Ιαπωνική κουλτούρα. Ιαπωνική Τέχνη - Ιστορία - Εισαγωγή - Ενδιαφέρουσα Ιαπωνία — LiveJournal

Η ιαπωνική ζωγραφική είναι μια από τις πιο όμορφες στον κόσμο.

Η ιαπωνική ζωγραφική είναι ένα από τα πιο αρχαία και εκπληκτικά είδη δημιουργικότητας. Όπως κάθε άλλο, έχει τη δική του μακρά ιστορία, η οποία μπορεί να χωριστεί σε διάφορες περιόδους σύμφωνα με τεχνικές και χαρακτηριστικά. Κοινή σε όλες τις περιόδους είναι η φύση, στην οποία δόθηκε η κύρια θέση στους πίνακες. Στη δεύτερη θέση σε δημοτικότητα στις καλές τέχνες της Ιαπωνίας βρίσκονται οι εγχώριες σκηνές από τη ζωή.

Γιαμάτο

Γιαμάτο(VI-VII αιώνες) - η πρώτη περίοδος της ιαπωνικής τέχνης, που έθεσε τα θεμέλια για τη γραφή. Το έναυσμα για την ανάπτυξη της τέχνης δόθηκε από τα επιτεύγματα της Κίνας στους τομείς της θρησκείας και της συγγραφής. Η Ιαπωνία έσπευσε να ανέβει στο επίπεδό του, κάνοντας αλλαγές στη δομή της και χτίζοντας τα πάντα όπως η Κίνα. Για την ανάπτυξη της ζωγραφικής, ένας τεράστιος αριθμός έργων Κινέζων δασκάλων μεταφέρθηκαν στην Ιαπωνία, τα οποία ενέπνευσαν τους Ιάπωνες, οι οποίοι έσπευσαν με τόλμη να δημιουργήσουν παρόμοιους πίνακες.

Ζωγραφική στον τάφο Takamatsuzuka

Αυτή η περίοδος αποτελείται από δύο παιδικές περιόδους:

• Kofun- η περίοδος της ιαπωνικής τέχνης, που καταλαμβάνει το πρώτο μισό του Yamato. Το όνομα της περιόδου μεταφράζεται ως "η περίοδος των βαρυών". Εκείνες τις μέρες, πράγματι, δόθηκε μεγάλος ρόλος στους τύμβους, δημιουργώντας τους παντού.
• Ασούκα- το δεύτερο μέρος της εποχής Yamato. Η περίοδος πήρε το όνομά της από το πολιτικό κέντρο της χώρας που δραστηριοποιήθηκε εκείνα τα χρόνια. Συνδέεται με την άφιξη του Βουδισμού στην Ιαπωνία και στο μέλλον με την ενεργό ανάπτυξη όλων των πολιτιστικών περιοχών.

Νάρα

Ο βουδισμός, που προερχόταν από την Κίνα, εξαπλώθηκε ενεργά στην Ιαπωνία, γεγονός που συνέβαλε στην εμφάνιση θρησκευτικών θεμάτων στην τέχνη. Ιάπωνες καλλιτέχνες, παρασυρμένοι από αυτό το θέμα, ζωγράφισαν τους τοίχους των ναών, που δημιουργήθηκαν από προσωπικότητες με επιρροή. Μέχρι σήμερα, ο ναός Horyu-ji έχει διατηρήσει τοιχογραφίες από εκείνη την εποχή.

Azuchi-Momoyama

Αυτή η περίοδος είναι ακριβώς το αντίθετο από την προκάτοχό της. Η κατήφεια και η μονοχρωμία εξαφανίζονται από τα έργα, αντικαθιστώντας τα έντονα χρώματα και τη χρήση χρυσού και ασημιού στους πίνακες.

Κυπαρίσσι. Οθόνη. Κάνο Εϊτόκου.

Meiji

Τον 19ο αιώνα άρχισε ο διαχωρισμός της ιαπωνικής ζωγραφικής σε παραδοσιακά και ευρωπαϊκά στυλ, τα οποία ανταγωνίζονταν σθεναρά μεταξύ τους. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, τεράστιες πολιτικές αλλαγές ξέσπασαν στην Ιαπωνία. Η επιρροή της Ευρώπης εκείνα τα χρόνια επηρέασε σχεδόν κάθε γωνιά του πλανήτη, εισάγοντας τα δικά της χαρακτηριστικά σε κάθε κράτος. Το ευρωπαϊκό στυλ τέχνης υποστηρίχθηκε ενεργά από τις αρχές, απορρίπτοντας τις παλιές παραδόσεις. Σύντομα όμως ο ενθουσιασμός γύρω από τη δυτική ζωγραφική υποχώρησε γρήγορα και το ενδιαφέρον για την παραδοσιακή τέχνη επέστρεψε απότομα.

Ανάπτυξη ιαπωνικής ζωγραφικήςενημερώθηκε: 15 Σεπτεμβρίου 2017 από: Βαλεντίνος

Από την αρχαιότητα, η ιαπωνική τέχνη χαρακτηρίζεται από ενεργό δημιουργικότητα. Παρά την εξάρτηση από την Κίνα, όπου αναδύονταν συνεχώς νέες καλλιτεχνικές και αισθητικές τάσεις, οι Ιάπωνες καλλιτέχνες εισήγαγαν πάντα νέα χαρακτηριστικά και άλλαζαν την τέχνη των δασκάλων τους, δίνοντάς της μια ιαπωνική εμφάνιση.

Η ιστορία της Ιαπωνίας ως τέτοιας αρχίζει να παίρνει σαφείς μορφές μόλις στα τέλη του 5ου αιώνα. Σχετικά λίγα αντικείμενα που χρονολογούνται σε προηγούμενους αιώνες (αρχαϊκή περίοδος) έχουν βρεθεί, αν και ορισμένα ευρήματα που έγιναν κατά τη διάρκεια ανασκαφών ή κατασκευαστικών εργασιών μιλούν για αξιόλογο καλλιτεχνικό ταλέντο.

αρχαϊκή περίοδο.

Τα αρχαιότερα έργα ιαπωνικής τέχνης είναι πήλινα αγγεία τύπου Jomon (απότυπο κορδόνι). Το όνομα προέρχεται από τη διακόσμηση της επιφάνειας με σπειροειδείς αποτυπώσεις κορδονιού τυλιγμένο γύρω από τα ραβδιά που χρησιμοποίησε ο πλοίαρχος για να φτιάξει το αγγείο. Ίσως, στην αρχή, οι δάσκαλοι ανακάλυψαν κατά λάθος αποτυπώματα λυγαριάς, αλλά στη συνέχεια άρχισαν να τα χρησιμοποιούν συνειδητά. Μερικές φορές πήλινες μπούκλες σαν κορδόνι κολλούσαν στην επιφάνεια, δημιουργώντας ένα πιο περίπλοκο διακοσμητικό αποτέλεσμα, σχεδόν ανάγλυφο. Το πρώτο ιαπωνικό γλυπτό προέρχεται από τον πολιτισμό Jomon. Το Dogu (εικον. "πηλό εικόνα") ενός ατόμου ή ζώου είχε πιθανώς κάποιου είδους θρησκευτική σημασία. Οι εικόνες ανθρώπων, κυρίως γυναικών, μοιάζουν πολύ με τις πήλινες θεές άλλων πρωτόγονων πολιτισμών.

Η ανάλυση ραδιοανθράκων δείχνει ότι ορισμένα ευρήματα από τον πολιτισμό Jomon μπορεί να χρονολογούνται από 6-5 χιλιάδες π.Χ., αλλά μια τέτοια πρώιμη χρονολόγηση δεν είναι γενικά αποδεκτή. Φυσικά, τέτοια πιάτα παρασκευάζονταν για πολύ καιρό, και παρόλο που δεν μπορούν να καθοριστούν ακόμη ακριβείς ημερομηνίες, διακρίνονται τρεις περίοδοι. Τα παλαιότερα δείγματα έχουν μυτερή βάση και είναι σχεδόν ακόσμητα, εκτός από τα ίχνη ενός αγγειοπλάστη. Τα αγγεία της μέσης περιόδου είναι πιο πλούσια διακοσμημένα, ενίοτε με μορφοποιημένα στοιχεία που δημιουργούν την εντύπωση όγκου. Οι μορφές των αγγείων της τρίτης περιόδου είναι πολύ διαφορετικές, αλλά η διακόσμηση ισοπεδώνει ξανά και γίνεται πιο συγκρατημένη.

Περίπου τον 2ο αι. ΠΡΟ ΧΡΙΣΤΟΥ. Η κεραμική Jōmon έδωσε τη θέση της στην κεραμική Yayoi, που χαρακτηρίζεται από κομψότητα μορφής, απλότητα σχεδιασμού και υψηλή τεχνική ποιότητα. Το θραύσμα του αγγείου έγινε πιο λεπτό, το στολίδι λιγότερο ιδιότροπο. Αυτός ο τύπος επικράτησε μέχρι τον 3ο αι. ΕΝΑ Δ

Από καλλιτεχνικής άποψης ίσως τα καλύτερα έργατης πρώιμης περιόδου είναι χανίβα, πήλινοι κύλινδροι που χρονολογούνται στον 3ο-5ο αι. ΕΝΑ Δ Χαρακτηριστικά μνημεία αυτής της εποχής είναι τεράστιοι λόφοι, ή ταφικοί τύμβοι, ταφικές κατασκευές αυτοκρατόρων και ισχυροί ευγενείς. Συχνά πολύ μεγάλο μέγεθος, αποτελούν απόδειξη της δύναμης και του πλούτου της αυτοκρατορικής οικογένειας και των αυλικών. Η κατασκευή μιας τέτοιας κατασκευής για τον αυτοκράτορα Nintoku-tenno (περίπου 395-427 μ.Χ.) χρειάστηκε 40 χρόνια. Το πιο αξιοσημείωτο χαρακτηριστικό αυτών των αυλακιών ήταν οι πήλινοι κύλινδροι που τα περιέβαλλαν σαν φράχτη, χανίβα. Συνήθως αυτοί οι κύλινδροι ήταν αρκετά απλοί, αλλά μερικές φορές ήταν διακοσμημένοι με ανθρώπινες φιγούρες, σπανιότερα με φιγούρες αλόγων, σπιτιών ή πετεινών. Ο σκοπός τους ήταν διπλός: να αποτρέψουν τη διάβρωση τεράστιων μαζών γης και να εφοδιάσουν τον νεκρό με όλα τα απαραίτητα που χρησιμοποιούσε στην επίγεια ζωή. Όπως ήταν φυσικό, οι κύλινδροι κατασκευάστηκαν αμέσως σε μεγάλες ποσότητες. Η ποικιλία των θεμάτων, των εκφράσεων του προσώπου και των χειρονομιών των μορφών που τα διακοσμούν είναι σε μεγάλο βαθμό το αποτέλεσμα του αυτοσχεδιασμού του δασκάλου. Αν και είναι έργα τεχνιτών και όχι ζωγράφων και γλυπτών, έχουν μεγάλη σημασία ως σωστή ιαπωνική μορφή τέχνης. Κτίρια, άλογα τυλιγμένα σε κουβέρτες, κυρίες και πολεμιστές παρουσιάζουν μια ενδιαφέρουσα εικόνα της στρατιωτικής ζωής της πρώιμης φεουδαρχικής Ιαπωνίας. Είναι πιθανό τα πρωτότυπα αυτών των κυλίνδρων να εμφανίστηκαν στην Κίνα, όπου διάφορα αντικείμενα τοποθετήθηκαν απευθείας σε ταφές, αλλά η εκτέλεση και η χρήση του haniwa ανήκουν στην τοπική παράδοση.

Η αρχαϊκή περίοδος θεωρείται συχνά ως μια εποχή που στερείται έργων υψηλού καλλιτεχνικού επιπέδου, μια εποχή κυριαρχίας πραγμάτων που έχουν κυρίως αρχαιολογική και εθνολογική αξία. Ωστόσο, πρέπει να θυμόμαστε ότι τα έργα αυτού πρώιμο πολιτισμόείχαν γενικά μεγάλη ζωτικότητα, καθώς οι μορφές τους επιβίωσαν και συνέχισαν να υπάρχουν ως συγκεκριμένα εθνικά χαρακτηριστικά της ιαπωνικής τέχνης σε μεταγενέστερες περιόδους.

Περίοδος Asuka

(552-710 μ.Χ.). Εισαγωγή του Βουδισμού στα μέσα του 6ου αι. έκανε σημαντικές αλλαγές στον τρόπο ζωής και σκέψης των Ιαπώνων και έγινε το έναυσμα για την ανάπτυξη της τέχνης αυτής και των επόμενων περιόδων. Η άφιξη του Βουδισμού από την Κίνα μέσω της Κορέας χρονολογείται παραδοσιακά στο 552 μ.Χ., αλλά πιθανότατα ήταν γνωστό νωρίτερα. Τα πρώτα χρόνια, ο Βουδισμός αντιμετώπισε πολιτική αντίθεση, αντίθεση στην εθνική θρησκεία του Σιντοϊσμού, αλλά μετά από λίγες μόνο δεκαετίες, η νέα πίστη έλαβε επίσημη έγκριση και τελικά καθιερώθηκε. Στα πρώτα χρόνια της διείσδυσής του στην Ιαπωνία, ο Βουδισμός ήταν μια σχετικά απλή θρησκεία με μικρό αριθμό θεοτήτων που χρειάζονταν εικόνες, αλλά μετά από περίπου εκατό χρόνια απέκτησε δύναμη και το πάνθεον μεγάλωσε πάρα πολύ.
Την περίοδο αυτή ιδρύθηκαν ναοί που εξυπηρετούσαν όχι μόνο τους σκοπούς προαγωγής της πίστης, αλλά ήταν κέντρα τέχνης και εκπαίδευσης. Το μοναστήρι-ναός στο Horyu-ji είναι ένα από τα πιο σημαντικά για τη μελέτη της πρώιμης βουδιστικής τέχνης. Μεταξύ άλλων θησαυρών, υπάρχει ένα άγαλμα της μεγάλης τριάδας Syaka-Nerai (623 μ.Χ.). Αυτό το έργο του Tori Busshi, του πρώτου μεγάλου Ιάπωνα γλύπτη που γνωρίζουμε, είναι μια στυλιζαρισμένη χάλκινη εικόνα, παρόμοια με παρόμοιες ομάδες στους μεγάλους σπηλαιώδεις ναούς της Κίνας. Αυστηρή μετωπικότητα παρατηρείται στη στάση του καθισμένου Shaki (ιαπωνική μεταγραφή της λέξης «shakyamuni», του ιστορικού Βούδα) και δύο φιγούρων που στέκονται στα πλάγια του. Οι μορφές της ανθρώπινης φιγούρας κρύβονται από βαριές συμμετρικές πτυχές σχηματικά αποδιδόμενων ρούχων και σε λεία μακρόστενα πρόσωπα μπορεί κανείς να νιώσει μια ονειρική αυτοαπορρόφηση και περισυλλογή. Το γλυπτό αυτής της πρώτης βουδιστικής περιόδου βασίζεται στο στυλ και τα πρωτότυπα από την ηπειρωτική χώρα πριν από πενήντα χρόνια. ακολουθεί πιστά την κινεζική παράδοση που ήρθε στην Ιαπωνία μέσω της Κορέας.

Μερικά από τα σημαντικότερα γλυπτά αυτής της εποχής ήταν φτιαγμένα από μπρούτζο, αλλά χρησιμοποιήθηκε και ξύλο. Τα δύο πιο διάσημα ξύλινα γλυπτά είναι αγάλματα της θεάς Kannon: Yumedono Kannon και Kudara Kannon, και τα δύο στο Horyuji. Είναι πιο ελκυστικό αντικείμενο λατρείας από την τριάδα Shaki, με τα αρχαϊκά χαμόγελα και τις ονειρεμένες εκφράσεις τους. Αν και η διάταξη των πτυχών των ιμάτιων στις φιγούρες Kannon είναι επίσης σχηματική και συμμετρική, είναι ελαφρύτερες και γεμάτες κίνηση. Ψηλές, λεπτές φιγούρες τονίζουν την πνευματικότητα των προσώπων, την αφηρημένη ευγένειά τους, απόμακρες από κάθε εγκόσμια ανησυχία, αλλά ευαίσθητες στα παρακάλια των ταλαιπωρημένων. Ο γλύπτης έδωσε κάποια προσοχή στα περιγράμματα της φιγούρας του Kudara Kannon, που κρύβονται από τις πτυχές των ρούχων, και σε αντίθεση με την οδοντωτή σιλουέτα του Yumedono, η κίνηση τόσο της φιγούρας όσο και του υφάσματος κατευθύνεται σε βάθος. Στο προφίλ του Kudar, το Kannon έχει ένα χαριτωμένο σχήμα S.

Το μόνο σωζόμενο δείγμα ζωγραφικής που δίνει μια ιδέα για το στυλ των αρχών του 7ου αιώνα είναι το Tamamushi Zushi, το «φτερωτό ιερό». Αυτό το μικροσκοπικό καταφύγιο πήρε το όνομά του από τα ιριδίζοντα φτερά του σκαθαριού σε ένα διάτρητο μεταλλικό πλαίσιο. αργότερα διακοσμήθηκε με θρησκευτικές συνθέσεις και φιγούρες μεμονωμένων χαρακτήρων, φτιαγμένες με χρωματιστή λάκα. Όπως και το γλυπτό αυτής της περιόδου, μερικές από τις εικόνες δείχνουν μεγάλη ελευθερία σχεδιασμού.

Περίοδος Νάρα

(710-784). Το 710 η πρωτεύουσα μεταφέρθηκε στη Νάρα, καινούρια πόλη, χτισμένο στο πρότυπο της κινεζικής πρωτεύουσας Τσανγκάν. Υπήρχαν φαρδιοί δρόμοι, μεγάλα παλάτια, πολυάριθμοι βουδιστικοί ναοί. Όχι μόνο ο Βουδισμός σε όλες του τις πτυχές, αλλά ολόκληρος ο κινεζικός πολιτισμός και πολιτική ζωήεκλαμβάνεται ως πρότυπο. Καμία άλλη χώρα, ίσως, δεν έχει αισθανθεί την ανεπάρκεια του δικού της πολιτισμού σε τέτοιο βαθμό και δεν ήταν τόσο επιρρεπής σε εξωτερικές επιρροές. Οι μελετητές και οι προσκυνητές μετακινούνταν ελεύθερα μεταξύ της Ιαπωνίας και της ηπειρωτικής χώρας, και η διοίκηση και η ανακτορική ζωή διαμορφώθηκαν σύμφωνα με την Κίνα κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Τανγκ. Ωστόσο, πρέπει να θυμόμαστε ότι, παρά τη μίμηση των μοντέλων της Τανγκ Κίνας, ειδικά στην τέχνη, αντιλαμβανόμενοι την επιρροή και το ύφος της, οι Ιάπωνες προσάρμοζαν σχεδόν πάντα τις ξένες μορφές στις δικές τους.

Στη γλυπτική, η αυστηρή μετωπικότητα και η συμμετρία της προηγούμενης περιόδου Asuka έδωσε τη θέση της σε πιο ελεύθερες φόρμες. Η ανάπτυξη ιδεών για τους θεούς, η αυξημένη τεχνική ικανότητα και η ελευθερία ιδιοκτησίας του υλικού επέτρεψαν στους καλλιτέχνες να δημιουργήσουν πιο κοντινές και πιο προσιτές εικονικές εικόνες. Η ίδρυση νέων βουδιστικών αιρέσεων επέκτεινε το πάνθεον για να συμπεριλάβει ακόμη και τους αγίους και τους ιδρυτές του Βουδισμού. Εκτός από τη χάλκινη γλυπτική, είναι γνωστός ένας μεγάλος αριθμός έργων από ξύλο, πηλό και λάκα. Η πέτρα ήταν σπάνια και σχεδόν ποτέ δεν χρησιμοποιήθηκε για γλυπτική. Η ξηρή λάκα ήταν ιδιαίτερα δημοφιλής, ίσως επειδή, παρά την πολυπλοκότητα της διαδικασίας προετοιμασίας της σύνθεσης, τα έργα που έγιναν από αυτήν έμοιαζαν πιο θεαματικά από το ξύλο και ήταν ισχυρότερα από τα προϊόντα πηλού που ήταν πιο εύκολο να κατασκευαστούν. Οι φιγούρες λάκας σχηματίζονταν σε ξύλινη ή πήλινη βάση, η οποία στη συνέχεια αφαιρέθηκε, ή σε ξύλινα ή συρμάτινα εξαρτήματα. ήταν ελαφριές και δυνατές. Αν και αυτή η τεχνική υπαγόρευε κάποια ακαμψία στις πόζες, επιτρεπόταν μεγάλη ελευθερία στην απεικόνιση των προσώπων, η οποία συνέβαλε εν μέρει στην ανάπτυξη αυτού που θα μπορούσε να ονομαστεί η ίδια η γλυπτική πορτρέτου. Η εικόνα του προσώπου της θεότητας εκτελέστηκε σύμφωνα με τις αυστηρές προδιαγραφές των βουδιστικών κανόνων, αλλά η δημοτικότητα και ακόμη και η θεοποίηση ορισμένων από τους ιδρυτές και κήρυκες της πίστης παρείχαν εξαιρετικές ευκαιρίες για τη μετάδοση ομοιότητας πορτρέτου. Μια τέτοια ομοιότητα μπορεί να εντοπιστεί στο γλυπτό με ξηρή λάκα του Κινέζου πατριάρχη Genjin, σεβαστό στην Ιαπωνία, που βρίσκεται στο ναό Toshodaiji. Ο Genjin ήταν τυφλός όταν έφτασε στην Ιαπωνία το 753, και τα αόρατα μάτια του και η φωτισμένη κατάσταση της εσωτερικής του ενατένισης αποδίδονται όμορφα από έναν άγνωστο γλύπτη. Αυτή η ρεαλιστική τάση εκφράστηκε με μεγαλύτερη σαφήνεια στο ξύλινο γλυπτό του ιεροκήρυκα Kui, που δημιουργήθηκε από τον γλύπτη Kosho τον 13ο-14ο αιώνα. Ο κήρυκας είναι ντυμένος σαν περιπλανώμενος ζητιάνος με ένα ραβδί, ένα γκονγκ και ένα σφυρί, και μικρές φιγούρες του Βούδα βγαίνουν από το μισάνοιχτο στόμα του. Μη ικανοποιημένος με την εικόνα του τραγουδιστή μοναχού, ο γλύπτης προσπάθησε να εκφράσει το βαθύτερο νόημα των λόγων του.
Οι εικόνες του Βούδα της περιόδου Νάρα διακρίνονται επίσης από μεγάλο ρεαλισμό. Δημιουργημένοι για έναν ολοένα αυξανόμενο αριθμό ναών, δεν είναι τόσο ατάραχα ψυχροί και συγκρατημένοι όσο οι προκάτοχοί τους, έχουν μια πιο χαριτωμένη ομορφιά και αρχοντιά και στρέφονται στους ανθρώπους που τους λατρεύουν με περισσότερη εύνοια.

