19세기 말 프랑스 극장. "프랑스 낭만주의 연극"을 주제로 한 외국 연극사 강의 주제에 관한 교육 및 방법론 자료

20 세기 상트 페테르부르크 건축 텍스트의 프랑스어 악센트 Alexander III의 통치가 끝날 무렵 Neva에는 Nikolaevsky와 Liteiny라는 두 개의 영구 금속 다리가있었습니다. 다음 단계는 해당 레벨에서 완공될 예정이었던 플로팅 트리니티 다리의 교체였습니다.

N. I. Tregub Zinaida Serebryakova. 프랑스 시대: 자신만의 테마 찾기(1924-1939) Zinaida Evgenievna Serebryakova(1884-1967)의 작품 시작부터 창의적인 방법관객과 평단의 시선을 사로잡았다. 현재 작가의 작품은 많은 곳에 보관되어 있습니다.

프랑스 연극

18 세기 후반 ~ 19 세기 전반기의 공연에서는 실제 행동의 경계를 넓히는 경향이 있었고 시간과 공간의 통일 법칙을 거부했습니다.

극적인 예술에 영향을 미친 변화는 무대 장식에 영향을 미칠 수밖에 없었습니다. 무대 장비뿐만 아니라 극장 건물도 급진적 인 개편이 필요했지만 19 세기 중반에는 그러한 변화를 만드는 것이 매우 어려웠습니다.

이러한 상황으로 인해 아마추어 판토마임 학교의 대표자들이 뉴 에이지 배우들 사이에서 정당한 자리를 차지할 수 있었고 혁신적인 드라마 투르기 작품의 최고 연기자가되었습니다.

점차 그림 같은 파노라마, 디오라마, 네오라마가 19세기 공연 예술에 널리 퍼졌습니다. L. Daguerre는 검토 기간 동안 프랑스에서 가장 유명한 마스터 데코레이터 중 한 명이었습니다.

19세기 말까지 변화는 극장 무대의 기술적 재정비에도 영향을 미쳤습니다. 1890년대 중반 K. Lautenschläger가 모차르트의 오페라 Don Giovanni를 제작하는 동안 1896년에 처음 사용된 회전 무대가 널리 사용되었습니다. .

19세기의 가장 유명한 프랑스 여배우 중 한 명은 파리 태생의 Catherine Josephine Rafin Duchenois(1777-1835)였습니다. 그녀의 무대 데뷔는 1802년에 일어났다. 그해에 25 세의 여배우는 코미디 프랑세즈 극장 무대에 처음 등장했으며 1804 년에 그녀는 이미 사교계로 극단의 주요 부분에 들어갔습니다.

작업 첫해에 무대에서 비극적 인 역할을 한 Catherine Duchenois는 여배우 Georges와 손바닥을 위해 끊임없이 싸워야했습니다. 지난 공연의 게임과 달리 Duchenois는 따뜻함과 서정으로 관객의 시선을 끌었고 그녀의 관통하고 진정성있는 부드러운 목소리는 누구도 무관심하게 만들 수 없었습니다.

1808년 Georges는 러시아로 떠났고 Catherine Duchenois는 Comédie Française의 주요 비극 배우가 되었습니다.

여배우의 가장 중요한 역할 중에는 Racine의 동명의 연극에서 Phaedra, Luce de Lancival의 Hector의 Andromache, Arnaud의 Germanica의 Agrippina, Jouy의 Sulla의 Valeria, 같은 이름의 연극의 Mary Stuart가 있습니다. 르브룬 등

특히 주목할만한 것은 여배우 Marie Dorval (1798-1849)의 연극으로, 그녀는 영감을 받아 비범 한 기술로 사랑을 위해 투쟁하는 사회에 도전하는 여성의 이미지를 무대에서 구현했습니다.

Marie Dorval은 배우 가족에서 태어나 어린 시절을 무대에서 보냈습니다. 그럼에도 불구하고 소녀는 놀라운 연기 능력을 발견했습니다. 감독이 맡은 작은 역할에서 그녀는 전체 이미지를 구현하려고 노력했습니다.

1818년에 Marie는 파리 음악원에 입학했지만 몇 달 후에 떠났습니다. 이 행위의 이유는 젊은 인재의 창의적인 개성과이 교육 기관의 배우 훈련 시스템이 양립 할 수 없기 때문입니다. 곧 Marie Dorval은 Port-Saint-Martin 최고의대로 극장 중 하나의 연기단의 일원이되었습니다. Ducange의 멜로 드라마 "30 년 또는 도박꾼의 삶"에서 Amalia의 역할이 연기되어 여배우를 엄청나게 유명하게 만들었습니다. 이번 공연에서 마리의 엄청난 재능이 드러났고, 그녀는 대도시 관객들에게 그녀의 뛰어난 연기를 보여주었다.

1831 년 Dorval은 A. Dumas의 로맨틱 드라마 Antony에서 Ardel d' Hervey 역을 맡았고 몇 달 후 V. Hugo의 드라마 Marion에서 타이틀 역할을했습니다.

여배우에게 시적 연극이 어렵게 주어 졌음에도 불구하고 그 구절은 그녀의 즉각적인 감정과 모순되는 일종의 관습 이었기 때문에 Marie는 성공적으로 역할에 대처했습니다. Dorval이 공연 한 Marion은 청중뿐만 아니라 작품 작가에게도 기쁨의 폭풍을 일으켰습니다.

1835년, 여배우는 그녀를 위해 특별히 쓴 Vigny의 드라마 Chatterton으로 데뷔했습니다. Dorval이 연기 한 Kitty Bell은 큰 사랑을 할 수있는 조용하고 연약한 여성으로 청중 앞에 나타났습니다.

쉰 목소리와 불규칙한 이목구비를 가진 여배우 마리 도발은 19세기 시청자들에게 여성성의 상징이 되었다. 인간 감정의 깊이를 표현할 수 있는 이 감성적인 배우의 연기는 동시대인들에게 잊을 수 없는 인상을 남겼다.

Victor Hugo와 Alexandre Dumas-son의 드라마에서 주연으로 유명해진 유명한 프랑스 배우 Pierre Bocage (1799-1862)는 대중의 특별한 사랑을 받았습니다.

Pierre Bocage는 단순한 노동자의 가정에서 태어 났고 직조 공장은 그에게 삶의 학교가되었으며 소년은 어떻게 든 부모를 돕기 위해 들어갔습니다. 어린 시절에도 Pierre는 무대에 대한 열정의 촉매 역할을 한 셰익스피어의 작품에 관심을 갖게되었습니다.

극장의 꿈을 안고 살던 보카쥬는 음악원에 들어가기 위해 수도까지 걸어서 갔다. 청년의 놀라운 외모와 특이한 기질에 놀란 심사관들은 어떤 장애물도 두지 않았습니다.

그러나 파리 음악원에서의 그의 연구는 수명이 짧은 것으로 판명되었습니다. Pierre는 수업료를 지불 할뿐만 아니라 생활비도 충분하지 않았습니다. 곧 그는 교육 기관을 떠나대로 극장 중 하나의 연기단에 들어가야했습니다. 수년 동안 그는 극장을 돌아다니며 처음에는 Odeon에서 일했고 그 다음에는 Porte Saint-Martin과 다른 많은 곳에서 일했습니다.

Bocage가 무대에서 만든 이미지는 주변 현실에 대한 배우의 태도 표현, 인간의 행복을 파괴하려는 권력자의 욕망에 대한 그의 불일치 진술에 지나지 않습니다.

Pierre Bocage는 Victor Hugo (Didier in Marion Delorme), Alexandre Dumas son (Antoni in Antony), F. Pia (Ango in Ango) 및 등.

지배 엘리트와의 싸움에서 죽음을 맞이한 외롭고 인생에 실망한 낭만적 인 영웅의 이미지를 무대에서 만들기 위해 주도권을 잡은 것은 Bocage였습니다. 그러한 계획의 첫 번째 역할은 아들 A. Dumas의 동명 드라마에서 Anthony였습니다. 절망에서 기쁨으로, 웃음에서 비통한 흐느낌으로의 갑작스러운 전환은 놀라울 정도로 효과적이었습니다. 청중은 오랫동안 Pierre Bocage가 수행 한 Anthony의 이미지를 기억했습니다.

배우는 1848년 프랑스에서 일어난 혁명적 사건에 적극적으로 참여했습니다. 그는 정의의 승리를 믿고 민주화의 염원을 손에 꼭 쥐고 지켰다.

현대 세계에서 정의의 승리에 대한 희망의 붕괴는 Bocage가 자신의 세계관을 바꾸도록 강요하지 않았으며 Odeon Theatre의 무대를 국가 당국의 자의성과 독재에 맞서 싸우는 수단으로 사용하기 시작했습니다.

곧 배우는 반정부 활동으로 기소되었고 극장 감독직에서 해고되었습니다. 그럼에도 불구하고 그의 시대가 끝날 때까지 Pierre Bocage는 계속해서 정의의 승리를 굳게 믿고 그의 이상을 옹호했습니다.

C. Duchenois 및 M. Dorval과 같은 19 세기 전반의 여배우와 함께 유명한 Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856)가 있습니다. 그녀는 연극 감독의 가족 인 Mons에서 태어났습니다. 이 상황은 Louise Rosalie의 전체 미래 운명을 미리 결정했습니다.

연극 생활의 분위기는 어린 시절부터 유명한 여배우에게 친숙했습니다. 이미 열 살 때 재능있는 소녀가 연기 환경에서 인정을 받았으며 파리 코미디 프랑세즈 극장에서 그녀가 연기 한 어린이 역할은 아무도 무관심하지 않았습니다.

1827년, 음악원 연극반을 졸업한 후, Louise Allan-Depreo는 전문적인 연기 교육을 받았습니다. 그 무렵 젊은 여배우는 이미 꽤 유명했으며 1830 년까지 일했던 Comedie Francaise 극장의 연기단에 합류하겠다는 제안에 놀라지 않았습니다. 1831년부터 1836년까지 Allan-Depreo는 Gimnaz 극장 무대에서 빛을 발했습니다.

Louise Rosalie의 연기 생활에서 중요한 역할은 러시아 여행에서 수행되었습니다. 여기에서 St. Petersburg Mikhailovsky Theatre의 프랑스 극단에서 그녀는 연기 기술을 향상시키면서 10 년 (1837-1847)을 보냈습니다.

그녀의 고향으로 돌아온 Allan-Depreo는 Comedie Francaise 극단에 다시 합류하여 Grand Coquette의 역할에서 최고의 여배우 중 한 명이되었습니다. 그녀의 게임은 프랑스와 러시아 사회의 귀족 계층의 관심을 끌었습니다. 세련되고 우아한 매너, 특별한 은혜로 연극 의상을 입을 수있는 능력-이 모든 것이 경솔한 세속 요염한 이미지를 만드는 데 기여했습니다.

Louise Rosalie Allan-Depreo는 Alfred de Musset의 낭만적인 연극에서 연기자로 유명해졌습니다. 이 여배우의 가장 유명한 역할 중에는 Caprice (1847)의 Madame de Lery, 연극 The Door Must Be Open or Closed (1848)의 Marquise, 비극 You Ca n't Foresee Everything (1849)의 Vernon 백작 부인, "Adrienne Lecouvreur"(1849)의 Duchess Bouillon, "The Candlestick"(1850)의 Jacqueline, "The Ladies 'War"(1850)의 d' Autret 백작 부인 등.

19세기 전반에 판토마임 극장이 널리 보급되기 시작했습니다. 이 장르를 가장 잘 대표하는 사람은 Jean Baptiste Gaspard Debureau(1796-1846)였습니다.

극단 단장 집안에서 태어나 어린 시절부터 극장의 즐거운 분위기가 평생을 채웠다. 1816 년까지 Jean Baptiste Gaspard는 아버지의 팀에서 일한 후 프랑스 수도에서 가장 민주적 인 무대 그룹 중 하나 인 Funambul Theatre에서 일했던 Rope Dancers 극단으로 옮겼습니다.

Rope Dancers 극단의 일원으로 그는 무언극 Harlequin Doctor에서 Pierrot 역을 맡아 스무 살 배우에게 첫 성공을 안겨주었습니다. 청중은 Debureau의 영웅을 너무 좋아해서 배우는 "The Raging Bull"(1827), "The Golden Dream, or Harlequin and the Miser"(1828), "The Whale"과 같은 여러 다른 무언극에서이 이미지를 구현해야했습니다. (1832) 및 "아프리카의 피에로"(1842).

19세기 초, 즐거운 장르의 민속 익살극이 여전히 희극극을 지배했습니다. 장 밥티스트 가스파르 드뷰로(Jean Baptiste Gaspard Debureau)는 익살스러운 무언극에 의미를 부여하여 말 없는 민속 공연을 현대 전문 연극의 깊은 의미 있는 제작에 더 가깝게 만들었습니다.

이것은 나중에 민속 만화 영웅이 된 Deburov의 Pierrot의 인기를 설명합니다. 이 이미지에는 기업, 독창성 및 가성 풍자와 같은 프랑스 캐릭터의 전형적인 국가적 특성이 표현되었습니다.

무수한 구타와 핍박과 굴욕을 당하면서도 평정을 잃지 않는 피에로는 어떤 상황, 심지어 가장 복잡한 상황에서도 승리할 수 있는 흔들리지 않는 부주의를 유지합니다.

드뷰로가 연기한 이 캐릭터는 기존의 질서를 분개하게 거부하고 단순한 도시인이나 소작농의 상식으로 악과 폭력의 세계에 맞섰다.

이전 시대의 무언극 공연에서 피에로 역의 연기자는 필연적으로 소위 극적 메이크업을 적용했습니다. 그는 얼굴을 하얗게 만들고 밀가루를 두껍게 뿌렸습니다. 이 전통을 보존하면서 Jean-Baptiste Gaspard는 세계적으로 유명한 Pierrot 의상을 사용하여 긴 흰색 하렘 바지, 넓은 칼라리스 블라우스 및 상징적 인 검은 붕대를 머리에 두는 이미지를 만들었습니다.

나중에 그의 최고의 판토마임에서 배우는 그 당시와 관련된 불의한 세상에서 가난한 사람들의 비극적 운명에 대한 주제를 반영하려고 노력했습니다. 눈부신 기행과 캐릭터의 깊은 내면을 고스란히 반영한 그의 기교 덕분에 멋진 이미지를 만들어냈다.

Debureau의 게임은 19세기 진보적인 예술 지식인의 관심을 끌었습니다. 유명한 작가-C. Nodier, T. Gauthier, J. Janin, J. Sand 등이이 배우에 대해 열광적으로 이야기했으며 프랑스 사회의 귀족 계층 중에는 Debureau의 재능, 그의 예리한 사회적 이미지에 대한 찬사, 기존의 것을 부정하는 사람이 없었습니다. 명령, 당국의 분노를 불러 일으켰습니다.

그러나 Jean-Baptiste Gaspard Debureau는 정의를위한 투사가 아니라 대중적인 민속 인물 역할을 맡은 연기자로만 세계 연극 예술의 역사에 들어갔습니다. Debureau의 배우 작업의 최고의 전통은 나중에 재능있는 프랑스 배우 M. Mars의 작업에 반영되었습니다.

19세기 전반의 주목할 만한 여배우는 Virginie Dejazet(1798-1875)였습니다. 그녀는 예술가 가족으로 태어 났으며 무대에서받은 양육은 그녀의 무대 재능의 초기 발전에 기여했습니다.

1807년, 재능 있는 소녀가 파리의 보드빌 극장에서 기업가의 관심을 끌었습니다. Virginie는 열정적으로 연기단에 합류하겠다는 제안을 수락했으며 오랫동안 수도의 극장에서 일하고 싶었습니다.

Vaudeville에서의 작업은 젊은 여배우의 기술 개발에 기여했지만 점차 그녀를 만족시키지 못했습니다. 이 극장을 떠나 Virginie는 버라이어티에서 일하기 시작했고 Gimnaz와 Nuvota에 초대되어 여배우가 1830년까지 공연했습니다.

그녀의 창작 활동의 전성기는 Virginie Dejazet가 Palais Royal Theatre 무대에서 빛을 발한 1831-1843 년이었습니다. 그 후 몇 년 동안 여배우는 파리 극장 그룹과의 협력을 중단하고 전국을 많이 여행했으며 때로는 지방 극장에서 한두 시즌 동안 머물기도했습니다.

연기의 대가인 Dejaze는 레이크 보이, 애지중지한 후작, 어린 소녀 및 노인의 역할을 수행하는 드래그 퀸 역할을 성공적으로 수행했습니다. 가장 성공적인 역할은 Scribe, Bayard, Dumanoir 및 Sardou의 보드빌과 희극에서 그녀가 담당했습니다.

Virginie Dejazet의 동시대 사람들은 종종 여배우의 비범한 우아함, 무대 대화의 기교, 정확한 표현 능력을 지적했습니다.

보드빌에서 쉽게 구절을 연주 한 Dejaze의 명랑하고 재치있는여 주인공은 여배우의 성공을 보장했으며 오랫동안 그녀를 까다로운 대도시 대중이 가장 좋아하는 사람으로 만들었습니다. 그리고 이것은 Virginie의 레퍼토리가 대중 청중의 전통적인 취향과 일치하지 않는다는 사실에도 불구하고.

여배우의 기교와 그녀의 공연의 깊은 민족적 성격은 Béranger의 노래 (Clairville과 Lambert-Tibout의 보드빌 "Béranger 's Songs"에서 Beranger의 독백 "Lisette Béranger"에서) 공연에서 가장 분명하게 나타났습니다.

비극적 인 역할로 낭만주의 시대에 일한 가장 유명한 프랑스 여배우 중 한 명은 Eliza Rachel (1821-1858)입니다. 그녀는 도시 거리에서 다양한 작은 물건을 파는 가난한 유대인 가정에서 파리에서 태어났습니다. 이미 어린 시절에 소녀는 뛰어난 능력을 보여주었습니다. 그녀가 연주 한 노래는 수많은 구매자를 아버지의 쟁반으로 끌어 들였습니다.

타고난 예술적 재능 덕분에 열일곱 살의 Eliza는 유명한 프랑스 극장 "Comedy Francaise"의 연기단에 합류했습니다. 이 무대에서 그녀의 데뷔 역할은 Corneille의 연극 Horace의 Camille이었습니다.

19 세기 30 년대 대부분의 대도시 극장 레퍼토리는 소설가 (V. Hugo, A. Vigny 등)의 작품을 기반으로했다는 점에 유의해야합니다. Eliza Rachel과 같은 밝은 별이 연극계에 등장한 후에야 잊혀진 고전 제작이 재개되었습니다.

당시 Racine의 동명 연극에서 Phaedra의 이미지는 비극적 장르에서 연기력의 가장 높은 지표로 간주되었습니다. 여배우에게 청중의 큰 성공과 인정을 가져다 준 것은 바로이 역할이었습니다. Eliza Rachel이 연기한 Phaedra는 최고의 인간 자질의 구현인 자랑스럽고 반항적인 성격으로 제시되었습니다.

1840 년대 중반은 재능있는 여배우의 활발한 여행 활동으로 표시되었습니다. 그녀의 유럽 여행은 프랑스 연극 학교를 영광스럽게했습니다. Rachel은 러시아와 북미를 방문하여 연극 평론가로부터 높은 점수를 받았습니다.

1848 년 J. Racine "Gofalia"의 연극을 기반으로 한 공연이 Eliza Rachel이 주연을 맡은 Comedie Francaise 무대에서 상연되었습니다. 그녀가 만든 이미지는 사악하고 파괴적인 힘의 상징이되어 점차 통치자의 영혼을 불태 웠고 여배우는 다시 한 번 뛰어난 재능을 보여줄 수있었습니다.

같은 해 Eliza는 수도의 무대에서 Rouget de Lisle의 Marseillaise를 공개적으로 읽기로 결정했습니다. 이 공연의 결과는 갤러리의 기쁨과 포장 마차에 앉아있는 청중의 분노였습니다.

그 후 Eliza는 대부분의 현대 극장의 레퍼토리가 그녀의 높은 재능에 합당하지 않다고 생각했기 때문에 재능있는 여배우는 한동안 실직했습니다. 그러나 무대 기술은 여전히 ​​여배우를 매료 시켰고 곧 다시 리허설을 시작했습니다.

활발한 연극 활동은 Rachel의 건강을 해쳤습니다. 36 세의 여배우는 결핵에 걸렸고 몇 달 후 사망하여 감사하는 후손에게 탁월한 기술의 풍부한 유산을 남겼습니다.

19세기 후반 가장 인기 있는 배우 중 한 명은 재능 있는 배우 베누아 콘스탄트 코클랭(1841-1909)이라고 할 수 있습니다. 어린 시절에 보여준 연극 예술에 대한 관심은 삶의 문제로 바뀌 었습니다.

그해에 유명한 배우 Renier와 함께 파리 음악원에서 공부하면서 재능있는 청년이 무대에 올라 옛 꿈을 이룰 수있었습니다.

1860년 Coquelin은 Comedie Francaise 극장 무대에 데뷔했습니다. Molière의 연극 Love Annoyance를 기반으로 한 연극에서 Gros Rene의 역할은 배우의 명성을 얻었습니다. 1862년 그는 Beaumarchais의 희곡 The Marriage of Figaro에서 Figaro 역의 연기자로 유명해졌습니다.

그러나 Coquelin은 1885 년 Comédie Française를 떠난 후 그의 최고의 역할 (The Unwilling Doctor의 Sganarelle, The Tradesman in the Nobility의 Jourdain, The Funny Cossacks의 Mascarille, 같은 이름의 Molière 연극의 Tartuffe)을 연기했습니다.

