Bertolt Brecht: biografia, vita personale, famiglia, creatività e migliori libri. Biografia di Brecht Berthold Le commedie più famose

Ogni persona che è almeno un po 'interessata al teatro, anche se non è ancora un sofisticato frequentatore di teatro, conosce il nome Bertold Brecht. Occupa un posto d'onore tra le figure teatrali eccezionali e la sua influenza sul teatro europeo può essere paragonata all'influenza di K. Stanislavsky E V. Nemirovich-Danchenko in russo. Riproduce Bertold Brecht sono messi ovunque e la Russia non fa eccezione.

Bertold Brecht. Fonte: http://www.lifo.gr/team/selides/55321

Cos'è il "teatro epico"?

Bertold Brecht- non solo drammaturgo, scrittore, poeta, ma anche fondatore della teoria teatrale - "teatro epico". Me stessa Brecht si oppose al sistema psicologico» teatro, il cui fondatore è K.Stanislavskij. Criterio basilare "teatro epico" era una combinazione di dramma ed epico, che contraddiceva la comprensione generalmente accettata dell'azione teatrale, basata, secondo l'opinione di Brecht, solo sulle idee di Aristotele. Per Aristotele, questi due concetti erano incompatibili sullo stesso palcoscenico; il dramma avrebbe dovuto immergere completamente lo spettatore nella realtà dello spettacolo, evocare forti emozioni e fargli vivere acutamente gli eventi insieme agli attori, che avrebbero dovuto abituarsi al ruolo e, per raggiungere l'autenticità psicologica, isolarsi sul palco dal pubblico (in cui, secondo Stanislavskij, sono stati aiutati dal condizionale "quarto muro" da cui separavano gli attori auditorium). Infine, per il teatro psicologico era necessario un restauro completo e dettagliato dell'entourage.

Brecht al contrario, credeva che un simile approccio spostasse l'attenzione in misura maggiore solo sull'azione, distogliendo dall'essenza. Bersaglio " teatro epico"- per costringere lo spettatore ad astrarre e iniziare a valutare e analizzare criticamente ciò che sta accadendo sul palco. Leone Feuchtwanger ha scritto:

"Secondo Brecht, il punto è che lo spettatore non presta più attenzione al "cosa", ma solo al "come" ... Secondo Brecht, il punto è che la persona nell'auditorium contempla solo gli eventi sul palco, sforzandosi il più possibile di imparare e ascoltare di più. Lo spettatore deve osservare il corso della vita, trarre le conclusioni appropriate dall'osservazione, rifiutarle o essere d'accordo: deve interessarsi, ma, Dio non voglia, semplicemente non emozionarsi. Deve trattare il meccanismo degli eventi allo stesso modo del meccanismo di un veicolo a motore.

Effetto alienazione

Per "teatro epico" era importante" effetto di alienazione". Me stessa Bertold Brecht ha detto che era necessario “semplicemente privare un evento o un personaggio di tutto ciò che va da sé, è familiare, ovviamente, e suscita sorpresa e curiosità su questo evento”, che dovrebbe formare la capacità dello spettatore di percepire criticamente l'azione.

attori

Brecht abbandonato il principio che l'attore dovrebbe abituarsi il più possibile al ruolo, inoltre, l'attore doveva esprimere la propria posizione rispetto al suo personaggio. Nel suo rapporto (1939) Brecht ha argomentato questa posizione come segue:

“Se si stabiliva un contatto tra il palco e il pubblico sulla base dell'empatia, lo spettatore poteva vedere esattamente quanto vedeva l'eroe in cui era empatico. E in relazione a certe situazioni sul palco, poteva provare sentimenti tali che lo "stato d'animo" sul palco si risolveva.

Scena

Di conseguenza, il design della scena doveva funzionare per l'idea; Brecht ha rifiutato di ricreare fedelmente l'entourage, percependo il palcoscenico come uno strumento. L'artista era ora richiesto razionalismo minimalista, lo scenario doveva essere condizionato e presentare allo spettatore la realtà rappresentata solo in termini generali. Gli schermi sono stati utilizzati per mostrare titoli e cinegiornali, che hanno anche impedito "l'immersione" nello spettacolo; a volte lo scenario veniva cambiato proprio davanti al pubblico, senza abbassare il sipario, distruggendo deliberatamente l'illusione scenica.

Musica

Per implementare l '"effetto di alienazione" Brecht utilizzato anche nelle sue esibizioni numeri musicali- nel "teatro epico" la musica completava la recitazione e svolgeva la stessa funzione - espressione di atteggiamento critico nei confronti di ciò che sta accadendo sul palco. Innanzitutto, a tale scopo, zong. Questi inserti musicali sembravano volutamente uscire dall'azione, erano usati fuori luogo, ma questa tecnica enfatizzava l'incoerenza solo con la forma, e non con il contenuto.

Influenza sul teatro russo oggi

Come già notato, gioca Bertold Brecht sono ancora apprezzati da registi di ogni genere e oggi i teatri di Mosca offrono un'ampia selezione e ti consentono di osservare l'intero spettro del talento del drammaturgo.

Quindi, a maggio 2016, la prima dello spettacolo "Madre Coraggio" nel teatro Officina di Peter Fomenko. Il gioco è basato su “Madre Coraggio e i suoi figli”, che Brecht iniziò a scrivere alla vigilia della seconda guerra mondiale, concepita così come monito. Tuttavia, il drammaturgo terminò il lavoro nell'autunno del 1939, quando la guerra era già iniziata. Dopo Brecht scriverò:

"Gli scrittori non possono scrivere così velocemente come i governi scatenano le guerre: dopotutto, per comporre, devi pensare ... "Madre Coraggio e i suoi figli" - in ritardo"

Quando si scrive un'opera teatrale, fonti di ispirazione Brecht servito due opere - la storia " Una biografia dettagliata e sorprendente del famigerato bugiardo e vagabondo Courage”, scritto nel 1670 G. von Grimmelshausen, un partecipante alla Guerra dei Trent'anni, e " I racconti del guardiamarina Stol» JL Runeberg. L'eroina della commedia, una mensa, usa la guerra come un modo per arricchirsi e non prova alcun sentimento nei confronti di questo evento. Coraggio si prende cura dei suoi figli, che, al contrario, rappresentano le migliori qualità umane che mutano nelle condizioni di guerra e condannano tutti e tre alla morte. " Milf Coraggio" non solo incarnava le idee del "teatro epico", ma divenne anche la prima produzione del teatro " Ensemble berlinese» (1949), creato Brecht.

Produzione dello spettacolo "Mother Courage" al Teatro Fomenko. Fonte foto: http://fomenko.theatre.ru/performance/courage/

IN farli teatro. Majakovskij la prima dello spettacolo ha avuto luogo nell'aprile 2016 "Cerchio di gesso caucasico" Di commedia omonima Brecht. La commedia è stata scritta in America nel 1945. Ernst Schumacher, biografo Bertold Brecht, ha suggerito che scegliendo la Georgia come teatro dell'azione, il drammaturgo, per così dire, ha reso omaggio al ruolo dell'Unione Sovietica nella seconda guerra mondiale. C'è una citazione nell'epigrafe dell'opera:

"I tempi difficili rendono l'umanità un pericolo per l'uomo"

Il gioco è basato sulla parabola biblica del re Salomone e due madri che discutono su quale figlio (anche, secondo i biografi, su Brecht influenzato dal gioco cerchio di gesso» Clabunda, che a sua volta era basato su Leggenda cinese). L'azione si svolge sullo sfondo della seconda guerra mondiale. In questo lavoro Brecht solleva la domanda, quanto vale una buona azione?

Come notano i ricercatori, questa commedia è un esempio della combinazione "corretta" di epica e dramma per il "teatro epico".

Produzione dello spettacolo "Caucasian Chalk Circle" al Teatro Mayakovsky. Fonte foto: http://www.wingwave.ru/theatre/theaterphoto.html

Forse il più famoso in Russia produzione de "Il buon uomo di Sezuan"(« Brav'uomo del Sichuan"") - messa in scena Yuri Lyubimov nel 1964 a Teatro su Taganka, con cui iniziò l'era della prosperità per il teatro. Oggi l'interesse di registi e spettatori per lo spettacolo non è scomparso, lo spettacolo Lyubimov ancora sul palco Teatro Pushkin puoi vedere la versione Yuri Butusov. Questa commedia è considerata uno degli esempi più eclatanti di " teatro epico". Come la Georgia dentro Cerchio di gesso caucasico”, La Cina qui è una specie di paese da favola condizionale molto distante. E in questo mondo condizionale, l'azione si svolge: gli dei scendono dal cielo alla ricerca di una brava persona. Questa è una commedia sulla gentilezza. Brecht credeva che questa fosse una qualità innata e che si riferisse a un insieme specifico di qualità che possono essere espresse solo simbolicamente. Questa commedia è una parabola e qui l'autore pone domande allo spettatore, cos'è la gentilezza nella vita, come si incarna e può essere assoluta, o c'è una dualità della natura umana?

Produzione dell'opera teatrale di Brecht "The Kind Man from Sichuan" nel 1964 al Teatro Taganka. Fonte foto: http://tagankateatr.ru/repertuar/sezuan64

Uno dei giochi più famosi Brecht, « Opera da tre soldi", ambientato nel 2009 Kirill Serebrennikov al Moscow Art Theatre intitolato a Cechov. Il regista ha sottolineato che stava mettendo in scena uno zong, un'opera e che stava preparando lo spettacolo da due anni. Questa è la storia di un bandito chiamato Makki- un coltello, l'azione si svolge nell'Inghilterra vittoriana. All'azione prendono parte mendicanti, poliziotti, banditi e prostitute. Nelle parole di Brecht, nella commedia ha ritratto la società borghese. Basato sull'opera ballata Opera dei mendicanti» Giovanni Gay. Brecht ha detto che il compositore ha partecipato alla scrittura della sua opera Kurt Weill. Ricercatore W.Hecht Confrontando queste due opere, ha scritto:

“Gay rivolgeva critiche mascherate a oltraggi evidenti, Brecht sottoponeva critiche esplicite a oltraggi mascherati. Gay spiegava la bruttezza con i vizi umani, Brecht, al contrario, i vizi con le condizioni sociali.

Particolarità " L'opera da tre soldi nella sua musicalità. Gli Zong della performance divennero incredibilmente popolari e nel 1929 fu persino pubblicata una raccolta a Berlino, e successivamente eseguita da molte star mondiali dell'industria musicale.

Messa in scena dello spettacolo "Tekhgroshova Opera" nel Moscow Art Theatre intitolato ad A.P. Cechov. Fonte foto: https://m.lenta.ru/photo/2009/06/12/opera

Bertold Brecht era alle origini di un teatro completamente nuovo, dove l'obiettivo principale dell'autore e degli attori non è influenzare le emozioni dello spettatore, ma la sua mente: costringere lo spettatore a non essere un partecipante, entrare in empatia con ciò che sta accadendo, sinceramente credendo nella realtà dell'azione scenica, ma un calmo contemplatore che comprende chiaramente la differenza tra la realtà e l'illusione della realtà. Lo spettatore del teatro drammatico piange con chi piange e ride con chi ride, mentre lo spettatore del teatro epico Brecht

Brecht, Bertolt (Brecht), (1898-1956), uno dei più famosi drammaturghi tedeschi, poeta, teorico dell'arte, regista. Nato il 10 febbraio 1898 ad Augusta nella famiglia di un direttore di fabbrica. Ha studiato presso la facoltà di medicina dell'Università di Monaco. Anche negli anni del ginnasio iniziò a studiare la storia dell'antichità e della letteratura. Autore un largo numero spettacoli che sono stati messi in scena con successo sul palcoscenico di molti teatri in Germania e nel mondo: "Baal", "Drumbeat in the Night" (1922), "Cos'è questo soldato, cos'è questo" (1927), "L'opera da tre soldi" (1928), "Parlare "sì" e dire "no" (1930), "Orazio e Curiazia" (1934) e molti altri. Ha sviluppato la teoria del "teatro epico". Nel 1933, dopo che Hitler salì al potere, Brecht emigrato; nel 1933-47 visse in Svizzera, Danimarca, Svezia, Finlandia, USA In esilio creò un ciclo di scene realistiche "Paura e disperazione nel Terzo Reich" (1938), il dramma "I fucili di Teresa Carrar (1937 ), il dramma-parabola" The Good Man from Cezuan "(1940)," The Career of Arturo Hui" (1941), "The Caucasian Chalk Circle" (1944), i drammi storici "Mother Courage and Her Children" (1939 ), "La vita di Galileo" (1939) e altri.Ritornato in patria nel 1948, organizzò un teatro a Berlino Berliner Ensemble. Brecht morì a Berlino il 14 agosto 1956.

Brecht Bertolt (1898/1956) - Scrittore, regista tedesco. La maggior parte delle commedie create da Brecht sono piene di uno spirito umanistico e antifascista. Molte delle sue opere sono entrate nel tesoro della cultura mondiale: The Threepenny Opera, Mother Courage and Her Children, The Life of Galileo, The Good Man from Cezuan, ecc.

Guryeva t.n. Nuovo dizionario letterario / T.N. Guriev. - Rostov n / a, Fenice, 2009, pag. 38.

Bertolt Brecht (1898-1956) nacque ad Augsburg, figlio di un direttore di fabbrica, studiò al ginnasio, praticò medicina a Monaco e fu arruolato nell'esercito come infermiere. Le canzoni e le poesie del giovane inserviente attiravano l'attenzione con lo spirito di odio per la guerra, per l'esercito prussiano, per l'imperialismo tedesco. Nei giorni rivoluzionari del novembre 1918, Brecht fu eletto membro del Consiglio dei soldati di Augusta, che testimoniava l'autorità di un poeta ancora giovane.

