Tappe importanti del rilancio in Italia e in Europa. Rinascimento in Europa occidentale

Il Rinascimento è un momento di ripensamento dell'eredità dell'antichità, la rinascita delle sue idee. Ma è sbagliato considerare questo tempo come una ripetizione, un'imitazione di una cultura passata. Le idee nate nel Medioevo durante il Rinascimento hanno ampiamente influenzato le specificità dell'atteggiamento di una persona di questo tempo.

Le seguenti disposizioni possono essere considerate i principi di base dell'atteggiamento di un uomo del Rinascimento:

Il mondo terreno è una gerarchia delle creazioni di Dio, dove solo l'uomo stesso ha la più alta perfezione; il teocentrismo della visione del mondo è sostituito dall'antropocentrismo;

C'è una chiara consapevolezza dei problemi della vita;

Il tempo e lo spazio sono già valutati dal quadro dell'esistenza reale, chiaramente definito dalle forme dell'attività umana. Lo spazio diventa visibile. Il tempo è come il presente e scorre veloce. Il tipo di personalità rinascimentale si distingue per il titanismo (fa così tanto nella sua vita che molti non possono permetterselo) e l'universalità (realizza le sue capacità in un'ampia varietà di aree);

La capacità di creare diventa la più alta manifestazione della divinità umana e l'artista diventa la persona più rispettata nella società;

Arte e natura diventano concetti equivalenti;

La bellezza del mondo è divisa in bellezza naturale, naturale e bellezza artificiale, artificiale; bellezza umana - sullo spirituale e fisico.

Il Rinascimento è la nascita delle idee dell'umanesimo, glorificando il potenziale creativo dell'uomo. L'umanesimo si manifesta chiaramente nell'arte. Gli umanisti svilupparono (praticamente più che teoricamente) quella componente dell'estetica, che oggi chiamiamo applicata. La natura è vista come la più alta forma di bellezza. L'arte è una delle forme di creatività realizzate secondo le leggi della bellezza della natura. Se l'estetica medievale considera l'arte un attaccamento alla materia, allora

forma già pronta, preesistente nell'anima dell'artista e lì posata Dio poi nel Rinascimento per la prima volta nasce l'idea che l'artista me stessa crea e crea questo modulo. Pertanto, l'arte non è una semplice imitazione della natura. È un fenomeno completamente nuovo, che è un atto dell'atto creativo di una persona che manifesta la sua volontà e individualità attraverso l'arte.

L'arte è considerata uno dei canali della conoscenza umana del mondo che ci circonda. L'arte interagisce attivamente con la scienza. I grandi titani del Rinascimento non sono solo impegnati nella creatività artistica, ma fanno anche scoperte scientifiche e tecniche. Basta citare il nome di Leonardo da Vinci.

L'arte divenne non solo indipendente, ma iniziò anche a mostrare la sua struttura morfologica: la specificità dei singoli tipi di arte iniziò ad apparire chiaramente. Il creatore diventa un professionista nel suo campo, in cui l'abilità e l'individualità iniziano ad essere particolarmente apprezzate.

L'arte acquista così un carattere sempre più laico, caratterizzato dalla democrazia e dal desiderio di realismo nel riflettere il mondo. Nasce il concetto "attività gratuite" che includono filosofia, storia, eloquenza, musica e poesia. L'autorità dell'artista nella società comincia a crescere. Il lavoro speso e la necessaria conoscenza professionale diventano il criterio dell'art. La letteratura e le belle arti diventano le più apprezzate.

In questa era, un nuovo - moderno letteratura. La parola è intesa come la più alta manifestazione della Bellezza, il lavoro sulla figuratività della parola - come il più alto destino umano. La letteratura del Rinascimento è piena di un carattere che afferma la vita, l'ammirazione per la bellezza del mondo, l'uomo e le sue realizzazioni. Il suo tema principale è il tema dell'amore.

Architettura Il Rinascimento cercava un'opportunità per creare uno stile di vita ideale attraverso la creazione di nuovi progetti architettonici. L'ideale della vita è stato realizzato nella Firenze del XV secolo, la città "ideale", modellata dall'immaginazione e dalle mani di grandi creatori. La città “ideale” è nata grazie alla scoperta della prospettiva delineata da Brunelleschi e Leonardo da Vinci e anche per l'unità realizzata della visione spaziale-plastica e socio-politica del mondo. Per la prima volta, lo spazio umano è apparso in contrapposizione allo spazio naturale. L'architettura della città è considerata come una sintesi della città in generale: il mondo oggettivo della città, la vita dei singoli cittadini, la sua vita pubblica con giochi, spettacoli e teatro.

Uno dei compiti arti visive- l'importanza di osservare il canone del bello, trovato dagli antichi, ma in modo tale che il realismo e la vitalità dell'immagine non ne risentano. Padronanza dell'immagine

niya diventa una professione. Le scuole d'arte si stanno sviluppando. Le belle arti del Rinascimento sono caratterizzate da:

Cambio di argomento: una persona diventa oggetto di maggiore attenzione;

Modifica delle tecniche di immagine: prospettiva diretta, accuratezza del trasferimento della struttura del corpo umano;

Spostare un colore puro con colori complessi e compositi;

Il principale mezzo di espressione non è la luce, ma l'ombra, che contribuisce allo sviluppo delle arti grafiche nelle arti visive;

Interesse speciale per il paesaggio;

La predominanza della pittura da cavalletto e l'emergere della pittura secolare (ritratto);

Sviluppo tecnologico pittura ad olio;

interesse per l'incisione.

IN scultura c'è un ritorno di interesse per il corpo nudo. Scultore Donatello il primo (dopo il Medioevo) a presentare un corpo nudo in scultura, creato nuovo tipo statua rotonda e gruppo scultoreo, pittoresco rilievo. Il corpo nudo delle sculture rinascimentali è pieno di espressione, movimento, sensualità, erotismo. Le posture sono diventate dinamiche, i muscoli sono diventati più tesi, le emozioni sono state aperte. Il corpo, come nell'antichità, è visto come un riflesso dell'anima. Ma l'enfasi nella rappresentazione del corpo umano è già diversa: deve essere considerata come una manifestazione di speciale stati anime. Ecco perché gli scultori studiano così intensamente il corpo umano in varie situazioni psicologiche. Guardando le immagini scultoree di un uomo del Rinascimento, possiamo prima di tutto vedere la sua anima, lo stato, le emozioni manifestate nella sua postura, nei muscoli tesi e nell'espressione facciale.

Formazione Teatro Il rinascimento è associato ai nomi William Shakespeare E Lope de Bega. I principali generi teatrali di questo tempo sono tragedia E commedia, mistero, miracolo, farsa e favi(varietà di commedie). Il contenuto diventa più secolare. L'azione si svolge ovunque (sulla terra, in cielo, negli inferi) e copre eventi che si protraggono per anni e mesi. Allo stesso tempo, non c'è ancora integrità della trama e dei tipi di personaggi selezionati. Le trame antiche sono spesso rappresentate nelle produzioni scolastiche e hanno maggiori probabilità di perseguire obiettivi educativi ed educativi. spettacoli spettacoli teatrali erano piuttosto noiosi in termini di sviluppo della trama, ma intrattenevano il pubblico con intermezzi di danza, decorazioni e costumi. Il teatro del Rinascimento divenne credibile, realistico, acquisì i tratti di un'azione scenica, che lo spettatore osserva come di lato.

La musica per la prima volta si manifesta come un'arte secolare, basata su un inizio secolare ed esistente senza l'ulteriore tutela di altre arti o religione. La capacità di cantare e suonare uno strumento musicale diventa una qualità indispensabile di una persona colta.

Generi completamente nuovi compaiono nella musica: opera e direzione strumentale. L'improvvisazione era tenuta in grande considerazione. Stanno diventando popolari anche nuovi strumenti musicali: il clavicordo, il liuto e il violino. L'organo era considerato lo strumento più adatto per riprodurre immagini di arte "alta". Fu nell'arte dell'organo che nacque il cosiddetto stile monumentale, un parallelo al barocco nella pittura e nell'architettura, che iniziò a prendere forma nel XVI secolo. Nel XVI secolo compaiono in Spagna Primo trattati sull'arte della musica.

La rinascita nell'arte ha preparato il design di nuovi stili artistici: barocco, classicismo, rococò.

A cavallo dei secoli XV-XVI, quando l'Italia si trovò al centro della politica internazionale, lo spirito rinascimentale penetrò anche in altri paesi europei. Si manifestò, in particolare, nella forte influenza italiana sulla vita politica e sui rapporti economici, che fece parlare lo storico inglese A. Toynbee di "italianizzazione" dell'Europa.

Le cose erano diverse nel campo della cultura. Al di fuori dell'Italia, soprattutto nel nord Europa, il patrimonio antico ha svolto un ruolo molto più modesto che nella culla del Rinascimento (leggi sul Rinascimento italiano). Di importanza decisiva erano le tradizioni nazionali e le peculiarità dello sviluppo storico dei vari popoli.

Queste circostanze si manifestarono chiaramente in Germania, dove sorse un ampio movimento culturale, chiamato Rinascimento settentrionale. Fu in Germania, al culmine del Rinascimento, che fu inventata la stampa. A metà del XV sec. Johannes Gutenberg (c. 1397-1468) pubblicò il primo libro stampato al mondo, un'edizione latina della Bibbia. La stampa si diffuse rapidamente in tutta Europa, diventando un potente mezzo di diffusione delle idee umanistiche. Questa invenzione storica ha cambiato l'intero carattere cultura europea.

I presupposti per il Rinascimento settentrionale si formarono nei Paesi Bassi, soprattutto nelle ricche città della provincia meridionale delle Fiandre, dove quasi contemporaneamente al primo Rinascimento italiano nacquero elementi di una nuova cultura, la cui espressione più eclatante fu la pittura. Un altro segno dell'avvento dei tempi nuovi è stato l'appello dei teologi olandesi a questioni morali religione cristiana, il loro desiderio di una “nuova pietà”. Erasmo da Rotterdam (1469-1536), il più grande pensatore del Rinascimento settentrionale, crebbe in un'atmosfera così spirituale. Nativo di Rotterdam, ha studiato a Parigi, ha vissuto in Inghilterra, Italia, Svizzera, acquisendo fama paneuropea con il suo lavoro. Erasmo da Rotterdam divenne il fondatore di una direzione speciale del pensiero umanistico, chiamata umanesimo cristiano. Comprendeva il cristianesimo principalmente come un sistema di valori morali che dovevano essere seguiti nella vita di tutti i giorni.

Sulla base di uno studio approfondito della Bibbia, il pensatore olandese ha creato il proprio sistema teologico: la "filosofia di Cristo". Erasmo da Rotterdam ha insegnato: “Non pensare che Cristo sia concentrato nei riti e nei servizi, non importa come li osservi, e nelle istituzioni ecclesiastiche. Un cristiano non è colui che è asperso, non colui che è unto, non colui che è presente ai sacramenti, ma colui che è intriso di amore per Cristo e si esercita in opere pie.

Contemporaneamente all'Alto Rinascimento in Italia, anche le belle arti fiorirono in Germania. Al centro di questo processo c'era il brillante artista Albrecht Dürer (1471-1528). La sua casa era la libera città di Norimberga, nel sud della Germania. Durante i viaggi in Italia e nei Paesi Bassi, l'artista tedesco ha avuto l'opportunità di conoscere i migliori esempi di pittura europea contemporanea.

Nella stessa Germania, a quel tempo, era ampiamente utilizzato un tipo di creatività artistica come l'incisione, un disegno in rilievo applicato a una tavola oa una lastra di metallo. A differenza dei dipinti, le incisioni riprodotte sotto forma di stampe separate o illustrazioni di libri divenne proprietà delle cerchie più ampie della popolazione.

Durer ha perfezionato la tecnica dell'incisione. Il ciclo delle sue xilografie "Apocalisse", che illustra la principale profezia biblica, è uno dei più grandi capolavori dell'arte grafica.

Come altri maestri del Rinascimento, Dürer è entrato nella storia della cultura mondiale come eccezionale ritrattista. È diventato il primo artista tedesco a ricevere un riconoscimento paneuropeo. Anche gli artisti Lucas Cranach Sr. (1472-1553), noto come maestro delle scene mitologiche e religiose, e Hans Holbein Jr. (1497/98-1543) ottennero grande fama.

