Una descrizione del cigno principessa vrubel. Descrizione dell'opera «La principessa del cigno

Vrubel Mikhail Alexandrovich è uno dei famosi artisti russi del XIX e XX secolo.
Sulle sue tele dà vita ai Russi racconti popolari, epopee, leggende.
Dopo aver visitato una volta l'opera privata di S. Mamontov, Mikhail Vrubel è stato ispirato a scrivere il dipinto "La principessa del cigno".
È dedicato al personaggio dell'opera N.A.
Rimsky-Korsakov basato sulla famosa fiaba di A.S.
Pushkin "La storia dello zar sultano".

Il tessuto è semplicemente fantastico.
Nella foto, l'autore ha raffigurato il momento in cui la principessa si trasforma in un cigno.
Molto bella ragazza, si voltò verso di noi e ci guardò misteriosamente da dietro.
Sulla sua testa è caro, adornato pietre preziose corona.
Un lungo velo cade da esso sul pavimento, scintillante di gioielli lungo il bordo.
Sotto il velo puoi vedere una treccia spessa e scura.
Sul viso puoi leggere tristezza e solitudine.
Gli occhi sono molto espressivi e puoi vedere addio in loro.
Deve diventare di nuovo un uccello solitario e nuotare tristemente sulle onde.
Non possiamo vedere i suoi vestiti, poiché tutto il suo corpo è già coperto di piume, rimangono solo il viso e le mani.
Grandi ali spiegate su entrambi i lati della ragazza, come se volessero nasconderla ai nostri occhi il prima possibile.

In lontananza si vede il castello dello Zar Sultano.
Questa è l'unica macchia marrone nella foto.
Tutti gli altri colori sono bianco e blu.
Il cielo sullo sfondo è scuro, scuro e puoi vedere come il mare infuria, come le onde battono contro la riva e spumeggiano di rabbia.
Nessuno vuole separarsi da una tale bellezza.
E solo il fatto che la Principessa del Cigno sia molto luminosa su tutto lo sfondo scuro ci dice che tornerà da noi sotto forma di una bellezza.

Mikhail Vrubel, con la sua riproduzione della Principessa del cigno, vuole mostrarci quanto sono belle le nostre donne e nonostante siano fragili e indifese, senza il loro sostegno e sostegno, nessun re avrebbe un tale potere.

L'amore appassionato per la natura aiuta l'artista a trasmetterne la bellezza. I lussureggianti grappoli dei "Lillà" di Vrubel (1900, Galleria Statale Tretyakov), lampeggianti di fuoco viola, vivono, respirano e sono fragranti nella radiosità notte stellata. Uno dei contemporanei di Vrubel ha scritto: "La natura lo ha accecato ... perché ha scrutato troppo da vicino i suoi segreti".

Insieme a temi epici Vrubel ha lavorato all'immagine del Demone per tutti gli anni '90. In una delle lettere al padre viene espressa l'idea che l'artista ha del Demone: " Il demone non è tanto uno spirito malvagio quanto sofferente e dolente, con tutto questo uno spirito prepotente e maestoso". Il primo tentativo di risolvere questo argomento risale al 1885, ma l'opera fu distrutta da Vrubel.

Nel dipinto "Seated Demon" (1890, State Tretyakov Gallery), un giovane titano è raffigurato nei raggi del tramonto in cima a una roccia. Potente bel corpo come se non si adattasse alla cornice, le sue mani sono contorte, il suo viso è di una bellezza commovente, nei suoi occhi c'è un dolore disumano. Il "Demone" di Vrubel è una combinazione di contraddizioni: bellezza, grandezza, forza e allo stesso tempo rigidità, impotenza, malinconia; è circondato da un mondo favolosamente bello, ma pietrificato e freddo. Ci sono contrasti nella colorazione dell'immagine. Il freddo colore lilla "combatte" con il caldo arancio-oro. Rocce, fiori, la figura sono dipinti in modo speciale, alla maniera di Vrubel: l'artista, per così dire, taglia la forma in sfaccettature separate e sembra che il mondo sia tessuto da blocchi di gioielli. C'è una sensazione di originalità.

pensiero immagini fantastiche, Vrubel è strettamente associato a vita circostante, il suo demone è profondamente moderno, riflette non solo personale sentimenti dell'anima artista, ma l'epoca stessa con i suoi contrasti e le sue contraddizioni. Come scritto A. Blocco : "Il demone di Vrubel è un simbolo del nostro tempo, né notte né giorno, né oscurità né luce".

Nel 1891, per l'edizione dell'anniversario delle sue opere Lermontov sotto la direzione di Konchalovsky, Vrubel completò le illustrazioni, delle trenta metà appartenevano al "Demone". Queste illustrazioni, in sostanza, rappresentano opere indipendenti, significative nella storia del russo grafica del libro e testimoniano la profonda comprensione di Vrubel della poesia di Lermontov. Particolarmente degno di nota è l'acquerello "Demon's Head". Lei è veramente monumentale. Sullo sfondo di cime pietrose innevate - una testa con un cappello di riccioli neri. Un viso pallido, arido, come bruciato dal fuoco interno, labbra, occhi ardenti dallo sguardo penetrante, con un'espressione di insopportabile tormento. In questo sguardo c'è la sete di "conoscenza e libertà", lo spirito ribelle del dubbio.

