Città ideali del rinascimento in Italia. Cultura artistica del Rinascimento
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agenzia federale trasporto ferroviario
siberiano Università Statale mezzi di comunicazione
Dipartimento di "Filosofia"
IMMAGINI ARTISTICHE DEL RINASCIMENTO
Saggio
Nella disciplina "Culturologia"
Testa progettata
Professore studente gr. D-111
Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.
(firma) (firma)
08.12.2012
(data di ispezione) (data di presentazione per ispezione)
anno 2012
introduzione
Il Rinascimento è considerato uno dei periodi più luminosi nella storia dello sviluppo. cultura europea. Possiamo dire che il revival è un'intera era culturale nel processo di transizione dal Medioevo al nuovo tempo, durante il quale si è verificato uno sconvolgimento culturale (un punto di svolta, un cambiamento). I cambiamenti fondamentali sono associati all'eradicazione della mitologia.
Nonostante l'origine del termine Rinascimento (fr. Rinascimento, "Rinascimento"), non ci fu alcun risveglio dell'antichità e non poteva esserlo. L'uomo non può tornare al suo passato. Il Rinascimento, utilizzando le lezioni dell'antichità, ha introdotto innovazioni. Non ha riportato in vita tutti i generi antichi, ma solo quelli che erano caratteristici delle aspirazioni del suo tempo e della sua cultura. Il Rinascimento combinò una nuova lettura dell'antichità con una nuova lettura del cristianesimo.
La rilevanza dell'argomento scelto è dovuta alla connessione tra l'era moderna e il Rinascimento: questa è una rivoluzione, prima di tutto, nel sistema di valori, nella valutazione di tutto ciò che esiste e in relazione ad esso.
Lo scopo principale dell'opera è mostrare i cambiamenti fondamentali avvenuti nella visione del mondo delle più grandi figure dell'epoca in esame.
1. Cultura del Rinascimento
XIII-XVI I secoli sono stati un periodo di grandi cambiamenti nell'economia, nella politica e nella cultura. La rapida crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, e successivamente il passaggio alla produzione manifatturiera, trasformarono il volto dell'Europa medievale.
Le città sono venute alla ribalta. Non molto tempo prima, le forze più potenti del mondo medievale - l'impero e il papato - erano in profonda crisi. IN XVI secolo, il decadente Sacro Romano Impero della nazione tedesca divenne teatro delle prime due rivoluzioni antifeudali: la Grande Guerra dei Contadini in Germania e la Rivolta dei Paesi Bassi.
La natura transitoria dell'epoca, il processo di liberazione dai percorsi medievali in atto in tutti gli ambiti della vita, allo stesso tempo, l'ancora sottosviluppo delle relazioni capitaliste emergenti non poteva che incidere sulle caratteristiche della cultura artistica e del pensiero estetico di quel tempo .
Secondo A. V. Stepanov, tutti i cambiamenti nella vita della società sono stati accompagnati da un ampio rinnovamento della cultura: il fiorire delle scienze naturali ed esatte, della letteratura nelle lingue nazionali e delle belle arti. Nato nelle città d'Italia, questo rinnovamento ha poi catturato altri paesi europei. L'autore ritiene che dopo l'avvento della stampa si siano aperte opportunità senza precedenti per la diffusione di opere letterarie e scientifiche e una comunicazione più regolare e stretta tra i paesi abbia contribuito alla penetrazione di nuove tendenze artistiche.
Ciò non significava che il Medioevo si fosse ritirato prima delle nuove tendenze: le idee tradizionali erano conservate nella coscienza di massa. La chiesa ha resistito a nuove idee, usando un mezzo medievale: l'Inquisizione. L'idea della libertà della persona umana ha continuato ad esistere in una società divisa in classi. La forma feudale di dipendenza dei contadini non è scomparsa del tutto e in alcuni paesi (Germania, Europa centrale) si è verificato un ritorno alla servitù. Il sistema feudale ha mostrato molta vitalità. Ogni paese europeo l'ha vissuta a modo suo e all'interno del proprio quadro cronologico. Capitalismo per molto tempo esisteva come stile di vita, coprendo solo una parte della produzione sia in città che in campagna. Tuttavia, la lentezza patriarcale medievale iniziò a retrocedere nel passato.
Le grandi scoperte geografiche hanno giocato un ruolo enorme in questa svolta. Ad esempio, nel 1492. H. Colombo, alla ricerca di una via per l'India, attraversò l'Oceano Atlantico e sbarcò vicino alle Bahamas, scoprendo un nuovo continente: l'America. Nel 1498 Il viaggiatore spagnolo Vasco da Gama, dopo aver doppiato l'Africa, portò con successo le sue navi sulle coste dell'India. CON XVI v. Gli europei stanno penetrando in Cina e Giappone, di cui prima avevano solo una vaga idea. Dal 1510 inizia la conquista dell'America. IN XVII v. L'Australia è stata scoperta. L'idea della forma della terra è cambiata: il giro del mondo di F. Magellan ha confermato la congettura che abbia la forma di una palla.
Il disprezzo per tutto ciò che è terreno è ora sostituito da un avido interesse per il mondo reale, per l'uomo, per la coscienza della bellezza e della grandezza della natura, che potrebbe essere dimostrato analizzando i monumenti culturali del Rinascimento. Il primato della teologia sulla scienza, indiscutibile nel Medioevo, è scosso dalla fede nelle illimitate possibilità della mente umana, che diventa la misura più alta della verità. Sottolineando l'interesse per l'umano in contrapposizione al divino, i rappresentanti della nuova intellighenzia secolare si definirono umanisti, derivando questa parola dal concetto di " studia humanitanis ”, intendendo lo studio di tutto ciò che è connesso con la natura umana e il suo mondo spirituale.
Per le opere e l'arte del Rinascimento, l'idea di un essere libero con sconfinato possibilità creative. È associato all'antropocentrismo nell'estetica del Rinascimento e alla comprensione del bello, del sublime, dell'eroico. Il principio di una bella personalità umana artistica e creativa è stato combinato dai teorici del Rinascimento con un tentativo di calcolare matematicamente tutti i tipi di proporzioni, simmetria e prospettiva.
Il pensiero estetico e artistico di quest'epoca si basa per la prima volta sulla percezione umana in quanto tale e su un'immagine sensualmente reale del mondo. Qui colpisce anche la sete soggettivista-individualista di sensazioni di vita, indipendentemente dalla loro interpretazione religiosa e morale, sebbene quest'ultima, in linea di principio, non sia negata. L'estetica del Rinascimento concentra l'arte sull'imitazione della natura. Tuttavia, in primo luogo qui non c'è tanto la natura quanto l'artista, che nella sua attività creativa paragonato a Dio.
E. Chamberlin considera il piacere uno dei principi più importanti per la percezione delle opere d'arte, perché questo indica una significativa tendenza democratica rispetto all'"apprendimento" scolastico delle precedenti teorie estetiche.
Il pensiero estetico del Rinascimento contiene non solo l'idea di assolutizzazione dell'individuo umano in contrapposizione alla personalità divina nel Medioevo, ma anche una certa consapevolezza dei limiti di tale individualismo, basato sull'assoluta autoaffermazione di l'individuo. Da qui i motivi della tragedia, trovati nelle opere di W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e altri: questa è la natura contraddittoria di una cultura che si è allontanata dagli antichi assoluti medievali, ma a causa di circostanze storiche non ha ancora trovato nuovi basi affidabili.
La connessione tra arte e scienza è uno dei tratti caratteristici della cultura. Gli artisti cercavano sostegno nelle scienze, spesso stimolando il loro sviluppo. Il Rinascimento è segnato dall'emergere di artisti-scienziati, tra i quali il primo posto appartiene a Leonardo da Vinci.
Pertanto, uno dei compiti del Rinascimento è la comprensione da parte dell'uomo di un mondo pieno di bellezza divina. Il mondo attrae una persona perché è spiritualizzata da Dio. Ma nel Rinascimento c'era un'altra tendenza nel sentire una persona della tragedia della sua esistenza.
