Cruciverba sul tema dei simboli artistici dei popoli del mondo. Simboli poetici dei paesi del mondo
Simboli artistici dei popoli del mondo: cosa sono? Immagina di essere arrivato in un paese sconosciuto. Cosa ti interesserà principalmente? Quali attrazioni ti verranno mostrate per prime? In cosa adorano e credono le persone di questo paese? Quali leggende, miti e leggende vengono raccontate? Come ballano e cantano? E tanti tanti altri. E tanti tanti altri.
Egitto - PIRAMIDI Le piramidi sono costruite sulla sponda sinistra occidentale del Nilo (West regno dei morti) e torreggiava su tutto città dei morti innumerevoli tombe, piramidi, templi. PIRAMIDI EGIZIANE, le tombe dei faraoni egizi. Le più grandi sono le piramidi di Cheope, Khafre e Mikerin a El Giza che nei tempi antichi erano considerate una delle sette meraviglie del mondo. L'erezione della piramide, in cui già Greci e Romani vedevano un monumento all'orgoglio e alla crudeltà senza precedenti dei re, che condannò l'intero popolo egiziano a una costruzione insensata, fu l'atto di culto più importante e avrebbe dovuto esprimere, a quanto pare, l'identità mistica del paese e del suo sovrano.
La più grande delle tre La più grande delle tre piramidi di Cheope. la Piramide di Cheope. La sua altezza era originariamente di 147 m, la sua altezza era originariamente di 147 m, e la lunghezza del lato della base era di 232 m, e la lunghezza del lato della base era di 232 m Per la sua costruzione, 2 milioni 300 mila enormi pietre erano necessari blocchi, peso medio di cui 2,5 ton Le lastre non sono state fissate con malta, solo un incastro estremamente preciso le trattiene. Anticamente le piramidi erano rivestite con lastre di calcare bianco levigato, le loro sommità erano ricoperte da lastre di rame che scintillavano al sole (solo la piramide di Cheope conservava il rivestimento di calcare, gli arabi utilizzarono il rivestimento di altre piramidi nella costruzione del Moschea Bianca al Cairo). Per la sua costruzione sono stati necessari 2 milioni e 300mila enormi blocchi di pietra, il cui peso medio è di 2,5 tonnellate, le lastre non sono state fissate con malta, solo un adattamento estremamente preciso le trattiene. Anticamente le piramidi erano rivestite con lastre di calcare bianco levigato, le loro sommità erano ricoperte da lastre di rame che scintillavano al sole (solo la piramide di Cheope conservava il rivestimento di calcare, gli arabi utilizzarono il rivestimento di altre piramidi nella costruzione del Moschea Bianca al Cairo).
Vicino alla piramide di Khafre sorge una delle più grandi statue dell'antichità e del nostro tempo, una figura di una sfinge sdraiata scolpita nella roccia con i tratti del ritratto dello stesso faraone Khafre. Vicino alla piramide di Khafre sorge una delle più grandi statue dell'antichità e del nostro tempo, una figura di una sfinge sdraiata scolpita nella roccia con i tratti del ritratto dello stesso faraone Khafre. Piramide di Chefren Chefren
America - Statua della Libertà Statua della Libertà - vista a volo d'uccello STATUA DELLA LIBERTÀ è una scultura colossale situata a Liberty Island nel porto di New York. La statua a forma di donna con una torcia accesa nella mano destra alzata simboleggia la libertà. L'autore della statua scultore francese F. Bartholdi. La statua fu donata dalla Francia agli Stati Uniti nel 1876 per il centenario dell'indipendenza degli Stati Uniti.
Giappone - sakura SAKURA, un tipo di ciliegia (ciliegia seghettata). Cresce ed è coltivata come pianta ornamentale principalmente su Lontano est(l'albero è il simbolo del Giappone). I fiori sono rosa, doppi, le foglie sono viola in primavera, verdi o arancioni in estate, viola o marroni in autunno. I frutti sono immangiabili. SAKURA, un tipo di ciliegia (ciliegia seghettata). Cresce e viene coltivata come pianta ornamentale soprattutto in Estremo Oriente (l'albero è un simbolo del Giappone). I fiori sono rosa, doppi, le foglie sono viola in primavera, verdi o arancioni in estate, viola o marroni in autunno. I frutti sono immangiabili.
Sakura è considerato il simbolo artistico del Giappone. Sakura è considerato il simbolo artistico del Giappone. bellissimi fiori rosa, doppia, foglie viola in primavera, verdi o arancioni in estate, viola o marroni in autunno. I bei fiori sono rosa, doppi, le foglie sono viola in primavera, verdi o arancioni in estate, viola o marroni in autunno. Sotto i rami di sakura, gli innamorati esprimono desideri e si baciano. Sotto i rami di sakura, gli innamorati esprimono desideri e si baciano. L'immagine di un ciliegio in fiore è usata anche sui costumi nazionali giapponesi. L'immagine di un ciliegio in fiore è usata anche sui costumi nazionali giapponesi. Il fiore di sakura è una creatura vivente che può provare le stesse sensazioni di una persona. Il fiore di sakura è una creatura vivente che può provare le stesse sensazioni di una persona.
Cina - Grande muraglia cinese GRANDE MURAGLIA CINESE, un muro di fortezza nel nord della Cina; grande monumento architettonico Antica Cina. GRANDE MURAGLIA CINA, un muro di fortezza nel nord della Cina; grandioso monumento di architettura dell'antica Cina. La lunghezza, secondo alcune ipotesi, è di circa 4mila km, secondo altri di oltre 6mila Km. 10 M. Costruita principalmente nel III secolo a.C. e. Sezione del Grande completamente restaurata muraglia cinese vicino a Pechino. altezza 6,6 m, in alcune zone fino a 10 m Costruito principalmente nel III secolo aC. e. Una sezione della Grande Muraglia cinese vicino a Pechino è stata completamente restaurata.
Convento di Novodevichy In onore della nascita dell'erede, il futuro zar Ivan IV, nel 1532 a Kolomenskoye, vicino a Mosca, sull'alta sponda ripida del fiume Moscova, fu eretta la Chiesa dell'Ascensione. La sua costruzione segna la comparsa di nuovi templi a padiglione in pietra aacentrici, orientati dinamicamente verso l'alto. Nelle vicinanze, nel villaggio di Dyakovo, è stata costruita la Chiesa della Decollazione di Giovanni Battista, caratterizzata da un'architettura insolita. In onore della nascita dell'erede, il futuro zar Ivan IV, nel 1532 a Kolomenskoye vicino a Mosca, sull'alta sponda ripida del fiume Moscova, fu eretta la Chiesa dell'Ascensione. La sua costruzione segna la comparsa di nuovi templi a padiglione in pietra aacentrici, orientati dinamicamente verso l'alto. Nelle vicinanze, nel villaggio di Dyakovo, è stata costruita la Chiesa della Decollazione di Giovanni Battista, caratterizzata da un'architettura insolita. L'evento è stato la costruzione della Cattedrale dell'Intercessione sul lato sud della Piazza Rossa sul fossato, meglio conosciuta come Cattedrale di San Basilio. L'evento è stato la costruzione della Cattedrale dell'Intercessione sul lato sud della Piazza Rossa sul fossato, meglio conosciuta come Cattedrale di San Basilio.
Cattedrale di San Basilio Una delle chiese più famose di Mosca, costruita sotto il nome di Cattedrale Pokrovsky in onore della vittoria sul Khanato di Kazan nella festa dell'Intercessione della Vergine. Successivamente l'annessa chiesa di San Basilio il Beato diede il nome all'intero tempio. La colorazione variegata riflette i gusti dei tempi successivi (XVII secolo). Il tempio era originariamente dipinto di rosso e vernice bianca. La Cattedrale dell'Intercessione è stata concepita come la prima cattedrale cittadina costruita fuori dalle mura del Cremlino e avrebbe dovuto simboleggiare l'unità dello zar con il popolo. Una delle chiese più famose di Mosca, costruita sotto il nome di Cattedrale Pokrovsky in onore della vittoria sul Khanato di Kazan nella festa dell'Intercessione della Vergine. Successivamente l'annessa chiesa di San Basilio il Beato diede il nome all'intero tempio. La colorazione variegata riflette i gusti dei tempi successivi (XVII secolo). Il tempio era originariamente dipinto in rosso e bianco. La Cattedrale dell'Intercessione è stata concepita come la prima cattedrale cittadina costruita fuori dalle mura del Cremlino e avrebbe dovuto simboleggiare l'unità dello zar con il popolo.
