Arte giapponese contemporanea. ArtigianatoRagazza

La scena artistica giapponese moderna sembra essere completamente globalizzata. Gli artisti viaggiano tra Tokyo e New York, quasi tutti hanno ricevuto un'educazione europea o americana, parlano del loro lavoro nell'arte internazionale inglese. Tuttavia, questo quadro è lungi dall'essere completo.

Le forme e le tendenze nazionali si stanno dimostrando uno degli articoli più ricercati che il Giappone ha da offrire al mercato mondiale. idee artistiche e funziona.

funzionamento aereo. Come superflat combina la cultura geek americana e la pittura tradizionale giapponese

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Se nel mondo occidentale per quasi tutti (tranne forse i più accaniti teorici postmoderni) il confine tra alto e cultura popolareè ancora rilevante, anche se problematico, in Giappone questi mondi sono totalmente mescolati.

Ne è un esempio Takashi Murakami, che combina con successo mostre nelle migliori gallerie del mondo e produzione in streaming.

Registrazione del tour della mostra di Murakami "Ci sarà una pioggia gentile"

Tuttavia, il rapporto di Murakami con la cultura popolare - e per il Giappone questa è principalmente la cultura dei fan di manga e anime (otaku) - è più complicato. Il filosofo Hiroki Azuma critica la comprensione dell'otaku come un autentico fenomeno giapponese. Gli Otaku si considerano direttamente collegati alle tradizioni del periodo Edo dei secoli XVII-XIX - l'era dell'isolazionismo e il rifiuto della modernizzazione. Azuma afferma che il movimento otaku è basato su manga, animazione, graphic novel, giochi per computer- potrebbe essere sorto solo nel contesto dell'occupazione americana del dopoguerra come risultato dell'importazione della cultura americana. L'arte di Murakami e dei suoi seguaci reinventa l'otaku con tecniche pop art e sfata il mito nazionalista dell'autenticità della tradizione. Rappresenta una "riamericanizzazione della cultura americana giapponese".

Da un punto di vista della storia dell'arte, superflat è il più vicino agli inizi Pittura giapponese ukiyo-e. Maggior parte opera famosa in questa tradizione - incisione " Una grande onda a Kanagawa" di Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Per il modernismo occidentale, la scoperta della pittura giapponese è stata una svolta. Ha permesso di vedere l'immagine come un piano e cerca di non superare questa sua peculiarità, ma di lavorarci.

Katsushiki Hokusai. "La grande onda al largo di Kanagawa"

Pionieri della performance. Cosa significa oggi l'arte giapponese degli anni '50

Documentazione processo creativo Akira Kanayama e Kazuo Shiragi

Superflat ha preso forma solo negli anni 2000. Ma le azioni artistiche significative per l'arte mondiale sono iniziate in Giappone molto prima, e anche prima che in Occidente.

La svolta performativa nell'arte è avvenuta a cavallo tra gli anni '60 e '70 del secolo scorso. In Giappone, la performance è apparsa negli anni Cinquanta.

Per la prima volta il Gruppo Gutai ha spostato il proprio focus dalla creazione di oggetti autosufficienti al processo della loro produzione. Da qui - un passo all'abbandono dell'oggetto d'arte in favore di un evento effimero.

Sebbene i singoli artisti di Gutai (e ce ne furono 59 in vent'anni) esistessero attivamente nel contesto internazionale, intendendo il giapponese come la loro attività collettiva arte del dopoguerra generalmente è iniziato in Occidente abbastanza di recente. Il boom è arrivato nel 2013 con diverse mostre in piccole gallerie a New York e Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde al MoMA e la massiccia retrospettiva storica Gutai: Splendid Playground al Guggenheim Museum. L'importazione di arte giapponese da Mosca sembra essere una continuazione quasi tardiva di questa tendenza.

Sadamasa Motonaga. Opera (Acqua) al Museo Guggenheim

È sorprendente quanto siano moderne queste mostre retrospettive. Ad esempio, l'oggetto centrale dell'esposizione al Guggenheim Museum è la ricostruzione di Work (Water) di Sadamasa Motonaga, in cui i livelli della rotonda del museo sono collegati da tubi in polietilene con acqua colorata. Ricordano pennellate che sono state strappate dalla tela ed esemplificano l'attenzione centrale di Gutai sulla "concretezza" (tradotto da nome giapponese gruppi), la materialità degli oggetti con cui l'artista lavora.