Holbein ha lavorato per diversi anni in Inghilterra, alla corte del re Enrico VIII, dove ha creato un'intera galleria di ritratti dei suoi famosi contemporanei. La sua opera ha segnato uno dei vertici della cultura artistica del Rinascimento.

Rinascimento francese

La cultura del Rinascimento in Francia si distinse anche per la sua grande originalità. Dopo la fine della Guerra dei Cent'anni, il paese conobbe un'impennata culturale, basandosi sulle proprie tradizioni nazionali.

Il fiorire e l'arricchimento della cultura francese hanno contribuito a Posizione geografica paesi, che hanno aperto opportunità per una stretta conoscenza delle conquiste culturali di Paesi Bassi, Germania, Italia.

La nuova cultura godette del sostegno reale in Francia, specialmente durante il regno di Francesco I (1515-1547). La formazione di uno stato nazionale e il rafforzamento del potere reale furono accompagnati dalla formazione di una speciale cultura di corte, che si rifletteva nell'architettura, nella pittura e nella letteratura. Nella valle del fiume Nella Loira furono costruiti diversi castelli in stile rinascimentale, tra i quali spicca Chambord. La Valle della Loira è anche chiamata la "vetrina del Rinascimento francese". Durante il regno di Francesco I fu costruita la residenza di campagna dei re francesi di Fontainebleau e iniziò la costruzione del Louvre, un nuovo palazzo reale a Parigi. La sua costruzione fu completata durante il regno di Carlo IX. Sotto lo stesso Carlo IX iniziò la costruzione del Palazzo delle Tuileries. Questi palazzi e castelli erano tra i capolavori architettonici più notevoli della Francia. Il Louvre è oggi uno dei più grandi musei del mondo.

Il Rinascimento è la nascita del genere del ritratto, che per lungo tempo ha prevalso pittura francese. I più famosi furono i pittori di corte Jean e Francois Clouet, che raffigurarono immagini di re francesi da Francesco I a Carlo IX e altri personaggi famosi del loro tempo.

Il fenomeno più eclatante del Rinascimento francese è l'opera dello scrittore Francois Rabelais (1494-1553), che rifletteva sia l'identità nazionale del paese che l'influenza rinascimentale. Il suo romanzo satirico "Gargantua e Pantagruel" presenta un ampio panorama della realtà francese dell'epoca.

Partecipante attivo alla vita politica della Francia tra la fine del XV e l'inizio del XVI secolo. Philippe de Commines ha gettato le basi del pensiero storico e politico francese nei tempi moderni. Il più grande contributo al loro ulteriori sviluppi fu introdotto dal notevole pensatore Jean Bodin (1530-1596) con le sue opere “Il metodo della facile conoscenza della storia” e “Sei libri sullo Stato”.

umanesimo inglese

L'Università di Oxford, che aveva una lunga tradizione di istruzione classica, divenne il più grande centro di cultura umanistica in Inghilterra. Ha studiato letteratura antica qui Thomas More (1478-1535), il cui nome è diventato un simbolo dell'umanesimo inglese. La sua opera principale è Utopia. Raffigura l'immagine di uno stato ideale. Questo libro ha gettato le basi e ha dato il nome a un particolare genere letterario- utopia sociale. "Utopia" in greco significa "un paese che non esiste".

Raffigurando una società ideale, More la contrapponeva alla realtà inglese contemporanea. Il fatto è che la New Age ha portato con sé non solo risultati indubbi, ma anche gravi contraddizioni sociali. Il pensatore inglese è stato il primo a mostrare nella sua opera le conseguenze sociali della trasformazione capitalista dell'economia inglese: il massiccio impoverimento della popolazione e la divisione della società in ricchi e poveri.

Alla ricerca del motivo di questa situazione, è giunto alla conclusione: "Dove c'è solo proprietà privata, dove tutto è misurato in base al denaro, non è quasi mai possibile il corso corretto e di successo degli affari di stato". T. More era grande politico del suo tempo, nel 1529-1532. servì anche come Lord Cancelliere d'Inghilterra, ma a causa del disaccordo con la politica religiosa del re Enrico VIII, fu giustiziato.

Vita quotidiana rinascimentale

Il Rinascimento ha portato grandi cambiamenti non solo alla cultura artistica, ma anche alla cultura quotidiana, alla vita quotidiana delle persone. Fu allora che apparvero per la prima volta o si diffusero molti oggetti domestici familiari all'uomo moderno.

Un'innovazione importante fu la comparsa di una varietà di mobili che vennero a sostituire le strutture semplici e voluminose del Medioevo. La necessità di tali mobili ha portato alla nascita di un nuovo mestiere: la falegnameria, oltre alla falegnameria più semplice.

I piatti si fecero più ricchi e qualitativamente realizzati; la distribuzione di massa, oltre al coltello, riceveva cucchiai e forchette. Anche il cibo è diventato più diversificato, la cui gamma è stata notevolmente arricchita grazie ai prodotti portati da paesi di recente scoperta. La crescita complessiva della ricchezza, da un lato, e forte aumento la quantità di metalli e pietre preziose che affluirono in Europa a seguito delle Grandi scoperte geografiche, invece, determinò il fiorire arte dei gioielli. La vita nell'Italia rinascimentale diventa più sofisticata e bella.

Il tardo medioevo ha lasciato cose come forbici e bottoni in eredità al Rinascimento e all'inizio del XTV secolo. in Borgogna, che allora dettava la moda in Europa, fu inventata la sartoria. La produzione di abiti si è distinta come una professione speciale: il mestiere di un sarto. Tutto questo ha fatto una vera e propria rivoluzione nel campo della moda. Se i vestiti precedenti non sono cambiati per molto tempo, ora potrebbero essere facilmente progettati secondo qualsiasi gusto. Gli italiani adottarono la moda per gli abiti tagliati nata in Borgogna e iniziarono a svilupparla ulteriormente, dando il tono a tutta l'Europa.

Il significato storico del Rinascimento

Il merito più importante della cultura del Rinascimento è stato quello di rivelarsi per primo mondo interiore uomo nella sua interezza.

attenzione al personalità umana e la sua originalità si manifestava letteralmente in ogni cosa: nella poesia lirica e nella prosa, nella pittura e nella scultura. Nelle arti visive, il ritratto e l'autoritratto sono diventati popolari come mai prima d'ora. In letteratura, generi come la biografia e l'autobiografia sono stati ampiamente sviluppati.

Lo studio dell'individualità, cioè delle caratteristiche caratteriali e psicologiche che distinguono una persona dall'altra, è diventato il compito più importante delle figure culturali. L'umanesimo ha portato a una conoscenza versatile dell'individualità umana in tutte le sue manifestazioni. L'intera cultura rinascimentale nel suo insieme ha formato un nuovo tipo di personalità, il cui segno distintivo era l'individualismo.

Allo stesso tempo, affermando l'alta dignità della personalità umana, l'individualismo rinascimentale portò anche alla divulgazione dei suoi aspetti negativi. Così, uno degli storici ha notato "l'invidia delle celebrità in competizione tra loro", che hanno dovuto lottare costantemente per la propria esistenza. "Non appena gli umanisti iniziano a salire", ha scritto, "entrano immediatamente dentro il grado più alto indiscriminati nei loro mezzi gli uni rispetto agli altri. Fu durante il Rinascimento, ha concluso un altro ricercatore, che “la personalità umana, completamente abbandonata a se stessa, si è arresa al potere dei propri interessi egoistici, e la corruzione dei costumi è diventata inevitabile”.

Dalla fine del XV secolo inizia il declino dell'umanesimo italiano. Nel contesto dei diversi conflitti caratteristici della storia del XVI secolo, la cultura umanistica nel suo complesso è crollata. Il risultato principale dello sviluppo dell'umanesimo è stato il riorientamento della conoscenza ai problemi della vita umana terrena. Il revival nel suo insieme è stato un fenomeno molto complesso e ambiguo che ha segnato l'inizio della fase moderna nella storia dell'Europa occidentale.

Dal libro di T. More "Utopia"

Per “il benessere pubblico, c'è solo un modo: dichiarare l'uguaglianza in tutto. Non so se questo si possa osservare dove ognuno ha la sua proprietà. Perché quando qualcuno, sulla base di un certo diritto, si appropria quanto può, allora, per quanto grande sia la ricchezza, sarà completamente divisa tra pochi. Del resto lasciano in sorte la povertà; e accade quasi sempre che alcuni siano molto più degni della sorte degli altri, perché i primi sono predatori, disonorevoli e buoni a nulla, mentre i secondi, al contrario, sono uomini modesti e semplici, e con il loro zelo quotidiano portano bene alla società più che a se stessi".

Riferimenti:
V.V. Noskov, T.P. Andreevskaya / Storia dalla fine del XV alla fine del XVIII secolo

FRANCESCO PETRARCA (1304-1374) - il fondatore del Rinascimento italiano, grande poeta e pensatore e politico. Proveniente da una famiglia popolare fiorentina, trascorse molti anni ad Avignone sotto la curia pontificia, e il resto della sua vita in Italia. Petrarca viaggiò molto in Europa, fu vicino ai papi, ai sovrani. I suoi obiettivi politici: la riforma della chiesa, la cessazione delle guerre, l'unità d'Italia. Petrarca era un conoscitore della filosofia antica, a lui va il merito di collezionare manoscritti di autori antichi, la loro elaborazione testuale.

Petrarca sviluppò idee umanistiche non solo nella sua poesia brillante e innovativa, ma anche negli scritti in prosa latina - trattati, numerose lettere, tra cui il suo principale epistolario "Il libro degli affari quotidiani".

Di Francesco Petrarca è consuetudine dire che è più forte di chiunque - almeno ai suoi tempi - si è concentrato su se stesso. Quello che non è stato solo il primo "individualista" della New Age, ma molto di più: un egocentrico sorprendentemente completo.

Nelle opere del pensatore, i sistemi teocentrici del Medioevo furono sostituiti dall'antropocentrismo dell'umanesimo rinascimentale. La "scoperta dell'uomo" di Petrarca ha reso possibile una più profonda conoscenza dell'uomo nella scienza, nella letteratura e nell'arte.

LEONARDO DA VINCI (1454-1519) - brillante artista, scultore, scienziato, ingegnere italiano. Nato ad Anchiano, vicino al paese di Vinci; il padre era notaio trasferitosi nel 1469 a Firenze. Il primo maestro di Leonardo fu Andrea Verrocchio.

L'interesse di Leonardo per l'uomo e la natura parla del suo stretto legame con la cultura umanistica. Considerava illimitate le capacità creative dell'uomo. Leonardo fu uno dei primi a sostanziare l'idea della conoscibilità del mondo attraverso la ragione e le sensazioni, che era saldamente radicata nelle idee dei pensatori del XVI secolo. Lui stesso ha detto di se stesso: "Comprerei tutti i segreti, arrivando fino in fondo!"

La ricerca di Leonardo ha riguardato una vasta gamma di problemi in matematica, fisica, astronomia, botanica e altre scienze. Le sue numerose invenzioni erano basate su un profondo studio della natura, le leggi del suo sviluppo. Fu anche un innovatore nella teoria della pittura. Leonardo ha visto la più alta manifestazione di creatività nell'attività di un artista che comprende scientificamente il mondo e lo riproduce su tela. Il contributo del pensatore all'estetica rinascimentale può essere giudicato dal suo "Libro sulla pittura". Era l'incarnazione dell '"uomo universale" creato dal Rinascimento.

NICCOLO MACHIAVELLI (1469-1527) - pensatore, diplomatico, storico italiano.

Fiorentino, discendente da un'antica ma impoverita famiglia patrizia. Per 14 anni fu segretario del Consiglio dei Dieci, preposto agli affari militari ed esteri della Repubblica di Firenze. Dopo la restaurazione fiorentina, le autorità medicee furono sottratte all'attività statale. Nel 1513-1520 fu in esilio. Questo periodo comprende la creazione delle opere più significative di Machiavelli - "Il Sovrano", "Discorsi sul primo decennio di Tito Livio", "Storia di Firenze", che gli valsero fama europea. L'ideale politico di Machiavelli è la Repubblica Romana, in cui vedeva l'incarnazione dell'idea di uno Stato forte, il cui popolo "supera di gran lunga i sovrani sia in virtù che in gloria". ("Discorsi sulla prima decade di Tito Livio").

