Apa itu gambar dalam sastra. Lukisan modular di interior

Lukisan- sebuah karya lukis yang memiliki karakter utuh (berlawanan dengan sketsa dan sketsa) dan mandiri nilai artistik. Ini terdiri dari alas (kanvas, papan kayu atau logam, karton, kertas, batu, sutra, dll.), Primer dan lapisan cat. Lukisan adalah salah satu jenis seni kuda-kuda. Gambar datang dalam berbagai genre. Membuat gambar, seniman mengandalkan alam, tetapi imajinasi kreatif memainkan peran penting dalam proses ini. Akhir abad ke-19 ditandai di seluruh Eropa oleh pandangan dunia yang baru dan dinamis. Seniman pergantian abad harus menyesuaikan diri dengan kehidupan yang terus berubah: tidak terlalu banyak untuk menampilkan dunia di sekitarnya (fotografi dan bioskop sekarang melakukan ini), tetapi untuk dapat mengekspresikan individualitasnya, miliknya dunia batin, visi sendiri. Puncak seni telah dicapai dalam lukisan pelukis yang luar biasa. Dalam arus modernisme yang beragam, terjadi kehilangan plot dan penolakan terhadap figuratif, sehingga konsep gambar direvisi secara signifikan. Beberapa seniman dari berbagai aliran seni lukis telah menjauh dari penggambaran dunia (manusia, hewan, alam) seperti yang kita lihat. Pada lukisan mereka, dunia tampak cacat, terkadang sama sekali tidak dapat dikenali, karena para seniman lebih dibimbing oleh imajinasi mereka daripada oleh persepsi visual tentang fenomena di sekitar kita.

Seni lukis memegang peranan penting dalam perkembangan seni lukis.

Sebuah reproduksi juga bisa disebut lukisan, jika dalam konteks yang relevan tidak peduli apakah itu salinan atau karya asli.

Gambar dalam kiasan atau lebih arti umum- setiap karya seni yang lengkap dan integral, termasuk hidup dan deskripsi hidup, lisan atau tulisan, jenis sifatnya.

Lukisan adalah seni bidang dan satu sudut pandang, di mana ruang dan volume hanya ada dalam ilusi. Lukisan melalui kompleksitas sarana visual mampu menciptakan kedalaman ruang ilusi dan multidimensi di pesawat realitas artistik, yang tidak tunduk pada metode representasi lainnya. Setiap gambar melakukan dua fungsi - bergambar dan ekspresif-dekoratif. Bahasa pelukis cukup dapat dimengerti hanya oleh mereka yang mengetahui fungsi ritmis dekoratif bidang gambar.

Dalam persepsi estetika, semua fungsi gambar (baik dekoratif, planar, dan bergambar, spasial) harus berpartisipasi secara bersamaan. Memahami dan memahami gambar dengan benar berarti secara bersamaan, tak terpisahkan melihat permukaan, dan kedalaman, dan pola, dan ritme, dan gambar.

Persepsi estetika sebuah lukisan sangat ditingkatkan ketika ditempatkan dalam bingkai yang tepat yang memisahkan lukisan dari dunia sekitarnya. Jenis lukisan oriental mempertahankan bentuk tradisional gulungan terbuka yang digantung bebas (horizontal atau vertikal). Gambar, tidak seperti lukisan monumental, tidak terhubung secara kaku dengan interior tertentu. Itu dapat dilepas dari dinding dan digantung secara berbeda.

Kedalaman ruang ilusi lukisan

Profesor Richard Gregory menggambarkan "sifat aneh lukisan": "Lukisan adalah kelas objek yang unik, karena keduanya terlihat dalam dirinya sendiri dan sebagai sesuatu yang sangat berbeda dari sekadar selembar kertas tempat lukisan itu digambar. Gambar-gambar itu paradoks. Tidak ada objek yang bisa berada di dua tempat pada waktu yang sama; tidak ada objek yang dapat menjadi dua dimensi dan tiga dimensi pada saat yang bersamaan. Dan begitulah cara kami melihat gambar. Gambar memiliki ukuran yang ditentukan dengan sempurna, dan pada saat yang sama menunjukkan ukuran sebenarnya wajah manusia, bangunan atau kapal. Gambar adalah objek yang mustahil.

Kemampuan seseorang untuk menanggapi ketidakhadiran, situasi imajiner yang disajikan dalam gambar adalah tonggak pencapaian dalam perkembangan pemikiran abstrak.

