίου τα δράματα είχαν εξαφανιστεί από τη σκηνή του West End.

Οι παραστάσεις του Cambridge Festival Theatre, με επικεφαλής τον Terence Gray το 1926-1933, έγιναν πραγματικές παρωδίες του μεγάλου Σαίξπηρ. Έτσι, στον Έμπορο της Βενετίας, η Πόρτια παρέδωσε τον περίφημο μονόλογό της για το έλεος με βαριεστημένο βλέμμα, εντελώς ανέκφραστη φωνή και οι κριτές που κάθονταν μπροστά της χασμουρήθηκαν. Οι ευγενείς στο Henry VIII, που σκηνοθετεί ο Γκρέι, είναι ντυμένοι με κοστούμια από βαλέδες και βασίλισσες και αντί για μερικούς χαρακτήρες, το κοινό είδε μακέτες με τραπουλόχαρτα.

Είναι ενδιαφέρον ότι, αρνούμενοι τα κλασικά, οι Άγγλοι σκηνοθέτες εκείνης της εποχής στράφηκαν συχνά στην κωμωδία της εποχής της αποκατάστασης. Ανάμεσά τους ήταν διάσημος ηθοποιός, σκηνοθέτης και ιδιοκτήτης του Lyric Theatre στο Λονδίνο, Nigel Playfair, ο οποίος ανέβασε μια σειρά από παλιές κωμωδίες. Στη σκηνή της Lyrica ανέβηκαν επίσης παραστάσεις βασισμένες σε έργα κωμωδών του 18ου αιώνα, ερμηνευμένα στο πνεύμα των καιρών. Για παράδειγμα, η Όπερα του ζητιάνου του Τζον Γκέι, που δεν είχε εγκαταλείψει τη Λυρική σκηνή για τρία χρόνια, έχασε τη σατιρική της εστία και μετατράπηκε σε ένα ανάλαφρο, εύθυμο θέαμα. Στην ερμηνεία του Playfair, το έργο του Gay αντιπροσώπευε μια ανέμελη και χαρούμενη ηλικία, η ατμόσφαιρα της οποίας βοηθήθηκε να μεταδώσει τα κεριά που αναμμένα στους πολυελαίους της αίθουσας, τις περούκες των μουσικών της ορχήστρας του θεάτρου, καθώς και τη μουσική των Handel και Purcell. . Ο Ν. Μάρσαλ περιέγραψε πολύ σωστά τη στιλιστική δεινότητα του Playfair ως σκηνοθέτη: «Στο άτεχνο αγγλικό θέατρο εκείνης της εποχής, έδωσε ένα παράδειγμα κομψού και ολιστικού σκηνικού στυλ».

Το αστέρι του Λυρικού Θεάτρου ήταν η ηθοποιός Έντιθ Έβανς (1888-1976), η οποία ξεκίνησε με τους ρόλους νεαρών ηρωίδων κωμωδίας κατά τη διάρκεια της Παλινόρθωσης. Τεράστια επιτυχία το 1924 της έφερε την εικόνα του Milliment στο έργο «Thus they do in the world» βασισμένο στο έργο του Congreve. Ο Milliment, ακριβώς όπως ο Sallen στο «Cunning Plan of the Dandies» του Farker, είναι ένα ασυνήθιστα χαρούμενο και χαριτωμένο πλάσμα, που προσπαθεί να γνωρίσει όλες τις χαρές της ζωής.

Τα έργα του Bernard Shaw, που παίχτηκαν στις σκηνές του West End και σε πειραματικά μικρά θέατρα, γνώρισαν μεγάλη επιτυχία με το αγγλικό κοινό της δεκαετίας του 1920. Η Αγία Ιωάννα, που ανέβηκε στο Νέο Θέατρο, έφερε στους δημιουργούς μια τεράστια εμπορική επιτυχία. Η παράσταση δεν έφυγε από τη σκηνή για πολύ καιρό, αντέχοντας περισσότερες από διακόσιες σαράντα παραστάσεις. Τον ρόλο της Jeanne έπαιξε η διάσημη τραγική ηθοποιός Sybil Thorndike (1886-1976).

Ο ρόλος της Jeanne προοριζόταν για τη Sybil Thorndike από τον ίδιο τον Bernard Shaw. Έκανε πρόβες μαζί της και με άλλους ηθοποιούς, προσπαθώντας να τους εντυπώσει την ιδέα ότι έπαιζαν ένα μοντέρνο έργο και όχι ένα κοστούμι δράμα αφιερωμένο στο παρελθόν. Η Sybil Thorndike έπαιξε μια ηρωίδα της οποίας τα κύρια χαρακτηριστικά δεν ήταν ο ρομαντισμός, αλλά το νηφάλιο μυαλό και η ηθική δύναμη. Κοιτάζοντας τη Zhanna, το κοινό κατάλαβε ότι αυτό το απλό χωρικό κορίτσι, που απέδειξε τον εαυτό της σε μακροχρόνιες μάχες, θα μπορούσε να γίνει η ηρωίδα του σύγχρονου Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1920 σε κύκλους του θεάτρουγεννήθηκε η ιδέα να διοργανώνονται ετήσια φεστιβάλ των έργων του Bernard Shaw στη μικρή πόλη Malvern. Το πρώτο Φεστιβάλ Μάλβερν πραγματοποιήθηκε στις αρχές του 1929 και άνοιξε με το έργο του Shaw The Apple Cart. Ρόλος κύριος χαρακτήραςΗ ηθοποιός Έντιθ Έβανς έπαιξε σε αυτή την παράσταση. Το φεστιβάλ κράτησε μέχρι το ξέσπασμα του Β' Παγκοσμίου Πολέμου.

Ο Barry Jackson (1879-1961), ο οποίος ήταν επικεφαλής του Birmingham Repertory Theatre, έπαιξε σημαντικό ρόλο στη διοργάνωση του Φεστιβάλ Μάλβερν. Αυτό το θέατρο άνοιξε το 1913, περίπου την ίδια εποχή με τα θέατρα ρεπερτορίου του Μπρίστολ, του Μάντσεστερ, του Λίβερπουλ. Σε αντίθεση με τα εμπορικά, είχαν μόνιμο θίασο και ανέβαζαν σοβαρά, προβληματικά έργα. Στη σκηνή του Μπέρμιγχαμ θέατρο ρεπερτορίουυπήρχαν παραστάσεις βασισμένες στα έργα των D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser και φυσικά του B. Shaw. Το 1923, ο Barry Jackson ανέβασε την πενταλογία του Back to Methuselah, στην οποία διάσημοι ηθοποιοί του Λονδίνου, συμπεριλαμβανομένης της Edith Evans, έπαιξαν μαζί με εκπροσώπους του θεατρικού θιάσου του Μπέρμιγχαμ. Στις πρόβες συμμετείχε και ο Shaw.

Το 1925, στο Λονδίνο, ο θίασος του Μπάρι Τζάκσον παρουσίασε τον «Άμλετ» (σκηνοθέτης - Γ. Εϊλίφ). Το κοινό του Λονδίνου δεν ήταν ποτέ τόσο έκπληκτο: ο Άμλετ ήταν ντυμένος με αθλητική φόρμα, ο Λαέρτης με παντελόνι της Οξφόρδης βγήκε στη σκηνή με μια βαλίτσα με ένα φωτεινό αυτοκόλλητο: «Επιβάτης στο Παρίσι». Ο Πολώνιος φορούσε ένα φράκο και ο Κλαύδιος φορούσε μια ρόμπα από κόκκινο μετάξι. Οι αυλικοί του βασιλιά έπαιζαν μπριτζ και έπιναν ουίσκι. Το βασίλειο της Δανίας έχει μετατραπεί σε σύγχρονη Αγγλία με τις καθιερωμένες παραδόσεις του. Σε αυτόν τον παλιό υποκριτικό κόσμο μπήκε ο Άμλετ με την αλήθεια του, φερμένη από τα χαρακώματα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου.

Στη δεκαετία του 1920, τα έργα του Τσέχοφ εμφανίστηκαν στο ρεπερτόριο των θεάτρων στην Αγγλία. Σημαντικό ρόλο στην εξοικείωση του αγγλικού κοινού με τα έργα του Τσέχοφ έπαιξε ο σκηνοθέτης Φιόντορ Κομισσαρζέφσκι (1882-1954), που προσκλήθηκε το 1925 από τον επιχειρηματία Philip Ridgway στο θέατρο Barnes. Η πρώτη παράσταση που ανέβασε ένας Ρώσος σκηνοθέτης στη σκηνή του Μπαρνς ήταν ο Ιβάνοφ ( πρωταγωνιστικός ρόλοςτο ερμήνευσε ο R. Farkerson). Στη συνέχεια ανέβηκε το Three Sisters (1926), το οποίο ερμήνευσε ο Κομισσαρζέφσκι ως ένα ρομαντικά ανεβασμένο και εξαιρετικό ποιητικό θέαμα. Ο σκηνοθέτης χρησιμοποίησε έντονο φωτισμό και χρωματικά εφέ, ασυνήθιστα για το στυλ του Τσέχοφ. Την ίδια χρονιά, το 1926, το κοινό του "Barnes" είδε άλλα δύο δράματα του Τσέχοφ - "Uncle Vanya" και "The Cherry Orchard".

