17वीं शताब्दी में कौन से वाद्ययंत्र लोकप्रिय थे? 17वीं सदी का वाद्य संगीत

17वीं और 18वीं शताब्दी का संगीत

16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनी, जो पुनर्जागरण के संगीत पर हावी थी, ने होमोफोनी को रास्ता देना शुरू कर दिया (ग्रीक "होमोस" से - "एक", "समान" और "पृष्ठभूमि" - "ध्वनि", "आवाज़")। पॉलीफोनी के विपरीत, जहां सभी आवाजें समान होती हैं, होमोफोनिक पॉलीफोनी में एक मुख्य विषय का प्रदर्शन करते हुए खड़ा होता है, और बाकी संगत (संगत) की भूमिका निभाते हैं। संगति आमतौर पर स्वरों (सामंजस्य) की एक प्रणाली है। इसलिए संगीत रचना के नए तरीके का नाम - होमोफ़ोनिक हार्मोनिक।

चर्च संगीत के बारे में विचार बदल गये हैं। अब संगीतकारों ने यह सुनिश्चित करने के लिए इतना प्रयास नहीं किया कि कोई व्यक्ति सांसारिक जुनून को त्याग दे, बल्कि उसके आध्यात्मिक अनुभवों की जटिलता को प्रकट करने के लिए। धार्मिक ग्रंथों या कथानकों पर लिखे गए कार्य थे, लेकिन चर्च में अनिवार्य प्रदर्शन के लिए नहीं थे। (ऐसी रचनाओं को आध्यात्मिक कहा जाता है, क्योंकि "आध्यात्मिक" शब्द का अर्थ "उपशास्त्रीय" की तुलना में व्यापक है।) 17वीं-18वीं शताब्दी की मुख्य आध्यात्मिक शैलियाँ। - कैंटाटा और ऑरेटोरियो। धर्मनिरपेक्ष संगीत का महत्व बढ़ गया: इसे दरबार में, अभिजात वर्ग के सैलून में, सार्वजनिक थिएटरों में बजाया जाने लगा (ऐसे पहले थिएटर 17वीं शताब्दी में खोले गए थे)। एक नई तरह की संगीत कला सामने आई - ओपेरा।

वाद्य संगीत भी नई शैलियों के उद्भव से चिह्नित है, विशेष रूप से वाद्य संगीत कार्यक्रम। वायलिन, हार्पसीकोर्ड, ऑर्गन धीरे-धीरे एकल वाद्ययंत्रों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार, बल्कि कलाकार के लिए भी प्रतिभा दिखाना संभव बना दिया। सबसे पहले, सद्गुण (तकनीकी कठिनाइयों से निपटने की क्षमता) को महत्व दिया गया, जो धीरे-धीरे कई संगीतकारों के लिए अपने आप में एक लक्ष्य और कलात्मक मूल्य बन गया।

17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकारों ने आमतौर पर न केवल संगीत रचा, बल्कि वाद्ययंत्रों को भी निपुणता से बजाया, अध्ययन किया शैक्षणिक गतिविधि. कलाकार की भलाई काफी हद तक विशिष्ट ग्राहक पर निर्भर करती थी। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार या तो एक राजा या एक अमीर अभिजात वर्ग के दरबार में जगह पाने की कोशिश करता था (कुलीन वर्ग के कई सदस्यों के पास अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस थे), या एक मंदिर में। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकारों ने आसानी से चर्च संगीत-निर्माण को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक की सेवा के साथ जोड़ दिया।

ओरटोरियो और कैंटाटा

एक स्वतंत्र संगीत शैली के रूप में, ऑरेटोरियो (इतालवी ऑरेटोरियो, लेट लैटिन ऑरेटोरियम से - "चैपल") 16वीं शताब्दी में इटली में आकार लेना शुरू हुआ। संगीतशास्त्री ओरटोरियो की उत्पत्ति को धार्मिक नाटक में देखते हैं (लेख "द थिएटर" देखें)। मध्ययुगीन यूरोप") - नाटकीय प्रदर्शन जो बाइबिल की घटनाओं के बारे में बताते हैं।

इसी तरह की गतिविधियाँ मंदिरों में भी की जाती थीं - इसलिए इस शैली का नाम पड़ा। सबसे पहले, भाषणकला पवित्र धर्मग्रंथों के पाठों पर लिखी गई थी, और उनका उद्देश्य चर्च में प्रदर्शन करना था। में XVII सदीसंगीतकारों ने आधुनिकता पर वक्तृताओं की रचना करना शुरू किया काव्यात्मक ग्रंथआध्यात्मिक सामग्री. ओटोरियो की संरचना ओपेरा के समान है। नाटकीय कथानक के साथ एकल गायकों, गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा के लिए यह एक प्रमुख कार्य है। हालाँकि, ओपेरा के विपरीत, ओटोरियो में कोई मंचीय कार्रवाई नहीं होती है: यह घटनाओं के बारे में बताता है, लेकिन उन्हें दिखाता नहीं है।

17वीं शताब्दी में इटली में। एक और शैली का गठन किया गया - कैंटाटा (यह। कैंटाटा, लैट से। कैंटो- "गाओ")। ओटोरियो की तरह, कैंटाटा आमतौर पर एकल कलाकारों, गायक मंडल और ऑर्केस्ट्रा द्वारा प्रस्तुत किया जाता है, लेकिन यह ओटोरियो से छोटा होता है। कैनटाटा आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों पर लिखे गए थे।

इटली का संगीत

16वीं शताब्दी के अंत में, इटली में बारोक कला शैली विकसित हुई (उम बारोको से - "अजीब", "विचित्र")। इस शैली की विशेषता अभिव्यक्ति, नाटक, मनोरंजन, संश्लेषण की इच्छा (कनेक्शन) है। अलग - अलग प्रकारकला। ये विशेषताएं 16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर उभरे ओपेरा में पूरी तरह से प्रकट हुईं। एक काम में संगीत, कविता, नाटक और नाटकीय चित्रकला का मिश्रण था। प्रारंभ में, ओपेरा का एक अलग नाम था: "संगीत के लिए नाटक" (यह। संगीत प्रति नाटक); शब्द "ओपेरा" (यह ओपेरा - "रचना") केवल 17 वीं शताब्दी के मध्य में दिखाई दिया। "संगीत के लिए नाटक" का विचार फ्लोरेंस में, कलात्मक मंडली फ्लोरेंटाइन कैमराटा में पैदा हुआ था। मंडली की बैठकें घर पर एक कक्ष (इतालवी कैमरे से - "कमरा") में आयोजित की जाती थीं। 1579 से 1592 तक प्रबुद्ध संगीत प्रेमी, कवि और वैज्ञानिक काउंट जियोवानी बर्दी के घर में एकत्र हुए। पेशेवर संगीतकारों - गायकों और संगीतकार जैकोपो पेरी (1561 - 1633) और गिउलिओ कैसिनी (लगभग 1550-1618), सिद्धांतकार और संगीतकार विन्सेन्ज़ो गैलीली (लगभग 1520-1591), प्रसिद्ध वैज्ञानिक गैलीलियो गैलीली के पिता ने भी इसका दौरा किया था।

फ्लोरेंटाइन कैमराटा के प्रतिभागी संगीत कला के विकास को लेकर उत्साहित थे। उन्होंने इसका भविष्य संगीत और नाटक के संयोजन में देखा: ऐसे कार्यों के पाठ (16वीं शताब्दी के जटिल कोरल पॉलीफोनिक मंत्रों के ग्रंथों के विपरीत) श्रोता के लिए समझ में आ जाएंगे।

मंडली के सदस्यों को प्राचीन रंगमंच में शब्दों और संगीत का आदर्श संयोजन मिला: छंदों को एकल स्वर में गाया जाता था, हर शब्द, हर शब्दांश स्पष्ट लगता था। तो फ्लोरेंटाइन कैमराटा एक वाद्ययंत्र के साथ एकल गायन का विचार लेकर आए - मोनोडी (ग्रीक "मोनोस" से - "एक" और "ओड" - "गीत")। एक नई शैलीगायन को सस्वर पाठन कहा जाने लगा (इससे। पुनर्पाठ - "सुनाना"): संगीत पाठ का अनुसरण करता था और गायन एक नीरस सस्वर पाठ था। संगीत की स्वर लहरियाँ अप्रभावी थीं - जोर शब्दों के स्पष्ट उच्चारण पर था, न कि पात्रों की भावनाओं को व्यक्त करने पर।

प्रारंभिक फ्लोरेंटाइन ओपेरा प्राचीन पौराणिक कथाओं के दृश्यों पर आधारित थे। नई शैली की पहली रचनाएँ जो हमारे पास आई हैं, वे संगीतकार पेरी (1600) और कैसिनी (1602) द्वारा एक ही नाम "यूरीडाइस" के तहत दो ओपेरा हैं। वे ऑर्फ़ियस के मिथक के कथानक पर बनाए गए थे। गायन के साथ एक वाद्य समूह भी शामिल था, जिसमें एक सेम्बालो (पियानो का अग्रदूत), एक लिरे, एक ल्यूट, एक गिटार आदि शामिल थे।

पहले ओपेरा के नायकों पर भाग्य का शासन था, और उसकी इच्छा की घोषणा दूतों द्वारा की जाती थी। कार्रवाई एक प्रस्तावना के साथ शुरू हुई, जिसमें कला के गुणों और शक्ति का गायन किया गया। आगे के प्रदर्शन में गायन समूह (ओपेरा नंबर जहां कई प्रतिभागी एक ही समय में गाते हैं), एक गाना बजानेवालों और नृत्य एपिसोड शामिल थे। उनके विकल्प पर एक संगीत रचना बनाई गई थी।

ओपेरा तेजी से विकसित होने लगा, और सबसे बढ़कर दरबारी संगीत के रूप में। कुलीन वर्ग ने कला को संरक्षण दिया, और इस तरह की चिंता को न केवल सुंदर के प्रति प्रेम से समझाया गया था: कला की समृद्धि को शक्ति और धन का एक अनिवार्य गुण माना जाता था। इटली के प्रमुख शहरों - रोम, फ़्लोरेंस, वेनिस, नेपल्स - में उनके अपने ओपेरा स्कूल विकसित हुए हैं।

विभिन्न स्कूलों की सर्वोत्तम विशेषताएं - काव्यात्मक शब्द (फ्लोरेंस) पर ध्यान, कार्रवाई का एक गंभीर आध्यात्मिक उपपाठ (रोम), स्मारकीयता (वेनिस) - को क्लाउडियो मोंटेवेर्डी (1567-1643) ने अपने काम में जोड़ा था। संगीतकार का जन्म हुआ था इतालवी शहरडॉक्टर के परिवार में क्रेमोना। एक संगीतकार के रूप में, मोंटेवेर्डी अपनी युवावस्था में विकसित हुए। उन्होंने मैड्रिगल्स लिखे और प्रदर्शित किये; ऑर्गन, वायोला और अन्य वाद्ययंत्र बजाया। मोंटेवेर्डी ने उस समय के प्रसिद्ध संगीतकारों के साथ संगीत रचना का अध्ययन किया। 1590 में, एक गायक और संगीतकार के रूप में, उन्हें ड्यूक विन्सेन्ज़ो गोंजागा के दरबार में मंटुआ में आमंत्रित किया गया था; बाद में उन्होंने कोर्ट चैपल का नेतृत्व किया। 1612 में, मोंटेवेर्डी ने मंटुआ में सेवा छोड़ दी और 1613 से वेनिस में बस गए। मोंटेवेर्डी की बदौलत 1637 में दुनिया का पहला सार्वजनिक ओपेरा हाउस वेनिस में खोला गया। वहां, संगीतकार ने सैन मार्को के कैथेड्रल के चैपल का नेतृत्व किया। अपनी मृत्यु से पहले, क्लाउडियो मोंटेवेर्डी ने पवित्र आदेश लिया।

पेरी और कैसिनी के काम का अध्ययन करने के बाद, मोंटेवेर्डी ने इस शैली की अपनी रचनाएँ बनाईं। पहले ओपेरा में पहले से ही - "ऑर्फ़ियस" (1607) और "एरियाडने" (1608) - संगीतकार एक तनावपूर्ण नाटकीय कार्रवाई बनाने के लिए, संगीत के माध्यम से गहरी और भावुक भावनाओं को व्यक्त करने में कामयाब रहे। मोंटेवेर्डी कई ओपेरा के लेखक हैं, लेकिन केवल तीन ही बचे हैं - "ऑर्फ़ियस", "रिटर्न ऑफ़ यूलिसिस टू हिज़ होमलैंड" (1640; प्राचीन ग्रीक महाकाव्य कविता "ओडिसी" के कथानक पर आधारित) और "कोरोनेशन ऑफ़ पोपिया" ( 1642).

मोंटेवेर्डी की कृतियाँ संगीत और पाठ को सामंजस्यपूर्ण ढंग से जोड़ती हैं। ओपेरा एक एकालाप पर आधारित होते हैं जिसमें हर शब्द स्पष्ट रूप से सुनाई देता है, और संगीत लचीले ढंग से और सूक्ष्मता से मूड के रंगों को व्यक्त करता है। मोनोलॉग, संवाद और कोरल एपिसोड आसानी से एक-दूसरे में प्रवाहित होते हैं, क्रिया धीरे-धीरे विकसित होती है (मोंटेवेर्डी के ओपेरा में तीन-चार कृत्य), लेकिन गतिशील रूप से। संगीतकार ने ऑर्केस्ट्रा को एक महत्वपूर्ण भूमिका सौंपी। उदाहरण के लिए, "ऑर्फ़ियस" में, उन्होंने उस समय ज्ञात लगभग सभी उपकरणों का उपयोग किया। आर्केस्ट्रा संगीत न केवल गायन के साथ होता है, बल्कि मंच पर होने वाली घटनाओं और पात्रों के अनुभवों के बारे में भी बताता है। ऑर्फ़ियस में, एक ओवरचर पहली बार सामने आया (फ़्रेंच ओवरचर, या लैटिन एपर्टुरा - "उद्घाटन", "शुरुआत") - संगीत के एक प्रमुख टुकड़े का एक वाद्य परिचय। क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के ओपेरा का वेनिस के संगीतकारों पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा और उन्होंने वेनिस के ओपेरा स्कूल की नींव रखी।

मोंटेवेर्डी ने न केवल ओपेरा, बल्कि पवित्र संगीत, धार्मिक और धर्मनिरपेक्ष मद्रिगल्स भी लिखे। वह पहले संगीतकार बने जिन्होंने पॉलीफोनिक और होमोफोनिक तरीकों का विरोध नहीं किया - उनके ओपेरा के कोरल एपिसोड में पॉलीफोनिक तकनीक शामिल हैं। मोंटेवेर्डी के काम में, नए को पुराने - पुनर्जागरण की परंपराओं के साथ जोड़ा गया था।

XVIII सदी की शुरुआत तक। नेपल्स में एक ओपेरा स्कूल की स्थापना की गई। इस विद्यालय की विशेषताएँ - गायन की ओर अधिक ध्यान, संगीत की प्रमुख भूमिका। यह नेपल्स में था कि बेल कैंटो गायन शैली (इतालवी बेल कैंटो - "सुंदर गायन") बनाई गई थी। बेल कैंटो अपनी ध्वनि, माधुर्य और तकनीकी पूर्णता की असाधारण सुंदरता के लिए प्रसिद्ध है। उच्च रजिस्टर (स्वर ध्वनि की सीमा) में, गायन को हल्केपन और समय की पारदर्शिता द्वारा, निम्न रजिस्टर में - मखमली कोमलता और घनत्व द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था। कलाकार को आवाज के समय के कई रंगों को पुन: पेश करने में सक्षम होना था, साथ ही मुख्य राग - कलरतुरा (यह। कलरटुरा - "सजावट") पर आरोपित ध्वनियों के कई तेज अनुक्रमों को कुशलता से व्यक्त करना था। एक विशेष आवश्यकता आवाज की समरूपता थी - धीमी धुनों में, साँस लेना नहीं सुना जाना चाहिए।

18वीं शताब्दी में, ओपेरा इटली में मुख्य प्रकार की संगीत कला बन गया, जिसे गायकों के उच्च पेशेवर स्तर द्वारा सुगम बनाया गया था, जिन्होंने कंज़र्वेटरीज़ में अध्ययन किया था (यह। कंज़र्वेटोरियो, इरेट लैट। कंजर्व - "आई गार्ड") - शैक्षिक संस्थान जो प्रशिक्षण देते थे संगीतकार. उस समय तक, इतालवी ओपेरा के केंद्रों - वेनिस और नेपल्स में चार कंज़र्वेटरीज़ बनाई गई थीं। शैली की लोकप्रियता को देश के विभिन्न शहरों में खुलने वाले ओपेरा हाउसों द्वारा भी बढ़ावा मिला, जो समाज के सभी वर्गों के लिए सुलभ थे। प्रमुख यूरोपीय राजधानियों के थिएटरों में इतालवी ओपेरा का मंचन किया गया और ऑस्ट्रिया, जर्मनी और अन्य देशों के संगीतकारों ने इतालवी ग्रंथों पर आधारित ओपेरा लिखे।

XVII-XVIII सदियों के इटली के संगीत की महत्वपूर्ण उपलब्धियाँ। और वाद्य शैलियों के क्षेत्र में। संगीतकार और ऑर्गेनिस्ट गिरोलामो फ्रेस्कोबाल्डी (1583-1643) ने अंग रचनात्मकता को विकसित करने के लिए बहुत कुछ किया। "चर्च संगीत में, उन्होंने एक नई शैली की नींव रखी। ऑर्गन के लिए उनकी रचनाएँ एक फंतासी (मुक्त) गोदाम की विस्तृत रचनाएँ हैं। फ्रेस्कोबाल्डी अपने कलाप्रवीण वादन और ऑर्गन और क्लैवियर पर सुधार की कला के लिए प्रसिद्ध हो गए। वायलिन कला का विकास हुआ । उस समय तक, इटली में वायलिन उत्पादन परंपराएं विकसित हो चुकी थीं। क्रेमोना शहर के अमती, ग्वारनेरी, स्ट्राडिवारी परिवारों के वंशानुगत उस्तादों ने वायलिन का डिज़ाइन, इसके निर्माण के तरीके विकसित किए, जिन्हें गहरे रहस्य में रखा गया और पारित कर दिया गया पीढ़ी-दर-पीढ़ी। इन उस्तादों द्वारा बनाए गए वाद्ययंत्रों में मानव आवाज़ के समान आश्चर्यजनक रूप से सुंदर, गर्म ध्वनि होती है। एक सामूहिक और एकल वाद्ययंत्र के रूप में लोकप्रियता हासिल की।

रोमन वायलिन स्कूल के संस्थापक आर्कान्जेलो कोरेली (1653-1713) हैं, जो कंसर्टो ग्रोसो शैली (उम. कंसर्टो ग्रोसो - "महान संगीत कार्यक्रम") के रचनाकारों में से एक हैं। एक संगीत कार्यक्रम में आमतौर पर एक एकल वाद्ययंत्र (या वाद्ययंत्रों का एक समूह) और एक ऑर्केस्ट्रा शामिल होता है। "ग्रैंड कॉन्सर्टो" एकल एपिसोड और पूरे ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि के विकल्प पर बनाया गया था, जो 17 वीं शताब्दी में चैम्बर और ज्यादातर तार था। कोरेली के एकल कलाकार अधिकतर वायलिन और सेलो थे। उनके संगीत समारोहों में विभिन्न चरित्र के हिस्से शामिल थे; उनकी संख्या मनमानी थी.

वायलिन संगीत के उत्कृष्ट उस्तादों में से एक एंटोनियो विवाल्डी (1678-1741) हैं। वह एक शानदार वायलिन वादक के रूप में प्रसिद्ध हो गये।

अप्रत्याशित विरोधाभासों से भरी उनकी नाटकीय प्रदर्शन शैली से समकालीन लोग आकर्षित हुए। कोरेली की परंपराओं को जारी रखते हुए, संगीतकार ने "महान संगीत कार्यक्रम" की शैली में काम किया। उनके द्वारा लिखे गए कार्यों की संख्या बहुत बड़ी है - चार सौ पैंसठ संगीत कार्यक्रम, चालीस ओपेरा, कैंटटा और ऑरेटोरियो।

संगीत कार्यक्रम बनाते समय, विवाल्डी ने उज्ज्वल और असामान्य ध्वनियों के लिए प्रयास किया। उन्होंने आवाजें मिलाईं विभिन्न उपकरण, अक्सर संगीत में असंगतियाँ (तेज व्यंजन) शामिल होती हैं; उन्होंने उस समय एकल वादकों के रूप में दुर्लभ वाद्ययंत्रों को चुना - बैसून, मैंडोलिन (इसे एक सड़क वाद्ययंत्र माना जाता था)। विवाल्डी के संगीत कार्यक्रम में तीन भाग होते हैं, पहला और आखिरी भाग तेज़ गति से प्रस्तुत किया जाता है, और बीच वाला भाग धीमा होता है। कई विवाल्डी कॉन्सर्टो का एक कार्यक्रम होता है - एक शीर्षक या यहां तक ​​कि एक साहित्यिक समर्पण। चक्र "द सीज़न्स" (1725) कार्यक्रम के शुरुआती उदाहरणों में से एक है आर्केस्ट्रा संगीत. इस चक्र के चार संगीत कार्यक्रम - "स्प्रिंग", "समर", "ऑटम", "विंटर" - प्रकृति के रंगीन चित्र चित्रित करते हैं। विवाल्डी संगीत में पक्षियों के गायन ("वसंत", पहला भाग), एक आंधी ("ग्रीष्म", तीसरा भाग), बारिश ("सर्दी", दूसरा भाग) को व्यक्त करने में कामयाब रहे। सदाचार, तकनीकी जटिलता ने श्रोता को विचलित नहीं किया, बल्कि एक यादगार छवि के निर्माण में योगदान दिया। विवाल्डी का संगीत कार्यक्रम वाद्य संगीत में बारोक शैली का एक ज्वलंत अवतार बन गया है।

ऑपेरासेरिया और ऑपेराबुफ़ा

XVIII सदी में. ओपेरा शैलियों जैसे ओपेरा सेरिया (यह ओपेरा सेरिया - "गंभीर ओपेरा") और ओपेराबफा (यह ओपेरा बफा - "कॉमिक ओपेरा") का गठन किया गया था। ऑपेरासेरिया ने खुद को एलेसेंड्रो स्कार्लट्टी (1660-1725) के काम में स्थापित किया - संस्थापक और सबसे बड़ा प्रतिनिधिनियपोलिटन ओपेरा स्कूल. अपने जीवन के दौरान उन्होंने सौ से अधिक ऐसी कृतियों की रचना की। ओपेरा श्रृंखला के लिए, आमतौर पर एक पौराणिक या ऐतिहासिक कथानक चुना जाता था। यह एक प्रस्ताव के साथ खुला और इसमें पूर्ण संख्याएँ शामिल थीं - अरिया, सस्वर पाठ और गायन। मुख्य भूमिका बड़े एरिया द्वारा निभाई गई थी; आमतौर पर उनमें तीन भाग होते थे, और तीसरा भाग पहले की पुनरावृत्ति था। एरियास में, पात्रों ने घटनाओं के प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया।

अरिया के कई प्रकार थे: वीर, दयनीय (भावुक), शोकाकुल, आदि। प्रत्येक के लिए, अभिव्यंजक साधनों की एक निश्चित श्रृंखला का उपयोग किया गया था: वीर अरिया में - निर्णायक, आह्वानपूर्ण स्वर, क्रियात्मक लय; वादी में - नायक के उत्साह को दर्शाने वाले छोटे, रुक-रुक कर आने वाले संगीतमय वाक्यांश, आदि। सस्वर पाठ, आकार में छोटे टुकड़े, नाटकीय कथा को प्रकट करने के लिए काम करते थे, जैसे कि इसे आगे बढ़ा रहे हों। नायकों ने आगे की कार्रवाइयों की योजनाओं पर चर्चा की, एक-दूसरे को घटित घटनाओं के बारे में बताया। सस्वर पाठ को दो प्रकारों में विभाजित किया गया था: सेको (इतालवी सेको से - "सूखा") - हार्पसीकोर्ड के मध्य स्वरों के लिए एक तेज़ जीभ घुमाने वाला, और संगत (यह। एसोट्रानियाटो - "संगत के साथ") - की ध्वनि के लिए एक अभिव्यंजक सस्वर पाठ एक ऑर्केस्ट्रा। नायक के विचारों और भावनाओं को व्यक्त करने के लिए, सेको का उपयोग अक्सर कार्रवाई को विकसित करने के लिए किया जाता था। गायकों और गायन मंडलियों ने जो कुछ हो रहा था उस पर टिप्पणी की, लेकिन घटनाओं में भाग नहीं लिया।

सक्रिय संपर्कों की संख्या कथानक के प्रकार पर निर्भर करती थी और इसे कड़ाई से परिभाषित किया गया था; यही बात पात्रों के रिश्तों पर भी लागू होती है। एकल गायन संख्याओं के प्रकार और मंचीय कार्रवाई में उनका स्थान स्थापित किया गया। प्रत्येक पात्र की अपनी आवाज़ का समय था: गीतात्मक नायक - सोप्रानो और टेनर, महान पिता या खलनायक - बैरिटोन या बास, घातक नायिका - कॉन्ट्राल्टो।

XVIII सदी के मध्य तक। ओपेरा श्रृंखला की कमियाँ स्पष्ट हो गईं। प्रदर्शन अक्सर अदालती समारोहों के साथ मेल खाता था, इसलिए काम को ख़ुशी से समाप्त करना पड़ता था, जो कभी-कभी अविश्वसनीय और अप्राकृतिक लगता था। अक्सर पाठ कृत्रिम, परिष्कृत ढंग से लिखे जाते थे। संगीतकारों ने कभी-कभी सामग्री की उपेक्षा की और ऐसा संगीत लिखा जो सिएना के चरित्र या स्थिति के अनुकूल नहीं था; बहुत सारे टिकटें, अनावश्यक बाहरी प्रभाव थे। समग्र रूप से कार्य में अरिया की भूमिका के बारे में सोचे बिना, गायकों ने अपनी स्वयं की सद्गुणता का प्रदर्शन किया। ऑपेरुसेरिया को "वेशभूषा में एक संगीत कार्यक्रम" कहा जाने लगा। दर्शकों ने ओपेरा में गंभीर रुचि नहीं दिखाई, लेकिन प्रसिद्ध गायक के "मुकुट" अरिया के प्रदर्शन के लिए गए; कार्रवाई के दौरान, दर्शक हॉल में आए और चले गए।