Bagaimana lukisan dibuat

Gambarnya adalah dunia spiritual seniman, pengalaman dan perasaannya diekspresikan di atas kanvas atau kertas. Sulit untuk menjelaskan bagaimana lukisan dibuat - lebih baik melihatnya sendiri. Tidak mungkin menyampaikan dengan kata-kata bagaimana seniman melukis di atas kanvas, dengan kuas apa dia menyentuh kanvas, cat apa yang dia pilih. Selama bekerja, semuanya menjadi satu: seniman, kuas, dan kanvas. Dan setelah sapuan kuas pertama di bengkel, keajaiban khusus lukisan mulai bekerja.

Gambar bukan sekedar kanvas lukis, tapi mempengaruhi perasaan dan pikiran, meninggalkan bekas di jiwa, membangkitkan firasat buruk.

Bagaimana sebuah lukisan tercipta?

Tampaknya, cat, kuas, di atas kanvas. Mungkin ada jawaban universal lainnya: dengan cara yang berbeda.

Metode pengerjaan lukisan terus berubah sepanjang sejarah seni. Artis Renaisans Italia mereka bekerja dengan cara yang sama sekali berbeda dari Rembrandt atau "orang Belanda kecil" abad ke-17, romantisme - berbeda dari seniman impresionis, abstraksionis, realis kontemporer. Ya, dan dalam era yang sama dan bahkan satu arah, Anda dapat menemukan banyak variasi.

Seniman realis masa lalu dan masa kini (jika kita memahami realisme dalam arti luas) disatukan oleh hal-hal berikut:

Penciptaan karya yang utuh kasus ini lukisan, potret atau lanskap, tidak mungkin tanpa studi mendalam tentang kehidupan, sikap aktif pengarang terhadapnya. Sarana pengetahuan artistik kehidupan adalah karya dari alam, kesan visual, analisis dan sintesis fenomena kehidupan.

Membuat lukisan itu rumit, memakan waktu proses kreatif, yang hasilnya ditentukan bukan oleh waktu yang dihabiskan, tetapi oleh ukuran bakat, keterampilan seniman, kekuatan dan keefektifan solusi figuratif orisinal. Tonggak sejarah Proses ini adalah asal dan konkretisasi ide, pengamatan langsung, sketsa, sketsa dari alam, lukisan gambar yang sebenarnya dengan pemrosesan materi kehidupan yang kreatif dan aktif.

Dan ketika seorang penonton mendekati sebuah lukisan di museum atau di sebuah pameran, sebelum membuat penilaiannya sendiri tentangnya, dia harus ingat bahwa di baliknya selalu ada orang yang hidup, seorang seniman yang telah menginvestasikan sebagian dari hidupnya, hati, sarafnya. , bakat dan keterampilan dalam bekerja. Dapat dikatakan bahwa lukisan tersebut merupakan impian seorang seniman yang menjadi kenyataan.

G.S.OSTROVSKII

Kelengkapan gambar

Dalam hidup, banyak hal terjadi secara kebetulan - tidak mungkin ada kecelakaan seperti itu dalam gambar, semua yang ada di dalamnya harus diselesaikan, secara logis. Pada titik manakah sebuah lukisan dianggap selesai?

Pukulan impasto virtuoso Rembrandt, yang sangat dihargai di kemudian hari dan di zaman kita, hanya menyebabkan kebingungan di antara orang-orang sezaman Rembrandt dan menimbulkan ejekan dan lelucon atas biayanya. Menolak kritiknya, Rembrandt membantah kebenaran pemahaman mereka tentang kelengkapan sebuah lukisan, menentang mereka dengan pemahamannya sendiri tentangnya, yang ia rumuskan seperti ini: gambar harus dianggap lengkap ketika seniman mengatakan semua yang dia inginkan di dalamnya. . Agar tidak mendengar pertanyaan yang mengganggunya tentang "ketidaklengkapan" lukisannya, Rembrandt berhenti mengizinkan pengunjung naif ke studionya untuk mendekati mereka, yang melihat dengan rasa ingin tahu yang besar pada sapuan lukisannya yang berani, menakuti mereka dengan fakta bahwa lukisan tidak boleh didekati terlalu dekat, karena mencium catnya tidak sehat.

Matisse pada lukisannya:

"Saya hanya mencoba untuk meletakkan di atas kanvas warna-warna yang mengekspresikan perasaan saya. Proporsi nada yang diperlukan dapat membuat saya mengubah bentuk gambar atau mengubah komposisi. Sampai saya mencapai proporsi ini di semua bagian gambar, saya melihat untuk itu dan terus bekerja Kemudian saatnya tiba, ketika semua bagian mengambil proporsi akhir mereka, dan kemudian saya tidak dapat menyentuh gambar tanpa mengulanginya lagi.