많은 비평가들은 Molière 작품 제작에서 재능있는 배우가 만든 가장 성공적인 이미지를 인정했습니다. Coquelin 레퍼토리의 마지막 창의성 기간에는 Rostand 연극의 역할이 우세했습니다.

재능있는 배우는 또한 연기 문제에 관한 여러 이론 논문 및 기사의 저자로 유명해졌습니다. 1880년에 그의 저서 "예술과 연극"이 출판되었고, 1886년에는 "배우의 예술"이라는 연기 매뉴얼이 출판되었습니다.

11년 동안(1898년부터 1909년까지) Coquelin은 극장 "Port-Saint-Martin"의 감독으로 일했습니다. 이 남자는 프랑스 연극 예술의 발전을 위해 많은 일을 했습니다.

연기력의 향상은 드라마투르기의 발전을 동반했다. 이때 O. de Balzac, E. Zola, A. Dumas-son, Goncourt 형제 등과 같은 유명한 작가들이 등장하여 낭만주의와 사실주의 시대의 무대 예술에 크게 기여했습니다.

유명한 프랑스 작가이자 극작가 오노레 드 발자크(1799-1850) 파리에서 관리의 가족으로 태어났습니다. 아들의 미래를 걱정하는 부모는 그에게 법률 교육을 제공했습니다. 그러나 법학은 문학 활동보다 청년을 훨씬 덜 매료 시켰습니다. 곧 Balzac의 창작물이 널리 보급되었습니다. 평생 동안 그는 97 편의 소설, 단편 소설 및 단편 소설을 썼습니다.

Honore는 어린 시절부터 연극 예술에 관심을 보이기 시작했지만 최초의 극적인 걸작은 1820 년대 초에야 그에 의해 작성되었습니다. 이 작품 중 가장 성공적인 작품은 비극 Cromwell(1820)과 멜로드라마 The Negro and The Corsican(1822)이었습니다. 완벽한 연극과는 거리가 먼 이들은 파리 극장 중 한 곳의 무대에서 매우 성공적으로 상연되었습니다.

창의적 성숙기에 Balzac은 The School of Marriage (1837), Vautrin (1840), Kinola 's Hopes (1842), Pamela Giraud (1843) 등 세계 여러 극장의 레퍼토리에 포함 된 여러 극적인 작품을 만들었습니다. ), 딜러 "(1844) 및"계모 "(1848). 이 연극은 매우 인기가있었습니다.

은행가, 주식 중개인, 제조업체 및 정치인의 극작가가 만든 전형적인 이미지는 놀랍도록 그럴듯한 것으로 판명되었습니다. 작품은 부르주아 세계의 부정적 측면, 포식, 부도덕, 반인간주의를 드러냈다. 발자크는 긍정적인 인물의 도덕적 완성도를 통해 사회악에 맞서기 위해 자신의 희곡에 멜로드라마적 요소를 도입했다.

Balzac의 극적인 작품의 대부분은 깊은 드라마와 역사적 구체성으로 가득 찬 사회적 모순에 기반한 극심한 갈등이 특징입니다.

Honore de Balzac의 드라마에서 개별 캐릭터의 운명 뒤에는 항상 넓은 삶의 배경이 있습니다. 개성을 잃지 않은 영웅들은 일반화 된 이미지의 형태로 동시에 등장했다.

극작가는 자신의 작품을 생생하게 만들고 특정 시대의 삶의 특징을 소개하고 캐릭터의 정확한 음성 특성을 부여하려고 노력했습니다.

19세기 극작술에 눈에 띄는 족적을 남긴 발자크 드라마는 세계 연극 예술의 발전에 지대한 영향을 미쳤다.

재능있는 프랑스 극작가의 가장 유명한 연극 중에는 Storm Harbor, Kinola 's Dreams라는 이름으로 극장 레퍼토리에 포함 된 Kinola의 희망 계모를 언급 할 가치가 있습니다. 소설 "총각의 삶"을 바탕으로 쓴 "유진 그란데"와 "지방 역사".

Honore de Balzac은 극작가이자 작가일 뿐만 아니라 미술 이론가로도 유명해졌습니다. Balzac의 많은 기사는 새로운 극장에 대한 그의 생각을 표현했습니다.

극작가는 무대 위의 동시대 현실에 대한 비판적 반영을 금기시했던 검열에 대해 분개했다. 또한 Balzac은 전형적인 부르주아 이데올로기와 삶의 현실과의 거리로 인해 19 세기 극장의 상업적 기반에 이질적이었습니다.

수많은 멜로드라마, 코미디, 보드빌의 작가이자 재능 있는 프랑스 극작가인 Benjamin Antier(1787-1870)는 Balzac과는 약간 다른 방향으로 작업했습니다.

이 극작가의 연극은 많은 대도시대로 극장의 레퍼토리에 포함되었습니다. 민주적, 공화당 적 사상의 지지자 인 Antje는이를 청중에게 전달하려고 노력했기 때문에 그의 작품에서 비난하는 메모가 들려 사회적 지향적이되었습니다.

인기있는 프랑스 배우 Frederic Lemaitre와 공동으로 극작가는 1834 년 파리 극장 "Foli Dramatic"의 무대에서 상연 된 "Robert Maker"라는 가장 유명한 연극 중 하나를 썼습니다. 대체로이 연극의 성공은 관객이 가장 좋아하는 Frederic Lemaitre와 전체 연기단의 웅장한 공연 때문입니다.

대도시 대중 사이에서 성공한 Benjamin Anttier의 다른 연극 중에서 The Carrier (1825), The Masks of Resin (1825), The Rochester (1829) 및 The Firestarter (1830)는 특별한 관심을 가질 만합니다. 그들은 또한 현대 세계의 심각한 사회 문제를 반영합니다.

19세기 전반 프랑스 연극의 혁신가는 재능 있는 작가 K. 아시미르 장 프랑수아 들라비뉴(1793-1843). 18세에 프랑스 문단에 입문하여 8년 후 극적으로 데뷔하였다.

1819 년 Casimir Delavigne은 그의 첫 비극 중 하나 인 Sicilian Vespers가 상연 된 무대에서 Odeon Theatre에서 일하기 시작했습니다. 여기에서 젊은 극작가의 다른 많은 초기 작품과 마찬가지로 과거의 유명한 연극 고전의 영향을 추적 할 수 있습니다.

동일한 엄격한 전통에서 비극 "Marino Faglieri"가 작성되었으며 "Port-Saint-Martin"극장에서 처음으로 상영되었습니다. 이 연극의 서문에서 Delavigne은 그의 미학적 관점의 기본 원칙을 공식화하려고 노력했습니다. 그는 현대극에서 고전 예술과 낭만주의의 예술적 기법을 결합할 필요가 있다고 믿었다.

당시 많은 문인들이 비슷한 관점을 견지하고 있었으며, 극작술의 다양한 경향에 대한 포용적 태도만이 앞으로 세계 연극 예술이 효과적으로 발전할 수 있다고 믿었다는 점에 유의해야 합니다.

그러나 특히 문학 시어 분야에서 고전 예술의 샘플을 완전히 거부하면 연극 문학 전체가 쇠퇴할 수 있습니다.

재능있는 극작가는 그의 후기 작품에서 혁신적인 경향을 구현했으며, 그 중 가장 중요한 것은 1832 년에 쓰여지고 몇 달 후 Comedie Francaise 극장 무대에서 상연 된 비극 "Louis XI"였습니다.

낭만적인 시학, 이미지의 생생한 역동성, 미묘한 지역색이 특징인 C. J. F. Delavigne의 비극은 전통적인 고전극과 크게 달랐다.

프랑스와 다른 유럽 국가의 최고의 배우들이 무대에서 반복적으로 구현 한 루이 11 세 왕의 이미지는 연기 환경에서 가장 사랑받는 이미지 중 하나가되었습니다. 따라서 러시아에서 Ludovic의 역할은 이탈리아의 재능있는 배우 V. Karatygin-E. Rossi가 완벽하게 수행했습니다.

평생 동안 Casimir Jean-Francois Delavigne은 온건 한 자유주의를 넘어서지 않고 민족 해방 운동 지지자들의 반 사무적 견해를 고수했습니다. 분명히 재능있는 극작가의 작품이 유신 시대의 지배 엘리트들 사이에서 널리 보급되고 7 월 군주제 초기에도 잃지 않는 것은 바로 이러한 상황이었습니다.

Delavigne의 가장 유명한 작품 중 비극 "Pariah"(1821)와 "Edward 's Children"(1833)이 언급되어야하며 저자의 코미디 작품 ( "School for the Old Men"(1823), "Don Juan of 오스트리아"(1835)는 19세기에 그다지 인기가 없었습니다. ) 등).

19 세기에 O. de Balzac 및 기타 유명한 연극 예술 인물의 연극보다 덜 유명하지 않은 유명한 연극 작품 알렉상드르 뒤마의 아들 (1824—1895).

그는 The Three Musketeers와 The Count of Monte Cristo의 저자 인 유명한 프랑스 작가 Alexandre Dumas의 가족에서 태어났습니다. 아버지의 직업은 아들의 삶의 길을 미리 결정했지만 그의 저명한 부모와 달리 Alexander는 극적인 활동에 더 매료되었습니다.

진정한 성공은 1852 년에 그가 이전에 쓴 소설에서 다시 만든 연극 The Lady of the Camellias가 일반 대중에게 공개되었을 때만 아들 Dumas에게 왔습니다. 사회에서 거부당한 창녀에 대한 인간성, 따뜻함, 깊은 공감이 담긴 연극 제작은 보드빌 극장 무대에서 진행되었습니다. 관객들은 동백꽃의 여인을 열광적으로 맞이했다.

Dumas Son의 이 극적인 작품은 여러 언어로 번역되어 세계에서 가장 큰 극장의 레퍼토리에 포함되었습니다. 여러 번 S. Bernard, E. Duse 및 기타 유명 여배우가 The Lady of the Camellias에서 주연을 맡았습니다. 이 희곡을 바탕으로 1853년 주세페 베르디는 오페라 라 트라비아타를 썼다.

1850년대 중반까지 가족 문제는 A. Dumas Son의 작업에서 주요 주제가 되었습니다. 그의 연극 "Diana de Lis"(1853)와 "Half Light"(1855), "Money Question"(1857) 및 "Bad Son"(1858)은 극장 "Gimnaz"의 무대에서 상연되었습니다. 극작가는 "Aubrey 부인의 견해"(1867), "Princess Georges"(1871) 등 후기 작품에서 강한 가족의 주제로 전환했습니다.

19세기 많은 연극 평론가들은 알렉상드르 뒤마를 문제극 장르의 창시자이자 프랑스 사실주의 극작술의 가장 두드러진 대표자로 불렀다. 그러나이 극작가의 창조적 유산에 대한 더 깊은 연구를 통해 그의 작품의 사실주의가 대부분의 경우 외부적이고 다소 일방적이라는 것을 확인할 수 있습니다.

Dumas son은 현대 현실의 특정 측면을 비난하면서 가족 구조의 영적 순수성과 깊은 도덕성을 확인했으며 세상에 존재하는 부도덕과 불의는 개인의 악으로 그의 작품에 나타납니다. E. Ogier, V. Sardou 및 기타 극작가의 최고의 작품과 함께 Alexandre Dumas 아들의 연극은 19세기 후반에 많은 유럽 극장의 레퍼토리의 기초를 형성했습니다.

형제는 유명한 작가, 극작가 및 연극 예술 이론가였습니다. Edmond(1822-1896)와 Jules(1830-1870) Goncourt.그들은 그들의 첫 작품이 출판된 1851년에 프랑스 문학계에 입문했습니다.

Goncourt 형제가 그들의 공동 작업이 열렬한 찬사를 찾을 것이라고 믿었던 공동 저자로만 문학 및 극적인 걸작을 만들었다는 점은 주목할 가치가 있습니다.

처음으로 Goncourt 형제 (소설 Henriette Marechal)의 작품이 1865 년 Comedie Francaise 극장 무대에서 상연되었습니다. 수년 후 Free Theatre 무대에서 Henri Antoine은 드라마 조국을 위험에 빠뜨 렸습니다. 그는 또한 Goncourt의 소설 Sister Philomena (1887)와 The Maiden Eliza (1890)를 상연했습니다.

또한 고급 프랑스 대중은 Odeon Theatre의 소설 Germinie Lacerte (1888), Gymnase의 Charles Damailly (1892)의 상연을 무시하지 않았습니다.

새로운 장르의 출현은 Goncourt 형제의 문학 활동과 관련이 있습니다. 훌륭한 예술적 취향의 영향으로 유럽 극장에서 자연주의와 같은 현상이 널리 퍼졌습니다.

유명한 작가들은 사건을 묘사할 때 상세한 정확성을 위해 노력했고, 생리학의 법칙과 사회 환경의 영향을 중시했으며, 캐릭터에 대한 심도 있는 심리적 분석에 특별한 관심을 기울였습니다.

공쿠르의 연극을 연출한 연출가들은 보통 절묘한 풍경을 사용했고 동시에 엄격한 표현력도 부여했다.

1870 년 Jules Goncourt가 죽었고 그의 형제의 죽음은 Edmond에게 큰 인상을 주었지만 그의 문학 활동을 포기하도록 강요하지는 않았습니다. 1870 ~ 1880 년대에 그는 "Zemganno Brothers"(1877), "Faustina"(1882) 등 파리 극장 배우와 서커스 공연자의 삶에 전념하는 여러 소설을 썼습니다.

또한 E. Goncourt는 전기 장르로 전환했습니다. 18 세기의 유명한 프랑스 여배우에 대한 작품 (Mademoiselle Clairon, 1890)이 특히 인기가있었습니다.

독자들에게 그다지 매력적이지 않은 것은 Jules의 생애 동안 시작된 "일기"였습니다. 이 방대한 작업에서 저자는 19세기 프랑스의 종교, 역사, 연극 문화에 대한 방대한 주제 자료를 제시하고자 했다.

그러나 연극 문제에 대한 그의 특별한 관심에도 불구하고 Edmond Goncourt는 그것을 진정한 극작가의 관심을 끌 가치가 없는 멸종 위기에 처한 예술 형식으로 간주했습니다.

작가의 후기 작품에서는 반 민주적 경향이 들렸지 만 그의 소설은 현대 프랑스 문학의 새로운 경향의 특징 인 미묘한 심리학으로 가득 차 있었다.

인상파 예술가들에 이어 Edmond Goncourt는 모든 장르의 작품에 캐릭터의 감정과 분위기의 가장 작은 음영을 반영하는 것이 필요하다고 생각했습니다. 아마도 이런 이유로 E. Goncourt는 프랑스 문학에서 인상주의의 창시자로 간주됩니다.

19세기 후반에는 비판적 사실주의라는 새로운 문화적 경향이 발달하면서 전 세계에 많은 재능 있는 극작가들이 배출되었습니다. 에밀 에두아르 샤를 앙투안 졸라(1840-1902) 재능있는 작가뿐만 아니라 문학 및 연극 평론가로도 명성을 얻었습니다.

Emile Zola는 오래된 가족의 후손 인 이탈리아 엔지니어의 가족에서 태어났습니다. 미래 극작가의 어린 시절은 아버지 Zola가 운하 설계에 참여한 Aix-en-Provence의 작은 프랑스 마을에서 보냈습니다. 여기에서 소년은 적절한 교육을 받고 친구를 사귀 었으며 가장 가까운 사람은 미래의 유명한 예술가 인 Paul Cezanne이었습니다.

1857년 가장이 사망하고 가족의 재정적 복지가 급격히 악화되었으며 과부와 아들은 강제로 파리로 떠나야 했습니다. 여기 프랑스 수도에서 Emile Zola가 Balzac과 Stendhal의 비판적 사실주의의 최고의 전통으로 쓰여진 희극 The Fooled Mentor (1858)라는 그의 첫 번째 예술 작품을 만들었습니다.

2 년 후 젊은 작가는 La Fontaine의 우화 "The Milkmaid and the Jug"를 바탕으로 한 연극을 관객에게 선보였습니다. "Pierrette"라고 불리는이 연극의 무대는 꽤 성공적이었습니다.

그러나 수도의 문학계에서 인정을 받기 전에 Emil은 처음에는 이상한 직업에 만족해야했고 곧 Ashet 출판사에서 정규직으로 바뀌었습니다. 동시에 Zola는 다양한 신문과 잡지에 기사를 썼습니다.

1864년에 The Tales of Ninon이라는 제목의 그의 첫 단편집이 출판되었고, 1년 후 소설 Claude's Confession이 출판되어 작가의 명성이 널리 퍼졌습니다. Zola도 극적인 분야를 떠나지 않았습니다.

이 장르의 초기 작품 중에는 "늑대와 함께 사는 것은 늑대의 울부 짖음과 같다"라는 구절의 단막 보드빌, 감상적인 코미디 "미운 소녀"(1864), 연극 "마들렌"(1865) 및 "Marseille secrets"(1867)에는 특별한 관심이 필요합니다.

에밀 졸라의 진지한 첫 작품으로 1873년 르네상스 극장에서 열린 동명의 소설을 원작으로 한 드라마 '테레즈 라캥'은 많은 비평가들로부터 극찬을 받았습니다. 그러나 연극의 사실적인 줄거리와 주인공의 긴장된 내부 갈등은 멜로 드라마적인 비난으로 단순화되었습니다.

드라마 "Thérèse Raquin"은 19 세기 수십 년 동안 최고의 프랑스 극장 레퍼토리에 포함되었습니다. 많은 동시대인들에 따르면, 그것은 "Per Goriot의 Balzac처럼 E. Zola가 셰익스피어 이야기를 반영하여 Teresa Raquin을 Lady Macbeth와 동일시한 진정한 비극"이었습니다.

다음 작품을 작업하는 동안 자연주의 문학의 아이디어에 사로 잡힌 극작가는 자연 과학, 의학 및 생리학의 데이터를 포함하는 "과학 소설"을 만드는 것을 목표로 설정했습니다.

각 사람의 성격과 행동이 유전의 법칙, 그가 사는 환경, 역사적 순간에 의해 결정된다고 믿는 Zola는 특정 조건에서 삶의 특정 순간을 객관적으로 묘사하는 데 작가의 임무를 보았습니다.

유전의 기본 법칙을 보여주는 소설 "Madeleine Ferat"(1868)는 한 가족의 여러 세대의 삶에 전념하는 일련의 소설의 첫 번째 징후가되었습니다. Zola가 이 주제로 전환하기로 결정한 것은 이 작업을 작성한 후였습니다.

1870년 30세의 작가는 Gabrielle-Alexandrine Mel과 결혼했고 3년 후 파리 교외에 있는 아름다운 집의 주인이 되었습니다. 곧 현대 연극에서 급진적 인 개혁을 적극적으로 추진 한 자연주의 학교의 지지자 인 젊은 작가들이 배우자의 거실에 모이기 시작했습니다.

1880 년 Zola의 지원으로 젊은이들은 새로운 극작의 진정한 본질을 설명하는 것이 목적인 "Medan Evenings", 이론 작품 "Experimental Novel"및 "Natural Novelists"를 출판했습니다.

자연주의 학교 지지자들을 따라 Emil은 비평 기사를 작성했습니다. 1881년에 그는 극장에 관한 별도의 출판물을 우리 극작가와 극장의 자연주의라는 두 개의 컬렉션으로 결합하여 프랑스 드라마 발전의 개별 단계에 대한 역사적 설명을 제공하려고 했습니다.

이 작품에서 V. Hugo, J. Sand, A. Dumas의 아들, Labiche 및 Sardou의 창의적인 초상화를 보여준 Zola는 미학 이론이 만들어지는 논쟁에서 삶의 모습을 그대로 표현하려고했습니다. 또한 컬렉션에는 Dode, Erkman-Chatrian 및 Goncourt 형제의 연극 활동에 대한 에세이가 포함되었습니다.

책 중 하나의 이론적 부분에서 재능있는 작가는 연극 예술의 발전에 중요한 역할을 한 극작가 인 Molière, Regnard, Beaumarchais 및 Balzac 시대의 최고의 전통을 흡수 한 새로운 자연주의 프로그램을 제시했습니다. 프랑스뿐 아니라 전 세계적으로.

연극 전통에 심각한 수정이 필요하다고 믿고 Zola는 연기 작업에 대한 새로운 이해를 보여주었습니다. 연극 제작에 직접 참여하면서 그는 배우들에게 "극을 연기하는 대신 연극을 살아라"고 조언했습니다.

극작가는 가식적인 플레이 스타일과 선언을 진지하게 받아들이지 않았으며 배우의 포즈와 몸짓의 연극 적 부자연 스러움에 불쾌했습니다.

Zola에게 특히 흥미로운 것은 무대 디자인의 문제였습니다. 빈 무대를 제공하는 셰익스피어 전통에 따라 고전 극장의 무표정한 풍경에 대해 그는 "극적 행동에 도움이 되지 않는" 장면의 교체를 촉구했다.

작가는 예술가들에게 "복잡한 사회 환경"을 진실되게 전달하는 방법을 적용하라고 조언하는 동시에 단순히 "자연을 복사"하는 것, 즉 단순화된 자연주의적 풍경 사용에 대해 경고했습니다. 연극 의상 및 메이크업의 역할에 대한 Zola의 아이디어는 현실과의 화해 원칙에 기반을 두었습니다.

현대 프랑스 드라마투르기의 문제에 비판적으로 접근한 저명한 작가는 배우와 감독 모두에게 무대 액션이 현실에 더 가까워야 하고 다양한 인간 캐릭터를 자세히 연구할 것을 요구했습니다.