Εκείνα τα χρόνια Τα έργα του Τσέχοφανέβηκαν μόνο σε μικρά θέατρα και μόνο στη δεκαετία του 1930 μπόρεσαν να δουν σχεδόν ολόκληρο το αγγλικό κοινό. Την ίδια στιγμή, ένας ολόκληρος γαλαξίας εμφανίστηκε στη χώρα ταλαντούχους ηθοποιούς. Μαζί με τα αστέρια της δεκαετίας του 1920 (Sybil Thorndike, Edith Evans κ.λπ.), έλαμψαν στην αγγλική σκηνή οι Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness. Θα μπορούσατε να τους δείτε να παίζουν κυρίως στο Old Vic και το entreprise του Gielgud στα θέατρα New και Queens.

Βρίσκεται στην οδό Waterloo, το Old Vic άνοιξε τον 19ο αιώνα, αλλά έγινε ευρέως γνωστό πριν από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Το 1918-1923, τα έργα του Σαίξπηρ παίχτηκαν στη σκηνή του, στα οποία έπαιξαν οι καλύτεροι Άγγλοι ηθοποιοί, οι οποίοι αρνήθηκαν τις υψηλές αμοιβές του West End για χάρη της πραγματικής τέχνης. Η Edith Evans ήταν καλεσμένη σε όλα τα θέατρα του West End, αλλά προτίμησε έναν μικρό μισθό στο Old Vic. Στα έργα του Σαίξπηρ έπαιξε πολλούς ρόλους, μεταξύ των οποίων η Καταρίνα, η Βιόλα, η Ρόζαλιντ.

Σκλόφσκι Βίκτορ Μπορίσοβιτς

συγγραφέας Βασίλιεφ, (κριτικός τέχνης) Αλεξάντερ Αλεξάντροβιτς

Από βιβλίο Καθημερινή ζωήΟι κυρίαρχοι της Μόσχας τον 17ο αιώνα συγγραφέας Chernaya Lyudmila Alekseevna

Πρόλογος του αγγλικού μεταφραστή Ιστορικά έγγραφα που εξηγούν τις βασικές έννοιες που σχετίζονται με το bushido (η έννοια του "bushido", όπως ο "σαμουράι", έχει εισέλθει στις δυτικές γλώσσες ως δάνειο που δηλώνει "εθνικό, ιδιαίτερα στρατιωτικό, πνεύμα της Ιαπωνίας, παραδοσιακό

Από το βιβλίο Μόσχα Απευθύνσεις του Λέοντος Τολστόι. Στην 200ή επέτειο του Πατριωτικού Πολέμου του 1812 συγγραφέας

An English Classical Novel Σχετικά με το πώς ο Fielding χρησιμοποίησε την αναγνώριση για να φέρει το μυθιστόρημά του σε μια επιτυχημένη ολοκλήρωση. Σε τι διαφέρει αυτή η αναγνώριση από την αναγνώριση του αρχαίου δράματος;Οι άνθρωποι στον κόσμο δεν είναι ίσοι - άλλοι ήταν πλούσιοι, άλλοι ήταν φτωχοί, όλοι το είχαν συνηθίσει. Υπήρχε σε

Από το βιβλίο Μόσχα υπό τους Ρομανόφ. Στην 400η επέτειο της δυναστείας των Ρομανόφ συγγραφέας Vaskin Alexander Anatolievich

English melange Ήρθα για πρώτη φορά στο Λονδίνο το 1983. Τότε, στο Kings Road στο Τσέλσι, εντυπωσιακοί πανκ περιφέρονταν, φθινοπωρινά φύλλα ανακατεμένα με βροχή τραγουδούσαν κάτι από τον Britten σε εμάς, διώροφα κόκκινα λεωφορεία αντηχούσαν το κλασικά θαμπό κόκκινο τηλέφωνο

Από το βιβλίο Λαϊκές Παραδόσεις της Κίνας συγγραφέας Martyanova Ludmila Mikhailovna

Θέατρο Το πρώτο δικαστικό θέατρο, που υπήρχε το 1672-1676, ορίστηκε από τον ίδιο τον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς και τους συγχρόνους του ως ένα είδος νέας «διασκέδασης» και «ψυχραιμίας» κατά την εικόνα και την ομοιότητα των θεάτρων των Ευρωπαίων μοναρχών. Το θέατρο στη βασιλική αυλή δεν εμφανίστηκε αμέσως. Ρώσοι

Από το βιβλίο 5 η ώρα και άλλες παραδόσεις της Αγγλίας συγγραφέας Παβλόφσκαγια Άννα Βαλεντίνοβνα

Από το βιβλίο του συγγραφέα

The Sprout of Civil Societia: Η Αγγλική Λέσχη "Concordia et laetitia" Ήταν κατά την εποχή της Αικατερίνης που εμφανίστηκε η Αγγλική Λέσχη στη Μόσχα, συνέβη το 1772. Δεδομένου ότι τα κλαμπ ως φαινόμενο της κοινωνικής ζωής στη Ρωσία ήταν αποτέλεσμα αποκλειστικά δυτικής επιρροής, είναι αρκετά

Το πρώτο θέατρο στο Λονδίνο, το οποίο ονομαζόταν Θέατρο, άνοιξε το 1577 από τον ηθοποιό Τζέιμς Μπέρμπατζ στο Σόρεντιτς. Λίγους μήνες αργότερα, ένα δεύτερο θέατρο άνοιξε εκεί κοντά, που ονομαζόταν η Αυλαία. Σύντομα ο Burbage και ο γιος του Thomas, που έγινε πιο διάσημος από τον πατέρα του, οργάνωσαν το Black Brothers Theatre - προς τιμήν του μοναστηριακού τάγματος των Δομινικανών, αφού η σκηνή ήταν στημένη στην τραπεζαρία του παλιού μοναστηριού. Ωστόσο, όλα τα θέατρα δέχονταν συνεχώς επιθέσεις από τις αρχές του Λονδίνου, οι οποίες έβριζαν αυτές τις εγκαταστάσεις ως δολοφόνος και πηγή συμφοράς, τόπος αδράνειας και ασέβειας, μια συγκέντρωση μοχθηρών ανθρώπων ενθουσιασμένων από τη θέα αγοριών με γυναικεία ρούχα. - με άλλα λόγια, ένα μέρος για εκείνους που μάλλον με τον ήχο της τρομπέτας βιάζονται να παρακολουθήσουν ένα έργο παρά να ακούσουν ένα κήρυγμα στον ήχο μιας καμπάνας.

Στο Southwark, οι ηθοποιοί είχαν περισσότερη θέληση από ό,τι στην πόλη, όπου η ζωή των θεάτρων περιοριζόταν σοβαρά από τους κανόνες που είχαν θεσπίσει οι αρχές. Επιπλέον, η Τούλα ήταν εύκολα προσβάσιμη με βάρκα ή με γέφυρα. Την εποχή του κλεισίματος των μοναστηριών, τμήμα του Southwark, που προηγουμένως ανήκε στο μοναστήρι του Bermondsey και στο μοναστήρι της Υπεραγίας Θεοτόκου, περιήλθε στην ιδιοκτησία του βασιλιά. Το 1550 πουλήθηκε στην πόλη για περίπου χίλιες λίρες. Μόνο δύο οικόπεδα έμειναν απούλητα, τα οποία έμειναν εκτός δικαιοδοσίας της πόλης. Στη μία βρισκόταν μια φυλακή, η άλλη λεγόταν ("Κήπος του Παρισιού"). Σε αυτούς τους δύο ιστότοπους εμφανίστηκαν θέατρα την εποχή της βασίλισσας Ελισάβετ, απαλλαγμένα από τις απαγορεύσεις και τη λογοκρισία του Λονδίνου. Στο Rose Theatre, που χτίστηκε το 1587, τα έργα του Μάρλοου ανέβηκαν για πρώτη φορά και το ταλέντο του Έντουαρντ Άλευν άνθισε στη σκηνή εδώ. Μετά ήρθαν τα θέατρα "Swan" (το 1596), "Globe" (το 1599· το ένα δέκατο του ανήκε στον Shakespeare) και το 1613 - "Hope".

Οι Λονδρέζοι παρασύρθηκαν σε αυτά και σε άλλα θέατρα με δυνατές τρομπέτες και κυματίζοντας σημαίες. Τα χρήματα συγκεντρώνονταν από τους επισκέπτες ακριβώς στο θέατρο και τοποθετούνταν σε ένα ειδικό κουτί, το οποίο στη συνέχεια κλειδώθηκε σε ένα μικρό δωμάτιο - το ταμείο (στο "ντουλάπι του ταμείου"). Οι θεατές κάθονταν σε πολυθρόνες τοποθετημένες σε επίπεδα γύρω από τη σκηνή ή σε παγκάκια ακριβώς πάνω στη σκηνή, και η παράσταση άρχισε να φωνάζει τα δυνατά τους επιφωνήματα. Οι ηθοποιοί έπαιξαν τους ρόλους τους και το κοινό τους διέκοψε με αγανακτισμένες ή επιδοκιμαστικές κραυγές, προσβολές ή επαίνους. Αυτό συνεχίστηκε μέχρι το τέλος της πράξης, μετά την οποία η σκηνή γέμισε με χορευτές, ζογκλέρ και ακροβάτες. πεζόδρομοι με δίσκους και καλάθια συμπιεσμένα στους διαδρόμους μεταξύ των καθισμάτων των θεατών, που πουλούσαν πίτες, φρούτα, βότανα, φυλλάδια. οι άντρες ήταν καλοί με τις γυναίκες. Οι εργαζόμενοι στο θέατρο κάπνιζαν συχνά, ο αέρας γέμιζε καπνό, οι ξύλινες καρέκλες έπαιρναν συχνά φωτιά και το κοινό έτρεχε ορμητικά προς τις πόρτες. Κάηκε την ίδια χρονιά που άνοιξε η Nadezhda. μόνο ένα άτομο τραυματίστηκε στη διαδικασία - το παντελόνι του πήρε φωτιά, αλλά το έσβησε γρήγορα ρίχνοντας μπύρα από ένα μπουκάλι.

