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La drammaturgia come genere di letteratura. Generi epici della letteratura

Dramma(δρᾶμα - atto, azione) - uno dei tre tipi di letteratura, insieme all'epica e ai testi, appartiene contemporaneamente a due tipi di arte: letteratura e teatro.

Destinato ad essere rappresentato sul palco, il dramma differisce formalmente dalla poesia epica e lirica in quanto il testo in esso contenuto è presentato sotto forma di repliche di personaggi e osservazioni dell'autore e, di regola, è suddiviso in azioni e fenomeni. Qualsiasi opera letteraria costruita in forma dialogica, inclusa la commedia, la tragedia, il dramma (come genere), la farsa, il vaudeville, ecc., Si riferisce al dramma in un modo o nell'altro.

Sin dai tempi antichi, è esistito nel folklore o forma letteraria tra vari popoli; indipendentemente l'uno dall'altro, gli antichi greci, gli antichi indiani, i cinesi, i giapponesi e gli indiani d'America hanno creato le proprie tradizioni drammatiche.

Tradotto letteralmente dal greco antico, drama significa "azione".

Tipi di dramma (generi drammatici)

tragedia
dramma criminale
dramma in versi
melodramma
ierodramma
mistero
commedia
vaudeville

Storia del dramma

I rudimenti del dramma - nella poesia primitiva, in cui gli elementi del testo, dell'epica e del dramma emersi in seguito si fondevano in connessione con la musica e i movimenti mimici. Prima di altri popoli, il dramma è come tipo speciale la poesia si è formata tra gli indù e i greci.

Dramma greco che sviluppa trame religiose e mitologiche serie (tragedia) e divertenti tratte da vita moderna(commedia), raggiunge un'elevata perfezione e nel XVI secolo è un modello per il dramma europeo, che fino ad allora elaborava senza arte soggetti religiosi e narrativi secolari (misteri, drammi scolastici e intermezzi, fastnachtspiel, sottises).

I drammaturghi francesi, imitando quelli greci, si attenevano rigorosamente a certe disposizioni che erano considerate invariabili per la dignità estetica del dramma, quali sono: l'unità di tempo e di luogo; la durata dell'episodio raffigurato sul palcoscenico non deve superare un giorno; l'azione deve svolgersi nello stesso luogo; il dramma dovrebbe svilupparsi correttamente in 3-5 atti, dalla trama (scoprire la posizione iniziale e i caratteri dei personaggi) attraverso le vicissitudini intermedie (cambiamenti di posizioni e relazioni) fino all'epilogo (di solito un disastro); numero attori molto limitato (di solito da 3 a 5); si tratta esclusivamente dei massimi rappresentanti della società (re, regine, principi e principesse) e dei loro più stretti servitori, confidenti, che vengono introdotti sulla scena per comodità di dialogare e fare osservazioni. Queste sono le caratteristiche principali del dramma classico francese (Corneille, Racine).

Severità dei requisiti stile classico già meno rispettato nelle commedie (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), passando gradualmente dalla convenzionalità alla rappresentazione vita ordinaria(genere). L'opera di Shakespeare, libera dalle convenzioni classiche, ha aperto nuove strade al dramma. La fine del 18° e la prima metà del 19° secolo furono segnate dall'emergere di romanticismo e dramma nazionale Persone: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Secondo metà del XIX secolo, il realismo prevale nel dramma europeo (Dumas figlio, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Zuderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Nell'ultimo quarto dell'Ottocento, sotto l'influenza di Ibsen e Maeterlinck, il simbolismo comincia a imporsi sulla scena europea (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Scopri di più Origin Drama

Dramma in Russia

Il dramma in Russia viene portato dall'Occidente tardo XVII secolo. La letteratura drammatica indipendente appare solo alla fine del XVIII secolo. Fino al primo quarto dell'Ottocento, la direzione classica prevaleva nel dramma, sia nella tragedia che nella commedia e nell'opera comica; migliori autori: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Il tentativo di I. Lukin di attirare l'attenzione dei drammaturghi sulla rappresentazione della vita e dei costumi russi è rimasto vano: tutte le loro commedie sono senza vita, artificiose e estranee alla realtà russa, ad eccezione dei famosi "Sottobosco" e "Il brigadiere" Fonvizin ", The Yabeda" Kapnist e alcune commedie di I. A. Krylov .

IN inizio XIX secoli, Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin divennero imitatori del dramma e della commedia francesi leggeri, e il Fabbricante di bambole era un rappresentante del dramma patriottico artificioso. La commedia di Griboedov Woe from Wit, in seguito l'ispettore generale di Gogol, il matrimonio, divenne la base del dramma quotidiano russo. Dopo Gogol, anche nel vaudeville (D. Lensky, F. Koni,

Le opere drammatiche (altre azioni gr.), come quelle epiche, ricreano righe di eventi le azioni delle persone e le loro relazioni. Come l'autore di un'opera epica, il drammaturgo è soggetto alla "legge dello sviluppo dell'azione". Ma non c'è un'immagine descrittiva narrativa dettagliata nel dramma.