Zola는 "전형적인 위치"에서 찍은 "살아있는 이미지"의 생성을 옹호했지만 동시에 Corneille, Racine 및 Moliere와 같은 유명한 고전의 극작술의 최고의 전통을 잊지 말라고 조언했습니다.

추진 된 원칙에 따라 재능있는 극작가의 많은 작품이 작성되었습니다. 그래서 코미디 The Heirs of Rabourdain (1874)에서 Zola는 부유 한 친척의 죽음을 고대하고 있던 재미있는 지방 속물들을 보여줄 때 B. Johnson의 Volpone 스토리 라인과 Molière 연극의 전형적인 코미디 상황을 사용했습니다.

차용 요소는 Zola의 다른 극작에서도 볼 수 있습니다. The Rosebud (1878), 멜로 드라마 Rene (1881), 서정 드라마 The Dream (1891), Messidor (1897) 및 The Hurricane (1901) .

특유의 리드미컬한 언어와 환상적인 플롯이 시간과 장소의 비현실성을 표현한 작가의 서정극은 입센과 메테를링크의 희곡에 가깝고 예술적 가치가 높았다는 점은 주목할 만하다.

그러나 V. Sardou, E. Ogier 및 A. Dumas-son의 "잘 만들어진"드라마에서 자란 연극 평론가와 대도시 대중은 Zola의 작품 제작을 무관심하게 만났으며 직접 참여하여 수행되었습니다. 파리의 많은 극장 무대에서 재능있는 감독 V. Byuznak의 작가.

그래서 여러 시기에 Zola의 연극 The Trap(1879), Nana(1881), Scum(1883)이 Ambigu Comedian Theatre에서 상연되었고 The Womb of Paris(1887)는 Theatre de Paris에서 상연되었습니다.), 자유 극장 - "Jacques d' Amour"(1887), "Chatelet"- "Germinal"(1888).

1893년부터 1902년까지 Odeon Theatre의 레퍼토리에는 Emile Zola의 "Page of Love", "Earth" 및 "The Misdemeanor of the Abbé Mouret"가 포함되어 있으며 수년 동안 무대에서 꽤 성공적이었습니다. .

19 세기 후반의 연극 인물은 유명한 작가의 작품 후기에 대해 승인을 받아 "다양한 주제에 대해 다양한 음모로 무대 연극의 자유를 얻은 그의 장점을 인정하여 사람, 노동자, 군인을 데려 올 수있게했습니다. , 무대에 농민 -이 모든 목소리와 장엄한 군중."

Emile Zola의 주요 기념비적 작품은 Rougon-Macquart 시리즈 소설로 1871년부터 1893년까지 수십 년에 걸쳐 작업되었습니다. 이 20권으로 구성된 이 작품의 페이지에서 저자는 1851년(루이 나폴레옹 보나파르트의 쿠데타)부터 1871년(파리 코뮌)까지 프랑스 사회의 영적, 사회적 삶의 그림을 재현하려고 노력했습니다.

그의 인생의 마지막 단계에서 유명한 극작가는 작품의 주인공 인 Pierre Froment의 이데올로기 적 탐색으로 통합 된 두 개의 서사적 소설주기를 만드는 작업을했습니다. 이 주기(세 도시)의 첫 번째 주기에는 소설 루르드(1894), 로마(1896), 파리(1898)가 포함되었습니다. 다음 시리즈 "The Four Gospels"는 "Fecundity"(1899), "Labor"(1901) 및 "Truth"(1903) 책이었습니다.

불행히도 "사복음서"는 미완성 상태로 남아 있었고 작가는 생애 마지막 해에 시작된 작업의 네 번째 볼륨을 완료하지 못했습니다. 그러나이 상황은 미래에 이성과 노동의 승리에 대한 꿈을 실현하려는 작가의 유토피아 적 사상을 주제로 한이 작품의 의미를 결코 감소시키지 않았습니다.

Emile Zola는 문학 분야에서 적극적으로 활동했을뿐만 아니라 국가의 정치 생활에도 관심을 보였습니다. 그는 J. Guesde에 따르면 "세기의 가장 혁명적 인 행위"가 된 유명한 Dreyfus 사건 (1894 년 프랑스 참모 장교 인 Jew Dreyfus가 간첩 행위로 부당하게 유죄 판결을 받았습니다)을 무시하지 않았습니다. 진보적인 프랑스 대중의 따뜻한 반응을 찾았습니다.

1898년에 Zola는 명백한 정의의 유산을 폭로하려고 시도했습니다. "나는 고발합니다"라는 제목의 편지가 공화국 대통령에게 보내졌습니다.

그러나이 행동의 결과는 슬펐습니다. 유명한 작가는 "비방"으로 유죄 판결을 받고 1 년 징역형을 선고 받았습니다.

이와 관련하여 Zola는 강제로 나라를 떠났습니다. 그는 영국에 정착했고 1900년에 드레퓌스가 무죄 판결을 받은 후에야 프랑스로 돌아왔다.

1902 년 작가는 예기치 않게 사망했고 공식 사망 원인은 일산화탄소 중독 이었지만 많은 사람들이이 "사고"가 미리 계획된 것으로 간주했습니다. 장례식에서 연설하는 동안 Anatole France는 그의 동료를 "국가의 양심"이라고 불렀습니다.

1908 년 Emile Zola의 유해는 판테온으로 옮겨졌고 몇 달 후 유명한 작가는 사후에 프랑스 과학 아카데미 회원이라는 칭호를 받았습니다 (그의 생애 동안 그의 후보는 약 20 번 제안되었습니다).

19세기 후반 프랑스 드라마의 최고 대표자 중에는 재능 있는 작가, 저널리스트, 극작가를 꼽을 수 있습니다. 알렉시스의 들판(1847-1901). 그는 아주 일찍 문학적 창의성에 참여하기 시작했고 대학에서 공부하면서 쓴 시가 널리 알려졌습니다.

졸업 후 Paul은 신문과 잡지에서 일하기 시작했으며 이 외에도 드라마에도 매력을 느꼈습니다. 1870년대 후반에 알렉시스는 그의 첫 번째 희곡인 Mademoiselle Pomme(1879)을 썼고 그 뒤를 이어 다른 극적 걸작을 썼습니다.

Paul Alexis의 연극 활동은 뛰어난 감독이자 배우 Andre Antoine의 자유 극장과 가장 밀접한 관련이 있습니다. 재능 있는 감독의 창의적인 추구를 지원하기 위해 극작가는 그를 위해 최고의 단편 소설인 The End of Lucy Pellegrin을 상연하기도 했습니다. 이 작품은 1880년에 발표되어 1888년 파리 극장에서 상연되었습니다.

공연 예술에서 자연주의를 열렬히 숭배했던 폴 알렉시스는 프랑스 극장에서 반현실주의 경향이 강화되는 것을 반대했습니다.

자연주의에 대한 열망은 1891년에 쓰여지고 몇 달 후 버라이어티 극장 무대에서 상연된 연극 "모든 것에 대한 하인"에서 표현되었습니다. 얼마 후 Alexis의 지시에 따라 Gimnaz 극장은 Goncourt 형제 "Charles Demailli"(1893)의 소설을 상연했습니다.

인본주의 적 동기는 덜 인기있는 프랑스 극작가의 작품으로 가득 차 있습니다. 에드몬드 로스탠드(1868-1918). 그의 연극은 각 개인의 영적 힘에 대한 믿음의 낭만적 이상을 반영했습니다. 선함과 아름다움을위한 투사 인 고귀한 기사가 Rostanov 작품의 영웅이되었습니다.

극작가의 무대 데뷔는 1894년 그의 코미디 The Romantics가 Comédie Française에서 열렸을 때였습니다. 이 작품에서 작가는 과거로 간 순진한 낭만의 세계에 대한 슬픔과 안타까움을 관객에게 보여주기 위해 진실한 인간 감정의 숭고함을 보여주고 자했다. 낭만주의는 엄청난 성공을 거두었습니다.

특히 1897년 파리의 Porte Saint-Martin Theatre에서 상연된 Rostand의 영웅 코미디 Cyrano de Bergerac이 인기를 끌었습니다. 극작가는 나중에 프랑스 연극 학교 최고의 배우들의 연기에서 실제 구체화를받은 약자와 불쾌한 사람의 수호자 인 고귀한 기사의 생생한 이미지를 만들었습니다.

주인공의 아름답고 고상한 영혼이 못생긴 외모 뒤에 숨어 수년 동안 아름다운 록산에 대한 그의 사랑을 숨기도록 강요한다는 사실은 연극의 예술적 개념을 특히 가슴 아프게 만듭니다. 시라노는 죽기 직전에야 사랑하는 사람에게 자신의 감정을 드러낸다.

영웅 코미디 "Cyrano de Bergerac"은 Edmond Rostand 작품의 정점이었습니다. 생애 말년에 그는 "돈 후안의 마지막 밤"이라는 또 다른 연극을 썼고 프레젠테이션의 본질과 철학적 논문의 주요 의미를 연상시킵니다.

19세기 말에서 20세기 초 프랑스 무대 예술에서 중요한 역할은 뛰어난 감독, 배우 및 연극 인물인 앙드레 앙투안이 파리에 설립한 소위 앙투안 극장이 맡았습니다.

새로운 극장은 Menu-Pleisir 살롱 중 한 곳에서 작업을 시작했습니다. 그의 레퍼토리는 젊은 동포들의 작품과 새로운 외국 드라마의 가장 좋은 예를 기반으로했습니다. Antoine은 자유 극장에서 수년 동안 함께 일한 극단에 배우를 초대했습니다 (후자는 1896 년에 존재하지 않음).

Theatre Antoine의 초연 작품은 젊은 프랑스 극작가 Briet과 Courteline의 연극을 성공적으로 상연했습니다.

극장을 만들 때 감독은 자유 극장에서 일하면서 자신이 제시 한 것과 동일한 작업을 해결하려고했습니다.

프랑스 연극 예술의 자연주의 학교의 아이디어를 승인 한 Antoine은 젊은 프랑스 작가의 작품을 홍보했을뿐만 아니라 자본 청중에게 프랑스 무대에 거의 닿지 않는 새로운 외국 드라마를 소개했습니다 (당시 유행에 의한 공허하고 무의미한 연극 작가는 많은 파리 극장의 무대에서 상연되었습니다) .

또한 감독은 공예와 큰 이익을 약속하는 '현금 연극'에 맞서 싸웠고, 그에게 예술은 무엇보다 먼저였다.

고가의 구독자만 관람할 수 있는 무료 극장과 다른 새로운 것을 만들기 위해 Antoine은 다양한 관객을 대상으로 유료 공연을 제공했습니다. 이를 위해 극장에 적당한 티켓 가격을 도입했고, 방대한 레퍼토리를 수시로 업데이트해 폭넓은 관객층을 끌어 모았다.

Antoine Theatre의 플레이 빌에는 A. Brie, E. Fabre, P. Loti, L. Benière, J. Courteline, L. Decave 등과 같은 젊은 동포들의 연극이 포함되었습니다. 특히 인기가있었습니다. 또한 극장의 레퍼토리에서 오랫동안 Ibsen, Hauptmann, Zudeoman, Heyermans, Strindberg와 같은 외국 작가의 연기 연극.

1904년 셰익스피어의 리어왕이 안토이노프 극장의 무대에서 상연되었습니다. 이 공연은 관객들에게 지울 수없는 인상을 남겼고, 앞으로이 토양이 얼마나 비옥한지 깨닫고 많은 프랑스 감독들이 영원한 셰익스피어 극작술로 향했습니다.

1905 년 초에는 Andre Antoine의 이전 진보의 흔적이 없었고, 대도시 관객과 연극 평론가는 반동 극작가 de Curel의 연극과 당시 유행했던 액션 영화를 기반으로 한 공연 제작을 무관심하게 맞이했습니다. 유명하게 뒤틀린 음모. 1906 년 감독은 자신의 아이디어를 떠나 파리지앵들 사이에서 똑같이 인기있는 Odeon 극장으로 이사해야했습니다.

유명한 배우이자 감독이자 활기찬 연극 인물 인 Andre Antoine의 재능있는 학생 인 Firmin (Tonnerre) Gemier (1869-1933)가 Antoinov Theatre의 머리에 배치되었습니다. 그는 가난한 여관 주인의 가정에서 태어났습니다. 어머니를 일찍 여의고, Firman은 학교를 그만두고 일을 해야 했습니다.

1887년 사립 연극 과정을 졸업한 후 제미어는 자유극장에서 엑스트라로 취직했지만 얼마 지나지 않아 자신의 작품에 불만을 품은 감독의 명령으로 해고당했다.

그럼에도 불구하고 Andre Antoine의 지시에 따른 작업은 젊은 배우의 기술 개발에 상당한 영향을 미쳤습니다. 앞으로 Gemier는 "일상적이고 낡고 유해한 견해"에 대한 거부를 전파하면서 교사의 아이디어를 크게 반복했습니다. 그는 극적 연극 예술의 목적을 인민에게 봉사하는 것으로 보았고, 그의 모든 작업은 사실주의 원칙의 증진에 종속되었습니다.

동시에 높은 인본주의 적 이상을 옹호하면서 Gemier는 사회와 세계 문화 전체의 진보적 발전을 방해하는 일상 생활 현상을 날카롭게 비판했습니다.

1898년 벨빌 극장 지도부의 초청을 받은 배우는 열정적으로 일하기 시작했고 1890년까지 벨빌에 머물렀다. 동시에 Gemier는 Paris Conservatoire의 연극반에 입학하기 위해 세 번이나 시도했지만 소용이 없었습니다.

3 년 (1892-1895) 동안 배우는 자유 극장 무대에서 연기 한 후 방황하는 기간이 시작되었습니다. Gemier는 파리의 여러 극장 그룹에서 일했으며 그 중 가장 유명한 곳은 Gimnaz 극장이었습니다. , 창의력, Ambigu”, Antoine Theatre, Renaissance 및 Chatelet.

1904 년 초, Mikhailovsky Theatre의 프랑스 극단 지도부로부터 초대를받은 Gemier는 그의 아내 여배우 A. Megar와 함께 상트 페테르부르크로갔습니다. 1906년 고국으로 돌아온 그는 안투아노프 극장 팀을 이끌도록 초대를 받았고 15년 동안 감독직을 맡았습니다.

1921년 Gemier가 떠난 후 Antoine Theatre는 젊은 작가와 진보적 지식인의 거점인 고급 예술 그룹으로서의 이전 중요성을 잃고 평범한 대도시 극장으로 변모했습니다.

Firmin Gemier는 Zhimnaz Theatre에서 일하던 1900년에 감독 경력을 시작했습니다. 사실적인 예술의 최고의 전통에 따라 진보적 인 감독은 대담하게 실험하여 청중에게 새로운 형태의 무대 행동을 선보였으며 연극의 화려 함과 삶의 선입견없는 진실을 결합하려고했습니다.

시대에 뒤떨어진 연출법으로 '얼어붙은 고전주의'를 거부한 제미어는 대중에게 다채롭고 역동적인 연기를 보여주고자 했고, 많은 관객을 '김나즈'로 끌어들였다.

감독은 현대 프랑스 작가들의 이데올로기적 작품에 눈을 돌리는 것이 프랑스 드라마를 업데이트하는 문제에서 유일하게 올바른 방향이라고 믿었다.

Antoine Theatre와 Renaissance Gemier는 Fabre의 "Public Life"(1901), Beck의 "Parisian"(1901), Zola의 "Thérèse Raquin"(1902), Rolland의 "July 14"(1902), " Krechinsky의 결혼식" Sukhovo-Kobylin (1902), Tolstoy의 "Anna Karenina"(1907), Fabre의 "Winners"(1908).

감독은 또한 셰익스피어 유산에 매료되었고 Hamlet (1913), The Merchant of Venice (1916), Antony and Cleopatra (1917), The Taming of the Shrew (1918)의 작품은 파리 대중의 열광적 인 반응을 받았습니다.

1916년 Firmin Gemier의 직접 참여로 유명한 영국 고전 작품을 대중화하는 것을 목적으로 프랑스에서 Shakespeare Society가 조직되었습니다. 얼마 후, 이 사람의 주도로 공연 예술가들의 노동 조합이 만들어졌습니다.

1920년, 대중이 접근할 수 있는 진정한 민속 극장을 만들고자 하는 Gemier의 오랜 꿈이 실현되었습니다. 파리에서는 4000명을 수용할 수 있는 트로카데로 궁전의 아름다운 홀에 국립인민극장이 문을 열었습니다. 곧 그는 국가의 지위를 받았습니다 (Grand Opera, Comedie Francaise 및 Odeon도 비슷한 영예를 얻었습니다).

그의 사랑하는 아이디어의 리더십과 동시에 Gemier는 Comedy Montaigne 및 Odeon 극장 무대에서 제작을 수행했습니다.

National People 's Theatre는 R. Rolland "7 월 14 일"과 P. O. Beaumarchais의 "Wolves", "The Marriage of Figaro"의 연극을 상연했습니다. 셰익스피어 연극의 상연은 개인의 위대함과 동시에 범죄의 길을 시작한 사람의 비극을 확인했습니다 ( "베니스의 상인", "리차드 3 세").

그러나 Gemier가 극장을 만들 때 꿈꾸던 대중적인 대중 공연의 공연은 물질적 어려움과 공연 장소의 부적합으로 인해 방해를 받았습니다.

1933년 제미어가 사망한 후 국립인민극장은 쇠퇴했고, 1951년 팀에 아래에서 설명할 장 빌라르가 도착하면서야 새로운 삶을 찾았다.

Firmin Gemier는 미래 세대 배우의 교육에 특별한 관심을 기울였습니다. 이를 위해 1920 년에 그의 주도로 젊은 재능이 현대 연기 방법을 배운 앙투안 극장에 드라마 음악원이 문을 열었습니다.

선언문이 교육의 기초였던 파리 음악원과 달리 제미에 학교는 생존력을 잃은 오래된 연극 전통의 거부를 강조했습니다.

1926년에 유명한 배우이자 감독인 그는 장치를 포함하는 역할을 하는 세계 연극 협회를 설립하려고 했습니다. 국제 축제, 투어 및 모든 종류의 창의적인 회의가 있지만 소용이 없습니다.

1928년에 Gemier는 두 번째로 러시아를 방문했습니다. 모스크바 극단 동료들과의 만남은 그에게 러시아 배우와 감독의 높은 수준의 기술을 보여주었습니다. 여행은 매우 교육적인 것으로 판명되었습니다.

Firmin Gemier 작업의 성숙기는 진보적인 아이디어와 대담한 열망의 구현으로 특징지어졌으며, 자유 극장에서 작업하던 시절부터 보존되었습니다.

다재다능한 재능 덕분에 배우는 다양한 장르의 작품에서 연기하고 무대에서 매우 특징적이고 비극적이거나 서정적인 이미지를 만들 수 있으며 풍자극에서 코미디 캐릭터의 역할을 할 수 있습니다.

극장 비평가들은 Gemier의 가장 성공적인 역할을 "Lawyer Patlen"극단의 Patlen과 Schiller의 드라마 "Don Carlos"의 Philip II로 인정했습니다.

Jarry의 King Ubu에 있는 Ubu의 이미지, Tolstoy가 제작한 Anna Karenina의 영혼 없는 질투심 많은 Karenin, Molière의 The Tradesman in the Nobility에 있는 유쾌한 Jourdain, 셰익스피어의 The Merchant of Venice에 있는 Shylock, The Bachelor's Life에 있는 Philippe Brido의 이미지도 그다지 매력적이지 않았습니다. O. 발자크.

그러나 Gemier 자신은 자신의 최고의 작품을 거대한 창조적 행운현대 극작가의 작품을 각색 한 평범한 사람들의 이미지 ( "The Weavers"의 노동자 Baumert, Hauptmann의 연극 "Papillon, the Just Lyon"의 석공 Papillon 등). 타의 추종을 불허하는 메이크업 마스터인 Firmin Gemier는 모습인식을 넘어. 그의 특유의 기교와 뛰어난 기술력은 무대 위에서 캐릭터의 캐릭터가 미묘한 뉘앙스로 반영되는 역동적인 감성 이미지를 연출할 수 있게 했다.

Gemier의 움직임과 제스처는 억양만큼 표현력이 뛰어났습니다. 동료들에 따르면 이 배우는 "매우 자연스러웠다." Firmin Gemier는 Odeon Theatre를 떠난 후 1930 년에 그의 경력이 시작된 영화에서 그의 게임의 이러한 기능을 잃지 않았습니다.

프랑스 무대 예술의 역사에서 가장 중요한 것은 재능 있는 여배우 사라 베른하르트(1844-1923)의 활동이었습니다. 어렸을 때 극장에 푹 빠져서 그녀는 무대를 인생의 주요 사업으로 삼았습니다.

Paris Conservatory에서 연기 수업을 마친 후 Sarah Bernard는 무대에서 일하기 시작했습니다.

재능 있는 젊은 여배우가 1862년 전문 무대(코미디 프랑세즈 극장)에서 데뷔했습니다. Racine "Aulis의 Iphigenia"의 연극을 기반으로 한 공연에서 그녀는 주인공 역할을했습니다. 그러나 실패한 공연으로 인해 Bernard는 Comédie Francaise를 떠났습니다. 그 후 1862년부터 1872년까지 지속된 창의적 탐구 기간이 이어졌습니다. 이 기간 동안 Sarah는 Gimnaz, Port Saint-Martin 및 Odeon에서 근무했습니다. 이 극장의 무대에서 여배우가 연기 한 가장 성공적인 역할은 Coppe의 연극 Passerby의 Zanetto, Victor Hugo의 Ruy Blas의 여왕, 같은 작가의 Hernani의 Dona Sol이었습니다.