Κοντά στα θέατρα υπήρχαν κήποι με αρκούδες, αρένες για το δόλωμα ενός δεμένου ταύρου με σκύλους, χώροι για κοκορομαχίες, που προσέλκυσαν ένα διαφορετικό κοινό - πλούσιους και φτωχούς, ευγενείς και απλούς ανθρώπους. Αφού απόλαυσαν την παράσταση του Οθέλλου ή του Εδουάρδου Β', την επόμενη μέρα το κοινό πήγε να παρακολουθήσει την αρκούδα να δολώνεται από σκυλιά στον Κήπο του Παρισιού, τα μαχητικά πετεινά, τα οποία, έχοντας απελευθερώσει τα σπιρούνια τους, κάλυψαν την άμμο της αρένας με αίμα και φτερά, τα σκυλιά που πετούσαν μακριά από χτυπήματα τρελών ταύρων (τα σκυλιά πιάστηκαν σε ψάθινες παγίδες για να μην ακρωτηριαστούν όταν έπεφταν και μπορούσαν να συνεχίσουν να πολεμούν), σε ανθρώπους που χακάρουν με σπαθιά, κόβοντας ο ένας τα αυτιά και τα δάχτυλα του άλλου κάτω από τη δυνατή έγκριση του πλήθους.

θέατρα του West End

Το πρόσωπο των δρόμων του West End έχει αλλάξει δραματικά. Πολλά κτίρια του XVIII αιώνα. ανακατασκευάστηκαν τόσο εξωτερικά όσο και εσωτερικά σύμφωνα με το γούστο της εποχής. Έτσι, στην Grafton Street (τώρα το σαλόνι της Helena Rubinstein), η κυρία Άρθουρ Τζέιμς έδειξε τα πλούτη της με μια εντυπωσιακή ανακαίνιση ενός σπιτιού που σχεδιάστηκε τη δεκαετία του 1750. Σερ Ρόμπερτ Τέιλορ.

Πολλά κτίρια χτισμένα στα γεωργιανά, Regency και βικτοριανά στυλ, γέννησε νέα θέατρα όπως το Duke of York's Theatre, Νέο θέατρο, The Rock, Palladium, Gaiety, Her Highness Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe », «Queens» και «Coliseum». Όλα χτίστηκαν τα τελευταία δέκα χρόνια της βασιλείας της βασίλισσας Βικτώριας και εννέα χρόνια της βασιλείας του ίδιου του Εδουάρδου.

Εκατοντάδες παλιά κτίρια κατεδαφίστηκαν για να ανοίξουν χώρο για καταστήματα, μεγάλες εμπορικές στοές με πολυτελή παράθυρα από πλάκες και πόρτες από μαόνι εντοιχισμένες με ορείχαλκο. Το 1901, οι τοίχοι από τερακότα του Harrods General Store στην Brompton Road άρχισαν να υψώνονται. Γρήγορα ακολούθησε η κατασκευή νέων καταστημάτων του δρόμου σε υπερβολικό μπαρόκ στυλ, όπως το Wearing and Gillows (1906), κολοσσιαίο σε μέγεθος, ιδιαίτερα το μεγαλοπρεπές κτίριο που άρχισε να χτίζει ο έμπορος το 1909 ο Χάρι Σέλφριτζ από το Ουισκόνσιν.

Όταν ολοκληρώθηκε το κατάστημα του Selfridge, η Regent Street είχε αλλάξει εντελώς. το Aldwych Loop διέσχισε τον λαβύρινθο των δρόμων βόρεια του Strand απέναντι από το Somerset House, περιστοιχίστηκε από μνημειώδη κτίρια και η Kingsway Street εκτεινόταν βόρεια μέχρι το Holborn.

Η δραματική τέχνη στο Ηνωμένο Βασίλειο εμφανίστηκε εδώ και πολύ καιρό. Προέρχεται από παραστάσεις δρόμου που γίνονταν σε εκκλησιαστικές γιορτές και χρησίμευαν ως ένα είδος ηθικοποίησης. Στην Αναγέννηση όλοι οι τομείς της τέχνης αποκτούν πιο κοσμικό χαρακτήρα και απομακρύνονται από τα θρησκευτικά θέματα. Εκείνη την εποχή εμφανίστηκε το θέατρο, επαναστατικό εκείνη την εποχή, όπου ανέβαζε έργα ο W. Shakespeare, γνωστός πλέον σε όλο τον κόσμο.

Η σύγχρονη ανάπτυξη του θεάτρου επιδιώκει τον απόλυτο ρεαλισμό σε όλους τους τομείς, αναθεωρώντας ακόμη και τις κλασικές πλοκές. Τώρα τα θέατρα της Αγγλίας εκπλήσσουν όχι μόνο με ενδιαφέρουσες παραστάσεις, αλλά και με πρωτότυπη αρχιτεκτονική, καθώς και με ασυνήθιστες αποφάσεις σκηνοθέτη.

Εάν σχεδιάζετε ένα ταξίδι στο Λονδίνο, φροντίστε να επισκεφθείτε το θέατρο Piccadilly. Υπάρχει για περισσότερες από οκτώ δεκαετίες και ευχαριστεί τους γνώστες της θεατρικής τέχνης όχι μόνο με σύγχρονες, αλλά και παραδοσιακές κλασικές παραγωγές.

Ένα από τα παλαιότερα θέατρα του Λονδίνου είναι το Aldwych Theatre, το οποίο συγκεντρώνει ολόκληρη την πόλη γύρω του εδώ και έναν αιώνα. Τέτοιοι εξέχοντες ηθοποιοί όπως οι Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone και άλλοι έπαιξαν κάποτε στη σκηνή του.

Οι λάτρεις του φωτεινού μουσικές παραστάσειςΑξίζει να επισκεφθείτε το New London Theatre. Ήταν τα μιούζικαλ που έφεραν στο μάλλον νεανικό θέατρο τη δεκαετία του 70-80 του περασμένου αιώνα πραγματική φήμη στους νέους. Μέχρι τώρα ευχαριστεί το κοινό με παραστάσεις σε παγκόσμιο επίπεδο, με ζωντανές σκηνικές ερμηνείες και καλή μουσική.

Ένα άλλο θέατρο στο Λονδίνο, γνωστό για παραστάσεις σε στυλ μιούζικαλ και κωμωδίας, είναι το Shaftesbury Theatre. Όχι πολύ καιρό πριν, γιόρτασε τα εκατό χρόνια του - το έργο του θεάτρου δεν σταμάτησε ούτε κατά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο. Το κτίριο αυτού του θεάτρου αξίζει ιδιαίτερης προσοχής λόγω του ασυνήθιστου παλιού σχεδιασμού του.

Αναμεταξύ σύγχρονα θέατραΤο Λονδίνο ξεχωρίζει το θέατρο Pinkock. Αντέχει επαρκώς τον ανταγωνισμό με τα παλιά θέατρα λόγω της καινοτόμου προσέγγισης της κλασικής δραματουργίας. Η σκηνή χρησιμοποιεί συχνά στοιχεία του μοντέρνου χορός στο δρόμοκαι ακόμη και ακροβατικοί αριθμοί για να ενισχύσουν το αποτέλεσμα του παιχνιδιού.

Το κτίριο της Grand Opera στο Μπέλφαστ εντυπωσιάζει με την ομορφιά του. Χτισμένο τον 19ο αιώνα, δεν είναι μόνο ένα αρχιτεκτονικό ορόσημο στο ανατολίτικο στυλ, αλλά και ενθουσιάζει τους λάτρεις του θεάτρου με το κλασικό ρεπερτόριο και την εξαιρετική ακουστική του.

Το κύριο κέντρο της δραματικής τέχνης στη Μεγάλη Βρετανία ονομάζεται βασιλικό θέατρο Drury Lane. Βρίσκεται στο Λονδίνο και έπαιξε σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του θεάτρου στη χώρα. Κατά τη διάρκεια της ύπαρξής του, πολλοί επιφανείς ηθοποιοί κατάφεραν να επισκεφθούν τη σκηνή του.

Ένα άλλο αρχιτεκτονικό μνημείο της Μεγάλης Βρετανίας είναι το Θέατρο της Αυτού Μεγαλειότητας. Το θέατρο δημιουργήθηκε στις αρχές του 18ου αιώνα και στα τέλη του 19ου αιώνα μεταφέρθηκε σε ένα μεγάλο νέο κτίριο, όπου βρίσκεται μέχρι σήμερα. Έχει μεγάλη ιστορική και πολιτιστική αξία και το κλασικό ρεπερτόριο θα απευθύνεται σε όλους τους λάτρεις αυτής της μορφής τέχνης. Αυτό το θέατρο βρίσκεται στο Λονδίνο, στα δυτικά του Westminster.