Già nelle prime poesie di Brecht, vediamo una combinazione di slogan accattivanti progettati per la memorizzazione istantanea e immagini complesse che evocano associazioni con la letteratura tedesca classica. Queste associazioni non sono imitazioni, ma un ripensamento inaspettato di vecchie situazioni e tecniche. Brecht sembra trasferirli nella vita moderna, li fa guardare in un modo nuovo, "alienato". Così, già nei primi testi, Brecht cerca a tentoni il suo famoso espediente drammatico di "alienazione". Nella poesia "La leggenda del soldato morto", le tecniche satiriche ricordano le tecniche del romanticismo: un soldato che va in battaglia contro il nemico è stato a lungo solo un fantasma, le persone che lo salutano sono filistei che letteratura tedesca da tempo disegna sotto forma di animali. E allo stesso tempo, la poesia di Brecht è attuale: contiene intonazioni, immagini e odio per i tempi della prima guerra mondiale. Brecht stigmatizza il militarismo e la guerra tedeschi nella poesia del 1924 "La ballata di una madre e di un soldato"; il poeta capisce che la Repubblica di Weimar è ben lungi dallo sradicare il pan-germanismo militante.

Durante gli anni della Repubblica di Weimar mondo poetico Brecht si espande. La realtà appare negli sconvolgimenti di classe più acuti. Ma Brecht non si accontenta di ricreare semplicemente immagini di oppressione. Le sue poesie sono sempre un appello rivoluzionario: tali sono "The Song of the United Front", "The Faded Glory of New York, the Giant City", "The Song of the Class Enemy". Queste poesie mostrano chiaramente come, alla fine degli anni '20, Brecht giunga a una visione del mondo comunista, come la sua spontanea ribellione giovanile si trasformi in rivoluzionaria proletaria.

I testi di Brecht sono molto ampi nella loro gamma, il poeta può catturare il quadro reale della vita tedesca in tutta la sua concretezza storica e psicologica, ma può anche creare un poema meditativo, dove l'effetto poetico si ottiene non dalla descrizione, ma dall'accuratezza e la profondità del pensiero filosofico, combinato con un'allegoria squisita, per niente inverosimile. Per Brecht, la poesia è soprattutto l'accuratezza del pensiero filosofico e civile. Brecht considerava poesia anche trattati filosofici o paragrafi di giornali proletari pieni di pathos civile (ad esempio, lo stile del poema "Messaggio al compagno Dimitrov, che ha combattuto il tribunale fascista a Lipsia" è un tentativo di portare il linguaggio della poesia e giornali insieme). Ma questi esperimenti alla fine convinsero Brecht che l'arte dovrebbe parlare della vita quotidiana in un linguaggio tutt'altro che quotidiano. In questo senso Brecht il paroliere ha aiutato Brecht il drammaturgo.

Negli anni '20 Brecht si dedicò al teatro. A Monaco diventa regista e poi drammaturgo nel teatro cittadino. Nel 1924 Brecht si trasferì a Berlino, dove lavorò in teatro. Agisce contemporaneamente come drammaturgo e come teorico - un riformatore teatrale. Già in questi anni l'estetica di Brecht, la sua visione innovativa dei compiti della drammaturgia e del teatro, prendeva forma nei suoi tratti decisivi. Brecht ha espresso le sue opinioni teoriche sull'arte negli anni '20 in articoli e discorsi separati, successivamente riuniti nella raccolta Contro la routine teatrale e In cammino verso il teatro moderno. Successivamente, negli anni '30, Brecht sistematizzò la sua teoria teatrale, affinandola e sviluppandola, nei trattati Sul dramma non aristotelico, Nuovi principi della recitazione, Il piccolo organo per il teatro, L'acquisto del rame e alcuni altri.

Brecht definisce la sua estetica e drammaturgia teatro "epico", "non aristotelico"; con questa denominazione sottolinea il suo disaccordo con il principio più importante, secondo Aristotele, della tragedia antica, successivamente adottato in misura maggiore o minore dall'intera tradizione teatrale mondiale. Il drammaturgo si oppone alla dottrina aristotelica della catarsi. La catarsi è una straordinaria, suprema tensione emotiva. Questo lato della catarsi che Brecht riconobbe e conservò per il suo teatro; forza emotiva, pathos, manifestazione aperta di passioni che vediamo nelle sue opere. Ma la purificazione dei sentimenti nella catarsi, secondo Brecht, ha portato alla riconciliazione con la tragedia, l'orrore della vita è diventato teatrale e quindi attraente, allo spettatore non dispiacerebbe nemmeno sperimentare qualcosa del genere. Brecht ha costantemente cercato di dissipare le leggende sulla bellezza della sofferenza e della pazienza. Nella Vita di Galileo scrive che gli affamati non hanno il diritto di sopportare la fame, che "morire di fame" è semplicemente non mangiare e non mostrare pazienza, gradito al cielo. Brecht voleva che la tragedia stimolasse la riflessione sui modi per prevenire la tragedia. Pertanto, ha considerato il difetto di Shakespeare che nelle rappresentazioni delle sue tragedie è impensabile, ad esempio, "una discussione sul comportamento di Re Lear" e sembra che il dolore di Lear sia inevitabile: "è sempre stato così, è naturale ."

L'idea di catarsi, generata dal dramma antico, era strettamente connessa con il concetto della fatale predestinazione del destino umano. I drammaturghi, con la forza del loro talento, hanno rivelato tutte le motivazioni del comportamento umano, nei momenti di catarsi, come un fulmine, hanno illuminato tutte le ragioni delle azioni umane, e il potere di queste ragioni si è rivelato assoluto. Ecco perché Brecht definì fatalistico il teatro aristotelico.

Brecht vedeva una contraddizione tra il principio della reincarnazione nel teatro, il principio della dissoluzione dell'autore nei personaggi, e la necessità di un'identificazione diretta, agitata e visiva del pensiero filosofico e posizione politica scrittore. Anche nei più riusciti e tendenziosi miglior senso parole nei drammi tradizionali, la posizione dell'autore, secondo Brecht, era associata alle figure dei ragionatori. Questo era anche il caso dei drammi di Schiller, che Brecht apprezzava molto per la sua cittadinanza e il suo pathos etico. Il drammaturgo credeva giustamente che i personaggi dei personaggi non dovessero essere “portavoci di idee”, che ciò riduce l'efficacia artistica dell'opera: “... sul palcoscenico di un teatro realistico c'è posto solo per le persone viventi, le persone in carne e sangue, con tutte le loro contraddizioni, passioni e azioni. Il palcoscenico non è un erbario o un museo dove si espongono effigi imbalsamate…”

Brecht trova la sua soluzione a questa controversa questione: la rappresentazione teatrale, l'azione scenica non coincide con la trama dell'opera. La trama, la storia dei personaggi è interrotta da commenti diretti dell'autore, divagazioni liriche e talvolta anche da dimostrazioni di esperimenti fisici, lettura di giornali e un intrattenitore peculiare, sempre attuale. Brecht rompe l'illusione di un continuo sviluppo degli eventi nel teatro, distrugge la magia della riproduzione scrupolosa della realtà. Il teatro è creatività genuina, che supera di gran lunga la mera plausibilità. La creatività per Brecht e il gioco degli attori, per i quali solo il "comportamento naturale nelle circostanze offerte" è del tutto insufficiente. Sviluppando la sua estetica, Brecht utilizza tradizioni dimenticate nel teatro psicologico quotidiano della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, introduce cori e zong di cabaret politici contemporanei, divagazioni liriche caratteristiche di poesie e trattati filosofici. Brecht consente un cambiamento nel commento all'inizio quando riprende le sue opere: a volte ha due versioni di zong e cori per la stessa trama (ad esempio, gli zong nelle produzioni dell'Opera da tre soldi nel 1928 e nel 1946 sono diversi).

Brecht considerava l'arte del travestimento indispensabile, ma del tutto insufficiente per un attore. Molto più importante, credeva nella capacità di mostrare, dimostrare la sua personalità sul palco, sia civilmente che creativamente. Nel gioco la reincarnazione deve necessariamente alternarsi, essere abbinata alla dimostrazione di dati artistici (recitazioni, plastiche, canto), interessanti proprio per la loro originalità, e, soprattutto, con la dimostrazione della cittadinanza personale dell'attore, della sua umana credo.

Brecht credeva che una persona conservasse la capacità di libera scelta e decisione responsabile nelle circostanze più difficili. Questa convinzione del drammaturgo manifestava la fede nell'uomo, una profonda convinzione che la società borghese, con tutto il potere della sua influenza corruttrice, non può rimodellare l'umanità nello spirito dei suoi principi. Brecht scrive che il compito del "teatro epico" è costringere il pubblico "a rinunciare ... all'illusione che tutti al posto dell'eroe ritratto agirebbero allo stesso modo". Il drammaturgo comprende profondamente la dialettica dello sviluppo della società e quindi distrugge in modo schiacciante la volgare sociologia associata al positivismo. Brecht sceglie sempre modi complessi e "non ideali" per smascherare la società capitalista. Il "primitivo politico", secondo il drammaturgo, è inaccettabile sul palco. Brecht voleva che la vita e le azioni dei personaggi nelle commedie della vita di una società di proprietà dessero sempre l'impressione di innaturalità. Egli pone un compito molto difficile alla rappresentazione teatrale: paragona lo spettatore a un costruttore idraulico, che “è in grado di vedere il fiume allo stesso tempo sia nel suo corso reale che in quello immaginario lungo il quale potrebbe scorrere se il pendio dell'altopiano e il livello dell'acqua erano diversi”.

Brecht credeva che una vera rappresentazione della realtà non si limitasse solo alla riproduzione delle circostanze sociali della vita, che esistessero categorie universali che il determinismo sociale non può spiegare completamente (l'amore dell'eroina del "Caucasian Chalk Circle" Grusha per un indifeso bambino abbandonato, l'irresistibile impulso per il bene di Shen De). La loro rappresentazione è possibile sotto forma di un mito, un simbolo, nel genere delle parabole o delle parabole. Ma in termini di realismo socio-psicologico, la drammaturgia di Brecht può essere messa alla pari con le più grandi conquiste del teatro mondiale. Il drammaturgo ha osservato attentamente la legge fondamentale del realismo del XIX secolo. - concretezza storica delle motivazioni sociali e psicologiche. La comprensione della diversità qualitativa del mondo è sempre stata per lui un compito fondamentale. Riassumendo il suo percorso di drammaturgo, Brecht ha scritto: "Dobbiamo lottare per una descrizione sempre più accurata della realtà, e questa, dal punto di vista estetico, è una comprensione della descrizione sempre più fine ed efficace".

L'innovazione di Brecht si è manifestata anche nel fatto che è riuscito a fondere in un insieme armonico indissolubile metodi tradizionali e mediati di rivelazione del contenuto estetico (personaggi, conflitti, trama) con un inizio riflessivo astratto. Cosa conferisce un'incredibile integrità artistica alla combinazione apparentemente contraddittoria di trama e commento? Il famoso principio brechtiano di "alienazione" - permea non solo il commento stesso, ma l'intera trama. L '"alienazione" di Brecht è sia uno strumento della logica che della poesia stessa, piena di sorprese e genialità.

Brecht fa dell'"alienazione" il principio più importante della conoscenza filosofica del mondo, la condizione più importante per la creatività realistica. Brecht riteneva che il determinismo non fosse sufficiente per la verità dell'arte, che la concretezza storica e la completezza socio-psicologica dell'ambiente - il "background falstaffiano" - non bastassero per il "teatro epico". Brecht collega la soluzione al problema del realismo con il concetto di feticismo nel Capitale di Marx. Seguendo Marx, crede che nella società borghese l'immagine del mondo appaia spesso in una forma "stregata", "nascosta", che per ogni fase storica ci sia una sua oggettiva "visibilità delle cose" imposta alle persone. Questa "apparenza oggettiva" nasconde la verità, di regola, in modo più impenetrabile della demagogia, della menzogna o dell'ignoranza. L'obiettivo più alto e il più alto successo dell'artista, secondo Brecht, è "l'alienazione", cioè non solo esponendo i vizi e le delusioni soggettive delle singole persone, ma anche una svolta oltre la visibilità oggettiva a quella genuina, solo emergente, solo indovinata nelle leggi odierne.

"L'apparenza oggettiva", come la intendeva Brecht, è in grado di trasformarsi in una forza che "sottomette l'intera struttura del linguaggio e della coscienza quotidiani". In questo Brecht sembra coincidere con gli esistenzialisti. Heidegger e Jaspers, ad esempio, consideravano l'intera vita quotidiana dei valori borghesi, compreso il linguaggio quotidiano, "voci", "pettegolezzi". Ma Brecht, rendendosi conto, come gli esistenzialisti, che il positivismo e il panteismo sono solo “voce”, “apparenza oggettiva”, espone l'esistenzialismo come una nuova “diceria”, come una nuova “apparenza oggettiva”. Abituarsi al ruolo, alle circostanze non sfonda l'"apparenza oggettiva" e quindi serve meno al realismo che all'"alienazione". Brecht non era d'accordo sul fatto che abituarsi e reincarnarsi sia la via per la verità. KS Stanislavskij, che lo affermava, era, a suo avviso, "impaziente". Perché vivere non distingue tra verità e "apparenza oggettiva".

Le opere teatrali di Brecht del periodo iniziale della creatività: esperimenti, ricerche e prime vittorie artistiche. Già "Baal" - la prima commedia di Brecht - colpisce con una produzione audace e insolita di umano e problemi artistici. in poetica e caratteristiche stilistiche"Baal" è vicino all'espressionismo. Brecht considera la drammaturgia di G. Kaiser "decisiva", "ha cambiato la situazione in teatro europeo". Ma Brecht allontana immediatamente la comprensione espressionistica del poeta e della poesia come mezzo estatico. Senza rifiutare la poetica espressionista dei principi fondamentali, rifiuta l'interpretazione pessimistica di questi principi fondamentali. Nella commedia rivela l'assurdità di ridurre la poesia all'estasi, alla catarsi, mostra la perversione di una persona sulla via delle emozioni estatiche e disinibite.