Ελάχιστοι πίνακες αυτής της περιόδου έχουν διασωθεί. Το πολύχρωμο σχέδιο σε χαρτί απεικονίζει την προηγούμενη και την παρούσα ζωή του Βούδα. Αυτό είναι ένα από τα λίγα αρχαία παραδείγματα emakimono ή ζωγραφικής με κύλινδρο. Οι κύλινδροι ξετυλίγονταν αργά από τα δεξιά προς τα αριστερά και ο θεατής μπορούσε να απολαύσει μόνο το μέρος της εικόνας που ήταν ανάμεσα στα χέρια που ξετυλίγονταν τον κύλινδρο. Οι εικονογραφήσεις ήταν ακριβώς πάνω από το κείμενο, σε αντίθεση με μεταγενέστερους κυλίνδρους, όπου ένα τμήμα κειμένου εναλλάσσονταν με μια επεξηγηματική εικόνα. Σε αυτά τα παλαιότερα σωζόμενα παραδείγματα ζωγραφικής με κύλινδρο, οι περιγραμμένες φιγούρες τοποθετούνται στο φόντο ενός ελάχιστα περιγραμμένου τοπίου και ο κεντρικός χαρακτήρας, στην προκειμένη περίπτωση ο Syaka, εμφανίζεται σε διάφορα επεισόδια.

Πρώιμο Heian

(784-897). Το 784 η πρωτεύουσα μεταφέρθηκε προσωρινά στη Ναγκαόκα, εν μέρει για να αποφευχθεί η κυριαρχία του βουδιστικού κλήρου της Νάρα. Το 794 μετακόμισε στο Heian (τώρα Κιότο) για μεγαλύτερο διάστημα. Τέλη 8ου και 9ου αιώνα ήταν μια περίοδος που η Ιαπωνία αφομοίωσε με επιτυχία, προσαρμόζοντας στα δικά της χαρακτηριστικά, πολλές ξένες καινοτομίες. Η βουδιστική θρησκεία γνώρισε επίσης μια εποχή αλλαγής, την εμφάνιση νέων αιρέσεων του εσωτερικού βουδισμού, με την ανεπτυγμένη τελετουργία και την εθιμοτυπία της. Από αυτές, οι αιρέσεις με τη μεγαλύτερη επιρροή ήταν οι αιρέσεις Tendai και Shingon, που προήλθαν από την Ινδία, έφτασαν στην Κίνα και από εκεί μεταφέρθηκαν στην Ιαπωνία από δύο μελετητές που επέστρεψαν στην πατρίδα τους μετά από μακρά μαθητεία. Η αίρεση Σινγκόν ("Αληθινές Λέξεις") άρεσε ιδιαίτερα στο δικαστήριο και γρήγορα κατέλαβε κυρίαρχη θέση. Τα κύρια μοναστήρια του βρίσκονταν στο όρος Κόγια κοντά στο Κιότο. όπως και άλλα σημαντικά βουδιστικά κέντρα, έγιναν το αποθετήριο τεράστιων συλλογών μνημείων τέχνης.

Γλυπτική 9ος αι. ήταν κυρίως ξύλο. Οι εικόνες των θεοτήτων διακρίνονταν από τη σοβαρότητα και το απρόσιτο μεγαλείο, το οποίο τονίστηκε από τη σοβαρότητα της εμφάνισης και τη μαζικότητά τους. Οι κουρτίνες κόπηκαν επιδέξια σύμφωνα με τα τυπικά μοτίβα, τα κασκόλ ήταν κυματιστά. Η όρθια φιγούρα Shaki από το ναό στο Muroji είναι ένα παράδειγμα αυτού του στυλ. Για αυτή και παρόμοιες εικόνες του 9ου αι. χαρακτηρίζεται από άκαμπτο σκάλισμα με βαθύτερες, καθαρές πτυχές και άλλες λεπτομέρειες.

Η αύξηση του αριθμού των θεών δημιούργησε μεγάλες δυσκολίες στους καλλιτέχνες. Σε πολύπλοκα μάνταλα που μοιάζουν με χάρτη (γεωμετρικό σχέδιο με μαγικό νόημα), οι θεότητες ήταν ιεραρχικά διατεταγμένες γύρω από έναν κεντρικά τοποθετημένο Βούδα, ο οποίος ήταν μόνο μια εκδήλωση του απόλυτου. Αυτή την εποχή, εμφανίστηκε ένας νέος τρόπος απεικόνισης των μορφών θεοτήτων φύλακα που περιβάλλονταν από φλόγες, τρομερές στην εμφάνιση, αλλά ευεργετικές στη φύση. Αυτές οι θεότητες ήταν διατεταγμένες ασύμμετρα και απεικονίζονταν σε κινούμενες στάσεις, με τρομερά χαρακτηριστικά προσώπου, προστατεύοντας λυσσαλέα την πίστη από πιθανούς κινδύνους.

Μέση και Ύστερη περίοδος Heian, ή Fujiwara

(898-1185). Αλλαγές στο πολιτικό σύστημα προκάλεσε και η μεταφορά της πρωτεύουσας στο Χεϊάν, που είχε σκοπό να αποφύγει τις δύσκολες απαιτήσεις του κλήρου. Η αριστοκρατία ήταν η κυρίαρχη δύναμη και η οικογένεια Fujiwara έγινε ο πιο χαρακτηριστικός εκπρόσωπος της. Περίοδος 10-12 αιώνες. συχνά συνδέονται με αυτό το όνομα. Ξεκίνησε μια περίοδος ιδιαίτερης εξουσίας, όταν οι πραγματικοί αυτοκράτορες «συμβουλεύτηκαν έντονα» να αφήσουν στην άκρη τις υποθέσεις του κράτους για χάρη πιο ευχάριστες αναζητήσεις ποίησης και ζωγραφικής. Μέχρι να ενηλικιωθεί, ο αυτοκράτορας οδηγούνταν από έναν αυστηρό αντιβασιλέα - συνήθως από την οικογένεια Fujiwara. Ήταν μια εποχή πολυτέλειας και αξιοσημείωτων επιτευγμάτων στη λογοτεχνία, την καλλιγραφία και την τέχνη. τα πάντα ήταν αδύναμα και συναισθηματικά, που σπάνια έφταναν σε βάθος, αλλά στο σύνολό τους ήταν γοητευτικά. Η κομψή επιτήδευση και η απόδραση αντικατοπτρίστηκαν στην τέχνη αυτής της εποχής. Ακόμη και οι οπαδοί του Βουδισμού αναζητούσαν ευκολότερους τρόπους και η λατρεία του ουράνιου Βούδα, της Αμίντα, έγινε ιδιαίτερα δημοφιλής. Οι έννοιες της συμπόνιας και της σωτήριας χάρης του Βούδα Αμίντα αντικατοπτρίστηκαν βαθιά στη ζωγραφική και τη γλυπτική αυτής της περιόδου. Η μαζικότητα και η συγκράτηση των αγαλμάτων του 9ου αι. στους 10-11 αιώνες. έδωσε τη θέση της στην ευδαιμονία και τη γοητεία. Οι θεότητες απεικονίζονται ως ονειρεμένες, στοχαστικά ήρεμες, το σκάλισμα γίνεται λιγότερο βαθύ, η επιφάνεια γίνεται πιο πολύχρωμη, με πλούσια ανεπτυγμένη υφή. Τα σημαντικότερα μνημεία αυτής της περιόδου ανήκουν στον γλύπτη Jocho.
Τα έργα των καλλιτεχνών απέκτησαν επίσης πιο απαλά χαρακτηριστικά, που θυμίζουν σχέδια σε ύφασμα, ακόμη και τις τρομερές θεότητες - οι υπερασπιστές της πίστης έγιναν λιγότερο εκφοβιστές. Τα σούτρα (βουδιστικά κείμενα) γράφτηκαν σε χρυσό και ασήμι σε χαρτί με βαθύ μπλε τόνο, ενώ η ωραία καλλιγραφία του κειμένου συχνά προηγείται από μια μικρή εικονογράφηση. Πλέον δημοφιλείς προορισμούςΟ Βουδισμός και οι σχετικές θεότητες αντικατοπτρίζουν τις προτιμήσεις της αριστοκρατίας και τη σταδιακή απομάκρυνση από τα σκληρά ιδανικά του πρώιμου Βουδισμού.

Η ατμόσφαιρα εκείνης της εποχής και τα έργα του συνδέονται εν μέρει με τον τερματισμό των επίσημων σχέσεων με την Κίνα το 894. Ο Βουδισμός στην Κίνα εκείνη την εποχή διώχτηκε και η διεφθαρμένη αυλή του Τανγκ βρισκόταν σε κατάσταση παρακμής. Η απομονωμένη νησιωτική ύπαρξη που ακολούθησε αυτή την αποσύνδεση ώθησε τους Ιάπωνες να στραφούν στη δική τους κουλτούρα και να αναπτύξουν ένα νέο, πιο καθαρό ιαπωνικό στυλ. Πράγματι, κοσμική ζωγραφική του 10ου-12ου αι. ήταν σχεδόν εξ ολοκλήρου γιαπωνέζικο - τόσο σε τεχνική όσο και σε σύνθεση και πλοκή. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα αυτών των ιαπωνικών κυλίνδρων, που ονομάζονται yamato-e, ήταν η κυριαρχία των πλοκών engi (προέλευση, ιστορία). Ενώ οι κινεζικοί κύλινδροι απεικόνιζαν τις περισσότερες φορές απέραντη εκπληκτική φύση, πανοράματα βουνών, ρυακιών, βράχων και δέντρων και οι άνθρωποι φαίνονταν σχετικά ασήμαντοι, στους αφηγηματικούς κυλίνδρους των Ιαπώνων στο σχέδιο και στο κείμενο, το άτομο ήταν το κύριο πράγμα. Το τοπίο έπαιξε μόνο το ρόλο του φόντου για την αφηγούμενη ιστορία, υποταγμένη στην κύρια υποκριτικό πρόσωποή πρόσωπα. Πολλά ειλητάρια ήταν ζωγραφισμένα χρονικά της ζωής διάσημων βουδιστών ιεροκήρυκων ή ιστορικών προσώπων, των ταξιδιών και των στρατιωτικών τους εκστρατειών. Άλλοι είπαν για ρομαντικά επεισόδια από τη ζωή των ευγενών και των αυλικών.

Το φαινομενικά ιδιότυπο ύφος των πρώιμων κυλίνδρων προήλθε από απλά σκίτσα με μελάνι στις σελίδες των βουδιστικών σημειωματάριων. Πρόκειται για επιδέξια σχέδια που γελοιοποιούν την ανθρώπινη συμπεριφορά μέσα από εικόνες ζώων: μια μαϊμού με μοναστηριακά ρούχα που λατρεύει έναν φουσκωμένο βάτραχο, διαγωνισμοί μεταξύ λαγών, πιθήκων και βατράχων. Αυτοί και άλλοι όψιμοι κύλινδροι Heian παρείχαν τη βάση για τους πιο σύνθετους αφηγηματικούς ρόλους του ανεπτυγμένου στυλ του 13ου και 14ου αιώνα.

Περίοδος Καμακούρα

(1185-1392). Τέλη 12ου αιώνα επέφερε σοβαρές αλλαγές στην πολιτική και θρησκευτική ζωή της Ιαπωνίας και, φυσικά, στην τέχνη της. Η κομψότητα και η αισθητική της αυλής του Κιότο αντικαταστάθηκε ή, κατά την παράδοση του «ειδικού» κανόνα, «έλαβε μια προσθήκη» με τη μορφή ενός νέου, σκληρού και θαρραλέου κανόνα - του σογκουνάτου Kamakura. Αν και το Κιότο παρέμεινε ονομαστικά πρωτεύουσα, ο σογκούν Minamoto no Yoritomo (1147-1199) ίδρυσε την έδρα του στην πόλη Καμακούρα και μέσα σε μόλις 25 χρόνια καθιέρωσε ένα άκαμπτο σύστημα στρατιωτικής δικτατορίας και φεουδαρχίας. Ο Βουδισμός, ο οποίος είχε γίνει τόσο περίπλοκος και τελετουργικός που ήταν ακατανόητος για τους απλούς λαϊκούς, υπέστη επίσης μια σημαντική αλλαγή που δεν υπόσχεται την προστασία των τεχνών. Η αίρεση Yodo ("Καθαρή Γη"), μια μορφή λατρείας του Βούδα Amida, υπό την ηγεσία του Honen Shonin (1133-1212) αναμόρφωσε την ιεραρχία των Βούδα και των θεοτήτων και έδωσε ελπίδα σωτηρίας σε όλους όσοι απλώς πίστευαν στην Amida. Αυτό το δόγμα ενός εύκολα επιτεύξιμου παραδείσου απλοποιήθηκε αργότερα από έναν άλλο μοναχό, τον Shinran (1173-1262), τον ιδρυτή της αίρεσης Shin, ο οποίος αναγνώρισε ότι η τέρψη της Amida είναι τόσο μεγάλη που δεν χρειάζεται να κάνει θρησκευτικές πράξεις. να επαναλάβετε το ξόρκι "Namu Amida Butsu" (η πρώτη λέξη σημαίνει "υποβολή"· οι δύο δεύτερες είναι "Buddha Amida"). Ένας τόσο απλός τρόπος σωτηρίας μιας ψυχής ήταν εξαιρετικά ελκυστικός και τώρα τον χρησιμοποιούν εκατομμύρια. Μια γενιά αργότερα, ο μαχητικός ιεροκήρυκας Nichiren (1222-1282), από τον οποίο πήρε το όνομα η αίρεση, εγκατέλειψε αυτή την απλοποιημένη μορφή θρησκείας. Οι οπαδοί του τιμούσαν το Lotus Sutra, το οποίο δεν υποσχόταν άμεση και άνευ όρων σωτηρία. Τα κηρύγματά του έθιγαν συχνά πολιτικά θέματα, και οι πεποιθήσεις του και οι προτεινόμενες μεταρρυθμίσεις της εκκλησίας και του κράτους ήταν ελκυστικοί στη νέα τάξη των πολεμιστών στην Καμακούρα. Τέλος, η φιλοσοφία του Ζεν, που προέκυψε ήδη από τον 8ο αιώνα, άρχισε να παίζει όλο και μεγαλύτερο ρόλο στη βουδιστική σκέψη εκείνης της περιόδου. Ο Ζεν τόνισε τη σημασία του διαλογισμού και της περιφρόνησης για κάθε εικόνα που θα μπορούσε να εμποδίσει τον άνθρωπο στην προσπάθειά του να συνδεθεί με τον Θεό.

Έτσι, ήταν μια εποχή που η θρησκευτική σκέψη περιόριζε τον αριθμό των πινάκων και των γλυπτών που χρειάζονταν προηγουμένως για λατρεία. Ωστόσο, μερικά από τα καλύτερα έργα ιαπωνικής τέχνης δημιουργήθηκαν κατά την περίοδο Kamakura. Το ερέθισμα ήταν η εγγενής ιαπωνική αγάπη για την τέχνη, αλλά το κλειδί στο παζλ είναι η στάση των ανθρώπων απέναντι στα νέα δόγματα, και όχι το δόγμα ως τέτοιο. Πράγματι, τα ίδια τα έργα υποδηλώνουν τον λόγο της δημιουργίας τους, γιατί πολλά από αυτά τα γλυπτά και τους πίνακες που είναι γεμάτοι ζωή και ενέργεια είναι πορτρέτα. Αν και η φιλοσοφία του Ζεν μπορεί να θεωρούσε τα συνηθισμένα αντικείμενα θρησκευτικής λατρείας ως εμπόδιο στη φώτιση, η παράδοση του σεβασμού των δασκάλων ήταν αρκετά αποδεκτή. Το ίδιο το πορτρέτο δεν θα μπορούσε να είναι αντικείμενο λατρείας. Αυτή η στάση απέναντι στο πορτρέτο δεν ήταν μοναδική στον βουδισμό του Ζεν: πολλοί λειτουργοί της αίρεσης των Καθαρών Γης τιμούνταν σχεδόν σαν βουδιστικές θεότητες. Χάρη στο πορτρέτο, εμφανίστηκε ακόμη και μια νέα αρχιτεκτονική μορφή - το mieido, ή το παρεκκλήσι πορτρέτου. Η ραγδαία ανάπτυξη του ρεαλισμού ήταν απόλυτα στο πνεύμα των καιρών.
Παρά το γεγονός ότι τα γραφικά πορτρέτα των ιερέων, προφανώς, ήταν πραγματικά εικόνες συγκεκριμένοι άνθρωποι, ήταν συχνά ανακατασκευές πινάκων που απεικονίζουν τους Κινέζους ιδρυτές του Βουδισμού. Ήταν ζωγραφισμένοι να κηρύττουν, τα στόματα ανοιχτά, τα χέρια να χειρονομούσαν. Μερικές φορές απεικονίζονταν μοναχοί που κάνουν ένα δύσκολο ταξίδι για τη δόξα της πίστης.

Μια από τις πιο δημοφιλείς πλοκές ήταν το raigo (επιθυμητή άφιξη), που απεικόνιζε τον Βούδα Αμίντα με τους συντρόφους του να κατεβαίνει σε ένα σύννεφο για να σώσει την ψυχή ενός πιστού στο νεκροκρέβατό του και να τη μεταφέρει στον παράδεισο. Τα χρώματα τέτοιων εικόνων ενισχύονταν συχνά από εφαρμοσμένο χρυσό και οι κυματιστές γραμμές, οι κυματιστές κάπες, τα στροβιλιζόμενα σύννεφα έδιναν μια αίσθηση κίνησης στην κάθοδο του Βούδα.

Ο Unkei, ο οποίος εργάστηκε στο δεύτερο μισό του 12ου και στις αρχές του 13ου αιώνα, ήταν ο συγγραφέας μιας καινοτομίας που διευκόλυνε τη χάραξη του ξύλου, το οποίο παρέμεινε το αγαπημένο υλικό των γλυπτών κατά την περίοδο Kamakura. Προηγουμένως, ο πλοίαρχος περιοριζόταν από το μέγεθος και το σχήμα του καταστρώματος ή του κορμού από το οποίο κόπηκε η φιγούρα. Τα μπράτσα και τα στοιχεία ένδυσης ήταν τοποθετημένα ξεχωριστά, αλλά το τελειωμένο κομμάτι έμοιαζε συχνά με το αρχικό κυλινδρικό σχήμα. Στη νέα τεχνική, δεκάδες μικρά κομμάτια προσαρμόστηκαν προσεκτικά το ένα στο άλλο, σχηματίζοντας μια κούφια πυραμίδα, από την οποία οι μαθητευόμενοι μπορούσαν στη συνέχεια να κόψουν πρόχειρα τη φιγούρα. Ο γλύπτης είχε στη διάθεσή του ένα πιο εύπλαστο υλικό και την ικανότητα να δημιουργεί πιο σύνθετες φόρμες. Οι μυώδεις φρουροί του ναού και οι θεότητες με κυματιστές κάπες και ρόμπες έμοιαζαν πιο ζωντανοί επίσης επειδή κρύσταλλος ή γυαλί άρχισαν να μπαίνουν στις κόγχες των ματιών τους. τα αγάλματα άρχισαν να διακοσμούνται με επιχρυσωμένο μπρούτζο. Έγιναν ελαφρύτερα και λιγότερο πιθανό να ραγίσουν καθώς το ξύλο στέγνωνε. Το αναφερόμενο ξύλινο άγαλμα του Kuya Shonin, έργο του γιου του Unkei, Kosho, καταδεικνύει το υψηλότερο επίτευγμα ρεαλισμού της εποχής Kamakura στη γλυπτική πορτρέτου. Πράγματι, η γλυπτική εκείνη την εποχή έφτασε στο απόγειό της στην ανάπτυξή της και στη συνέχεια δεν κατείχε πλέον τόσο εξέχουσα θέση στην τέχνη.

Η κοσμική ζωγραφική αντανακλούσε επίσης το πνεύμα της εποχής. Οι αφηγηματικοί κύλινδροι της ύστερης περιόδου Heian, με συγκρατημένα χρώματα και χαριτωμένες γραμμές, μιλούσαν για τις ρομαντικές αποδράσεις του πρίγκιπα Genji ή τις διασκεδάσεις των απομονωμένων κυριών της αυλής. Τώρα, με φωτεινά χρώματα και ενεργητικές πινελιές, οι καλλιτέχνες της εποχής Kamakura απεικόνιζαν τις μάχες των αντιμαχόμενων φυλών, τα παλάτια τυλιγμένα στις φλόγες και τους φοβισμένους ανθρώπους που έφευγαν από τα στρατεύματα που επιτέθηκαν. Ακόμη και όταν μια θρησκευτική ιστορία εκτυλίχθηκε στον κύλινδρο, η εικόνα δεν ήταν τόσο εικόνα όσο ιστορική απόδειξη των ταξιδιών των αγίων ανθρώπων και των θαυμάτων που έκαναν. Στο σχεδιασμό αυτών των οικοπέδων, μπορεί κανείς να βρει μια αυξανόμενη αγάπη για τη φύση και θαυμασμό για τα αυτόχθονα τοπία.