Molti membri di Gutai hanno ricevuto un'educazione legata alla pittura classica nihonga, molti sono legati biograficamente al contesto religioso del buddismo zen, alla sua caratteristica calligrafia giapponese. Tutti loro hanno trovato un approccio nuovo, procedurale o partecipativo, alle antiche tradizioni. Kazuo Shiraga ha filmato come disegna i suoi monocromi anti-Rauschenberg con i suoi piedi e ha persino creato dipinti in pubblico.

Minoru Yoshida ha trasformato i fiori delle stampe giapponesi in oggetti psichedelici: un esempio di questo è il fiore bisessuale, una delle prime sculture cinetiche (in movimento) al mondo.

I curatori della mostra al Guggenheim Museum parlano del significato politico di queste opere:

"Il Gutai ha dimostrato l'importanza della libera azione individuale, della demolizione delle aspettative del pubblico e persino della stupidità come modi per contrastare la passività sociale e il conformismo che, nel corso di decenni, hanno permesso a un governo militarista di ottenere una massa critica di influenza, invadere la Cina e poi partecipare alla seconda guerra mondiale".

Buono e saggio. Perché gli artisti hanno lasciato il Giappone per l'America negli anni '60

Gutai era l'eccezione alla regola nel Giappone del dopoguerra. I gruppi d'avanguardia rimasero marginali, il mondo dell'arte era strettamente gerarchico. La via principale per il riconoscimento era la partecipazione a concorsi indetti da associazioni riconosciute di artisti classici. Pertanto, molti hanno preferito andare in Occidente e integrarsi nel sistema artistico in lingua inglese.

Era particolarmente difficile per le donne. Anche nel progressivo Gutai, la quota della loro presenza non ha raggiunto nemmeno un quinto. Cosa possiamo dire delle istituzioni tradizionali, per l'accesso alle quali era necessario educazione speciale. Negli anni Sessanta le ragazze ne avevano già acquisito il diritto, tuttavia, imparando l'arte (se non si trattava di decorazione, che faceva parte del set di abilità ryosai kenbo- una brava moglie e una madre saggia) era un'occupazione socialmente disapprovata.

Yoko Ono. pezzo tagliato

La storia dell'emigrazione di cinque potenti artiste giapponesi da Tokyo negli Stati Uniti è stata oggetto dello studio di Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi e Shigeko Kubota all'inizio della loro carriera hanno deciso di partire per New York e hanno lavorato lì, anche sulla modernizzazione delle tradizioni dell'arte giapponese. Solo Yoko Ono è cresciuta negli Stati Uniti, ma ha anche deliberatamente rifiutato di tornare in Giappone, essendo rimasta delusa dalla gerarchia artistica di Tokyo durante il suo breve soggiorno nel 1962-1964.

Ono divenne la più famosa delle cinque, non solo come moglie di John Lennon, ma anche come autrice di spettacoli proto-femministi dedicati all'oggettivazione. corpo femminile. Ci sono evidenti parallelismi tra Cut Piece It, in cui il pubblico potrebbe tagliare pezzi dei vestiti dell'artista, e "Rhythm 0" della "nonna della performance" Marina Abramović.

Su gambe corte. Come superare la formazione di recitazione dell'autore Tadashi Suzuki

Nel caso di Ono e Gutai, i metodi ei temi del loro lavoro, separati dagli autori, sono diventati significativi a livello internazionale. Esistono altre forme di esportazione - quando le opere dell'artista sono percepite con interesse nell'arena internazionale, ma il prestito del metodo effettivo non avviene a causa della sua specificità. Il caso più eclatante è il sistema di addestramento alla recitazione di Tadashi Suzuki.

Il Teatro Suzuki è amato anche in Russia, e questo non sorprende. Ultima voltaè stato con noi nel 2016 con la rappresentazione de Le Troiane su testi di Euripide, e negli anni 2000 è venuto più volte con produzioni di Shakespeare e Cechov. Suzuki ha trasferito l'azione delle commedie all'attuale contesto giapponese e ha offerto interpretazioni non ovvie dei testi: ha scoperto l'antisemitismo in Ivanov e lo ha confrontato con l'atteggiamento sdegnoso dei giapponesi nei confronti dei cinesi, ha trasferito l'azione di Re Lear a un manicomio giapponese.