In realtà, il discorso dell'autore qui è ausiliario ed episodico. Questi sono gli elenchi degli attori, a volte accompagnati da brevi caratteristiche, designazione dell'ora e del luogo dell'azione; descrizioni della situazione scenica all'inizio di atti ed episodi, nonché commenti su singole repliche dei personaggi e indicazioni sui loro movimenti, gesti, espressioni facciali, intonazioni (osservazioni).

Tutto ciò costituisce un testo laterale di un'opera drammatica, il cui testo principale è una catena di dichiarazioni di personaggi, loro repliche e monologhi.

Da qui alcune limitate possibilità artistiche del dramma. Lo scrittore-drammaturgo utilizza solo una parte dei mezzi visivi a disposizione del creatore di un romanzo o di un'epopea, di un racconto o di un racconto. E i personaggi dei personaggi si rivelano nel dramma con meno libertà e pienezza che nell'epopea. "Percepisco il dramma", ha osservato T. Mann, "come l'arte della silhouette, e sento solo la persona raccontata come un'immagine voluminosa, integrale, reale e plastica".

Allo stesso tempo, drammaturghi, a differenza degli autori opere epiche, sono costretti a limitarsi al volume del testo verbale che soddisfa i requisiti dell'arte teatrale. Il tempo dell'azione rappresentata nel dramma deve rientrare nella rigida cornice del tempo scenico.

E lo spettacolo nelle forme familiari al nuovo teatro europeo dura, come sapete, non più di tre o quattro ore. E questo richiede una dimensione adeguata del testo drammatico.

Il tempo degli eventi riprodotti dal drammaturgo durante l'episodio teatrale non è compresso o allungato; i personaggi del dramma si scambiano osservazioni senza intervalli di tempo evidenti e le loro dichiarazioni, come notato da K.S. Stanislavskij, forma una linea solida e continua.

Se con l'aiuto della narrazione l'azione viene impressa come qualcosa di passato, allora la catena di dialoghi e monologhi nel dramma crea l'illusione del tempo presente. La vita qui parla come dal suo stesso volto: tra ciò che è raffigurato e il lettore non c'è intermediario-narratore.

L'azione è ricreata nel dramma con la massima immediatezza. Scorre come davanti agli occhi del lettore. “Tutte le forme narrative”, ha scritto F. Schiller, “trasferiscono il presente nel passato; tutto il drammatico rende presente il passato.

Il dramma è orientato al palcoscenico. E il teatro è un'arte pubblica, di massa. La performance colpisce direttamente molte persone, come se si fondessero in una in risposta a ciò che sta accadendo davanti a loro.

Lo scopo del dramma, secondo Pushkin, è quello di agire sulla moltitudine, di occuparne la curiosità” e per questo catturare la “verità delle passioni”: “Il dramma è nato sulla piazza e ha costituito il divertimento del popolo. Le persone, come i bambini, richiedono intrattenimento, azione. Il dramma gli presenta avvenimenti straordinari e strani. Le persone vogliono sentimenti forti. Risate, pietà e orrore sono le tre corde della nostra immaginazione, scosse dall'arte drammatica.

Il genere drammatico della letteratura è particolarmente strettamente connesso con la sfera del riso, poiché il teatro si è consolidato e sviluppato in stretta connessione con le feste di massa, in un'atmosfera di gioco e divertimento. "Il genere comico è universale per l'antichità", ha osservato O. M. Freidenberg.

Lo stesso vale per il teatro e il dramma di altri paesi ed epoche. T. Mann aveva ragione quando chiamava "l'istinto comico" "il principio fondamentale di ogni abilità drammatica".

Non sorprende che il dramma graviti verso una presentazione esteriormente spettacolare di ciò che viene rappresentato. Il suo immaginario si rivela iperbolico, accattivante, teatrale e luminoso. "Il teatro richiede linee generali esagerate sia nella voce, nella recitazione e nei gesti", ha scritto N. Boileau. E questa proprietà arti dello spettacolo lascia invariabilmente il segno sul comportamento degli eroi delle opere drammatiche.

"Come si è comportato a teatro", commenta Bubnov (At the Bottom di Gorky) sulla frenetica tirata del disperato Klesh, che, con un'inaspettata intrusione nella conversazione generale, le ha conferito un effetto teatrale.

Significativi (come caratteristica della letteratura drammatica) sono i rimproveri di Tolstoj a W. Shakespeare per l'abbondanza di iperbole, a causa della quale, per così dire, "viene violata la possibilità di un'impressione artistica". "Fin dalle prime parole", ha scritto a proposito della tragedia "King Lear", "si può vedere un'esagerazione: un'esagerazione degli eventi, un'esagerazione dei sentimenti e un'esagerazione delle espressioni".