Le idee di N. Machiavelli hanno avuto un impatto molto significativo sullo sviluppo delle dottrine politiche.

THOMAS MOP (1478-1535) - Umanista, scrittore, statista inglese.

Nato nella famiglia di un avvocato londinese, ha studiato all'Università di Oxford, dove è entrato a far parte del circolo degli umanisti di Oxford. Sotto Enrico VIII, ha ricoperto una serie di alti incarichi di governo. Molto importante per la formazione e lo sviluppo di Moro come umanista fu l'incontro e l'amicizia con Erasmo da Rotterdam. Fu accusato di alto tradimento e giustiziato il 6 luglio 1535.

L'opera più famosa di Tommaso Moro è "Utopia", che riflette sia la passione dell'autore per la letteratura e la filosofia dell'antica Grecia, sia l'influenza del pensiero cristiano, in particolare il trattato di Agostino "Sulla città di Dio", e traccia anche una connessione ideologica con Erasmo da Rotterdam, il cui ideale umanistico era vicino a Moro. Le sue idee hanno avuto una forte influenza sul pensiero sociale.

ERASMUS DI ROTTERDAM (1469-1536) - uno dei rappresentanti più importanti dell'umanesimo europeo e il più versatile degli allora scienziati.

Erasmo, figlio illegittimo di un povero parroco, nei primi anni trascorse nel monastero agostiniano, dal quale riuscì a lasciare nel 1493. Studiò con grande entusiasmo le opere degli umanisti italiani e della letteratura scientifica e divenne il più grande conoscitore del greco e del latino.

L'opera più famosa di Erasmo è la satira Elogio della stupidità (1509), modellata su Luciano, che fu scritta a casa di Tommaso Moro in una sola settimana. Erasmo da Rotterdam ha cercato di sintetizzare le tradizioni culturali dell'antichità e del primo cristianesimo. Credeva nella bontà naturale dell'uomo, voleva che le persone fossero guidate dalle esigenze della ragione; tra i valori spirituali di Erasmo: libertà di spirito, astinenza, educazione, semplicità.

THOMAS MUNTZER (circa 1490-1525) - Teologo e ideologo tedesco della prima Riforma e della guerra contadina del 1524-1526 in Germania.

Figlio di un artigiano, Müntzer ha studiato nelle università di Lipsia e Francoforte sull'Oder, dove si è laureato in teologia ed è diventato un predicatore. Fu influenzato da mistici, anabattisti e hussiti. Nei primi anni della Riforma, Müntzer era un seguace e sostenitore di Lutero. Ha poi sviluppato la sua dottrina della Riforma popolare.

Nella comprensione di Müntzer, i compiti principali della Riforma non erano stabilire un nuovo dogma ecclesiastico o una nuova forma di religiosità, ma proclamare un imminente sconvolgimento socio-politico che doveva essere portato avanti da una massa di contadini e poveri urbani. Thomas Müntzer si batteva per una repubblica di cittadini uguali, in cui le persone si prendessero cura che la giustizia e la legge prevalessero.

Per Müntzer, la Sacra Scrittura era soggetta a libera interpretazione nel contesto degli eventi contemporanei, un'interpretazione direttamente rivolta all'esperienza spirituale del lettore.

Thomas Münzer fu catturato dopo la sconfitta dei ribelli in una battaglia impari il 15 maggio 1525 e, dopo gravi torture, fu giustiziato.

Conclusione

Sulla base del primo capitolo, possiamo concludere che le caratteristiche principali della cultura rinascimentale sono:

Antropocentrismo,

Umanesimo,

Modifica della tradizione cristiana medievale,

Un atteggiamento speciale nei confronti dell'antichità è la rinascita di monumenti antichi e filosofia antica,

Nuovo atteggiamento verso il mondo.

Quanto all'umanesimo, i suoi leader hanno sottolineato il valore della persona umana, l'indipendenza della dignità dell'individuo dall'origine e la generosità, la capacità di una persona di migliorare costantemente e la fiducia nelle sue illimitate possibilità.

La Riforma ha svolto un ruolo estremamente importante nella formazione della civiltà mondiale e della cultura in generale. Ha contribuito al processo dell'emergere di un uomo della società borghese - un individuo autonomo con libertà di scelta morale, indipendente e responsabile nelle sue convinzioni e azioni, preparando così il terreno per l'idea dei diritti umani. I portatori di idee protestanti esprimevano un nuovo tipo di personalità borghese con un nuovo atteggiamento nei confronti del mondo.

Le figure del Rinascimento ci hanno lasciato un vasto patrimonio creativo che copre filosofia, arte, scienze politiche, storia, letteratura, scienze naturali e molte altre aree. Hanno fatto numerose scoperte, che sono un enorme contributo allo sviluppo della cultura mondiale.

Il Rinascimento è quindi un fenomeno di portata locale, ma globale nelle sue conseguenze, che ha avuto un forte impatto sullo sviluppo della moderna civiltà e cultura occidentale con le sue conquiste: un'effettiva economia di mercato, una società civile, uno stato di diritto democratico, un stile di vita civile, alta cultura spirituale.

[La dottrina degli "idoli" di Francis Bacon

Idoli e falsi concetti, che hanno già affascinato la mente umana e sono profondamente radicati in essa, dominano così tanto la mente delle persone da rendere difficile l'ingresso della verità, ma anche se l'ingresso è consentito e concesso, lo faranno di nuovo blocca il cammino durante il rinnovamento stesso delle scienze e lo ostacolerà, a meno che il popolo, avvertito, non si armi contro di esse il più possibile.

Ci sono quattro tipi di idoli che assediano le menti delle persone. Per studiarli, diamo loro dei nomi. Chiamiamo il primo tipo gli idoli del clan, il secondo - gli idoli della caverna, il terzo - gli idoli della piazza e il quarto - gli idoli del teatro.

La costruzione di concetti e assiomi attraverso una vera induzione è senza dubbio il vero mezzo per sopprimere e scacciare gli idoli. Ma l'indicazione degli idoli è molto utile. La dottrina degli idoli è per l'interpretazione della natura ciò che la dottrina della confutazione dei sofismi è per la dialettica generalmente accettata.

Idoli del clan trovano il loro fondamento nella natura stessa dell'uomo, nella tribù o nello stesso tipo di persone, poiché è falso affermare che i sentimenti dell'uomo sono la misura delle cose. Al contrario, tutte le percezioni, sia dei sensi che della mente, poggiano sull'analogia dell'uomo, e non sull'analogia del mondo. La mente umana è paragonata a uno specchio irregolare, che, mescolando la propria natura con la natura delle cose, riflette le cose in una forma distorta e sfigurata.

Idoli delle caverne essenza del delirio dell'individuo. Dopotutto, oltre agli errori insiti nella razza umana, ognuno ha la propria caverna speciale, che indebolisce e distorce la luce della natura. Ciò accade o per le speciali proprietà innate di ciascuno, o per l'educazione e le conversazioni con gli altri, o per la lettura di libri e per le autorità davanti alle quali ci si inchina, o per una differenza di impressioni, a seconda che siano ricevute da anime prevenute e predisposte , o anime fredde e calme, o per altri motivi. Quindi lo spirito umano, a seconda di come si trova nelle singole persone, è una cosa mutevole, instabile e, per così dire, casuale. Per questo Eraclito diceva giustamente che le persone cercano la conoscenza nei piccoli mondi, e non nel mondo grande o generico.

Ci sono anche idoli che appaiono, per così dire, a causa della connessione reciproca e della comunità delle persone. Chiamiamo questi idoli, riferendoci alla comunione e all'amicizia delle persone che li originano, gli idoli della piazza. Le persone sono unite dalla parola. Le parole sono stabilite secondo la comprensione della folla. Pertanto, un cattivo e assurdo stabilimento di parole assedia la mente in modo meraviglioso. Le definizioni e le spiegazioni con cui le persone dotte sono abituate ad armarsi e proteggersi non aiutano in alcun modo la causa. Le parole forzano direttamente la mente, confondono tutto e portano le persone a vuote e innumerevoli controversie e interpretazioni.

Infine, ci sono idoli che hanno messo radici nell'anima delle persone da vari dogmi della filosofia, nonché dalle leggi perverse dell'evidenza. Li chiamiamo idoli del teatro, poiché crediamo che tanti sistemi filosofici siano accettati o inventati, quante commedie siano messe in scena e rappresentate, rappresentando mondi immaginari e artificiali. Diciamo questo non solo riguardo ai sistemi filosofici che esistono ora o esistevano una volta, poiché fiabe di questo tipo potrebbero essere combinate e composte in moltitudine; poiché in generale errori molto diversi hanno quasi le stesse cause. Qui intendiamo non solo insegnamenti filosofici generali, ma anche numerosi principi e assiomi delle scienze, che hanno ricevuto forza grazie alla tradizione, alla fede e alla disattenzione. Tuttavia, ciascuno di questi tipi di idoli dovrebbe essere detto separatamente in modo più specifico e definitivo, al fine di avvertire la mente dell'uomo.

La mente umana, in virtù della sua inclinazione, assume facilmente più ordine e uniformità nelle cose di quanto non le trovi. E mentre molto in natura è singolare e del tutto non somigliante, inventa parallelismi, corrispondenze e relazioni che non esistono. Da qui la voce che tutto nei cieli si muove in cerchi perfetti\...\

La mente dell'uomo disegna tutto per sostenere e concordare con ciò che una volta ha accettato, sia perché è un oggetto di fede comune, sia perché gli piace. Qualunque sia la forza e il numero dei fatti contrari, la mente o non li nota, o li trascura, o li respinge e li respinge mediante la discriminazione con un grande e pernicioso pregiudizio, in modo che l'affidabilità di quelle prime conclusioni rimanga intatta . E quindi, ha giustamente risposto a chi, quando gli hanno mostrato le immagini di coloro che sono stati salvati dal naufragio facendo un voto, esposto nel tempio, e allo stesso tempo ha chiesto una risposta, se ora riconosce il potere degli dei, chiese a sua volta: “Dove sono le immagini di coloro che perirono dopo aver fatto un voto? Questa è la base" di quasi tutte le superstizioni - in astrologia, nei sogni, nelle credenze, nelle predizioni e simili. Le persone che si abbandonano a questo tipo di clamore notano l'evento che si è avverato e ignorano quello che ha ingannato, sebbene quest'ultimo avvenga molto più spesso. Questo male penetra ancora più in profondità nella filosofia e nelle scienze. In loro ciò che una volta viene riconosciuto contagia e soggioga il resto, anche se quest'ultimo è molto migliore e più forte. Inoltre, anche se queste parzialità e vanità, che abbiamo indicato, non hanno avuto luogo, tuttavia la mente umana è costantemente illusa di essere più suscettibile di argomenti positivi che negativi, mentre nella giustizia dovrebbe trattare entrambi allo stesso modo; a maggior ragione, nella costruzione di tutti gli assiomi veri, l'argomento negativo ha un grande potere.

La mente umana è maggiormente colpita da ciò che può colpirlo immediatamente e improvvisamente; questo è ciò che di solito eccita e riempie l'immaginazione. Il resto lo trasforma impercettibilmente, immaginandolo uguale a quel poco che possiede la sua mente. Per rivolgersi ad argomenti lontani ed eterogenei, per mezzo dei quali gli assiomi vengono testati, come se fossero in fiamme, la mente generalmente non è incline e non è capace di finché leggi severe e forte autorità non glielo impongano.

La mente umana è avida. Non può né fermarsi né rimanere a riposo, ma si precipita sempre più lontano. Ma invano! Il pensiero, dunque, non è in grado di cogliere il limite e la fine del mondo, ma rappresenta sempre, come per necessità, qualcosa di ulteriormente esistente. \...\ Questa impotenza della mente porta a risultati molto più dannosi nella scoperta delle cause, poiché, sebbene i principi più generali in natura debbano esistere come sono stati trovati, e in realtà non hanno cause, tuttavia la mente umana, non conoscendo riposo, e qui cercando più famoso. E così, tendendo a ciò che è più lontano, ritorna a ciò che gli è più vicino, cioè alle cause ultime, che hanno la loro fonte piuttosto nella natura dell'uomo che nella natura dell'universo, e, a partire da questa fonte, esse hanno distorto la filosofia in modo sorprendente. Ma chi cerca cause per l'universale filosofeggia con leggerezza e ignoranza, così come chi non cerca cause inferiori e subordinate.