Δημοτικό Τμήμα Παιδείας της Διοίκησης του Polysaevo

Πληροφοριακό και μεθοδολογικό κέντρο

Δημοτικός εκπαιδευτικό ίδρυμα

"Γυμνάσιο Νο. 35"

Ιστορία του θεάτρου στο Ηνωμένο Βασίλειο

ερευνητικό πρόγραμμα

Polysaevo 2007

Δημοτικό Τμήμα Παιδείας της Διοίκησης του Polysaevo

Πληροφοριακό και μεθοδολογικό κέντρο

Δημοτικό Εκπαιδευτικό Ίδρυμα

"Γυμνάσιο Νο. 35"

Ιστορία του θεάτρου στο Ηνωμένο Βασίλειο

Ντάρια Πούτιντσεβα,

Προτάθηκε έρευναπεριέχει μια περιγραφή της ιστορίας του θεάτρου στη Μεγάλη Βρετανία. Η ερευνητική εργασία χαρακτηρίζει το αγγλικό θέατρο από τον Μεσαίωνα μέχρι σήμερα, τις κατευθύνσεις και τις τάσεις του. Το έργο ανιχνεύει τη διαμόρφωση και ανάπτυξη των κύριων θεατρικών τάσεων, την πρωτοτυπία του θεατρικού αγώνα σε διάφορα στάδια της ιστορικής εξέλιξης. Ιδιαίτερη προσοχή δίνεται στο θέμα των εθνικών ιδιαιτεροτήτων του αγγλικού θεάτρου.

Ιστορία του θεάτρου στο Ηνωμένο Βασίλειο:έρευνα / . - Polysaevo: Πληροφοριακό και Μεθοδολογικό Κέντρο, 2007.

Επεξηγηματικό σημείωμα

Στόχος της εργασίας:εξοικείωση με έναν ξένο πολιτισμό.

Εργασιακά καθήκοντα: επέκταση της πολιτιστικής γνώσης για το Ηνωμένο Βασίλειο.

Το αγγλικό θέατρο είναι αναπόσπαστο μέρος του παγκόσμιου πολιτισμού. Οι καλύτερες παραδόσεις της εθνικής αγγλικής τέχνης έχουν εμπλουτίσει την παγκόσμια θεατρική διαδικασία. Το έργο Άγγλων ηθοποιών, σκηνοθετών και θεατρικών συγγραφέων κέρδισε την αγάπη και την αναγνώριση πολύ πέρα ​​από τα σύνορα της Αγγλίας.

Το έργο των ηθοποιών, σκηνοθετών, θεατρικών συγγραφέων της Μεγάλης Βρετανίας έχει απολαύσει από καιρό αναγνώριση και αγάπη στη Ρωσία.

Η ιστορία του θεάτρου έχει συνδεθεί από καιρό με την ιστορία της ανθρωπότητας. Από εκείνη την αρχική σελίδα της ιστορίας, όπως θυμάται η ανθρωπότητα τον εαυτό της, θυμάται και το θέατρο, που έγινε ο αιώνιος σύντροφός της.

Αγαπάτε το θέατρο όσο το αγαπώ εγώ; - ρώτησε τους συγχρόνους του ο μεγάλος συμπατριώτης μας Βησσαρίων Μπελίνσκι, βαθιά πεπεισμένος ότι ένας άνθρωπος δεν μπορεί παρά να αγαπήσει το θέατρο.

Αγαπάς το θέατρο; Με την ίδια απορία πριν από 20 και πλέον αιώνες, οι μεγάλοι πατέρες του αρχαίου θεάτρου Αισχύλος και Σοφοκλής, ο Ευριπίδης και ο Αριστοφάνης θα μπορούσαν να στραφούν στους θεατές τους, που γέμιζαν τα πέτρινα παγκάκια των τεράστιων αμφιθεάτρων στο ύπαιθρο της Ελλάδας.

Ακολουθώντας τους, ήδη σε άλλους αιώνες, άλλες ιστορικές εποχές, με παρόμοια απήχηση στους συγχρόνους τους, ο Σαίξπηρ και ο Μπεν Τζόνσον στην Αγγλία θα μπορούσαν να γυρίσουν. Και όλοι αυτοί, ρωτώντας τους ανθρώπους της εποχής τους: «Σου αρέσει το θέατρο;». - θα έχει το δικαίωμα να υπολογίζει σε μια καταφατική απάντηση.

Το αγγλικό θέατρο, η λογοτεχνία, η μουσική αποτελούν αναπόσπαστο κομμάτι του παγκόσμιου πολιτισμού. Οι καλύτερες παραδόσεις του αγγλικού πολιτισμού έχουν εμπλουτίσει την παγκόσμια πολιτιστική διαδικασία, κέρδισαν αγάπη και αναγνώριση πολύ πέρα ​​από τα σύνορα της Αγγλίας.

Το έργο των Άγγλων θεατρικών συγγραφέων χαίρει από καιρό αναγνώρισης και αγάπης στη Ρωσία. Οι μεγαλύτεροι ηθοποιοί του ρωσικού θεάτρου έπαιξαν στις τραγωδίες του Σαίξπηρ.

Στην ιστορία του αγγλικού πολιτισμού, διακρίνονται οι ακόλουθες κύριες περίοδοι: ο Μεσαίωνας, η Αναγέννηση, ο 17ος αιώνας, ο 18ος αιώνας (Διαφωτισμός), ο 19ος αιώνας (ρομαντισμός, κριτικός ρεαλισμός), η περίοδος του τέλους του 19ου αιώνα - αρχές 20ου αιώνα (1871 - 1917) και 20ος αιώνας, όπου διακρίνονται δύο περίοδοι: 1917 - 1945. και 1945–σήμερα.

Πρώιμος Μεσαίωνας ( V – XI αιώνες)

Τον 6ο αιώνα π.Χ., τα βρετανικά νησιά εισέβαλαν οι Κέλτες. Τον 1ο αιώνα μ.Χ., η Βρετανία κατακτήθηκε από τους Ρωμαίους. Η κυριαρχία της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας συνεχίστηκε μέχρι τον 5ο αιώνα, όταν οι Αγγλοσάξονες και οι Γιούτες εισέβαλαν στο έδαφος της Βρετανίας. Οι αγγλοσαξονικές φυλές έφεραν τη γλώσσα, τον πολιτισμό και τον τρόπο ζωής τους στα βρετανικά νησιά.

Η ιστορία του μεσαιωνικού θεάτρου είναι η ιστορία της πάλης των ιδεαλιστικών, θρησκευτικών απόψεων για τη ζωή με τη ρεαλιστική κοσμοθεωρία του λαού.

Για πολλούς αιώνες στη ζωή των ανθρώπων της φεουδαρχικής Ευρώπης, διατηρήθηκαν οι παραδόσεις των παγανιστικών τελετουργικών εορτασμών, που περιείχαν στοιχεία θεατροποίησης: η σύγκρουση του Χειμώνα και του Καλοκαιριού, οι Αγώνες του Μαΐου, στους οποίους γίνονταν σκετς με τη συμμετοχή του Βασιλιά και Βασίλισσα του Μαΐου κ.λπ. κλπ. Θίασοι περιφέρονταν στην Ευρώπη λαϊκές διασκεδάσεις - ιστρίονες. Ήξεραν πώς να κάνουν τα πάντα: τραγούδι, χορό, ταχυδακτυλουργία, ηθοποιία. Παίζοντας κωμικές σκηνές, συχνά όχι μόνο διασκέδαζαν το κοινό, αλλά και χλεύαζαν εκείνους που καταπίεζαν και καταπίεζαν τους απλούς ανθρώπους. Ως εκ τούτου, η εκκλησία απαγόρευσε τα τελετουργικά παιχνίδια, καταδίωκε τους Ιστριώτες, αλλά ήταν αδύναμη να καταστρέψει την αγάπη του λαού για τις θεατρικές παραστάσεις.

Σε μια προσπάθεια να γίνει πιο αποτελεσματική η εκκλησιαστική λειτουργία - η λειτουργία - οι ίδιοι οι κληρικοί αρχίζουν να χρησιμοποιούν θεατρικά σχήματα. Εμφανίζεται το πρώτο είδος του μεσαιωνικού θεάτρου - λειτουργικό δράμα (IX-XIII αιώνες). Κατά τη διάρκεια της λειτουργίας οι ιερείς έπαιξαν ιστορίες από την Αγία Γραφή. Με την πάροδο του χρόνου, οι παραστάσεις των λειτουργικών δραμάτων βγαίνουν έξω από την εκκλησία στη βεράντα και την αυλή της εκκλησίας.

XI – XV αιώνας

Τον 11ο αιώνα, τα βρετανικά νησιά κατακτήθηκαν από τους Νορμανδούς. Αυτό συνέβαλε στη γαλλική επιρροή στην πολιτιστική ζωή της χώρας.

Στους αιώνες XIII-XIV. εμφανίζεται και νέο είδοςμεσαιωνική θεατρική παράσταση – mirakl («θαύμα»). Οι πλοκές των θαυμάτων είναι δανεισμένες από τους θρύλους για τους αγίους και την παρθένο Μαρία.

