Τέχνη και μόδα: όλα όσα πρέπει να γνωρίζετε για την εικονογράφηση μόδας για να κερδίσετε τον διαγωνισμό. Εικονογράφηση μόδας - ιστορία, παρακμή και αναγέννηση Πόσα κερδίζουν οι εικονογράφοι μόδας

Εικονογράφηση David Downton: Η Cate Blanchett στο εξώφυλλο της Vogue Australia

Πάντα πίστευα ότι η μόδα είναι θεμιτό θέμα για την τέχνη…. Κοιτάξτε τον τρόπο με τον οποίο εικονογράφοι μόδας όπως ο Eric και ο Antonio ή ο René Gruault βοήθησαν στον καθορισμό της εποχής που ζούμε. Ήταν όπως κάθε φωτογράφος στο να σκεφτόμαστε πώς θέλουμε να δείχνουμε και πώς θέλουμε να ζήσουμε,

Λέει ο David Downton, ένας από τους πιο διάσημους και ταλαντούχους εικονογράφους της εποχής μας.Και αυτό είναι αλήθεια, γιατί ήταν η εικονογράφηση που χρησίμευε ως φωτογραφία σε μια εποχή που ήταν ακόμα πολύ μακριά πριν από την εμφάνιση της κάμερας: εισήγαγε νέες τάσεις της μόδας, έδειξε νέα ρούχα και τάσεις.

ΙΣΤΟΡΙΑ ΤΗΣ ΜΟΔΑΣ-ΕΙΚΟΝΟΓΡΑΦΙΕΣ

Η εικονογράφηση μόδας υπάρχει εδώ και πάνω από 500 χρόνια. Τα πρωτότυπά του μπορούν να θεωρηθούν χαρακτικά και χαρακτικά του 16ου αιώνα που απεικονίζουν κυρίες και κύριους της αυλής - τους κύριους (και, γενικά, τους μοναδικούς) fashionistas και fashionistas εκείνων των αιώνων. Για παράδειγμα, στα τέλη του 16ου αιώνα, στην Ισπανία εμφανίστηκαν βιβλία με εικόνες ρούχων και οδηγίες ραπτικής.

VACLAV HOLLAR

Εκείνη την εποχή, ένας από τους πρώτους εικονογράφους μόδας θεωρείται ο Τσέχος γραφίστας και καλλιτέχνης Wenceslaus Hollar (13 Ιουλίου 1607 - 28 Μαρτίου 1677), ο οποίος εργάστηκε στο Λονδίνο από το 1640. Ο Hollar εργάστηκε στην τεχνική της χαρακτικής, δημιούργησε περίπου 2740 χαρακτικά σε μια ποικιλία διαφορετικά θέματα, μεταξύ των οποίων υπήρχαν εικόνες γυναικείων φορεσιών.

Το 1679, στη Γαλλία, στη Λυών, αρχίζει να εμφανίζεται το περιοδικό "Mercure Galant", από το οποίο ξεκινά η ιστορία της μοντέρνας στιλπνότητας. Το περιοδικό ήταν διακοσμημένο με σχέδια φτιαγμένα στο χέρι από διάσημους Γάλλους καλλιτέχνες: Abraham Bosse, Pierre Bonnard και άλλους.

Από τότε, οι δημοσιεύσεις που περιείχαν στάμπες μόδας έχουν γίνει συνηθισμένες και οι fashionistas σε όλο τον κόσμο περίμεναν με ανυπομονησία τις τελευταίες εκδόσεις. Τα πρώτα πραγματικά περιοδικά μόδας εμφανίστηκαν στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, στη συνέχεια η εικονογράφηση μόδας άρχισε να αναπτύσσεται ενεργά και η αυγή της έρχεται την περίοδο από τον 19ο έως το πρώτο μισό του 20ού αιώνα. Αυτή η φορά έδωσε στον κόσμο τους πιο ταλαντούχους εικονογράφους που επηρέασαν σε μεγάλο βαθμό την αντίληψη της μόδας ως τέχνης.

1850-1900 Αξιοσημείωτα στοιχεία σε κόσμος της μόδαςήταν ο Ιταλός ζωγράφος Giovanni Boldini (1842-1931) και ο Αμερικανός γραφίστας Charles Dana Gibson (1867-1944).

ΤΖΙΟΒΑΝΙ ΜΠΟΛΤΙΝΙ

Ο Τζιοβάνι Μπολντίνι, κάποτε εξαιρετικός πορτραίτης του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα, έμεινε στην ιστορία ως ένας από τους πρώτους εικονογράφους μόδας. Οι κυρίες της υψηλής κοινωνίας με αυτοπεποίθηση εμφανίστηκαν στους πίνακές του με εξαιρετικά βραδινά φορέματα. Ήταν ο Τζιοβάνι Μπολντίνι που πριν από εκατό και πλέον χρόνια συνέβαλε σε μια νέα αντίληψη του ιδανικού γυναικεία ομορφιά. Η Dame Boldini είναι ψηλότερη από τον μέσο όρο, έχει λεπτό αστράγαλο, μικρό στήθος και είναι ιδιαίτερα λεπτή.

Ξεφυλλίζοντας περιοδικά μόδας και καταλόγους επωνυμιών, έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε εντυπωσιακές φωτογραφίες τέλειων μοντέλων με επώνυμα ρούχα και αξεσουάρ. Πώς όμως έμαθαν οι fashionistas για τις τάσεις στα ρούχα πριν από την εφεύρεση και τη διάδοση των καμερών; Τι δημοσίευσαν τα περιοδικά στις σελίδες τους; Ο «πρόγονος» της φωτογραφίας ήταν το fashion illustration, το οποίο είναι σε θέση να μεταδίδει αποτελεσματικά τις τελευταίες τάσεις και να πουλά προϊόντα της βιομηχανίας της μόδας. Σήμερα, οι ζωγραφισμένες στο χέρι εικόνες επιστρέφουν και κερδίζουν δημοτικότητα.

Ιστορία της εικονογράφησης μόδας

Τι είναι η εικονογράφηση μόδας ο κόσμος έμαθε πριν από περίπου 500 χρόνια. Τον 16ο αιώνα, οι καλλιτέχνες ζωγράφιζαν κυρίες και κύριους της αυλής με μοντέρνα ρούχα και στο τέλος του αιώνα, ένα βιβλίο με εικόνες ρούχων και οδηγίες για το ραπτικό τους είδε το φως της δημοσιότητας. Ο πρώτος εικονογράφος μόδας θεωρείται ο καλλιτέχνης Wenceslas Hollar, ο οποίος έζησε και εργαζόταν στο Λονδίνο από τη δεκαετία του 1640. Ήταν πραγματικός εργασιομανής και δημιούργησε περίπου 3.000 χαρακτικά σε διάφορα θέματα, από τοπία μέχρι σχέδια γυναικείων ρούχων. Το 1679, το περιοδικό Mercure Galant δημοσιεύτηκε για πρώτη φορά στη Λυών, το οποίο έγινε πρωτοπόρος στον κόσμο της μοντέρνας στιλπνότητας. Η έκδοση περιείχε σχέδια από τους θρυλικούς καλλιτέχνες Pierre Bonnard, Abraham Bossom και πολλούς άλλους.