L. Tolstoy aveva torto nel valutare l'opera di Shakespeare, ma l'idea dell'impegno del grande drammaturgo inglese all'iperbole teatrale è assolutamente giusto. Quanto detto su "Re Lear" con non meno ragione può essere attribuito ad antiche commedie e tragedie, opere drammatiche classicismo, alle commedie di F. Schiller e V. Hugo, ecc.

Nei secoli XIX-XX, quando nella letteratura prevalse il desiderio di autenticità mondana, le convenzioni inerenti al dramma divennero meno evidenti, spesso ridotte al minimo. All'origine di questo fenomeno c'è il cosiddetto "dramma piccolo-borghese" del XVIII secolo, i cui ideatori e teorici furono D. Diderot e G.E. Lessing.

Opere dei più grandi drammaturghi russi del XIX secolo. e l'inizio del XX secolo - A.N. Ostrovskij, A.P. Cechov e M. Gorky - si distinguono per l'affidabilità delle forme di vita ricreate. Ma anche quando i drammaturghi hanno messo gli occhi sulla plausibilità, l'iperbole della trama, psicologica e in realtà verbale persisteva.

Le convenzioni teatrali si facevano sentire anche nella drammaturgia di Cechov, che era il limite massimo della "somiglianza di vita". Diamo un'occhiata alla scena finale de Le tre sorelle. Una giovane donna ha rotto con una persona cara dieci o quindici minuti fa, probabilmente per sempre. Altri cinque minuti fa ha saputo della morte del suo fidanzato. E ora loro, insieme alla maggiore, terza sorella, riassumono i risultati morali e filosofici del passato, pensando ai suoni di una marcia militare sul destino della loro generazione, sul futuro dell'umanità.

Difficilmente è possibile immaginare che ciò accada nella realtà. Ma non notiamo l'implausibilità del finale de Le tre sorelle, perché siamo abituati al fatto che il dramma cambi in modo significativo le forme di vita delle persone.

Quanto precede convince della giustizia del giudizio di A. S. Pushkin (dal suo articolo già citato) secondo cui "l'essenza stessa dell'arte drammatica esclude la plausibilità"; “Leggendo una poesia, un romanzo, spesso possiamo dimenticarci di noi stessi e credere che l'incidente descritto non sia finzione, ma la verità.

In un'ode, in un'elegia, possiamo pensare che il poeta abbia ritratto i suoi veri sentimenti, in circostanze reali. Ma dov'è la credibilità in un edificio diviso in due parti, di cui una piena di spettatori che hanno acconsentito.

Il ruolo più importante nelle opere drammatiche appartiene alle convenzioni dell'auto-rivelazione dei personaggi, i cui dialoghi e monologhi, spesso saturi di aforismi e massime, risultano essere molto più ampi ed efficaci di quelle osservazioni che potrebbero essere pronunciate in un situazione di vita simile.

Le repliche "a parte" sono convenzionali, che, per così dire, non esistono per altri personaggi sul palco, ma sono chiaramente udibili dal pubblico, così come i monologhi pronunciati dai personaggi soli, soli con se stessi, che sono un puro palcoscenico tecnica per far emergere il discorso interiore (ci sono molti monologhi come nelle tragedie antiche e nella drammaturgia dei tempi moderni).

Il drammaturgo, allestendo una sorta di esperimento, mostra come si esprimerebbe una persona se esprimesse i suoi stati d'animo con la massima pienezza e luminosità nelle parole pronunciate. E il discorso in un'opera drammatica assume spesso una somiglianza con il discorso artistico lirico o oratorio: i personaggi qui tendono ad esprimersi come improvvisatori-poeti o maestri del parlare in pubblico.

Pertanto, Hegel aveva in parte ragione, considerando il dramma come una sintesi dell'inizio epico (avvenimento) e del lirico (espressione linguistica).

Il dramma ha, per così dire, due vite nell'arte: teatrale e letteraria. Costituendo la base drammatica delle rappresentazioni, esistente nella loro composizione, l'opera drammatica è percepita anche dal pubblico dei lettori.

ma questo non era sempre il caso. L'emancipazione del dramma dal palcoscenico è avvenuta gradualmente - nel corso di diversi secoli e si è conclusa relativamente di recente: nei secoli XVIII-XIX. Esempi significativi di drammaturgia in tutto il mondo (dall'antichità al XVII secolo) al momento della loro creazione non erano praticamente riconosciuti come Lavori letterari: esistevano solo come parte delle arti dello spettacolo.

Né W. Shakespeare né J. B. Molière erano percepiti dai loro contemporanei come scrittori. Un ruolo decisivo nel rafforzare l'idea del dramma come opera destinata non solo alla produzione teatrale, ma anche alla lettura, fu svolto dalla “scoperta” nella seconda metà del Settecento di Shakespeare come grande poeta drammatico.

