Teatro del Medioevo. Teatro religioso e popolare

Sala 9 Arte del Medioevo europeo

L'individuo del Medioevo e lo storico moderno

Alla fine del Medioevo

Il teatro medievale copre un periodo di dieci secoli: dal V all'XI secolo (prima del Medioevo) e dal XII al XV secolo (il periodo del primo feudalesimo). Il suo sviluppo era dovuto allo sviluppo della civiltà. Il Medioevo è uno dei periodi più bui. Il cristianesimo ha dato origine a fanatici che hanno combattuto contro la cultura antica, compreso il teatro, poiché era considerato una reliquia pagana. Sono arrivati ​​​​tempi difficili per l'arte.

I primi ideologi del cristianesimo consideravano gli attori bambini satanici e il pubblico anime perdute. Tutti i teatri erano chiusi. Ballerini, artisti circensi, giocolieri, musicisti e attori furono anatemizzati. L'arte teatrale era considerata un'eresia e cadde sotto l'influenza dell'Inquisizione. Il teatro sotto un tale regime dovrebbe scomparire dalla faccia della terra, ma è comunque sopravvissuto. Ciò era in gran parte dovuto alle compagnie erranti che vagavano per piccoli villaggi con scene improvvisate. Il teatro è stato preservato anche grazie ai riti popolari.

Lo stato non poteva tenere traccia di tutto, quindi gli elementi teatrali sono filtrati attraverso la legge attraverso i rituali popolari. Ad esempio, nei paesi dell'Europa orientale e occidentale si tenevano i giochi teatrali di maggio, che simboleggiavano la vittoria dell'estate sull'inverno. Nel corso del tempo, elementi del folklore sono stati inclusi nei rituali tradizionali.

Il lato artistico del rito cominciò ad acquisire sempre più importanza e divenne gradualmente simile a un teatro moderno. A poco a poco, iniziarono a distinguersi le persone che erano più professionalmente impegnate in azioni e giochi. Da qui è nata la linea folk-plebea del teatro medievale. La linea in seguito si sviluppò in farse satiriche e spettacoli di strada.

Un'altra linea di teatro era il teatro feudale-ecclesiastico. L'atteggiamento della chiesa nei confronti del teatro è cambiato. Prima del IX secolo, la chiesa perse completamente la guerra contro le sopravvivenze pagane. Le possibilità propagandistiche e ideologiche degli spettacoli sono state valutate in modo diverso, quindi la chiesa ha deciso di includere elementi del teatro nel suo arsenale. Fu in questo momento che sorse il dramma liturgico. I testi sono stati presi dalle scritture evangeliche, suonavano in latino. L'esecuzione è stata severa e asciutta. Nel XII-XIII secolo elementi quotidiani e folcloristici, vocabolario popolare, episodi comici iniziarono a penetrare nel dramma liturgico. Era una forma di transizione al teatro secolare.

L'ultima linea nello sviluppo del teatro è la linea borghese. Ci sono stati tentativi di creare una drammaturgia secolare. La prima forma di teatro secolare furono i circoli poetici, che dapprima ebbero una direzione religiosa, che in seguito divenne laica. Le prime commedie furono scritte - questo fu fatto da Adam de la Alle, che scrisse "The Game of Robin and Marion" e "The Game in the Gazebo". Era l'unico drammaturgo nell'alto medioevo, quindi non ha senso parlare di tendenze diverse.

Dopo la caduta dell'Impero Romano, il teatro antico fu dimenticato: i primi ideologi del cristianesimo condannarono l'ipocrisia, e non solo attori, musicisti e "ballerini", ma tutti "ossessionati dalla passione per il teatro" furono esclusi dalle comunità cristiane. Il teatro medievale è in realtà nato di nuovo, da rituali popolari e festività religiose - drammatizzazioni delle funzioni religiose. La storia del teatro medievale attraversa due fasi: la fase del primo (dal V al XVI secolo) e quella matura (dal XII alla metà del XVI secolo). Nonostante la persecuzione della chiesa, la popolazione del paese, secondo antiche usanze, festeggiava la fine dell'inverno, l'arrivo della primavera, il raccolto; nei giochi, nei balli e nei canti, le persone esprimevano la loro fede ingenua negli dei, personificando le forze della natura. Queste vacanze hanno gettato le basi per i futuri spettacoli teatrali. In Svizzera, i ragazzi raffiguravano l'inverno e l'estate: uno con una camicia, l'altro con una pelliccia. In Germania si tenevano processioni di carnevale in costume in onore della primavera. In Inghilterra, le vacanze primaverili si sono trasformate in giochi affollati, balli, gare in onore di maggio, nonché in memoria dell'eroe popolare Robin Hood. Gli elementi spettacolari erano ricchi di giochi primaverili in Italia e Bulgaria.

Queste feste erano umorismo e creatività, la forza delle persone, ma nel tempo hanno perso il loro significato rituale e di culto, hanno cominciato a riflettere elementi della vita reale del villaggio, sono state associate a attività lavorativa contadini, trasformati in giochi tradizionali, divertimenti di natura spettacolare. Ma questi giochi dal contenuto primitivo non potevano dare origine al teatro, non si arricchivano né di idee civiche né di forme poetiche, come avveniva nell'antica Grecia, inoltre, questi giochi gratuiti contenevano ricordi di un culto pagano e furono crudelmente perseguitati dalla chiesa cristiana. Ma se la chiesa è riuscita a impedire il libero sviluppo del teatro popolare associato al folklore, allora alcuni tipi di divertimenti rurali hanno dato origine a nuovi spettacoli popolari: le esibizioni degli istrioni.

Gli istrioni sono attori itineranti popolari. In Francia si chiamano giocolieri, in Germania si chiamano shpilmans, in Polonia sono dandy, in Bulgaria si chiamano cuochi, in Russia sono buffoni. Gli animatori di villaggio che si sono trasferiti in città diventano animatori professionisti. Alla fine si staccano dal villaggio e la vita di una città medievale, le fiere rumorose e il trambusto di una strada cittadina diventano la fonte della loro creatività. La loro arte si distingue inizialmente per il sincretismo: ogni istrione canta, balla, racconta storie, suona uno strumento musicale e fa decine di altre cose divertenti. Ma gradualmente c'è una stratificazione della massa degli istrioni secondo i rami della creatività, secondo il pubblico a cui si rivolgono più spesso. Ora si distinguono: buffoni comici, cantastorie, cantanti, musicisti, giocolieri. Particolarmente illustri sono gli scrittori e gli interpreti di poesie, ballate e canti da ballo - trovatori "che sanno come accontentare i nobili". Essendo nata dai giochi rituali rurali, avendo assorbito lo stato d'animo ribelle delle classi inferiori urbane, l'arte degli istrioni fu perseguitata e perseguitata da ecclesiastici e re, ma anche loro non poterono resistere alla tentazione di assistere alle divertenti e allegre esibizioni dei istrioni.

Ben presto gli istrioni si unirono in sindacati, dai quali successivamente furono creati circoli di attori dilettanti. Sotto la loro diretta influenza, nei secoli XIV-XV si stava espandendo un'ondata di teatro amatoriale. Ora la chiesa è impotente nel distruggere l'amore della gente per gli spettacoli teatrali. Nel tentativo di rendere più efficace il servizio ecclesiastico - la liturgia - il clero stesso iniziò a utilizzare forme teatrali. Presentarsi - dramma liturgico alle scene della Scrittura. I primi drammi liturgici consistevano in drammatizzazioni di singoli episodi del Vangelo. Costumi, testo, movimenti sono diventati più complicati e migliorati. Gli spettacoli si tenevano sotto le volte del tempio. E un dramma semi-liturgico, si giocava sotto il portico o sul sagrato. Il dramma religioso aveva diversi generi come:

Miracolo

Mistero

Moralità

Miracolo "miracolo" - dramma religioso e didattico, la trama è la presentazione di una leggenda o della vita di un santo che ha commesso qualche grave offesa ed è stato salvato per intercessione della Madre di Dio. I miracoli erano più diffusi nel XIV secolo. Derivato da inni in onore dei santi e dalla lettura della loro vita in chiesa. I miracoli hanno dato più libertà alla creatività e alla rappresentazione della realtà rispetto ad altri tipi di dramma medievale.

Mistero- dramma medievale temi biblici. È considerato il coronamento del teatro medievale, un genere che unisce le forme dei teatri ecclesiastici, popolari e profani del Medioevo. Fiorì nel XV - prima metà del XVI secolo. Gli spettacoli sono stati programmati per la fiera, per l'occasione solenne e si sono aperti con un colorato corteo di cittadini di ogni età e ceto. Le trame sono state prese dalla Bibbia e dal Vangelo. Le azioni sono andate avanti dalla mattina alla sera per diversi giorni. I padiglioni sono stati costruiti su una piattaforma di legno, ognuno dei quali aveva i propri eventi. A un'estremità della piattaforma c'era un paradiso riccamente decorato, all'estremità opposta - l'inferno con la bocca aperta di un drago, strumenti di tortura e un enorme calderone per i peccatori. Lo scenario al centro era estremamente laconico: l'iscrizione sopra la porta "Nazaret" o un trono dorato bastava a designare una città o un palazzo. Profeti, mendicanti, diavoli guidati da Lucifero sono apparsi sul palco... Nel prologo sono state raffigurate le sfere celesti, dove Dio Padre sedeva circondato da angeli e figure allegoriche: Saggezza, Misericordia, Giustizia, ecc. la terra e oltre - all'inferno, dove Satana ha arrostito le anime peccaminose. I giusti sono usciti in bianco, i peccatori - in nero, i diavoli - in calzamaglia rossa, dipinti con terribili "facce".

La drammaturgia del mistero è divisa in tre cicli:

"Antico Testamento", il cui contenuto sono i cicli delle leggende bibliche;

"Nuovo Testamento", che racconta la storia della nascita e risurrezione di Cristo;

"apostolico", in cui le trame della commedia sono state prese in prestito dalle "Vite dei santi" e in parte dai miracoli dei santi.