Η ενεργή ανάπτυξη της εικονογράφησης μόδας έλαβε χώρα στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα. Εκείνη την εποχή, τα περιοδικά κέρδισαν γενική δημοτικότητα, οι fashionistas σε όλο τον κόσμο ανυπομονούσαν για την κυκλοφορία νέων τευχών. Αυτό, με τη σειρά του, συνέβαλε στην εμφάνιση μεγάλων εικονογράφων που έγιναν ο σύνδεσμος μεταξύ της μόδας και των ανθρώπων.

Δούλεψαν οι καλλιτέχνες Charles Dana Gibson και Giovanni Boldini τέλη XIXκαι στα μέσα του 20ου αιώνα, ήταν αυτοί που επηρέασαν σε μεγάλο βαθμό τη διαμόρφωση της ίδιας της έννοιας της γυναικείας ομορφιάς, απεικονίζοντας μοντέλα με εξαιρετικά ρούχα και λεπτή σιλουέτα. Ο Γκίμπσον αξίζει ιδιαίτερης προσοχής, γιατί. δημιούργησε μια ιδιαίτερη εικόνα για τις ηρωίδες του, την οποία οι πραγματικές γυναίκες προσπάθησαν να μιμηθούν. Στην πραγματικότητα, τα Gibson Girls ήταν τα πρώτα εικονίδια στυλ που σχεδιάστηκαν με το χέρι! Ιδιαίτερη συμβολή στην ανάπτυξη του είδους είχαν και οι εικονογράφοι μόδας Paul Iribe, Georges Barbier, Georges Lepape, Erte, Kenneth Paul Block και πολλοί άλλοι.

Από τη δεκαετία του 1930, η Vogue άρχισε να δημοσιεύει φωτογραφίες στα εξώφυλλα, οι οποίες είχαν επιζήμια επίδραση στην εικονογράφηση μόδας. Τη δεκαετία του 1960 η σκηνοθεσία «παρέδωσε» τις θέσεις της και έδωσε τη θέση της στις φωτογραφίες, αλλά δεν εξαφανίστηκε ποτέ και συνέχισε να αναπτύσσεται.

Ένας νέος κύκλος εικονογράφησης μόδας

Η εμφάνιση περιοδικών που βασίζονται στο διαδίκτυο, ιστολογίων μόδας και κοινωνικά δίκτυααναβίωσε το είδος της εικονογράφησης μόδας. Το γεγονός είναι ότι οι φωτογραφίες περιορίζουν τη φαντασία ενός ατόμου, δεν σας επιτρέπουν να ολοκληρώσετε την εικόνα μόνοι σας, γιατί. ο θεατής βλέπει μια ολόκληρη εικόνα με ένα ιδανικό μοντέλο.

Οι μάρκες ρούχων και αξεσουάρ στρέφονται όλο και περισσότερο σε εικονογράφους για βοήθεια, χρησιμοποιούν τα σχέδιά τους για εκτυπώσεις, καθώς και σχέδια για υφάσματα. Πολλές μάρκες προτιμούν χειροποίητα πανό και αφίσες για να προσελκύσουν την προσοχή των πελατών σε επώνυμα καταστήματα.

Τα περιοδικά μόδας και οι σχεδιαστές έχουν επιλέξει εικονογραφήσεις για να δημιουργήσουν διαφημιστικές καμπάνιες, κάτι που είναι απολύτως φυσικό, γιατί. Τα σχέδια επιτρέπουν στον αγοραστή να δείξει φαντασία και να δοκιμάσει τη δημιουργημένη εικόνα, να σκεφτεί μια ιστορία, αυτό δεν είναι πάντα δυνατό όταν χρησιμοποιείτε φωτογραφίες με μοντέλα.

Δημοφιλείς μπλόγκερ που γράφουν για τη βιομηχανία της μόδας έχουν επίσης στραφεί στην εικονογράφηση. Δημιουργούν εικόνες που αντικατοπτρίζουν τις μελλοντικές τάσεις, ενώ συνοδεύουν τα τόξα τους με αντίγραφα που σχεδιάζονται στο χέρι. Πολλά από αυτά γίνονται αντιληπτά από γνωστά περιοδικά ή οίκους μόδας, προσφέροντας συνεργασία. Έτσι το τραβηγμένο κουνελάκι Fifi Lapin μετατράπηκε σε ολόκληρο brand.

Τα κοινωνικά δίκτυα λαχταρούν περιεχόμενο και «ζεστό» περιεχόμενο, γεγονός είναι ότι οι χρήστες έχουν βαρεθεί την άμεση διαφήμιση ενός προϊόντος που δεν προκαλεί έντονη συναισθηματική απήχηση και μπλοκάρει τη φαντασία. Οι εικόνες βοηθούν επίσης στην αποφυγή τρολαρίσματος και αρνητικών σχολίων, δεν υπάρχει λόγος οι χρήστες να ξεσπούν τη δυσαρέσκεια τους για τα «φωτογραφημένα» μοντέλα και τις φιγούρες τους.

Το έργο των εικονογράφων μόδας

Οι σύγχρονοι εικονογράφοι αναβιώνουν το σχέδιο μόδας που βασίζεται σε πλούσια ιστορίαεικονογραφήσεις μόδας. Δουλεύουν σε μια ποικιλία τεχνικών: από ακουαρέλα έως ακρυλικό, ενώ συνδυάζουν αριστοτεχνικά το ελεύθερο σχέδιο με την τεχνολογία υπολογιστών.

Οι καλλιτέχνες μόδας κάνουν σκίτσα σε επιδείξεις μόδας (ούτε μια εβδομάδα μόδας δεν ολοκληρώνεται χωρίς αυτά), μεταφέρουν το street style σε χαρτί, σχεδιάζουν φιόγκους, δημιουργούν σχέδια για υφάσματα και βοηθούν τους σχεδιαστές ρούχων στη δημιουργία συλλογών. Εργάζονται σε εικονογραφήσεις για περιοδικά μόδας, βιβλία, ταινίες, διαφημίσεις, ιστοσελίδες, κοινωνικά δίκτυα, συνεργάζονται με ρούχα, καλλυντικά, αξεσουάρ και μάρκες πολυτελείας, διαφημιστικές εταιρείες, εκδότες και γραφεία σχεδιασμού.