Nel 19 ° secolo (soprattutto nella sua prima metà) i meriti letterari del dramma erano spesso posti al di sopra di quelli scenici. Quindi, Goethe credeva che "le opere di Shakespeare non fossero per gli occhi del corpo", e Griboedov definì "infantile" il suo desiderio di ascoltare i versi di "Woe from Wit" dal palco.

Si è diffuso il cosiddetto Lesedrama (dramma per la lettura), nato con l'accento soprattutto sulla percezione nella lettura. Tali sono il Faust di Goethe, le opere drammatiche di Byron, le piccole tragedie di Pushkin, i drammi di Turgenev, sui quali l'autore ha osservato: "Le mie commedie, insoddisfacenti sul palco, possono essere di qualche interesse per la lettura".

Non ci sono differenze fondamentali tra il Lesedrama e l'opera teatrale, che l'autore è orientato alla produzione teatrale. I drammi creati per la lettura sono spesso drammi potenzialmente teatrali. E il teatro (compreso quello moderno) cerca ostinatamente e talvolta trova le chiavi per loro, la cui prova sono le produzioni di successo di "Un mese in campagna" di Turgenev (prima di tutto, questo è il famoso spettacolo pre-rivoluzionario Teatro d'Arte) e numerose (anche se tutt'altro che riuscite) letture teatrali delle piccole tragedie di Pushkin nel XX secolo.

La vecchia verità rimane in vigore: il più importante, lo scopo principale del dramma è il palcoscenico. "Solo quando viene eseguita sul palco", ha osservato A. N. Ostrovsky, "la finzione drammatica dell'autore assume una forma completamente finita e produce esattamente l'azione morale che l'autore si è prefissato come obiettivo da raggiungere".

La creazione di una performance basata su un'opera drammatica è associata al suo completamento creativo: gli attori creano disegni intonazione-plastici ruoli svolti, l'artista disegna lo spazio scenico, il regista sviluppa la messa in scena. A questo proposito, il concetto di spettacolo cambia un po '(più attenzione ad alcuni suoi aspetti, meno attenzione ad altri), spesso si concretizza e si arricchisce: la messa in scena introduce nuove sfumature semantiche nel dramma.

Allo stesso tempo, il principio della lettura fedele della letteratura è di fondamentale importanza per il teatro. Il regista e gli attori sono chiamati a trasmettere al pubblico l'opera messa in scena con la massima completezza possibile. La fedeltà della lettura scenica avviene dove il regista e gli attori comprendono profondamente l'opera drammatica nel suo contenuto principale, genere e caratteristiche stilistiche.

Le produzioni teatrali (così come le trasposizioni cinematografiche) sono legittime solo nei casi in cui vi sia concordanza (anche se relativa) tra regista e attori e il circolo di idee dell'autore drammaturgo, quando le figure sceniche sono attentamente attente al significato di l'opera messa in scena, alle caratteristiche del suo genere, alle caratteristiche del suo stile e al testo stesso.

Nell'estetica classica dei secoli XVIII-XIX, in particolare da Hegel e Belinsky, il dramma (principalmente il genere della tragedia) era considerato la forma più alta creatività letteraria: come "la corona della poesia".

Tutta la linea epoche artistiche e infatti si mostrò per eccellenza in arte drammatica. Eschilo e Sofocle nel loro periodo di massimo splendore cultura antica, Moliere, Racine e Corneille all'epoca del classicismo non avevano eguali tra gli autori di opere epiche.

Significativa in questo senso è l'opera di Goethe. Per i grandi Scrittore tedesco erano tutti disponibili generi letterari, ha coronato la sua vita artistica con la creazione di un'opera drammatica: l'immortale Faust.

Nei secoli passati (fino al XVIII secolo), il dramma non solo ha gareggiato con successo con l'epopea, ma spesso è diventato la forma principale di riproduzione artistica della vita nello spazio e nel tempo.

Ciò è dovuto a una serie di motivi. In primo luogo, è stato svolto un ruolo importante arte teatrale, accessibile (a differenza di un libro manoscritto e stampato) agli strati più ampi della società. In secondo luogo, le proprietà delle opere drammatiche (la rappresentazione di personaggi dai lineamenti pronunciati, la riproduzione delle passioni umane, l'attrazione per il pathos e il grottesco) nell'era "prerealista" corrispondevano pienamente alle tendenze letterarie e artistiche generali.

E sebbene nei secoli XIX-XX. il romanzo socio-psicologico, un genere di letteratura epica, è passato alla ribalta della letteratura, le opere drammatiche hanno ancora un posto d'onore.

VE Teoria della letteratura di Khalizev. 1999

Tragedia(dal gr. Tragos - capra e ode - canzone) - uno dei tipi di dramma, che si basa sul conflitto inconciliabile di una personalità insolita con circostanze esterne insormontabili. Di solito l'eroe muore (Romeo e Giulietta, Amleto di Shakespeare). La tragedia è scoppiata Grecia antica, il nome deriva da una rappresentazione popolare in onore del dio della vinificazione Dioniso. Furono eseguiti balli, canti e racconti sulle sue sofferenze, al termine dei quali fu sacrificata una capra.