Suzuki ha costruito il suo sistema in opposizione al russo scuola di teatro. IN fine XIX secolo, durante il cosiddetto periodo Meiji, il Giappone imperiale in via di modernizzazione conobbe l'ascesa di movimenti di opposizione. Il risultato fu un'occidentalizzazione su larga scala di una cultura precedentemente estremamente chiusa. Tra le forme importate c'era il sistema Stanislavsky, che rimane ancora in Giappone (e in Russia) uno dei principali metodi di regia.

Esercizi Suzuki

Negli anni Sessanta, quando Suzuki iniziò la sua carriera, si stava diffondendo sempre di più la tesi che a causa delle loro caratteristiche corporee, gli attori giapponesi non potessero abituarsi ai ruoli dei testi occidentali che riempivano il repertorio di allora. Il giovane regista ha saputo offrire l'alternativa più convincente.

Il sistema di esercizi di Suzuki, chiamato leg grammar, include dozzine di modi per sedersi e ancora di più per stare in piedi e camminare.

I suoi attori di solito recitano a piedi nudi e sembrano, abbassando il baricentro, il più possibile legati al suolo, pesanti. Suzuki insegna loro e agli artisti stranieri la sua tecnica nel villaggio di Toga, in antiche case giapponesi piene di attrezzature moderne. La sua compagnia dà solo circa 70 spettacoli all'anno, e il resto del tempo vive, quasi senza lasciare il villaggio e non avendo tempo per gli affari personali - solo lavoro.

Il Toga Center è apparso negli anni '70 ed è stato progettato su richiesta del direttore dall'architetto di fama mondiale Arata Isozaka. Il sistema di Suzuki potrebbe sembrare patriarcale e conservatore, ma lui stesso parla di Toga in termini moderni di decentramento. Anche a metà degli anni 2000, Suzuki ha compreso l'importanza di esportare l'arte dalla capitale alle regioni e organizzare punti di produzione locali. Secondo il regista, la mappa teatrale del Giappone assomiglia per molti versi a quella russa: l'arte è concentrata a Tokyo e un po' meno centri maggiori. teatro russo anche una compagnia che va regolarmente in tournée nelle piccole città e ha sede lontano dalla capitale non guasterebbe.

Centro aziendale SCOT a Toga

Sentieri fioriti. Quale risorsa ha scoperto il teatro moderno nei sistemi noh e kabuki?

Il metodo Suzuki nasce da due antiche tradizioni giapponesi, ma anche dal kabuki. Non è solo che questi tipi di teatro sono spesso caratterizzati come l'arte di camminare, ma anche in dettagli più evidenti. Suzuki segue spesso la regola sull'esecuzione di tutti i ruoli da parte degli uomini, utilizza soluzioni spaziali caratteristiche, ad esempio hanamichi ("il percorso dei fiori") del modello kabuki - una piattaforma che si estende dal palco nelle profondità auditorium. Sfrutta anche simboli abbastanza riconoscibili come fiori e pergamene.

Certo, dentro mondo globale Non si parla sul privilegio dei giapponesi di usare le loro forme nazionali.

Il teatro di uno dei registi più significativi del nostro tempo, l'americano Robert Wilson, è stato costruito su prestiti di ma.

Non solo utilizza maschere e trucchi che ricordano al pubblico di massa il Giappone, ma prende in prestito anche modi di agire basati sul massimo rallentamento del movimento e sull'espressività autosufficiente del gesto. Combinando forme tradizionali e rituali con partiture luminose all'avanguardia e musica minimalista (una delle più opere famose Wilson - una produzione dell'opera di Philip Glass "Einstein on the Beach"), Wilson produce essenzialmente la sintesi di origini e rilevanza a cui tende gran parte dell'arte moderna.

Roberto Wilson. "Einstein sulla spiaggia"

Da no e kabuki è cresciuto uno dei pilastri danza contemporanea- buto, tradotto letteralmente - danza dell'oscurità. Inventato nel 1959 dai coreografi Kazuo Ono e Tatsumi Hijikata, che si ispiravano anche a un baricentro basso e alla concentrazione sui piedi, il butoh intendeva portare nella dimensione corporea i riflessi delle traumatiche esperienze di guerra.