2. L'immagine del mondo e dell'uomo nelle opere dei grandi maestri Rinascimento
Il termine "Rinascimento" (una traduzione del termine francese "Rinascimento") indica una connessione nuova cultura con l'antichità. Come risultato della conoscenza dell'Oriente, in particolare di Bisanzio, durante l'era delle Crociate, gli europei conobbero antichi manoscritti umanistici, vari monumenti di belle arti e architettura antiche. Tutte queste antichità iniziarono ad essere parzialmente trasportate in Italia, dove furono raccolte e studiate. Ma anche nella stessa Italia c'erano molti antichi monumenti romani, che iniziarono anche ad essere attentamente studiati dai rappresentanti dell'intellighenzia urbana italiana. Nella società italiana sorse un profondo interesse per le lingue classiche antiche, filosofia antica, storia e letteratura. La città di Firenze ebbe un ruolo particolarmente importante in questo movimento. Da Firenze uscirono alcune figure di spicco della nuova cultura.
Utilizzando l'antica ideologia, creata un tempo nelle città più vivaci, in senso economico, dell'antichità, la nuova borghesia l'ha rielaborata a modo suo, formulando la sua nuova visione del mondo, nettamente opposta alla visione del mondo del feudalesimo che prevaleva prima. Il secondo nome della nuova cultura italiana, l'umanesimo, lo dimostra.
La cultura umanistica poneva al centro della sua attenzione l'uomo stesso (humanus - umano), e non il divino, ultraterreno, come avveniva nell'ideologia medievale. L'ascetismo non aveva più un posto nella visione umanistica del mondo. Il corpo umano, le sue passioni ei suoi bisogni non erano visti come qualcosa di "peccaminoso" da sopprimere o torturare, ma come fine a se stesso, come la cosa più importante della vita. L'esistenza terrena era riconosciuta come l'unica vera. La conoscenza della natura e dell'uomo è stata dichiarata l'essenza della scienza. In contrasto con i motivi pessimistici che dominavano la visione del mondo degli scolastici e dei mistici medievali, i motivi ottimistici prevalevano nella visione del mondo e nell'umore delle persone del Rinascimento; erano caratterizzati dalla fede nell'uomo, nel futuro dell'umanità, nel trionfo della ragione umana e dell'illuminazione. Una galassia di eccezionali poeti e scrittori, scienziati e personaggi vari tipi l'arte partecipò a questo nuovo grande movimento intellettuale. La gloria dell'Italia è stata portata da artisti così meravigliosi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffaello, Tiziano.
L'indubbia conquista del Rinascimento fu la costruzione geometricamente corretta del quadro. L'artista ha costruito l'immagine utilizzando le tecniche che ha sviluppato. La cosa principale per i pittori di quel tempo era osservare le proporzioni degli oggetti. Anche la natura è caduta sotto i trucchi matematici.
In altre parole, gli artisti del Rinascimento cercavano di trasmettere un'immagine accurata, ad esempio, di una persona sullo sfondo della natura. Se confrontato con i metodi moderni per ricreare un'immagine vista su una sorta di tela, allora, molto probabilmente, una fotografia con successivo aggiustamento aiuterà a capire a cosa aspiravano gli artisti del Rinascimento.
I pittori del Rinascimento credevano di avere il diritto di correggere i difetti della natura, cioè se una persona aveva brutti tratti del viso, gli artisti li correggevano in modo tale che il viso diventasse dolce e attraente.
Raffigurante racconti biblici, Gli artisti del Rinascimento hanno cercato di chiarire che le manifestazioni terrene dell'uomo possono essere rappresentate più chiaramente se si usano storie bibliche. Puoi capire cos'è la caduta, la tentazione, l'inferno o il paradiso, se inizi a conoscere il lavoro degli artisti di quel tempo. La stessa immagine della Madonna ci trasmette la bellezza di una donna e porta anche una comprensione dell'amore umano terreno.
Così, nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
Conclusione
Quindi, il Rinascimento, o il Rinascimento, è un'era nella vita dell'umanità, segnata da un colossale aumento dell'arte e della scienza. Il Rinascimento ha proclamato l'uomo il valore più alto della vita.
Nell'arte, il tema principale era una persona con possibilità spirituali e creative illimitate.L'arte del Rinascimento ha gettato le basi della cultura europea della New Age, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte.
In architettura si sono sviluppati nuovi tipi di edifici pubblici.La pittura è stata arricchita da lineare e prospettiva aerea conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano.Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Maggiore interesse per mitologia antica, storia, scene quotidiane, paesaggio, ritratto. C'era una foto, c'era un dipinto Dipinti ad olio. L'individualità creativa dell'artista ha preso il primo posto nell'arte.
Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati.L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
Indubbiamente, il Rinascimento è una delle epoche più belle della storia dell'umanità.
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introduzione
Revival come una nuova visione del mondo e una nuova stile artistico ebbe origine in Italia alla fine del XIV secolo. Le prime idee urbanistiche rappresentavano la città come un'unità architettonica secondo un piano prestabilito. Sotto l'influenza di queste idee, invece di vicoli medievali stretti e tortuosi città italiane cominciarono ad apparire strade dritte e più larghe, costruite con grandi edifici.
La disposizione e l'architettura delle piazze durante il Rinascimento presero forma nei secoli XV-XVI. a Roma e altri principali città Italia.
Durante questo periodo, diverse città furono ricostruite qui utilizzando nuovi principi di pianificazione urbana. Nella maggior parte dei casi, i palazzi di tali città erano situati nelle piazze centrali, che a volte rappresentavano l'inizio di composizioni a tre travi.
Le città rinascimentali acquisirono gradualmente nuove caratteristiche sotto l'influenza dei cambiamenti sociali. Tuttavia, a causa della proprietà privata della terra e della tecnologia arretrata, era impossibile spostarsi rapidamente dalla città vecchia a quella nuova. In tutti i periodi del Rinascimento, gli sforzi principali degli urbanisti furono diretti allo sviluppo del centro cittadino: la piazza e i quartieri più vicini. Durante il periodo di massimo splendore degli stati monarchici nel XVIII secolo. gli insiemi delle piazze centrali delle città hanno avuto un'importanza eccezionale come decorazioni principali. Le piazze cittadine avevano per lo più contorni geometricamente corretti.
Se l'architettura delle antiche piazze greche e romane era caratterizzata da colonne e portici, allora per le piazze del periodo rinascimentale i portici divennero elementi nuovi, sviluppandosi parallelamente allo sviluppo di interi sistemi di piazze.
Nella maggior parte delle città medievali, la vegetazione decorativa era assente. I frutteti venivano coltivati nei giardini dei monasteri; frutteti o vigneti dei cittadini erano dietro le fortificazioni della città. a Parigi nel XVIII secolo. compaiono vicoli, vegetazione tagliata, parterre di giardini fioriti. Tuttavia, i parchi di palazzi e castelli erano di proprietà privata. I giardini pubblici nella maggior parte delle città europee compaiono solo alla fine del XVIII secolo.
I bacini idrici nel medioevo, in sostanza, costituivano un ostacolo allo sviluppo della città, dividendone i rioni, e servivano a ristretti scopi pratici. Dal 18 ° secolo i fiumi iniziarono ad essere usati come elementi di collegamento delle città e, in condizioni favorevoli, come assi compositivi. Un vivido esempio è il saggio uso urbanistico dei fiumi Neva e Nevka a San Pietroburgo. La costruzione di ponti e la costruzione di argini ha consolidato questa direzione nella pianificazione urbana.
Durante il periodo medievale, lo skyline della città era in gran parte definito dalle guglie appuntite sulle amministrazioni cittadine, sulle chiese e sugli edifici pubblici. La sagoma della città era definita da tante piccole verticali e da alcune dominanti. In connessione con la nuova comprensione artistica della sagoma della città, furono gradualmente eliminati gli alti tetti medievali, gli edifici rinascimentali furono completati con tetti con solai e balaustre.