Οι εικονογράφοι πρέπει να είναι σε θέση να σχεδιάζουν γρήγορα με το χέρι, να μπορούν να εργαστούν με επαγγελματικά προγράμματα ( Adobe Illustrator, Photoshop κ.λπ.), για να ανταπεξέλθετε έγκαιρα στις εργασίες, και το σημαντικότερο, να έχετε αναγνωρίσιμο ατομικό στυλ και μια ανεξάντλητη πηγή έμπνευσης.

εκπαίδευση εικονογράφων μόδας

Κατά τη διάρκεια των Εβδομάδων Μόδας, των Βραβείων Όσκαρ, καθώς και εκδηλώσεων υψηλού προφίλ, όπως το Met Gala και οι βασιλικοί γάμοι, οι χρήστες του Διαδικτύου ακολουθούν τους καλλιτέχνες καθώς τραβούν στιγμιότυπα προηγούμενων εκδηλώσεων με ευχαρίστηση και ακάλυπτο θαυμασμό. Εκτός από το γενικό νόημα, στα έργα τους οι εικονογράφοι μεταφέρουν τη διάθεση της στιγμής, η οποία συχνά εμπνέει ακόμη περισσότερα από μια φωτογραφία ή ένα βίντεο. Κάθε δάσκαλος προσθέτει στα σχέδιά του ένα μέρος του εαυτού του, τη μοναδική του άποψη για τον κόσμο και τα βαθιά εσωτερικά του συναισθήματα. Αυτό είναι που κάνει μικρό έργα τέχνηςτόσο πολύτιμο και εξαιρετικό στο είδος του. Το ELLE συγκέντρωσε μια επιλογή από τους 10 κορυφαίους εικονογράφους μόδας που πρέπει να ακολουθήσετε στο Instagram και να αντλήσετε καθημερινά κομμάτια έμπνευσης από τα σκίτσα τους.

1. DIANA SULTANOV

Μοναδικό στυλ Νταϊάνα Σουλτάνοβα- εικονογράφηση μόδας με έθνικ μοτίβα που είναι στενά συνυφασμένα λαογραφία- έχει κερδίσει από καιρό θαυμαστές όχι μόνο στη χώρα μας, αλλά και στο εξωτερικό. Ο καλλιτέχνης αποφοίτησε από το Λύκειο Τεχνών στο Vladikavkaz και στη συνέχεια έλαβε ειδικότητα στη σχεδίαση κοστουμιών στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας με το όνομα Kosygin. Η Νταϊάνα θεωρεί ότι η γοτθική αρχιτεκτονική είναι η κύρια πηγή έμπνευσής της. ανατολίτικη τέχνη, καθώς και το έργο των Προ-Ραφαηλιτών. Τα σχέδια μόδας της Diana ακολουθούνται από μάρκες μόδας όπως οι Valentino, Roberto Cavalli, Lanvin, Zuhair Murad - οι μάρκες δημοσιεύουν συχνά τα έργα της Sultanova στα προφίλ τους, σημειώνοντας το μοναδικό ταλέντο του Ρώσου καλλιτέχνη.

«Για μένα, η εικονογράφηση μόδας είναι ένα είδος συμβίωσης μόδας και τέχνης. Μερικές φορές η εικονογράφηση, κατά τη γνώμη μου, μπορεί να αποκαλύψει την ουσία της συλλογής και την πρόθεση του συγγραφέα πολύ καλύτερα από τις φωτογραφίες. Όταν δημιουργώ μια εικονογράφηση, προσπαθώ να μεταφέρω τα συναισθήματά μου από αυτό ή εκείνο το μοντέλο, να δημιουργήσω έναν ιδιαίτερο παραμυθένιο κόσμο γύρω του».

2. Alena Lavdovskaya

Ένας από τους κορυφαίους εικονογράφους μόδας στη Ρωσία και ο πρώτος καλλιτέχνης στη χώρα μας που ανέβασε αυτό το είδος σε τέτοια υψηλό επίπεδο. Η Αλυόνα- Απόφοιτος τέτοιων αναγνωρισμένων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων όπως η Ακαδημία Τέχνης στο Σαν Φρανσίσκο, η NABA στο Μιλάνο και το Κρατικό Τεχνικό Πανεπιστήμιο της Μόσχας. Kosygin. Η Lavdovskaya έχει εργαστεί στη βιομηχανία της μόδας και στο λιανικό εμπόριο μόδας πολυτελείας για περισσότερα από 17 χρόνια, ξεκινώντας την καριέρα της στην Gucci και στο θρυλικό δημιουργικό τμήμα του TSUM, όπου η ομάδα ταλαντούχους καλλιτέχνες, στυλίστες και διακοσμητές καθημερινά δημιουργούν φωτεινά έργαβιτρίνες και εσωτερική διακόσμηση του πολυκαταστήματος. Τώρα πίσω από τους ώμους του κοριτσιού βρίσκονται συνεργασίες με κορυφαίες μάρκες μόδας και γυαλιστερές εκδόσεις, καθώς και το άνοιγμα της δικής της σχολής σχεδίου.

«Για μένα το πιο πολύ μεγάλο βουητόείναι να αντλώ εικονογραφήσεις ρεπορτάζ από την παράσταση, μου αρέσουν ιδιαίτερα οι ατμοσφαιρικές στιγμές κατά τη διάρκεια της παράστασης ή στα παρασκήνια.

«Πρέπει να κάνεις αυτό που σου αρέσει, να ακολουθείς τις τάσεις, να βρεις το στυλ σου, να μην λυπάσαι τον εαυτό σου και να πας στον στόχο. Καταλάβετε ποιος είναι ο γκουρού και ο κύριος κριτικός σας, ώστε να μην αφήσετε τον εαυτό σας να χαλαρώσει. Και ζωγραφίστε. Όποιος δουλεύει, σίγουρα θα του έρθει η τύχη!

3. ΜΠΕΛΙΝΤΑ ΞΙΑ

Αυστραλός εικονογράφος Μπελίντα Σίαγνωστή για την αγάπη της όχι μόνο για τον κόσμο της μόδας, αλλά και για την ομορφιά και την εσωτερική διακόσμηση. Ο καλλιτέχνης έχει συνεργασίες με διαδικτυακές μάρκες μόδας, καφέ και χριστουγεννιάτικες αγορές. Στο Instagram του εικονογράφου, μπορείτε να βρείτε σκίτσα με τις τελευταίες τάσεις της μόδας, ενδιαφέροντα καλλιγραφικά σκίτσα και κινούμενες εικόνες.

