Shamisen - μουσικό όργανο - ιστορία, φωτογραφία, βίντεο. Μια σύντομη περιήγηση στον κόσμο των ανατολίτικων μουσικών οργάνων και την προέλευση του ντουντουκ

Με τη βοήθεια των οποίων οι Ιάπωνες αφηγητές ή τραγουδιστές συνόδευαν τον εαυτό τους κατά τη διάρκεια της παράστασης. Το πλησιέστερο ευρωπαϊκό ανάλογο του shamisen είναι το . Shamisen μαζί με φλάουτα hayashi και shakuhachi, τύμπανο tsuzumi και . Αναφέρεται σε παραδοσιακά ιαπωνικά μουσικά όργανα.

Το όνομα έρχεται σε αντίθεση με το είδος της μουσικής για μπουνράκου και καμπούκι - nagauta (μακρό τραγούδι). Το πιο γνωστό και πιο περίπλοκο από τα στυλ παράστασης είναι το gidayu, που πήρε το όνομά του από τον Takemoto Gidayu (1651-1714). κουκλοθέατρο bunraku από την Οσάκα. Τα όργανα και τα πλέγματα είναι τα μεγαλύτερα και ο ίδιος ο οδηγός είναι ταυτόχρονα τραγουδιστής και σχολιαστής των όσων συμβαίνουν στη σκηνή. Η δουλειά του παραμυθά είναι τόσο πολύπλοκη που στη μέση της παράστασης αλλάζει ο οδηγός. Ο αφηγητής πρέπει να γνωρίζει απόλυτα το κείμενο και τη μελωδία. Από τον 19ο αιώνα εμφανίστηκαν και οι onna-gidayu, γυναίκες αφηγητές.

Προέλευση

Το Shamisen στην αρχική του μορφή προήλθε από τα βάθη της Δυτικής Ασίας, από εκεί ήρθε στην Κίνα (XIII αιώνας), όπου ονομάστηκε "sanxian", στη συνέχεια μετακόμισε στα νησιά Ryukyu (σύγχρονη Okinawa) και μόνο από εκεί ήρθε στην Ιαπωνία. Αυτό το γεγονός σημειώνεται πολύ ξεκάθαρα στην ιστορία - σε αντίθεση με την εποχή της εμφάνισης των άλλων μουσικά όργανα- και χρονολογείται από το 1562.

Ο πρόδρομος του shamisen, το sanshin, παιζόταν στο βασίλειο Ryukyu, το οποίο εκείνη την εποχή έγινε νομός. Το Sanshin, με τη σειρά του, προέρχεται από το κινέζικο όργανο σαντζιάν, το οποίο εξελίχθηκε από τα όργανα της Κεντρικής Ασίας.

Το shamisen ήταν επίσης το πιο σημαντικό όργανο για τους πλανόδιους τυφλούς μουσικούς goze που εμφανίστηκαν στην αρχή του σογκουνάτου Tokugawa.

Σε αντίθεση με την Ευρώπη, όπου τα παραδοσιακά/αντίκες όργανα δεν τυγχάνουν ιδιαίτερης προσοχής, το shamisen και άλλα εθνικά όργανα στην Ιαπωνία είναι ευρέως γνωστά και αγαπημένα. Η δημοτικότητα οφείλεται όχι μόνο στον σεβασμό των Ιαπώνων για τον πολιτισμό και την ιστορία τους, αλλά και στη χρήση των εθνικών οργάνων, ιδιαίτερα του shamisen, στο παραδοσιακό ιαπωνικό θέατρο - κυρίως στα θέατρα Kabuki και Bunraku.

Το Shamisen ήταν πιο διαδεδομένο στην εποχή του Tokugawa και η δεξιοτεχνία του παιχνιδιού ήταν μέρος του υποχρεωτικού προγράμματος εκπαίδευσης για μαθητές maiko - geisha. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο οι «διασκεδαστικές συνοικίες» αποκαλούνταν συχνά «συνοικίες όπου το shamisen δεν σταματάει».

Ποικιλίες και εφαρμογές

Υπάρχουν διάφοροι τύποι οργάνων που διαφέρουν μεταξύ τους ως προς το πάχος του λαιμού.

Εργαλεία με στενός λαιμόςπου ονομάζεται χοσοζάοκαι χρησιμοποιούνται κυρίως στη μουσική nagauta.

Εργαλεία με όρνιο μέσοπάχη λέγονται chuzaoκαι χρησιμοποιούνται σε μουσικά είδη όπως κιγιομότο, tokiwazu, τζιούτακαι τα λοιπά.

Στα βόρεια της Ιαπωνίας, ειδικά στην περιοχή Τσουγκαρού (δυτικό τμήμα του νομού Αομόρι), ένα ξεχωριστό χοντρό λαιμό έκδοση του shamisen — tsugarujamisen, το παιχνίδι στο οποίο απαιτεί ιδιαίτερη δεξιοτεχνία. Το Tsugarujamisen με τον πιο χοντρό λαιμό λέγεται futozaoκαι χρησιμοποιείται σε joruri.

Συσκευή

Το σώμα του shamisen είναι ένα ξύλινο πλαίσιο σφιχτά καλυμμένο με δέρμα. Στα νησιά Ryukyu, για παράδειγμα, χρησιμοποιήθηκε δέρμα φιδιού και στην ίδια την Ιαπωνία, το δέρμα της γάτας ή του σκύλου χρησιμοποιήθηκε για το σκοπό αυτό. Η θήκη είναι καλυμμένη με δέρμα και στις δύο πλευρές, καθώς και ένα μικρό κομμάτι δέρματος είναι κολλημένο στην μπροστινή μεμβράνη για να την προστατεύει από χτυπήματα πλεκτού (bati).

Τρεις χορδές ποικίλου πάχους είναι αρμαθιές ανάμεσα στα μανταλάκια και το κάτω άκρο του λαιμού, το οποίο προεξέχει από το κέντρο του κάτω μέρους του σώματος. Οι χορδές είναι κατασκευασμένες από μετάξι, νάιλον και τετλόν. Το μήκος του shamisen είναι περίπου 100 cm.

Το shamisen παίζεται με ένα μεγάλο πλεκτό bachi, το οποίο είναι κατασκευασμένο από υλικά όπως ξύλο, ελεφαντόδοντο, κέλυφος χελώνας, κέρατο βουβάλου και πλαστικό. Το Bati για nagaut και jiuta είναι σχεδόν κανονικά τρίγωνα, με πολύ αιχμηρές άκρες.

Το Tsugarujamisen προτείνει ένα μικρότερο πλέγμα, περισσότερο σαν φύλλο ginkgo.

Τεχνική παιχνιδιού Shamisen

Έχουν διαμορφωθεί τρία στυλ παιχνιδιού του shamisen:

Uta-mono - στυλ τραγουδιού.Ένα από τα κύρια είδη μουσική συνοδείαθεατρικές παραστάσεις καμπούκι. Αυτό το είδος αντιπροσωπεύεται από μεγάλα μουσικά ιντερμέδια που παίζει το σύνολο hayashi (το σύνολο αυτό συνήθως συνοδεύει θεατρικές παραστάσεις, αποτελείται από ένα φλάουτο και τρία είδη ντραμς).

Το Katari-mono είναι ένα στυλ φαντασίας.Είναι πιο χαρακτηριστικό της ιαπωνικής παραδοσιακής μουσικής και αντιπροσωπεύεται από ένα συγκεκριμένο είδος τραγουδιού.

Το Minyo είναι ένα λαϊκό τραγούδι.

Όταν το shamisen εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην Ιαπωνία, οι χορδές κόπηκαν με ένα μικρό πλέγμα (yubikake) και μόνο με την πάροδο του χρόνου οι μουσικοί άρχισαν να χρησιμοποιούν το plectrum, το οποίο διεύρυνε πολύ τις δυνατότητες ηχοχρώματος του οργάνου. Κάθε φορά που μαδιέται η κάτω χορδή, εκτός από τον ήχο της, ακούγονται απόχρωση και ελαφρύς θόρυβος, το φαινόμενο αυτό ονομάζεται «σαβάρι» («αφή»). Τα σαβάρια εμφανίζονται επίσης όταν άλλες χορδές αντηχούν με την κάτω χορδή, ειδικά όταν το διάστημα μεταξύ των χορδών είναι μια οκτάβα (δύο οκτάβες, τρεις, πέμπτες, κ.λπ.). Η δυνατότητα χρήσης αυτού του πρόσθετου ήχου είναι ένα σημάδι της υψηλής ικανότητας του ερμηνευτή και το ίδιο το ακουστικό εφέ ελέγχεται αυστηρά από τους κατασκευαστές shamisen.

Το πλέγμα κρατιέται στο δεξί χέρι, και την κατάλληλη στιγμή, ο ήχος των χορδών διακόπτεται από τρία δάχτυλα του αριστερού χεριού σε έναν αγχώδη λαιμό. Ο αντίχειρας και το μικρό δάχτυλο δεν χρησιμοποιούνται στο παιχνίδι. Η πιο χαρακτηριστική μέθοδος παιξίματος του shamisen είναι το ταυτόχρονο χτύπημα του πλέγματος στη μεμβράνη και στη χορδή. Επιπλέον, υπάρχουν πολλοί άλλοι σημαντικοί παράγοντες που καθορίζουν τις ιδιαιτερότητες του ήχου, όπως το πάχος των χορδών, ο λαιμός, οι μεμβράνες, το σημείο όπου το πλέγμα χτυπά τις χορδές κ.λπ. Επίσης στο shamisen, μπορείτε να μαδήσετε τις χορδές με το αριστερό σας χέρι, παίρνοντας μια πιο κομψή χροιά. Αυτή η ικανότητα αλλαγής του τόνου είναι ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του shamisen.

Εκτός από τον τρόπο παιξίματος, η χροιά του οργάνου μπορεί να αλλάξει μεταβάλλοντας το μήκος της χορδής, του λαιμού ή του πλέγματος, καθώς και τις διαστάσεις, το πάχος, το βάρος, το υλικό - δείκτες μάζας τους! Υπάρχουν σχεδόν δύο δωδεκάδες shamisen, που διαφέρουν μεταξύ τους ως προς τον τόνο και το ηχόχρωμα, και οι μουσικοί επιλέγουν το όργανο που ταιριάζει περισσότερο με το είδος της μουσικής τους ή το ξανακουρδίζουν λίγο πριν την παράσταση.

Στη μουσική shamisen, η γραμμή φωνής σχεδόν συμπίπτει με αυτή που παίζεται στο όργανο: η φωνή είναι μόνο ελαφρώς μπροστά από τη μελωδία, γεγονός που καθιστά δυνατή την ακρόαση και την κατανόηση του κειμένου και τονίζει επίσης την αντίθεση μεταξύ του ήχου της φωνής και του shamisen.