La mente umana non è una luce secca, è cosparsa di volontà e passioni, e questo fa sorgere nella scienza ciò che è desiderabile per tutti. Una persona crede piuttosto nella verità di ciò che preferisce. Rifiuta il difficile - perché non c'è pazienza per continuare lo studio; sobrio - perché affascina la speranza; il più alto in natura è dovuto alla superstizione; la luce dell'esperienza - a causa dell'arroganza e del disprezzo per essa, in modo che non risulti che la mente è immersa in vile e fragile; paradossi - a causa della saggezza convenzionale. In un numero infinito di modi, a volte impercettibili, le passioni macchiano e corrompono la mente.

Ma nella massima misura la confusione e le delusioni della mente umana provengono dall'inerzia, dall'incoerenza e dall'inganno dei sensi, poiché ciò che eccita i sensi è preferito a ciò che non eccita immediatamente i sensi, anche se quest'ultimo è migliore. Perciò la contemplazione cessa quando cessa la vista, sicché l'osservazione delle cose invisibili è insufficiente o del tutto assente. Pertanto, l'intero movimento degli spiriti, racchiuso in corpi tangibili, rimane nascosto e inaccessibile alle persone. Allo stesso modo, le trasformazioni più sottili nelle parti dei corpi solidi rimangono nascoste - ciò che di solito viene chiamato cambiamento, mentre in realtà è il movimento delle particelle più piccole. Nel frattempo, senza ricerca e delucidazione di queste due cose di cui abbiamo parlato, nulla di significativo in natura può essere raggiunto in termini pratici. Inoltre, la natura stessa dell'aria e di tutti i corpi che sono più sottili dell'aria (e ce ne sono molti) è quasi sconosciuta. Il sentimento in sé è debole e illusorio, e gli strumenti destinati a rafforzare e acuire i sensi valgono poco. L'interpretazione più accurata della natura si ottiene attraverso osservazioni in esperimenti appropriati e opportunamente impostati. Qui il sentimento giudica solo sull'esperienza, mentre l'esperienza giudica la natura e la cosa stessa.

La mente umana, per sua stessa natura, è attratta dall'astratto e pensa che il fluido sia permanente. Ma è meglio sezionare la natura in parti piuttosto che astrarre. Così fece la scuola di Democrito, che penetrò più profondamente di altre nella natura. Si dovrebbe studiare più materia, il suo stato interno e il cambiamento di stato, l'azione pura e la legge dell'azione o del movimento, perché le forme sono invenzioni dell'anima umana, a meno che queste leggi dell'azione non siano chiamate forme.

Questi sono gli idoli che chiamiamo idoli della famiglia. Provengono o dall'uniformità della sostanza dello spirito umano, o dal suo pregiudizio, o dai suoi limiti, o dal suo movimento inesorabile, o dalla suggestione delle passioni, o dall'incapacità dei sensi, o dal modo di percezione.

Idoli delle caverne provengono dalle qualità intrinseche sia dell'anima che del corpo, così come dall'educazione, dalle abitudini e dagli incidenti. Sebbene questo tipo di idoli sia vario e numeroso, tuttavia indicheremo quelli che richiedono la massima cautela e sono più capaci di corrompere e inquinare la mente.

Le persone amano o quelle scienze e teorie particolari, di cui si considerano autori e inventori, o quelle in cui hanno investito più lavoro e alle quali sono più abituate. Se persone di questo tipo si dedicano alla filosofia e alle teorie generali, allora sotto l'influenza dei loro progetti precedenti le distorcono e le corrompono. \...\

La differenza più grande e, per così dire, fondamentale tra le menti in relazione alla filosofia e alle scienze è la seguente. Alcune menti sono più forti e adatte a notare le differenze nelle cose, altre a notare le somiglianze delle cose. Le menti dure e acute possono concentrare le loro riflessioni, indugiando e soffermandosi su ogni sottigliezza della differenza. E le menti elevate e mobili riconoscono e confrontano le somiglianze più sottili delle cose inerenti ovunque. Ma entrambe le menti vanno facilmente troppo lontano alla ricerca di divisioni di cose o ombre.

Le contemplazioni della natura e dei corpi nella loro semplicità polverizzano e rilassano la mente; la contemplazione della natura e dei corpi nella loro complessità e configurazione assorda e paralizza la mente. \...\ Pertanto, queste contemplazioni devono alternarsi e sostituirsi a vicenda in modo che la mente diventi insieme penetrante e ricettiva e per evitare i pericoli che abbiamo indicato e quegli idoli che ne derivano.

La prudenza nella contemplazione deve essere tale da prevenire e bandire gli idoli della caverna, che derivano prevalentemente o dal predominio dell'esperienza passata, o da un eccesso di paragone e divisione, o da una propensione al temporale, o dalla vastità e l'insignificanza degli oggetti. In generale, chiunque contemplando la natura delle cose consideri dubbioso ciò che ha particolarmente fortemente catturato e affascinato la sua mente. È necessaria una grande cura nei casi di tale preferenza, in modo che la mente rimanga equilibrata e pura.

Ma il peggio di tutti idoli della piazza che penetrano nella mente insieme a parole e nomi. Le persone credono che la loro mente comandi le parole. Ma accade anche che le parole rivolgano il loro potere contro la ragione. Ciò ha reso le scienze e la filosofia sofisticate e inefficaci. La maggior parte delle parole, tuttavia, ha la sua fonte nell'opinione comune e separa le cose entro i limiti più evidenti alla mente della folla. Quando una mente più acuta e un'osservazione più diligente vogliono ridefinire questi confini in modo che siano più in linea con la natura, le parole diventano un ostacolo. Ne consegue che le dispute rumorose e solenni degli scienziati si trasformano spesso in controversie su parole e nomi, e sarebbe prudente (secondo l'uso e la saggezza dei matematici) iniziare da esse per metterle in ordine per definizioni. Tuttavia, anche tali definizioni delle cose, naturali e materiali, non possono curare questa malattia, poiché le definizioni stesse consistono di parole e le parole danno origine a parole, quindi sarebbe necessario andare a esempi particolari, alla loro serie e ordine, come ho dirò presto, quando mi rivolgerò al metodo e al modo di stabilire concetti e assiomi.

Idoli del teatro non sono innate e non penetrano segretamente nella mente, ma sono apertamente trasmesse e percepite da teorie fittizie e da perverse leggi dell'evidenza. Tuttavia, un tentativo di confutarli sarebbe decisamente incoerente con quanto abbiamo detto. Perché se non siamo d'accordo sui motivi o sulle prove, allora non è possibile un argomento migliore. L'onore degli antichi rimane intatto, nulla viene loro tolto, perché la questione riguarda solo il cammino. Come si suol dire, lo zoppo che cammina sulla strada supera quello che corre senza strada. È anche ovvio che più agile e veloce è il corridore su strada, più saranno i suoi vagabondaggi.

Il nostro modo di scoprire le scienze è tale che lascia poco all'acutezza e alla forza dei talenti, ma quasi li eguaglia. Così come per tracciare una linea retta o descrivere un cerchio perfetto, la fermezza, l'abilità e la prova della mano significano molto, se usi solo la tua mano, significa poco o niente se usi un compasso e un righello. Così è con il nostro metodo. Tuttavia, sebbene qui non siano necessarie confutazioni separate, bisogna dire qualcosa sui tipi e sulle classi di questo tipo di teoria. Poi anche sui segni esteriori della loro debolezza e, infine, sui motivi di un così sfortunato lungo e universale accordo nell'errore, affinché l'avvicinamento alla verità fosse meno difficile e affinché la mente umana fosse più disposta a purificare stesso e respingere gli idoli.

Gli idoli del teatro, o teorie, sono numerosi, e potrebbero essercene di più, e un giorno potrebbero essercene di più. Se per molti secoli le menti delle persone non fossero occupate dalla religione e dalla teologia, e se le autorità civili, specialmente quelle monarchiche, non si opponessero a tali innovazioni, anche speculative, e, rivolgendosi a queste innovazioni, le persone non correrebbero pericoli e non subire danni benessere, non solo non ricevendo premi, ma anche sottoposto a disprezzo e cattiva volontà, quindi, senza dubbio, molti più filosofici e scuole teoriche come quelli che un tempo fiorirono in grande varietà presso i Greci. Come si possono inventare molte ipotesi sui fenomeni dell'etere celeste, così, e in misura ancora maggiore, si possono formare e costruire vari dogmi sui fenomeni della filosofia. Le finzioni di questo teatro sono come i teatri dei poeti, dove le storie inventate per il palcoscenico sono più armoniose e belle e più adatte a soddisfare i desideri di tutti rispetto alle storie vere della storia.

Il contenuto della filosofia, invece, si forma in generale derivando molto da poco, o poco da molto, cosicché in entrambi i casi la filosofia si fonda su una base troppo ristretta di esperienza e di storia naturale e prende decisioni da meno di quanto dovrebbe. Così, i filosofi di una persuasione razionalista strappano dall'esperienza fatti vari e banali, senza conoscerli esattamente, ma dopo averli studiati e soppesati diligentemente. Tutto il resto si basano sui riflessi e sulle attività della mente.

Ci sono un certo numero di altri filosofi che, dopo aver lavorato diligentemente e attentamente su alcuni esperimenti, si sono avventurati a inventare e derivare la loro filosofia da essi, pervertendo e interpretando tutto il resto in relazione ad essa in modo sorprendente.

C'è anche una terza classe di filosofi che, sotto l'influenza della fede e della riverenza, mescolano teologia e tradizione con la filosofia. La vanità di alcuni di loro è arrivata al punto in cui deducono le scienze da spiriti e geni. Così, la radice degli errori della falsa filosofia è triplice: sofisma, empirismo e superstizione.

\...\ Se le persone, spinte dalle nostre istruzioni e dopo aver detto addio agli insegnamenti sofisticati, si impegnano seriamente nell'esperienza, allora, a causa dell'ardore prematuro e frettoloso della mente e del suo desiderio di ascendere al generale e ai principi di cose, forse un grande pericolo sorgerà da filosofie di questo tipo. Questo male dobbiamo avvertire ora. Quindi, abbiamo già parlato di alcuni tipi di idoli e delle loro manifestazioni. Tutti loro devono essere respinti e messi da parte con una decisione ferma e solenne, e la mente deve essere completamente liberata e purificata da loro. Lascia che l'ingresso nel regno dell'uomo, basato sulle scienze, sia quasi uguale all'ingresso nel regno dei cieli, "dove non è dato a nessuno di entrare senza diventare come i bambini".