Il principio fondamentale, la sostanza della vita è la felicità. Lei, secondo Brecht, è negli anelli del serpente di un male potente, ma non fatale, che le è essenzialmente estraneo, nel potere della coercizione. Il mondo di Brecht - e il teatro deve ricrearlo - sembra costantemente in bilico sul filo di un rasoio. O è in potere della "visibilità oggettiva", alimenta il suo dolore, crea un linguaggio di disperazione, "pettegolezzo", quindi trova supporto nella comprensione dell'evoluzione. Nel teatro di Brecht le emozioni sono mobili, ambivalenti, le lacrime si risolvono con le risate e la tristezza nascosta e indistruttibile è intervallata dalle immagini più luminose.

Il drammaturgo fa del suo Baal il punto focale, il fulcro delle tendenze filosofiche e psicologiche dell'epoca. Dopotutto, la percezione espressionistica del mondo come orrore e il concetto esistenzialista dell'esistenza umana come assoluta solitudine apparvero quasi contemporaneamente, quasi contemporaneamente furono create le opere teatrali degli espressionisti Hasenclever, Kaiser, Werfel e le prime opere filosofiche degli esistenzialisti Heidegger e Jaspers . Allo stesso tempo, Brecht mostra che il canto di Baal è una droga che avvolge la testa degli ascoltatori, l'orizzonte spirituale dell'Europa. Brecht descrive la vita di Baal in modo tale che diventi chiaro al pubblico che la fantasmagoria delirante della sua esistenza non può essere chiamata vita.

"Cos'è quel soldato, cos'è questo" è un vivido esempio di un'opera teatrale innovativa in tutte le sue componenti artistiche. In esso Brecht non utilizza le tecniche consacrate dalla tradizione. Crea una parabola; la scena centrale dell'opera è uno zong che confuta l'aforisma "Cos'è questo soldato, cos'è questo", Brecht "aliena" la voce sulla "intercambiabilità delle persone", parla dell'unicità di ogni persona e della relatività dell'ambiente pressione su di lui. Questo è un profondo presentimento della colpa storica del profano tedesco, incline a interpretare il suo sostegno al fascismo come inevitabile, come una reazione naturale al fallimento della Repubblica di Weimar. Brecht trova nuova energia per il movimento del dramma al posto dell'illusione dei personaggi in via di sviluppo e della vita che scorre naturalmente. Il drammaturgo e gli attori sembrano sperimentare con i personaggi, la trama qui è una catena di esperimenti, le battute non sono tanto la comunicazione dei personaggi quanto una dimostrazione del loro probabile comportamento, e quindi l '"alienazione" di questo comportamento .

Le ulteriori ricerche di Brecht furono contrassegnate dalla creazione delle commedie L'opera da tre soldi (1928), Santa Giovanna dei mattatoi (1932) e Madre, basata sul romanzo di Gorky (1932).

Brecht ha preso la commedia come base per la trama della sua "opera". drammaturgo inglese 18esimo secolo L'opera dei mendicanti di Gaia. Ma il mondo di avventurieri, banditi, prostitute e mendicanti, rappresentato da Brecht, non ha solo specificità inglesi. La struttura dell'opera è sfaccettata, la nitidezza dei conflitti di trama ricorda l'atmosfera di crisi in Germania durante la Repubblica di Weimar. Questa commedia è sostenuta da Brecht nelle tecniche compositive del "teatro epico". Il contenuto direttamente estetico, contenuto nei personaggi e nella trama, è combinato in esso con zong che portano un commento teorico e incoraggiano lo spettatore a un duro lavoro di pensiero. Nel 1933 Brecht emigrò dalla Germania fascista, visse in Austria, poi in Svizzera, Francia, Danimarca, Finlandia e dal 1941 negli Stati Uniti. Dopo la seconda guerra mondiale, fu perseguito negli Stati Uniti dalla Commissione per le attività antiamericane.

Le poesie dei primi anni '30 avevano lo scopo di dissipare la demagogia hitleriana; il poeta trovava e ostentava contraddizioni nelle promesse fasciste a volte impercettibili ai profani. E qui Brecht fu molto aiutato dal suo principio di "alienazione".] Comune nello stato hitleriano, abituale, gradito all'orecchio di un tedesco - sotto la penna di Brecht cominciò a sembrare dubbioso, assurdo e poi mostruoso. Nel 1933-1934. il poeta crea "i canti di Hitler". La forma alta dell'ode, l'intonazione musicale dell'opera non fanno che esaltare l'effetto satirico contenuto negli aforismi dei corali. In molte poesie, Brecht sottolinea che la lotta coerente contro il fascismo non è solo la distruzione dello stato nazista, ma anche la rivoluzione del proletariato (poesie "Tutto o nessuno", "Canto contro la guerra", "Risoluzione dei comunardi" , "Grande ottobre").

Nel 1934, Brecht pubblicò la sua opera in prosa più significativa, The Threepenny Romance. A prima vista, può sembrare che lo scrittore abbia creato solo una versione in prosa dell'Opera da tre soldi. Tuttavia, The Threepenny Romance è un'opera completamente indipendente. Brecht specifica qui il tempo dell'azione in modo molto più preciso. Tutti gli eventi del romanzo sono collegati alla guerra anglo-boera del 1899-1902. I personaggi familiari della commedia - il bandito Makhit, il capo dell '"impero dei mendicanti" Peacham, il poliziotto Brown, Polly, la figlia di Peacham e altri - vengono trasformati. Li vediamo come uomini d'affari di acume e cinismo imperialisti. Brecht appare in questo romanzo come un vero e proprio "dottore in scienze sociali". Mostra il meccanismo dietro le connessioni dietro le quinte di avventurieri finanziari (come Cox) e il governo. Lo scrittore descrive il lato esterno e aperto degli eventi: l'invio di navi con reclute in Sud Africa, manifestazioni patriottiche, un tribunale rispettabile e la vigile polizia inglese. Poi disegna il corso vero e decisivo degli eventi nel paese. I mercanti a scopo di lucro inviano soldati in "bare galleggianti" che vanno a fondo; il patriottismo è gonfiato da mendicanti assoldati; in tribunale, il bandito Makhit-knife interpreta con calma l'offeso "mercante onesto"; il rapinatore e il capo della polizia sono legati da un'amicizia commovente e si prestano molti servizi a spese della società.

Il romanzo di Brecht presenta la stratificazione di classe della società, l'antagonismo di classe e le dinamiche della lotta. I crimini fascisti degli anni '30, secondo Brecht, non sono nuovi; la borghesia inglese di inizio secolo per molti aspetti ha anticipato i metodi demagogici dei nazisti. E quando un mercante che vende merce rubata, proprio come un fascista, accusa i comunisti, che si oppongono alla schiavitù dei boeri, di tradimento, di mancanza di patriottismo, allora questo non è anacronismo in Brecht, non è antistoricismo. Al contrario, è una visione profonda di alcuni schemi ricorrenti. Ma allo stesso tempo, per Brecht, l'esatta riproduzione della vita e dell'atmosfera storica non è la cosa principale. Per lui, il significato dell'episodio storico è più importante. La guerra anglo-boera e il fascismo per l'artista è l'elemento imperante della proprietà. Molti episodi di The Threepenny Romance ricordano un mondo dickensiano. Brecht cattura sottilmente il sapore nazionale della vita inglese e le intonazioni specifiche della letteratura inglese: un complesso caleidoscopio di immagini, dinamiche tese, un tono da detective nella rappresentazione di conflitti e lotte e la natura inglese delle tragedie sociali.

In esilio, nella lotta contro il fascismo, fiorì l'opera drammatica di Brecht. Era eccezionalmente ricco di contenuti e vario nella forma. Tra le commedie più famose dell'emigrazione c'è "Madre Coraggio e i suoi figli" (1939). Più acuto e tragico è il conflitto, più critico, secondo Brecht, dovrebbe essere il pensiero di una persona. Nelle condizioni degli anni '30, Mother Courage suonava, ovviamente, come una protesta contro la propaganda demagogica della guerra da parte dei nazisti e si rivolgeva a quella parte della popolazione tedesca che soccombeva a questa demagogia. La guerra è rappresentata nell'opera come un elemento organicamente ostile all'esistenza umana.

L'essenza del "teatro epico" diventa particolarmente chiara in relazione a "Madre coraggio". Il commento teorico è combinato nell'opera in modo realistico, spietato nella sua coerenza. Brecht ritiene che sia il realismo il modo più affidabile di influenzare. Ecco perché in "Madre coraggio" il volto "genuino" della vita è così coerente e sostenuto anche nei piccoli dettagli. Ma bisogna tenere presente la dualità di questa commedia: il contenuto estetico dei personaggi, ad es. una riproduzione della vita, dove il bene e il male si mescolano a prescindere dai nostri desideri, e la voce dello stesso Brecht, non soddisfatto di un simile quadro, che cerca di affermare il bene. La posizione di Brecht è direttamente evidente negli Zong. Inoltre, come risulta dalle istruzioni di regia di Brecht allo spettacolo, il drammaturgo offre ai teatri ampie opportunità per dimostrare il pensiero dell'autore con l'ausilio di varie "alienazioni" (fotografie, proiezioni cinematografiche, appello diretto degli attori al pubblico).

I personaggi dei personaggi di "Mother Courage" sono raffigurati in tutta la loro complessa incoerenza. La più interessante è l'immagine di Anna Firling, soprannominata Mother Courage. La versatilità di questo personaggio provoca una varietà di sentimenti del pubblico. L'eroina attrae con una sobria comprensione della vita. Ma è un prodotto dello spirito mercantile, crudele e cinico della Guerra dei Trent'anni. Il coraggio è indifferente alle cause di questa guerra. A seconda delle vicissitudini del destino, issa uno stendardo luterano o cattolico sul suo furgone. Il coraggio va in guerra nella speranza di grandi profitti.

Il conflitto tra saggezza pratica e impulsi etici che eccita Brecht contagia l'intero dramma con la passione della disputa e l'energia del sermone. Nell'immagine di Catherine, il drammaturgo ha disegnato gli antipodi di Mother Courage. Né le minacce, né le promesse, né la morte hanno costretto Katrin ad abbandonare la decisione dettata dal suo desiderio di aiutare almeno in qualche modo le persone. Al loquace Courage si oppone la muta Katrin, l'impresa silenziosa della ragazza, per così dire, cancella tutte le lunghe discussioni di sua madre.

Il realismo di Brecht si manifesta nella commedia non solo nella rappresentazione dei personaggi principali e nello storicismo del conflitto, ma anche nell'autenticità della vita delle persone episodiche, nel multicolore di Shakespeare, che ricorda lo "sfondo di Falstaff". Ogni personaggio, coinvolto nel drammatico conflitto dell'opera, vive la propria vita, indoviniamo sul suo destino, sul passato e vita futura e come se udissimo ogni voce nel coro discordante della guerra.

Oltre a rivelare il conflitto attraverso uno scontro di personaggi, Brecht completa l'immagine della vita nel dramma con gli zong, che danno una comprensione diretta del conflitto. Lo zong più significativo è il Canto della grande umiltà. Questo è un tipo complesso di "alienazione", quando l'autore agisce come per conto della sua eroina, acuisce le sue posizioni errate e quindi discute con lei, ispirando il lettore a dubitare della saggezza della "grande umiltà". Alla cinica ironia di Madre Coraggio, Brecht risponde con la propria ironia. E l'ironia di Brecht conduce lo spettatore, che ha già ceduto alla filosofia di accettare la vita così com'è, a una visione del mondo completamente diversa, a comprendere la vulnerabilità e la fatalità dei compromessi. La canzone sull'umiltà è una sorta di controagente straniero che ci permette di comprendere la vera saggezza di Brecht, che è l'opposto di essa. L'intera commedia, critica nei confronti della "saggezza" pratica e compromettente dell'eroina, è una discussione in corso con il "Canto della grande umiltà". Mother Courage non vede chiaramente nella commedia, essendo sopravvissuta allo shock, apprende "sulla sua natura non più di una cavia sulla legge della biologia". L'esperienza tragica (personale e storica), pur arricchendo lo spettatore, non ha insegnato a Madre Coraggio e non l'ha minimamente arricchita. La catarsi che ha vissuto si è rivelata completamente infruttuosa. Quindi Brecht sostiene che la percezione della tragedia della realtà solo a livello di reazioni emotive non è di per sé conoscenza del mondo, non è molto diversa dalla completa ignoranza.

L'opera teatrale "La vita di Galileo" ha due edizioni: la prima - 1938-1939, la finale - 1945-1946. L'"inizio epico" costituisce l'intimo fondamento nascosto della "Vita di Galileo". Il realismo dell'opera è più profondo del tradizionale. L'intero dramma è permeato dall'insistenza di Brecht nel comprendere teoricamente ogni fenomeno della vita e non accettare nulla, affidandosi alla fede e alle norme generalmente accettate. Il desiderio di presentare tutto ciò che richiede una spiegazione, il desiderio di sbarazzarsi di opinioni familiari si manifesta molto chiaramente nello spettacolo.

Nella "Vita di Galileo" - la straordinaria sensibilità di Brecht ai dolorosi antagonismi del XX secolo, quando la mente umana raggiunse vette senza precedenti nel pensiero teorico, ma non poté impedire l'uso delle scoperte scientifiche per il male. L'idea dello spettacolo risale ai giorni in cui apparvero sulla stampa i primi rapporti sugli esperimenti di scienziati tedeschi nel campo della fisica nucleare. Ma non è un caso che Brecht non si sia rivolto alla modernità, ma a un punto di svolta nella storia dell'umanità, quando le fondamenta della vecchia visione del mondo stavano crollando. In quei giorni - a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. - le scoperte scientifiche per la prima volta divennero, come dice Brecht, proprietà di strade, piazze e bazar. Ma dopo l'abdicazione di Galileo, la scienza, secondo la profonda convinzione di Brecht, divenne proprietà di un solo scienziato. La fisica e l'astronomia potrebbero liberare l'umanità dal fardello di vecchi dogmi che ostacolano il pensiero e l'iniziativa. Ma lo stesso Galileo ha privato la sua scoperta dell'argomentazione filosofica e quindi, secondo Brecht, ha privato l'umanità non solo del sistema astronomico scientifico, ma anche delle conclusioni teoriche di vasta portata di questo sistema, che toccano le questioni fondamentali dell'ideologia.