Shamisen στη σύγχρονη μουσική

Το Shamisen, λόγω του συγκεκριμένου ήχου του, χρησιμοποιείται συχνά για να ενισχύσει τον "εθνικό" ήχο σε ορισμένους Ιαπωνικές ταινίεςκαι anime (όπως στη Ρωσία). Έτσι, ακούγεται shamisen στο soundtrack της σειράς anime Naruto, Puni Puni Poemi.

Η Agatsuma Hiromitsu παίζει σε στυλ New Age.

Χρησιμοποιείται από εκπροσώπους της ευρωπαϊκής μουσικής πρωτοπορίας (για παράδειγμα, Henri Pousseur).

Οι συνθέσεις που ερμηνεύουν οι Yoshida Brothers είναι αρκετά δημοφιλείς, όπως ακούγεται το shamisen τους.

Ο Michiro Sato κάνει αυτοσχεδιασμούς στο shamisen, και πιανίστας της τζαζΟ Glenn Horiuchi εισήγαγε κομμάτια από το παίξιμο του shamisen στις συνθέσεις του.

Ο κιθαρίστας Kevin Kmetz ηγείται του συγκροτήματος God of the Shamisen με έδρα την Καλιφόρνια, στο οποίο παίζει το tsugarujamisen.

Βίντεο: Shamisen σε βίντεο + ήχο

Χάρη σε αυτά τα βίντεο, μπορείτε να εξοικειωθείτε με το εργαλείο, βλ πραγματικό παιχνίδιπάνω του, ακούστε τον ήχο του, νιώστε τις ιδιαιτερότητες της τεχνικής:

Πώληση: πού να αγοράσετε/παραγγείλετε;

Η εγκυκλοπαίδεια δεν περιέχει ακόμη πληροφορίες σχετικά με το πού να αγοράσετε ή να παραγγείλετε αυτό το όργανο. Μπορείτε να το αλλάξετε!

Μουσικό Όργανο: Λαούτο

Στην εποχή των υπερηχητικών ταχυτήτων και των νανοτεχνολογιών, μερικές φορές θέλετε πραγματικά να χαλαρώσετε, να απορρίψετε κάθε κοσμική φασαρία και να βρεθείτε σε κάποιον άλλο κόσμο όπου δεν υπάρχει σύγχρονη αναταραχή, για παράδειγμα, στη ρομαντική εποχή της Αναγέννησης. Προς το παρόν, δεν χρειάζεται να εφεύρετε μια χρονομηχανή για αυτό, αλλά απλώς επισκεφθείτε μια συναυλία αυθεντικής μουσικής κάπου στο Κρεμλίνο Izmailovsky ή στο παλάτι Sheremetyevo. Εκεί όχι μόνο θα ακούσετε όμορφες μελωδίες που μεταφέρονται νοερά σε περασμένες εποχές, αλλά και θα γνωρίσετε ενδιαφέροντα μουσικά όργανα στα οποία οι μακρινοί μας πρόγονοι έπαιζαν μουσική πριν από αρκετούς αιώνες. Το ενδιαφέρον για την αρχαία μουσική αυξάνεται σήμερα, οι σύγχρονοι ερμηνευτές κατακτούν με ενθουσιασμό τα όργανα των περασμένων εποχών, που περιλαμβάνουν το τραβέρσα φλάουτο, βιόλα ντα γκάμπα, πρίμα βιόλα, μπαρόκ κοντραμπάσο βιολον, είδος παλαιού πιάνουκαι, αναμφίβολα, το λαούτο είναι όργανο προνομιούχων τάξεων και αξίζει ιδιαίτερης προσοχής. Οι Άραβες τον Μεσαίωνα δικαίως την αποκαλούσαν βασίλισσα των μουσικών οργάνων.

Ήχος

Το λαούτο ανήκει στην οικογένεια των χορδών μαδημένα όργανα, από τη φύση του ήχου του, μοιάζει λίγο με κιθάρα, ωστόσο, η φωνή του είναι πολύ πιο απαλή και τρυφερή και η χροιά του είναι βελούδινη και τρέμει, καθώς είναι πιο κορεσμένη σε τόνους. Η πηγή του ήχου στο λαούτο είναι ζευγαρωμένες και μονές χορδές, τις οποίες ο ερμηνευτής μαδάει με το δεξί του χέρι και πιέζει πάνω στα τάστα με το αριστερό, αλλάζοντας το μήκος τους, αλλάζοντας έτσι τον τόνο.

Το μουσικό κείμενο για το όργανο γράφτηκε χρησιμοποιώντας γράμματα σε μια γραμμή έξι γραμμών και η διάρκεια των ήχων υποδεικνύονταν με νότες που τοποθετήθηκαν πάνω από τα γράμματα. Εύροςόργανο περίπου 3 οκτάβες. Το εργαλείο δεν έχει συγκεκριμένη τυπική ρύθμιση.

φωτογραφία:

Ενδιαφέροντα γεγονότα

• Για πολλά έθνη, η εικόνα του λαούτου χρησίμευε ως σύμβολο αρμονίας, νεότητας και αγάπης. Μεταξύ των Κινέζων σήμαινε σοφία, καθώς και συνέπεια στην οικογένεια και την κοινωνία. Για τους Βουδιστές - η αρμονία στον κόσμο των θεών, για τους Χριστιανούς - ένα λαούτο στα χέρια των αγγέλων σηματοδότησε την ομορφιά του ουρανού και τη συμφιλίωση των φυσικών δυνάμεων. Στην τέχνη της Αναγέννησης συμβόλιζε τη Μουσική και ένα όργανο με σπασμένες χορδές έδειχνε διαφωνία και διχόνοια.
• Το λαούτο ήταν ένα έμβλημα - μια συμβολική εικόνα των ερωτευμένων.
• Το λαούτο στην Αναγέννηση εμφανιζόταν πολύ συχνά σε πίνακες, ακόμη και ο Ορφέας και ο Απόλλωνας ζωγραφίζονταν από καλλιτέχνες εκείνης της εποχής όχι με λύρα, αλλά με λαούτο. Και είναι αδύνατο να φανταστεί κανείς μια πιο αρμονική σύνθεση από ένα κορίτσι ή έναν νεαρό άνδρα με αυτό το ρομαντικό όργανο.
• Κάποτε, το λαούτο, που ήταν πολύ δημοφιλές, θεωρούνταν προνομιακό όργανο του κοσμικού κύκλου, των ευγενών και των βασιλικών. Στην Ανατολή, ονομαζόταν σουλτάνος ​​των οργάνων, και στις ευρωπαϊκές χώρες υπήρχε ένα ρητό ότι το όργανο είναι ο «Βασιλιάς όλων των οργάνων» και το λαούτο είναι «το όργανο όλων των βασιλιάδων».
• Ο μεγάλος Άγγλος ποιητής και θεατρικός συγγραφέας W. Shakespeare ανέφερε συχνά το λαούτο στα έργα του. Θαύμασε τον ήχο της, αποδίδοντάς της την ικανότητα να φέρνει τους ακροατές σε εκστατική κατάσταση.
• Ο μεγαλύτερος Ιταλός γλύπτης, καλλιτέχνης, ποιητής και στοχαστής Michelangelo Buonarroti, θαυμάζοντας την ερμηνεία του διάσημου λαουτίστα Francesco da Milano, είπε ότι εμπνεύστηκε θεϊκά από τη μουσική και όλες οι σκέψεις του εκείνη την εποχή είχαν μετατραπεί στον παράδεισο.
• Ο ερμηνευτής στο λαούτο ονομάζεται λαούτο και ο κύριος που κατασκευάζει τα όργανα ονομάζεται λαούτο.
• Τα όργανα των τεχνιτών της Μπολόνια - λαούτο L. Mahler και G. Frey, καθώς και εκπροσώπων της οικογένειας Tieffenbrucker από τη Βενετία και την Πάντοβα, που δημιουργήθηκαν τον 17-18 αιώνες, κοστίζουν αστρονομικά χρήματα με αυτά τα πρότυπα.
• Δεν ήταν τόσο δύσκολο να μάθεις να παίζεις λαούτο, αλλά ήταν προβληματικό να κουρδίσεις ένα όργανο που είχε πολλές χορδές κατασκευασμένες από φυσικά υλικά, αλλά κακώς διατηρημένο σε συντονισμό λόγω των αλλαγών στη θερμοκρασία και την υγρασία. Υπήρχε ένα πολύ διάσημο αστείο: ένας παίχτης λαούτου ξοδεύει τα δύο τρίτα του χρόνου κουρδίζοντας το όργανο και το ένα τρίτο παίζει μουσική σε ένα μη κουρδισμένο όργανο.

Σχέδιο

Ένα πολύ κομψό σχέδιο του λαούτου περιλαμβάνει σώμα και λαιμό, που τελειώνει με μανταλάκι. Το σώμα, που έχει σχήμα αχλαδιού, περιλαμβάνει ένα κατάστρωμα και ένα σώμα που λειτουργεί ως αντηχείο.

• Το σώμα είναι κατασκευασμένο από κυρτό, σχηματίζοντας ένα ημισφαιρικό σχήμα, τμήματα κατασκευασμένα από σκληρό ξύλο: έβενος, ροδόξυλο, κεράσι ή σφενδάμι.
• Το κατάστρωμα είναι το μπροστινό μέρος του σώματος που καλύπτει το σώμα. Είναι επίπεδο, ωοειδές σχήμα και συνήθως είναι κατασκευασμένο από έλατο αντηχείο. Υπάρχει μια βάση στο κατάστρωμα στο κάτω μέρος και στη μέση υπάρχει μια τρύπα ήχου με τη μορφή ενός κομψού περίπλοκου σχεδίου ή ενός όμορφου λουλουδιού.

Ένας σχετικά φαρδύς, αλλά κοντός λαιμός λαούτου είναι στερεωμένος στο σώμα στο ίδιο επίπεδο με το ηχείο. Σε αυτό είναι κολλημένη μια επικάλυψη από έβενο και δένονται επίσης οι οριοθέτες τάστας catgut. Στο πάνω μέρος του λαιμού υπάρχει ένα παξιμάδι που ελέγχει την τάση των χορδών.

Το μανταλάκι του λαούτου, στο οποίο υπάρχουν καρφίτσες ρύθμισης για την τάνυση της χορδής, έχει επίσης το δικό του διακριτικό γνώρισμα. Βρίσκεται στο γεγονός ότι το μπλοκ βρίσκεται σε σχέση με το λαιμό του λαιμού σε μια αρκετά μεγάλη, σχεδόν ορθή γωνία.

Ο αριθμός των ζευγαρωμένων χορδών σε διαφορετικά λαούτα ποικίλλει πολύ: 5 έως 16 και μερικές φορές 24.

Βάροςτο εργαλείο είναι πολύ μικρό και είναι περίπου 400 γρ., μήκοςεργαλείο - περίπου 80 cm.