La Torre Spasskaya del Cremlino di Mosca La parte vecchia di Mosca ha una pianta radiale-circolare. Il nucleo storico di Mosca è l'insieme del Cremlino di Mosca, accanto ad esso c'è la Piazza Rossa. La parte vecchia di Mosca ha una pianta radiale-circolare. Il nucleo storico di Mosca è l'insieme del Cremlino di Mosca, accanto ad esso c'è la Piazza Rossa.
Campanile "Ivan il Grande" Evento importante fu la costruzione di nuove mura di mattoni e torri del Cremlino, che furono costruite in sei delle diciotto torri che erano porte di passaggio. Il Cremlino è stato trasformato in una delle più potenti fortezze europee. Un evento importante fu l'erezione di nuove mura di mattoni e torri del Cremlino, che furono costruite in sei torri su diciotto con porte di passaggio. Il Cremlino è stato trasformato in una delle più potenti fortezze europee.
Più di duecentocinquanta paesi, diverse migliaia di nazionalità, nazionalità, popoli - grandi e piccoli - esistono e interagiscono tra loro sul pianeta Terra. E ognuno di loro ha le sue caratteristiche, usanze e tradizioni, formate nel corso dei secoli. tratti caratteriali. Ci sono anche simboli artistici popoli del mondo, che riflettono la loro idea di essere, religione, filosofia e altre conoscenze e concetti. IN paesi diversi differiscono l'uno dall'altro, possedendo l'unicità e l'originalità inerenti a questo o quel pezzo del pianeta. Non dipendono direttamente dal potere statale, ma a volte si formano durante i cambiamenti di autorità e governanti da parte del popolo stesso. Quali sono i simboli artistici dei popoli del mondo nel senso generalmente accettato della parola?
Simbolo
In parole povere, un simbolo è un segno ipertrofico. Cioè un'immagine, di regola, schematica e condizionale, di un oggetto, animale, pianta o concetto, qualità, fenomeno, idea. Differisce dal contesto sacro, il momento della normatività e della spiritualità sociale o religioso-mistica, espressa nell'immagine (di regola, schematicamente e semplificata).
Simboli artistici dei popoli del mondo
Probabilmente ogni paese ha il suo miracoli fatti dall'uomo"fatto da esseri umani. Non per niente i "sette miracoli" furono individuati ai vecchi tempi, considerati, ovviamente, simboli artistici originali (il primo elenco fu piegato, come si suol dire, da Erodoto nel V secolo a.C.). nuova era- ha avuto solo tre miracoli). Includevano i giardini di Babilonia, la statua di Zeus e altri. L'elenco è variato nel corso dei secoli: alcuni nomi sono stati aggiunti, altri sono scomparsi. Molti simboli artistici dei popoli del mondo non sono sopravvissuti fino ad oggi. Dopotutto, infatti, c'era sempre un numero incommensurabile tra i vari popoli. Proprio il numero sette era considerato sacro, magico. Ebbene, il tempo ha conservato oggi solo pochi simboli dei popoli del mondo.
Tema: Simboli artistici dei popoli del mondo.Bersaglio: Introdurre gli studenti ai simboli artistici dei popoli del mondo,rivelare il significato dell'immagine della betulla russa nella poesia, nella pittura e nella musica
Compiti: Lo sviluppo del gusto estetico e creatività;
Formazione della conoscenza sui simboli dei popoli del mondo;
L'acquisizione da parte degli studenti di abilità nella selezione delle informazioni, la capacità di evidenziare i principali punti significativi e presentarli in modo creativo nel lavoro indipendente.
Risultati di apprendimento pianificati :
Personale: mostrare interesse per l'apprendimento di nuovo materiale; attività cognitiva; sono consapevoli dei loro interessi e obiettivi, emozioni, li esprimono adeguatamente; comprendere lo stato emotivo degli altri; fare concessioni reciproche diverse situazioni riflettere criticamente sul proprio comportamento.
Soggetto: imparerà installarelegami figurativo-associativi tra monumenti architettonici, opere musicali, arti visive e letteratura.
Metasoggetto: imparerà definire lo scopo e il problema in attività didattiche; rispettare le norme di comunicazione collettiva; pianificare le attività in una situazione di apprendimento; determinare il problema dell'esagerazione artistica, i modi per raggiungere l'obiettivo; sviluppare la capacità di condurre una discussione, porre domande, argomentare, difendere la propria opinione, la capacità di lavorare con le informazioni: sistematizzarle, strutturarle; lavorare secondo il piano.
Durante le lezioni:
Aggiornamento delle conoscenze degli studenti sull'argomento:
Non proprio
A) Il romanzo "La vita e incredibili avventure Robinson Crusoe" ha scritto Scrittore inglese D. De Foe? (SÌ).
B) la parola "civiltà" in greco antico suona come "civile, pubblico, statale"? (no, dal latino e da altri romani).
C) Civiltà: il livello di materiale e sviluppo spirituale società (sì).
D) La cultura è associata alla parola "culto" e significa riverenza, adorazione (sì).
E) Nel dizionario di Ozhegov, la parola "cultura" ha il seguente significato: Elaborazione, cura, coltivazione" e "educazione mentale e morale" (no, nel dizionario di V. Dahl)
E) Il concetto di "civiltà" è più ampio del concetto di "cultura" (sì)
G) La cultura è un concetto temporaneo e la civiltà è universale (no, al contrario)
H) Chiamiamo persona colta qualcuno che agisce secondo le norme di pensiero e comportamento accettate nella società (sì)
I) immagine persona colta anche nell'era dell'antichità, ha cercato di ricreare Pitagora (no, Platone)
K) Confucio è un pensatore giapponese? (no, cinese)
L) L'artista Hieronymus Bosch visse nel XV secolo nei Paesi Bassi? (SÌ)
III . Studiando nuovo argomento:
Non riesco a immaginare la Russia senza una betulla, -
lei è così brillante in slavo,
che, forse, in secoli diversi
da una betulla - è nata tutta la Rus'.
Oleg Shestinskij
Presentazione dell'argomento e degli obiettivi della lezione. Chi può dire di cosa parlano queste parole? Cos'è una betulla per una persona russa? Oggi nella lezione faremo un po ' viaggio intorno al mondo e conoscere i simboli artistici dei popoli del mondo, fare una passeggiata attraverso il "paese del calicò di betulla" e, naturalmente, immergersi nelle distese native a noi familiari fin dall'infanzia.
2. Imparare nuovo materiale .
Insegnante: Ci sono più di 250 paesi sul nostro pianeta, dove vivono diverse migliaia di popoli diversi,ognuna delle quali ha le proprie tradizioni e caratteristiche.Devi aver sentito queste combinazioni più di una volta.: "pulizia tedesca", "galanteria francese","Temperamento africano", "Freddezza inglichan”, “irascibilità degli italiani”, “ospitalità dei georgiani”, ecc.Dietro ognuno di loro ci sono le caratteristiche e le caratteristiche che si sono sviluppate in una certa gente nel corso degli anni.
Bene, dentro cultura artistica? Ha similiimmagini e tratti stabili? Senza dubbio. Ogni nazione ha la sua simbuoi, che riflettono idee artistiche sul mondo.
Immagina di essere arrivato in un paese sconosciuto. Cosa, prima di tutto,ti interessa? Certo, che lingua si parla qui? Quali attrazioni verranno mostrate per prime? Cosa adorano e cosa credono? Quali leggende, miti e leggende vengono raccontate? Come ballanoe cantare? E tanti tanti altri.