ऑपेराबुफ़ा का गठन भी नियति स्वामी द्वारा किया गया था। इस तरह के ओपेरा का पहला शास्त्रीय उदाहरण संगीतकार जियोवानी बतिस्ता पेर्गोलेसी (1710-1736) का द मेड्स सर्वेंट (1733) है। यदि ओपेरा सेरिया में अग्रभूमि में - एरियस, तो ओपेरा बफ़ा में - बोलचाल के संवाद, बारी-बारी से स्वर समूह. ओपेरेबुफ़ा में, पूरी तरह से अलग मुख्य पात्र. ये, एक नियम के रूप में, सामान्य लोग हैं - नौकर, किसान। कथानक एक मनोरंजक साज़िश पर आधारित था जिसमें कपड़े पहनना, नौकरों द्वारा एक बेवकूफ अमीर मालिक को बेवकूफ बनाना आदि शामिल था। संगीत के लिए सुरुचिपूर्ण हल्केपन की आवश्यकता थी, कार्रवाई के लिए - तेज़ी की।

ओपेरुबुफ़ा इतालवी नाटककार, राष्ट्रीय कॉमेडी कार्लो गोल्डोनी के निर्माता से बहुत प्रभावित थे। इस शैली की सबसे मजाकिया, जीवंत और जीवंत कृतियाँ नियति संगीतकारों द्वारा बनाई गई थीं: निकोलो पिकिन्नी (1728-1800) - "चेक्किना, या द गुड डॉटर" (1760); जियोवन्नी पैसीलो (1740-1816) - "द बार्बर ऑफ सेविले" (1782), "द मिलर" (1788); गायक, वायलिन वादक, हार्पसीकोर्डिस्ट और संगीतकार डोमेनिको सिमरोसा (1749-1801) - "सीक्रेट मैरिज" (1792)।

स्ट्रिंग उपकरण

आधुनिक तार वाले झुके हुए वाद्ययंत्रों के अग्रदूत - वायलिन, वायोला, सेलो और डबल बास - वायलास हैं। वे 15वीं सदी के अंत - 16वीं सदी की शुरुआत में प्रकट हुए। और जल्द ही, अपनी मधुर और कोमल ध्वनि के कारण, उन्होंने ऑर्केस्ट्रा में अग्रणी भूमिका निभानी शुरू कर दी।

धीरे-धीरे, वायोला का स्थान नए, अधिक उन्नत तार वाले झुके हुए वाद्ययंत्रों ने ले लिया। XVI-XVII सदियों में, कारीगरों के पूरे स्कूलों ने अपनी रचना पर काम किया। उनमें से सबसे प्रसिद्ध वायलिन निर्माताओं के राजवंश हैं जो इटली के उत्तर में - क्रेमोना और ब्रेशिया शहरों में उत्पन्न हुए।

क्रेमोनीज़ स्कूल के संस्थापक एंड्रिया अमाती (लगभग 1520 - लगभग 1580) हैं। उनके पोते निकोलो अमाती (1596-1684) अपनी कला के लिए विशेष रूप से प्रसिद्ध थे। उन्होंने वायलिन के उपकरण को लगभग परिपूर्ण बनाया, उपकरण की ध्वनि को मजबूत किया; साथ ही, लकड़ी की कोमलता और गर्माहट बरकरार रही। ग्वारनेरी परिवार 17वीं-18वीं शताब्दी में क्रेमोना में काम करता था। राजवंश के संस्थापक निकोलो अमाती के छात्र एंड्रिया ग्वारनेरी (1626-1698) हैं। उत्कृष्ट गुरु अज़ुसेप ग्वारनेरी (1698-1744) ने एक नया वायलिन मॉडल विकसित किया, जो अमाती वाद्ययंत्र से अलग था।

अमती स्कूल की परंपराओं को एंटोनियो स्ट्राडिवारी (1644-1737) द्वारा जारी रखा गया था। उन्होंने निकोलो अमाती के साथ अध्ययन किया और 1667 में अपना खुद का व्यवसाय खोला। स्ट्राडिवेरी, अन्य उस्तादों की तुलना में, वायलिन की ध्वनि को मानव आवाज के समय के करीब लाने में कामयाब रही।

मैगिनी परिवार ब्रेचे में काम करता था; सर्वोत्तम वायलिन जियोवानी मैगिनी (1580-1630 या 1632) द्वारा बनाए गए थे।

सर्वोच्च रजिस्टर तार वाला झुका हुआ वाद्ययंत्र वायलिन है। इसके बाद ध्वनि सीमा के अवरोही क्रम में वायोला, सेलो, कॉन्ट्राबास आते हैं। वायलिन के शरीर (या गुंजयमान बॉक्स) का आकार मानव शरीर की रूपरेखा जैसा दिखता है। शरीर में एक शीर्ष और निचला डेक (जर्मन डेक - "ढक्कन") है, जिसमें पहला स्प्रूस से बना है और दूसरा मेपल से बना है। डेक ध्वनि को प्रतिबिंबित और बढ़ाने का काम करते हैं। शीर्ष पर गुंजयमान यंत्र छेद हैं (लैटिन अक्षर एफ के रूप में; यह कोई संयोग नहीं है कि उन्हें "ईएफएस" कहा जाता है)। एक गर्दन शरीर से जुड़ी हुई है; आमतौर पर यह आबनूस से बना होता है। यह एक लंबी संकरी प्लेट होती है जिसके ऊपर चार तार खिंचे होते हैं। खूंटियों का उपयोग तारों को कसने और ट्यून करने के लिए किया जाता है; वे भी फ्रेटबोर्ड पर हैं।

वायोला, सेलो और डबल बास संरचना में वायलिन के समान हैं, लेकिन उससे बड़े हैं। वायोला बहुत बड़ा नहीं है, इसे कंधे पर रखा जाता है। सेलो वायोला से बड़ा है, और बजाते समय, संगीतकार एक कुर्सी पर बैठता है, और वाद्ययंत्र को पैरों के बीच फर्श पर रखता है। डबल बास सेलो से बड़ा होता है, इसलिए कलाकार को ऊंचे स्टूल पर खड़ा होना पड़ता है या बैठना पड़ता है, और वाद्य यंत्र को अपने सामने रखना पड़ता है। खेल के दौरान, संगीतकार एक धनुष के साथ तारों को चलाता है, जो घोड़े के बाल फैलाए हुए एक लकड़ी का बेंत होता है; तार कंपन करता है और मधुर ध्वनि उत्पन्न करता है। ध्वनि की गुणवत्ता धनुष की गति और उस बल पर निर्भर करती है जिसके साथ वह स्ट्रिंग पर दबाता है। बाएं हाथ की उंगलियों से, कलाकार स्ट्रिंग को छोटा करता है, इसे फ्रेटबोर्ड के खिलाफ विभिन्न स्थानों पर दबाता है - इस तरह वह विभिन्न पिचों को प्राप्त करता है। इस प्रकार के वाद्ययंत्रों पर, धनुष के लकड़ी के हिस्से से डोरी को खींचकर या उस पर प्रहार करके भी ध्वनि निकाली जा सकती है। झुके हुए तारों की ध्वनि बहुत अभिव्यंजक है, कलाकार संगीत को बेहतरीन बारीकियाँ दे सकता है।

पवन वाद्ययंत्र सबसे पुराने प्रकार के संगीत वाद्ययंत्र हैं जो प्राचीन काल से मध्य युग में आए थे। हालाँकि, मध्ययुगीन पश्चिमी सभ्यता के विकास और गठन की प्रक्रिया में, पवन वाद्ययंत्रों का दायरा काफी विस्तारित हो गया है: कुछ, उदाहरण के लिए, ओलिफ़ेंट, कुलीन सिग्नियर्स के दरबार से संबंधित हैं, अन्य - बांसुरी - दोनों का उपयोग लोक में किया जाता है पर्यावरण और पेशेवर संगीतकारों के बीच, और अभी भी अन्य, जैसे तुरही विशेष रूप से सैन्य संगीत वाद्ययंत्र बन गए हैं।

सबसे पुराना प्रतिनिधिफ़्रांस में पवन वाद्ययंत्रों को संभवतः फ़्रेटेल (फ़्रेटेल), या "पैन की बांसुरी" माना जाना चाहिए। ऐसा ही एक उपकरण 11वीं शताब्दी की पांडुलिपि के लघुचित्र में देखा जा सकता है। पेरिस के राष्ट्रीय पुस्तकालय में (चित्र I)। यह एक बहु-बैरेल्ड बांसुरी है, जिसमें विभिन्न लंबाई के पाइप (ईख, सरकंडा या लकड़ी) का एक सेट होता है, जिसका एक सिरा खुला और दूसरा बंद होता है। XI-XII सदियों के उपन्यासों में अक्सर अन्य प्रकार की बांसुरी के साथ फ्रेटेल का उल्लेख किया जाता है। हालाँकि, पहले से ही XIV सदी में। फ़्रेटेल के बारे में केवल गाँव की छुट्टियों में बजाए जाने वाले एक संगीत वाद्ययंत्र के रूप में बात की जाती है, यह आम लोगों का एक वाद्ययंत्र बन जाता है।

इसके विपरीत, बांसुरी (बांसुरी) एक "उदय" का अनुभव कर रही है: एक सामान्य लोक वाद्य से दरबारी वाद्य यंत्र तक। सबसे प्राचीन बांसुरी फ्रांस के क्षेत्र में गैलो-रोमन सांस्कृतिक परत (पहली-दूसरी शताब्दी ईस्वी) में पाई गई थी। उनमें से अधिकांश हड्डियाँ हैं। 13वीं सदी तक बांसुरी आमतौर पर दोहरी होती है, जैसा कि 10वीं शताब्दी की पांडुलिपि के एक लघुचित्र में है। पेरिस के राष्ट्रीय पुस्तकालय से (चित्र 3), और ट्यूब या तो समान या अलग-अलग लंबाई के हो सकते हैं। बांसुरी की नली पर छिद्रों की संख्या भिन्न-भिन्न हो सकती है (चार से छह, सात तक)। बांसुरी आमतौर पर टकसालों, बाजीगरों द्वारा बजाई जाती थी, और अक्सर उनका वादन किसी गंभीर जुलूस या किसी उच्च पदस्थ व्यक्ति की उपस्थिति से पहले होता था।

वादकों ने अलग-अलग लंबाई की तुरही के साथ दोहरी बांसुरी भी बजाई। ऐसी बांसुरी 13वीं सदी की पांडुलिपि के एक चित्रचित्र पर दिखाई गई है। (अंक 2)। लघु चित्र में, आप तीन वादकों का एक ऑर्केस्ट्रा देख सकते हैं: एक वायल बजाता है; आधुनिक शहनाई के समान बांसुरी पर दूसरा; तीसरा एक चौखट पर फैले चमड़े से बने चौकोर डफ पर प्रहार करता है। चौथा पात्र संगीतकारों को तरोताजा करने के लिए उन पर शराब डालता है। बांसुरी, ड्रम और वायलिन के ऐसे ही आर्केस्ट्रा 19वीं सदी की शुरुआत तक फ्रांस के गांवों में मौजूद थे।

XV सदी में. उबले हुए चमड़े से बनी बाँसुरियाँ दिखाई देने लगीं। इसके अलावा, बांसुरी स्वयं क्रॉस सेक्शन में गोल और अष्टकोणीय दोनों हो सकती है, और न केवल सीधी, बल्कि लहरदार भी हो सकती है। इसी तरह का एक उपकरण संरक्षित किया गया है निजी संग्रहश्री फ़ो (चित्र 4)। इसकी लंबाई 60 सेमी है, इसके सबसे चौड़े बिंदु पर व्यास 35 मिमी है। शरीर काले उबले चमड़े से बना है, सजावटी सिर चित्रित है। ऐसी बांसुरी सर्पन पाइप के निर्माण के लिए एक प्रोटोटाइप के रूप में काम करती थी। सर्पन बांसुरी का उपयोग चर्चों में दिव्य सेवाओं और धर्मनिरपेक्ष उत्सवों दोनों में किया जाता था। अनुप्रस्थ बांसुरी, साथ ही फ़्लैगोलेट्स, का उल्लेख पहली बार 14वीं शताब्दी के ग्रंथों में किया गया है।

एक अन्य प्रकार के पवन संगीत वाद्ययंत्र बैगपाइप हैं। मध्ययुगीन फ़्रांस में भी इनके कई प्रकार थे। यह एक शेवरेट है - एक पवन उपकरण जिसमें एक बकरी की खाल की थैली, एक वायु ट्यूब और एक डूडा होता है। 14वीं शताब्दी की पांडुलिपि में इस वाद्य यंत्र को बजाते हुए एक संगीतकार को दर्शाया गया है (चित्र 6)। "द रोमांस ऑफ़ द रोज़", नेशनल लाइब्रेरी ऑफ़ पेरिस से। कुछ स्रोत शेवरेट और बैगपाइप को अलग करते हैं, जबकि अन्य शेवरेट को केवल "छोटे बैगपाइप" के रूप में संदर्भित करते हैं। यह उपकरण, जो दिखने में 19वीं सदी के शेवरेट की याद दिलाता है। बरगंडी और लिमोसिन के फ्रांसीसी प्रांतों के गांवों में मिले।

बैगपाइप का एक अन्य प्रकार होरो या होरम (चोरो) था। सेंट के मठ से एक पांडुलिपि में मिले विवरण के अनुसार। ब्लेज़ (IX सदी), यह हवा की आपूर्ति के लिए एक पाइप और एक पाइप के साथ एक पवन उपकरण है, और दोनों पाइप एक ही विमान में स्थित हैं (वे, जैसे कि थे, एक दूसरे की निरंतरता हैं)। होरो के मध्य भाग में हवा के लिए एक भंडार है, जो चमड़े से बना है और एकदम गोलाकार आकार का है। चूँकि जब संगीतकार ने होरो में फूंक मारी तो "बैग" की त्वचा कंपन करने लगी, ध्वनि कुछ हद तक तेज और तेज थी (चित्र 6)।

बैगपाइप (कोनीम्यूसे), इस उपकरण का फ्रांसीसी नाम लैटिन कॉर्निकुलांस (सींग वाला) से आया है और यह केवल 14वीं शताब्दी की पांडुलिपियों में पाया जाता है। न तो इसकी उपस्थिति और न ही मध्ययुगीन फ़्रांस में इसका उपयोग हमें ज्ञात पारंपरिक स्कॉटिश बैगपाइप से भिन्न था, जैसा कि 14वीं शताब्दी की पांडुलिपि की एक छवि से देखा जा सकता है। (चित्र 9)।

सींग और सींग (कॉर्न)। ग्रेट ओलिफ़ेंट हॉर्न सहित ये सभी पवन उपकरण, डिज़ाइन और उपयोग में एक दूसरे से बहुत कम भिन्न हैं। वे लकड़ी, उबले चमड़े, हाथी दांत, सींग और धातु से बने होते थे। वे आमतौर पर बेल्ट पर पहने जाते थे। बजने वाले सींगों की सीमा विस्तृत नहीं है, लेकिन XIV सदी के शिकारियों की है। उन पर कुछ संकेतों से बनी सरल धुनें बजाई जाती थीं। जैसा कि हम पहले ही कह चुके हैं, शिकार के सींग पहले कमर पर पहने जाते थे, फिर 16वीं शताब्दी तक कंधे पर स्लिंग पर पहने जाते थे; एक समान पेंडेंट अक्सर छवियों में पाया जाता है, विशेष रूप से गैस्टन फोबे की शिकार पर पुस्तक (चित्र) में। 8). एक कुलीन स्वामी का शिकार का सींग एक अनमोल चीज़ है; इसलिए, "सॉन्ग ऑफ द निबेलुंग्स" में सिगफ्राइड शिकार करने के लिए अपने साथ बढ़िया कारीगरी का एक सुनहरा सींग ले गया था।

एलिफेंट के बारे में अलग से कहा जाना चाहिए - धातु के छल्ले के साथ एक विशाल सींग, विशेष रूप से बनाया गया ताकि ओलिफेंट को उसके मालिक के दाहिनी ओर लटकाया जा सके। उन्होंने हाथी के दाँतों से ओलिफेंट बनाए। शिकार में और सैन्य अभियानों के दौरान दुश्मन के आने का संकेत देने के लिए उपयोग किया जाता है। ओलिफ़ेंट की एक विशिष्ट विशेषता यह है कि यह केवल संप्रभु सिग्नूर का हो सकता है, जिसके अधीन बैरन होते हैं। इस वाद्य यंत्र की मानद प्रकृति की पुष्टि 12वीं शताब्दी की मूर्तिकला से होती है। वासेल्स के एब्बी चर्च से, जहां एक देवदूत को उसके किनारे पर एक ओलिफ़ेंट के साथ चित्रित किया गया है, जो उद्धारकर्ता के जन्म की घोषणा करता है (चित्र 13)।

शिकार के सींग टकसालों द्वारा उपयोग किए जाने वाले सींगों से भिन्न थे। बाद वाले ने अधिक उन्नत डिज़ाइन के एक उपकरण का उपयोग किया। वाज़ेल में उसी एबे चर्च के एक स्तंभ के शीर्ष पर, एक मिनस्ट्रेल (चित्र 12) को हॉर्न बजाते हुए दर्शाया गया है, जिस पर न केवल पाइप के साथ, बल्कि घंटी पर भी छेद किए गए थे, जिससे मॉड्यूलेट करना संभव हो गया था। ध्वनि, इसे अधिक या कम मात्रा देती है।

पाइपों को वास्तविक पाइप (ट्रॉम्पे) और एक मीटर से अधिक लंबे घुमावदार पाइपों द्वारा दर्शाया गया था - बिजनेस। एल्डरबेरी लकड़ी, उबले चमड़े से बनाई जाती थी, लेकिन अधिकतर पीतल से, जैसा कि 13वीं शताब्दी की पांडुलिपि के लघुचित्र में देखा जा सकता है। (चित्र 9)। उनकी आवाज़ तेज़ और तेज़ थी. और चूँकि यह बात दूर तक सुनी जाती थी, सेना में बुजुर्गों को सुबह जगाने के लिए इस्तेमाल किया जाता था, वे शिविर हटाने, जहाजों को चलाने के लिए संकेत देते थे। उन्होंने रॉयल्टी के आगमन की भी घोषणा की। इसलिए, 1414 में, चार्ल्स VI के पेरिस में प्रवेश की घोषणा बुजुर्गों की आवाज़ के साथ की गई। मध्य युग में ध्वनि की विशेष तीव्रता के कारण, यह माना जाता था कि बड़बेरी बजाकर, स्वर्गदूत न्याय के दिन की शुरुआत की घोषणा करेंगे।

तुरही विशेष रूप से एक सैन्य संगीत वाद्ययंत्र था। उसने सेना में भर्ती होने के लिए सेवा की लड़ाई की भावना, सैनिकों को इकट्ठा करने के लिए. पाइप बड़बेरी से छोटा है और अंत में एक सॉकेट के साथ एक धातु पाइप (सीधा या कई बार मुड़ा हुआ) है। यह शब्द 15वीं शताब्दी के अंत तक सामने आया, लेकिन इस प्रकार के एक उपकरण (सीधे पाइप) का उपयोग 13वीं शताब्दी से सेना में किया जाता रहा है। XIV सदी के अंत तक। पाइप का आकार बदल जाता है (इसका शरीर झुक जाता है), और पाइप को आवश्यक रूप से हथियारों के कोट के साथ एक पेनेंट से सजाया जाता है (चित्र 7)।

एक विशेष प्रकार का पाइप - एक सर्पन (सर्प) - कई आधुनिक पवन उपकरणों के लिए एक प्रोटोटाइप के रूप में कार्य करता है। मिस्टर फ़ो के संग्रह में उबले हुए चमड़े से बना एक दरांती (चित्र 10) है, इसकी ऊंचाई 0.8 मीटर है, और कुल लंबाई 2.5 मीटर है। संगीतकार ने वाद्ययंत्र को दोनों हाथों से पकड़ रखा था, जबकि बाएं हाथ से घुमावदार भाग (ए), और दाहिने हाथ की उंगलियाँ दरांती के ऊपरी भाग पर बने छेद पर चली गईं। सर्पन की ध्वनि शक्तिशाली थी, इस वायु वाद्य यंत्र का उपयोग सैन्य बैंड और चर्च सेवाओं दोनों में किया जाता था।

पवन वाद्ययंत्रों के परिवार में ऑर्गन (ऑर्ग्यू) कुछ अलग दिखता है। कई दर्जन पाइपों (रजिस्टरों) के सेट वाला यह कीबोर्ड-पेडल उपकरण, जो धौंकनी द्वारा उड़ाई गई हवा से ध्वनि उत्पन्न करता है, वर्तमान में केवल बड़े स्थिर अंगों - चर्च और कॉन्सर्ट (छवि 14) के साथ जुड़ा हुआ है। हालाँकि, मध्य युग में, शायद, इस उपकरण का एक अन्य प्रकार, हाथ का अंग (ऑर्ग्यू डे मेन), अधिक व्यापक था। यह "पैन की बांसुरी" पर आधारित है, जिसे संपीड़ित हवा की मदद से ध्वनि में सेट किया जाता है, जो वाल्व द्वारा बंद उद्घाटन के साथ एक टैंक से पाइप में प्रवेश करती है। हालाँकि, पहले से ही प्राचीन काल में, एशिया, प्राचीन ग्रीस और रोम में, हाइड्रोलिक नियंत्रण वाले बड़े अंग ज्ञात थे। पश्चिम में, ये उपकरण केवल 8वीं शताब्दी में दिखाई दिए, और तब भी बीजान्टिन सम्राटों की ओर से पश्चिमी राजाओं को उपहार के रूप में प्रस्तुत किया गया था (कॉन्स्टेंटिन वी कोप्रोनिमस ने पेपिन द शॉर्ट को उपहार के रूप में ऐसा अंग भेजा था, और कॉन्स्टेंटिन कुरोपोलाट ने शारलेमेन और लुईस को उपहार के रूप में भेजा था) अच्छा)।

हाथ के अंगों की छवियां फ्रांस में केवल 10वीं शताब्दी में दिखाई देती हैं। अपने दाहिने हाथ से, संगीतकार चाबियाँ सुलझाता है, और अपने बाएं हाथ से वह धौंकनी दबाता है जो हवा को पंप करती है। उपकरण आमतौर पर संगीतकार की छाती या पेट पर स्थित होता है। मैनुअल अंगों में, आमतौर पर आठ पाइप होते हैं और, तदनुसार, आठ चाबियाँ होती हैं। 13वीं-14वीं शताब्दी के दौरान, हाथ के अंग व्यावहारिक रूप से नहीं बदले, लेकिन पाइपों की संख्या भिन्न हो सकती है। केवल 15वीं शताब्दी में ही मैनुअल अंगों में पाइपों की दूसरी पंक्ति और एक डबल कीबोर्ड (चार रजिस्टर) दिखाई दिए। पाइप सदैव धातु के रहे हैं। 15वीं शताब्दी के जर्मन कार्य का मैनुअल अंग। म्यूनिख पिनोटेक में उपलब्ध है (चित्र 15)।

घुमंतू संगीतकारों के बीच हाथ के अंग व्यापक हो गए, जो वाद्य यंत्र पर साथ देने के साथ-साथ गा भी सकते थे। वे शहर के चौराहों पर, गाँव की छुट्टियों में बजते थे, लेकिन चर्चों में कभी नहीं।

अंग, चर्च के अंगों से छोटे, लेकिन मैन्युअल अंगों से अधिक, एक समय में महलों में रखे जाते थे (उदाहरण के लिए, चार्ल्स पंचम के दरबार में) या गंभीर समारोहों के दौरान सड़क के प्लेटफार्मों पर स्थापित किए जा सकते थे। तो, इसी तरह के कई अंग पेरिस में बज उठे, जब बवेरिया की इसाबेला ने शहर में प्रवेश किया।

शायद ऐसी कोई सभ्यता नहीं है जिसने ड्रम के समान किसी वाद्य यंत्र का आविष्कार न किया हो। किसी बर्तन के ऊपर फैली सूखी त्वचा, या खोखला हुआ लट्ठा - वह पहले से ही एक ड्रम है। हालाँकि, हालाँकि ड्रम प्राचीन मिस्र से ज्ञात हैं, लेकिन प्रारंभिक मध्य युग में उनका उपयोग बहुत कम किया जाता था। केवल धर्मयुद्ध के समय से ही ड्रम (टैम्बोर) का उल्लेख नियमित हो गया, और 12वीं शताब्दी से शुरू हुआ। इस नाम के तहत विभिन्न प्रकार के वाद्ययंत्र मौजूद हैं: लंबे, दोहरे, टैम्बोरिन आदि। 12वीं शताब्दी के अंत तक। युद्ध के मैदान और बैंक्वेट हॉल में बजने वाला यह वाद्य पहले से ही संगीतकारों का ध्यान आकर्षित करता है। साथ ही, यह इतना व्यापक है कि 13वीं शताब्दी में। ट्रौवर्स, जो अपनी कला में प्राचीन परंपराओं को संरक्षित करने का दावा करते हैं, ड्रम और टैम्बोरिन के "प्रभुत्व" के बारे में शिकायत करते हैं, जो "अधिक महान" उपकरणों की जगह ले रहे हैं।

तंबूरा और ढोल न केवल गायन, वादकों के प्रदर्शन के साथ आते हैं, बल्कि इन्हें भटकते नर्तक, अभिनेता, बाजीगर भी उठाते हैं; महिलाएं अपने नृत्य के साथ डफ बजाकर नृत्य करती हैं। उसी समय, टैम्बोरिन (टैम्बोर, बोस्केई) को एक हाथ में रखा जाता है, और दूसरा, मुक्त, लयबद्ध रूप से उस पर प्रहार करता है। कभी-कभी बांसुरी बजाने वाले वादक डफ या ढोल पर साथ होते थे, जिसे वे अपने बाएं कंधे पर एक पट्टे से बांधते थे। टकसाल ने बांसुरी बजाई, उसके गायन के साथ-साथ डफ पर लयबद्ध प्रहार किया, जिसे उसने अपने सिर से बनाया, जैसा कि 13 वीं शताब्दी की मूर्तिकला पर देखा जा सकता है। रिम्स में संगीतकारों के घर के सामने से (चित्र 17)।