1872년 Sarah Bernard는 Comédie Française의 경영진으로부터 제안을 받고 다시 이 극장 무대에서 공연을 시작했습니다. 여기에서 8 년 동안 여배우는 자신의 극장을 만드는 꿈을 꾸는 Racine과 Voltaire의 코미디에서 주연을 맡았습니다.

1880년 Sarah Bernhardt는 두 번째로 Comédie Francaise를 떠났고 처음에는 Porte Saint-Martin 극장과 르네상스의 연기단을 이끌면서 자신의 극장을 조직하려고 했습니다. 그녀의 꿈은 새로운 사라 베르나르 극장의 포스터가 파리 거리에 등장한 1898년에야 실현될 운명이었습니다.

무엇보다 뛰어난 외부 기술이 핵심이었던 재능있는 여배우의 흉내낼 수없는 기술은 그녀의 무대 경력 성장에 기여했습니다. 연극 평론가들이 유명한 사라의 엄청난 성공의 이유를 본 것은 바로 이것입니다.

그럼에도 불구하고 여배우는 극장 제작에서 여성 역할에 잘 대처하면서 남성 역할, 특히 같은 이름의 셰익스피어 연극에서 햄릿의 역할을 선호했습니다. 그러나 Sarah Bernhardt의 연기 기술의 절정은 Alexandre Dumas 아들 "The Lady of the Camellias"의 연극에서 Marguerite Gauthier의 역할이었습니다. 그다지 기억에 남지 않는 것은 E. Scribe의 멜로 드라마 "Adrienne Lecouvreur"의여 주인공 Bernard였습니다.

많은 극작가들은 청중이 캐릭터의 운명에 공감하게 만드는 그녀의 웅장한 연극으로 재능있는 여배우가 작가의 이름을 찬양 할 수 있기를 바라며 특별히 Bernard를 위해 연극을 만들었습니다. 따라서 극작가 Sardou가 특별히 Sarah Bernard Theatre를 위해 쓴 멜로 드라마 "Cleopatra"와 "Phaedra"는 Sarah 자신의 제작에 참여하도록 설계되었습니다.

1890 년대 중반까지 여배우의 레퍼토리에는 많은 역할이 포함되었으며, 그 중 가장 성공적인 역할은 연극 평론가가 Rostand의 신 낭만주의 연극에서 Sarah가 만든 이미지라고 불렀습니다 (The Eaglet의 Reichstadt 공작 Melissande 공주, 연극의 Lorenzaccio) 같은 이름).

다양한 역할을 맡은 재능있는 연기자로 세계 연극 예술의 역사에 길이 남을 Sarah Bernhardt는 영원히 도달 할 수없는 이상인 연기 기술의 높은 모범으로 남을 것입니다.

세계 대부분의 국가의 정치 생활에서 격동의 사건으로 특징지어지는 20세기의 첫 10년은 이들 국가의 문화 생활, 특히 연극 예술에 다소 부정적인 영향을 미쳤습니다.

제1차 세계대전이 끝난 후 일시적인 안정기가 프랑스에서 연극 활동을 되살리는 데 기여했습니다.

20세기 대부분의 프랑스 극장의 레퍼토리는 범위가 엄청나게 넓다는 특징이 있습니다. 고전 비극의 걸작, 낭만주의 드라마, 중세 코미디가 다시 무대에 구현되었습니다. 그러나 그것은 나중이었지만 지금은 프랑스 극장이 대부분 재미있었다.

프랑스의 전후 기간에는 대도시 대중의 이익에 초점을 맞추고 합법화 된 우표, 절묘한 미장센의 예술을 주장하는 상업 극장의 부활이있었습니다.

1920년대 파리의 상업가 극장에서는 하나의 연극 원칙을 선두로 선포하고 공연이 인기를 끌면 여러 저녁 동안 무대에서 뛰었습니다. 앞으로 연극은 연극 레퍼토리에서 제외되고 매일 저녁 상연되는 새로운 연극으로 대체되었습니다.

파리의 대중을 즐겁게 하고자 하는 열망으로 김나즈 극장, 르네상스 극장, 포르테 생 마르탱 극장, 에베르토 극장, 보드빌 극장 등의 배우들은 어떤 수단도 피하지 않았으며 심지어 음란한 음모와 값싼 연극 트릭도 사용했습니다. .

이전 세대 배우들로부터 물려받은 독특한 우표 인 연극 기술의 비밀에 대한 탁월한 숙달은 20 세기 무대에서의 성공적인 공연의 열쇠였습니다. 가소성, 표현력, 탁월한 딕션 및 능숙한 목소리 구사력이 연기 창의성의 목표가되었습니다.

동시에 타블로이드 배우 중에는 높은 스타일 감각으로 연기가 구별되는 고도로 전문적인 마스터도있었습니다. 20세기 전반기 프랑스 예술계에서 가장 눈에 띄는 인물 중 기트리의 아버지와 아들은 특별한 관심을 받을 만하다.

유명한 배우이자 극작가 루시앙 기트리(1860-1925) 파리에서 태어났다. 1878 년 음악원을 졸업 한 후 그는 Zhimnaz Theatre 극단에 합류했습니다. 이것이 그의 무대 활동이 시작된 방법입니다.

18 세의 배우는 A. Dumas-son "The Lady of the Camellias"의 연극을 원작으로 한 연극에서 Armand의 역할로 데뷔했습니다. Lucien의 성공적인 공연은 Mikhailovsky Theatre의 프랑스 극단의 지도력에 의해 주목되었으며 곧 젊은 재능은 이미 상트 페테르부르크로 서둘러 왔습니다.

재능 있는 배우는 Mikhailovsky 극장에서 여러 연극 시즌을 보냈고 1891년 파리로 돌아온 후 Odeon, Porte Saint-Martin 등과 같은 다양한 대로 극장의 무대에서 공연을 시작했습니다.

1898-1900 년에 Lucien Guitry는 재능있는 여배우 G. Réjam과 함께 작업했으며 Rostand의 연극 "Eaglet"(Lucien이 Flambeau의 역할을 함)에이 듀엣이 참여하여 전례없는 성공을 거두었습니다.

덜 흥미로운 것은 1910 년 상업 극장 중 하나의 무대에서 상연 된 연극 "Chantecleer"에서 L. Guitry의 작업이었습니다. 절제된 기질의 배우 임에도 불구하고 Lucien은 무대에서 생생한 역동적 이미지를 만들어 냈습니다.

7 년 후 L. Guitry는 그의 극적인 작품 "Grandfather"와 "The Archbishop and His Sons"를 대중에게 선보였으며 극장 "Port-Saint-Martin"의 무대에서 매우 성공적이었습니다.

1919년 뤼시앵은 알렉상드르 기트리의 희곡을 원작으로 한 연극에서 첫 배역을 맡았다. 미래에 아버지는 특히 "Pasteur", "My father was right", "Beranger", "Jacqueline", "How history is written"과 같이 아들이 쓴 작품에서 많은 역할을했습니다.

Lucien Guitry는 생애 마지막 날까지 무대에서 계속 공연했습니다. 진실성, 특성의 간결함, 애정에 대한 외계인으로 구별되는 그의 게임은 1925 년까지 사람들을 기쁘게했습니다.

생애 말년에 배우는 Moliere의 코미디에서 생생하고 기억에 남는 이미지를 만들었습니다. Misanthrope의 Alceste, 같은 이름의 Tartuffe, The School for Wives의 Arnolf입니다.

XX 세기 상반기에 즐겼던 그의 아버지만큼 인기가 없었습니다. 사샤(알렉산더) 기트리(1885-1957), 재능있는 프랑스 연극 및 영화 배우, 유명한 작가 및 극작가.

Guitry-son의 어린 시절과 함께한 연극 생활의 밝은 분위기는 연극에 대한 그의 열정에 기여했으며 특히 Sasha의 초기 작품이 성공했기 때문에 문학 분야는 젊은 Alexander에게 매력적으로 보였습니다.

그의 전문 문학 활동은 1901 년 파리 르네상스 극장 무대에서 조금 늦게 상연 된 "The Page"라는 제목의 첫 번째 연극이 발표되면서 시작되었습니다. 점차 Sasha Guitry는 "타블로이드 드라마"의 주요 대표자가되었습니다. 그의 거의 모든 연극과 120개 이상의 연극이 다양한 대도시 극장의 레퍼토리에 포함되었습니다.

재치 있고 다소 냉소적이며 피상적이지만 동시에 재미있는 행동을하는 Guitry-son의 연극은 극장에서 오락 수단만을 본 대부분의 대도시 대중에게 항상 인기가있었습니다.

Sasha Guitry의 많은 극적인 작품은 다양한 종류의 재미있는 부조리와 함께 간음 음모를 바탕으로 제작되었습니다. 그의 희곡 At the Zoacs(1906), Scandal at Monte Carlo(1908), The Night Watchman(1911), Jealousy(1915), Husband, Wife and Lover(1919), I love you"(1919) 등이 있습니다.

또한 이 극작가는 많은 전기 작품"극적인 전기"라고 함- "Jean La Fontaine", "Debureau", "Pasteur", "Beranger", "Mozart"등

1902년 사샤 기트리는 재능 있는 배우로 명성을 얻었다. 르네상스 극장에서의 그의 공연은 전례 없는 성공을 거두었습니다. 얼마 지나지 않아 배우는 자신의 무대 스타일을 개발했습니다. 가볍고 즐거운 예술 스타일, 적당히 정통하고 톡톡 튀는 스타일로 관객에게 극장에서 즐거운 시간을 보낼 수 있습니다.

Sasha Guitry는 자신의 연극에서 매력적인 유혹자의 역할로 가장 유명했습니다. 마치 측면에서 그의 영웅을 교활하게 바라 보는 것처럼 약간의 아이러니로 연기했습니다.

Guitry-son의 명성에 어두운 점은 제2차 세계 대전 중 나치와의 협력이었습니다. 1945년 투옥되었으나 곧 풀려나 극작가로서의 활동을 계속했습니다.

1949 년에 Guitry는 "Toa"와 "You Saved My Life"의 두 연극을 썼으며 조금 후에 Variety Theatre에서 상영되었습니다. 1951 년 같은 극장 무대에서 Sasha Guitry의 "Madness"초연 상영이 열렸으며 당시 영화에 매료되었습니다 (그는 1950 년대 영화에서 여러 역할을 수행했습니다).

20세기 전반기 학문적 무대의 성채는 여전히 전통적인 무대 원리와 고전적인 레퍼토리를 지닌 코미디 프랑세즈와 같았다. 이 상황은 가장 큰 변형에 ​​기여했습니다. 주립 극장프랑스는 한편으로는 인기 있는 대로 극장과 다른 한편으로는 대부분의 연극 인물들의 혁신적인 열망에 반대하는 일종의 연극 박물관으로 변모했습니다.

코미디 프랑세즈의 역사에서 1918년부터 1945년까지의 기간은 보통 세 단계로 나뉜다. 첫 번째는 1918년부터 1936년까지 총관리인 Emile Fabre가 ​​이끌었고, 두 번째는 1936년부터 1940년까지 Edouard Bourdet의 활동적인 작업으로 표시되었으며 세 번째는 1940년부터 1945년까지 작업으로 표시되었습니다. 먼저 Jacques Copeau, 그리고 Jean Louis Vaudoyer.

Comédie Francaise의 모든 지도자들은 극장을 "모범 무대" 수준으로 유지하려고 노력했지만 공연 예술 분야의 새로운 사회적 아이디어와 검색은 꾸준히 침투했습니다. 내면의 삶극장.

1921년 조르주 베르 감독은 코메디 프랑세즈 무대에서 몰리에르의 타르튀프를 재현하려고 시도했습니다. 연극의 액션은 현재 오르공의 집에서, 이제는 거리에서, 이제는 정원에서 이전에 지배적인 원칙을 파괴했습니다. 장소의 통일성을 무시하고 시간의 통일성을 무시했습니다 .

그럼에도 감독은 시대정신에 맞는 새로운 내용으로 고전 작품을 채우지 못했다. 결과적으로 Burr의 경험은 추가 연극 제작에서 개발되지 않았습니다.

1933년 말 E. Fabre는 Comédie Francaise에서 셰익스피어의 Coriolanus를 상연했습니다. 현대 현실 (독일 나치의 승리)과의 연관성을 불러 일으킨 공연은 엄청난 인기를 얻었습니다. 이는 주로 독재자 로마 통치자 코리올라누스의 이미지를 각기 다른 방식으로 해석한 주연 배우 르네 알렉산더(1885~1945)와 장 에르베(1884~1962)의 뛰어난 연기 덕분이었다.

"Comedy Francaise"의 수장으로 그다지 저명한 Emile Fabre를 대체 한 수많은 "매너 코미디"Edouard Bourde의 저자 인 유명한 극작가는 가장 오래된 프랑스 극장이 레퍼토리를 업데이트해야한다는 것을 잘 알고있었습니다. 우리 시대의 심각한 문제.

이러한 문제를 해결하기 위해 연극 예술의 고급 인물, 사실적인 연극의 지지자, Jacques Copeau 감독과 그의 제자, Cartel of Four의 창립자 인 Charles Dullin, Louis Jouvet 및 Gaston Baty가 Comédie Francaise에 초대되었습니다.

유명한 감독, 배우, 연극 교사, 연극에 대한 여러 이론 작품의 저자 인 Jacques Copeau는 가장 오래된 극장의 고전 레퍼토리를 현대 현실에 적용하려고했습니다. 그는 Molière, Racine, Dumas son 등의 작품의 주요 아이디어를 재해석하고 싶었습니다.

1937년 Racine의 "Bayazet" 제작 작업에서 Copeau는 배우들에게 과도한 선율이 없고 동시에 Racine 시의 아름다움을 손상시키지 않는 보다 절제된 암송을 가르쳤습니다.

양식화 된 풍경과 의상, 연기의 기술뿐만 아니라 캐릭터의 깊은 감정을 표현하는 능력을 보여주는 배우의 연설-이 모든 것이 Comedie Francaise 극장의 전통 예술에서 새로운 경향의 발전을 증언했습니다. .

Molière의 The Misanthrope의 무대도 새로운 방식으로 들렸습니다. 프랑스 최고의 걸작과 세계 고전에 대한 Copeau의 호소는 기존의 진부한 표현에서 벗어난 고전 예술이 각국의 영적 유산의 필수적인 부분이라는 사실을 충분히 보여줄 수 있게 했습니다.

동시에 극장 배우 중 일부는 배우의 전문 기술만을 보여주는 공연을하기 위해 전통적인 레퍼토리를 보존하려고 노력했습니다. 이러한 작품 중에는 Racine의 Phaedra, Molière의 School of Husbands, A. Dumas의 아들 Denise 등이 있습니다.

코메디 프랑세즈의 창조적 탐구에서 세 번째 방향을 이끈 J. Copeau의 추종자들은 프랑스에서 가장 오래된 극장을 사회 투쟁의 중요한 요소로 만들고자 하는 열망을 표명했습니다.

그래서 Gaston Baty의 주도로 Comédie Francaise 무대에서 여러 공연이 열렸습니다. 그중에는 A. Musset(1937)의 "Candlestick"과 A. R. Lenormand(1937)의 "Samum"이 있습니다. 이러한 공연은 새로운 스타일의 연기로 나아가는 다음 단계였으며 심리 연극의 발견과 함께 연기에 익숙해지는 데 기여했습니다.

Charles Dullin은 Comédie Française 무대에서 Beaumarchais의 코미디 The Marriage of Figaro (1937)를 새로운 방식으로 선보였습니다. 이번 공연에서 배우들은 높은 기량을 선보일 뿐만 아니라 극의 깊은 사회적, 심리적 층위를 드러냈다.

1937 년 Louis Jouvet의 주도로 수행 된 P. Corneille의 "Comic Illusion"의 무대는 속물과 창조적 의식 사이의 충돌, 연기 직업을 영화 롭게하려는 욕구를 분석하려는 시도였습니다.

그러나 배우들이 감독이 정한 임무를 완수하기보다 전문적인 기술을 보여 주려고했기 때문에 제작은 Bathy와 Dullen의 작품보다 덜 성공적이었습니다. 그러나 Jouvet과의 작업은 Comédie Francaise 팀에게 눈에 띄지 않았습니다. 배우들은 연극 예술을 당시의 지적 문제에 더 가까이 다가가야 할 필요성을 충분히 깨달았습니다.

Comedie Francaise 활동에서 가장 어려운시기는 파리 점령 기간이었습니다. 어려움을 극복하고 극장의 배우들은 높은 전문성을 유지하려고 노력했으며 또한 연기에서 인본주의 적 아이디어, 인간에 대한 믿음 및 그의 존엄성을 보여 주려고 노력했습니다.

전쟁 기간 동안 고전은 다시 Comedie Francaise 레퍼토리의 기초가되었지만 프로덕션에서 시간의 영향을 느꼈습니다. 그래서 Kornelev 's Side (1943)의 Jean Louis Barraud는 Rodrigo를 어려운 상황에서 확고한 정신을 유지할 수 있었던 사람으로 제시했습니다.

와 함께 고전 작품, 현대 극작가의 작곡은 Comédie Francaise의 레퍼토리에 포함되었습니다. 그중 P. Claudel의 연극 "The Satin Slipper"(1943)는 점령 된 프랑스 수도에서 행동 촉구로 가장 큰 성공을 거두었습니다. 그럼에도 불구하고 파리에서 가장 오래된 극장은 계속해서 국가 무대 전통의 거점이었습니다.

20세기 전반기에 프랑스의 예술적 삶에서 가장 중요한 요소는 근대적 현실과 그에 내재된 이데올로기적, 도덕적, 미적 규범에 반대하는 전위 예술이었다.

프랑스 연극 아방가르드는 극도로 이질적인 것으로 판명되었습니다. 기존 전통을 거부하는 초현실주의 자 (G. Apollinaire, A. Artaud)와 민주적 이상을 선포 한 민속 극장 인물 (F. Gemier, A. Lessuer, Sarah Theatre Bernard People 's Theatre 구내에서 1936 년에 개장 한 사람), 사실주의 예술 지지자 (J. Copeau 및 Cartel of Four 창립자).

19세기 말과 20세기 초 프랑스 문학에서 특별한 역할을 한 사람은 기욤 아폴리네르라는 가명으로 알려진 재능 있는 작가, 시인, 극작가 빌헬름 아폴리나리스 코스트로비츠키(1880-1918)였습니다. 이 남자는 모더니스트 예술의 경향 중 하나인 초현실주의의 창시자로 프랑스 극장의 역사에 입문했습니다.

Guillaume Apollinaire는 오래된 가족의 폴란드 귀족 가족에서 로마에서 태어났습니다. 모나코와 칸 최고의 대학에서 공부함으로써 청년은 필요한 지식 기반을 얻을 수 있었습니다. 문학 활동에 푹 빠져 니스에 도착한 17세의 기욤은 자신이 작곡한 시와 희극이 실린 손으로 쓴 신문인 The Avenger를 발행하기 시작했습니다.

1900년에 아폴리네르의 첫 번째 단막 코미디인 손님의 탈출이 발표되었고, 3년 후 다음 작품인 시극 티레시아스의 가슴이 시작되어 불과 14년 후인 1917년에 완성되었습니다.

그의 문학 및 극적 걸작에서 Apollinaire는 상징주의 작품의 "정제된 아름다움"에 반대하여 주변 현실의 자연주의적 묘사에 반대했습니다. 그의 의견으로는 다양한 현상의 해석에서 "삶의 조각"이 아니라 일반적으로 "인류의 드라마"를 보여주는 것이 더 바람직 할 것입니다.

Apollinaire 극작술의 풍자적 풍자 지향은 나중에 J. Cocteau, J. Giraudoux, A. Adamov의 작품을 포함하여 20 세기의 많은 유명한 극작가의 작품에서 표현되었습니다.

그러나 기존 현실을 뛰어 넘으라는 작가의 부름은 많은 모더니스트 예술가들에게 실생활에 대한 거부와 잠재 의식의 영역으로 뛰어 들고 싶은 욕망으로 인식되었습니다.

Antonin Artaud가 작업한 것은 바로 이 방향이었습니다. 그는 "The Theatre and its Double"(1938)이라는 책에 결합된 그의 이론적 기사와 선언문에서 열망했습니다. 시적 작품 Alfred Jarry Theatre(Roger Vitrac과 함께)는 종교 의식이나 미스터리처럼 인간의 잠재의식에 큰 영향을 미칠 수 있는 연극 예술을 확립했습니다.

Artaud의 무대 실험은 초현실주의의 주요 조항이 연극 예술의 실제 관행과 양립할 수 없음을 충분히 보여주었기 때문에 성공하지 못했습니다.

특히 주목할만한 것은 위에서 간략히 설명한 4인 카르텔의 활동이다. 그것의 창작 아이디어는 1926 년에 젊은 대도시 극장 인 Ch. Dullen, L. Jouvet, G. Baty 및 J. Pitoev를 이끌었던 진보적 인 연극 인물에 의해 1926 년에 탄생했습니다.

1927년 7월 회원들이 서명한 "카르텔" 선언은 모든 프랑스 극장을 관리하기 위한 단일 행정 기구를 만들 필요성을 규정하고 전통 및 상업 극장에 반대하는 데 필요한 창의적인 상호 지원을 언급했습니다.