“Hanno mostrato il corpo malato, che crolla, persino mostruoso, mostruoso.<…>I movimenti sono lenti o volutamente acuti, esplosivi. Per questo viene utilizzata una tecnica speciale, quando il movimento viene eseguito come se non coinvolgesse i muscoli principali, a causa delle leve ossee dello scheletro", la storica della danza Irina Sirotkina iscrive il butoh nella storia della liberazione del corpo, collega esso con l'allontanamento dalla normatività del balletto. Confronta il butoh con le pratiche di ballerini e coreografi dell'inizio del XX secolo: Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, parla dell'influenza sulla successiva danza "postmoderna".

Un frammento della danza di Katsura Kana, il moderno successore della tradizione butoh

Oggi il butoh nella sua forma originaria non è più una pratica d'avanguardia, ma una ricostruzione storica.

Tuttavia, il dizionario dei movimenti sviluppato da Ohno, Hijikata e dai loro seguaci rimane una risorsa preziosa per coreografi contemporanei. In Occidente è utilizzato da Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e persino nel video di “Belong To The World” di The Weekend. In Giappone, il successore della tradizione butoh è, ad esempio, Saburo Teshigawara, che verrà in Russia ad ottobre. Sebbene lui stesso neghi i parallelismi con la danza dell'oscurità, i critici trovano segni abbastanza riconoscibili: un corpo apparentemente disossato, fragilità, passo silenzioso. È vero, sono già inseriti nel contesto della coreografia postmoderna - con il suo ritmo elevato, le corse, il lavoro con la musica noise postindustriale.

Saburo Teshigawara. metamorfosi

Localmente globale. In che modo l'arte giapponese contemporanea è simile all'arte occidentale?

Le opere di Teshigawara e di molti dei suoi colleghi si inseriscono organicamente nei programmi dei migliori festival di danza contemporanea occidentali. Se scorri le descrizioni degli spettacoli e degli spettacoli che sono stati mostrati al Festival / Tokyo, il più grande spettacolo annuale del teatro giapponese, sarà difficile notare differenze fondamentali rispetto alle tendenze europee.

Uno dei temi centrali è la site-specificity: gli artisti giapponesi esplorano gli spazi di Tokyo, spaziando da ammassi di capitalismo sotto forma di grattacieli ad aree marginali di concentrazione di otaku.

Altro tema è lo studio dell'incomprensione intergenerazionale, del teatro come luogo di incontro dal vivo e di comunicazione organizzata delle persone. età diverse. I progetti a lei dedicati di Toshika Okada e Akira Tanayama sono stati portati a Vienna per diversi anni consecutivi in ​​uno dei principali festival europei di arti dello spettacolo. Non c'era nulla di nuovo nel trasferimento sul palco di materiali documentari e storie personali alla fine degli anni 2000, ma il curatore del Festival di Vienna ha presentato al pubblico questi progetti come un'opportunità di contatto dal vivo, punto a punto, con un altro cultura.

Un'altra linea principale sta lavorando attraverso l'esperienza traumatica. Per i giapponesi, non è associato al Gulag o all'Olocausto, ma al bombardamento di Hiroshima e Nagasaki. Il teatro si riferisce costantemente a lui, ma l'affermazione più potente sulle esplosioni atomiche come il momento della genesi di tutto il moderno cultura giapponese appartiene ancora a Takashi Murakami.

alla mostra “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" è il suo nome progetto curatoriale presentato a New York nel 2005. "Little Boy" - "baby" in russo - il nome di una delle bombe sganciate sul Giappone nel 1945. Collezionando centinaia di fumetti manga dei principali illustratori, distintivi giocattoli vintage, merchandising ispirato a famosi anime da Godzilla a Hello Kitty, Murakami ha spinto al limite la concentrazione di carineria - kawaii - nello spazio museale. Parallelamente, ha lanciato una selezione di animazioni in cui immagini centrali c'erano immagini di esplosioni, terra nuda, città distrutte.

Questa opposizione è stata la prima grande affermazione sull'infantilizzazione della cultura giapponese come un modo per far fronte al disturbo da stress post-traumatico.

Ora questa conclusione sembra già ovvia. Su di esso si basa uno studio accademico sul kawaii di Inuhiko Yomota.