Cosa ti verrà mostrato, ad esempio, se visiti l'Egitto?
Alunno: Dantiche piramidi, considerate una delle meraviglie del mondo e da tempo diventateil simbolo artistico di questo paese.
Alunno: Sull'altopiano rocciosodeserti, proiettando ombre chiare sulla sabbia, per più di quaranta secolicosta tre enormi corpi geometrici- perfettamente correttopiramidi tetraedriche, tombe dei faraoni Cheope, Khafre e Mikerin. Il loro rivestimento originale è stato a lungo perso, saccheggiatocamere a remi con sarcofagi, ma né il tempo né le persone potevano spezzare la loro forma idealmente stabile. Triangoli di piramidi sullo sfondo di Thi cieli blu sono visibili da ogni parte, come promemoria dell'eternità.
Insegnante: Se hai un incontro con Parigi, vorrai sicuramente salire in cima alla famosa Torre Eiffel, anch'essa diventata famosa.il simbolo di questa incredibile città. Cosa sai di lei?
Alunno: Costruito nel 1889anno come decorazione dell'Esposizione Mondiale, dapprima suscitò l'indignazione e l'indignazione dei parigini. I contemporanei in competizione tra loro hanno gridato:
“Protestiamo contro questa colonna di lamiera imbullonata, contro questo ridicolo e vertiginoso camino di fabbrica, eretto per glorificare il vandalismo industriale. La costruzione di questa inutile e mostruosa torre Eiffel nel centro stesso di Parigi non è altro che una profanazione... "
È interessante notare che questa protesta è stata firmata molto personaggi famosi culture: il compositore Charles Gounod, gli scrittori Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Il poeta Paul Verlaine disse che questa "torre scheletrica non sarebbe durata a lungo", ma la sua cupa previsione non era destinata a realizzarsi. La Torre Eiffel è ancora in piedi ed è una meraviglia dell'ingegneria.
Alunno: A quel tempo era l'edificio più alto del mondo, la sua altezza era di 320 metri! I dati tecnici della torre sono sorprendenti ancora oggi: quindicimila parti metalliche collegate da più di due milioni di rivetti formano una sorta di "pizzo di ferro". Settemila tonnellate poggiano su quattro pilastri e non esercitano più pressione sul terreno di un uomo seduto su una sedia. Stava per essere demolita più di una volta e torreggia con orgoglio su Parigi, offrendo l'opportunità di ammirare i luoghi d'interesse della città da una vista a volo d'uccello...
Insegnante: E quali sono i simboli artistici di USA, Cina, Russia?
Alunno: Statua della Libertà per gli Stati Uniti, Palazzo imperiale"Città Proibita" per la Cina, il Cremlino per la Russia.
Insegnante : Ma molti popoli hanno i loro simboli poetici speciali. Ci parli di uno di loro?
Alunno: Rami stranamente curvi di ciliegia sottodimensionata - sakura - un simbolo poetico del Giappone.
Se chiedi:
Cos'è l'anima
Isole del Giappone?
Nell'aroma delle ciliegie di montagna
All'alba.
Norinaga (Tradotto da V. Sanovich)
Insegnante : Cosa c'è di così attraente in fiori di ciliegio Giapponese? Forse,un'abbondanza di petali di sakura bianchi e rosa pallido su rami spogli che non hanno ancora avuto il tempo di essere ricoperti di verde?
La bellezza dei fiori è svanita così in fretta!
E la bellezza della giovinezza era così fugace!
La vita è passata invano...
Guardando la lunga pioggia
E penso: come nel mondo tutto non è per sempre!
Komachi (Tradotto da A. Gluskina)
Alunno : Il poeta è attratto dalla bellezza dell'impermanenza, dalla fragilità e caducità della vita. I ciliegi sbocciano rapidamente e la giovinezza è fugace.
Insegnante : Quale tecnica artistica usa l'autore?
Alunno: Personificazione. Un fiore di ciliegio per un poeta è un essere vivente capace di provare gli stessi sentimenti di una persona.
Insegnante:
Nebbia primaverile, perché ti sei nascosta
Fiori di ciliegio che ora volano in giro
Sulle pendici delle montagne?
Non solo lo splendore ci è caro, -
E il momento che svanisce è degno di ammirazione!
Tsurayuki (Tradotto da V. Markova)
Insegnante : Righe di commento.
Alunno: I petali di fiori di ciliegio non sbiadiscono mai. Girando allegramente, volano versoterra al minimo alito di brezza e ricoprono la terra davanti a loroappassito di fiori. Il momento stesso è importante, la fragilità della fioritura. nomima questa è la fonte della Bellezza.
Insegnante: Il tronco bianco è diventato un simbolo poetico artistico della Russiabetulla.
Adoro la betulla russa
O brillante o triste
In un prendisole sbiancato,
Con i fazzoletti nelle tasche
Con bellissime chiusure
Con orecchini verdi.
La amo elegante
che chiaro, ribollente,
Che triste, piangendo.
Adoro la betulla russa.
Piegato sotto il vento
E si piega, ma non si spezza!
A. Prokof'ev.
Insegnante : Già in età adulta, Igor Grabar ha detto: “Cosa c'è di più bello di una betulla, l'unico albero in natura, il cui tronco è di un bianco abbagliante, mentre tutti gli altri alberi del mondo hanno tronchi scuri. Albero fantastico, soprannaturale, albero delle fiabe. Mi sono innamorato appassionatamente della betulla russa e per molto tempo l'ho quasi dipinta da sola.
Insegnante: Il tema della Patria è strettamente intrecciato con l'immagine della betulla. Ogni riga di Yesenin è riscaldata da un sentimento di sconfinato amore per la Russia.
Betulla
Sotto la mia finestra.
coperto di neve,
Argento esatto.
Su rami soffici
confine di neve
I pennelli sono sbocciati
Frangia bianca.
E c'è una betulla
Nel silenzio assonnato
E i fiocchi di neve stanno bruciando
Nel fuoco dorato
Un'alba, pigro
Andando in giro,
Rami di docce
Argento nuovo. 1913
Insegnante . Le betulle bianche toccano l'anima non solo della nostra, ma anche degli stranieri. Dopo aver visitato Mosca, al famoso calciatore Pelé è stato chiesto cosa lo colpisse e gli piacesse di più in Russia. Rispose: "Betulle".
Insegnante: Passeranno centinaia di anni, ma la betulla simboleggerà la nostra patria immortale e potente.
E ora passiamo ai simboli artistici della nostra piccola patria.
Quale pensi sarà il simbolo della regione di Varna? Esatto, la torre di Tamerlano.
Alunno. Il mausoleo è stato costruito su una collina vicino a un lago prosciugato non lontano dal centro del distretto di Varna.
La torre fu costruita nel XIV secolo. È un raro esempio della prima architettura musulmana in Urali meridionali. Oltre a Kesene, in Bashkiria sono noti mausolei simili: i mausolei di Turakhan e Hussein-Bek. Ci sono centinaia di piccoli tumuli intorno al mausoleo.
L'edificio del mausoleo stesso si trova su un'area rettangolare delimitata da un fossato e da un bastione. È costruito con mattoni cotti quadrati piatti e ha la forma di una piramide a 12 lati montata su un prisma a 12 lati. Il prisma poggia su un basso cilindro: in basso si trova l'edificio principale del mausoleo cubico. L'ingresso sul lato sud è decorato da un portale.
IV . Comprensione primaria e consolidamento
Casella di domande.
I ragazzi scrivono domande sui fogli sull'argomento della lezione (8-10), le leggono ad alta voce in modo che non ci siano ripetizioni, piegano i fogli e li mettono in una scatola. I bambini escono, prendono un pezzo di carta senza guardare, leggono la domanda e pronunciano la risposta. Puoi aiutare la classe.
v . Riassumendo. Riflessione
Compilando la tabella.
VI . Compiti a casa - scrivi un messaggio su qualsiasi immagine artistica dei popoli del mondo.
