नए मध्य युग की संगीत शैलियों पर रिपोर्ट। प्रारंभिक संगीत और मध्य युग

संगीत मध्ययुगीन युग - विकास की अवधिसंगीत संस्कृति, समय की अवधि के बारे में 5वीं से 14वीं शताब्दी ई .
यूरोप में मध्य युग के दौरान एक नए प्रकार की संगीत संस्कृति उभर रही है -सामंती जो पेशेवर कला, शौकिया संगीत और को जोड़ती हैलोकगीत। चर्च के बाद से आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों में हावी है, पेशेवर संगीत कला का आधार संगीतकारों की गतिविधि हैमंदिर और मठ . धर्मनिरपेक्ष पेशेवर कला का प्रतिनिधित्व शुरू में केवल गायकों द्वारा किया जाता था, जिन्होंने दरबार में, बड़प्पन के घरों में, योद्धाओं आदि के बीच महाकाव्य की कहानियों का निर्माण और प्रदर्शन किया।बार्ड्स, स्काल्ड्स और आदि।)। समय के साथ, संगीत-निर्माण के शौकिया और अर्ध-पेशेवर रूपों का विकास हुआ।शिष्टता: फ्रांस में - संकटमोचनों और संकटमोचनों की कला (एडम डे ला हाले, XIII सदी), जर्मनी में - मिनेसिंगर्स ( वोल्फ्राम वॉन एसचेनबैक, वाल्थर वॉन डेर वोगेलवीड, बारहवीं - तेरहवीं शताब्दी ), साथ ही साथ शहरीकारीगर। सामंती महलों में और शहरों में सभी प्रकार की जेनेरा की खेती की जाती है,शैलियों और गीतों के रूप (महाकाव्य, "डॉन", रोंडो, ले, विरेले, गाथागीत, कैनज़ोन, लाउडास, आदि)।
जीवन में नए लोग आते हैंसंगीत वाद्ययंत्रसे आने वालों सहितपूर्व (वायोला, ल्यूट आदि), पहनावा (अस्थिर रचनाओं का) उत्पन्न होता है। किसानों के बीच लोकगीत फलते-फूलते हैं। "लोगों के पेशेवर" भी हैं:कहानीकारों घुमंतू सिंथेटिक कलाकार (बाजीगर, माइम्स, मिनस्ट्रेल, शपिलमैन, बफून ). संगीत फिर से मुख्य रूप से लागू और आध्यात्मिक-व्यावहारिक कार्य करता है। रचनात्मकता के साथ एकता में कार्य करता हैप्रदर्शन(आमतौर पर एक व्यक्ति में)।
और संगीत की सामग्री में, और इसके रूप में हावी हैसमष्टिवाद ; व्यक्तिगत शुरुआत सामान्य का पालन करती है, इससे बाहर खड़े हुए बिना (संगीतकार-गुरु सबसे अच्छा प्रतिनिधि हैसमुदाय ). हर चीज में सख्त राजपरंपरा और विहित . समेकन, संरक्षण और प्रसारपरंपराओं और मानकों।
धीरे-धीरे, धीरे-धीरे, संगीत की सामग्री, इसकीशैलियों, रूपों , अभिव्यक्ति के साधन। मेंपश्चिमी यूरोप छठी से सातवीं शताब्दी तक . एक सख्त विनियमित प्रणालीमोनोफोनिक (मोनोडिक ) चर्च संगीतआधारितडायटोनिक मोड ( ग्रेगरी राग), सस्वर पाठ (भजन) और गायन (भजन ). पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर polyphony . नयास्वर (कोरल ) और मुखर-वाद्य (गाना बजानेवालों औरअंग) शैलियों: ऑर्गेनम, मोटेट, आचरण, फिर द्रव्यमान। बारहवीं शताब्दी में फ्रांस पहलासंगीतकार (रचनात्मक) स्कूल में नोट्रे डेम कैथेड्रल(लियोनिन, पेरोटिन)। में पुनर्जागरण (फ्रांस और इटली, XIV सदी में ars nova शैली) के मोड़ पर पेशेवर संगीतमोनोफोनी को मजबूर किया जा रहा है polyphony , संगीत धीरे-धीरे खुद को विशुद्ध रूप से व्यावहारिक कार्यों (चर्च की सेवा) से मुक्त करना शुरू कर देता हैसंस्कार ), यह मूल्य बढ़ाता हैधर्मनिरपेक्ष शैलियों, गीत सहितगुइलौमे डी माचौक्स)।

पुनर्जागरण काल।

XV-XVII सदियों की अवधि में संगीत।
मध्य युग में, संगीत चर्च का विशेषाधिकार था, इसलिए अधिकांश संगीत कार्य पवित्र थे, वे पर आधारित थे चर्च भजन(ग्रेगोरियन मंत्र), जो ईसाई धर्म की शुरुआत से ही पंथ का हिस्सा रहा है। 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पोप ग्रेगरी I की प्रत्यक्ष भागीदारी के साथ पंथ की धुनों को अंततः विहित किया गया। पेशेवर गायकों द्वारा ग्रेगोरियन मंत्र का प्रदर्शन किया गया। चर्च संगीत में पॉलीफोनी में महारत हासिल करने के बाद, ग्रेगोरियन मंत्र पॉलीफोनिक पंथ कार्यों (जनता, गति, आदि) का विषयगत आधार बना रहा।

मध्य युग के बाद पुनर्जागरण आया, जो संगीतकारों के लिए खोज, नवाचार और अन्वेषण का युग था, संगीत और चित्रकला से लेकर खगोल विज्ञान और गणित तक जीवन की सांस्कृतिक और वैज्ञानिक अभिव्यक्ति की सभी परतों का पुनर्जागरण।
हालांकि संगीत काफी हद तक धार्मिक बना रहा, लेकिन समाज पर चर्च के नियंत्रण के कमजोर होने से संगीतकारों और कलाकारों को अपनी प्रतिभा प्रदर्शित करने की अधिक स्वतंत्रता मिली।
प्रिंटिंग प्रेस के आविष्कार के साथ, शीट संगीत को प्रिंट करना और वितरित करना संभव हो गया, और उसी क्षण से शुरू होता है जिसे हम शास्त्रीय संगीत कहते हैं।
इस अवधि के दौरान, नए वाद्य यंत्र दिखाई दिए। सबसे लोकप्रिय उपकरण थे जिन पर संगीत प्रेमी विशेष कौशल की आवश्यकता के बिना आसानी से और आसानी से खेल सकते थे।
यह इस समय था कि वायोला, वायलिन का पूर्ववर्ती, दिखाई दिया। फ्रेट्स (फ्रेटबोर्ड पर लकड़ी की पट्टियाँ) ने इसे बजाना आसान बना दिया, और ध्वनि शांत, कोमल थी, और छोटे स्थानों में अच्छी तरह से बजाई गई।
वाद्य यंत्र भी लोकप्रिय थे - रिकॉर्डर, बांसुरी और हॉर्न। नव निर्मित हार्पसीकोर्ड, वर्जिनल (अंग्रेजी हार्पसीकोर्ड, छोटे आकार की विशेषता) और अंग के लिए सबसे जटिल संगीत लिखा गया था। उसी समय, संगीतकार सरल संगीत रचना करना नहीं भूले, जिसमें उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। उसी समय, संगीत लेखन में परिवर्तन हुए: भारी लकड़ी के छपाई ब्लॉकों को इतालवी ओटावियानो पेत्रुकी द्वारा आविष्कृत मोबाइल धातु पत्रों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया। प्रकाशित संगीत रचनाएँ जल्दी बिक गईं, अधिक से अधिक लोग संगीत से जुड़ने लगे।
पुनर्जागरण के अंत में सबसे महत्वपूर्ण घटना द्वारा चिह्नित किया गया था संगीत इतिहास- ओपेरा का जन्म। मानवतावादियों, संगीतकारों और कवियों का एक समूह फ्लोरेंस में अपने नेता, काउंट गियोवन्नी डी बर्दी (1534 - 1612) के तत्वावधान में एकत्रित हुआ। समूह को "कमेराता" कहा जाता था, इसके मुख्य सदस्य थे गिउलिओ कैसिनी, पिएत्रो स्ट्रोज़ी, विन्सेंज़ो गैलीली (खगोलविद गैलीलियो गैलीली के पिता), गिलोरामो मेई, एमिलियो डी कैवलियरी और ओटावियो रिनुकिनी अपने छोटे वर्षों में।
समूह की पहली प्रलेखित बैठक 1573 में हुई, और काम के सबसे सक्रिय वर्ष "फ्लोरेंटाइन कैमराटा "1577 - 1582 थे। उनका मानना ​​था कि संगीत" खराब "था और फॉर्म और शैली में लौटने की मांग की प्राचीन ग्रीस, विश्वास है कि संगीत की कला में सुधार किया जा सकता है और तदनुसार, समाज में भी सुधार होगा। कैमराटा ने पाठ की सुगमता और काम के काव्य घटक के नुकसान की कीमत पर पॉलीफोनी के अत्यधिक उपयोग के लिए मौजूदा संगीत की आलोचना की, और एक नई संगीत शैली के निर्माण का प्रस्ताव दिया जिसमें मोनोडिक शैली में पाठ के साथ था वाद्य संगीत। उनके प्रयोगों ने एक नए मुखर-संगीत रूप का निर्माण किया - पुनरावर्ती, पहले एमिलियो डी कैवलियरी द्वारा उपयोग किया गया, बाद में सीधे ओपेरा के विकास से संबंधित था।
पहले आधिकारिक तौर पर मान्यता प्राप्त हैओपेरा , आधुनिक मानकों के अनुरूप, ओपेरा "डैफने" (डैफने) था, जिसे पहली बार 1598 में प्रस्तुत किया गया था। "डैफने" के लेखक जैकोपो पेरी और जैकोपो कोर्सी थे, ओटावियो रिनुकिनी द्वारा लिबरेटो। यह ओपेरा बच नहीं पाया है। पहला जीवित ओपेरा उन्हीं लेखकों द्वारा "यूरीडाइस" (1600) है - जैकोपो पेरीऔर ओटावियो रिनुकिनी। इस रचनात्मक संघ ने अभी भी कई रचनाएँ रची हैं, जिनमें से अधिकांश खो गई हैं।