№ 14 L'era della rinascita dell'Europa occidentale. rinascita- questo è un periodo nello sviluppo culturale e ideologico dei paesi dell'Europa occidentale e centrale. Il Rinascimento si è manifestato più chiaramente in Italia, perché. in Italia non esisteva un unico stato (ad eccezione del meridione). La principale forma di esistenza politica: piccole città-stato con una forma di governo repubblicana, signori feudali fusi con banchieri, ricchi mercanti e industriali. Pertanto, in Italia, il feudalesimo nelle sue forme complete non ha preso forma. La situazione di rivalità tra città metteva al primo posto non l'origine, ma le capacità personali e la ricchezza. C'era bisogno non solo di persone energiche e intraprendenti, ma anche di persone istruite. Pertanto, una direzione umanistica appare nell'educazione e nella visione del mondo. Il revival è solitamente diviso in Early (inizio 14 - fine 15) e High (fine 15 - Primo quarto di 16.). I più grandi artisti d'Italia appartengono a quest'epoca - Leonardo da Vinci (1452 - 1519), Michelangelo Buonarroti(1475-1564) e Raffaele Santi(1483-1520). Questa divisione si applica direttamente all'Italia e, sebbene il Rinascimento abbia raggiunto il suo apice nella penisola appenninica, il suo fenomeno si è diffuso in altre parti d'Europa. Vengono chiamati processi simili a nord delle Alpi « Rinascimento settentrionale ». Processi simili hanno avuto luogo in Francia e nelle città della Germania. L'uomo medievale e le persone dei tempi moderni cercavano i loro ideali nel passato. Nel Medioevo, le persone credevano di continuare a vivere. L'impero romano continuò, e la tradizione culturale: il latino, lo studio della letteratura romana, la differenza si faceva sentire solo in ambito religioso. Ma nel Rinascimento cambiò la visione dell'antichità, che vedeva qualcosa di fondamentalmente diverso dal Medioevo, principalmente l'assenza del potere onnicomprensivo della chiesa, la libertà spirituale e l'atteggiamento nei confronti dell'uomo come centro dell'universo. Sono state queste idee a diventare centrali nella visione del mondo degli umanisti. Gli ideali, così consoni alle nuove tendenze di sviluppo, fecero nascere il desiderio di far risorgere per intero l'antichità, e fu l'Italia, con il suo enorme numero di antichità romane, a diventare terreno fertile per questo. Il Rinascimento si manifestò e passò alla storia come un periodo di straordinaria ascesa dell'arte. Se le opere d'arte precedenti servivano agli interessi della chiesa, cioè erano oggetti di culto, ora le opere vengono create per soddisfare esigenze estetiche. Gli umanisti credevano che la vita dovesse portare piacere e l'ascetismo monastico medievale fu rifiutato da loro. Un ruolo enorme nella formazione dell'ideologia dell'umanesimo è stato svolto da tali scrittori e poeti italiani, come Dante Alighieri (1265 - 1321), Francesco Petrarca (1304 - 1374), Giovanni Boccaccio(1313-1375). In realtà, loro, in particolare Petrarca, furono i fondatori sia della letteratura rinascimentale che dello stesso umanesimo. Gli umanisti percepivano la loro epoca come un periodo di prosperità, felicità e bellezza. Ma questo non significa che fosse privo di polemiche. Il principale era che rimaneva l'ideologia dell'élite, le nuove idee non penetravano nelle masse popolari. E gli stessi umanisti a volte avevano uno stato d'animo pessimista. La paura del futuro, la delusione per la natura umana, l'impossibilità di realizzare un ideale nella struttura sociale pervadono gli umori di molte figure del Rinascimento. Forse la cosa più rivelatrice in questo senso è stata l'attesa tesa giorno del giudizio nel 1500. Il Rinascimento ha gettato le basi per una nuova cultura europea, una nuova visione del mondo secolare europea, una nuova personalità indipendente europea.

introduzione

Il Rinascimento è una fase qualitativamente nuova nella storia della cultura dell'Europa occidentale. La sua essenza è il passaggio dall'era della visione medievale del mondo alla cultura dei tempi moderni. Questa transizione è avvenuta in tutte le aree della visione del mondo e della visione del mondo dell'uomo - nella scienza, nella religione, nell'arte.

Rinascimento, un'era nella storia della cultura europea dei secoli XIII-XIV, che segnò l'inizio della New Age. La rinascita è stata autodeterminata, prima di tutto, nella sfera della creatività artistica. Come epoca della storia europea, è segnata da molte pietre miliari significative - tra cui il rafforzamento delle libertà economiche e sociali delle città, la ricerca spirituale, che alla fine portò alla Riforma e alla guerra contadina in Germania, la formazione di una monarchia assolutista ( il più grande in Francia), l'inizio dell'Età delle scoperte, l'invenzione della stampa europea, la scoperta del sistema eliocentrico in cosmologia, ecc. Ma il suo primo segno, come parve ai contemporanei, fu il “fiorire delle arti” dopo lunghi secoli di “declino” medievale, un fiorire che “ravvivò” l'antica sapienza artistica, è in questo senso che la parola rinascita (da da cui provengono il Rinascimento francese e tutti i suoi analoghi europei) viene utilizzato per la prima volta. ) J. Vasari. La periodizzazione delle fasi di sviluppo del Rinascimento in Italia e nei paesi a nord delle Alpi, di regola, non coincide. Il concetto generalmente accettato, ma condizionato, di "Rinascimento settentrionale" viene applicato per analogia con il Rinascimento italiano alla cultura e all'arte di Germania, Paesi Bassi e Francia. Una delle caratteristiche principali della cultura artistica di questi paesi è la sua connessione genetica con l'arte del tardo gotico. Le origini del "Rinascimento nordico" vanno ricercate a cavallo tra il XIV e il XV secolo. in Borgogna.

Nel XV sec. La pittura neerlandese occupò il primo posto tra le scuole d'arte nordeuropee. La pittura del Rinascimento settentrionale è interessante per la sua descrizione dettagliata delle superfici degli oggetti, la plasticità raggiunta grazie a effetti di luce accuratamente notati e applicati con successo e la naturalezza, che non si vedeva dai tempi antichi. Più chiaramente, questa "rivoluzione culturale" si è espressa in un cambiamento degli obiettivi e dei metodi attività creativa. Nuovi metodi di acquisizione della conoscenza e dell'educazione scientifica, un nuovo sistema visivo nella pittura, nuovi generi nella letteratura, nuove forme di comportamento sociale. È stato creato un dialogo tra la filosofia e l'estetica antiche, la visione del mondo cristiana e la coscienza realistica della nascente società borghese. In questo dialogo è nata l'armonia del reale e dell'ideale, del materiale-naturale e dello spirituale-divino, è nato un nuovo tipo di coscienza estetica.

È ben noto anche ai non iniziati che il fenomeno del Rinascimento sorse, prese forma e raggiunse uno splendore senza precedenti (si manifestò più chiaramente) in Italia. Anche se va ricordato che, secondo il riconoscimento generale della maggior parte dei ricercatori moderni, il termine "cultura rinascimentale" non è identico, non equivalente al concetto di "cultura rinascimentale", poiché il primo di questi concetti si riferisce al nuovo, in realtà rinascimentale fenomeni. E la seconda è molto più ampia e include (insieme alla cultura del Rinascimento) altri fenomeni culturali del suo tempo (compresi i processi culturali medievali, non rinascimentali che continuarono ad esistere. Non dobbiamo dimenticare che il quadro cronologico del Rinascimento non è lo stesso per le diverse regioni dell'Europa occidentale e anche per le sfere della cultura).

L'Italia è la culla del Rinascimento classico. Quadro cronologico Rinascimento italiano- 30-40 anni. XIV secolo (o dalla metà dell'XI secolo) - la fine del XVI secolo. (ovvero i primi decenni del XVII secolo). Rinascimento in altri paesi dell'Europa occidentale - come il francese, il tedesco, l'olandese o il cosiddetto Rinascimento settentrionale (nella scienza straniera, il Nord Europa significa tradizionalmente paesi e territori che si trovano a nord delle Alpi, cioè a nord dell'Italia - Paesi Bassi, Francia, Germania, ecc.). Da qui il concetto di "Rinascimento settentrionale", applicato alla cultura e all'arte di questi paesi e che ha il carattere di una definizione non tanto geografica, quanto storica, culturale e artistica.

Lo scopo di questo lavoro del corso è quello di analizzare le caratteristiche del Rinascimento, più pienamente espresso in Italia secoli XII-XVI. Nel corso dello studio, è necessario identificare le caratteristiche innovative nel campo dell'architettura, della scultura e della pittura dei rappresentanti più importanti.

studiare la letteratura sul tema della ricerca;

descrivere le caratteristiche dell'arte rinascimentale;

analizzare il lavoro di Filippo Brunneleschi, Donatello, Masaccio, Jan van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Albrecht Dürer.

La struttura del lavoro - il lavoro del corso consiste in un'introduzione, 2 capitoli, conclusioni e applicazioni. L'introduzione descrive brevemente gli aspetti principali dell'intero studio e stabilisce anche scopi e obiettivi. Il capitolo I descrive significato generale il Rinascimento, i problemi dell'arte di quest'epoca, anche le innovazioni apportate all'arte dagli artisti. Il capitolo II esamina la cultura del Rinascimento settentrionale, il "tradizionalismo" e il "romanticismo" nella pittura dei Paesi Bassi, nonché la manifestazione del Rinascimento in Germania e Francia.

1. Rinascimento - nuovo look la pace nella cultura

.1 Problemi generali dell'arte rinascimentale europea

Nella cultura europea di quel tempo, l'ascetismo e il dogmatismo del Medioevo sono sostituiti da nuove sensazioni del senso della vita, dalle ampie possibilità della mente e dell'esperienza umana. Le forme del mondo antico compaiono per la prima volta nell'architettura delle città italiane, negli interni degli edifici. I maestri del Rinascimento italiano creano bellissimi templi, teatri, palazzi a Firenze, Venezia, Siena, Mantova e altri città italiane. Sotto l'influenza delle condizioni locali, stanno prendendo forma varietà italiane, francesi, olandesi, tedesche, inglesi e spagnole chiaramente distinguibili del nuovo stile.

Il linguaggio formale dell'arte antica è stato messo al servizio degli ideali della nuova era. Il nuovo stile architettonico emergente si è rivelato, come quello antico romano, molto eclettico, ei suoi elementi formali erano chiaramente presi in prestito dall'arsenale degli ordini greco-romani. Le calme divisioni orizzontali delle forme degli edifici della nuova architettura si contrappongono ora alle linee slanciate del gotico. I tetti diventano piatti; al posto di torri e guglie compaiono spesso cupole, tamburi, vele, doppi ordini, ecc.

Il problema del Rinascimento è che l'atteggiamento verso l'individualità, realizzato in modo così potente e magnifico nel campo dell'arte, si è poi rivelato distruttivo per la vita sociale e politica della società. L'autoaffermazione spontanea dell'individualità si è spesso rivelata molto lontana dal nobile umanesimo revivalista. Qui l'individualità si trasforma in un pronunciato individualismo, un'affermazione zoologica solo dei propri bisogni e desideri, un graduale degrado della moralità umanistica in varie forme di etica situazionale. I problemi del dovere civico, le elevate qualità morali, l'eroismo, l'immagine di un armoniosamente sviluppato, forte nello spirito e il corpo di un eroe umano che è riuscito a elevarsi al di sopra del livello della vita quotidiana. L'arte dell'Alto Rinascimento rinuncia ai dettagli minori in nome di un'immagine generale, cercando l'armonia degli aspetti belli della vita. Sviluppando ritratto dipinto e diventa una delle importanti realizzazioni del Rinascimento.

Una persona ha uno specchio di riflessione solo se viene tracciato un confine esterno, un limite a causa del quale inizia lo sforzo della conoscenza di sé. L'individuo rinascimentale è, prima di tutto, un essere naturale, che si esprime spontaneamente.

Non è difficile tracciare un parallelo simile con la nostra società moderna. L'ideale esaltato di una persona che possiede non solo un senso di patriottismo, ma anche di dovere, coscienza, moralità, allevato per così tanto tempo dall'ideologia sovietica, ha lasciato il posto a una persona che aspira ai beni materiali, desiderando un guadagno facile e veloce , piaceri carnali. Dissolutezza e ostinazione, sazietà e individualismo (quando ogni uomo è per se stesso) - questo è un elenco tutt'altro che completo di caratteristiche inerenti sia all'uomo moderno che all'uomo rinascimentale.

1.2 Caratteristiche innovative dell'architettura, della pittura e della scultura in Italia

Il Rinascimento ebbe origine in Italia e attraversò diverse fasi, pur avendo un enorme impatto sull'arte e sulla cultura di altri paesi dell'Europa occidentale. Nella storia dell'arte si può parlare dello sviluppo delle belle arti e della scultura nell'ambito del primo Rinascimento nel XIV secolo. Nella storia dell'architettura le cose stanno diversamente. A causa della crisi economica del XIV secolo, il Rinascimento in architettura iniziò solo all'inizio del XV secolo e durò fino all'inizio del XVII secolo in Italia e più a lungo oltre i suoi confini.

Per l'abbondanza di artigiani di talento, la portata della creatività artistica, l'Italia era in vantaggio su tutti gli altri paesi europei nel XV secolo. Le idee del Rinascimento non significavano solo un cambiamento indicazioni di stile e gusti artistici, ma portò anche a profondi cambiamenti in tutti gli ambiti della vita di quella società.