Κορυφή του μεσαιωνικού θεάτρου – μυστήριο . Αναπτύσσεται στους XIV-XV αιώνες, κατά την ακμή των μεσαιωνικών πόλεων. Μυστήρια παίζονται στις πλατείες της πόλης. Η αναπαράσταση του μυστηρίου ήταν τεράστια - και σύμφωνα με τον αριθμό των συμμετεχόντων, η Αλληγορία" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> αλληγορική. Οι ηθικοί χαρακτήρες συνήθως προσωποποιούσαν διάφορες ανθρώπινες ιδιότητες, τις κακίες και τις αρετές του .

Ο ήρωας της ηθικής είναι ένας άνθρωπος γενικά. «Every man» - έτσι ονομαζόταν η αγγλική ηθική του τέλους του 15ου αιώνα. Σε αυτό το έργο, ο Θάνατος εμφανιζόταν σε κάθε άτομο και τον κάλεσε σε ένα «μακρινό ταξίδι», επιτρέποντάς του να πάρει οποιονδήποτε σύντροφο μαζί του. Ένα άτομο στράφηκε στη Φιλία, τη Συγγένεια, τον Πλούτο, αλλά αρνήθηκε παντού. Δύναμη, Ομορφιά, Λόγος, Πέντε Αισθήσεις συμφώνησαν να συνοδεύσουν έναν άνθρωπο, αλλά στην άκρη του τάφου τον άφησαν όλοι. Μόνο οι Καλές Πράξεις πήδηξαν στον τάφο μαζί του. Ο Μοραλίτης εγκατέλειψε τα βιβλικά θέματα, αλλά διατήρησε τη θρησκευτική οικοδόμηση.

Φάρσα - το πρώτο είδος μεσαιωνικού θεάτρου που έσπασε με τη θρησκευτική ηθική. Η φάρσα, ένα εύθυμο και σατιρικό είδος, χλεύαζε τις κοινωνικές, πολιτικές και ηθικές έννοιες της φεουδαρχικής κοινωνίας. Ανόητοι ιππότες, άπληστοι έμποροι, ηδονικοί μοναχοί δρουν στη φάρσα. Αλλά ο αληθινός ήρωας αυτού του είδους, όλων των όχι πολύ αξιοπρεπών, αλλά πάντα αστείων, φαρσικών πλοκών, είναι ένας χαρούμενος απατεώνας από τον απλό κόσμο. Σε μια φάρσα έχει δίκιο αυτός που ξεπέρασε τους πάντες.

Η εμπειρία των φαρσικών παραστάσεων χρησιμοποιήθηκε ευρέως από το θέατρο των επόμενων εποχών. Οι κωμωδίες του Σαίξπηρ υιοθέτησαν όχι μόνο τις αστείες μεθόδους της φάρσας, αλλά και το πνεύμα της λαϊκής ελεύθερης σκέψης που τη γέμιζε.

Αναγέννηση

Στο XV - XVI αιώνες V ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣυπάρχει μια «προοδευτική μεγαλύτερη αναταραχή όλων των βιωμάτων από την ανθρωπότητα μέχρι εκείνη την εποχή», - η μετάβαση από τον φεουδαρχικό Μεσαίωνα στη νέα εποχή, που χαρακτηρίζεται από αρχική περίοδοανάπτυξη του καπιταλισμού. Αυτή η μεταβατική εποχή ονομάστηκε Αναγέννηση, ή Αναγέννηση.

Ήταν η εποχή της ανάδυσης ενός νέου πολιτισμού, ρήξης με τα θρησκευτικά δόγματα, η εποχή της ραγδαίας ανάπτυξης της τέχνης και της λογοτεχνίας, που αναβίωσε τα ιδανικά της αρχαιότητας. Μεγάλες ευκαιρίες για ενεργό δημιουργική δραστηριότητα. Σε αυτήν την εποχή συντελείται η διαμόρφωση του εθνικού πολιτισμού.

Ο 16ος αιώνας στην Αγγλία ήταν η ακμή του δράματος. Το αγγλικό θέατρο ανταποκρίθηκε στα λαϊκά συμφέροντα και ήταν ασυνήθιστα δημοφιλές σε μια ατμόσφαιρα εθνικής έξαρσης. Μέχρι το τέλος του 16ου αιώνα υπήρχαν περίπου είκοσι θέατρα στο Λονδίνο. Ανάμεσά τους, το θέατρο James Burbage και το Philip Hensloe Theatre ήταν ιδιαίτερα διάσημα. Η ανάπτυξη της θεατρικής κουλτούρας δεν πήγε χωρίς δυσκολίες, το κύριο εμπόδιο ήταν οι ενέργειες των πουριτανών, που θεωρούσαν το θέατρο «δαιμονική» υπόθεση.

Οι θεατρικοί συγγραφείς εκείνης της εποχής ήταν ο Ρόμπερτ Γκριν, ο Τόμας Κιντ, ο Κρίστοφερ Μάρλοου και άλλοι.

Τα έργα του Beaumont (1584-1616) και του Fletcher (1579-1625) χαρακτηρίζουν μια άλλη εποχή στην ιστορία του αγγλικού θεάτρου. Επιδίωξαν να αριστοκρατήσουν το θέατρο, να εισάγουν μια κάποια επιτήδευση και ευπρέπεια στις σκηνικές παραστάσεις. Οι ευγενείς, μοναρχικές ιδέες γίνονται αντικείμενο ιδιαίτερης προσοχής στο θέατρο των Beaumont και Fletcher. Από τη σκηνή ακούγονται συνεχώς εκκλήσεις για ανιδιοτελή υπηρεσία στον βασιλιά.

Ουίλιαμ Σαίξπηρ

Το θέατρο της Αγγλικής Αναγέννησης οφείλει την ακμή του, πρώτα απ' όλα, στον Ουίλιαμ Σαίξπηρ. Η δραματουργία του Σαίξπηρ είναι το αποτέλεσμα όλης της προηγούμενης εξέλιξης του δράματος, η κορυφή του θεάτρου.

«Η τραγωδία γεννήθηκε στην πλατεία» – έγραψε, αναφερόμενος στις μακρινές απαρχές του έργου του Σαίξπηρ – το λαϊκό θέατρο των μεσαιωνικών μυστηρίων. Οι παραδόσεις του θεάτρου των πλατειών - μια ευρεία κάλυψη γεγονότων, η εναλλαγή κωμικών και τραγικών επεισοδίων, η δυναμική της δράσης - διατηρήθηκαν από τους προκατόχους του Σαίξπηρ - τους θεατρικούς συγγραφείς R. Green, K. Marlo και άλλους. Έφεραν φιλελεύθερες ιδέες στη σκηνή, έδειξαν νέους ήρωες με ισχυρή θέληση και ολόκληρο χαρακτήρα.

Στην πρώτη, «αισιόδοξη» περίοδο του έργου του, ο Σαίξπηρ έγραψε κωμωδίες με λαμπερές, χαρούμενες διαθέσεις. Αλλά όταν η «θάλασσα των καταστροφών» άνοιξε μπροστά στο διεισδυτικό βλέμμα του ποιητή, όταν η αδυσώπητη πορεία της ιστορίας αποκάλυπτε όλο και πιο έντονα τις αντιφάσεις της φεουδαρχίας και του αναδυόμενου καπιταλισμού, ο ιδανικός ήρωας στα έργα του αντικαταστάθηκε από έναν διψασμένο για εξουσία, εγωιστής και ιδιοτελής άνθρωπος, και μερικές φορές ακόμη και εγκληματίας.

Για πρώτη φορά αυτή η στροφή αποκαλύφθηκε στην τραγωδία «Άμλετ». Όμως οι ήρωες του Σαίξπηρ δεν υποκλίθηκαν μπροστά στον κόσμο του κακού. Μπαίνοντας στον αγώνα και πέφτοντας θύματα των παντοδύναμων αντιπάλων τους, οι ήρωες των τραγωδιών του Σαίξπηρ, ακόμη και με τον ίδιο τους τον θάνατό τους, επιβεβαίωσαν την πίστη στον άνθρωπο και τη φωτεινή μοίρα του. Σε αυτό βρίσκεται η αθανασία των τραγωδιών του Σαίξπηρ και ο σύγχρονος ήχος τους.

Το Shakespeare's Globe Theatre βρισκόταν ανάμεσα σε άλλα θέατρα - στη νότια όχθη του Τάμεση, έξω από το Λονδίνο, καθώς οι αρχές απαγόρευσαν τα θεάματα στο

Ουίλιαμ Σαίξπηρ

θέατρο Globus». Εμφάνιση.

η ίδια η πόλη. Το κτίριο στέφθηκε με έναν μικρό πύργο, όπου μια σημαία κυμάτιζε κατά τη διάρκεια της παράστασης.

Η δράση έλαβε χώρα στο ύπαιθρο - μια μάζα ανθρώπων στεκόταν μπροστά από τη σκηνή, πλούσιοι πολίτες εγκαταστάθηκαν στις γκαλερί, οι οποίες περιέκλειαν τους στρογγυλούς τοίχους του θεάτρου σε τρεις βαθμίδες. Η σκηνή χωριζόταν σε 3 μέρη: το μπροστινό - το προσκήνιο, το πίσω μέρος, που χωρίζεται από δύο πλευρικές κολώνες και καλύπτεται με αχυρένιο θόλο, και το πάνω μέρος - σε μορφή μπαλκονιού. Η σκηνή ήταν διακοσμημένη με χαλιά και ψάθες, και από πάνω ήταν κρεμασμένο ένα πάνελ: μαύρο - στις τραγωδίες και μπλε - στις κωμωδίες. Η σκηνή της δράσης υποδεικνύεται από μια λεπτομέρεια (το δέντρο έδειχνε ότι η δράση γινόταν στο δάσος και ο θρόνος - αυτό στο παλάτι).