Con l'aumento della scala degli edifici e delle nuove tipologie di coperture, la sagoma della città è ammorbidita da cupole dai contorni levigati, che hanno ricevuto un ruolo dominante nei panorami delle città. Il loro cambiamento è stato fortemente influenzato da giardini e parchi, i cui alberi nascondono in gran parte gli edifici.
Gli architetti del Rinascimento usarono rigorosi mezzi espressivi nella pianificazione urbana: proporzioni armoniche, la scala di una persona come misura dell'ambiente architettonico circostante.
La lotta ideologica dell'emergente borghesia italiana contro le forme medievali di religione, moralità e diritto si tradusse in un ampio movimento progressista: l'umanesimo. L'umanesimo si basava su principi che affermano la vita civile: il desiderio di liberare la personalità umana dalla costrizione spirituale, la sete di conoscenza del mondo e della persona stessa e, di conseguenza, il desiderio di forme secolari di vita sociale, il desiderio di conoscenza delle leggi e della bellezza della natura, per il miglioramento armonico a tutto tondo dell'uomo. . Questi cambiamenti nella visione del mondo hanno portato a una rivoluzione in tutte le sfere della vita spirituale: arte, letteratura, filosofia, scienza. Nelle loro attività, gli umanisti si basavano in gran parte su antichi ideali, spesso facendo rivivere non solo le idee, ma anche le forme stesse e i mezzi espressivi delle opere antiche. A questo proposito, il movimento culturale dell'Italia nei secoli XV-XVI. chiamata rinascita o resurrezione
La visione umanistica del mondo ha stimolato lo sviluppo dell'individuo, aumentandone l'importanza nella vita pubblica. Lo stile individuale del maestro ha svolto un ruolo crescente nello sviluppo dell'arte e dell'architettura. La cultura dell'umanesimo ha proposto un'intera galassia di brillanti architetti, scultori, artisti, come Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raffaello, Michelangelo, Palladio e altri.
Il desiderio di creare una "immagine ideale di una persona", unita alla ricerca di metodi di esplorazione artistica del mondo, ha portato a una sorta di realismo cognitivo del Rinascimento, basato su una stretta unione dell'arte con una scienza in rapido sviluppo. In architettura, la ricerca di forme "ideali" di edifici, basate su una composizione completa e completa, è diventata una delle sue tendenze distintive. Insieme allo sviluppo di nuovi tipi di edifici civili e religiosi, è in corso lo sviluppo del pensiero architettonico, c'è un urgente bisogno di generalizzazioni teoriche dell'esperienza moderna, soprattutto storica e, soprattutto, antica.
Tre epoche Rinascimento italiano
L'architettura rinascimentale in Italia è divisa in tre periodi principali: primo, alto e tardo. centro architettonico Primo Rinascimento era la Toscana con la città principale - Firenze. Questo periodo copre il secondo quarto e la metà del XV secolo. L'inizio del Rinascimento in architettura è considerato il 1420, quando iniziò la costruzione della cupola sopra il Duomo fiorentino. I risultati costruttivi, che hanno portato alla creazione di un'enorme forma centrica, sono diventati una sorta di simbolo dell'architettura della New Age.
1. Primo Rinascimento
Il primo Rinascimento in architettura è caratterizzato, prima di tutto, dalle forme degli edifici creati dal famoso architetto ingegnere Filippo Brunellesco (prima metà del XV secolo). In particolare, nell'Orfanotrofio di Firenze utilizzò un semicircolare leggero al posto di un arco a sesto acuto. La volta a crociera, caratteristica dell'architettura gotica, iniziò a lasciare il posto a un nuovo design: una volta a botte modificata. Tuttavia, le forme ogivali dell'arco continuarono ad essere utilizzate fino alla metà del XVI secolo.
Uno degli edifici eccezionali del Brunellesco era l'enorme cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze, rimasta incompiuta dal XIV secolo.
Nella forma di una grande cupola creata dall'architetto, si nota un'eco dell'arco ogivale gotico. La campata della cupola di questa cattedrale è grande - 42 m. Le volte della cupola, in laterizio, poggiano su una base ottagonale di tronchi rivestiti con lastre di ferro. Grazie alla fortunata collocazione della cattedrale su un colle e alla sua elevata altezza (115 m), la sua parte superiore, in particolare la cupola, conferisce solennità e originalità al panorama architettonico di Firenze.
L'architettura civile occupava un posto significativo nell'architettura del Rinascimento italiano. Comprende principalmente grandi palazzi cittadini (palazzo), che, oltre alle abitazioni, erano destinati ai ricevimenti cerimoniali. I palazzi medievali, abbandonando gradualmente i loro aspri abiti romanici e gotici con l'aiuto di rivestimenti e sculture in marmo, acquisirono un aspetto allegro.
Le caratteristiche delle facciate rinascimentali sono enormi aperture di finestre ad arco separate da colonne, bugnato dei primi piani con pietre, lastre superiori, grandi cornici aggettanti e dettagli finemente tracciati. A differenza delle facciate austere, l'architettura degli interni ben illuminati ha un carattere allegro.
Per la decorazione delle facciate dei palazzi del primo Rinascimento veniva spesso utilizzato il bugnato. Le pietre per bugnato di solito avevano una superficie frontale non lavorata (scheggiata) con un percorso di confine ben tagliato. Il rilievo del bugnato diminuisce con l'aumentare del numero dei piani. Successivamente la decorazione a bugnato si è conservata solo nella lavorazione degli zoccoli e agli angoli degli edifici.
Nel XV sec. Gli architetti italiani usavano spesso l'ordine corinzio. Spesso si sono verificati casi di combinazione di più ordini in un unico edificio: per i piani inferiori - un ordine dorico, e per i piani superiori - una composizione di capitelli, vicina per proporzioni e disegno al tipo ionico.
Uno degli esempi di architettura del palazzo della metà del XV secolo. a Firenze può servire il Palazzo Medici-Ricardi a tre piani, costruito secondo il progetto dell'architetto Michelozzo di Bartolomeo nel periodo 1444-1452, per ordine di Cosimo Medici, sovrano di Firenze. Secondo lo schema della facciata del Palazzo Medici, centinaia di palazzi furono successivamente costruiti in altre città.
Un ulteriore sviluppo della composizione del palazzo è il palazzo Rucchelai a Firenze costruito nel 1446-1451 progettato da Leon Battista Alberti (1404–1472). Come l'antico Colosseo romano, la sua facciata è divisa in piani da ordini con un passaggio dal più semplice ordine dorico nell'ordine inferiore al più sottile e ricco ordine corinzio in quello superiore.
L'impressione di alleggerire l'edificio verso l'alto, creata in Palazzo Medici-Riccardi con l'ausilio del bugnato delle pareti, si esprime qui sotto forma di un sistema di ordini a gradoni che si alleggeriscono verso l'alto. Allo stesso tempo, il grande cornicione di coronamento è correlato non con l'altezza dell'ordine superiore, ma con l'altezza dell'intero edificio, motivo per cui la composizione ha acquisito caratteristiche di completezza e staticità. Nello sviluppo della facciata si salvano ancora motivi tradizionali: bifore derivanti dalla forma medievale delle finestre, bugnato delle pareti, monumentalità generale della nuvola, ecc.
Cappella Pazzi (1430-1443) - un edificio a cupola, situato nel cortile del monastero. Nella composizione della facciata si mostrava una struttura interna sezionata da un ordine su cui dominava il volume dell'aula con cupola su vele. Al colonnato, tagliato lungo l'asse da un arco e completato da un attico finemente sezionato, fanno riscontro lesene a cartello sulla parete interna della loggia, e snodi aggettanti di archi sulla volta.
La corrispondenza degli ordini e la ripetizione di cupolette nella loggia e nella parte dell'altare contribuiscono al collegamento organico della facciata con l'interno. Le pareti interne sono sezionate da paraste piatte, ma evidenziate in colore, che, proseguendo nelle partizioni delle volte, danno un'idea della logica dello spazio edilizio, del sistema tettonico. Sviluppandosi tridimensionalmente, l'ordine sottolinea l'unità e la subordinazione delle parti principali. La "cornice" visiva caratterizza anche lo scollamento della cupola dall'interno, che ricorda in qualche modo la struttura delle volte gotiche nervose. Tuttavia, l'armonia delle forme dell'ordine e la chiarezza della struttura tettonica, l'equilibrio e la commensurabilità con l'uomo parlano del trionfo dei nuovi ideali architettonici sui principi del Medioevo.