Filippo Brunelleschi. (1337-1446) - uno dei più grandi architetti italiani del XV secolo. Si apre un nuovo capitolo nella storia dell'architettura -

formazione dello stile rinascimentale. Il ruolo innovativo del maestro è stato notato anche dai suoi contemporanei. Quando Leon Battista Alberti arrivò a Firenze nel 1434, fu colpito dall'apparizione di artisti che non erano inferiori a "nessuno degli antichi e illustri maestri d'arte". Il primo di questi artisti chiamò Brunelleschi. Secondo il primo biografo del maestro, Antonio Manetti, Brunelleschi "rinnovò e mise in circolazione quello stile di architettura che si chiama romana o classica", mentre prima di lui e ai suoi tempi si costruiva solo in "tedesco" o "moderno" ( cioè gotico). Cent'anni dopo, Vasari sosterrà che il grande architetto fiorentino è venuto al mondo "per dare una nuova forma all'architettura".

Rompendo con il gotico, Brunelleschi si affidava non tanto ai classici antichi quanto all'architettura del proto-rinascimento e alla tradizione nazionale dell'architettura italiana, che conservava elementi dei classici per tutto il Medioevo. L'opera di Brunelleschi si colloca a cavallo di due epoche: allo stesso tempo completa la tradizione del proto-rinascimento e pone le basi per un nuovo percorso nello sviluppo dell'architettura.

All'inizio del XV secolo, i signori fiorentini, le corporazioni e le corporazioni mercantili prestarono grande attenzione al completamento della costruzione e decorazione della Cattedrale fiorentina di Santa Maria del Fiore. In sostanza, l'edificio era già stato eretto, ma l'enorme cupola concepita nel XIV secolo non fu realizzata. Dal 1404 Brunelleschi si occupa della stesura della cupola. Alla fine, ha ricevuto l'ordine di eseguire il lavoro e ne diventa il capo. La principale difficoltà che ha dovuto affrontare il maestro è stata causata dalle dimensioni gigantesche della campata della croce mediana (oltre 48 metri), che ha richiesto sforzi speciali per facilitare la diffusione. Applicando un disegno ingegnoso, Brunelleschi risolse il problema realizzando, nelle parole di Leon Battista Albert, "un'invenzione ingegnosissima, la quale, in verità, è tanto incredibile ai nostri tempi quanto potrebbe essere, era sconosciuta e inaccessibile agli antichi ." La cupola fu iniziata nel 1420 e terminata nel 1436 senza lanterna, completata secondo i disegni del Brunelleschi dopo la morte del maestro. Quest'opera dell'architetto fiorentino segnò l'inizio della costruzione delle chiese a cupola del Rinascimento italiano, fino a San Pietro, coronata dalla cupola di Michelangelo.

Una delle opere principali di Brunelleschi è la chiesa di San Lorenzo a Firenze che ha ricostruito. Ha iniziato costruendo una squadra

cappella, che in seguito prese il nome di vecchia sagrestia, in essa creò un tipo di struttura centrica rinascimentale, a pianta quadrata e coperta da una cupola poggiante su vele. L'edificio della chiesa stessa è una basilica di tre giorni.

Le idee della struttura a cupola, stabilite nell'antica sacrestia di San Lorenzo, furono ulteriormente sviluppate in una delle creazioni più famose e perfette di Brunelleschi: la Cappella dei Pazzi (1430-1443). Si distingue per la chiarezza della composizione spaziale, la purezza delle linee, l'eleganza delle proporzioni e della decorazione. Il carattere centrico dell'edificio, i cui volumi si raggruppano attorno allo spazio a cupola, la semplicità e la chiarezza delle forme architettoniche, l'armonioso equilibrio delle parti fanno della Cappella dei Pazzi un fulcro dei nuovi principi dell'architettura rinascimentale. Le ultime opere del Brunelleschi - l'oratorio della chiesa di Santa Maria degli Angeli, la chiesa di San Spirito e alcune altre - rimasero incompiute.

Le nuove tendenze nelle arti visive si sono manifestate per la prima volta nella scultura. All'inizio del XV secolo, grandi ordini per decorare i più grandi edifici della città - la cattedrale, il battistero, la chiesa di Or San Mekele - provenienti dalle più ricche e influenti botteghe e corporazioni mercantili della città, attirarono molti giovani artisti, tra i quali emersero presto numerosi maestri eccezionali.

Donatello (1386-1466) - il grande scultore fiorentino che guidò i maestri che diedero inizio alla fioritura del Rinascimento. In è-

Nel corso del suo tempo, ha agito come un vero innovatore.

Sulla base di uno studio approfondito della natura e utilizzando abilmente l'antica eredità, Donatello fu il primo dei maestri del Rinascimento a risolvere il problema dell'impostazione stabile della figura, per trasmettere l'integrità organica del corpo, la sua pesantezza, massa. Il suo lavoro colpisce per la varietà di nuovi inizi. Ha fatto rivivere l'immagine della nudità nella plastica statuaria, ha gettato le basi per un ritratto scultoreo, ha fuso il primo monumento in bronzo, ha creato un nuovo tipo di lapide, ha cercato di risolvere il problema di un gruppo indipendente. Fu uno dei primi a utilizzare la teoria nelle sue opere. prospettiva lineare. I problemi delineati nell'opera di Donatello determinarono a lungo lo sviluppo della scultura europea.

Già nel 1406 Donatello eseguì il "David" marmoreo per il duomo (1408-1409, Firenze, Museo Nazionale).

Abbandonare immagine tradizionale Re Davide nelle sembianze di un vecchio con in mano una lira o un rotolo dell'Islam, Donatello ha presentato Davide come un giovane nel momento del trionfo sullo sconfitto Golia. Orgoglioso della consapevolezza della sua vittoria, David si alza sui fianchi, calpestando con i piedi la testa mozzata del nemico. Creando questa immagine dell'eroe biblico, Donatello ha cercato di fare affidamento su antiche tradizioni, l'influenza di antichi prototipi nell'interpretazione del viso e dei capelli era particolarmente evidente: il volto di David nella cornice capelli lunghi, coperto dalla tesa di un cappello da pastore, è quasi invisibile per la leggera inclinazione della testa. C'è in questa statua - la messa in scena della figura, la flessione del busto, il movimento delle mani - ed echi del gotico. Tuttavia, un audace impulso, movimento, spiritualità ti permettono già di sentire il temperamento di Donatello.

Nelle sue opere Donatello si è adoperato non solo per l'oggettiva correttezza delle proporzioni e della costruzione della figura, ma ha sempre tenuto conto dell'impressione che avrebbe fatto una statua se collocata nel luogo previsto.

La statua di Giorgio è uno dei pinnacoli dell'opera di Donatello. Qui crea un'immagine profondamente individuale e allo stesso tempo incarna l'ideale di una personalità forte, potente e persona bellissima, che era molto in sintonia con l'epoca e si rifletteva in seguito in molte opere dei maestri del Rinascimento italiano. Questa è una caratteristica tipica dell'arte del primo Rinascimento, dovuta al desiderio dell'artista di liberarsi dal canone medievale, che livellava la personalità umana.

A metà del secolo, la scultura di Firenze perde il suo carattere monumentale e le sue caratteristiche di espressione drammatica. I motivi secolari e quotidiani stanno diventando sempre più diffusi, un ritratto scultoreo appare e si diffonde rapidamente.

La pittura della Firenze del primo terzo del Quattrocento è ricca di contrasti. Come nella scultura, in essa si opera un cambiamento decisivo dalla nota influenza dell'arte gotica del tardo Trecento all'arte del Rinascimento. Capo della nuova direzione fu Masaccio, la cui attività cade nel terzo decennio del Quattrocento. Le sue innovazioni radicali e audaci fecero una grande impressione sugli artisti, ma furono accettate solo parzialmente.

Masaccio (1401-1428) - un uomo ossessionato dall'arte, indifferente a tutto ciò che si trova oltre i suoi confini, incurante e distratto, e per questa distrazione fu soprannominato Masaccio, che in italiano significa manicotto.

L'arte di Giotto, così come il contatto creativo con lo scultore Donatello e l'architetto Brunelleschi, ebbero un enorme impatto sul giovane artista. Masaccio, insieme a Brunelleschi e Donatello, guidò la tendenza realistica nell'arte rinascimentale fiorentina.

La sua prima opera sopravvissuta è considerata Madonna col Bambino con Sant'Anna e angeli (circa 1420).

Nel 1426 Masaccio dipinse un grande polittico d'altare per la chiesa delle Carline a Pisa. Scritto nello stesso periodo (1426-1427) nell'antica chiesa gotica di Santa Maria Novella a Firenze, l'affresco "Trinità" riflette una nuova tappa nell'opera di Masaccio. Nella composizione dell'affresco, per la prima volta, viene utilizzato in modo coerente il sistema prospettico lineare, a cui Brunelleschi stava lavorando in quel periodo. I primi piani di esso sono occupati dalla croce con il Cristo crocifisso e l'imminente Maria e Giovanni, nel secondo piano, la figura di Dio Padre è visibile in alto dietro Cristo.

La novità degli affreschi di Masaccio è dovuta non solo al sapiente uso della prospettiva lineare e alle maestose architetture rinascimentali da lui dipinte. La brevità della composizione, la realtà quasi scultorea delle forme e l'espressività dei volti erano nuove.

Una delle opere più celebri di Masaccio nella Cappella Bracacci è La Cacciata dal Paradiso. Sullo sfondo di un paesaggio scarsamente delineato, emergono chiaramente le figure di Adamo ed Eva che emergono dalle porte del paradiso, sopra le quali aleggia un angelo con una spada. Per la prima volta nella storia della pittura Masaccio rinascimentaleè riuscito a eseguire in modo convincente un corpo nudo, a dargli proporzioni naturali, a metterlo a terra con fermezza e fermezza. In termini di forza espressiva, questo affresco non ha analoghi nell'arte del suo tempo.

Gli affreschi di Masaccio nella Cappella Bracacci sono intrisi di sobrio realismo. Narrando miracoli, Masaccio priva le scene che raffigura di ogni sfumatura di misticismo. Il suo Cristo, Pietro e gli apostoli sono persone terrene, i loro volti sono individualizzati e segnati dall'impronta dei sentimenti umani, le loro azioni sono dettate da impulsi umani naturali.

Masaccio non accatasta le figure in file, come facevano i suoi predecessori, ma le raggruppa secondo l'intenzione del suo racconto e le colloca liberamente nel paesaggio. Con l'aiuto della luce e del colore, scolpisce con sicurezza le forme degli oggetti. Inoltre la luce, come nella "Cacciata dal Paradiso", cade secondo la direzione della luce naturale, la cui fonte sono le finestre della cappella, poste in alto a destra.

Ciò che è stato creato da lui è diventato un punto di svolta nella storia pittura italiana. Per più di un secolo dopo la sua morte, la Cappella Bracacci fu meta di pellegrinaggi e scuola di pittori.

2. Identità nazionale della cultura del Rinascimento settentrionale

.1 "Tradizionalismo" e "romanesimo" nella pittura olandese

Un piccolo paese, compreso il territorio dell'attuale Belgio e Olanda, era destinato a diventare il centro più luminoso dell'arte europea in Italia nel XV secolo. Le città olandesi, sebbene non fossero politicamente indipendenti, si erano a lungo arricchite e rafforzate, conducendo ampi commerci e quindi sviluppando la produzione manifatturiera di tessuti, tappeti e vetro. centro maggiore commercio internazionale c'era l'antica Bruges, la poetica città dei canali; alla fine del XV secolo si estinse, lasciando il posto alla vivace Anversa.

L'architettura gotica dei Paesi Bassi non è solo templi, ma anche municipi, mura e torri, case di mercanti.

E corporazioni artigiane centri commerciali, magazzini e, infine, case di abitazione di un tipo caratteristico e di lunga data: con facciate strette e timpani alti triangolari oa gradini.

Poiché le chiese erano costruite più in mattoni che in pietra, la scultura della chiesa non ha ricevuto grande sviluppo. Klaus Sluter ei suoi studenti sono rimasti una brillante eccezione nella cultura dei Paesi Bassi. La sua principale forza artistica nel Medioevo si è manifestata in qualcos'altro: nella pittura in miniatura. Nel XV secolo la miniatura raggiunse un alto grado di perfezione, come si può vedere dal famoso Libro d'Ore del Duca di Berry, illustrato dai fratelli Limburg.