संगीतकारों के घर की मूर्तिकला के अनुसार, सारसेन, या डबल, ड्रम को भी जाना जाता है (चित्र 18)। धर्मयुद्ध के युग में, उन्हें सेना में वितरण मिला, क्योंकि वे काठी के दोनों किनारों पर आसानी से स्थापित हो गए थे।

एक अन्य प्रकार का पर्कशन संगीत वाद्ययंत्र, जो फ्रांस में मध्य युग में आम था, टिम्ब्रे (टिम्ब्रे, सेम्बेल) था - दो गोलार्ध, और बाद में - तांबे और अन्य मिश्र धातुओं से बनी प्लेटें, ताल को ताल देने के लिए, नृत्य की लयबद्ध संगत के लिए उपयोग की जाती थीं। 12वीं शताब्दी की लिमोज पांडुलिपि में। पेरिस के राष्ट्रीय पुस्तकालय में नर्तक को इस वाद्य यंत्र के साथ चित्रित किया गया है (चित्र 14)। 15वीं सदी तक ओ में एबे चर्च की वेदी से मूर्तिकला के एक टुकड़े को संदर्भित करता है, जिस पर ऑर्केस्ट्रा में लकड़ी का उपयोग किया जाता है (चित्र 19)।

टिम्ब्रे में एक झांझ (सिम्बलम) शामिल होना चाहिए - एक उपकरण जो कांस्य ट्यूबों के साथ एक अंगूठी थी, जिसके सिरों पर हिलने पर घंटियाँ बजती थीं, इस उपकरण की छवि 13 वीं शताब्दी की एक पांडुलिपि से ज्ञात होती है। सेंट ब्लेज़ के अभय से (चित्र 20)। के दौरान फ्रांस में झांझ आम थी प्रारंभिक मध्ययुगीनऔर इसका उपयोग धर्मनिरपेक्ष जीवन और चर्च दोनों में किया जाता था - उन्हें पूजा शुरू करने का संकेत दिया गया था।

घंटियाँ (चॉकेट्स) भी मध्ययुगीन ताल वाद्ययंत्रों में से हैं। वे बहुत व्यापक थे, संगीत समारोहों के दौरान घंटियाँ बजाई जाती थीं, उन्हें कपड़ों से सिल दिया जाता था, आवासों में छत से लटका दिया जाता था - चर्च में घंटियों के उपयोग का तो जिक्र ही नहीं किया गया... घंटियों के साथ नृत्य भी होते थे, और इसके उदाहरण हैं - लघुचित्रों पर चित्र, 10वीं सदी की शुरुआत के हैं! चार्ट्रेस, सेन्स, पेरिस में, कैथेड्रल के पोर्टल पर, आप बेस-रिलीफ पा सकते हैं, जिस पर लटकती घंटियों को बजाती एक महिला लिबरल आर्ट्स परिवार में संगीत का प्रतीक है। राजा डेविड को घंटियाँ बजाते हुए चित्रित किया गया था। जैसा कि 13वीं शताब्दी की बाइबिल के लघुचित्र में देखा जा सकता है, वह उन्हें हथौड़ों की मदद से बजाता है (चित्र 21)। घंटियों की संख्या अलग-अलग हो सकती है - आमतौर पर पाँच से दस या अधिक तक।

तुर्की घंटियाँ - एक सैन्य संगीत वाद्ययंत्र - का जन्म भी मध्य युग में हुआ था (कुछ लोग तुर्की घंटियों को झांझ कहते हैं)।

बारहवीं सदी में. कपड़ों पर सिलने वाली घंटियों या घंटियों का फैशन व्यापक हो गया। इनका उपयोग महिलाएं और पुरुष दोनों करते थे। इसके अलावा, बाद वाले ने XIV सदी तक, लंबे समय तक इस फैशन से भाग नहीं लिया। तब कपड़ों को मोटी सोने की जंजीरों से सजाने का रिवाज था और पुरुष अक्सर उनमें घंटियाँ लटकाते थे। यह फैशन उच्च सामंती कुलीन वर्ग से संबंधित होने का संकेत था (चित्र 8 और 22) - छोटे कुलीन वर्ग और पूंजीपति वर्ग को घंटियाँ पहनने की मनाही थी। लेकिन पहले से ही XV सदी में। घंटियाँ केवल विदूषकों के कपड़ों पर ही रहती हैं। इसका आर्केस्ट्रा जीवन तबलाआज भी जारी है; और तब से वह बहुत ज्यादा नहीं बदला है।

सभी मध्ययुगीन झुके हुए तार वाले वाद्ययंत्रों में से, वायोला (वीले) सबसे उत्कृष्ट और प्रदर्शन करने में सबसे कठिन है। मोरविया के डोमिनिकन भिक्षु जेरोम के वर्णन के अनुसार, XIII सदी में। वायल में पांच तार होते थे, लेकिन पहले के लघुचित्रों में तीन और चार तार वाले दोनों वाद्ययंत्र दिखाए गए हैं (चित्र 12 और 23, 23ए)। उसी समय, तार "घोड़े" और सीधे डेक दोनों पर खींचे जाते हैं। विवरणों को देखते हुए, वायोला तेज़ नहीं, बल्कि बहुत मधुर लग रहा था।

संगीतकारों के घर के अग्रभाग की मूर्तिकला दिलचस्प है; इसमें एक आदमकद संगीतकार को तीन-तार वाला वायोला बजाते हुए दिखाया गया है (चित्र 24)। चूँकि तार एक ही तल में फैले हुए हैं, धनुष, एक तार से ध्वनि निकालकर, दूसरे तार को छू सकता है। 13वीं शताब्दी के मध्य का "आधुनिकीकरण" विशेष ध्यान देने योग्य है। धनुष आकार.

XIV सदी के मध्य तक। फ़्रांस में, वायोला का आकार आधुनिक गिटार के समान है, जिससे संभवतः इसे धनुष के साथ बजाना आसान हो गया है (चित्र 25)।

XV सदी में. बड़े वायोला दिखाई देते हैं - वायोला डी गाम्बा। उन्हें घुटनों के बीच वाद्य यंत्र रखकर बजाया जाता था। पंद्रहवीं शताब्दी के अंत तक, वायोला डी गाम्बा सात-तार वाला बन गया। बाद में, वायोला डी गाम्बा को सेलो द्वारा प्रतिस्थापित किया जाएगा। मध्ययुगीन फ़्रांस में सभी प्रकार के वायला बहुत व्यापक थे, उन्हें उत्सवों और अंतरंग शामों दोनों के साथ बजाया जाता था।

साउंडबोर्ड पर तारों के दोहरे बंधन से वायल को क्रोउथ से अलग किया गया था। इस मध्ययुगीन वाद्ययंत्र में चाहे कितने भी तार हों (सबसे पुराने वृत्तों पर तीन तार होते हैं), वे हमेशा "घोड़े" से जुड़े होते हैं। इसके अलावा, साउंडबोर्ड में तारों के साथ दो छेद होते हैं। ये छेद होते हैं और बाएं हाथ को इनके बीच से गुजारने का काम करते हैं, जिनकी उंगलियां बारी-बारी से तारों को डेक पर दबाती हैं, फिर उन्हें छोड़ देती हैं। कलाकार आमतौर पर अपने दाहिने हाथ में धनुष रखता था। क्रोट के सबसे पुराने चित्रणों में से एक 11वीं शताब्दी की पांडुलिपि पर पाया जाता है। सेंट के लिमोज एबे से। मार्शल (चित्र 26)। हालाँकि, इस बात पर जोर दिया जाना चाहिए कि क्रुट मुख्य रूप से एक अंग्रेजी और सैक्सन वाद्ययंत्र है। समय के साथ एक वृत्त पर तारों की संख्या बढ़ती जाती है। और यद्यपि इसे सभी झुके हुए तार वाले वाद्ययंत्रों का पूर्वज माना जाता है, क्रुट ने फ्रांस में कभी जड़ें नहीं जमाईं। 11वीं सदी के बाद यह बहुत अधिक आम है। रूबर या गिगु यहाँ पाया जाता है।

गिगु (गिगु, गिगल), जाहिरा तौर पर, जर्मनों द्वारा आविष्कार किया गया था, यह आकार में एक उल्लंघन जैसा दिखता है, लेकिन डेक पर कोई अवरोध नहीं है। जिग मिस्त्रेल का पसंदीदा वाद्ययंत्र है। इस उपकरण की प्रदर्शन क्षमताएं वायोला की तुलना में काफी खराब थीं, लेकिन इसके प्रदर्शन में कम कौशल की भी आवश्यकता थी। छवियों को देखते हुए, संगीतकारों ने वायलिन की तरह जिग (चित्र 27) बजाया, युग को अपने कंधे पर रखा, जिसे पांडुलिपि "द बुक ऑफ द वंडर्स ऑफ द वर्ल्ड" के शब्दचित्र में देखा जा सकता है। 15वीं सदी की शुरुआत.

रूबेर (रूबेरे) - तार वाला झुका हुआ वाद्ययंत्र, अरबी रिबाब की याद दिलाता है। ल्यूट के आकार के समान, रूबर में "रिज" (चित्र 29) पर केवल एक तार फैला होता है, क्योंकि इसे सेंट के अभय की पांडुलिपि में एक लघु रूप में दर्शाया गया है। ब्लेज़ (IX सदी)। जेरोम मोरावस्की के अनुसार, बारहवीं-तेरहवीं शताब्दी में। रूबर्ट पहले से ही एक दो-तार वाला वाद्य यंत्र है, इसका उपयोग सामूहिक वादन में किया जाता है, और यह हमेशा "निचले" बास भाग का नेतृत्व करता है। ज़िग, क्रमशः, - "ऊपरी"। इस प्रकार, यह पता चला है कि मोनोकॉर्ड (मोनोकॉर्ड) - एक झुका हुआ स्ट्रिंग उपकरण जो कुछ हद तक डबल बास के पूर्वज के रूप में कार्य करता है - एक प्रकार का रूबर भी है, क्योंकि इसका उपयोग एक उपकरण के रूप में भी किया जाता था जो सेट करता है बास टोन. कभी-कभी बिना धनुष के मोनोकॉर्ड बजाना संभव था, जैसा कि वासेल्स में एबी चर्च के सामने की मूर्तिकला में देखा जा सकता है (चित्र 28)।

व्यापक उपयोग और कई किस्मों के बावजूद, रूबर को वायोला के बराबर एक उपकरण नहीं माना जाता था। उनका क्षेत्र - बल्कि, सड़क, लोक छुट्टियां। हालाँकि, यह पूरी तरह से स्पष्ट नहीं है कि रूबर की ध्वनि वास्तव में क्या थी, क्योंकि कुछ शोधकर्ता (जेरोम मोरावस्की) कम सप्तक के बारे में बात करते हैं, जबकि अन्य (आयमेरिक डी पायरैक) का दावा है कि रूबर की ध्वनि तेज और "तेज" होती है। "महिला चीख" के समान। शायद, हालाँकि, हम अलग-अलग समय के उपकरणों के बारे में बात कर रहे हैं, उदाहरण के लिए, XIV या XVI सदी ...

संभवतः, इस बारे में तर्क कि कौन सा वाद्ययंत्र प्राचीन है, अप्रासंगिक माना जाना चाहिए, क्योंकि तार वाद्ययंत्र, वीणा, संगीत का प्रतीक बन गया है, जिसके साथ हम तार वाले वाद्ययंत्रों की कहानी शुरू करेंगे।

प्राचीन वीणा एक तार वाला वाद्य यंत्र है जिसमें लकड़ी के साउंडबोर्ड पर लगे दो खंभों के बीच तीन से सात तार लंबवत रूप से फैले होते हैं। वीणा के तारों को या तो उंगलियों से बजाया जाता था या पेलट्रम रेज़ोनेटर की मदद से बजाया जाता था। X-XI सदियों की पांडुलिपि से एक लघुचित्र पर। (चित्र 30), पेरिस के राष्ट्रीय पुस्तकालय में संग्रहीत, आप बारह तारों के साथ एक वीणा देख सकते हैं, जो तीन के समूहों में एकत्र की गई है और विभिन्न ऊंचाइयों पर फैली हुई है (चित्र 30 ए।) ऐसे वीणाओं में आमतौर पर दोनों तरफ सुंदर मूर्तिकला वाले हैंडल होते हैं, जिसके लिए बेल्ट बांधना संभव था, जिससे जाहिर तौर पर संगीतकार के लिए बजाना आसान हो गया।

मध्य युग में लिरे को सितार (सिथारे) के साथ भ्रमित कर दिया गया था, जो प्राचीन ग्रीस में भी दिखाई देता था। मूल रूप से यह छह-तार वाला है तोड़ा गया यंत्र. मोराविया के जेरोम के अनुसार, मध्य युग में सितार आकार में त्रिकोणीय था (अधिक सटीक रूप से, इसमें ग्रीक वर्णमाला के अक्षर "डेल्टा" का आकार था) और इस पर तारों की संख्या बारह से चौबीस तक भिन्न थी। इस प्रकार का एक सितार (9वीं शताब्दी) सेंट के मठ की एक पांडुलिपि में दर्शाया गया है। व्लासिया (चित्र 31)। हालाँकि, वाद्ययंत्र का आकार अलग-अलग हो सकता है; एक हैंडल के साथ अनियमित गोलाकार सितार की एक छवि खेल को उजागर करने के लिए जानी जाती है (चित्र 32)। हालाँकि, सितार और सोल्टेरियन (नीचे देखें) और अन्य तार वाले वाद्ययंत्रों के बीच मुख्य अंतर यह है कि तार केवल फ्रेम पर खींचे जाते हैं, न कि किसी प्रकार के "साउंडिंग कंटेनर" पर।

मध्ययुगीन गुइटर्न (गिटार्न) की उत्पत्ति भी सितार से ही हुई है। इन वाद्ययंत्रों का आकार भी भिन्न-भिन्न होता है, लेकिन आमतौर पर या तो मैंडोलिन या गिटार जैसा दिखता है। ऐसे वाद्ययंत्रों का उल्लेख 13वीं शताब्दी से मिलना शुरू हो जाता है और इन्हें महिलाएं और पुरुष दोनों बजाते हैं। गिटर्न कलाकार के गायन के साथ था, लेकिन उन्होंने इसे या तो रेज़ोनेटर-पलेट्रम की मदद से या इसके बिना बजाया। बेनोइट डी सेंट-मौर (XIII सदी) की पांडुलिपि "द रोमांस ऑफ ट्रॉय" में, टकसाल गाता है, बजाता है पल्ट्रम के बिना गिटर (चित्र 34)। एक अन्य मामले में, उपन्यास "ट्रिस्टन एंड इसोल्डे" (13वीं शताब्दी के मध्य) में, एक लघुचित्र है जिसमें एक टकसाल को हाइटर्न बजाते हुए अपने साथी के नृत्य के साथ दिखाया गया है (चित्र 33)। हाइटन पर तार सीधे (बिना फ़िली के) फैले हुए हैं, लेकिन शरीर पर एक छेद (रोसेट) है। एक हड्डी की छड़ी मध्यस्थ के रूप में कार्य करती थी, जिसे अंगूठे और तर्जनी से पकड़ा जाता था, जिसे ओ में एब्बी चर्च के एक संगीतकार की मूर्ति में स्पष्ट रूप से देखा जाता है (चित्र 35)।

उपलब्ध छवियों को देखते हुए गिटर्न एक सामूहिक उपकरण हो सकता है। क्लूनी संग्रहालय (XIV सदी) के संग्रह से एक ताबूत का ढक्कन ज्ञात है, जहां मूर्तिकार ने हाथीदांत पर एक आकर्षक शैली का दृश्य उकेरा था: दो युवक बगीचे में खेल रहे हैं, कानों को प्रसन्न कर रहे हैं; एक के हाथ में लुटिया है, दूसरे के हाथ में हाईटर्न है (चित्र 36)।

कभी-कभी गिटारन को, पहले सितार की तरह, मध्ययुगीन फ़्रांस में कंपनी (रोटे) कहा जाता था, इसमें सत्रह तार होते थे। कंपनी को रिचर्ड द लायनहार्ट द्वारा कैद में खेला गया था।

XIV सदी में। गिथेरॉन के समान एक अन्य उपकरण का उल्लेख है - ल्यूट (लूथ)। 15वीं सदी तक इसका आकार अंततः आकार ले रहा है: एक बहुत उत्तल, लगभग अर्धवृत्ताकार शरीर, साउंडबोर्ड पर एक गोल छेद के साथ। "गर्दन" लंबी नहीं है, "सिर" इसके समकोण पर स्थित है (चित्र 36)। वाद्ययंत्रों के उसी समूह में मैंडोलिन, मंडोरा शामिल हैं, जो 15वीं शताब्दी में थे। सबसे विविध रूप.

वीणा (वीणा) भी अपनी उत्पत्ति की प्राचीनता का दावा कर सकती है - इसकी छवियां पहले से ही पाई जाती हैं प्राचीन मिस्र. यूनानियों के बीच, वीणा सितार का ही एक रूप है; सेल्ट्स के बीच, इसे सांबुक कहा जाता है। वीणा का आकार अपरिवर्तित है: यह एक उपकरण है जिस पर विभिन्न लंबाई के तारों को कम या ज्यादा खुले कोण के रूप में एक फ्रेम पर फैलाया जाता है। प्राचीन वीणाएँ तेरह-तार वाली होती हैं, जिन्हें डायटोनिक पैमाने में ट्यून किया जाता है। वे खड़े होकर या बैठकर, दोनों हाथों से वीणा बजाते थे और वाद्ययंत्र को इस तरह मजबूत करते थे कि उसका ऊर्ध्वाधर रुख कलाकार की छाती पर हो। बारहवीं शताब्दी में, विभिन्न तारों की संख्या के साथ छोटे आकार की वीणाएँ भी दिखाई दीं। रिम्स में संगीतकारों के घर के सामने की एक मूर्ति पर एक विशिष्ट प्रकार की वीणा प्रस्तुत की गई है (चित्र 37)। बाजीगरों ने अपने प्रदर्शन में केवल उनका उपयोग किया, और वीणावादकों का पूरा समूह बनाया जा सका। आयरिश और ब्रेटन को सर्वश्रेष्ठ वीणावादक माना जाता था। XVI सदी में. फ्रांस में वीणा व्यावहारिक रूप से गायब हो गई और सदियों बाद अपने आधुनिक रूप में यहां दिखाई दी।

दो तोड़े गए मध्यकालीन वाद्ययंत्रों का विशेष उल्लेख किया जाना चाहिए। ये स्तोत्र और साइफन हैं।

प्राचीन स्तोत्र एक त्रिकोणीय आकार का तार वाला वाद्य यंत्र है जो हमारी वीणा जैसा दिखता है। मध्य युग में, उपकरण का रूप बदल गया - वर्गाकार भजनों को लघुचित्रों में भी दर्शाया गया है। वादक इसे अपनी गोद में रखता था और अपनी उंगलियों या पेलट्रम से इक्कीस तार बजाता था (वाद्य की सीमा तीन सप्तक थी)। स्तोत्र के आविष्कारक राजा डेविड हैं, जिन्होंने किंवदंती के अनुसार, एक पक्षी की चोंच को पेलट्रम के रूप में इस्तेमाल किया था। स्ट्रासबर्ग लाइब्रेरी में जेरार्ड ऑफ लैंड्सबर्ग की पांडुलिपि के एक लघुचित्र में बाइबिल के राजा को अपनी संतानों के साथ खेलते हुए दर्शाया गया है (चित्र 38)।

मध्यकालीन फ़्रांसीसी साहित्य में भजनों का उल्लेख यहीं से प्रारंभ होता है प्रारंभिक बारहवींसी., वाद्ययंत्रों का आकार बहुत भिन्न हो सकता है (चित्र 39 और 40), वे न केवल कलाकारों द्वारा बजाए जाते थे, बल्कि महिलाओं - कुलीन महिलाओं और उनके अनुचरों द्वारा भी बजाए जाते थे। XIV सदी तक। स्तोत्र धीरे-धीरे मंच छोड़ता है, हार्पसीकोर्ड को रास्ता देता है, लेकिन हार्पसीकोर्ड उस रंगीन ध्वनि को प्राप्त नहीं कर सका जो डबल-तार वाले स्तोत्र की विशेषता थी।

कुछ हद तक, एक और मध्ययुगीन उपकरण, जो व्यावहारिक रूप से 15वीं शताब्दी में ही गायब हो गया था, प्लास्टर के समान है। यह एक सिफ़ोनिया (चिफ़ोनी) है - रूसी पहिया वीणा का एक पश्चिमी संस्करण। हालाँकि, लकड़ी के ब्रश वाले पहिये के अलावा, जो, जब हैंडल घुमाया जाता है, तीन सीधे तारों को छूता है, साइफन में चाबियाँ भी लगी होती हैं जो इसकी ध्वनि को भी नियंत्रित करती हैं। साइफन पर सात चाबियाँ होती हैं, और वे स्थित होती हैं उसके विपरीत अंत में जिस पर पहिया घूमता है। आमतौर पर दो लोग साइफन बजाते थे, सूत्रों के अनुसार, यंत्र की ध्वनि सुरीली और शांत थी। बोशविले (बारहवीं शताब्दी) में स्तंभों में से एक के शीर्ष पर एक मूर्तिकला का चित्रण खेलने के समान तरीके को प्रदर्शित करता है (चित्र 41)। सबसे व्यापक साइफन XI-XII सदियों में था। XV सदी में. एक संगीतकार द्वारा बजाया गया छोटा साइफ़ोनिया लोकप्रिय था। पेरिस की नेशनल लाइब्रेरी की पांडुलिपि "द रोमांस ऑफ जेरार्ड डी नेवर्स एंड द ब्यूटीफुल एरियन" में एक लघुचित्र है जिसमें नायक को एक टकसाल के भेष में दिखाया गया है, जिसके बगल में एक समान उपकरण है (चित्र 42)।

अध्याय 2. गिटार ने यूरोप पर विजय प्राप्त की

17वीं शताब्दी में, गिटार ने यूरोप पर विजय प्राप्त करना जारी रखा।
उस समय का एक गिटार लंदन के रॉयल कॉलेज ऑफ़ म्यूज़िक के संग्रहालय का है। 1581 में लिस्बन में एक निश्चित मेल्कियोर डायस द्वारा बनाया गया।
इस गिटार की संरचना में ऐसी विशेषताएं हैं जो दो शताब्दियों से अधिक समय तक संगीत वाद्ययंत्रों के उस्तादों द्वारा अपने काम में दोहराई जाएंगी।

स्फ़ोर्ज़ा कैसल, मिलान के संग्रह से 17वीं सदी का इतालवी बैटेंट गिटार।

उस समय के सभी गिटार बड़े पैमाने पर अलंकृत थे। ऐसी उत्कृष्ट वस्तु के निर्माण के लिए, कारीगर मूल्यवान सामग्रियों का उपयोग करते हैं: दुर्लभ लकड़ी (विशेष रूप से, काला - आबनूस), हाथी दांत, कछुए का खोल। निचले डेक और किनारों को जड़ाई से सजाया गया है। इसके विपरीत, शीर्ष डेक सरल रहता है और शंकुधारी लकड़ी (अक्सर स्प्रूस) से बना होता है। कंपन को दबाने से बचने के लिए, केवल गुंजयमान यंत्र छेद और इसकी पूरी परिधि के साथ मामले के किनारों को लकड़ी के मोज़ाइक के साथ छंटनी की जाती है।
मुख्य सजावटी तत्व उभरा हुआ चमड़े से बना एक रोसेट है। यह रोसेट न केवल पूरे कैबिनेट की सुंदरता को टक्कर देता है, बल्कि उत्पन्न होने वाली आवाज़ को भी नरम करता है। जाहिर है, इन शानदार उपकरणों के मालिकों को ताकत और शक्ति में उतनी दिलचस्पी नहीं थी जितनी ध्वनि के परिष्कार में।
17वीं शताब्दी के गिटार के पहले उदाहरणों में से एक जो हमारे पास आया है वह पेरिस कंज़र्वेटरी के संगीत वाद्ययंत्र संग्रहालय के संग्रह में है। इस पर शिल्पकार, विनीशियन क्रिस्टोफो कोको का नाम और तारीख 1602 अंकित है। सपाट शरीर पूरी तरह से हाथी दांत की प्लेटों से बना है जो भूरे रंग की लकड़ी की संकीर्ण पट्टियों से बंधी हैं।

ऑगस्टीन क्वेस्नेल गिटारवादक 1610

17वीं शताब्दी में, रज़गुएडो शैली, स्पेन से लाई गई, जहां यह लोकप्रिय थी, यूरोप के एक बड़े हिस्से में फैल गई। गंभीर संगीतकारों के लिए गिटार तुरंत अपना महत्व खो देता है। अब से, इसका उपयोग केवल संगत के लिए किया जाता है, "गाने, खेलने, नृत्य करने, कूदने ... अपने पैरों को थपथपाने" के लिए, जैसा कि लुई डी ब्रिसेनो ने अपनी "विधि" (पेरिस, 1626) की प्रस्तावना में लिखा है।
बोर्डो के सिद्धांतकार, पियरे ट्रिचेट, भी अफसोस के साथ कहते हैं (लगभग 1640): "गिटार, या हाइटर्ना, फ्रांसीसी और इटालियंस के बीच व्यापक रूप से इस्तेमाल किया जाने वाला उपकरण है, लेकिन विशेष रूप से स्पेनियों के बीच, जो इसे इतने अनियंत्रित रूप से उपयोग करते हैं जितना कोई अन्य नहीं राष्ट्र।" वह नृत्य करने वालों के लिए एक संगीत संगत के रूप में काम करती है, "सभी तरफ हिलती है, हास्यास्पद और हास्यास्पद तरीके से इशारे करती है, जिससे वाद्ययंत्र बजाना अस्पष्ट और भ्रमित हो जाता है।" और जो कुछ उसे देखना पड़ा उससे क्रोधित होकर, पियरे ट्राइचेट आगे कहता है: “फ्रांस में, स्पेनिश फैशन से परिचित महिलाएं और वेश्याएं इसकी नकल करने की कोशिश करती हैं। इसमें वे उन लोगों से मिलते-जुलते हैं, जो अपने घर में अच्छा खाने के बजाय, किसी पड़ोसी के पास बेकन, प्याज और काली रोटी खाने जाते हैं।