Insieme a Brunellesco e Michelozzo da Bartolomeo, anche altri maestri (Rosselino, Benedetto da Maiano, ecc.), La cui opera era principalmente associata alla Toscana e al Nord Italia, giocarono un ruolo importante nello sviluppo della nuova architettura. L'Alberti, che realizzò, oltre al Palazzo Ruccellai, alcune grandi strutture (la facciata della Chiesa di Santa Maria Novella, la Chiesa di Sant'Andrea a Mantova, ecc.), completa questo periodo.
2. Periodo Alto Rinascimento
Il periodo dell'Alto Rinascimento copre la fine del XV - la prima metà del XVI secolo. A questo punto, a causa dello spostamento delle principali rotte commerciali dal Mediterraneo all'Oceano Atlantico, l'Italia stava vivendo un noto declino economico e una riduzione della produzione industriale. Spesso la borghesia acquistava terreni e si trasformava in usurai e proprietari terrieri. Il processo di feudalizzazione della borghesia è accompagnato da una generale aristocratizzazione della cultura, il baricentro si trasferisce nella cerchia di corte della nobiltà: duchi, principi, papi. Roma diventa il centro della cultura - la residenza dei papi, spesso eletti tra i rappresentanti dell'aristocrazia di mentalità umanistica. A Roma sono in corso enormi lavori di costruzione. In questa impresa, intrapresa dalla corte pontificia per elevare il proprio prestigio, la comunità umanista visse l'esperienza di una rinascita di grandezza. antica Roma e con essa la grandezza di tutta l'Italia. Alla corte, salito al trono nel 1503. L'umanista di Papa Giulio II fu opera degli architetti più importanti - tra cui Bramante, Raffaello, Michelangelo, Antonio da Sangallo e altri.
Nell'architettura di questo periodo, le principali caratteristiche e tendenze del Rinascimento ricevono la loro espressione compiuta. Vengono create le composizioni centriche più perfette. Sta finalmente prendendo forma la tipologia del palazzo urbano, che in questo periodo acquista i connotati di edificio non solo privato, ma anche pubblico, e quindi, in una certa zona, diventa prototipo di molti successivi edifici pubblici. superare la caratteristica primo periodo Contrasto revival (tra le caratteristiche architettoniche dell'aspetto esterno del palazzo e il suo cortile. Sotto l'influenza di una conoscenza più sistematica e archeologicamente accurata dei monumenti antichi, le composizioni degli ordini diventano più rigorose: insieme agli ordini ionici e corinzi, più semplici e monumentali sono ampiamente utilizzati gli ordini - dorico romano e toscano, e un porticato su colonne finemente disegnato lascia il posto a un porticato di ordine più monumentale.In generale, le composizioni dell'Alto Rinascimento acquistano maggiore significato, rigore e monumentalità.Il problema della creazione di un regolare urbano ensemble è messo su una base reale. Le ville di campagna vengono costruite come complessi architettonici integrali.
L'architetto più importante di questo periodo fu Donato d'Angelo Bramante (1444–1514). L'edificio della Cancelleria attribuito al Bramante (il principale ufficio papale) a Roma - uno degli eccezionali edifici del palazzo - è un enorme parallelepipedo con un cortile rettangolare circondato da portici. La composizione armonica delle facciate sviluppa i principi dettati nel Palazzo Ruccellai, ma la struttura ritmica complessiva crea un'immagine più complessa e solenne. Il primo piano, trattato come un seminterrato, ha intensificato il contrasto con un piano leggero. Grande importanza ha acquisito accenti plastici ritmicamente disposti nella composizione, creati da grandi aperture e plateau che li incorniciano. Il ritmo delle articolazioni orizzontali è diventato ancora più chiaro.
Tra gli edifici religiosi del Bramante, spicca una piccola cappella nel cortile del monastero di San Pietro in Montrrio, detta Tempietto. (1502) - un edificio situato all'interno di un cortile piuttosto angusto, che doveva essere circondato da un porticato circolare in pianta.
La cappella è una rotonda a cupola circondata da un colonnato dorico romano. L'edificio si distingue per la perfezione delle proporzioni, l'ordine è interpretato in modo rigoroso e costruttivo. Rispetto agli edifici centrici del primo Rinascimento, dove prevale lo sviluppo murario lineare-planare (Cappella dei Pazzi), il volume del Tempietto è plastico: la sua ordinata plasticità corrisponde all'integrità tettonica della composizione. Il contrasto tra il nucleo monolitico della rotonda e del colonnato, tra la levigatezza del muro e la plasticità di profonde nicchie e lesene sottolinea l'espressività della composizione, completa armonia e completezza. Nonostante le sue piccole dimensioni, Tempietto dà l'impressione di monumentalità. Già dai contemporanei del Bramante, questo edificio era riconosciuto come uno dei capolavori dell'architettura.
Essendo il capo architetto alla corte di Papa Giulio II, Bramante dal 1505. lavori per ricostruire il Vaticano. Fu concepito un grandioso complesso di edifici cerimoniali e solenni cortili dislocati a diversi livelli, subordinati ad un unico asse, chiuso dalla maestosa esedra del Belvedere. In questo, in sostanza, il primo complesso rinascimentale di tale grandioso design, sono state magistralmente utilizzate le tecniche compositive degli antichi fori romani. La residenza papale doveva essere collegata con un altro grandioso edificio di Roma: la Cattedrale di Pietro, per la cui costruzione fu adottato anche il progetto del Bramante. La perfezione della composizione centrica e la grandiosa portata del progetto della Cattedrale di Pietro Bramante danno motivo di considerare quest'opera l'apice dello sviluppo dell'architettura rinascimentale. Il progetto però non era destinato ad essere realizzato in natura: durante la vita del Bramante fu solo iniziata la costruzione della cattedrale, che dal 1546, 32 anni dopo la morte dell'architetto, fu trasferita a Michelangelo.
Partecipò al concorso per la progettazione della Basilica di San Pietro, nonché alla costruzione e tinteggiatura degli edifici del Vaticano, insieme al Bramante grande artista e l'architetto Raffaello Santi, che costruì e dipinse le famose logge del Vaticano, che ricevettero il suo nome ("le logge di Raffaello"), nonché una serie di strutture notevoli, sia nella stessa Roma che fuori di essa (la costruzione e dipinto di Villa Madama a Roma, Palazzo Pandolfini a Firenze ecc.).
Uno dei migliori allievi del Bramante - l'architetto Antonio da Sangallo Jr. - possiede il progetto di Palazzo Farnese a Roma , in una certa misura completò l'evoluzione del palazzo rinascimentale.
Nello sviluppo della sua facciata, non ci sono bugnato tradizionale e articolazioni verticali. Sulla liscia superficie muraria intonacata in laterizio spiccano chiaramente ampie fasce orizzontali che corrono lungo tutta la facciata; come addossate ad esse si aprono finestre con architravi sbalzati a forma di antica “edicola”. Le finestre del primo piano, a differenza dei palazzi fiorentini, hanno le stesse dimensioni delle finestre dei piani superiori. L'edificio fu liberato dall'isolamento della fortezza, ancora insito nei palazzi del primo Rinascimento. In contrasto con i palazzi del XV secolo, dove il cortile era circondato da leggere gallerie ad arco su colonne, qui appare un porticato di ordine monumentale con semicolonne. L'ordine della galleria è in qualche modo più pesante, acquisendo le caratteristiche di solennità e rappresentatività. Lo stretto passaggio tra il cortile e la strada è stato sostituito da un "vestibolo" aperto, che rivela il prospetto del cortile anteriore.