Dimulai kira-kira dengan kaum Impresionis, kategori gambar, bentuk dan warna saling berhubungan erat, tumbuh bersama, tampak sebagai proses yang berkesinambungan: menggambar dan mewarnai, memodelkan dan komposisi, nada dan garis muncul dan berkembang seolah-olah pada saat yang bersamaan. Proses melukis gambar dapat, bisa dikatakan, berlanjut tanpa batas waktu, momen penyelesaian karya agak sewenang-wenang: di mana saja di atas kanvas, seniman dapat melanjutkannya, menerapkan sapuan baru pada yang serupa, tetapi berbaring di bawah. Perwakilan paling mencolok dan konsisten dari sistem ini adalah Cezanne. Dalam surat dan rekaman percakapan, dia berulang kali merumuskan metode melukis campuran atau, lebih tepatnya, metode melukis yang tidak dibedakan ini. Pengerjaan lukisan sewaktu-waktu dapat terganggu, namun karya tersebut tidak akan kehilangan nilai estetikanya. Setiap saat gambar sudah siap.

Keterkaitan ruang piktorial gambar dengan ruang nyata

Seniman dan ahli teori seni V. A. Favorsky, dalam perjalanan teori komposisi, menekankan bahwa karya seni sejati memiliki keberadaan ganda sejak lahir: sebagai objek di ruang sekitarnya dan sebagai dunia yang relatif tertutup dengan hubungan spatio-temporalnya sendiri. . Dalam seni lukis, tujuan ini dicapai dengan mengoordinasikan struktur internal gambar dengan bingkai, dalam patung - dengan ruang sekitarnya (contoh klasik: patung di ceruk).

Untuk menghubungkan ruang gambar dengan ruang nyata tempat penampil berada, digunakan bingkai foto. Seniman juga bermain dengan banyak "reproduksi bingkai" dalam gambar itu sendiri, sajak visual, pengulangan vertikal dan horizontal. Salah satu teknik karakteristik yang memungkinkan Anda untuk "memperkuat" gambar secara visual dalam batas format persegi panjang adalah "sudut miring". Pemisahan lukisan dari arsitektur memunculkan sistem persepsi tertentu tentang lukisan kuda-kuda. Isi utama gambar tersebut adalah ekspresi pandangan holistik terhadap ruang. Komposisi diubah menjadi eksposisi di mana pemirsa menghadapi dunia hubungan spatio-temporal yang berubah dan melihat dirinya di dalamnya seperti di cermin. Jadi kaca transparan Renaisans berubah menjadi cermin era Klasik dan Barok. Seni era pasca-Renaisans ditandai dengan bermain dengan pantulan di cermin, pengenalan figur-mediator ke dalam komposisi gambar, orang-orang yang, dengan posisi, tatapan atau gerakan tangan, menunjukkan tindakan yang terjadi di kedalaman gambar, seolah mengundang mereka untuk memasukinya. Selain bingkai, dalam komposisi semacam itu terdapat proskenium - bagian depan panggung, belakang panggung, lalu jalan tengah, tempat berlangsungnya aksi utama, dan latar belakang - "latar belakang".

Seniman biasanya menempatkan figur utama di bidang tengah gambar, mengaturnya pada garis horizontal mental seperti pada alas. Dari posisi referensi ini garis horisontal kedalaman "lapisan spasial" tergantung (dalam istilah planimetri - di atas atau di bawah tepi bawah bingkai foto). Menunda horizontal berkali-kali, pelukis menciptakan ritme gerakan tertentu ke kedalaman ruang imajiner. Berkat ini, bahkan pada kanvas kecil, Anda dapat menggambarkan ruang dengan panjang berapa pun dengan sejumlah gambar dan objek. Dalam eksposisi seperti itu, seseorang harus secara khusus menarik perhatian pemirsa pada fakta bahwa beberapa objek lebih dekat, sementara yang lain lebih jauh. Untuk melakukan ini, "petunjuk" digunakan: pengurangan perspektif, pengenalan tengara berskala besar (sosok kecil orang di latar belakang), rencana yang tumpang tindih, kontras tonal, bayangan yang jatuh dari sumber cahaya di dalam atau di luar gambar. Titik referensi lain untuk pergerakan mental penonton di ruang gambar adalah diagonal, yang utama adalah "diagonal pintu masuk" (biasanya dari kiri ke kanan).