Muromachi, ή περίοδος Ashikaga

(1392-1568). Το 1392, μετά από περισσότερα από 50 χρόνια διαμάχης, το τρίτο σογκούν της οικογένειας Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), επανένωσε τη χώρα. Η έδρα της κυβέρνησης έγινε και πάλι η ονομαστική πρωτεύουσα του Κιότο, όπου οι Ashikaga σογκούν έχτισαν τα παλάτια τους στη συνοικία Muromachi. (Αυτή η περίοδος άλλοτε ονομάζεται Muromachi, άλλοτε Ashikaga.) Η εποχή του πολέμου δεν γλίτωσε πολλούς ναούς - αποθήκες ιαπωνικής τέχνης, που κάηκαν μαζί με τους θησαυρούς που υπήρχαν εκεί. Η χώρα καταστράφηκε σοβαρά, και ακόμη και η ειρήνη έφερε ελάχιστη ανακούφιση, καθώς οι αντιμαχόμενες φυλές, στην επιτυχία τους, μοίρασαν χάρες κατά την ιδιοτροπία τους. Φαίνεται ότι η κατάσταση ήταν εξαιρετικά δυσμενής για την ανάπτυξη της τέχνης, αλλά στην πραγματικότητα οι σογκούν των Ashikaga την προστάτευαν, ειδικά τον 15ο και 16ο αιώνα, όταν η ζωγραφική άκμασε.

Η πιο σημαντική τέχνη αυτής της εποχής ήταν τα μονόχρωμα ποιητικά σχέδια με μελάνι που ενθαρρύνθηκαν από τον Βουδισμό Ζεν και επηρεάστηκαν από τα κινεζικά σχέδια των δυναστείων Σονγκ και Γιουάν. Κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Μινγκ (1368-1644), οι επαφές με την Κίνα ανανεώθηκαν και ο Yoshimitsu, συλλέκτης και προστάτης της τέχνης, ενθάρρυνε τη συλλογή και τη μελέτη της κινεζικής ζωγραφικής. Έγινε πρότυπο και αφετηρία για ταλαντούχους καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν τοπία, πουλιά, λουλούδια, εικόνες ιερέων και σοφών με ελαφριές και άπταιστες πινελιές. Η ιαπωνική ζωγραφική αυτής της εποχής χαρακτηρίζεται από οικονομία γραμμής. ο καλλιτέχνης φαίνεται να εξάγει την πεμπτουσία της εικονιζόμενης πλοκής, επιτρέποντας στο βλέμμα του θεατή να τη γεμίσει με λεπτομέρειες. Οι μεταβάσεις του γκρίζου και του γυαλιστερού μαύρου μελανιού σε αυτούς τους πίνακες είναι πολύ κοντά στη φιλοσοφία του Ζεν, η οποία, φυσικά, ενέπνευσε τους συγγραφείς τους. Αν και αυτό το δόγμα είχε σημαντική επιρροή ακόμη και υπό τη στρατιωτική δύναμη της Καμακούρα, συνέχισε να εξαπλώνεται γρήγορα τον 15ο και 16ο αιώνα, όταν εμφανίστηκαν πολυάριθμα μοναστήρια του Ζεν. Κηρύσσοντας κυρίως την ιδέα της «αυτοσωτηρίας», δεν συνέδεσε τη σωτηρία με τον Βούδα, αλλά βασίστηκε στη σοβαρή αυτοπειθαρχία του ανθρώπου για να επιτύχει μια ξαφνική διαισθητική «φώτιση» που τον ενώνει με το απόλυτο. Η φειδωλή αλλά τολμηρή χρήση μελανιού και η ασύμμετρη σύνθεση, στην οποία τα άβαφα μέρη του χαρτιού έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην απεικόνιση εξιδανικευμένων τοπίων, σοφών και επιστημόνων, συνάδουν με αυτή τη φιλοσοφία.

Ένας από τους πιο διάσημους εκφραστές του sumi-e, ενός στυλ μονόχρωμης ζωγραφικής με μελάνι, ήταν ο Sesshu (1420-1506), ένας ιερέας του Ζεν, του οποίου η μακρά και παραγωγική ζωή του εξασφάλισε τη συνέχιση της λατρείας του. Στο τέλος της ζωής του, άρχισε να χρησιμοποιεί το στυλ χαμπόκου (γρήγορο μελάνι), το οποίο, σε αντίθεση με το ώριμο στυλ, που απαιτούσε ξεκάθαρες, οικονομικές πινελιές, έφερε την παράδοση της μονόχρωμης ζωγραφικής σχεδόν στην αφαίρεση.
Η δραστηριότητα της οικογένειας των καλλιτεχνών Kano και η ανάπτυξη του στυλ τους εμπίπτουν στην ίδια περίοδο. Ως προς την επιλογή των θεμάτων και τη χρήση μελανιού, ήταν κοντά στα κινέζικα, αλλά παρέμεινε γιαπωνέζικο ως προς τα εκφραστικά μέσα. Ο Κάνο, με την υποστήριξη του σογκουνάτου, έγινε η «επίσημη» σχολή ή καλλιτεχνικό στυλ ζωγραφικής και άκμασε αρκετά μέχρι τον 19ο αιώνα.

Η αφελής παράδοση του yamato-e συνέχισε να ζει στα έργα της σχολής Tosa, της δεύτερης σημαντικής κατεύθυνσης της ιαπωνικής ζωγραφικής. Μάλιστα, αυτή την εποχή και τα δύο σχολεία, το Κάνο και το Τόσα, ήταν στενά συνδεδεμένα, τους ένωνε το ενδιαφέρον για τη σύγχρονη ζωή. Motonobu Kano (1476-1559), ένας από εξαιρετικοί καλλιτέχνεςαυτής της περιόδου, όχι μόνο πάντρεψε την κόρη του με τον διάσημο καλλιτέχνη Τόσα, αλλά ζωγράφιζε και με τον τρόπο του.

Στους 15-16 αιώνες. υπήρχαν μόνο μερικά αξιόλογα έργα γλυπτικής. Ας σημειωθεί, ωστόσο, ότι η ανάπτυξη του νου δράματος, με την ποικιλία των διαθέσεων και των συναισθημάτων του, άνοιξε ένα νέο πεδίο δραστηριότητας για τους γλύπτες - σκάλωσαν μάσκες για ηθοποιούς. Στο κλασικό ιαπωνικό δράμα που παίζεται από και για την αριστοκρατία, οι ηθοποιοί (ένας ή περισσότεροι) φορούσαν μάσκες. Μετέδωσαν μια σειρά από συναισθήματα από φόβο, άγχος και σύγχυση μέχρι συγκρατημένη χαρά. Μερικές από τις μάσκες ήταν τόσο υπέροχα σκαλισμένες που η παραμικρή στροφή του κεφαλιού του ηθοποιού προκάλεσε ανεπαίσθητες αλλαγές στην έκφραση. Αξιόλογα δείγματα αυτών των μασκών φυλάσσονται εδώ και χρόνια από τις οικογένειες για τα μέλη των οποίων κατασκευάστηκαν.

Περίοδος Momoyama

(1568-1615). Το 1593, ο μεγάλος στρατιωτικός δικτάτορας Hideyoshi έχτισε το κάστρο του στο Momoyama, "Peach Hill", και με αυτό το όνομα συνηθίζεται να ορίζεται η περίοδος των 47 ετών από την πτώση του σογκουνάτου Ashikaga έως την ίδρυση της περιόδου Tokugawa ή Edo. , το 1615. Αυτή ήταν η εποχή της κυριαρχίας μιας εντελώς νέας στρατιωτικής τάξης, της οποίας ο μεγάλος πλούτος συνέβαλε στην άνθηση των τεχνών. Εντυπωσιακά κάστρα με μεγάλες αίθουσες κοινού και μεγάλους διαδρόμους ήρθαν στη μόδα στα τέλη του 16ου αιώνα. και απαιτούσε στολίδια ανάλογα με το μεγαλείο τους. Ήταν μια εποχή αυστηρών και θαρραλέων ανθρώπων και οι νέοι θαμώνες, σε αντίθεση με την πρώην αριστοκρατία, δεν ενδιαφέρθηκαν ιδιαίτερα για τις πνευματικές αναζητήσεις ή τις λεπτότητες της δεξιοτεχνίας. Ευτυχώς, η νέα γενιά καλλιτεχνών στάθηκε στο ύψος των προστάτων της. Την περίοδο αυτή εμφανίστηκαν υπέροχες οθόνες και κινητά πάνελ σε έντονα βυσσινί, σμαραγδί, πράσινο, μωβ και μπλε χρώματα. Τέτοια πληθωρικά χρώματα και διακοσμητικές μορφές, συχνά σε φόντο χρυσού ή ασημιού, ήταν πολύ δημοφιλή για εκατό χρόνια και οι δημιουργοί τους αποκαλούνταν δικαίως «μεγάλοι διακοσμητές». Χάρη στη λεπτή ιαπωνική γεύση, το πομπώδες στυλ δεν εκφυλίστηκε σε χυδαιότητα και ακόμη και όταν η αυτοσυγκράτηση και η υποτίμηση έδωσαν τη θέση τους στην πολυτέλεια και τις διακοσμητικές υπερβολές, οι Ιάπωνες κατάφεραν να διατηρήσουν την κομψότητα.

Ο Eitoku Kano (1543-1590), ένας από τους πρώτους μεγάλους καλλιτέχνες αυτής της περιόδου, εργάστηκε στο στυλ του Kano και του Tosa, διευρύνοντας την έννοια του σχεδίου του πρώτου και συνδυάζοντάς τα με τον πλούτο των χρωμάτων του δεύτερου. Αν και μόνο λίγα έργα των οποίων ο Eitoku μπορεί να αναγνωριστεί με ασφάλεια ως συγγραφέας έχουν διασωθεί, θεωρείται ένας από τους ιδρυτές του στυλ Momoyama και οι περισσότεροι από τους καλλιτέχνες αυτής της περιόδου ήταν μαθητές του ή επηρεάστηκαν από αυτόν.

Περίοδος Έντο ή Τοκουγκάουα

(1615-1867). Η μακρά περίοδος ειρήνης που ήρθε στη πρόσφατα ενοποιημένη Ιαπωνία ονομάζεται είτε εποχή Tokugawa, από το όνομα του ηγεμόνα, είτε Edo (σύγχρονο Τόκιο), αφού το 1603 αυτή η πόλη έγινε το νέο κέντρο εξουσίας. Δύο διάσημοι στρατηγοί της σύντομης περιόδου Momoyama, ο Oda Nobunaga (1534-1582) και ο Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), μέσω στρατιωτικής δράσης και διπλωματίας, κατάφεραν τελικά να συμφιλιώσουν ισχυρές φυλές και μαχητικό κλήρο. Με τον θάνατο του Hideyoshi το 1598, η εξουσία πέρασε στον Ieyasu Tokugawa (1542-1616), ο οποίος ολοκλήρωσε τα μέτρα που είχαν ξεκινήσει από κοινού. Η αποφασιστική μάχη της Σεκιγκαχάρα το 1600 ενίσχυσε τη θέση του Ιεγιάσου, η πτώση του Κάστρου Όσκα το 1615 συνοδεύτηκε από την οριστική κατάρρευση του οίκου Χιντεγιόσι και την εγκαθίδρυση της αδιαίρετης κυριαρχίας του σογκουνάτου Τοκουγκάουα.

Η ειρηνική κυριαρχία των Τοκουγκάουα διήρκεσε 15 γενιές και τελείωσε μόλις τον 19ο αιώνα. Ήταν ουσιαστικά μια περίοδος πολιτικής «κλειστών θυρών». Με διάταγμα του 1640, απαγορεύτηκε στους ξένους η πρόσβαση στην Ιαπωνία και οι Ιάπωνες δεν μπορούσαν να ταξιδέψουν στο εξωτερικό. Η μόνη εμπορική και πολιτιστική σύνδεση ήταν με τους Ολλανδούς και τους Κινέζους μέσω του λιμανιού του Ναγκασάκι. Όπως και σε άλλες περιόδους απομόνωσης, υπήρξε μια έξαρση των εθνικών συναισθημάτων και η ανάδυση στα τέλη του 17ου αιώνα. η λεγόμενη σχολή του είδους ζωγραφικής και χαρακτικής.
Η ταχέως αναπτυσσόμενη πρωτεύουσα του Έντο έγινε το κέντρο όχι μόνο της πολιτικής και επιχειρηματικής ζωής της αυτοκρατορίας του νησιού, αλλά και το κέντρο των τεχνών και της χειροτεχνίας. Η απαίτηση να βρίσκονται οι daimyo, οι επαρχιακοί φεουδάρχες, στην πρωτεύουσα για ένα ορισμένο μέρος κάθε έτους δημιούργησε την ανάγκη για νέα κτίρια, συμπεριλαμβανομένων των κτιρίων των ανακτόρων, και ως εκ τούτου για καλλιτέχνες για να τα διακοσμήσουν. Μια ταυτόχρονα αναδυόμενη τάξη πλούσιων αλλά μη αριστοκρατικών εμπόρων παρείχε νέα και συχνά αντιεπαγγελματική υποστήριξη στους καλλιτέχνες.

Η τέχνη της πρώιμης περιόδου Έντο εν μέρει συνεχίζει και αναπτύσσει το στυλ Momoyama, εντείνοντας τις τάσεις του προς την πολυτέλεια και τη λαμπρότητα. Ο πλούτος των παράξενων εικόνων και της πολυχρωμίας που κληρονομήθηκε από την προηγούμενη περίοδο συνεχίζει να αναπτύσσεται. Αυτό το διακοσμητικό στυλ έφτασε στο απόγειό του το τελευταίο τέταρτο του 17ου αιώνα. στο λεγόμενο. την εποχή Genroku της περιόδου Tokugawa (1688-1703). Στην ιαπωνική διακοσμητική τέχνη, δεν έχει παραλληλισμούς στην υπερβολή και τον πλούτο των χρωμάτων και τα διακοσμητικά μοτίβα στη ζωγραφική, τα υφάσματα, τη λάκα, τα καλλιτεχνικά μικροπράγματα - χαρακτηριστικά ενός πολυτελούς τρόπου ζωής.

Δεδομένου ότι μιλάμε για μια σχετικά όψιμη περίοδο της ιστορίας, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι έχουν διατηρηθεί τα ονόματα πολλών καλλιτεχνών και τα έργα τους. εδώ είναι δυνατόν να αναφέρουμε μόνο μερικά από τα πιο εξέχοντα. Μεταξύ των εκπροσώπων της διακοσμητικής σχολής που έζησαν και εργάστηκαν κατά τις περιόδους Momoyama και Edo είναι οι Honnami Koetsu (1558-1637) και Nonomura Sotatsu (π. 1643). Η δουλειά τους επιδεικνύει μια αξιοσημείωτη αίσθηση σχεδίου, σύνθεσης και χρώματος. Ο Koetsu, ένας ταλαντούχος κεραμιστής και καλλιτέχνης λάκας, ήταν γνωστός για την ομορφιά της καλλιγραφίας του. Μαζί με τον Sotatsu, δημιούργησαν ποιήματα με κυλίνδρους που ήταν της μόδας εκείνη την εποχή. Σε αυτόν τον συνδυασμό λογοτεχνίας, καλλιγραφίας και ζωγραφικής, οι εικόνες δεν ήταν απλώς εικονογραφήσεις: δημιουργούσαν ή πρότειναν μια διάθεση κατάλληλη για την αντίληψη του κειμένου. Ο Ogata Korin (1658-1716) ήταν ένας από τους κληρονόμους του διακοσμητικού στυλ και μαζί με τον μικρότερο αδελφό του Ogata Kenzan (1663-1743), τελειοποίησαν την τεχνική του. Ο Kenzan, περισσότερο γνωστός ως κεραμιστής παρά ως καλλιτέχνης, πυροβόλησε αγγεία στα οποία έγραφαν σχέδια του διάσημου μεγαλύτερου αδελφού του. Η αναβίωση αυτού του σχολείου στις αρχές του 19ου αιώνα. από τον ποιητή και ζωγράφο Sakai Hoitsu (1761-1828) ήταν η τελευταία έκρηξη στο διακοσμητικό στυλ. Οι πανέμορφοι ειλητάριοι και οι οθόνες του Horitsu συνδύασαν την αίσθηση του σχεδίου του Korin με το ενδιαφέρον του νατουραλισμού Maruyama για τη φύση, με αποτέλεσμα τον πλούτο των χρωμάτων και των διακοσμητικών μοτίβων της προηγούμενης περιόδου, που μετριάζονται από τη λαμπρότητα και τη φινέτσα της πινελιάς.

Μαζί με το πολύχρωμο διακοσμητικό στυλ, το παραδοσιακό σχολικό σχέδιο με μελάνι Kano συνέχισε να είναι δημοφιλές. Το 1622 ο Kanō Tanyu (1602-1674) διορίστηκε αυλικός ζωγράφος στο σογκούν και κάλεσε στο Edo. Με τον διορισμό του σε αυτή τη θέση και την ίδρυση της σχολής Edo ζωγραφικής Kano στο Kobikito, ξεκίνησε μια περίοδος μισού αιώνα καλλιτεχνικής ηγεσίας αυτής της παράδοσης, η οποία αποκατέστησε την εξέχουσα θέση της οικογένειας Kano και έκανε τα έργα της περιόδου Edo τα πιο σημαντικά. σημαντικό στη ζωγραφική Κάνο. Παρά τη δημοτικότητα των οθονών βαμμένων με χρυσό και φωτεινά χρώματα, που δημιουργήθηκαν από "μεγάλους διακοσμητές" και αντιπάλους, ο Tangyu, χάρη στη δύναμη του ταλέντου και της επίσημης θέσης του, μπόρεσε να διαδώσει τη ζωγραφική της αναβιωμένης σχολής Kano μεταξύ των ευγενών. Ο Tanyu πρόσθεσε δύναμη και απλότητα στα παραδοσιακά χαρακτηριστικά της σχολής Kano, με βάση μια άκαμπτη διακεκομμένη γραμμή και μια καλά μελετημένη διάταξη στοιχείων σύνθεσης σε μια μεγάλη ελεύθερη επιφάνεια.

Μια νέα τάση, στην οποία κύριο χαρακτηριστικό ήταν το ενδιαφέρον για τη φύση, άρχισε να επικρατεί στα τέλη του 18ου αιώνα. Ο Maruyama Okyo (1733-1795), επικεφαλής του νέου σχολείου, ήταν αγρότης, στη συνέχεια έγινε κληρικός και τελικά καλλιτέχνης. Τα δύο πρώτα μαθήματα δεν του έφεραν ευτυχία ή επιτυχία, αλλά ως καλλιτέχνης έφτασε σε μεγάλα ύψη και θεωρείται ο ιδρυτής της ρεαλιστικής σχολής Maruyama. Σπούδασε με τον δάσκαλο της σχολής Kano, Ishida Yutei (π. περίπου 1785). με βάση τα εισαγόμενα ολλανδικά χαρακτικά, κατανόησε τη δυτική τεχνική της προοπτικής αναπαράστασης και μερικές φορές απλώς αντέγραφε αυτά τα χαρακτικά. Μελέτησε επίσης κινέζικα στυλ από τις δυναστείες Σονγκ και Γιουάν, συμπεριλαμβανομένου του διακριτικού και ρεαλιστικού στυλ του Τσεν Σουάν (1235-1290) και του Σεν Νανπίνγκ. ο τελευταίος έζησε στο Ναγκασάκι στις αρχές του 18ου αιώνα. Ο Okyo έκανε πολλά έργα από τη φύση και οι επιστημονικές του παρατηρήσεις αποτέλεσαν τη βάση για την αντίληψη της φύσης, στην οποία βασίστηκε η σχολή Maruyama.

Εκτός από το ενδιαφέρον για τον νατουραλισμό τον 18ο αιώνα. ανανεωμένη επιρροή της κινεζικής καλλιτεχνικής παράδοσης. Οι εκπρόσωποι αυτής της τάσης στράφηκαν προς τη ζωγραφική σχολή των ζωγράφων-επιστημόνων Ming (1368-1644) και Qing (1644-1912), αν και η κατανόησή τους για την τρέχουσα κατάσταση της τέχνης στην Κίνα ήταν πιθανώς περιορισμένη. Η τέχνη αυτού του ιαπωνικού σχολείου ονομαζόταν bujinga (η τέχνη των μορφωμένων ανθρώπων). Ένας από τους πιο σημαντικούς δασκάλους του στυλ bujinga ήταν ο Ikeno Taiga (1723-1776). διάσημος καλλιτέχνηςκαι καλλιγράφος. Το ώριμο στυλ του χαρακτηρίζεται από χοντρές γραμμές περιγράμματος γεμάτες με ελαφριές φτερωτές πινελιές σε ανοιχτούς τόνους και μελάνι. ζωγράφιζε επίσης με φαρδιές, ελεύθερες πινελιές μαύρου μελανιού, που απεικονίζουν κορμούς μπαμπού σκυμμένους στον άνεμο και τη βροχή. Με σύντομες, καμπύλες γραμμές, πέτυχε ένα αποτέλεσμα που θυμίζει χαρακτικά στην εικόνα ομιχλωδών βουνών πάνω από μια λίμνη που περιβάλλεται από δάσος.
17ος αιώνας γέννησε μια άλλη αξιόλογη καλλιτεχνική κατεύθυνση της περιόδου Έντο. Αυτό είναι το λεγόμενο ukiyo-e (εικόνες του μεταβαλλόμενου κόσμου) - σκηνές είδους που δημιουργούνται από και για τους απλούς ανθρώπους. Το πρώιμο ukiyo-e προήλθε από την παλιά πρωτεύουσα του Κιότο και ήταν ως επί το πλείστον γραφικά. Αλλά το κέντρο της παραγωγής τους σύντομα μεταφέρθηκε στο Έντο και η προσοχή των δασκάλων επικεντρώθηκε στις ξυλογραφίες. Η στενή σύνδεση της ξυλογραφίας με το ukiyo-e οδήγησε στην εσφαλμένη αντίληψη ότι η ξυλογραφία ήταν η ανακάλυψη αυτής της περιόδου. μάλιστα ξεκίνησε τον 11ο αιώνα. Τέτοιες πρώιμες εικόνες ήταν αναθηματικού χαρακτήρα, που απεικόνιζαν τους ιδρυτές του Βουδισμού και των θεοτήτων, και κατά την περίοδο Kamakura, ορισμένοι αφηγηματικοί κύλινδροι αναπαράχθηκαν από σκαλισμένους ογκόλιθους. Ωστόσο, η τέχνη της χαρακτικής έγινε ιδιαίτερα δημοφιλής την περίοδο από τα μέσα του 17ου έως τον 19ο αιώνα.