3. Periodo tardo Rinascimento
Il periodo tardo del Rinascimento è solitamente considerato la metà e la fine del XVI secolo. In questo momento, la recessione economica è continuata in Italia. Il ruolo della nobiltà feudale e delle organizzazioni cattoliche della Chiesa è aumentato. Per combattere la riforma e tutte le manifestazioni di uno spirito antireligioso, fu istituita l'Inquisizione. In queste condizioni, gli umanisti iniziarono a sperimentare la persecuzione. Una parte significativa di loro, inseguita dall'Inquisizione, si trasferì nelle città del nord Italia, in particolare a Venezia, che conservava ancora i diritti di una repubblica indipendente, dove l'influenza della controriforma religiosa non era così forte. A questo proposito, durante tardo rinascimentale le più sorprendenti erano due scuole: la romana e la veneziana. A Roma, dove la pressione ideologica della controriforma influenzò fortemente lo sviluppo dell'architettura, insieme allo sviluppo dei principi dell'Alto Rinascimento, c'è un allontanamento dai classici verso composizioni più complesse, una maggiore decoratività, una violazione del chiarezza di forme, scala e tettonicità. A Venezia, nonostante la parziale penetrazione delle nuove tendenze nell'architettura, la base classica della composizione architettonica era più conservata.
Rappresentante di spicco della scuola romana fu il grande Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Nelle sue opere architettoniche si pongono le basi di una nuova comprensione della forma, caratteristica di questo periodo, contraddistinta da grande espressività, dinamica ed espressività plastica. La sua opera, svoltasi a Roma ea Firenze, riflette con particolare forza la ricerca di immagini capaci di esprimere la crisi generale dell'umanesimo e l'intima ansia che gli ambienti progressisti della società allora provavano di fronte alle incombenti forze della reazione. Come brillante scultore e pittore, Michelangelo è stato in grado di trovare mezzi plastici brillanti per esprimersi nell'arte. forza interiore i loro eroi, il conflitto irrisolto del loro mondo spirituale, gli sforzi titanici nella lotta. Nella creatività architettonica, ciò corrispondeva all'accentuata identificazione della plasticità delle forme e della loro intensa dinamica. L'ordine di Michelangelo perdeva spesso il suo significato tettonico, trasformandosi in un mezzo per decorare le pareti, creando masse ingrandite che stupiscono una persona con la loro scala e plasticità. Violando audacemente i principi architettonici familiari al Rinascimento, Michelangelo in una certa misura fu il fondatore di una maniera creativa, che fu successivamente ripresa nell'architettura del barocco italiano. opera architettonica Michelangelo si riferisce al completamento dopo la morte del Bramante della Cattedrale di Pietro a Roma. Michelangelo, prendendo come base uno schema centrico vicino alla pianta del Bramante, introdusse nella sua interpretazione nuovi tratti: semplificò la pianta e generalizzò lo spazio interno, rese più massicci i sostegni e le pareti, aggiunse un portico con un solenne colonnato dal lato occidentale facciata. Nella composizione tridimensionale, il pacato equilibrio e la subordinazione degli spazi del progetto bramantesco si traducono nell'accentuato predominio della cupola principale e dello spazio sottocupola. Nella composizione delle facciate, chiarezza e semplicità sono state sostituite da forme plastiche più complesse e ampie, le pareti sono sezionate da cenge e lesene di un grande Ordine corinzio con possente trabeazione e alto attico; tra i pilastri, le aperture delle finestre, le nicchie e vari elementi decorativi (cornici, mensole, sandriks, statue, ecc.) sono posti, per così dire, schiacciati nei pilastri, conferendo alle pareti una plasticità quasi scultorea.
Nella composizione delle Cappelle Medicee la chiesa di San Lorenzo a Firenze (1520), l'interno e le sculture realizzate da Michelangelo si fusero in un unico insieme. Le forme scultoree e architettoniche sono piene di tensione interiore e drammaticità. La loro acuta espressività emotiva prevale sulla base tettonica, l'ordine è interpretato come un elemento della concezione scultorea generale dell'artista.
Uno dei massimi architetti romani del tardo Rinascimento è anche Vignola, autore del trattato "La regola dei cinque ordini di architettura". Le sue opere più significative sono il castello di Caprarola e la villa di papa Giulio II. . Durante il Rinascimento subisce la tipologia della villa sviluppo significativo associato a un cambiamento nel suo contenuto funzionale. Anche all'inizio del XV secolo. era una tenuta di campagna, spesso cinta da mura, e talvolta dotata anche di torri difensive. Entro la fine del XV secolo. la villa diviene luogo di villeggiatura per cittadini facoltosi (Villa Medici presso Firenze), e dal XVI secolo. diventa spesso residenza di grandi feudatari e di alto clero. La villa perde la sua intimità e assume il carattere di una struttura frontale-assiale frontale, aperta alla natura circostante.
La villa di Papa Giulio II è un esempio di questo tipo. La sua composizione rigorosamente assiale e rettangolare scende in cenge lungo il fianco della montagna, creando un complesso gioco di spazi aperti, semiaperti e chiusi situati in vari livelli. La composizione è influenzata dagli antichi fori romani e dalle corti vaticane.
I maestri eccezionali della scuola veneziana del tardo Rinascimento furono il Sansovino, che costruì l'edificio della Biblioteca di San Marco a Venezia (iniziata nel 1536) - una componente importante del notevole complesso del centro veneziano, e più brillante rappresentante la scuola classica del Rinascimento - l'architetto Palladio.
L'attività di Andrea Palladio (1508 - 1580) proseguì principalmente nella città di Vicenza, non lontano da Venezia, dove costruì palazzi e ville, così come a Venezia, dove costruì principalmente edifici ecclesiastici. Il suo lavoro in numerosi edifici fu una reazione alle tendenze anticlassiche del tardo Rinascimento. Nel tentativo di preservare la purezza dei principi classici, Palladio fa affidamento sulla ricca esperienza acquisita nel processo di studio del patrimonio antico. Sta cercando di far rivivere non solo forme d'ordine, ma interi elementi e persino tipi di edifici del periodo antico. Il portico dell'ordine strutturalmente veritiero diventa il tema principale di molte delle sue opere.
A Villa Rotonda , costruito vicino a Vicenza (iniziato nel 1551), il maestro raggiunse un'eccezionale integrità e armonia della composizione. Poste su un colle e ben visibili da lontano, le quattro facciate della villa porticata su tutti i lati, insieme alla cupola, formano una chiara composizione centrica.
Al centro c'è una sala rotonda a cupola, da cui le uscite conducono sotto i portici. Ampie scalinate porticate collegano l'edificio con natura circostante. La composizione centrica riflette le aspirazioni generali degli architetti rinascimentali per l'assoluta completezza della composizione, la chiarezza e la geometricità delle forme, la connessione armoniosa delle singole parti con il tutto e la fusione organica dell'edificio con la natura.
Ma questo schema di composizione "ideale" è rimasto unico. Nella realizzazione vera e propria di numerose ville, Palladio prestò maggiore attenzione allo schema cosiddetto tripartito, costituito dal volume principale e da ballatoi di ordine ad un piano che si estendevano da esso ai lati, che servivano a comunicare con i servizi della tenuta e organizzando il cortile antistante la facciata della villa. Fu questo schema di una casa di campagna che in seguito ebbe numerosi seguaci nella costruzione di palazzi padronali.
In contrasto con il libero sviluppo dei volumi delle ville di campagna, i palazzi urbani del Palladio hanno solitamente una composizione austera e laconica con un fronte principale monumentale e di grandi dimensioni. L'architetto utilizza ampiamente un grande ordine, interpretandolo come una sorta di sistema "colonna - parete". Un esempio lampante– palazzo Capitanio (1576), le cui pareti sono trattate con colonne di grande ordine composito con trabeazione possente e sciolta. Il piano superiore, ampliato sotto forma di sovrastruttura (piano sottotetto), conferiva all'edificio completezza e monumentalità,
Palladio utilizzò largamente nei suoi palazzi cittadini anche la suddivisione in due ordini delle facciate con ordini, nonché un ordine posto su un alto basamento bugnato, tecnica utilizzata prima dal Bramante e poi largamente utilizzata nell'architettura classicista.