Essendo uno spettacolo di strada rivolto a un pubblico di massa, l'opera del mistero esprimeva sia principi popolari e terreni, sia un sistema di idee religiose e ecclesiastiche. Questa incoerenza interna del genere ha portato al suo declino e successivamente è stata la ragione del suo divieto da parte della chiesa.

Moralità- commedie indipendenti di natura istruttiva, i cui personaggi non erano persone, ma concetti astratti. Sono state recitate parabole sul "Prudente e l'irragionevole", sul "Giusto e il festaiolo", dove il primo prende Ragione e Fede come compagni di vita, il secondo - Disobbedienza e Dissolutezza. In queste parabole la sofferenza e la mansuetudine sono ricompensate in paradiso, mentre la durezza di cuore e l'avarizia conducono all'Inferno.

Hanno interpretato la moralità sul palcoscenico della farsa. C'era qualcosa come un balcone, dove presentavano immagini viventi delle sfere celesti: angeli e il dio Sabaoth. Figure allegoriche, divise in due campi, apparivano da lati opposti, formando gruppi simmetrici: Fede - con una croce tra le mani, Speranza - con un'ancora, Avarizia - con una borsa d'oro, Delizia - con un'arancia, e Adulazione con un coda di volpe con cui accarezzava la Stupidità.

La moralità è una disputa in volti, giocata sul palcoscenico, un conflitto espresso non attraverso l'azione, ma attraverso una disputa tra personaggi. A volte nelle scene che parlavano di peccati e vizi appariva un elemento di farsa, satira sociale, il respiro della folla e lo "spirito libero della piazza" penetravano in esse.

Quindi, durante il Medioevo, il teatro esisteva in diverse forme. Nella fase iniziale, divenne una specie di "bibbia per analfabeti", raccontando storie bibliche. Gli spettacoli teatrali del Medioevo divennero il precursore dello sviluppo del teatro del Rinascimento.

16.Tradizioni della letteratura latina nella letteratura del Medioevo. Testi dei vagabondi. Fonti, temi, caratteristiche del fumetto.

Nella Francia altomedievale, la letteratura in latino era al centro dell'attenzione.

La lingua latina, divenuta lingua morta, divenne tuttavia un filo conduttore tra l'antichità e il medioevo. Era la lingua della chiesa, delle relazioni interstatali, della giurisprudenza, della scienza, dell'educazione, una delle principali lingue della letteratura. Le massime degli autori antichi sono state utilizzate come materiale studiato nella scuola medievale.

Nella letteratura medievale in lingua latina è consuetudine distinguere tre linee di sviluppo: la prima (in realtà medievale, ufficiale, ecclesiastica) è rappresentata nella letteratura clericale, la seconda (associata al richiamo all'eredità antica) si manifestava più chiaramente nella Il Rinascimento carolingio, il terzo (che sorse all'incrocio tra l'apprendimento latino e la cultura del riso popolare) si rifletteva nella poesia dei vagabondi.

Negli ultimi periodi del Medioevo e del Rinascimento continuò la creazione di opere in latino. Tra questi, si dovrebbe evidenziare in particolare la "Storia dei miei disastri" scritta in latino da Pierre Abelard.

Riguarda sui testi di vagabondi, scolari erranti e monaci nomadi senza luogo - una folla eterogenea che risuonava dell'Europa medievale con le loro canzoni. La stessa parola "vagante" deriva dal latino "vagari" - vagare. Un altro termine si trova in letteratura - "goliardi", derivato da "Golia" (qui: il diavolo

I testi dei Vagants non si limitavano affatto al canto di baldoria da taverna e piaceri amorosi, nonostante tutta la spavalderia da scolaretto incorporata in molti versi. Gli stessi poeti che invocavano così sconsideratamente di scartare la "spazzatura dei libri polverosi", uscendo dalla polvere delle biblioteche e abbandonando gli insegnamenti in nome di Venere e Bacco, erano le persone più istruite del loro tempo, che conservavano un vivace legame con l'antichità e cresciuto sulle ultime conquiste del pensiero filosofico.

Nel loro lavoro i vagantes affrontavano i più gravi problemi morali, religiosi e politici, sottoponendo ad attacchi arditi lo Stato e la Chiesa, l'onnipotenza del denaro e la violazione della dignità umana, il dogmatismo e l'inerzia. La protesta contro l'ordine mondiale esistente, la resistenza all'autorità della Chiesa, implicavano ugualmente il rifiuto dell'incruenta libreria da cui la vita vivente è stata evaporata, evirata, e la gioiosa accettazione della vita illuminata dalla luce della conoscenza. Il culto del sentimento è per loro inseparabile dal culto del pensiero, che sottoponeva tutti i fenomeni al controllo mentale, a una rigorosa prova dell'esperienza.

È impossibile accettare una sola proposizione sulla fede senza verificarla con l'aiuto della ragione; la fede acquisita senza l'aiuto della forza mentale non è degna di una persona libera. Queste tesi del "Maestro di Scienza" parigino, il grande sofferente Pietro Abelardo, furono ampiamente riprese dai Vagantes: essi leggevano e copiavano i suoi scritti e li distribuivano in tutta Europa, opponendosi al "credo per capire" della Chiesa l'opposto formula - "Capisco per credere".

Le prime raccolte di liriche scolastiche che ci sono pervenute sono il "Manuscritto di Cambridge" - "Carmina Cantabrigensia" (XI secolo) - e "Carmina Burana" del Monastero di Benediktbeyern in Baviera (XIII secolo). Entrambi questi canzonieri sono ovviamente di origine tedesca, in ogni caso strettamente legati alla Germania.In un modo o nell'altro, i testi dei Vagantes appartengono alle prime pagine della poesia tedesca: gli svevi risultarono essere i personaggi di molte canzoni di Cambridge, e lo stesso soprannome di uno degli ideatori dei "Carmina Burana" è "Archipite di Colonia", la cui "Confessione" era una sorta di manifesto degli studenti nomadi, evoca l'immagine di una singolare città renana.

Allo stesso tempo, i testi d'amore dei Vagants in parte anticipano, in parte si fondono con i testi dei "cantanti d'amore" tedeschi - cantanti, e alcuni dei cantanti erano essenzialmente vagabondi. Vale la pena ricordare, ad esempio, il famoso Tannhäuser, la cui vita turbolenta lo ha reso quasi leggendario: partecipazione alle crociate, Cipro, Armenia, Antiochia, servizio a Vienna alla corte di Federico II, scontro con papa Urbano IV, fuga, chiassosa gloria e amaro bisogno dopo come, per sua stessa ammissione, "mangiò e ipotecò il suo patrimonio", poiché "belle donne, buon vino, Piatti deliziosi e bagno due volte a settimana.

Così, relativamente di recente, a Stoccarda, è stato pubblicato il libro "Heaven and Hell of Wanderers. Poetry of the Great Vagants of All Times and Peoples", compilato da Martin Lepelman. Nel suo libro, Lepelman, insieme ai vagabondi veri e propri, includeva bardi celtici e scaldi tedeschi, i nostri suonatori di arpa, così come Homer, Anacreon, Archiloch, Walter von der Vogelweide, Francois Villon, Cervantes, Saadi, Li Bo - fino a Verlaine , Arthur Rimbaud e Ringelnatz. Tra i "canti dei vagabondi" troviamo anche il nostro, russo, tradotto in Tedesco: "Seht ueber Mutter Wolga jagen die kuehne Trojka schneebestaubt" - "Qui un trio audace si precipita lungo la Madre Volga in inverno", "Fuhr einst zum Jahrmarkt ein Kaufmann kuehn" - "Un mercante è andato alla fiera", ecc. segni di poesia "nomade" Lepelman considera "l'ingenuità e la musicalità infantili" e un'irresistibile brama di vagabondaggio, nata principalmente da "un sentimento di opprimente oppressione, che rende insopportabili le catene della vita stabile", da un sentimento di "sconfinato disprezzo per tutte le restrizioni e i canoni dell'ordine quotidiano"

Tuttavia, la poesia dei vagabondi andava ben oltre la letteratura medievale: i suoi ritmi, melodie, stati d'animo, quello "spirito vagabondo" di cui scriveva il nostro Yesenin, mise radici nella poesia mondiale, ne divenne parte integrante.

Ogni grande letteratura è associata al sogno di libertà, ispirato dalla libertà, nutrito dalla libertà. Non c'è mai stata una poesia della schiavitù che servisse prigioni, incendi e flagelli, cantasse la schiavitù come la virtù più alta, nonostante tutti gli sforzi di scrivere mercenari per impersonare poeti

Ne sono testimonianza diretta i versi e i canti dei Vagantes, che per molti secoli hanno continuato a terrorizzare la reazione. Non a caso nel monastero di Benediktbeyern il manoscritto dei "Carmina Burana", in quanto letteratura proibita, era nascosto in un apposito nascondiglio, da dove fu rimosso solo nel 1806.

I testi dei Vagants sono eccezionalmente diversi nei contenuti. Copre tutti i lati vita medievale e tutte le manifestazioni della personalità umana. Una canzone che incoraggia la partecipazione crociata in nome della liberazione del "Santo Sepolcro", affiancata da un accattivante proclama anticlericale contro la corruzione del clero e dalla "simonia" - scambio di incarichi ecclesiastici; un frenetico appello a Dio e una chiamata al pentimento - con persistente, ripetendo di poesia in poesia, la glorificazione della carne "ruvida", il culto del vino e della gola; erotismo e cinismo quasi osceni - con purezza e sublimità; disgusto per il libresco - con la glorificazione della scienza e dei saggi professori universitari. Spesso, nella stessa poesia, cose che sembrano incompatibili si scontrano: l'ironia si trasforma in pathos e l'affermazione si trasforma in scetticismo, la buffoneria si mescola a straordinarie profondità filosofica e serietà, una struggente tristezza irrompe improvvisamente in un allegro canto di maggio e, al contrario, il pianto si risolve improvvisamente con una risata. Il poema "Orfeo all'inferno", concepito dapprima come una divertente parodia del famoso mito antico e uno dei capitoli delle "Metamorfosi" di Ovidio, si conclude con un'appassionata richiesta di pietà, e nell'"Apocalisse del Goliardo" le immagini della morte imminente del mondo sono neutralizzate da un finale farsesco.