Brecht, contrariamente alla tradizione, condanna aspramente Galileo, perché fu questo scienziato, a differenza di Copernico e Bruno, che, avendo tra le mani prove inconfutabili ed evidenti per ogni persona della correttezza del sistema eliocentrico, temeva la tortura e rifiutò l'unica corretto insegnamento. Bruno morì per un'ipotesi e Galileo rinunciò alla verità.

Brecht "aliena" l'idea del capitalismo come epoca di sviluppo scientifico senza precedenti. Crede che il progresso scientifico si sia precipitato lungo un solo canale e tutti gli altri rami si siano prosciugati. A proposito della bomba atomica lanciata su Hiroshima, Brecht ha scritto nei suoi commenti al dramma: "... è stata una vittoria, ma è stata anche una vergogna - un trucco proibito". Creando Galileo, Brecht sognava l'armonia tra scienza e progresso. Questo sottotesto è dietro tutte le grandiose dissonanze dell'opera; Dietro la personalità apparentemente disintegrata di Galileo c'è il sogno di Brecht di una personalità ideale "costruita" nel processo del pensiero scientifico. Brecht mostra che lo sviluppo della scienza nel mondo borghese è un processo di accumulazione di conoscenze alienate dall'uomo. Lo spettacolo mostra anche che un altro processo - "l'accumulazione di una cultura dell'azione di ricerca negli individui stessi" - fu interrotto, che alla fine del Rinascimento le masse popolari furono escluse da questo importantissimo "processo di accumulazione di ricerca cultura" dalle forze della reazione: "La scienza ha lasciato le piazze per il silenzio degli uffici".

La figura di Galileo nella commedia è un punto di svolta nella storia della scienza. Nella sua persona, la pressione delle tendenze totalitarie e utilitarie borghesi distrugge sia un vero scienziato che un processo vivente di perfezione di tutta l'umanità.

La notevole abilità di Brecht si manifesta non solo nella comprensione innovativa e complessa del problema della scienza, non solo nella brillante riproduzione della vita intellettuale dei personaggi, ma anche nella creazione di personaggi potenti e sfaccettati, nella rivelazione del loro emotivo vita. I monologhi dei personaggi de La vita di Galileo ricordano la "verbosità poetica" dei personaggi di Shakespeare. Tutti gli eroi del dramma portano in sé qualcosa di rinascimentale.

La parabola teatrale "The Good Man from Sezuan" (1941) è dedicata all'affermazione della qualità eterna e innata di una persona: la gentilezza. Il personaggio principale dell'opera, Shen De, sembra irradiare bontà, e questo splendore non è causato da alcun impulso esterno, è immanente. Brecht il drammaturgo eredita in questo la tradizione umanistica dell'Illuminismo. Vediamo la connessione di Brecht con la tradizione delle fiabe e le leggende popolari. Shen De assomiglia a Cenerentola e gli dei che premiano la ragazza per la sua gentilezza sono una fata mendicante della stessa fiaba. Ma Brecht interpreta la materia tradizionale in modo innovativo.

Brecht crede che la gentilezza non sia sempre premiata con un favoloso trionfo. Il drammaturgo introduce circostanze sociali nella fiaba e nella parabola. La Cina, raffigurata nella parabola, a prima vista è priva di autenticità, è semplicemente "un certo regno, un certo stato". Ma questo stato è capitalista. E le circostanze della vita di Shen De sono le circostanze della vita in fondo a una città borghese. Brecht mostra che in questo giorno le leggi fatate che premiavano Cenerentola cessano di funzionare. Il clima borghese è rovinoso per i migliori qualità umane che è sorto molto prima del capitalismo; Brecht vede l'etica borghese come una profonda regressione. Altrettanto disastroso per Shen De è l'amore.

Shen De incarna la norma ideale di comportamento nel gioco. Shoi Sì, al contrario, è guidato solo da propri interessi sobriamente compresi. Shen De è d'accordo con molti dei pensieri e delle azioni di Shoi Da, ha visto che solo sotto forma di Shoi Da poteva davvero esistere. La necessità di proteggere suo figlio in un mondo di persone indurite e vili, indifferenti l'una all'altra, le dimostra che Shoi Da ha ragione. Vedendo come il ragazzo cerca cibo nel bidone della spazzatura, giura che assicurerà il futuro di suo figlio, anche nella lotta più brutale.

Le due apparizioni del protagonista sono una luminosa “alienazione” scenica, una chiara dimostrazione del dualismo dell'animo umano. Ma questa è anche una condanna del dualismo, poiché la lotta tra il bene e il male nell'uomo è, secondo Brecht, solo un prodotto dei "tempi brutti". Il drammaturgo dimostra chiaramente che il male in linea di principio è un corpo estraneo in una persona, che il malvagio Shoi Da è solo una maschera protettiva e non il vero volto dell'eroina. Shen De non diventa mai veramente malvagio, non può corrodere la sua purezza e gentilezza spirituale.

Il contenuto della parabola conduce il lettore non solo all'idea dell'atmosfera perniciosa del mondo borghese. Questa idea, secondo Brecht, non è più sufficiente per il nuovo teatro. Il drammaturgo ti fa pensare ai modi per superare il male. Gli dei e Shen De tendono a scendere a compromessi nel gioco, come se non potessero superare l'inerzia del pensiero del loro ambiente. È curioso che gli dei, in sostanza, raccomandino a Shen De la stessa ricetta che Makhit ha recitato in The Threepenny Romance, derubando magazzini e vendendo merci a buon mercato ai poveri negozianti, salvandoli così dalla fame. Ma il finale della trama della parabola non coincide con il commento del drammaturgo. L'epilogo approfondisce e illumina in modo nuovo i problemi della commedia, dimostra la profonda efficacia del "teatro epico". Il lettore e lo spettatore si rivelano molto più vigili degli dei e di Shen De, che non capivano perché la grande gentilezza interferisse con lei. Il drammaturgo sembra suggerire una decisione nel finale: vivere disinteressatamente va bene, ma non basta; La cosa principale per le persone è vivere in modo intelligente. E questo significa costruire un mondo ragionevole, un mondo senza sfruttamento, un mondo di socialismo.

The Caucasian Chalk Circle (1945) è anche una delle parabole più famose di Brecht. Entrambe le commedie hanno in comune il pathos delle ricerche etiche, il desiderio di trovare una persona in cui la grandezza e la gentilezza spirituali si rivelassero più pienamente. Se in The Good Man di Sezuan Brecht ha ritratto tragicamente l'impossibilità di incarnare l'ideale etico nell'atmosfera quotidiana di un mondo possessivo, allora in The Caucasian Chalk Circle ha rivelato una situazione eroica che richiede alle persone di seguire senza compromessi il dovere morale.

Sembrerebbe che tutto nella commedia sia classicamente tradizionale: la trama non è nuova (lo stesso Brecht l'aveva già usata nel racconto The Augsburg Chalk Circle). Grushe Vakhnadze, sia nella sua essenza che anche nel suo aspetto, evoca associazioni intenzionali sia con la Madonna Sistina che con le eroine delle fiabe e delle canzoni. Ma questa commedia è innovativa e la sua originalità è strettamente connessa al principio fondamentale del realismo di Brecht: "alienazione". La rabbia, l'invidia, l'interesse personale, il conformismo costituiscono l'immobile ambiente di vita, la sua carne. Ma per Brecht questa è solo un'apparenza. Il monolite del male è estremamente fragile nel dramma. Tutta la vita sembra essere permeata di flussi di luce umana. L'elemento di luce nel fatto stesso dell'esistenza mente umana e principi etici.

Nelle liriche del Cerchio, ricche di intonazioni filosofiche ed emotive, nell'alternanza di dialoghi vivaci e plastici e intermezzi di canzoni, nella morbidezza e luce interiore dei dipinti, si avvertono chiaramente le tradizioni di Goethe. Grushe, come Gretchen, porta il fascino dell'eterna femminilità. Persona meravigliosa e la bellezza del mondo sembrano gravitare l'una verso l'altra. Più ricco e completo è il talento di una persona, più bello è il mondo per lui, più significativo, ardente, incommensurabilmente prezioso è investito nell'appello di altre persone nei suoi confronti. Molti ostacoli esterni ostacolano i sentimenti di Grusha e Simon, ma sono insignificanti rispetto alla forza che premia una persona per il suo talento umano.

Solo al suo ritorno dall'esilio nel 1948 Brecht poté riconquistare la sua patria e realizzare praticamente il suo sogno di un innovativo teatro drammatico. È attivamente coinvolto nella rinascita della cultura democratica tedesca. La letteratura della DDR ha subito ricevuto un grande scrittore nella persona di Brecht. Il suo lavoro non è stato privo di difficoltà. La sua lotta con il teatro "aristotelico", il suo concetto di realismo come "alienazione" incontrarono incomprensioni sia da parte del pubblico che della critica dogmatica. Ma Brecht scrisse in questi anni che considerava la lotta letteraria "un buon segno, un segno di movimento e sviluppo".

Nella polemica compare un'opera teatrale che completa il percorso del drammaturgo: "I giorni della Comune" (1949). Il gruppo teatrale Berliner Ensemble, diretto da Brecht, ha deciso di dedicare una delle loro prime rappresentazioni alla Comune di Parigi. Tuttavia, le commedie disponibili non soddisfacevano, secondo Brecht, i requisiti del "teatro epico". Lo stesso Brecht crea uno spettacolo per il suo teatro. In The Days of the Commune, lo scrittore utilizza le tradizioni del dramma storico classico nei suoi migliori esempi (libera alternanza e saturazione di episodi contrastanti, brillante pittura quotidiana, enciclopedico "Background di Falstaff"). "I giorni della Comune" è un dramma di passioni politiche aperte, è dominato da un'atmosfera di dibattito, un'assemblea popolare, i suoi eroi sono oratori e tribuni, la sua azione rompe gli angusti confini di uno spettacolo teatrale. Brecht a questo proposito si è affidato all'esperienza di Romain Rolland, il suo "teatro della rivoluzione", in particolare Robespierre. E allo stesso tempo, "Days of the Commune" è un'opera brechtiana unica, "epica". Lo spettacolo combina organicamente il background storico, l'autenticità psicologica dei personaggi, le dinamiche sociali e la storia "epica", una profonda "conferenza" sui giorni dell'eroica Comune di Parigi; è sia una vivida riproduzione della storia che la sua analisi scientifica.

Il testo di Brecht è, prima di tutto, uno spettacolo dal vivo, ha bisogno di sangue teatrale, carne scenica. Ha bisogno non solo di attori che recitano, ma di personalità con una scintilla della Maid of Orleans, Grusha Vakhnadze o Azdak. Si può obiettare che ogni drammaturgo classico ha bisogno di personalità. Ma nelle interpretazioni di Brecht queste personalità sono di casa; si scopre che il mondo è stato creato per loro, creato da loro. È il teatro che dovrebbe e può creare la realtà di questo mondo. La realtà! La soluzione ad esso - questo è ciò che principalmente occupava Brecht. Realtà, non realismo. L'artista-filosofo professava un pensiero semplice, ma tutt'altro che scontato. Parlare di realismo è impossibile senza un discorso preliminare sulla realtà. Brecht, come tutti i personaggi del teatro, sapeva che il palcoscenico non tollera le bugie, lo illumina senza pietà come un riflettore. Non permette alla freddezza di camuffarsi da bruciante, il vuoto da contenuto, l'insignificanza da significato. Brecht ha continuato un po' questo pensiero, voleva che il teatro, il palcoscenico, non lasciasse che le idee convenzionali sul realismo si mascherassero da realtà. In modo che il realismo nella comprensione dei limiti di qualsiasi tipo non sia percepito come una realtà da tutti.

Appunti

Le prime opere di Brecht: Baal (1918), Drums in the Night (1922), The Life of Edward II of England (1924), In the Jungle of Cities (1924), This Soldier and That Soldier (1927) .

Così sono le commedie: "Roundheads and Sharpheads" (1936), "The Career of Arthur Wie" (1941), ecc.

Letteratura straniera XX secolo. A cura di LG Andreev. Libro di testo per le università

Ristampato da http://infolio.asf.ru/Philol/Andreev/10.html

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La seconda guerra mondiale 1939-1945 . (tavola cronologica).

Eugen Berthold Friedrich Brecht nacque nella famiglia di un produttore il 10 febbraio 1898 ad Augusta. Si è diplomato in una scuola pubblica e in un vero e proprio ginnasio nella sua città natale, ed è stato annoverato tra gli studenti di maggior successo, ma inaffidabili. Nel 1914 Brecht pubblicò la sua prima poesia su un giornale locale, che non deliziò affatto suo padre. Ma il fratello minore Walter ha sempre ammirato Berthold e lo ha imitato in molti modi.

Nel 1917 Brecht divenne uno studente di medicina all'Università di Monaco. Tuttavia, era molto più interessato al teatro che alla medicina. Era particolarmente deliziato dalle commedie del diciannovesimo drammaturgo tedesco Georg Buchner e del drammaturgo contemporaneo Wedekind.

Nel 1918 Brecht fu chiamato per il servizio militare, ma non fu inviato al fronte a causa di problemi ai reni, ma fu lasciato a lavorare come inserviente ad Augusta. Ha vissuto fuori dal matrimonio con la sua ragazza Bea, che gli ha dato un figlio, Frank. In quel momento, Berthold scrisse la sua prima opera teatrale "Baal", e successivamente la seconda - "Drums in the Night". Parallelamente, ha lavorato come critico teatrale.

Fratello Walter lo presentò alla direttrice del Wild Theater, Truda Gerstenberg. "Wild Theatre" era uno spettacolo di varietà in cui la maggior parte degli attori erano giovani, che amavano scioccare il pubblico sul palco e nella vita. Brecht cantava le sue canzoni con una chitarra con una voce aspra, aspra, scricchiolante, pronunciando chiaramente ogni parola - in sostanza, era una declamazione melodica. Le trame delle canzoni di Brecht hanno scioccato gli ascoltatori molto più del comportamento dei suoi colleghi nel "Cruel Theatre": queste erano storie di bambini assassini, bambini che uccidono i loro genitori, decadimento morale e morte. Brecht non castigava i vizi, si limitava ad affermare i fatti, a descrivere la quotidianità della società tedesca contemporanea.