प्रारंभिक बैरोक संगीत (1600-1654)

इतालवी संगीतकार क्लाउडियो मोंटेवेर्डी (1567-1643) द्वारा उनकी गायन शैली का निर्माण और इतालवी ओपेरा के निरंतर विकास को बारोक और पुनर्जागरण युग के बीच एक सशर्त संक्रमण बिंदु माना जा सकता है। रोम और विशेष रूप से वेनिस में ओपेरा प्रदर्शन की शुरुआत का मतलब पहले से ही पूरे देश में नई शैली की पहचान और प्रसार था। यह सब एक बड़ी प्रक्रिया का हिस्सा था जिसने सभी कलाओं पर कब्जा कर लिया, और विशेष रूप से वास्तुकला और चित्रकला में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ।
पुनर्जागरण के संगीतकारों ने एक संगीत कार्य के प्रत्येक भाग के विस्तार पर ध्यान दिया, इन भागों के संयोजन पर बहुत कम या कोई ध्यान नहीं दिया। अलग-अलग, प्रत्येक भाग उत्कृष्ट लग सकता था, लेकिन जोड़ का सामंजस्यपूर्ण परिणाम नियमितता की तुलना में अधिक संयोग का मामला था। लगा हुआ बास की उपस्थिति ने संगीत की सोच में एक महत्वपूर्ण बदलाव का संकेत दिया - अर्थात्, वह सद्भाव, जो "एक पूरे में भागों का जोड़" है, उतना ही महत्वपूर्ण है जितना कि स्वयं मधुर भाग (पॉलीफोनी)। अधिक से अधिक, पॉलीफोनी और सामंजस्य एक ही संगीत रचना के विचार के दो पक्षों की तरह दिखते थे: हार्मोनिक अनुक्रमों की रचना करते समय, असंगति पैदा करते समय ट्राइटोन पर समान ध्यान दिया जाता था। पिछले युग के कुछ संगीतकारों जैसे कार्लो गेसुआल्डो के बीच हार्मोनिक सोच भी मौजूद थी, लेकिन बारोक युग में यह आम तौर पर स्वीकृत हो गई।
काम के उन हिस्सों में जहां स्पष्ट रूप से औपचारिकता को आज की रात से अलग करना असंभव है, उन्होंने मिश्रित प्रमुख, या मिश्रित नाबालिग के रूप में चिह्नित किया (बाद में इन अवधारणाओं के लिए उन्होंने क्रमशः "मोनल मेजर" और "मोनल नाबालिग" शब्द पेश किए)। तालिका से पता चलता है कि प्रारंभिक बारोक काल में पहले से ही तानवाला सामंजस्य पिछले युग के सामंजस्य को लगभग कैसे दबा देता है।
इटली एक नई शैली का केंद्र बन गया। पोपैसी, हालांकि सुधार के खिलाफ संघर्ष द्वारा कब्जा कर लिया गया था, लेकिन फिर भी हब्सबर्ग्स के सैन्य अभियानों द्वारा भर दिए गए विशाल वित्तीय संसाधनों को सांस्कृतिक प्रभाव के विस्तार के माध्यम से कैथोलिक विश्वास फैलाने के तरीकों की तलाश में था। वास्तुकला, ललित कला और संगीत की भव्यता, भव्यता और जटिलता के साथ, कैथोलिक धर्म, जैसा कि यह था, तपस्वी प्रोटेस्टेंटवाद के साथ तर्क दिया। अमीर इतालवी गणराज्यों और रियासतों ने भी ललित कलाओं में जोरदार प्रतिस्पर्धा की। में से एक महत्वपूर्ण केंद्रसंगीत कला वेनिस थी, जो उस समय धर्मनिरपेक्ष और सनकी संरक्षण दोनों के अधीन थी।
गियोवन्नी गैब्रिएली शुरुआती बारोक काल में एक महत्वपूर्ण व्यक्ति थे, जिनकी स्थिति कैथोलिक धर्म के पक्ष में थी, जिसने प्रोटेस्टेंटवाद के बढ़ते वैचारिक, सांस्कृतिक और सामाजिक प्रभाव का विरोध किया। उनकी रचनाएँ "उच्च पुनर्जागरण" (पुनर्जागरण के उत्कर्ष) की शैली से संबंधित हैं। हालाँकि, इंस्ट्रूमेंटेशन के क्षेत्र में उनके कुछ नवाचार (एक निश्चित उपकरण को विशिष्ट कार्यों का असाइनमेंट) स्पष्ट रूप से इंगित करते हैं कि वे उन संगीतकारों में से एक थे जिन्होंने एक नई शैली के उद्भव को प्रभावित किया।
पवित्र संगीत की रचना पर चर्च द्वारा लगाई गई आवश्यकताओं में से एक यह थी कि स्वरों के साथ काम करने वाले ग्रंथ सुपाठ्य थे। इसके लिए पॉलीफोनी से हटकर संगीत की तकनीकों की ओर जाने की आवश्यकता थी, जहां से शब्द निकलते थे अग्रभूमि. संगत की तुलना में स्वर अधिक जटिल, अलंकृत हो गए। इस तरह होमोफोनी का विकास हुआ।
मोंटेवर्डे क्लाउडियो(1567-1643), इतालवी संगीतकार। कुछ भी नहीं उसे भीतर के प्रदर्शन की तरह आकर्षित किया, मन की शांतिअपने नाटकीय टकरावों में एक व्यक्ति और बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष करता है। मोंटेवेर्डी दुखद योजना के संघर्षपूर्ण नाटक के सच्चे संस्थापक हैं। वह मानव आत्माओं के सच्चे गायक हैं। उन्होंने संगीत की स्वाभाविक अभिव्यक्ति के लिए लगातार प्रयास किया। "मानव वाणी सद्भाव की मालकिन है, उसका सेवक नहीं।"
"ऑर्फ़ियस" (1607) -ओपेरा का संगीत खुलासा करने पर केंद्रित है भीतर की दुनियादुखांत नायक। उनका हिस्सा असाधारण रूप से बहुआयामी है, विभिन्न भावनात्मक और अभिव्यंजक धाराएँ और शैली रेखाएँ इसमें विलीन हो जाती हैं। वह उत्साहपूर्वक अपने मूल जंगलों और तटों को पुकारता है या कलाहीन लोक गीतों में अपने यूरीडाइस के नुकसान का शोक मनाता है।

परिपक्व बैरोक का संगीत (1654-1707)