Lo sguardo amorevole, diligente, poetico sul mondo è stato ereditato dalla miniatura dalla grande pittura del XV secolo, iniziata da Jan van Eyck. Piccole immagini che adornano i manoscritti sono diventate grandi dipinti che adornano le porte degli altari. Allo stesso tempo, sono emerse nuove qualità artistiche. Apparve qualcosa che non poteva essere in miniatura: lo stesso sguardo intento e concentrato su una persona, sul suo viso, nel profondo dei suoi occhi.

L'Hermitage ha un dipinto di un importante maestro olandese Rogier van der Weyden “St. Luca dipinge la Madonna" (l'evangelista Luca era considerato artista e mecenate della bottega dei pittori). Contiene molte composizioni tipiche del favorito olandese: un panorama della città e del canale, dipinto così piccolo, teneramente e con cura, con due figure umane pensierose sul ponte. Ma la cosa più notevole è il volto e le mani di Luca, che dipinge la Madonna "dal vero". Ha un'espressione speciale - l'espressione di ascolto attento e tremulo di un uomo che è entrato completamente nella contemplazione. È così che i vecchi maestri olandesi guardavano alla natura.

Torniamo a Jan van Eyck. Ha iniziato come miniaturista, lavorando a fianco del fratello maggiore Hubert. I fratelli van Eyck erano tradizionalmente accreditati dell'invenzione della tecnica della pittura a olio; questo è impreciso: il metodo di utilizzo degli oli vegetali come legante era noto prima, ma i van Eyck lo migliorarono e diedero impulso alla sua distribuzione. L'olio presto soppiantò la tempera.

I colori ad olio si scuriscono con l'età. I vecchi dipinti che vediamo nei musei avevano un aspetto diverso quando sono apparsi, molto più chiari e luminosi. Ma la pittura del van Eycks ha qualità tecniche davvero insolite: le vernici non si seccano e conservano la loro freschezza per secoli. Quasi brillano, ricordando lo splendore delle vetrate colorate.

L'opera più famosa dei van Eycks - la grande pala d'altare di Gand - fu iniziata da Hubert, e dopo la sua morte fu continuata e completata nel 1432 da Jan. Le ali del grandioso altare sono dipinte su due ordini sia all'interno che all'esterno. Sui lati esterni sono presenti un'annunciazione e figure inginocchiate di donatori (clienti): così si presentava l'altare chiuso nei giorni feriali. Nei giorni festivi le porte venivano spalancate, quando si apriva l'altare diventava sei volte più grande e davanti ai parrocchiani, in tutto lo splendore dei colori di Van Eyck, si alzava uno spettacolo che, nella totalità delle sue scene, dovrebbe incarnare l'idea della redenzione dei peccati umani e dell'imminente illuminazione. In alto al centro c'è la deesis - Dio Padre in trono con Maria e Giovanni Battista ai lati. Queste cifre sono più grandi della crescita umana. Poi Adamo ed Eva nudi nella crescita umana e gruppi di angeli musicanti e cantanti. Nel livello inferiore - un'affollata scena di adorazione dell'Agnello, risolta su scala molto più piccola, molto spazialmente, tra le ampie paesaggio fiorito, e sulle ali laterali - processioni di pellegrini. La trama dell'adorazione dell'Agnello è tratta dall '"Apocalisse di Giovanni", che dice che dopo la fine del mondo peccaminoso, la città di Dio scenderà sulla terra, in cui non ci sarà notte, ma luce eterna, e il fiume della vita "luminoso come il cristallo", e l'albero della vita, ogni mese fecondo, e la città è "oro puro, come vetro trasparente". L'agnello è un simbolo mistico dell'apoteosi che attende i giusti. E, a quanto pare, gli artisti hanno cercato di mettere nei dipinti dell'altare di Gand tutto il loro amore per gli incantesimi della terra, per i volti umani, per le erbe, gli alberi, le acque, per incarnare il sogno dorato della loro eternità e incorruttibilità.

Jan van Eyck è stato anche un eccezionale ritrattista. Nel suo ritratto in coppia dei coniugi Arnolfini, l'immagine di gente comune vestita alla moda allora piuttosto pretenziosa in una stanza normale con un lampadario, un baldacchino, uno specchio e un cagnolino sembra essere una sorta di meraviglioso sacramento. È come se adorasse la fiamma di una candela, il rossore delle mele e uno specchio convesso; è innamorato di ogni tratto del viso lungo e pallido degli Arnolfini, che tiene per mano la mite moglie come se compisse una cerimonia segreta. Sia le persone che gli oggetti: tutto si bloccò in solenne attesa, in riverente serietà; tutte le cose hanno un significato nascosto, alludendo alla santità del voto coniugale e del focolare.

Iniziò così la pittura quotidiana dei borghesi. Questa sottile scrupolosità, amore per le comodità, attaccamento quasi religioso al mondo delle cose. Ma più avanti, più prosa usciva e la poesia si ritirava. Mai più tardi la vita dei borghesi fu rappresentata con toni così poetici di sacralità e dignità.

Anche i primi borghesi dei paesi nordici non erano così "borghesi limitati" come i loro successivi discendenti. È vero, la portata e la versatilità degli italiani non sono caratteristiche di lui, ma anche su una scala più ristretta di visione del mondo, il borghese non è estraneo a un tipo speciale di modesta grandezza. Dopotutto, è stato lui, il borghese, a creare le città, ha difeso la loro libertà dai feudatari, e doveva ancora difenderla dai monarchi stranieri e dall'avida Chiesa cattolica. Sulle spalle dei borghesi giacevano grandi gesta storiche che formavano personaggi eccezionali, che, oltre ad un accresciuto rispetto per i valori materiali, sviluppavano anche resilienza, coesione aziendale, lealtà al dovere e alla parola, autostima. Come dice Thomas Mann, il borghese era "una persona comune nel senso più alto del termine".

Questa definizione non si addice agli italiani del Rinascimento: non si sentivano gente comune, nemmeno in senso alto. Arnolfini, interpretato da Jan van Eyck, era un italiano che viveva nei Paesi Bassi; se l'avesse dipinto un compatriota, il ritratto si sarebbe probabilmente rivelato diverso nello spirito. Un profondo interesse per l'individuo, per il suo aspetto e carattere - questo riunisce gli artisti del Rinascimento italiano e settentrionale. Ma ne sono interessati in modi diversi e ci vedono cose diverse. Gli olandesi non hanno il senso del titanismo e dell'onnipotenza della persona umana: ne vedono il valore nell'integrità borghese, nelle qualità, tra cui l'umiltà e la pietà, la consapevolezza della propria piccolezza di fronte all'universo, non sono le ultime, sebbene anche in questa umiltà la dignità dell'individuo non scompare, ma anzi si sottolinea.

A metà e nella seconda metà del XV secolo, molti eccellenti pittori lavorarono nei Paesi Bassi: il già citato Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. Le loro individualità artistiche sono abbastanza distintamente distinguibili, sebbene non con lo stesso grado di stile individuale di quello dei quattrocentisti italiani. Dipingevano principalmente altari e ritratti dipinti e dipinti da cavalletto commissionati da ricchi cittadini. Le loro composizioni intrise di uno stato d'animo mite e contemplativo hanno un fascino speciale. Amavano le trame del Natale e l'adorazione del bambino, queste trame sono risolte da loro sottilmente e ingenuamente. Ne “L'Adorazione dei pastori” di Hugo van der Goes, il bambino è magro e miserabile, come un neonato qualsiasi, chi gli sta intorno lo guarda, impotente e contorto, con profonda tenerezza spirituale, la Madonna è silenziosa, come una suora , non alza gli occhi, ma si sente che è piena di modesto orgoglio della maternità. E fuori dal vivaio si vede il paesaggio dei Paesi Bassi, ampio, collinoso, con strade tortuose, alberi rari, torri, ponti.

C'è molto tocco qui, ma non c'è dolcezza: si nota l'angolosità gotica delle forme, parte della loro rigidità. I volti dei pastori in van der Goes sono caratteristici e brutti, come al solito nelle opere del gotico. Anche gli angeli - e quelli sono brutti.

Gli artisti olandesi raramente raffigurano persone con volti e figure belli e regolari, e anche questo differisce da quelli italiani. La semplice considerazione che gli Italici, discendenti diretti dei Romani, erano in genere più belli dei pallidi e flaccidi figli del nord, si può certo tener conto, ma la ragione principale non è ancora questa, bensì la differenza di il concetto artistico generale. L'umanesimo italiano è intriso del pathos del grande nell'uomo e della passione per le forme classiche, gli olandesi poetizzano l '“uomo medio”, hanno poco a che fare con la bellezza classica e le proporzioni armoniose.

Gli olandesi hanno una passione per i dettagli. Sono per loro portatori di un significato segreto. Un giglio in un vaso, un asciugamano, una teiera, un libro: tutti i dettagli, oltre a quelli diretti, hanno anche un significato nascosto. Le cose sono rappresentate con amore e sembrano ispirate.

Il rispetto per se stessi, per la propria vita quotidiana, per il mondo delle cose è stato rifratto attraverso una visione religiosa del mondo. Tale era lo spirito delle riforme protestanti sotto le quali si sta svolgendo il Rinascimento olandese.

Percezione meno antropomorfica rispetto agli italiani, predominanza del principio panteistico e continuità diretta dal gotico interessano tutte le componenti dello stile della pittura neerlandese. Tra i quattrocentisti italiani, qualsiasi composizione, per quanto ricca di dettagli, gravita verso una tettonica più o meno rigida. I gruppi sono costruiti come un bassorilievo, cioè l'artista di solito cerca di collocare le figure principali su un'area frontale relativamente ristretta, in uno spazio chiuso ben definito; li bilancia architettonicamente, stanno saldamente in piedi: tutti questi tratti li ritroviamo già in Giotto. Le composizioni degli olandesi sono meno chiuse e meno tettoniche. Sono attratti dalla profondità e dalla distanza, il loro senso dello spazio è più vivo, più arioso che nella pittura italiana. Le figure sono più stravaganti e instabili, la loro tettonica è disturbata da pieghe divergenti verso il basso a forma di ventaglio, pieghe spezzate delle vesti. Gli olandesi amano il gioco delle linee, ma non servono ai compiti scultorei di costruire volume, ma piuttosto ornamentali.

Gli olandesi non hanno una netta accentuazione del centro della composizione, una maggiore enfasi sulle figure principali. L'attenzione dell'artista è dispersa da una varietà di motivi, tutto gli sembra allettante e il mondo è vario e interessante. Alcune scene sullo sfondo affermano di essere una composizione della trama separata.

Infine, c'è anche un tipo di composizione in cui non c'è alcun centro e lo spazio è riempito da molti gruppi e scene uguali. Allo stesso tempo, il principale caratteri a volte finiscono da qualche parte nell'angolo.

Composizioni simili si trovano alla fine del XV secolo con Hieronymus Bosch. Bosch (1450-1516) è un artista straordinariamente eccentrico. L'intento e l'osservazione puramente olandesi sono combinati con una fantasia insolitamente produttiva e un umorismo molto oscuro. Una delle sue storie preferite è "La tentazione di Sant'Antonio", dove l'eremita è assediato dai diavoli. Bosch ha popolato i suoi dipinti con legioni di piccole creature striscianti e paurose. Diventa assolutamente inquietante quando noti parti del corpo umano in questi mostri. Tutta questa Kunstkamera di demoni stravaganti è significativamente diversa dalle chimere medievali: erano più maestose e ben lungi dall'essere così sinistre. L'apoteosi della demonologia di Bosch è il suo "Inferno musicale", simile a un giardino delle torture: persone nude, mescolate a mostri che si arrampicano su di esse da ogni parte, si contorcono in una lussuria struggente, vengono crocifisse sulle corde di alcuni giganteschi strumenti musicali, strizzate e segato in dispositivi misteriosi, spinto in fosse, inghiottito.

Le strane fantasmagorie di Bosch nascono dagli sforzi filosofici della mente. Si trovava alle soglie del XVI secolo, e questa era un'epoca che faceva pensare dolorosamente. Bosch, a quanto pare, fu sopraffatto dai pensieri sulla vitalità e l'onnipresenza del male mondiale, che, come una sanguisuga, si attacca a tutti gli esseri viventi, sull'eterno ciclo della vita e della morte, sull'incomprensibile stravaganza della natura, che semina larve e germi della vita ovunque - sia sulla terra che sotto terra, e in una palude stagnante marcia. Bosch osservava la natura, forse più acuta e vigile di altri, ma non vi trovava né armonia né perfezione. Perché l'uomo, corona della natura, è condannato alla morte e al decadimento, perché è debole e miserabile, perché tormenta se stesso e gli altri, è costantemente sottoposto a tormento?