ποικιλίες

Το λαούτο κάποτε, που ήταν πολύ δημοφιλές, εξελίχθηκε πολύ εντατικά. Μουσικοί Δάσκαλοιπειραματιζόταν συνεχώς με το σχήμα, τον αριθμό των χορδών και το κούρδισμά του. Ως αποτέλεσμα, προέκυψε ένας αρκετά σημαντικός αριθμός ποικιλιών οργάνων. Για παράδειγμα, αναγεννησιακά λαούτα εκτός παραδοσιακά όργανα, συμπεριλαμβανομένων οργάνων με διαφορετικό αριθμό ζευγαρωμένων χορδών - χορωδιών, είχαν τύπους διαφόρων μεγεθών που ήταν παρόμοιοι με τους ήχους της ανθρώπινης φωνής: μικρή οκτάβα, μικρή πρίμα, πρίμα, άλτο, τενόρο, μπάσο και οκτάβα μπάσο. Επιπλέον, η οικογένεια του λαούτου περιλαμβάνει το μπαρόκ λαούτο, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kittaron, zither, bandora, cantabile lute, orfarion, wandervogel lute, mandora, mandola.

Εφαρμογή

Οι ιστορικοί τέχνης θεωρούν το λαούτο όχι μόνο ένα από τα πιο ενδιαφέροντα, αλλά και ένα θεμελιωδώς σημαντικό όργανο στην ιστορία της ευρωπαϊκής μουσικής του 16ου και 17ου αιώνα. Έχει αναγνωριστεί από εκπροσώπους διαφόρων κοινωνικών στρωμάτων, από τους απλούς μέχρι τους βασιλικούς, και έχει χρησιμοποιηθεί ως συνοδευτικό, σόλο και μουσικό όργανο. Η ταχέως αυξανόμενη δημοτικότητα του λαούτου απαιτούσε συνεχώς αναπλήρωση και ενημέρωση του ρεπερτορίου. Πολύ συχνά, οι συνθέτες των έργων ήταν ταυτόχρονα και ερμηνευτές, έτσι ένας ολόκληρος γαλαξίας από υπέροχους συνθέτες λαούτου εμφανίστηκε στις ευρωπαϊκές χώρες. Στην Ιταλία - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. Στην Ισπανία - L. Milan, M. Fuenlyana. Στη Γερμανία - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. Στην Αγγλία - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. Στην Πολωνία - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Στη Γαλλία - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Πρέπει επίσης να σημειωθεί ότι ακόμη και τέτοιοι μεγάλοι δάσκαλοι όπως ΕΙΝΑΙ. Μπαχ, Α. Βιβάλντι, G. Handel, J. Haydnέδωσαν σημασία στο λαούτο, εμπλουτίζοντας το ρεπερτόριό του με τα έργα τους.

Προς το παρόν, το ενδιαφέρον για την πρώιμη μουσική, και ταυτόχρονα για το λαούτο, δεν εξασθενεί. Ο ήχος της ακούγεται όλο και περισσότερο στις σκηνές ΑΙΘΟΥΣΕΣ συναυλιών. Αναμεταξύ σύγχρονους συνθέτεςπου συνθέτουν για το όργανο σήμερα, πολλά ενδιαφέροντα έργα πρέπει να σημειωθούν από τους I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. MacFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Αξιόλογοι καλλιτέχνες

Ασυνήθιστα μοντέρνο στην Αναγέννηση και το Μπαρόκ, αλλά αντικατεστημένο από άλλα όργανα και άδικα ξεχασμένο, το λαούτο προκαλεί ξανά σήμερα μεγάλο ενδιαφέρον και όχι μόνο στους αυθεντικούς μουσικούς. Ο ήχος της ακούγεται πλέον όλο και περισσότερο σε διαφορετικά συναυλιακούς χώρους, και όχι μόνο σόλο, αλλά και σε σύνολο με άλλα όμορφα αρχαία μουσικά όργανα. Στον 21ο αιώνα, οι πιο διάσημοι βιρτουόζοι ερμηνευτές που κάνουν πολλά για να διαδώσουν το όργανο είναι οι V. Kaminik (Ρωσία), P. O "Dett (ΗΠΑ), O. Timofeev (Ρωσία), A. Krylov (Ρωσία, Καναδάς) , A Suetin (Ρωσία), B. Yan (Κίνα), J. Imamura (Ιαπωνία), R. Lislevand (Νορβηγία), E. Karamazov (Κροατία), J. Held (Γερμανία), L. Kirchhoff (Γερμανία), E. Eguez (Αργεντινή), H. Smith (ΗΠΑ), J. Lindbergh (Σουηδία), R. Barto (ΗΠΑ), M. Lowe (Αγγλία), N. North (Αγγλία), J. van Lennep (Ολλανδία) και πολλοί άλλοι .

Ιστορία

Όλη η ιστορία της εμφάνισης του λαούτου, που στο Ανατολικές χώρεςθεωρήθηκε ένα από τα πιο προηγμένα όργανα, είναι αδύνατο να εντοπιστεί. Τέτοια εργαλεία ήταν ήδη ευρέως διαδεδομένα σε πολλές χώρες του κόσμου πριν από τέσσερις χιλιετίες. Έπαιζαν μουσική στην Αίγυπτο, τη Μεσοποταμία, την Κίνα, την Ινδία, την Περσία, την Ασσυρία, Αρχαία Ελλάδακαι τη Ρώμη. Ωστόσο, μελετητές της τέχνης προτείνουν ότι το λαούτο είχε έναν άμεσο προκάτοχο, το ούτι, ένα όργανο που αντιμετωπίζεται ακόμη με ιδιαίτερη ευλάβεια στη Μέση Ανατολή, υποστηρίζοντας ότι είναι αποτέλεσμα της δημιουργίας του εγγονού του Προφήτη. Το ούτι είχε σώμα σε σχήμα αχλαδιού, το οποίο ήταν από ξύλο καρυδιάς ή αχλαδιάς, ηχείο από πεύκο, κοντό λαιμό και κεφάλι με κυρτό πίσω μέρος. Ο ήχος εξήχθη με πλέγμα.

Η κατάκτηση της Ευρώπης με το λαούτο ξεκίνησε τον 8ο αιώνα από την Ισπανία και την Καταλονία, αφού οι Μαυριτανοί κατέκτησαν την Ιβηρική Χερσόνησο. Το εργαλείο όχι μόνο εντάχθηκε πολύ γρήγορα στους πολιτισμούς αυτών των χωρών, αλλά και λόγω σταυροφορίες, άρχισε να εξαπλώνεται γρήγορα σε άλλα ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣ: Ιταλία. Γαλλία, Γερμανία, εκτοπίζοντας άλλα όργανα που υπήρχαν εκείνη την εποχή, όπως η στέρνα και η πανδούρα. Το λαούτο, κερδίζοντας δημοτικότητα, υποβαλλόταν συνεχώς σε διάφορες βελτιώσεις. Οι Masters έκαναν αλλαγές στο σχέδιο του οργάνου, τροποποίησαν το σώμα και το λαιμό, πρόσθεσαν χορδές. Αν αρχικά είχε από 4 - 5 ζευγαρωτά έγχορδα - χορωδίες, στη συνέχεια ο αριθμός σταδιακά αυξήθηκε. Μέχρι τον 14ο αιώνα, το λαούτο στην Ευρώπη όχι μόνο διαμορφώθηκε πλήρως, αλλά έγινε επίσης ένα από τα πιο δημοφιλή όργανα όχι μόνο στο δικαστήριο, αλλά και στην οικιακή μουσική. Χρησιμοποιήθηκε όχι μόνο ως συνοδευτικό, αλλά και ως σόλο όργανο. Για το λαούτο, συνέθεσαν πολλή ποικιλόμορφη μουσική, έκαναν μεταγραφές όχι μόνο λαϊκών τραγουδιών και χορών, αλλά και ιερής μουσικής. Τον 15ο αιώνα, η δημοτικότητα του οργάνου αυξήθηκε ακόμη περισσότερο, οι ζωγράφοι συχνά το απεικονίζουν στους καμβάδες τέχνης τους. Οι συνθέτες συνεχίζουν να εμπλουτίζουν εντατικά το ρεπερτόριο. Οι ερμηνευτές εγκαταλείπουν το πλεκτό, προτιμώντας τη μέθοδο εξαγωγής δακτύλου, η οποία διεύρυνε σημαντικά τις τεχνικές δυνατότητες, επιτρέποντας την εκτέλεση τόσο αρμονικής συνοδείας όσο και πολυφωνικής μουσικής. Τα λαούτα συνέχισαν να βελτιώνονται και τα όργανα με έξι ζεύγη χορδών έγιναν τα πιο περιζήτητα.

Τον 16ο αιώνα, η δημοτικότητα του λαούτου έφτασε στο αποκορύφωμά του. Κυριάρχησε τόσο σε επαγγελματίες μουσικούς όσο και σε ερασιτέχνες. Το όργανο ακουγόταν στα παλάτια των βασιλιάδων και των υψηλότερων ευγενών, καθώς και στα σπίτια των απλών πολιτών. Ερμήνευσε σόλο και μουσικά έργα, συνόδευε τραγουδιστές και χορωδίες και, επιπλέον, τους μύησε στις ορχήστρες. ΣΕ διαφορετικές χώρεςδημιουργήθηκαν σχολές για την παραγωγή οργάνων λαούτου, το πιο γνωστό από αυτά ήταν στην Ιταλία στην πόλη της Μπολόνια. Τα όργανα τροποποιούνταν συνεχώς, ο αριθμός των ζευγαρωμένων χορδών αυξανόταν: πρώτα δέκα, μετά δεκατέσσερις και αργότερα ο αριθμός τους έφτασε τα 36, γεγονός που απαιτούσε αναλόγως αλλαγές στο σχέδιο του οργάνου. Υπήρχαν πολλές ποικιλίες του λαούτου, ανάμεσά τους επτά που αντιστοιχούσαν στην τεσιτούρα της ανθρώπινης φωνής, από έκπτωση μέχρι μπάσο.

Στα τέλη του 17ου αιώνα, η δημοτικότητα του λαούτου άρχισε να μειώνεται αισθητά, καθώς σταδιακά αντικαταστάθηκε από όργανα όπως κιθάρα, είδος παλαιού πιάνου, και αργότερα το πιάνο. Τον 18ο αιώνα, στην πραγματικότητα δεν χρησιμοποιήθηκε πλέον, με εξαίρεση αρκετές ποικιλίες που υπήρχαν στη Σουηδία, την Ουκρανία και τη Γερμανία. Και μόνο στις αρχές του 19ου και του 20ου αιώνα, λόγω του ανανεωμένου ενδιαφέροντος για τα αρχαία όργανα των Άγγλων ενθουσιωδών, με επικεφαλής τον οργανοπαίχτη, επαγγελματία μουσικό και μουσικολόγο Arnold Dolmich, η προσοχή στο λαούτο αυξήθηκε και πάλι πολύ.