4. DONALD ROBERTSON

Ονόματα περιοδικών Vanity Fair Αμερικανός εικονογράφος- ο σύγχρονος Andy Warhol του Instagram και οι θαυμαστές εκτιμούν τον Robertson για τη μοναδική και ειρωνική του στάση στον κόσμο της μόδας. Τώρα ο Καναδός καλλιτέχνης ζει στη Νέα Υόρκη και κατέχει τη θέση του δημιουργικού διευθυντή στην Estee Lauder. Διαβεβαιώνει ότι στη ζωή εμπνέεται περισσότερο από τους βασιλικούς γάμους, τα σούπερ-καπ, καθώς και τη δική του γυναίκα και τα πέντε αγαπημένα του παιδιά.

5. ΛΕΝΑ ΚΕΡ

Ρώσος εικονογράφος Λένα Κερθεωρείται ένα από τα πιο επαγγελματικά καλλιτέχνες της μόδαςστον κόσμο. Σε αυτό το στάδιο, συνεργάζεται με παγκόσμιες γυαλιστερές εκδόσεις και μάρκες μόδας όπως οι Dior, Jimmy Choo, J.Crew και Mark Cross. Η καλλιτέχνις θεωρεί τον εαυτό της όχι απλώς μάστορα σχεδίασης, αλλά πραγματική σχεδιάστρια, γιατί αυτό το όραμα της δουλειάς της επιτρέπει στην Ker να δημιουργεί σκίτσα που συνορεύουν με πραγματικά σκίτσα μόδας.

6. Κάθι Ρότζερς

Αμερικανός καλλιτέχνηςγεννήθηκε στην Ατλάντα, αλλά σήμερα ζει στη Νέα Υόρκη - μια αγαπημένη πόλη που δίνει στον εικονογράφο απίστευτη έμπνευση. Στυλ τέχνηςΗ Katie είναι εύκολα αναγνωρίσιμη. Όλα τα έργα της έχουν ανάλαφρη διάθεση και έχουν μια παιδική γοητεία. Για μερικά από τα σχέδιά της, η Katy χρησιμοποιεί glitter για να προσθέσει διάσταση και ρεαλισμό στα σκίτσα. Σημειώστε ότι η Rogers δημιούργησε ένα blog με προσωπικές εικονογραφήσεις Paperfashion το 2009 και τα τελευταία 9 χρόνια έχει συνεργαστεί με μάρκες όπως οι Clé de Peau, Kate Spade, Coach, Alicia Keys, Calypso St. Barths, Stuart Weitzman, Paul Mitchell, Target και Nabisco.

«Ξοδεύω πολύ χρόνο κοιτάζοντας επιδείξεις μόδας, περιοδικά, νέες τάσεις, καινοτομίες σχεδιαστών και ούτω καθεξής. Η έμπνευση προέρχεται από διαφορετικά πράγματα και ανθρώπους. Μου αρέσει να βλέπω ανθρώπους στο δρόμο, να μαθαίνω για το προσωπικό τους στυλ. Τα ιστολόγια Thesartorialist, copenhagenstreetstyle, facehunter και stylescout με βοηθούν συχνά σε αυτό.

«Για τη δουλειά μου χρησιμοποιώ ακουαρέλες, πινέλα, μελάνια και στυλό Winsor & Newtoon. Έχω από καιρό την άποψη ότι πολλά στο σχέδιο θα εξαρτηθούν από την ποιότητα του χαρτιού. Για αρχάριους λοιπόν, σας συμβουλεύω να μην κάνετε οικονομία σε υλικά.

7. Μέγκαν Χες

Στις συνεντεύξεις του ο εικονογράφος της Μελβούρνης Μέγκαν Χεςλέει τι εμπνέεται περισσότερο από τον κόσμο της μόδας και της γοητείας. Το 2008, η Hess εικονογράφησε το βιβλίο Sex and the City της Candace Bushnell, από τότε έχει συνεργαστεί με πολλές γνωστές εκδόσεις και brands. Οι διάσημοι πελάτες της περιλαμβάνουν: Chanel, Dior, Tiffany & Co., Yves Saint Laurent, Vogue, Harpers Bazaar, Fendi, Ladure, The Ritz Hotel Paris, Michelle Obama, Cartier, Montblanc, Ladure, Balenciaga, Guerlain και Paspaley. Η σχεδιάστρια παράγει επίσης περιορισμένης έκδοσης μεταξωτά κασκόλ και μαξιλάρια με τις στάμπες της υπογραφής της.

8 Σάρα Χάνκινσον

Αλλο Αυστραλός εικονογράφοςδημιουργεί τις εικονογραφήσεις του χρησιμοποιώντας ακουαρέλα, κάρβουνο, μελάνι και απλό μολύβι. Εκτός από τα κομψά σχέδια μόδας, η Σάρα λατρεύει τα θέματα γάμου, την εικονογράφηση φαγητού και τα βοτανικά σκίτσα. Πρόσφατα, η καλλιτέχνις έγινε μητέρα για δεύτερη φορά, αλλά παρόλα αυτά, ο ρυθμός της δουλειάς δεν επιβραδύνεται. Η Sarah έχει συνεργαστεί με εταιρείες όπως οι Target, Maybelline, Sportsgirl, Portmans, Hardie Grant Publishers και Implulse Body Spray. Ο Χάνκινσον αντλεί την έμπνευσή του από τη φωτογραφία μόδας, τα βιβλία, τα περιοδικά και τα blogs. Το είδωλό της είναι η καλλιτέχνης Kat McLeod, μια Αυστραλή εικονογράφος που έχει σχεδιάσει βιβλία όπως το The Cocktail: 200 Fabulous Drinks και το Bird.

Το οποίο περιμένατε. Αυτό το μάθημα έχει σχεδιαστεί για αρχάριους που δεν ξέρουν να σχεδιάζουν ή δεν έχουν ασχοληθεί ποτέ με αυτό Εικονογράφηση μόδας.