Τα θέματα των χαρακτικών ukiyo-e ήταν οι όμορφες εταίρες των γκέι συνοικιών, αγαπημένοι ηθοποιοί και σκηνές από δράματα. Πρώιμο, λεγόμενο. Οι πρωτόγονες γκραβούρες έγιναν σε μαύρο χρώμα, με έντονες ρυθμικές κυματιστές γραμμές και διακρίνονταν από απλά σχέδια. Μερικές φορές βάφτηκαν στο χέρι σε ένα πορτοκαλοκόκκινο χρώμα που ονομαζόταν tan-e (έντονο κόκκινο ζωγραφική), με μουσταρδί κίτρινα και πράσινα σημάδια. Μερικοί από τους «πρωτόγονους» καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν ζωγραφική στο χέρι που ονομάζεται urushu-e (ζωγραφική με λάκα), στην οποία οι σκοτεινές περιοχές ενισχύθηκαν και έγιναν πιο φωτεινές με την προσθήκη κόλλας. Μια πρώιμη πολύχρωμη εκτύπωση, που εμφανίστηκε το 1741 ή το 1742, ονομαζόταν benizuri-e (βυσσινί) και συνήθως χρησιμοποιούσε τρία χρώματα - ροζ κόκκινο, πράσινο και μερικές φορές κίτρινο. Πραγματικά πολύχρωμα χαρακτικά, που χρησιμοποιούν ολόκληρη την παλέτα και ονομάζονται nishiki-e (εικόνες μπροκάρ), εμφανίστηκαν το 1765.

Εκτός από τη δημιουργία μεμονωμένων εκτυπώσεων, πολλοί από τους χαράκτες εικονογράφησαν βιβλία και κέρδισαν χρήματα κάνοντας ερωτικές εικονογραφήσεις σε βιβλία και σε ειλητάρια. Θα πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι η χαρακτική ukiyo-e αποτελούταν από τρεις τύπους δραστηριότητας: ήταν έργο ενός συντάκτη, του οποίου το όνομα έφερε το τύπωμα, ενός χαράκτη και ενός τυπογράφου.

Ο Hishikawa Moronobu (περ. 1625-1694) θεωρείται ο ιδρυτής της παράδοσης της δημιουργίας εκτυπώσεων ukiyo-e. Άλλοι «πρωτόγονοι» καλλιτέχνες αυτής της τάσης είναι ο Kiyomasu (1694-1716) και η ομάδα Kaigetsudo (μια περίεργη κοινότητα καλλιτεχνών της οποίας η ύπαρξη παραμένει ασαφής), καθώς και ο Okumura Masanobu (1686-1764).

Οι μεταβατικοί καλλιτέχνες που δημιούργησαν τα prints benizuri-e ήταν οι Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (ενεργός περ. 1751-1760) και Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Τα έργα του Suzuki Harunobu (1725-1770) ανοίγουν την εποχή της πολύχρωμης χαρακτικής. Γεμάτα με απαλά, σχεδόν ουδέτερα χρώματα, με κομψές κυρίες και γενναίους εραστές, τα prints Harunobu γνώρισαν μεγάλη επιτυχία. Περίπου την ίδια εποχή συνεργάστηκαν μαζί του οι Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) και Kitagawa Utamaro (1753-1806). Καθένας από αυτούς συνέβαλε στην ανάπτυξη αυτού του είδους. οι δάσκαλοι έφεραν γκραβούρες που απεικόνιζαν χαριτωμένες ομορφιές και διάσημους ηθοποιούςστην τελειότητα. Σε λίγους μήνες το 1794-1795, ο μυστηριώδης Tosusai Saraku δημιούργησε εκπληκτικά δυνατά και ειλικρινά σκληρά πορτρέτα των ηθοποιών εκείνων των ημερών.

Στις πρώτες δεκαετίες του 19ου αι αυτό το είδος έχει ωριμάσει και άρχισε να παρακμάζει. Ο Katsushika Hokusai (1760-1849) και ο Ando Hiroshige (1797-1858) είναι οι μεγαλύτεροι δεξιοτέχνες της εποχής, το έργο των οποίων συνδέει την παρακμή της τέχνης της χαρακτικής τον 19ο αιώνα. και η νέα του αναβίωση στις αρχές του 20ού αιώνα. Και οι δύο ήταν πρωτίστως τοπιογράφοι, που καθόριζαν τα γεγονότα της σύγχρονης ζωής στα χαρακτικά τους. Η λαμπρή μαεστρία της τεχνικής των ξυλόγλυπτων και των τυπογράφων κατέστησε δυνατή τη μεταφορά ιδιότροπων γραμμών και των παραμικρών αποχρώσεων του ήλιου που δύει ή της ομίχλης που ανατέλλει την αυγή στο χαρακτικό.

Η αποκατάσταση Meiji και η σύγχρονη περίοδος.

Συχνά συμβαίνει ότι η αρχαία τέχνη του ενός ή του άλλου λαού είναι φτωχή σε ονόματα, ημερομηνίες και έργα που σώζονται, επομένως οποιεσδήποτε κρίσεις μπορούν να γίνουν μόνο με μεγάλη προσοχή και σύμβαση. Ωστόσο, δεν είναι λιγότερο δύσκολο να κρίνουμε τη σύγχρονη τέχνη, αφού στερούμαστε μια ιστορική προοπτική για να αξιολογήσουμε σωστά την κλίμακα οποιουδήποτε κινήματος ή καλλιτέχνη και του έργου του. Η μελέτη της ιαπωνικής τέχνης δεν αποτελεί εξαίρεση και το περισσότερο που μπορεί να γίνει είναι να παρουσιαστεί ένα πανόραμα της σύγχρονης τέχνης και να εξαχθούν κάποια προσωρινά προκαταρκτικά συμπεράσματα.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα Τα ιαπωνικά λιμάνια άνοιξαν ξανά για το εμπόριο, σημαντικές αλλαγές έγιναν στην πολιτική σκηνή. Το 1868, το σογκουνάτο καταργήθηκε και η βασιλεία του αυτοκράτορα Meiji αποκαταστάθηκε. Η επίσημη πρωτεύουσα και η κατοικία του αυτοκράτορα μεταφέρθηκαν στο Έντο και η ίδια η πόλη έγινε γνωστή ως Τόκιο (ανατολική πρωτεύουσα).

Όπως συνέβη στο παρελθόν, το τέλος της εθνικής απομόνωσης δημιούργησε μεγάλο ενδιαφέρον για τα επιτεύγματα άλλων εθνών. Εκείνη την εποχή, οι Ιάπωνες έκαναν ένα τεράστιο άλμα στην επιστήμη και την τεχνολογία. Καλλιτεχνικά, η αρχή της εποχής Meiji (1868-1912) καταδεικνύει την αποδοχή κάθε τι Δυτικού, συμπεριλαμβανομένης της τεχνολογίας. Ωστόσο, αυτός ο ζήλος δεν κράτησε πολύ και ακολούθησε μια περίοδος αφομοίωσης, εμφάνισης νέων μορφών, που συνδυάζουν την επιστροφή στις δικές τους παραδόσεις και τις νέες δυτικές τάσεις.

Από τους καλλιτέχνες, φήμη απέκτησαν οι Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) και Tomioka Tessai (1836-1942). Οι τρεις πρώτοι τήρησαν το παραδοσιακό ιαπωνικό στυλ και θέματα, αν και προσπάθησαν να δείξουν πρωτοτυπία στη διάθεση και την τεχνική. Ο Seihō, για παράδειγμα, εργάστηκε στην ήρεμη και συντηρητική ατμόσφαιρα του Κιότο. Του πρώιμα έργαδημιουργήθηκε με τον νατουραλιστικό τρόπο του Μαρουγιάμα, αλλά αργότερα ταξίδεψε πολύ στην Κίνα και επηρεάστηκε βαθιά από την κινεζική ζωγραφική με μελάνι. Τα ταξίδια του σε μουσεία και ηγετική κέντρα τέχνηςΗ Ευρώπη άφησε επίσης σημάδι στο έργο του. Από όλους τους εξέχοντες καλλιτέχνες αυτής της εποχής, μόνο ο Tomioka Tessai έφτασε κοντά στην ανάπτυξη ενός νέου στυλ. Στα ενεργητικά και γεμάτα δύναμη έργα του, τραχιές, στριμμένες, οδοντωτές γραμμές και μουτζούρες από μαύρο μελάνι συνδυάζονται με λεπτογραμμένες χρωματικές κηλίδες. Στα μετέπειτα χρόνια, κάποιοι νέοι ελαιοχρωματιστές τα κατάφεραν εκεί που είχαν αποτύχει οι παππούδες τους. Οι πρώτες απόπειρες εργασίας με αυτό το ασυνήθιστο υλικό θύμιζαν παριζιάνικους καμβάδες και δεν διακρίνονταν ούτε από ιδιαίτερη αξία ούτε από συγκεκριμένα ιαπωνικά χαρακτηριστικά. Ωστόσο, τώρα δημιουργούνται έργα εξαιρετικής ελκυστικότητας, στα οποία μια χαρακτηριστική ιαπωνική αίσθηση χρώματος και ισορροπίας λάμπει μέσα από αφηρημένα θέματα. Άλλοι καλλιτέχνες, δουλεύοντας με πιο φυσικό και παραδοσιακό μελάνι και μερικές φορές χρησιμοποιώντας την καλλιγραφία ως αφετηρία, δημιουργούν ενεργητικά αφηρημένα κομμάτια σε λαμπερά μαύρα με αποχρώσεις του γκρι.

Όπως και στην περίοδο Έντο, τον 19ο και τον 20ο αιώνα. η γλυπτική δεν ήταν δημοφιλής. Αλλά σε αυτόν τον τομέα, εκπρόσωποι σύγχρονη γενιά, εκπαιδευμένος σε Αμερική και Ευρώπη, πειραματίστηκε με μεγάλη επιτυχία. Τα μικρά μπρούτζινα γλυπτά, με αφηρημένη μορφή και με περίεργα ονόματα, δείχνουν την ιαπωνική αίσθηση γραμμής και χρώματος, η οποία εκδηλώνεται με τη χρήση μιας απαλής πράσινης ή ζεστής καφέ πατίνας. Η ξυλογλυπτική μαρτυρεί την αγάπη των Ιαπώνων για την υφή του υλικού.

Το Sosaku hanga, η ιαπωνική «δημιουργική εκτύπωση», εμφανίστηκε μόλις την πρώτη δεκαετία του 20ου αιώνα, αλλά ως ειδική καλλιτεχνική κατεύθυνση επισκίασε όλους τους άλλους τομείς της σύγχρονης τέχνης. Αυτή η μοντέρνα εκτύπωση δεν είναι, αυστηρά, ο διάδοχος της παλαιότερης ξυλογραφίας ukiyo-e. διαφέρουν ως προς το στυλ, την πλοκή και τις μεθόδους δημιουργίας. Οι καλλιτέχνες, πολλοί από τους οποίους επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τη δυτική ζωγραφική, συνειδητοποίησαν τη σημασία της δικής τους καλλιτεχνική κληρονομιάκαι βρήκαν κατάλληλο υλικό στο ξύλο για να εκφράσουν τα δημιουργικά τους ιδανικά. Οι δάσκαλοι της Hanga όχι μόνο ζωγραφίζουν, αλλά και χαράζουν εικόνες σε ξύλινους ογκόλιθους και τις εκτυπώνουν μόνοι τους. Αν και η ξυλουργική είναι στο υψηλότερο επίπεδο σε αυτή τη μορφή τέχνης, χρησιμοποιούνται όλες οι σύγχρονες δυτικές τεχνικές χαρακτικής. Ο πειραματισμός με φύλλα, σπάγγους και «βρεμένα αντικείμενα» σε ορισμένες περιπτώσεις σας επιτρέπει να δημιουργήσετε μοναδικά εφέ υφής επιφάνειας. Στην αρχή, οι δάσκαλοι αυτής της τάσης αναγκάστηκαν να αναζητήσουν αναγνώριση: τελικά, ακόμη και τα καλύτερα επιτεύγματα της σχολής ukiyo-e συνδέθηκαν από διανοούμενους καλλιτέχνες με ένα αγράμματο πλήθος και θεωρούνταν πληβεία τέχνη. Καλλιτέχνες όπως οι Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi και Maekawa Senpan έκαναν πολλά για να αποκαταστήσουν το σεβασμό για τη χαρακτική και να την καθιερώσουν ως έναν άξιο κλάδο των καλών τεχνών. Προσέλκυσαν πολλούς νέους καλλιτέχνες στην ομάδα τους και οι χαράκτες ανέρχονται πλέον σε εκατοντάδες. Μεταξύ των δασκάλων αυτής της γενιάς που πέτυχαν την αναγνώριση στην Ιαπωνία και στη Δύση είναι οι Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen και Saito Kiyoshi. Πρόκειται για δασκάλους των οποίων η καινοτομία και το αναμφισβήτητο ταλέντο τους επέτρεψαν να καταλάβουν μια άξια θέση μεταξύ των κορυφαίων καλλιτεχνών της Ιαπωνίας. Πολλοί από τους συνομηλίκους τους και άλλοι, νεότεροι καλλιτέχνες hanga δημιούργησαν επίσης αξιόλογα χαρακτικά. το γεγονός ότι δεν αναφέρουμε τα ονόματά τους εδώ δεν σημαίνει χαμηλή εκτίμηση για το έργο τους.

ΤΕΧΝΕΣ ΚΑΙ ΕΦΑΡΜΟΣΜΕΝΕΣ ΤΕΧΝΕΣ, ΑΡΧΙΤΕΚΤΟΝΙΚΗ ΚΑΙ ΚΗΠΟΙ

Οι προηγούμενες ενότητες ασχολήθηκαν κυρίως με τη ζωγραφική και τη γλυπτική, που στις περισσότερες χώρες θεωρούνται τα κύρια είδη τέχνης. εικαστικές τέχνες. Ίσως είναι άδικο να συμπεριλάβουμε στο τέλος του άρθρου τις διακοσμητικές τέχνες και τις λαϊκές τέχνες, την τέχνη των κήπων και την αρχιτεκτονική - μορφές που ήταν σημαντικό και αναπόσπαστο μέρος της ιαπωνικής τέχνης. Ωστόσο, ίσως, με εξαίρεση την αρχιτεκτονική, απαιτούν ιδιαίτερη προσοχή εκτός από γενική περιοδοποίησηΙαπωνική τέχνη και με αλλαγές στυλ.

Κεραμικά και πορσελάνη.

Οι πιο σημαντικές τέχνες και χειροτεχνίες στην Ιαπωνία είναι η κεραμική και η πορσελάνη. Η κεραμική τέχνη εμπίπτει φυσικά σε δύο κατηγορίες. Το φίνο πολύχρωμο Imari, Nabeshima και Kakiemon china πήρε το όνομά του από τους τόπους παραγωγής και η πλούσια ζωγραφική του σε κρεμ ή γαλαζόλευκη επιφάνεια προοριζόταν για τους κύκλους των ευγενών και της αυλής. Η διαδικασία κατασκευής πραγματικής πορσελάνης έγινε γνωστή στην Ιαπωνία στα τέλη του 16ου ή στις αρχές του 17ου αιώνα. πιάτα και μπολ με λείο γλάσο, με ασύμμετρο ή μπροκάρ μοτίβο, εκτιμώνται τόσο στο σπίτι όσο και στη Δύση.

Σε αντίθεση με την πορσελάνη σε ακατέργαστη κεραμική από πηλό ή χαμηλής ποιότητας πέτρινη μάζα, που είναι χαρακτηριστική για τους Shino, Oribe και Bizen, η προσοχή εστιάζεται στο υλικό, φαινομενικά απρόσεκτη, αλλά προσεκτική διάταξη των διακοσμητικών στοιχείων. Επηρεασμένοι από τις έννοιες του Ζεν Βουδισμού, τέτοια αγγεία ήταν πολύ δημοφιλή στους πνευματικούς κύκλους και χρησιμοποιήθηκαν ευρέως, ειδικά σε τελετές τσαγιού. Σε πολλά φλιτζάνια, τσαγιέρες και κουφέτα, χαρακτηριστικά της τέχνης της τελετής τσαγιού, ενσωματώθηκε η ίδια η ουσία του Βουδισμού Ζεν: σκληρή αυτοπειθαρχία και αυστηρή απλότητα. Κατά τη διάρκεια της ακμής της ιαπωνικής διακοσμητικής τέχνης, οι ταλαντούχοι καλλιτέχνες Korin και Kenzan ασχολούνταν με τη διακόσμηση κεραμικών προϊόντων. Θα πρέπει να θυμόμαστε ότι η φήμη του Kenzan συνδέεται περισσότερο με το ταλέντο του ως κεραμιστής και όχι ως ζωγράφος. Μερικοί από τους απλούστερους τύπους και τεχνικές κατασκευής αγγείων προέρχονται από παραδόσεις λαϊκής χειροτεχνίας. Τα σύγχρονα εργαστήρια, συνεχίζοντας τις παλιές παραδόσεις, παράγουν όμορφα προϊόντα που απολαμβάνουν την κομψή τους απλότητα.

Προϊόντα λάκας.

Ήδη στους 7-8 αιώνες. το βερνίκι ήταν γνωστό στην Ιαπωνία. Από την εποχή αυτή διατηρήθηκαν τα καπάκια των κασετιών, διακοσμημένα με εικόνες ανθρώπων και γεωμετρικά μοτίβα, εφαρμοσμένα με λεπτές χρυσές γραμμές. Έχουμε ήδη μιλήσει για τη σημασία της τεχνικής της ξηρής λάκας για τη γλυπτική τον 8ο και 9ο αιώνα. την ίδια εποχή και αργότερα κατασκευάζονταν διακοσμητικά αντικείμενα όπως γραμματοκιβώτια ή λιβανοθήκες. Κατά την περίοδο Έντο, τα προϊόντα αυτά κατασκευάζονταν σε μεγάλες ποσότητες και με την πιο υπέροχη διακόσμηση. Πολυτελώς διακοσμημένα κουτιά για πρωινό, για κέικ, για θυμίαμα και φάρμακα, που ονομάζονται inro, αντανακλούσαν τον πλούτο και την αγάπη για την πολυτέλεια που ενυπάρχουν σε αυτήν την εποχή. Η επιφάνεια των αντικειμένων ήταν διακοσμημένη με σχέδια από χρυσό και ασήμι σε σκόνη, κομμάτια από φύλλο χρυσού, μόνα τους ή σε συνδυασμό με ένθετα κοχυλιών, φίλντισι, κράμα κασσίτερου και μολύβδου κ.λπ. αυτά τα σχέδια έρχονται σε αντίθεση με την λακαρισμένη κόκκινη, μαύρη ή καφέ επιφάνεια. Μερικές φορές καλλιτέχνες όπως ο Korin και ο Koetsu έκαναν σχέδια με λάκα, αλλά είναι απίθανο να συμμετείχαν προσωπικά σε αυτά τα έργα.

Ξίφη.

Οι Ιάπωνες, όπως έχει ήδη ειπωθεί, ήταν λαός πολεμιστών για μια σημαντική περίοδο της ιστορίας τους. όπλα και πανοπλίες θεωρούνταν απαραίτητα είδη για μεγάλο μέρος του πληθυσμού. Το ξίφος ήταν το καμάρι ενός ανθρώπου. Τόσο η ίδια η λεπίδα όσο και όλα τα άλλα μέρη του ξίφους, ιδιαίτερα η λαβή (τσούμπα), ήταν διακοσμημένα με διάφορες τεχνικές. Τα τσούμπα από σίδηρο ή μπρούτζο ήταν διακοσμημένα με ένθετα από χρυσό και ασήμι, σκαλισμένα ή διακοσμημένα και με τα δύο. Απεικόνιζαν τοπία ή φιγούρες ανθρώπων, λουλούδια ή οικογενειακά οικόσημα (mon). Όλα αυτά συμπλήρωναν το έργο των κατασκευαστών σπαθιών.

Υφάσματα.

Τα μεταξωτά με πλούσια σχέδια και άλλα υφάσματα, που ευνοούνται από την αυλή και τον κλήρο σε περιόδους χλιδής και αφθονίας, καθώς και απλά υφάσματα με σχεδόν πρωτόγονο σχέδιο, χαρακτηριστικό της λαϊκής τέχνης, είναι επίσης εκφράσεις του εθνικού ιαπωνικού ταλέντου. Έχοντας φτάσει στο αποκορύφωμά της κατά την πλούσια εποχή του Genroku, η τέχνη των κλωστοϋφαντουργικών προϊόντων έχει ανθίσει ξανά στη σύγχρονη Ιαπωνία. Συνδυάζει ιδέες και τεχνητές ίνες από τη Δύση με παραδοσιακά χρώματα και διακοσμητικά μοτίβα.

Κήποι.