डेविड टेनियर्स जूनियर गिटारवादक

मटिया प्रीटी कॉन्सर्ट 1630

इसके बावजूद, गिटार फ़्रांस में लोकप्रिय बना हुआ है। गिटार का उपयोग बैले में आसानी से किया जाता है। द फ़ेयरी ऑफ़ सेंट-जर्मेन फ़ॉरेस्ट (1625) और द रिच विडो (1626) में, स्पेनिश वेशभूषा पहने संगीतकार अधिक विश्वसनीयता के लिए गिटार बजाते हैं। पहले बैले में, चाकोन कलाकार "अपने गिटार की आवाज़ को अपने पैरों की तेज़ गतिविधियों के अनुरूप ढालते हैं"। दूसरे में, लौवर के महान हॉल में महामहिम द्वारा मंचित, ग्रेनेडियर्स का प्रवेश द्वार भी गिटार की संगत में प्रकट होता है। मर्क्योर डी फ़्रांस के अनुसार, इस प्रदर्शन में लुई XIII स्वयं गिटार पर दो सरबंदे नर्तकियों के साथ थे।

गेरिट वैन होंथोर्स्ट गिटार बजाते हुए 1624

जन वर्मीर गिटारवादक 1672

17वीं शताब्दी के मध्य में, गिटार का एक नया उत्कर्ष शुरू हुआ। और इस बार अपडेट फ्रांस से आया है. युवा फ्रांसीसी राजा को गिटार सिखाने के लिए प्रसिद्ध शिक्षक और संगीतकार फ्रांसेस्को कॉर्बेटा (1656) को दरबार में बुलाया जाता है। यह दावा करने की हिम्मत नहीं है (कुछ दरबारियों के विपरीत) कि अठारह महीनों में लुई XIV ने अपने शिक्षक को पीछे छोड़ दिया, फिर भी, कोई भी वाद्य यंत्र के प्रति राजा के सच्चे जुनून पर संदेह नहीं कर सकता। उनके शासनकाल के दौरान, गिटार फिर से अभिजात वर्ग और संगीतकारों का प्रिय बन गया। और फिर से गिटार का फैशन पूरे यूरोप को जीत रहा है।

गिटार के लिए टुकड़ों के पुराने संस्करण के कवर से उत्कीर्णन। 1676

नदी तट पर फ़्रांसिस्को गोया नृत्य 1777

फ़्रांसिस्को गोया द ब्लाइंड गिटारवादक 1788

रेमन बाई गिटार के साथ एक युवक। 1789 प्राडो संग्रहालय। मैड्रिड

लुई XIV (मृत्यु 1715) के शासनकाल के अंत तक, गिटार के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़ आता है - शाही दरबार इसके प्रति उदासीन हो जाता है।
हालाँकि, यह अभी भी लोगों के बीच लोकप्रिय है। उनके द्वारा बनाए गए चित्र में मैडेमोसेले डे चारोलिस को उनके हाथों में एक गिटार के साथ प्रस्तुत किया गया है, जो हल्के से उसके तारों को छेड़ रही है। वट्टू और लैंक्रेट ने प्रेम दृश्यों के चित्रण में गिटार का परिचय दिया। और साथ ही, यह प्रहसन अभिनेताओं और घुमंतू हास्य कलाकारों के लिए एक उपकरण है!
वट्टू और लैंक्रेट और गिटार का काम फ्रांसीसी चित्रकला का एक अलग पृष्ठ है, इसलिए मैंने इस सामग्री में इन कलाकारों को अलग गैलरी समर्पित करने का निर्णय लिया।

जीन एंटोनी वट्टू
जीन एंटोनी वट्टू

जीन-एंटोनी वट्टू का रोसाल्बा कैरियर पोर्ट्रेट 1721

फ्रांसीसी चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन, रोकोको शैली के संस्थापक और महानतम गुरु। 1698-1701 में वट्टू ने स्थानीय कलाकार गेरिन के साथ अध्ययन किया, जिनके आग्रह पर उन्होंने रूबेन्स, वैन डाइक और अन्य फ्लेमिश चित्रकारों के कार्यों की नकल की। 1702 में, वट्टू पेरिस के लिए रवाना हुए और जल्द ही उन्हें क्लाउड गिलोट के रूप में एक शिक्षक और संरक्षक मिला, जो एक थिएटर कलाकार और सज्जाकार थे, जिन्होंने आधुनिक थिएटर के जीवन के दृश्यों को चित्रित किया था। वट्टू ने कौशल और लगभग अपने शिक्षक को तुरंत पीछे छोड़ दिया। 1708 में डेकोरेटर क्लॉड ऑड्रन के स्टूडियो में प्रवेश हुआ। 1709 में, वट्टू ने कला अकादमी का ग्रैंड प्रिक्स जीतने की असफल कोशिश की, लेकिन उनके काम ने कई प्रभावशाली लोगों का ध्यान आकर्षित किया, जिनमें परोपकारी और पेंटिंग के पारखी जीन डे जूलिएन, कला डीलर एडमंड फ्रेंकोइस गेर्सिन, बैंकर शामिल थे। और कलेक्टर पियरे क्रोज़ैट, जिनके घर में कलाकार कुछ समय के लिए रहे, आदि। 1712 में वट्टू को शिक्षाविद की उपाधि से परिचित कराया गया और 1717 में वह रॉयल एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्प्चर के सदस्य बन गए। 18 जुलाई, 1721 को नोगेंट-सुर-मार्ने में वट्टू की मृत्यु हो गई।

जीन-एंटोनी वट्टू इतालवी कॉमेडी 1714

पियरे क्रोज़ैट के पार्क में पेड़ों के माध्यम से जीन एंटोनी वट्टू का दृश्य 1714-16

जीन-एंटोनी वट्टू गाइल्स अपने परिवार के साथ 1716

जीन एंटोनी वट्टू पियरोट की कहानी

जीन एंटोनी वट्टू सॉन्ग ऑफ लव 1717

जीन-एंटोनी वट्टू मेज़ेटिन 1717-19

निकोला लांक्रे
निकोलस लैंक्रेट

निकोलस लांक्रे स्व-चित्र 1720

फ्रांसीसी कलाकार, पेरिस में पैदा हुए। उन्होंने पहले पियरे डुलिन के साथ अध्ययन किया, और फिर लगभग 1712 से उन्होंने क्लाउड गिलोट के मार्गदर्शन में कई वर्षों तक काम किया, जिनके माध्यम से उनकी मुलाकात जीन एंटोनी वट्टू से हुई, जिनका उनके काम पर बहुत प्रभाव पड़ा। लांक्रे ने वॉट्टो के समान विषयों की ओर रुख किया: उन्होंने इतालवी कमेडिया डेल'आर्टे के पात्रों और "वीरतापूर्ण उत्सव" के दृश्यों को लिखा। इसके अलावा, उन्होंने ला फोंटेन की दंतकथाओं का चित्रण किया और शैली चित्र बनाए। लैंक्रेट की 1743 में पेरिस में मृत्यु हो गई।

पार्क 1720 में निकोला लैंक्रेट कॉन्सर्ट

बगीचे में निकोला लांक्रे छुट्टी

पार्क में निकोला लांक्रे कॉन्सर्ट

निकोला लैनक्रे की वीरतापूर्ण बातचीत

मिशेल ब्रेनेट के अनुसार, गिटार का नया उदय, सैलून में प्रदर्शन करने वाले दो प्रतिभाशाली गायकों के उद्भव से जुड़ा है। वे स्वयं के साथ युगल गीत प्रस्तुत करते हैं। ये प्रसिद्ध पियरे गेलियट और पियरे डे ला गार्डे हैं।
मिशेल बार्टोलोमियो ओलिवियर की प्रसिद्ध पेंटिंग टी इन इंग्लिश एंड ए कॉन्सर्ट एट द हाउस ऑफ द प्रिंसेस डे कोंटी इन धर्मनिरपेक्ष समारोहों के माहौल को व्यक्त करती है।

वहाँ बड़ी संख्या में पेंटिंग हैं जो संगीत वाद्ययंत्रों को दर्शाती हैं। कलाकारों ने विभिन्न ऐतिहासिक युगों में समान विषयों की ओर रुख किया: प्राचीन काल से लेकर वर्तमान तक।

ब्रूघेल द एल्डर, जनवरी
श्रवण (टुकड़ा)। 1618

कला के कार्यों में संगीत वाद्ययंत्रों की छवियों का लगातार उपयोग संगीत और चित्रकला के बीच घनिष्ठ संबंध के कारण है।
कलाकारों के चित्रों में संगीत वाद्ययंत्र न केवलउस युग के सांस्कृतिक जीवन और उस समय के संगीत वाद्ययंत्रों के विकास का एक विचार दें, लेकिन साथ ही कुछ प्रतीकात्मक अर्थ हैं.

मेलोज़ो

हाँ फोर्ली
देवदूत
1484

यह लंबे समय से माना जाता रहा है कि प्रेम और संगीत का अटूट संबंध है। और संगीत वाद्ययंत्र सदियों से प्रेम भावनाओं से जुड़े रहे हैं।

मध्यकालीन ज्योतिष सभी संगीतकारों को प्रेम की देवी "शुक्र की संतान" मानता था। विभिन्न युगों के कलाकारों द्वारा कई गीतात्मक दृश्यों में, संगीत वाद्ययंत्र एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं।

जन मेन्स मोलेनेर
पीठ पीछे महिला
सत्रवहीं शताब्दी
लंबे समय से, संगीत को प्यार से जोड़ा गया है, जैसा कि 17वीं सदी की डच कहावत से प्रमाणित होता है: "ल्यूट और स्पिनेट बजाना सीखें, क्योंकि तारों में दिल चुराने की ताकत होती है।"

एंड्रिया सोलारियो
लुटेरे वाली औरत

वर्मीर के कुछ चित्रों में संगीत है मुख्य विषय. कथानकों में संगीत वाद्ययंत्रों के इन चित्रों की उपस्थिति को पात्रों के परिष्कृत और रोमांटिक संबंधों के सूक्ष्म संकेत के रूप में समझा जाता है।

"संगीत पाठ" (, रॉयल असेंबली, सेंट जेम्स पैलेस)।

वर्जिनल, एक प्रकार का हार्पसीकोर्ड, घरेलू संगीत के लिए एक संगीत वाद्ययंत्र के रूप में बहुत लोकप्रिय था। छवि की सटीकता के अनुसार, विशेषज्ञ यह निर्धारित करने में सक्षम थे कि यह दुनिया भर में प्रसिद्ध एंटवर्प में रूकर्स कार्यशाला में बनाया गया था। वर्जिनल के ढक्कन पर लैटिन शिलालेख में लिखा है: "संगीत खुशी का साथी और दुखों में मरहम लगाने वाला है।"

संगीतकार अक्सर फ्रांसीसी चित्रकार, रोकोको शैली के संस्थापक, जीन एंटोनी वट्टू के चित्रों में पात्र बन गए।

वट्टू के काम की मुख्य शैली "वीरतापूर्ण उत्सव" हैं: एक कुलीन समाज,
प्रकृति की गोद में स्थित, बातचीत, नृत्य, संगीत बजाने और छेड़खानी में व्यस्त

छवियों का एक समान चक्र फ़्रांस के रचनात्मक हलकों में बेहद लोकप्रिय था। इसका प्रमाण इस तथ्य से मिलता है कि वट्टू के कुछ चित्रों के शीर्षक फ्रांसीसी संगीतकार और कलाकार के समकालीन संगीतकार फ्रांकोइस कूपेरिन के हार्पसीकोर्ड के टुकड़ों के समान हैं। सूक्ष्म रूप से संवेदनशील पारखी लोगों ने न केवल वट्टू की सुरम्यता की सराहना की, बल्कि उसकी संगीतात्मकता की भी सराहना की। “वाटो एफ. कूपेरिन और सी.एफ.ई. के क्षेत्र से संबंधित है। बाख,'' महान कला दार्शनिक ओसवाल्ड स्पेंगलर (परिशिष्ट II) ने कहा।

साथ ही, संगीत वाद्ययंत्रों को पौराणिक पात्रों से भी जोड़ा जा सकता है।

कई संगीत वाद्ययंत्र संगीत का प्रतीक हैं और उनके अपरिहार्य गुण हैं। तो, क्लियो के लिए, इतिहास की प्रेरणाएँ तुरही हैं; यूटरपे (संगीत, गीत काव्य) के लिए - एक बांसुरी या कोई अन्य संगीत वाद्ययंत्र; थालिया के लिए (कॉमेडी, देहाती कविता) - एक छोटा वायोला; मेलपोमीन (त्रासदी) के लिए - एक बिगुल; टेरप्सीचोर (नृत्य और गीत) के लिए - वायोला, लिरे या अन्य तार वाला वाद्ययंत्र;

एराटो (गीत काव्य) के लिए - टैम्बोरिन, लिरे, कम अक्सर एक त्रिकोण या वायोला; कैलीओप के लिए (महाकाव्य कविता) - तुरही; पॉलीहिम्निया (वीर भजन) के लिए - एक पोर्टेबल अंग, कम अक्सर - एक ल्यूट या अन्य उपकरण।

यूरेनिया को छोड़कर सभी म्यूज़ के प्रतीकों या विशेषताओं में संगीत वाद्ययंत्र हैं। क्यों? यह इस तथ्य से समझाया गया है कि में प्राचीन युगविभिन्न शैलियों की कविताएँ एकल स्वर में गाई गईं और उनमें किसी न किसी हद तक संगीत का तत्व भी शामिल था। इसलिए, विभिन्न काव्य शैलियों को संरक्षण देने वाले कस्तूरी में से प्रत्येक के पास अपना स्वयं का उपकरण था।

डिर्क हेल्स
संगीतकारों
16 वीं शताब्दी

वाद्ययंत्रों का प्रतीकात्मक अर्थ इन पात्रों के साथ सटीक रूप से जुड़ा हुआ है। उदाहरण के लिए, मध्य युग और पुनर्जागरण की यूरोपीय संस्कृति में वीणा दृढ़ता से भजन के प्रसिद्ध लेखक, बाइबिल के राजा डेविड के साथ जुड़ी हुई थी। महान राजा, राजनीतिज्ञ, योद्धा सबसे महान कवि और संगीतकार भी थे; डेविड की वीणा के दस तारों के प्रतीकवाद के माध्यम से, सेंट ऑगस्टीन ने बाइबिल की दस आज्ञाओं का अर्थ समझाया। चित्रों में, डेविड को अक्सर इस वाद्य यंत्र को बजाते हुए एक चरवाहे के रूप में चित्रित किया गया था।

जान दे ब्रे. डेविड वीणा बजा रहा है। 1670

ऐसी व्याख्या बाइबिल की कहानीराजा डेविड को ऑर्फियस के करीब लाया, जिसने वीणा बजाकर जानवरों को शांत किया।

(सी) सुनहरी वीणा सेल्टिक देवता दग्दा का एक गुण था। सेल्ट्स ने कहा कि वीणा तीन पवित्र धुनें उत्पन्न करने में सक्षम थी। पहला राग उदासी और कोमलता का राग है। दूसरा नींद लाने वाला है: जब आप इसे सुनते हैं, तो आत्मा शांति की स्थिति से भर जाती है और नींद में चली जाती है। वीणा का तीसरा राग आनंद और वसंत की वापसी का राग है

पवित्र उपवनों में, वीणा की धुन पर, ड्र्यूड, सेल्ट्स के पुजारी, देवताओं की ओर मुड़े, उनके गौरवशाली कर्म गाए और अनुष्ठान किए। युद्धों के दौरान, हरे पुष्पमालाओं से सुसज्जित छोटी-छोटी वीणाओं के साथ गायक पहाड़ियों पर चढ़ते थे और मार्शल गीत गाते थे, जिससे योद्धाओं में साहस पैदा होता था।-

दुनिया के सभी देशों में से केवल आयरलैंड के हथियारों के कोट पर एक संगीत वाद्ययंत्र दर्शाया गया है। यह चाँदी के तारों वाली सुनहरी वीणा है। कब कावीणा आयरलैंड का हेराल्डिक प्रतीक था। 1945 से यह राज्य-चिह्न भी रहा है

डब्ल्यू बॉश - "सांसारिक खुशियों का बगीचा" -
इस वाद्ययंत्र के तारों पर सूली पर चढ़े एक व्यक्ति की छवि है। यहां, शायद, स्ट्रिंग तनाव के प्रतीकवाद के बारे में विचार प्रतिबिंबित होते हैं, जो एक ही समय में एक व्यक्ति द्वारा अपने सांसारिक जीवन के दौरान अनुभव किए गए प्यार और तनाव, पीड़ा, झटके को व्यक्त करते हैं।

ईसाई धर्म और इसकी पवित्र पुस्तकों के प्रसार के साथ, कलाकारों द्वारा संगीत वाद्ययंत्रों के साथ स्वर्गदूतों का चित्रण अक्सर होता जा रहा है। संगीत वाद्ययंत्र बजाते देवदूत 12वीं शताब्दी की अंग्रेजी पांडुलिपियों में दिखाई देते हैं। भविष्य में ऐसी छवियों की संख्या लगातार बढ़ती जा रही है।

स्वर्गदूतों के हाथों में कई संगीत वाद्ययंत्र उनके आकार और डिजाइन, उनके संयोजन की विशेषताओं का एक विचार देते हैं, और आपको उस समय मौजूद संगीत समूहों के बारे में जानने की भी अनुमति देते हैं।

पुनर्जागरण में आता है सुनहरा मौका»स्वर्गदूतों के लिए. पेंटिंग के मास्टर्स इन उत्तम और सामंजस्यपूर्ण कृतियों से तेजी से प्रेरित हो रहे हैं।

पुनर्जागरण कलाकारों के कार्यों में ईश्वर की महिमा करने वाले दृश्य वास्तविक दिव्य संगीत समारोहों में बदल जाते हैं, जिसके माध्यम से आप उस समय की संगीत संस्कृति का अध्ययन कर सकते हैं। अंग, वीणा, वायलिन, बांसुरी, वीणा, झांझ, तुरही,वियोला दा गाम्बा ... यह स्वर्गदूतों द्वारा बजाए गए वाद्ययंत्रों की पूरी सूची नहीं है।

पिएरो डेला फ्रांसेस्का.
क्रिसमस। लंडन। नेशनल गैलरी। 1475

संगीत वाद्ययंत्रों की छवियों को कई समूहों में विभाजित किया जा सकता है:

1) संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग गीतात्मक कथानकों में किया जाता है;

2) संगीत वाद्ययंत्रों की छवि का पौराणिक कथाओं से संबंध है, उदाहरण के लिए, प्राचीन, जहां वे संगीत का प्रतीक हैं और उनके अपरिहार्य गुण हैं:

3) ईसाई धर्म से संबंधित कथानकों में, संगीत वाद्ययंत्र अक्सर सबसे ऊंचे विचारों और छवियों को व्यक्त करते हैं और बाइबिल के इतिहास के चरमोत्कर्ष के साथ होते हैं;

4) वाद्ययंत्रों की छवियां वाद्ययंत्रों और संगीत तकनीकों का भी एक विचार देती हैं,

में विद्यमान है ऐतिहासिक कालएक चित्र बनाना;

5) अक्सर कुछ उपकरणों की छवि दार्शनिक विचारों को वहन करती है, उदाहरण के लिए, वनिता के विषय पर स्थिर जीवन में;

6) उपकरण का प्रतीकवाद कलाकार के इरादे और चित्र (संदर्भ) की सामान्य सामग्री के आधार पर भिन्न हो सकता है, उदाहरण के लिए, बॉश की पेंटिंग द गार्डन ऑफ अर्थली डिलाइट्स में।
चित्ताकर्षक और मैंऔर, कभी-कभी, कला का रहस्यमय पक्ष।
आख़िरकार, बहुत सारे पुराने वाद्ययंत्र, संगीत समूह, वादन तकनीकें अब केवल चित्रों में ही देखी जा सकती हैं।

हेंड्रिक वान बालेन
अपोलो और म्यूज़

जूडिथ लीस्टर
युवा बांसुरीवादक
1635

वीणा वाली महिला
1818

जॉन मेलियुश स्ट्रैडविक वेस्पर्स
1897

जीन वैन बिग्लर्ट
संगीत समारोह

ई. डेगास
बैसून (विस्तार)

बांसुरी सबसे प्राचीन संगीत वाद्ययंत्रों में से एक है। वे अनुप्रस्थ और अनुदैर्ध्य हैं। अनुदैर्ध्य को सीधे आगे रखा जाता है, जिससे बांसुरी के ऊपरी सिरे पर छेद में हवा बहती है। अनुप्रस्थ को क्षैतिज दिशा में रखा जाता है, जिससे बांसुरी के पार्श्व छिद्र में हवा प्रवाहित होती है।

अनुदैर्ध्य बांसुरी का सबसे पहला उल्लेख ग्रीक पौराणिक कथाओं और मिस्र के इतिहास (तीसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व) में मौजूद है।

चीन में, जापान और भारत की तरह, पाँच या छह अंगुलियों के छेद वाली अनुप्रस्थ बांसुरी का पहला उल्लेख ईसा पूर्व पहली सहस्राब्दी में मिलता है। उन्नीसवीं सदी के बिल्कुल मध्य में थियोबाल्ड बोहेम की मदद से बांसुरी के डिज़ाइन में क्रांतिकारी परिवर्तन हुए।

हालाँकि आधुनिक बांसुरी वुडविंड वाद्ययंत्र हैं, वे आमतौर पर सोने, चांदी और यहां तक ​​कि प्लैटिनम का उपयोग करके धातु मिश्र धातुओं से बनाई जाती हैं। इससे उन्हें पिछली शताब्दियों में धातु की बांसुरी से पहले बनी लकड़ी की बांसुरी की तुलना में अधिक तेज ध्वनि और बजाने में आसानी होती है।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में बांसुरी सबसे उत्कृष्ट वाद्ययंत्रों में से एक है। उसके पारिया आर्पीगियोस और मार्ग से भरे हुए हैं।

पीतल के संगीत वाद्ययंत्र

पीतल के उपकरण - समूह पवन संगीत वाद्ययंत्र , जिस पर बजाने का सिद्धांत उड़ाए गए वायु प्रवाह की ताकत या होठों की स्थिति को बदलकर हार्मोनिक व्यंजन प्राप्त करना है।

"तांबा" नाम ऐतिहासिक रूप से उस सामग्री पर आधारित है जिससे ये उपकरण बनाए गए थे, हमारे समय में, तांबे के अलावा, इनका उपयोग अक्सर उनके निर्माण के लिए किया जाता है।पीतल, कम अक्सर चांदी , और ध्वनि उत्पादन के समान तरीके वाले मध्य युग और बारोक के कुछ उपकरण (उदाहरण के लिए,नागिन ) लकड़ी के बने होते थे।

पीतल के उपकरणों में आधुनिकता शामिल हैहॉर्न, तुरही, कॉर्नेट, फ्लुगेलहॉर्न, ट्रॉम्बोन, टुबा . एक अलग ग्रुप हैसैक्सहॉर्न . प्राचीन पीतल के वाद्ययंत्र -सैकबट (आधुनिक ट्रॉम्बोन का पूर्ववर्ती),नागिन और अन्य। कुछ लोक वाद्ययंत्र तांबे के भी हैं, उदाहरण के लिए, मध्य एशियाईकर्णय.