Alcuni anni dopo, Vrubel scrisse The Flying Demon (1899, Museo Russo). L'immagine è permeata da una premonizione di morte, destino. Il colore dell'immagine è cupo.

E, infine, gli anni 1901-1902 includono ultima immagine- "Demone sconfitto", Vrubel ci ha lavorato duramente e dolorosamente. A.Benois ricorda che l'immagine era già alla mostra World of Art, e Vrubel continuava ancora a riscrivere il volto del Demone, cambiando colore.

Il corpo spezzato e deformato del Demone con le ali spezzate è disteso nella gola, gli occhi bruciano di rabbia. Il mondo sprofonda nel crepuscolo, l'ultimo raggio balena sulla corona del Demone, sulle cime dei monti. Lo spirito ribelle è rovesciato, ma non spezzato.

I contemporanei vedevano in questa immagine un inizio di protesta, una bella persona indomita. Le parole vengono in mente A. Blocco : "Che impotenza istantanea! Il tempo è un fumo leggero! Spiegheremo di nuovo le ali! Voleremo di nuovo via! .." e disse poco dopo Chaliapin : "E ha scritto i suoi Demoni! Forte, spaventoso, inquietante e irresistibile ... Il mio demone è di Vrubel."

Finendo il demone sconfitto, Mikhail Alexandrovich Vrubel si ammalò gravemente e fu ricoverato in ospedale. Con brevi interruzioni, la malattia dura fino al 1904, quindi si verifica una breve guarigione.

Nel 1904 va a Pietroburgo. Inizia l'ultimo periodo creatività.

Nel 1904 Vrubel scrisse "Seraphim a sei ali", secondo il piano associato al poema di Pushkin "Profeta". Un potente angelo in uno scintillante piumaggio iridescente continua in una certa misura il tema del Demone, ma questa immagine è notevole per la sua integrità e armonia.

Negli ultimi anni della sua vita, Vrubel ha creato una delle immagini più delicate e fragili: "Ritratto di N. I. Zabela sullo sfondo di betulle" (1904, Museo Russo). Allo stesso periodo appartengono interessanti autoritratti. Dal 1905 l'artista è costantemente in ospedale, ma continua a lavorare, mostrandosi un brillante disegnatore. Dipinge scene di vita ospedaliera, ritratti di medici, paesaggi. I disegni realizzati in modo diverso si distinguono per un'osservazione accurata, una grande emotività. Il dottor Usoltsev, che ha curato Vrubel, scrive: " Era un artista creativo con tutto il suo essere, fin nei recessi più profondi della sua personalità psichica. Ha sempre creato, si potrebbe dire, continuamente, e la creatività era per lui "facile e necessaria come respirare. Mentre una persona è viva, respira tutto, mentre Vrubel respirava - ha creato tutto".

Pochi anni prima della sua morte, Vrubel iniziò a lavorare su un ritratto V. Bryusova (1906, Museo Russo). Qualche tempo dopo, Bryusov ha scritto che per tutta la vita ha cercato di essere come questo ritratto. Vrubel non ebbe il tempo di completare quest'opera, nel 1906 l'artista divenne cieco. Subisce tragicamente un colpo terribile, in una difficile situazione ospedaliera sogna l'azzurro del cielo sopra i campi scuri, i colori madreperlati della primavera. La musica era l'unica consolazione. Vrubel morì il 1 aprile 1910.

Creando immagini tragiche, l'artista ha incarnato in loro un brillante inizio nobile. La lotta tra luce e oscurità è il contenuto della maggior parte delle opere di Vrubel. A. Blok ha detto poeticamente questo sulla tomba dell'artista: " Vrubel è venuto da noi come un messaggero che l'oro è inframmezzato nella notte viola serata limpida. Ci ha lasciato i suoi Demoni come incantatori contro il male viola, contro la notte. Prima che Vrubel e la sua gente si rivelino all'umanità una volta al secolo, posso solo tremare"

Materiali dell'articolo di Fedorova N.A. dal libro: Dmitrienko A.F., Kuznetsova E.V., Petrova O.F., Fedorova N.A. 50 brevi biografie maestri dell'arte russa. Leningrado, 1971

Monografia su Vrubel. Capolavori inosservati

Ragazza sullo sfondo tappeto persiano, 1886

» Primo » Secondo » Terzo » trimestre » Quinto » sesto » settimo » ottavo » nono » Decimo » Odinade » Dodici » tredicesimo » quattordici » Quindici » Shestnad » Semnadts » otto » Diciannove » Venti » Dv.first » Dv.secondo » 2° terzo » Doppio quarto » 2° quinto » dv.sesto » Dv.settimo » Dv.ott » Dv.nove » Trenta » Tr.primo » Tr.secondo » Tr.terzo » Tr.giovedì » Tr.quinta » Tr.sesto » Tr.settimo