Τις τελευταίες δεκαετίες, το ενδιαφέρον για τους ιαπωνικούς κήπους και την αρχιτεκτονική έχει αυξηθεί λόγω της μεγαλύτερης έκθεσης του δυτικού κοινού σε αυτές τις μορφές τέχνης. Οι κήποι στην Ιαπωνία έχουν ιδιαίτερη θέση. Είναι η έκφραση και το σύμβολο υψηλών θρησκευτικών και φιλοσοφικών αληθειών και αυτές οι σκοτεινές, συμβολικές αποχρώσεις, σε συνδυασμό με τη φαινομενική ομορφιά των κήπων, προκαλούν το ενδιαφέρον του δυτικού κόσμου. Δεν μπορεί να ειπωθεί ότι ήταν θρησκευτικές ή φιλοσοφικές ιδέες κύριος λόγοςδημιουργώντας κήπους, αλλά όταν σχεδίαζε και δημιουργούσε έναν κήπο, ο σχεδιαστής θεωρούσε τέτοια στοιχεία, η ενατένιση των οποίων θα οδηγούσε τον θεατή να προβληματιστεί για διάφορες φιλοσοφικές αλήθειες. Εδώ, η στοχαστική πτυχή του βουδισμού Ζεν ενσωματώνεται σε μια ομάδα ασυνήθιστων λίθων, κυμάτων από τσουγκράνα άμμου και χαλίκι, σε συνδυασμό με χλοοτάπητα ή φυτά τοποθετημένα έτσι ώστε το ρεύμα πίσω τους να εξαφανίζεται και να εμφανίζεται ξανά, τα οποία ενθαρρύνουν τον θεατή να ολοκληρώσει ανεξάρτητα. τις ιδέες που τέθηκαν κατά την κατασκευή του κήπου. Η προτίμηση για ασαφείς υπαινιγμούς έναντι κατανοητών εξηγήσεων είναι χαρακτηριστικό της φιλοσοφίας του Ζεν. Οι νάνοι μπονσάι και οι μικροσκοπικοί κήποι με γλάστρες, πλέον δημοφιλείς στη Δύση, έχουν γίνει συνέχεια αυτών των ιδεών.

Αρχιτεκτονική.

Κύριος αρχιτεκτονικά μνημείαΗ Ιαπωνία είναι ναοί, μοναστηριακά συγκροτήματα, φεουδαρχικά κάστρα και παλάτια. Από την αρχαιότητα μέχρι σήμερα, το ξύλο είναι το κύριο δομικό υλικό και σε μεγάλο βαθμό καθορίζει τα σχεδιαστικά χαρακτηριστικά. Τα παλαιότερα θρησκευτικά κτίρια είναι ιερά της εθνικής ιαπωνικής θρησκείας του Σιντοϊσμού. αν κρίνουμε από τα κείμενα και τα σχέδια, ήταν σχετικά απλά κτίρια με αχυροσκεπή, όπως οι αρχαίες κατοικίες. Τα κτίρια ναών που ανεγέρθηκαν μετά την εξάπλωση του Βουδισμού και συνδέονται με αυτόν βασίστηκαν σε κινεζικά πρωτότυπα σε στυλ και διάταξη. Η αρχιτεκτονική του βουδιστικού ναού έχει αλλάξει με την πάροδο του χρόνου και η διακόσμηση και η διάταξη των κτιρίων ποικίλλει σε διάφορες αιρέσεις. Τα ιαπωνικά κτίρια χαρακτηρίζονται από μεγάλες αίθουσες με ψηλές στέγες και ένα περίπλοκο σύστημα κονσολών και η διακόσμησή τους αντικατοπτρίζει τη γεύση της εποχής τους. Η απλή και μαγευτική αρχιτεκτονική του συγκροτήματος Horyu-ji, που χτίστηκε κοντά στη Νάρα στις αρχές του 7ου αιώνα, είναι τόσο χαρακτηριστική της περιόδου Asuka όσο η ομορφιά και η κομψότητα των αναλογιών του Hoodo, της «Αίθουσας του Φοίνικα» του Uji που αντικατοπτρίζεται στη λίμνη Lotus , είναι της περιόδου Heian. Οι πιο περίτεχνες κατασκευές της περιόδου Έντο έλαβαν πρόσθετους στολισμούς με τη μορφή πλούσια ζωγραφισμένων συρόμενων θυρών και παραθύρων που κατασκευάστηκαν από τους ίδιους «μεγάλους διακοσμητές» που διακοσμούσαν τους εσωτερικούς χώρους των αυλακωμένων κάστρων και των φεουδαρχικών ανακτόρων.

Η αρχιτεκτονική και οι κήποι της Ιαπωνίας συνδέονται τόσο στενά που μπορούν να θεωρηθούν μέρη ο ένας του άλλου. Αυτό ισχύει ιδιαίτερα για τα κτίρια και τα σπίτια στον κήπο για την τελετή του τσαγιού. Η διαφάνεια, η απλότητα και η προσεκτικά σχεδιασμένη σύνδεσή τους με το τοπίο και την προοπτική έχουν μεγάλη επιρροή σύγχρονη αρχιτεκτονικήΔυτικά.

ΕΠΙΠΤΩΣΗ ΤΗΣ ΙΑΠΩΝΙΚΗΣ ΤΕΧΝΗΣ ΣΤΗ ΔΥΣΗ

Μέσα σε μόλις έναν αιώνα, η τέχνη της Ιαπωνίας έγινε γνωστή στη Δύση και είχε σημαντικό αντίκτυπο σε αυτήν. Υπήρχαν επίσης παλαιότερες επαφές (για παράδειγμα, οι Ολλανδοί έκαναν εμπόριο με την Ιαπωνία μέσω του λιμανιού του Ναγκασάκι), αλλά τα αντικείμενα που έφτασαν στην Ευρώπη τον 17ο αιώνα ήταν κυρίως έργα εφαρμοσμένης τέχνης - πορσελάνη και βερνίκι. Συλλέχθηκαν με ανυπομονησία ως αξιοπερίεργα και αντιγράφηκαν με διάφορους τρόπους, αλλά αυτές οι διακοσμητικές εξαγωγές δεν αντανακλούσαν την ουσία και την ποιότητα της ιαπωνικής τέχνης και έδωσαν ακόμη και στους Ιάπωνες μια μη κολακευτική ιδέα της δυτικής γεύσης.

Για πρώτη φορά, η δυτική ζωγραφική γνώρισε την άμεση επιρροή της ιαπωνικής τέχνης στην Ευρώπη το 1862 κατά τη διάρκεια της τεράστιας Διεθνούς Έκθεσης στο Λονδίνο. Παρουσιάστηκαν στην Έκθεση του Παρισιού πέντε χρόνια αργότερα, οι ιαπωνικές εκτυπώσεις ξύλου προκάλεσαν ανανεωμένο ενδιαφέρον. Αμέσως ξεπήδησαν αρκετές ιδιωτικές συλλογές χαρακτικών. Ο Ντεγκά, ο Μανέ, ο Μονέ, ο Γκογκέν, ο Βαν Γκογκ και άλλοι πήραν τις ιαπωνικές έγχρωμες εκτυπώσεις ως αποκάλυψη. συχνά παρατηρείται μια ελαφρά αλλά πάντα αναγνωρίσιμη επιρροή της ιαπωνικής χαρακτικής στους ιμπρεσιονιστές. Οι Αμερικανοί Whistler και Mary Cassatt έλκονταν από τη συγκράτηση της γραμμής και τα έντονα χρώματα των prints και των πινάκων ukiyo-e.

Το άνοιγμα της Ιαπωνίας στους ξένους το 1868 δημιούργησε μια γοητεία με όλα τα δυτικά πράγματα και έκανε τους Ιάπωνες να απομακρυνθούν από τη δική τους πλούσια κουλτούρα και καλλιτεχνική κληρονομιά. Εκείνη την εποχή, πολλοί όμορφοι πίνακες και γλυπτά πουλήθηκαν και κατέληξαν σε δυτικά μουσεία και ιδιωτικές συλλογές. Οι εκθέσεις αυτών των αντικειμένων εισήγαγαν τη Δύση στην Ιαπωνία και κίνησαν το ενδιαφέρον για ταξίδια στην Άπω Ανατολή. Αναμφίβολα, η κατάληψη της Ιαπωνίας από τα αμερικανικά στρατεύματα στο τέλος του Β' Παγκοσμίου Πολέμου άνοιξε περισσότερες ευκαιρίες από πριν για γνωριμία και βαθύτερη μελέτη των ιαπωνικών ναών και των θησαυρών τους. Το ενδιαφέρον αυτό αντικατοπτρίστηκε στην προσέλευση των αμερικανικών μουσείων. Ενδιαφέρον για την Ανατολή γενικά προκάλεσε η διοργάνωση εκθέσεων ιαπωνικής τέχνης που επιλέχθηκαν από ιαπωνικές δημόσιες και ιδιωτικές συλλογές και μεταφέρθηκαν στην Αμερική και την Ευρώπη.

Επιστημονική έρευνα πρόσφατες δεκαετίεςέκανε πολλά για να αντικρούσει την άποψη ότι η ιαπωνική τέχνη είναι μόνο μια αντανάκλαση της κινεζικής τέχνης, και πολλές ιαπωνικές δημοσιεύσεις σχετικά αγγλική γλώσσαμύησε τη Δύση στα ιδανικά της Ανατολής.

Η σύγχρονη ιαπωνική καλλιτεχνική σκηνή φαίνεται να έχει παγκοσμιοποιηθεί πλήρως. Οι καλλιτέχνες ταξιδεύουν μεταξύ Τόκιο και Νέας Υόρκης, σχεδόν όλοι έλαβαν ευρωπαϊκή ή αμερικανική εκπαίδευση, μιλούν για τη δουλειά τους στα διεθνή καλλιτεχνικά αγγλικά. Ωστόσο, αυτή η εικόνα απέχει πολύ από το να είναι ολοκληρωμένη.

Οι εθνικές μορφές και τάσεις αποδεικνύονται ένα από τα πιο περιζήτητα αγαθά που μπορεί να προσφέρει η Ιαπωνία στην παγκόσμια αγορά καλλιτεχνικών ιδεών και έργων.

λειτουργία αεροπλάνου. Πώς το superflat συνδυάζει την αμερικανική κουλτούρα των geek και την παραδοσιακή ιαπωνική ζωγραφική

Τακάσι Μουρακάμι. "Τανγκ Ταν Μπο"

Αν στον δυτικό κόσμο σχεδόν για όλους (εκτός ίσως από τους πιο ένθερμους μεταμοντέρνους θεωρητικούς) το όριο μεταξύ υψηλής και μαζικής κουλτούρας παραμένει επίκαιρο, αν και προβληματικό, τότε στην Ιαπωνία αυτοί οι κόσμοι είναι τελείως αναμεμειγμένοι.

Ένα παράδειγμα αυτού είναι ο Takashi Murakami, ο οποίος συνδυάζει επιτυχώς εκθέσεις στις καλύτερες γκαλερί του κόσμου και streaming παραγωγής.

Ηχογράφηση της ξενάγησης στην έκθεση Μουρακάμι "Θα πέσει ήπια βροχή"

Ωστόσο, η σχέση του Μουρακάμι με τη λαϊκή κουλτούρα - και για την Ιαπωνία αυτή είναι πρωτίστως η κουλτούρα των θαυμαστών manga και anime (otaku) - είναι πιο περίπλοκη. Ο φιλόσοφος Hiroki Azuma επικρίνει την κατανόηση του otaku ως ένα αυθεντικό ιαπωνικό φαινόμενο. Οι Otaku θεωρούν τους εαυτούς τους άμεσα συνδεδεμένους με τις παραδόσεις της περιόδου Έντο του 17ου-19ου αιώνα - την εποχή του απομονωτισμού και της απόρριψης του εκσυγχρονισμού. Ο Azuma υποστηρίζει ότι το κίνημα των otaku - βασισμένο σε manga, animation, graphic novels, παιχνίδια υπολογιστή - θα μπορούσε να έχει προκύψει μόνο στο πλαίσιο της μεταπολεμικής αμερικανικής κατοχής ως αποτέλεσμα της εισαγωγής της αμερικανικής κουλτούρας. Η τέχνη του Μουρακάμι και των οπαδών του επανεφευρίσκει το otaku με τεχνικές pop art και καταρρίπτει τον εθνικιστικό μύθο της αυθεντικότητας της παράδοσης. Αντιπροσωπεύει μια «επαναμερικανοποίηση της ιαπωνοποιημένης αμερικανικής κουλτούρας».

Από καλλιτεχνική άποψη, το superflat είναι πιο κοντά στην πρώιμη ιαπωνική ζωγραφική ukiyo-e. Το πιο διάσημο έργο αυτής της παράδοσης είναι η εκτύπωση The Great Wave Off Kanagawa του Katsushika Hokusai (1823–1831).

Για τον δυτικό μοντερνισμό, η ανακάλυψη της ιαπωνικής ζωγραφικής ήταν μια σημαντική ανακάλυψη. Κατέστησε δυνατή τη θέαση της εικόνας ως αεροπλάνου και δεν επιδιώκει να ξεπεράσει αυτήν την ιδιαιτερότητά της, αλλά να εργαστεί μαζί της.

Κατσουσίκι Χοκουσάι. "Το μεγάλο κύμα από την Καναγκάουα"

Πρωτοπόροι της απόδοσης. Τι σημαίνει σήμερα η ιαπωνική τέχνη της δεκαετίας του 1950

Τεκμηρίωση της δημιουργικής διαδικασίας των Akira Kanayama και Kazuo Shiragi

Το Superflat διαμορφώθηκε μόλις τη δεκαετία του 2000. Όμως οι σημαντικές καλλιτεχνικές δράσεις για την παγκόσμια τέχνη ξεκίνησαν στην Ιαπωνία πολύ νωρίτερα - και ακόμη νωρίτερα από τη Δύση.

Η παραστατική στροφή στην τέχνη έλαβε χώρα στο γύρισμα των δεκαετιών του '60 και του '70 του περασμένου αιώνα. Στην Ιαπωνία, η παράσταση εμφανίστηκε τη δεκαετία του '50.

Για πρώτη φορά, ο Όμιλος Gutai έχει μετατοπίσει το ενδιαφέρον του από τη δημιουργία αυτάρκων αντικειμένων στη διαδικασία παραγωγής τους. Από εδώ - ένα βήμα προς την εγκατάλειψη του αντικειμένου τέχνης υπέρ ενός εφήμερου γεγονότος.

Αν και μεμονωμένοι καλλιτέχνες από το Gutai (και υπήρχαν 59 από αυτούς σε είκοσι χρόνια) υπήρχαν ενεργά στο διεθνές πλαίσιο, κατανοώντας πώς η συλλογική τους δραστηριότητα της ιαπωνικής μεταπολεμικής τέχνης γενικά ξεκίνησε στη Δύση πολύ πρόσφατα. Η έκρηξη ήρθε το 2013 με αρκετές εκθέσεις σε μικρές γκαλερί στη Νέα Υόρκη και το Λος Άντζελες, το Τόκιο 1955-1970: Η Νέα Πρωτοπορία στο MoMA και η τεράστια ιστορική αναδρομική έκθεση Gutai: Splendid Playground στο Μουσείο Guggenheim. Η εισαγωγή της ιαπωνικής τέχνης από τη Μόσχα φαίνεται να είναι μια σχεδόν καθυστερημένη συνέχεια αυτής της τάσης.

Sadamasa Motonaga. Εργασία (Νερό) στο Μουσείο Guggenheim

Είναι εντυπωσιακό το πόσο σύγχρονες φαίνονται αυτές οι αναδρομικές εκθέσεις. Για παράδειγμα, το κεντρικό αντικείμενο της έκθεσης στο Μουσείο Guggenheim είναι η ανακατασκευή του Έργου (Νερό) από τη Sadamasa Motonaga, στην οποία τα επίπεδα της ροτόντας του μουσείου συνδέονται με σωλήνες πολυαιθυλενίου με χρωματιστό νερό. Θυμίζουν πινελιές που έχουν σκιστεί από τον καμβά και χρησιμεύουν ως παράδειγμα της κεντρικής εστίασης του Gutai στη «συγκεκριμένη» (όπως μεταφράζεται το όνομα του συγκροτήματος από τα ιαπωνικά), την υλικότητα των αντικειμένων με τα οποία δουλεύει ο καλλιτέχνης.

Πολλά μέλη του Gutai έλαβαν εκπαίδευση σχετική με την κλασική ζωγραφική nihonga, πολλά είναι βιογραφικά συνδεδεμένα με το θρησκευτικό πλαίσιο του Ζεν Βουδισμού, με τη χαρακτηριστική ιαπωνική καλλιγραφία του. Όλοι τους βρήκαν μια νέα, διαδικαστική ή συμμετοχική προσέγγιση στις αρχαίες παραδόσεις. Ο Kazuo Shiraga έχει βιντεοσκοπήσει πώς σχεδιάζει τις μονοχρωμίες του κατά του Rauschenberg με τα πόδια του, και μάλιστα δημιούργησε πίνακες στο κοινό.

Ο Minoru Yoshida μετέτρεψε λουλούδια από ιαπωνικά prints σε ψυχεδελικά αντικείμενα - ένα παράδειγμα αυτού είναι το Bisexual Flower, ένα από τα πρώτα κινητικά (κινητά) γλυπτά στον κόσμο.

Οι επιμελητές της έκθεσης στο Μουσείο Guggenheim μιλούν για την πολιτική σημασία αυτών των έργων:

«Οι Γκουτάι απέδειξαν τη σημασία της ελεύθερης ατομικής δράσης, της κατάρριψης των προσδοκιών του κοινού, ακόμη και της βλακείας ως τρόποι αντιμετώπισης της κοινωνικής παθητικότητας και της συμμόρφωσης που, επί δεκαετίες, επέτρεψαν σε μια μιλιταριστική κυβέρνηση να αποκτήσει μια κρίσιμη μάζα επιρροής, να εισβάλει στην Κίνα και στη συνέχεια συμμετάσχετε στον Β Παγκόσμιο Πόλεμο».

Καλός και σοφός. Γιατί οι καλλιτέχνες έφυγαν από την Ιαπωνία για την Αμερική τη δεκαετία του 1960

Το Gutai ήταν η εξαίρεση στον κανόνα στη μεταπολεμική Ιαπωνία. Οι πρωτοποριακές ομάδες παρέμειναν περιθωριακές, ο κόσμος της τέχνης ήταν αυστηρά ιεραρχικός. Ο κύριος τρόπος για την αναγνώριση ήταν η συμμετοχή σε διαγωνισμούς που πραγματοποιούσαν αναγνωρισμένοι σύλλογοι κλασικών καλλιτεχνών. Ως εκ τούτου, πολλοί προτίμησαν να πάνε στη Δύση και να ενσωματωθούν στο αγγλόφωνο σύστημα τέχνης.

Ήταν ιδιαίτερα δύσκολο για τις γυναίκες. Ακόμη και στην προοδευτική Γκουτάι το μερίδιο της παρουσίας τους δεν έφτασε ούτε το ένα πέμπτο. Τι να πούμε για τους παραδοσιακούς θεσμούς, για την πρόσβαση στα οποία ήταν απαραίτητη ειδική εκπαίδευση. Μέχρι τη δεκαετία του εξήντα, τα κορίτσια είχαν ήδη αποκτήσει το δικαίωμα σε αυτό, ωστόσο, μάθαιναν τέχνη (αν δεν επρόκειτο για διακοσμητικά, που ήταν μέρος του σετ δεξιοτήτων ρυοσάι κενμπό- μια καλή σύζυγος και μια σοφή μητέρα) ήταν κοινωνικά συνοφρυωμένος στο επάγγελμα.

Γιόκο Όνο. κομμένο κομμάτι

Η ιστορία της μετανάστευσης πέντε ισχυρών Γιαπωνέζων καλλιτεχνών από το Τόκιο στις Ηνωμένες Πολιτείες ήταν το θέμα της μελέτης της Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Οι Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi και Shigeko Kubota στην αρχή της καριέρας τους αποφάσισαν να φύγουν για τη Νέα Υόρκη και εργάστηκαν εκεί, συμπεριλαμβανομένου του εκσυγχρονισμού των παραδόσεων της ιαπωνικής τέχνης. Μόνο η Γιόκο Όνο μεγάλωσε στις ΗΠΑ - αλλά αρνήθηκε επίσης εσκεμμένα να επιστρέψει στην Ιαπωνία, έχοντας απογοητευτεί από την καλλιτεχνική ιεραρχία του Τόκιο κατά τη σύντομη παραμονή της το 1962-1964.

Η Όνο έγινε η πιο διάσημη από τις πέντε, όχι μόνο ως σύζυγος του Τζον Λένον, αλλά και ως συγγραφέας πρωτοφεμινιστικών παραστάσεων αφιερωμένων στην αντικειμενοποίηση του γυναικείου σώματος. Υπάρχουν προφανείς παραλληλισμοί μεταξύ του Cut Piece It, στο οποίο το κοινό μπορούσε να κόψει κομμάτια από τα ρούχα του καλλιτέχνη, και του «Rhythm 0» της «γιαγιάς της παράστασης» Marina Abramović.

Στα κοντά πόδια. Πώς να περάσετε την εκπαίδευση υποκριτικής του συγγραφέα Tadashi Suzuki

Στην περίπτωση των Ono και Gutai, οι μέθοδοι και τα θέματα της δουλειάς τους, διαχωρισμένα από τους συγγραφείς, έγιναν διεθνώς σημαντικά. Υπάρχουν και άλλες μορφές εξαγωγής - όταν τα έργα του καλλιτέχνη γίνονται αντιληπτά με ενδιαφέρον στη διεθνή σκηνή, αλλά ο δανεισμός της πραγματικής μεθόδου δεν συμβαίνει λόγω της ιδιαιτερότητάς της. Η πιο εντυπωσιακή περίπτωση είναι το σύστημα εκπαίδευσης υποκριτικής του Tadashi Suzuki.

Το θέατρο Suzuki αγαπιέται ακόμη και στη Ρωσία - και αυτό δεν προκαλεί έκπληξη. Τελευταία φοράήταν μαζί μας το 2016 με την παράσταση Οι Τρωάδες βασισμένες στα κείμενα του Ευριπίδη και τη δεκαετία του 2000 ήρθε αρκετές φορές με παραγωγές του Σαίξπηρ και του Τσέχοφ. Ο Suzuki μετέφερε τη δράση των έργων στο τρέχον ιαπωνικό πλαίσιο και πρόσφερε μη προφανείς ερμηνείες των κειμένων: ανακάλυψε τον αντισημιτισμό στον Ιβάνοφ και τον συνέκρινε με την περιφρονητική στάση των Ιαπώνων προς τους Κινέζους, μετέφερε τη δράση του βασιλιά Ληρ στο ένα ιαπωνικό φρενοκομείο.