그럼에도 불구하고 "카르텔"의 구성원들은 서로 다른 미적 원칙의 극장을 향하여 창의성의 현실적인 파토스와 세계에 대한 민주적 견해라는 공통점을 찾았습니다. 4인의 카르텔이 20세기 전반의 가혹한 조건에서 살아남았고 이 시기 프랑스 무대예술의 발전에 두드러진 역할을 할 수 있었던 것은 세계관의 공통성 덕분이었다.

집에서 교육을 받고 리옹에서 "생명의 과학"을 이해한 뛰어난 배우이자 감독인 Charles Dullin(1885-1949)은 1905년부터 무대에서 공연을 시작했습니다. 대중에게 알려지지 않은 소극장 '날렵한 토끼'로 데뷔한 것도 그때였다.

2 년 후 Dullin은 Antoine Odeon Theatre에 들어가 새로운 극장의 비밀을 이해하기 시작했고 1909 년에는 예술 극장의 연기단에 합류했습니다. 이 극장 무대에서 만들어진 Dullen의 첫 번째 뛰어난 이미지는 Dostoevsky의 The Brothers Karamazov의 Smerdyakov였습니다. 이 역할은 배우의 견습 기간의 끝을 표시했습니다.

Charles의 재능은 뛰어난 배우이자 감독 인 J. Copeau가 주목했습니다. 1913년에 그는 젊은 배우를 자신의 "Old Dovecote Theatre"에 초대했습니다. The Brothers Karamazov의 제작은 여기에서도 큰 성공을 거두었습니다. 그다지 성공적이지 않은 Molière의 The Miser에서 Harpagon의 역할은 배우가 구현 된 이미지의 심리적 깊이와 복잡성을 완전히 드러내는 데 성공했습니다.

극장의 고상한 영적 사명에 대한 Copeau의 생각은 Düllen의 영혼에 울려 퍼졌습니다. 그러나 그의 유명한 스승과 달리 Charles는 또한 민속 극장의 아이디어에 매료되어 Firmin Gemier 극단으로 이적했습니다.

동시에 Dullin은 1922년에 문을 연 자신의 극장을 만드는 꿈을 꾸었습니다. "Atelier"무대에서는 감독이 자신의 아이디어를 불렀기 때문에 다양한 공연이 열렸으며 그 중 일부는이 극장을 위해 특별히 제작되었습니다 (M. Ashar 등의 "Do you want to play with me").

"Atelier"무대에서 상연 된 거의 모든 연극이 현실에 가까운 것으로 판명되었습니다. 이들은 B. Jones의 "Volpone"과 Dullen이 주연을 맡은 B. Zimmer가 해석한 Aristophanes의 "The Birds", J. Roman 등의 "Muss 또는 School of Hypocrisy"입니다.

점차적으로 Charles Dullin은 즉흥 공연 과정에서 배우 훈련을 기반으로 자신의 교육 시스템을 개발했습니다. 덕분에 배역의 말뿐 아니라 전체적인 이미지가 이해되었고, 주인공은 연기자 앞에 살아있는 사람으로 등장했고, 그 결과 배우는 캐릭터가 되었다.

Dullen은 뛰어난 연기 기술 숙달에서 성공의 열쇠를 보았고 젊은 연기자 훈련에 특별한 관심을 기울였습니다. 이 감독의 "Atelier"에서 M. Jamois, M. Robinson, J. Vilar, J. L. Barro, A. Barsak 등 놀라운 무대 인물의 은하계 전체가 나왔습니다.

A. Salacru의 연극 "지구는 둥글다"의 제작은 Dullen이 Atelier에서 마지막으로 한 작업이었습니다. 1940 년 Andre Barsac에게 자신의 아이디어를 넘겨 준 노령의 주인은 Theatre de Paris와 Theatre de la Cité에서 국가로부터 보조금을받는 극장에서 일하기 시작했습니다. 전 극장사라 버나드).

Dullin은 1947 년까지 마지막으로이 극장의 무대에서 J. P. Sartre "The Flies"의 실존주의 연극을 상연했습니다. 앞으로 감독은 Dullin이 주연을 맡은 A. ​​Salacru "The Lenoir Archipelago"의 연극을 상연하면서 많은 여행을했습니다.

Dullen의 작업의 마지막 몇 년은 일반적인 윤리적 및 도덕적 문제에서 벗어나 극장의 정치적 및 사회적 기능에 대한 인식으로 표시되었습니다. 감독의 사실주의는 점점 더 지적으로 변했고 그의 연기가 관객의 마음과 정신에 미치는 영향은 분명했습니다.

당시 프랑스 연극계에서 그다지 눈에 띄지 않는 인물은 Louis Jouvet(1887-1951)이었습니다. 그는 파리 대학교에서 공부하는 동안 연극 수업에 참석하기 시작했습니다.

Cartel의 동료와 마찬가지로 Louis는 교외의 작고 잘 알려지지 않은 극장 무대에서 처음 공연했지만 무대 진부함과 오래된 연극 전통은 재능있는 배우를 만족시킬 수 없었습니다.

1911년에 Jouvet은 Jacques Roucher의 Théâtre des Arts의 회원이 되었습니다. 여기에서 그는 Dullen과 Copeau를 만났고 The Brothers Karamazov (Zosima 장로의 역할)에서 데뷔 공연을했습니다.

1913년에 Louis는 Copeau의 "Old Dovecote Theatre"에서 일하기 시작했습니다. Shakespeare의 Twelfth Night의 Andrew Agjuchik, Scapin의 Rogues의 Geronte, Molière의 The Unwilling Doctor의 Sganarelle의 역할은 재능있는 배우 명성을 얻었습니다.

젊었을 때 Jouvet은 주로 노인의 역할을했으며 이는 환생 기술을 배우고 자하는 열망으로 설명됩니다. 이 창작 기간 동안 그가 만든 이미지는 놀랍도록 생생한 것으로 판명되었으며 동시에 솔직한 연극 캐릭터가 청중 앞에 나타났습니다.

Jouvet은 Copeau에서 삶과 인간을 이해하는 수단으로 연극에 대한 그의 태도를 이어 받았습니다. 이미 1920년대에 그는 생성된 이미지의 강조된 외부 연극성을 포기했습니다. 영웅의 내면의 본질, 그의 지적 내용을 보여주는 것은 배우가 스스로 설정한 작업입니다.

1922 년부터 1934 년까지 Jouvet은 Champs Elysees 팀의 코미디를 이끌었고 그 후 Antey로 이사하여 인생의 마지막 날까지 이끌었습니다.

이 감독의 가장 성공적인 작품 중 하나 인 J. Roman의 "Knock, or the Triumph of Medicine"이라는 연극 평론가. 현대적인 의상을 입고 거의 화장을 하지 않은 채 노크를 연기한 주베는 파시스트 이데올로기의 지지자인 염세주의자의 인상적인 이미지를 만들어 냈습니다.

Jouvet의 프로덕션에서 모든 세부 사항은 특정 의미론적 부하를 전달했습니다. 즉, 엄격하게 조정된 미장센과 선명하게 정의된 무대 캐릭터가 무대 스타일을 결정했습니다. 1928년에 주베는 뛰어난 프랑스 극작가 J. Giraudoux와 협력하여 연극 Siegfried를 상연했습니다. 그들의 추가 작업의 결과는 "Knock"과 같이 우울한 예감이 담긴 연극 "트로이 전쟁은 없을 것"의 상연이었습니다. 장면은 흰색과 파란색의 두 가지 색상이 지배했으며 청중에게는 지적 투쟁을 이끄는 캐릭터 아이디어가 제시되었습니다.

고전 연극에서도 Jouvet은 지적 시작을 강조했습니다. 예를 들어 Moliere의 "School of Wives"의 Arnolf는 실생활과의 투쟁에서 철학적 개념이 패배 한 사상가로 등장했고 같은 이름의 연극에서 Don Giovanni는 모든 것에 대한 믿음을 잃은 남자였습니다. Louis Jouvet의 연극 발견은 프랑스 지적 연극 발전의 기초가되었습니다.

뛰어난 배우이자 감독인 Gaston Baty(1885-1952)의 연극 활동의 시작은 1919년으로 거슬러 올라갑니다. Andre Antoine의 저명한 학생의 관심을 끌었던 Baty는 감독직을 맡았고 C. Elem과 P. D' Estoc의 "Great Pastoral"과 Winter Circus의 여러 민화를 맡았습니다. 파리의.

몇 달 후 Bati는 Comedy Montaigne 극장의 감독직을 맡았습니다. 그가 이 무대에서 선보인 다섯 번의 공연 중 레노먼드의 '사뭄'이 가장 유명했다. 이 연극은 감독 작품의 주요 경향, 특히 현대 현실의 특징이라고 할 수있는 종교적, 철학적 의미의 주인공을 비극에서 발견하려는 열망을 드러냈다.

1921년 가을, 자신의 키메라 극장을 개장한 후 Bati는 새로운 기관 건설의 기본 윤리 원칙을 설명하는 세 개의 기사를 발표했습니다(극장 사원, 개혁이 필요한 드라마, 말씀 폐하).

이 출판물을 통해 비평가들은 Gaston Baty를 "이상주의자이자 호전적인 가톨릭 신자"라고 부를 수 있었습니다. 감독은 "극장의 혁신은 문학의 지배로부터의 해방이다"라는 슬로건을 제시하면서 코미디 프랑세즈와대로 극장의 수세기 전 전통에 도전했다.

1930년에 바티는 몽파르나스 팀의 책임자가 되었습니다. B. Brecht와 K. Weill의 "The Threepenny Opera"감독의 첫 번째 작품은 매우 성공적이었고 즉시 극장의 레퍼토리에 들어갔습니다.

1933년 바티는 그의 신작인 도스토옙스키의 죄와 벌을 관객들에게 선보였습니다. 감독은 작품의 종교적 측면에 대한 관심을 숨기지 않고 동시에 인간성에 주목했다.

그의 이름으로 된 사람을위한 투쟁은 일부 이미지, 특히 Sonya Marmeladova (Margaret Jamois)의 해석에서 결정적이었습니다. 인간의 국가 개념의 대변인 인 Porfiry Petrovich (Georges Vitray)에 대한여 주인공의 승리와 그의 신념의 오류에 대한 Raskolnikov (Lucien Nata)의 실현은 인본주의 적 이상에 대한 승리로 나타났습니다. 유사한 아이디어가 연극 "Madame Bovary"(1936)에서 표명되었습니다.

Bati의 인본주의 적 이상은 전날과 2 차 세계 대전 중에 날카로운 사회적 지향을 받았습니다. 1942년 점령된 도시에서 감독은 맥베스를 상연했다. Bati에 따르면 야심 찬 영웅의 운명에 대해 이야기하는이 연극은 당시의 정신과 완전히 일치했으며 그녀는 정의의 승리를 확신했습니다.

"Cartel"의 네 번째 창립자 인 Georges Pitoev (1884-1939)는 Tiflis 출신이었습니다. 1908 년 모스크바 대학교, 상트 페테르부르크 커뮤니케이션 연구소 및 프라하 대학교를 졸업 한 후 Pitoev는 러시아 최고의 여배우 V. F. F. Skarskoy의 극장과 가까워졌습니다.

1912년 Georges는 상트페테르부르크에 우리 극장을 열었고, 그 무대에서 러시아와 외국 작가들의 연극이 많이 상연되었습니다. 2년 후, 피토예프는 러시아를 떠났고, 그리하여 그의 삶과 일의 러시아 시대를 마감했습니다. 파리에서 Georges는 곧 아내가 된 재능있는 여배우 Lyudmila Smanova를 만났습니다.

7년(1915-1922) 동안 Pitoevs는 스위스 극장 무대, 특히 L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov, A. M. Gorky, Ibsen, Bjornson, Maeterlinck, Shaw 등의 작품이 레퍼토리에 포함된 Plainpalais에서 공연했습니다. Pitoev의 이니셔티브, Shakespeare의 Hamlet, Macbeth 및 Measure for Measure가 극장에서 상연되어 큰 성공을 거두었습니다.

1921 년 12 월 Pitoevs는 Champs-Elysées Theatre Jacques Heberteau의 소유주 인 유명한 기업가로부터 프랑스에서 영구적으로 일하라는 초대를 받았습니다. 곧 그 부부는 파리로 이사했고 1922년 2월에 그들만의 극장을 열었습니다.

프랑스 수도에서 Pitoev가 공연 한 작품 중 Chekhov의 "Uncle Vanya"와 "The Seagull"이 특히 인기가있었습니다. 그들의 장식은 다소 겸손했습니다. 무거운 벨벳 커튼이 무대 전면과 후면을 분리했습니다. 비평가들은 무대에서 펼쳐지는 사건의 깊은 심리학을 강조하기 위해 극적인 걸작의 아름다움과시를 전달하는 감독의 능력에 주목했습니다.

많은 사람들은 Pitoev가 프랑스 대중을 위해 Chekhov를 발견하여 프랑스 무대 예술에서 소위 Chekhovian 경향이라는 새로운 토대를 마련한 공로를 인정했습니다. 이 방향으로 작업한 감독들은 깊은 레이어를 보여주려고 노력했습니다. 인간의 삶복잡한 인간 관계의 얽힘을 풀어보세요.

Georges Pitoev는 훌륭한 감독이었을뿐만 아니라 Chekhov의 연극에서 훌륭한 역할을 수행했습니다. 그가 만든 이미지는 놀랍도록 유기적이고 인간적이었습니다. 비평가들은 Vanya 삼촌의 Astrov와 The Seagull의 Treplev를이 배우의 가장 성공적인 Chekhovian 역할로 인정했습니다.

Zh. Pitoev의 밝은 모습 (가늘고 약간 각진, 청 흑색 머리카락, 크고 창백한 얼굴을 감싸는 모자, 검은 눈썹이 거대하고 사려 깊은 눈에 매달려 있음)으로 인해 메이크업없이 실제로 플레이 할 수있었습니다. .

1920 년대 후반은 당시 다양한 예술적 경향의 영향을받은 Georges Pitoev의 작업에서 새로운 경향의 출현으로 표시되었습니다. 예를 들어 Hamlet (1926)에서 주인공은 약한 사람으로 나타나고 싸울 수 없으며 현실 세계에서 패배 할 운명에 처해 있습니다.

1929년 Georges Pitoev Theatre에서 상연된 Chekhov의 연극 Three Sisters도 비슷한 방식으로 해석되었습니다. 지루한 지방 생활의 일상에서 벗어나려는 Prozorov 자매의 헛된 시도는 비극으로 바뀌며 공연의 풍경과 배우의 한심한 연극 모두에서 숨결이 느껴집니다. 따라서 인간 존재의 비극이 연극에서 전면에 등장했습니다.

Pitoev의 삶의 마지막 몇 년은 공직의 파토스로 물들었습니다. 1939년에 불치병에 걸린 감독은 입센의 연극 인민의 적을 상연했습니다.

이 공연에 사용된 엄격한 풍경과 현대적인 의상은 무대에서 펼쳐지는 액션에서 관객의 시선을 산만하게 하지 않았고, Pitoev가 연기한 Dr. Stockman은 지울 수 없는 인상을 남겼습니다. 영웅은 이성, 진실 및 자유의 세 가지 구성 요소의 위대함을 설교하는 밝고 창의적인 개성으로 나타났습니다.

유명한 감독의 아내인 Lyudmila Pitoeva(1895-1951)는 프랑스 연극 발전에 특별한 공헌을 했습니다. 공연 예술에 대한 그녀의 친분은 러시아에서 이루어졌습니다. 이 나라에서 연기 기술을 습득 한 Lyudmila는 프랑스에서 계속해서 그것을 개선했습니다.

움직이는 얼굴에 표현력이 풍부한 눈을 가진 짧고 날씬하고 연약한 여배우는 그녀의 예술적인 게임으로 청중에게 큰 인상을 남겼습니다. 무대 위 그녀가 형상화한 이미지 하나하나는 비극으로 가득 찬 자신을 둘러싼 세상을 연민의 눈으로 바라보는 밝은 성격이었다.

그녀의 연기 경력의 초기 단계에서 Lyudmila Pitoeva는 영적 조화와 순결로 가득 찬 공개여 주인공에게 선물하려고했습니다. 셰익스피어의 햄릿에 있는 그녀의 오필리아, 체호프의 반야 삼촌에 있는 소냐입니다.

그러나 재능있는 여배우의 가장 중요한 역할은 "Saint John"Shaw의 Jeanne d' Arc였습니다. 절망은 고상하고 지나치게 민감한여 주인공 L. Pitoeva의 전체적인 모습으로 표현되었습니다. The Three Sisters의 Irina 이미지는 임박한 재앙에 대한 예감으로 가득 차 있습니다.

1930 년대 후반에야 여배우는 더 나은 미래를 믿는여 주인공을 다시 시작했습니다. 많은 연극 평론가들은 1939년의 새로운 작품에서 "희망의 사도"로 Lyudmila Pitoeva의 Nina Zarechnaya를 불렀습니다.

A. V. Lunacharsky에 따르면 "프랑스에서 가장 얇고 복잡한 여배우"는 Suzanne Despres (Charlotte Bouvalle) (1874-1951)였습니다. 그녀는 의사의 가정에서 태어 났고 여배우로서의 운명을 예고하는 것은 아무것도 없었습니다.

O. M. Lunye Poe 감독과의 친분은 Susanna의 삶을 극적으로 변화시켰습니다. 1893년에 그녀는 이 남자와 결혼했고, 1년 후 그녀는 그가 감독이자 총감독이었던 파리의 에브르 극장 무대에 데뷔했습니다.

같은 해 젊은 여배우는 G. I. Worms의 반에서 파리 음악원에 입학했습니다. 학업을 마친 후 Suzanne Deprez는 다시 Evra 무대로 돌아와 자신의 작품을 만들었습니다. 최고의 이미지: 건설자 솔네스의 힐다, 피어귄트의 솔베이그, 가라앉은 종의 라우텐델라인. 동시대 사람들에게 Suzanne Despres는 G. Ibsen의 연극에서 최고의 연기자 중 한 명이었습니다.

20세기 전반기 프랑스 극작술에서 중요한 위치는 소위 레퍼토리 작가들의 활동이 차지했는데, 그의 작품은 현대 생활의 사건에 대한 코믹한 보도가 특징이었습니다. 이 경향의 가장 두드러진 대표자 중 하나는 재능있는 작가이자 극작가였습니다. 자크 드발(Bularan) (1890-1971).

Jacques는 대가족에서 태어나고 자랐습니다. 그는 아주 일찍 무대에서 공연을 시작했지만 이것은 아마추어 역할에 불과했습니다. 1920년 Deval은 Femina Theatre에서 전문 배우뿐만 아니라 코미디 The Weak Woman의 감독 중 한 명으로 데뷔했습니다.

Jacques Deval은 그 기간 동안 프랑스 최고의 연극 그룹의 레퍼토리에 포함된 여러 코미디 연극을 쓴 후 더 많은 인기를 얻었습니다.

따라서 극장 "Monte Carlo", "Comédie-Comartin"및 "Athenay"의 무대에서 연극 "Devil 's Beauty"(1924), "Imaginary Lover"(1925), "September Rose"(1926), "Deboche" "(1929), "Mademoiselle"(1932) 및 "Prayer for Life"(1933) (마지막 두 연극은 좁은 홈 서클에서 진행되었습니다).

다소 무례하고 무거운 유머로 구별되는 J. Deval의 작품은 속물 계에서 전례없는 성공을 거두었습니다. 동시에 진지한 연극 인물은 Devalev의 코미디를 수많은 가르침에 대한 날카로운 비판, 변함없이 연극의 해피 엔딩, 그 줄거리는 캐릭터의 연애를 기반으로했습니다.

교육 수준이 낮은 대중의 취향을 만족시키기 위해 드라마 Ventos와 Comrade가 작성되었습니다. 첫 번째에서 저자는 민주주의 지지자들을 무정부주의자이자 삶의 파괴자로 표현하려고했습니다. 두 번째 연극은 러시아 황실 후손의 운명에 대해 슬퍼하는 러시아인의 캐리커처였습니다.

전후 몇 년 동안 초기 작업의 전통을 이어가는 J. Deval은 대담한 모험가와 아름다운 창녀의 쾌활한 모험을 기반으로 한 줄거리의 수많은 코미디와 가벼운 보드빌 제작에 참여했습니다. Jumping Girl(1957)과 Romancero(1957)의 공연은 동명의 작품자크 드발.

20세기 후반은 러시아에서 재능 있는 극작가의 작품이 인기를 끌면서 시작되었습니다. 1950년대 중반, 유명한 러시아 배우 베르세네프와 지아친토바가 주연을 맡은 생명을 위한 기도가 모스크바 예술 극장에서 상연되었습니다.

1957년 Deval은 Leningrad Drama Theatre와 협력하기 시작했습니다. A. S. 푸쉬킨과 모스크바 극장. M.N. Ermolova. 같은시기에 프랑스 극작가는 영화에서 일하기 시작했고 여러 대본을 썼으며 여러 독립 영화를 제작했습니다.

레퍼토리와 함께 아방가르드 극작술은 20세기 전반에 널리 발전했으며, 그 중 가장 두드러진 대표는 다음과 같습니다. 쥘 로만(1885-1966), 예리한 사회 풍자극("Knok, or the Triumph of Medicine", "Monsieur Le Truadec은 재미있다", "The Marriages of Le Troadec" 등)의 저자이자 20권으로 구성된 "People of Good Will" Charles Vildrac과 Jean-Richard Block의 창작자.

프랑스 레지스탕스에서 활약한 재능 있는 극작가의 최고의 희곡 찰스 빌드락(1884-1971), "Steamboat Tenesity"(1919)라는 연극 평론가는 국가의 연극 생활에서 주목할만한 현상이되었습니다.