Nei secoli XI-XII le scuole cominciarono a degenerare gradualmente in università. Nel XII secolo a Parigi, "in una città felice, dove gli studenti sono più numerosi degli indigeni", la scuola della cattedrale, la scuola degli abati di S. Ginevra e S. Victor e molti professori che insegnavano in modo indipendente "arti liberali" si sono fusi in un'unica associazione: "Universitas magistrorum et scolarum Parisensium". L'università era divisa in facoltà: teologica, medica, giuridica e "artistica", e il rettore della più popolosa "facoltà degli artisti", dove "sette arti liberali"- grammatica, retorica, dialettica, geometria, aritmetica, astronomia e musica, - stavano a capo dell'università: i presidi di tutte le altre facoltà gli erano subordinati. L'Università di Parigi diventa il centro teologico d'Europa, indipendente dal tribunale secolare ed aver ricevuto il consolidamento dei suoi diritti dalle autorità pontificie.

Tuttavia, l'Università di Parigi ebbe presto seri rivali. La giurisprudenza è studiata a Montpellier e Bologna, la medicina - a Salerno, a metà del XIII secolo appare l'Università di Oxford, nel XIV secolo Cambridge e l'Università di Praga sono finalmente organizzate.

Studenti provenienti da tutti i paesi europei affollano queste università, c'è un misto di morale, costumi, uno scambio reciproco di esperienze nazionali, che è stato ampiamente facilitato dal latino, la lingua internazionale degli studenti

Dotati della più rara musicalità (i vaganti non leggevano le loro poesie, ma le cantavano), si dilettano nella “musica delle consonanze”, come se suonassero rime, raggiungendo uno straordinario virtuosismo nella rima e, senza sospettarlo, si aprono alla poesia prima tecniche sconosciute di espressività poetica. In sostanza, i Vagantes per la prima volta riempirono di contenuti nuovi e vivaci l'antico metro latino - "versus quadratus" - un trochee di otto piedi, che si rivelò adatto per un'ode solenne, e per una giocosa parodia, e per narrazione poetica...

La musica che accompagnava i canti dei Vagantes quasi non ci è pervenuta, ma questa musica sta nel testo stesso. Forse, il compositore Carl Orff lo "sente" meglio di altri, quando nel 1937, in Germania, creò la sua cantata - "Carmina Burana", conservando intatti i testi antichi per esprimere le sue opinioni "attraverso di essi" e con il loro aiuto ... su un uomo, sul suo sincero desiderio di libertà e gioia in un tempo di oscurità, crudeltà e violenza.
17.Rinascimento. Caratteristiche generali. Problema di periodizzazione.

Rinascimento (Rinascimento), un periodo culturale e sviluppo ideologico paesi dell'Europa occidentale e centrale (in Italia XIV - XVI secolo in altri paesi, fine XV - inizio XVII secolo), transizione dalla cultura medievale alla cultura dei tempi moderni.

Breve descrizione del Rinascimento. Revival (Rinascimento), un periodo nello sviluppo culturale e ideologico dei paesi dell'Europa occidentale e centrale (in Italia XIV - XVI secolo in altri paesi, fine XV - inizio XVII secolo), transizione dalla cultura medievale a la cultura dei tempi moderni.

Tratti distintivi della cultura del Rinascimento: antifeudalesimo al centro, carattere secolare, anticlericale, visione umanistica del mondo, appello al patrimonio culturale dell'antichità, come se ne "rinascesse" (da cui il nome). Il risveglio sorse e si manifestò più chiaramente in Italia, dove già a cavallo tra il XIII e il XIV secolo. i suoi precursori furono il poeta Dante, l'artista Giotto e altri.

L'opera delle figure del Rinascimento è intrisa di fede nelle possibilità illimitate dell'uomo, della sua volontà e della sua mente, del rifiuto della scolastica cattolica e dell'ascetismo (etica umanistica). Il pathos di affermare l'ideale di una personalità creativa armoniosa e liberata, la bellezza e l'armonia della realtà, l'appello all'uomo come principio supremo dell'essere, il sentimento di integrità e le leggi armoniose dell'universo conferiscono all'arte del Rinascimento un grande valore ideologico significato, una maestosa scala eroica.

In architettura, le strutture secolari iniziarono a svolgere un ruolo di primo piano: edifici pubblici, palazzi, case di città. Utilizzando gallerie ad arco, colonnati, volte, bagni, gli architetti (Alberti, Palladio in Italia; Lescaut, Delorme in Francia, ecc.) hanno dato ai loro edifici maestosa chiarezza, armonia e proporzionalità all'uomo.

Artisti (Donatello, Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Tiziano e altri in Italia; Jan van Eyck, Brueghel nei Paesi Bassi; Dürer, Niethardt in Germania; Fouquet, Goujon, Clouet in Francia) hanno costantemente dominato il riflesso di tutta la ricchezza di realtà - il volume di trasferimento, lo spazio, la luce, l'immagine di una figura umana (compresa una nuda) e l'ambiente reale - un interno, un paesaggio.

La letteratura rinascimentale ha creato monumenti di valore duraturo come "Gargantua e Pantagruel" (1533 - 1552) di Rabelais, i drammi di Shakespeare, il romanzo "Don Chisciotte" (1605 - 1615) di Cervantes, ecc., Combinando organicamente l'interesse per l'antichità con un fascino alla cultura popolare, il pathos del fumetto con la tragedia dell'essere.

I sonetti di Petrarca, i racconti di Boccaccio, il poema eroico di Aristo, il grottesco filosofico (trattato di Erasmo da Rotterdam "Elogio della stupidità", 1511), i saggi di Montaigne - in diversi generi, forme individuali e varianti nazionali incarnavano le idee del Rinascimento.

Nella musica intrisa di una visione umanistica del mondo, si sviluppa la polifonia vocale e strumentale, compaiono nuovi generi musica profana- canto solista, cantata, oratorio e opera, contribuendo alla creazione dell'omofonia. Durante il Rinascimento furono fatte scoperte scientifiche eccezionali nel campo della geografia, dell'astronomia e dell'anatomia. Le idee del Rinascimento contribuirono alla distruzione delle idee feudali e religiose e per molti aspetti soddisfacevano oggettivamente i bisogni della nascente società borghese

18. Rinascimento in Italia. Personalità e opera di Dante. "New Life" e tradizioni di poesia "new sweet style". L'immagine di Beatrice e il concetto di amore.

"Nuovo stile dolce". Firenze sta diventando uno dei centri della vita culturale europea. Lotta politica i guelfi (il partito dei sostenitori del potere del papa) ei ghibellini (il partito aristocratico dei sostenitori del potere dell'imperatore) non impedirono la fioritura della città.

Alla fine del XIII sec. a Firenze prende forma la poesia del "loce al piouo" - "un nuovo dolce stile" (Guido Gvinicelli, Guido Cavalcanti, Dante Alighieri). Basandosi sulle tradizioni della poesia cortese, i rappresentanti di questa scuola difendono una nuova comprensione dell'amore, trasformano l'immagine della Bella Signora e del poeta rispetto alla poesia dei trovatori: La signora, “che discese dal cielo sulla terra - per rivelare un miracolo” (Dante), cessa di essere percepita come una donna terrena, viene assimilata alla Madre di Dio, l'amore del poeta acquista i tratti del culto religioso, ma allo stesso tempo si fa più individualizzato, si riempie di gioia. I poeti "leoce sii pioyo" (sviluppando nuovi generi poetici, tra cui: canzona (poema con strofe della stessa struttura), ballata (poema con strofe di struttura disuguale), sonetto.

Sonetto. Di grande importanza è il genere del sonetto (yaopepo), che ha svolto un ruolo di primo piano nella poesia dei secoli successivi (fino ai giorni nostri). Il sonetto ha una forma rigorosa: ha 14 versi, divisi in due quartine (quartine con rima аъаъ аъаъ o аъа аъъа) e due terzine (tre rime con syy ysy o, con l'assunzione della quinta rima, ce ce, variante ce сMe). Le regole che legano il contenuto a questa forma non sono meno rigide: l'argomento deve essere nominato nella prima riga, la tesi iniziale è enunciata nella prima quartina, il pensiero opposto o complementare (chiamiamolo “antitesi”) è riassunto in due terzine (“sintesi”) dello sviluppo del tema nel sonetto. I ricercatori hanno stabilito la vicinanza del sonetto al genere della fuga, dove il contenuto musicale. Questa costruzione permette di raggiungere un alto grado di concentrazione di materiale artistico.

Lo sviluppo del sonetto secondo la triade filosofica "tesi - antitesi - sintesi" eleva qualsiasi argomento scelto, anche del tutto privato, ad un alto livello di generalizzazione filosofica, attraverso il privato trasmette un'immagine artistica del mondo.

Biografia. Dante Alighieri (1265-1321) è il primo scrittore europeo a cui è giustamente applicabile la definizione di "grande". L'eccezionale critico d'arte inglese D. Ruskin lo ha definito " uomo centrale pace." F. Engels ha trovato la formulazione esatta per definire il posto speciale di Dante nella cultura europea: è "l'ultimo poeta del Medioevo e allo stesso tempo il primo poeta dell'età moderna".

Dante nacque a Firenze e durante il regno del partito guelfo bianco in città (separato dal partito guelfo nero - sostenitori di papa Bonifacio VIII) ricoprì incarichi prestigiosi. Nel 1302, quando i guelfi neri salirono al potere per tradimento, Dante, insieme ad altri guelfi bianchi, fu espulso dalla città. Nel 1315 le autorità fiorentine, temendo il rafforzamento dei ghibellini, concessero un'amnistia ai Guelfi Bianchi, sotto la quale cadde anche Dante, ma fu costretto a rifiutarsi di tornare in patria, poiché per questo dovette subire un'umiliante , procedura vergognosa. Quindi le autorità cittadine hanno condannato a morte lui ei suoi figli. Dante morì in terra straniera, a Ravenna, dove è sepolto.