पीतल के वाद्ययंत्रों का इतिहास

खोखला करने की कलाहॉर्न जानवर या खोल में होना प्राचीन काल में ही ज्ञात था। इसके बाद, लोगों ने धातु से विशेष उपकरण बनाना सीखा, जो सींग के समान थे और सैन्य, शिकार और धार्मिक उद्देश्यों के लिए थे।

आधुनिक पीतल के वाद्ययंत्रों के पूर्वज शिकार सींग, सैन्य सींग और पोस्ट हॉर्न थे। ये उपकरण, जिनमें कोई तंत्र नहीं थावाल्व कुछ आवाजें दींप्राकृतिक पैमाना , केवल कलाकार के होठों की मदद से पुनर्प्राप्त किया गया। यहां से प्राकृतिक पैमाने की ध्वनियों पर आधारित सैन्य और शिकार धूमधाम और संकेत प्रकट हुए, जो संगीत अभ्यास में मजबूती से स्थापित हो गए हैं।

धातु प्रसंस्करण और धातु उत्पादों के उत्पादन की तकनीक में सुधार के साथ, कुछ आयामों और फिनिश की वांछित डिग्री के पवन उपकरणों के लिए पाइप का निर्माण संभव हो गया। तांबे की पवन नलिकाओं के सुधार और उन पर प्राकृतिक पैमाने से महत्वपूर्ण मात्रा में ध्वनि निकालने की कला के विकास के साथ, यह अवधारणा सामने आईप्राकृतिक उपकरण , यानी, बिना किसी तंत्र के उपकरण, केवल प्राकृतिक पैमाने का उत्पादन करने में सक्षम।

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, वाल्व तंत्र का आविष्कार किया गया, जिसने नाटकीय रूप से प्रदर्शन की तकनीक को बदल दिया और पीतल के पवन उपकरणों की क्षमताओं में वृद्धि की।

तांबे के उपकरणों का वर्गीकरण

पीतल के पवन वाद्ययंत्रों को कई परिवारों में विभाजित किया गया है:

• वाल्व उपकरण कलाकार की उंगलियों द्वारा नियंत्रित कई द्वार (आमतौर पर तीन या चार) होते हैं। वाल्व का सिद्धांत मुख्य ट्यूब में तुरंत एक अतिरिक्त क्राउन शामिल करना है, जो उपकरण की लंबाई बढ़ाता है और इसके पूरे सिस्टम को कम करता है। विभिन्न लंबाई की ट्यूबों को जोड़ने वाले कई वाल्व एक रंगीन पैमाने प्राप्त करना संभव बनाते हैं। अधिकांश आधुनिक पीतल के उपकरण वाल्वयुक्त होते हैं - हॉर्न, तुरही, ट्यूबस, सैक्सहॉर्न, आदि। वाल्व के दो डिज़ाइन होते हैं - "रोटरी" और "स्टैंडिंग" (पिस्टन)।
• योक उपकरण एक विशेष यू-आकार की वापस लेने योग्य ट्यूब का उपयोग करें - एक चरण, जिसकी गति से चैनल में हवा की लंबाई बदल जाती है, जिससे निकाली गई ध्वनि कम या बढ़ जाती है। संगीत में प्रयुक्त मुख्य रॉक वाद्ययंत्र ट्रॉम्बोन है।
• प्राकृतिक उपकरण इसमें कोई अतिरिक्त ट्यूब नहीं है और यह केवल प्राकृतिक पैमाने की ध्वनियाँ निकालने में सक्षम है। 18वीं शताब्दी में विशेषप्राकृतिक हार्न आर्केस्ट्रा . 19वीं शताब्दी की शुरुआत तक, संगीत में प्राकृतिक वाद्ययंत्रों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था, फिर, वाल्व तंत्र के आविष्कार के साथ, वे अनुपयोगी हो गए। प्राकृतिक वाद्ययंत्र कभी-कभी 19वीं-20वीं शताब्दी (वैगनर, आर. स्ट्रॉस, लिगेटी) के दर्जनों संगीतकारों में भी पाए जाते हैं। ध्वनि प्रभाव. प्राकृतिक वाद्ययंत्रों में प्राचीन तुरही और फ्रेंच हॉर्न भी शामिल हैंअल्पाइन सींग , धूमधाम, बिगुल, सिग्नल हॉर्न (शिकार, मेल) और इसी तरह।
• वाल्व उपकरण शरीर पर छेद होते हैं, जो कलाकार की उंगलियों से खुलते और बंद होते हैंकाष्ठ वाद्य . ऐसे वाद्ययंत्र 18वीं सदी तक व्यापक थे, लेकिन बाद में इन्हें बजाने में कुछ असुविधाओं के कारण ये भी अनुपयोगी हो गये। बुनियादी वाल्व पीतल उपकरण -कॉर्नेट (जस्ता), सर्प , ओफ़िकलिड, वाल्व पाइप . उनमें ये भी शामिल हैंमेल हॉर्न.

आजकल, प्रारंभिक संगीत में रुचि के पुनरुद्धार के साथ, प्राकृतिक और वाल्व वाद्ययंत्रों पर बजाना फिर से एक अभ्यास बन रहा है।

पीतल के उपकरणों को उनके ध्वनिक गुणों के अनुसार भी वर्गीकृत किया जा सकता है:

• भरा हुआ- ऐसे उपकरण जिन पर आप हार्मोनिक स्केल का मूल स्वर निकाल सकते हैं।
• आधा- ऐसे उपकरण जिन पर मुख्य स्वर नहीं निकाला जा सकता है, और स्केल दूसरे हार्मोनिक व्यंजन से शुरू होता है।

संगीत में पीतल के वाद्ययंत्रों का प्रयोग

विभिन्न संगीत शैलियों और रचनाओं में पीतल के पवन वाद्ययंत्रों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। के हिस्से के रूप मेंसिम्फनी ऑर्केस्ट्रा वे इसके मुख्य समूहों में से एक बनाते हैं। सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की मानक संरचना में शामिल हैं:

• सींग (दो से आठ तक सम संख्या, अधिकतर चार)
• पाइप (दो से पांच तक, अधिकतर दो से तीन तक)
• ट्रॉम्बोन्स (आमतौर पर तीन: दो टेनर और एक बास)
• ट्यूब (आमतौर पर एक)

19वीं सदी के स्कोर में अक्सर सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा भी शामिल होता थाकॉर्नेट हालाँकि, प्रदर्शन तकनीकों के विकास के साथ, उनके हिस्सों का प्रदर्शन पाइपों पर किया जाने लगा। अन्य पीतल के वाद्ययंत्र ऑर्केस्ट्रा में केवल छिटपुट रूप से दिखाई देते हैं।

तांबे के यंत्र आधार हैंब्रास बैंड , जिसमें उपरोक्त टूल के अलावा यह भी शामिल हैसैक्सहॉर्न विभिन्न आकार।

पीतल के लिए एकल साहित्य काफी असंख्य है - प्राकृतिक पाइपों और सींगों पर कलाप्रवीण कलाकार प्रारंभिक बारोक युग में पहले से ही मौजूद थे, और संगीतकारों ने स्वेच्छा से उनके लिए अपनी रचनाएँ बनाईं। रूमानियत के युग में पवन वाद्ययंत्रों में रुचि में कुछ गिरावट के बाद, 20वीं सदी में पीतल के वाद्ययंत्रों के लिए नई प्रदर्शन संभावनाओं की खोज हुई और उनके प्रदर्शनों की सूची में महत्वपूर्ण विस्तार हुआ।

चैम्बर पहनावे में, पीतल के उपकरणों का उपयोग अपेक्षाकृत कम ही किया जाता है, लेकिन उन्हें स्वयं पहनावे में जोड़ा जा सकता है, जिनमें से सबसे आम हैंपीतल पंचक (दो तुरही, सींग, तुरही, टुबा)।

तुरही और तुरही एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैंजाज और समकालीन संगीत की कई अन्य शैलियाँ।

सिलाफ़न

सिलाफ़न(ग्रीक से. ξύλον - पेड़ + φωνή - ध्वनि) -टक्कर संगीत वाद्ययंत्र एक निश्चित पिच के साथ. यह विभिन्न आकारों के लकड़ी के ब्लॉकों की एक श्रृंखला है, जो कुछ निश्चित नोट्स के अनुरूप हैं। सलाखों को गोलाकार युक्तियों या विशेष हथौड़ों से मारा जाता है जो छोटे चम्मच की तरह दिखते हैं (संगीतकारों के शब्दजाल में, इन हथौड़ों को "बकरी के पैर" कहा जाता है)।

लय ज़ाइलोफोन विशेष रूप से तेज़ और आकर्षक है और पियानो में नरम है।

यंत्र का इतिहास

ज़ाइलोफोन की उत्पत्ति प्राचीन है - इस प्रकार के सबसे सरल उपकरण विभिन्न लोगों के बीच पाए जाते हैं और अभी भी पाए जाते हैंअफ़्रीका, दक्षिण - पूर्व एशिया , लैटिन अमेरिका .

यूरोप में, ज़ाइलोफोन का पहला उल्लेख 16वीं शताब्दी की शुरुआत में मिलता है: अर्नोल्ट श्लिक ने संगीत वाद्ययंत्रों पर एक ग्रंथ में ह्यूल्ट्ज़ ग्लेचर नामक एक समान उपकरण का उल्लेख किया है। 19वीं शताब्दी तक, यूरोपीय जाइलोफोन एक आदिम वाद्ययंत्र था, जिसमें लगभग दो दर्जन लकड़ी की पट्टियाँ होती थीं, जिन्हें एक जंजीर में बाँधा जाता था और बजाने के लिए एक सपाट सतह पर बिछाया जाता था। ऐसे उपकरण को ले जाने की सुविधा ने भ्रमणशील संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया।

गुज़िकोव द्वारा जाइलोफोन में सुधार किया गया

जाइलोफोन का सुधार 1830 के दशक में हुआ। बेलारूसी संगीतकारमिखोएल गुज़िकोव इसकी सीमा को ढाई सप्तक तक विस्तारित किया, और डिज़ाइन में भी बदलाव किया, सलाखों को चार पंक्तियों में एक विशेष तरीके से व्यवस्थित किया। जाइलोफोन के इस मॉडल का उपयोग सौ वर्षों से भी अधिक समय से किया जा रहा था।

आधुनिक जाइलोफोन पर, बार को पियानो कीज़ की तरह दो पंक्तियों में व्यवस्थित किया जाता है, टिन ट्यूब के रूप में रेज़ोनेटर से सुसज्जित किया जाता है और आसानी से चलने के लिए एक विशेष टेबल-स्टैंड पर रखा जाता है।

संगीत में जाइलोफोन की भूमिका

ऑर्केस्ट्रा में ज़ाइलोफोन का पहला ज्ञात उपयोग सेवन वेरिएशन है।फर्डिनेंड काउर 1810 में लिखा गया वर्ष। फ्रांसीसी संगीतकार कास्टनर ने अपने कार्यों में उनके अंशों को शामिल किया। सबसे प्रसिद्ध रचनाओं में से एक जिसमें ज़ाइलोफोन शामिल है, एक सिम्फोनिक कविता हैकेमिली सेंट-सेन्स "मौत का नाच" ( 1872 ).

वर्तमान में जाइलोफोन का उपयोग किया जाता हैसिम्फनी ऑर्केस्ट्रा , मंच पर, बहुत कम ही - एक एकल वाद्ययंत्र के रूप में (जाइलोफोन और ऑर्केस्ट्रा के लिए "जापानी उत्कीर्णन के विषयों पर फंतासी", ऑप. 211, ( 1964) अलाना होवेनेस)।

डोमरा

डोमरा एक पुराना रूसी प्लक्ड स्ट्रिंग संगीत वाद्ययंत्र है। उनका भाग्य अद्भुत और अपनी तरह का अनोखा है।

यह कहां से आया, कैसे और कब डोमरा रूस में दिखाई दिया, यह अभी भी शोधकर्ताओं के लिए एक रहस्य बना हुआ है। ऐतिहासिक स्रोतों में, डोमरा के बारे में बहुत कम जानकारी संरक्षित की गई है, प्राचीन रूसी डोमरा की भी कम छवियां हमारे पास आई हैं। और क्या डोमरा को उन दस्तावेजों पर चित्रित किया गया है जो हमारे पास आए हैं, या उन दिनों में आम तौर पर कुछ अन्य टूटे हुए उपकरण हैं, यह भी अज्ञात है। डोमरा का पहला उल्लेख 16वीं शताब्दी के स्रोतों में मिलता है। वे डोमरा के बारे में एक ऐसे उपकरण के रूप में बात करते हैं जो उस समय रूस में पहले से ही काफी आम था।

फिलहाल, डोमरा की उत्पत्ति के दो सबसे संभावित संस्करण हैं। पहला और सबसे आम रूसी डोमरा की पूर्वी जड़ों के बारे में संस्करण है। दरअसल, डिजाइन और ध्वनि निकालने की विधि में समान उपकरण पूर्व के देशों की संगीत संस्कृतियों में मौजूद थे और अभी भी मौजूद हैं। यदि आपने कभी कज़ाख डोमबरा, तुर्की बगलामा या ताजिक रुबाब को देखा या सुना है, तो आपने देखा होगा कि इन सभी में एक गोल या अंडाकार आकार होता है, एक सपाट साउंडबोर्ड होता है, ध्वनि अलग-अलग आवृत्ति और तीव्रता के पल्ट्रम को मारकर निकाली जाती है। यह आम तौर पर स्वीकार किया जाता है कि इन सभी उपकरणों का एक पूर्वज था - पूर्वी तनबर। यह टैनबर था जिसमें एक अंडाकार आकार और एक सपाट साउंडबोर्ड था; उन्होंने इसे एक विशेष चिप के साथ बजाया, जो तात्कालिक सामग्रियों से बना था - एक पल्ट्रम। संभवतः, यह उपकरण, जो बाद में डोमरा में बदल गया, या तो तातार-मंगोल जुए के समय में लाया गया था, या पूर्व के देशों के साथ व्यापार संबंधों के दौरान लाया गया था। और निस्संदेह "डोमरा" नाम का मूल तुर्क है।

एक अन्य संस्करण इस धारणा से आगे बढ़ता है कि डोमरा अपनी वंशावली यूरोपीय ल्यूट से लेता है। सिद्धांत रूप में, मध्य युग में, किसी भी तार वाले वाद्य यंत्र को, जिसमें एक शरीर, गर्दन और तार होते थे, ल्यूट कहा जाता था। बदले में, ल्यूट की उत्पत्ति भी एक प्राच्य वाद्य यंत्र - अरबी अल-उद से हुई है। शायद डोमरा की उपस्थिति और डिज़ाइन पश्चिमी, यूरोपीय, स्लाव के उपकरणों से प्रभावित थी, उदाहरण के लिए, पोलिश-यूक्रेनी कोब्ज़ा और इसका उन्नत संस्करण - बंडुरा। बस बंडुरा ने सीधे ल्यूट से बहुत कुछ उधार लिया। यह देखते हुए कि मध्य युग में स्लाव लगातार जटिल ऐतिहासिक और सांस्कृतिक संबंधों में थे, निस्संदेह, डोमरा को उस समय के सभी यूरोपीय स्ट्रिंग-प्लक वाद्ययंत्रों के समान भी माना जा सकता है।

इस प्रकार, आज तक संचित ज्ञान और शोध के आधार पर, हम यह निष्कर्ष निकाल सकते हैं कि डोमरा एक विशिष्ट रूसी उपकरण था जो हमारे राज्य की संस्कृति और इतिहास में यूरोपीय और एशियाई दोनों विशेषताओं को जोड़ता था।

फिर भी, डोमरा की असली उत्पत्ति जो भी हो, यह अच्छी तरह से स्थापित है कि इस नाम का एक उपकरण रूस में मौजूद था और 16वीं-17वीं शताब्दी में रूसी संस्कृति का एक अभिन्न अंग था। इसे विदूषक संगीतकारों द्वारा बजाया जाता था, जैसा कि शोधकर्ताओं की प्रसिद्ध कहावत से प्रमाणित होता है "मुझे खुशी है कि विदूषक अपने डोमरा के बारे में हैं"। इसके अलावा, शाही दरबार में एक संपूर्ण "मनोरंजन कक्ष" था, एक प्रकार का संगीत और मनोरंजन समूह, जिसका आधार उनके डोमरा, वीणा, सींग और अन्य प्राचीन रूसी संगीत वाद्ययंत्रों के साथ भैंसे थे। इसके अलावा, कुछ शोधकर्ताओं के अनुसार, उस समय डोमरा ने पहले से ही सामूहिक किस्मों का एक परिवार बना लिया था। सबसे छोटे और चीख़ने वाले को "डोमरिश्का" कहा जाता था, सबसे बड़े और सबसे कम ध्वनि वाले को - "बास डोमरा" कहा जाता था।

यह भी ज्ञात है कि डोमरा और डोमरा कलाकार - बफून और "डोमराची" ने लोगों के बीच काफी लोकप्रियता हासिल की। हर समय और सभी लोगों के बीच सभी प्रकार के उत्सव, उत्सव और लोक उत्सव गीतों और संगीत वाद्ययंत्रों के साथ होते थे। मध्य युग में रूस में, लोगों का मनोरंजन करना "डोमराचीव", "गोसमेन", "स्क्रीपोटचिकोव" और अन्य संगीतकारों का काम था। डोमरा पर, वीणा की तरह, वे लोक महाकाव्यों, महाकाव्यों, किंवदंतियों के साथ थे, और लोक गीतों में डोमरा ने मधुर रेखा का समर्थन किया। यह प्रामाणिक रूप से ज्ञात है कि डोमरा और डोमरा स्ट्रिंग का हस्तशिल्प उत्पादन स्थापित किया गया था, जिसकी अदालत और साइबेरिया में डिलीवरी के रिकॉर्ड ऐतिहासिक दस्तावेजों में संरक्षित हैं ...

संभवतः, डोमरा बनाने की तकनीक इस प्रकार थी: लकड़ी के एक टुकड़े से एक शरीर को खोखला कर दिया जाता था, उसमें एक छड़ी-गिद्ध लगा दी जाती थी, तार या जानवरों की नसें खींच ली जाती थीं। वे एक ज़ुल्फ़, एक पंख, एक मछली की हड्डी से खेलते थे। जाहिरा तौर पर, एक अपेक्षाकृत सरल तकनीक ने इस उपकरण को रूस में व्यापक रूप से उपयोग करने की अनुमति दी।

लेकिन यहीं डोमरा के इतिहास में सबसे नाटकीय क्षण आता है। धर्मनिरपेक्ष संस्कृति के विकास के बारे में चिंतित, चर्च के मंत्रियों ने संगीतकारों के खिलाफ हथियार उठाए और भैंसों के प्रदर्शन को "राक्षसी खेल" घोषित कर दिया। परिणामस्वरूप, 1648 में, ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच ने निर्दोष उपकरणों - "राक्षसी खेलों" के उपकरणों के सामूहिक विनाश पर एक फरमान जारी किया। प्रसिद्ध डिक्री में लिखा है: "डोम्रा, और सुरन, और बीप, और स्तोत्र, और हरि, और सभी प्रकार के गूंजने वाले जहाज कहां होंगे ... जब्त करने का आदेश दिया और, उन राक्षसी खेलों को तोड़कर, जलाने का आदेश दिया।" 17वीं सदी के जर्मन यात्री एडम ओलेरियस के अनुसार, रूसियों को सामान्य रूप से वाद्य संगीत से प्रतिबंधित कर दिया गया था, और एक बार आबादी से ली गई वाद्ययंत्रों से भरी कई गाड़ियाँ मॉस्को नदी के पार ले जाया गया और वहाँ जला दिया गया। आम तौर पर संगीतकारों और विदूषक दोनों को सताया गया।

शायद भाग्य का इतना दुखद मोड़ दुनिया के किसी भी संगीत वाद्ययंत्र के साथ नहीं हुआ है। तो, चाहे बर्बर विनाश और निषेध के परिणामस्वरूप, या अन्य कारणों से, लेकिन 17वीं शताब्दी के बाद, शोधकर्ताओं को पुराने डोमरा का कोई महत्वपूर्ण उल्लेख नहीं मिलता है। प्राचीन रूसी वाद्ययंत्र का इतिहास यहीं समाप्त होता है, और कोई भी इसे समाप्त कर सकता है, लेकिन ... डोमरा का सचमुच राख से पुनर्जन्म होना तय था!

यह एक उत्कृष्ट शोधकर्ता और संगीतकार, एक असामान्य रूप से प्रतिभाशाली और असाधारण व्यक्ति - वसीली वासिलीविच एंड्रीव की गतिविधियों के कारण हुआ। 1896 में, व्याटका प्रांत में, उन्होंने एक अर्धगोलाकार शरीर वाले एक अज्ञात उपकरण की खोज की। शक्ल से यह मानकर कि यह डोमरा है, वह चला गया प्रसिद्ध गुरुशिमोन इवानोविच नालिमोव। उन्होंने मिलकर एक नए उपकरण का डिज़ाइन विकसित किया, जो कि पाए गए उपकरण के आकार और डिज़ाइन पर आधारित था। इतिहासकार अभी भी इस बात पर बहस कर रहे हैं कि क्या एंड्रीव द्वारा पाया गया उपकरण वास्तव में एक पुराना डोमरा था। फिर भी, 1896 में पुनर्निर्मित उपकरण को "डोमरा" कहा गया। एक गोल शरीर, एक मध्यम लंबाई की गर्दन, तीन तार, एक चौथी प्रणाली - पुनर्निर्मित डोमरा इस तरह दिखता था।

उस समय तक, एंड्रीव के पास पहले से ही एक बालिका ऑर्केस्ट्रा था। लेकिन उनके शानदार विचार को साकार करने के लिए, ग्रेट रशियन ऑर्केस्ट्रा को वाद्ययंत्रों के एक प्रमुख मधुर समूह की आवश्यकता थी, और अपनी नई क्षमताओं के साथ बहाल डोमरा इस भूमिका के लिए आदर्श था। महान रूसी ऑर्केस्ट्रा के निर्माण के इतिहास के संबंध में, यह एक और बात का उल्लेख करने योग्य है उत्कृष्ट व्यक्ति, जिसके बिना, शायद, इस विचार को अपना अवतार नहीं मिल पाता। यह पियानोवादक और पेशेवर संगीतकार निकोलाई पेत्रोविच फोमिन, एंड्रीव के सबसे करीबी सहयोगी हैं। यह फ़ोमिन के पेशेवर दृष्टिकोण के लिए धन्यवाद था कि एंड्रीव के सर्कल ने, पहले शौकिया तौर पर, संगीत संकेतन का अध्ययन किया, पेशेवर आधार पर खड़ा हुआ और फिर अपने प्रदर्शन से रूस और विदेशों दोनों में श्रोताओं को जीत लिया। और यदि एंड्रीव मुख्य रूप से विचारों का जनक था, तो फ़ोमिन वह व्यक्ति बन गया, जिसकी बदौलत, वास्तव में, डोम्रास और बालालाइका पूर्ण शैक्षणिक उपकरणों के रूप में विकास के पथ पर चल पड़े।

लेकिन वापस डोमरा पर। 1896-1890 की अवधि में। वी. एंड्रीव और एस. नालिमोव ने डोमरा की विभिन्न किस्मों को डिज़ाइन किया। और अपने नए जन्म के बाद पहले कुछ दशकों में, डोमरा आर्केस्ट्रा और सामूहिक प्रदर्शन के अनुरूप विकसित हुआ।

हालाँकि, लगभग तुरंत ही, एंड्रीव डोमरा की क्षमताओं पर कुछ सीमाएँ सामने आईं, जिसके संबंध में इसे रचनात्मक रूप से सुधारने के प्रयास किए गए। मुख्य कार्य उपकरण की सीमा का विस्तार करना था। 1908 में, कंडक्टर जी. ल्यूबिमोव के सुझाव पर, मास्टर एस. बुरोव ने पांचवीं प्रणाली के साथ चार-स्ट्रिंग डोमरा बनाया। "फोर-स्ट्रिंग" को वायलिन रेंज प्राप्त हुई, लेकिन, दुर्भाग्य से, समय और रंग के मामले में यह "थ्री-स्ट्रिंग" से कमतर थी। इसके बाद, इसकी सामूहिक किस्में और चार-तार वाले डोमरा का एक ऑर्केस्ट्रा भी दिखाई दिया।

डोमरा में रुचि हर साल बढ़ी, संगीत और तकनीकी क्षितिज का विस्तार हुआ, गुणी संगीतकार सामने आए। अंततः, 1945 में, रूसी लोक वाद्ययंत्रों के ऑर्केस्ट्रा के साथ डोमरा के लिए पहला वाद्य संगीत कार्यक्रम बनाया गया। प्रसिद्ध संगीत कार्यक्रमजी-मोल निकोलाई बुडास्किन ऑर्केस्ट्रा के कॉन्सर्टमास्टर के अनुरोध पर लिखा गया था। ओसिपोव एलेक्सी सिमोनेंकोव। यह इवेंट खुल गया नया युगडोमरा के इतिहास में. पहले वाद्य संगीत कार्यक्रम के आगमन के साथ, डोमरा एक एकल, गुणी वाद्य यंत्र बन गया।

1948 में, रूस में लोक वाद्ययंत्रों का पहला विभाग मॉस्को में स्टेट म्यूजिकल एंड पेडागोगिकल इंस्टीट्यूट में आई.आई. के नाम पर खोला गया था। गनेसिन्स। पहले डोमरा शिक्षक बने उत्कृष्ट संगीतकारयू शिशकोव, और फिर ऑर्केस्ट्रा के युवा एकल कलाकार। ओसिपोवा वी. मिरोमानोव और ए. अलेक्जेंड्रोव - तीन-तार वाला डोमरा बजाने के पहले स्कूल के निर्माता। उच्च व्यावसायिक शिक्षा के लिए धन्यवाद, मूल रूप से लोक वाद्ययंत्र डोमरा ने थोड़े ही समय में शैक्षणिक मंच पर अपना रास्ता बना लिया, जिसके लिए सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के वाद्ययंत्रों को सदियों लग गए (आखिरकार, वायलिन एक बार एक लोक वाद्ययंत्र था!)।

डोमरा का प्रदर्शन जबरदस्त गति से आगे बढ़ रहा है। 1974 में, लोक वाद्ययंत्रों पर कलाकारों की पहली अखिल रूसी प्रतियोगिता आयोजित की गई थी, प्रतियोगिता के विजेता उत्कृष्ट डोमरा कलाप्रवीण व्यक्ति थे - अलेक्जेंडर त्स्यगानकोव और तमारा वोल्स्काया (वह अनुभाग देखें जिनकी रचनात्मक गतिविधि ने दशकों तक डोमरा कला के विकास की दिशा निर्धारित की थी) आइए, स्वयं प्रदर्शन और डोमरा प्रदर्शनों की सूची दोनों के क्षेत्र में।

आज, डोमरा एक विशाल, मुख्य रूप से संगीतमय और अभिव्यंजक क्षमता वाला एक युवा आशाजनक उपकरण है, जिसकी वास्तव में रूसी जड़ें हैं और फिर भी, अकादमिक शैली की ऊंचाइयों तक पहुंच गया है। उसका क्या होगा आगे भाग्य? शब्द आपका है, प्रिय डोमिस्ट!