Brecht andava nei teatri, al circo, al cinema, ascoltava concerti pop. Ho incontrato attori, registi, drammaturghi, ascoltato attentamente le loro storie e controversie. Dopo aver incontrato il vecchio clown Valentine, Brecht ha scritto per lui brevi farse e si è persino esibito sul palco con lui.

“Molti se ne vanno e noi non li teniamo,
Abbiamo detto loro tutto, e non c'era più niente tra loro e noi, e le nostre facce erano dure al momento della separazione.
Ma non abbiamo detto il più importante, abbiamo perso il necessario.
Oh, perché non diciamo la cosa più importante, perché sarebbe così facile, perché se non parliamo ci condanniamo a una maledizione!
Queste parole erano così leggere, si nascondevano lì, strette dietro i denti, cadevano dalle risate, e quindi stiamo soffocando con la gola chiusa.
Ieri è morta mia madre, la sera del primo maggio!
Ora non puoi grattarlo via con le unghie ... "

Mio padre era sempre più infastidito dal lavoro di Berthold, ma cercava di trattenersi e di non sistemare le cose. La sua unica richiesta era di stampare "Baal" sotto uno pseudonimo, in modo che il nome Brecht non venisse macchiato. Il legame di Berthold con la sua prossima passione, Marianna Tsof, non ha deliziato suo padre: i giovani vivevano senza sposarsi.

Feuchtwanger, con il quale Brecht aveva rapporti amichevoli, lo definì "una persona un po' cupa, vestita in modo disinvolto con spiccate inclinazioni verso la politica e l'arte, un uomo dalla volontà indomabile, un fanatico". Brecht divenne il prototipo dell'ingegnere comunista Kaspar Pröckl nel successo di Feuchtwanger.

Nel gennaio 1921, il giornale di Augsburg pubblicò l'ultima recensione di Brecht, che presto si trasferì definitivamente a Monaco e visitò regolarmente Berlino, cercando di stampare il Baal e il Drumbeat. Fu in questo momento, su consiglio del suo amico Bronnen, che Berthold cambiò l'ultima lettera del suo nome, dopodiché il suo nome suonava come Bertolt.

Il 29 settembre 1922 ebbe luogo la prima di Drums al Chamber Theatre di Monaco. I poster erano appesi nell'atrio: "Ognuno è il migliore per se stesso", "La tua pelle è la più costosa", "Non c'è niente da guardare così romanticamente!" La luna, sospesa sul palcoscenico, si tingeva di viola ogni volta prima dell'apparizione del protagonista. In generale, la performance ha avuto successo, anche le recensioni sono state positive.

Nel novembre 1922 Brecht e Marianne si sposarono. Nel marzo 1923 nacque la figlia di Brecht, Hannah.

Le anteprime si susseguivano una dopo l'altra. A dicembre, "Drums" ha mostrato il Deutsches Theater di Berlino. Le recensioni sui giornali sono state contrastanti, ma il giovane drammaturgo ha ricevuto il Premio Kleist.

La nuova commedia di Brecht In the Thicket è stata messa in scena al Residenz Theater di Monaco dal giovane regista Erich Engel, e la scena è stata progettata da Caspar Neher. Bertolt ha lavorato con entrambi più di una volta.

Il Teatro da Camera di Monaco invitò Brecht a dirigere per la stagione 1923/24. All'inizio stava per mettere versione moderna Macbeth, ma poi optò per il dramma storico di Marlowe La vita di Edoardo II, re d'Inghilterra. Insieme a Feuchtwanger hanno rivisto il testo. Fu in questo momento che prese forma lo stile di lavoro brechtiano nel teatro. È quasi dispotico, ma allo stesso tempo richiede indipendenza da ogni esecutore, ascolta attentamente le obiezioni e le osservazioni più acute, se solo sono sensate. A Lipsia, intanto, andava in scena il Baal.

Il famoso regista Max Reinhardt invitò Brecht alla carica di drammaturgo a tempo pieno e nel 1924 si trasferì finalmente a Berlino. Ha una nuova ragazza - una giovane attrice Reinhardt Lena Weigel. Nel 1925 diede alla luce il figlio di Brecht, Stefan.

La casa editrice di Kipenheuer stipulò con lui un accordo per una raccolta di ballate e canzoni "Pocket Collection", che fu pubblicata nel 1926 con una tiratura di 25 copie.

Sviluppando un tema militare, Brecht ha creato la commedia "Cos'è quel soldato, cos'è quello". Il suo personaggio principale, il caricatore Galey Gay, è uscito di casa per dieci minuti per comprare il pesce per cena, ma è entrato in compagnia di soldati e in un giorno è diventato una persona diversa, un super soldato: un insaziabile ghiottone e un guerriero stupidamente senza paura . Il teatro delle emozioni non era vicino a Brecht, e continuò la sua linea: aveva bisogno di una visione chiara e ragionevole del mondo e, di conseguenza, di un teatro di idee, di un teatro razionale.

Brecht era molto affascinato dai principi del montaggio di Segre Eisenstein. Diverse volte ha visto "The Battleship Potemkin", comprendendo le caratteristiche della sua composizione.

Il prologo della produzione viennese di Baal è stato scritto dal classico vivente Hugo von Hofmannsthal. Brecht, nel frattempo, si interessò all'America e concepì una serie di commedie "L'umanità entra nelle grandi città", che avrebbe dovuto mostrare l'ascesa del capitalismo. Fu in questo momento che formulò i principi fondamentali del "teatro epico".

Brecht è stato il primo tra tutti i suoi amici a comprare un'auto. In questo momento, ha aiutato un altro famoso regista - Piskator - a mettere in scena il romanzo di Hasek "Le avventure del buon soldato Schweik", una delle sue opere preferite.

Brecht scriveva ancora canzoni, spesso componendo lui stesso le melodie. Aveva gusti particolari, per esempio, non gli piacevano i violini e le sinfonie di Beethoven. Il compositore Kurt Weill, soprannominato "Verdi per i poveri", si interessò agli Zong di Brecht. Insieme hanno composto "Songspiel Mahagonny". Nell'estate del 1927 l'opera fu presentata al festival di Baden-Baden diretto da Brecht. Il successo dell'opera è stato ampiamente facilitato dalla brillante interpretazione del ruolo della moglie di Weill, Lotta Leni, dopo di che è stata considerata un'esecutore esemplare delle opere di Weill-Brecht. "Mahogany" nello stesso anno è stato trasferito alle stazioni radio di Stoccarda e Francoforte sul Meno.

Nel 1928 fu pubblicato "Cos'è quel soldato, cos'è questo". Brecht ha divorziato e si è risposato con Lena Weigel. Brecht credeva che Weigel fosse l'attrice ideale del teatro da lui creato: critica, mobile, laboriosa, sebbene a lei stessa piacesse dire di se stessa che era una donna semplice, una comica ignorante della periferia di Vienna.

Nel 1922 Bracht fu ricoverato all'ospedale Charite di Berlino con una diagnosi di "estrema malnutrizione", dove fu curato e nutrito gratuitamente. Dopo essersi ripreso un po ', il giovane drammaturgo ha cercato di mettere in scena la commedia di Bronnen "Paricide" al "Young Theatre" di Moritz Seeler. Già il primo giorno ha presentato agli attori non solo il piano generale, ma anche lo sviluppo più dettagliato di ogni ruolo. Prima di tutto, ha chiesto loro significato. Ma Brecht era troppo duro e intransigente nel suo lavoro. Di conseguenza, la performance già annunciata è stata annullata.

All'inizio del 1928 Londra celebrò il bicentenario dell'Opera del mendicante di John Gay, un'esilarante e malvagia commedia parodia amata dal grande satirico Swift. Sulla base di esso, Brecht ha creato L'opera da tre soldi (il titolo è stato suggerito da Feuchtwanger) e Kurt Weill ha scritto la musica. La prova generale è durata fino alle cinque del mattino, tutti erano nervosi, quasi nessuno credeva nel successo dell'evento, le sovrapposizioni seguivano le sovrapposizioni, ma la prima è stata brillante e una settimana dopo tutta Berlino ha cantato i distici di Mackey, Brecht e Weill diventati celebrità. A Berlino è stato aperto il Threepenny Cafe - lì si sentivano costantemente solo le melodie dell'opera.

La storia della produzione dell'Opera da tre soldi in Russia è curiosa. famoso regista Alexander Tairov, mentre era a Berlino, vide L'opera da tre soldi e si accordò con Brecht su una produzione russa. Tuttavia, si è scoperto che anche il Teatro della satira di Mosca vorrebbe metterlo in scena. Il contenzioso è iniziato. Di conseguenza, Tairov vinse e organizzò uno spettacolo nel 1930 chiamato "The Beggar's Opera". Le critiche hanno schiacciato la performance, anche Lunacharsky ne era insoddisfatto.

Brecht era convinto che i geni affamati e impoveriti fossero tanto un mito quanto i nobili banditi. Ha lavorato sodo e voleva guadagnare molto, ma ha rifiutato di sacrificare i principi. Quando la compagnia cinematografica Nero firmò un accordo con Brecht e Weil per filmare l'opera, Brecht presentò una sceneggiatura in cui i motivi socio-politici venivano rafforzati e il finale veniva cambiato: Mackey divenne il direttore della banca e tutta la sua banda divenne membro di il bordo. L'azienda ha rescisso il contratto e ha girato il film secondo una sceneggiatura vicina al testo dell'opera. Brecht fece causa, rifiutò un lucroso accordo di pace, perse una causa rovinosa e L'opera da tre soldi fu rilasciata contro la sua volontà.

Nel 1929, al festival di Baden-Baden, fu rappresentato il "gioco radiofonico educativo" di Brecht e Weill Il volo di Lindbergh. Successivamente, è stato trasmesso più volte alla radio e il principale direttore d'orchestra tedesco Otto Klemperer lo ha eseguito in concerti. Nello stesso festival è stato eseguito il drammatico oratorio di Brecht - "Baden Educational Play on Consent" di Hindemith. Quattro piloti si sono schiantati, sono minacciati
pericolo mortale. Hanno bisogno di aiuto? I piloti e il coro ci hanno pensato ad alta voce nei recitativi e negli zong.

Brecht non credeva nella creatività e nell'ispirazione. Era convinto che l'arte fosse ragionevole perseveranza, lavoro, volontà, conoscenza, abilità ed esperienza.

Il 9 marzo 1930, l'opera di Brecht su musiche di Weill, The Rise and Fall of the City of Mahagonny, fu rappresentata per la prima volta all'Opera di Lipsia. Alle esibizioni si sentivano grida di ammirazione e indignazione, a volte il pubblico si aggrappava corpo a corpo. I nazisti a Oldenburg, dove avrebbero messo "Mogano", chiesero ufficialmente il divieto di "lo spettacolo immorale di base". Tuttavia, anche i comunisti tedeschi credevano che le opere di Brecht fossero troppo grottesche.

Brecht leggeva i libri di Marx e Lenin, frequentava le lezioni alla MARCH, una scuola operaia marxista. Tuttavia, quando gli è stato chiesto dalla rivista Die Dame quale libro gli ha fatto l'impressione più forte e duratura, Brecht ha scritto brevemente: "Riderai - la Bibbia".

Nel 1931 si celebra in Francia il 500° anniversario di Giovanna d'Arco. Brecht scrive la risposta: "San Giovanni del mattatoio". Joanna Dark nel dramma di Brecht è un tenente dell'Esercito della Salvezza a Chicago, una ragazza onesta, gentile, ragionevole, ma ingenua, muore, rendendosi conto dell'inutilità della protesta pacifica e invitando le masse alla rivolta. Ancora una volta, Brecht è stato criticato sia dalla sinistra che dalla destra, accusandolo di vera e propria propaganda.

Brecht ha preparato una messa in scena della "Madre" di Gorky per il Comedy Theatre. Ha rivisto in modo significativo il contenuto dell'opera, avvicinandola alla situazione attuale. Vlasova è stata interpretata da Elena Weigel, la moglie di Brecht.
La donna russa oppressa sembrava professionale, spiritosa, perspicace e audacemente coraggiosa. La polizia ha vietato lo spettacolo in un grande club nel quartiere operaio di Moabit, citando le "cattive condizioni del palcoscenico", ma gli attori hanno ottenuto il permesso di leggere semplicemente lo spettacolo senza costumi. La lettura è stata interrotta più volte dalla polizia e lo spettacolo non è mai finito.

Nell'estate del 1932, su invito della Società per i rapporti culturali con l'estero, Brecht arrivò a Mosca, dove fu portato in fabbriche, teatri e riunioni. È stato supervisionato dal drammaturgo Sergei Tretyakov, un membro della comunità letteraria "Left Front". Poco dopo, Brecht ricevette una visita ulteriore: Lunacharsky e sua moglie lo visitarono a Berlino.

Il 28 febbraio 1933 Brecht, sua moglie e suo figlio lasciarono la luce, per non destare sospetti, a Praga, la loro figlia Barbara di due anni fu mandata dal nonno ad Augusta. Lilya Brik e suo marito, l'operaio diplomatico sovietico Primakov, si stabilirono nell'appartamento di Brecht. Da Praga i Brecht passarono in Svizzera fino al Lago di Lugano, dove riuscirono segretamente a trasportare Barbara.

Il 10 maggio i libri di Brecht, insieme a quelli di altri "minatori dello spirito tedesco" - Marx, Kautsky, Heinrich Mann, Kestner, Freud, Remarque - furono pubblicamente dati alle fiamme.

Vivere in Svizzera era troppo costoso e Brecht non aveva una fonte di reddito stabile. La scrittrice danese Karin Michaelis, amica di Brecht e Weigel, li ha invitati a casa sua. In quel periodo a Parigi, Kurt Weill incontrò il coreografo Georges Balanchine e suggerì di creare un balletto basato sulle canzoni di Brecht "I sette peccati capitali dei piccoli borghesi". Brecht si è recato a Parigi, ha assistito alle prove, ma la produzione e il tour londinese sono andati senza molto successo.