Gambar di dalam gambar

Gambar di dalam gambar

Gambar dalam Gambar dapat digunakan dalam fungsi komposisi khusus. Organisasi hierarkis serupa disajikan dalam kasus penggambaran gambar di dalam gambar (serta lukisan dinding di lukisan dinding, dll.).

"Gambar di dalam gambar" - teknik komposisi, ditemukan dalam seni lukis klasik abad XVI-XVII. Gambar di dalam gambar dapat diberkahi dengan makna tersembunyi khusus.

Teknik komposisi "gambar dalam gambar" dapat melakukan beberapa tugas:

• mengungkapkan ide
• jelaskan alurnya
• untuk menentang atau menciptakan harmoni
• menjadi detail situasi (interior)

Seringkali, gambar latar belakang dalam lukisan dapat dipahami sebagai semacam gambar dalam gambar, yaitu gambar independen yang dibangun menurut hukum khususnya sendiri. Pada saat yang sama, gambar latar belakang, lebih luas daripada gambar figur di bidang utama, tunduk pada tugas dekoratif murni, kita dapat mengatakan bahwa seringkali bukan dunia itu sendiri yang digambarkan di sini, tetapi pemandangan dunia ini, yaitu bukan gambar itu sendiri yang dihadirkan, melainkan gambar dari gambar ini.

Belanda memiliki peta, permadani, lukisan, Buka jendela bagaimana gambar yang termasuk dalam gambar memperluas batas dunia atau berfungsi untuk mengembangkan makna alegoris dari plot utama. Vermeer, membuka tabir bengkel, menjadi pemandu melalui tiga tingkatan realitas: ruang penonton, ruang bengkelnya, ruang karya seni (kanvas yang berdiri di atas kuda-kuda), menyamakan metamorfosis tersebut untuk berenang di lautan yang dilukis peta geografis atau terbang di atas tanah yang dipetakan.

Luapan realitas - seni - mitos juga dapat diamati di Velazquez, yang rela menggunakan teknik "gambar dalam gambar", contohnya adalah Meninas dan Spinners.

"Gambar dalam gambar" juga ada di "Venus di depan cermin" oleh Velasquez, tetapi cermin berkabut hanya memantulkan bayangan dewi cinta.

Lukisan dan bingkai

Gambar apa pun yang dibuat oleh seorang seniman, kecuali gambar kuno lukisan batu, memiliki bingkai. Membingkai diperlukan dan bagian penting komposisi, melengkapinya, memberikan kesatuan. Bingkai mungkin berada pada bidang yang sama dengan komposisi gambar atau grafik itu sendiri. Itu juga dapat dibuat secara khusus sebagai semacam bentuk relief dengan bantuan elemen dekoratif, pahatan, dan arsitektur. Paling sering ada bingkai berbentuk persegi panjang, lebih jarang - bulat dan oval.

Bingkai membantu menonjolkan lukisan dari lingkungan sebagai sesuatu yang istimewa dan patut diperhatikan, tetapi pada saat yang sama menghubungkannya dengan lingkungan. Jadi, jika gaya bingkai bertepatan dengan tampilan artistik, struktur, dan karakter interior tempat lukisan itu berada, hal ini berkontribusi pada integritas ansambel. Bergantung pada warna, saturasi dengan detail dekoratif dan pahatan, bingkai secara signifikan memengaruhi kesan keseluruhan gambar bergambar. Semua ini memungkinkan kita untuk berbicara tentang kesatuan gambar dan bingkai, di mana pembingkaian melakukan, tentu saja, bukan fungsi utama, tetapi fungsi yang sangat diperlukan.

Perkembangan lukisan kuda-kuda sangat kompleks. Sungguh tonggak yang cemerlang dalam sejarahnya adalah transisi dari Abad Pertengahan ke Renaisans! Yang paling signifikan di dalamnya adalah keinginan untuk melepaskan diri dari kekakuan dan abstraksi gambar ikon yang mendominasi Abad Pertengahan. Kira-kira pada abad XIV, sebuah lukisan dalam arti kata modern lahir, dan dengan itu sebuah bingkai muncul, masih mengenakan renda pemandangan Gotik.