Varietà essenziale, o modificazione semantica, immagine artistica, ma anche il suo nucleo spirituale è Simbolo dell'arte, agendo nell'estetica di una delle categorie significative. All'interno dell'immagine, è quella componente essenziale che è difficile isolare a livello analitico, che volutamente erige spirito del destinatario realtà spirituale, non contenuto nell'opera d'arte stessa. Ad esempio, nei già citati "Girasoli" di Van Gogh, l'immagine artistica vera e propria si forma principalmente attorno all'immagine visiva di un mazzo di girasoli in una brocca di ceramica, e per la maggior parte degli spettatori potrebbe limitarsi a questo. A un livello più profondo di percezione artistica in destinatari con una maggiore suscettibilità artistica ed estetica, questa immagine primaria inizia a dispiegarsi in un simbolo artistico che sfida assolutamente la descrizione verbale, ma è lui che apre la porta allo spirito dello spettatore verso altre realtà, completamente rendersene conto evento estetico di questa immagine. Il simbolo come completamento profondo dell'immagine, il suo contenuto artistico ed estetico essenziale (non verbalizzato!) testimonia l'alto significato artistico ed estetico dell'opera, l'alto talento o addirittura genialità del maestro che l'ha realizzata. Innumerevoli opere d'arte di livello medio (anche se buono), di regola, hanno solo un'immagine artistica, ma non un simbolo. Non portano il destinatario a livelli superiori realtà spirituale, ma sono limitati ai livelli emotivo-psicologici e persino fisiologici della psiche del ricevente. Quasi la maggior parte delle opere di tendenze realistiche e naturalistiche, commedie, operette, tutta l'arte di massa sono a questo livello: hanno immagini artistiche, ma sono prive di simbolismo artistico. È tipico solo per alto arte di qualsiasi genere e culto sacro opere di alta qualità artistica.
Insieme a questo, nell'arte mondiale ci sono intere classi di opere d'arte (e talvolta intere epoche enormi, ad esempio l'arte antico Egitto), in cui l'immagine artistica è praticamente ridotta a simbolica. Esempi assoluti di tale arte sono l'architettura gotica, bizantino-russa icona il periodo del suo massimo splendore (secoli XIV-XV per la Rus') o la musica di Bach. Molte altre opere d'arte specifiche possono essere citate da quasi tutti i suoi tipi e periodi storici, in cui opere d'arte simboliche, o simbolo artistico. Qui è una realtà percepita sensualmente progettata concretamente, più diretta dell'immagine, che rimanda il destinatario alla realtà spirituale nel processo di contemplazione non utilitaristica e spiritualmente attiva dell'opera. Nel processo di comunicazione estetica con un simbolo, sorge un'unica sostanza figurativo-semantica super densa dell'essere-coscienza estetica, che ha l'intenzione di dispiegarsi in un'altra realtà, in un cosmo spirituale olistico, in un multi-cosmo fondamentalmente non verbalizzato livello spazio semantico, il proprio campo di significati per ogni destinatario, immersione in cui gli dà piacere estetico, gioia spirituale, una sensazione di piacere nel sentire una profonda fusione non fusa con questo campo, dissolvendosi in esso mantenendo l'autocoscienza personale e la distanza intellettuale .
In campo artistico-semiotico, il simbolo si colloca tra l'immagine artistica e il segno. La loro differenza si osserva nei gradi di isomorfismo e libertà semantica, nell'orientamento verso vari livelli percezione del destinatario, a livello di energia spirituale ed estetica. Il grado di isomorfismo riguarda principalmente forma esterna corrispondenti strutture semantiche e diminuzioni dal mimetico (nel senso stretto del termine mimesi) immagine artistica (qui raggiunge limite superiore in quello che viene chiamato somiglianza) attraverso un simbolo artistico a un segno convenzionale, che, di regola, è generalmente privo di isomorfismo rispetto al significato. Il grado di libertà semantica è il massimo per un simbolo ed è in gran parte determinato da una certa "identità" (Schelling), "equilibrio" (Losev) dell'"idea" e dall'"immagine" esterna del simbolo. Nel segno e nell'immagine artistica è inferiore, perché nel segno (= nel simbolo filosofico, ea livello dell'arte - identico al segno in termini di funzioni allegorie)è essenzialmente limitata da un'idea astratta che prevale sull'immagine, e viceversa nell'immagine artistica. In altre parole, nel segno (uguale all'allegoria) l'idea razionale, e nelle immagini dell'arte (classica), un grado sufficientemente elevato di isomorfismo con il prototipo limita la libertà semantica di queste formazioni semiotiche rispetto al simbolo artistico.
Di conseguenza, sono orientati a diversi livelli di percezione: il segno (allegoria) - al puramente razionale, e l'immagine e il simbolo artistico - allo spirituale ed estetico. In questo caso il simbolo (ovunque, come nel caso dell'immagine, noi stiamo parlando O artistico simbolo) ha una focalizzazione più nitida sui livelli più alti della realtà spirituale rispetto a un'immagine, il cui campo artistico e semantico è molto più ampio e diversificato. Infine, il livello di energia spirituale-estetica (meditativa) di un simbolo è superiore a quello di un'immagine; sembra accumulare energia del mito, una delle cui emanazioni, di regola, agisce. Il simbolo è più destinato a destinatari con una maggiore suscettibilità spirituale ed estetica, che è stata ben sentita ed espressa nei loro testi da teorici del simbolismo e pensatori religiosi russi dell'inizio del XX secolo, che abbiamo già visto più volte e su cui ci soffermeremo qui .
Il simbolo contiene in sé in una forma piegata e rivela alla coscienza qualcosa che è di per sé inaccessibile ad altre forme e modalità di comunicazione con il mondo, essendo in esso. Pertanto, non può in alcun modo essere ridotto ai concetti di ragione oa qualsiasi altro (diverso da se stesso) metodo di formalizzazione. Il significato in un simbolo è inseparabile dalla sua forma, esiste solo in essa, risplende attraverso di essa, si dispiega da essa, perché solo in essa, nella sua struttura, è contenuto qualcosa che è organicamente inerente (appartenente all'essenza) simbolizzato. Oppure, come A.F. Losev, “il significante e il significato qui sono reciprocamente reversibili. L'idea è data concretamente, sensualmente; visivamente, non c'è niente in essa che non sarebbe nell'immagine, e viceversa.
Se un simbolo artistico differisce da un simbolo filosofico (= segno) a livello semantico, allora differisce in una certa misura dai simboli culturali, mitologici, religiosi essenzialmente o sostanzialmente. Un simbolo artistico o estetico è un mediatore dinamico e creativo tra il divino e l'umano, verità e apparenza (apparenza), idea e fenomeno a livello di esperienza spirituale ed estetica, coscienza estetica (cioè a livello semantico). Alla luce di un simbolo artistico, i mondi spirituali olistici sono aperti alla coscienza, non esplorati, non rivelati, non pronunciabili e non descritti in altro modo.
A loro volta, i simboli religioso-mitologici (o culturali generali, archetipici) hanno un'aggiunta sostanziale o quantomeno energia in comune con ciò che è simboleggiato. Il pensiero cristiano si è avvicinato all'essenza di una tale comprensione del simbolo sin dai tempi della patristica, ma è stata espressa e formulata più chiaramente da p. Pavel Florenskij, facendo affidamento sull'esperienza della patristica, da un lato, e sulle teorie dei suoi contemporanei-simbolisti, in particolare del suo maestro Vyach. Ivanova, dall'altro.
Era convinto che "nel nome - il nominato, nel simbolo - il simbolizzato, nell'immagine - la realtà del raffigurato presente, e questo perché il simbolo C'è simboleggiato" 277. Nell'opera "Imeslavie come premessa filosofica" Florensky ha dato una delle definizioni più capienti di un simbolo, che mostra la sua duplice natura: "L'essere, che è più grande di se stesso, è la definizione fondamentale di un simbolo. il simbolo è qualcosa che è ciò che non è se stesso, è più grande di esso, e tuttavia si manifesta essenzialmente attraverso di esso. Riveliamo questa definizione formale: un simbolo è una tale entità, la cui energia, fusa o, più precisamente, fusa con il l'energia di qualche altra entità, più preziosa sotto questo aspetto, porta in questo modo in sé quest'ultima.