Εάν περάσετε όλα τα μαθήματα με τη σειρά και κάνετε πρακτικές εργασίες, τότε μέχρι το τέλος του μαθήματος θα μπορείτε να κάνετε σκίτσα μόδας όπως αυτά:

Ξέρω εικονογραφήσεις μόδαςΘα υπάρχουν πολλές κύριες ενότητες:

1. Τα βασικά της σχεδίασης εικονογράφησης μόδας
   Ας μελετήσουμε τις αναλογίες προσώπου και σώματος. Εξετάστε τα κύρια χαρακτηριστικά και διαφορές φιγούρες της μόδαςαπό ρεαλιστικό. Ας ρίξουμε μια πιο προσεκτική ματιά στις αναλογίες του προσώπου, ας μάθουμε πώς να χτίζουμε ένα πρόσωπο, ένα προφίλ και μια μισή στροφή σε τρία τέταρτα. Ας αναλύσουμε τα μοτίβα κατασκευής πολλών παραλλαγών στάσεων (μετωπιαία και με στήριξη στο ένα πόδι σε διαφορετικές παραλλαγές).
2. σχέδιο ρούχων
   Θα μάθετε πώς το ύφασμα πρέπει να αλληλεπιδρά σωστά με το σώμα, πώς να χτίζετε τη σωστή σιλουέτα, θα μελετήσουμε την αρχή σχεδίασης πτυχών ρούχων, την πλαστικότητα και τη λογική τους. Ας μάθουμε πώς να σχεδιάζουμε.
3. Κατανόηση του χρώματος
   Ας διαβάσουμε έγχρωμος κύκλοςκαι βασικά χρώματα. Εργασία με την εικόνα, την επίδραση του χρώματος και του τρόπου απεικόνισης, λεπτομέρειες. Ας σταθούμε στην ακριβή μεταφορά της υφής και της υφής διαφόρων υφασμάτων. Ας σχεδιάσουμε μερικές εκτυπώσεις. Ας εξοικειωθούμε με διάφορα εργαλείακαι υλικά εικονογράφησης μόδας.
4. εικόνες.
   Σε αυτήν την ενότητα, θα βρείτε βήμα προς βήμα μαθήματα σχετικά με τη σχεδίαση εικονογραφήσεων μόδας, τόσο απλά όσο και σύνθετα.

Φυσικά, κανένα μάθημα δεν θα είναι χρήσιμο χωρίς εξάσκηση. Επομένως, στο τέλος κάθε μαθήματος, θα βρείτε εργασία για το σπίτι, το οποίο πρέπει να ολοκληρωθεί πριν προχωρήσουμε στην ενοποίηση του υλικού που ελήφθη.

Η βάση του μαθήματος είναι το βιβλίο της Naoki Watanabe «Σύγχρονες τεχνικές εικονογράφησης μόδας».

Ας ξεκινήσουμε λοιπόν!

Κατανοώντας την ομορφιά του σώματος

Το ανθρώπινο σώμα είναι τόσο όμορφο και ελκυστικό όσο ένα έργο τέχνης. Ας το μάθουμε πριν μάθουμε πώς να σχεδιάζουμε ρούχα. Η κατανόηση της εικόνας του ανθρώπινου σώματος θα εξασφαλίσει τη δημιουργία ενός υπέροχου σχεδίου.

Δομή/αρθρώσεις οστών

Η δομή των οστών που αποτελεί τη βάση του ανθρώπινου σώματος αποτελείται εξ ολοκλήρου από καμπύλες γραμμές. Μπορούμε να κινήσουμε τα οστά χρησιμοποιώντας αρθρώσεις και μύες. Αν και οι αναλογίες των οστών αλλάζουν κατά την ανάπτυξη, ανεξάρτητα από το φύλο, η θέση και ο αριθμός των αρθρώσεων παραμένουν ίδια. Οι κίτρινες κηλίδες στην παρακάτω εικόνα δείχνουν τους πιο εύκαμπτους σπονδύλους και τις 12 κύριες αρθρώσεις. Οι μικρές αρθρώσεις του προσώπου, των χεριών και των ποδιών δεν φαίνονται και σημειώστε ότι αυτές οι περιοχές των μεγάλων αρθρώσεων δεν ταιριάζουν με το σχήμα τους.

Πόζα και σωματότυπος

Οι παρακάτω 5 τύποι φιγούρων βασίζονται στην αναλογία των 8 κεφαλιών, ωστόσο διαφέρουν ως προς το πλάτος και τη θέση των ώμων, του στήθους και των γοφών. Τα σχήματα Α και Β είναι τα πιο κατάλληλα για να κάνετε τα ρούχα να φαίνονται ισορροπημένα. Από την άλλη, τα ρούχα στις φιγούρες C, D και E δεν θα αντικατοπτρίζουν το σχέδιο που έχετε στο μυαλό σας.

Να είστε σίγουροι ότι το ίδιο ρούχο θα δείχνει τελείως διαφορετικό με λάθος αναλογίες σώματος. Ακόμη και όταν ξεκινάτε με αναλογία 8 κεφαλών, μπορείτε εύκολα να ξεφύγετε από την αναλογία και να μην ολοκληρώσετε τη δουλειά. Για να το αποφύγετε αυτό, λάβετε υπόψη τις ακόλουθες οδηγίες: το πλάτος των ώμων είναι ίσο με 1,5 κεφάλι, το στήθος ίσο με 1 κεφάλι και οι γοφοί ίσο με 1,5 κεφάλι.

Χρήσιμη μέθοδος μέτρησης

Χρησιμοποιώντας το κεφάλι με σύνεση ως μονάδα μέτρησης, μπορείτε πάντα να είστε σίγουροι για τη σωστή ισορροπία όταν σχεδιάζετε διάφορες στάσεις, όπως στην παρακάτω εικόνα.

Εργασία για το σπίτι:

1. Αποκτήστε ένα τετράδιο σκιαγραφιών στο οποίο θα ολοκληρώσετε εργασίες για αυτό το μάθημα. Θα σας βοηθήσει να παρακολουθείτε την πρόοδό σας.

2. Βρείτε στο Διαδίκτυο παραδείγματα σκίτσων γυμνής γυναικείας φιγούρας σε διάφορες πόζες και προσπαθήστε να επαναλάβετε αυτά που σας αρέσουν περισσότερο. Ας μην είναι ακριβή αντίγραφα, το κύριο πράγμα είναι να μεταφέρουμε τη βασική θέση, να εκπαιδεύσουμε το χέρι. Κάντε τουλάχιστον 10 σκίτσα.

Ελπίζουμε να σας άρεσε αυτό το σεμινάριο! Γράψτε τα σχόλιά σας, ξαφνικά κάτι δεν ήταν ξεκάθαρο. Τα λέμε!

Χρησιμοποιήθηκαν υλικά από το βιβλίο του Naoki Watanabe «Σύγχρονες τεχνικές εικονογράφησης μόδας».

Έργα της σύγχρονης εικονογράφου Wendy Plovmand, Δανία

Εικονογράφηση μόδας(στα αγγλικά "fashion illustration", όπου "fashion" είναι μόδα, "illustration" είναι εικονογράφηση), ή εικονογράφηση μόδας- αυτός ο όρος ονομάζεται το είδος της εικονογράφησης (γραφικά ή ζωγραφική), που σχετίζεται άμεσα με τη μόδα. Η εικονογράφηση μόδας χρησιμοποιείται ως εικονογράφηση για γυαλιστερά περιοδικά, έντυπα μόδας, σε διαφήμιση επωνυμιών μόδας, σχεδιασμό μπουτίκ μόδας και πολυκαταστήματα.