Commedia(dal gr. comoidia. Comos - una folla allegra e un'ode - una canzone) - un tipo di immaginazione drammatica, che raffigura il fumetto in vita sociale, comportamento e carattere delle persone. Distinguere tra commedia di situazioni (intrigo) e commedia di personaggi.

Dramma - un tipo di drammaturgia, intermedia tra tragedia e commedia (Temporale di A. Ostrovsky, Stolen Happiness di I. Franko). Il dramma descrive, principalmente, intimità l'uomo e il suo conflitto acuto con la società. Allo stesso tempo, l'accento è spesso posto sulle contraddizioni umane universali incarnate nel comportamento e nelle azioni di personaggi specifici.

Mistero(dal gr. mysterion - sacramento, servizio religioso, rito) - un genere di messa teatro religioso era tardo medioevo(secoli XIV-XV), comune nei paesi della Nvrotta occidentale.

Baraccone(dal lat. intermedius - cosa c'è nel mezzo) - una piccola commedia o scena comica che è stata eseguita tra le azioni del dramma principale. Nel moderno varietà d'arte esiste come genere indipendente.

Vaudeville(dal vaudeville francese) un'opera comica leggera in cui l'azione drammatica si combina con musica e danza.

Melodramma - un'opera teatrale con intrighi acuti, emotività esagerata e una tendenza morale e didattica. Tipico del melodramma è il "lieto fine", il trionfo chicche. Il genere del melodramma era popolare nel XVIII- Secoli XIX in seguito ha acquisito una reputazione negativa.

Palcoscenico(dal latino farcio comincio, riempio) è una commedia popolare dell'Europa occidentale dei secoli XIV-XVI, che ha avuto origine da divertenti giochi rituali e intermezzi. La farsa è caratterizzata dai tratti principali delle rappresentazioni popolari di carattere di massa, orientamento satirico, umorismo crudo. Nei tempi moderni, questo genere è entrato nel repertorio dei piccoli teatri.

Come notato, i metodi di rappresentazione letteraria sono spesso mescolati all'interno alcuni tipi e generi. Questa confusione è di due tipi: in alcuni casi c'è una sorta di interscambio, quando si conservano le principali caratteristiche generiche; in altri inizi generici sono equilibrati e l'opera non può essere attribuita né all'epopea, né al clero, né al dramma, per cui sono chiamate formazioni adiacenti o miste. Molto spesso, epico e lirico si mescolano.

Ballata(dalla Provenza ballar - ballare) - piccolo opera poetica con una trama acuta e drammatica d'amore, storico-leggendario, eroico-patriottico o contenuti favolosi. L'immagine degli eventi è combinata in essa con un pronunciato sentimento autoriale, l'epopea è combinata con i testi. Il genere si diffuse nell'era del romanticismo (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko e altri).

Poema epico lirico- un'opera poetica in cui, secondo V. Mayakovsky, il poeta parla del tempo e di se stesso (poesie di V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin, ecc.).

poema drammatico- un'opera scritta in forma dialogica, ma non destinata alla messa in scena sul palco. Esempi di questo genere: "Faust" di Goethe, "Cain" di Byron, "In the Catacombs" di L. Ukrainka e altri.

Le opere drammatiche (un'altra azione gr.), come quelle epiche, ricreano la serie di eventi, le azioni delle persone e le loro relazioni. Come l'autore di un'opera epica, il drammaturgo è soggetto alla "legge dello sviluppo dell'azione". Ma non c'è un'immagine descrittiva narrativa dettagliata nel dramma.

In realtà, il discorso dell'autore qui è ausiliario ed episodico. Tali sono gli elenchi degli attori, talvolta accompagnati da brevi caratteristiche, designazione del tempo e del luogo dell'azione; descrizioni della situazione scenica all'inizio di atti ed episodi, nonché commenti su singole repliche dei personaggi e indicazioni sui loro movimenti, gesti, espressioni facciali, intonazioni (osservazioni).

Tutto ciò costituisce un testo collaterale di un'opera drammatica, il cui testo principale è una catena di dichiarazioni di personaggi, loro repliche e monologhi.

Da qui alcune limitate possibilità artistiche del dramma. Lo scrittore-drammaturgo utilizza solo una parte dei mezzi visivi a disposizione del creatore di un romanzo o di un'epopea, di un racconto o di un racconto. E i personaggi dei personaggi si rivelano nel dramma con meno libertà e pienezza che nell'epopea. "Percepisco il dramma", ha osservato T. Mann, "come l'arte della silhouette, e sento solo la persona narrata come un'immagine voluminosa, integrale, reale e plastica".