Fu intrapreso un viaggio a Venezia per dipingere immagini iconostasi commissionate - Cristo, la Madre di Dio e santi - Cirillo e Atanasio. Prakhov decise che sarebbe stato meglio per Vrubel lavorarci non a Kiev, ma a Venezia, una città museo, dove si trova la Cattedrale di San Pietro. Mark con i suoi famosi mosaici, i mosaici del XII secolo a Torcello e dipinti di rinomati coloristi veneziani.
Vrubel ha trascorso circa sei mesi a Venezia. Da lì scrive alla sorella: “Sfoglio la mia Venezia (in cui mi siedo sempre, perché l'ordine è su pesanti assi di zinco con cui non si può rotolare) come un utile libro speciale, e non come finzione poetica . Quello che ci trovo è interessante solo per la mia tavolozza. Soprattutto, la sua tavolozza non era luminaria Alto Rinascimento- Tiziano, Veronese, - ei loro predecessori, i maestri del Quattrocento (XV secolo), più strettamente legati alla tradizione medievale - Carpaccio, Cima da Conegliano e, soprattutto, Giovanni Bellini. L'influenza del Quattrocento veneziano si rifletteva nelle icone monumentali eseguite da Vrubel con figure all'interno a tutta altezza. Il primo biografo di Vrubel A.P. Ivanov ha scritto di loro: “La musica plastica di queste icone è costruita nei modi maestosi e chiari di G. Bellini e Carpaccio, e nel profondo di essa, come dominante nel punto dell'organo, il colorato la magia dei suoni dei mosaici di San Marco.”
Venezia ha dato molto a Vrubel ed è diventata pietra miliare nel suo sviluppo creativo: se l'incontro con l'arte bizantina ha arricchito la sua comprensione della forma ed elevato la sua espressione, allora pittura veneziana risvegliato il dono del colore. Eppure ha atteso con impazienza il ritorno. Quello che gli è successo è quello che spesso accade a chi si trova a lungo fuori dalla propria terra: solo allora sente tutta la forza della sua attrazione. È stata conservata una lettera dell'artista da Venezia al suo compagno dell'Accademia, VE Savinsky, dove lui, con evidente tensione di pensiero, sta cercando di presentargli nuove e importanti conclusioni, a cui è giunto in Italia. Dice che qui, cioè in Italia, si può studiare e creare - solo sul suolo natio; che creare è sentire, e sentire è “dimenticare di essere un artista e rallegrarsi di essere, prima di tutto, una persona”. "... Quanta bellezza abbiamo in Rus'!" - una tale esclamazione scoppia per la prima volta da Vrubel. In precedenza, sembrava essere piuttosto indifferente al "suolo natale": era qualcosa di scontato, inosservato, i piani venivano raccolti da fonti mondiali: antichità, Amleto, Faust ... E solo ora, all'estero, il suo umore si alza e pensieri che in seguito hanno portato a un'interpretazione poetica delle fiabe russe e della natura russa.

C'era un altro motivo per cui Vrubel voleva tornare a Kiev il prima possibile. Era innamorato della moglie di Prakhov Emilia Lvovna, di cui più volte, senza fare un nome, aveva misteriosamente accennato nelle lettere alla sorella: questa era la sua segreta "relazione spirituale".
Anche prima di partire all'estero, ha dipinto più volte E. L. Prakhova: il suo viso gli è servito da prototipo per il volto della Madre di Dio. La somiglianza del ritratto è conservata anche nell'icona stessa, ma lì è attenuata; più chiaramente - in due schizzi a matita della testa della Madre di Dio. Da questi disegni appare un volto straordinario: piuttosto brutto che bello, il volto infinitamente commovente del vagabondo - le sopracciglia all'altezza delle sopracciglia, una bocca gonfia, per così dire, occhi spalancati e luminosi, come se contemplasse qualcosa di sconosciuto agli altri.
Delle quattro immagini dell'iconostasi della Madre di Dio, l'artista è particolarmente riuscito. Questo è uno dei suoi indubbi capolavori. È scritto su uno sfondo dorato, vestito di toni rosso scuro profondi e vellutati, il cuscino sul trono è ricamato con perle e ai piedi ci sono delicate rose bianche. La Madre di Dio tiene il bambino sulle ginocchia, ma non si china verso di lui, ma si siede in posizione eretta e guarda davanti a sé con uno sguardo triste e profetico. Nei lineamenti e nell'espressione del viso balena una certa somiglianza con il tipo di contadina russa, come quelle pazienti volti femminili che si trovano nei dipinti di Surikov.
Per la prima volta ho sentito l'amore per la patria, il primo amore sublime per una donna ha spiritualizzato questa immagine, l'ha avvicinata al cuore umano.
Di ritorno da Venezia, Vrubel si precipitò. Era come se non riuscisse a trovare un posto per sé: o ha deciso di lasciare Kiev (e in effetti è partito per Odessa per diversi mesi), poi è tornato di nuovo; era attratto dalla "coppa della vita" ubriaca, amava violentemente qualche ballerino in visita, beveva molto, viveva instabile, febbrilmente, e inoltre era gravemente povero, poiché non c'erano soldi, mentre i rapporti con Prakhov diventavano più freddo e più lontano.
Il padre dell'artista era in allarme: suo figlio ha già trent'anni, formazione universitaria, educazione artistica, "l'abisso del talento", ma nel frattempo nessun nome, nessuna posizione sicura - nessun palo, nessun cantiere. Su insistenti inviti a venire a vivere a casa (la famiglia viveva allora a Kharkov) non risponde a nulla. Nell'autunno del 1886, lo stesso A.M. Vrubel venne a Kiev per visitare suo figlio, e le sue paure furono confermate: “Misha è sano (secondo lui), ma sembra magro e pallido. Dalla stazione sono andato dritto da lui e sono rimasto rattristato dalla sua stanza e dall'arredamento. Immagina, non un solo tavolo, non una sola sedia. Tutti gli arredi sono due semplici sgabelli e un letto. Nessuno dei due calda coperta, niente cappotto caldo, niente vestito, tranne quello che indossava (una redingote unta e pantaloni logori), non ho visto. Forse in un mutuo ... Fa male, amaramente fino alle lacrime ... dovevo vedere tutto questo. Ci sono così tante brillanti speranze!”