Bingkai pertama tidak sepenuhnya bertentangan dengan keseluruhan gambar dan tidak dipisahkan darinya; bahan keduanya serupa, penyepuhan bersyarat pada latar belakang, misalnya, ikon Rusia atau Bizantium kuno, diteruskan ke bingkai, dan gambar itu sendiri sering "terciprat" ke atasnya. Kemudian batas antara gambar dan bingkai menjadi semakin jelas dikenali. Meski demikian, sebagai semacam kenangan abad-abad sebelumnya, bingkai tersebut tetap mempertahankan warna keemasannya. Ketika latar belakang emas, yang menunjukkan dunia ketuhanan, menghilang dari lukisan, penyepuhan bingkai mulai dianggap bersyarat, dengan kata lain, sebagai atribut penting dari bingkai, yang membantu menonjolkan gambar di dalam ruangan, menarik mata pemirsa untuk itu.

Dalam Renaisans, gagasan melukis sebagai pandangan dunia melalui jendela mendominasi, bingkai, dengan bentuknya, dengan sangat jelas menyinggung gagasan yang berlaku dan menanggapinya. Bingkai yang megah dan khusyuk ini dibuat menurut gambar seniman di bengkel khusus atau oleh asisten seniman yang bekerja di bengkelnya.

Selama Renaisans, lukisan terus-menerus disamakan dengan cermin yang memantulkan kenyataan, dan bingkainya, yang dibuat seperti bingkai cermin hias, semakin menekankan perbandingan ini. Bingkai ini tidak hanya dapat dibuat dari bilah kayu dan plester, tetapi juga dari bahan berharga, termasuk perak, gading, mutiara, dll. Keberhargaan bahan tampaknya cocok dengan keagungan lukisan itu, memperkuatnya.

Para empu tua sangat memperhatikan bingkai, dengan mempertimbangkan pengaruhnya dalam proses pengerjaan, terkadang mereka bahkan melukis dalam bingkai yang sudah jadi, dengan mempertimbangkan nada tertentu dan ritme dekoratif bingkai. Oleh karena itu, komposisi master lama sering kali mendapat manfaat besar dalam bingkai aslinya.

Pengamatan pada bingkai master lama memungkinkan kita untuk menetapkan prinsip lain - korespondensi antara profil dan lebar bingkai dan ukuran gambar: misalnya, pelukis Belanda biasa menyisipkan lukisan kecil ke dalam bingkai besar dengan profil yang dalam dan tipis, yang seolah-olah mengarahkan mata ke tengah gambar dan mengisolasinya dari pengaruh lingkungan apa pun

Pada awal abad ke-20, suara-suara mulai terdengar menyerukan untuk meninggalkan bingkai sama sekali, sebagai sesuatu yang terlalu material, "membumikan" spiritualitas seni. Berbagai seniman avant-garde, setelah menerima panggilan tersebut, mulai memamerkan karya mereka tanpa bingkai. Namun, akibat inovasi ini, karya mereka sendiri tidak lagi menjadi lukisan dalam arti sempit. Ini adalah semacam "objek", "bintik", seringkali tanpa makna yang jelas.

Meskipun sekarang tidak ada satu gaya dalam desain bingkai, seperti dulu, tetapi ada lebih dari sebelumnya, korespondensi bingkai dengan gaya individu artis.

DI DALAM baru-baru ini pada pameran seni Terlihat bahwa inersia dalam kaitannya dengan desain bingkai (biarlah, dan apa yang tidak begitu penting), yang dimanifestasikan di masa lalu oleh seniman kita, mulai diatasi. Bingkai dicat dalam berbagai warna, gambar tambahan kecil dan prasasti sering ditempatkan di atasnya, pematung membantu pelukis - bingkai muncul dengan motif plastik yang kaya.

Format gambar

Namun demikian, ada dua elemen spesifik dari gambar, yang tampaknya menciptakan transisi dari bidang ke gambar, sekaligus milik realitas gambar dan fiksinya - format dan bingkainya. Tampaknya format gambar hanyalah alat seniman, tetapi bukan ekspresi langsung dari konsep kreatifnya: bagaimanapun, seniman hanya memilih formatnya. Sedangkan sifat format paling erat hubungannya dengan seluruh struktur internal sebuah karya seni bahkan seringkali menunjukkan cara yang tepat untuk memahami maksud senimannya. Biasanya, format dipilih sebelum dimulainya pekerjaan pelukis. Tetapi sejumlah artis terkenal yang suka mengubah format gambar saat bekerja, baik memotong bagian-bagiannya, atau menambahkan yang baru (Velasquez melakukannya dengan sangat rela).