Ο Suzuki έχτισε το σύστημά του σε αντίθεση με τη ρωσική σχολή θεάτρου. ΣΕ τέλη XIXαιώνα, κατά τη λεγόμενη περίοδο Meiji, η εκσυγχρονιζόμενη αυτοκρατορική Ιαπωνία γνώρισε την άνοδο των κινημάτων της αντιπολίτευσης. Το αποτέλεσμα ήταν ένας εκδυτικισμός μεγάλης κλίμακας μιας προηγουμένως εξαιρετικά κλειστής κουλτούρας. Μεταξύ των εισαγόμενων μορφών ήταν το σύστημα Stanislavsky, το οποίο εξακολουθεί να παραμένει στην Ιαπωνία (και στη Ρωσία) μια από τις κύριες σκηνοθετικές μεθόδους.

Ασκήσεις Suzuki

Στη δεκαετία του εξήντα, όταν ο Suzuki ξεκίνησε την καριέρα του, διαδόθηκε όλο και περισσότερο η διατριβή ότι λόγω των σωματικών τους χαρακτηριστικών, οι Ιάπωνες ηθοποιοί δεν μπορούσαν να συνηθίσουν ρόλους από δυτικά κείμενα που γέμιζαν το τότε ρεπερτόριο. Ο νεαρός σκηνοθέτης κατάφερε να προσφέρει την πιο πειστική εναλλακτική.

Το σύστημα ασκήσεων της Suzuki, που ονομάζεται γραμματική των ποδιών, περιλαμβάνει δεκάδες τρόπους για να κάθεσαι, και ακόμη περισσότερους να στέκεσαι και να περπατάς.

Οι ηθοποιοί του συνήθως παίζουν ξυπόλητοι και φαίνονται, χαμηλώνοντας το κέντρο βάρους, όσο το δυνατόν πιο σφιχτά δεμένοι στο έδαφος, βαριές. Η Suzuki τους διδάσκει και τους ξένους ερμηνευτές την τεχνική του στο χωριό Τόγκα, σε αρχαία ιαπωνικά σπίτια γεμάτα με σύγχρονο εξοπλισμό. Ο θίασος του δίνει μόνο περίπου 70 παραστάσεις τον χρόνο και τον υπόλοιπο χρόνο ζει, σχεδόν χωρίς να φύγει από το χωριό και να μην έχει χρόνο για προσωπικές υποθέσεις - μόνο δουλειά.

Το Toga Center εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1970 και σχεδιάστηκε μετά από αίτημα του σκηνοθέτη από τον παγκοσμίου φήμης αρχιτέκτονα Arata Isozaka. Το σύστημα της Suzuki μπορεί να φαίνεται πατριαρχικό και συντηρητικό, αλλά ο ίδιος μιλά για την Toga με σύγχρονους όρους αποκέντρωσης. Ακόμη και στα μέσα της δεκαετίας του 2000, η ​​Suzuki κατανοούσε τη σημασία της εξαγωγής τέχνης από την πρωτεύουσα στις περιοχές και της οργάνωσης τοπικών σημείων παραγωγής. Σύμφωνα με τον σκηνοθέτη, ο θεατρικός χάρτης της Ιαπωνίας μοιάζει από πολλές απόψεις με τον ρωσικό - η τέχνη συγκεντρώνεται στο Τόκιο και σε πολλά μικρότερα κέντρα. Το ρωσικό θέατρο θα επωφεληθεί επίσης από μια εταιρεία που πηγαίνει τακτικά σε περιοδείες σε μικρές πόλεις και εδρεύει μακριά από την πρωτεύουσα.

SCOT Company Center στην Τόγκα

Μονοπάτια λουλουδιών. Τι πόρους ανακάλυψε το σύγχρονο θέατρο στα συστήματα noh και kabuki

Η μέθοδος Suzuki αναπτύσσεται από δύο αρχαίες ιαπωνικές παραδόσεις - αλλά και το kabuki. Δεν είναι μόνο ότι αυτοί οι τύποι θεάτρου χαρακτηρίζονται συχνά ως η τέχνη του περπατήματος, αλλά και σε πιο εμφανείς λεπτομέρειες. Η Suzuki ακολουθεί συχνά τον κανόνα για την εκτέλεση όλων των ρόλων από τους άνδρες, χρησιμοποιεί χαρακτηριστικές χωρικές λύσεις, για παράδειγμα, hanamichi ("το μονοπάτι των λουλουδιών") του δείγματος kabuki - μια πλατφόρμα που εκτείνεται από τη σκηνή στα βάθη του αμφιθέατρο. Εκμεταλλεύεται επίσης αρκετά αναγνωρίσιμα σύμβολα όπως λουλούδια και ειλητάρια.

Φυσικά, σε παγκόσμιος κόσμοςδεν τίθεται θέμα για το προνόμιο των Ιαπώνων να χρησιμοποιούν τις εθνικές τους μορφές.

Το θέατρο ενός από τους σημαντικότερους σκηνοθέτες της εποχής μας, του Αμερικανού Ρόμπερτ Γουίλσον, χτίστηκε με δανεικά από τον αλλά.

Δεν χρησιμοποιεί μόνο μάσκες και μακιγιάζ που θυμίζουν στο μαζικό κοινό την Ιαπωνία, αλλά δανείζεται και τρόπους δράσης με βάση τη μέγιστη επιβράδυνση της κίνησης και την αυτάρκη εκφραστικότητα της χειρονομίας. Συνδυάζοντας παραδοσιακές και τελετουργικές φόρμες με υπερσύγχρονες ελαφριές παρτιτούρες και μινιμαλιστική μουσική (ένα από τα πιο διάσημα έργα του Wilson είναι μια παραγωγή της όπερας του Philip Glass Einstein on the Beach), ο Wilson παράγει ουσιαστικά τη σύνθεση της προέλευσης και της συνάφειας που επιδιώκει μεγάλο μέρος της σύγχρονης τέχνης. .

Ρόμπερτ Γουίλσον. "Ο Αϊνστάιν στην παραλία"

Από το noh και το kabuki, ένας από τους πυλώνες του σύγχρονου χορού έχει μεγαλώσει - butoh, κυριολεκτικά μεταφράζεται - ο χορός του σκότους. Εφευρέθηκε το 1959 από τους χορογράφους Kazuo Ono και Tatsumi Hijikata, οι οποίοι σχεδίαζαν επίσης ένα χαμηλό κέντρο βάρους και συγκέντρωση στα πόδια, το butoh ήταν να φέρει αντανακλάσεις από τραυματικές εμπειρίες πολέμου στη σωματική διάσταση.

«Έδειξαν το σώμα άρρωστο, να καταρρέει, ακόμη και τερατώδες, τερατώδες.<…>Οι κινήσεις είναι είτε αργές, είτε εσκεμμένα αιχμηρές, εκρηκτικές. Για αυτό, χρησιμοποιείται μια ειδική τεχνική, όταν η κίνηση πραγματοποιείται σαν να μην εμπλέκονται οι κύριοι μύες, λόγω των οστικών μοχλών του σκελετού», συνδέει η ιστορικός χορού Irina Sirotkina στο butoh στην ιστορία της απελευθέρωσης του σώματος. με την απομάκρυνση από την κανονιστικότητα του μπαλέτου. Συγκρίνει το butoh με τις πρακτικές των χορευτών και των χορογράφων των αρχών του 20ου αιώνα - η Isadora Duncan, η Martha Graham, η Mary Wigman, μιλάει για την επιρροή στον μετέπειτα «μεταμοντέρνο» χορό.

Ένα κομμάτι του χορού του Κατσούρα Κανά, του σύγχρονου συνεχιστή της παράδοσης μπούτο

Σήμερα, το butoh στην αρχική του μορφή δεν είναι πλέον μια πρακτική avant-garde, αλλά μια ιστορική ανασυγκρότηση.

Ωστόσο, το λεξικό κινήσεων που αναπτύχθηκε από τους Ohno, Hijikata και τους οπαδούς τους παραμένει πολύτιμος πόρος σύγχρονους χορογράφους. Στη Δύση χρησιμοποιείται από τον Δημήτρη Παπαϊωάννου, τον Anton Adasinsky ακόμα και στο βίντεο για το “Belong To The World” των The Weekend. Στην Ιαπωνία, διάδοχος της παράδοσης butoh είναι, για παράδειγμα, ο Saburo Teshigawara, ο οποίος θα έρθει στη Ρωσία τον Οκτώβριο. Αν και ο ίδιος αρνείται παραλληλισμούς με τον χορό του σκότους, οι κριτικοί βρίσκουν αρκετά αναγνωρίσιμα σημάδια: ένα σώμα φαινομενικά χωρίς κόκαλα, ευθραυστότητα, αθόρυβο βήμα. Είναι αλήθεια ότι τοποθετούνται ήδη στο πλαίσιο της μεταμοντερνιστικής χορογραφίας - με το υψηλό τέμπο, τα τρεξίματα, τη δουλειά με τη μεταβιομηχανική noise μουσική.

Saburo Teshigawara. μεταμόρφωση

Τοπικά παγκόσμια. Πώς μοιάζει η σύγχρονη ιαπωνική τέχνη με τη δυτική τέχνη;

Τα έργα του Teshigawara και πολλών συναδέλφων του ταιριάζουν οργανικά στα προγράμματα των καλύτερων δυτικών φεστιβάλ σύγχρονου χορού. Αν κοιτάξετε τις περιγραφές των παραστάσεων και των παραστάσεων που προβλήθηκαν στο Φεστιβάλ / Τόκιο - τη μεγαλύτερη ετήσια παράσταση του ιαπωνικού θεάτρου, τότε θα είναι δύσκολο να παρατηρήσετε θεμελιώδεις διαφορές από τις ευρωπαϊκές τάσεις.

Ένα από τα κεντρικά θέματα είναι η ιδιαιτερότητα του ιστότοπου - Ιάπωνες καλλιτέχνες εξερευνούν τους χώρους του Τόκιο, που κυμαίνονται από συστάδες καπιταλισμού με τη μορφή ουρανοξυστών έως οριακές περιοχές συγκέντρωσης otaku.

Ένα άλλο θέμα είναι η μελέτη της παρεξήγησης μεταξύ των γενεών, το θέατρο ως χώρος ζωντανής συνάντησης και οργανωμένης επικοινωνίας ανθρώπων διαφορετικών ηλικιών. Έργα αφιερωμένα σε αυτήν από τους Toshika Okada και Akira Tanayama μεταφέρθηκαν στη Βιέννη για αρκετά συνεχόμενα χρόνια σε ένα από τα βασικά ευρωπαϊκά φεστιβάλ παραστατικών τεχνών. Δεν υπήρχε τίποτα νέο στη μεταφορά υλικού ντοκιμαντέρ και προσωπικών ιστοριών στη σκηνή μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του 2000, αλλά η επιμελήτρια του Φεστιβάλ της Βιέννης παρουσίασε αυτά τα έργα στο κοινό ως ευκαιρία για ζωντανή, άμεση επαφή με έναν άλλο Πολιτισμός.

Μια άλλη βασική γραμμή είναι η επεξεργασία της τραυματικής εμπειρίας. Για τους Ιάπωνες, δεν συνδέεται με τα Γκουλάγκ ή το Ολοκαύτωμα, αλλά με τον βομβαρδισμό της Χιροσίμα και του Ναγκασάκι. Το θέατρο αναφέρεται σε αυτόν συνεχώς, αλλά η πιο ισχυρή δήλωση για τις ατομικές εκρήξεις ως τη στιγμή της γένεσης όλου του σύγχρονου ιαπωνικού πολιτισμού εξακολουθεί να ανήκει στον Takashi Murakami.

στην έκθεση «Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture»

«Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture» είναι ο τίτλος του επιμελημένου έργου του που παρουσιάστηκε στη Νέα Υόρκη το 2005. "Little Boy" - "baby" στα ρωσικά - το όνομα μιας από τις βόμβες που έπεσαν στην Ιαπωνία το 1945. Συλλέγοντας εκατοντάδες κόμικς manga από κορυφαίους εικονογράφους, διακριτικά vintage παιχνίδια, εμπορεύματα εμπνευσμένα από διάσημα anime από το Godzilla έως το Hello Kitty, ο Murakami έχει ωθήσει τη συγκέντρωση της γλυκύτητας - kawaii - στο όριο στον χώρο του μουσείου. Ταυτόχρονα, λάνσαρε μια επιλογή από κινούμενα σχέδια, στα οποία οι εικόνες από εκρήξεις, γυμνή γη και κατεστραμμένες πόλεις έγιναν οι κεντρικές εικόνες.

Αυτή η αντίθεση ήταν η πρώτη σημαντική δήλωση σχετικά με τη νηπίωση της ιαπωνικής κουλτούρας ως τρόπο αντιμετώπισης της διαταραχής μετατραυματικού στρες.

Τώρα αυτό το συμπέρασμα φαίνεται ήδη προφανές. Μια ακαδημαϊκή μελέτη του kawaii από τον Inuhiko Yomota βασίζεται σε αυτό.

Υπάρχουν επίσης μεταγενέστερα τραυματικά ερεθίσματα. Από τα πιο σημαντικά - τα γεγονότα της 11ης Μαρτίου 2011, ο σεισμός και το τσουνάμι που οδήγησαν σε μεγάλο ατύχημα στον πυρηνικό σταθμό της Φουκουσίμα. Στο Festival/Tokyo-2018, ένα ολόκληρο πρόγραμμα έξι παραστάσεων αφιερώθηκε στην κατανόηση των συνεπειών μιας φυσικής και τεχνολογικής καταστροφής. έγιναν επίσης το θέμα για ένα από τα έργα που παρουσιάστηκαν στο Solyanka. Αυτό το παράδειγμα δείχνει ξεκάθαρα ότι το οπλοστάσιο των κριτικών μεθόδων που χρησιμοποιούνται από τη δυτική και την ιαπωνική τέχνη δεν διαφέρει θεμελιωδώς. Ο Haruyuki Ishii δημιουργεί μια εγκατάσταση τριών τηλεοπτικών συσκευών που κυκλοφόρησαν μέσα από υψηλής ταχύτητας επεξεργασμένα και κυκλικά πλάνα από τηλεοπτικά προγράμματα σχετικά με τον σεισμό.

«Το έργο αποτελείται από 111 βίντεο που ο καλλιτέχνης παρακολουθούσε καθημερινά στις ειδήσεις μέχρι τη στιγμή που όλα όσα έβλεπε δεν θεωρούνταν πλέον μυθοπλασία», εξηγούν οι επιμελητές. Η Νέα Ιαπωνία είναι ένα χαρακτηριστικό παράδειγμα του πώς η τέχνη δεν αντιστέκεται στην ερμηνεία που βασίζεται σε εθνικούς μύθους, αλλά ταυτόχρονα μια κριτική ματιά αποκαλύπτει ότι η ίδια ερμηνεία θα μπορούσε να είναι σχετική με την τέχνη οποιασδήποτε προέλευσης. Οι επιμελητές μιλούν για τον στοχασμό ως τη βάση της ιαπωνικής παράδοσης, βασιζόμενοι σε αποσπάσματα από τον Λάο Τσε. Ταυτόχρονα, σαν να αφήνουμε εκτός παρένθεσης ότι σχεδόν όλη η σύγχρονη τέχνη επικεντρώνεται στο «φαινόμενο παρατηρητή» (όπως ονομάζεται η έκθεση) - είτε με τη μορφή δημιουργίας νέων πλαισίων για την αντίληψη οικείων φαινομένων είτε με την ανάδειξη το ζήτημα της δυνατότητας επαρκούς αντίληψης ως τέτοιας.

Imagined Communities - άλλο ένα έργο του video artist Haruyuki Ishii

Παιχνίδι

Ωστόσο, δεν πρέπει να πιστεύει κανείς ότι η Ιαπωνία του 2010 είναι μια συγκέντρωση προοδευτικότητας.

Οι συνήθειες του παλιού καλού παραδοσιακισμού και της αγάπης για τον οριενταλιστικό εξωτισμό δεν έχουν ακόμη ξεπεραστεί. «Το Θέατρο των Παρθένων» είναι ο τίτλος ενός αρκετά θαυμαστικού άρθρου για το ιαπωνικό θέατρο «Takarazuka» στο ρωσικό συντηρητικό περιοδικό «PTJ». Ο Takarazuka εμφανίστηκε στα τέλη του 19ου αιώνα ως ένα επιχειρηματικό έργο για την προσέλκυση τουριστών σε μια απομακρυσμένη πόλη με το ίδιο όνομα, η οποία κατά λάθος έγινε ο τερματικός σταθμός ενός ιδιωτικού σιδηροδρόμου. Στο θέατρο παίζουν μόνο ανύπαντρες κοπέλες, οι οποίες, σύμφωνα με τον ιδιοκτήτη του σιδηροδρόμου, έπρεπε να παρασύρουν τους άνδρες θεατές στην πόλη. Σήμερα, η Takarazuka λειτουργεί σαν βιομηχανία, με δικό της τηλεοπτικό κανάλι, ένα πυκνό πρόγραμμα συναυλιών, ακόμη και ένα τοπικό λούνα παρκ. Αλλά μόνο τα ανύπαντρα κορίτσια εξακολουθούν να έχουν το δικαίωμα να είναι στον θίασο - ας ελπίσουμε ότι δεν θα ελέγξουν για παρθενία τουλάχιστον.

Ωστόσο, ο Takarazuka ωχριά σε σύγκριση με το κλαμπ Toji Deluxe στο Κιότο, το οποίο οι Ιάπωνες αποκαλούν επίσης θέατρο. Δείχνουν απολύτως άγρια, αν κρίνουμε από περιγραφήΟ αρθρογράφος του New Yorker Ian Buruma, σόου στριπτίζ: πολλά γυμνά κορίτσια στη σκηνή μετατρέπουν την επίδειξη των γεννητικών οργάνων σε δημόσια τελετουργία.

Οπως και πολλοί άλλοι καλλιτεχνικές πρακτικές, αυτή η παράσταση βασίζεται σε αρχαίους θρύλους (με τη βοήθεια ενός κεριού και ενός μεγεθυντικού φακού, οι άνδρες από το κοινό μπορούσαν εναλλάξ να εξερευνήσουν τα «μυστικά της μητέρας θεάς Amaterasu») και στον ίδιο τον συγγραφέα υπενθύμισε την παράδοση noh .

Θα αφήσουμε την αναζήτηση δυτικών αναλόγων για τα Takarazuki και Toji στον αναγνώστη - δεν είναι δύσκολο να τα βρει. Σημειώνουμε μόνο ότι ένα σημαντικό μέρος της μοντέρνας τέχνης κατευθύνεται ακριβώς στην καταπολέμηση τέτοιων πρακτικών καταπίεσης - τόσο δυτικών όσο και ιαπωνικών, που κυμαίνονται από τον χορό superflat μέχρι το butoh.

Η Ιαπωνία είναι ένα πολύ ενδιαφέρον κράτος, γνωστό για μια μεγάλη ποικιλία παραδόσεων και εθίμων. Η γεωγραφική θέση της Χώρας του Ανατέλλοντος Ηλίου την έκανε κάπως απομονωμένη από άλλα κράτη, χάρη στα οποία αναπτύχθηκε χωρίς να λαμβάνει υπόψη τις ευρωπαϊκές χώρες. Ο πολιτισμός της Ιαπωνίας είναι εξαιρετικά πλούσιος και ποικίλος. Ιδιόμορφες ιαπωνικές παραδόσεις διαμορφώθηκαν υπό την επίδραση των ιστορικών σημαντικά γεγονότα. Σταδιακά, η Ιαπωνία μετατράπηκε σε ένα ισχυρό, συνεκτικό κράτος με χαρακτηριστικά γνωρίσματα και μια συγκεκριμένη νοοτροπία του πληθυσμού.

Βασικές πτυχές του ιαπωνικού πολιτισμού

Ο πολιτισμός της χώρας εκδηλώνεται σε πολλούς τομείς της κοινωνίας. Στην Ιαπωνία, οι πτυχές του είναι?

Η διαδικασία της κατανάλωσης τσαγιού για τους Ιάπωνες δεν είναι μια απλή ικανοποίηση των φυσιολογικών αναγκών του οργανισμού, αλλά μια πραγματική λατρεία. Η τελετή του τσαγιού στην Ιαπωνία συνοδεύεται από ιδιαίτερα χαρακτηριστικά και περιέχει πολλές παραδόσεις. Μια τέτοια ευλαβική στάση, όπως φαίνεται, στην καθημερινή διαδικασία πήρε την ανάπτυξή της από τον διαλογισμό των βουδιστών μοναχών. Ήταν αυτοί που έφεραν τόση σημασία στη διαδικασία της κατανάλωσης τσαγιού.

Για τους Ευρωπαίους, η έννοια του «κιμονό» χαρακτηρίζει τα εθνικά ρούχα της Ιαπωνίας. Ωστόσο, στην ίδια τη Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου, υπάρχουν δύο έννοιες αυτής της λέξης - με τη στενή και την ευρεία έννοια. Η λέξη «κιμονό» στην Ιαπωνία δεν αναφέρεται μόνο στην εθνική φορεσιά, αλλά και σε όλα τα ρούχα γενικότερα. Κάτω από το κιμονό, κατά κανόνα, φοριέται μια ειδική ρόμπα και επτά ζώνες. Ένα κιμονό που φοριέται το καλοκαίρι ονομάζεται γιουκάτα. Ανάλογα με την ηλικία της γυναίκας, το μοντέλο ενδυμασίας μπορεί επίσης να διαφέρει.