Nessuna prova diretta stato mentale artista in quel momento - non gli piaceva essere sincero - ma è abbastanza ovvio che stava attraversando non solo una crisi monetaria. Ha sopportato la povertà con noncuranza, la mancanza di fama anche: sapeva che prima o poi sarebbe venuta, e se non fosse venuta, e allora? L'amore che si è fermato - quello era serio. Ma non solo. È stato visitato da un profondo tumulto, che ha condiviso con la sua epoca, sebbene le cause immediate possano essere state intime e personali. Vrubel sperimentò presto quello che due decenni dopo Blok chiamò "un afflusso di mondi viola", l'oscurità viola che superava la luce dorata. In lui sorse una ribellione atea. Per due anni Vrubel ha lavorato per la chiesa, in un'atmosfera di religiosità, che era poco d'accordo con coloro che lo circondavano, così come la signora laica Emilia Prakhova era così poco in linea con l'ideale della Madre di Dio. E per la prima volta, l'immagine cupa del combattente di Dio - il Demone - iniziò a tentare Vrubel e catturare la sua immaginazione.
Stava solo lavorando a The Demon quando suo padre è arrivato inaspettatamente. Il padre descriveva il dipinto incompiuto nella stessa lettera, dicendo che il Demone gli sembrava "una vecchia malvagia, sensuale, ripugnante". Nessuna traccia del "Demone" di Kiev è pervenuta fino a noi: l'artista lo ha distrutto, tutti i "Demoni" ora conosciuti sono stati realizzati molto più tardi. Ma l'idea e l'inizio appartengono al periodo di Kyiv.
Allo stesso tempo, Vrubel ha lavorato su altre cose allora, commissionate dal filantropo di Kiev I.N. Tereshchenko. Scoprono una voglia d'oriente: fiorita, magica, speziata. Per Tereshchenko, Vrubel si è impegnato a dipingere un quadro " Fiaba orientale”, ma ha fatto solo uno schizzo ad acquerello e l'ha strappato quando E.L. Prakhova ha rifiutato di accettarlo come regalo. Poi, però, ha incollato il foglio strappato, che fino ad oggi è l'orgoglio del Museo di Arte Russa di Kiev. Questo grande acquerello è fantastico. A prima vista, è difficile distinguere ciò che è raffigurato: l'occhio è accecato da un mosaico iridescente di particelle preziose, illuminato da lampi di luce fosforica bluastra, come se fossimo davvero entrati nella grotta, i tesori delle Mille e una notte . Ma ormai l'occhio si abitua e comincia a distinguere l'interno della tenda del principe persiano, i tappeti che la ricoprono, il principe stesso e le sue odalische. Le figure sono cariche di sentimento e poesia: il principe, alzatosi sul divano, con sguardo pensoso e pesante, guarda con gli occhi bassi la bella fanciulla che gli sta di fronte.

continuazione .....