"Nuova vita". Nel 1292 o all'inizio del 1293, Dante completò il suo lavoro sul libro "New Life" - commentò ciclo poetico e allo stesso tempo la prima autobiografia artistica europea. Comprende 25 sonetti, 3 canzoni, 1 ballata, 2 frammenti poetici e un testo in prosa - commento biografico e filologico alla poesia.

Beatrice. Il libro (nei versi e nei commenti) racconta il sublime amore di Dante per Beatrice Portinari, una fiorentina che sposò Simone dei Bardi e morì nel giugno del 1290, prima di raggiungere i 25 anni.

Dante parla del primo incontro con Beatrice, quando il futuro poeta aveva nove anni e la ragazza non ne aveva ancora nove. Il secondo incontro significativo ebbe luogo nove anni dopo. Il poeta ammira Beatrice, coglie ogni suo sguardo, nasconde il suo amore, dimostrando agli altri che ama un'altra donna, ma così dispiace a Beatrice ed è pieno di rimorso. Poco prima del nuovo mandato di nove anni, Beatrice muore, e per il poeta questa è una catastrofe universale.

Mettendo nel libro la canzone della morte di Beatrice, ritiene sacrilego il commentarla dopo, come dopo altri versi, quindi mette il commento prima della canzone. Il finale contiene una promessa di glorificare Beatrice in versi. Beatrice, sotto la penna di un poeta che sviluppa le tradizioni della poesia del "nuovo stile dolce", diventa l'immagine della donna più bella, nobile, virtuosa, "che dà beatitudine" (questa è la traduzione del suo nome in russo) . Dopo che Dante ha immortalato il nome di Beatrice nella Divina Commedia, è diventata una delle "immagini eterne" della letteratura mondiale.

La Divina Commedia" come libro sul senso della vita, sul destino terreno e postumo dell'uomo, sintesi filosofica e artistica della cultura del Medioevo e anticipazione del Rinascimento. L'immagine del mondo nella Divina Commedia.

Dante racconta come si è perso in una fitta foresta ed è stato quasi fatto a pezzi da tre terribili bestie: un leone, una lupa e una pantera. Viene condotto fuori da questa foresta da Virgilio, che Beatrice gli ha inviato. La fitta foresta è l'esistenza terrena dell'uomo, il leone è l'orgoglio, la lupa è l'avidità, la pantera è la voluttà, Virgilio è la sapienza terrena, Beatrice è la sapienza celeste. Il viaggio di Dante attraverso l'inferno simboleggia il processo di risveglio della coscienza umana sotto l'influenza della saggezza terrena. Tutti i peccati punibili all'inferno comportano una forma di punizione che raffigura allegoricamente lo stato d'animo delle persone soggette a questo vizio. Nel purgatorio sono quei peccatori che non sono condannati al tormento eterno e possono ancora essere purificati dai peccati che hanno commesso. Salito da Dante lungo le sporgenze della montagna del purgatorio fino al paradiso terrestre, Virgilio lo lascia, perché. non è disponibile un'ulteriore ascesa a lui come pagano. Virgilio è sostituito da Beatrice, che diventa l'autista di Dante attraverso il paradiso celeste. L'amore di Dante è purificato da tutto ciò che è terreno, peccaminoso. Diventa un simbolo di virtù e religione, e il suo obiettivo finale è la contemplazione di Dio.

Questo dominanza nella struttura compositiva e semantica poesie numero 3 torna a l'idea cristiana della trinità e il significato mistico del numero 3. Su questo numero l'intera architettura dell'aldilà è fondata"Divina Commedia", pensata dal poeta nei minimi dettagli. La simbolizzazione non finisce qui: ogni canzone termina con la stessa parola "stelle"; Il nome di Cristo fa rima solo con se stesso; all'inferno il nome di Cristo non è menzionato da nessuna parte, né il nome di Maria, e così via.
Nel suo poema Dante rifletteva le nozioni medievali di inferno e paradiso, tempo ed eternità, peccato e castigo.

peccati per cui sono puniti all'inferno, tre categorie: promiscuità, violenza e bugie. I principi etici su cui è costruito l'Inferno di Dante, così come la sua visione del mondo e dell'uomo in generale, lo sono fusione di teologia cristiana ed etica pagana basato sull'etica di Aristotele. Le vedute di Dante non sono originali, erano comuni in un'epoca in cui le principali opere di Aristotele venivano riscoperte e studiate diligentemente.

Dopo aver attraversato i nove gironi dell'Inferno e il centro della Terra, Dante e la sua guida Virgilio vengono in superficie ai piedi del Monte Purgatorio, situato a sud. emisfero, sul bordo opposto della Terra da Gerusalemme. La loro discesa agli Inferi impiegò loro esattamente lo stesso tempo trascorso tra la posizione di Cristo nella tomba e la sua risurrezione, e i canti iniziali del Purgatorio sono pieni di indicazioni su come l'azione del poema riecheggia l'impresa di Cristo - un'altra esempio di imitazione dantesca, ormai in forma abituale di imitatio Christi.

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TEATRO DEL MEDIOEVO

Il feudalesimo dell'Europa occidentale è venuto a sostituire la proprietà degli schiavi dell'Impero Romano. Sorsero nuove classi, la servitù prese gradualmente forma. Ora la lotta ha avuto luogo tra servi e signori feudali. Pertanto, il teatro del Medioevo in tutta la sua storia riflette lo scontro tra il popolo e il clero. La chiesa era praticamente lo strumento più efficace dei signori feudali e sopprimeva tutto ciò che era terreno, affermativo della vita, e predicava l'ascetismo e la rinuncia ai piaceri mondani, a una vita attiva e appagante. La chiesa ha combattuto il teatro perché non accettava alcuna aspirazione umana per il godimento carnale e gioioso della vita. A questo proposito, la storia del teatro di quel periodo mostra una lotta tesa tra questi due principi. Il risultato del rafforzamento dell'opposizione antifeudale fu il graduale passaggio del teatro dal contenuto religioso a quello laico.

Poiché in una fase iniziale del feudalesimo le nazioni non erano ancora completamente formate, la storia del teatro di quel tempo non può essere considerata separatamente in ciascun paese. Vale la pena farlo, tenendo presente il confronto tra vita religiosa e secolare. Ad esempio, i giochi rituali, le esibizioni degli istrioni, i primi tentativi di drammaturgia secolare e la farsa nell'arena appartengono a un gruppo di generi teatrali medievali, mentre il dramma liturgico, i miracoli, i misteri e la morale appartengono a un altro. Questi generi si intersecano abbastanza spesso, ma c'è sempre uno scontro di due principali tendenze ideologiche e stilistiche nel teatro. Sentono la lotta dell'ideologia della nobiltà, schierata con il clero, contro i contadini, da cui in seguito sono emersi i borghesi urbani e i plebei.

Ci sono due periodi nella storia del teatro medievale: antico (dal V all'XI secolo) e maturo (dal XII alla metà del XVI secolo). Non importa quanto il clero abbia cercato di distruggere le tracce dell'antico teatro, non ci sono riusciti. Il teatro antico è sopravvissuto adattandosi al nuovo modo di vivere delle tribù barbariche. La nascita del teatro medievale va ricercata nei riti rurali dei diversi popoli, nella vita quotidiana dei contadini. Nonostante il fatto che molti popoli abbiano adottato il cristianesimo, la loro coscienza non è stata ancora liberata dall'influenza del paganesimo.

La chiesa perseguitava il popolo perché celebrava la fine dell'inverno, l'arrivo della primavera, il raccolto. Nei giochi, nei canti e nei balli si rifletteva la fede delle persone negli dei, che per loro personificavano le forze della natura. Questi festeggiamenti gettarono le basi per spettacoli teatrali. Ad esempio, in Svizzera, i ragazzi raffiguravano l'inverno e l'estate, uno indossava una maglietta e l'altro indossava una pelliccia. In Germania l'arrivo della primavera veniva festeggiato con un corteo carnevalesco. In Inghilterra, il festival di primavera era un affollato di giochi, canti, balli, sport in onore di maggio, nonché in onore dell'eroe popolare Robin Hood. I festeggiamenti primaverili in Italia e in Bulgaria sono stati molto spettacolari.

Tuttavia, questi giochi, che avevano un contenuto e una forma primitivi, non potevano dar vita al teatro. Non contenevano quelle idee civiche e forme poetiche che erano nelle antiche festività greche. Tra l'altro, questi giochi contenevano elementi di un culto pagano, per il quale erano costantemente perseguitati dalla chiesa. Ma se i sacerdoti riuscirono a impedire il libero sviluppo del teatro popolare, che era associato al folklore, allora alcune feste rurali divennero fonte di nuovi spettacoli spettacolari. Queste erano le azioni degli istrioni.

Il teatro popolare russo si è formato in tempi antichi, quando non esisteva ancora una lingua scritta. L'illuminazione di fronte alla religione cristiana ha gradualmente estromesso gli dei pagani e tutto ciò che è connesso con loro dal campo della cultura spirituale del popolo russo. Numerosi riti, feste popolari e rituali pagani hanno costituito la base dell'arte drammatica in Russia.

Le danze rituali provenivano dal passato primitivo, in cui una persona ritraeva animali, così come scene di una persona che cacciava animali selvatici, imitando le loro abitudini e ripetendo testi memorizzati. Nell'era dell'agricoltura sviluppata, dopo il raccolto si tenevano feste e feste popolari, in cui persone appositamente vestite per questo scopo raffiguravano tutte le azioni che accompagnano il processo di semina e coltivazione del pane o del lino. Un posto speciale nella vita delle persone era occupato da feste e rituali associati alla vittoria sul nemico, all'elezione dei leader, ai funerali dei morti e alle cerimonie nuziali.