Brecht tornò alla sua materia preferita e scrisse Il romanzo da tre soldi. L'immagine del bandito Mackey nel romanzo è stata risolta molto più duramente che nella commedia, dove non è privo di un fascino particolare. Brecht ha scritto poesie e prosa per pubblicazioni emigrate e clandestine.

Nella primavera del 1935 Brecht tornò di nuovo a Mosca. Alla sera, organizzata in suo onore, la sala era gremita. Brecht leggeva poesie. I suoi amici cantavano zong dell'Opera da tre soldi, mostravano scene di opere teatrali. A Mosca, il drammaturgo ha visto il teatro cinese di Mei Lan-fang, che gli ha fatto una forte impressione.

A giugno, Brecht è stato accusato di attività antistatali e privato della cittadinanza.

Il Civic Repertory Theatre di New York ha messo in scena Mother. Brecht ha fatto un viaggio speciale a New York: questa è la prima produzione professionale in tre anni. Purtroppo, il regista ha rifiutato il "nuovo teatro" di Brecht e ha messo in scena una performance realistica tradizionale.

Brecht ha scritto la nota chiave "L'effetto di alienazione in cinese arti dello spettacolo". Stava cercando le basi di un nuovo teatro epico, "non aristotelico", basandosi sull'esperienza dell'antica arte dei cinesi e sulle sue personali osservazioni di vita di ogni giorno e clown da fiera. Quindi, ispirato dalla guerra di Spagna, il drammaturgo compose una breve commedia, The Rifles of Teresa Carrar. Il suo contenuto era semplice e pertinente: la vedova di un pescatore andaluso non vuole che i suoi due figli partecipino alla guerra civile, ma quando il figlio maggiore, che pescava pacificamente nella baia, viene colpito dai mitraglieri da una nave fascista, va in battaglia con suo fratello e suo figlio minore. Lo spettacolo è stato messo in scena a Parigi da attori emigrati ea Copenaghen da una compagnia di lavoro amatoriale. In entrambe le produzioni, Teresa Carrar è stata interpretata da Elena Weigel.

Dal luglio 1936, la rivista mensile tedesca Das Worth è stata pubblicata a Mosca. I redattori includevano Bredel, Brecht e Feuchtwanger. Brecht ha pubblicato poesie, articoli, estratti di opere teatrali in questa rivista. Nel frattempo, a Copenaghen, l'opera teatrale di Brecht Roundheads and Sharpheads è stata messa in scena in danese e il balletto The Seven Deadly Sins of the Petty Bourgeois. Il re stesso era alla prima del balletto, ma dopo le primissime scene se ne andò, indignato ad alta voce. L'Opera da tre soldi è andata in scena a Praga, a New York, a Parigi.

Affascinato dalla Cina, Brecht ha scritto il romanzo TUI, un libro di racconti e saggi The Book of Changes, poesie su Lao Tzu e la prima versione dell'opera The Good Man from Sezuan. Dopo l'invasione tedesca della Cecoslovacchia e la firma di un trattato di pace con la Danimarca, il prudente Brecht si trasferì in Svezia. Lì è costretto a scrivere sotto lo pseudonimo di John Kent brevi commedie per teatri di lavoro in Svezia e Danimarca.

Nell'autunno del 1939, Brecht rapidamente, in poche settimane, creò il famoso "Mother Courage" per il Teatro di Stoccolma e la sua prima Naima Vifstrand. Brecht ha reso muta la figlia del personaggio principale in modo che Weigel, che non parlava svedese, potesse interpretarla. Ma la messa in scena non ha mai avuto luogo.

I vagabondaggi di Brecht in Europa continuarono. Nell'aprile 1940, quando la Svezia divenne pericolosa, lui e la sua famiglia si trasferirono in Finlandia. Lì ha compilato l'Antologia della guerra: ha selezionato fotografie da giornali e riviste e ha scritto per ciascuna un commento poetico.

Insieme alla sua vecchia amica Hella Vuolioki, Bertolt ha creato la commedia "Il signor Puntila e il suo servitore Matti" per il concorso teatrale finlandese. Personaggio principale- un proprietario terriero che diventa gentile e coscienzioso solo quando si ubriaca. Gli amici di Brecht erano felicissimi, ma la giuria ha ignorato lo spettacolo. Quindi Brecht ha rielaborato "Mother Courage" per il teatro svedese di Helsinki e ha scritto "The Career of Arturo Ui" - stava aspettando un visto americano e non voleva andare negli Stati Uniti a mani vuote. L'opera riproduceva metaforicamente gli eventi accaduti in Germania, ei suoi personaggi parlavano in versi che parodiavano i Ladri di Schiller, il Faust di Goethe, Riccardo III, Giulio Cesare e il Macbeth di Shakespeare. Come al solito, parallelamente, ha creato commenti sull'opera.

A maggio Brecht ha ricevuto un visto, ma si è rifiutato di andare. Gli americani non hanno rilasciato il visto alla sua dipendente, Margaret Steffin, perché era malata. Gli amici di Brecht erano nel panico. Alla fine, Steffin riuscì a ottenere un visto turistico e lei, insieme alla famiglia Brecht, partì per gli Stati Uniti attraverso l'Unione Sovietica.

La notizia dell'inizio della guerra tra la Germania nazista e l'Unione Sovietica colse Brecht per strada, nell'oceano. Arrivò in California e si stabilì più vicino a Hollywood, nel villaggio turistico di Santa Monica, comunicò con Feuchtwanger e Heinrich Mann, seguì il corso delle ostilità. A Brecht non piaceva l'America, si sentiva un estraneo, nessuno aveva fretta di mettere in scena le sue opere. Insieme allo scrittore francese Vladimir Pozner e al suo amico, Brecht ha scritto una sceneggiatura sulla resistenza francese, Silent Witness, poi un'altra sceneggiatura, And the Executioners Die, su come gli antifascisti cechi hanno distrutto il governatore nazista nella Repubblica Ceca, il membro della Gestapo Heydrich. Il primo scenario è stato scartato, il secondo è stato sostanzialmente rifatto. Solo i teatri studenteschi hanno accettato di rappresentare le opere di Brecht.

Nel 1942, in una delle grandi sale da concerto di New York, gli amici organizzarono una serata Brecht. Mentre si preparava per questa serata, Brecht ha incontrato il compositore Paul Dessau. Dessau in seguito scrisse la musica di "Mother Courage" e diverse canzoni. Lui e Brecht concepirono le opere Le peregrinazioni del dio della fortuna e L'interrogatorio di Lucullo.

Brecht ha lavorato contemporaneamente a due commedie: la commedia "Schweik in the Second World War" e il dramma "Dreams of Simone Machar", scritto insieme a Feuchtwanger. Nell'autunno del 1943 iniziò le trattative con i teatri di Broadway per la commedia The Chalk Circle. Era basato su una parabola biblica su come il re Salomone risolse la causa di due donne, ognuna delle quali assicurò di essere la madre del bambino in piedi di fronte a lui. Brecht ha scritto la commedia ("Caucasian Chalk Circle"), ma ai teatri non è piaciuta.

Il produttore teatrale Lozi suggerì a Brecht di dirigere Galileo con il famoso attore Charles Loughton. Dal dicembre 1944 fino alla fine del 1945, Brecht e Loughton lavorarono allo spettacolo. Dopo l'esplosione della bomba atomica, è diventato particolarmente rilevante, perché ha affrontato la responsabilità di uno scienziato. Lo spettacolo ebbe luogo in un piccolo teatro a Beaverly Hills il 31 luglio 1947, ma non fu un successo.

Il maccartismo fiorì in America. Nel settembre 1947, Brecht ricevette una convocazione per un interrogatorio davanti al Comitato per le attività antiamericane del Congresso. Brecht ha microfilmato i suoi manoscritti e ha lasciato suo figlio Stefan come archivista. Stefan a quel tempo era un cittadino americano, prestò servizio nell'esercito americano e fu smobilitato. Ma, temendo l'accusa, Brecht si è comunque presentato per l'interrogatorio, si è comportato in modo enfaticamente educato e serio, ha portato la commissione al fuoco bianco con la sua noiosità ed è stato riconosciuto come un eccentrico. Pochi giorni dopo, Brecht volò a Parigi con sua moglie e sua figlia.

Da Parigi è andato in Svizzera, nella città di Herrliberg. Il teatro cittadino di Coira ha offerto a Brecht di mettere in scena il suo adattamento di Antigone, ed Elena Weigel è stata invitata a interpretare il ruolo principale. Come sempre, la vita in casa Brecht era in pieno svolgimento: si riunivano amici e conoscenti, si discuteva degli ultimi eventi culturali. Un ospite frequente era il più grande drammaturgo svizzero Max Frisch, che ironicamente definì Brecht un pastore marxista. Il Teatro di Zurigo ha messo in scena "Puntila e Matti", Brecht è stato uno dei registi.

Brecht sognava di tornare in Germania, ma non era così facile farlo: il Paese, come Berlino, era diviso in zone e nessuno voleva davvero vederlo lì. Brecht e Weigel (nato a Vienna) hanno presentato una domanda formale per la cittadinanza austriaca. La petizione fu accolta solo dopo un anno e mezzo, ma fu subito rilasciato un lasciapassare per recarsi in Germania attraverso il territorio austriaco: l'amministrazione sovietica invitò Brecht a mettere in scena "Madre coraggio" a Berlino.

Pochi giorni dopo il suo arrivo, Brecht è stato solennemente onorato nel club Kulturbund. Al tavolo del banchetto sedeva tra il presidente della Repubblica, Wilhelm Pick, e il rappresentante del comando sovietico, il colonnello Tyulpanov. Brecht ha commentato come segue:

“Non pensavo che avrei dovuto ascoltare i necrologi per me stesso e i discorsi sulla mia bara.

L'11 gennaio 1949, Mother Courage ha debuttato al Teatro di Stato. E già il 12 novembre 1949, il Berliner Ensemble - Brecht Theater aprì con una produzione di "Mr. Puntila e il suo servitore Matti". Vi hanno lavorato attori provenienti sia dalla parte orientale che da quella occidentale di Berlino. Nell'estate del 1950, il Berliner Ensemble era già in tournée nell'ovest: a Braunschweig, Dortmund, Düsseldorf. Brecht ha pubblicato diverse esibizioni di seguito: The Home Teacher di Jakob Lenz, The Mother basato sulla sua opera teatrale, The Beaver Fur Coat di Gerhart Hauptmann. A poco a poco il Berliner Ensemble divenne il principale teatro di lingua tedesca. Brecht fu invitato a Monaco per mettere in scena Madre Coraggio.

Brecht e Dessau lavorarono all'opera The Interrogation of Lucullus, che doveva essere presentata in anteprima nell'aprile 1951. In una delle ultime prove, i dipendenti della Commissione per le Arti e del Ministero della Pubblica Istruzione sono venuti e hanno dato a Brecht una medicazione. C'erano accuse di pacifismo, decadenza, formalismo e mancanza di rispetto per l'eredità classica nazionale. Brecht è stato costretto a cambiare il titolo dell'opera - non "Interrogatorio", ma "La condanna di Lucullo", cambiare il genere in "dramma musicale", introdurre nuovi personaggi e modificare parzialmente il testo.

Il 7 ottobre 1951, il biennio della RDT fu segnato dal conferimento del National riconoscimenti statali onorati lavoratori della scienza e della cultura. Tra i destinatari c'era Bertolt Brecht. I suoi libri iniziarono a essere pubblicati di nuovo e apparvero libri sul suo lavoro. Le opere di Brecht vanno in scena a Berlino, a Lipsia, a Rostock, a Dresda, le sue canzoni sono state cantate ovunque.

La vita e il lavoro nella RDT non hanno impedito a Brecht di avere un conto bancario svizzero e un contratto a lungo termine con una casa editrice di Francoforte sul Meno.

Nel 1952, il Berliner Ensemble pubblicò The Trial of Joan of Arc a Rouen nel 1431 di Anna Zegers, Goethe's Prafaust, Kleist's Broken Jug e Pogodin's Kremlin Chimes. Sono stati messi in scena da giovani registi, Brecht ha supervisionato il loro lavoro. Nel maggio 1953, Brecht fu eletto presidente del Club PEN unito, un'organizzazione congiunta di scrittori della DDR e della RFG, ed era già percepito da molti come uno scrittore importante.

Nel marzo 1954 il Berliner Ensemble si trasferì in un nuovo edificio, uscì il Don Giovanni di Molière, Brecht allargò la compagnia, invitò numerosi attori di altri teatri e città. A luglio, il teatro ha intrapreso la sua prima tournée all'estero. A Parigi, al Festival Internazionale del Teatro, ha mostrato "Mother Courage" e ha ricevuto il Primo Premio.

"Mother Courage" è andato in scena in Francia, Italia, Inghilterra e Stati Uniti; "The Threepenny Opera" - in Francia e in Italia; Fucili Teresa Carrar in Polonia e Cecoslovacchia; "La vita di Galileo" - in Canada, Stati Uniti, Italia; "Interrogatorio di Lucullo" - in Italia; "Good Man" - in Austria, Francia, Polonia, Svezia, Inghilterra; "Puntila" - in Polonia, Cecoslovacchia, Finlandia. Brecht divenne un drammaturgo di fama mondiale.

Ma lo stesso Brecht si sentiva sempre peggio, fu ricoverato in ospedale con angina pectoris acuta, furono scoperti gravi problemi cardiaci. La condizione era difficile. Brecht scrisse un testamento, segnò il luogo della sepoltura, rifiutò una magnifica cerimonia e determinò gli eredi: i suoi figli. La figlia maggiore Hanna viveva a Berlino Ovest, la più giovane suonava nel Berliner Ensemble, il figlio Stefan rimase in America, studiò filosofia. Il figlio maggiore è morto durante la guerra.

Nel maggio 1955, Brecht volò a Mosca, dove ricevette il Premio internazionale per la pace Lenin al Cremlino. Ha assistito a diversi spettacoli nei teatri di Mosca, ha appreso che una raccolta delle sue poesie e della sua prosa era stata stampata presso la casa editrice di letteratura straniera e una raccolta in un volume di drammi selezionati era in preparazione nell'arte.