यूरोप में सर्वोच्च शक्ति के केंद्रीकरण की अवधि को अक्सर निरपेक्षता कहा जाता है। फ्रांसीसी राजा लुई XIV के तहत निरपेक्षता अपने चरम पर पहुंच गई। पूरे यूरोप के लिए, लुई का दरबार एक आदर्श था। जिसमें दरबार में प्रस्तुत संगीत भी शामिल है। संगीत वाद्ययंत्रों (विशेष रूप से कीबोर्ड) की बढ़ती उपलब्धता ने चैम्बर संगीत के विकास को प्रोत्साहन दिया।
नई शैली की सर्वव्यापकता और विशेष रूप से ओपेरा में संगीत रूपों के बढ़ते अलगाव में परिपक्व बारोक प्रारंभिक बारोक से अलग है। जैसा कि साहित्य में होता है, संगीत रचनाओं की स्ट्रीमिंग प्रिंटिंग के आगमन से दर्शकों का विस्तार हुआ; संगीत संस्कृति के केंद्रों के बीच आदान-प्रदान तेज हो गया।
लुई XIV के दरबार के संगीतकारों के एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि थे जियोवन्नी बतिस्ता लुली (1632-1687)।पहले से ही 21 साल की उम्र में, उन्हें "वाद्य संगीत के दरबारी संगीतकार" की उपाधि मिली। रचनात्मक कार्यलूली शुरू से ही थिएटर से मजबूती से जुड़ी रहीं। कोर्ट चैंबर संगीत के संगठन और "एयर डे कौर" की रचना के बाद, उन्होंने बैले संगीत लिखना शुरू किया। लुई XIV ने स्वयं बैले में नृत्य किया, जो उस समय अदालत के बड़प्पन का पसंदीदा मनोरंजन था। लूली एक बेहतरीन डांसर थीं। वह राजा के साथ नृत्य करते हुए प्रस्तुतियों में भाग लेने के लिए हुआ। उन्हें मोलिअर के साथ सहयोग के लिए जाना जाता है, जिनके नाटकों के लिए उन्होंने संगीत लिखा था। लेकिन लूली के काम में मुख्य बात अभी भी ओपेरा लिख ​​रही थी। आश्चर्यजनक रूप से, लुली ने एक पूर्ण प्रकार बनाया फ्रेंच ओपेरा; फ्रांस में तथाकथित गेय त्रासदी (fr। त्रासदी गीत), और अपने काम के पहले वर्षों में निस्संदेह रचनात्मक परिपक्वता तक पहुँच गया ओपेरा हाउस. लूली अक्सर ऑर्केस्ट्रल अनुभाग की राजसी ध्वनि और सरल गायन और एरिया के बीच के अंतर का इस्तेमाल करती थी। संगीतमय भाषालूली बहुत जटिल नहीं है, लेकिन निश्चित रूप से नया है: सद्भाव की स्पष्टता, लयबद्ध ऊर्जा, रूप की अभिव्यक्ति की स्पष्टता, बनावट की शुद्धता होमोफोनिक सोच के सिद्धांतों की जीत की बात करती है। काफी हद तक, ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीतकारों का चयन करने की उनकी क्षमता और उनके साथ उनके काम (उन्होंने खुद रिहर्सल आयोजित की) से उनकी सफलता में भी मदद मिली। उनके काम का एक अभिन्न तत्व सद्भाव और एकल वाद्य पर ध्यान था।
इंग्लैंड में, हेनरी परसेल (1659-1695) की शानदार प्रतिभा द्वारा परिपक्व बैरोक को चिह्नित किया गया था। 36 वर्ष की आयु में, बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखने और अपने जीवनकाल के दौरान व्यापक रूप से ज्ञात होने के कारण, उनकी मृत्यु हो गई। परसेल कोरेली और अन्य इतालवी बारोक संगीतकारों के काम से परिचित थे। हालाँकि, उनके संरक्षक और ग्राहक इतालवी और फ्रांसीसी धर्मनिरपेक्ष और सनकी बड़प्पन की तुलना में एक अलग तरह के थे, इसलिए परसेल का लेखन इतालवी स्कूल से बहुत अलग है। परसेल ने कई प्रकार की शैलियों में काम किया; सरल धार्मिक भजनों से लेकर मार्चिंग संगीत तक, बड़े प्रारूप की मुखर रचनाओं से लेकर मंचित संगीत तक। उनकी सूची में 800 से अधिक कार्य शामिल हैं। परसेल कीबोर्ड संगीत के पहले संगीतकारों में से एक बने, जिनका प्रभाव वर्तमान तक फैला हुआ है।
उपरोक्त संगीतकारों के विपरीत, डायट्रिच बक्सटेहुड (1637-1707)दरबारी संगीतकार नहीं थे। बक्सटेहुड ने पहले हेलसिंगबर्ग (1657-1658) में, फिर एल्सिनोर (1660-1668) में और फिर 1668 से सेंट लुइस में एक ऑर्गेनिस्ट के रूप में काम किया। लुबेक में मैरी। उन्होंने अपने कामों को प्रकाशित करके पैसा नहीं कमाया, बल्कि उनका प्रदर्शन करके, और उन्होंने चर्च के ग्रंथों के लिए संगीत रचना करना और अपने स्वयं के अंग का प्रदर्शन करना पसंद किया, जो कि बड़प्पन के संरक्षण में काम करता है। दुर्भाग्य से, इस संगीतकार के सभी कार्यों को संरक्षित नहीं किया गया है। बक्सटेहुड का संगीत काफी हद तक विचारों, समृद्धि और कल्पना की स्वतंत्रता के पैमाने पर बनाया गया है, जो करुणा, नाटक और कुछ हद तक वाक्पटुता के लिए एक प्रवृत्ति है। उनके काम का जे.एस. बाख और टेलीमैन जैसे संगीतकारों पर गहरा प्रभाव था।

स्वर्गीय बारोक संगीत (1707-1760)

परिपक्व और बाद के बैरोक के बीच सटीक रेखा बहस का विषय है; यह 1680 और 1720 के बीच कहीं स्थित है। इसकी परिभाषा की अधिकांश जटिलता यह तथ्य है कि विभिन्न देशों में शैली सिंक से बाहर हो गई; नवाचारों को एक जगह नियम के रूप में पहले ही स्वीकार कर लिया गया था, लेकिन दूसरी जगह नई खोजें थीं
पिछली अवधि द्वारा खोजे गए रूप परिपक्वता और बड़ी परिवर्तनशीलता तक पहुँच चुके हैं; कंसर्टो, सूट, सोनाटा, कंसर्टो ग्रोसो, ओरटोरियो, ओपेरा और बैले ने अब राष्ट्रीय विशेषताओं को तेजी से व्यक्त नहीं किया था। कार्यों की आम तौर पर स्वीकृत योजनाएं हर जगह स्थापित की गई हैं: दोहराए जाने वाला दो-भाग वाला फॉर्म (एएबीबी), एक साधारण तीन-भाग वाला फॉर्म (एबीसी) और एक रोंडो।
एंटोनियो विवाल्डी (1678-1741) -इतालवी संगीतकार, वेनिस में पैदा हुए। 1703 में उन्होंने कैथोलिक पादरी का पद प्राप्त किया। विवाल्डी ने इन्हीं के लिए, जो उस समय अभी भी वाद्य शैलियों (बारोक सोनाटा और बारोक कंसर्टो) का विकास कर रहे थे, अपना सबसे महत्वपूर्ण योगदान दिया। विवाल्डी ने 500 से अधिक संगीत कार्यक्रमों की रचना की। उन्होंने अपनी कुछ कृतियों को प्रोग्रामेटिक शीर्षक भी दिए, जैसे प्रसिद्ध द फोर सीजन्स।
डोमेनिको स्कारलाट्टी (1685-1757)अपने समय के अग्रणी कीबोर्ड संगीतकार और कलाकारों में से एक थे। लेकिन शायद सबसे प्रसिद्ध दरबारी संगीतकार थे जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडल (1685-1759)।उनका जन्म जर्मनी में हुआ था, उन्होंने तीन साल तक इटली में पढ़ाई की, लेकिन 1711 में लंदन छोड़ दिया, जहां उन्होंने अपने शानदार और व्यावसायिक करियर की शुरुआत की। सफल पेशाबड़प्पन के लिए कमीशन प्रदर्शन करने वाला एक स्वतंत्र ओपेरा संगीतकार। अथक ऊर्जा के साथ, हैंडेल ने अन्य संगीतकारों की सामग्री को फिर से काम में लिया और लगातार अपने काम को फिर से तैयार किया खुद की रचनाएँ. उदाहरण के लिए, वह प्रसिद्ध वक्ता "मसीहा" को इतनी बार फिर से काम करने के लिए जाना जाता है कि अब ऐसा कोई संस्करण नहीं है जिसे "प्रामाणिक" कहा जा सके।
उनकी मृत्यु के बाद, उन्हें एक प्रमुख यूरोपीय संगीतकार के रूप में पहचाना गया, और शास्त्रीय युग के संगीतकारों द्वारा उनका अध्ययन किया गया। हैंडेल ने अपने संगीत में कामचलाऊ व्यवस्था और प्रतिवाद की समृद्ध परंपराओं को मिलाया। उनके कार्यों में संगीत अलंकारों की कला बहुत उच्च स्तर पर पहुंच गई। उन्होंने अन्य संगीतकारों के संगीत का अध्ययन करने के लिए पूरे यूरोप की यात्रा की, जिसके संबंध में अन्य शैलियों के संगीतकारों के बीच उनके परिचितों का एक बहुत व्यापक दायरा था।
जोहान सेबेस्टियन बाच 21 मार्च, 1685 को आइसेनच, जर्मनी में जन्म। अपने जीवनकाल के दौरान, उन्होंने ओपेरा को छोड़कर विभिन्न शैलियों में 1,000 से अधिक रचनाएँ कीं। लेकिन अपने जीवनकाल में उन्हें कोई खास सफलता नहीं मिली। कई बार आगे बढ़ते हुए, बाख ने एक के बाद एक बहुत उच्च स्थिति नहीं बदली: वीमर में वे वीमर ड्यूक जोहान अर्न्स्ट के दरबारी संगीतकार थे, फिर सेंट के चर्च में अंग के कार्यवाहक बन गए। अर्नस्टेड में बोनिफेस ने कुछ साल बाद सेंट के चर्च में ऑर्गेनिस्ट की स्थिति स्वीकार कर ली। Mühlhausen में Vlasia, जहाँ उन्होंने केवल एक वर्ष के लिए काम किया, जिसके बाद वे वीमर लौट आए, जहाँ उन्होंने दरबारी आयोजक और संगीत कार्यक्रम के आयोजक का स्थान लिया। वह नौ साल तक इस पद पर रहे। 1717 में, एनामल-कोथेन के ड्यूक लियोपोल्ड ने बाख को कपेलमिस्टर के रूप में काम पर रखा और बाख ने कोथेन में रहना और काम करना शुरू कर दिया। 1723 में बाख लीपज़िग चले गए, जहाँ वे 1750 में अपनी मृत्यु तक बने रहे। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में और बाख की मृत्यु के बाद, एक संगीतकार के रूप में उनकी प्रसिद्धि कम होने लगी: उनकी शैली को बढ़ते क्लासिकवाद की तुलना में पुराने जमाने का माना जाता था। उन्हें एक कलाकार, शिक्षक और बाक्स जूनियर के पिता के रूप में अधिक जाना और याद किया जाता था, मुख्य रूप से कार्ल फिलिप इमैनुएल, जिनका संगीत अधिक प्रसिद्ध था।
जेएस बाख की मृत्यु के 79 साल बाद मेंडेलसोहन द्वारा मैथ्यू के अनुसार पैशन के केवल प्रदर्शन ने उनके काम में रुचि को पुनर्जीवित किया। अब जे.एस. बाख सबसे लोकप्रिय संगीतकारों में से एक हैं
क्लासिसिज़म
श्रेण्यवाद - कला XVII में शैली और दिशा - प्रारंभिक XIXसदियों
यह शब्द लैटिन क्लासिकस से आया है - अनुकरणीय। शास्त्रीयवाद होने की तर्कसंगतता में विश्वास पर आधारित था, इस तथ्य में कि मानव स्वभाव सामंजस्यपूर्ण है। उन्होंने प्राचीन कला में क्लासिक्स के अपने आदर्श को देखा, जिसे पूर्णता का उच्चतम रूप माना जाता था।
अठारहवीं शताब्दी में, सामाजिक चेतना के विकास में एक नया चरण शुरू होता है - ज्ञान का युग। पुरानी सामाजिक व्यवस्था नष्ट हो रही है; मानवीय गरिमा, स्वतंत्रता और खुशी के सम्मान के विचार सर्वोपरि हैं; व्यक्ति स्वतंत्रता और परिपक्वता प्राप्त करता है, अपने दिमाग का उपयोग करता है और महत्वपूर्ण सोच. अपनी भव्यता, भव्यता और गम्भीरता के साथ बैरोक युग के आदर्शों को स्वाभाविकता और सरलता पर आधारित एक नई जीवन शैली द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है। जीन-जैक्स रूसो के आदर्शवादी विचारों का समय आ रहा है, जो प्रकृति की ओर, प्राकृतिक गुण और स्वतंत्रता की ओर लौटने का आह्वान करता है। प्रकृति के साथ, पुरातनता को आदर्श बनाया गया है, क्योंकि यह माना जाता था कि यह पुरातनता के दौरान था कि लोग सभी मानवीय आकांक्षाओं को मूर्त रूप देने में कामयाब रहे। प्राचीन कला को शास्त्रीय कहा जाता है, इसे अनुकरणीय के रूप में पहचाना जाता है, सबसे सच्चा, परिपूर्ण, सामंजस्यपूर्ण और बारोक युग की कला के विपरीत, इसे सरल और समझने योग्य माना जाता है। ध्यान के केंद्र में, अन्य महत्वपूर्ण पहलुओं के साथ, शिक्षा, सामाजिक संरचना में आम लोगों की स्थिति, एक व्यक्ति की संपत्ति के रूप में प्रतिभा।