La cerimonia nuziale può già essere paragonata a uno spettacolo per colore e saturazione di scene drammatiche. L'annuale festa popolare del rinnovamento primaverile, in cui la divinità del mondo vegetale prima muore e poi risorge miracolosamente, è sempre presente nel folklore russo, come in molte altre nazioni europee. Il risveglio della natura dal sonno invernale era identificato nella mente degli antichi con la resurrezione dai morti di una persona che raffigurava una divinità e la sua morte violenta, e dopo alcune azioni rituali, resuscitava e celebrava il suo ritorno alla vita. La persona che interpretava questo ruolo era vestita con abiti speciali e sul viso venivano applicate vernici multicolori. Tutte le azioni rituali erano accompagnate da forti canti, danze, risate e giubilo generale, perché si credeva che la gioia fosse quel potere magico che può riportare in vita e favorire la fertilità.

I primi attori erranti in Rus' erano dei buffoni. È vero, c'erano anche buffoni sedentari, ma non erano molto diversi dalla gente comune e si vestivano solo nei giorni delle feste e dei festeggiamenti popolari. Nella vita di tutti i giorni si trattava di normali agricoltori, artigiani e piccoli commercianti. Gli attori buffoni erranti erano molto popolari tra la gente e avevano il loro repertorio speciale, che includeva racconti popolari, poemi epici, canzoni e vari giochi. Nelle opere dei buffoni, che si sono intensificate durante i giorni dei disordini popolari e dell'intensificarsi della lotta di liberazione nazionale, sono state espresse le sofferenze delle persone e le speranze per un futuro migliore, una descrizione delle vittorie e della morte degli eroi nazionali.

Istrioni

Nell'XI secolo in Europa, l'economia naturale fu sostituita dal denaro-merce, l'artigianato separato dall'agricoltura. Le città sono cresciute e si sono sviluppate a un ritmo rapido. Così, avvenne gradualmente il passaggio dall'alto medioevo al feudalesimo sviluppato.

Sempre più contadini si trasferirono nelle città, dove sfuggirono all'oppressione dei feudatari. Insieme a loro, anche gli animatori del villaggio si trasferirono nelle città. Tutti questi ballerini e ingegni rurali di ieri avevano anche una divisione del lavoro. Molti di loro sono diventati intrattenitori professionisti, cioè istrioni. In Francia venivano chiamati "giocolieri", in Germania - "spielmans", in Polonia - "dandies", in Bulgaria - "fornelli", in Russia - "buffoni".

Nel XII secolo non c'erano centinaia di tali intrattenitori, ma migliaia. Alla fine ruppero con la campagna, prendendo come base del loro lavoro la vita di una città medievale, fiere rumorose, scene per le strade cittadine. All'inizio cantavano, ballavano, raccontavano storie e suonavano in modi diversi strumenti musicali e ha fatto molti altri trucchi. Ma più tardi, l'arte degli istrioni si è stratificata in rami creativi. Apparvero comici, cantastorie, cantanti, giocolieri e trovatori di Buffon che componevano ed eseguivano poesie, ballate e canzoni da ballo.

L'arte degli istrioni fu perseguitata e bandita sia dalle autorità che dal clero. Ma né i vescovi né i re potevano resistere alla tentazione di assistere alle esibizioni allegre e incendiarie degli istrioni.

Successivamente, gli istrioni iniziarono a unirsi in unioni che diedero origine a circoli di attori dilettanti. Con la loro partecipazione diretta e sotto la loro influenza, nel XIV-XV secolo sorsero molti teatri amatoriali. Alcuni degli istrioni continuarono a esibirsi nei palazzi dei signori feudali e a partecipare ai misteri, rappresentando in essi i diavoli. Gli Istrioni furono i primi a tentare di raffigurare tipi umani sul palcoscenico. Hanno dato impulso all'emergere di attori farsa e dramma secolare, che regnò brevemente in Francia nel XIII secolo.

Dramma liturgico e semiliturgico

Un'altra forma di arte teatrale del Medioevo era il dramma della chiesa. Il clero ha cercato di utilizzare il teatro per i propri scopi di propaganda, quindi ha combattuto contro il teatro antico, le feste rurali con giochi popolari e istrioni.

A questo proposito, nel IX secolo sorse una messa teatrale, fu sviluppato un metodo di lettura nei volti della leggenda della sepoltura di Gesù Cristo e della sua risurrezione. Da tali letture nacque il dramma liturgico del primo periodo. Nel tempo è diventato più complesso, i costumi sono diventati più diversi, i movimenti ei gesti sono stati provati meglio. I drammi liturgici venivano recitati dagli stessi sacerdoti, quindi il discorso latino, la melodiosità della recitazione in chiesa avevano ancora scarso effetto sui parrocchiani. Il clero ha deciso di avvicinare il dramma liturgico alla vita e di separarlo dalla messa. Questa innovazione ha prodotto risultati davvero inaspettati. Nei drammi liturgici natalizi e pasquali furono introdotti elementi che cambiarono l'orientamento religioso del genere.

Il dramma ha acquisito uno sviluppo dinamico, molto semplificato e aggiornato. Ad esempio, Gesù a volte parlava nel dialetto locale, anche i pastori parlavano nella lingua di tutti i giorni. Inoltre, i costumi dei pastori cambiarono, apparvero lunghe barbe e cappelli a tesa larga. Insieme al discorso e ai costumi, è cambiato anche il design del dramma, i gesti sono diventati naturali.

I registi dei drammi liturgici avevano già esperienza teatrale, così iniziarono a mostrare ai parrocchiani l'Ascensione di Cristo al Cielo e altri miracoli del Vangelo. Dando vita al dramma e utilizzando effetti scenici, il clero non ha attratto, ma ha distratto il gregge dal servizio in chiesa. L'ulteriore sviluppo di questo genere ha minacciato di distruggerlo. Questa era l'altra faccia dell'innovazione.

La chiesa non voleva abbandonare le rappresentazioni teatrali, ma cercava di soggiogare il teatro. A questo proposito, i drammi liturgici iniziarono ad essere messi in scena non nel tempio, ma sotto il portico. Così, a metà del XII secolo, sorse un dramma semi-liturgico. Successivamente, il teatro della chiesa, nonostante il potere del clero, cadde sotto l'influenza della folla. Cominciò a dettargli i suoi gusti, costringendolo a dare spettacoli non nei giorni delle vacanze in chiesa, ma nei giorni delle fiere. Inoltre, il teatro della chiesa è stato costretto a passare a un linguaggio comprensibile alla gente.

Per continuare a dirigere il teatro, i sacerdoti si sono occupati della selezione delle storie quotidiane per le produzioni. I temi del dramma semi-liturgico sono stati quindi principalmente episodi biblici interpretati a livello quotidiano. Più di altre, le scene con i diavoli, le cosiddette diablerie, erano apprezzate dal popolo, il che contraddiceva il contenuto generale dell'intera rappresentazione. Ad esempio, in un molto famoso dramma"Azione su Adamo" i diavoli, dopo aver incontrato Adamo ed Eva all'inferno, hanno messo in scena un'allegra danza. Allo stesso tempo, i diavoli avevano alcuni tratti psicologici e il diavolo sembrava un libero pensatore medievale.

A poco a poco, tutte le leggende bibliche furono sottoposte a elaborazione poetica. A poco a poco, nelle produzioni iniziarono ad essere introdotte alcune innovazioni tecniche, ovvero fu messo in pratica il principio della scenografia simultanea. Ciò significava che venivano mostrate diverse località contemporaneamente e, inoltre, il numero di prese aumentava. Ma nonostante tutte queste innovazioni, il dramma semiliturgico è rimasto strettamente connesso con la chiesa. Andava in scena sotto il portico della chiesa, la chiesa stanziava fondi per la produzione, il clero costituiva il repertorio. Ma i partecipanti allo spettacolo, insieme ai sacerdoti, erano anche attori mondani. In questa forma, il dramma della chiesa è esistito per molto tempo.

drammaturgia laica

La prima menzione di questo genere teatrale riguarda il trouveur, o trovatore, Adam de La Al (1238-1287), nato nella cittadina francese di Arras. Quest'uomo amava la poesia, la musica e tutto ciò che riguardava il teatro. Successivamente La Halle si trasferì a Parigi, e poi in Italia, alla corte di Carlo d'Angiò. Lì divenne molto famoso. La gente lo conosceva come drammaturgo, musicista e poeta.

La prima commedia - "The Game in the Gazebo" - La Al ha scritto mentre viveva ancora ad Arras. Nel 1262 fu messo in scena da membri della sua cerchia teatrale città natale. Si possono distinguere tre linee nella trama dell'opera: lirico-quotidiano, satirico-buffone e folcloristico-fantastico.

La prima parte della commedia racconta che un giovane di nome Adam andrà a studiare a Parigi. Suo padre, il maestro Henri, non vuole lasciarlo andare, adducendo il fatto che è malato. La trama dell'opera è intessuta nel ricordo poetico di Adam della madre già deceduta. A poco a poco, la satira viene aggiunta alla scena quotidiana, cioè appare un medico che diagnostica il maestro Henri: l'avarizia. Si scopre che la maggior parte dei ricchi cittadini di Arras ha una tale malattia.

Successivamente, la trama dell'opera diventa semplicemente favolosa. Si sente una campana che annuncia l'avvicinarsi delle fate che Adam ha invitato a una cena d'addio. Ma si scopre che le fate, con il loro aspetto, ricordano molto i pettegolezzi urbani. E ancora, la fiaba è sostituita dalla realtà: le fate sono sostituite da ubriaconi che vanno a una bevuta generale in una taverna. Questa scena mostra un monaco che promuove sacre reliquie. Ma passò un po' di tempo, il monaco si ubriacò e lasciò nell'osteria le cose sante da lui così gelosamente custodite. Il suono della campana suonò di nuovo e tutti andarono ad adorare l'icona della Vergine Maria.

Tale diversità di genere dell'opera suggerisce che la drammaturgia secolare fosse ancora all'inizio del suo sviluppo. Questo genere misto era chiamato "pois pile", che significava "piselli schiacciati", o in traduzione - "un po 'di tutto".