Τεχνική εικονογράφησης μόδας

Για εικονογράφηση μόδας, χρησιμοποιούνται διάφορες τεχνικές: από παραδοσιακές ακουαρέλεςκαι διαγράμματα, μέχρι σύγχρονους τεχνικούςχρησιμοποιώντας ακρυλικό και εκτύπωση, καθώς και γραφικά υπολογιστή. Η τεχνική έχει αλλάξει σε όλη την ιστορία αυτού του τύπου εικονογράφησης.

Ιστορία

Τζιοβάνι Μπολντίνι, Χορευτής Μουλέν Ρουζ, 1905

Πιστεύεται ότι η εικονογράφηση μόδας υπάρχει εδώ και σχεδόν 500 χρόνια. Όμως τα τελευταία 150 χρόνια αυτού του είδους έχουν μελετηθεί ενεργά. Ένας από τους πρώτους εικονογράφους μόδας στον κόσμο είναι ο Wenceslaus Hollar, ο οποίος εργαζόταν στο Λονδίνο από το 1640.

1850-1900. Στην πρώτη γραμμή της εικονογράφησης μόδας βρίσκεται ο Giovanni Boldini (1842-1931), που δραστηριοποιείται στη Γαλλία. Ξεκίνησε ως ζωγράφος πορτρέτων, αλλά έμεινε στην ιστορία ως ένας από τους πρώτους εικονογράφους μόδας. Η τεχνική του είναι γρήγορη, τολμηρές πινελιές, ασυμμετρίες και καμπύλες νεωτερικότητας, ένα ιμπρεσιονιστικό στυλ.

Gibson, σχέδιο 1906

Αλλά το πιο δυνατό σημάδι αυτή την εποχή άφησε ο Τσαρλς Ντάνα Γκίμπσον (1867-1944), ένας Αμερικανός γραφίστας. Χάρη στα σχέδιά του, ένας ξεχωριστός όρος "Gibson girls" μπήκε στην ιστορία (πρόκειται για κορίτσια με ψηλά χτενίσματα, σγουρές μπούκλες, ιδιαίτερη πλαστικότητα και αρμονικές αναλογίες σώματος, σχεδιασμένα με στυλό και μελάνι). Τα γραφικά Gibson ήταν τόσο δημοφιλή που μπορούν να ονομαστούν παράδειγμα όταν τα κορίτσια κινουμένων σχεδίων έγιναν εικονίδιο στυλ, οι πραγματικές γυναίκες προσπάθησαν να αντιγράψουν τον τρόπο των κοριτσιών από τα σχέδια του Gibson (τα σχέδια του Gibson υπαγόρευαν το πρότυπο ομορφιάς στην Αμερική 1890-1900). Ο Γκίμπσον ονομάζεται πρόγονος σχεδόν όλων μοντέρνα στυλεικονογραφήσεις μόδας. Το χτένισμα Gibson girl εξακολουθεί να ονομάζεται κότσο Gibson και είναι δημοφιλές στις γυναίκες.

Paul Iribe, 1908

1900-1910. 1909 - η αρχή της λεγόμενης «χρυσής εποχής» στην ιστορία της εικονογράφησης μόδας. Αυτή είναι η εποχή που η φωτογραφία δεν συναγωνιζόταν ακόμη το ελεύθερο σχέδιο, και οι εικονογραφήσεις με το χέρι ήταν ο μόνος τρόπος για την εικονογράφηση βιβλίων και περιοδικών. Το είδος άρχισε να χρησιμοποιείται όχι μόνο ως εικόνες για κείμενο, αλλά και στη διαφήμιση. Μια μικρή νέα επανάσταση στην εικονογράφηση μόδας έφερε ο γραφίστας Paul Iribe (1883-1935). Η καινοτομία στην τεχνολογία εκτύπωσης επέτρεψε τη χρήση φωτεινών τοπικών χρωμάτων σε συνδυασμό με γραφικά, έτσι ο Paul ανέπτυξε το δικό του αναγνωρίσιμο στυλ. Ένα άλλο ορόσημο στη βιογραφία του Paul Iribe ήταν η συνεργασία με τον σχεδιαστή μόδας Paul Poiret, με αποτέλεσμα σχέδια για περιοδικά με γυναίκες με ρούχα από τον σχεδιαστή. Αυτό που μπορεί να βρεθεί πλέον σε κάθε γυαλιστερό περιοδικό είναι τα γυρίσματα. Εάν τα πρώτα σχέδια με ρούχα έγιναν σε λευκό φόντο, τότε αργότερα εμφανίστηκαν πιο βελτιωμένες εικονογραφήσεις, εντελώς έγχρωμες, για παράδειγμα, εικονογραφήσεις του Γάλλου Georges Barbier (Πιστεύεται ότι ήταν τα σχέδιά του που έθεσαν τα θεμέλια για το Art Deco στυλ).

Georges Lepape, εκτύπωση για La Gazette du Bon Ton, 1912

1910-1920 . Ένας από τους πιο εξέχοντες εικονογράφους μόδας αυτών των χρόνων είναι ο Γάλλος Ζορζ Λεπαπέ (1887-1971), επίσης συνεργάστηκε πολύ με τον σχεδιαστή Paul Poiret, σχεδιάζοντας τα ρούχα του για περιοδικά. Έχει το δικό του στυλ, πιο επίπεδες φιγούρες γυναικών και μια πιο διακοσμητική λύση. Αυτό το στυλ του επέτρεψε να γίνει μεγάλος δεξιοτέχνης στα εξώφυλλα, γιατί η Vogue y έκανε περισσότερα από 100 εξώφυλλα.

Col Philips, εξώφυλλο του Good Housekeeping, 1913

Μια καινοτόμος τεχνική απεικόνισης προτάθηκε από τον Αμερικανό Coles Phillips (1880-1927). Μια άλλη από τις καινοτομίες του είναι η μέθοδος όταν το φόντο γίνεται το πρώτο σχέδιο ή ένα σημαντικό θέμα του σχεδίου, αυτή η τεχνική ονομάστηκε «εξαφανισμένα κορίτσια». Η ατομικότητα των σχεδίων της Philips διευκολύνθηκε από το γεγονός ότι ο γραφίστας έζησε στην Αμερική και δεν επηρεάστηκε από την ευρωπαϊκή νεωτερικότητα. Τη δεκαετία του 2010, 100 χρόνια μετά, η τεχνική των «εξαφανισμένων κοριτσιών» είναι πολύ δημοφιλής στην εικονογράφηση μόδας.