Format gambar yang paling umum adalah segi empat, dengan bujur sangkar murni jauh lebih jarang daripada segiempat yang kurang lebih memanjang ke atas atau lebarnya. Beberapa era menghargai format bulat (tondo) atau oval. Pemilihan format tidak sembarangan, format biasanya mendeteksi secara mendalam, koneksi organik baik dengan isi karya seni, dengan nada emosionalnya, dan dengan komposisi gambarnya, ia dengan jelas mencerminkan temperamen individu seniman, dan cita rasa seluruh zaman. Kami merasakan hubungan sebab akibat yang tersembunyi antara format dan niat seniman di depan setiap gambar, dari mana pesona sebuah karya seni sejati berasal. Ada lukisan yang isinya begitu menyatu dengan sifat formatnya sehingga pergeseran proporsi sekecil apa pun tampaknya akan mengganggu keseimbangan gaya dan ideologis gambar tersebut.

Format horizontal memanjang, secara umum, tentu lebih cocok untuk komposisi naratif, untuk pengungkapan gerakan yang berurutan melewati penonton. Oleh karena itu, seniman yang sedang mood epik, berjuang untuk komposisi aktif, untuk beraksi, rela beralih ke format ini, misalnya, pelukis Italia abad ke-14 dan paruh pertama abad ke-15 (terutama dalam komposisi fresco). Sebaliknya, format persegi atau yang tingginya agak mendominasi lebar, seolah-olah segera menghentikan dinamika aksi dan memberikan komposisi karakter representasi yang khusyuk - jenis format inilah yang disukai oleh para master. lukisan altar mereka. Renaisans Tinggi ("Sistin Madonna"). Pada gilirannya, dengan dominasi tinggi melebihi lebar, komposisi kembali memperoleh dinamika, daya tarik yang kuat, tetapi kali ini naik atau turun; format sempit seperti itu terutama disukai seniman aristokrat, dekoratif (Crivelli) atau mistik (tata krama, Greco ), berusaha mewujudkan emosi, suasana hati tertentu.

Hubungan format dengan temperamen individu artis juga tidak diragukan lagi: fantasi Rubens yang sensual dan dinamis membutuhkan format yang lebih besar daripada fantasi Rembrandt yang terkendali dan spiritual. Akhirnya, formatnya secara langsung bergantung pada teknik melukis. Semakin lebar, semakin bebas sapuan kuas artis, semakin alami keinginannya untuk format besar.

Gambar, cat air, panel, pastel, lanskap, kanvas, sketsa, studi, kepala, morte alam; mosaik. Menikahi . .. Lihat gambar... Kamus sinonim Rusia dan ekspresi serupa. di bawah. ed. N. Abramova, M .: kamus Rusia, 1999. gambar ... Kamus sinonim

GAMBAR, lukisan, perempuan. 1. Sebuah karya lukis dengan cat. Bagian percakapan. Lukisan cat air. 2. Film sinematik. 3. Sejumlah gambar yang berbeda dalam kejelasan dan membentuk satu kesatuan. Gambar alam. Gambar masa lalu yang jauh. Ini… … Kamus Ushakov

Karya lukis yang memiliki nilai seni tersendiri dan memiliki sifat kelengkapan (berlawanan dengan kajian dan sketsa). Gambar biasanya tidak terhubung, seperti lukisan dinding atau miniatur buku, dengan interior tertentu ... ... Ensiklopedia Seni

- (inosk.) penampilan cantik. Menikahi "Lihat, gambarnya, dan kamu akan melihat, binatang itu." Menikahi Gigi seperti almond, Mata seperti kayu manis, Suara seperti burung bulbul, Dan gambar. Tukang roti. (com.) Rab. Bildschön … Kamus Frasa Penjelasan Besar Michelson (ejaan asli)

GAMBAR, s, perempuan. 1. Sebuah karya lukisan. Gambar artis Rusia. Gantung gambarnya. 2. Sama seperti film (dalam 2 nilai) (sehari-hari). 3. Gambar apa n. V karya seni. K. hidup. 4. Apa yang bisa dilihat, disurvei atau ... ... Kamus penjelasan Ozhegov

Perempuan gambar, malam · mengurangi. gambar menghina gambar · dibawa pergi. lukisan, esp. dalam cat; | gambar lisan atau tulisan yang hidup dan hidup; | pemandangan alam yang indah. | di tukang atap: dua lembar besi dipaku menjadi satu. ... ... Kamus Penjelasan Dahl