Το λαούτο είναι ένα αρχαίο κομψό μουσικό όργανο με όμορφη απαλή φωνή, το οποίο κάποτε εξαναγκάστηκε να φύγει από τη χρήση και άδικα ξεχάστηκε. Ο καιρός πέρασε, οι μουσικοί τον θυμήθηκαν, ενδιαφέρθηκαν και τον έφεραν ξανά στη σκηνή της συναυλίας για να κατακτήσει τους ακροατές με έναν εκλεπτυσμένο ήχο. Σήμερα, το λαούτο συμμετέχει συχνά σε συναυλίες αυθεντικής μουσικής, παίζοντας τόσο ως σόλο όσο και ως σύνολο.

Βίντεο: ακούστε το λαούτο

Κάποτε υποσχέθηκα να μιλήσω για ιαπωνικά μουσικά όργανα. Αυτή η ώρα έφτασε. Η Biva έπεσε στα χέρια μου εντελώς τυχαία, αλλά της έπεσε να ανοίξει το θέμα :)

Σήμερα, την προσοχή μας θα τραβήξουν οι μαγικοί - αν και όχι ήπιοι, και όχι αέρινοι, αλλά μάλλον σκληροί, μεταλλικοί και ρυθμικοί - οι ήχοι ενός παραδοσιακού ιαπωνικού μουσικού οργάνου που ονομάζεται biwa (biwa).
Το Biwa είναι μια ιαπωνική ποικιλία λαούτου ή μαντολίνου, ήρθε στην Ιαπωνία από την Κίνα τον 7ο αιώνα, στην Κίνα ένα παρόμοιο όργανο ονομάζεται pipa (pipa), αλλά ήρθε στην Κίνα από την Περσία τον τέταρτο αιώνα μ.Χ.
Και οι ρίζες του ευρωπαϊκού λαούτου πηγαίνουν επίσης στην Κεντρική Ασία.
Στην Ιαπωνία, πάνω από χίλια χρόνια ανάπτυξης biwa, έχουν εμφανιστεί πολλά μοντέλα, πολλές σχολές παιχνιδιού και τραγουδιού.

(Αυτό είναι ένα είδος κοντσέρτου biwa με ορχήστρα. Gion shoja. Συνθέτης Hirohisa Akigishi
Στην ηχογράφηση του προλόγου "The tale" s of Heike "(η ιστορία του Heike, που ονομάζεται επίσης" Taira monogatari ") Αυτό είναι το κύριο σύγχρονο έργοπου εκτελείται σε biwa. Αυτή η ηχογράφηση έγινε στη Σεούλ, το 2004 στο κέντρο Sejong)

Το εργαλείο είναι παρόμοιο σε σχήμα με ένα παξιμάδι αμυγδάλου στραμμένο προς τα πάνω. Το μπροστινό τοίχωμα του σώματος είναι ελαφρώς κυρτό προς τα εμπρός, το πίσω μέρος είναι επίπεδο. Οι τοίχοι - δηλαδή δύο ξύλινες σανίδες - δεν απέχουν πολύ μεταξύ τους, το όργανο είναι μάλλον επίπεδο. Υπάρχουν τρεις τρύπες στον μπροστινό τοίχο.
Το biwa έχει τέσσερις ή πέντε χορδές από τις καλύτερες μεταξωτές κλωστές κολλημένες μεταξύ τους με κόλλα ρυζιού. Η ταστιέρα έχει πέντε πολύ ψηλά τάστα.

Οι χορδές είναι τεντωμένες αρκετά ελεύθερα, δηλαδή δεν είναι πολύ τεντωμένες. Ο μουσικός, πατώντας πιο δυνατά τη χορδή, αλλάζει την ένταση, δηλαδή ανεβάζει τον τόνο. Μπορούμε να πούμε ότι το όργανο δεν είναι καθόλου κουρδισμένο με τη δυτικοευρωπαϊκή έννοια της λέξης, αλλά ο μουσικός μπορεί να παίξει ορισμένες νότες αλλάζοντας τη δύναμη του πιέματος των χορδών.
Αλλά το νόημα του παιχνιδιού δεν είναι καθόλου να χτυπήσει τη σωστή νότα. Επομένως, δεν υπάρχει λαβή θανάτου στη χορδή, το δάχτυλο αλλάζει πίεση όλη την ώρα, γεγονός που κάνει τον ήχο να επιπλέει. Επιπλέον, με το δάχτυλό σας μπορείτε να μετακινήσετε τη χορδή κατά μήκος των φαρδιών τάστων, από αυτό η χορδή αρχίζει να βουίζει, όπως σε τέτοιους Ινδιάνους έγχορδα όργανασαν ένα σιτάρ ή ένα κρασί.

Το biwa κρατιέται κάθετα και χρησιμοποιείται ένα τριγωνικό ξύλινο πλέγμα, σε σχήμα μικρού ανεμιστήρα, όταν παίζει. Η μία πλευρά του φτάνει τα 30 εκατοστά σε μήκος, είναι ένα είδος ωμοπλάτη. Η κατασκευή αυτών των λεπίδων - μεγάλη τέχνη, πρέπει να είναι σταθερά και ελαστικά ταυτόχρονα. Το δέντρο για τον μεσολαβητή στεγνώνει για δέκα χρόνια. Φυσικά, χρησιμοποιείται ένα σπάνιο είδος δέντρου.
Με ένα pick μπορείς να χτυπήσεις όχι μόνο τις χορδές, αλλά και το σώμα, καθώς και να ξύσεις τις χορδές, ωστόσο, οι μάστορες λένε ότι αυτή είναι μια σύγχρονη τεχνική, αυτό δεν ίσχυε πριν.
Αλλά είναι σαφές ότι υπάρχουν περισσότεροι από ένας τρόποι για να χτυπήσετε μια χορδή με τόσο μεγάλο πλέγμα - και αυτό, φυσικά, ακούγεται απόλυτα.

BIWA (King Records, 1990)
Το CD έχει δύο ορχηστρικά κομμάτια και τέσσερα φωνητικά-οργανικά κομμάτια. Το πιο εντυπωσιακό είναι το επικό τραγούδι "Kawanakajima" ("Island Between Two Rivers") που ερμηνεύει ο Enomoto Shisui.
Ο Enomoto Shizui πέθανε το 1978 και γεννήθηκε τον 19ο αιώνα. Ανήκε στους διάσημους biwa masters της εποχής πριν από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο.
Τον 19ο αιώνα και το πρώτο μισό του 20ου, η τέχνη του biwa γνώρισε μια αναγέννηση, μόνο στο Τόκιο υπήρχαν 30 δεξιοτέχνες που έφτιαχναν μουσικά όργανα, μετά τον πόλεμο σε όλη την Ιαπωνία -και σε ολόκληρο τον κόσμο- έμεινε μόνο ένας . Αυτή η τέχνη είχε την ευκαιρία να εξαφανιστεί για πάντα, επειδή οι στίχοι ήταν εμποτισμένοι με το πολιτικά λανθασμένο πλέον πνεύμα σαμουράι.
Σε σύγκριση με τη νέα γενιά τραγουδιστών, η φωνή του Enomoto Shizuya ακούγεται πιο τραγική, πιο υστερική και, θα έλεγα, πιο αδίστακτη.
Το νησί στο οποίο είναι αφιερωμένο αυτό το τραγούδι είναι μια λωρίδα γης ανάμεσα σε δύο ποτάμια. Σε αυτό το μέρος τον 16ο αιώνα έγιναν αρκετές μάχες μεταξύ των στρατευμάτων δύο στρατιωτικών ηγετών.
Δεν μπορώ να πιστέψω ότι πρόκειται για διασκεδαστική μουσική που ακούει ο κόσμος το βράδυ, κουρασμένος από σημαντικά πράγματα. Όχι, όχι, αυτή η μουσική θυμίζει ξεκάθαρα στους σαμουράι το καθήκον τους και πυροδοτεί τη μαχητικότητα τους.

Ένα άλλο γνωστό αντικείμενο είναι το Atsumori, το οποίο είναι επίσης ένα biwa στην εικόνα.

Αιχμηρά μεταλλικά χτυπήματα - παρόμοια με το ξίφος - έρχονται σε αντίθεση με τη φωνή του τραγουδιστή που ξεδιπλώνεται αργά. Τα φωνήεντα σέρνονται για πολύ, ο ρυθμός είναι ελεύθερος, υπάρχουν πολλές παύσεις στη μουσική, αλλά σε καμία περίπτωση δεν μπορεί να χαρακτηριστεί νωθρό. Είναι πολύ τεταμένη και συγκεντρωμένη.
Παρεμπιπτόντως, οι παύσεις, το κενό, οι στιγμές σιωπής στην ιαπωνική παράδοση θεωρούνται επίσης ακουστικό στοιχείο, δηλαδή ήχος. Λέγεται η λέξη «μα». Η σιωπή μπορεί να είναι σύντομη ή μεγάλη, τεταμένη ή ήρεμη, απροσδόκητη ή λογική. Η σιωπή δίνει έμφαση σε κάποιους ήχους και μετατοπίζει την έμφαση σε μια μουσική φράση.

Υπήρχαν δύο παράλληλα ρεύματα στην ιστορία του biwa: πρώτον, το biwa ήταν μέρος της ορχήστρας του δικαστηρίου. Ένα αρχαίο biwa βρισκόταν οριζόντια στο πάτωμα και παιζόταν με ένα μικρό πλέγμα. Ήταν κρουστό όργανο.
Στο Μεσαίωνα, το biwa παιζόταν από τους αριστοκράτες και τους υποτελείς τους.Πιστεύεται ότι αυτή η μουσική ήταν καθαρά οργανική. ΣΕ κλασική λογοτεχνίαΠολλές περιγραφές του μεσαιωνικού σόλο biwa, ο χαριτωμένος και εκλεπτυσμένος ήχος του και οι υπέροχες μελωδίες που ήρθαν από την Κίνα έχουν διασωθεί, αλλά το σόλο biwa δεν έχει διατηρηθεί στην παράδοση της δικαστικής μουσικής μέχρι σήμερα. Στην ορχήστρα Gagaku, το κομμάτι biwa είναι τόσο απλό που είναι αδύνατο να απαλλαγούμε από την εντύπωση ότι κάτι σημαντικό έχει χαθεί στο πέρασμα των αιώνων.
Η παράδοση του biwa ως σόλο οργάνου διακόπηκε τον 13ο αιώνα και αναβίωσε μόλις τον 20ο.