Στην Ιαπωνία, δύο θρησκευτικά κινήματα κηρύσσονται με επιτυχία ταυτόχρονα - ο Σιντοϊσμός και ο Βουδισμός. Ο Σιντοϊσμός εμφανίστηκε στην αρχαία Ιαπωνία, βασίζεται στη λατρεία διαφόρων πλασμάτων. Ο Βουδισμός, με τη σειρά του, χωρίζεται σε διάφορες ποικιλίες. Στην Ιαπωνία, υπάρχουν πολλά σχολεία που προωθούν τη μία ή την άλλη τάση του Βουδισμού.

Οι βραχόκηποι έχουν ιδιαίτερη σημασία στον πολιτισμό της Ιαπωνίας. Δεν είναι μόνο ένα αρχιτεκτονικό δημιούργημα που τραβάει την προσοχή των τουριστών, αλλά και ένα μέρος πνευματική ανάπτυξη. Εδώ οι Ιάπωνες βρίσκουν φώτιση από τον στοχασμό των πέτρινων κατασκευών που βρίσκονται με ειδική σειρά. Οι βραχόκηποι περιλαμβάνουν ένα συγκεκριμένο σχέδιο, το οποίο μόνο ένας πεφωτισμένος μπορεί να ξεδιαλύνει.

Το Tango no sekku είναι μια γιορτή προς τιμήν των αγοριών. Είναι αφιερωμένο όχι μόνο σε όλους τους μικρούς άντρες εκπροσώπους, αλλά και στην αρρενωπότητα και τη δύναμη ολόκληρου του ιαπωνικού λαού. Είναι συνηθισμένο να γιορτάζουμε τις διακοπές την άνοιξη, όταν η φύση ξυπνά και ευχαριστεί με την ομορφιά της. Την ημέρα του tango no sekku, τα αγόρια φροντίζουν οι γονείς τους. Ο πατέρας πρέπει να πει στον γιο του για όλους τους Ιάπωνες πολεμιστές και τα κατορθώματά τους. Και η μητέρα του του στρώνει το τραπέζι με νόστιμο φαγητό.

Το άνθος της κερασιάς θεωρείται το πιο όμορφο φυσικό φαινόμενο. Πολλοί τουρίστες έρχονται εδώ μόνο και μόνο για να απολαύσουν τον στοχασμό ενός ανθισμένου φυτού. Την άνοιξη, ένα μεγάλο πλήθος κόσμου μπορεί να παρατηρηθεί στα πάρκα της Ιαπωνίας. Πολλές οικογένειες πηγαίνουν για πικνίκ και παρακολουθούν την ομορφιά της ιαπωνικής κερασιάς.

Τα τόξα μπορούν να αποδοθούν στις ιδιόμορφες παραδόσεις της χώρας. Αντιπροσωπεύουν τους κανόνες καλών τρόπων. Δεν συνηθίζεται οι Ιάπωνες να αποχαιρετούν, αντίθετα υποκλίνονται όσες φορές έκανε ο συνομιλητής.

Οι Σαμουράι αντιπροσωπεύουν μια συγκεκριμένη τάξη της κοινωνίας που έχει αναπτυχθεί υπό την επίδραση των παραδόσεων και των εθίμων. Έχει άμεση σχέση με τον πολιτισμό της χώρας. Οι Σαμουράι είναι πολεμιστές που εκτελούν μια συγκεκριμένη υπηρεσία, η οποία μπορεί να είναι τόσο στρατιωτική, ασφάλεια ή νοικοκυριό. Σε οποιαδήποτε από αυτές τις περιπτώσεις, οι σαμουράι προσωποποιούν το θάρρος, την αρρενωπότητα και την αρχοντιά του ιαπωνικού λαού.

Η διαδικασία διαμόρφωσης του πολιτισμού της αρχαίας Ιαπωνίας

Ο πολιτισμός της αρχαίας Ιαπωνίας άρχισε να αναπτύσσεται με τη γέννηση της ιαπωνικής γλώσσας και γραφής. Η χώρα του ανατέλλοντος ηλίου δανείστηκε τη βάση για αυτό από την Κίνα. Η ιαπωνική γραφή περιέχει επίσης ιερογλυφικά, τα οποία ένας ξένος πολίτης δεν θα μπορεί να καταλάβει. Με τον καιρό, νέες λέξεις, ήχοι και φράσεις άρχισαν να προστίθενται στην ιαπωνική γλώσσα. Έτσι μεταμορφώθηκε πλήρως, όμως κοινά χαρακτηριστικάμε την Κίνα εξακολουθούν να είναι ανιχνεύσιμα.

Η θρησκευτικότητα της χώρας επίσης πηγάζει από τα αρχαία χρόνια. Ο σιντοϊσμός ήταν συνέπεια της ανάπτυξης διαφόρων μυθολογιών. Επί αυτή τη στιγμήαυτή η διδασκαλία προωθεί τη λατρεία των ηγετών και των νεκρών. Ο Βουδισμός, από την άλλη πλευρά, έχει τόσο βαθιές ρίζες που οι απόψεις των επιστημόνων και των ιστορικών για την εμφάνιση αυτού του τύπου θρησκείας ποικίλλουν πολύ.

Ιαπωνική τέχνη

Σχεδόν όλα τα είδη τέχνης που ασκούνται στην Ιαπωνία έχουν μια βασική ιδέα - ηρεμία και χαλάρωση. Είναι ακριβώς η αρμονία ενός ανθρώπου με τον εαυτό του που εμπεριέχει την τέχνη, ανεξάρτητα από τον τρόπο που παρουσιάζονται οι πληροφορίες. Πολλές μορφές τέχνης γνωστές σε όλο τον κόσμο ξεκίνησαν την ανάπτυξή τους στην Ιαπωνία. Μεταξύ αυτών, διακρίνεται το origami - η ικανότητα να διπλώνεις διάφορα σχήματα από χαρτί.

Αλλο λαϊκό μέροςΗ ιαπωνική τέχνη έγινε ikebana. Αυτή είναι μια δεξιότητα για να σχηματίσετε μπουκέτα λουλουδιών χρησιμοποιώντας μια ειδική τεχνολογία. Από εδώ προήλθε μια εξίσου δημοφιλής δραστηριότητα, η οποία ονομάζεται μπονσάι. Πρόκειται για τη δημιουργία μιας ποικιλίας συνθέσεων από νάνους δέντρα. Στην Omiya, όχι μακριά από το Τόκιο, υπάρχει ένα ολόκληρο πάρκο Bonsai. Κάθε νάνος δέντρο που παρουσιάζεται εδώ είναι μοναδικό και όμορφο με τον δικό του τρόπο.

Οι πίνακες της Ιαπωνίας θα αξίζουν ιδιαίτερη σημασία, αφού κάθε πίνακας φέρει ένα κρυφό νόημα. Ως σχέδιο, κατά κανόνα, χρησιμοποιούνται φωτεινά χρώματα, αντίθετες μεταβάσεις και σαφείς γραμμές. Η Ιαπωνία έχει επίσης την τέχνη της καλλιγραφίας. Αυτή είναι η δεξιότητα της αισθητικά όμορφης γραφής ιερογλυφικών. Η εφαρμοσμένη τέχνη είναι επίσης ευρέως διαδεδομένη στην Ιαπωνία. Υπάρχει ένα ολόκληρο μουσείο στο Τόκιο αφιερωμένο σε αυτό το σκάφος. Εδώ μπορείτε να δείτε προϊόντα από χαρτί, γυαλί ή μέταλλο. Και αυτή δεν είναι μια πλήρης λίστα των υλικών που χρησιμοποιούνται για το σκοπό αυτό.

Το ιαπωνικό στυλ εσωτερικού σχεδιασμού αξίζει επίσης ιδιαίτερη προσοχή. Περιλαμβάνει λειτουργικότητα και απλότητα, μαζί με πρωτοτυπία εκτέλεσης. Επιπλέον, η εσωτερική διακόσμηση φέρει μια θρησκευτική φιλοσοφία, όπως κάθε άλλη μορφή ιαπωνικής τέχνης.

Ιαπωνική αρχιτεκτονική

Οι αρχιτεκτονικές κατασκευές στην Ιαπωνία, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, συνδέονται με τη θρησκεία. Τα κτίρια των ναών στην αρχή, τις περισσότερες φορές, στερούνταν λουλουδιών. Αυτό οφειλόταν στη χρήση άβαφου ξύλου στις κατασκευές. Αργότερα άρχισαν να χρησιμοποιούν κόκκινες και μπλε αποχρώσεις.

Το κύριο υλικό για αρχιτεκτονικά κτίρια στην Ιαπωνία θεωρείται το ξύλο. Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι το απόθεμα αυτόν τον πόροαρκετά μεγάλο στη χώρα. Εκτός από το γεγονός ότι το δέντρο μεταφέρει καλά τη θερμότητα και απορροφά την υγρασία, είναι επίσης πρακτικό κατά τη διάρκεια σεισμών, που συμβαίνουν αρκετά συχνά στην Ιαπωνία. Εάν ένα πέτρινο σπίτι είναι πολύ δύσκολο να αναδημιουργηθεί μετά την καταστροφή, τότε ένα ξύλινο είναι πολύ πιο εύκολο.

Το κύριο χαρακτηριστικό στην αρχιτεκτονική της Ιαπωνίας είναι η παρουσία ακόμη και γεωμετρικών σχημάτων. Τις περισσότερες φορές, αυτά είναι τρίγωνα και ορθογώνια. Είναι σχεδόν αδύνατο να συναντήσετε ομαλότητα και στρογγυλότητα γραμμών σε οποιαδήποτε δομή. Η βασική αρχή, βάσει της οποίας οι Ιάπωνες εξοπλίζουν τα σπίτια τους, είναι η αδιαχώριστη ύπαρξη του εσωτερικού και του εξωτερικού του σπιτιού. Αυτό ισχύει για τους ιαπωνικούς κήπους. Θα πρέπει να είναι διακοσμημένα με ακριβώς το ίδιο στυλ με το ίδιο το σπίτι. Διαφορετικά, θεωρείται κακόγουστο και εντελώς κακόγουστο. Οι Ιάπωνες δίνουν ιδιαίτερη προσοχή στους κήπους τους.

Γιαπωνέζικη μουσική

Όσον αφορά τη μουσική ανάπτυξη, η Ιαπωνία κοίταξε άλλες χώρες, χρησιμοποιώντας οποιαδήποτε μουσικά όργανα. Αργότερα όμως τα εκσυγχρόνισε υπό την επίδραση των τοπικών γεύσεων και παραδόσεων. Η πρώτη επιρροή στη διαμόρφωση της κλασικής μουσικής στην Ιαπωνία ήταν η τοπική λαογραφία Dengaku, που αναμειγνύεται με ξένες επιρροές και προκάλεσε τη μουσική που είναι σήμερα οικεία στην Ιαπωνία.

Στη μουσική προέλευση συνέβαλε και η θρησκευτική πλευρά του θέματος. Χάρη στον Χριστιανισμό άρχισε να διαδίδεται το οργανοπαίξιμο. Και ο Βουδισμός προώθησε το να παίζει φλάουτο.

Επί του παρόντος, η κλασική μουσική έχει κερδίσει δημοτικότητα στην Ιαπωνία. Πολλά μέλη αυτού του κυττάρου δημιουργικότητας ταξιδεύουν εκτός Ιαπωνίας. Αυτά περιλαμβάνουν τους Goto Midori, Ozawa Seiji και Uchida Mitsuko. Σχετικά πρόσφατα, άνοιξαν στην Ιαπωνία αίθουσες σχεδιασμένες για άνετη ακρόαση κλασικής μουσικής. Αυτά περιλαμβάνουν το Kiyo Hall, την Osaka Symphony Hall, το Orchard κ.λπ.

Οικιακές παραδόσεις της Ιαπωνίας

Οι Ιάπωνες είναι λαός με καλούς τρόπους, που τηρούν τις παραδόσεις και τα έθιμά τους. Ο σεβασμός για τον εαυτό σας και τους άλλους στην Ιαπωνία θεωρείται ο κανόνας. Από την παιδική ηλικία, τα παιδιά διδάσκονται τους κανόνες των καλών τρόπων, τους εξηγούν τις βασικές αξίες του ιαπωνικού λαού και τους διαφωτίζουν με κάθε δυνατό τρόπο. Και όλα αυτά είναι προς όφελος της κοινωνίας. Κάθε τουρίστας που έρχεται στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ηλίου από άλλη χώρα εκπλήσσεται με το πόσο φιλικοί, φιλικοί και καλοσυνάτοι είναι οι Ιάπωνες.

Σε αντίθεση με τις ευρωπαϊκές χώρες, η Ιαπωνία έχει από καιρό απαγορεύσει το κάπνισμα σε δημόσιους χώρους. Αυτό ισχύει και για την ιδιωτική περιουσία. Το κάπνισμα κοντά σε άλλα άτομα επιτρέπεται μόνο εφόσον έχουν δώσει τη συγκατάθεσή τους.

Μεταξύ άλλων, οι Ιάπωνες τηρούν αυστηρά όλους τους κανόνες υγιεινής που τους υπαγορεύει η κοινωνία. Για παράδειγμα, σε οποιοδήποτε δωμάτιο, συμπεριλαμβανομένων των θρησκευτικών κτιρίων, υπάρχουν ειδικά χαλιά από άχυρο. Δεν μπορείτε να τα περπατήσετε με παπούτσια, θεωρούνται όχι μόνο εσωτερική διακόσμηση, αλλά και πραγματική ιεροσυλία. Επίσης, οι Ιάπωνες αποφάσισαν να προστατευτούν από πιθανά βακτήρια που φέρνουν από την τουαλέτα στα πόδια τους. Σε κάθε δημόσιο χώρο και σε διαμερίσματα υπάρχουν ειδικές παντόφλες για την τουαλέτα, οι οποίες δεν επιτρέπουν τη μεταφορά επιβλαβών μικροβίων σε άλλους χώρους.

Το φαγητό για τους Ιάπωνες δεν θεωρείται διαδικασία ζωής, αλλά πραγματική λατρεία. Πριν από το φαγητό, οι Ιάπωνες σκουπίζουν πάντα τα χέρια τους με μια ειδική πετσέτα εμποτισμένη σε νερό, η οποία ονομάζεται oshibori. Η ρύθμιση του πίνακα δεν γίνεται τυχαία, αλλά σύμφωνα με ένα ειδικό σχήμα. Ακόμη και κάθε συσκευή έχει τη δική της θέση. Οι Ιάπωνες τα χωρίζουν σε αρσενικά και θηλυκά και αυτό είναι πολύ σημαντικό για αυτούς. Τα κουτάλια στην Ιαπωνία χρησιμοποιούνται μόνο για την κατανάλωση σούπας οζώνης, η οποία παρασκευάζεται για την Πρωτοχρονιά, οι Ιάπωνες προτιμούν να πίνουν άλλα πρώτα πιάτα αποκλειστικά από ειδικά μπολ. Επιπλέον, το να χτυπάς τα χείλη σου κατά τη διάρκεια ενός γεύματος δεν θεωρείται κακή μορφή. Πιστεύεται ότι με αυτόν τον τρόπο αποκαλύπτεται καλύτερα η γεύση του πιάτου.

Η συνάφεια της καλής φόρμας στην Ιαπωνία αποδεικνύεται από την παρουσία των ακόλουθων κανόνων:

• Είναι απαραίτητο να συζητηθεί εκ των προτέρων ο τόπος και η ώρα της συνάντησης. Το να καθυστερείς στην Ιαπωνία θεωρείται αναιδές και ξεπερνά τα όρια της ευπρέπειας.
• Δεν μπορείτε να διακόψετε τον συνομιλητή, πρέπει να περιμένετε υπομονετικά να μιλήσει το άτομο και μετά να αρχίσετε να εκφράζετε τη γνώμη του.
• Εάν καλέσετε λάθος αριθμό, πρέπει να ζητήσετε συγγνώμη.
• Εάν κάποιος ήρθε να σας βοηθήσει, τότε σίγουρα πρέπει να τον ευχαριστήσετε.
• Μερικοί καλεσμένοι των Ιαπώνων μπορούν να θεωρηθούν επίτιμοι. Για αυτούς, διαθέτουν ακόμη και μια ειδική θέση στο τραπέζι, η οποία, κατά κανόνα, είναι η πιο ακραία από την είσοδο στο δωμάτιο.
• Όταν κάποιος δίνει ένα δώρο στους Ιάπωνες, θα πρέπει να ζητήσει συγγνώμη που είναι ταπεινός παρά το τι είναι. Αυτοί είναι οι κανόνες, δεν πρέπει να τους παραβιάσεις.
• Καθισμένοι στο τραπέζι, οι άνδρες μπορούν να σταυρώσουν τα πόδια τους, ενώ στις γυναίκες απαγορεύεται αυστηρά να το κάνουν αυτό. Τα πόδια θα πρέπει να είναι σφιγμένα και στραμμένα προς μία κατεύθυνση.

Επίσης, οι παραδόσεις στη ζωή της Ιαπωνίας περιλαμβάνουν τη λατρεία των ατόμων μεγαλύτερης ηλικίας. Δεν έχει σημασία ποιο είναι το επάγγελμα, τα κέρδη, η εμφάνιση ή τα χαρακτηριστικά χαρακτήρα ενός ατόμου, αν είναι μεγαλύτερος, τότε πρέπει να του φέρονται με σεβασμό. Τα γηρατειά στην Ιαπωνία εμπνέουν σεβασμό και υπερηφάνεια. Αυτό σημαίνει ότι το άτομο έχει προχωρήσει πολύ και τώρα του αξίζει τιμές.

Βοήθεια στον ιστότοπο: Κάντε κλικ στα κουμπιά

Γειά σου, Αγαπητοι αναγνωστεςαναζητητές της γνώσης και της αλήθειας!

Σήμερα σας προσκαλούμε να αγγίξετε την ομορφιά και να μιλήσετε για την τέχνη της Αρχαίας Ιαπωνίας. Στο παρακάτω άρθρο, θα εξετάσουμε εν συντομία τα στάδια της ιστορίας που επηρέασαν τη διαμόρφωση της ιαπωνικής τέχνης και στη συνέχεια θα σταθούμε σε καθένα από τα συστατικά της με περισσότερες λεπτομέρειες. Θα μάθετε για τα χαρακτηριστικά όχι μόνο των παραδοσιακών τύπων, όπως η αρχιτεκτονική, η ζωγραφική, αλλά και η τέχνη της μάχης, οι μινιατούρες, το θέατρο, τα πάρκα και πολλά άλλα.

Έτσι, το άρθρο υπόσχεται να είναι ενδιαφέρον και το πιο σημαντικό - ενημερωτικό!

Ιστορικές περιόδους

Η Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου έχει μια μοναδική κουλτούρα, που ενσωματώνεται σε παραδοσιακά πρωτότυπα κτίρια και ναούς, πίνακες ζωγραφικής, γλυπτά, διακοσμητικά, κήπους, λογοτεχνικά έργα. Τους τελευταίους αιώνες, τέτοιες μη τετριμμένες περιοχές όπως ξυλογραφίες, ποίηση, origami, μπονσάι, ikebana, ακόμη και manga και anime κερδίζουν δημοτικότητα. Όλοι τους πήραν μορφή για πολύ καιρό, με τις ρίζες τους στην αρχαιότητα.

Πολύ λίγα ήταν γνωστά για αυτήν την εποχή μέχρι τις αρχές του περασμένου αιώνα, επειδή η Ιαπωνία ήταν μια μάλλον κλειστή χώρα για τον υπόλοιπο κόσμο. Ωστόσο, από τότε έχουν πραγματοποιηθεί πολυάριθμες μελέτες, οι αρχαιολογικές ανασκαφές των οποίων τα ευρήματα είναι εκπληκτικά. Δείχνουν ότι ήδη στη δεύτερη χιλιετία π.Χ. υπήρχε μια πολιτιστική ιαπωνική κοινωνία και πρωτόγονες φυλές ζούσαν στα νησιά πριν από 15-12 χιλιάδες χρόνια.

Ο ιαπωνικός πολιτισμός άρχισε να διαμορφώνεται γύρω στην 4η χιλιετία π.Χ., αλλά έφτασε στο αποκορύφωμά του τον Μεσαίωνα - την περίοδο από τον 6ο έως τον 18ο αιώνα.

Η αρχαία ιαπωνική ιστορία ξεκινά από τους προϊστορικούς χρόνους και τελειώνει με το στάδιο Heian τον 8ο-9ο αιώνα, αν και πολλοί ερευνητές περιλαμβάνουν και μεταγενέστερες περιόδους. Από αυτή την άποψη, διακρίνονται τρία κύρια στάδια, τα οποία, με τη σειρά τους, χωρίζονται σε μικρότερες περιόδους, ή τζιντάι. Κάθε ένα από αυτά χαρακτηρίζεται από την εμφάνιση νέων προϊόντων, δομών, στυλ.

1. Πρωτόγονο κοινοτικό σύστημα

Η πρωτόγονη κοινωνία στην Ιαπωνία υπήρχε στη νεολιθική εποχή, όταν εμφανίστηκαν τα πρώτα λίθινα εργαλεία, καθώς και κατά την περίοδο Jomon και Yayoi. Πιστεύεται ότι το Jōmon διήρκεσε από τη 10η χιλιετία έως τον 4ο αιώνα π.Χ. Τότε άρχισαν να εμφανίζονται τα πρώτα κεραμικά που είχαν το ίδιο όνομα με όλη την εποχή - jomon.

Πήλινο δοχείο Jōmon

Τα αγγεία αυτά είχαν ασύμμετρο σχήμα και είχαν παραδοσιακά στολίδια σε μορφή στριφτού σχοινιού. Πιστεύεται ότι χρησιμοποιούνταν σε διάφορες τελετουργίες και τελετουργίες. Ταυτόχρονα, εμφανίστηκαν διάφορα είδη κοσμημάτων - σκουλαρίκια, βραχιόλια και περιδέραια από πηλό, δόντια ζώων, κοχύλια, πέτρες, κρύσταλλο.