बालालय्का

विवरण
शरीर अलग-अलग (6-7) खंडों से चिपका हुआ है, लंबी गर्दन का सिर थोड़ा पीछे की ओर झुका हुआ है। धातु के तार (18वीं शताब्दी में, उनमें से दो में नसें होती थीं; आधुनिक बालालाइका में नायलॉन या कार्बन के तार होते हैं)। एक आधुनिक बालालिका की गर्दन पर 16-31 धातु के झल्लाहट होते हैं (19वीं शताब्दी के अंत तक - 5-7 मजबूर झल्लाहट)।

आवाज तेज़ लेकिन धीमी है. ध्वनि निकालने की सबसे आम तकनीकें: रैटलिंग, पिज़िकाटो, डबल पिज़िकाटो, सिंगल पिज़िकाटो, वाइब्रेटो, ट्रेमोलो, फ्रैक्शंस, गिटार ट्रिक्स।

निर्माण

19वीं सदी के अंत में वासिली एंड्रीव द्वारा बालालिका को एक संगीत वाद्ययंत्र में बदलने तक, इसकी कोई स्थायी, सर्वव्यापी प्रणाली नहीं थी। प्रत्येक कलाकार ने अपने प्रदर्शन की शैली, बजाये जाने वाले टुकड़ों की सामान्य मनोदशा और स्थानीय परंपराओं के अनुसार वाद्य यंत्र को ट्यून किया।

एंड्रीव द्वारा शुरू की गई प्रणाली (एकसमान में दो तार - नोट "मील", एक - एक चौथाई गेलन ऊंचा - नोट "ला" (और पहले सप्तक का "मील" और "ला") कॉन्सर्ट बालालिका खिलाड़ियों के बीच व्यापक हो गया और शुरू हुआ "अकादमिक" कहलाने के लिए। "लोक" प्रणाली भी है - पहली स्ट्रिंग "नमक" है, दूसरी - "मी", तीसरी - "करो"। इस प्रणाली में, ट्रायड लेना आसान है, इसका नुकसान यह खुले तारों पर बजाने में कठिनाई है। उपरोक्त के अलावा, उपकरण को ट्यून करने की क्षेत्रीय परंपराएं भी हैं। दुर्लभ स्थानीय सेटिंग्स दो दर्जन तक पहुंचती हैं।

किस्मों

रूसी लोक वाद्ययंत्रों के आधुनिक ऑर्केस्ट्रा में, बालालिका की पांच किस्मों का उपयोग किया जाता है: प्राइमा, दूसरा, वायोला, बास और डबल बास। इनमें से, केवल प्राइमा एक एकल, गुणी वाद्य यंत्र है, जबकि बाकी को विशुद्ध रूप से आर्केस्ट्रा कार्य सौंपा गया है: दूसरा और वायोला कॉर्ड संगत को लागू करते हैं, जबकि बास और डबल बास बास फ़ंक्शन करते हैं।

प्रसार

बालालिका एक काफी सामान्य संगीत वाद्ययंत्र है, जिसका अध्ययन रूस, बेलारूस, यूक्रेन और कजाकिस्तान के अकादमिक संगीत शिक्षण संस्थानों में किया जाता है।

बच्चों के संगीत विद्यालय में बालिका पर प्रशिक्षण की अवधि 5-7 वर्ष (छात्र की उम्र के आधार पर) है, और एक माध्यमिक शैक्षणिक संस्थान में - 4 वर्ष, एक उच्च शैक्षणिक संस्थान में 4-5 वर्ष। प्रदर्शनों की सूची: लोक गीतों की व्यवस्था, शास्त्रीय कार्यों की व्यवस्था, लेखक का संगीत।

कहानी
बालालिका की उपस्थिति के समय पर कोई एक दृष्टिकोण नहीं है। ऐसा माना जाता है कि बालालिका 17वीं शताब्दी के अंत से फैल रही है। मास्टर पासर्बस्की और नलिमोव के साथ मिलकर वी. एंड्रीव को धन्यवाद दिया गया। आधुनिक बालालाइकाओं का एक परिवार बनाया गया है: पिकोलो, प्राइमा, सेकेंड, वायोला, बास, डबल बास। बालालिका का उपयोग एकल संगीत कार्यक्रम, समूह और आर्केस्ट्रा वाद्ययंत्र के रूप में किया जाता है।

शब्द-साधन
उपकरण का नाम पहले से ही उत्सुक है, यह आम तौर पर लोक है, जो अक्षरों की ध्वनि के साथ इस पर बजाने के चरित्र को व्यक्त करता है। शब्द "बालालिका" की जड़, या, जैसा कि इसे "बालाबायका" भी कहा जाता था, ने लंबे समय से बालाकाट, बालाबोनिट, बालाबोलिट, जोकर जैसे रूसी शब्दों के साथ अपनी रिश्तेदारी से शोधकर्ताओं का ध्यान आकर्षित किया है, जिसका अर्थ है चैट करना, खाली कॉल (उसी अर्थ के सामान्य स्लाव *बोलबोल पर वापस जाएं)। ये सभी अवधारणाएँ, एक-दूसरे की पूरक हैं, बालिका का सार बताती हैं - हल्का, मज़ेदार, "झुनझुने वाला" उपकरण, बहुत गंभीर नहीं।

पहली बार, "बालालिका" शब्द पीटर I के शासनकाल के लिखित स्मारकों में पाया जाता है।

बालालिका का पहला लिखित उल्लेख 13 जून, 1688 के एक दस्तावेज़ में निहित है - "मेमोरी फ्रॉम द स्ट्रेल्टसी ऑर्डर टू द लिटिल रशियन ऑर्डर" (आरजीएडीए), जो अन्य बातों के अलावा, रिपोर्ट करता है कि मॉस्को में, स्ट्रेल्टसी ऑर्डर लाया गया था “<...>नगरवासी सवका फेडोरोव<...>हाँ<...>किसान इवाश्को दिमित्रीव, और उनके साथ एक बालालिका लाया गया था ताकि वे एक रथ के घोड़े पर सवार होकर यौस्की द्वार तक जाएं, गाने गाएं और तोई में बालालिका बजाएं, और रक्षक तीरंदाज जो यौस्की द्वार पर खड़े थे, उन्होंने डाँटा<...>».

अगला लिखित स्रोत जिसमें बालालिका का उल्लेख किया गया है वह पीटर I द्वारा हस्ताक्षरित "रजिस्टर" है, जो 1715 का संदर्भ देता है: सेंट पीटर्सबर्ग में, "प्रिंस-पापा" एन.एम. जोतोव की विदूषक की शादी के उत्सव के दौरान, अन्य उपकरणों के अलावा ममर्स द्वारा उठाए गए, चार बालालाइका नाम दिए गए थे।

पहली बार, यह शब्द 18वीं सदी की शुरुआत में (1717-1732 के दस्तावेजों में) यूक्रेनी भाषा में "बालाबाइका" के रूप में प्रमाणित किया गया था (जाहिर है, यह इसका पुराना रूप है, कुर्स्क और कराचेव बोलियों में भी संरक्षित है) ). रूसी में पहली बार वी. आई. माईकोव की कविता "एलिसे", 1771, गीत 1 में: "आप मेरे लिए एक सीटी या बालालिका धुनते हैं।"

सेलो (इतालवी वायलोनसेलो, संक्षेप में सेलो, जर्मन वायलोनसेलो, फ्रेंच वायलोनसेलो, अंग्रेजी सेलो)

बास और टेनर रजिस्टर का एक झुका हुआ तार वाला संगीत वाद्ययंत्र, जिसे 16वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध से जाना जाता है, इसकी संरचना वायलिन या वायोला के समान है, लेकिन बहुत बड़ा है। सेलो में व्यापक अभिव्यंजक संभावनाएं और सावधानीपूर्वक विकसित प्रदर्शन तकनीक है, इसका उपयोग एकल, सामूहिक और आर्केस्ट्रा वाद्ययंत्र के रूप में किया जाता है।

उपकरण के उद्भव और विकास का इतिहास

सेलो की उपस्थिति 16वीं शताब्दी की शुरुआत में हुई। प्रारंभ में, इसका उपयोग गायन के साथ या उच्च रजिस्टर के वाद्ययंत्र बजाने के लिए एक बास वाद्ययंत्र के रूप में किया जाता था। सेलो की कई किस्में थीं, जो आकार, तारों की संख्या और ट्यूनिंग में एक-दूसरे से भिन्न थीं (सबसे आम ट्यूनिंग आधुनिक से एक टोन कम थी)।
17वीं-18वीं शताब्दी में, इतालवी स्कूलों के उत्कृष्ट संगीत गुरुओं (निकोलो अमाती, ग्यूसेप ग्वारनेरी, एंटोनियो स्ट्राडिवारी, कार्लो बर्गोंज़ी, डोमेनिको मोंटेग्नाना, आदि) के प्रयासों ने एक मजबूती से स्थापित शरीर के आकार के साथ एक शास्त्रीय सेलो मॉडल बनाया। 17वीं शताब्दी के अंत में, सेलो के लिए पहला एकल कार्य सामने आया - जियोवानी गैब्रिएली द्वारा सोनाटा और राइसकार्स। 18वीं शताब्दी के मध्य तक, सेलो को एक संगीत वाद्ययंत्र के रूप में इस्तेमाल किया जाने लगा, इसकी तेज, पूर्ण ध्वनि और बेहतर प्रदर्शन तकनीक के कारण, अंततः संगीत अभ्यास से वियोला दा गाम्बा को विस्थापित कर दिया गया। सेलो सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा और चैम्बर पहनावा का भी हिस्सा है। संगीत में अग्रणी वाद्ययंत्रों में से एक के रूप में सेलो की अंतिम स्वीकृति 20वीं सदी में उत्कृष्ट संगीतकार पाब्लो कैसल्स के प्रयासों से हुई। इस वाद्ययंत्र पर प्रदर्शन स्कूलों के विकास से कई गुणी सेलिस्टों का उदय हुआ है जो नियमित रूप से एकल संगीत कार्यक्रम प्रस्तुत करते हैं।
सेलो प्रदर्शनों की सूची बहुत व्यापक है और इसमें कई संगीत कार्यक्रम, सोनाटा, एकल रचनाएँ शामिल हैं।


]सेलो बजाने की तकनीक

स्ट्राडिवारी द्वारा डुपोर्ट सेलो के साथ मस्टीस्लाव रोस्ट्रोपोविच।
सेलो पर प्रदर्शन करते समय बजाने और स्ट्रोक के सिद्धांत वायलिन के समान ही होते हैं, हालांकि, वाद्य यंत्र के बड़े आकार और वादक की अलग स्थिति के कारण, सेलो बजाने की तकनीक कुछ हद तक सीमित होती है। फ़्लैगियोलेट्स, पिज़िकाटो, थंब बेट और अन्य खेल तकनीकों का उपयोग किया जाता है। सेलो की ध्वनि रसदार, मधुर और तनावपूर्ण है, ऊपरी रजिस्टर में थोड़ी संकुचित है।
सेलो स्ट्रिंग संरचना: सी, जी, डी, ए (करो, एक बड़े सप्तक का नमक, रे, एक छोटे सप्तक का ला), यानी, वायोला के नीचे एक सप्तक। सेलो की सीमा, स्ट्रिंग पर बजाने की विकसित तकनीक के कारण, बहुत व्यापक है - सी (बड़े सप्तक तक) से ए4 (चौथे सप्तक का ए) और उच्चतर तक। नोट्स वास्तविक ध्वनि के अनुसार बास, टेनर और ट्रेबल क्लीफ़ में लिखे जाते हैं।


वाद्ययंत्र को पैरों की पिंडलियों द्वारा पकड़ा गया था
बजाते समय, कलाकार एक केपस्टर के साथ सेलो को फर्श पर टिका देता है, जो केवल 19वीं शताब्दी के अंत में व्यापक हो गया (इससे पहले, वाद्ययंत्र को पैरों के पिंडलियों द्वारा पकड़ा जाता था)। आधुनिक सेलो पर, फ्रांसीसी सेलिस्ट पी. टोर्टेलियर द्वारा आविष्कार किए गए घुमावदार केपस्टर का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है, जो उपकरण को एक चापलूसी स्थिति देता है, जिससे कुछ हद तक बजाने की तकनीक में सुविधा होती है।
सेलो व्यापक रूप से एक एकल वाद्ययंत्र के रूप में उपयोग किया जाता है, सेलो समूह का उपयोग स्ट्रिंग और सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में किया जाता है, सेलो स्ट्रिंग चौकड़ी का एक अनिवार्य सदस्य है, जिसमें यह सबसे कम है (डबल बास को छोड़कर, जिसे कभी-कभी उपयोग किया जाता है) यह) ध्वनि के संदर्भ में उपकरणों का, और अक्सर अन्य कक्ष समूहों में भी उपयोग किया जाता है। ऑर्केस्ट्रा स्कोर में, सेलो भाग को वायलास और डबल बेस के हिस्सों के बीच लिखा जाता है।

वायलिन के निर्माण का इतिहास

संगीत का इतिहास मानता है कि वायलिन अपने सबसे उत्तम रूप में 16वीं शताब्दी में उत्पन्न हुआ। उस समय तक, पूरे मध्य युग में सक्रिय सभी झुके हुए वाद्ययंत्र पहले से ही ज्ञात थे। वे में स्थित थे निश्चित क्रमऔर उस समय के विद्वान, अधिक या कम संभावना के साथ, उनकी पूरी वंशावली जानते थे। इनकी संख्या बहुत बड़ी थी और अब इस मामले की गहराई में जाने की जरूरत नहीं है.

नवीनतम शोधकर्ता इस निष्कर्ष पर पहुंचे हैं कि वायलिन किसी भी तरह से कमतर "वायोला दा गाम्बा" नहीं है। इसके अलावा, यह पर्याप्त सटीकता के साथ स्थापित किया गया है कि इन दोनों प्रकार के उपकरणों में एक-दूसरे से बिल्कुल अलग विशेषताएं हैं। "वायोल दा गाम्बा" से संबंधित सभी उपकरणों में एक सपाट पीठ, सपाट किनारे, एक गर्दन जो झल्लाहट से विभाजित थी, एक सिर जो अक्सर ट्रेफ़ोइल के रूप में होता था और अधिक बार एक जानवर या मानव सिर की छवि के साथ, कटआउट पर लैटिन अक्षर "सी" की रूपरेखा में उपकरण की ऊपरी सतह, और अंत में, चौथे और तिहाई में स्ट्रिंग ट्यूनिंग। इसके विपरीत, आधुनिक वायलिन के तत्काल पूर्ववर्ती के रूप में, "वायोला दा ब्रैचियो" में तारों की पांचवीं ट्यूनिंग थी, एक उत्तल पीठ थी, किनारे कुछ हद तक उठे हुए थे, फिंगरबोर्ड बिना किसी झल्लाहट के था, सिर के रूप में था एक स्क्रॉल और नॉच या "ईएफ़एस", इटैलिक में लैटिन एफ के एक दूसरे के सामने वाले लोअरकेस की रूपरेखा में।
इस परिस्थिति ने इस तथ्य को जन्म दिया कि उल्लंघन का परिवार गम्बा की क्रमिक कमी से बना था। इस प्रकार उत्पन्न हुआ पूर्ण दस्ताएक पुराना "चौकड़ी" या "पंचक", जो केवल विभिन्न आकारों के उल्लंघनों से बना है। लेकिन, वायल के एक पूरे परिवार के उद्भव के साथ, एक ऐसा उपकरण विकसित और बेहतर हुआ जिसमें आधुनिक वायलिन की सभी विशिष्ट और सबसे विशिष्ट विशेषताएं थीं। और यह उपकरण, वास्तव में, "हैंड वायोला" भी नहीं है सीधा अर्थशब्द, लेकिन तथाकथित "हैंड लिरे", जिसने स्लाव भूमि के लोक वाद्ययंत्र के रूप में, वायलिन के आधुनिक परिवार का आधार बनाया। महान राफेल (1483-1520), 1503 की अपनी एक पेंटिंग में, इस उपकरण का उत्कृष्ट चित्रण करता है। इस पर विचार करते हुए, इसमें तनिक भी संदेह नहीं है कि "हैंड लिर" को हमारे समय के आदर्श वायलिन में पूर्ण रूप से परिवर्तित करने के लिए बहुत कम बचा है। राफेल की छवि को आधुनिक वायलिन से अलग करने वाला एकमात्र अंतर केवल तारों की संख्या में है - दो बास वाले की उपस्थिति में उनमें से पांच हैं - और खूंटियों की रूपरेखा में, जो अभी भी दृढ़ता से एक के खूंटों से मिलते जुलते हैं पुराना उल्लंघन.
तब से, साक्ष्य अविश्वसनीय दर से कई गुना बढ़ गया है। प्राचीन "लिरे दा ब्राचियो" की छवि में जो मामूली सुधार किए जा सकते थे, वे इसे आधुनिक वायलिन के साथ सबसे त्रुटिहीन समानता प्रदान करेंगे। एक पुराने वायलिन के रूप में ये साक्ष्य 1516 और 1530 के हैं, जब एक बेसल पुस्तक विक्रेता ने इसे चुना था। पुराना वायलिनआपके ट्रेडमार्क के साथ. उसी समय, "वायलिन" शब्द, अपनी फ्रांसीसी शैली वायलोन में, पहली बार 16वीं शताब्दी की शुरुआत में फ्रांसीसी शब्दकोशों में दिखाई दिया। हेनरी प्रूनर (1886-1942) का दावा है कि 1529 से ही यह शब्द उस समय के कुछ व्यावसायिक पत्रों में शामिल था। हालाँकि, संकेत है कि "वायलोन" की अवधारणा 1490 के आसपास सामने आई थी, इसे संदिग्ध माना जाना चाहिए। इटली में, वायलिनिस्टा शब्द वायोल वादक के अर्थ में 1462 से प्रकट होना शुरू हुआ, जबकि वायलिनो शब्द "वायलिन" के अर्थ में केवल सौ साल बाद ही प्रयोग में आया, जब यह व्यापक हो गया। अंग्रेज़ों ने इस शब्द की फ़्रेंच वर्तनी को केवल 1555 में अपनाया, हालाँकि, तीन साल बाद इसे पूरी तरह से अंग्रेज़ी "वायलिन" से बदल दिया गया।
रूस में, सबसे प्राचीन स्मारकों की गवाही के अनुसार, झुके हुए वाद्ययंत्र बहुत लंबे समय से जाने जाते थे, लेकिन उनमें से कोई भी इतना विकसित नहीं हुआ कि बाद में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का एक वाद्य बन गया। सबसे पुराना प्राचीन रूसी धनुष यंत्र बीप है। अपने शुद्धतम रूप में, इसका एक अंडाकार, कुछ हद तक नाशपाती के आकार का लकड़ी का शरीर था, जिसके ऊपर तीन तार फैले हुए थे। वे धनुषाकार धनुष से सीटी बजाते थे, जिसका आधुनिक धनुष से कोई लेना-देना नहीं था। सीटी की उत्पत्ति का समय ठीक से ज्ञात नहीं है, लेकिन एक धारणा है कि "बीप" रूस में "पूर्वी" उपकरणों - डोमरा, सुरना और स्मिक के प्रवेश के साथ दिखाई दी। यह समय आमतौर पर XIV के उत्तरार्ध और XV सदी की शुरुआत से निर्धारित होता है। यह कहना कठिन है कि शब्द के शाब्दिक अर्थ में "वायलिन" कब प्रकट हुआ। यह निश्चित रूप से ज्ञात है कि 16वीं-17वीं शताब्दी की वर्णमाला पुस्तकों में वायलिन वादक का पहला उल्लेख "समान रूप से दर्शाता है कि व्याख्याकारों को इसके बारे में कोई जानकारी नहीं थी।" किसी भी मामले में, पी.एफ. फाइंडेसेन (1868-1928) के अनुसार, यह उपकरण अभी तक मॉस्को रूस के घरेलू और सार्वजनिक जीवन में ज्ञात नहीं था, और अपने पूर्ण रूप में पहला वायलिन मॉस्को में, जाहिरा तौर पर, शुरुआत में ही दिखाई दिया था। XVIII सदी। हालाँकि, वर्णमाला पुस्तकों के संकलनकर्ता, जिन्होंने एक समय में कभी वास्तविक वायलिन नहीं देखा था, केवल यह समझते थे कि यह वाद्य यंत्र एक तार वाला वाद्य यंत्र होगा, और इसलिए उन्होंने गलती से इसकी तुलना "गुसली" और "लिटिल रशियन लीरा" से कर दी, जो, बेशक, निश्चित रूप से सच नहीं था।
पश्चिम में नये वायलिन का कमोबेश विस्तृत विवरण 16वीं शताब्दी के मध्य से ही सामने आने लगता है। इस प्रकार, फ़िलिबर्ट जैम्बेस डी फेयर (1526-1572), समकालीन वायलिन की विशेषताओं और विशिष्ट विशेषताओं को रेखांकित करते हुए, कई नामों का हवाला देते हैं जिनसे यह निष्कर्ष निकाला जा सकता है कि "वायलिन का परिवार" वायलिन के मॉडल और समानता पर बनाया गया था। वियोला. उस समय से, 1556 से, वायलिन 17वीं शताब्दी के अंत तक कई किस्मों में अस्तित्व में था, जिन्हें इस नाम से जाना जाता है फ़्रेंच नामडेसस, क्विंटे, हाउते-कॉन्ट्रे, टैली और बेसे। इस रूप में वायलिन परिवार की रचना उस समय स्थापित हुई जब पीर मैरीन (1588-1648) ने उनके बारे में लिखना शुरू किया। "गैंग ऑफ़ ट्वेंटी-फोर" - जैसा कि लेस विंग्ट-क्वात्रे को एक समय में कहा जाता था - में समान उपकरण शामिल थे, लेकिन नाम पहले से ही स्थानांतरित हो गए थे। डेसस के बाद हाउते-कॉन्ट्रे आता था, और क्विंट टेलली और बेस के बीच होता था, लेकिन उनकी मात्रा बिल्कुल पहले के आंकड़ों से मेल खाती थी, जिनका अभी उल्लेख किया गया है। बाद में वायलिन की इस संरचना में एक और बदलाव हुआ, जिसके कारण हाउते-कॉन्ट्रे पूरी तरह से गायब हो गया, जिससे डेसस को रास्ता मिल गया और टैली क्विंट के साथ एकजुट हो गया, जिसने बाद के आदेश को अपना लिया। इस प्रकार, एक नए प्रकार का चार-भाग वाला धनुष संयोजन स्थापित किया गया, जिसमें डेसस पहले और दूसरे वायलिन, टेलली या क्विंटे - वायलास और बेस - सेलोज़ के अनुरूप था।
अब सटीकता से यह स्थापित करना कठिन है कि उस वाद्ययंत्र, जिसे अब "वायलिन" के नाम से जाना जाता है, का अंतिम समापन कब हुआ। सबसे अधिक संभावना है, यह सुधार एक सतत शृंखला में चलता रहा, और प्रत्येक मास्टर अपना कुछ न कुछ लेकर आया। फिर भी, यह स्पष्ट रूप से कहा जा सकता है कि 17वीं शताब्दी वायलिन के लिए "स्वर्ण युग" थी, जब वाद्ययंत्र की संरचना में संबंधों की अंतिम समाप्ति हुई और जब यह उस पूर्णता तक पहुंच गया कि इसे "सुधारने" का कोई प्रयास नहीं किया गया। पहले ही कदम बढ़ा सकता है. इतिहास ने महान वायलिन ट्रांसड्यूसरों के नामों को अपनी स्मृति में बरकरार रखा है और इस वाद्ययंत्र के विकास को वायलिन निर्माताओं के तीन परिवारों के नामों के साथ जोड़ा है। सबसे पहले, यह क्रेमोनीज़ मास्टर्स का अमती परिवार है, जो एंड्रिया ग्वारनेरी (1626?-1698) और एंटोनियो स्ट्राडिवारी (1644-1736) के शिक्षक बने। हालाँकि, वायलिन के अंतिम समापन का श्रेय सबसे अधिक ग्यूसेप-एंटोनियो ग्वारनेरी (1687-1745) और विशेष रूप से एंटोनियो स्ट्राडिवारी को जाता है, जो आधुनिक वायलिन के महानतम निर्माता के रूप में प्रतिष्ठित हैं।
लेकिन हर किसी को वायलिन में वह सब कुछ पसंद नहीं आया जो उस समय तक महान क्रेमोनीज़ द्वारा स्थापित किया जा चुका था। कई लोगों ने स्ट्राडिवारी द्वारा अपनाए गए अनुपातों को बदलने की कोशिश की, और निस्संदेह, कोई भी इसमें सफल नहीं हुआ। हालाँकि, सबसे अधिक उत्सुकता कुछ सबसे पिछड़े उस्तादों की वायलिन को हाल के अतीत में लौटाने और उस पर वायोला की अप्रचलित विशेषताओं को थोपने की इच्छा थी। जैसा कि आप जानते हैं, वायलिन में कोई झल्लाहट नहीं थी। इससे इसकी ध्वनि की मात्रा का विस्तार करना और वायलिन वादन की तकनीक को परिपूर्ण करना संभव हो गया। हालाँकि, इंग्लैंड में वायलिन के ये गुण "संदिग्ध" लगते थे, और वाद्ययंत्र की "स्वर ध्वनि" पर्याप्त सटीक नहीं थी। इसलिए, ध्वनि के निष्कर्षण में संभावित "अशुद्धि" को खत्म करने के लिए वायलिन के फ्रेटबोर्ड पर फ्रेट की शुरुआत की गई और जॉन प्लेफोर्ड (1623-1686?) के नेतृत्व में प्रकाशन गृह ने 1654 से 1730 तक एक मैनुअल को दोबारा मुद्रित किया। "मोडल सारणी" के अनुसार संकलित। हालाँकि, न्याय को यह कहने की आवश्यकता है कि यह सामान्य रूप से था एकमात्र मामला, वायलिन वादन के इतिहास में प्रसिद्ध। इस वाद्ययंत्र को बजाने में सुधार और सुविधा प्रदान करने के अन्य प्रयासों को स्ट्रिंग ट्यूनिंग या तथाकथित "स्कोर्डेटुरा" तक सीमित कर दिया गया है। इसका मतलब समझ में आया, और कई प्रमुख वायलिन वादकों, जैसे टार्टिनी (1692-1770), लॉली (1730-1802), पगनिनी (1784-1840) और कुछ अन्य, प्रत्येक ने अपने वाद्ययंत्र को अपने तरीके से ट्यून किया। कभी-कभी स्ट्रिंग ट्यूनिंग की इस पद्धति का उपयोग विशेष, कलात्मक लक्ष्यों को प्राप्त करने के लिए अब भी किया जाता है।
स्ट्राडिवेरियस वायलिन. फोटो gruhn.com से तो, वायलिन को 17वीं शताब्दी के अंत तक अपना सबसे उत्तम अवतार प्राप्त हुआ। एंटोनियो स्ट्राडिवेरी इसे इसकी वर्तमान स्थिति में लाने वाले आखिरी व्यक्ति थे, और 18 वीं शताब्दी के मास्टर फ्रांकोइस टूर्ट को आधुनिक धनुष के निर्माता के रूप में सम्मानित किया जाता है। लेकिन वायलिन के विकास और वास्तविक जीवन में इसके कार्यान्वयन में चीजें कम सफल रहीं। वायलिन तकनीक के विकास और सुधार के पूरे लंबे और विविध इतिहास को कुछ शब्दों में व्यक्त करना बहुत मुश्किल है। यह कहने के लिए पर्याप्त है कि वायलिन की उपस्थिति ने बहुत सारे विरोधियों को जन्म दिया। कई लोगों को बस वायोला की खोई हुई सुंदरता पर पछतावा हुआ, जबकि अन्य बिन बुलाए अजनबी के खिलाफ निर्देशित संपूर्ण "ग्रंथ" लेकर आए। केवल उन महान वायलिन वादकों को धन्यवाद, जिन्होंने वायलिन वादन की तकनीक को निर्णायक रूप से आगे बढ़ाया, वायलिन ने वह स्थान प्राप्त किया जिसका वह वास्तविक हकदार था। 17वीं शताब्दी में, ये गुणी वायलिन वादक ग्यूसेप टोरेली और आर्कान्जेलो कोरेली थे। भविष्य में, एंटोनियो विवाल्डी (1675-1743) ने वायलिन के लाभ के लिए बहुत काम किया, और अंततः, निकोलो पगनिनी के नेतृत्व में अद्भुत वायलिन वादकों की एक पूरी श्रृंखला तैयार हुई। आधुनिक वायलिन में पाँचवें क्रम में चार तार होते हैं। शीर्ष स्ट्रिंग को कभी-कभी पाँचवाँ कहा जाता है, और निचली स्ट्रिंग को बास कहा जाता है। वायलिन के सभी तार शिरापरक या आंतों वाले होते हैं, और ध्वनि की अधिक परिपूर्णता और सुंदरता के लिए केवल "बास" को पतले चांदी के धागे या "जिम्प" से बांधा जाता है। वर्तमान में, सभी वायलिन वादक "पांचवें" के लिए एक धातु स्ट्रिंग का उपयोग करते हैं और बिल्कुल उसी तरह, लेकिन केवल कोमलता के लिए एक पतले एल्यूमीनियम धागे के साथ लपेटा जाता है, ए स्ट्रिंग, हालांकि कुछ संगीतकार बिना किसी "जिम्प" के शुद्ध एल्यूमीनियम ए स्ट्रिंग का भी उपयोग करते हैं। इस संबंध में, मील के लिए धातु की डोरी और ला के लिए एल्युमीनियम ने, री स्ट्रिंग की सोनोरिटी को मजबूत करना आवश्यक बना दिया, जिसे तब भी वेन किया गया था, जो एक एल्यूमीनियम "जिम्प" की मदद से किया गया था, जो चारों ओर लपेटा गया था, जैसे कि "बास्क", यह उत्तरार्द्ध और, वैसे, जिसने उसकी भलाई की। फिर भी, इन सभी घटनाओं ने सच्चे पारखी लोगों को बहुत परेशान किया, क्योंकि अन्य मामलों में धातु के तारों की आवाज़ की आवाज़ और तीव्रता बहुत ही ध्यान देने योग्य और अप्रिय है, लेकिन करने के लिए कुछ नहीं है और किसी को परिस्थितियों के साथ समझौता करना पड़ता है।
वायलिन के तार, वाद्ययंत्र की आवश्यकताओं के अनुसार ट्यून किए गए, खुले या खाली कहलाते हैं, और दूसरे सप्तक के मील से एक छोटे नमक तक शुद्ध पांचवें अवरोही क्रम में ध्वनि करते हैं। तारों के क्रम को हमेशा ऊपर से नीचे तक माना जाता है, और यह प्रथा "हैंडल के साथ" या "गर्दन" वाले सभी झुके हुए और तार वाले वाद्ययंत्रों के संबंध में प्राचीन काल से संरक्षित है। वायलिन के लिए नोट्स केवल "में लिखे गए हैं तिहरी कुंजी"या कुंजी नमक.
"ओपन" या ऑर्केस्ट्रल उपयोग में - एक खाली स्ट्रिंग की अवधारणा, स्टैंड से लेकर नट तक की पूरी लंबाई में स्ट्रिंग की ध्वनि को दर्शाती है, अर्थात, उन दो बिंदुओं के बीच जो ट्यूनिंग के दौरान इसकी वास्तविक ऊंचाई निर्धारित करते हैं। स्ट्रिंग की लंबाई आमतौर पर समान बिंदुओं द्वारा निर्धारित की जाती है, क्योंकि ऑर्केस्ट्रा में यह स्ट्रिंग का बजने वाला हिस्सा है जिसे ध्यान में रखा जाता है, न कि उप-गर्दन और खूंटे के बीच संलग्न इसका "पूर्ण मूल्य"। शीट संगीत में, एक खुली स्ट्रिंग को नोट के ऊपर या नीचे रखे एक छोटे वृत्त या शून्य द्वारा दर्शाया जाता है।
कुछ मामलों में, जब काम के संगीतमय ताने-बाने को इसकी आवश्यकता होती है, तो आप "बास्क" के लिए एक छोटे सप्तक का एफ शार्प या "पांचवें" के लिए दूसरा डी शार्प प्राप्त करने के लिए स्ट्रिंग को सेमीटोन में ट्यून कर सकते हैं।
स्रोत संगीत-instrument.ru