Allo stesso tempo, i drammaturghi, a differenza degli autori di opere epiche, sono costretti a limitarsi alla quantità di testo verbale che soddisfa i requisiti dell'arte teatrale. Il tempo dell'azione rappresentata nel dramma deve rientrare nella rigida cornice del tempo scenico.

E lo spettacolo nelle forme familiari al nuovo teatro europeo dura, come sapete, non più di tre o quattro ore. E questo richiede una dimensione adeguata del testo drammatico.

Il dramma è orientato al palcoscenico. Il teatro è un'arte pubblica, di massa. La performance colpisce direttamente molte persone, come se si fondessero in una in risposta a ciò che sta accadendo davanti a loro.

Lo stesso vale per il teatro e il dramma di altri paesi ed epoche. T. Mann aveva ragione quando chiamava "l'istinto comico" "il principio fondamentale di ogni abilità drammatica".

Non sorprende che il dramma graviti verso una presentazione esteriormente spettacolare di ciò che viene rappresentato. Il suo immaginario si rivela iperbolico, accattivante, teatrale e luminoso. "Il teatro richiede linee generali esagerate sia nella voce, nella recitazione e nei gesti", ha scritto N. Boileau. E questa proprietà dell'arte scenica lascia invariabilmente il segno sul comportamento degli eroi delle opere drammatiche.

"Come si è comportato a teatro", commenta Bubnov (At the Bottom di Gorky) sulla frenetica tirata del disperato Klesch, che, con un'inaspettata intrusione nella conversazione generale, le ha conferito un effetto teatrale.

L. Tolstoy ha sbagliato a valutare il lavoro di Shakespeare, ma l'idea dell'impegno del grande drammaturgo inglese per l'iperbole teatrale è completamente giustificata. Quanto si è detto su "Re Lear" con non meno ragione può essere attribuito ad antiche commedie e tragedie, opere drammatiche del classicismo, alle commedie di F. Schiller e V. Hugo, ecc.

Pertanto, Hegel aveva in parte ragione, considerando il dramma come una sintesi dell'inizio epico (avvenimento) e del lirico (espressione linguistica).

ma questo non era sempre il caso. L'emancipazione del dramma dal palcoscenico è avvenuta gradualmente - nel corso di diversi secoli e si è conclusa relativamente di recente: nei secoli XVIII-XIX. Gli esempi di teatro famosi in tutto il mondo (dall'antichità al XVII secolo) al momento della loro creazione non erano praticamente riconosciuti come opere letterarie: esistevano solo come parte delle arti dello spettacolo.

Non ci sono differenze fondamentali tra il Lesedrama e l'opera teatrale, che l'autore è orientato alla produzione teatrale. I drammi creati per la lettura sono spesso drammi potenzialmente teatrali. E il teatro (compreso quello moderno) ne cerca ostinatamente e talvolta trova le chiavi, la cui prova sono le produzioni di successo di "Un mese in campagna" di Turgenev (prima di tutto, questa è la famosa rappresentazione pre-rivoluzionaria del Art Theatre) e numerose (anche se tutt'altro che riuscite) letture teatrali delle piccole tragedie di Pushkin nel XX secolo.

La creazione di uno spettacolo basato su un'opera drammatica è associata al suo completamento creativo: gli attori creano disegni intonazione-plastici dei ruoli che interpretano, l'artista disegna lo spazio scenico, il regista sviluppa la messa in scena. A questo proposito, il concetto di spettacolo cambia leggermente (si presta più attenzione ad alcuni suoi lati, meno attenzione ad altri), spesso si concretizza e si arricchisce: la messa in scena introduce nuove sfumature semantiche nel dramma.

Nell'estetica classica dei secoli XVIII-XIX, in particolare da Hegel e Belinsky, il dramma (principalmente il genere della tragedia) era considerato la più alta forma di creatività letteraria: come la "corona della poesia".

Tutta una serie di epoche artistiche si è infatti manifestata prevalentemente nell'arte drammatica. Eschilo e Sofocle nel periodo di massimo splendore della cultura antica, Molière, Racine e Corneille nel tempo del classicismo non avevano eguali tra gli autori di opere epiche.

Significativa in questo senso è l'opera di Goethe. Tutti i generi letterari erano a disposizione del grande scrittore tedesco, ma ha coronato la sua vita artistica con la creazione di un'opera drammatica: l'immortale Faust.

Ciò è dovuto a una serie di motivi. In primo luogo, l'arte teatrale ha svolto un ruolo enorme, accessibile (a differenza dei libri scritti a mano e stampati) agli strati più ampi della società. In secondo luogo, le proprietà delle opere drammatiche (la rappresentazione di personaggi dai lineamenti pronunciati, la riproduzione delle passioni umane, l'attrazione per il pathos e il grottesco) nell'era "prerealista" corrispondevano pienamente alle tendenze letterarie e artistiche generali.

E sebbene nei secoli XIX-XX. il romanzo socio-psicologico, un genere di letteratura epica, è passato alla ribalta della letteratura, le opere drammatiche hanno ancora un posto d'onore.