최초의 극작가 중 한 명이 전후 프랑스에서 전쟁으로 고통 받고 불필요했던 세대의 주제로 전환했습니다. 연극 '증기선의 끈기'의 주인공 바스티안과 세가는 거짓과 배신으로 이루어진 현대사회에 반대한다.

드라마 "Steamboat Tenesity"의 제목은 상징적입니다. Segar는 인내와 인내의 증기선을 타고 새로운 불만과 실망이 그를 기다리고있는 먼 땅으로 출발합니다.

연극 예술 분야에서 프랑스 사실주의의 창시자 중 한 명은 재능있는 프랑스 작가, 극작가, 홍보인, 연극 및 공인으로 간주됩니다. 장 리차드 블록 (1884—1947).

R. Rolland와 F. Gemier의 창의적인 아이디어를 지지하는 Blok은 수년 동안 프랑스에서 민속 극장을 만들기 위해 적극적으로 싸웠습니다. 그는 1920년대 후반과 1930년대 초반의 연극 예술을 경멸하는 태도로 다루었습니다.

따라서 "The Fate of the Theatre"(1930)라는 책에서 극작가는 현대 미술의 열정적 인 폭로자 역할을했으며 여기에서 "훌륭한 생각과 열정"을 불러 일으키는 관련 콘텐츠로 무대에서 연극을 상연하라는 요청이있었습니다. 관객.

Jean-Richard Blok은 완전히 형성된 사람으로 문학계에 입문했습니다. 1910 년에 그는 12 개월 후 수도의 Odeon 극장에서 상연 된 연극 "The Restless"를 썼습니다. 성공적인 초연으로 인해 Odeon 팀은 새로운 연극을 만들어 달라는 요청으로 극작가에게 다시 돌아섰습니다.

1936년 극장은 블록의 사극을 ""라는 제목으로 대중에게 선보였습니다. 마지막 황제"(1919-1920) F. Gemier 감독. 재능있는 극작가의이 연극은 나중에 Trocadero의 국립 인민 극장 레퍼토리에 포함되었으며 나중에 공연은 제네바와 베를린의 극장 무대에서 상영되었습니다.

1930년대 초에 Jean-Richard Blok은 발레와 오페라 공연의 대본을 작업했는데, 그 대본은 10년이 끝날 무렵 이미 수십 개가 되었습니다. 또한 극작가는 1935년 파리에서 개장한 인민 극장의 조직 및 후속 작업에 참여했습니다.

Blok은 자신의 작품을 바탕으로 한 공연 리허설에 직접 참석하여 배우들의 연기를 지켜보고 유용한 조언을 해주었습니다. 유명한 극작가의 활발한 활동 덕분에 1937년 파리 시민들은 겨울 벨로드롬 부지에서 대규모 민속 공연 "도시의 탄생"을 보았습니다.

점령 기간 동안 J. R. Blok은 A. Barbusse, R. Rolland 및 프랑스의 다른 진보적 인물과 함께 반 파시스트 연합의 일부였습니다.

1941년에 그는 나라를 떠나 소련에 정착해야 했습니다. 여기에서 보낸 4 년은 매우 유익한 것으로 판명되었습니다. 실제 사건을 반영하고 나중에 많은 극장 무대에서 상연 된 애국 드라마 A Search in Paris (1941)와 Toulon (1943)은 마음에 따뜻한 반응을 얻었고 진보인민시대의 영혼들. 1950년에 Jean-Richard Blok은 사후 세계 금메달을 수상했습니다.

위의 이름을 가진 극작가들 못지않게 인기를 누렸다. 앙드레 지드(1869-1951) - 재능있는 프랑스 상징주의 작가, 노벨 예술상 (1947).

문학계에서 그의 이름은 1891년부터 알려졌다. Andre는 현대 사회를 경멸하고 개인의 이익을 국가보다 우선시하는 자랑스럽고 자유를 사랑하는 사람의 이미지를 제시하는 몇 가지 짧은 작품을 썼습니다.

이 주제의 연속은 연극 "Saul"(1898)과 "King Kandavl"(1899)으로 작가는 잔인한 폭군과 서민 대표의 기괴한 이미지를 포착했습니다. 현대 현실에 대한 날카로운 풍자는 André Gide의 다른 작품에 스며 들었습니다.

작가 자신에 따르면 가장 성공적인 작품 중 하나는 1899 년에 개봉 된 연극 "Philoctetes"로 20 년 후 수도의 한 극장 무대에서 상연되었습니다.

그러나 개인주의의 원칙과 부도덕의 설교는 작가의 후기 작품 인 소설 The Immoralist (1902), Vatican Dungeons (1914) 및 The Counterfeiters (1925)에서 가장 분명하게 들렸습니다.

A. Gide 작품의 전성기는 1930-1940년대였으며, 이 기간 동안 드라마 "오이디푸스"(1930), 드라마 교향곡 "페르세포네"(1934)의 대본, Stravinsky 등의 음악에 맞춰 "Grand Opera"에서 상연되었습니다.

1930년대 작품에서 뚜렷하게 드러난 무거운 짐으로부터의 해방에 대한 희망은 후대의 저술에서 비관적 예측으로 대체되었다. 극작가는 어떻게 든 현대 현실을 받아들이려고 노력했지만 이러한 시도의 무익함을 깨닫고 깊은 우울증에 빠졌습니다.

소련에서 돌아온 책 (1936)은 저자가 파시즘의 비인간적 이데올로기를 분석하려고 시도한 유럽에서 일어난 사건에 대한 반응이었습니다.

1940 년 A. Gide가 작성하고 파리 극장 6 중 한 무대에서 상연 된 연극 "Robert 또는 Public Interest"에서 유럽에서 무게를 얻고있는 강력한 힘에 대한 두려움조차도 영적 혼란이 분명하게 느껴집니다. 몇 년 후.

작가의 마지막 작품 ( "The Trial", 1947 등)은 고대 역사와 성경에서 빌린 고대 전설과 음모에 대한 일종의 해석이었습니다. 그들은 이 사람의 초기 극작에 내재된 개인주의 설교를 발전시켰습니다.

"극작가의 대중적이고 애국적인 열망"에 반대하는 André Gide는 우리 시대의 문제에 영향을 미치지 않는 "순수한"예술을 만들기 위해 노력했습니다. 현대 연극의 상태에 관한 수많은 작품("연극의 진화" 등)을 통해 그는 연극 예술의 실존주의적 경향 형성과 프랑스의 "아방트 가르드 극장".

아마도 프랑스 사실주의 예술의 가장 큰 성취는 인본주의적 삶의 개념을 확증하는 지적인 드라마의 꽃을 피운 것일 것입니다.

이 장르의 최고 대표자 중 Armand Salacru, Jean Cocteau, Jean Anouille 및 Jean Giraudoux(1882-1944)는 특별한 관심을 받을 만합니다. 이 극작가 중 마지막은 "Siegfried"(1928), "Amphitrion-38"(1929), "Judith"(1931), "There will be no Trojan War"(1935), "Elektra(1937), The Mad Woman of Chaillot(1942), Sodom and Gomorrah(1943) 등. 이 연극의 극화는 프랑스 대중에게 매우 인기가 있었습니다.

그러나 1930년대 최고의 작품 중 하나는 동시대인들이 불렀던 드라마다. A. 살라크루"지구는 둥글다"(1937). 1492-1498 년 피렌체 사회의 삶에 대해 이야기하는 역사적 사건을 바탕으로 극작가는 종교적 광신주의, 피렌체의 도덕적, 정치적 부도덕 함, 그리고 동시에 현대 세계의 대표자들에 대한 무자비한 비판을받습니다. .

우리는 종교적 광신주의뿐만 아니라 그들에게 주어진 명령에 순종 할 준비가 된 평범한 주민들의 의식이었던 비옥 한 땅인 다른 우상 숭배에 대해서도 이야기하고 있습니다.

재난의 규모에 따라 극작가는 전쟁을 폭정 및 광신과 동일시합니다. 그럼에도 불구하고 Salacru는 청중이 진보의 승리를 믿게 만듭니다. 전 세계를 여행 한 선원의 소식이 모든 사람에게 전달됩니다. 이것은 광신적 인 주민들의 의견의 오류를 다시 한 번 증명합니다.

Salacru는 전쟁 기간(Marguerite, 1941; Betrothal in Le Havre, 1942)과 전후 기간(Nights of Anger, 1946; Lenoir Archipelago, 1945-1947; Boulevard Duran)의 여러 작품을 설립 문제에 할애했습니다. 높은 도덕적 가치. , 1960; "Black Street", 1968 등). 이 작품에서 극작가는 높은 인본주의 적 이상과 현대 현실에 대한 비판적 태도에 충실했습니다.

재능있는 시인, 극작가, 촬영 감독은 20세기 프랑스의 문화 생활에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 장 콕토(1889-1963). 프랑스의 뛰어난 작가들 사이에서 자신의 것이 되고 시인이자 소설가로 유명해지면서(Tom the Pretender, 1923; Difficult Children, 1929) 곧 공연 예술에 관심을 갖게 되었습니다.

그의 작품에서 첫 번째 극작가 중 한 명인이 극작가는 현대 현실을 새롭게 바라보고 높은 철학적 일반화를 할 수 있도록 신화로 전환했습니다. 1922 년 Cocteau는 Sophocles "Antigone"의 비극을 해석했으며 몇 년 후 비극 "Oedipus Rex"(1925)와 "Orpheus"(1926)의 무료 각색을 대중에게 공개했습니다.

20세기의 30-40년대에 Cocteau는 신화적 주제에 대한 해석 작업을 계속했습니다. 드라마 <지옥기>(1932), 원탁의 기사단(1937), 르노와 아르미다(1941), 쌍두독수리(1946), 박카스(1952) 등의 집필이 이 시기에 속한다. 이전 작품과 달리 인간의 용기와 체력의 승리에 대한 믿음이라는 새로운 동기가 여기에서 들립니다.

신화극 작업과 동시에 콕토는 현대 현실을 반영하는 작품을 만드는 작업을 했다(Terrible Parents, 1938; Idols, 1940; Typewriter, 1941). 특히 그의 미니어처 또는 유명한 Edith Piaf, Marianne Oswald, Jean Marais 및 Bert Bovy (미니어처 "The Human Voice", 1930 등)가 연주 한 노래가 인기가 있습니다.

Jean Cocteau의 창의적인 삶에서 중요한 장소는 영화가 차지했습니다. 1930 년 그의 대본에 따르면 영화 "시인의 피"가 상연되었지만 작업 결과가 만족스럽지 않아 시나리오 작가는 독립 감독 활동으로 전환했습니다. 1946 년 그는 영화 "미녀와 야수"를 발표했습니다. 이어 "쌍두독수리"(1950), "오르페우스"(1958), "오르페우스의 유언"(1960)이 관객들에게 선보였습니다.

수십 년 동안 프랑스에서 가장 인기 있는 극작가는 장 아누이(1910-1987). 1930년대 초에 문학 활동을 시작한 그는 곧 유명한 작가가 되었습니다. 그의 작품의 전성기는 XX 세기의 30-40 년대였습니다. 1932년에 Anouilh는 "The Ermine"이라는 제목의 첫 번째 희곡을 썼는데, 여기에서 부자와 가난한 자라는 두 개의 양극 세계에 반대하는 동기가 우선적으로 제시되었습니다. 몇 달 후 코미디 발레 Ball of Thieves (1932)가 대중에게 공개되었으며 그 음모는 도둑에 대한 부자 소녀의 러브 스토리를 기반으로했습니다.

Anuy의 창작 초기 기간 중 가장 성공적인 작품은 비평가들에게 "The Savage Woman"(1934)로 인정되었습니다. Teresa라는 도덕적으로 순수한 소녀의 이미지로 극작가는 나중에 그의 많은 작품에 등장한 유사한 캐릭터의 전체 갤러리를 열었습니다.

"The Savage Woman"보다 덜 인기있는 것은 가족 및 도덕적 문제를 다루는 연극이었습니다. 그들 중 하나- "옛날 옛적에 죄수가 있었다"(1935)-신인으로 장기간 복역 한 후 감옥에서 풀려 난 영웅의 운명에 대해 이야기하고 다른 하나- "짐없는 여행자" (1936)-현대 사회에서 전쟁의 기억으로 인해 기억에 부담이되는 사람의 슬픈 운명에 대해 이야기합니다.

제 2 차 세계 대전의 해는 오래된 이상에 대한 쓰라린 실망을 특징으로하는 Jean Anouilh의 작업에서 새로운 단계의 시작으로 표시되었습니다. 그럼에도 불구하고 극작가는 연극에 대한 이전의 관심을 잃지 않았습니다.

1942년에 새로운 연극과 이전에 제작된 연극의 두 주기가 발표되었습니다. "검은 조각"이라는 제목의 첫 번째 컬렉션에는 드라마 "Ermine", "수하물 없는 승객", "Savage" 및 "Eurydice"(1941)가 포함되어 있습니다. "The Wild Ones"의 속편이되었습니다.

두 번째 컬렉션 인 "Pink Pieces"는 첫 번째 컬렉션보다 흥미롭지 않은 것으로 나타났습니다. 그것은 "Ball of Thieves", "Leocadia"(1939), "Date in Senlis"(1941) 작품을 포함했습니다.

이 기간의 Anuyev 창의력의 가장 중요한 작품은 신화적인 음모에 쓰여지고 우리 시대의 문제에 영향을 미치는 연극 "Eurydice"와 "Antigone"이었습니다. 작가는 삶의 현실을 철학적 문제 수준으로 끌어올리는 동시에 등장인물들의 깊은 이데올로기적 충돌에 모든 관심을 집중한다.

전후 몇 년 동안 Anuy는 계속해서 적극적으로 일했습니다. 이미 1950년대 초에 "Brilliant Pieces"(1951)라는 제목의 새 컬렉션이 출시되었고, 5년 후 "Prickly Pieces"(1956), 그리고 "Costume Pieces"(1962)가 안목 있는 대중에게 선보였습니다. 높은 인본주의적 이상을 전파합니다.

"Beckett 또는 God 's Honor"(1959), "Basement"(1961) 등과 같은 작품의 저술은 재능있는 극작가의 삶과 작품의 전후 기간에 속합니다.

많은 비평가들은 Anouilh의 극작의 정점 인 국민여 주인공 Joan of Arc의 재판 형태로 만들어진 연극 "The Lark"(1953)라고 불렀습니다. 작품의 비극적 갈등(한 남자와 심문관의 대결)은 날카로운 사회 철학적 소리를 낸다. 피날레에서 인본주의 적 아이디어는 인류의적인 심문 관의 신념을 이깁니다.

1930년대 중반부터 대부분의 프랑스 극장의 레퍼토리에 들어간 Anouilh의 드라마투르기는 수십 년 동안 수요가 있었습니다. 오늘날까지 이 극작가의 최고 작품 공연은 파리 극장 무대에서 볼 수 있습니다.

전쟁과 전후 시대의 프랑스 극작술의 가장 저명한 대표자는 인정받는 실존주의의 수장이었습니다. 장 폴 사르트르(1905-1980). 도덕적 문제를 발전시키는 것을 목표로 하는 철학은 사르트르의 많은 극적인 걸작에 반영되어 있습니다.

사람은 자신의 선택에 자유롭고 어떤 상황에서도 자신이 만든 것처럼 보인다고 믿고 극작가는 중요한 상황에 처한 영웅의 행동에 대한 연구로 향했습니다. 결과적으로 연극은 도덕적이고 교훈적인 내용의 철학적 비유의 성격을 얻었습니다.

전쟁 기간 동안 Sartre의 작품은 그 당시와 관련된 전투에 대한 요구를 들었습니다. 이들은 1943년 점령된 파리에서 Dullin이 상연한 그의 "Flies"입니다. 신화 영웅에서 레지스탕스 인물 (Orestes의 이미지), 나치 아이디어의 보유자 (Aegisthus의 이미지) 및 협력자의 화해 적 입장 지지자 (Clytemnestra의 이미지)를 쉽게 추측 할 수 있습니다.

미래에 J.P. Sartre는 종종 역사적 음모 ( "The Devil and the Lord God", 1951)로 전환했지만 현대 사회 정치적 현실의 반영에는 종종 실존주의 정신에 대한 철학적 실험이 수반되었습니다 ( "뒤에있는 연극" 닫힌 문 (1944), "더러운 손 "(1948), "집행인없는 죽음"(1946) 등).

심리극 <알토나의 은둔자>(1959)는 과거의 과오를 되풀이하지 말라는 경고, 전후 세계의 파시즘 부활에 대한 경고였다. 여기에서 Sartre의 다른 많은 작품과 마찬가지로 외로움과 미래에 대한 공황 공포라는 비극적 주제가 표현되었습니다.

20세기 40~50년대 '부조리주의자'들의 극적 명작은 사르트르의 작품과 분위기가 비슷하다는 것이 밝혀졌다. 그러한 상태에서 벗어날 방법을 찾기 위해 비논리주의(Ionesco의 작품에서 세계에 대한 비합리적이거나 신비로운 비전), 죽음에 대한 복종적인 기대(베켓에서) 또는 죽음에 이르게 하는 파괴적인 반란(제네의 작품에서)은 "부조리의 드라마"의 주요 주제였습니다.

가장 유명한 연극 중 하나 사무엘 베케트(1906-1989)는 종교적 동기와 함께 비관적 철학적 추론과 "블랙 유머"가 공존하는 우울한 비유 인 "Waiting for Godot"(1952) 작품으로 간주 될 수 있습니다. 많은 연극 평론가들은 이 작품을 "철학적 광대"라고 불렀다.

Beckett의 극적인 유산("The End of the Game", 1957; "Oh! Happy Days!", 1961)은 절망으로 가득 차 있으며, 그의 영웅(맹인, 벙어리, 마비된 사람, 괴물)은 알 수 없는 악의 세력에 의해 조종되는 꼭두각시처럼 나타납니다. .

그것들을 기괴한 판타스마고리아(The Maids, 1946; Negroes, 1959; Balcony, 1960; Screens, 1966)로 바꾸려고 했던 Jean Genet(1910-1986)의 작품은 무성한 엔터테인먼트와 일반적인 형태의 복잡성으로 구별되었습니다.

시급한 문제에서 대중을 산만하게하고 트랜스 상태에 빠뜨리려는 욕구는 종종 J. Genet에서 잔인한 폭력의 시화로 바뀌 었습니다 (아마도 이것은 작가가 유명인이되기 전에 이끌었던 생활 방식 때문일 것입니다).

Eugene Ionesco (1912-1994)의 연극은 진실을 아는 수단으로서 논리적 사고의 부정으로 가득 차 있습니다. 허무주의와 무정부주의 반란에 대한 설교로 스며든 작가의 거의 모든 극적인 작품 (The Bald Singer, 1950; Lesson, 1951; Chairs, 1952; Rhinoceros, 1959 등)에는 그로테스크 한 이미지와 우스꽝스러운 코미디가 있습니다.

전통적인 형태의 예술에 반대하면서 "부조리 주의자"는 현대 연극뿐만 아니라 문학과 극작술도 부인했습니다. 그들은 사람들이 서로를 이해하기 위한 수단으로 언어를 고려하기를 거부했고, 따라서 "불합리한 드라마" 형식의 일부 복잡함과 복잡성이 있었습니다.

전후 프랑스 무대 예술의 또 다른 경향은 "민주적 아방가르드"였습니다. 아서 아다모프(1908-1970). 그는 Kislovodsk에서 태어났습니다. 1914년 가족은 러시아를 떠나 오랜 방황 끝에 프랑스에 정착했습니다.

젊은 극작가의 혼란과 영적 무질서를 증언하는 초기 연극은 "불합리한"극작가의 생각에 강한 영향을 받아 작성되었지만 그 당시에도 Adamov는 현대 세계 사람들의 운명에 특별한 관심을 보이기 시작했습니다. .

재능 있는 작가가 파시스트 강제 수용소에서 보낸 6개월은 그의 미래 작업에 흔적을 남겼습니다. 전후 몇 년 동안 극작가는 민주주의 사상의 승리에 대한 믿음과 현대 사회에 대한 날카로운 비판을 담은 최고의 작품을 만들었습니다.

A. Adamov의 연극 "Invasion"(1950), "Ping-Pong"(1955) 및 "Paolo Paoli"(1957)가 특히 인기가있었습니다. 그다지 유명하지 않은 것은 "The Politics of Dregs"(1962), "Mr. Moderate"(1967) 및 "No Entry"(1969)였습니다.

극작가는 그의 최고의 작품을 "화제 장면"( "나는 프랑스 인이 아닙니다", "친밀감", "웃음에 대한 불만")이라고하는 풍자적이고 저널리즘적인 단막극이라고 불렀습니다.

자신의 드라마를 만드는 것 외에도 Arthur Adamov는 번역에 참여했습니다. 이 사람 덕분에 프랑스는 A. P. Chekhov의 창조적 유산 인 A. M. Gorky의 "Petty bourgeois"와 "Vassa Zheleznova"에 대해 알게되었습니다.

XX 세기의 60 년대 말은 연극에 대한 프랑스 대중의 관심이 전례없이 증가한 것으로 표시되었습니다. 젊은 작가의 연극은 프랑스 최대 출판물 "Saille"과 "Stock"에 게재되었으며 새로운 작품이 무대에서 상연되었습니다.

젊은 극작가의 작품은 사회 정치적 현실을 반영한 현대 현실의 사건 (V. Aim의 "근접 무기"및 "썩은 나무에있는 과일 껍질")에 대한 반응이었습니다. Studio', 'Quarrel', 'Tomorrow', J.C. Granber의 'Window on street').