Repin "Pripyli". Jarg. mereka bilang Pesawat ulang-alik. besi. 1. Tentang harapan yang tidak terpenuhi, kegagalan, kegagalan. 2. Apa l. absurd, tidak dapat dipahami, membingungkan. BSRG, 245; Vakhitov 2003, 74. Gambar yang penuh air mata. Saudara. Bahwa itu sangat menyedihkan, sampai meneteskan air mata itu sangat disayangkan bagi seseorang. FSS, 91. Oleh ... ... Kamus Besar ucapan Rusia

lukisan- GAMBAR, panorama, kanvas, kanvas, terbuka, cibiran. memulaskan, bahasa sehari-hari, mencemooh kotor ... Kamus-tesaurus sinonim bahasa Rusia

- "GAMBAR", USSR, 1989, warna, 40 mnt. Tragikomedi, acara TV. Oleh permainan dengan nama yang sama V.Slavkin. Seorang insinyur yang tinggal di kamar hotel dikunjungi oleh seniman lokal, pecundang, penulis lukisan yang telah digantung di dinding kamar ini selama bertahun-tahun. Beberapa waktu…… Ensiklopedia Sinema

lukisan- GAMBAR, s, f. Menghadapi. Beri dia gambar. Gambar di genangan air. Memiliki argotisme abad ke-19; ditemukan, misalnya, di A.P. Chekhov ... Kamus Argo Rusia

lukisan- (misalnya fenomena) [A.S. Goldberg. Kamus Energi Bahasa Inggris Rusia. 2006] Topik energi secara umum gambar EN … Buku Panduan Penerjemah Teknis

Buku

• Gambar, Granin Daniil Alexandrovich. Daniil Granin, peraih Penghargaan Negara Rusia dan dua kali peraih Penghargaan Negara Uni Soviet, dalam novel "The Picture" kembali mengacu pada masalah resonansi publik yang hebat. Buku tersebut diletakkan di…

Kami terbiasa melihat lukisan di museum yang dilukis dengan berbagai warna: tempera, minyak, cat air. Tetapi seberapa sering kita berpikir tentang bagaimana mereka muncul, dan siapa penciptanya? Untuk pertama kalinya, cat yang sebenarnya berfungsi sebagai tanah liat digunakan oleh primitif. Kemudian, ia mulai mencampurkan tanah liat, batu bara, dan pewarna alami lainnya dengan lemak, yang dapat dianggap sebagai cat asli pertama. Seluruh milenium berlalu sebelum munculnya cat, yang mulai digunakan seniman di mana-mana.

suhu telur

Cat ini adalah tempera telur. Itu menjadi sangat populer selama Renaisans, ketika master hebat seperti Raphael, Leonardo da Vinci dan Michelangelo bekerja dengannya. Tempera terdiri dari kuning telur, air dan pigmen kering. Pada masa itu, seniman terpaksa membuat cat sendiri. Mereka menggiling tanah liat, mineral tumbuhan, beri, dan bahkan serangga menjadi bubuk halus, lalu mencampurnya dengan air dan kuning telur. Tempera membutuhkan keahlian khusus dari seniman. Merah berair ini mengering dengan sangat cepat. Hal ini memaksa para master untuk bekerja dengan kecepatan yang sangat tinggi guna menjaga kesatuan pola.

Cat minyak

Sebuah revolusi nyata dalam seni lukis dibuat pada abad ke-15 dengan penemuan cat minyak oleh Jan van Eyck. Sebagai bahan pengikat, ia menggunakan minyak biji rami, bukan kuning telur biasa. Sebenarnya, mereka sudah dikenal sebelum zaman kita. Hal ini diperkuat dengan sisa-sisa cat yang ditemukan setelah penghancuran patung Buddha Bamiyan. Diketahui bahwa pelukis kuno juga menggunakan minyak nabati untuk komposisi warna-warni. Berbagai risalah dari abad ke-8 hingga ke-12 berbicara tentang penggunaan minyak biji rami. Namun, tidak ada bukti material yang selamat. Cat minyak dalam banyak hal lebih unggul dari tempera telur. Pertama-tama, artis disuap oleh keliatannya. Cat minyak mudah dicampur, memungkinkan terciptanya warna yang benar-benar baru. Cat mulai diaplikasikan dalam lapisan tipis. Teknik ini paling baik menyampaikan ruang, volume, dan kedalaman warna.

Cat air

Terlepas dari kenyataan bahwa kemunculannya dikaitkan dengan abad ke-2 M, ia memperoleh popularitas yang luas hanya pada pergantian abad ke-18 hingga ke-19. Ini terdiri dari pigmen yang ditumbuk halus, dan lem yang berasal dari tumbuhan yang mudah larut dalam air. Cat ini diencerkan dengan air dan diaplikasikan pada kertas. Kekhususan teknik cat air terletak pada transparansinya. Cat air menciptakan lukisan yang ringan, halus, seolah-olah berisi udara. Tapi ada tangkapan: ulangi gambar atau rekam layer, seperti pada lukisan cat minyak, misalnya, tidak mungkin. Saat mencampur lebih dari dua atau tiga warna, cat kehilangan kecerahan dan kemurniannya, dan saat lapisan cat tersapu, kertas berubah bentuk, yang menyebabkan kotoran.