Il fatto stesso che Bosch ponga tali domande parla di curiosità risvegliata, un fenomeno che accompagna l'umanesimo. Umanesimo non significa solo glorificazione di tutto ciò che è umano. Significa anche il desiderio di penetrare nell'essenza delle cose, di svelare i misteri dell'universo. In Bosch, questo desiderio era dipinto con toni cupi, ma era un sintomo della sete mentale che spingeva Leonardo da Vinci a esplorare tutto, bello e brutto. Il potente intelletto di Leonardo percepiva il mondo nel suo insieme, ne sentiva l'unità. Nella mente di Bosch, il mondo si rifletteva frammentato, spezzato in migliaia di frammenti che entrano in combinazioni incomprensibili.

Ma vale la pena menzionare le correnti romantiche, cioè influenzate dal Cinquecento italiano, iniziarono a diffondersi nei Paesi Bassi nel XVI secolo. La loro mancanza di originalità è molto evidente. L'immagine della "nudità classica", che era bella tra gli italiani, non era assolutamente data ai Paesi Bassi e sembrava persino un po' comica, come "Nettuno e Anfitrite" di Jan Gossaert, con i loro magnifici corpi gonfi. Anche gli olandesi avevano il loro "manierismo" provinciale.

Notiamo lo sviluppo dei generi di dipinti da cavalletto domestici e paesaggistici realizzati artisti olandesi nel XVI secolo. Il loro sviluppo è stato facilitato dal fatto che di più cerchi ampi, odiando il papato e il clero cattolico, si allontanarono sempre più dal cattolicesimo e chiesero riforme della chiesa. E le riforme di Lutero e Calvino includevano un elemento di iconoclastia; gli interni delle chiese protestanti dovevano essere completamente semplici, spogli - niente come la ricca e spettacolare decorazione delle chiese cattoliche. arte religiosa notevolmente ridotto di volume, cessò di essere un culto.

Ha iniziato ad apparire pulito quadri di genere con l'immagine di mercanti nei negozi, cambiavalute negli uffici, contadini al mercato, giocatori di carte. Il genere domestico è nato dal genere del ritratto e il genere del paesaggio è nato da quegli sfondi paesaggistici che erano così affezionati ai maestri olandesi. Gli sfondi sono cresciuti e c'era solo un passo verso un paesaggio puro.

Tutto però riscatta e concentra in sé il talento colossale di Pieter Brueghel (1525-1569). Possedeva al massimo grado quella che viene chiamata identità nazionale: tutte le caratteristiche notevoli della sua arte risalgono alle originarie tradizioni olandesi. Come nessuno, Brueghel ha espresso lo spirito del suo tempo e il suo sapore popolare. È popolare in tutto: essendo indubbiamente un artista-pensatore, pensa in modo aforistico e metaforico. La filosofia di vita contenuta nelle sue allegorie è amara, ironica, ma anche coraggiosa. Il tipo di composizione preferito di Bregel è uno spazio ampio, come visto dall'alto, in modo che le persone sembrino piccole e si affrettino nelle valli, tuttavia, tutto è scritto in dettaglio e chiaramente. La narrazione è solitamente associata al folklore, Brueghel dipinse parabole.

Bruegel utilizza il tipo di composizione spaziale-paesaggistica comune nei Paesi Bassi senza enfatizzare le persone e gli eventi principali in modo tale da rivelare un'intera filosofia di vita. La caduta di Icaro è particolarmente interessante qui. Il dipinto di Brueghel raffigura un paesaggio pacifico in riva al mare: un aratore segue un aratro, un pastore si prende cura delle pecore, un pescatore è seduto con una canna da pesca e le navi navigano sul mare. Dov'è Icaro e cosa c'entra la sua caduta? Devi guardare da vicino per vedere nell'angolo destro pietose gambe nude che sporgono dall'acqua. Icaro è caduto dal cielo, ma nessuno se ne è nemmeno accorto. La vita ordinaria scorre, come sempre. Per un contadino, la sua terra coltivabile, per un pastore, il suo gregge è molto più importante degli alti e bassi di qualcuno. Il significato di eventi straordinari non si svela presto, i contemporanei non se ne accorgono, immersi nelle preoccupazioni quotidiane.

rinascita arte pittura scultura

2.2 Rinascimento nell'arte tedesca e francese

A cavallo dei secoli XIV-XV. La Germania era ancora più frammentata rispetto ai periodi precedenti, il che contribuì alla vitalità delle fondamenta feudali in essa.

Lo sviluppo delle città tedesche rimase indietro anche rispetto ai Paesi Bassi, e il Rinascimento tedesco si formò rispetto a quello italiano un intero secolo dopo. Sull'esempio del lavoro di molti artisti del XV secolo. puoi rintracciare come si è formato il Rinascimento in Germania: questi sono Konrad Witz, Michael Pacher, poi Martin Schongauer. Nelle loro immagini d'altare compaiono elementi narrativi, il desiderio di rivelare sentimenti umani su una trama religiosa (l'altare di San Wolfgang M. Pacher nella chiesa di San Wolfgang nell'omonima città, 1481). Ma la comprensione dello spazio, l'introduzione di campiture dorate, la frammentazione del disegno, il ritmo inquieto delle linee spezzate, così come

scrivere scrupolosamente il principale e il particolare - tutto ciò di cui parla

mancanza di coerenza nella visione artistica del mondo di questi maestri e stretta connessione con tradizione medievale... Il secolo per la Germania inizia con un potente movimento rivoluzionario dei contadini, della cavalleria e dei borghesi contro il potere principesco e il cattolicesimo romano. Le tesi del capo della Riforma tedesca, Martin Lutero, contro la chiesa feudale nel 1517 "ebbero un effetto incendiario, come un fulmine su un barile di polvere da sparo". movimento rivoluzionario in Germania era già stato sconfitto nel 1525, ma il tempo della guerra contadina fu un periodo di alta impennata spirituale e fioritura dell'umanesimo tedesco, delle scienze secolari e della cultura tedesca. L'opera del più grande artista del Rinascimento tedesco, Albrecht Dürer (1471-1528), coincide con questo periodo.

Nell'opera di Dürer sembravano essersi fuse le ricerche di molti maestri tedeschi: osservazioni sulla natura, sull'uomo, problemi di relazione degli oggetti nello spazio, esistenza figura umana nel paesaggio, nell'ambiente spaziale. In termini di versatilità, in termini di scala del talento, in termini di ampiezza della percezione della realtà, Dürer è un tipico artista dell'Alto Rinascimento. Era un pittore, un incisore, un matematico, un anatomista, un prospettivista e un ingegnere. Ha viaggiato due volte in Italia, una volta nei Paesi Bassi, ha viaggiato nel suo Paese d'origine. Il suo patrimonio è costituito da 80 opere da cavalletto, più di duecento incisioni, più di 1000 disegni, sculture, materiali manoscritti. Dürer è stato il più grande umanista del Rinascimento, ma il suo ideale di uomo è diverso da quello italiano. Le immagini profondamente nazionali di Dürer sono piene di forza, ma anche di dubbi, a volte seri

riflessi, mancano della chiara armonia di Raffaello o di Leonardo.

Il linguaggio artistico è complicato, allegorico.

Anche durante la Guerra dei Cent'anni iniziò il processo di formazione della nazione francese, la nascita dello stato nazionale francese. L'unificazione politica del paese fu completata principalmente sotto Luigi XI. Entro la metà del XV secolo. si riferisce anche all'inizio del Rinascimento francese, nelle prime fasi ancora strettamente associato all'arte gotica. Introdotte le campagne dei re francesi in Italia artisti francesi con l'arte italiana, e dalla fine del XV

v. inizia una rottura decisiva con la tradizione gotica, italiana

l'arte viene ripensata in connessione con i propri compiti nazionali.

Il Rinascimento francese aveva il carattere della cultura di corte. (Il carattere popolare era più evidente nella letteratura rinascimentale francese, principalmente nell'opera di François Rabelais, con le sue immagini purosangue, la tipica arguzia e allegria gallica.) Come nell'arte olandese, si osservano tendenze realistiche,

soprattutto, in miniatura di libri sia teologici che secolari. Primo

uno dei maggiori artisti del Rinascimento francese - Jean Fouquet (circa 1420-1481), pittore di corte di Carlo VII e Luigi XI. Sia nei ritratti (ritratto di Carlo VII, 1445 circa) che nelle composizioni religiose (dittico di Melun), la completezza della scrittura si unisce alla monumentalità nell'interpretazione dell'immagine. Questa monumentalità è creata dall'inseguimento delle forme, dall'isolamento e dall'integrità della silhouette, dalla postura statica e dal laconicismo del colore. In effetti, il dittico della Madonna del Melen era dipinto in soli due colori: rosso vivo e blu (il modello era l'amato di Carlo VII - un fatto impossibile nell'arte medievale). La stessa chiarezza compositiva e accuratezza del disegno, la sonorità del colore sono caratteristiche delle numerose miniature di Fouquet (Boccaccio, La vita di uomini e donne famosi, 1458 circa). I campi dei manoscritti sono pieni dell'immagine del moderno Fouquet della folla, dei paesaggi della sua nativa Touraine.

Conclusione

Quindi, il Rinascimento, o il Rinascimento, è un'era nella vita dell'umanità, segnata da un colossale aumento dell'arte e della scienza.

L'arte del Rinascimento, nata sulla base dell'umanesimo, una corrente di pensiero sociale che proclamava a una persona il valore più alto della vita. Nell'art tema principale divenne una persona bella, armoniosamente sviluppata, in possesso di spiritualità illimitata e possibilità creative. Gli artisti iniziarono a vedere il mondo in modo diverso: immagini piatte, come se incorporee dell'arte medievale lasciassero il posto a uno spazio tridimensionale, in rilievo, convesso. Hanno cantato con la loro creatività una personalità perfetta, in cui la bellezza fisica e spirituale si fondono insieme secondo i requisiti dell'estetica antica. Molti pittori, poeti, scultori, architetti abbandonarono le idee dell'umanesimo, cercando di imparare solo la "maniera" delle grandi figure del Rinascimento. Così, le caratteristiche della crisi degli ideali artistici del Rinascimento si manifestarono nel manierismo (pretenziosità, manierismo), che si sviluppò alla fine del Rinascimento: evidente imitazione, stile secondario, iperbolizzazione di singoli dettagli, talvolta espressi anche nel titolo dell'opera (“Madonna dal collo lungo”), violazione delle proporzioni , disarmonia, deformazione, che di per sé è estranea alla natura dell'arte del Rinascimento italiano.

L'arte del Rinascimento ha gettato le basi della cultura europea della New Age, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte. Nell'architettura furono stabiliti principi rivisti in modo creativo dell'antico sistema di ordine e si formarono nuovi tipi di edifici pubblici. La pittura è stata arricchita da lineare e prospettiva aerea conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano. Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Aumento dell'interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. Insieme ai monumentali dipinti murali che adornano strutture architettoniche, è apparsa un'immagine, è nata la pittura a olio. In primo luogo nell'arte è arrivata l'individualità creativa dell'artista, di regola, una persona universalmente dotata.

Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

Il tema del Rinascimento è ricco e inesauribile. Questo potente movimento determinò per molti anni lo sviluppo dell'intera civiltà europea. Stiamo solo cercando di entrare nell'essenza dei processi in corso. Per capire, dobbiamo ripristinare più in dettaglio lo stato d'animo psicologico dell'uomo del Rinascimento, leggere libri di quel tempo, visitare gallerie d'arte. Le idee dell'umanesimo sono la base spirituale per il fiorire dell'arte rinascimentale. L'arte del Rinascimento è intrisa degli ideali dell'umanesimo, ha creato l'immagine di una persona bella e armoniosamente sviluppata. L'arte di quest'epoca delizierà infinitamente l'umanità, stupirà con la sua vitalità e capacità di conquistare menti e cuori. Era il tempo del titanismo, che si manifestava sia nell'arte che nella vita. Certo, il Rinascimento è una delle epoche più belle della storia dell'umanità.

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