20 세기 프랑스 극작술의 특별한 장소는 지방 극장 무대에서 경력을 시작한 젊은 작가들의 작품이 차지했습니다. 그들은 일종의 "마음과 마음의 향연"인 아비뇽 축제에 적극적으로 참여했습니다. 축제의 역사는 1947년에 시작되었습니다(첫 번째 행사의 주최자는 유명한 연극 인물 장 빌라르였습니다).

독창성에서 현대 세계에서 사람의 외로움과 포기라는 주제가 새로운 소리를 받았습니다. 바르나라 마리 콜테사(1948년생). 예를 들어 연극 "숲 앞의 밤"(1977 년 아비뇽 페스티벌에서 상영), "흑인과 개들의 전투"(1983 년 파리 교외에서 상연)가 있습니다.

사회 정치적 문제와 인간 심리학에 대한 호소는 Pierre Laville, Daniel Benhard 등과 같은 극작가의 작품을 특징지었습니다.

드라마투르기보다 더 빠르게 프랑스 연극은 20세기 후반에 발전했다. 이미 1960년대 초에 상업 "타블로이드" 극장은 점차 카바레 및 기타 엔터테인먼트 시설에 더 가까워지면서 Andre Roussin과 Roger Ferdinand의 간음 코미디를 상연하는 "아레나"가 되었으며 다양한 작가의 피비린내 나는 멜로드라마와 액션 영화를 보여주었습니다.

그러한 극장의 레퍼토리는 Francoise Sagan의 세련된 냉소적 드라마와 함께 Marcel Aimé의 기이하고 약간 거친 연극을 포함했습니다.

모든 것에도 불구하고 상업 극장은 Jean-Claude Briali와 Micheline Prel (둘 다 연극 "A Flea in the Ear"에서 연기), Daniel Ivernel 및 Paul Meurisse ("의 주인공)와 같은 인기 배우를보고 싶어하는 수많은 관중을 계속 끌어 들였습니다. Ladder"), Marie Belle(라신의 비극을 현대적으로 제작한 Phaedra) 등

20세기 후반에 가장 풍부한 문화적 전통을 지닌 사람들은 프랑스에서 가장 오래된 극장인 코메디 프랑세즈와 앙드레 바르삭과 장 루이 바로의 팀이었습니다. 18세기 이탈리아 극작가 카를로 골도니의 극찬을 받았던 코메디 프랑세즈의 연기는 오늘날에도 탁월한 기량과 높은 전문성으로 놀라움을 금치 못한다. 모든 발걸음, 모든 움직임, 시선, 조용한 장면은 주의 깊게 연구되지만 예술은 자연스러움의 덮개 아래 연구를 숨깁니다. 가장 오래된 프랑스 극장의 무대 스타일의 일부 특징은 다른 연기 그룹의 공연에도 존재합니다. 그러나 "Comédie Francaise"는 오늘날까지 인기와 명성을 잃지 않고 많은 배우들이이 극장 무대에 등장하는 것을 영광으로 생각합니다.

재능있는 프랑스 감독 Jean Louis Barro와 Andre Barsac은 유명한 Charles Dullin 아래의 유명한 Cartel 학교에서 연출의 비결을 배웠습니다. 그러나 그들 각자는 자신의 방식으로 스승의 교훈을 받았습니다.

André Barsac(1909-1973)은 감독이자 심리학자일 뿐만 아니라 극장 장식가로도 명성을 얻었습니다. 어린 시절 연극에 매료된 그는 연기가 직업이 아닌 예술가라는 직업을 선택했다. 파리 장식 예술 학교(1924-1926)에서 수년간 공부하면서 그는 자신이 선택한 직업의 기본을 마스터할 수 있었고 1928년 Barsak은 당시 인기가 많았던 Ch. Dullen의 Atelier Theatre에서 일하기 시작했습니다.

젊은 예술가의 데뷔작은 B. Johnson의 연극 "Volpone"의 풍경이었고, 이 분야 최고의 걸작은 Calderon의 연극 "The Doctor of His Part"(1935)의 풍경 스케치와 의상이었습니다.

1930 년부터 A. Barsak은 Atelier, Troupe of Fifteen 및 Opera House에서 Stravinsky의 Persephone을 장식 한 여러 극장에서 동시에 작업했습니다.

1936년 Andre는 Four Seasons Troupe라는 새로운 극장을 만들기 시작했으며 곧 첫 번째 작품인 Gozzi의 The Stag King(감독 Barsak의 데뷔작)을 관객에게 선보였습니다.

1937/1938 시즌에이 극장의 무대에서 여러 공연이 열렸으며 감독이 직접 공연 한 풍경은 Ashar의 "Jean from the Moon", Romain의 "Knock", "Once upon a Anui 등의 "죄수가 있었던 시간". 극단의 성공적인 공연으로 그녀는 뉴욕, 파리 및 프랑스, ​​벨기에, 브라질의 지방 도시에서 투어를 시작할 수있었습니다.

1940년 André Barsac은 Atelier Theatre의 감독으로 임명되었으며 동시에 세트 디자이너 및 무대 감독으로 계속 일했습니다. 이 남자의 적극적인 참여로 Scapin 's Tricks (1940), Anui의 Eurydice와 Romeo and Jeanette (1940), Dostoevsky의 The Brothers Karamazov (1946) 및 기타 여러 공연이 Atelier 무대에서 상연되었습니다.

1948 년 Barsak은 1940 년 Chekhov의 "The Seagull", 1958-1959 년 Mayakovsky의 연극 "Bug"인 Gogol의 "Inspector General"을 청중에게 선보였습니다.

그러나 Barsak 감독은 유명한 비극 여배우 Catherine Seller가 Nastasya Filippovna의 역할을 맡은 Dostoevsky의 소설 The Idiot을 각색 한 것으로 가장 잘 알려져 있습니다.

Turgenev의 작품 "A Month in the Country"의 무대는 그다지 인기가 없었습니다. 공연은 매우 시적이었고 캐릭터의 미묘한 심리적 특성으로 인해 진정한 본질을 이해할 수있었습니다.

Andre Barsac의 또 다른 작업 영역은 문학 활동이었습니다. 그는 1947년 "Atelier"에서 상연된 코미디 "Agrippa 또는 Crazy Day"의 저자이자 극장에 대한 여러 기사를 집필했습니다.

재능 있는 배우이자 감독인 장 루이 바로(Jean Louis Barrot, 1910-1994)는 프랑스 무대 예술의 발전에 특별한 역할을 했습니다. 그는 약사의 집안에서 태어나 어린 시절부터 뛰어난 그림 실력을 보였다. 필요한 나이에 도달하자 소년은 파리의 루브르 학교에서 회화 과정에 들어갔습니다. 그러나 Jean Louis는이 교육 기관을 졸업 할 운명이 아니었고 연극에 대한 그의 열정으로 인해 예술가로서의 경력을 포기하고 Ch. Dullen "Atelier"극단에 합류했습니다.

Barro는 1932년 연극 제작 중 하나에서 작은 역할로 데뷔한 후 거의 모든 공연에 참여하기 시작했습니다. 그러나 기술 부족으로 경력 성장이 막혔고 젊은 배우는 유명한 마임 E. Decroux와 함께 판토마임 예술에 참여하려는 열망을 보였습니다.

1935 년 Atelier Theatre 무대에서 Faulkner의 소설 While I Was Dying을 원작으로 한 판토마임 Near the Mother의 시사회가 열렸습니다. 이 공연에서 장 루이는 말과 그 위를 달리는 기수를 연기했습니다. 같은시기에 Barro는 영화 데뷔작 (영화 "Children of Paradise")을 만들었습니다. 그의 인생에서 매우 중요한 사건은 초현실주의 자들과 극단 "10 월"과의 친분이었습니다.

곧 Jean Louis는 Dullin을 떠나 Augustine Attic이라는 자신의 극단을 조직했지만 Atelier와의 협력을 멈추지 않았습니다. 1939년 Barro는 Dullen Theatre에서 상연된 Salacru의 반파시스트 연극 The Earth is Round에서 Silvio 역을 맡아 Hamsun의 연극 Famine을 관객들에게 선보였습니다.

몇 년 전 J. L. Barrot은 애국 드라마 Numancia (Cervantes에 따르면)로 극장 앙투안 무대에 데뷔했습니다. 공연은 제작의 적시성과 관련성으로 인해 전례없는 성공을 거두었습니다 (당시 진보적 대중 전체가 스페인 전쟁의 결과에 대해 걱정했습니다).

1940년 Barraud는 Comedie Francaise 극장에 초대되어 1946년까지 일했습니다. 프랑스에서 가장 유명한 이 무대에서 그는 셰익스피어의 "시드"의 로드리고와 같은 이름의 연극에서 절박한 햄릿을 포함하여 많은 역할을 수행했습니다. 또한 Jean Louis는 극장의 고전 레퍼토리를 재해석했습니다. Racine의 Phaedra (1942), Claudel의 The Satin Slipper (1943), Barrault가 상연 한 Shakespeare의 Antony and Cleopatra (1945)는 세련된 대도시 관객들에게 큰 인기를 얻었습니다.

재능있는 감독의 취향에 대한 절충주의의 증거는 코미디, 비극, 오페레타 또는 판토마임 등 다양한 장르의 작품을 성공적으로 연출한 것입니다. 동시에 그는 다양한 유형의 예술에 내재된 최고의 표현 수단을 조화롭게 결합하는 합성 극장을 만들기 위해 노력했습니다.

1946 년 Jean Louis는 그와 함께 M. Renault (감독의 아내) 및 기타 여러 재능있는 연기자를 포함하는 새로운 연기단을 조직했습니다.

Barraud는 Marigny 극장 건물에서 공연 한이 극단의 예술 감독이자 주연 배우가되었습니다. Salacru의 Nights of Anger(1946), Kafka의 Trial(1947), Molière의 Tricks of Scapin(1949), Claudel의 Christopher Columbus(1950), Ashar의 Malbrook Going on Campaign 등의 공연이 이곳에서 열렸습니다. 체리 과수원»체호프.

이 작품 중 일부에서 Jean Louis는 감독뿐만 아니라 주요 역할의 연기자 (Nights of Anger의 반 파시스트 애국자 Cordo, 같은 이름의 Christopher Columbus, The Cherry의 Trofimov)로도 활동했습니다. 과수원 등).

1959년 Barraud는 파리에 있는 Théâtre de France의 회장으로 선출되었습니다. 동시에 Ionesco의 Rhinos 연극, Claudel의 Golden Head 및 Anouil의 Little Madame Molière 제작은 같은시기에 속합니다.

감독과 연기 외에도 Barro는 공무에도 관여했습니다. 수년 동안 그는 학교의 이사였습니다. 극적인 예술, J. Berto와 R. Roulo의 도움으로 파리에서 설립되었습니다. 페루 장 루이 바로 소속 문학 작품작가가 진실을 찾는 사람이자 무대 예술의 시인으로 활동하는 "극장에 대한 성찰".

따라서 Barrot과 Barsac의 작업은 전후 프랑스 연극의 발전에 중요한 영향을 미쳤습니다. 그다지 흥미롭지 않은 것은 Evre, La Bruyère 및 Michel 극장 무대에서 뛰어난 거장 Pierre Franck, Georges Vitali, Jean Meyer의 활동이었습니다.

1950년대 초에는 재능 있는 감독 장 빌라르(Jean Vilar, 1912-1971)가 극단에 합류하면서 국립 민속극장 F. 제미어(National Folk Theatre F. Gemier)의 예전 영광이 되살아났습니다. 짧은 시간에이 남자는 National People 's Theatre를 프랑스 최고의 극장 중 하나로 만들었습니다.

Vilar는 "Stanislavsky의 현명하고 근본적인 공식에 따라" 수백만 명의 관중이 극장에 접근할 수 있도록 하는 단일 목표를 추구했습니다. 재능있는 무대 감독은 수천 명의 시청자를 위해 설계된 단순하면서도 장엄하고 미학적으로 완벽하고 접근하기 쉬운 새로운 무대 스타일의 창시자였습니다.

Vilar는 관객이 특정 역할을하는 진정한 살아있는 극장을 만들었고 극장에서 멀리 떨어진 사람들 사이에서도 공연 예술에 대한 관심을 불러 일으켰습니다. 이 분의 주도로 공연 시작 2시간 전, 국립민속극장에 퇴근 후 간단한 식사를 할 수 있는 카페를 오픈하고, 공연 시작 시간인 관객에게 편리한 시간.

점차 극장은 공연과 영화뿐만 아니라 문학과 음악의 밤, 조각과 그림 전시회를 마련하는 일종의 민속 문화의 집으로 변모했습니다. 그해 국립 민속 극장 지도부가 조직 한 '민속 무도회'가 가장 큰 인기를 얻었다.

국내외 고전 작품을 무대에 올리면서 Jean Vilar는 과거에서 추출하기 위해 자신의 질문에 대한 답을 찾으려고 노력했습니다. 필요한 교훈. Gerard Philippe이 주연을 맡은 Corneille의 Cid (1951), G. Kleist의 Homburg 왕자 (1952), Molière의 Don Giovanni (1953) 및 Shakespeare의 Macbeth (1954)가 제작되었습니다.

Vilar의 해석에서 연극 "Sid"는 사랑과 귀족에 대한 시로 등장했으며 열정으로 가득 찬 텍스트는 모든 주민이 이해할 수있는 구어체 연설처럼 무대에서 들렸습니다.

이 작품은 프랑스 민속 극장의 부흥의 상징이되었으며 프랑스 최고의 사람들이 열광적으로 말했습니다. 그래서 루이 아라곤은 '시드'를 '프랑스 무대에서 펼친 최고의 퍼포먼스'라고 불렀고, 모리스 토레즈는 이 걸작을 본 후 " 국가 유산- 그것은 우리 것이다.

National People 's Theatre의 무대에서 민속 역사 주제를 이해하는 데 중요한 단계가 진행되었으며 Hugo의 Mary Tudor (1955)와 Musset의 Lorenzaccio (1958)의 작품은 현대 세계에서 진정한 센세이션이되었습니다.

1960-1961년에 Vilar는 Sophocles의 Antigone, Brecht의 Arturo Ui 경력, O'Casey의 Scarlet Roses for Me, Calderon의 Alcalde의 Salamey, Aristophanes의 The World 공연을 관객들에게 선보였습니다. 이 프로덕션에서 이미지가 개발되었습니다. 민속 영웅평화와 자유를 위해 싸웁니다.

많은 재능있는 배우들이 유명한 Jean Vilar 밑에서 일하게 된 것을 영광으로 생각합니다. 점차적으로 Gerard Philip, Daniel Sorano, Maria Cazares, Christian Minazzoli 및 기타 배우를 포함한 국립 민속 극장에서 고도로 전문적인 연기단이 구성되었습니다. 최고의 장식가, 조명가, 의상 디자이너 및 기타 무대 작업자도 이곳에 모여 들었습니다.

제라르 필리프(1922-1959)는 전후 프랑스에서 가장 인기 있는 배우 중 한 명으로 현대 낭만주의 배우들 사이에서 인정받는 지도자였습니다. 그는 1942년 무대에 데뷔했고 곧 유명해졌다.

이 배우의 참여로 수많은 공연이 진정한 대중의 관심을 불러 일으켰습니다. Gerard Philip은 Corneille 's Side의 Rodrigo, 같은 이름의 Homburg 왕자, Musset의 연극 Lorenzaccio 등 잊을 수없는 이미지를 많이 만들었습니다 프랑스 배우 연합의 초대 회장으로서 그는 권리를 옹호했습니다. 현대 사회에서 이 직업을 가진 사람들.

Gerard Philip은 극장 무대뿐만 아니라 영화 카메라 앞에서도 "Parma Convent", "Fanfan-Tulip", "Red and Black"등의 영화에 출연했습니다.

스페인 정치가의 가족 대표 인 Maria Cazares (실명 Quiroga) (1922-1996)는 비극적 인 역할을 맡은 뛰어난 극적 여배우였습니다.

그녀의 아버지가 프랑스로 편입 된 후 Maria는 파리의 lyceums 중 한 곳에서 공부를 시작한 후이 교육 기관을 성공적으로 졸업 한 후 Dramatic Art Conservatory에 입학했습니다.

1950년대 중반, 재능 있는 여배우는 그녀가 수년 동안 공연했던 코미디 프랑세즈를 떠나 국립인민극장 극단에 합류하여 잊을 수 없는 수많은 극적인 이미지를 만들어 냈습니다. Hugo의 Mary Tudor 등의 Mary).

Maria Cazares는 영화 배우로 특별한 인기를 얻었으며, 이 분야에서 그녀의 데뷔는 M. Carne (1945)의 "Children of Paradise"에서 역할을 한 후 R. Bresson이 영화 "Ladies of the Bois"에 출연하도록 제안했습니다. 드 불로뉴”(1945). 그러나 프랑스 영화에 밝은 흔적을 남긴 가장 성공적인 역할은 Christian-Jean이 A. Stendhal의 Parma Monastery를 각색 한 Sanseverina였습니다.

1949년 뛰어난 극적 여배우는 장 콕토의 오르페우스에서 죽음의 역할을 맡았고 10년 후 영화 오르페우스의 유언(1959)에서 공주 역할에 대한 초대를 받았습니다. Jean Mare (Orpheus)와 Jean Cocteau (시인)는 세트에서 M. Cazares의 파트너가되었으며, 그의 재능있는 플레이는 그림의 성공적인 배포의 열쇠였습니다.

A. Calef(1950)의 "Shadow and Light", M. Deville(1987)의 "Reader", D. Llorca(1990)의 "Knights of the Round Table"에서 M. Cazares가 연기한 작은 역할은 청중의 관심이 적지 않았습니다.

여배우는 인생의 마지막 날까지 좋은 영혼을 유지했습니다. 예를 들어,이 사실은 시사적입니다. 1996 년 (그녀가 사망 한 해) 74 세의 Maria Cazares는 Paskalevich의 영화 "Someone 's America"촬영에 적극적으로 참여했습니다.

평생 동안 여배우는 자신의 명성을 의심 할 이유를 제시하지 않았으며 언론인과 전기 작가를 자신의 삶에 허용하지 않았습니다.

우리 시대의 가장 유명한 프랑스 배우 중 한 명은 Jean Gabin(실명 Jean Alexis Moncorger)(1904-1976)이었습니다. 그는 평범한 노동자의 가정에서 태어 났고 진에게 다른 운명을 예고하는 것은 아무것도 없었습니다. 그럼에도 불구하고 건설 현장 견습생과 주물 공장 보조원으로 지내면서도 뛰어난 연기력을 보여줬다.

1923년 장 가뱅은 수도의 폴리 베르제르 극장 무대에서 엑스트라로 데뷔했다. 젊은 배우의 재능과 매력적인 외모가 눈에 띄었고 곧 그는 예능 프로그램에 배우로 초대되었습니다. 뮤지컬 레뷰 장르에서 수년간 일한 후 그는 오페레타 극장으로 이사하면서 동시에 Vaudeville, Bouffe Parisienne 및 Moulin Rouge 극장에서 재미있는 노래를 연주했습니다.

그러나 가장 유명한 Jean Gabin은 영화에서 수많은 역할을 수행했습니다. 영화 데뷔는 1931년 영화 The Great Illusion에서 이루어졌습니다.

영화의 성공으로 인해 많은 감독들이 곧 가장 많이 초청받은 배우 중 한 명이 된 27세의 배우에게 관심을 갖게 되었습니다. Jean Gabin은 Quay of the Fog, Heavenly Thunder, At the Walls of Malapaga, Great Families, Powerful Ones, Prairie Street 등과 같은 영화에서 많은 역할을 수행했습니다.

이 배우는 투쟁에서 자신의 존엄성과 독립성을 수호할 수 있는 이상적인 의무와 정의에 충실한 사람의 이미지 창조자로 세계 연극 및 영화 예술의 역사에 입문했습니다.

1949년 거의 20년의 휴식 끝에 J. Gabin이 무대로 돌아왔습니다. Ambassador Theatre에서 그는 Bernstein의 연극 Thirst의 주인공 인 최고의 무대 역할 중 하나를 수행했습니다.

제2차 세계대전이 끝난 후 파리의 무대예술뿐만 아니라 오랫동안 동면에 빠져 있던 프랑스의 지방극장도 발전했다.

1947년 아비뇽에서 제1회 프랑스 극예술 축제가 열린 후 프랑스의 다른 지방 도시에서 극장 관객들의 활동이 강화되었습니다. 곧 Strasbourg, Le Havre, Toulouse, Reims, Saint-Etienne, Bourges, Grenoble, Marseille, Colmar, Lille 및 Lyon에서 영구 연기단이 운영되기 시작했으며 극적인 예술 센터와 Houses of Culture가 나타났습니다.

J. Vilar에 이어 지방 극장은 고전 걸작을 새로운 방식으로 해석하면서 뛰어난 국내외 고전 작품으로 전환했습니다. 도지사들은 시대정신에 맞는 공연을 관객들에게 선사했다.

따라서 Corneille의 비극 Horace의 인본주의적인 사운드를 유지하면서 Strasbourg 감독 Hubert Ginho는 1963년 작품에서 명령에 대한 맹목적인 복종의 결과에 초점을 맞췄습니다.

다양한시기에 Gogol, Chekhov, Gorky, Arbuzov (1964 년 Strasbourg의 Irkutsk History), Schwartz (1968 년 Saint-Etienne의 Dragon) 및 기타 러시아 극작가의 연극 제작이 매우 인기가있었습니다. 국내 작가 Dürrenmatt와 Frisch의 풍자 코미디 극화, O'Casey와 Bertolt Brecht의 연극은 청중의 사랑을 즐겼습니다.