Erte, εξώφυλλο του Harper's Bazar, εκτύπωση, αρ. Νοέμβριος 1920

1920-1930 . Ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος (1914-1918) σηματοδότησε μια μεγάλη αλλαγή στη μόδα και στο ρόλο της γυναίκας. Η χειραφέτηση έδωσε στις γυναίκες περισσότερη ελευθερία, δεν ήταν πλέον απλώς ένα αντικείμενο διακόσμησης. Η Erte θεωρείται η κορυφαία εικονογράφος μόδας αυτής της εποχής. Αυτό το όνομα είναι συντομογραφία των αρχικών, το πραγματικό όνομα του καλλιτέχνη είναι Romain de Tirtoff (Romain de Tirtoff, 1892-1990). Κατάγεται από την Αγία Πετρούπολη, αλλά έζησε και εργάστηκε στο Παρίσι. Οι εικονογραφήσεις του οδήγησαν το στυλ εικονογράφησης Art Deco στην κορυφή της αριστείας. Αυτός, όπως η Iribe, ο Barbier, ο Lerape, συνεργάστηκε με τον σχεδιαστή μόδας Poiret. Όμως η παγκοσμίως διάσημη φήμη του Erte ήρθε με ένα δεκαετές συμβόλαιο με το Harper's Bazar το 1915.

Benito, Vogue, εκτύπωση, 1926

Μια άλλη εμβληματική φιγούρα στην ανάπτυξη της εικονογράφησης μόδας εκείνης της εποχής είναι ο Edouard Benito (1891 - 1981). Ο καλλιτέχνης με ισπανικές ρίζες ήταν λάτρης του κυβισμού και του κονστρουκτιβισμού, αυτό επηρέασε ιδιαίτερο στυλ Benito, μια γεωμετρική προσέγγιση στην εικονογράφηση μόδας. Αφού μετακόμισε στο Παρίσι και γνώρισε τον Paul Poiret, ο Benito έπιασε δουλειά εκδοτικό οίκο Conde Nast και αργότερα διορίστηκε επικεφαλής εικονογράφος για τη Vogue και το Vanity Fair για τα επόμενα 20 χρόνια. Το στυλ του Benito είναι το Art Deco σε συνδυασμό με τον μοντερνισμό και μια ορθολογική προσέγγιση.

Eric, Vogue, 1938

1930-1940 . Ο Carl Oscar August Erickson (1891-1958) κυριάρχησε στην αμερικανική εικονογράφηση μόδας για περισσότερα από 35 χρόνια. Είναι γνωστός για τις συνεργασίες του με τα καλλυντικά Vogue και Coty. Τα σχέδιά του είναι αναγνωρίσιμα από το τολμηρό πινέλο τους, την ποικιλία χρωμάτων και ένα ιδιαίτερο πρότυπο γυναικείας ομορφιάς - κορίτσια με πολύ λεπτή μέση. Και στους κύκλους της μόδας, το όνομά του ήταν Έρικ, με αυτό το όνομα δημοσιεύτηκε σε περιοδικά.

Μια άλλη διάσημη Αμερικανίδα εικονογράφος της δεκαετίας του 1930 είναι η Ruth Sigrid Grafstrom.

Grafstrom, 1905-1986), η δουλειά του στην αμερικανική Vogue άρχισε να εμφανίζεται το 1933. Οι κριτικοί πιστεύουν ότι η τεχνική του επηρεάστηκε από Γάλλοι καλλιτέχνεςΦωβιστές, και ιδιαίτερα ο Ανρί Ματίς.

Το στυλ των Αμερικανών εικονογράφων μόδας έφερε έναν φρέσκο ​​αέρα στο είδος μετά την κυριαρχία των Γάλλων δασκάλων σε αυτό. Η δουλειά του Έρικ και του Γκράφστρομ ήταν στο εξώφυλλο των Vogue, the Delineator, Cosmopolitan, Woman's Home Companion.

Boucher, εξώφυλλο της Vogue, 1953

1940-1950 . Το 1939 ήταν ένα σημείο καμπής για την εικονογράφηση μόδας, το περιοδικό Vogue άρχισε να αντικαθιστά τα γραφικά με φωτογραφίες, εμφανίστηκαν φωτογραφικά εξώφυλλα και γυρίσματα και η φωτογραφία ήταν πιο δημοφιλής στους καταναλωτές από το συμβατικό σχέδιο.

Παρά το ξεθώριασμα του ενδιαφέροντος για την εικονογράφηση μόδας στα περιοδικά, πολλοί εικονογράφοι μόδας αυτά τα χρόνια βρίσκουν την εφαρμογή τους στο χώρο της διαφήμισης. Ο Rene Bouche (1905-1963) άρχισε να εργάζεται για τη Vogue το 1338, αλλά μετά από αυτό άρχισε να συνεργάζεται στη διαφημιστική εικονογράφηση με brands όπως η Elizabeth Arden, η Saks Fifth Avenue και η Helena Rubenstein. Η τεχνική του διακρίνεται από ένα μείγμα ζουμερών γραφικών και εφέ υγρού πινέλου. Μέχρι τώρα, οι τεχνικές του Boucher αντιγράφονται από καλλιτέχνες σε όλο τον κόσμο.

René Gru, εξώφυλλο International Textiles, 1954

Μια άλλη εμβληματική φιγούρα στην εικονογράφηση της δεκαετίας του 1940 είναι ο Rene Gruau (1909-2004). Τα μινιμαλιστικά έργα του René Gru ήταν τα πιο κατάλληλα για διαφημιστική χρήση. Έκανε μερικές από τις καλύτερες διαφημιστικές εκτυπώσεις για τον Christian Dior. Τα έργα του αναπαράχθηκαν άψογα με τη μέθοδο της εκτύπωσης που χρησιμοποιούταν τότε, έτσι τα έργα του έφτασαν στον θεατή στην αρχική τους μορφή.

1950 – 1960. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, δύο κύριοι αξίζει να σημειωθούν. Ένας από αυτούς είναι ο Kenneth Paul Block (1924-2009), ο οποίος εργάστηκε στην Αμερική. Την περίοδο των δεκαετιών του 1950 και του 1960, η εικονογράφηση μόδας ανταγωνιζόταν όχι μόνο τη φωτογραφία, αλλά και την τηλεοπτική διαφήμιση. Αυτό απαιτεί από τους εικονογράφους να έχουν ιδιαίτερη δεξιότητα και επιδεικτικότητα σχεδίων. Ο Kenneth Paul Block ζωγράφισε με τόλμη, αντανακλούσε την κίνηση γυναικείες φιγούρες, ποτέ δεν διάλεξε στατικό. Η παστέλ δουλειά του θύμιζε ιμπρεσιονιστικά αριστουργήματα. Ο καλλιτέχνης συνεργάζεται με το Women's Wear Daily και το περιοδικό W για σχεδόν 40 χρόνια, ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1950.