Simbolo, secondo Florensky, fondamentalmente antinomico, quelli. unisce cose che si escludono a vicenda dal punto di vista del pensiero discorsivo unidimensionale. Pertanto, la sua natura è difficile da comprendere per una persona di moderna cultura europea. Tuttavia, per il pensiero degli antichi, il simbolo non presentava alcuna difficoltà, essendo spesso l'elemento principale di questo pensiero. Quelle personificazioni della natura nella poesia popolare e nella poesia dell'antichità, che ora sono percepite come metafore, non sono affatto tali, - credeva Florensky, - questo è precisamente simboli nel senso di cui sopra, e non "decorazioni e condimenti di stile", non figure retoriche. "... Per l'antico poeta, la vita degli elementi non era un fenomeno di stile, ma un'espressione professionale dell'essenza." Per un poeta moderno, solo nei momenti di particolare ispirazione “questi profondi strati di vita spirituale sfondano la crosta della visione del mondo del nostro tempo, che è loro estranea, e il poeta ci parla in un linguaggio intelligibile di una vita che è incomprensibile a noi con tutte le creature della nostra stessa anima” 279.
Il simbolo, nella comprensione di p. Paolo, ha "due soglie di ricettività" - superiore e inferiore, all'interno delle quali rimane ancora un simbolo. Quello superiore protegge il simbolo dalla "esagerazione del misticismo naturale della materia", dal "naturalismo", quando il simbolo è completamente identificato con l'archetipo. L'antichità cadeva spesso in questo estremo. Il New Age è caratterizzato dal superamento del limite inferiore, quando il legame soggettivo tra il simbolo e l'archetipo è rotto, la loro comune sostanza-energia è ignorata, e il simbolo è percepito solo come un segno dell'archetipo, e non come un vettore materiale-energetico.
Il simbolo, Florensky è convinto, è "un fenomeno al di fuori dell'essenza più intima", la scoperta dell'essenza stessa, la sua incarnazione in ambiente esterno. È in questo senso, ad esempio, nel simbolismo sacro e profano che l'abbigliamento funge da simbolo del corpo. Ebbene, la manifestazione ultima di un tale simbolo nell'arte è, secondo Florensky e gli antichi padri della Chiesa, icona come ideale fenomeno artistico sacrale, dotato dell'energia dell'archetipo.
Il risultato nel campo delle ricerche filosofiche per comprendere il simbolo artistico è stato riassunto in una serie di opere AF Losev, proprio come Florensky, che si considerava simbolista. Ne La dialettica della forma artistica, mostra, come abbiamo visto, l'ontologia del dispiegarsi di una serie espressiva dall'Uno Primordiale in eidos – mito – simbolo – personalità eccetera. Il simbolo, quindi, nel primo Losev appare come un'emanazione, o espressione, mito. "Finalmente sotto simbolo Capisco quel lato mito, che è specialmente espressivo. Il simbolo è l'espressività semantica del mito, O il volto esteriore del mito"280. Con l'aiuto del simbolo, l'espressione essenziale per la prima volta raggiunge il livello della manifestazione esterna. Il mito, come base e vita profonda della coscienza, si rivela all'esterno nel simbolo e lo compone effettivamente (il simbolo) base vitale, il suo significato, la sua essenza. Losev sente profondamente questa dialettica tra mito e simbolo e cerca di fissarla il più accuratamente possibile a livello verbale. “Il simbolo è l'eidos del mito, il mito è come l'eidos, il volto della vita. Il mito è la vita interiore di un simbolo, l'elemento di vita che ne fa nascere il volto e l'aspetto esteriore. Così, nel mito, il significato essenziale, o eidos, ha trovato una profonda incarnazione nell '"elemento della vita", e nel simbolo ha acquisito un aspetto esterno espressione, quelli. effettivamente apparso in realtà artistica.
Losev ha affrontato il problema del simbolo per tutta la vita. In una delle sue opere successive, The Problem of the Symbol and Realist Art (1976), fornisce il seguente riassunto esteso della sua ricerca:
"1) Il simbolo di una cosa è davvero il suo significato. Tuttavia, questo è un tale significato che lo costruisce e lo genera in modo modello. Allo stesso tempo, è impossibile fermarsi sia sul fatto che il simbolo di una cosa è il suo riflessione, ovvero sul fatto che il simbolo di una cosa dà origine alla cosa stessa.E in entrambi i casi si perde la specificità del simbolo e si interpreta il suo rapporto con la cosa nello stile del dualismo metafisico o del logicismo, da tempo scomparso nella storia.Il simbolo di una cosa è il suo riflesso, ma non passivo, non morto, ma porta in sé forza e potere.la realtà stessa, poiché una volta che il riflesso ricevuto viene elaborato nella coscienza, analizzato nel pensiero, cancellato da tutto casuale e insignificante e arriva a riflettere non solo la superficie sensuale delle cose, ma le loro leggi interne. In questo senso, bisogna capire che il simbolo di una cosa dà origine a una cosa "Genera" in questo caso significa "comprende la stessa cosa oggettiva, ma nella sua regolarità interna, e non nel caos di cumuli casuali." la nascita è solo una penetrazione nella base profonda e regolare delle cose stesse, rappresentate in un riflesso sensuale, solo molto vagamente, indefinitamente e caoticamente.
2) Il simbolo di una cosa è la sua generalizzazione. Questa generalizzazione, però, non è morta, non è vuota, non è astratta e non è sterile, ma permette, anzi comanda addirittura di tornare alle cose generalizzate, introducendovi una regolarità semantica. In altre parole, la generalità che esiste nel simbolo, implicite, contiene già tutto ciò che è simbolizzato, anche se è infinito.
3) Il simbolo di una cosa è la sua legge, ma tale legge che genera le cose in modo semantico, lasciando intatta tutta la loro concretezza empirica.
4) Il simbolo di una cosa è l'ordinamento regolare di una cosa, ma dato nella forma principio generale costruzione semantica, sotto forma di modello generatore.
5) Il simbolo di una cosa è la sua espressione interno-esterno, ma è disegnato secondo il principio generale della sua costruzione.
6) Il simbolo di una cosa è la sua struttura, ma non solitaria o isolata, ma carica di una serie finita o infinita di corrispondenti manifestazioni individuali di questa struttura.
7) Il simbolo di una cosa è il suo segno, però, non morto e immobile, ma che dà origine a numerose, e forse innumerevoli strutture regolari e singole, da essa designate in vista generale come un immaginario ideologico dato astrattamente.
8) Il simbolo di una cosa è il suo segno, che non ha nulla in comune con il contenuto immediato di quelle singolarità che qui si designano, ma queste singolarità designate distinte e opposte sono qui determinate da quel principio costruttivo generale che le trasforma in un unico- totalità divisa, orientata in un certo modo.
9) Il simbolo di una cosa è l'identità, la compenetrazione della cosa significata e dell'immaginario ideologico che la significa, ma questa identità simbolica è un tutto uni-diviso, determinato dall'uno o dall'altro principio unico che lo genera e lo trasforma in una serie finita o infinita di varie singolarità ottenute naturalmente, che si fondono nell'identità generale del principio o modello che le ha originate come in un certo comune per esse limite ". 282
Nella storia del pensiero estetico, il concetto classico di simbolo è stato sviluppato in modo più completo dai simbolisti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, come abbiamo già discusso sopra. Nel XX secolo il concetto di simbolo occupa un posto preminente nell'estetica ermeneutica. In particolare, G.G. Gadamer credeva che il simbolo fosse in una certa misura identico gioco; non rimanda il percettore a qualcos'altro, come credevano molti simbolisti, ma incarna il suo significato in sé, esso stesso manifesta il suo significato, come l'opera d'arte basata su di esso, ad es. è un "aumento dell'essere". Così, Gadamer segna la distruzione della tradizionale comprensione classica del simbolo e delinea nuovi approcci non classici ad esso, sulle cui variazioni semantiche si baseranno l'estetica del postmodernismo e molte pratiche artistiche della seconda metà del XX secolo.