Monografia su Vrubel. Kiev. Incontro con l'antichità

Ragazza sullo sfondo tappeto persiano, 1886

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L'artista L. Kovalsky, a quel tempo uno studente della scuola di disegno di Kiev, raccontò in seguito di come incontrò Vrubel per la prima volta poco dopo il suo arrivo a Kiev. Kovalsky si stabilì per scrivere uno schizzo su un'alta collina che domina il Dnepr e prati lontani. "Il silenzio della sera, completa assenza chiunque tranne le rondini, che volteggiavano e cinguettavano nell'aria. In calma contemplazione, ho raffigurato, come meglio potevo, il mio paesaggio di 30 verste, ma passi silenziosi, e poi uno sguardo fisso mi ha fatto voltare. Lo spettacolo è stato più che straordinario: sullo sfondo delle primitive colline di Kirillovsky, dietro di me c'era un biondo, quasi bianco, biondo, giovane, con una testa molto caratteristica, piccoli baffi, anch'essi quasi bianchi. Basso di statura, molto ben proporzionato, vestito... era questo che in quel momento poteva colpirmi di più... tutto in abito di velluto nero, in calze, calzoni corti e stivali. Nessuno si vestiva così a Kiev, e questo mi fece una buona impressione. In genere era un giovane veneziano di un dipinto di Tintoretto o Tiziano, ma questo l'ho saputo molti anni dopo, quando ero a Venezia. Ora, sullo sfondo delle colline di Kirillov e della colossale cupola dell'azzurro del cielo di Kiev, l'apparizione di questa figura contrastante, dai capelli biondi, vestita di velluto nero, era più di un incomprensibile anacronismo.
... Lo sconosciuto si avvicinò, guardò attentamente e con tono serio, come se una cosa di importanza sconosciuta, disse: “Dov'è il tuo primo piano? Sono queste balle di fieno? Perché, sono a diverse miglia di distanza! Non puoi scrivere così, stai facendo sciocchezze - devi iniziare a studiare la natura da un foglio, dai dettagli, e non, come te, prendere ogni sorta di cose e metterle su un pezzo insignificante - questa è una specie di enciclopedia, non pittura. Non arrabbiarti, l'ho detto perché capisco il tuo errore". Guardò un po' di più e scomparve; Non mi sono nemmeno voltato a guardare, ero ferito dalle parole offensive, che mi sembravano molto nella sua osservazione, ma ero comunque interessato che parlasse così sinceramente e seriamente del mio lavoro, che consideravo come una cosa non degno di attenzione - mi è stato insegnato a farlo a scuola, lì nessuno guardava seriamente né il proprio lavoro né quello degli altri.

Eccitato, Kovalsky non ha continuato lo studio e si è recato nella chiesa di San Cirillo per vedere i suoi compagni che stavano lavorando al restauro degli affreschi. Negli stalli del coro notò uno sconosciuto che aveva appena incontrato; i compagni dissero che questo era l'artista Vrubel, e mostrarono la "Discesa dello Spirito Santo" che aveva iniziato, così come due angeli: "Vrubel disse che qui si avvicinò di più a Bisanzio".
Quindi, Vrubel a Kiev ha dovuto supervisionare il restauro degli affreschi bizantini del XII secolo nella chiesa di San Cirillo, inoltre, scrivere diverse nuove figure e composizioni sulle sue pareti per sostituire quelle perdute, e anche dipingere immagini per l'iconostasi. La direzione generale del lavoro apparteneva a Prakhov.
AV Prakhov, in stretto contatto con il quale (e con la sua famiglia) Vrubel trascorse cinque anni a Kiev, era conosciuto negli ambienti artistici. Storico dell'arte, archeologo, professore all'Università di San Pietroburgo, negli anni '70 ha parlato attivamente come critico d 'arte sulla rivista Bee. In articoli sotto lo pseudonimo di "Profan", Prakhov, con grande genialità e temperamento letterario, promosse l'arte degli Erranti. Uno dei suoi articoli più interessanti, dedicato alla sesta mostra itinerante del 1878 (in effetti, due mostre - "Stoker" di Yaroshenko e "Protodeacon" di Repin) non furono superate dalla censura. L'articolo è stato conservato nelle bozze e in seguito, ancora oggi, la sua paternità è stata erroneamente attribuita a I.N. Kramskoy. Quindi Prakhov si ritirò completamente dall'attività critica, smise di dedicarsi all'arte contemporanea (un sintomo caratteristico degli anni '80!) e tornò allo studio delle antichità. Tuttavia, non ha perso il contatto con gli artisti e la sua casa a Kiev era aperta a loro quasi quanto le case di Polenov e Mamontov a Mosca. Energico, attivo, non ancora quarantenne, Prakhov si mosse vita artistica Kyiv, intraprendendone lo studio e il restauro monumenti unici Rus' di Kiev. Ha anche supervisionato la decorazione interna del nuovo tempio - Vladimir, fondato negli anni '60 dell'Ottocento. A quel tempo, gli artisti russi avevano idee piuttosto approssimative sullo stile bizantino, così come sulla tecnica di restauro. Gli affreschi di Kirillov erano in cattive condizioni e un artel di studenti della scuola di disegno di Kiev, guidato dall'artista N. I. Murashko (Vrubel in seguito divenne amico intimo di lui), lavorò al loro "rinnovamento". Con le loro piccole abili mani, gli affreschi venivano dipinti dall'alto lungo i contorni conservati (secondo i “conti”); ora un tale metodo sarebbe considerato barbaro. Si è conservata l'informazione che Vrubel gli si oppose, proponendosi semplicemente di ripulire gli affreschi e lasciarli intatti, ma non erano d'accordo: il tempio era attivo e le figure semicancellate dei santi potevano confondere i parrocchiani. Era necessario terminarli, mantenendo, se possibile, lo stile del XII secolo. Come è stato salvarsi? Non solo gli studenti di Murashko, ma anche lo stesso Vrubel incontrò per la prima volta l'arte bizantina a Kiev. Per diversi mesi si tuffò a capofitto nello studio delle antichità, utilizzando, oltre agli originali della Chiesa di San Cirillo e della Cattedrale di San Pietro. Sophia, libri, tavole a colori e fotografie dalla ricca biblioteca di Prakhov. Ha curato con grande cura il restauro di antichi affreschi dai frammenti superstiti; come ha ricordato N.A. Prakhov (figlio di A.V. Prakhov), "non ha inventato nulla da se stesso, ma ha studiato l'ambientazione delle figure e le pieghe dei vestiti sulla base di materiali conservati in altri luoghi".
Ora, a metà non del XIX, ma del XX secolo, gli affreschi di Kirillov sono stati restaurati secondo tutte le regole scienza moderna, anche se la maggior parte di essi è andata irrimediabilmente perduta, e solo alcuni pezzi dell'antico dipinto si sono conservati intatti. Ma ora anche la chiesa di San Cirillo è passata alla storia come monumento raffigurato dal genio di Vrubel. Vrubel dipinse diverse figure di angeli sulle pareti, la testa di Cristo, la testa di Mosè e, infine, due composizioni indipendenti: un'enorme "Discesa dello Spirito Santo" nei cori e "Compianto" nel portico. Lavorando su di essi, l'artista non ha più copiato vecchi campioni. Aveva il diritto interiore di non seguire la lettera dello stile antico: ne penetrava lo spirito.