Οι Editions Harper's Bazar, New York Times, Herald Tribune είναι περήφανοι για τη συνεργασία τους με έναν άλλο εμβληματικό καλλιτέχνη των δεκαετιών του '50 και του '60 - τον Καναδό Irwin Crosthwait (1914-1981). Αυτός ο συγγραφέας δεν φοβήθηκε να εισάγει εικονογραφικές τεχνικές στα γραφικά.

Σχέδιο της Caroline Smith, 1965

1960-1970. Οι αρχές της δεκαετίας του 1960 αναφέρονται ως το τέλος της εποχής της εικονογράφησης μόδας ως η κύρια μορφή εικονογράφησης σε γυαλιστερά περιοδικά. Ωστόσο, αυτά τα χρόνια χαρακτηρίζονται επίσης από μια γενική άνοδο στην τέχνη, την ποπ μουσική, τον κινηματογράφο και τη φωτογραφία. Και υπήρχε ένας εικονογράφος που μπόρεσε να ενταχθεί στις τάσεις της δεκαετίας του 1960 και να μην τις ανταγωνιστεί. Ήταν η Caroline Smith. Εμπνεύστηκε από πίνακες ποπ αρτ, φωτεινά σύμβολα και γεωμετρικά γραφικά. Το έργο του Smith έχει δημοσιευτεί στα Harper's Bazar, Queen, Elle και Cosmopolitan.

Bobby Hilson, 1968

Ένας άλλος καλλιτέχνης που δεν άντεξε το τέλος της εικονογράφησης μόδας είναι ο Bobbi Hilson. Έκανε ένα όνομα για τον εαυτό της με την κατάρτιση ρεπορτάζ από επιδείξεις μόδας, τότε οι φωτογράφοι δεν είχαν προσκληθεί ακόμη στην επίδειξη. Αφού της πρόσφερε ο Μπόμπι δικο μου στυλεικονογραφήσεις βασισμένες σε γραμμικό σχέδιο, χωρίς τη συμμετοχή χρώματος.

Antonio, Γαλλική Vogue, 1970

1970-1980. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι καλλιτέχνες επηρεάστηκαν από την πανκ μουσική και την ποπ κουλτούρα. Ένας από τους πιο σημαντικούς εικονογράφους της εποχής, ο Antonio Lopez (1943-1987), με καταγωγή από το Πουέρτο Ρίκο, σπούδασε στη Νέα Υόρκη και εργάστηκε στο Παρίσι. Υπέγραψε τα έργα του απλά «Αντώνιο» και με αυτό το όνομα μπήκε στην ιστορία της τέχνης. Το στυλ του είναι συνυφασμένο με το στυλ των κόμικς, τα ευρήματα των εικονογράφων μόδας της «χρυσής εποχής» της εικονογράφησης. Δούλεψε με μελάνι, στυλό, ακουαρέλα, κάρβουνο και συμπεριέλαβε ακόμη και φωτογραφίες που τραβήχτηκαν με κάμερα Polaroid στις εικονογραφήσεις του. Πιστεύεται ότι ο Antonio αναβίωσε την ξεχασμένη τέχνη της εικονογράφησης μόδας. Ο πλοίαρχος συνεργάστηκε με τις Vogue, Harper's Bazaar, Elle, Interview, The New York Times.

Stemp, κατάλογος Simpson, 1967

Λίγοι θα μπορούσαν να ανταγωνιστούν τη δεξιοτεχνία του Αντόνιο. Αλλά υπήρχε ένας άλλος κύριος που μπήκε στην ιστορία της εικονογράφησης μόδας εκείνης της εποχής. Αυτός είναι ο Eric Stemp (1924-2001). Ήταν τότε σχεδόν 50 ετών, αλλά κατάφερε να αφήσει το στίγμα του στην ιστορία του είδους. Ο Βρετανός εικονογράφος εμπνεύστηκε από αφίσες της δεκαετίας του 1940 και εκπαιδεύτηκε ως σχεδιαστής. Έγινε γνωστός για τη διαφημιστική του δουλειά για ανδρικές μάρκες, τον κατάλογο Simpsons, καθώς και για τα περιοδικά Harpers Bazaar και βρετανική Vogue.

Στίπελμαν

1980-1990. Αρχίζει νέος γύροςεικονογραφήσεις μόδας, μια αναδρομή στα πρότυπα γραφικών της δεκαετίας του 1920. Γκροτέσκ, μινιμαλισμός, τεχνικότητα δίνουν τη θέση τους στην ατομικότητα στη μόδα. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι κύριοι εκφραστές του στυλ είναι δύο συγγραφείς - ο Στίβεν Στίπελμαν και ο Γιώργος Σταυρινός.

Ο Stephen Stipelman είναι γνωστός ως ο συγγραφέας μιας πραγματικής «Βίβλου» για εικονογράφους, το βιβλίο του «Illustrating Fashion: Concept to Creation» («Illustrating fashion: from concept to implement») εξακολουθεί να ανατυπώνεται και είναι ένα εκπαιδευτικό εργαλείο για αρχάριους συγγραφείς. Το στυλ του Stephen άλλαξε με τον καιρό και έχει φτάσει σε μεγάλα ύψη στα γραφικά, με τα οποία μοιράζεται στις σελίδες του βιβλίου.

Σταυρινός

Ο Γιώργος Σταυρινός (1948-1990) εισήγαγε στοιχεία σχεδίασης και ένα τεχνικά πολύπλοκο επίπεδο δεξιοτήτων μολυβιού στην εικονογράφηση μόδας. Τα σχέδιά του είναι λεπτομερή, σχεδόν τέλεια. Έγινε διάσημος για τη δουλειά του στη διαφήμιση (Bergdorf Goodman), σε γυαλιστερά περιοδικά (The New York City Opera, New York Times, GQ, Cosmopolitan).

Downton, σχέδιο 2008

1990-2000. Μια νέα πρόκληση για την εικονογράφηση μόδας - ψηφιακή φωτογραφίαΚαι γραφικά υπολογιστή. Και πάλι όμως το είδος επέζησε και πρόσφερε νέες τεχνικές και λύσεις, εμπλουτίζοντας την εικονογράφηση. Ένας από τους εξέχοντες καινοτόμους είναι ο David Downton (γεν. 1959). Το 1996 εικονογράφησε σελίδες μόδας για τους Financial Times. Μετά από αυτό, ερωτεύτηκα τη μόδα και άρχισα να ασχολούμαι με το στυλ μου στην εικονογράφηση μόδας. Η λίστα πελατών του David είναι τεράστια: Tiffany & Co, Bloomingdales, Barney's, Harrods, Top Shop,