कारण कला में भी शासन करता है। कला के उदात्त उद्देश्य, इसकी सामाजिक और नागरिक भूमिका पर जोर देने की इच्छा रखते हुए, फ्रांसीसी दार्शनिक और शिक्षक डेनिस डाइडरॉट ने लिखा: "मूर्तिकला या पेंटिंग के प्रत्येक कार्य को जीवन के कुछ महान नियमों को व्यक्त करना चाहिए, सिखाना चाहिए।"

रंगमंच एक ही समय में जीवन की पाठ्यपुस्तक और जीवन ही था। इसके अलावा, थिएटर में कार्रवाई अत्यधिक आदेशित, मापी जाती है; यह कृत्यों और दृश्यों में विभाजित है, जो बदले में, पात्रों की अलग-अलग प्रतिकृतियों में विभाजित हैं, जो 18 वीं शताब्दी के लिए कला का एक आदर्श बनाते हैं, जहां सब कुछ अपनी जगह पर है और तार्किक कानूनों के अधीन है।
क्लासिकवाद का संगीत अत्यंत नाटकीय है, ऐसा लगता है कि यह रंगमंच की कला की नकल करता है और उसका अनुकरण करता है।
एक शास्त्रीय सोनाटा और एक सिम्फनी का बड़े वर्गों में विभाजन - भाग, जिनमें से प्रत्येक में कई संगीतमय "घटनाएँ" हैं, एक नाटक को क्रियाओं और दृश्यों में विभाजित करने जैसा है।
शास्त्रीय युग के संगीत में, एक कथानक अक्सर निहित होता है, एक निश्चित क्रिया जो दर्शकों के सामने उसी तरह प्रकट होती है जैसे नाटकीय कार्रवाई दर्शकों के सामने प्रकट होती है।
श्रोता को केवल कल्पना को चालू करने और "संगीतमय कपड़ों" में एक क्लासिक कॉमेडी या त्रासदी के पात्रों को पहचानने की जरूरत है।
थिएटर की कला 18वीं शताब्दी में हुए संगीत के प्रदर्शन में हुए बड़े बदलावों की व्याख्या करने में मदद करती है। पहले, मुख्य स्थान जहां संगीत बजता था वह मंदिर था: इसमें एक व्यक्ति नीचे था, एक विशाल स्थान में, जहां संगीत उसे ऊपर देखने और अपने विचारों को भगवान को समर्पित करने में मदद करता था। अब, 18वीं शताब्दी में, एक कुलीन सैलून में, एक महान संपत्ति के बॉलरूम में या एक टाउन स्क्वायर में संगीत सुना जाता है। प्रबुद्धता के युग के श्रोता संगीत को "आपके लिए" मानने लगते हैं और अब उस खुशी और कायरता का अनुभव नहीं करते हैं जो उसने मंदिर में बजने पर उसमें प्रेरित की थी।
अंग की शक्तिशाली, गंभीर ध्वनि अब संगीत में नहीं है; गाना बजानेवालों की भूमिका कम हो गई है। संगीत शास्त्रीय शैलीयह हल्का लगता है, इसमें बहुत कम ध्वनियाँ होती हैं, जैसे कि यह अतीत के भारी, स्तरित संगीत की तुलना में "कम वजन" करता है। अंग और गाना बजानेवालों की आवाज़ को सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की आवाज़ से बदल दिया गया; उदात्त अरियस ने प्रकाश, लयबद्ध और नृत्य संगीत का मार्ग प्रशस्त किया।
मानव मन की संभावनाओं और ज्ञान की शक्ति में असीम विश्वास के लिए धन्यवाद, 18वीं शताब्दी को तर्क का युग या ज्ञान का युग कहा जाने लगा।
क्लासिकवाद का उत्कर्ष अठारहवीं शताब्दी के 80 के दशक में आता है। 1781 में, जे. हेडन ने अपने स्ट्रिंग क्वार्टेट ओप सहित कई अभिनव कार्यों का निर्माण किया। 33; ओपेरा का प्रीमियर V.A. मोजार्ट का "सेराग्लियो से अपहरण"; एफ। शिलर का नाटक "रॉबर्स" और "आलोचना" शुद्ध मन» आई। कांट।

शास्त्रीय काल के प्रतिभाशाली प्रतिनिधि वियना क्लासिकल स्कूल के संगीतकार हैं जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट और लुडविग वैन बीथोवेन. उनकी कला रचनात्मक तकनीक की पूर्णता, रचनात्मकता के मानवतावादी अभिविन्यास और इच्छा, विशेष रूप से डब्ल्यू ए मोजार्ट के संगीत में ध्यान देने योग्य है, संगीत के माध्यम से पूर्ण सौंदर्य प्रदर्शित करने के लिए।

एल बीथोवेन की मृत्यु के तुरंत बाद वियना क्लासिकल स्कूल की अवधारणा उत्पन्न हुई। शास्त्रीय कला को भावनाओं और कारण, रूप और सामग्री के बीच नाजुक संतुलन से अलग किया जाता है। पुनर्जागरण के संगीत ने अपने युग की भावना और सांस को प्रतिबिंबित किया; बैरोक युग में, मानव राज्य संगीत में प्रतिबिंब का विषय बन गए; क्लासिकवाद के युग का संगीत किसी व्यक्ति के कार्यों और कर्मों, उसके द्वारा अनुभव की गई भावनाओं और भावनाओं को गाता है, चौकस और समग्र मानव मन।

लुडविग वैन बीथोवेन (1770-1827)
जर्मन संगीतकार, अक्सर सर्वकालिक महान संगीतकार माने जाते हैं।
उनके काम का श्रेय क्लासिकवाद और रूमानियत दोनों को दिया जाता है।
अपने पूर्ववर्ती मोजार्ट के विपरीत, बीथोवेन ने कठिनाई से रचना की। बीथोवेन की नोटबुक दिखाती है कि कैसे धीरे-धीरे, कदम दर कदम, एक भव्य रचना अनिश्चित रेखाचित्रों से उभरती है, जो निर्माण और दुर्लभ सुंदरता के तर्कपूर्ण तर्क द्वारा चिह्नित होती है। यह तर्क है मुख्य स्त्रोतबीथोवेन की महानता, विपरीत तत्वों को एक अखंड संपूर्ण में व्यवस्थित करने की उनकी अतुलनीय क्षमता। बीथोवेन फॉर्म के वर्गों के बीच पारंपरिक कैसुरस को मिटा देता है, समरूपता से बचता है, चक्र के कुछ हिस्सों को मिलाता है, विषयगत और लयबद्ध रूपांकनों से विस्तारित निर्माण विकसित करता है, जिसमें पहली नज़र में कुछ भी दिलचस्प नहीं होता है। दूसरे शब्दों में, बीथोवेन अपने मन की शक्ति से, अपनी इच्छा से संगीतमय स्थान बनाता है। उन्होंने उन कलात्मक प्रवृत्तियों का अनुमान लगाया और उनका निर्माण किया जो 19वीं शताब्दी की संगीत कला के लिए निर्णायक बन गईं।

स्वच्छंदतावाद।
सशर्त रूप से 1800-1910 को कवर करता है
रोमांटिक संगीतकारों ने संगीत के माध्यम से किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई और समृद्धि को व्यक्त करने की कोशिश की। संगीत अधिक उभरा हुआ, व्यक्तिगत हो जाता है। गाथागीत सहित गीत शैलियों का विकास हो रहा है।
संगीत में रूमानियत के मुख्य प्रतिनिधि हैं: मेंऑस्ट्रिया - फ्रांज शुबर्ट ; जर्मनी में - अर्नेस्ट थियोडोर हॉफमैन, कार्ल मारिया वेबर, रिचर्ड वैगनर, फेलिक्स मेंडेलसोहन, रॉबर्ट शुमान , लुडविग स्पोह्र ; वी
वगैरह.................