Nel 1285, de La Halle scrisse e mise in scena un'opera teatrale in Italia chiamata The Play of Robin and Marion. In quest'opera del drammaturgo francese è chiaramente visibile l'influenza dei testi provenzali e italiani. La Halle ha anche introdotto un elemento di critica sociale in questa commedia:

l'idilliaca pastorale del pastore Robin innamorato e della sua amata, la pastorella Marion, è sostituita dalla scena del rapimento della fanciulla. È stato rubato dal malvagio cavaliere Ober. Ma la terribile scena dura solo pochi minuti, perché il rapitore ha ceduto alle suppliche della donna vuota e l'ha lasciata andare.

Ricominciano danze, giochi popolari, canti, in cui c'è un salato umorismo contadino. La vita quotidiana delle persone, la loro visione sobria del mondo che li circonda, quando si canta l'incanto di un bacio degli innamorati insieme al sapore e all'odore del cibo preparato per un banchetto di nozze, così come il dialetto popolare che si sente in strofe poetiche: tutto ciò conferisce un fascino e un fascino speciali a questa commedia. Inoltre, l'autore ha incluso nello spettacolo 28 canzoni popolari, che hanno mostrato perfettamente la vicinanza del lavoro di La Al ai giochi popolari.

Nell'opera del trovatore francese, un inizio folk-poetico era combinato in modo molto organico con uno satirico. Questi furono gli inizi del futuro teatro del Rinascimento. Eppure, il lavoro di Adam de La Alya non ha trovato successori. L'allegria, il pensiero libero e l'umorismo popolare presenti nelle sue opere furono soppressi dal rigore della chiesa e dalla prosa della vita cittadina.

In realtà, la vita veniva mostrata solo nelle farse, dove tutto veniva presentato in una luce satirica. I personaggi delle farse erano giusti imbonitori, dottori ciarlatani, guide ciniche di ciechi, ecc. La farsa raggiunse il suo apice nel XV secolo, nel XIII secolo ogni flusso comico fu estinto dal Teatro dei Miracoli, che metteva in scena spettacoli principalmente su argomenti religiosi .

Miracolo

La parola "miracolo" in latino significa "miracolo". E infatti, tutti gli eventi che si svolgono in tali produzioni finiscono felicemente grazie all'intervento di poteri superiori. Nel corso del tempo, sebbene in queste commedie fosse preservato lo sfondo religioso, le trame cominciarono ad apparire sempre più spesso, mostrando l'arbitrarietà dei signori feudali e le basse passioni che possedevano persone nobili e potenti.

I seguenti miracoli possono servire da esempio. Nel 1200 fu creata la commedia "Il gioco di San Nicola". Secondo la trama dell'opera, uno dei cristiani viene catturato dai pagani. Solo la Divina Provvidenza lo salva da questa disgrazia, cioè San Nicola interviene nel suo destino. ambientazione storica di quel tempo è mostrato nel miracolo solo di sfuggita, senza dettagli.

Ma nella commedia "Miracle about Robert the Devil", creata nel 1380, l'autore ha fornito un quadro generale del sanguinoso secolo della Guerra dei Cent'anni del 1337-1453, e ha anche dipinto un ritratto di un crudele feudatario. La commedia inizia con il duca di Normandia che rimprovera suo figlio Robert per la dissolutezza e l'irragionevole crudeltà. A questo, Robert, con un sorriso impudente, dichiara che gli piace una vita del genere e d'ora in poi continuerà a rapinare, uccidere e prostituire. Dopo una lite con suo padre, Robert e la sua banda hanno saccheggiato la casa del contadino. Quando quest'ultimo ha cominciato a lamentarsi di questo, Robert gli ha risposto: "Di' grazie che non ti abbiamo ancora ucciso". Quindi Robert ei suoi amici hanno devastato il monastero.

I baroni si presentarono al duca di Normandia con una denuncia contro suo figlio. Hanno detto che Robert distrugge e devasta i loro castelli, violenta le loro mogli e figlie, uccide i servi. Il duca ha inviato due del suo entourage a Robert per rassicurare suo figlio. Ma Robert non ha parlato con loro. Ordinò a ciascuno di loro di cavare l'occhio destro e di rimandare gli sfortunati al padre.

Sull'esempio di un solo Robert nel miracolo, viene mostrata la situazione reale di quel tempo: anarchia, rapine, arbitrarietà, violenza. Ma i miracoli descritti dopo le crudeltà sono del tutto irrealistici e sono generati da un ingenuo desiderio di moralizzazione.

La madre di Robert gli dice che è sterile da molto tempo. Poiché voleva davvero avere un figlio, si rivolse al diavolo con una richiesta, perché né Dio né tutti i santi potevano aiutarla. Presto nacque suo figlio Robert, che è un prodotto del diavolo. Secondo la madre, questo è il motivo del comportamento così crudele di suo figlio.

La commedia prosegue descrivendo come ebbe luogo il pentimento di Robert. Per chiedere perdono a Dio, ha visitato il Papa, un santo eremita, e ha anche offerto costantemente preghiere alla Vergine Maria. La Vergine Maria ebbe pietà di lui e gli ordinò di fingere di essere pazzo e vivere con il re in una cuccia, mangiando gli avanzi.

Robert the Devil si è rassegnato a una vita del genere e ha mostrato una straordinaria forza d'animo. Come ricompensa per questo, Dio gli diede l'opportunità di distinguersi in battaglia sul campo di battaglia. Il gioco finisce semplicemente favoloso. Nel pazzo straccione che mangiava dalla stessa ciotola con i cani, tutti riconoscevano il coraggioso cavaliere che vinse due battaglie. Di conseguenza, Robert sposò la principessa e ricevette il perdono da Dio.

Il tempo è da biasimare per l'emergere di un genere così controverso come il miracolo. L'intero XV secolo, pieno di guerre, disordini popolari e massacri, spiega pienamente l'ulteriore sviluppo del miracolo. Da un lato, durante le rivolte, i contadini presero asce e forconi e, dall'altro, caddero in uno stato pio. Per questo motivo, in tutte le commedie sono apparsi elementi di critica, insieme a un sentimento religioso.

Miracles aveva un'altra contraddizione che stava distruggendo questo genere dall'interno. Le opere mostravano scene reali di tutti i giorni. Ad esempio, nel Miracolo "Il gioco di San Nicola" occupavano quasi la metà del testo. Le trame di molte commedie sono state costruite su scene della vita della città ("Miracolo su Gibourg"), la vita del monastero ("La badessa salvata"), la vita del castello ("Miracolo su Bertha con le gambe grandi" ). Questi giochi mostrano interessante e comprensibile persone semplici vicino alle masse nel loro spirito.

L'immaturità ideologica della creatività urbana di quel tempo è da biasimare per il fatto che il miracolo era un doppio genere. L'ulteriore sviluppo del teatro medievale ha dato slancio alla creazione di un nuovo genere più universale: i giochi di mistero.

Mistero

Nei secoli XV-XVI arrivò il tempo del rapido sviluppo delle città. Le contraddizioni sociali si sono intensificate nella società. I cittadini si sono quasi sbarazzati della dipendenza feudale, ma non sono ancora caduti sotto il potere di una monarchia assoluta. Questa volta è stato il periodo di massimo splendore del teatro del mistero. Il mistero divenne un riflesso della prosperità della città medievale, dello sviluppo della sua cultura. Questo genere nasce da antichi misteri mimici, cioè le processioni cittadine in onore di feste religiose o l'ingresso solenne dei re. Da tali feste prese gradualmente forma il mistero quadrato, che prese come base l'esperienza del teatro medievale, sia in termini letterari che scenici.

La messa in scena dei misteri è stata effettuata non da ecclesiastici, ma da officine cittadine e comuni. Gli autori dei misteri erano drammaturghi di un nuovo tipo: teologi, medici, avvocati, ecc. Il mistero divenne un'arte amatoriale nell'arena, nonostante il fatto che le produzioni fossero dirette dalla borghesia e dal clero. Di solito centinaia di persone hanno preso parte alle esibizioni. A questo proposito, elementi popolari (mondani) sono stati introdotti in soggetti religiosi. Il Mistero esisteva in Europa, specialmente in Francia, da quasi 200 anni. Questo fatto illustra vividamente la lotta tra principi religiosi e secolari.

La drammaturgia del mistero può essere suddivisa in tre periodi: "Antico Testamento", utilizzando i cicli delle leggende bibliche; "Nuovo Testamento", che racconta la nascita e la risurrezione di Cristo; "apostolico", prendendo in prestito trame per opere teatrali dalle "Vite dei santi" e miracoli sui santi.

Il mistero più famoso del primo periodo è il "Mistero dell'Antico Testamento", composto da 50.000 versi e 242 caratteri. Aveva 28 episodi separati e i personaggi principali erano Dio, angeli, Lucifero, Adamo ed Eva.

L'opera racconta la creazione del mondo, la ribellione di Lucifero contro Dio (questa è un'allusione ai signori feudali disobbedienti) e miracoli biblici. I miracoli biblici sono stati eseguiti in modo molto efficace sul palcoscenico: la creazione della luce e dell'oscurità, del firmamento e del cielo, degli animali e delle piante, così come la creazione dell'uomo, la sua caduta nel peccato e l'espulsione dal paradiso.

Furono creati molti misteri dedicati a Cristo, ma il più famoso di essi è considerato il "Mistero della Passione". Questo lavoro è stato diviso in 4 parti in accordo con i quattro giorni di performance. L'immagine di Cristo è permeata di pathos e religiosità. Inoltre, nella commedia ci sono personaggi drammatici: la Madre di Dio che piange Gesù e il peccatore Giuda.

In altri misteri, i due elementi esistenti sono uniti da un terzo - carnevalesco-satirico, i cui principali rappresentanti erano i diavoli. A poco a poco, gli autori dei misteri caddero sotto l'influenza e i gusti della folla. Così, nelle storie bibliche iniziarono ad essere introdotti eroi puramente da luna park: dottori ciarlatani, imbonitori rumorosi, mogli ostinate, ecc. Ad esempio, Noah è rappresentato da un marinaio esperto e sua moglie è una donna scontrosa. A poco a poco ci furono più critiche. Ad esempio, in uno dei misteri del XV secolo, Giuseppe e Maria sono raffigurati come poveri mendicanti, e in un'altra opera un semplice contadino esclama: "Chi non lavora, non mangia!" Tuttavia, era difficile che elementi di protesta sociale attecchissero, e ancor più penetrassero nel teatro dell'epoca, subordinato agli strati privilegiati della popolazione urbana.