Alla fine del 1955 Brecht si rivolse nuovamente a Galileo. Ha provato ardentemente, in meno di tre mesi ha tenuto cinquantanove prove. Ma l'influenza, che si trasformò in polmonite, interruppe il lavoro. I medici non gli hanno permesso di andare in tournée a Londra.

Non ho bisogno di una lapide, ma...
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“Ha dato suggerimenti. Noi
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E onorerebbe una tale iscrizione
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A proposito di Bertolt Brecht è stato girato Trasmissione televisiva della serie Genius and Villains.

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Il testo è stato preparato da Inna Rozova

drammaturgo tedesco, regista teatrale, poeta, una delle figure teatrali più brillanti del XX secolo.

Eugen Bertolt Frederick Brecht/ Eugen Berthold Friedrich Brecht è nato il 10 febbraio 1898 nella città bavarese di Augusta nella famiglia di un impiegato di cartiera. Suo padre era cattolico, sua madre protestante.

A scuola, Bertolt ha incontrato di Gaspare Neher/ Caspar Neher, con il quale è stato amico e ha lavorato insieme per tutta la vita.

Nel 1916 Bertold Brecht iniziò a scrivere articoli per i giornali. Nel 1917 si iscrisse a un corso di medicina all'Università di Monaco, ma era più interessato allo studio del teatro. Nell'autunno del 1918 fu arruolato nell'esercito e un mese prima della fine della guerra fu mandato come inserviente in una clinica della sua città natale.

Nel 1918 Brecht scrisse la sua prima commedia Baal", nel 1919 il secondo era pronto -" Tamburi nella notte". Fu collocato a Monaco di Baviera nel 1922.

Con il supporto del famoso critico Herbert Ihering, il pubblico bavarese ha scoperto l'opera del giovane drammaturgo che ha vinto il prestigioso premio letterario Kleist.

Nel 1923 Bertold Brecht si è cimentato nella cinematografia, scrivendo la sceneggiatura del cortometraggio" I segreti del barbiere". Il nastro sperimentale non ha trovato un pubblico e ha guadagnato lo status di culto molto più tardi. Nello stesso anno, la terza commedia di Brecht fu messa in scena a Monaco: " In più città».

Nel 1924 Brecht lavorò con Leone Feuchtwanger/ Lion Feuchtwanger sull'adattamento " Edoardo II» Cristoforo Marlow/ Christopher Marlowe. Lo spettacolo ha costituito la base della prima esperienza del "teatro epico" - la prima produzione alla regia di Brecht.

Nello stesso anno Bertold Brecht si trasferì a Berlino, dove ottenne un posto come assistente drammaturgo al Deutsches Theater, e dove mise in scena una nuova versione della sua terza commedia senza molto successo.

A metà degli anni '20 Brecht pubblicò una raccolta di racconti e si interessò al marxismo. Nel 1926, la commedia " L'uomo è uomo". Nel 1927 entra a far parte della compagnia teatrale Erwin Piscatore/ Erwin Piscatore. Poi ha messo in scena uno spettacolo basato sulla sua opera "" con la partecipazione del compositore Kurt Weill/ Kurt Weill e Gaspare Neher responsabile della parte visiva. La stessa squadra ha lavorato al primo grande successo di Brecht, la commedia musicale " Opera da tre soldi”, entrato stabilmente nel repertorio dei teatri mondiali.

Nel 1931 Brecht scrisse la commedia Santa Giovanna del mattatoio”, che non è mai stato messo in scena durante la vita dell'autore. Ma quest'anno, L'ascesa e la caduta di Mahagonnyè stato un successo a Berlino.

Nel 1932, con l'ascesa dei nazisti Brecht lasciò la Germania, andando prima a Vienna, poi in Svizzera, poi in Danimarca. Lì ha trascorso 6 anni, ha scritto " Romanzo da tre soldi», « Paura e disperazione nel Terzo Impero», « Vita di Galileo», « Mamma Coraggio e i suoi figli».

Con lo scoppio della seconda guerra mondiale Bertold Brecht, il cui nome fu inserito nella lista nera dai nazisti, senza ottenere il permesso di soggiorno in Svezia, si trasferì prima in Finlandia, e da lì negli USA. A Hollywood ha scritto la sceneggiatura del film contro la guerra " Anche i carnefici muoiono!", che è stato messo dal suo connazionale Fritz Lang/ Fritz Lang. Allo stesso tempo, il gioco " Sogni di Simone Machar».

Nel 1947 Brecht, che le autorità americane sospettavano di avere legami con i comunisti, tornò in Europa, a Zurigo. Nel 1948, a Brecht fu offerto di aprire il suo teatro a Berlino Est: ecco come " Ensemble berlinese". La primissima esibizione, Mamma Coraggio e i suoi figli", ha portato il successo al teatro - Brecht costantemente invitato a fare tournée in tutta Europa.

Vita personale di Bertolt Brecht / Berthold Brecht

Nel 1917 Brecht iniziò a frequentarsi Paula Bahnholser/ Paula Banholzer, nel 1919 nasce il loro figlio Frank. Morì in Germania nel 1943.

Nel 1922 Bertold Brecht sposato un viennese Cantante di opera Marianne Zoff/ Marianne Zoff. Nel 1923 nacque la loro figlia Hannah, che divenne famosa come attrice con il nome Hanna Hiob/ Hanne Hiob.

Nel 1927, la coppia divorziò a causa dei legami di Bertolt con il suo assistente. Elisabetta Hauptman/ Elisabeth Hauptmann e attrice Elena Weigel/ Helene Weigel, che nel 1924 diede alla luce suo figlio Stefan.

Nel 1930 Brecht e Weigel si sposarono, nello stesso anno nacque la loro figlia Barbara, anch'essa diventata attrice.

Interpretazioni chiave di Bertolt Brecht / Berthold Brecht

• Turandot, o il Congresso Whitewash / Turandot oder Kongreß der Weißwäscher (1954)
• La carriera di Arturo Ui che potrebbe non essere stata / Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui (1941)
• Il signor Puntila e il suo servitore Matti / Herr Puntila und sein Knecht Matti (1940)
• Vita di Galileo / Leben des Galilei (1939)
• Madre Coraggio e i suoi figli / Mutter Courage und ihre Kinder (1939)
• Paura e disperazione nel Terzo Impero / Furcht und Elend des Dritten Reiches (1938)
• Santa Giovanna dei macelli / Die heilige Johanna der Schlachthöfe (1931)
• L'opera da tre soldi / Die Dreigroschenoper (1928)
• L'uomo è uomo / Mann ist Mann (1926)
• Tamburi nella notte / Trommeln in der Nacht (1920)
• Baal / Baal (1918)

Brecht Bertold

Nome completo Eugen Berthold Friedrich Brecht (nato nel 1908 - morto nel 1956)

Eccezionale drammaturgo, scrittore, regista, personaggio teatrale, critico tedesco. Educato per suo conto termine teatrale"Brechtiano" significa: razionale, brillantemente caustico nella sua analisi delle relazioni umane. Secondo i ricercatori, deve gran parte del suo drammatico successo al talento e alla dedizione delle donne che lo amavano.

Il genio di Brecht appartiene senza dubbio non solo alla sua nativa Germania, la cui situazione spirituale della fine degli anni Venti ha espresso nelle sue opere spietate. Appartiene a tutto il XX secolo, perché Brecht, forse come nessun altro artista, ha saputo con sconfinata franchezza liberarsi di tutte le illusioni seducenti e salvifiche per l'umanità e mostrare la meccanica di relazioni sociali in tutta la loro nudità palese, cinismo e franchezza, che non conosce vergogna. Se prima del XX secolo. L'umanità ha seguito il Principe di Elsinore nel decidere la domanda: "Essere o non essere?" - poi Brecht, con tutta la sua franchezza, ha posto un'altra domanda nelle sue famose commedie: "Come sopravvivere nella lotta della vita?"

L'eccezionale riformatore teatrale ha creato il sistema del "teatro epico" con la sua "alienazione", pathos ironico, ballate beffarde e aggressive, in cui si nascondono la melodia sbiadita dell'anima umana e singhiozzi invisibili al mondo. Quando alla fine degli anni '50 Brecht ha portato il suo "Berliner Ensemble" in tournée a Mosca, è stato un potente shock estetico. Helena Weigel - madre Courage, che con voce rauca spudorata ha continuato a contrattare per pochi centesimi dopo che tutti i suoi figli sono stati portati via dalla guerra - il pubblico ha ricordato a lungo.

Eppure, Brecht divenne una delle figure più importanti che determinarono l'atmosfera spirituale della sua epoca, non perché scoprì un nuovo sistema teatrale. E poiché ha deciso con provocatoria schiettezza di privare una persona del velo salvifico della psicologia tradizionale, della moralità, dei conflitti psicologici, ha strappato senza pietà tutto questo pizzo "umanistico" e, come un chirurgo, ha aperto in una persona e relazioni umane, anche liriche, intima, la loro "meccanica popolare".

Brecht ha coraggiosamente spogliato l'umanità di tutte le illusioni su se stessa. Quando le verità elevate sono diminuite di prezzo, ha ridotto drasticamente il prezzo e generi alti: ha scritto opere "da tre soldi", opere di mendicanti. La sua filosofia del mondo e dell'uomo, così come l'estetica teatrale, erano palesemente scadenti. Brecht non aveva paura di mostrare a una persona il suo ritratto senza misticismo, psicologia e calore spirituale abituale; come se apposta, soffocato in se stesso e nei suoi spettatori tristezza spirituale e angoscia. Con freddezza distaccata, quasi senza cuore, ha dimostrato nelle sue opere una sorta di lumpenismo mondiale. Pertanto, giustamente, è stato incoronato con il titolo di "poeta maledetto".

Bertolt Brecht nacque il 10 febbraio 1898 ad Augsburg nella famiglia di un proprietario di cartiera. Dopo essersi diplomato in una vera scuola, ha studiato filosofia e medicina all'Università di Monaco, ha preso parte alla prima guerra mondiale. Nei suoi anni da studente ha scritto le commedie Baal e Drums in the Night.

Wieland Herzfelde, fondatore della famosa casa editrice Malik, una volta osservò: “Berthold Brecht è stato una sorta di precursore della rivoluzione sessuale. E anche, come si vede ora, uno dei suoi profeti. Questo ricercatore della verità preferiva due concupiscenze a tutti i piaceri della vita: la voluttà di un nuovo pensiero e la voluttà dell'amore ... "

Tra gli hobby della giovinezza di Brecht, va menzionata prima di tutto la figlia del medico di Augusta Paula Binholz, che

1919 ha dato alla luce suo figlio Frank. Poco dopo, uno studente di medicina dalla pelle scura ad Augsburg, Heddy Kuhn, conquistò il suo cuore. Nel 1920, l'amante di Brecht, Dora Mannheim, lo presentò alla sua amica Elisabeth Hauptmann, metà inglese e metà tedesca, che in seguito divenne la sua amante. A quel tempo, Brecht sembrava un giovane lupo, magro e spiritoso, rasato e in posa per i fotografi con un cappotto di pelle. Tra i suoi denti c'è l'immutabile sigaro del vincitore, intorno a lui c'è un seguito di ammiratori. Era amico di registi, coreografi, musicisti.

Nel gennaio 1922 Brecht entrò per la prima volta nel vero teatro, non come spettatore, ma come regista. Inizia, ma non finisce di lavorare alla commedia del suo amico A. Bronnen "Paricide". Ma non rinuncia a questa idea, decide di mettere in scena la commedia espressionista a modo suo, sopprime il pathos e la dichiarazione, esige un significato chiaro nella pronuncia di ogni parola, ogni osservazione.

Alla fine di settembre ha avuto luogo la prima rappresentazione di Brecht come regista, seguita dal primo dramma di Brecht come drammaturgo. A Monaco, al Chamber Theatre, il regista Falkenberg ha messo in scena "Drums". Il successo e il riconoscimento, a cui il giovane scrittore si è impegnato così tanto, arrivano in tutto il loro splendore. Il dramma "Drums in the Night" ha vinto il Kleist Prize, e il suo autore è diventato un drammaturgo del Chamber Theatre ed è finito nella casa di scrittore famoso Leone Feuchtwanger. Qui Brecht conquistò la scrittrice bavarese Marie-Louise Fleisser, che in seguito divenne sua amica e fidata collaboratrice.

Nel novembre dello stesso anno, Berthold fu costretto a sposare la cantante lirica di Monaco Marianne Zoff, dopo essere rimasta incinta due volte da lui. È vero, il matrimonio fu di breve durata. La loro figlia Hanne Hiob in seguito divenne un'interprete di ruoli nelle commedie di suo padre. Durante questo periodo, l'aspirante drammaturgo conobbe l'attrice Carola Neher, che dopo poco divenne la sua amante.

Nell'autunno del 1924, Berthold si trasferì a Berlino, dopo aver ricevuto un posto come drammaturgo al Teatro tedesco da M. Reinhardt. Qui conobbe Helena Weigel, sua futura moglie, che gli diede un figlio, Stefan. Intorno al 1926, Brecht divenne un artista freelance, lesse Marx e Lenin, finalmente convinto che l'obiettivo principale e il significato del suo lavoro dovesse essere la lotta per la rivoluzione socialista. L'esperienza della prima guerra mondiale rese lo scrittore un oppositore delle guerre e divenne uno dei motivi della sua conversione al marxismo.

L'anno successivo vide l'uscita del primo libro di poesie di Brecht, nonché una versione breve dell'opera teatrale Mahagonny Songspiel, il suo primo lavoro in collaborazione con il talentuoso compositore Kurt Weill. La loro opera successiva e più significativa - The Threepenny Opera (un adattamento gratuito dell'opera teatrale del drammaturgo inglese John Gay "The Beggar's Opera") - fu proiettata con grande successo il 31 agosto 1928 a Berlino, e poi in tutta la Germania. Da quel momento fino all'ascesa al potere dei nazisti, Brecht scrisse cinque musical, noti come "drammi di studio", sulla musica di K. Weill, P. Hindemith e X. Eisler.