Η σύνθεση του θιάσου ήταν μικρή - μόνο 8-12 άτομα. Μερικές φορές κάθε ηθοποιός έπρεπε να παίξει έως και τρεις ή περισσότερους ρόλους σε ένα έργο. Τις ηρωίδες έπαιζαν όμορφοι, εύθραυστοι νέοι. Οι σημαντικότεροι τραγικοί ηθοποιοί ήταν ο Έντουαρντ Άλευν, που έπαιξε με ιδιαίτερη επιτυχία στα έργα του Κ. Μάρλοου, και ο Ρίτσαρντ Μπέρμπατζ - ο καλύτερος ερμηνευτής των ρόλων του Άμλετ, του Ληρ, του Οθέλλου και του Μάκβεθ. Ο Richard Tarlton και ο William Kemp πρωταγωνίστησαν σε κωμικούς ρόλους.

XVII αιώνας

Αν κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης στην Αγγλία, η δραματουργία και το θέατρο ήταν στην ακμή τους, τα θεατρικά έθιμα στο Λονδίνο εκείνη την εποχή ήταν αρκετά ελεύθερα, η απόλυτη ευκολία βασίλευε τόσο στη σκηνή όσο και στο αμφιθέατρο, και οι ηθοποιοί και οι θεατές δεν διστάζονταν τις εκφράσεις, τότε 17ος αιώνας διώχθηκαν από τους πουριτανούς.

Στην Αναγέννηση, μπορούσε κανείς να δει έναν μάγο με ένα σκύλο στη σκηνή, ο οποίος απεικόνιζε «και τον βασιλιά της Αγγλίας, τον πρίγκιπα της Ουαλίας, και όταν κάθεται στην πλάτη του, τότε ο Πάπας και ο Βασιλιάς της Ισπανίας». Κάποια κυρία σε μια κωμωδία θα μπορούσε να καταλάβει από τη σκηνή ότι μπορείς να μαντέψεις με τα ούρα, ή ένας κύριος - γράψε πού κατούρησε. «Η σκηνή μας μερικές φορές έχει την ίδια βρωμιά και δυσωδία με το Smithfield (ένα προάστιο του Λονδίνου όπου γίνονταν εκθέσεις και μερικές φορές καίγονταν αιρετικοί), λέει ο Ben Jonson. «Όλα εκεί λέγονται με το όνομά τους», έγραψε ο Βολταίρος για την αγγλική σκηνή ήδη από τον 18ο αιώνα.

Τα θεατρικά ήθη συνάγονται από την ανώνυμη «Διαμαρτυρία ή Παράπονο Ηθοποιών κατά της Καταστολής του Επαγγέλματός τους και της Αποβολής τους από Αρκετά Θέατρα» (1643). «Δίνουμε μια υπόσχεση για το μέλλον να μην δεχόμαστε ποτέ στα σπίτια μας των έξι πεντών άσεμνες γυναίκες που έρχονται εκεί μόνο για να τις πάρουν μαζί τους μαθητευόμενοι και υπάλληλοι δικηγόρων, και κανένα άλλο τέτοιο είδος γυναικών, εκτός από εκείνες που έρχονται με τους συζύγους τους ή στενοί συγγενείς. Θα αλλάξει και η στάση απέναντι στον καπνό: δεν θα πουληθεί... όσο για βρωμοδουλειές και ανάλογες βλακείες που μπορεί να σκανδαλίσουν αξιοπρεπείς ανθρώπους και να σπρώξουν τους κακούς ανθρώπους στην ακολασία, θα τους διώξουμε εντελώς μαζί με ανήθικους και αγενείς συγγραφείς - ποιητές .

Η δημιουργία θεατρικών έργων και η ερμηνεία τους χαρακτηρίστηκε αμαρτωλή δραστηριότητα. Η επίσκεψη στο θέατρο καταδικάστηκε αποφασιστικά και θεωρήθηκε επιβλαβής και ολέθρια πράξη. Με την έλευση των πουριτανών στην εξουσία, οι θεατρικές παραστάσεις στην Αγγλία απαγορεύτηκαν. Στις 2 Σεπτεμβρίου 1642, το αγγλικό κοινοβούλιο έκλεισε τα θέατρα και απαγόρευσε όλες τις παραστάσεις, με το επιχείρημα ότι τα θεάματα «συχνά εκφράζουν αχαλίνωτη ευθυμία και επιπολαιότητα», ενώ πρέπει να κατευθύνει κανείς τις σκέψεις του στη «μετάνοια, τη συμφιλίωση και την στροφή προς τον Θεό». Πέντε χρόνια αργότερα, το Κοινοβούλιο επιβεβαίωσε αυτό το ψήφισμα, τώρα με πιο σκληρούς όρους και διατάσσοντας ανυπάκουα άτομα (ηθοποιούς) να οδηγούνται στη φυλακή ως εγκληματίες. Ο πολιτισμός γνώρισε μια οξεία κρίση. Η Εκκλησία πολέμησε επί μακρόν και σθεναρά τα θεατρικά θεάματα. «Τα θέατρα είναι γεμάτα, αλλά οι εκκλησίες είναι άδειες», παραπονιούνται πουριτανοί ιερείς. Στο θέατρο «βασιλεύουν ελεύθερες χειρονομίες, χαλαροί λόγοι, γέλια και χλευασμοί, φιλιά, αγκαλιές και άκομψα βλέμματα», αγανακτούν οι κληρικοί. «Ο λόγος του Θεού παραβιάζεται εκεί και η θεία θρησκεία που έχει καθιερωθεί στο κράτος μας βεβηλώνεται», λέει ο Κύριος Δήμαρχος.

Το θέατρο του 17ου αιώνα παρουσιάστηκε στην πουριτανική αστική τάξη της Αγγλίας ως θέατρο ασέβειας και ασέβειας, ένα θέατρο που ικανοποιεί τα γούστα των αριστοκρατών και διαφθείρει τον απλό λαό.

Υπήρχαν και αμυντικοί. Ο θεατρικός συγγραφέας Thomas Nash έγραψε το 1592 ότι οι πλοκές των έργων είναι δανεισμένες από τα αγγλικά χρονικά, οι σπουδαίες πράξεις των προγόνων ανασύρονται από τον «τάφο της λήθης», και έτσι εκδίδεται η καταδίκη της «εκφυλισμένης και χαϊδεμένης νεωτερικότητας». ότι στα έργα «το ψέμα χρυσωμένο με εξωτερική αγιότητα ανατέμνεται».

Τα χαρακτηριστικά του πολιτισμού καθορίστηκαν από τα γεγονότα της αστικής επανάστασης. Οι ταξικές αντιθέσεις μεταξύ της αστικής τάξης και των μεγάλων γαιοκτημόνων επιδεινώθηκαν, η κυβέρνηση της αστικής δημοκρατίας είχε επικεφαλής τον Όλιβερ Κρόμγουελ και στη συνέχεια αποκαταστάθηκε η μοναρχία των Στιούαρτ.

Οι Στιούαρτ, που επέστρεψαν στην εξουσία, άνοιξαν ξανά θέατρα το 1660 και η λαμπρή αλλά ανήθικη κωμωδία της εποχής της Αποκατάστασης, όπως λέγαμε, επιβεβαίωσε την αρνητική εκτίμηση που έδωσαν στο θέατρο οι συνεργάτες του Κρόμγουελ.

Μετά το πραξικόπημα, ο Γουλιέλμος Γ' του Πορτοκαλί ανέλαβε την εξουσία. Το λαϊκό κίνημα μεγάλωσε.

Ο Wilhelm III δεν έκλεισε τα θέατρα, αλλά με διάταγμα της 01.01.01, προειδοποίησε αυστηρά τους ηθοποιούς ότι «αν συνεχίσουν να παίζουν έργα που περιέχουν εκφράσεις που είναι αντίθετες με τη θρησκεία και την ευπρέπεια και επιτρέπουν τη βλασφημία και την ανηθικότητα στη σκηνή, τότε για αυτό πρέπει να απαντήσουν με το κεφάλι τους.

Την ίδια χρονιά, το 1698, δημοσιεύτηκε μια πραγματεία από έναν πουριτανό θεολόγο, ονόματι Jeremy Collier, με τον πολύχρωμο τίτλο " Σύντομη κριτικήανηθικότητα και ασέβεια της αγγλικής σκηνής. Ο θεολόγος καταδίκασε αυστηρά την υπάρχουσα θεατρική πρακτική. Έγραψε ότι υπήρχε οργή και οργή στη σκηνή. «Το αίμα και η βαρβαρότητα έχουν σχεδόν αποθεωθεί», ότι «η έννοια της τιμής διαστρεβλώνεται, οι χριστιανικές αρχές ταπεινώνονται», ότι «διάβολοι και ήρωες είναι φτιαγμένοι από το ίδιο μέταλλο» και απαιτούν ριζική αναδιάρθρωση των θεάτρων, μετατρέποντάς τα σε είδος σχολείου αρετής, καλών τρόπων και ευπρέπειας: «Ο σκοπός των θεατρικών έργων είναι να ενθαρρύνουν την αρετή και να αποκαλύψουν την κακία, να δείξουν την ευθραυστότητα του ανθρώπινου μεγαλείου, τις ξαφνικές αντιξοότητες της μοίρας και τις βλαβερές συνέπειες της βίας και της αδικίας.