L'espressione nobile e sobria di antichi mosaici e affreschi ha chiarito le ricerche di Vrubel. L'espressione è stata caratteristica del suo talento fin dall'inizio, ma nei suoi primi lavori ha deviato nell'esagerazione e nei cliché romantici. Così, nel disegno "L'appuntamento di Anna Karenina con suo figlio", realizzato nei primi anni '80, Anna, con esagerato ardore, quasi strangola un bambino tra le braccia. Nei disegni per "Mozart e Salieri" (1884), Salieri sembra un cattivo melodrammatico. E solo dopo essersi unito al monumentale bizantino e antica arte russa L'espressione di Vrubel diventa maestosa: la pressione psicologica scompare, un'espressione tipicamente Vrubel di tensione spirituale appare nello sguardo concentrato di occhi enormi ( grandi occhi- anche una caratteristica della pittura bizantina), con pose come insensibili, con un gesto meschino, in un'atmosfera di profondo silenzio. Questo è già nella "Discesa dello Spirito Santo", scritta sulla volta a botte della chiesa di San Cirillo. Secondo la tradizione evangelica, lo spirito santo apparve agli apostoli sotto forma di colomba, le fiamme che ne emanavano "si posarono su ciascuno di loro". Successivamente, gli apostoli acquisirono il dono di parlare in tutte le lingue e di predicare gli insegnamenti di Cristo a tutte le nazioni. Come altri racconti evangelici, la trama della "Discesa" aveva un proprio schema iconografico nell'arte sacra, fissato da una tradizione secolare. Vrubel ha seguito lo schema abbastanza da vicino, apparentemente usando miniature dei vecchi vangeli. Ma nell'interpretazione di figure e volti si è mostrato come un artista moderno, come uno psicologo. I suoi apostoli avevano prototipi viventi. Si pensava che l'artista facesse schizzi preparatori da malati di mente (la chiesa di San Cirillo si trovava sul territorio di un ospedale psichiatrico), ma questo non è vero: il figlio di A.V. Prakhov N.A. , sacerdoti, archeologi, tra loro lo stesso Adrian Viktorovich Prakhov.
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Michail Vrubel. Galleria di immagini. Pittura

La grandiosità e la grandezza veramente titanica di Vrubel si sono manifestate nella straordinaria polifonia della creatività, nell'universalismo dell'abilità e nell'originalità del pensiero. Era uno dei più artisti brillanti fine XIX- l'inizio del XX secolo. Nella sua vita e lavoro combinato più alto artigianato e brillante individualismo, profonda conoscenza della natura e della fantasia, la più profonda conoscenza delle tradizioni dell'arte mondiale e il dono innato dello sperimentatore. Con il suo lavoro ha confutato i dubbi degli scettici di "sinistra" e "destra" sulla necessità sia di una scuola che di un esperimento consapevole nell'arte. L'amore per l'arte possedeva completamente Vrubel dai suoi anni accademici. All'Accademia lavorava dodici ore al giorno. Le prime opere completamente indipendenti di Vrubel appartengono al 1884-1885. Pertanto, il periodo dell'attività creativa di Vrubel è relativamente breve, poco più di vent'anni. Vrubel per molto tempo sembrava provenire dal nulla. Sembrava difficile determinare l'origine del suo stile, dei suoi modi individuali. In superficie, questo stile individuale è facilmente riconoscibile: è un modo di interpretare le forme visibili sotto forma di un mosaico di tratti, un ornamento cubizzato di una forma tridimensionale. Successivamente, dopo la morte di Vrubel, ai critici russi piaceva dire che era Vrubel il precursore del cubismo.