यूरोप में मध्य युग की पेशेवर संगीत संस्कृति मुख्य रूप से चर्च के साथ जुड़ी हुई है, जो कि पंथ संगीत के क्षेत्र के साथ है। धार्मिकता से भरपूर, कला विहित और हठधर्मिता है, लेकिन, फिर भी, यह जमी नहीं है, यह सांसारिक उपद्रव से प्रभु की सेवा करने की अलग दुनिया में बदल गई है। हालांकि, इस तरह के "उच्च" संगीत के साथ, लोकगीत भी थे, और यात्रा करने वाले संगीतकारों के काम के साथ-साथ शिष्टता की एक महान संस्कृति भी थी।

प्रारंभिक मध्य युग की आध्यात्मिक संगीत संस्कृति

जमाने में प्रारंभिक मध्ययुगीनपेशेवर संगीत केवल गिरिजाघरों और उनसे जुड़े गायन स्कूलों में ही सुनाई देता था। पश्चिमी यूरोप में मध्य युग की संगीत संस्कृति का केंद्र इटली की राजधानी - रोम - वही शहर था जहाँ "सर्वोच्च चर्च प्राधिकरण" स्थित थे।

590-604 के वर्षों में, पोप ग्रेगरी I ने पंथ गायन में सुधार किया। उन्होंने "ग्रेगोरियन एंटीफॉनरी" संग्रह में विभिन्न मंत्रों का आदेश दिया और एकत्र किया। ग्रेगोरी I के लिए धन्यवाद, पश्चिमी यूरोपीय पवित्र संगीत में ग्रेगोरियन मंत्र नामक एक दिशा का गठन किया जा रहा है।

कोरल- यह, एक नियम के रूप में, एक मोनोफोनिक जप है, जो यूरोपीय और मध्य पूर्वी लोगों की सदियों पुरानी परंपराओं को दर्शाता है। यह चिकनी मोनोफोनिक माधुर्य था जिसका उद्देश्य कैथोलिक धर्म की नींव को समझने और एकल वसीयत को स्वीकार करने के लिए पैरिशियन का मार्गदर्शन करना था। मूल रूप से, कोरल गाना बजानेवालों द्वारा किया गया था, और केवल कुछ हिस्सों में एकल कलाकारों द्वारा किया गया था।

ग्रेगोरियन जप का आधार डायटोनिक मोड की आवाज़ के साथ एक क्रमिक आंदोलन था, लेकिन कभी-कभी एक ही जप में धीमे, गंभीर स्तोत्र और अलग-अलग सिलेबल्स के मधुर जप भी होते थे।

इस तरह की धुनों के प्रदर्शन पर किसी का भी भरोसा नहीं था, क्योंकि इसके लिए गायकों से पेशेवर गायन कौशल की आवश्यकता थी। संगीत की तरह ही, लैटिन भाषा में भजनों का पाठ, कई पारिश्रमिकों के लिए समझ से बाहर है, विनम्रता, वास्तविकता से अलगाव और चिंतन को उद्घाटित करता है। अक्सर, संगीत की लयबद्ध बनावट भी पाठ के अनुसरण पर निर्भर करती थी। ग्रेगोरियन जप को आदर्श संगीत के रूप में नहीं लिया जा सकता है, बल्कि यह एक प्रार्थनापूर्ण पाठ का मंत्र है।

द्रव्यमान – मुख्य शैलीमध्य युग का संगीतकार संगीत

कैथोलिक प्रार्थना चर्च का मुख्य पूजन है। उसने इस प्रकार के ग्रेगोरियन जप को संयुक्त किया:

• एंटीफॉनल (जब दो गायक बारी-बारी से गाते हैं);
• जिम्मेदार (वैकल्पिक रूप से एकल कलाकार और गाना बजानेवालों को गाते हुए)।

समुदाय ने केवल आम प्रार्थनाओं के गायन में भाग लिया।
बाद में, बारहवीं शताब्दी में। भजन (स्तोत्र), अनुक्रम और ट्रोप मास में दिखाई दिए। वे अतिरिक्त ग्रंथ थे जिनमें एक तुकबंदी (मुख्य कोरले के विपरीत) और एक विशेष धुन थी। इन धार्मिक तुकांत ग्रंथों को पारिश्रमिकों द्वारा बहुत बेहतर याद किया गया। भिक्षुओं के साथ गाते हुए, उन्होंने माधुर्य को विविध किया, और लोक के तत्व पवित्र संगीत में रिसने लगे और आधिकारिक रचनात्मकता के लिए एक अवसर के रूप में सेवा की (नोकर ज़िका और टोकेलन भिक्षु - सेंट गोलेन का मठ)। बाद में, इन धुनों ने आम तौर पर भजन के हिस्सों को बदल दिया और ग्रेगोरियन मंत्र की ध्वनि को काफी समृद्ध किया।

पॉलीफोनी के पहले नमूने मठों से आते हैं, जैसे ऑर्गनम - समानांतर चौथे या पांचवें में आंदोलन, गिमेल, फोबर्डन - छठे राग में आंदोलन, आचरण। ऐसे संगीत के प्रतिनिधि संगीतकार लियोनिन और पेरोटिन (कैथेड्रल पेरिस की नोट्रे डेम- बारहवीं-तेरहवीं शताब्दी)।

मध्य युग की धर्मनिरपेक्ष संगीत संस्कृति

मध्य युग की संगीत संस्कृति के धर्मनिरपेक्ष पक्ष का प्रतिनिधित्व किसके द्वारा किया गया: फ्रांस में - बाजीगर, mimes, minstrels , जर्मनी में - shilmans, स्पेन में - हॉगलर्स, रूस में'- मूर्खों. वे सभी घुमंतू कलाकार थे और अपने काम में वाद्य यंत्र बजाना, गाना, नाचना, जादू करना, कठपुतली शो, सर्कस कला।

धर्मनिरपेक्ष संगीत का एक अन्य घटक वीरतापूर्ण, तथाकथित था दरबारी संस्कृति . एक विशेष नाइटली कोड बनाया गया था, जिसमें कहा गया था कि प्रत्येक शूरवीरों में न केवल साहस और बहादुरी होनी चाहिए, बल्कि यह भी होनी चाहिए परिष्कृत शिष्टाचार, शिक्षा और सुंदर महिला के प्रति समर्पित रहें। शूरवीरों के जीवन के ये सभी पहलू काम में परिलक्षित होते हैं Troubadours(दक्षिणी फ्रांस - प्रोवेंस), ट्राउटर्स(उत्तरी फ्रांस), minnesingers(जर्मनी)।

उनका काम मुख्य रूप से प्रेम गीतों में प्रस्तुत किया गया है, इसकी सबसे आम शैली कैनज़ोना थी (एल्ब्स - मिनेसिंगर्स के बीच "सुबह के गीत")। व्यापक रूप से संकटमोचनों के अनुभव को लागू करते हुए, संकटमोचनों ने अपनी स्वयं की शैलियों का निर्माण किया: "मई गीत", "बुनाई गीत"।

दरबारी संस्कृति के प्रतिनिधियों की संगीत शैलियों का सबसे महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य की शैलियाँ थीं, जैसे कि रोंडो, विरेले, गाथागीत, वीर महाकाव्य. वाद्य यंत्रों की भूमिका बहुत ही महत्वहीन थी, इसे एक परिचय, अंतराल, पोस्टल्यूड के साथ मुखर धुनों को तैयार करने के लिए कम कर दिया गया था।

परिपक्व मध्य युग XI-XIII सदियों।

परिपक्व मध्य युग की एक विशिष्ट विशेषता विकास है बर्गर संस्कृति . इसका फोकस चर्च विरोधी, स्वतंत्र सोच, कॉमिक और कार्निवल लोककथाओं के साथ संबंध था। पॉलीफोनी की नई विधाएँ दिखाई देती हैं: मोटेट, जो स्वरों की मधुर असमानता की विशेषता है, इसके अलावा, एक मोटेट में वे एक साथ गाते हैं विभिन्न पाठऔर यहां तक ​​कि विभिन्न भाषाएं; मद्रिगल - गीत मातृ भाषा(इतालवी), कैसिया एक मुखर टुकड़ा है जिसमें एक शिकार का वर्णन करने वाले गीत हैं।

12वीं सदी से लोक कलावागंटेस और गोलियार्ड्स शामिल हुए, जो बाकी लोगों के विपरीत साक्षर थे। विश्वविद्यालय मध्य युग की संगीत संस्कृति के वाहक बन गए। चूंकि मध्य युग की मोडल प्रणाली पवित्र संगीत के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी, इसलिए उन्हें चर्च मोड (आयोनियन मोड, आइओलियन मोड) कहा जाने लगा।