Η αγγλική αστική τάξη δεν ήθελε πλέον το κλείσιμο των θεάτρων, όπως ήταν πριν, αλλά την προσαρμογή τους στις ανάγκες της τάξης. Αν και η «ένδοξη επανάσταση» του 1688 έφερε μια συμμαχία μεταξύ της αστικής τάξης και της νέας αριστοκρατίας, ωστόσο, η εχθρότητα εξακολουθούσε να υφίσταται. Οι θέσεις των γαιοκτημόνων ήταν ακόμη ισχυρές, αν και οι αριστοκράτες υποτάχθηκαν στην κατάσταση των πραγμάτων, σε καμία περίπτωση δεν συμβιβάστηκαν πλήρως. Επιθέσεις στην αριστοκρατία ακούστηκαν και σε θεατρικές παραστάσεις.

Το 1713, ο Joseph Addison (1672-1719) προσπάθησε να καθιερώσει την κλασική τραγωδία στην αγγλική σκηνή.

Αυτή τη στιγμή, εμφανίστηκε ένα νέο είδος - δράμα, αλλά η κωμωδία δεν ήθελε να εγκαταλείψει τις θέσεις της. Οι θεατές, που έριχναν άφθονα δάκρυα στις παραστάσεις του The London Merchant και γέμισαν φρίκη στο ζοφερό φινάλε της παράστασης, ήθελαν κατά καιρούς να γελάσουν. Αυτή την ευκαιρία τους έδωσε ο Φίλντινγκ, και αργότερα ο Όλιβερ Γκόλντσμιθ και ο Ρίτσαρντ Μπρίνσλι Σέρινταν.

Ο Goldsmith ήθελε να αναβιώσει την «gay κωμωδία» του Shakespeare και του Ben Jonson. Στην πραγματεία του An Essay on the Theatre, or a Comparison of Jolly και συναισθηματική κωμωδία»(1733), μίλησε ευθέως γι' αυτό και έγραψε πολλά κωμικά έργα χωρίς ηθικολογίες, χωρίς ιδιαίτερη τάση, κοροϊδεύοντας εύθυμα την απειρία των νέων που εξαπατώνται εύκολα. Τα έργα είναι γεμάτα αστεία λάθη, οι χαρακτήρες απεικονίζονται αρκετά φυσικά.

Ωστόσο, ο Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) άφησε το μεγαλύτερο σημάδι στην ιστορία του αγγλικού δράματος αυτής της περιόδου. Έγραψε για λίγο. Όλα τα καλύτερα έργα του δημιουργήθηκαν μέσα σε πέντε χρόνια. Η φωτιά του θεάτρου του στο Drury Lane έδωσε το τελευταίο χτύπημα στον συγγραφέα.

Ο κλασικισμός στην κλασική του μορφή δεν μπορούσε να βρει σταθερό έδαφος στην Αγγλία. Υπήρχαν δύο λόγοι για αυτό: η πολιτική κατάσταση της χώρας και η εξουσία του θεάτρου του Σαίξπηρ.

Όσο για τον Σαίξπηρ, επισκίασε τόσο τα επιτεύγματα του αρχαίου δράματος που μετά από αυτόν ήταν απλώς αδιανόητο να βασιστεί εξ ολοκλήρου στο παράδειγμα των αρχαίων Ελλήνων συγγραφέων. Οι Άγγλοι θεατρικοί συγγραφείς που δούλευαν για το θέατρο δεν μπορούσαν να ακολουθήσουν τον Αισχύλο, τον Σοφοκλή και τον Ευριπίδη τόσο άνευ όρων όσο οι Γάλλοι ομολόγους τους. Πριν από αυτούς ήταν το παράδειγμα του Σαίξπηρ, ο οποίος εργάστηκε σύμφωνα με ένα εντελώς διαφορετικό σύστημα και πέτυχε πρωτόγνωρα αποτελέσματα.

Το 1644, το Shakespeare's Globe Theatre κατεδαφίστηκε, ξαναχτίστηκε μετά από πυρκαγιά το 1613, το 1649 - τα θέατρα Fortune και Phoenix, το 1655 - Blackfriars. Οι ηθοποιοί διασκορπίστηκαν σε όλη τη χώρα, πήγαν στους στρατιώτες, εξαφανίστηκαν χωρίς ίχνη, σύμφωνα με έναν ανώνυμο συγγραφέα του 17ου αιώνα (Historia histrionica).

Το 1643 οι ηθοποιοί συνέταξαν ένα συγκινητικό ανώνυμο έγγραφο: μια καταγγελία για την καταστολή του επαγγέλματός τους. «Στρέφουμε σε σένα, μεγάλο Φοίβο, και σε σένα, εννέα αδερφές - μούσες, προστάτες του νου και προστάτες μας, φτωχοί ταπεινωμένοι ηθοποιοί», έγραψαν. «Αν, με τη βοήθεια της παντοδύναμης παρέμβασής σας, μπορούσαμε να εγκατασταθούμε ξανά στα πρώην θέατρα μας και να επιστρέψουμε ξανά στο επάγγελμά μας…» Οι ηθοποιοί έγραψαν ότι οι κωμωδίες και οι τραγωδίες που έπαιξαν ήταν» μια ζωντανή αναπαραγωγή των πράξεων των ανθρώπων , «ότι η κακία σε αυτούς τιμωρήθηκε, και η αρετή ανταμείφθηκε, ότι «ο αγγλικός λόγος εκφράστηκε πιο σωστά και φυσικά». Ο Φοίβος ​​και οι εννέα αδερφές - μούσες, προστάτες των τεχνών, δεν ανταποκρίθηκαν. Το θέατρο έχει υποστεί ανεπανόρθωτες ζημιές.

Ο Τζον Μίλτον, ο μεγαλύτερος Άγγλος ποιητής του 17ου αιώνα, δεν συμμεριζόταν την αρνητική στάση των πουριτανών απέναντι στις θεατρικές παραστάσεις. Ο Μίλτον ήταν ιδιαίτερα αποφασιστικός ενάντια στους θεατρικούς συγγραφείς και το θέατρο της εποχής της Αποκατάστασης, που είχε έναν έντονα διασκεδαστικό χαρακτήρα. Ο Μίλτον θεωρούσε ότι η τραγωδία ήταν το κύριο πράγμα στη δραματική τέχνη, κλασικά μοτίβααρχαία ελληνική τέχνη. Μιμούμενος τους, εισήγαγε μια χορωδία που σχολίαζε όσα συνέβαιναν και καθιέρωσε την ενότητα του χρόνου: η διάρκεια των γεγονότων στην τραγωδία δεν υπερβαίνει τις 24 ώρες. Διατηρείται αυστηρά η ενότητα τόπου και δράσης.

Περίοδος αποκατάστασης

Η περίοδος της αποκατάστασης ξεκίνησε στην Αγγλία λίγο μετά το θάνατο του Κρόμγουελ.

Οι απαγορεύσεις που επέβαλλαν οι πουριτανοί στις θεατρικές παραστάσεις και στα διάφορα είδη διασκέδασης άρθηκαν. Τα θέατρα άνοιξαν ξανά, αλλά διέφεραν πολύ από το αγγλικό θέατρο του 16ου - αρχές του 17ου αιώνα και στα χρόνια τους εξωτερικός σχεδιασμός, και τη φύση των έργων. Στη σκηνή χρησιμοποιήθηκαν πλούσια σκηνικά και υπέροχα κοστούμια.

Οι κωμωδίες των William Wycherley (1640-1716) και William Congreve (1670-1729) γνώρισαν ιδιαίτερη επιτυχία.

Αγγλικά θέατρα "Drury Lane" και "Covent Garden"

Ας επισκεφτούμε τώρα τα θέατρα του Λονδίνου. Το 1663 χτίστηκε στο Λονδίνο το Drury Lane Theatre, το οποίο έλαβε το δικαίωμα του μονοπωλίου στην επιλογή του ρεπερτορίου. Το 1732, εμφανίστηκε ένα άλλο μεγάλο θέατρο - το Covent Garden. Υπήρχε λίγη τάξη στα θέατρα του Λονδίνου. Το κοινό, ξέσπασε στο αμφιθέατρο, όρμησε ευθεία μπροστά στους πάγκους των πάγκων για να πιάσει θέσεις πιο κοντά στη σκηνή. Κατά καιρούς υπήρχαν περίεργες «θεατρικές ταραχές» - το κοινό, δυσαρεστημένο με την παράσταση, την αύξηση των τιμών, οποιονδήποτε ερμηνευτή, έπνιξε τις φωνές των ηθοποιών, τους πέταξε φρούτα και μερικές φορές ξέσπασε στη σκηνή.

Σε αυτό το ταραχώδες Λονδίνο του 18ου αιώνα, οι ηθοποιοί προσπάθησαν να συμπεριφερθούν κομψά και να μιλήσουν με μετρημένες φωνές. Ωστόσο, ο αγγλικός κλασικισμός δεν ήταν πλήρης, αναπόσπαστος - «διορθωνόταν» συνεχώς από τη ρεαλιστική παράδοση που προερχόταν από τον Σαίξπηρ.