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Demone sconfitto. 1901	Demone seduto, 1890. Schizzo	Demone sconfitto. 1902	Demone volante. 1899
Signora in viola. Ritratto dell'artista N.I. Zabela-Vrubel. 1904	Fiori rossi e foglie di begonie in un cesto. 1886-1887	Pavone. Primi del 1900	Danza Orientale. 1887
Demone sconfitto. 1902. Schizzo ad acquerello	Ritratto di KD Artsybushev. 1897	Serafino a sei ali. 1905	Notte in Italia. 1891
Bogatiro. 1898	Amleto e Ofelia. 1884	Vergine delle Nevi. 1890	Rosa canina. 1884
Giochi di naiadi e tritoni	Addio del re del mare con la principessa Volkhova. 1899	Catania. Sicilia. 1894	Portofino. Italia. 1894

Probabilmente, il "Demone" non è stato la causa della malattia di Vrubel, ma è diventato un catalizzatore, un acceleratore: la coincidenza della fine del quadro con l'inizio della malattia non è affatto casuale. L'ultima frenetica ondata di energia, l'ultimo super sforzo - e poi l'esaurimento, il crollo. Immagina un artista al limite delle sue forze, che rimane ostinatamente faccia a faccia con lo "spirito del male", creato da lui, ma già separato da lui, che vive una vita separata da lui; immaginiamo come ogni mattina combatta con lui con un pennello, cercando di sottometterlo alla sua volontà - non è questo il materiale per una tragica leggenda! Quella versione del "Demone sconfitto", su cui si interruppe un disperato duello e lo spirito dell'artista si esaurì, non appartiene - bisogna ammetterlo - ai vertici dell'opera di Vrubel. È terribilmente efficace, ovviamente, ed è stato ancora più efficace fino a quando i suoi colori non sono sbiaditi, appassiti, ma S. Yaremich ha giustamente notato che qui "la più alta moderazione artistica è vicina alla violazione". Il demone viene gettato in una gola tra le rocce. Le braccia un tempo possenti divennero fruste, pateticamente spezzate, il corpo fu deformato, le ali furono disperse. Intorno all'oscurità lilla caduta e ai getti blu schizzati. Lo inondano, un po' di più - e lo chiudono completamente, lasciando una distesa azzurra, uno specchio d'acqua pre-temporale in cui si riflettono le montagne. Selvaggio e pietoso è il volto del caduto con una bocca dolorosamente contorta, sebbene un bagliore rosa bruci ancora nella sua corona. Oro, blu cupo, blu lattiginoso, viola fumoso e rosa - tutti i colori preferiti di Vrubel - formano qui uno spettacolo incantevole. La tela appena dipinta non aveva l'aspetto di adesso: la corona scintillava, le cime delle montagne brillavano di rosa, le piume delle ali spezzate, come pavoni, scintillavano e tremolavano. Come sempre, a Vrubel non importava della sicurezza delle vernici: aggiungeva polvere di bronzo alle vernici per farle brillare, ma col tempo questa polvere iniziò ad agire in modo distruttivo, l'immagine si oscurò in modo irriconoscibile. Ma fin dall'inizio, la sua combinazione di colori era apertamente decorativa: mancava la profondità e la saturazione del colore, la varietà di transizioni e sfumature, che è in le cose migliori Vrubel. "Demon Defeated" affascina non tanto per la sua pittura, ma per l'incarnazione visibile della tragedia dell'artista: sentiamo - "qui un uomo bruciato".

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Serafino a sei ali (Azrael). 1904

Prima di incontrare l'eminente Cantante di opera Nadezda Zabelaya A Vrubel c'erano affari, ma nessuno di loro ha portato al matrimonio. La speranza divenne la sua musa ispiratrice, moglie e angelo custode, proteggendolo fino a quando Gli ultimi giorni vita. Lo ha ispirato a creare molte opere, inclusa la più misteriosa - "The Swan Princess", e ha cercato di fare l'impossibile - per salvarlo dalla follia.

Si sono incontrati alla Russian Private Opera di Savva Mamontov, durante le prove dello spettacolo. Quando ha sentito cantare Zabela per la prima volta, le si è avvicinato nel backstage, le ha baciato le mani e ha ripetuto: “Che bella voce!”. È stato amore a prima vista, lui le ha offerto una mano e un cuore due giorni dopo essersi conosciuti. "Altri cantanti cantano come uccelli, ma Nadia canta come una persona", ha detto l'artista. “La voce è uniforme, leggera, morbida e piena di colori. E quanto amore c'era in questo canto! L'anima della fiaba si è fusa in essa con l'anima dell'uomo. E che aspetto! Un miracolo, un miracolo, un miracolo!” - il compositore M. Gnesin ha parlato di Zabela. Nell'estate del 1896 Zabela e Vrubel si sposarono a Ginevra.

Nadezhda Zabela era l'interprete preferita di N. Rimsky-Korsakov: soprattutto per lei, ha scritto la parte di Marfa nell'opera " sposa reale", ha interpretato i ruoli principali nelle opere "Sadko", "The Tale of Tsar Saltan", "Demon" e "Eugene Onegin". Vrubel l'ha accompagnata a tutte le prove e spettacoli, ha suggerito le sfumature dell'interpretazione delle immagini, ha creato schizzi costumi teatrali. "L'unica cosa per cui viveva era la musica", ha scritto l'artista S. Sudeikin. "Nadezhda Ivanovna è rimasta per lui un simbolo, un ideale esponente della bellezza".