Eppure il desiderio di una vera rappresentazione della vita era incarnato. Dopo l'assedio di Orleans nel 1429, fu creata la commedia "Il mistero dell'assedio di Orleans". I personaggi di quest'opera non erano Dio e il diavolo, ma invasori inglesi e patrioti francesi. Il patriottismo e l'amore per la Francia sono incarnati nella protagonista dell'opera, l'eroina nazionale francese, Giovanna d'Arco.

Il "Mistero dell'assedio di Orleans" mostra chiaramente il desiderio degli artisti del teatro cittadino amatoriale di mostrare fatti storici della vita del paese, di creare un dramma popolare basato su eventi contemporanei, con elementi di eroismo e patriottismo. Ma i fatti reali sono stati adattati al concetto religioso, costretti a servire la chiesa, cantando l'onnipotenza della Divina Provvidenza. Così, il mistero ha perso parte del suo valore artistico. In

L'emergere del genere del mistero ha permesso al teatro medievale di ampliare notevolmente la sua gamma tematica. La messa in scena di questo tipo di spettacolo ha permesso di accumulare una buona esperienza scenica, che è stata successivamente utilizzata in altri generi del teatro medievale.

Le esibizioni di misteri nelle strade e nelle piazze della città sono state realizzate con l'aiuto di diversi scenari. Sono state utilizzate tre opzioni: mobile, quando i carri passavano dal pubblico, da cui venivano mostrati episodi misteriosi; ring, quando l'azione si svolgeva su un'alta pedana circolare divisa in scomparti e contemporaneamente in basso, a terra, al centro del cerchio delineato da questa pedana (gli spettatori stavano ai pilastri della pedana); gazebo. In quest'ultima versione, i padiglioni erano costruiti su una piattaforma rettangolare o semplicemente sulla piazza, rappresentando il palazzo dell'imperatore, le porte della città, il paradiso, l'inferno, il purgatorio, ecc. Se dall'aspetto del padiglione non era chiaro cosa raffigurasse, allora vi era appesa un'iscrizione esplicativa.

In quel periodo le arti decorative erano praticamente agli inizi e l'arte degli effetti scenici era ben sviluppata. Poiché i misteri erano pieni di miracoli religiosi, era necessario dimostrarli visivamente, perché la naturalezza dell'immagine era un prerequisito per lo spettacolo popolare. Ad esempio, sono state portate sul palco pinze roventi e un marchio è stato bruciato sul corpo dei peccatori. L'omicidio avvenuto nel corso del mistero è stato accompagnato da pozze di sangue. Gli attori hanno nascosto vesciche rialziste con liquido rosso sotto i loro vestiti, hanno perforato le vesciche con un coltello e la persona era ricoperta di sangue. Un'osservazione nella commedia potrebbe dare un'indicazione: "Due soldati si inginocchiano con forza e fanno una sostituzione", cioè hanno dovuto sostituire abilmente una persona con una bambola, che è stata immediatamente decapitata. Quando gli attori rappresentavano scene in cui i giusti venivano adagiati sui carboni ardenti, gettati in una fossa con animali selvatici, pugnalati con coltelli o crocifissi su una croce, questo colpiva il pubblico molto più di qualsiasi sermone. E più violenta è la scena, più potente è l'impatto.

In tutte le opere di quel periodo, gli elementi religiosi e realistici della rappresentazione della vita non solo coesistevano insieme, ma combattevano anche l'uno contro l'altro. Il costume teatrale era dominato da componenti quotidiani. Ad esempio, Erode gira per il palco in abiti turchi con una sciabola al fianco; I legionari romani indossano moderne uniformi da soldato. Il fatto che gli attori che interpretano gli eroi biblici indossino costumi di tutti i giorni ha mostrato la lotta di principi che si escludono a vicenda. Ha anche lasciato il segno nel gioco degli attori che hanno presentato i loro eroi in una forma patetica e grottesca. Il giullare e il demone erano i personaggi popolari più amati. Hanno introdotto nei misteri un flusso di umorismo popolare e vita quotidiana, che ha dato allo spettacolo ancora più dinamismo. Molto spesso, questi personaggi non avevano un testo prescritto, ma improvvisato nel corso del mistero. Pertanto, nei testi dei misteri, il più delle volte non venivano registrati attacchi contro la chiesa, i feudatari e i ricchi. E se tali testi sono stati scritti nella sceneggiatura dell'opera, sono stati notevolmente appianati. Tali testi non possono dare allo spettatore moderno un'idea di quanto fossero fortemente critici certi misteri.

Oltre agli attori, i comuni cittadini hanno preso parte alle produzioni dei misteri. I membri di vari laboratori cittadini sono stati coinvolti in episodi separati. Le persone vi hanno preso parte volentieri, poiché il mistero ha dato l'opportunità ai rappresentanti di ogni professione di esprimersi nella loro interezza. Ad esempio, la scena del Diluvio è stata interpretata da marinai e pescatori, l'episodio con l'Arca di Noè è stato interpretato da costruttori navali, la cacciata dal paradiso è stata interpretata da armaioli.

La messa in scena dello spettacolo misterioso è stata diretta da un uomo che è stato chiamato il "maestro dei giochi". I Misteri non solo svilupparono il gusto del popolo per il teatro, ma contribuirono a migliorare la tecnica teatrale e diedero impulso allo sviluppo di alcuni elementi del dramma rinascimentale.

Nel 1548 fu proibita la mostra al pubblico dei misteri, diffusi soprattutto in Francia. Ciò è stato fatto a causa del fatto che le battute comiche presenti nei misteri sono diventate troppo critiche. Il motivo del divieto risiede anche nel fatto che i misteri non hanno ricevuto sostegno dalle nuove fasce più progressiste della società. Le persone umaniste non accettavano giochi con racconti biblici, e la forma areale e le critiche del clero e delle autorità hanno dato origine a divieti ecclesiastici.

Più tardi, quando il potere reale proibì tutte le libertà urbane e le unioni corporative, il teatro del mistero perse terreno.

Moralità

Nel XVI secolo sorse in Europa un movimento di riforma, o la Riforma. Aveva carattere antifeudale e affermava il principio della cosiddetta comunione personale con Dio, cioè il principio della virtù personale. I borghesi fecero della moralità un'arma sia contro i feudatari che contro il popolo. Il desiderio dei borghesi di dare più santità alla loro visione del mondo e ha dato slancio alla creazione di un altro genere di teatro medievale: la moralità.

Non ci sono trame di chiesa nelle commedie morali, poiché la moralizzazione è l'unico obiettivo di tali produzioni. I personaggi principali del teatro morale sono eroi allegorici, ognuno dei quali personifica vizi e virtù umani, forze della natura e dogmi della chiesa. I personaggi non hanno un carattere individuale, nelle loro mani anche le cose reali si trasformano in simboli. Ad esempio, Hope è salita sul palco con un'ancora tra le mani, Selfishness si guardava costantemente allo specchio, ecc. I conflitti tra i personaggi sono sorti a causa della lotta tra due principi: bene e male, spirito e corpo. Gli scontri dei personaggi sono stati visualizzati sotto forma di un'opposizione di due figure, che rappresentavano i principi del bene e del male che hanno un'influenza su una persona.

Di norma, l'idea principale della moralità era questa: le persone ragionevoli seguono la via della virtù e gli irragionevoli diventano vittime del vizio.

Nel 1436 fu creata la moralità francese Il prudente e l'irragionevole. La commedia ha mostrato che il Prudente si fida della Ragione e il Matto aderisce alla Disobbedienza. Sulla via della beatitudine eterna, il prudente ha incontrato l'elemosina, il digiuno, la preghiera, la castità, l'astinenza, l'obbedienza, la diligenza e la pazienza. Ma lo Stolto sullo stesso sentiero è accompagnato da Povertà, Disperazione, Furto e Brutta fine. Gli eroi allegorici finiscono la loro vita in modi completamente diversi: uno in paradiso e l'altro all'inferno.

Gli attori che partecipano a questa performance agiscono come oratori, spiegando il loro atteggiamento nei confronti di determinati fenomeni. Lo stile di recitazione nella moralità era sobrio. Ciò ha reso il compito molto più semplice per l'attore, perché non era necessario trasformarsi in un'immagine. Il personaggio era comprensibile allo spettatore in alcuni dettagli costume teatrale. Un'altra caratteristica della moralità era il discorso poetico, che ha ricevuto molta attenzione.

I drammaturghi che lavoravano in questo genere erano i primi umanisti, alcuni professori di scuole medievali. Nei Paesi Bassi, la scrittura e la messa in scena della moralità sono state eseguite da persone che lottavano contro il dominio spagnolo. Le loro opere contenevano molte allusioni politiche diverse. Per tali spettacoli, gli autori e gli attori sono stati costantemente perseguitati dalle autorità.

Man mano che il genere della moralità si sviluppava, si è gradualmente liberato dalla rigida moralità ascetica. L'impatto delle nuove forze sociali ha dato slancio alla visualizzazione di scene realistiche nella moralità. Le contraddizioni presenti in questo genere indicavano che le produzioni teatrali stavano diventando sempre più vicine alla vita reale. Alcune commedie contenevano persino elementi di critica sociale.

Nel 1442 fu scritta la commedia "Trade, Craft, Shepherd". Descrive le lamentele di ciascuno dei personaggi che la vita è diventata difficile. Qui appare il Tempo, vestito dapprima con un abito rosso, che significava Ribellione. Dopodiché, Time esce in armatura completa e personifica la Guerra. Appare quindi con indosso bende e un mantello a brandelli. I personaggi gli fanno la domanda: "Chi ti ha dipinto così?" A questo Tempo risponde: Per il corpo, hai sentito che tipo di persone sono diventate.