"Ichinotani" en laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmento). Ευρωπαϊκή έκδοση, όπως μπορείτε να δείτε

Αλλά η κύρια λειτουργία του biwa είναι να συνοδεύει μεγάλα τραγούδια και ιστορίες.
Μέχρι τον 20ο αιώνα, το biwa παιζόταν σχεδόν αποκλειστικά από τυφλούς μουσικούς, τους έλεγαν biwahoshi. Μερικοί από αυτούς ήταν βουδιστές μοναχοί και απήγγειλαν σούτρα και ύμνους, αλλά παρόλα αυτά, οι περισσότεροι τραγουδιστές αφηγούνταν για πολέμους και μάχες θρυλικών ηρώων.
Πιο διάσημα ηρωικό έποςαπό το ρεπερτόριο biwahoshi - "Heike Monogatari" (Heike Monogatari).
Αυτό είναι ένα τεράστιο και μάλλον αιματηρό ποίημα για το πώς η φυλή Heike (γνωστός και ως Taire), μετά από μια σύντομη περίοδο ακμής, ηττήθηκε από τη φυλή Genji (Genji, γνωστός και ως Minamoto) στο δεύτερο μισό του 12ου αιώνα.
Το ποίημα έχει 200 ​​επεισόδια, εκ των οποίων τα 176 είναι συνηθισμένα, τα 19 μυστικά και τα υπόλοιπα 5 είναι άκρως απόρρητα.

(συγγνώμη για την ποιότητα εικόνας και ήχου. Έπαιξε ο Yukihiro Goto)
Όλες οι ιστορίες με τον ένα ή τον άλλο τρόπο απεικονίζουν τις βουδιστικές ιδέες της αιτίας και του αποτελέσματος, καθώς και την παροδικότητα της μοίρας.
Σήμερα, το "Heike Monogatari" ερμηνεύεται από λίγους μόνο από τους μουσικούς που παίζουν biwa. Όλοι οι άλλοι έχουν ένα πολύ πιο σύγχρονο ρεπερτόριο.
Ωστόσο, υπάρχει η άποψη ότι τα ηρωικά τραγούδια που ερμήνευσαν στο Μεσαίωνα τυφλοί μοναχοί έχουν εξαφανιστεί, καθώς και η παράδοση της ενόργανης αυλής biwa. Η παράδοση του ηρωικού τραγουδιού έχει αναβιώσει αρκετές φορές και, πιθανότατα, καθόλου με τη μορφή που υπήρχε πριν από 700 χρόνια.
Αν και η ιστορία του οργάνου χρονολογείται από τον 7ο αιώνα, αλλά η μουσική που έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα, προφανώς, δεν έχει πλέον καμία σχέση με τον Μεσαίωνα, το στυλ, που σήμερα ονομάζεται αρχαίο και κλασικό, δεν διαμορφώθηκε πριν πολύ καιρό.
Μια σημαντική στιγμή στην ιστορία του biwa είναι ο 16ος αιώνας.
Στη συνέχεια δημιουργήθηκε νέο εργαλείο Satsuma biwa: Ο αρχηγός της φυλής Satsuma έδωσε εντολή να βελτιωθεί το χαμηλής ισχύος και σεμνό λαούτο των τυφλών μοναχών, ώστε να γίνει ένα δυνατό όργανο με εντυπωσιακό και οξύ ήχο. Το biwa έγινε μεγαλύτερο, το σώμα του ήταν κατασκευασμένο από σκληρότερο ξύλο. Ο ήχος της έγινε πιο ανδρικός, αν όχι επιθετικός.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(καλύτερος ήχος, αλλά δεν επιτρέπεται η ενσωμάτωση)
Γράφτηκαν και νέα τραγούδια. Ο σκοπός αυτής της δράσης ήταν εκπαιδευτικός και προπαγάνδας: οι νέοι που υποβλήθηκαν σε στρατιωτική εκπαίδευση - δηλαδή οι μελλοντικοί σαμουράι, έπρεπε να αναπτυχθούν στο πνεύμα και να μάθουν τα βασικά της ιπποτικής ανδρείας κάτω από αυτά τα τραγούδια.
Τότε δεν υπήρχε κανόνας παιχνιδιού και τραγουδιού - κάθε σαμουράι μπορούσε να φωνάξει ένα ηρωικό κείμενο και, για μεγαλύτερη εκφραστικότητα, να χτυπά τις χορδές από καιρό σε καιρό. Τα τραγούδια δεν καλούσαν πλέον μόνο τη νεολαία σε εκμεταλλεύσεις, οι σαμουράι που επέζησαν του πολέμου μίλησαν για τις εκστρατείες τους, επίσης υπό τους ήχους biwa.
Με το πέρασμα του χρόνου, ο αρκετά φιλήσυχος πληθυσμός άρχισε να ενδιαφέρεται έντονα για αυτή τη μιλιταριστική μουσική. Κατά συνέπεια, εμφανίστηκε ένα στυλ για τους πολίτες: machi fu (αστικό στυλ) - και για τους στρατιωτικούς: shi fu (στυλ σαμουράι).
Εμφανίστηκαν νέοι τύποι οργάνων. Ας πούμε ότι το chikuzen biwa (chikuzen-biwa) εμφανίστηκε τον 19ο αιώνα, έχει ένα επιπλέον - μια υψηλή χορδή. Επομένως, αυτό το biwa θεωρείται θηλυκό, πιο απαλό. Παίξτε το, αντίστοιχα, γυναίκες.

Σε όλα τα επικά τραγούδια που ερμηνεύονται με τη συνοδεία ενός biwa, το κείμενο είναι ρυθμική πρόζα διανθισμένη με μικρά ποιητικά αποσπάσματα. Ορισμένες φράσεις τραγουδιούνται σε κανονικές μελωδίες, ακολουθούμενες από μικρά διαλείμματα οργάνων. Αλλά, κατά κανόνα, ένα ή δύο χτυπήματα στις χορδές biwa ακούγονται στο τέλος κάθε φράσης ή στροφής. Αυτά τα χτυπήματα είναι διαφορετικά σε χροιά - το biwa έχει πολύ περισσότερες δυνατότητες από το τύμπανο.
Εάν οι ήχοι του biwa απεικονίζουν αυτό που τραγουδά ο αφηγητής, τότε είναι μόνο σε χροιά - λεπτός ή κωφός, ακούγεται μεταλλικός ή σφύριγμα... Το κείμενο τραγουδιέται στα κλασικά ιαπωνικά, οι ακροατές πρέπει να καταλάβουν τι είναι λέγεται: ο τονισμός, ο ρυθμός και οι χρωματικοί ήχοι σχετίζονται με το περιεχόμενο του δράματος.
Αυτή είναι μουσική για άμεση ακρόαση, για όσους συμπαθούν τη δράση, αιχμαλωτισμένη πλήρως από αυτήν.
Εμείς, μη γνωρίζοντας τη γλώσσα, προφανώς, απλά δεν αντιλαμβανόμαστε πολλά σε αυτή τη μουσική, αλλά εκείνη, ως εκ θαύματος, δεν γίνεται εξωτικό, παράξενο ή φανταστικό από αυτό. Όχι, όχι, διατηρεί τη σημασία και την πειστικότητα του.
Είναι επίσης ενδιαφέρον ότι πρόκειται για πολύ συναισθηματική μουσική, πολύ έντονη, ανοιχτή. Και οι Ιάπωνες -όπως όλοι οι άλλοι Βουδιστές- φαίνεται να αποφεύγουν να δείξουν τα συναισθήματά τους.

Στην Ιαπωνία, η δύναμη που κινεί το σύμπαν ονομάζεται κι. Είναι μια πνευματική δύναμη παρόμοια με το ελληνικό πνέυμα.
Η έκφραση κι έχει την υψηλότερη προτεραιότητα σε όλες Ιαπωνικές τέχνες. Στον μακρόκοσμο, το κι αντιστοιχεί στους ανέμους, στον μικρόκοσμο, στην πνοή του ανθρώπου. Στα ιαπωνικά, υπάρχουν πολλές λέξεις που σχετίζονται με το ki: ki-shФ (καιρός), ki-haku (πνεύμα).
Η βάση της τραγουδιστικής φωνής είναι η αναπνοή, και επομένως το τραγούδι είναι μια από τις εκδηλώσεις του κι.
Οι αρχαίοι Ιάπωνες πίστευαν ότι προφέροντας ή, καλύτερα να πούμε, εκπνέοντας, φυσώντας μια λέξη, εκτελούσαν μια πνευματική πράξη. Και στα ρωσικά οι λέξεις "ανάσα" και "πνεύμα" δεν είναι καθόλου ξένες μεταξύ τους.
Η ιαπωνική παράδοση του τραγουδιού σχετίζεται άμεσα με αυτή τη στάση απέναντι στη λέξη ως μια ανάσα φορτωμένη με νόημα.

Και αυτή η σύντομη ηχογράφηση δεν είναι απλώς ένα μουσικό κομμάτι, είναι το Gagaku - η τελετουργική μουσική του Ιαπωνικού Αυτοκρατορικού Παλατιού.

Το ευρωπαϊκό τραγούδι -όπως και κάθε άλλη μουσική- βασίζεται στο ύψος και τη διάρκεια των ήχων. ΣΕ αρχαία Ιαπωνίατο τραγούδι συνδύαζε ακουστικά στοιχεία όπως το χρώμα του ήχου, η ενέργειά του, η ένταση και η ποιότητά του σε ένα ενιαίο ηχητικό ιερογλυφικό.
Είναι κάτι αμέτρητα περισσότερο από τη σωστή νότα.
Και η μουσική biwa είναι από πολλές απόψεις σε αντίθεση με τη δυτικοευρωπαϊκή μουσική. Το ιαπωνικό όργανο παίρνει μια εντελώς διαφορετική στάση στον ήχο, στο ρυθμό.
Ο Ιάπωνας μοντερνιστής συνθέτης Toru Takemitsu έχει γράψει αρκετές συνθέσεις που χρησιμοποιούν biwa μαζί με τη συμφωνική ορχήστρα. Υπάρχει ένας παραδοσιακός τρόπος ηχογράφησης μουσικής biwa - σε σύγκριση με τη Δυτική Ευρώπη φαίνεται πολύ προσεγγιστικός.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

Αυτό είναι αφιερωμένο στον Toru Takemitsu

Όταν ένας ερμηνευτής biwa σε μια από τις συνθέσεις του προσφέρθηκε εθελοντικά να μελετήσει τη δυτικοευρωπαϊκή σημειογραφία, η Takemitsu της το απαγόρευσε. «Αυτό είναι το τελευταίο πράγμα που θα περίμενα από σένα», είπε ο συνθέτης. «Θα μελετήσω μόνος μου την παραδοσιακή ηχογράφηση της μουσικής biwa και θα μάθω πώς να τη χρησιμοποιώ, δεν θα χρειαστείτε δυτικές νότες. Σήμερα η παραδοσιακή αίσθηση του ήχου πεθαίνει λόγω του δυτικού συστήματος λεπτό συντονισμόμουσικά όργανα και ηχογράφηση μουσικής με νότες.