VE Teoria della letteratura di Khalizev. 1999

Il dramma (altro dramma greco - azione) è un tipo di letteratura che riflette la vita nelle azioni che si svolgono nel presente.

Le opere drammatiche sono destinate ad essere messe in scena, questo determina le caratteristiche specifiche del dramma:

1) l'assenza di un'immagine narrativo-descrittiva;

3) il testo principale dell'opera drammatica è presentato sotto forma di repliche dei personaggi (monologo e dialogo);

4) il dramma come tipo di letteratura non ha una tale varietà di mezzi artistici e visivi come l'epico: la parola e l'azione sono i mezzi principali per creare l'immagine di un eroe;

5) il volume del testo e la durata dell'azione sono limitati dal quadro scenico;

6) i requisiti delle arti dello spettacolo dettavano una tale caratteristica del dramma come una sorta di esagerazione (iperbolizzazione): "esagerazione di eventi, esagerazione di sentimenti ed esagerazione di espressioni" (L.N. Tolstoy) - in altre parole, vistosità teatrale, aumento espressività; lo spettatore dello spettacolo sente la condizionalità di ciò che sta accadendo, che è stato detto molto bene da A.S. Pushkin: “L'essenza stessa dell'arte drammatica esclude la plausibilità... quando leggiamo una poesia, un romanzo, spesso possiamo dimenticarci di noi stessi e credere che l'incidente descritto non sia finzione, ma la verità. In un'ode, in un'elegia, possiamo pensare che il poeta abbia ritratto i suoi veri sentimenti, in circostanze reali. Ma dov'è la credibilità in un edificio diviso in due parti, di cui una piena di spettatori che hanno acconsentito ecc.

Dramma (greco antico δρᾶμα - atto, azione) - uno dei tre tipi di letteratura, insieme all'epica e ai testi, appartiene contemporaneamente a due tipi di arte: letteratura e teatro. Destinato ad essere rappresentato sul palco, il dramma differisce formalmente dalla poesia epica e lirica in quanto il testo in esso contenuto è presentato sotto forma di repliche di personaggi e osservazioni dell'autore e, di regola, è suddiviso in azioni e fenomeni. Qualsiasi opera letteraria costruita in forma dialogica, inclusa la commedia, la tragedia, il dramma (come genere), la farsa, il vaudeville, ecc., Si riferisce al dramma in un modo o nell'altro.

Sin dai tempi antichi esisteva in forma folcloristica o letteraria tra vari popoli; indipendentemente l'uno dall'altro, gli antichi greci, gli antichi indiani, i cinesi, i giapponesi e gli indiani d'America hanno creato le proprie tradizioni drammatiche.

Tradotto letteralmente dal greco antico, drama significa "azione".

Tipi drammatici tragedia dramma (genere) dramma per la lettura (gioco per la lettura)

Melodramma ierodramma mistero commedia vaudeville farsa zaju

Storia del dramma I rudimenti del dramma - nella poesia primitiva, in cui gli elementi del testo, dell'epica e del dramma emersi in seguito si fondevano in connessione con la musica e i movimenti mimici. Prima che tra gli altri popoli, il dramma come un tipo speciale di poesia si è formato tra gli indù e i greci.

Danze dionisiache

Il dramma greco, che sviluppa trame religiose e mitologiche serie (tragedia) e divertenti tratte dalla vita moderna (commedia), raggiunge un'elevata perfezione e nel XVI secolo è un modello per il dramma europeo, che fino a quel momento elaborava ingenuamente trame profane religiose e narrative (misteri, drammi scolastici e intermezzi, fastnachtspiel, sottises).

I drammaturghi francesi, imitando quelli greci, si attenevano rigorosamente a certe disposizioni che erano considerate invariabili per la dignità estetica del dramma, quali sono: l'unità di tempo e di luogo; la durata dell'episodio raffigurato sul palcoscenico non deve superare un giorno; l'azione deve svolgersi nello stesso luogo; il dramma dovrebbe svilupparsi correttamente in 3-5 atti, dalla trama (scoprire la posizione iniziale e i caratteri dei personaggi) attraverso le vicissitudini intermedie (cambiamenti di posizioni e relazioni) fino all'epilogo (di solito un disastro); il numero di attori è molto limitato (solitamente da 3 a 5); si tratta esclusivamente dei massimi rappresentanti della società (re, regine, principi e principesse) e dei loro più stretti servitori, confidenti, che vengono introdotti sulla scena per comodità di dialogare e fare osservazioni. Queste sono le caratteristiche principali del dramma classico francese (Corneille, Racine).