इतिहास का इलेक्ट्रिक गिटार का निर्माण (इलेक्ट्रिक गिटार)

20वीं सदी में प्रौद्योगिकी के विकास ने मानव अस्तित्व के सांस्कृतिक पक्ष की उपेक्षा नहीं की। प्लेबैक के लिए इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों का उद्भव और, सबसे महत्वपूर्ण, ध्वनि प्रसंस्करण, अंततः संगीत वाद्ययंत्रों को प्रभावित नहीं कर सका। मौलिक रूप से नए संगीत वाद्ययंत्र बनाने के प्रयासों के अलावा, प्रसिद्ध पुराने वाद्ययंत्रों को "आधुनिकीकरण" करने का भी प्रयास किया गया। इसलिए लॉयड लोहर ने 1924 में पहला चुंबकीय पिकअप डिज़ाइन किया, एक उपकरण जो धातु के तार के कंपन को विद्युत संकेत में परिवर्तित करता है। उस समय यह प्रतिभाशाली इंजीनियर काम करता था, आप कहां सोचेंगे? - गिब्सन में! लेकिन जैसा कि आप समझते हैं, सृष्टि से पहले लेस पॉलअभी भी काफी दूर है - 28 वर्षों तक, ताकि पहले बड़े पैमाने पर उत्पादित इलेक्ट्रिक गिटार गिब्सन द्वारा जारी न किए जाएं। और यह इलेक्ट्रो स्ट्रिंग कंपनी नामक कंपनी द्वारा किया गया था, जिसके संस्थापकों में से एक एडॉल्फ रेनबैकर थे, जिन्होंने बाद में, जैसा कि आप शायद पहले ही अनुमान लगाया था, बहुत प्रसिद्ध रेनबैकर कंपनी की स्थापना की, जिसने जॉन लेनन के लिए एक हस्ताक्षर गिटार जारी किया - 325 जेएल। इन पहले गिटारों की बॉडी एल्यूमीनियम से बनी थी, यही वजह है कि उन्हें "फ्राइंग पैन" नाम मिला। यह घटना 1931 में घटी थी. मुझे नहीं पता कि गिटार के साथ पिकअप जोड़ने का कोई अन्य प्रयास हुआ था या नहीं, शायद वहाँ थे, लेकिन केवल 1951 में ही उन्होंने उन बहुत ही क्लासिक और पहचानने योग्य रूपों को प्राप्त किया। और लियो फेंडर ने अपने प्रसिद्ध टेलीकास्टर को जारी करके ऐसा किया और यह पहले से ही एक सफलता थी, एक अंतरिक्ष यान को एक आदमी के साथ कक्षा में स्थापित करने जैसा कुछ। पतवार लकड़ी से बना था, हालाँकि इसके डिज़ाइन में कोई समानता नहीं थी शास्त्रीय गिटार. किसी कारण से, बहुत से लोग सोचते हैं कि इलेक्ट्रिक गिटार न जाने किस चीज से बने होते हैं: धातु, प्लास्टिक और कुछ अन्य अति-आधुनिक सामग्री, नहीं - गिटार बनाए गए थे और आज भी बनाए जाते हैं, मुख्य रूप से लकड़ी से, बिल्कुल एक व्यक्ति की तरह 70% पानी.
उस क्षण से, इलेक्ट्रिक गिटार को एक संगीत वाद्ययंत्र और एक सांस्कृतिक घटना के रूप में माना जा सकता है। बेशक, गिब्सन भी पीछे नहीं रहे और उन्होंने 1952 में अपने दिग्गज लेस पॉल को रिलीज़ कर दिया। और परीक्षण शॉट 1954 में आया, जब फेंडर ने स्ट्रैटोकास्टर को कक्षा में लॉन्च किया। ब्लूज़, रॉक और देशी संगीतकारों ने इन मॉडलों और निर्माताओं के गिटार बजाना शुरू कर दिया। बेशक, तब से कई अलग-अलग सुंदर और बहुत लोकप्रिय नहीं और बहुत लोकप्रिय गिटार नहीं हैं, लेकिन यह संभावना नहीं है कि आज तक, कोई और अधिक महत्वपूर्ण कुछ लेकर आया है, अगर आप ध्वनि प्रसंस्करण को ध्यान में नहीं रखते हैं। बेशक, विभिन्न नवाचार हैं, जैसे सातवीं और आठवीं स्ट्रिंग को जोड़ना (एक नियम के रूप में, ये चरम शैलियों और प्रवृत्तियों के बैंड और संगीतकारों के लिए गिटार हैं), लेकिन ये सभी घटनाएं हैं जो "नहीं हुईं" ऊपर सूचीबद्ध "खोजों" के महत्व में करीब आएं।
लेकिन सबसे दिलचस्प बात यह है कि गिटार अभी भी गिटार ही बना हुआ है। किसी कारण से, कई लोग जो संगीत से दूर हैं, सोचते हैं कि इलेक्ट्रिक गिटार एक संगीत वाद्ययंत्र है जिसका शास्त्रीय गिटार से कोई लेना-देना नहीं है। बेशक, अंतर बहुत बड़ा है, उपस्थिति से लेकर बजाने की तकनीक तक, लेकिन फिर भी यह एक ही वाद्ययंत्र है जिसमें समान (कुछ अपवादों के साथ) ट्यूनिंग और कॉर्ड फ़िंगरिंग्स हैं, जिसका अर्थ है कि गाने के कॉर्ड्स को जानकर, वे हो सकते हैं इलेक्ट्रिक और ध्वनिक गिटार दोनों पर समान सफलता के साथ प्रदर्शन किया।

गिटार और उसकी वर्तमान स्थिति का संक्षिप्त इतिहास

जैसा कि आप जानते हैं, गिटार राष्ट्रीय स्पेनिश वाद्ययंत्र है। अब तक, गिटार की उत्पत्ति ठीक से स्थापित नहीं हो पाई है। यह माना जाना चाहिए कि इसका प्रोटोटाइप असीरियन-बेबीलोनियन केफ़ारा या मिस्र का सिटहारा है। इसे रोमन (लैटिन गिटार) या अरब (मूरिश गिटार) द्वारा इबेरियन प्रायद्वीप में लाया जा सकता था। पहले में, उन्होंने "पुनटीडो" तकनीक से बजाया, यानी चुटकी बजाते हुए, दूसरे में, जिसमें तेज़ ध्वनि थी, उन्होंने "रासगुएडो" तकनीक से बजाया, यानी, सभी तारों के साथ तारों को खड़खड़ाकर दाहिने हाथ की उंगलियाँ.

आधुनिक प्रकार का गिटार, या किसी भी मामले में इसके करीब, संभवतः 16 वीं शताब्दी से पहले प्राचीन सिटहारा की इन दो किस्मों के संलयन से उत्पन्न हुआ था। हमारे पास वर्तमान में इसे बजाने के एक अलग तरीके से गिटार की इस दोहरी उत्पत्ति का एक अप्रत्यक्ष संकेत है: लोक - "रासगुएडो", - मूरिश गिटार बजाने से उत्पन्न, और पेशेवर - "पंटेडैडो", - लैटिन गिटार से उत्पन्न .

अन्य यूरोपीय देशों (XVI-XVII सदियों) में प्रवेश के समय तक, गिटार में पांच तार थे, जो संबंधित ल्यूट की तरह, एक चौथाई अनुपात में ट्यून किए गए थे। यह निश्चित नहीं है कि छठा तार जर्मनी या इटली में जोड़ा गया था। इस अंतिम रूप में, गिटार ने एक गंभीर वाद्ययंत्र का अधिकार प्राप्त कर लिया। अपनी संगीत संभावनाओं में इस वृद्धि के आधार पर, छह-तार वाले गिटार ने अपना पहला उत्कर्ष अनुभव किया (18वीं सदी के अंत से 19वीं सदी के मध्य तक)। इस अवधि के दौरान गिटार उन्नत हुआ पूरी लाइनशानदार गुणी और संगीतकार, जैसे कि स्पैनियार्ड्स अगुआडो और सोर और इटालियंस गिउलिआनी, लेनियानी, कारकैसी, कारुली, त्सानी डी फेरांति, रेगोंडी, मोरेटी और अन्य। यूरोपीय देशों में इन गिटारवादकों की संगीत गतिविधि ने गिटार को एक उच्च पेशेवर स्तर पर पहुंचा दिया और सबसे बड़े संगीतकारों, कवियों और लेखकों में से कई अनुयायियों को जीत लिया। उनमें से कुछ - संगीतकार मोंटेवेर्डी, रॉसिनी, ग्रेट्री, ओबेर, डोनिज़ेट्टी, वर्डी, मैसेनेट - ने अपने ओपेरा में गिटार का इस्तेमाल किया; अन्य - संगीतकार लूली, वेबर, डायबेली, बर्लियोज़, गुनोद - ने स्वयं गिटार बजाया; अन्य - ग्लिंका, त्चिकोवस्की - को गिटार सुनना पसंद था। यह विशेष रूप से ध्यान दिया जाना चाहिए कि प्रसिद्ध वायलिन वादक पगनिनी एक ही समय में एक उत्कृष्ट गिटारवादक थे और उन्होंने गिटार के लिए कई रचनाएँ लिखीं। कवि और लेखक: गोएथे, केर्नर, लेनौ, बायरन, शेली, डेरझाविन, पुश्किन, लेर्मोंटोव, एल. टॉल्स्टॉय, बौडेलेयर और कई अन्य लोगों को गिटार पसंद था और उन्होंने अपने कार्यों में इसे एक से अधिक पृष्ठ समर्पित किए।

गिटार का उत्कर्ष, जो लगभग 19वीं सदी के अंत तक चला, उसकी जगह इसकी गिरावट ने ले ली, जिसका मुख्य कारण पियानोफोर्ट की उपस्थिति थी। हालाँकि, 20वीं सदी की शुरुआत से, हम गिटार के एक नए उत्कर्ष का दौर देख रहे हैं, जो जाहिर तौर पर एक प्राचीन और सबसे अभिव्यंजक लोक वाद्ययंत्रों में से एक के रूप में इसके प्रति आम जनता के दृष्टिकोण में बदलाव के कारण हुआ है। . परिणामस्वरूप, असाधारण रूप से प्रतिभाशाली गिटार वादक, जिनमें अधिकतर स्पेनवासी थे, प्रकट हुए: तारेगा, लोबेट, सेगोविया, पुजोल और अन्य, जिन्होंने गिटार बजाने की कला में महारत हासिल की और गिटार को अन्य पारंपरिक एकल वाद्ययंत्रों के बराबर रखा। और फिर, पहले उत्कर्ष के युग की तरह, गिटार सबसे प्रमुख संगीतकारों जैसे ट्यूरिन, डी फला, पोंस, रूसेल और अन्य में से कई दोस्तों को आकर्षित करता है।

हमारे देश में इसका व्यापक वितरण भी हुआ छह तार वाला गिटारइसकी किस्म सात-तार वाला गिटार है, मुख्यतः टर्टियन ट्यूनिंग के साथ।

अकॉर्डियन, बटन अकॉर्डियन

इतिहास और किस्में ईख के उपकरण(अकॉर्डियन, बटन अकॉर्डियन, आदि)

अकॉर्डियन एक संगीत वाद्ययंत्र है जिसमें स्वतंत्र रूप से फिसलने वाली धातु की छड़ों द्वारा ध्वनि उत्पन्न की जाती है - धौंकनी द्वारा पंप की गई वायु धारा की क्रिया के तहत कंपन करने वाली पतली प्लेटें। बाएं हाथ से, कलाकार धौंकनी को नियंत्रित करता है, और राग के साथ बास और कॉर्ड बटन भी दबाता है, जिसे दाहिने हाथ से बजाया जाता है।

रूस में, मॉस्को में, दुनिया में हार्मोनिक्स का सबसे अच्छा और सबसे व्यापक संग्रहालय है (दुनिया में ऐसे 4 संग्रहालय हैं: जर्मनी में क्लिंगेंथल में राष्ट्रीय हार्मोनिक्स संग्रहालय भी है, इटली में कैस्टेल्फ़िडार्डो में हार्मोनिक्स संग्रहालय भी है) और संयुक्त राज्य अमेरिका में .सुपर इओर-डेल्यूसी) में अकॉर्डियन संग्रहालय।

रीड उपकरणों के विकास का सामान्य इतिहास

ध्वनि निष्कर्षण के रीड सिद्धांत वाला पहला ज्ञात उपकरण प्राचीन पूर्वी शेंग (बर्मा, तिब्बत, लाओस और चीन में उत्पन्न) है। इस उपकरण के निर्माण की सटीक तारीख अज्ञात है, लेकिन ऐसा माना जाता है कि यह 2,000 वर्ष से अधिक पुराना है। इसे एक "शुद्ध" वाद्ययंत्र माना जाता था, यानी पवित्र संगीत के प्रदर्शन के लिए उपयुक्त। लगभग 700 ई शेंग एक उन्नत लोकप्रिय वाद्ययंत्र था जिसे 12 कुंजियों में बजाया जा सकता था, और इन वाद्ययंत्रों के लिए एक सामंजस्य पाठ्यपुस्तक बनाई गई थी।



रूस में हार्मोनिकस, बटन अकॉर्डियन और अकॉर्डियन की उपस्थिति

रूस में हार्मोनिक्स की उपस्थिति XIX सदी के 40 के दशक की शुरुआत में हुई। जनसंख्या के विशेषाधिकार प्राप्त वर्ग, जैसा कि दर्शाया गया है साहित्यिक स्रोत, विदेशों में हाथ के हार्मोनिकस खरीदे, और सर्फ़ नौकरों के माध्यम से, हार्मोनिकस दिखाई दिए और गांवों में लोकप्रिय हो गए। ऐसी धारणा है कि हार्मोनिकस को विदेशी कारीगरों द्वारा आयात किया जा सकता है, जिसका ऑर्डर तुला हथियार कारखानों को दिया जाता है।
तुला कारीगरों के बीच, एक राय थी कि बंदूकधारी सिज़ोव और शुकुनेव ने हार्मोनिकस का आविष्कार किया था। कुछ रिपोर्टों के अनुसार, इनका उत्पादन XIX सदी के 30 के दशक में किया गया था। हालाँकि, तुला प्रांत में, यह ज्ञात नहीं है कि वे किस प्रकार के हार्मोनिक्स के बारे में बात कर रहे हैं - माउथपीस या मैनुअल वाले के बारे में।



हार्मोनिक्स के उपकरण के बारे में सामान्य जानकारी

हारमोनिका को सभी संगीत वाद्ययंत्र कहा जा सकता है, जिसमें ध्वनि एक धातु जीभ (आवाज) द्वारा पुन: उत्पन्न होती है जो हवा की धारा की कार्रवाई के तहत कंपन करते हुए स्वतंत्र रूप से फिसलती है। हारमोनिका में हवा की आपूर्ति हाथ या पैर की धौंकनी (हैंड हारमोनिका, हारमोनियम), पंखे (ऑर्गनोला, ऑर्गेनेट्स) की मदद से की जाती है या कलाकार के फेफड़ों (मुंह हारमोनियम) द्वारा साँस छोड़ी और अंदर ली जाती है। सभी आधुनिक हार्मोनिका में, रीड को धातु के आधार पर एक छोर पर रिवेटिंग के साथ बांधा जाता है, जिसे फ्रेम (चेसिस) कहा जाता है। कीलकदार जीभ सहित फ्रेम को बार कहा जाता है।



शेंग (गोनोफुई, केन, लुशेंग)

शेंग हारमोनिका परिवार के सबसे पुराने उपकरणों में से एक है, जिसकी उत्पत्ति बर्मा, तिब्बत, लाओस और चीन में हुई थी। प्राचीन चीनी पांडुलिपियों (2-3 हजार वर्ष ईसा पूर्व) के अनुसार, वैज्ञानिकों ने उपकरण का सबसे पहला नाम स्थापित किया है - यू। फिर इसे चाओ, हो, शेंग कहा जाने लगा - यह इसके निर्माण के लिए प्रयुक्त आकार और सामग्री पर निर्भर करता है। शेंग की अन्य किस्में भी जानी जाती हैं - चोनोफुई या गोनोफुई (जापान), केन (लाओस), लुशेंग और हुलुशेंग (दक्षिण-पश्चिमी चीन)। रूस और अन्य यूरोपीय देशों में, शेंग को कभी-कभी चीनी मुंह के अंग कहा जाता था।



बिबेलहारमोनिका, ऑर्केस्ट्रियन, एलोडिकॉन

जब ध्वनि उत्पादन के नए सिद्धांत (एक फिसलती हुई धातु की जीभ) पर निर्मित पहला संगीत वाद्ययंत्र यूरोप में दिखाई दिया, तो अंग निर्माताओं ने संगीत वाद्ययंत्रों के पुराने रूपों का उपयोग किया: पोर्टेबल अंग, रेगलिया, सकारात्मक (पोर्टेबल) अंग, आदि। यह स्पष्ट रूप से देखा जाता है इस तरह के पहले उपकरणों के उदाहरण में।

सिंथेसाइज़र

एक इलेक्ट्रॉनिक संगीत वाद्ययंत्र जो एक या अधिक ध्वनि तरंग जनरेटर का उपयोग करके ध्वनि को संश्लेषित करता है। वांछित ध्वनि विद्युत सिग्नल के गुणों को बदलकर (एनालॉग सिंथेसाइज़र में) या केंद्रीय प्रोसेसर के मापदंडों को समायोजित करके (डिजिटल सिंथेसाइज़र में) प्राप्त की जाती है।

कीबोर्ड के साथ केस के रूप में बने सिंथेसाइज़र को कीबोर्ड सिंथेसाइज़र कहा जाता है।
बिना कीबोर्ड के केस के रूप में बने सिंथेसाइज़र को सिंथेसाइज़र मॉड्यूल कहा जाता है और इसे MIDI कीबोर्ड से नियंत्रित किया जाता है।
यदि कोई कीबोर्ड सिंथेसाइज़र बिल्ट-इन सीक्वेंसर से सुसज्जित है, तो इसे वर्कस्टेशन कहा जाता है।
सिंथेसाइज़र के प्रकार:

प्रयुक्त तकनीक के आधार पर, सिंथेसाइज़र को कई प्रकारों में विभाजित किया जाता है:

एनालॉग सिंथेसाइज़र योगात्मक और घटाव प्रकार के संश्लेषण को लागू करते हैं। एनालॉग सिंथेसाइज़र की मुख्य विशेषता यह है कि ध्वनि वास्तविक विद्युत सर्किट का उपयोग करके उत्पन्न और संसाधित की जाती है। अक्सर विभिन्न संश्लेषण मॉड्यूल का कनेक्शन विशेष केबलों - पैच-तारों का उपयोग करके किया जाता है, इसलिए "पैच" संगीतकारों के बीच सिंथेसाइज़र के एक निश्चित समय के लिए सामान्य नाम है।

एनालॉग सिंथेसाइज़र का मुख्य लाभ यह है कि समय के साथ ध्वनि की प्रकृति में सभी परिवर्तन, जैसे फ़िल्टर कटऑफ़ आवृत्ति की गति, बेहद सुचारू रूप से (लगातार) होते हैं। नुकसान में शामिल हैं उच्च स्तरशोर, ट्यूनिंग अस्थिरता की समस्या अब दूर हो गई है। आज उपयोग में आने वाले सबसे प्रसिद्ध एनालॉग सिंथेसाइज़र में शामिल हैं: मिमिमोग वोयाजर, लिटिलफैटी, पैगंबर '08, एंड्रोमेडा ए6।

वर्चुअल एनालॉग सिंथेसाइज़र एक एनालॉग सिंथेसाइज़र और एक डिजिटल सिंथेसाइज़र के बीच एक हाइब्रिड होते हैं, जो अपने शरीर में एक सॉफ्टवेयर घटक रखते हैं। उनमें से सबसे प्रसिद्ध हैं: एक्सेस वायरस टीआई, नॉर्ड लीड 2x, नॉर्ड मॉड्यूलर, डीएसआई पॉली इवोल्वर।

डिजिटल सिंथेसाइज़र में स्वयं डिजिटल सिंथेसाइज़र, साथ ही उनकी विविधताएँ शामिल हैं: वर्चुअल सिंथेसाइज़र-प्लगइन्स / स्टैंडअलोन और इंटरैक्टिव सिंथेसाइज़र। वे विभिन्न प्रकार के संश्लेषण क्रियान्वित करते हैं। मूल तरंगरूप बनाने और चलाने के लिए, फिल्टर, लिफाफे आदि के साथ ध्वनि को संशोधित करना। एक केंद्रीय प्रोसेसर और कई सहप्रोसेसरों पर आधारित डिजिटल उपकरणों का उपयोग किया जाता है।

वास्तव में, डिजिटल सिंथेसाइज़र एक अत्यधिक विशिष्ट कंप्यूटर है। आधुनिक डिजिटल सिंथेसाइज़र (कोर्ग ओएसिस, रोलैंड फैंटम, यामाहा टायरोस) के सबसे उन्नत मॉडल, पर्सनल कंप्यूटर की तरह, आपको ऑपरेटिंग सिस्टम को अपडेट करने, पेज मेनू, अंतर्निहित सहायता फ़ाइलें, स्क्रीन सेवर इत्यादि शामिल करने की अनुमति देते हैं।