हेक्साकॉर्ड्स के सिद्धांत को भी सामने रखा गया था - केवल 6 चरणों का उपयोग फ्रेट्स में किया गया था। भिक्षु गुइडो अरेटिंस्की ने रिकॉर्डिंग नोट्स की एक और अधिक सही प्रणाली बनाई, जिसमें 4 पंक्तियों की उपस्थिति शामिल थी, जिसके बीच एक तृतीयक अनुपात था और कुंजी चिह्नया रेखा रंग। उन्होंने चरणों का शब्दांश नाम भी पेश किया, अर्थात्, चरणों की ऊंचाई को अक्षरों द्वारा इंगित किया जाने लगा।

अर्स नोवा XIII-XV सदियों

मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच की संक्रमणकालीन अवधि XIV सदी थी। फ्रांस और इटली में इस अवधि को अर्स नोवा कहा जाता था, अर्थात "नई कला"। कला में नए प्रयोगों का समय आ गया है। संगीतकारों ने रचनाओं की रचना शुरू की, जिसकी लय पिछले वाले (फिलिप डे विट्री) की तुलना में बहुत अधिक जटिल हो गई।

इसके अलावा, पवित्र संगीत के विपरीत, सेमीटोन को यहां पेश किया गया था, जिसके परिणामस्वरूप स्वरों का यादृच्छिक उतार-चढ़ाव होने लगा, लेकिन यह अभी तक मॉडुलन नहीं है। इस तरह के प्रयोगों के परिणामस्वरूप, ऐसे काम प्राप्त हुए जो दिलचस्प थे, लेकिन हमेशा उत्साहजनक नहीं थे। सोलेज उस समय के सबसे चमकीले प्रयोगकर्ता-संगीतकार थे। संगीत संस्कृतिसंस्कृति की तुलना में मध्य युग अधिक विकसित है प्राचीन विश्व, धन की सीमाओं के बावजूद और पुनर्जागरण में संगीत के उत्कर्ष के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।

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पुस्तकें

• कला का सचित्र इतिहास। आर्किटेक्चर, मूर्तिकला, पेंटिंग, संगीत, ल्यूबके वी। लाइफटाइम संस्करण। सेंट पीटर्सबर्ग, 1884। ए.एस. सुवरिन का संस्करण। 134 चित्रों वाला संस्करण। चमड़े की रीढ़ और कोनों के साथ मालिक का बंधन। पट्टी रीढ़। सुरक्षा अच्छी है।…
• कला का सचित्र इतिहास। वास्तुकला, मूर्तिकला, चित्रकला, संगीत (स्कूलों के लिए, स्व-अध्ययन और सूचना), लुबके। जीवन संस्करण। सेंट पीटर्सबर्ग, 1884। ए.एस. सुवरिन का संस्करण। 134 रेखाचित्रों के साथ बुक करें। टाइपोग्राफिक कवर। सुरक्षा अच्छी है। कवर पर छोटे-छोटे आंसू। बड़े पैमाने पर सचित्र…

प्रारंभिक मध्य युग की स्थितियों में, संपूर्ण संगीत संस्कृति को दो मुख्य "शर्तों" में घटा दिया गया है। इसके एक ध्रुव पर चर्च द्वारा वैध पेशेवर साहित्यिक संगीत है, जो सिद्धांत रूप में ईसाई धर्म अपनाने वाले सभी लोगों के लिए समान है (भाषा की एकता लैटिन है, गायन की एकता ग्रेगोरियन मंत्र है)। दूसरी ओर - विभिन्न स्थानीय भाषाओं में चर्च द्वारा सताए गए लोक संगीत, लोक जीवन से जुड़े, भटकने वाले संगीतकारों की गतिविधियों के साथ।

बलों की पूर्ण असमानता (राज्य, भौतिक स्थितियों, आदि से समर्थन के संदर्भ में) के बावजूद, लोक संगीत गहन रूप से विकसित हुआ और यहां तक ​​\u200b\u200bकि आंशिक रूप से चर्च में विहित ग्रेगोरियन मंत्र में विभिन्न आवेषणों के रूप में प्रवेश किया। उनमें से, उदाहरण के लिए, प्रतिभाशाली संगीतकारों द्वारा बनाई गई ट्रॉप्स और सीक्वेंस।

ट्रेल्स - ये पाठ और संगीत जोड़ हैं जो कोरल के बीच में डाले गए हैं। एक तरह का निशान एक अनुक्रम है। मध्यकालीनदृश्यों ये जटिल स्वरों के उप-पाठ हैं। उनके होने का एक कारण यह था कि एक स्वर में गायी जाने वाली लंबी धुनों को याद रखने में महत्वपूर्ण कठिनाई होती थी। समय के साथ, अनुक्रम लोक गोदाम की धुनों पर आधारित होने लगे।

पहली श्रृंखला के लेखकों में एक साधु का नाम है।नोटकर सेंट गैलेन (स्विट्जरलैंड में, के पास) के मठ से ज़ैका उपनाम लेक कॉन्स्टेंस). नोटकर (840-912) थासंगीतकार, कवि, संगीत सिद्धांतकार, इतिहासकार, धर्मशास्त्री। उन्होंने मठ के स्कूल में पढ़ाया और हकलाने के बावजूद एक उत्कृष्ट शिक्षक के रूप में जाने जाते थे। अपने दृश्यों के लिए, नोटकर ने आंशिक रूप से उपयोग किया प्रसिद्ध धुन, आंशिक रूप से स्वयं द्वारा रचित।

काउंसिल ऑफ ट्रेंट (1545-63) के डिक्री द्वारा, चार के अपवाद के साथ लगभग सभी अनुक्रमों को चर्च सेवा से निष्कासित कर दिया गया था। उनमें से सबसे प्रसिद्ध क्रम थाIrae मर जाता है ("क्रोध का दिन"), फैसले के दिन के बारे में बता रहा है . बाद में, पांचवें क्रम को कैथोलिक चर्च के उपयोग में शामिल किया गया,स्टैबट मेटर ("एक दुःखी माँ थी")।

सांसारिक कला की भावना को चर्च जीवन में लाया गया औरभजन - आध्यात्मिक मंत्र, करीब लोक संगीतकाव्य पाठ के लिए।

अंत से ग्यारहवींसदी में संगीतमय जीवनपश्चिमी यूरोप में नाइटली संस्कृति से जुड़ी नई प्रकार की रचनात्मकता और संगीत-निर्माण शामिल है। गायकों-शूरवीरों ने, संक्षेप में, धर्मनिरपेक्ष संगीत की शुरुआत को चिह्नित किया। उनकी कला लोक-रोजमर्रा की संगीत परंपरा (लोक-गीतों के स्वरों का उपयोग, लोक संगीतकारों के साथ सहयोग का अभ्यास) के संपर्क में थी। कई मामलों में, ट्रूबाडोर्स ने संभवतः अपने ग्रंथों के लिए सामान्य लोक धुनों का चयन किया।

मध्य युग की संगीत संस्कृति की सबसे बड़ी उपलब्धि एक पेशेवर यूरोपीय का जन्म थाpolyphony . इसकी शुरुआत को संदर्भित करता हैनौवींसदी, जब ग्रेगोरियन जप के एकसमान प्रदर्शन को कभी-कभी दो-स्वर वाले द्वारा बदल दिया जाता था। दो स्वरों का सबसे पहला प्रकार समानांतर थाorganum , जिसमें ग्रेगोरियन जप को सप्तक, चौथाई या पाँचवें में डब किया गया था। फिर अप्रत्यक्ष (जब केवल एक आवाज चलती है) और विपरीत आंदोलन के साथ एक गैर-समानांतर अंग दिखाई दिया। धीरे-धीरे, ग्रेगोरियन जप के साथ आने वाली आवाज अधिक से अधिक स्वतंत्र हो गई। दोहरी आवाज की इस शैली को कहा जाता हैतिहरा (अनुवाद में - "पे-नी अलग")।

पहली बार इस तरह के अंग लिखे जाने लगेलियओनिन , पहले ज्ञात संगीतकार-पॉलीफ़ोनिस्ट (बारहवींशतक)। उन्होंने प्रसिद्ध नोट्रे डेम कैथेड्रल में रीजेंट के रूप में कार्य किया, जहां एक बड़ा पॉलीफोनिक स्कूल विकसित हुआ।

लियोनिन का काम जुड़ा हुआ थाअर्स एंटीका (आर्स एंटीका, जिसका अर्थ है " पुरानी कला")। यह नाम पंथ पॉलीफोनी को दिया गया थाबारहवीं- तेरहवेंसदियों के संगीतकार प्रारंभिक पुनर्जागरणकिया, जिसने इसका विरोध कियाअर्स नोवा ("नई कला")।

सर्वप्रथम तेरहवेंसदियों से लियोनिन की परंपरा जारी रहीपेरोटिन , उपनाम ग्रेट के अनुसार। उन्होंने अब दो-स्वर नहीं, बल्कि 3 की रचना कीएक्स और 4 एक्स - मुखर अंग। पेरोटिन की ऊपरी आवाज़ें कभी-कभी एक विपरीत दो-स्वर बनाती हैं, कभी-कभी वह कुशलता से नकल का उपयोग करती हैं।

पेरोटिन के गठन के समय और नया प्रकारपॉलीफोनी -कंडक्टर , जिसका आधार अब ग्रेगोरियन मंत्र नहीं था, बल्कि एक लोकप्रिय दैनिक या स्वतंत्र रूप से रचित राग था।