Μια φορά κι έναν καιρό, ένα αρχαίο biwa εξαφανίστηκε από το παλάτι του αυτοκράτορα Tennoh. Το όνομά της ήταν Genjo. Δεν είχε τιμή, ήταν πολύ ακριβή. Ο αυτοκράτορας δεν μπορούσε να βρει θέση για τον εαυτό του. Αν ήταν κλεμμένο, τότε ο κλέφτης έπρεπε να το σπάσει - ήταν αδύνατο να το πουλήσει. Ο αυτοκράτορας ήταν σίγουρος ότι το biwa του έκλεψαν για να σκοτεινιάσει την ψυχή του.
Ο Minamoto no Hiromasa ήταν αριστοκράτης και εξαιρετικός μουσικός. Κι εκείνος στεναχωρήθηκε πολύ για την απώλεια.
Ένα βράδυ άκουσε τον ήχο μιας χορδής - δεν υπήρχε αμφιβολία: ήταν το biwa του Genjo. Ο Χιρομάσα ξύπνησε τον υπηρέτη και πήγαν να πιάσουν τον κλέφτη. Πλησίαζαν στον ήχο, αλλά αυτός συνέχιζε να απομακρύνεται. Κάποιο πνεύμα έπαιζε στο biwa - μόνο ο Χιρομάσα μπορούσε να ακούσει τους ήχους των χορδών.
Ακολούθησε τον ήχο μέχρι που έφτασε στο πολύ νότιο σημείοΚιότο - στη δυσοίωνη πύλη Rashomon. Ο Χιρομάσα και ο υπηρέτης του στάθηκαν κάτω από την πύλη, ο ήχος ενός λαούτου ακούστηκε από ψηλά. «Δεν είναι άνθρωπος», ψιθύρισε ο Χιρομάσα, «είναι δαίμονας».
Έβγαλε τη φωνή του, «Ε, ποιος παίζει το Genjo! Ο αυτοκράτορας Tenno έψαχνε για το εργαλείο από τότε που χάθηκε. Ξέρω ότι είσαι εδώ, σε ακολουθούσα σε όλη τη διαδρομή από το παλάτι!».
Η μουσική σταμάτησε, κάτι έπεσε από πάνω και κρεμάστηκε στο διάδρομο. Ο Χιρομάσα οπισθοχώρησε - νόμιζε ότι ήταν δαίμονας. Αλλά το λαούτο του Genjou κρεμόταν από ένα σχοινί από πάνω.
Ο αυτοκράτορας ήταν πολύ χαρούμενος για την επιστροφή του Genjo, κανείς δεν είχε καμία αμφιβολία ότι ήταν ο δαίμονας που έκλεψε τον θησαυρό και μετά τον έδωσε. Ο Χιρομάσα ανταμείφθηκε γενναιόδωρα.
Ο Genjo είναι ακόμα μέσα αυτοκρατορικό παλάτι. Αυτό δεν είναι απλώς ένα λαούτο, είναι κάτι ζωντανό με τον δικό του χαρακτήρα. Αν το σηκώσει ένας ανίκανος μουσικός, δεν βγάζει ήχο.
Μια μέρα έγινε φωτιά στο παλάτι. Όλοι ξέμειναν και κανείς δεν σκέφτηκε να σώσει τον Τζέντζο. Όμως, μυστηριωδώς, βρέθηκε στο γκαζόν μπροστά από το παλάτι, όπου προφανώς βρέθηκε!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Xi Jinping, Πρόεδρος των Κινέζων λαϊκή δημοκρατία, μιλώντας σε συμπόσιο αφιερωμένο στην 69η επέτειο της νίκης επί των Ιάπωνων εισβολέων κατά τον Παγκόσμιο Πόλεμο, καλώντας την Ιαπωνία να υιοθετήσει μια πιο υπεύθυνη προσέγγιση για την αξιολόγηση ...

προστέθηκε: 04 Μαρτίου 2014

Εθνική ιαπωνική μουσική και όργανα

Η Χώρα του Ανατέλλοντος Ηλίου Η Ιαπωνία έχει μια ξεχωριστή και μοναδική κουλτούρα. Η κληρονομιά ενός μεγάλου έθνους είναι στενά συνδεδεμένη με τη μουσική. Η εθνική ιαπωνική μουσική είναι το ίδιο πρωτότυπο φαινόμενο, που οφειλόταν στην απομόνωση της χώρας.

Οι κάτοικοι της Ιαπωνίας αντιμετωπίζουν πάντα με προσοχή και σεβασμό τα μνημεία του πολιτισμού της πατρίδας τους. Οποιαδήποτε μουσική είναι αδύνατη χωρίς μουσικά όργανα. Η μουσική κουλτούρα της Ιαπωνίας έχει το δικό της μοναδικό είδος. Αυτό εξηγεί την ποικιλία των οργάνων που χρησιμοποιούνται για τη δημιουργία μουσικών αριστουργημάτων.

Αξιόλογα μουσικά όργανα

Ένα από τα πιο διάσημα ιαπωνικά μουσικά όργανα είναι shamisen, που είναι ανάλογο με το λαούτο. Ανήκει στην κατηγορία των τρίχορδων μαδημένων οργάνων. Καταγόταν από sanshina, το οποίο με τη σειρά του προέρχεται από σανξιανόςπου είναι εγγενές στην Κίνα.

Η ιαπωνική μουσική και οι χοροί δεν είναι ολοκληρωμένοι χωρίς το shamisen, το οποίο τιμάται ακόμα και σήμερα Ιαπωνικά νησιάκαι χρησιμοποιείται συχνά στο ιαπωνικό θέατρο Μπουνράκου και Καμπούκι. Είναι επίσης σημαντικό το παιχνίδι στο shamisen να περιλαμβάνεται στο πρόγραμμα προπόνησης για γκέισα - maiko.

Η εθνική ιαπωνική μουσική είναι επίσης άρρηκτα συνδεδεμένη με τα φλάουτα. Μουσικό όργανο fueανήκει σε μια οικογένεια φλάουτων που είναι γνωστά για τον υψηλό τόνο τους. Είναι φτιαγμένα από μπαμπού. Αυτό το φλάουτο προήλθε από το κινέζικο φλάουτο - " παιξιάο«.

Το πιο γνωστό φλάουτο από την οικογένεια fue είναι shakuhachi, που χρησιμοποιείται ως μουσικό όργανο από βουδιστές μοναχούς Ζεν. Σύμφωνα με το μύθο, το shakuhachi εφευρέθηκε από έναν απλό αγρότη. Όταν μετέφερε το μπαμπού, άκουσε μια υπέροχη μελωδία που βγήκε από το μπαμπού όταν το φύσηξε ο αέρας.

Το φλάουτο fue, καθώς και το shamisen, χρησιμοποιούνται συχνά ως συνοδευτικό στα θέατρα Banraku και Kabuki, καθώς και σε διάφορα σύνολα. Μερικά από τα φουετ μπορούν να συντονιστούν με τον δυτικό τρόπο και έτσι να γίνουν σολίστ. Είναι ενδιαφέρον ότι παλαιότερα το fue ήταν χαρακτηριστικό μόνο για τους Ιάπωνες περιπλανώμενους μοναχούς.

Σουικινκούτσου

Άλλο ένα εργαλείο που αντιπροσωπεύει ιαπωνική κουλτούραείναι σουικινκούτσου. Έχει σχήμα ανεστραμμένης κανάτας, πάνω από την οποία ρέει νερό. Μπαίνοντας μέσα από ορισμένες τρύπες, κάνει το όργανο να κάνει έναν ήχο που μοιάζει πολύ με το χτύπημα ενός κουδουνιού. Αυτό το όργανο παίζεται πριν από την τελετή του τσαγιού και χρησιμοποιείται επίσης ως χαρακτηριστικό του παραδοσιακού ιαπωνικού κήπου.

Παρεμπιπτόντως, για ευκολία, η τελετή τσαγιού μπορεί να πραγματοποιηθεί στον κήπο. Ο ήχος του οργάνου βυθίζει ένα άτομο σε μια ανεξήγητη αίσθηση χαλάρωσης, δημιουργεί μια στοχαστική διάθεση. Μια τέτοια κατάσταση είναι πολύ κατάλληλη για να βυθιστείτε στο Ζεν, αφού η χαλάρωση στον κήπο κατά τη διάρκεια της τελετής τσαγιού είναι μέρος της παράδοσης του Ζεν.

Πιο κατανοητό για την αντίληψή μας είναι το εργαλείο taiko,που σε μετάφραση στα ρωσικά σημαίνει «τύμπανο». Το Taiko έγινε διάσημο στις στρατιωτικές υποθέσεις, παρεμπιπτόντως, καθώς και οι αντίστοιχοι σε άλλες χώρες. Όπως λένε, στα χρονικά του Gunji Yeshu, εννέα επί εννέα χτυπήματα σήμαιναν κλήση για μάχη και με τη σειρά τους, εννέα επί τρία σήμαιναν ότι ο εχθρός πρέπει να καταδιωχθεί.

Θα πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι κατά την ερμηνεία ενός ντράμερ δίνεται προσοχή στην αισθητική της παράστασης που προσφέρει, αφού δεν έχουν σημασία μόνο η μελωδία και ο ρυθμός της παράστασης, αλλά και η εμφάνιση του οργάνου στο οποίο η μελωδία παίζεται.

Ιαπωνικά είδη μουσικής

Η λαϊκή μουσική της Ιαπωνίας έχει προχωρήσει πολύ στην ανάπτυξή της. Οι απαρχές του ήταν μαγικά τραγούδια, αργότερα στην εξέλιξη και τη διαμόρφωση μουσικό είδοςεπηρεασμένος από τον Κομφουκιανισμό και τον Βουδισμό. Έτσι, η ιαπωνική μουσική, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, συνδέεται με τελετουργίες, παραδοσιακές διακοπές, θεατρικές παραστάσεις και άλλες δραστηριότητες. Ιαπωνικά έθνικ μουσική, η διαδικτυακή ακρόαση που, στον σύγχρονο κόσμο, μπορεί να είναι οποιαδήποτε στιγμή της ημέρας και οπουδήποτε έχει γίνει σημαντικό σημείο πολιτιστικής κληρονομιάςχώρες.

Υπάρχουν δύο βασικές περισσότερες δημοφιλή είδηεθνική ιαπωνική μουσική.

• Το πρώτο είναι shomyo, που είναι βουδιστικά άσματα.
• Δεύτερο - γκαγκάκου, που είναι μουσική ορχηστρικής αυλής.

Αλλά, επίσης, υπάρχουν τέτοια είδη που δεν έχουν αρχαίες ρίζες. Ανήκουν σε yasugi bushi και enka.

Το πιο δημοφιλές είδος ιαπωνικών λαϊκών τραγουδιών είναι yasugi bushi, η οποία πήρε το όνομά της από την πόλη Yasugi. Το θέμα του είδους συνδέεται με την αρχαία ιστορία και τις μυθο-ποιητικές ιστορίες. Αλλά το yasugi bushi δεν είναι μόνο τραγούδια, αλλά και χορός sukui dojoκαθώς και η τέχνη της ταχυδακτυλουργίας στη μουσική ζένι ντάικο, στο οποίο χρησιμοποιούνται ως μουσικό όργανο κοτσάνια μπαμπού, τα οποία γεμίζουν με νομίσματα.