वर्चुअल सिंथेसाइज़र डिजिटल सिंथेसाइज़र का एक उपसमूह हैं, लेकिन वे एक विशेष प्रकार के सॉफ़्टवेयर हैं। ध्वनि उत्पन्न करने के लिए, पर्सनल कंप्यूटर के केंद्रीय प्रोसेसर और रैम का उपयोग किया जाता है, और प्लेबैक डिवाइस में ध्वनि आउटपुट करने के लिए, एक पीसी साउंड कार्ड का उपयोग किया जाता है।

वर्चुअल सिंथेसाइज़र स्टैंड-अलोन सॉफ़्टवेयर उत्पाद और एक निश्चित प्रारूप (वीएसटी, डीएक्सआई, आरटीएएस, टीडीएम, एलएडीएसपीए, आदि) के प्लग-इन दोनों हो सकते हैं, जिन्हें होस्ट प्रोग्राम के अंदर चलाने के लिए डिज़ाइन किया गया है, आमतौर पर एक मल्टी-चैनल रिकॉर्डर (क्यूबेस वीएसटी, केकवॉक सोनार, लॉजिक प्रो, प्रो टूल्स, अर्दोर, आदि)। उच्च उपलब्धता से वर्चुअल सिंथेसाइज़र की लोकप्रियता बढ़ रही है, जिसमें वास्तविक जीवन के उपकरणों के मॉडल भी शामिल हैं (उदाहरण के लिए, नेटिव प्रो53 - पैगम्बर सिंथेसाइज़र एमुलेटर, नोवेशन वी-स्टेशन - नोवेशन के-स्टेशन सिंथेसाइज़र एमुलेटर, कॉर्ग लिगेसी - कॉर्ग एम1 सिंथेसाइज़र एमुलेटर, वेवस्टेशन) , पॉलीसिक्स, एमएस20 आदि)।

>इंटरएक्टिव या होम सिंथेसाइज़र भी विभिन्न प्रकार के डिजिटल सिंथेसाइज़र हैं जो विशेष रूप से घर और सैलून शौकिया संगीत बनाने के साथ-साथ इंटरैक्टिव संगीत शिक्षा के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। आमतौर पर, इन सिंथेसाइज़र में वास्तविक समय नियंत्रण सहित उन्नत ध्वनि संपादन के साधन नहीं होते हैं। विभिन्न प्रकार के आर्केस्ट्रा उपकरणों की यथार्थवादी नकल और स्वचालित संगत फ़ंक्शन के उपयोग पर जोर दिया गया है। इस मामले में, संगीत के किसी भी टुकड़े को बजाने के लिए, कलाकार को आवाजों को प्रोग्राम करने या अनुक्रमक में भागों को रिकॉर्ड करने की आवश्यकता नहीं है - बस एक राग के लिए तैयार आवाज और ऑटो संगत के लिए एक शैली का चयन करें।

बेशक, ऐसे सिंथेसाइज़र का नियंत्रण पेशेवर प्रदर्शन करने वाले मॉडल की तुलना में बहुत सरल है और अक्सर एक बच्चे के लिए भी सुलभ होता है। इस प्रकार के कई सिंथेसाइज़र में शैक्षणिक गेम जैसे "गेस द नोट" या "गेस द कॉर्ड", सुनने और सीखने के लिए तैयार संगीत का संग्रह, स्क्रीन पर गीत प्रदर्शित करने के साथ कराओके फ़ंक्शन आदि शामिल हैं। सिंथेसाइज़र की इस श्रेणी में यामाहा पीएसआर, कैसियो सीटीके/डब्ल्यूके, रोलैंड ई/वीए/ईएक्सआर परिवार आदि शामिल हैं।

ध्वनि संश्लेषण प्रकार:

ध्वनि तरंगें उत्पन्न करने की विधि और उनके परिवर्तन के आधार पर ध्वनि संश्लेषण को निम्नानुसार वर्गीकृत किया जा सकता है:

योगात्मक (योगात्मक) संश्लेषण, जो विभिन्न आवृत्तियों और आयामों के साथ एक सरल (आमतौर पर साइनसॉइडल) आकार की कई तरंगों के सुपरपोजिशन (सुपरपोजिशन) के सिद्धांत का उपयोग करता है। विद्युत अंगों के अनुरूप, इन तरंगों को रजिस्टर कहा जाता है और इन्हें 16' (ली गई से एक सप्तक कम टोन), 8' (प्रारंभिक टोन), 4' (ली गई से एक सप्तक अधिक टोन), आदि के रूप में दर्शाया जाता है। (आंकड़ा पैरों में संबंधित अंग रजिस्टर की पाइप की लंबाई है)। अपने शुद्ध रूप में, यह विद्युत अंगों (हैमंड, फरफिसा) और उनके डिजिटल एमुलेटर (कोर्ग सीएक्स-3, रोलैंड वीके-8, आदि) में पाया जाता है। उपकरण की ध्वनि जितनी अधिक समृद्ध होती है, डिजाइन में उतने ही अधिक रजिस्टरों का उपयोग किया जाता है।

सबट्रैक्टिव (घटावात्मक) संश्लेषण, जिसमें मूल मनमाना तरंग समय बदलता है क्योंकि यह विभिन्न प्रकार के फिल्टर, लिफाफा जनरेटर, प्रभाव प्रोसेसर आदि से गुजरता है। एक उपसमुच्चय के रूप में, इस प्रकार के संश्लेषण का उपयोग लगभग सभी आधुनिक सिंथेसाइज़र मॉडल में व्यापक रूप से किया जाता है।

ऑपरेटर (एफएम, अंग्रेजी फ्रीक्वेंसी मॉड्यूलेशन से) संश्लेषण, जिसमें सरल रूप की कई तरंगों की परस्पर क्रिया (फ्रीक्वेंसी मॉड्यूलेशन और योग) होती है। प्रत्येक तरंग, अपनी विशेषताओं के साथ, एक ऑपरेटर कहलाती है, ऑपरेटरों का एक निश्चित विन्यास एक एल्गोरिदम बनाता है। सिंथेसाइज़र के डिज़ाइन में जितने अधिक ऑपरेटरों का उपयोग किया जाता है, उपकरण की ध्वनि उतनी ही समृद्ध हो जाती है। उदाहरण के लिए, यामाहा डीएक्स-7 सिंथेसाइज़र (1984), जो आज भी लोकप्रिय है, में 6 ऑपरेटर हैं, जो 36 अलग-अलग एल्गोरिदम द्वारा कॉन्फ़िगर किए गए हैं।

भौतिक संश्लेषण, जिसमें शक्तिशाली प्रोसेसर के उपयोग के कारण, किसी न किसी प्रकार के संगीत वाद्ययंत्रों में वास्तविक भौतिक प्रक्रियाओं का अनुकरण किया जाता है। उदाहरण के लिए, बांसुरी जैसे पवन सीटी उपकरणों के लिए, पैरामीटर पाइप की लंबाई, प्रोफ़ाइल और व्यास, वायु प्रवाह दर, शरीर सामग्री होंगे; तार वाले वाद्ययंत्रों के लिए - शरीर का आकार, सामग्री, तार की लंबाई और तनाव, आदि। भौतिक संश्लेषण का उपयोग यामाहा वीएल-1, कोर्ग ओएसवाईएस, एलेसिस फ्यूजन आदि जैसे उपकरणों द्वारा किया जाता है।

वेवटेबल (पीसीएम) संश्लेषण, जिसमें उपकरण की मेमोरी में पहले से रिकॉर्ड किए गए वास्तविक संगीत वाद्ययंत्रों (नमूने और मल्टीसैंपल) की ध्वनि के टुकड़े बजाकर ध्वनि बनाई जाती है। इस समूह में सबसे प्रसिद्ध सिंथेसाइज़र वाल्डोर्फ वेव है, जिसे दुनिया में सबसे महंगे सिंथेसाइज़र के रूप में भी जाना जाता है।

हाइब्रिड संश्लेषण, जो विभिन्न ध्वनि संश्लेषण विधियों के एक या दूसरे संयोजन का उपयोग करता है, उदाहरण के लिए, "योग + घटाव", "तरंग + घटाव", "ऑपरेटर + घटाव", आदि। अधिकांश आधुनिक उपकरण हाइब्रिड संश्लेषण के आधार पर बनाए जाते हैं, क्योंकि इसमें व्यापक रेंज में समय को अलग-अलग करने के लिए बहुत शक्तिशाली उपकरण होते हैं।

आधुनिक सिंथेसाइज़र का नियंत्रण:

आधुनिक पेशेवर सिंथेसाइज़र का नियंत्रण एक जटिल प्रक्रिया है जो ध्वनि के कुछ पहलुओं के लिए जिम्मेदार कई सैकड़ों या हजारों विभिन्न मापदंडों के नियंत्रण से जुड़ी है। कुछ मापदंडों को रोटरी नॉब, पहियों, पैडल, बटन का उपयोग करके वास्तविक समय में नियंत्रित किया जा सकता है; अन्य मापदंडों का उपयोग कुछ विशेषताओं के समय में पूर्व-क्रमादेशित परिवर्तनों के लिए किया जाता है। इस संबंध में, डिजिटल सिंथेसाइज़र के टिम्बर्स (पैच) को अक्सर प्रोग्राम भी कहा जाता है।

कीस्ट्रोक की स्थिति और वेग को ट्रैक करने के लिए कीबोर्ड और डायनेमिक ट्रैकिंग का उपयोग किया जाता है। उदाहरण के लिए, निचली कुंजियों से ऊपरी कुंजियों की ओर जाने पर, समय आसानी से सेलो से बांसुरी में बदल सकता है, और कुंजी को अधिक ज़ोर से दबाने पर, टिमपनी को समग्र ध्वनि में जोड़ा जाता है।

एक लिफाफे का उपयोग ध्वनि के एक निश्चित पैरामीटर को गैर-आवधिक रूप से बदलने के लिए किया जाता है। आमतौर पर, लिफाफा ग्राफ एक टूटी हुई रेखा होती है जिसमें आक्रमण (हमला), क्षय (क्षय), समर्थन (निर्वाह) और क्षय (रिलीज) (एडीएसआर लिफाफा भी देखें) शामिल होता है, हालांकि, विभिन्न सिंथेसाइज़र मॉडल में वे सरल (एडीआर) के रूप में पाए जाते हैं। ) साथ ही अधिक जटिल मल्टी-स्टेज लिफाफे। लिफाफों की कुल संख्या सिंथेसाइज़र की एक महत्वपूर्ण विशेषता है।

फ़िल्टर का उपयोग कुल सिग्नल स्पेक्ट्रम से एक निश्चित आवृत्ति बैंड को काटने के लिए किया जाता है। अक्सर, फिल्टर अनुनाद से भी सुसज्जित होता है, जो कटऑफ सीमा पर आवृत्ति बैंड को तेजी से बढ़ाना संभव बनाता है। वास्तविक समय नियंत्रण, कीबोर्ड ट्रैकिंग और/या लिफ़ाफ़े के साथ फ़िल्टर विशेषताओं को बदलने से आपको अत्यंत विविध ध्वनि विकल्प प्राप्त करने की अनुमति मिलती है। फिल्टर की कुल संख्या सिंथेसाइज़र की एक महत्वपूर्ण विशेषता है।

रिंग-मॉड्यूलेटर आपको एक निश्चित (निश्चित या फ्लोटिंग) आवृत्ति के साथ मूल सिग्नल को दूसरे सिग्नल के साथ मॉड्यूलेट करने की अनुमति देता है, जिसके कारण हार्मोनिक्स के साथ एक महत्वपूर्ण संवर्धन होता है। "रिंग" (अंग्रेजी "कॉल") नाम इस तथ्य के कारण है कि यह नोड अक्सर उपकरण की "घंटी जैसी" ध्वनि प्राप्त करने के लिए कार्य करता है।

लो फ़्रीक्वेंसी ऑसिलेटर का उपयोग ध्वनि के कुछ मापदंडों, जैसे पिच, वॉल्यूम, फ़िल्टर कटऑफ फ़्रीक्वेंसी आदि को समय-समय पर बदलने के लिए किया जाता है। आयतन में चक्रीय परिवर्तन के मामले में, एक ट्रेमोलो प्रभाव पैदा होता है, पिच में बदलाव से कंपन प्रभाव पैदा होता है, फिल्टर कटऑफ आवृत्ति में आवधिक परिवर्तन को "वाह-वाह" प्रभाव कहा जाता है।

ध्वनि को अंतिम रूप देने के लिए प्रभाव प्रसंस्करण का उपयोग किया जाता है। आधुनिक सिंथेसाइज़र आमतौर पर काफी बड़ी संख्या में प्रभाव प्रोसेसर (उदाहरण के लिए, कॉर्ग कर्मा - 8 प्रोसेसर, रोलैंड फैंटम - 6 प्रोसेसर, आदि) से लैस होते हैं। प्रोसेसर एक-दूसरे से स्वतंत्र रूप से काम करते हैं, हालाँकि यदि चाहें तो उन्हें सीरियल सर्किट में जोड़ा जा सकता है। आधुनिक प्रभाव प्रोसेसर बड़ी संख्या में स्थानिक (रीवरब, डिले, इको), मॉड्यूलेशन (फ्लैंज, कोरस, फेजर) और अन्य (ओवरएम्प, फ्रीक्वेंसी शिफ्ट, हार्मोनिक संवर्धन) प्रभाव एल्गोरिदम लागू करते हैं।

सबसे उन्नत मॉडल में वास्तविक समय नियंत्रण, लिफाफे, एलएफओ और बहुत कुछ से प्रभाव मापदंडों को नियंत्रित करने के साधन हैं।

आधुनिक पियानो की यांत्रिकी का आविष्कार इटालियन मास्टर क्रिस्टोफ़ोरी द्वारा 17वीं शताब्दी के अंत में किया गया था (आधिकारिक तारीख लगभग 1709 है), उनके डिजाइन में हथौड़े तारों के नीचे थे। इस उपकरण को ग्रेविसेम्बलो कोल पियानो ई फोर्टे, - पियानोफोर्ट - कहा जाता था और बाद में पियानो का नाम तय किया गया।

क्रिस्टोफ़ोरी के आविष्कार ने अंग्रेजी प्रणाली के यांत्रिकी के विकास की शुरुआत को चिह्नित किया। अन्य प्रकार की यांत्रिकी का विकास फ्रांस में मारियस (1716) और जर्मनी में श्रोएटर (1717-21) द्वारा किया गया था। सेबस्टियन एरार्ड ने डबल रिहर्सल मैकेनिक का आविष्कार किया, जिससे आधे रास्ते से कुंजी को फिर से दबाकर ध्वनि निकालना संभव हो गया। अंग्रेजी प्रणाली के यांत्रिकी में, ऐसी पुनरावृत्ति तभी संभव थी जब कुंजी पूरी तरह से ऊपर उठाई गई थी।

रूस में, पियानो व्यवसाय मुख्य रूप से सेंट पीटर्सबर्ग से जुड़ा था। अकेले 18वीं शताब्दी में, 50 से अधिक पियानो मास्टरों ने वहां काम किया। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में पियानो के कारखाने के उत्पादन का विकास पहले रूसी पियानो निर्माता, इंपीरियल कोर्ट के आपूर्तिकर्ता, अंग्रेजी मास्टर जी. फेवरियर, जर्मन मास्टर्स आई.-ए. टिश्नर की गतिविधियों से प्रभावित था। के.-आई. विर्थ, ए.-एच. श्रोएडर, आई.-एफ. श्रोएडर और, 1840 से, बेल्जियम जी.-जी. लिक्टेंटल। आज तक, 1917 की क्रांति से पहले रूस में काम करने वाले 600 से अधिक पियानो मास्टरों के नाम ज्ञात हैं। सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी के पियानो मास्टर, फिलोलॉजिकल साइंसेज के उम्मीदवार एम. वी. सर्गेव इन अध्ययनों में लगे हुए हैं।
19वीं शताब्दी के मध्य में, जर्मनी में, संयुक्त राज्य अमेरिका में जे. ब्लुटनर, के. बेचस्टीन की फैक्ट्रियाँ खुलीं - स्टीनवे एंड संस, जिनकी कई वर्षों तक कोई बराबरी नहीं थी।
20वीं सदी में, मौलिक रूप से नए उपकरण सामने आए - इलेक्ट्रॉनिक पियानो और सिंथेसाइज़र, साथ ही ध्वनि उत्पादन का एक विशेष रूप - एक तैयार पियानो।

पियानो के लिए विशेष रूप से लिखा गया संगीत का पहला टुकड़ा 1732 में सामने आया (लोदोविको गिउस्टिनी द्वारा सोनाटा)। हालाँकि, चालीस या पचास साल बाद, हेडन और मोजार्ट के दिनों में, बड़ी संख्या में संगीतकारों ने हार्पसीकोर्ड के बजाय पियानो पर ध्यान केंद्रित करना शुरू कर दिया।

पियानो को भव्य पियानो में विभाजित किया गया है - क्षैतिज तारों वाले उपकरण - और सीधे पियानो। पहले ज्ञात वर्टिकल पियानो का श्रेय के.-ई. फ्रीडेरिसी (गेरा, जर्मनी) को दिया जाता है, जिन्होंने इसे 1745 में बनाया था। हालाँकि, पहले से ही 1742 में, ज़ैंथोफ़ेन (बवेरिया) में जोहान सोचर की कार्यशाला से एक समान उपकरण निकला था, और 1748 में ऐसे जी. सिल्बरमैन ने भी यही उपकरण बनाये। ऊर्ध्वाधर पियानो की किस्में - पिरामिडनुमा, पियानो-लिरे, पियानो-ब्यूरो, पियानो-वीणा, आदि। 19वीं शताब्दी के मध्य से, केवल पियानो और भव्य पियानो का उत्पादन किया गया है।

पियानो में ध्वनि तारों को हथौड़े से मारकर उत्पन्न की जाती है। तारों को पिंस (खूंटियों) की मदद से एक कच्चे लोहे के फ्रेम पर फैलाया जाता है, जो गुंजयमान डेक से चिपके हुए ट्रेबल और बास खूंटियों से गुजरते हैं (पियानो में, डेक एक ऊर्ध्वाधर स्थिति में होता है, भव्य पियानो में - एक में) क्षैतिज स्थिति)। प्रत्येक ध्वनि के लिए तारों का एक समूह होता है: मध्य और उच्च श्रेणी के लिए तीन, निम्न के लिए दो या एक। अधिकांश पियानो की रेंज ए सबकंट्रोक्टेव से 5वें सप्तक तक 88 सेमीटोन है (पुराने उपकरण ऊपर से 4वें सप्तक के ए नोट तक सीमित हो सकते हैं; आप व्यापक रेंज वाले उपकरण पा सकते हैं)। तटस्थ स्थिति में, पिछले डेढ़ से दो सप्तक को छोड़कर, तार डैम्पर्स (मफलर) के संपर्क में हैं। जब चाबियाँ दबाई जाती हैं, तो लीवर, पट्टियों और हथौड़ों का एक उपकरण, जिसे पियानो यांत्रिकी कहा जाता है, सक्रिय हो जाता है। दबाने के बाद, डैम्पर तारों के संबंधित गायन को छोड़ देता है ताकि तार स्वतंत्र रूप से बज सके, और एक हथौड़ा, जो फेल्ट (महसूस) से ढका हुआ हो, उस पर प्रहार करता है।
पियानो पैडल
आधुनिक पियानो में दो या तीन (नवीनतम मॉडल में चार) पैडल होते हैं। पहले के वाद्ययंत्रों में इसी उद्देश्य के लिए वापस लेने योग्य लीवर का उपयोग किया जाता था, जिसे पियानोवादक को अपने घुटनों से दबाना पड़ता था।
दायां पेडल (कभी-कभी इसे केवल "पेडल" के रूप में संदर्भित किया जाता है क्योंकि इसका उपयोग अक्सर किया जाता है) सभी डैम्पर्स को एक साथ उठाता है, ताकि जब कुंजी जारी हो, तो संबंधित तार बजते रहें। इसके अलावा, वाद्ययंत्र के अन्य सभी तार भी कंपन करने लगते हैं, जो ध्वनि का द्वितीयक स्रोत बन जाते हैं। दाएं पैडल का उपयोग दो उद्देश्यों के लिए किया जाता है: निकाली गई ध्वनियों के अनुक्रम को अविभाज्य बनाना (लेगेटो बजाना) जहां तकनीकी कठिनाइयों के कारण उंगलियों से ऐसा करना असंभव है, और ध्वनि को नए ओवरटोन के साथ समृद्ध करना। पैडल का उपयोग करने के दो तरीके हैं: एक सीधा पैडल - पकड़ी जाने वाली चाबियों को दबाने से पहले पैडल को दबाना, और विलंबित पैडल, जब कुंजी दबाने के तुरंत बाद और उसे छोड़ने से पहले पैडल को दबाया जाता है। शीट संगीत में, इस पैडल को अक्षर P (या संक्षिप्त नाम Ped.) द्वारा दर्शाया जाता है, और इसके निष्कासन को तारांकन द्वारा दर्शाया जाता है। रूमानियत और प्रभाववाद के युग के संगीतकारों के संगीत में, ये पदनाम अक्सर पाए जाते हैं, आमतौर पर ध्वनि को एक विशेष स्वाद देने के लिए।
बाएं पैडल का उपयोग ध्वनि को कम करने के लिए किया जाता है। भव्य पियानो में, यह हथौड़ों को दाईं ओर स्थानांतरित करके प्राप्त किया जाता है, ताकि गाना बजानेवालों के तीन तारों के बजाय, वे केवल दो (अतीत में, कभी-कभी केवल एक) पर वार करें। पियानो में हथौड़े तारों के करीब जाते हैं। इस पैडल का प्रयोग बहुत कम किया जाता है। शीट संगीत में, इसे ऊना कॉर्डे के रूप में चिह्नित किया जाता है, इसके निष्कासन को ट्रे कॉर्डे या टूटे ले कॉर्डे के रूप में चिह्नित किया जाता है। ध्वनि को कम करने के अलावा, पियानो बजाते समय बाएं पैडल का उपयोग करने से आप ध्वनि को नरम कर सकते हैं, जारी किए गए गाना बजानेवालों के तारों के कंपन के कारण इसे गर्म और अधिक सुंदर बना सकते हैं।
मध्य (या तीसरा, चूंकि इसे ऐतिहासिक रूप से आखिरी बार जोड़ा गया था) पेडल, या सोस्टेन्यूटो पेडल, डैम्पर्स को चुनिंदा रूप से ऊपर उठाने का काम करता है। जब मध्य पेडल दब जाता है, तो चाबियाँ दबाने पर उठे हुए डैम्पर्स तब तक उठे रहते हैं जब तक कि पैडल हटा न दिया जाए। यह, दाहिने पैडल की तरह, लेगाटो बजाने के लिए इस्तेमाल किया जा सकता है, लेकिन यह अन्य तारों के कंपन से ध्वनि को समृद्ध नहीं करेगा। यह पैडल आज अधिकांश पियानो से अनुपस्थित है और अधिकांश भव्य पियानो पर मौजूद है। ऐसे पियानो होते हैं जिनमें मध्य पेडल बाईं ओर "स्लाइड" होता है और इस प्रकार स्थिर रहता है, जबकि हथौड़ों और तारों के बीच एक विशेष कपड़ा रखा जाता है, जिसके कारण ध्वनि बहुत शांत हो जाती है, जो संगीतकार को बजाने की अनुमति देती है, उदाहरण के लिए, रात में।
पियानो का उपयोग एकल वाद्ययंत्र के रूप में और ऑर्केस्ट्रा के साथ किया जा सकता है (उदाहरण के लिए, ऑर्केस्ट्रा के साथ पियानो संगीत कार्यक्रम में)। पियानो बजाना एक ऐसी गतिविधि है जिसके लिए अच्छी तकनीक, ध्यान और समर्पण की आवश्यकता होती है। पर प्रशिक्षण प्रारंभ करने की अनुशंसा की जाती है बचपन. रूस में बच्चों के संगीत स्कूलों (डीएमएसएच) में, कार्यक्रम के आधार पर प्रशिक्षण में 5 या 7 साल लगते हैं, कुछ छात्र स्नातक होने के बाद संगीत स्कूल में प्रवेश करने से पहले एक या दो साल अतिरिक्त रुकते हैं। एक संगीत विद्यालय या समकक्ष प्रशिक्षण के बाद, आप एक पेशेवर पियानोवादक बनकर एक संगीत विद्यालय या कॉलेज में और फिर एक कंज़र्वेटरी, विश्वविद्यालय में अपनी पढ़ाई जारी रख सकते हैं। संगीत विद्यालय में, सामान्य पियानो भी लगभग सभी प्रमुख विषयों के लिए एक अनिवार्य विषय है। 20वीं सदी के उत्कृष्ट पियानोवादक - सर्गेई राचमानिनोव, एमिल गिलेल्स, सियावेटोस्लाव रिक्टर, व्लादिमीर होरोविट्ज़, आर्थर रुबिनस्टीन, ग्लेन गोल्ड और अन्य।
पियानो को रखरखाव की सही परिस्थितियों के साथ-साथ नियमित ट्यूनिंग की आवश्यकता होती है, क्योंकि समय के साथ उपकरण के तारों का तनाव कमजोर हो जाता है। ट्यूनिंग की आवृत्ति उपकरण की श्रेणी, उसके निर्माण की गुणवत्ता, उसकी उम्र, रखरखाव और संचालन की स्थितियों पर निर्भर करती है। ट्यूनिंग, एक नियम के रूप में, कलाकार द्वारा स्वयं नहीं की जाती है, बल्कि एक विशेषज्ञ द्वारा की जाती है - एक मास्टर पियानो ट्यूनर, हालांकि, सैद्धांतिक रूप से, हाथ में एक इलेक्ट्रॉनिक ट्यूनर होने और प्रत्येक स्ट्रिंग की सटीक आवृत्ति विशेषताओं को जानने के बाद, कोई भी इसे कर सकता है। ट्यूनिंग, भले ही उसके पास संगीत सुनने की क्षमता न हो।
यह डेल्फ़िक गेम्स के नामांकनों में से एक है।