एक और भी बोल्ड पॉलीफोनिक फॉर्म थामोटेट - अलग-अलग लय और अलग-अलग ग्रंथों के साथ धुनों का संयोजन, अक्सर अलग-अलग भाषाओं में भी। मोटेट पहले थे संगीत शैली, चर्च और अदालती जीवन में समान रूप से सामान्य।

पॉलीफोनी का विकास, सभी स्वरों में पाठ के प्रत्येक शब्दांश के एक साथ उच्चारण से प्रस्थान (मोटेट्स में), अंकन के सुधार की आवश्यकता होती है, अवधियों का सटीक पदनाम। दिखाई पड़नामेन्सुरल नोटेशन (लैटिन मेनसुरा से - माप; शाब्दिक रूप से - मापा अंकन), जिसने ध्वनियों की ऊँचाई और सापेक्ष अवधि दोनों को ठीक करना संभव बना दिया।

पॉलीफोनी के विकास के साथ-साथ गठन की एक प्रक्रिया थीजनता - कैथोलिक चर्च की मुख्य ईश्वरीय सेवा के पाठ पर एक पॉलीफोनिक चक्रीय कार्य। मास के अनुष्ठान ने कई शताब्दियों में आकार लिया। इसने अपना अंतिम रूप प्राप्त कर लियाग्यारहवींवे-कू। कितना समग्र संगीत रचनामास ने बाद में भी आकार लियाXIVसदी, पुनर्जागरण की प्रमुख संगीत शैली बन गई।

मध्य युग मानव इतिहास का एक महान युग है, सामंती व्यवस्था के वर्चस्व का समय।

संस्कृति की अवधि:

प्रारंभिक मध्य युग - 5 वीं - 10 वीं शताब्दी

परिपक्व मध्य युग - XI - XIV सदियों।

395 में, रोमन साम्राज्य दो भागों में विभाजित हो गया: पश्चिमी और पूर्वी। 5वीं-नौवीं शताब्दी में रोम के खंडहरों पर पश्चिमी भाग में बर्बर राज्य थे: ओस्ट्रोगोथ्स, विसिगोथ्स, फ्रैंक्स, आदि। 9वीं शताब्दी में, शारलेमेन के साम्राज्य के पतन के परिणामस्वरूप, यहाँ तीन राज्यों का गठन किया गया था। : फ्रांस, जर्मनी, इटली। पूर्वी भाग की राजधानी कांस्टेंटिनोपल थी, जिसकी स्थापना बीजान्टियम के ग्रीक उपनिवेश के स्थल पर सम्राट कॉन्सटेंटाइन द्वारा की गई थी - इसलिए राज्य का नाम।

§ 1. पश्चिमी यूरोपीय मध्य युग

मध्य युग का भौतिक आधार सामंती संबंध थे। मध्यकालीन संस्कृति परिस्थितियों में बनती है ग्रामीण संपदा. आगे सामाजिक आधारसंस्कृति बन जाती है शहरी वातावरण - बर्गर।राज्यों के गठन के साथ, मुख्य सम्पदाएँ बनती हैं: पादरी, कुलीन, लोग।

मध्य युग की कला का गहरा संबंध है गिरजाघर . ईसाई पंथ- दर्शन, नैतिकता, सौंदर्यशास्त्र, इस समय के संपूर्ण आध्यात्मिक जीवन का आधार। धार्मिक प्रतीकवाद से भरा, कला सांसारिक, क्षणिक से आध्यात्मिक, शाश्वत तक की आकांक्षा करती है।

साथ आधिकारिक चर्चसंस्कृति (उच्च) मौजूद थी धर्मनिरपेक्षसंस्कृति (जमीनी स्तर) - लोक-साहित्य(निम्न सामाजिक वर्ग) और नाइट की तरह(विनम्र)।

मुख्य फोकस पेशेवरप्रारंभिक मध्य युग का संगीत - गिरिजाघर, उनसे जुड़े गायन विद्यालय, मठ - उस समय के शिक्षा के एकमात्र केंद्र। उन्होंने ग्रीक और लैटिन, अंकगणित और संगीत का अध्ययन किया।

में चर्च संगीत का मुख्य केंद्र पश्चिमी यूरोपरोम मध्य युग में था। VI के अंत में - VII सदी की शुरुआत। पश्चिमी यूरोपीय चर्च संगीत की मुख्य विविधता बन रही है - ग्रेगरी राग , पोप ग्रेगरी I के नाम पर, जिन्होंने चर्च गायन के सुधार को अंजाम दिया, विभिन्न चर्च भजनों को एक साथ लाया और सुव्यवस्थित किया। ग्रेगरी राग - मोनोफोनिककैथोलिक जप, जिसमें विभिन्न मध्य पूर्वी और यूरोपीय लोगों (सीरियाई, यहूदी, यूनानी, रोमन, आदि) की सदियों पुरानी गायन परंपराएँ विलीन हो गई हैं। यह एक एकल राग का सहज मोनोफोनिक प्रकटीकरण था जिसका उद्देश्य एकल इच्छा को व्यक्त करना था, कैथोलिक धर्म के सिद्धांतों के अनुसार पारिश्रमिकों का ध्यान केंद्रित करना। संगीत की प्रकृति सख्त, अवैयक्तिक है। कोरल गाना बजानेवालों (इसलिए नाम) द्वारा किया गया था, एकल कलाकार द्वारा कुछ खंड। डायटोनिक मोड्स पर आधारित स्टेपवाइज मूवमेंट प्रबल होता है। ग्रेगोरियन जप ने कई क्रमों की अनुमति दी, गंभीर रूप से धीमी गति से कोरल स्तोत्रऔर समाप्त वर्षगाँठ(एक शब्दांश का मेलिस्मैटिक जप), उनके प्रदर्शन के लिए गुणी मुखर कौशल की आवश्यकता होती है।

ग्रेगोरियन गायन श्रोता को वास्तविकता से अलग करता है, विनम्रता का कारण बनता है, चिंतन, रहस्यमय वैराग्य की ओर ले जाता है। पाठ चालू है लैटिन,पैरिशियन का अतुलनीय द्रव्यमान। गायन की लय पाठ द्वारा निर्धारित की गई थी। यह पाठ के सस्वर पाठ के उच्चारण की प्रकृति के कारण अस्पष्ट, अनिश्चित है।

कैथोलिक चर्च की मुख्य पूजा सेवा में विविध प्रकार के ग्रेगोरियन जप को एक साथ लाया गया - द्रव्यमान, जिसमें पाँच स्थिर भाग स्थापित किए गए थे:

किरी एलिसन(प्रभु दया करो)

ग्लोरिया(वैभव)

मूलमंत्र(विश्वास करना)

सैन्क्ट्स(पवित्र)

ऐगनस देई(परमेश्वर का मेमना)।

जैसे-जैसे समय बीतता है, तत्व ग्रेगोरियन जप में रिसने लगते हैं। लोक संगीतद्वारा भजन, क्रम और ट्रॉप्स।यदि गायकों और पादरियों के एक पेशेवर गायन द्वारा स्तोत्र का प्रदर्शन किया जाता था, तो सबसे पहले भजनों का प्रदर्शन पारिश्रमिकियों द्वारा किया जाता था। उन्हें आधिकारिक पूजा में सम्मिलित किया गया था (उनमें लोक संगीत की विशेषताएं थीं)। लेकिन जल्द ही द्रव्यमान के भजन भागों ने भजनों को दबाना शुरू कर दिया, जिसके कारण उपस्थिति हुई पॉलीफोनिक द्रव्यमान।

पहला क्रम वर्षगांठ के माधुर्य के लिए एक उप-पाठ था ताकि राग की एक ध्वनि में एक अलग शब्दांश हो। अनुक्रम एक सामान्य शैली बन जाता है (सबसे लोकप्रिय « वेणी, पवित्र स्पिरिटस» , « मर जाता है इरा», « स्टैबट मेटर» ). बर्लियोज़, लिस्केट, त्चिकोवस्की, राचमानिनोव (बहुत बार मृत्यु के प्रतीक के रूप में) द्वारा "डेस इरा" का उपयोग किया गया था।

पॉलीफोनी के पहले नमूने मठों से आते हैं - organum(समानांतर पांचवें या चौथे में आंदोलन), जिमेल, फोबोरडन(समानांतर छठी तार), कंडक्टर. संगीतकार: लियोनिन और पेरोटिन (12-13 शताब्दी - नोट्रे डेम कैथेड्रल)।

वाहक धर्मनिरपेक्ष लोक मध्य युग में संगीत माइम्स, बाजीगर, टकसालफ्रांस में, shilmans- देशों में जर्मन संस्कृति, हॉगलर्स -स्पेन में, मसखरा -रूस में'। ये यात्रा करने वाले कलाकार सार्वभौमिक स्वामी थे: उन्होंने गायन, नृत्य, वादन को संयोजित किया विभिन्न उपकरणजादू, सर्कस कला, कठपुतली थियेटर के साथ।

दूसरा पहलू धर्मनिरपेक्ष संस्कृतिथा शूरवीर (दरबारी) संस्कृति (धर्मनिरपेक्ष सामंती प्रभुओं की संस्कृति)। लगभग सभी कुलीन लोग शूरवीर थे - गरीब योद्धाओं से लेकर राजाओं तक। एक विशेष शूरवीर संहिता बनाई जा रही है, जिसके अनुसार एक शूरवीर को साहस और वीरता के साथ-साथ परिष्कृत शिष्टाचार, शिक्षित, उदार, उदार, सुंदर महिला की ईमानदारी से सेवा करनी चाहिए। शूरवीर जीवन के सभी पहलू संगीत और काव्य कला में परिलक्षित होते हैं Troubadours(प्रोवेंस - दक्षिणी फ्रांस) , ट्राउटर्स(उत्तरी फ्रांस), minnesingers(जर्मनी)। ट्रबलबैडर्स की कला मुख्य रूप से प्रेम गीतों से जुड़ी है। प्रेम गीतों की सबसे लोकप्रिय शैली थी कैनज़ोन(मिनेसिंगर्स के बीच - "मॉर्निंग सॉन्ग्स" - अल्ब्स)।