Nel 1930 creò una nuova opera, The Rise and Fall of the City of Mahagonny, dove sviluppò i motivi delle opere precedenti. Lì, ancora più francamente che nell'Opera da tre soldi, la moralità borghese viene ridicolizzata in modo diretto, persino semplicistico, e insieme all'idealizzazione romantica dell'America. La musica è stata scritta dal socio di lunga data di Brecht, Kurt Weill. Alla primissima produzione all'Opera di Lipsia, avvenuta il 9 marzo, scoppiò uno scandalo. Alcuni del pubblico hanno fischiato, sibilato, battuto i piedi, ma la maggioranza ha applaudito. Sono scoppiati scontri in diversi punti e i fischietti sono stati condotti fuori dalla sala. Gli scandali si ripetevano ad ogni rappresentazione a Lipsia e successivamente in altre città. E già nel gennaio 1933 iniziarono a verificarsi quotidianamente sanguinose scaramucce per le strade delle città tedesche. Stormtroopers, spesso con il supporto diretto della polizia, hanno attaccato manifestazioni operaie e picchetti di sciopero. E questo non era più legato al teatro di Brecht, ma era la reazione dello "spettatore" alle azioni del teatro politico.

In quel momento, Brecht fu dimesso dall'ospedale, dove fu trattenuto a lungo da una grave influenza con complicazioni. In un'atmosfera di caos generale, il drammaturgo non poteva sentirsi al sicuro. Helena Weigel, che a quel tempo era diventata la seconda moglie di Brecht e l'attrice protagonista delle esibizioni di Brecht, fece rapidamente le valigie e il 28 febbraio 1933, il giorno dopo l'incendio del Reichstag, partirono per Praga con il figlio. La figlia appena nata è stata mandata ad Augusta per il momento.

Brecht e la sua famiglia si stabilirono in Danimarca e già nel 1935 furono privati ​​della cittadinanza tedesca. Lontano dalla sua terra natale, il drammaturgo scrisse poesie e schizzi per movimenti antinazisti e nel 1938-1941. ha creato quattro delle sue opere più grandi: "La vita di Galileo", "Madre coraggio ei suoi figli", "Il buon uomo di Cezuan" e "Il signor Puntila e il suo servitore Matti".

Nel 1939, il Secondo Guerra mondiale. Un'ondata di indignazione e riluttanza a obbedire al dittatore tedesco ha attraversato l'Europa. I congressi antifascisti in Spagna ea Parigi condannarono la guerra, cercando di mettere in guardia la folla inferocita dall'appello nazionalista. I ricchi desideravano ardentemente i benefici della guerra, erano pronti a obbedire a un esercito fanatico che avrebbe portato loro soldi veri, i poveri andavano in battaglia con un solo obiettivo: rubare ricchezza per se stessi in altri paesi, diventavano i re della vita, il mondo intero li obbediva. Essere in prima linea in un tale movimento, strappare la gola, cercare di dimostrare qualcosa alla stupida folla: questa strada non era per il filosofo Brecht.

Una volta distaccato dal rumore della vita pubblica, Brecht iniziò a lavorare alla formulazione dei fondamenti del "teatro epico". Parlando contro il dramma esterno, la necessità di simpatizzare con i suoi personaggi, identificando "cattivo" e "buono" nelle loro caratteristiche personali, Brecht si oppose anche ad altre caratteristiche tradizionali del dramma e del teatro. Era contrario ad "abituarsi" all'attore nell'immagine, in cui si identifica con il personaggio; contro la fede disinteressata dello spettatore nella veridicità di ciò che sta accadendo sul palco; contro la "quarta parete", quando gli attori si comportano come se non ci fosse l'auditorium; contro lacrime di tenerezza, gioia, simpatia. In questo modo il sistema di Brecht era l'opposto di quello di Stanislavskij. La parola più importante qui era la parola "significato". Lo spettatore dovrebbe pensare a ciò che viene raffigurato, cercare di comprenderlo, trarre conclusioni per se stesso, per la società. In questo, con l'ausilio di opportuni “metodi di alienazione”, il teatro dovrebbe aiutarlo. Una caratteristica dell'estetica di Brecht era che le sue esibizioni richiedevano al pubblico di padroneggiare "l'arte di essere uno spettatore". Poiché nelle produzioni del suo teatro l'attenzione principale era rivolta alle relazioni dei personaggi, il pubblico non era rivolto all'epilogo della rappresentazione, ma all'intero corso dell'azione.

Nel 1940 i nazisti invadono la Danimarca e lo scrittore antifascista è costretto a partire per la Svezia e poi per la Finlandia. E l'anno seguente Brecht, passando per l'URSS, si ritrovò in California. Nonostante la sua persistente reputazione di "rabbioso marxista", è riuscito a mettere in scena molte delle sue opere negli Stati Uniti e ha persino lavorato per Hollywood. Qui scrisse The Caucasian Chalk Circle e altre due commedie, e lavorò anche alla versione inglese di Galileo.

Nel 1947, il drammaturgo dovette rispondere alle accuse mosse contro di lui dalla Commissione d'inchiesta sulle attività antiamericane, e poi lasciare completamente l'America. Alla fine dell'anno è finito a Zurigo, dove ha creato il suo main lavoro teorico The Short Theatrical Organon, il cui titolo riecheggiava il titolo del famoso trattato di Francis Bacon, The New Organon. In quest'opera, Brecht ha delineato le sue opinioni sull'arte in generale e sul teatro come genere artistico in particolare. Inoltre, ha scritto l'ultima commedia completata, Days of the Commune.

Nell'ottobre 1948, il drammaturgo si trasferì nel settore sovietico di Berlino, e già nel gennaio dell'anno successivo ci fu la prima di "Mother Courage" nella sua produzione, con sua moglie Helena Weigel nel ruolo del protagonista. Quindi i due fondarono la loro compagnia "Berliner Ensemble", che questo creatore del "teatro epico" e il grande paroliere guidò fino alla sua morte. Brecht ha adattato o messo in scena circa dodici spettacoli per il suo teatro. Nel marzo 1954 il gruppo ricevette lo status di teatro di stato.

Recentemente hanno cominciato ad apparire sempre più spesso pubblicazioni, da cui ne consegue che il grande drammaturgo tedesco non ha scritto quasi nulla da solo, ma ha utilizzato i talenti delle sue segretarie, che erano anche le sue amanti. A questa conclusione è arrivato, tra l'altro, il più serio ricercatore dell'opera e della biografia di Bertolt Brecht, il professore americano John Fuegi. Ha dedicato più di trent'anni alla causa della sua vita, a seguito della quale ha pubblicato un libro su Brecht, pubblicato a Parigi e di 848 pagine.

Mentre lavorava al suo libro, ha intervistato centinaia di persone nella DDR e nell'Unione Sovietica che conoscevano intimamente Brecht. Ha parlato con la vedova del drammaturgo e i suoi assistenti, ha studiato migliaia di documenti, compresi gli archivi di Berlino, che erano stati a lungo sotto chiave. Inoltre, Fuegi ottenne l'accesso ai manoscritti di Brecht e ai materiali precedentemente sconosciuti conservati Università di Harvard. Le versioni manoscritte della maggior parte delle opere del grande scrittore e drammaturgo tedesco non sono state scritte di sua mano.

Si è scoperto che Berthold li ha dettati alle sue amanti. Tutti gli preparavano da mangiare, lavavano e stiravano cose e ... scrivevano per lui opere teatrali, per non parlare del fatto che Brecht usava le sue passioni come segretarie personali. Per tutto questo, il drammaturgo li ha ripagati con il sesso. Il suo motto era: "Un po' di sesso per un buon testo". Inoltre, si è saputo che negli anni '30. il futuro focoso antifascista e fedele leninista non solo non condannò i nazisti, ma consigliò anche a suo fratello di aderire al Partito nazionalsocialista.

Anni di ricerca hanno permesso al professore americano di concludere che l'autore di The Song of Alabama è una delle segretarie letterarie di Brecht, la figlia di un medico della Westfalia, la studentessa Elizabeth Hauptmann. Aveva una brillante conoscenza della letteratura inglese e Brecht la usava spesso come una miniera d'oro per scegliere il tema delle sue opere. Fu Elizabeth l'autrice delle prime bozze di The Threepenny Opera, The Rise and Fall of the City of Mahagonny. Il drammaturgo doveva solo modificare ciò che aveva scritto. Secondo Elisabeth Hauptmann, è stata lei a introdurre Brecht alle opere classiche giapponesi e cinesi, che il drammaturgo ha successivamente utilizzato nei suoi scritti.

L'attrice Helena Weigel è stata prima un'amante e poi la moglie di Brecht. Rassegnata alle infinite relazioni amorose del marito, Helena comprò una macchina da scrivere e dattilografò lei stessa le sue opere, modificando i testi lungo la strada.

Berthold ha incontrato la scrittrice e attrice Ruth Berlau nel 1933 in Danimarca. A causa sua, la "stella nascente" del Royal Theatre ha divorziato dal marito ed è andata in esilio con lo scrittore antifascista in America. I biografi di Brecht ritengono che Ruth abbia scritto la commedia The Caucasian Chalk Circle e Simone Machar's Dreams. In ogni caso, lui stesso ha testimoniato di una collaborazione letteraria con una bella scandinava. In una delle sue lettere a Berlau ci sono queste parole: "Siamo due drammaturghi che scrivono opere in un lavoro creativo congiunto".

E infine, un altro amore di Berthold è la figlia di un muratore della periferia di Berlino, Margaret Steffin. Ci sono ipotesi che abbia scritto le commedie The Good Man of Sezuan e The Roundheads and the Sharpheads. Sul retro frontespizi sei drammi di Brecht: "La vita di Galileo", "La carriera di Arturo Ui", "Paura e disperazione", "Orazi e Curatii", "I fucili di Teresa Carrar" e "L'interrogatorio di Lucullo" dattiloscritti in caratteri piccoli: "In collaborazione con M. Steffin." Inoltre, secondo lo studioso di letteratura tedesco Hans Bunte, ciò che Margaret ha contribuito a The Threepenny Romance e The Cases of Julius Caesar non può essere separato da ciò che ha scritto Brecht.

Margarethe Steffin si è incontrata sulla strada di un drammaturgo alle prime armi nel 1930. La figlia di un proletario berlinese conosceva sei lingue straniere, aveva una musicalità innata, indubbie capacità artistiche e letterarie - in altre parole, era perfettamente in grado di tradurre il suo talento in un'opera significativa di un'arte che sarebbe stata destinata a vivere più a lungo del suo creatore.

Tuttavia, la tua vita e modo creativo Steffin ha scelto se stessa, ha scelto in modo del tutto consapevole, rinunciando volontariamente alla parte del creatore e scegliendo da sola il destino del coautore di Brecht. Era una stenografa, impiegata, referente... Solo due persone del suo entourage Berthold chiamavano i suoi insegnanti: Feuchtwanger e Steffin. Questa donna fragile, bionda e modesta ha partecipato prima al movimento giovanile di sinistra, poi si è unita al Partito Comunista Tedesco. La sua collaborazione con Bertolt Brecht è durata quasi dieci anni.

Mistero e un punto di partenza Il rapporto tra gli anonimi coautori e l'eccezionale drammaturgo tedesco è racchiuso nella parola "amore". La stessa Steffin amava Brecht, e il suo fedele servizio letterario, letteralmente fino alla tomba, era, presumibilmente, per molti aspetti solo un mezzo per esprimere il suo amore. Ha scritto: “Ho amato l'amore. Ma l'amore non è come, "Faremo presto un maschio?" Pensandoci, odiavo un tale casino. Quando l'amore non porta gioia. In quattro anni, ho provato solo una volta un simile piacere appassionato, un piacere simile. Ma cosa fosse, non lo sapevo. Dopotutto, è balenato in un sogno e, quindi, non mi è mai successo. E ora siamo qui. Ti amo, non mi conosco. Tuttavia, desidero stare con te ogni notte. Non appena mi tocchi, voglio già sdraiarmi. Né la vergogna né il guardare indietro si oppongono a questo. Tutto oscura l'altro…”

Le donne di Brecht furono sue vittime? Un collega del drammaturgo, lo scrittore Leon Feuchtwanger, lo ha definito così: "Berthold ha dato il suo talento in modo disinteressato e generoso, più di quanto chiedesse". Il creatore del "teatro epico" ha chiesto una dedizione completa. E le donne? Alle donne piaceva molto donarsi a lui.

Brecht è sempre stato una figura controversa, soprattutto in una Germania divisa anni recenti la sua vita. Nel giugno 1953, dopo i disordini a Berlino Est, fu accusato di lealtà al regime e molti teatri della Germania occidentale boicottarono le sue opere. Nel 1954, il drammaturgo di fama mondiale, che non divenne mai comunista, ricevette il Premio internazionale Lenin "Per il rafforzamento della pace tra i popoli".

Bertolt Brecht morì a Berlino Est il 14 agosto 1956. Fu sepolto accanto alla tomba di Hegel.

Nei nostri teatri, Brecht suona raramente oggi. Non ha moda. In effetti, i principi sistema teatrale, il suo "teatro epico" nella sua forma più pura non ha mai messo radici sul nostro suolo teatrale e non ha potuto. Nel famoso "The Good Man from Sezuan" di Lyubimov, da cui iniziò nel 1963 il leggendario Taganka, secondo i critici di quegli anni, "una goccia di russo, il sangue di Tsvetaev si mescolava alla didattica e alle formule spietate di Brecht". Gli attori di Taganka hanno cantato cordialmente e inimitabilmente le poesie di Marina Cvetaeva alla chitarra, violando la purezza del sistema...

Comunque sia, ma per il suo centenario Brecht aumenta di nuovo di prezzo. La generazione perduta, con tutte le grandi depressioni che il XX secolo non ha lesinato, non meno della fede nella bontà e nei miracoli, ha bisogno della sobrietà di pensiero di Brecht, imparziale da qualsiasi, anche dalle idee e dagli slogan più belli e umanistici.