Conclusione
L'architettura moderna, nella ricerca delle forme della propria manifestazione stilistica, non nasconde di utilizzare il patrimonio storico. Il più delle volte si riferisce a quei concetti teorici e principi di modellatura che in passato hanno raggiunto la massima purezza stilistica. A volte sembra addirittura che tutto ciò che il XX secolo ha vissuto prima stia tornando in una nuova forma e si ripeta rapidamente.
Molto di ciò che una persona ama nell'architettura fa appello non tanto a un'analisi scrupolosa delle singole parti di un oggetto, ma alla sua sintesi, immagine olistica, alla sfera percezione emotiva. Ciò significa che l'architettura è arte o, comunque, contiene elementi d'arte.
A volte l'architettura è chiamata la madre delle arti, nel senso che la pittura e la scultura si sono sviluppate per lungo tempo in un legame organico inscindibile con l'architettura. L'architetto e l'artista hanno sempre avuto molto in comune nel loro lavoro, e talvolta andavano d'accordo in una persona. L'antico scultore greco Fidia è giustamente considerato uno dei creatori del Partenone. Il grazioso campanile della cattedrale principale di Firenze, Santa Maria del Fiore, fu costruito "su disegno" del grande pittore Giotto. Michelangelo, che fu altrettanto grande come architetto, scultore e pittore. Raffaello ha anche agito con successo nel campo dell'architettura. Il loro contemporaneo, il pittore Giorgio Vasari, costruì la via degli Uffizi a Firenze. Una tale sintesi del talento dell'artista e dell'architetto si è trovata non solo tra i titani del Rinascimento, ma ha anche segnato il nuovo tempo. Gli artisti applicati, l'inglese William Morris e il belga Van de Velde, hanno dato un grande contributo allo sviluppo architettura moderna. Corbusier era un pittore di talento e Alexander Vesnin un brillante artista teatrale. Gli artisti sovietici K. Malevich e L. Lissitzky hanno sperimentato in modo interessante la forma architettonica, e il loro collega e contemporaneo Vladimir Tatlin è diventato l'autore del leggendario progetto della 111 International Tower. L'autore del famoso progetto del Palazzo dei Soviet, l'architetto B. Iofan, è giustamente considerato il coautore della scultura "Worker and Collective Farm Girl" insieme alla straordinaria artista sovietica Vera Mukhina.
La rappresentazione grafica e l'impaginazione tridimensionale sono i mezzi principali con cui l'architetto cerca e difende le sue decisioni. La scoperta della prospettiva lineare nel Rinascimento ha influenzato attivamente il concetto spaziale dell'architettura di questo tempo. In definitiva, la comprensione della prospettiva lineare ha portato al collegamento della piazza, delle scale, dell'edificio in un'unica composizione spaziale, e successivamente all'emergere di giganteschi complessi architettonici di barocco e alto classicismo. Molti anni dopo, gli esperimenti degli artisti cubisti hanno avuto una grande influenza sullo sviluppo della creazione di forme architettoniche. Hanno cercato di rappresentare il soggetto con punti diversi visione, per raggiungere la sua percezione tridimensionale sovrapponendo più immagini, per espandere le possibilità della percezione spaziale introducendo la quarta dimensione: il tempo. Questo volume di percezione è servito Punto di partenza per la ricerca formale dell'architettura moderna, che contrappone allo schermo piatto della facciata un intricato gioco di volumi e piani liberamente collocati nello spazio.
La scultura e la pittura non si sono subito indipendenti dall'architettura. All'inizio erano solo elementi di una struttura architettonica. Ci è voluto più di un secolo perché il dipinto si separasse dal muro o dall'iconostasi. Alla fine del Rinascimento, in Piazza della Signoria a Firenze, le sculture si affollano ancora timidamente intorno ai palazzi, come se temesse di rompere completamente con le facciate. Michelangelo è il primo a erigere una statua equestre al centro di Piazza del Campidoglio a Roma. L'anno è il 1546. Da allora, il monumento, la scultura monumentale acquisisce i diritti di un elemento indipendente della composizione, organizzando lo spazio urbano. È vero, la forma scultorea continua ancora per qualche tempo a vivere sulle pareti della struttura architettonica, ma queste ultime tracce del "lusso antico" scompaiono gradualmente da esse.
Corbusier afferma questa composizione dell'architettura moderna con la sua caratteristica certezza: “Non riconosco né la scultura né la pittura come decorazione. Ammetto che entrambi possono evocare emozioni profonde nello spettatore nello stesso modo in cui la musica e il teatro ti influenzano - tutto dipende dalla qualità del lavoro, ma sono decisamente contrario alla decorazione. D'altra parte, guardando un'opera architettonica, e in particolare la piattaforma su cui è eretta, vedi che certi luoghi dell'edificio stesso e attorno ad esso sono certi intensi luoghi matematici che risultano essere, per così dire, la chiave alle proporzioni dell'opera e del suo ambiente. Questi sono i luoghi della massima intensità, ed è in questi luoghi che può essere realizzato lo scopo definito dell'architetto - sia sotto forma di una piscina, o di un blocco di pietra, o di una statua. Possiamo dire che in questo luogo si riuniscono tutte le condizioni perché si pronunci un discorso, il discorso di un artista, il discorso plastico.
La storia del Rinascimento inizia nel Ancora questo periodo è chiamato Rinascimento. Il Rinascimento si è trasformato in cultura ed è diventato il precursore della cultura del New Age. E il Rinascimento finì nei secoli XVI-XVII, poiché in ogni stato ha la propria data di inizio e di fine.
Alcune informazioni generali
Rappresentanti del Rinascimento sono Francesco Petrarca e Giovanni Boccaccio. Sono diventati i primi poeti che hanno iniziato a esprimere immagini e pensieri elevati in un linguaggio franco e comune. Questa innovazione è stata accolta con il botto e diffusa in altri paesi.
Rinascimento e arte
La caratteristica del Rinascimento è che il corpo umano è diventato la principale fonte di ispirazione e oggetto di ricerca per gli artisti di questo tempo. Pertanto, l'accento è stato posto sulla somiglianza della scultura e della pittura con la realtà. Le caratteristiche principali dell'arte del periodo rinascimentale includono splendore, pennellate raffinate, giochi di ombre e luci, completezza nel processo di lavoro e composizioni complesse. Per gli artisti del Rinascimento, le immagini della Bibbia e dei miti erano le principali.
La somiglianza di una persona reale con la sua immagine su una particolare tela era così vicina che personaggio fittizio sembrava vivo. Questo non si può dire dell'arte del XX secolo.
Il Rinascimento (le sue tendenze principali sono brevemente delineate sopra) percepiva il corpo umano come un inizio senza fine. Scienziati e artisti miglioravano regolarmente le loro capacità e conoscenze studiando i corpi degli individui. A quel tempo, l'opinione prevalente era che l'uomo fosse stato creato a somiglianza e immagine di Dio. Questa affermazione rifletteva la perfezione fisica. Gli oggetti principali e importanti dell'arte rinascimentale erano gli dei.
Natura e bellezza del corpo umano
L'arte rinascimentale prestava grande attenzione alla natura. Un elemento caratteristico dei paesaggi era una vegetazione varia e rigogliosa. I cieli di una tonalità blu-blu, che erano trafitti dai raggi del sole che penetravano nelle nuvole di bianco, erano uno sfondo magnifico per le creature in volo. L'arte rinascimentale venerava la bellezza del corpo umano. Questa caratteristica si manifestava negli elementi raffinati dei muscoli e del corpo. Posture difficili, espressioni facciali e gesti, ben coordinati e chiari palette dei colori caratteristica del lavoro di scultori e scultori del periodo rinascimentale. Questi includono Tiziano, Leonardo da Vinci, Rembrandt e altri.
Sergej Khromov
Sebbene nessuna città ideale fosse incarnata nella pietra, le loro idee trovarono vita nelle vere città del Rinascimento...