Ένκα, ως είδος, εμφανίστηκε σχετικά πρόσφατα, στη μεταπολεμική περίοδο. Σε αυτό, τα ιαπωνικά λαϊκά μοτίβα είναι συνυφασμένα με τη μουσική τζαζ και μπλουζ. Έτσι, η ιαπωνική μουσική έχει τα δικά της εθνικά χαρακτηριστικά, και επομένως διαφέρει από άλλα μουσικά είδη σε άλλες χώρες. Υπάρχουν λοιπόν μουσικά όργανα που ονομάζονται πηγάδια τραγουδιού, τα οποία δεν θα δείτε πουθενά στη γη, εκτός ίσως από το Θιβέτ.

Η ιαπωνική μουσική χαρακτηρίζεται από συνεχώς μεταβαλλόμενο ρυθμό και ρυθμό. Συχνά δεν υπάρχει μέγεθος σε αυτό. Η ιαπωνική μουσική είναι κοντά στους ήχους της φύσης, γεγονός που την κάνει ακόμα πιο μυστηριώδη και ασυνήθιστη.

Βίντεο: Ιαπωνική μουσική στο διαδίκτυο

Dutar. Du - δύο. Πίσσα - χορδή. Ένα όργανο με σφυρήλατα τάστα και δύο χορδές φλέβας. Πιστεύετε ότι όσο λιγότερες χορδές τόσο πιο εύκολο είναι να παίξετε;

Λοιπόν, ακούστε ένα από τα οι καλύτεροι τεχνίτεςπαίζοντας ντουτάρ - Abdurakhim Khaita, Ουιγούρης από το Xinjiang της Κίνας.
Υπάρχει επίσης ένα ντουτάρ του Τουρκμενιστάν. Οι χορδές και τα τάστα του ντουτάρ του Τουρκμενιστάν είναι μεταλλικά, το σώμα είναι κούφιο από ένα μόνο κομμάτι ξύλου, ο ήχος είναι πολύ φωτεινός, ηχηρός. Το ντουτάρ του Τουρκμενιστάν ήταν ένα από τα αγαπημένα μου όργανα τα τελευταία τρία χρόνια και το ντουτάρ που φαίνεται στη φωτογραφία μου το έφεραν από την Τασκένδη πολύ πρόσφατα. Καταπληκτικό εργαλείο!

Αζερμπαϊτζάν σάζι. Οι εννέα χορδές χωρίζονται σε τρεις ομάδες, καθεμία από τις οποίες κουρδίζεται από κοινού. Ένα παρόμοιο όργανο στην Τουρκία ονομάζεται μπαγλαμάς.

Φροντίστε να ακούσετε πώς ακούγεται αυτό το όργανο στα χέρια ενός δασκάλου. Αν έχετε λίγο χρόνο, τότε δείτε τουλάχιστον από τις 2:30.
Από το σάζι και τον μπαγλαμά προήλθε το ελληνικό μπουζούκι και η ιρλανδική του εκδοχή.

Oud ή al-ud, αν ονομάζετε αυτό το όργανο στα αραβικά. Από την αραβική ονομασία αυτού του οργάνου προήλθε το όνομα του ευρωπαϊκού λαούτου. Al-ud - λαούτο, λαούτο - ακούς; Το συνηθισμένο ούτι δεν έχει τάστα - τα τάστα σε αυτό το δείγμα από τη συλλογή μου εμφανίστηκαν με δική μου πρωτοβουλία.

Ακούστε πώς ένας δάσκαλος από το Μαρόκο παίζει ούτι.

Από το κινέζικο δίχορδο βιολί erhu με απλό σώμα αντηχείου και μικρή δερμάτινη μεμβράνη προήλθε το κεντροασιατικό gidjak, το οποίο στον Καύκασο και την Τουρκία ονομαζόταν kemancha.

Ακούστε πώς ακούγεται το kemancha όταν το παίζει ο Imamyar Khasanov.

Το ρουμπάμπ έχει πέντε χορδές. Τα τέσσερα πρώτα από αυτά διπλασιάζονται, κάθε ζευγάρι κουρδίζεται από κοινού και η χορδή μπάσου είναι μία. Ο μακρύς λαιμός έχει τάστα σύμφωνα με τη χρωματική κλίμακα για σχεδόν δύο οκτάβες και ένα μικρό αντηχείο με δερμάτινη μεμβράνη. Τι νομίζετε ότι σημαίνουν οι καμπύλες προς τα κάτω κόρνες που προέρχονται από το λαιμό προς το όργανο; Το σχήμα του σας θυμίζει κεφάλι προβάτου; Αλλά εντάξει φόρμα - τι ήχος! Θα έπρεπε να έχετε ακούσει τον ήχο αυτού του οργάνου! Δονείται και τρέμει ακόμα και με τον ογκώδες λαιμό του, γεμίζει όλο τον χώρο γύρω με τον ήχο του.

Ακούστε τον ήχο του Kashgar rubab. Αλλά το ρουμπάμπ μου ακούγεται καλύτερα, ειλικρινά.

Η ιρανική πίσσα έχει ένα διπλό κοίλο σώμα κατασκευασμένο από ένα μόνο κομμάτι ξύλο και μια μεμβράνη από λεπτό δέρμα ψαριού. Έξι ζευγαρωμένες χορδές: δύο ατσάλινες χορδές, ακολουθούμενες από συνδυασμό χάλυβα και λεπτού χαλκού, και το επόμενο ζευγάρι κουρδίζεται σε μια οκτάβα - μια χοντρή χάλκινη χορδή κουρδίζεται μια οκτάβα κάτω από το λεπτό ατσάλι. Η ιρανική πίσσα έχει αναγκαστικά τάστα από φλέβες.

Ακούστε πώς ακούγεται η ιρανική πίσσα.
Η ιρανική πίσσα είναι ο πρόγονος πολλών οργάνων. Ένα από αυτά είναι ένα ινδικό σετάρ (se - three, tar - string), και για τα άλλα δύο θα μιλήσω παρακάτω.

Η πίσσα του Αζερμπαϊτζάν δεν έχει έξι, αλλά έντεκα χορδές. Έξι από τα ίδια με το ιρανικό tar, μια επιπλέον χορδή μπάσου και τέσσερις άπαιχτες χορδές που αντηχούν όταν παίζονται, προσθέτοντας ηχώ στον ήχο και κάνοντας τον ήχο να διαρκεί περισσότερο. Το Tar και το kemancha είναι ίσως τα δύο βασικά όργανα της μουσικής του Αζερμπαϊτζάν.

Ακούστε για λίγα λεπτά, ξεκινώντας στις 10:30 ή τουλάχιστον στις 13:50. Δεν έχετε ακούσει ποτέ κάτι τέτοιο και δεν μπορούσατε να φανταστείτε ότι μια τέτοια απόδοση είναι δυνατή σε αυτό το όργανο. Αυτό παίζεται από τον αδελφό του Imamyar Khasanov - Rufat.

Υπάρχει η υπόθεση ότι το tar είναι ο πρόγονος της σύγχρονης ευρωπαϊκής κιθάρας.

Πρόσφατα, όταν μίλησα για το ηλεκτρικό καζάνι, με επέπληξαν - λένε, βγάζω την ψυχή από το καζάνι. Πιθανώς, περίπου το ίδιο πράγμα είπε και σε ένα άτομο που, πριν από 90 χρόνια, μάντεψε να βάλει ένα πικ-απ σε μια ακουστική κιθάρα. Περίπου τριάντα χρόνια αργότερα, δημιουργήθηκαν τα καλύτερα δείγματα ηλεκτρικών κιθάρων, τα οποία παραμένουν το πρότυπο μέχρι σήμερα. Μια δεκαετία αργότερα εμφανίστηκαν οι Beatles, Οι Rolling Stonesακολουθούν οι Pink Floyd.
Και όλη αυτή η πρόοδος δεν εμπόδισε τους κατασκευαστές. ακουστικές κιθάρεςκαι κλασικές κιθαρίστες.

Όμως τα μουσικά όργανα δεν εξαπλώθηκαν πάντα από την ανατολή προς τη δύση. Για παράδειγμα, το ακορντεόν έχει γίνει ασυνήθιστα λαϊκό όργανοστο Αζερμπαϊτζάν τον 19ο αιώνα, όταν εμφανίστηκαν εκεί οι πρώτοι Γερμανοί άποικοι.

Το ακορντεόν μου το έφτιαξε ο ίδιος μάστορας που έφτιαχνε όργανα για τον Aftandil Israfilov. Ακούστε πώς ακούγεται αυτό το όργανο.

Ο κόσμος των ανατολίτικων μουσικών οργάνων είναι μεγάλος και ποικίλος. Δεν σας έχω δείξει καν ένα μέρος της συλλογής μου, που απέχει πολύ από το να έχει ολοκληρωθεί. Πρέπει όμως να σας πω για δύο ακόμη όργανα.
Ένας σωλήνας με ένα κουδούνι στην κορυφή ονομάζεται ζούρνα. Και το όργανο κάτω από αυτό ονομάζεται ντουτούκ ή μπαλαμάν.

Οι γιορτές και οι γάμοι ξεκινούν με τους ήχους του zurna στον Καύκασο, την Τουρκία και το Ιράν.

Δείτε πώς μοιάζει ένα παρόμοιο όργανο στο Ουζμπεκιστάν.

Στο Ουζμπεκιστάν και το Τατζικιστάν, το zurna ονομάζεται surnay. ΣΕ Κεντρική Ασίακαι το Ιράν, οι παρατεταμένοι ήχοι ενός άλλου οργάνου, του καρνάι, προστίθενται αναγκαστικά στους ήχους της σούρνας και των ντέφι. Το Karnay-surnay είναι μια σταθερή φράση που υποδηλώνει την αρχή των διακοπών.

Είναι ενδιαφέρον ότι ένα όργανο που σχετίζεται με το karnay υπάρχει στα Καρπάθια και το όνομά του είναι γνωστό σε πολλούς - trembita.

Και ο δεύτερος σωλήνας, που φαίνεται στη φωτογραφία μου, ονομάζεται balaban ή duduk. Στην Τουρκία και το Ιράν, αυτό το όργανο ονομάζεται επίσης mey.

Ακούστε πώς παίζει ο Αλίχαν Σαμέντοφ το μπαλαμάν.

Θα επιστρέψουμε στο balaban, αλλά προς το παρόν θέλω να μιλήσω για αυτό που είδα στο Πεκίνο.
Από όσο καταλαβαίνετε, συλλέγω μουσικά όργανα. Και μόλις είχα μια ελεύθερη στιγμή στο ταξίδι μου στο Πεκίνο, πήγα αμέσως στο κατάστημα μουσικών οργάνων. Τι αγόρασα μόνος μου σε αυτό το μαγαζί, θα σας το πω άλλη φορά. Και τώρα που δεν αγόρασα και τι μετανιώνω τρομερά.
Στο παράθυρο υπήρχε ένας σωλήνας με ένα κουδούνι, το σχέδιο που έμοιαζε ακριβώς με ζουρνά.
- Πώς λέγεται; Ρώτησα μέσω διερμηνέα.
- Σόνα, - μου απάντησαν.
- Πόσο μοιάζει με το «σόρνα - σουρνάι - ζουρνά» - σκέφτηκα δυνατά. Και ο μεταφραστής επιβεβαίωσε την εικασία μου:
- Οι Κινέζοι δεν προφέρουν το γράμμα r στη μέση μιας λέξης.