ट्रूबर्स, व्यापक रूप से ट्रूबाडोर्स के अनुभव का उपयोग करते हुए, अपनी मूल शैलियों का निर्माण किया: बुनाई गाने», « मई गाने"। ट्रौबैडर्स, ट्राउवर्स और मिनेसिंगर्स के संगीत शैलियों का एक महत्वपूर्ण क्षेत्र था गीत और नृत्य शैली: रोंडो, गाथागीत, विरेले(रूपों से बचना), साथ ही साथ वीर महाकाव्य(फ्रांसीसी महाकाव्य "रोलैंड का गीत", जर्मन - "निबेलुंग्स का गीत")। Minnesingers आम थे क्रूसेडर गाने।

ट्रूबैडर्स, ट्राउटर्स और मिनेसिंगर्स की कला की विशेषता विशेषताएं:

मोनोफोनी- माधुर्य और काव्य पाठ के बीच अविभाज्य संबंध का परिणाम है, जो संगीत और काव्य कला के बहुत सार से निकलता है। मोनोफोनी भी अपने स्वयं के अनुभवों की व्यक्तिगत अभिव्यक्ति के प्रति दृष्टिकोण के अनुरूप थी, कथन की सामग्री के व्यक्तिगत मूल्यांकन के लिए (अक्सर व्यक्तिगत अनुभवों की अभिव्यक्ति को प्रकृति के चित्रों के चित्रण द्वारा तैयार किया गया था)।

में मुख्य स्वर प्रदर्शन।वाद्य यंत्रों की भूमिका महत्वपूर्ण नहीं थी: यह मुखर माधुर्य को तैयार करने वाले परिचय, अंतराल और पोस्टल्यूड्स के प्रदर्शन तक कम हो गया था।

शिष्ट कला को पेशेवर के रूप में बोलना अभी भी असंभव है, लेकिन पहली बार परिस्थितियों में धर्मनिरपेक्षसंगीत-निर्माण, एक शक्तिशाली संगीत और काव्यात्मक दिशा अभिव्यंजक साधनों के विकसित परिसर और अपेक्षाकृत पूर्ण संगीत लेखन के साथ बनाई गई थी।

महत्वपूर्ण उपलब्धियों में से एक है परिपक्व मध्य युग X-XI सदियों से शुरू, था शहरी विकास(बर्गर संस्कृति) . शहरी संस्कृति की मुख्य विशेषताएं चर्च विरोधी, स्वतंत्रता-प्रेमी अभिविन्यास, लोककथाओं के साथ संबंध, इसके हास्यपूर्ण और कार्निवल चरित्र थे। गोथिक स्थापत्य शैली विकसित होती है। नई पॉलीफोनिक शैलियों का गठन किया जा रहा है: 13वीं-14वीं से 16वीं शताब्दी तक। - मोटेट(फ्रेंच से - "शब्द"। मोटेट के लिए, स्वरों की एक मधुर असमानता विशिष्ट है, एक ही समय में अलग-अलग ग्रंथों को प्रस्तुत करना - अक्सर अलग-अलग भाषाओं में भी), Madrigal(इतालवी से - "मूल भाषा में गीत", यानी इतालवी। ग्रंथ प्रेम-गीतात्मक, देहाती हैं), caccha(इतालवी से - "शिकार" - शिकार को दर्शाने वाले पाठ पर आधारित एक मुखर टुकड़ा)।

लोक घुमंतू संगीतकार एक खानाबदोश जीवन शैली से एक गतिहीन जीवन शैली की ओर बढ़ रहे हैं, पूरे शहर के ब्लॉकों को आबाद कर रहे हैं और एक प्रकार की "संगीतकार कार्यशालाओं" का निर्माण कर रहे हैं। बारहवीं शताब्दी से लोक संगीतकार शामिल हुए वैगंट्स और गोलियर्ड्स- विभिन्न वर्गों (स्कूली छात्रों, भगोड़े भिक्षुओं, भटकने वाले मौलवियों) के लोगों को हटा दिया गया। अनपढ़ बाजीगरों के विपरीत - मौखिक परंपरा की कला के विशिष्ट प्रतिनिधि - वागेंट और गोलियार्ड्स साक्षर थे: वे लैटिन भाषा और शास्त्रीय छंद के नियमों को जानते थे, संगीत - गीत (छवियों की श्रेणी स्कूल विज्ञान और छात्र जीवन से जुड़ी है) और यहां तक ​​कि जटिल रचनाएं जैसे आचरण और गति।

संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण केंद्र बन गया है विश्वविद्यालयों।संगीत, अधिक सटीक रूप से - संगीतमय ध्वनिकी - खगोल विज्ञान, गणित, भौतिकी के साथ मिलकर चतुर्भुज का हिस्सा था, अर्थात। विश्वविद्यालयों में अध्ययन किए गए चार विषयों का एक चक्र।

इस प्रकार, मध्ययुगीन शहर में संगीत संस्कृति के केंद्र थे, जो चरित्र और सामाजिक अभिविन्यास में भिन्न थे: लोक संगीतकारों के संघ, दरबारी संगीत, मठों और गिरिजाघरों का संगीत, विश्वविद्यालय संगीत अभ्यास।

मध्य युग का संगीत सिद्धांत धर्मशास्त्र से घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ था। हमारे पास आने वाले कुछ संगीत-सैद्धांतिक ग्रंथों में, संगीत को "चर्च का नौकर" माना जाता था। प्रारंभिक मध्य युग के प्रमुख ग्रंथों में, ऑगस्टाइन की 6 पुस्तकें "ऑन म्यूजिक", बोएथियस की 5 पुस्तकें "ऑन द एस्टैब्लिशमेंट ऑफ म्यूजिक" आदि प्रमुख हैं। इन ग्रंथों में एक बड़ा स्थान अमूर्त विद्वानों के मुद्दों को दिया गया था, द संगीत आदि की लौकिक भूमिका का सिद्धांत।

मध्ययुगीन मॉडल प्रणाली चर्च पेशेवर के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी संगीत कला- इसलिए, "चर्च मोड" नाम मध्ययुगीन फ्रेट्स को सौंपा गया था। Ionian और Aeolian मुख्य मोड के रूप में स्थापित हो गए।

मध्य युग के संगीत सिद्धांत ने हेक्साकॉर्ड्स के सिद्धांत को सामने रखा। प्रत्येक झल्लाहट में, अभ्यास में 6 चरणों का उपयोग किया गया था (उदाहरण के लिए: do, re, mi, fa, नमक, la)। शी को तब टाला गया था, क्योंकि। F के साथ मिलकर, एक बढ़े हुए चौथाई गेलन के लिए एक चाल, जिसे बहुत असंगत माना जाता था और जिसे लाक्षणिक रूप से "संगीत में शैतान" कहा जाता था।

गैर-अनिवार्य संकेतन का व्यापक रूप से उपयोग किया गया था। गुइडो अरेटिन्स्कीसंगीत संकेतन की प्रणाली में सुधार। उनके सुधार का सार इस प्रकार था: चार रेखाओं की उपस्थिति, व्यक्तिगत रेखाओं के बीच एक तृतीयक संबंध, एक प्रमुख संकेत (मूल रूप से शाब्दिक) या रेखाओं का रंग। उन्होंने मोड के पहले छह चरणों के लिए सिलेबिक नोटेशन भी पेश किया: ut, re, mi, fa, नमक, ला।

शुरू की मेन्सुरल नोटेशन, जहां प्रत्येक नोट को एक निश्चित लयबद्ध माप सौंपा गया था (लैटिन मेनसुरा - माप, माप)। अवधियों के नाम: मैक्सिम, लोंगा, ब्रेविस आदि।

XIVसदी - मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच संक्रमण काल। XIV सदी के फ्रांस और इटली की कला को "कहा जाता था" अर्स नया तारा"(लैटिन से - नई कला), और इटली में इसमें शुरुआती पुनर्जागरण के सभी गुण थे। मुख्य विशेषताएं: विशेष रूप से चर्च संगीत शैलियों का उपयोग करने से इनकार करना और धर्मनिरपेक्ष मुखर और वाद्य कक्ष शैलियों (गाथागीत, कच्छा, मद्रिगल) की ओर मुड़ना, रोजमर्रा के गीत के साथ तालमेल, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग। अर्स नोवा तथाकथित के विपरीत है। ars antiqua (lat. ars antiqua - पुरानी कला), XIV सदी की शुरुआत से पहले संगीत की कला को लागू करना। सबसे बड़े प्रतिनिधिअर्स नोवा थे गुइलौमे डे माचो (14वीं शताब्दी, फ्रांस) और फ्रांसेस्को लैंडिनो (14वीं शताब्दी, इटली)।

इस प्रकार, मध्य युग की संगीत संस्कृति, सापेक्ष सीमित साधनों के बावजूद, प्राचीन विश्व के संगीत की तुलना में उच्च स्तर का प्रतिनिधित्व करती है और इसमें पुनर्जागरण में संगीत कला के उत्कर्ष के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।