Ο ηθοποιός Thomas Betterton (1635 - 1710) έπαιξε το ρόλο του Άμλετ όπως τον έπαιξε κάποτε ο Burbage, έχοντας λάβει οδηγίες από τον ίδιο τον Σαίξπηρ. Ο ηθοποιός Τζέιμς Κουίν (1693 - 1766), που φαινόταν στον Βρετανό πολύ κλασικιστής, έπαιξε τον ρόλο του Φάλσταφ αρκετά ρεαλιστικά. Το 1741, ο Charles Maclean (1697-1797) έπαιξε ρεαλιστικά τον Shylock στον Έμπορο της Βενετίας του Shakespeare. Την ίδια χρονιά, ο Ντέιβιντ Γκάρικ (1717 - 1779), που έγινε ο σημαντικότερος ρεαλιστής ηθοποιός του 18ου αιώνα, έπαιξε τον ρόλο του Ριχάρδου Γ'. Ο Garrick έπαιξε εξίσου καλά κωμικούς και τραγικούς ρόλους. Ως μιμητής ο Garrick δεν γνώριζε ίσο. Το πρόσωπό του μπορούσε να απεικονίζει με συνέπεια όλες τις αποχρώσεις και τις μεταβάσεις των συναισθημάτων. Ήξερε να είναι αστείος, αξιολύπητος, μεγαλοπρεπής, τρομακτικός. Ο Garrick ήταν ένας πολύ έξυπνος ηθοποιός, με πλούσια ανεπτυγμένη και ακριβή τεχνική, και ταυτόχρονα ένας ηθοποιός του συναισθήματος. Κάποτε, ενώ έπαιζε τον Βασιλιά Ληρ στην τραγωδία του Σαίξπηρ, ο Γκάρικ παρασύρθηκε τόσο πολύ που έσκισε την περούκα του και την πέταξε στην άκρη.

Ο Garrick σκηνοθέτησε το Drury Lane Theatre για πολλά χρόνια, όπου συγκέντρωσε μια αξιόλογη ομάδα και ανέβασε 25 έργα του Σαίξπηρ. Πριν από αυτόν, κανείς δεν δούλευε τόσο ευσυνείδητα και με πείσμα στις παραγωγές των έργων του Σαίξπηρ. Μετά τον Garrick, έμαθαν να εκτιμούν τον Σαίξπηρ πολύ περισσότερο από πριν. Η φήμη αυτού του ηθοποιού βρόντηξε σε όλη την Ευρώπη.

Δημιουργικότητα Ο Garrick συνόψισε την ανάπτυξη του θεάτρου του XVIII αιώνα - από τον κλασικισμό στον ρεαλισμό.

18ος αιώνας

Εποχή του Διαφωτισμού

Τον 18ο αιώνα ξεκίνησε μια μεταβατική εποχή, με αποκορύφωμα τη γαλλική αστική επανάσταση. Το απελευθερωτικό κίνημα αναπτύχθηκε, έγινε απαραίτητο να καταστρέψουμε τη φεουδαρχία και να την αντικαταστήσουμε με τον καπιταλισμό.

Αγγλική λογοτεχνία

Η ταραγμένη εποχή έφερε στη ζωή την άνθηση του δημοκρατικού πολιτισμού, μεταξύ των οποίων θεατρική δημιουργικότητα.

DIV_ADBLOCK660">

20ος αιώνας

1945–σήμερα

Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, σε σχέση με τη διαμόρφωση του παγκόσμιου σοσιαλιστικού συστήματος και την ανάπτυξη του εθνικοαπελευθερωτικού πολέμου των λαών, η κατάρρευση της Βρετανικής Αυτοκρατορίας έγινε αναπόφευκτη και φυσική. Τα θέατρα αντιπροσωπεύουν ταραχώδη γεγονότα και κοινωνικές ανατροπές.

Τα πρώτα χρόνια μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο πιο δημοφιλής συγγραφέας στην Αγγλία ήταν ο John Boynton Priestley. Έγραψε πάνω από σαράντα θεατρικά έργα. Τα πιο σημαντικά από αυτά είναι τα "Dangerous Corner" (Dangerous Corner, 1932), "Time and the Conway Family" ("Time και το Conways, 1937).

Στα έργα του Priestley, η επιρροή της δραματουργίας του Τσέχοφ είναι αισθητή. Ο Priestley προσπαθεί να μεταφέρει το δράμα της καθημερινότητας, να δείξει τη ζωή με όλους τους ημίτονο, να αποκαλύψει τους χαρακτήρες όχι μόνο των κύριων χαρακτήρων, αλλά και των δευτερευόντων.

Τα έργα του John Osborne (1929) έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην αγγλική κουλτούρα. Τα έργα του John Osborne προκάλεσαν μια έξαρση στην ανάπτυξη του αγγλικού δράματος στη δεκαετία του '60.

Το 1956, το έργο του John Osborne Look Back in Anger ανέβηκε στο Royal Court Theatre, το οποίο γνώρισε τεράστια επιτυχία. Ο θεατρικός συγγραφέας μετέφερε με μεγάλη ακρίβεια τη διάθεση της αγγλικής νεολαίας εκείνης της εποχής. Στη σκηνή μπήκε ο Τζίμι Πόρτερ – ο νεαρός «θυμωμένος» ήρωας, όπως τον αποκαλούσαν οι κριτικοί. Αυτός ο νεαρός άνδρας από τα κάτω, που έκανε τον δρόμο του σε εχθρικό κοινωνικό περιβάλλον, κακώς φανταζόταν τι είναι άξια ύπαρξης. Πήρε τα όπλα, μη φείδοντας δυνάμεις, ενάντια στο υπάρχον ηθικές αξίες, ο παραδοσιακός τρόπος δημόσιας ζωής, εν μέρει κατά κοινωνικούς νόμους. Αυτά τα ίδια χαρακτηριστικά διακρίνουν ορισμένους από τους χαρακτήρες, τόσο σύγχρονους όσο και ιστορικούς, στα έργα του John Arden, της Sheila Delaney και άλλων.

Οι δεξιότητες των προοδευτικών ηθοποιών και σκηνοθετών σε ορισμένες χώρες τελειοποιούνται σε κλασικό δραματικό υλικό, στα καλύτερα δείγματα ρεαλιστικής λογοτεχνίας. Χρησιμοποιούν τα κλασικά για να θέτουν οξεία σύγχρονα προβλήματα. Ο Άγγλος ηθοποιός Laurence Olivier με τη μορφή του Othello μετέφερε μια οργισμένη διαμαρτυρία ενάντια στον αναδυόμενο αστικό πολιτισμό. Ο Άμλετ υπηρέτησε τον Πωλ Σκόφιλντ για να εκφράσει τις θλιβερές, δύσκολες σκέψεις της νέας μεταπολεμικής γενιάς Ευρωπαίων διανοουμένων που ένιωθαν υπεύθυνοι για τα εγκλήματα που διαπράχθηκαν στον κόσμο.

Οι παραγωγές των έργων του Σαίξπηρ από τον Άγγλο σκηνοθέτη Πίτερ Μπρουκ απολαμβάνουν μια άξια επιτυχία στο κοινό.

Η θεατρική τέχνη των τελευταίων χρόνων χαρακτηρίζεται από πολλούς μικρούς επαγγελματικούς, ημιεπαγγελματικούς και μη θιάσους, που περιπλανώνται από τη μια τοποθεσία στην άλλη. αναζωογόνηση των φοιτητικών θεάτρων. η αυξανόμενη διαμαρτυρία ηθοποιών και σκηνοθετών ενάντια στο εμπόριο στην τέχνη. Οι νέοι χρησιμοποιούν συχνά τη σκηνή για αιχμηρές πολιτικές συζητήσεις. Το θέατρο βγαίνει στους δρόμους, όπου παίζονται παραστάσεις ημι-αυτοσχεδιασμού.

Σχεδόν κάθε φαινόμενο της θεατρικής δημιουργικότητας στην Αγγλία διαποτίζεται από σκληρές εσωτερικές αντιφάσεις, γεμάτες με μια σύγκρουση αντίθετων ιδεολογικών και αισθητικών τάσεων.

Ο Τζον Όσμπορν είναι υποστηρικτής του θεάτρου που ασκεί κριτική στην κοινωνική τάξη πραγμάτων στον καπιταλιστικό κόσμο, που είναι το πιο πειστικό όπλο της εποχής.

Τα έργα του Τζον Όσμπορν καθόρισαν την ανάπτυξη του αγγλικού δράματος στη δεκαετία του 1960.

Η πρωτοτυπία της δραματουργίας του Sean O'Casey, ενός εξαιρετικού Αγγλο-Ιρλανδού θεατρικού συγγραφέα, καθορίζεται από τη σύνδεση με την ιρλανδική λαογραφική παράδοση. Τα έργα του χαρακτηρίζονται από έναν περίεργο συνδυασμό τραγικών και

Laurence Olivier ως Richard III

«Richard III» W. Shakespeare

κωμικό, αληθινό και φανταστικό, καθημερινό και αξιολύπητο. Τα δράματα του O'Casey χρησιμοποιούν τις συμβάσεις του εξπρεσιονιστικού θεάτρου.

Το κίνημα των λαϊκών θεάτρων, που επιδίωκε κυρίως εκπαιδευτικούς στόχους, σάρωσε ολόκληρη την Ευρώπη. Στην Αγγλία, το Θέατρο Workshop προέκυψε και απέκτησε μεγάλη φήμη υπό τη διεύθυνση της Joan Littlewood.