Nell'estetica non classica, le tradizionali categorie di artistico Immagine E simbolo sono spesso superati e sostituiti dal concetto simulacro- "somiglianza", che non ha alcun prototipo, archetipo. Alcuni pensatori dell'orientamento postmoderno mantengono i concetti di simbolo e simbolico, ma sono riempiti nello spirito della teoria psicoanalitica strutturale con contenuti non tradizionali. In particolare, J.Lacan comprende il simbolico come l'universale primario in relazione all'essere e alla coscienza, generando l'intero universo semantico del discorso simbolico, come l'unico reale e accessibile alla percezione umana, generando la persona stessa con l'atto di nominarla.
Canone
Per un certo numero di epoche e tendenze dell'arte, in cui il simbolo artistico piuttosto che l'immagine era predominante, un ruolo di primo piano nel processo creativo è stato svolto dal pensiero artistico canonico, la normalizzazione della creatività, la canonizzazione del sistema di mezzi visivi ed espressivi e principi. Quindi, prima di tutto, a livello di estetica implicita canone divenne una delle categorie essenziali dell'estetica classica, definendo un'intera classe di fenomeni nella storia dell'arte. Di solito significa un sistema di regole e norme creative interne che prevalgono nell'arte in qualche periodo storico o in qualche direzione artistica e fissano le principali leggi strutturali e costruttive di specifici tipi di arte.
La canonicità è principalmente inerente all'arte antica e medievale. Il canone delle proporzioni è stato stabilito nella plastica dall'antico Egitto corpo umano, ripensato dagli antichi classici greci e fissato teoricamente dallo scultore Policleto (V secolo a.C.) nel trattato "Canone" e praticamente incarnato nella statua "Dorifor", detta anche "Canone". Il sistema di proporzioni ideali del corpo umano sviluppato da Policleto divenne la norma per l'antichità e, con alcune modifiche, per gli artisti del Rinascimento e del classicismo. Vitruvio ha applicato il termine "canone" all'insieme delle regole per la creatività architettonica. Cicerone usò la parola greca "canone" per indicare una misura dello stile dell'oratoria. Nella patristica canone fu chiamata la totalità dei testi delle Sacre Scritture, legalizzati dai concili ecclesiastici.
Nelle arti visive dell'est e Medioevo europeo, soprattutto nel culto, si stabilì il canone iconografico. Sviluppati nel corso di una pratica artistica secolare, i principali schemi compositivi e gli elementi corrispondenti dell'immagine di alcuni personaggi, i loro vestiti, posture, gesti, dettagli del paesaggio o dell'architettura esistono dal IX secolo. furono fissate come canoniche e servirono da modello per gli artisti dei paesi dell'area cristiana orientale fino al XVII secolo. Anche il canto e la poesia bizantini obbedivano ai propri canoni. In particolare, una delle forme più complesse dell'innografia bizantina (VIII secolo) era chiamata "canone". Consisteva in nove canzoni, ognuna delle quali aveva una struttura specifica. Il primo verso di ogni canto (irmos) era quasi sempre compilato sulla base di temi e immagini tratti dall'Antico Testamento, nei restanti versi i temi di irmos si sviluppavano poeticamente e musicalmente. Nella musica dell'Europa occidentale dei secoli XII-XIII. sotto il nome di "canone" si sta sviluppando una forma speciale di polifonia. I suoi elementi sono stati conservati nella musica fino al XX secolo. (di P. Hindemith, B. Bartok, D. Shostakovich e altri). È ben nota la standardizzazione canonica dell'arte nell'estetica del classicismo, che spesso si sviluppa nell'accademismo formalistico.
Il problema del canone è stato posto a livello teorico negli studi estetici e artistici solo nel Novecento; più produttivo nelle opere di P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu Lotman e altri scienziati russi. Florensky e Bulgakov hanno considerato il problema del canone in relazione alla pittura di icone e hanno mostrato che il canone iconografico ha consolidato la secolare esperienza spirituale-visiva dell'umanità (l'esperienza conciliare dei cristiani) penetrando nel mondo divino, che ha liberato al massimo “il energia creativa dell'artista verso nuove conquiste, verso alti e bassi creativi” 283 . Bulgakov vedeva nel canone una delle forme essenziali della "tradizione ecclesiastica".
Losev ha definito il canone come "un modello quantitativo e strutturale di un'opera d'arte di tale stile, che, essendo un certo indicatore storico-sociale, è interpretato come il principio della costruzione di un insieme noto di opere" 284 . Lotman era interessato all'aspetto semiotico-informativo del canone. Credeva che il testo canonizzato fosse organizzato non secondo il modello del linguaggio naturale, ma “secondo il principio della struttura musicale”, e quindi agisse non tanto come fonte di informazioni quanto come suo attivatore. Il testo canonico riorganizza in modo nuovo le informazioni del soggetto, «ricodifica la sua personalità» 285 .
Il ruolo del canone nel processo dell'esistenza storica dell'arte è duplice. Essendo portatore delle tradizioni di un certo pensiero artistico e della corrispondente pratica artistica, il canone a livello strutturale e costruttivo esprimeva l'ideale estetico di una particolare epoca, cultura, popolo, direzione artistica, ecc. Questo è il suo ruolo produttivo nella storia della cultura. Quando l'ideale estetico e l'intero sistema del pensiero artistico sono cambiati con il cambiamento delle epoche culturali e storiche, il canone di un'epoca passata è diventato un freno allo sviluppo dell'arte, impedendole di esprimere adeguatamente la situazione spirituale e pratica del suo tempo. Nel processo di sviluppo culturale e storico, questo canone viene superato da una nuova esperienza creativa. In una determinata opera d'arte, lo schema canonico non è portatore del significato artistico stesso, che sorge sul suo fondamento (nelle arti "canoniche", grazie ad esso) in ogni atto di creazione artistica o percezione estetica, nel processo di la formazione di un'immagine artistica.
Il significato artistico ed estetico del canone risiede nel fatto che lo schema canonico, fissato in qualche modo materialmente o esistente solo nella mente dell'artista (e nella percezione dei portatori di questa cultura), essendo base costruttiva di un simbolo artistico, come se provocasse un maestro di talento a superarlo concretamente dentro di sé dal sistema stesso di deviazioni poco evidenti, ma artisticamente significative da esso nelle sfumature di tutti gli elementi del linguaggio pittorico ed espressivo. Nella psiche del percettore, lo schema canonico ha suscitato un complesso stabile di informazioni tradizionali per il suo tempo e la sua cultura, e specifiche variazioni artisticamente organizzate degli elementi della forma lo hanno spinto a scrutare in profondità un'immagine apparentemente familiare, ma sempre in qualche modo nuova, al desiderio di penetrare nei suoi fondamenti essenziali, archetipici, alla scoperta di alcune ancora sconosciute delle sue profondità spirituali.
L'arte della New Age, a partire dal Rinascimento, si sta attivamente allontanando dal pensiero canonico verso un tipo di creatività personale-individuale. L'esperienza della "cattedrale" viene sostituita dall'esperienza individuale dell'artista, dalla sua originale visione personale del mondo e dalla capacità di esprimerla in forme artistiche. E solo dentro veloce-cultura, a partire dalla pop art, concettualismo, poststrutturalismo e postmodernismo, nel sistema del pensiero artistico e umanitario, principi vicini al canonico, alcuni simulacri canone a livello dei principi convenzionali della creatività, quando nelle aree della produzione artistica e della sua descrizione verbale (l'ultima ermeneutica dell'arte) si formano tecniche canoniche peculiari e tipi di creazione di prodotti artistici e il loro supporto verbale. Oggi si potrebbe parlare dei "canoni", o meglio dei quasi-canoni della pop art, del concettualismo, della "nuova musica", della critica d'arte "avanzata", del discorso filosofico ed estetico, ecc., il cui significato è accessibile solo a coloro che "iniziato" nei "giochi di regole" all'interno di questi spazi canonici-convenzionali ed è chiuso da tutti gli altri membri della comunità, indipendentemente dal loro livello di sviluppo spirituale-intellettuale o estetico.