Πήλινα σκουλαρίκια και βραχιόλια από την περίοδο Jomon

Τον ΙΙΙ αιώνα π.Χ., ξεκίνησε η εποχή Yayoi, η οποία διήρκεσε έξι αιώνες. Επειτα ντόπιοιέμαθαν να καλλιεργούν καλλιέργειες ρυζιού, ασχολήθηκαν με τη γεωργία, συνέχισαν να κυριαρχούν στην τέχνη της κεραμικής και άρχισαν επίσης να λιώνουν μέταλλα, μεταξύ των οποίων το πιο σημαντικό ήταν ο σίδηρος, έφτιαξαν όπλα από χαλκό και καμπάνες από χαλκό.

Χάλκινη καμπάνα Dotaku, τέλος της εποχής Yayoi

• Η συγκρότηση του κράτους Το ιαπωνικό κρατισμό άρχισε να διαμορφώνεται από τον 4ο έως τον 8ο αιώνα. Αυτή η περίοδος είναι γνωστή ως περίοδος Kofun και Yamato. Στη συνέχεια εμφανίστηκε στη χώρα ένα ολόκληρο δίκτυο ταφικών τύμβων και η ίδια η Ιαπωνία άρχισε να πλησιάζει την Ουράνια Αυτοκρατορία, υιοθετώντας αναπόφευκτα τη θρησκεία - και μαζί της - την αρχιτεκτονική, τη γλυπτική. Το πιο σημαντικό κτίριο της εποχής είναι ο Horyu-ji, που αντιπροσωπεύεται από μια παγόδα σε πέντε επίπεδα. Κοντά στους τύμβους άρχισαν να τοποθετούνται ειδικά γλυπτά από πηλό, που ονομάζονταν «χάνιβα».

Horyu-ji, Ιαπωνία

• Θέσπιση νόμων Αυτό το στάδιο αφορά την περίοδο Νάρα (VIII αιώνας) και Heian (τέλη VIII-XII αιώνα). Εκείνη τη στιγμή, οι Ιάπωνες έρχονται ακόμη πιο κοντά στους γείτονές τους - οι Κινέζοι και οι Κορεάτες, μαζί με τη βουδιστική αντίληψη, δανείζονται επίσης κομφουκιανές και ταοϊστικές έννοιες, υιοθετούν τεχνικές επεξεργασίας μετάλλων, μεθόδους κατασκευής και σχεδιασμό κτιρίων, νέες τάσεις στη ζωγραφική. ιδιαίτερα αλλάζουν - τα απλά σιντοϊστικά ιερά αντικαθίστανται από κλιμακωτές βουδιστικές στούπες παρόμοιες με τις ινδικές. Στις κατοικίες των απλών ανθρώπων, αντί για γυμνό χώμα, εμφανίστηκαν ξύλινες σανίδες στο πάτωμα και στέγες κυπαρισσιών στην κορυφή.

Απεικόνιση της περιόδου Νάρα στην Ιαπωνία

Αν μιλάμε για μεταγενέστερη εποχή, τότε μπορούμε να διακρίνουμε αρκετές ακόμη περιόδους και τα κύρια πολιτιστικά χαρακτηριστικά τους:

• Karakum (XII-XIV αιώνας) - η εμφάνιση των σαμουράι και των πολεμικών τεχνών.
• Sengoku και Jidai (XV-XVI αιώνες) - η εποχή της ευρωπαϊκής επέκτασης στον κόσμο της Ανατολής, κατά την οποία ο χριστιανισμός και οι δυτικές πολιτιστικές τάσεις διείσδυσαν ακόμη και στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ηλίου.
• Edo (XVII-XIX αιώνες) - η δύναμη της διάσημης οικογένειας Tokugawa, που χαρακτηρίζεται από την απομόνωση της Ιαπωνίας και την ανάπτυξη της πολιτιστικής ταυτότητας.

Όλα όσα συνέβησαν αργότερα είναι ήδη Νέα εποχή και νεωτερικότητα, και τώρα, αναμφίβολα, ακόμη και στη σχετικά κλειστή Ιαπωνία, υπάρχει μια ορισμένη πολιτιστική παγκοσμιοποίηση- υιοθετείται η εμπειρία των δυτικών δασκάλων και στη Δύση, με τη σειρά τους, τα ιαπωνικά μοτίβα γίνονται μοντέρνα. Ωστόσο, η τέχνη της Ιαπωνίας είχε πάντα μια ιδιαίτερη γεύση, είχε χαρακτηριστικά που είναι μοναδικά σε αυτήν.

Απλότητα, αναλογικότητα με τον άνθρωπο, συνοπτικότητα, φυσικά υλικά, ενότητα με τη φύση - έτσι μπορείτε να χαρακτηρίσετε τα ιαπωνικά αριστουργήματα, τόσο αρχαία όσο και σύγχρονα.

Ζωγραφική

Η Ιαπωνία, όπως γνωρίζετε, έμεινε χώρια για μεγάλο χρονικό διάστημα, τα σύνορά της ήταν κλειστά σε άλλες χώρες. Όταν, με την έλευση του 7ου αιώνα, οι Ιάπωνες άρχισαν να επικοινωνούν όλο και πιο συχνά με τους γείτονές τους, να συνάπτουν δεσμούς με τον ηπειρωτικό κόσμο, ανακάλυψαν χρώματα, περγαμηνή, μελάνι και μαζί τους καλές τέχνες.

Στην αρχή, ήταν εξαιρετικά απλό και συνοπτικό: απλές εικόνες έγιναν σε μαύρο ή λευκό χαρτί, συνήθως ένα από τα τρία χρώματα - κίτρινο, πράσινο ή κόκκινο. Ωστόσο, σταδιακά η ικανότητα των ντόπιων ζωγράφων αυξήθηκε, και σε μεγάλο βαθμό λόγω της διάδοσης των διδασκαλιών του Βούδα, καθώς όλο και περισσότερες εικόνες δημιουργούνταν από τη ζωή του Δασκάλου και των μαθητών του.

Εικόνες με βουδιστικά θέματα στην αρχαία Ιαπωνία

Μέχρι τον 9ο αιώνα, η Ιαπωνία είχε ήδη σχηματίσει τον δικό της κλάδο ζωγραφικής, ο οποίος ήταν ανεξάρτητος από τους Κινέζους. Ταυτόχρονα, ο ρόλος του Βουδισμού άρχισε να αποδυναμώνεται και τα θρησκευτικά κίνητρα αντικαταστάθηκαν από τα λεγόμενα κοσμικά, δηλαδή κοσμικά, τα οποία ήταν ιδιαίτερα δημοφιλή κατά τη διάρκεια της βασιλείας της οικογένειας Tokugawa.

Σογκούν της δυναστείας Τοκουγκάουα

Το Kaiga, όπως αποκαλούσαν οι Ιάπωνες τη ζωγραφική, πήρε εντελώς διαφορετικές μορφές και στυλ και η φύση πήρε μια σημαντική θέση σε αυτό. Από τότε, η ζωγραφική εκδηλώθηκε με νέες μορφές:

• Το Yamato-e είναι η κύρια σχολή ζωγράφων. Προέκυψε τον 9ο-10ο αιώνα και υποστηρίχθηκε από την Ακαδημία Τεχνών υπό τον αυτοκράτορα. Τα έργα ήταν κυλιόμενα ειλητάρια, τα οποία απεικόνιζαν λογοτεχνικές πλοκέςσε συνδυασμό με επιδέξια καλλιγραφία. Υπήρχαν δύο κύριοι τύποι κυλίνδρων: emakimono - μήκος πολλών μέτρων, διπλωμένο οριζόντια και συχνά ορατό στο τραπέζι, και kakimono - διπλωμένο κάθετα και κρεμασμένο στον τοίχο. Συνήθως, το μετάξι ή το χαρτί βάφονταν έντονα στο στυλ yamato-e, αλλά αργότερα τα κεραμικά πιάτα, τα εθνικά ρούχα, οι βεντάλιες, οι τοίχοι και οι οθόνες χρησιμοποιήθηκαν όλο και περισσότερο ως καμβάς. Ιδιαίτερη προσοχή δόθηκε στη μετάδοση της κατάστασης του νου.
• Sumi-e - ως ανεξάρτητο στυλ διαμορφώθηκε γύρω στον XIV αιώνα. Τα χαρακτηριστικά του είναι η χρήση ακουαρέλας και ασπρόμαυρων χρωμάτων.
• Πορτρέτα - έγιναν δημοφιλή στους αιώνες XIII-XIV.
• Τοπίο - πέτυχε δημοτικότητα στους αιώνες XIV-XV, σε μεγάλο βαθμό λόγω της εξάπλωσης του Βουδισμού Ζεν σε ολόκληρη τη χώρα, ο οποίος βασίζεται στην ιδέα της περισυλλογής και της ενότητας με τη φύση.
• Το Ukiyo-e είναι ένας χαρακτηριστικός φωτεινός πίνακας στους πίνακες. Εμφανίστηκε τον 17ο αιώνα και περιείχε εικόνες της φύσης, διάσημες Ιάπωνες γκέισες ή καλλιτέχνες του θεάτρου Kabuki. Έναν αιώνα αργότερα, αυτή η τάση έγινε τόσο δημοφιλής που κέρδισε ακόμη και τις καρδιές των Ευρωπαίων - άρχισαν να εφαρμόζουν αυτό το στυλ στα δικά τους έργα.

Παραδοσιακή εκτύπωση Ukiyo-e

αρχιτεκτονική διεύθυνση

Αρχικά, η ιαπωνική αρχιτεκτονική περιορίστηκε στην κατασκευή αρχαίων παραδοσιακών σπιτιών - haniwa. Δημιουργήθηκαν πριν από τον 4ο αιώνα και η εμφάνισή τους μπορεί να κριθεί μόνο από τα σωζόμενα μικροσκοπικά πήλινα μοντέλα και σχέδια, αφού δεν έχουν διασωθεί μέχρι σήμερα.

Εδώ πέρασε η ζωή και η ζωή των απλών ανθρώπων. Επρόκειτο για πρωτότυπες πιρόγες, καλυμμένες από πάνω με ψάθινο κουβούκλιο. Στηριζόταν από ειδικά ξύλινα κουφώματα.

Αργότερα εμφανίστηκε το takayuka - ένα ανάλογο των σιταποθηκών. Αποτελούνταν επίσης από ειδικές δοκούς στήριξης, οι οποίες επέτρεψαν τη διάσωση της καλλιέργειας από φυσικές καταστροφές και παράσιτα.

Περίπου την ίδια εποχή, στους αιώνες I-III, άρχισαν να εμφανίζονται ναοί της αρχαίας θρησκείας Σίντο προς τιμήν των θεοτήτων που προστάτευαν τις δυνάμεις της φύσης. Τις περισσότερες φορές κατασκευάζονταν από ακατέργαστο και άβαφο κυπαρίσσι και είχαν λακωνικό ορθογώνιο σχήμα.

Η αχυρένια ή πεύκη στέγη ήταν δίρριχτη και οι ίδιες οι κατασκευές ήταν χτισμένες σε στύλους που περιβάλλονταν από κιόσκια. Ένα άλλο χαρακτηριστικό γνώρισμα των σιντοϊστικών ιερών είναι η πύλη σε σχήμα U μπροστά από την είσοδο.

Στο Σιντοϊσμό, υπάρχει ένας νόμος ανανέωσης: κάθε είκοσι χρόνια, ο ναός καταστρεφόταν και σχεδόν ο ίδιος, αλλά νέος, χτιζόταν στο ίδιο μέρος.

Ο πιο διάσημος τέτοιος ναός ονομάζεται Ise. Πρωτοχτίστηκε στις αρχές της 1ης χιλιετίας και, σύμφωνα με την παράδοση, ανοικοδομούνταν συνεχώς. Η Ise αποτελείται από δύο παρόμοια συγκροτήματα που βρίσκονται ελαφρώς μακριά το ένα από το άλλο: το πρώτο είναι αφιερωμένο στις δυνάμεις του ήλιου, το δεύτερο είναι αφιερωμένο στη θεότητα της γονιμότητας.

Από τον 6ο αιώνα, οι βουδιστικές διδασκαλίες που προέρχονταν από την Κίνα και την Κορέα άρχισαν να διαδίδονται στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου, και μαζί της οι αρχές της οικοδόμησης βουδιστικών ναών. Στην αρχή αντιπροσώπευαν κινεζικά αντίγραφα, αλλά αργότερα ένα ιδιαίτερο, πραγματικά ιαπωνικό στυλ άρχισε να εντοπίζεται στην αρχιτεκτονική του ναού.

Οι κατασκευές χτίστηκαν ασύμμετρα, σαν να σμίγουν με τη φύση. Συνοπτικότητα και σαφήνεια των μορφών, ξύλινο πλαίσιο, σε συνδυασμό με πέτρινο θεμέλιο, παγόδες σε πολλές βαθμίδες, όχι πολύ έντονα χρώματα - αυτό είναι που διακρίνει τα ιερά εκείνης της εποχής.

Πολλά από αυτά έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα. Μνημεία αρχιτεκτονικής περιλαμβάνουν το Horyu-ji από τις αρχές του 7ου αιώνα με τον περίφημο Χρυσό Ναό του και 40 άλλα κτίρια, το Todai-ji από τα μέσα του 8ου αιώνα στην πόλη Nara, η οποία εξακολουθεί να θεωρείται η μεγαλύτερη ξύλινη κατασκευή στο πλανήτης. Ταυτόχρονα, η βουδιστική αρχιτεκτονική είναι στενά συνυφασμένη με τη γλυπτική και τη ζωγραφική, που απεικονίζουν θεότητες και μοτίβα από τη ζωή του Δασκάλου.

Ναός Todai-ji

Στο γύρισμα του 12ου-13ου αιώνα, άρχισε η φεουδαρχία στο κράτος και ως εκ τούτου το στυλ Shinden, το οποίο διακρίνεται από το μεγαλείο, έγινε δημοφιλές. Αντικαταστάθηκε από το στυλ του sein, στο κεφάλι του οποίου η απλότητα και κάποια οικειότητα: αντί για τοίχους υπάρχουν σχεδόν αβαρείς οθόνες, στο πάτωμα υπάρχουν ψάθες και τατάμι.

Ταυτόχρονα άρχισαν να εμφανίζονται ανάκτορα-ναοί τοπικών φεουδαρχών. Αριστουργήματα αυτού του τύπου δομής είναι το περίφημο Kinkaku-ji του 14ου αιώνα, ή το Χρυσό Περίπτερο, καθώς και το Ginkaku-ji του 15ου αιώνα, γνωστό και ως Silver Temple.

Ναός Ginkakuji (Χρυσό Περίπτερο)

Μαζί με τα παλάτια-ναούς στους αιώνες XIV-XV, άρχισε να αναδύεται η τέχνη της κηπουρικής τοπίου. Από πολλές απόψεις, η εμφάνισή του οφείλεται στη διείσδυση των στοχαστικών διδασκαλιών του Ζεν στην Ιαπωνία. Κήποι άρχισαν να εμφανίζονται γύρω από ναούς και μεγάλες κατοικίες, όπου τα κύρια συστατικά δεν ήταν μόνο φυτά, λουλούδια, αλλά και πέτρες, νερό, καθώς και αναχώματα από άμμο και βότσαλο, που συμβολίζουν το στοιχείο του νερού.

Η μοναδική πόλη του Κιότο είναι διάσημη σε όλο τον κόσμο.

Ένας άλλος τύπος κήπου είναι ένας κήπος τσαγιού, ο οποίος ονομάζεται "tyaniva". Περιβάλλει το τεϊοποτείο, όπου πραγματοποιείται μια ιδιαίτερη, χαλαρή τελετή και ένα ειδικό μονοπάτι διασχίζει ολόκληρο τον κήπο μέχρι το σπίτι. Έχοντας εμφανιστεί στον Μεσαίωνα, το τράβηγμα συναντάται παντού σήμερα.

Γλυπτική σκηνοθεσία

Η γλυπτική στην αρχαία Ιαπωνία συνδέεται κυρίως με θρησκευτικές και τελετουργικές παραδόσεις. Επίσης σε III-V αιώνεςοι άνθρωποι έμαθαν πώς να φτιάχνουν μικρές φιγούρες που ονομάζονται ντόγκου.

Ο Ντόγκου απεικόνιζε ανθρώπους, ζώα και δεδομένου ότι βρέθηκαν σε αναχώματα, μπορούμε να συμπεράνουμε ότι τοποθετήθηκαν στον τάφο μαζί με τους νεκρούς - αυτοί ήταν οι υπηρέτες τους που θα μπορούσαν να είναι χρήσιμοι στον επόμενο κόσμο. Οι Dogu ήταν φιγούρες από πηλό, μπρούτζο, ξύλινο, λάκα. Αργότερα, μεγαλύτερα αγάλματα θεοτήτων δημιουργήθηκαν επίσης κοντά σε τύμβους και ιερά του Σιντοϊσμού.

ειδώλιο dogu

Η άφιξη του βουδισμού στη χώρα, φυσικά, επηρέασε την τοπική γλυπτική. Πολυάριθμα μνημεία του Βούδα άρχισαν να εμφανίζονται τον 6ο-7ο αιώνα. Ακολουθώντας τους Κινέζους και Κορεάτες δασκάλους, άρχισαν το ταξίδι τους ντόπιοι γλύπτες.

Μέχρι τον 9ο αιώνα, η γλυπτική κατεύθυνση άρχισε να αναπτύσσεται ακόμη περισσότερο, αλλά η εμφάνιση των Βούδα άλλαξε και άρχισαν να έχουν πολλά, έως και χίλια, πρόσωπα και χέρια. Τις περισσότερες φορές κατασκευάζονταν από ισχυρά είδη ξύλου, βερνίκι, μπρούτζο, πηλό.

Πολλά όμορφα μνημεία έχουν διασωθεί μέχρι σήμερα. Για παράδειγμα, στο ναό του Haryu-ji, μια μεγαλοπρεπής φιγούρα του Βούδα κάθεται σε ένα λουλούδι λωτού και στο Todai-ji υπάρχει ένα ολόκληρο σύνολο θεοτήτων με επικεφαλής έναν Βούδα 16 μέτρων, ο οποίος δημιουργήθηκε από τους γλύπτες Kaikei και Unkei. .

Άλλοι τύποι

Η ιαπωνική τέχνη είναι πολύπλευρη και μπορείς να μιλάς για αυτή με τις ώρες. Ας μιλήσουμε για πολλά άλλα είδη τέχνης που προήλθαν από την αρχαιότητα.

• Καλλιγραφία

Ονομάζεται sedo, που σημαίνει «ο δρόμος των ειδοποιήσεων». Η καλλιγραφία στην Ιαπωνία εμφανίστηκε χάρη στα όμορφα ιερογλυφικά που δανείστηκαν από τους Κινέζους. Σε πολλά σύγχρονα σχολεία θεωρείται υποχρεωτικό μάθημα.

• χαϊκού ή χαϊκού

Το χαϊκού είναι μια ιδιαίτερη ιαπωνική λυρική ποίηση που εμφανίστηκε τον 14ο αιώνα. Ο ποιητής ονομάζεται «χαϊτζίν».

• Origami

Αυτό το όνομα μεταφράζεται ως "χαρτί που έχει διπλωθεί". Προερχόμενο από το Μέσο Βασίλειο, το origami χρησιμοποιήθηκε αρχικά σε τελετουργίες και ήταν μια ασχολία για τους ευγενείς, αλλά πρόσφατα εξαπλώθηκε σε όλο τον κόσμο.

αρχαία τέχνη origami στην Ιαπωνία

• Ικεμπάνα

Η λέξη στη μετάφραση σημαίνει "ζωντανά λουλούδια". Όπως το origami, χρησιμοποιήθηκε αρχικά σε τελετουργίες.

• Μινιατούρες

Οι δύο πιο συνηθισμένοι τύποι μινιατούρες είναι το μπονσάι και το netsuke. Τα μπονσάι είναι αντίγραφα πραγματικών δέντρων σε πολύ μειωμένη μορφή. Τα Netsuke είναι μικρά ειδώλια σαν φυλαχτά που εμφανίστηκαν τον 18ο-19ο αιώνα.

• Πολεμικές τέχνες

Συνδέονται κυρίως με σαμουράι - ένα είδος ιπποτισμού, νίντζα ​​- δολοφόνους-μισθοφόρους, μπουσίντο - πολεμιστές.

• Θεατρική τέχνη

Το πιο διάσημο θέατρο, το καμάρι όλων των Ιαπώνων είναι το κλασικό θέατρο Καμπούκι. Μπορείτε να διαβάσετε περισσότερα για τη θεατρική τέχνη στην Ιαπωνία.

Θέατρο Kabuki στην Ιαπωνία

συμπέρασμα

Όπως μπορούμε να δούμε από το άρθρο, η Ιαπωνία είναι ένα ολόκληρο θησαυροφυλάκιο αριστουργημάτων τέχνης, όχι μόνο σε εθνική, αλλά και σε παγκόσμια κλίμακα. Από την αρχαιότητα, που ξεκίνησε πολύ πριν από την εποχή μας, οι Ιάπωνες άρχισαν να δημιουργούν και να δημιουργούν όμορφα πράγματα γύρω: πίνακες, κτίρια, αγάλματα, ποιήματα, πάρκα, μινιατούρες - και αυτή δεν είναι ολόκληρη η λίστα.

Είναι ενδιαφέρον ότι τα χαρακτηριστικά που είναι ενσωματωμένα ιαπωνική κουλτούρατης αρχαιότητας, μπορεί να εντοπιστεί στις δημιουργίες της εποχής μας - αυτή είναι η απλότητα, η συνοπτικότητα, η φυσικότητα, η επιθυμία για αρμονία με τη φύση.

Σας ευχαριστώ πολύ για την προσοχή σας, αγαπητοί αναγνώστες! Ελπίζουμε ότι σήμερα έχετε μάθει πολλά για μια τόσο μυστηριώδη και μακρινή χώρα όπως η Ιαπωνία. Ελάτε μαζί μας - αφήστε σχόλια, μοιραστείτε συνδέσμους για άρθρα με φίλους - θα χαρούμε πολύ να εξερευνήσουμε μυστηριώδης κόσμοςΑνατολή μαζί σου!

Τα λέμε σύντομα!