Cinque secoli ci separano dal periodo in cui gli architetti affrontarono per la prima volta i temi della ricostruzione della città. E queste stesse domande sono acute per noi oggi: come creare nuove città? Come ricostruire quelli vecchi - per adattarli a gruppi separati o demolire e ricostruire tutto? E, soprattutto, quale idea posare in una nuova città?
I maestri del Rinascimento incarnavano quelle idee che avevano già risuonato cultura antica e filosofia: idee di umanesimo, armonia della natura e dell'uomo. Le persone si rivolgono di nuovo al sogno di Platone di uno stato ideale e città ideale. La nuova immagine della città nasce anzitutto come immagine, come formula, come idea, che è un'audace rivendicazione di futuro - come tante altre invenzioni del Quattrocento italiano.
La costruzione della teoria della città era strettamente connessa con lo studio del patrimonio dell'antichità e, soprattutto, l'intero trattato "Dieci libri sull'architettura" di Marco Vitruvio (seconda metà del I secolo a.C.), architetto e ingegnere nell'esercito di Giulio Cesare. Questo trattato fu scoperto nel 1427 in una delle abbazie. L'autorità di Vitruvio fu sottolineata da Alberti, Palladio, Vasari. Il più grande conoscitore di Vitruvio fu Daniele Barbaro, che nel 1565 pubblicò il suo trattato con i suoi commenti. In un'opera dedicata all'imperatore Augusto, Vitruvio riassunse l'esperienza dell'architettura e dell'urbanistica in Grecia ea Roma. Considerò le già classiche questioni della scelta di un'area favorevole alla fondazione della città, della collocazione delle principali piazze e strade cittadine, della tipologia degli edifici. Da un punto di vista estetico, Vitruvio consigliava l'adesione all'ordinamento (seguendo gli ordini architettonici), una pianificazione ragionevole, osservando l'uniformità del ritmo e dell'ordine, la simmetria e la proporzionalità, la conformità della forma allo scopo e la distribuzione delle risorse. |
Nell'urbanistica del Rinascimento, teoria e pratica si sviluppano parallelamente. Si costruiscono nuovi edifici e si ricostruiscono quelli vecchi, insiemi architettonici e contemporaneamente scritti trattati di architettura, pianificazione e fortificazione delle città. Tra questi ci sono le famose opere di Alberti e Palladio, schemi delle città ideali di Filarete, Scamozzi e altri. L'idea degli autori è molto più avanti delle esigenze della costruzione pratica: non descrivono progetti finiti, in base al quale è possibile pianificare una città specifica e un'idea rappresentata graficamente, il concetto di città. Si ragiona sull'ubicazione della città dal punto di vista economico, igienico, difensivo, estetico. Sono in corso ricerche per planimetrie ottimali di aree residenziali e centri urbani, giardini e parchi. Vengono studiate questioni di composizione, armonia, bellezza, proporzione. In queste costruzioni ideali, la pianificazione della città è caratterizzata da razionalismo, chiarezza geometrica, composizione centrica e armonia tra il tutto e le parti. E, infine, ciò che distingue l'architettura del Rinascimento dalle altre epoche è la persona che sta al centro, al centro di tutte queste costruzioni. L'attenzione alla persona umana era così grande che anche strutture architettoniche paragonato corpo umano come standard di perfette proporzioni e bellezza.
Teoria
Negli anni '50 del XV sec. Appare il trattato "Dieci libri sull'architettura" di Leon Alberti. Fu, infatti, il primo lavoro teorico nuova era su questo tema. Si occupa di molte questioni di pianificazione urbana, che vanno dalla selezione del sito e dall'urbanistica alla tipologia e all'arredamento degli edifici. Di particolare interesse sono i suoi argomenti sulla bellezza. Alberti scriveva che "la bellezza è un'armonia strettamente proporzionata di tutte le parti, unite da ciò a cui appartengono - tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorarlo". L'Alberti, infatti, fu il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano rinascimentale, legando l'antico senso delle proporzioni con l'inizio razionalista di una nuova era. Il dato rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio ad esso antistante (da 1:3 a 1:6), la coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari, l'equilibrio della composizione e l'assenza di contrasti dissonanti: questi sono i principi estetici degli urbanisti rinascimentali.
La città ideale ha entusiasmato molti grandi personaggi dell'epoca. Ho pensato a lui e a Leonardo da Vinci. La sua idea era quella di creare una città a due livelli: il livello superiore era destinato a strade pedonali e di superficie, e quello inferiore a gallerie e canali collegati con i sotterranei delle case, attraverso i quali si muove il trasporto merci. Noto per i suoi piani per la ricostruzione di Milano e Firenze, nonché per il progetto di una città del fuso.
Un altro importante teorico della città fu Andrea Palladio. Nel suo trattato "Quattro libri sull'architettura" riflette sull'integrità dell'organismo urbano e sul rapporto dei suoi elementi spaziali. Dice che "la città non è altro che un certo grande casa, e viceversa, la casa è una specie di cittadina. A proposito dell'insieme urbano scrive: "La bellezza è il risultato di una bella forma e della corrispondenza del tutto alle parti, delle parti tra loro e anche delle parti al tutto". Un posto di rilievo nel trattato è dato all'interno degli edifici, alle loro dimensioni e proporzioni. Palladio sta cercando di collegare organicamente lo spazio esterno delle strade con l'interno delle case e dei cortili.
Verso la fine del XVI secolo. molti teorici sono stati attratti dalle questioni dello spazio commerciale e delle fortificazioni. Così, Giorgio Vasari Jr. nella sua città ideale presta molta attenzione allo sviluppo di piazze, gallerie commerciali, logge, palazzi. E nei progetti di Vincenzo Scamozzi e Buanayuto Lorrini, i temi dell'arte della fortificazione occupano un posto significativo. Questa fu una risposta all'ordine del tempo: con l'invenzione di proiettili esplosivi, le mura e le torri della fortezza furono sostituite da bastioni di terra, portati fuori dai confini della città, e la città iniziò ad assomigliare a una stella a più raggi nei suoi contorni . Queste idee furono incarnate nella fortezza di Palmanova effettivamente costruita, la cui creazione è attribuita a Scamozzi.
Pratica
Sebbene non una sola città ideale fosse incarnata nella pietra, ad eccezione delle piccole città fortezza, molti dei principi della sua costruzione furono incarnati nella realtà già nel XVI secolo. A quel tempo, in Italia e in altri paesi, furono posate strade larghe e diritte che collegavano elementi importanti dell'insieme urbano, furono create nuove piazze, ricostruite quelle vecchie e successivamente apparvero parchi e complessi di palazzi con una struttura regolare.
| Città Ideale di Antonio Filarete La città era a pianta stellare ottagonale, formata dall'intersezione ad angolo di 45° di due quadrati uguali con un lato di 3,5 km. Nelle sporgenze della stella c'erano otto torri rotonde e nelle "tasche" - otto porte della città. Le porte e le torri erano collegate al centro da strade radiali, alcune delle quali erano canali di navigazione. Nella parte centrale della città, su un'altura, si trovava la piazza principale, a pianta rettangolare, sui cui lati corti doveva esserci palazzo principesco e la cattedrale cittadina, e lungo quelle lunghe - istituzioni giudiziarie e cittadine. Al centro della piazza c'era uno stagno e una torre di avvistamento. Altri due erano attigui alla piazza principale, con le case dei più eminenti abitanti della città. Altre sedici piazze erano situate all'incrocio delle strade radiali con la circonvallazione: otto commerciali e otto per centri parrocchiali e chiese. |
Nonostante il fatto che l'arte del Rinascimento fosse sufficientemente contraria all'arte del Medioevo, si inseriva facilmente e organicamente nelle città medievali. Nelle loro attività pratiche, gli architetti del Rinascimento usavano il principio di "costruirne uno nuovo senza distruggere il vecchio". Riuscirono a creare insiemi sorprendentemente armoniosi non solo da edifici dello stesso stile, come si può vedere nelle piazze dell'Annuziata a Firenze (progettate da Filippo Brunelleschi) e del Campidoglio a Roma (progettate da Michelangelo), ma anche a combinare edifici di tempi diversi in un'unica composizione. Così, sulla piazza di S. Marco a Venezia, gli edifici medievali sono combinati in un insieme architettonico e spaziale con i nuovi edifici del XVI secolo. E a Firenze, da piazza della Signoria con il medievale Palazzo Vecchio, segue armoniosamente via degli Uffizi, disegnata da Giorgio Vasari. Inoltre, l'insieme della Cattedrale fiorentina di Santa Maria del Fiore (ricostruzione di Brunelleschi) ne combina perfettamente tre stile architettonico: romanico, gotico e rinascimentale.