Stile
Un'altra categoria significativa nella filosofia dell'arte e nella storia dell'arte è stile. In realtà è di più gratuito nelle forme di manifestazione e una sorta di modificazione canone, più precisamente - abbastanza stabile per un certo periodo nella storia dell'arte, una specifica direzione, tendenza, scuola o un artista, difficile da descrivere un sistema multilivello di principi del pensiero artistico, modi di espressione figurativa, tecniche figurative ed espressive, strutture costruttive e formali e così via. Nei secoli XIX-XX. questa categoria è stata vigorosamente sviluppata da molti storici e teorici dell'arte, estetisti e filosofi. La scuola di critici d'arte G. Wölfflin, A. Riegl e altri hanno inteso per stile un sistema abbastanza stabile di caratteristiche formali ed elementi dell'organizzazione di un'opera d'arte (piattezza, volume, pittoricità, qualità grafica, semplicità, complessità, apertura o forma chiusa, ecc.) e su questa base considerata è possibile considerare l'intera storia dell'arte come una storia sovra-individuale degli stili (“la storia dell'arte senza nomi” - Wölfflin). AF Losev definisce lo stile come «il principio di costruire l'intera potenzialità di un'opera d'arte sulla base delle sue varie assegnazioni sovrastrutturali ed extraartistiche e dei suoi modelli primari, sentiti però immanentemente dalle strutture artistiche dell'opera» 286 .
U. Spengler in The Decline of Europe, ha prestato particolare attenzione allo stile, come una delle caratteristiche principali ed essenziali della cultura, delle sue determinate fasi epocali. Per lui lo stile è un "senso metafisico della forma", che è determinato dall '"atmosfera di spiritualità" di un'epoca particolare. Non dipende dalle personalità, né dal materiale o dai tipi di arte, né dalle direzioni dell'arte. Come una sorta di elemento metafisico di questa fase della cultura, il "grande stile" stesso crea personalità, tendenze ed epoche nell'arte. Allo stesso tempo, Spengler intende lo stile in un senso molto più ampio di quello artistico ed estetico. "Gli stili si susseguono, come onde e pulsazioni. Non hanno nulla in comune con la personalità dei singoli artisti, la loro volontà e coscienza. Al contrario, è lo stile che crea il più tipo artista. Lo stile, come la cultura, è un fenomeno primordiale nel senso più stretto di Goethe, indipendentemente dallo stile delle arti, delle religioni, dei pensieri o dallo stile di vita stesso. Come la "natura", lo stile è un'esperienza sempre nuova dell'uomo sveglio, suo alter ego e sua immagine speculare nel mondo che lo circonda. Ecco perché nel quadro storico generale di qualsiasi cultura può esserci un solo stile: stile di questa cultura 287 . Allo stesso tempo, Spengler non è d'accordo con la classificazione piuttosto tradizionale dei "grandi stili" nella storia dell'arte. Lui, ad esempio, crede che il gotico e il barocco non siano stili diversi: "questi sono giovinezza e vecchiaia dello stesso insieme di forme: lo stile maturo e maturo dell'Occidente" 288 . Lo storico dell'arte russo moderno V.G. Vlasov definisce lo stile come "il significato artistico della forma", come sensazione“un artista e uno spettatore dell'integrità globale del processo di formazione artistica nel tempo e nello spazio storici. Lo stile è l'esperienza artistica del tempo. Egli intende lo stile come "una categoria della percezione artistica" 289 . E questa serie di definizioni e interpretazioni piuttosto diverse dello stile può essere continuata 290 .
Ognuno di loro ha qualcosa in comune e qualcosa che contraddice altre definizioni, ma nel complesso si ritiene che tutti i ricercatori abbiano adeguatamente Tatto(comprendono intrinsecamente) l'essenza profonda di questo fenomeno, ma non possono esprimerlo accuratamente a parole. Ciò indica ancora una volta che lo stile, come molti altri fenomeni e fenomeni della realtà artistica ed estetica, è una questione relativamente sottile in modo che possa essere definito in modo più o meno adeguato e inequivocabile. Qui sono possibili solo alcuni approcci descrittivi circolari, che alla fine creeranno nella percezione del lettore un'idea abbastanza adeguata di ciò che viene effettivamente discusso.
A livello epoche culturali e tendenze artistiche, i ricercatori parlano degli stili artistici dell'antico Egitto, Bisanzio, romanico, gotico, classicismo, barocco, rococò, Art Nouveau. Durante i periodi di offuscamento degli stili globali di un'epoca o di una tendenza principale, si parla degli stili delle singole scuole (ad esempio, per il Rinascimento: gli stili delle scuole senese, veneziana, fiorentina e altre) o degli stili di specifiche artisti (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman, ecc.).
Nella storia dell'arte, gli stili principali sono nati, di regola, in epoche sintetiche, quando le arti principali si sono formate in una certa misura sul principio di una sorta di unificazione attorno e sulla base dell'arte principale, che di solito era l'architettura. Pittura, scultura, arti applicate, a volte la musica ne è stata guidata, ad es. sul sistema di principi per lavorare con la forma e l'immagine artistica (principi di organizzazione dello spazio, in particolare), che sta emergendo in architettura. È chiaro che lo stile nell'architettura e in altre forme d'arte (proprio come lo stile di vita o lo stile di pensiero - parlano anche di tali stili) si è formato storicamente e intuitivamente, in modo extraconscio. Nessuno si è mai posto un compito specifico: creare questo e quello stile, contraddistinto da tali e tali tratti e caratteristiche. In effetti, lo stile "grande" è un ottimo mediato in modo complesso manifestazione ed espressione artistica a livello macro (il livello di un'intera epoca o di un grande movimento artistico) di alcune caratteristiche essenziali spirituali, estetiche, ideologiche, religiose, sociali, soggetto-pratiche di una certa comunità storica di persone, uno specifico stadio etnico-storico della cultura ; una sorta di macrostruttura del pensiero artistico, adeguata a una certa comunità di persone socio-culturale, etnico-storica. Anche i materiali specifici dell'arte, la tecnica e la tecnologia della loro lavorazione nel processo creativo possono avere una certa influenza sullo stile.
Lo stile è, in una certa misura, un sistema materialmente fisso e relativamente definito di principi figurativo-espressivi del pensiero artistico, percepito bene e accuratamente da tutti i destinatari con un certo livello di estro artistico, sensibilità estetica, "senso dello stile"; questa è una tendenza più o meno chiaramente sentita verso una formazione artistica olistica, che esprime profonde intuizioni spirituali e plastiche (inconscio artistico collettivo, archetipi plastici, protoforme, esperienze cattedrali, ecc.) di una particolare epoca, periodo storico, direzione, personalità creativa, elevandosi a sentire lo spirito del loro tempo; è, in senso figurato, calligrafia estetica epoche; ottimale per una data epoca (direzioni, scuole, personalità) modello di visualizzazione estetica(sistema di caratteristiche principi di organizzazione mezzi artistici e metodi di espressione), internamente spiritualizzato vitali per quest'epoca principi, ideali, idee, impulsi creativi non verbalizzati dai più alti livelli della realtà. Se non c'è questa spiritualità, lo stile scompare. Rimangono solo le sue tracce esterne: modo, sistema di ricevimenti.
Lo stile, per tutta la tangibilità di un senso estetico molto sviluppato della sua presenza in certe opere d'arte, anche per i "grandi" fenomeni stilistici non è qualcosa di assolutamente definito e "puro". Con la presenza e la predominanza in esso di un insieme integrale di alcune caratteristiche stilistiche dominanti, quasi ogni opera di questo stile contiene sempre elementi e tratti che gli sono casuali, estranei, il che non solo non toglie nulla alla "eleganza" di quest'opera, ma anzi, al contrario, ne esalta il valore artistico, l'attività, la sua concreta vitalità come fenomeno estetico di questo particolare stile. Quindi, ad esempio, la presenza di molti elementi romanici nei monumenti dell'architettura gotica non fa che sottolineare l'espressione dell'originalità gotica di questi monumenti.