Ci sono anche trigger traumatici successivi. Tra i più importanti: gli eventi dell'11 marzo 2011, il terremoto e lo tsunami che hanno provocato un grave incidente nella centrale nucleare di Fukushima. Al Festival/Tokyo-2018, un intero programma di sei spettacoli è stato dedicato alla comprensione delle conseguenze di un disastro naturale e tecnologico; sono diventati anche il tema di uno dei lavori presentati a Solyanka. Questo esempio mostra chiaramente che l'arsenale metodi critici L'arte occidentale e quella giapponese non sono fondamentalmente diverse. Haruyuki Ishii crea un'installazione di tre televisori che riproducono in loop filmati ad alta velocità di programmi televisivi sul terremoto.

“L'opera è composta da 111 video che l'artista guardava ogni giorno nei telegiornali fino al momento in cui tutto ciò che vedeva non veniva più percepito come finzione”, spiegano i curatori. "New Japan" è un esempio espressivo di come l'arte non resista all'interpretazione basata sui miti nazionali, ma allo stesso tempo occhio critico rileva che la stessa interpretazione potrebbe essere rilevante per l'arte di qualsiasi origine. I curatori parlano della contemplazione come fondamento della tradizione giapponese, attingendo a citazioni da Lao Tzu. Allo stesso tempo, come tra parentesi che quasi tutti arte Moderna incentrato sull '"effetto osservatore" (come viene chiamata la mostra) - sia nella forma di creare nuovi contesti per la percezione di fenomeni familiari sia nel sollevare la questione della possibilità di una percezione adeguata in quanto tale.

Comunità immaginate - un'altra opera del video artista Haruyuki Ishii

Gioco

Tuttavia, non si deve pensare che il Giappone degli anni 2010 sia un concentrato di progressività.

Le abitudini del buon vecchio tradizionalismo e l'amore per l'esotismo orientalista non sono ancora sopravvissute. "The Theatre of Virgins" è il titolo di un articolo piuttosto ammirato sul teatro giapponese "Takarazuka" nella rivista conservatrice russa "PTJ". Takarazuka apparve alla fine del XIX secolo come progetto imprenditoriale per attirare i turisti in una remota città con lo stesso nome, che divenne accidentalmente il capolinea di una stazione privata ferrovia. Spettacolo solo a teatro ragazze non sposate, che, secondo il proprietario della ferrovia, avrebbero dovuto attirare spettatori maschi in città. Oggi Takarazuka funziona come un'industria, con il proprio canale televisivo, denso programma del concerto, anche il parco divertimenti locale. Ma solo le ragazze non sposate hanno ancora il diritto di far parte della troupe - speriamo almeno che non controllino la verginità.

Tuttavia, Takarazuka impallidisce rispetto al club Toji Deluxe di Kyoto, che i giapponesi chiamano anche teatro. Si mostrano assolutamente selvaggi, a giudicare da descrizione L'editorialista del New Yorker Ian Buruma, spettacolo di spogliarello: diverse ragazze nude sul palco trasformano la dimostrazione dei genitali in un rito pubblico.

Come molti pratiche artistiche, questo spettacolo si basa su antiche leggende (con l'aiuto di una candela e una lente d'ingrandimento, gli uomini del pubblico potevano a turno esplorare i "segreti della dea madre Amaterasu"), e lo stesso autore ha ricordato la tradizione noh .

Ricerca controparti occidentali per "Takarazuki" e Toji lo lasceremo al lettore - non è difficile trovarli. Notiamo solo che una parte significativa dell'arte moderna è diretta proprio alla lotta contro tali pratiche di oppressione - sia occidentali che giapponesi, che vanno dal superflat alla danza butoh.

Il post è pubblicitario, ma le impressioni, il testo e le foto sono le loro.

L'arte contemporanea è difficile da giudicare o valutare, poiché inizialmente si porta oltre questa possibilità. È un bene che ci sia Alexei Lifanov , che, pur non essendo un esperto giapponese, capisce l'arte meglio di me. Chi, se non Alexei, mi aiuterebbe a capire quello che ho visto?
Sì, i giapponesi sono persone strane. Impressioni dalla mostra su Gogol Boulevard.

Gli oggetti esposti alla mostra "Doppia prospettiva" possono essere suddivisi condizionatamente in tre parti (a seconda degli argomenti sollevati dagli autori). Il primo è dedicato all'individuo e allo stato, al ruolo dell'ideologia in intimità, il dettato della società sull'individuo. Il secondo tema è correlato: l'uomo e la sua influenza sulla natura (e anche nell'ambito di una mostra vari artisti espresso opinioni diametralmente opposte. Il terzo argomento è puramente giapponese ed è dedicato all'ideologia del "loli" e ad altre cose efebofile che fioriscono nella società giapponese.