Le commedie lontane dalla politica, opposte ai vizi, erano dirette contro la moralità della temperanza. Nel 1507 fu creata la moralità "La condanna delle feste", in cui furono introdotti i personaggi - signore Delicatezza, Gola, Abiti e personaggi - Cavalieri Pew-for-your-health e Pew-reciprocamente. Questi eroi alla fine della commedia muoiono nella lotta contro l'apoplessia, la paralisi e altri disturbi.

Nonostante il fatto che in questa commedia le passioni e le feste umane fossero mostrate in una luce critica, la loro rappresentazione come un allegro spettacolo mascherato ha distrutto l'idea stessa di condannare ogni tipo di eccesso. La moralità si è trasformata in una scena vivace e pittoresca con un atteggiamento che afferma la vita.

Il genere allegorico, a cui dovrebbe essere attribuita la moralità, ha introdotto chiarezza strutturale nella drammaturgia medievale, il teatro avrebbe dovuto mostrare immagini per lo più tipiche.

Palcoscenico

Dal momento del suo inizio fino alla seconda metà del XV secolo, la farsa era volgare, plebea. E solo allora, dopo aver attraversato un lungo e nascosto percorso di sviluppo, si è distinto come genere indipendente.

Il nome "farsa" deriva dalla parola latina farsa, che significa "ripieno". Questo nome è sorto perché durante lo spettacolo dei misteri, nei loro testi venivano inserite delle farse. Secondo i critici teatrali, le origini della farsa sono molto più lontane. Ha avuto origine dalle esibizioni di istrioni e giochi di carnevale di carnevale. Gli istrioni gli hanno dato la direzione del tema e dei carnevali: l'essenza del gioco e il carattere di massa. Nella commedia del mistero, la farsa è stata ulteriormente sviluppata e si è distinta come un genere separato.

Fin dall'inizio della sua origine, la farsa mirava a criticare e ridicolizzare i feudatari, i borghesi e la nobiltà in generale. Tale critica sociale è stata determinante nella nascita della farsa come genere teatrale. In un tipo speciale si possono distinguere spettacoli farseschi in cui sono state create parodie della chiesa e dei suoi dogmi.

Spettacoli di Maslenitsa e giochi popolari divenne l'impulso per l'emergere delle cosiddette stupide corporazioni. Includevano funzionari giudiziari minori, scolari, seminaristi, ecc. Nel XV secolo, tali società si diffusero in tutta Europa. A Parigi c'erano 4 grandi "corporazioni stupide" che organizzavano regolarmente proiezioni farsesche. In tali visioni venivano messe in scena commedie che ridicolizzavano i discorsi dei vescovi, la verbosità dei giudici, il cerimoniale, con grande sfarzo, l'ingresso dei re in città.

Le autorità secolari ed ecclesiastiche reagirono a questi attacchi perseguitando i partecipanti alle farse: furono espulsi dalle città, imprigionati, ecc. Oltre alle parodie, nelle farse venivano rappresentate scene satiriche-soti (sotie - “stupidità”). In questo genere non c'erano più personaggi di tutti i giorni, ma giullari, sciocchi (ad esempio, un vanitoso soldato sciocco, uno sciocco ingannatore, un impiegato che prende tangenti). L'esperienza delle allegorie della moralità ha trovato la sua incarnazione in centinaia. Il genere del favo raggiunse la sua massima fioritura a cavallo tra il XV e il XVI secolo. Anche il re francese Luigi XII utilizzò il teatro popolare della farsa nella lotta contro papa Giulio II. Le scene satiriche erano piene di pericoli non solo per la chiesa, ma anche per le autorità secolari, perché ridicolizzavano sia la ricchezza che la nobiltà. Tutto ciò ha dato a Francesco I un motivo per vietare le rappresentazioni di farsa e soti.

Poiché le esibizioni dei cento erano di natura condizionatamente mascherata, questo genere non aveva quella nazionalità purosangue, carattere di massa, libero pensiero e caratteri specifici quotidiani. Pertanto, nel XVI secolo, la farsa più efficace e buffonata divenne il genere dominante. Il suo realismo si manifestava nel fatto che conteneva personaggi umani, che però erano rappresentati in modo un po' più schematico.

Praticamente tutte le trame farsesche si basano su storie puramente quotidiane, ovvero la farsa è completamente reale in tutto il suo contenuto e abilità artistica. Le scenette ridicolizzano soldati predoni, monaci che vendono il perdono, nobili arroganti e mercanti avidi. La farsa apparentemente semplice "About the Miller", che ha un contenuto divertente, in realtà contiene un sorriso popolare malvagio. La commedia racconta di un mugnaio ottuso che viene ingannato dalla moglie di un giovane mugnaio e da un prete. Nella farsa, i tratti caratteriali vengono accuratamente notati, mostrando al pubblico materiale satirico veritiero.

Ma gli autori di farse ridicolizzano non solo sacerdoti, nobili e funzionari. Anche i contadini non si fanno da parte. Il vero eroe della farsa è il cittadino canaglia che, con l'aiuto di destrezza, arguzia e ingegnosità, sconfigge giudici, mercanti e tutti i tipi di sempliciotti. A metà del XV secolo furono scritte numerose farse su un tale eroe (sull'avvocato Patlen).

Le commedie raccontano tutti i tipi di avventure dell'eroe e mostrano un'intera serie di personaggi molto colorati: un giudice pedante, uno stupido mercante, un monaco egoista, un avaro pellicciaio, un pastore dalla mentalità ristretta che in realtà avvolge lo stesso Patlen il suo dito. Le farse su Patlen raccontano in modo colorato la vita e le usanze della città medievale. A volte raggiungono il più alto grado di comicità per quel tempo.

Il personaggio di questa serie di farse (così come dozzine di altri in varie farse) era un vero eroe e tutte le sue buffonate avrebbero dovuto suscitare la simpatia del pubblico. Dopotutto, i suoi trucchi mettono in una posizione stupida i potenti del mondo questo e ha mostrato il vantaggio della mente, dell'energia e della destrezza della gente comune. Ma il compito diretto del teatro farsesco non era ancora questo, ma la negazione, lo sfondo satirico di molti aspetti della società feudale. Il lato positivo della farsa si sviluppò in modo primitivo e degenerò nell'affermazione di un ideale piccolo-borghese.

Ciò mostra l'immaturità del popolo, che è stato influenzato dall'ideologia borghese. Tuttavia, la farsa era considerata un teatro popolare, progressista e democratico. Il principio principale dell'arte della recitazione per farsa (attori farsa) era la caratterizzazione, a volte portata a una caricatura parodia, e il dinamismo, che esprimeva l'allegria degli stessi interpreti.

Le farse venivano messe in scena da società amatoriali. Le associazioni comiche più famose in Francia furono la cerchia degli impiegati giudiziari "Bazosh" e la società "Ragazzi spensierati", che vissero il loro massimo splendore tra la fine del XV e l'inizio del XVI secolo. Queste società fornivano quadri di attori semiprofessionisti per i teatri. Con nostro grande dispiacere, non possiamo nominare un solo nome, perché non sono stati conservati nei documenti storici. Un solo nome è ben noto: il primo e più famoso attore del teatro medievale, il francese Jean de l'Espina, soprannominato Pontale. Ha ricevuto questo soprannome con il nome del ponte parigino, sul quale ha allestito il suo palcoscenico. Successivamente, Pontale è entrato a far parte della società Carefree Guys e ne è diventato il principale organizzatore, nonché il miglior interprete di farse e moralità.

Sono state conservate molte testimonianze di contemporanei sulla sua intraprendenza e sul magnifico dono dell'improvvisazione. Hanno citato un caso del genere. Nel suo ruolo, Pontale era un gobbo e aveva una gobba sulla schiena. Si avvicinò al cardinale gobbo, si appoggiò alla sua schiena e disse: "Ma montagna e montagna possono unirsi". Hanno anche raccontato un aneddoto su come Pontale batteva un tamburo nella sua cabina e questo impediva al sacerdote di una chiesa vicina di celebrare la messa. Un prete arrabbiato è venuto alla cabina e ha tagliato la pelle del tamburo con un coltello. Poi Pontale si mise in testa un tamburo bucato e andò in chiesa. A causa delle risate che c'erano nel tempio, il sacerdote fu costretto a interrompere il servizio.

Molto popolari erano le poesie satiriche di Pontale, in cui era chiaramente visibile l'odio per nobili e sacerdoti. In queste righe si sente una grande indignazione: "E ora il nobile è un cattivo! Tuona e distrugge le persone più spietatamente della peste e della pestilenza".

Tanta gente conosceva il talento comico di Pontale e la sua fama era così grande che il famoso F. Rabelais, autore di Gargantua e Pantagruel, lo considerava il più grande maestro della risata. Il successo personale di questo attore indicava che si stava avvicinando un nuovo periodo professionale nello sviluppo del teatro.

Il governo monarchico era sempre più insoddisfatto del libero pensiero della città. A questo proposito, il destino delle corporazioni amatoriali di fumetti gay è stato il più deplorevole. Tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo, le più grandi corporazioni di farser cessarono di esistere.

La farsa, sebbene sia sempre stata perseguitata, ha avuto una grande influenza sull'ulteriore sviluppo del teatro dell'Europa occidentale. Ad esempio, in Italia la commedia dell'arte si è sviluppata dalla farsa; in Spagna - l'opera del "padre del teatro spagnolo" Lope de Rueda; in Inghilterra, John Heywood scrisse le sue opere nello stile di una farsa; in Germania, Hans Sachs; in Francia, le tradizioni farsesche hanno nutrito l'opera del genio comico Molière. Fu dunque la farsa a fare da anello di congiunzione tra il vecchio e il nuovo teatro.

Il teatro medievale si sforzò molto di superare l'influenza della chiesa, ma non ci riuscì. Questa fu una delle ragioni del suo declino, morte morale, se vogliamo. Sebbene nel teatro medievale non siano state create opere d'arte significative, l'intero corso del suo sviluppo ha mostrato che il potere della resistenza inizio della vita religiosi in costante aumento. Il teatro medievale ha aperto la strada all'emergere di una potente arte teatrale realistica del Rinascimento.