Sejak masa itu, cat telah dibuat berdasarkan bahan-bahan alami: minyak nabati, resin kayu, dan pewarna alami. Namun pada awal abad ke-20, ahli kimia yang bekerja untuk produsen cat besar mulai menemukan formula cat baru. Pada abad ke-20 sejarah cat yang dapat dilihat di toko-toko saat ini dimulai. Banyak dari mereka mengandung komponen sintetis, tetapi sama sekali tidak kalah dengan yang alami.

• Gambar dalam seni lukis adalah karya seni yang memiliki karakter lengkap (berlawanan dengan sketsa dan sketsa) dan nilai seni yang mandiri. Tidak seperti fresco atau miniatur buku, sebuah lukisan tidak harus dikaitkan dengan interior tertentu atau sistem dekorasi tertentu. Lukisan adalah salah satu jenis seni kuda-kuda yang paling khas. Membuat kanvas, seniman mengandalkan alam, tetapi imajinasi kreatif memainkan peran penting dalam proses ini. Lukisan memainkan peran utama dalam perkembangan seni lukis.

  Ini terdiri dari alas lukisan (kanvas, papan kayu atau logam, karton, kertas, batu, sutra, dll.), Primer dan lapisan cat.

  Gambar dalam drama, opera, balet, seni sinema adalah bagian lengkap dari suatu tindakan atau karya, dibatasi oleh ruang tindakan yang tidak berubah-ubah. Saat dipentaskan, biasanya ditampilkan tanpa mengubah pemandangan.

  Gambar dalam arti kiasan atau lebih umum adalah karya seni yang lengkap dan integral, termasuk deskripsi alam yang hidup dan jelas, lisan atau tertulis.

  Reproduksi atau salinan dari suatu karya asli juga dapat disebut sebagai lukisan jika tidak masalah dalam konteks yang relevan apakah itu salinan atau karya asli. Misalnya, "ada beberapa lukisan yang tergantung di koridor". Jika Anda tidak menggunakan pencahayaan modern(listrik, lilin, dll.), sebelum mulai mengerjakan gambar (lukisan), disarankan untuk menandai waktu menggunakan jam matahari pada hari yang sama tahun itu, misalnya jika Anda mulai melukis gambar pada pukul 13.00 dan melanjutkan untuk melukisnya selama satu jam sebelum pukul 14:00 pada tanggal 25 Juli 1979, maka sesi penulisan Anda berikutnya adalah dari pukul 13:00 hingga 14:00 pada tanggal 25 Juli 1980. Persyaratan ini terkait dengan posisi astronomi planet kita relatif terhadap matahari. Perlu juga diperhatikan bahwa ada lukisan (terutama master tua) yang jenuh dengan racun, karena ada tumbuhan beracun, cairan dan mineral yang digunakan untuk menulisnya.

  Profesor Richard Gregory menggambarkan "sifat aneh lukisan": "Lukisan adalah kelas objek yang unik karena keduanya terlihat di dalam dan dari dirinya sendiri dan sebagai sesuatu yang sangat berbeda dari sekadar selembar kertas tempat lukisan itu digambar. Gambar-gambar itu paradoks. Tidak ada objek yang bisa berada di dua tempat pada waktu yang sama; tidak ada objek yang dapat menjadi dua dimensi dan tiga dimensi pada saat yang bersamaan, dan begitulah cara kita melihat gambar. Gambar tersebut memiliki ukuran yang sangat pasti, dan pada saat yang sama menunjukkan ukuran sebenarnya dari wajah, bangunan, atau kapal manusia. Gambar adalah objek yang mustahil. Gambar itu penting karena mata melihat objek yang hilang di dalamnya. Secara biologis, ini sangat aneh."

  Kemampuan seseorang untuk menanggapi ketidakhadiran, situasi imajiner yang disajikan dalam gambar merupakan tahapan penting dalam perkembangan pemikiran abstrak.

  Johann Wolfgang Goethe menulis: "Gambar bukan sekadar kanvas lukis, tapi memengaruhi perasaan dan pikiran, meninggalkan bekas di jiwa, membangkitkan firasat."