1. Le opere di Kenji Yanobe sono implicate nell'estetica post-apocalittica, mentre, va notato, senza alcuno "stalkerismo". Il suo lavoro è molto ingenuo a livello di metodo. "Child of the Sun" è una scultura toccante e di grandi dimensioni. Che tipo di persona dovrebbe essere per resistere al mondo tecnogenico: audace, risoluta o diretta e ingenua?

3. Continuazione del tema in uno stile ancora più esageratamente ingenuo.

4. Motohiko Odani parla della pubertà, della sessualità e della sua psicologia. Di fronte a questa scultura c'è un'installazione video molto più espressiva, ma devi vederla con i tuoi occhi.

5. Makoto Aida sviluppa il tema. Un bonsai con teste da ragazzina è un simbolo iperbolico di amore perverso. Il simbolismo è trasparente e difficilmente ha bisogno di spiegazioni.

6. Un'altra delle sue opere "Alunni della scuola hara-kiri". Graficamente, è semplicemente fantastico.

7. Continuazione del tema "bambini" di Yoshimoto Naro. Volti di bambini ed emozioni non infantili.

8. Takahiro Iwasaki ha creato un diorama molto condizionale di una certa città da ogni sorta di immondizia. L'estetica della città, che in realtà è una discarica, non è un'idea nuova, ma implementata in modo interessante.

10. Dipinti di Tadanori Yokoo - un collage di allusioni, citazioni e archetipi. Allo stesso tempo, la colorazione è semplicemente incredibile.

11. Yayoi Kusama si è rivolto all'estetica esistenziale dell'essere e del non essere, creando una stanza in cui lo spazio si rompe e cade a pezzi.

12. Yasumasa Morimura ha realizzato una parodia di una parodia. Non raffigura affatto Adolf Hitler, come potrebbe sembrare, ma l'adenoide di Ginkel, un personaggio del film di Chaplin "Il grande dittatore". Il resto delle sue opere è già dedicato ai sovrani e ai dittatori immediati, ma l'essenza è chiara: la minaccia di un'ideologia totale.

13. Ci sono pochi spettatori, ma quelli che sono stanno discutendo con molto entusiasmo di ciò che hanno visto. In generale, sembra che ai visitatori piaccia molto ciò che sta accadendo.

14. Questa è la testa di George Bush. George Bush canta l'inno degli Stati Uniti. L'idea è semplice da capire: sull'invasione dell'ideologia e dello stato, anche nello spazio personale di una persona.

15. Ratti-Pokemon. La mia parte preferita.

16. Parte della mostra - fotografie. A volte interessante, a volte troppo intimo per essere compreso.

18. Fotografie di Toshio Shibata. Qui l'idea della convivenza armoniosa tra uomo e natura si risolve sotto forma di fotografie, esteticamente molto più vicine all'astrazione che al realismo - una geometria e una composizione così ben adattate.

19. Uno dei saluti a Lenin.

In ogni caso le mostre sono state create per assistervi dal vivo, e non per guardare reportage fotografici sui blog. Molte opere sono del tutto impossibili da valutare in statica e nelle dimensioni di una foto su schermo. Pertanto, è meglio andare tu stesso alla mostra "Doppia prospettiva".

Il partner del progetto, Sony, organizza un concorso e mette in palio un laptop e altri premi! Se vai alla mostra, assicurati di scattare foto delle mostre e scrivi la tua brevi impressioni. Condividi per partecipare al concorso

Ci sarà una mostra di arte contemporanea giapponese "Doppia prospettiva".

1. Ci sono molte cose insolite nell'arte contemporanea giapponese. Ad esempio, questi quadri di Izumi Kato sono realizzati a mano, senza usare il pennello.

2. A prima vista, potrebbe sembrare che si tratti di normali lampadine. Ma questo è lavorare con significato profondo dedicato al 38° parallelo, che separa la Corea del Nord e quella del Sud.

3. Certo, in ogni opera c'è un significato profondo che non giace in superficie, ma anche se non lo trovi, puoi semplicemente ammirare, ad esempio, la bellezza di questa rosa sapientemente realizzata.