Il rigore dei requisiti dello stile classico era già meno rispettato nelle commedie (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), che gradualmente passarono dalla convenzionalità alla rappresentazione della vita ordinaria (genere). L'opera di Shakespeare, libera dalle convenzioni classiche, ha aperto nuove strade al dramma. La fine del XVIII e la prima metà del XIX secolo furono segnate dalla comparsa di drammi romantici e nazionali: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Nella seconda metà del XIX secolo, il realismo ha preso il sopravvento nel dramma europeo (Dumas figlio, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Nell'ultimo quarto dell'Ottocento, sotto l'influenza di Ibsen e Maeterlinck, il simbolismo comincia a imporsi sulla scena europea (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Il design di un'opera drammatica A differenza di altre opere in prosa e poesia, le opere drammatiche hanno una struttura rigidamente definita. Un'opera drammatica consiste nell'alternare blocchi di testo, ciascuno con il proprio scopo, ed evidenziati con la tipografia in modo che possano essere facilmente distinti l'uno dall'altro. Il testo drammatico può includere i seguenti blocchi:

L'elenco dei personaggi si trova solitamente prima del testo principale dell'opera. In esso, se necessario, viene fornita una breve descrizione dell'eroe (età, caratteristiche dell'aspetto, ecc.)

Osservazioni esterne: una descrizione dell'azione, della situazione, dell'aspetto e della partenza dei personaggi. Spesso digitato in dimensioni ridotte o con lo stesso carattere delle repliche, ma in un formato più grande. Nell'osservazione esterna possono essere forniti i nomi degli eroi e, se l'eroe appare per la prima volta, il suo nome viene ulteriormente evidenziato. Esempio:

La stanza, che è ancora chiamata la scuola materna. Una delle porte conduce alla stanza di Anna. Alba, presto sorgerà il sole. Maggio è già in fiore ciliegi ma fa freddo in giardino, matinée. Le finestre della stanza sono chiuse.

Entra Dunyasha con una candela e Lopakhin con un libro in mano.

Le repliche sono le parole pronunciate dai personaggi. I commenti devono essere preceduti dal nome dell'attore e possono includere commenti interni. Esempio:

Dunyasha. Pensavo te ne fossi andato. (Ascolta.) Qui, a quanto pare, sono già in viaggio.

LOPACHIN (ascolta). No ... prendi i bagagli, allora sì ...

Le osservazioni interne, a differenza delle osservazioni esterne, descrivono brevemente le azioni che si verificano durante la pronuncia di una replica da parte dell'eroe o le caratteristiche della pronuncia. Se un'azione complessa si verifica durante l'enunciazione di un segnale, dovrebbe essere descritta utilizzando un segnale esterno, indicando nel commento stesso o nel segnale con l'aiuto di un commento interno che l'attore continua a parlare durante l'azione. Una nota interna si riferisce solo a una linea specifica di un attore specifico. È separato dalla replica da parentesi, può essere digitato in corsivo.

I più comuni sono due modi di progettare opere drammatiche: libro e cinema. Se nel formato del libro è possibile utilizzare diversi stili di carattere, dimensioni diverse, ecc. Per separare parti di un'opera drammatica, negli scenari cinematografici è consuetudine utilizzare solo un carattere da macchina da scrivere a spaziatura fissa e per separare parti di un'opera, utilizzare il riempimento, impostato su un formato diverso, impostato da tutte le maiuscole, scarico, ecc., ovvero solo quei mezzi disponibili su una macchina da scrivere. Ciò ha consentito di modificare gli script molte volte man mano che venivano prodotti, pur mantenendo la leggibilità. .

Dramma in Russia

Il dramma è stato portato in Russia dall'Occidente alla fine del XVII secolo. La letteratura drammatica indipendente appare solo alla fine del XVIII secolo. Fino al primo quarto dell'Ottocento, la direzione classica prevaleva nel dramma, sia nella tragedia che nella commedia e nell'opera comica; migliori autori: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Il tentativo di I. Lukin di attirare l'attenzione dei drammaturghi sulla rappresentazione della vita e dei costumi russi è rimasto vano: tutte le loro commedie sono senza vita, artificiose e estranee alla realtà russa, ad eccezione dei famosi "Sottobosco" e "Caposquadra" Fonvizin, "Yabeda " Kapnist e alcune commedie di I. A. Krylov .

All'inizio del 19 ° secolo, Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin divennero imitatori del dramma e della commedia francesi leggeri, e il Fabbricante di bambole era un rappresentante del dramma patriottico ampolloso. La commedia di Griboedov Woe from Wit, in seguito l'ispettore generale di Gogol, il matrimonio, divenne la base del dramma quotidiano russo. Dopo Gogol, anche nel vaudeville (D. Lensky, F. Koni, Sollogub, Karatygin), si nota la voglia di avvicinarsi alla vita.

Ostrovsky ha fornito una serie di notevoli cronache storiche e commedie domestiche. Dopo di lui, il dramma russo si trovava su un terreno solido; i drammaturghi più importanti: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya Solovyov, N. Chaev, gr. A. Tolstoj, c. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Prince Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Cechov, M. Gorky, L. Andreev e altri.

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