La città del Medioevo e la città del Rinascimento
La città ideale del Rinascimento è apparsa come una sorta di protesta contro il Medioevo, espressa nello sviluppo di antichi principi urbanistici. A differenza della città medievale, percepita come una sorta, seppur imperfetta, somiglianza della "Gerusalemme celeste", incarnazione di un piano non umano, ma divino, la città del Rinascimento è stata creata da un creatore umano. L'uomo non si è limitato a copiare ciò che già esisteva, ha creato qualcosa di più perfetto e lo ha fatto secondo la "matematica divina". La città del Rinascimento è stata creata per l'uomo e doveva corrispondere all'ordine terreno del mondo, alla sua reale struttura sociale, politica e quotidiana.
La città medievale è circondata da possenti mura, recintata dal mondo, le sue case sono più simili a fortezze con poche feritoie. La città del Rinascimento è aperta, non si difende dal mondo esterno, lo controlla, lo soggioga. I muri degli edifici, delimitando, uniscono gli spazi di strade e piazze con cortili e stanze. Sono permeabili: hanno molte aperture, portici, colonnati, passi carrai, finestre.
Se la città medievale è la collocazione dei volumi architettonici, allora la città del Rinascimento è in misura maggiore la distribuzione degli spazi architettonici. Il centro della città nuova non è l'edificio della cattedrale o del municipio, ma lo spazio libero della piazza principale, aperto sia in alto che ai lati. Entrano nell'edificio ed escono sulla strada e sulla piazza. E se la città medievale è compositivamente attratta dal suo centro - è centripeta, allora la città del Rinascimento è centrifuga - è diretta verso mondo esterno.
| La città ideale di Platone In pianta, la parte centrale della città era un'alternanza di anelli d'acqua e di terra. L'anello d'acqua esterno era collegato al mare da un canale lungo 50 stadi (1 stadia - ca. 193 m). Gli anelli di terra che separavano gli anelli d'acqua avevano canali sotterranei vicino ai ponti adatti al passaggio delle navi. Il più grande anello d'acqua di circonferenza era largo tre stadi, così come quello di terra che lo seguiva; i due anelli successivi, acqua e terra, erano larghi due stadi; infine, l'anello d'acqua che circondava l'isola situata al centro era largo uno stadio. |
La città medievale segue il paesaggio naturale, utilizzandolo per i propri scopi. La città del Rinascimento è piuttosto un'opera d'arte, un "gioco di geometrie". L'architetto modifica il terreno sovrapponendovi una griglia geometrica di spazi disegnati. Una tale città ha una forma chiara: un cerchio, un quadrato, un ottagono, una stella; anche i fiumi vi si raddrizzano.
La città medievale è verticale. Qui tutto è diretto verso l'alto, verso il cielo, lontano e inaccessibile. La città del Rinascimento è orizzontale, la cosa principale qui è la prospettiva, l'aspirazione in lontananza, verso nuovi orizzonti. Per una persona medievale, il cammino verso il Cielo è un'ascensione, realizzabile attraverso il pentimento e l'umiltà, la rinuncia a tutto ciò che è terreno. Per le persone del Rinascimento, questa è un'ascesa attraverso l'acquisizione della propria esperienza e la comprensione delle leggi divine.
Il sogno di una città ideale ha dato slancio alle ricerche creative di molti architetti non solo del Rinascimento, ma anche di epoche successive, ha guidato e illuminato il cammino verso l'armonia e la bellezza. La città ideale esiste sempre all'interno della città reale, tanto diversa da essa quanto il mondo del pensiero dal mondo dei fatti, come il mondo dell'immaginazione dal mondo della fantasia. E se sai sognare come facevano i maestri del Rinascimento, allora puoi vedere questa città: la Città del Sole, la Città dell'Oro.
L'articolo originale è sul sito della rivista "Nuova Acropoli".
Viene aperta l'architettura italiana del primo Rinascimento (Quattrocento). nuovo periodo nello sviluppo dell'architettura europea, abbandonando il dominante in Europa arte gotica e approvando nuovi principi basati sul sistema degli ordini.
Durante questo periodo, la filosofia, l'arte e la letteratura antiche furono studiate intenzionalmente e consapevolmente. Così, l'antichità si è stratificata sulle forti tradizioni secolari del Medioevo, in particolare sull'arte cristiana, per cui la natura specificamente complessa della cultura del Rinascimento si basa sulla trasformazione e sull'intreccio di soggetti pagani e cristiani.
Il Quattrocento è il tempo delle ricerche sperimentali, quando non l'intuizione, come nell'era del Proto-Rinascimento, ma venne alla ribalta l'esatta conoscenza scientifica. Ora l'arte ha svolto il ruolo di conoscenza universale del mondo circostante, di cui sono stati scritti molti trattati scientifici del XV secolo.
Il primo teorico dell'architettura e della pittura fu Leon Batista Alberti, che sviluppò la teoria della prospettiva lineare, basata sulla vera immagine nell'immagine della profondità dello spazio. Questa teoria ha costituito la base di nuovi principi di architettura e pianificazione urbana volti a creare una città ideale.
I maestri del Rinascimento iniziarono a rivolgersi nuovamente al sogno di Platone di una città ideale e di uno stato ideale e incarnarono quelle idee che erano già le principali nella cultura e nella filosofia antiche: le idee di armonia tra uomo e natura, le idee dell'umanesimo. Quindi, la nuova immagine della città ideale era inizialmente una certa formula, un'idea, un'audace rivendicazione per il futuro.
La teoria e la pratica dell'urbanistica rinascimentale si svilupparono parallelamente. Furono ricostruiti vecchi edifici, ne furono costruiti di nuovi, mentre contemporaneamente furono scritti trattati di architettura, fortificazione e riqualificazione delle città. Gli autori dei trattati (Alberti e Palladio) erano molto avanti rispetto alle esigenze della costruzione pratica, non descrivendo progetti finiti, ma presentando un concetto raffigurato graficamente, l'idea di una città ideale. Hanno anche ragionato su come dovrebbe essere collocata la città in termini di difesa, economia, estetica e igiene.
L'Alberti fu infatti il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano ideale del Rinascimento, sviluppato sintetizzando l'antico senso delle proporzioni e l'approccio razionalistico della nuova era. Quindi, i principi estetici degli urbanisti rinascimentali erano:
- coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari;
- il rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio antistante (da 1:3 a 1:6);
- mancanza di contrasti dissonanti;
- equilibrio compositivo.
La città ideale è stata molto eccitante per molti dei grandi maestri del Rinascimento. Ci ha pensato anche Leonardo da Vinci, la cui idea era quella di creare una città a due livelli, dove il trasporto delle merci si muoveva lungo il livello inferiore, e le strade di terra e pedonali si trovavano nel livello superiore. I piani di Da Vinci erano anche associati alla ricostruzione di Firenze e Milano, nonché alla stesura della città del fuso.
Alla fine del XVI secolo, molti teorici dell'urbanistica erano sconcertati dalla questione delle strutture difensive e delle aree commerciali. Così, le torri e le mura della fortezza furono sostituite da bastioni di terra, che furono portati fuori dai confini della città, grazie ai quali, nei loro contorni, le città iniziarono ad assomigliare a una stella a più raggi.
E sebbene nessuna città ideale sia stata costruita in pietra (ad eccezione delle piccole città fortezza), molti principi per costruire una città del genere divennero realtà già nel XVI secolo, quando in Italia e in molti altri paesi iniziarono a posare strade larghe e diritte collegati elementi importanti dell'insieme urbano.