Μπορείτε να διαβάσετε περισσότερα για την κινέζικη ποικιλία zurna
Αλλά, ξέρετε, ζουρνά και μπαλαμάν πάνε χέρι-χέρι. Ο σχεδιασμός τους έχει πολλά κοινά - ίσως γι' αυτό. Και τι πιστεύεις; Δίπλα στο όργανο sona ήταν ένα άλλο όργανο - το guan ή guanji. Δείτε πώς έμοιαζε:

Εδώ είναι πώς φαίνεται. Παιδιά, σύντροφοι, κύριοι, αλλά αυτό είναι το duduk!
Και πότε έφτασε εκεί; Τον όγδοο αιώνα. Επομένως, μπορεί να υποτεθεί ότι προήλθε από την Κίνα - ο χρόνος και η γεωγραφία συμπίπτουν.
Μέχρι στιγμής, έχει τεκμηριωθεί μόνο ότι αυτό το εργαλείο εξαπλώθηκε στα ανατολικά από το Xinjiang. Λοιπόν, πώς παίζουν αυτό το όργανο στη σύγχρονη Xinjiang;

Δείτε και ακούστε από το 18ο δευτερόλεπτο! Απλώς ακούστε τι πολυτελές ήχο έχει το μπαλαμάν των Ουιγούρων - ναι, εδώ ονομάζεται ακριβώς το ίδιο όπως και στην Αζερμπαϊτζάν (υπάρχει μια τέτοια προφορά του ονόματος).

Και ας φάμε Επιπλέον πληροφορίεςσε ανεξάρτητες πηγές, για παράδειγμα, στην ιρανική εγκυκλοπαίδεια:
ΜΠΑΛΑΜΠΑΝ
CH. ΑΛΜΠΡΑΙΤ
ένα κυλινδρικό πνευστό όργανο με διπλό καλάμι, μήκους περίπου 35 cm με επτά τρύπες στα δάχτυλα και μία τρύπα για τον αντίχειρα, που παίζεται στο ανατολικό Αζερμπαϊτζάν στο Ιράν και στη Δημοκρατία του Αζερμπαϊτζάν.

Ή μήπως η Iranika συμπάσχει με τους Αζερμπαϊτζάνους; Λοιπόν, το TSB λέει επίσης ότι η λέξη duduk είναι τουρκικής προέλευσης.
Αζερμπαϊτζάν και Ουζμπέκοι δωροδοκούσαν τους μεταγλωττιστές;
Λοιπόν, καλά, σίγουρα δεν θα υποψιαστείτε τους Βούλγαρους για συμπάθεια προς τους Τούρκους!
σε ένα πολύ σοβαρό βουλγαρικό site για τη λέξη duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dudyuk (από το τουρκικό düdük), squeaker, svorche, glasnik, πρόσθετο - Το Naroden darven είναι ένα μουσικό όργανο αεροφωνιτικού τύπου, σωλήνες που μισοκλείνουν.
Και πάλι επισημαίνουν την τουρκική προέλευση της λέξης και την αποκαλούν λαϊκό τους όργανο.
Το εργαλείο αυτό είναι ευρέως διαδεδομένο, όπως αποδείχθηκε, κυρίως στους Τούρκους λαούς, ή στους λαούς που είχαν επαφή με τους Τούρκους. Και κάθε έθνος εύλογα το θεωρεί λαϊκό, εθνικό του όργανο. Αλλά μόνο ένας παίρνει τα εύσημα για τη δημιουργία του.

Άλλωστε μόνο οι τεμπέληδες δεν άκουσαν ότι «το ντουτούκ είναι αρχαίο αρμενικό όργανο". Ταυτόχρονα, αφήνουν να εννοηθεί ότι το ντουτούκ δημιουργήθηκε πριν από τρεις χιλιάδες χρόνια - δηλαδή σε ένα αναπόδεικτο παρελθόν. Όμως τα γεγονότα και η στοιχειώδης λογική δείχνουν ότι δεν είναι έτσι.

Επιστρέψτε στην αρχή αυτού του άρθρου και ρίξτε μια άλλη ματιά στα μουσικά όργανα. Σχεδόν όλα αυτά τα όργανα παίζονται και στην Αρμενία. Αλλά είναι ξεκάθαρο ότι όλα αυτά τα εργαλεία εμφανίστηκαν σε πολύ περισσότερα πολυάριθμα έθνημε ξεκάθαρη και κατανοητή ιστορία, ανάμεσα στην οποία ζούσαν οι Αρμένιοι. Φανταστείτε έναν μικρό λαό να ζει διασκορπισμένος ανάμεσα σε άλλους λαούς με δικά του κράτη και αυτοκρατορίες. Θα δημιουργήσει ένας τέτοιος λαός ένα πλήρες σύνολο μουσικών οργάνων για μια ολόκληρη ορχήστρα;
Ειλικρινά, σκέφτηκα επίσης: "Εντάξει, ήταν μεγάλα και πολύπλοκα όργανα, ας τα αφήσουμε στην άκρη. Αλλά τουλάχιστον οι Αρμένιοι θα μπορούσαν να βρουν έναν σωλήνα;" Και αποδεικνύεται ότι όχι, δεν το έκαναν. Αν το σκέφτηκαν, τότε αυτός ο σωλήνας θα είχε ένα καθαρά αρμενικό όνομα, και όχι το ποιητικό και μεταφορικό tsiranopokh (η ψυχή μιας βερικοκιάς), αλλά κάτι πιο απλό, πιο δημοφιλές, με μια ρίζα ή εντελώς ονοματοποιητικό. Μέχρι στιγμής, όλες οι πηγές αναφέρουν την τουρκική ετυμολογία του ονόματος αυτού του μουσικού οργάνου και η γεωγραφία και οι ημερομηνίες διανομής δείχνουν ότι το ντουτούκ ξεκίνησε τη διανομή του από την Κεντρική Ασία.
Λοιπόν, ας κάνουμε μια ακόμη υπόθεση και ας πούμε ότι το ντουτούκ ήρθε στο Σιντζιάνγκ από την αρχαία Αρμενία. Αλλά πως? Ποιος τον έφερε εκεί; Ποιοι λαοί μετανάστευσαν από τον Καύκασο στην Κεντρική Ασία στο τέλος της πρώτης χιλιετίας; Δεν υπάρχουν τέτοια έθνη! Οι Τούρκοι όμως κινούνταν συνεχώς από τη Μ. Ασία προς τα δυτικά. Θα μπορούσαν κάλλιστα να διαδώσουν αυτό το εργαλείο στον Καύκασο, και στο έδαφος της σύγχρονης Τουρκίας και ακόμη και στη Βουλγαρία, όπως δείχνουν τα έγγραφα.

Προβλέπω ένα ακόμη επιχείρημα των υπερασπιστών της εκδοχής της αρμενικής καταγωγής του ντουντουκ. Όπως, ένα πραγματικό ντουτούκ φτιάχνεται μόνο από μια βερικοκιά, η οποία στα λατινικά ονομάζεται Prúnus armeniáca. Αλλά, πρώτον, τα βερίκοκα στην Κεντρική Ασία δεν είναι λιγότερο κοινά από ό,τι στον Καύκασο. Η λατινική ονομασία δεν υποδηλώνει ότι αυτό το δέντρο έχει εξαπλωθεί σε όλο τον κόσμο από την επικράτεια της περιοχής που φέρει το γεωγραφικό όνομα Αρμενία. Ακριβώς από εκεί διείσδυσε στην Ευρώπη και περιγράφηκε από τους βοτανολόγους πριν από περίπου τριακόσια χρόνια. Αντίθετα, υπάρχει μια εκδοχή ότι το βερίκοκο εξαπλώθηκε από το Tien Shan, μέρος του οποίου βρίσκεται στην Κίνα και ένα μέρος στην Κεντρική Ασία. Δεύτερον, η εμπειρία πολύ ταλαντούχων λαών δείχνει ότι αυτό το όργανο μπορεί να κατασκευαστεί ακόμη και από μπαμπού. Και το αγαπημένο μου μπαλαμάν φτιάχνεται από μουριά και ακούγεται πολύ καλύτερα από το βερίκοκο, που επίσης έχω και φτιάχνεται μόνο στην Αρμενία.

Ακούστε πώς έμαθα να παίζω αυτό το όργανο σε μερικά χρόνια. Συμμετείχε στην ηχογράφηση Εθνικός καλλιτέχνηςΟ Τουρκμενός Gasan Mammadov (βιολί) και ο λαϊκός καλλιτέχνης της Ουκρανίας, συμπατριώτης μου από τη Φεργκάνα, Enver Izmailov (κιθάρα).

Με όλα αυτά, θέλω να αποτίσω φόρο τιμής στον μεγάλο Αρμένιο ερμηνευτή ντουτούκ Jivan Gasparyan. Ήταν αυτός ο άνθρωπος που έκανε το ντουτούκ όργανο γνωστό σε όλο τον κόσμο, χάρη στη δουλειά του μια υπέροχη σχολή ντουντουκ εμφανίστηκε στην Αρμενία.
αλλά μιλάμε Αρμενικό ντουντουκ" ισχύει μόνο για συγκεκριμένα όργανα, εάν κατασκευάζονται στην Αρμενία, ή για το είδος μουσικής που προέκυψε χάρη στον J. Gasparyan. Υποδείξτε Αρμενικής καταγωγής duduk μπορούν μόνο εκείνοι οι άνθρωποι που επιτρέπουν στον εαυτό τους αβάσιμους ισχυρισμούς.

Σημειώστε ότι εγώ ο ίδιος δεν αναφέρω ούτε τον ακριβή τόπο ούτε τον ακριβή χρόνο εμφάνισης του ντουτούκ. Πιθανώς, είναι ήδη αδύνατο να καθιερωθεί και το πρωτότυπο του duduk είναι παλαιότερο από οποιονδήποτε από τους ζωντανούς λαούς. Αλλά χτίζω την υπόθεσή μου για τη διάδοση του ντουντουκ, βασισμένος σε γεγονότα και στοιχειώδη λογική. Αν κάποιος θέλει να μου φέρει αντίρρηση, τότε θέλω να ρωτήσω εκ των προτέρων: παρακαλώ, όταν χτίζετε υποθέσεις, με τον ίδιο τρόπο, βασιστείτε σε αποδεδειγμένα και επαληθευμένα γεγονότα από ανεξάρτητες πηγές, μην πτοείτε από τη λογική και προσπαθήστε να βρείτε μια άλλη κατανοητή εξήγηση για τα γεγονότα που αναφέρονται.