4. questo è il lavoro di Kenji Yanobe su come una persona può sopravvivere alla fine del mondo

6. Questa è la sua opera più famosa "Child of the Sun" creata dopo l'incidente alla centrale nucleare di Fukushima.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. anche questa è arte giapponese moderna

10. progetto intersny "Lenin è ricercato negli appartamenti di Mosca". Yoshinori Niva ha cercato nelle case dei moscoviti oggetti conservati legati alla personalità di Lenin. La cosa più strana è che non è stato fatto da un russo, ma da un giapponese.

14. A proposito, per questo lavoro sono stati usati topi veri impagliati.

15. Queste foto mostrano le paure delle persone

All'Hermitage - Modern Art of Japan è in corso un'interessante mostra "MONO-NO AWARE. Il fascino delle cose".

Dire che sono un fan dell'arte contemporanea - non posso. Mi piace di più quando c'è qualcosa da guardare (grafica occupata, o arti e mestieri, ethnos è il mio tutto). Ammirare la bellezza di un concetto puro non è sempre divertente per me. (Malevich, scusa! Non mi piace Black Square!)

Ma oggi sono arrivato a questa mostra!

Prezioso, se sei a San Pietroburgo, interessato all'arte e non ci sei ancora stato, allora la mostra sarà fino al 9 febbraio! Vai, perché è interessante!

I concetti mi convincono poco, come ho scritto sopra. In qualche modo ho pensato che in un anno di visite a mostre moderne, uno o due oggetti mi sembrano al massimo divertenti. E molte cose non mi toccano così tanto che mi dispiace per il tempo che ho trascorso. Ma è in qualsiasi genere, in qualsiasi arte, la percentuale del rapporto tra talento e mediocrità, va bene se è uno su dieci! Ma mi è piaciuto questo spettacolo.

Le creazioni giapponesi sono state collocate nelle sale espositive dello stato maggiore. La prima installazione che accoglie i visitatori è un incredibile labirinto pieno di sale sul pavimento. Pavimento grigio, sale bianco, spazio contrassegnato in modo incredibilmente netto, intrecciato in un unico campo. Grande showroom, e un ornamento bianco sparso sul pavimento come uno straordinario loach. E capisci quanto sia temporanea quest'arte. La mostra si chiuderà, il labirinto sarà spazzato via con una scopa. Una volta ho visto il film "Il piccolo Buddha". E lì, all'inizio, un monaco buddista ha disposto un complesso ornamento di sabbia colorata. E alla fine del film, il monaco fece un brusco movimento con il pennello e l'opera titanica si dissolse nel vento. Cioè, poi salta e no. E dice, apprezza la bellezza qui e ora, tutto è fugace. Allora questo labirinto di sale, entra in dialogo con te, inizi a rispondere alle domande che ti pone davanti. L'artista è Motoi Yamamoto.

Si si! Questo è un labirinto così grande, hai sentito la scala?

Il secondo oggetto che affascina è l'enorme cupola in polietilene e resina nera di Yasuaki Onishi. Spazio insolitamente deciso. Sul nero sottilissimi fili irregolari di resina pende, muovendosi lievemente, una cupola....o una montagna dal complesso rilievo. Quando entri, vedi uno schema eterogeneo di punti, punti in cui la resina si attacca. È divertente, come se la pioggia nera cadesse silenziosamente e tu fossi sotto il baldacchino.

Come è nata questa tecnica? Divertente, vero? Ma dal vivo sembra più "viva", la cupola ondeggia leggermente per la brezza creata dai visitatori di passaggio. E c'è la sensazione della tua interazione con l'oggetto. Puoi entrare nella "grotta", vedere dall'interno com'è!

Ma per non avere l'impressione che tutto fosse solo in bianco e nero, posterò qui un altro paio di foto della composizione, realizzate con cerchi collegati tra loro. Riccioli di plastica divertenti e colorati! Inoltre, puoi attraversare questa stanza, dentro i cerchi, oppure puoi guardare tutto dall'esterno.

Questi articoli sono i miei preferiti. Naturalmente, presto l'arte contemporanea concettuale diventerà diversa, in sintonia con il nuovo tempo. Non tornerà al vecchio e non rimarrà com'è ora. Cambierà. Ma per capire cosa fosse, dove scorreva il flusso e cosa e da dove provenisse, devi sapere cosa sta succedendo ora. E non rifuggire quel nooo, il concetto non fa per me, ma prova a vederlo e valutarlo. Pochi talenti, come sempre, ma ci sono. E se le mostre risuonano, allora non tutto è perduto!!!