In conclusione della conversazione sullo stile, cercherò di dare breve descrizione uno degli stili "grandi", mostrando allo stesso tempo l'insufficienza di una tale descrizione verbale. Prendiamo, ad esempio, Gotico- uno dei più grandi stili internazionali di arte europea sviluppata (brevi caratteristiche delle caratteristiche stilistiche classicismo E barocco possono essere trovati sopra (Sezione Prima. Cap. I. § 1), dove appaiono come descrizioni delle caratteristiche della coscienza artistica ed estetica delle corrispondenti tendenze nell'arte).
Gotico (il termine deriva da "Goti" - una denominazione generalizzata da parte dei Romani delle tribù europee che conquistarono l'Impero Romano nel III-V secolo, sinonimo di "barbari"; come caratteristica dell'arte, i pensatori del Rinascimento iniziarono ad applicarsi a arte medievale in senso beffardamente dispregiativo), che dominò nell'arte dell'Europa occidentale nei secoli XIII-XV, sorse come la più alta, ultima e adeguata forma stilistica di espressione artistica dello spirito stesso cultura cristiana nella sua modificazione occidentale (in Oriente - nell'area ortodossa - un'espressione simile era lo stile bizantino che fiorì a Bisanzio e nei paesi della sua influenza spirituale - particolarmente attivo tra i popoli slavi meridionali e nell'antica Rus'). Si formò principalmente nell'architettura e si diffuse ad altri tipi di arte, principalmente legati al culto cristiano e allo stile di vita dei cittadini cristiani medievali.
Il significato profondo di questo stile risiede nell'espressione artistica coerente dell'essenza della visione del mondo cristiana, che consiste nell'affermare la priorità del principio spirituale nell'uomo e nell'Universo rispetto al materiale, con un profondo rispetto interno per la materia come portatrice del spirituale, senza e al di fuori del quale non può esistere sulla Terra. Il gotico ha raggiunto in questo senso, forse, il meglio possibile nella cultura cristiana. Il superamento della materia, del materiale, della materialità da parte dello spirito, della spiritualità è stato realizzato qui con incredibile potenza, espressione e coerenza. Ciò era particolarmente difficile da implementare nell'architettura in pietra, e fu qui che i maestri gotici raggiunsero l'apice della perfezione. modo lavoro scrupoloso Molte generazioni di costruttori, guidati da una sorta di mente artistica cattedrale unificata del loro tempo, hanno costantemente cercato modi per smaterializzare completamente le pesanti strutture in pietra delle volte del tempio nel processo di transizione dalla volta a crociera alla volta a crociera, in cui il l'espressione della tettonica costruttiva è stata completamente sostituita dalla plasticità artistica.
Di conseguenza, la pesantezza del materiale (pietra) e le tecniche costruttive volte a superarne le proprietà fisiche sono completamente nascoste a chi entra nel tempio. Il tempio gotico si trasforma con mezzi puramente artistici (organizzando lo spazio interno e l'aspetto plastico esterno) in uno speciale fenomeno scultoreo e architettonico della trasformazione essenziale (trasformazione) del continuum spazio-tempo terrestre in uno spazio completamente diverso - più sublime , estremamente spiritualizzato, irrazionale-mistico nel suo orientamento interno. In definitiva, tutte le principali tecniche ed elementi artistici ed espressivi (e sono anche costruttivi e compositivi) che insieme creano lo stile gotico funzionano per questo.
Questi includono colonne sottili e aggraziate dal profilo complesso (a differenza dei massicci pilastri romanici), che salgono a un'altezza quasi inaccessibile alle volte a lancetta senza peso, affermando la predominanza della verticale sull'orizzontale, la dinamica (ascensione, erezione) sulla statica, l'espressione sul riposo. Nella stessa direzione lavorano innumerevoli archi a sesto acuto e volte, sulla base delle quali si forma effettivamente lo spazio interno del tempio; enormi monofore piene di vetrate colorate, che creano nel tempio un'indescrivibile atmosfera surreale di colori chiari e costantemente vibranti; navate allungate, che conducono lo spirito dello spettatore lungo un percorso stretto, visivamente ascendente e di vasta portata fino all'altare (spiritualmente contribuiscono anche all'ascensione, all'erezione verso l'alto, in un altro spazio); altari di chiusura a lancette intagliate a più ante con immagini gotiche di eventi e personaggi evangelici centrali e strutture d'altare a lancette traforate - retabli (retablo francese - dietro il tavolo). Nella stessa forma allungata a lancetta, sono realizzati i seggi nell'altare e nel tempio, gli oggetti di servizio e applicati e gli utensili del tempio.
I templi gotici all'esterno e all'interno sono pieni di un'enorme quantità di sculture tridimensionali, realizzate, come la pittura gotica, in un modo vicino al naturalistico, enfatizzato anche nel Medioevo dalla colorazione realistica delle sculture. Si è così creata una certa opposizione spaziale-ambientale tra l'architettura estremamente irrazionale che aspira a distanze mistiche e la plasticità terrena e la pittura che confluiscono organicamente in essa in modo costruttivo, ma le si oppongono nello spirito. A livello artistico (e questo è un tratto caratteristico dello stile gotico), si esprimeva l'essenziale antinomia del cristianesimo: l'unità dei principi opposti nell'uomo e nel mondo terreno: spirito, anima, spirituale e materia, corpo, corporeo.
Allo stesso tempo, non si può parlare in senso letterale del naturalismo della scultura e della pittura gotiche. Questo è un naturalismo speciale, ispirato artisticamente, pieno di sottile materia artistica, che eleva lo spirito di chi percepisce ai mondi spirituale ed estetico. Con il peculiare naturalismo delle espressioni facciali e dei gesti di file apparentemente statuarie di statue gotiche, colpisce la ricchezza e la plasticità artistica delle pieghe dei loro vestiti, che sono soggette ad alcune forze fisicamente incondizionate; o la squisita linea di flessione dei corpi di molte figure gotiche ancora in piedi - la cosiddetta curva gotica (curva a forma di S della figura). La pittura gotica è soggetta ad alcune leggi peculiari di una speciale espressione cromatica. Molti volti, figure, vestiti scritti in modo quasi naturalistico (o illusorio-fotografico) nelle pitture d'altare stupiscono per il loro potere soprannaturale superreale. Un esempio eccezionale in questo senso è l'arte dell'artista olandese Rogier van der Weyden e alcuni dei suoi studenti.
Le stesse caratteristiche stilistiche sono caratteristiche di aspetto Templi gotici: scultorei, aspirazione verso l'alto dell'intero aspetto dovuto alle forme ogivali di archi, volte, tutti i piccoli elementi architettonici e, infine, le enormi frecce che incoronano i templi traforati, come se fossero tessuti da pizzi di pietra, torri per scopi puramente decorativi e scopi architettonici; rosoni di finestre geometricamente accurati e decorativi, innumerevoli decorazioni ornamentali, che contrastano all'interno di un unico intero organismo architettonico con la plasticità seminaturalistica di sculture e frequenti ornamenti floreali di rami con foglie. La natura organica e una forma matematicamente verificata e geometricamente prescritta formano in gotico un'immagine integrale altamente artistica e altamente spirituale, orientando, aspirando, elevando lo spirito di un credente o soggetto estetico ad altre realtà, ad altri livelli di coscienza (o essere). Se a questo aggiungiamo l'atmosfera sonora (l'acustica nelle chiese gotiche è eccellente) dell'organo e del coro della chiesa che esegue, ad esempio, il canto gregoriano, allora il quadro di alcune caratteristiche essenziali dello stile gotico sarà più o meno completo, sebbene tutt'altro che sufficiente.