L'artista ha spesso dipinto ritratti di sua moglie, lei lo ha ispirato a creare dipinto famoso"The Swan Princess", anche se in questo caso non c'è alcuna somiglianza con il ritratto. N. Rimsky-Korsakov ha scritto un'opera basata sulla trama di "The Tale of Tsar Saltan" di A. Pushkin, festa principale in cui si è esibita Nadezhda Zabela. Ispirato dalla sua performance, Vrubel ha scritto una delle sue opere più enigmatiche. Gli enormi occhi della principessa del cigno sono pieni di tristezza, ansia e, per così dire, una premonizione di guai.

L'aspetto scenico di Zabela in questo ruolo era lo stesso della foto: “La sua principessa cigno, anch'essa catturata da Vrubel sulla tela, è una visione creata dalla fantasia popolare. Spiritualizza questi suoni cristallini con una sensazione luminosa e una tenerezza fanciullesca primaverile - e tu, forse, sentirai e vedrai quella Swan Princess, che Zabela era e che successivamente questa Principessa non era nessuno degli interpreti ", ha scritto dopo lo spettacolo.

Nel 1901 nacque il loro figlio Savva, ma la felicità fu oscurata dalla presenza di un difetto congenito in lui: un labbro leporino. Per questo motivo, l'artista iniziò una profonda depressione prolungata, che divenne l'impulso per lo sviluppo della malattia mentale. I suoi sintomi erano comparsi prima, ma la malattia del bambino li ha aggravati. All'età di 3 anni, il bambino morì di polmonite, che alla fine minò la salute mentale di Vrubel.

Da allora, Vrubel ha trascorso molto tempo in cliniche psichiatriche, ma sua moglie non ha perso la speranza e ha cercato di alleviare le sue condizioni in ogni modo possibile. Sapendo come il suo canto lo colpisce, ha portato un accompagnatore in ospedale e ha cantato per suo marito. Ha cercato di non tradire la sua ansia e ha sostenuto l'artista fino agli ultimi giorni. Ecco perché Nadezhda Zabela è stata chiamata l'angelo custode di Vrubel. La donna ha mostrato una resistenza straordinaria, anche se ha dovuto sopportare molto: la morte di un bambino, la malattia di sua madre, la morte di suo padre, la follia e la morte di suo marito. È sopravvissuta a Vrubel solo per tre anni ed è morta all'età di 45 anni.

Ispirato in modo scenico sua moglie, che ha recitato nell'opera di Rimsky-Korsakov The Tale of Tsar Saltan bellissima principessa cigno, Vrubel ha deciso di dedicarsi non solo alla scenografia per questa produzione teatrale fiaba con lo stesso nome Pushkin, ma anche il ritratto di una maga al tempo della sua reincarnazione.

Il personaggio raffigurato sulla tela non ha la minima somiglianza con diva dell'opera che, con l'ausilio di rari dati vocali, è riuscito a trasmettere l'immagine misteriosa e incredibilmente femminile della principessa. Piuttosto, è un'immagine mistica e favolosa nata nella mente di Vrubel, e abilmente incarnata grazie all'incredibile capacità di lavorare con il colore.

La magica principessa della tela di un talentuoso pittore russo è misteriosa, misteriosa e freddamente bella. Il suo viso magro e regale con grandi occhi scuri è traslucido di una tristezza incomprensibile. Un naso sottile e aggraziato, labbra strette, una mano sottile e aggraziata e una pelle pallida e aristocratica sottolineano la fragilità e la femminilità della ragazza.

Un enorme kokoshnik dorato con enormi pietre scintillanti incorona la fragile testa di una principessa delle fiabe e un tessuto bianco senza peso con un ampio bordo d'argento copre i suoi lunghi capelli. capelli scuri, intrecciato in una treccia stretta.

Le pieghe dell'abito della maga hanno lo stesso colore e struttura delle sue enormi ali di cigno bianco come la neve, ed è impossibile indovinare dove si trovi questo passaggio dalle piume di un bellissimo uccello all'orlo di una veste reale.

La principessa del cigno è raffigurata in riva al mare sullo sfondo del cielo al tramonto e di una città lontana su una roccia ripida durante il cupo crepuscolo serale che scende sul mare. I toni freddi dell'immagine e le sue sottili sfumature perlescenti bluastre danno origine a una sensazione di visione illusoria e sfuggente della trasformazione di un cigno orgoglioso e grazioso in una bella ragazza.

La posa della maga è naturale e libera: va in lontananza verso la città e guarda solo brevemente lo spettatore.

Il simbolo del cigno per molti artisti personificava l'ispirazione creativa, che eleva l'anima e l'immaginazione, e porta anche alla conoscenza dell'altro mondo: oscure forze demoniache. Involontariamente, la Swan Princess è una creatura di doppia natura, che personifica due elementi contemporaneamente.

Il primo è il potere freddo-oscuro, acquoso e demoniaco, e il secondo è arioso, celeste e stimolante. Il fascino di questo personaggio è dato non solo dalla bellezza femminile e dai sottili tratti demoniaci.

Vrubel ha deciso di ritrarla nel momento di una meravigliosa metamorfosi delle forme, sciogliendosi nella luce fredda di un tramonto sul mare. Questa immagine parla del segreto della manifestazione della più alta bellezza che nasce nel nostro mondo quotidiano.