로제 플랑숑(1931년생)은 프랑스 지방극장사에 눈에 띄는 족적을 남긴 유능한 연출가이자 빌뢰르반 시테 극장의 연출가였다. B. Brecht와 J. B. Moliere의 작품을 열렬히 존경하는 그는이 작가들의 아이디어를 많은 청중에게 전달하려고 노력했습니다.

감독의 혁신은 예를 들어 B. Brecht (1961)의 "Schweik in the Second World War"제작에서 그의 여러 공연에서 나타났습니다. R. Planchon은 끊임없이 회전하는 원을 사용하여 특정 목표를 달성할 수 있었습니다. 효과: 필요한 장소에서 영웅은 청중에게 다가간 다음 그들에게서 멀어졌습니다.

Molière의 "Tartuffe"(1963)를 연출할 때 무대 공간을 확장하는 기술이 사용되어 전개되는 이벤트가 눈사태와 같은 위협적인 성격을 갖게되었습니다.

Planchon은 감독이 미묘한 심리학자 여야한다고 믿었습니다. 이를 통해 특정 역사적 정치적 순간에 환경을 탐색하기 위해 "사회적 상황"을 완전히 밝힐 수 있습니다.

특정 연극의 본질을 올바르게 정의하고 감독은 그것에 집중했습니다. 몰리에르의 <조르주 당댕>(1959)을 상영하는 동안 플랑숑은 친숙한 세상과 단절되고 귀족들 사이에서 인정받지 못한 부유한 농민이 자신을 발견한 비극적인 상황을 관객들에게 느끼게 했다.

자신의 극적 명작을 바탕으로 한 감독의 공연은 관객들에게 전례없는 성공을 거두었습니다. 그 중에는 연극 "Debtors"(1962), "White Paw"(1965), "Dishonest"(1969) 등이 있습니다. 다양한 연극 및 무대 형식에 대한 관심을 찾은 Planchon은 그럼에도 불구하고 그의 작품에서 단일 문제 - 현대 생활의 사회적 모순에 대한 연구.

엄격한 합리주의와 정확한 계산, 예상치 못한 결정 및 솔직한 환상-이것이 Roger Planchon 감독 스타일의 특징입니다. 이러한 기능은 A. Dumas père The Three Musketeers (1957)의 소설을 준비하는 과정에서 가장 분명하게 나타 났으며 수많은 패러디하고 아이러니 한 장면을 통해 유명한 러시아 감독 Meyerhold와 Vakhtangov의 작품을 회상하게되었습니다.

Planchon은 Arthur Adamov (1957)의 "Paolo Paoli", Armand Gatti (1962)의 "The Imaginary Life of a Street Sweeper Auguste Jay"등 현대 프랑스 작가, Brecht의 추종자들의 연극을 기반으로 한 공연으로 가장 잘 알려져 있습니다.

R. Planchon이 연출한 A. Gatti의 연극은 "아이디어 드라마"와 "상상 드라마"라는 두 드라마의 조화로운 결합이었습니다. 치명상을 입은 사람. 청중이 한 사람이 아니라 한 번에 여러 연령대의 아우구스트 (소년, 청년, 남자)가 나타나기 전에 감독은 인생의 다양한시기에 영웅을 포착하려는 욕구를 강조합니다.

수도 및 지방 극장 외에도 전후 프랑스에서는 파리 교외의 극장이 발전했으며 그 지도자는 이러한 기관을 "사회 사상의 의회"로 만드는 목표를 추구했습니다. 노예의 비극적 인 운명에 초점을 맞춘 독창적 인 연구 인 공연 법원이 무대에서 상연되었습니다.

그래서 Nanterre 극장 무대에서 Bulgakov의 "Running"(1971)이 상연되었고 극단 "Guild"는 오랫동안 Aubervilliers에있는 Commune Theatre의 레퍼토리 인 셰익스피어의 "Macbeth"(1965)를 상연했습니다. Vs. Vishnevsky (1961) 및 O'Casey의 The Star Turns Red (1962), 극장에서. 가장 인기있는 Saint-Denis의 Gerard Philip은 A. Adamov의 "Spring-71"이었습니다.

또한 A. Gatti의 드라마 The Stork 및 A. Adamov의 코미디 The Politics of Garbage, A.P. Chekhov의 The Cherry Orchard 및 B. Brecht의 연극 (The Threepenny Opera, Saint Joan slaughterhouses", "Dreams of Simone Machar").

1960년대 후반 프랑스를 비롯한 전 세계적으로 정치적 상황이 악화된 것은 연극사에서 반동의 시기가 되었다.

많은 프랑스 연극 감독들이 사임해야 했습니다. Jean Vilar는 1963년에 이 작업을 수행했고 Georges Wilson(1921년 출생)은 National People's Theatre의 감독으로서 그의 후계자가 되었습니다.

Brecht와 그의 추종자들 (Gatti, Dürrenmatt 등)의 드라마 투르 기의 열렬한 찬사였던 Wilson은 극장 무대에서이 작가들의 멋진 연극인 Brecht의 "Mr. Puntila와 그의 하인 Matti"(1964)를 상연했습니다. ), Osborne의 "Luther"(1964), Dürrenmatt의 "Romulus the Great"(1964), Gatti의 "두 전기 의자 앞의 인민 노래"(1965), Brecht의 "Turandot, or Congress of Whitewashers"(1971) 다른 사람.

많은 성공적인 제작에도 불구하고 National Folk Theatre는 J. Vilar가 도입 한 공개 구독 시스템을 포기했기 때문에 점차 이전의 인기를 잃었습니다.

1971년 국립민속극장이 없어지자 그의 사상은 시에서 받아들였다. 시립극장파리 - Jean Mercure(1909년 출생)가 관리했던 "Theater de la Ville". 고전극과 현대극의 걸작으로 구성된 다재다능한 레퍼토리는 수많은 관객을 극장으로 끌어들였다.

로베르 호세인(1927년생)의 대규모 공연은 20세기 프랑스 연극 예술의 새로운 경향이 되었다. 1971년에 이 유명한 영화 배우는 랭스 인민극장을 이끌었다. 극장에 직접 참여하여 Dostoevsky의 Crime and Punishment, Shakespeare의 Romeo and Juliet, Lorca의 House of Bernard Alba, Gorky의 At the Bottom 및 기타 여러 중요한 공연이 열렸습니다.

연극이 관객의 감정에 영향을 미쳐야 한다고 믿었던 호세인의 마음속에는 일종의 민속 명절인 '대민속의 구경거리'라는 개념이 점차 발전하게 되었다.

1975 년 수도의 스포츠 팰리스에서 상연 된 공연 "전함 포템킨"은이 방향에서 처음으로 성공한 작품이었습니다. 그 후 Hugo의 클래식 레퍼토리 인 Notre Dame Cathedral (1978)과 Les Misérables (1980)의 연극이 각색되어 첫 번째 제작만큼 대중의 관심을 불러 일으켰습니다.

1979 년 말 R. Hossein은 역사 드라마 "Danton and Robespierre"(1979)와 1983 년 연극 "A Man Called Jesus"의 시사회를 관객들에게 선보였습니다. 성경, 일어났습니다.

R. Hossein의 작품은 웅장함과 화려한 스펙터클뿐만 아니라 역동적인 매스 장면, 특이한 조명과 음향 효과, 콘텐츠의 단순성과 접근성으로 주목을 받았습니다.

20세기 프랑스의 연극 생활에서 주목할 만한 현상은 훌륭한 배우이기도 한 재능 있는 감독 마르셀 마레샬(1938년생)이 조직한 마르세유 신 국립극장이었습니다. Scapin과 Lear, 무대 위의 Sganarelle과 Hamlet).

1960년대 초에 Marechal은 리옹에서 "Company du Cautourne"이라는 극단을 조직했습니다. 선진 연극계의 민주적 열망은 재능있는 지방 감독의 활동에 영향을 미칠 수밖에 없었습니다. 이것은 그의 극장을 많은 청중이 접근 할 수있는 대중 문화의 집으로 바꾸려는 Marechal의 열망으로 표현되었습니다.

공연 예술의 주요 문제는 "시적 리얼리즘"의 부족이라고 생각한 Marcel Marechal은 대중이 이해할 수 있는 새로운 무대 형식을 사용하여 문제를 해결하려고 했습니다.

그의 작업에서 그는 종종 사회 정치적 문제로 전환했습니다. 1971 년에 그는 베트남 전쟁 사건에 전념하는 알제리 극작가 Kateb Yasin, The Man in Rubber Sandals의 연극을 상연했습니다.

이듬해 Brecht의 연극 "Mr. Puntila와 그의 하인 Matti"(1972)가 청중에게 발표되었습니다. 연극 평론가에 따르면 감독은 "세상에서 가장 유쾌한 방식으로-마술과 민중의 지혜, 사악한 풍자와 시가 합쳐지는 희극의 리듬"으로 대중에게 교훈을 가르쳤습니다.

M. Marechal의 가장 성공적인 작품 중 Ruzante의 Moschetta(1968), T. Gauthier의 Fracasse(1972), Arthur 왕과 원탁의 기사들에게 헌정된 The Grail Theatre(1979)의 많은 시간 제작, 특별한주의를 기울일 가치가 있습니다. 이 공연은 단순함과 복잡함, 순진함과 신중함의 유기적 조합이었고, 그 안에 담긴 고상한 가사의 순간에는 장난기 넘치는 익살스러운 장면이 수반되었습니다. 여기서 과거와 현재가 만나 미래를 생각하게 합니다.

Maréchal은 "게임의 요소에 완전히 몰입하여 연극 전통을 되살리는 것, 즉 민속 게임의 위대한 전통과 음모로 돌아가는 것"이라고 자랑스럽게 말했습니다.

1975년 마레샬 극단은 프랑스에서 두 번째로 큰 도시인 마르세유로 이주했고, 이곳에 마르세유 신 국립극장이 생겨났다. 가장 큰 센터민속극을 위한 투쟁.

현대 프랑스 극장의 역사에서 눈에 띄는 표시는 Alain Scoff의 Theatre Bule, Jerome Savary의 Big Magic Circus 등과 같은 청소년 극장에서 남겼습니다.

신세대 프랑스 영화 감독의 최고 대표자는 Patrice Chereau와 Ariana Mnushkina로 혁신적인 아이디어를 개발했습니다.

파트리스 체로(Patrice Chereau, 1944년생)는 거짓말과 위선, 불의가 만연한 사회의 위기를 작품의 주제로 삼았다. 극작가는 작품과 작품이 쓰여진 시간에 대한 깊은 사회 역사적 분석을 제공하면서 동시에 현대인의 관점에서 다시 생각하려고 노력합니다.

많은 비평가들은 P. Chereau를 Roger Planchon의 상속인이라고 부릅니다. 사실 후자는 Theatre de la Cité를 기반으로 Villeurbanne에서 개장 한 National Folk Theatre의 책임자로서 젊은 감독을 그의 극장에 초대했습니다. 여기에서 P. Chereau는 Lenz의 "Soldiers"(1967), Moliere의 "Don Giovanni"(1969), Marivo의 "The Imaginary Maid"(1971), Marlo의 "The Paris Massacre"(1972) 등 첫 공연을 선보였습니다.

1982년 Patrice Chereau는 파리 교외의 Nanterre에 위치한 Théâtre des Amandiers의 감독으로 임명되었습니다. 이 사람의 새로운 활동은 연극 학교에서 젊은 배우를 교육하고 훈련하고 장편 영화 개봉을 전문으로하는 영화 스튜디오 작업을 조직하는 것입니다. P. Shero는 극장에서 감독의 작업을 잊지 않고 1980 년대에 B. M. Koltes의 "Battle of the Negro and Dogs", Genet의 "Screens"를 상연했습니다.

태양 극장의 수장인 아리아나 므누쉬키나는 연출 작품으로 관객들의 주목을 거듭 받아왔으며, 그 중 고르키의 소부르주아(1966), 셰익스피어의 한여름 밤의 꿈(1968), 광대(1969) 등은 그럴 자격이 있다. 특별한주의.

프랑스의 연극 생활에서 중요한 사건은 프랑스 대혁명에 헌정되고 각각 1971 년과 1973 년에 A. Mnushkina가 상연 한 공연 "1789"와 "1793"이었습니다. Dilogy에 대해 Ariana는 "우리는 사람들의 눈을 통해 프랑스 혁명을 보고 싶었습니다."라고 말하며 이 행사에서 그 역할을 보여주었습니다.

공연의 특징은 역사의 창조자 인 프랑스 국민의 집단적 영웅의 행동 도입이었습니다. 또한 각 배우는 여러 역할을 수행했으며 5 개의 놀이터가 참여하여 청중이 한 플랫폼에서 다른 플랫폼으로 이동하여 행동에 직접 참여하도록 강요했습니다.

프랑스 혁명 시대의 노래, 춤 및 상징은 Mnushkina의 작품에서 표현되었으며, 또한 그녀는 줄거리의 필수적인 부분이 된 내러티브에 역사적 문서를 도입했습니다. 놀라운 힘과 압도적인 규모로 시선을 사로잡는 액션은 복잡하면서도 단순합니다. 그의 역 동성, 뛰어난 감성, 동시에 남다른 결단력은 청중에게 큰 인상을 남길 수 있었다.

A. Mnushkina의 다음 작품 인 프랑스 이주 노동자의 삶에 대해 이야기하는 연극 "The Golden Age"(1975)는 dilogy를 준비하면서 시작된 사회적 투쟁이라는 주제의 연속이었습니다.

동시에 태양 극장의 레퍼토리에는 여러 고전 연극이 포함되었습니다. 그래서 1981/1982 시즌에 팀은 셰익스피어의 "Richard II"와 "Twelfth Night"를 청중에게 선보였습니다. 전례없는 성공을 거둔이 공연은 올해 최고의 공연을위한 Dominique Prize와 드라마 비평가 대상이라는 두 개의 권위있는 상을 수상했습니다.

XX 세기의 90 년대 초 프랑스의 많은 극장에 연극 학교가 등장하여 젊은 세대의 배우를 준비했습니다. 그중 가장 유명한 학교는 Chaillot 극장, Amandieu 극장, 마르세유 신 국립 극장 등의 학교였습니다.

같은 시기에 여러 대도시 극장의 경영진이 교체되었습니다. 장 피에르 뱅상은 그 후 코메디 프랑세즈의 총관리인이 되었고, 장 피에르 미켈은 파리 극예술 음악원의 수장이 되었습니다. 파리의 교외 극장.

현재 프랑스에서는 연극 예술이 번성하고 있습니다. 노장 연출의 거장들과 함께 젊은 연출가들이 수도권과 지방극장에서 활발히 활동하며 공연예술의 새로운 시도를 위해 노력하고 있다. 연기 하늘에도 청춘 스타들이 등장한다. 대부분의 프랑스 극장의 레퍼토리에는 국내외 고전의 연극과 재능있는 젊은 작가의 극작술이 평화롭게 공존합니다.

논문 초록 전문 "19-20세기 초 프랑스 연극의 새로운 형태와 장르"를 주제로

원고로

Kuzovchikova Tatyana Igorevna

19-20세기 초 프랑스 연극의 새로운 형식과 장르

전문 분야 17.00.01 - 연극 예술

미술 비평 후보 학위 논문

상트페테르부르크 2014

이 작업은 Federal State Budgetary의 외국 예술부에서 수행되었습니다. 교육 기관고등 전문 교육 "St. Petersburg State Academy of Theatre Arts"

과학 고문: 예술 박사, Maksimov Vadim Igorevich 교수

공식 상대:

Gracheva Larisa Vyacheslavovna, 예술 박사, 교수, 상트 페테르부르크 주립 연극 아카데미 연기과 부교수

Semenova Marianna Borisovna, 예술사 후보, Baltic Institute of Ecology, Politics and Law (BIEPP) 부교수

리드 조직:

연방 주 예산 연구 기관 "주 예술 연구소"

주소: 191028, St. Petersburg, Mokhovaya st., 35, room 512에 있는 St. Petersburg State Academy of Theatre Arts의 논문 위원회 D 210.017.01.

논문은 St. Petersburg State Academy of Theatre Arts(Mokhovaya st., 34) 도서관에서 찾을 수 있습니다. 초록은 2014년에 발송되었습니다.

과학비서관

논문심의회^^

예술 비평 후보 Nekrasova Inna Anatolyevna

프랑스의 19-20세기 전환기는 거의 동시에 발생하는 이질적인 예술적 경향의 대립으로 표현되는 미학적 절충주의의 시대입니다. 학문적, 상업적 전통을 지닌 논쟁 속에서 자연주의, 상징주의, 신낭만주의, 근대성의 미학이 연극에서 형성되고 있다. 전통적으로이 기간은 일반적으로 시대의 두 가지 주요 예술적 방향 인 자연주의와 상징주의에서 동시에 주장되는 감독 극장의 형성시기로 간주됩니다. Andre Antoine, Paul Faure, Aurélien-Marie Lugnier-Pau의 연극 관행, 오늘날 세계 극장의 발전에 대한 기여는 국내외 연극 연구에서 어느 정도 자세히 연구되었습니다.

예술적 전체로서의 공연에 대한 이해는 분위기, 문체 통일성, 작가의 시학, 조형과 같은 개념을 전면에 내세웠습니다. 자연 스러움에 대한 열망, 삶의 진실은 은유적이고 조건부 극장에 반대했지만 일반적으로 Libre Theatre와 Theatre d "Ar, Evre Theatre 모두 연극 모델을 극복하는 것을 목표로했습니다. 19세기 연기극의 전통 이러한 필요성은 여러 면에서 외부 이벤트 시리즈(M. Maeterlinck의 "정적 극장" 개념)를 거부하는 "새로운 드라마"의 출현으로 인해 발생했습니다. , 영웅에 대한 일반적인 이해와 극적 갈등은 감독의 이해력을 요구하며 극장에 새로운 요구를 제기했습니다.

동시에 프랑스에는 동일한 문제를 해결하는 대안적인 형태를 제공하는 또 다른 중요한 연극 문화 계층이있었습니다. 1894년 비평가 A. Aderé는 이 현상을 "le théâtre à côté"1라고 불렀는데, 이는 "옆집 극장" 또는 "길가 극장"으로 번역될 수 있습니다. 작가는 이런저런 현상의 역할을 정하는 목표를 세우지 않고, '길가극장'을 아마추어 환경으로,

1 Aderer A. Le Théâtre à côté. 1894년 파리.

프로의 세계. 그러나 19-20세기로 접어들면서 '길가의 극장'은 아데르의 정의를 넘어 독자적인 예술 현상으로 발전하게 되었고, 이 시기의 미적 절충주의는 이질적인 예술의 긴밀한 관계로 표현되었다. 개념. 여기에서 감독의 연극 발전과 관련된 창의적 검색의 얽힘과 유사성이 분명해지며 연극의 개념을 다시 생각하게됩니다. 본 논문에서 '길가극장'은 아마추어 실험과 민간 주도의 과정에서 생겨난 새로운 형식과 장르로 드라마투르기의 원리와 배우의 존재, 디자인을 다시 생각하는 새로운 연극 모델을 담고 있다고 본다. 공연의. 그 중 카바레, 그림자극, 인형극, 공포극 그랑기뇰 등 네 가지 등척 현상이 눈에 띈다.

어떤 예술적 움직임에도 고착하지 않고 Belle époque (Belle époque, Belle Epoque)의 대안 연극 문화는 다양성에 대한 반응이되어 장르와 특정 경계의 이동에 기여했습니다. 인형극, 그림자극, 가면극, 카페콘서트, 대중오락문화는 이미 수백년의 역사를 가지고 있거나 과거의 유사한 현상에 깊은 배경을 가지고 있다. 19-20세기로 접어들면서 드라마틱한 극장의 그림자 속에서 항상 개별적으로 발전하고 있으며, 19-20세기로 접어들면서 권리 면에서 동등해지고, 당시의 현실에 가장 먼저 반응하고 서로 쉽게 상호 작용하여 문제를 해결합니다. 20세기 연극 언어. 새로운 드라마투르기, 새로운 장르, 새로운 표현 수단, 무대 이미지를 창조하는 새로운 방식(가면, 그림자, 꼭두각시, 자연주의적 장치) 분야에서의 그들의 실험은 연극적 자연주의, 상징주의, 근대성의 미학을 확장하고 근본적으로 수정했습니다.

벨 에포크의 특정 연극 형식과 장르에 대한 서양 과학의 관심 증가에도 불구하고

감독의 극장 형성과 동일한 경향과 관련된 단일 예술 과정의 구성 요소로 함께 간주됩니다. 창조적 자유와 화해의 대명사가 된 카바레를 시작으로 이 과정은 "le théâtre de spécialité"(문자 그대로: 자체 전문화를 갖춘 극장, 대중의 특정 요구 사항 이 용어는 이 기간의 연극 문화 연구원인 Agnès Pierron)1, 예술 산업의 형성(이 시리즈에서는 물랑 루즈와 같은 상업적으로 성공적인 프로젝트)에 의해 제안되었습니다. 카바레의 제작자는 처음에는 광범위한 청중에게 초점을 맞췄습니다. 자연 주의자 및 상징 주의자의 공연이 평신도를 충격에 빠뜨리는 동안 카바레는 그에게 타협의 환상, 그가 유혹을 받고 있다는 느낌을 제공했습니다. 새로운 제안 된 상황에 익숙해지는 새로운 연극. "도로변 극장"에서 이루어진 발견은 여러 면에서 20세기 아방가르드의 미적 기반을 마련했습니다. 이와 병행하여 이곳에 대중문화산업의 기반을 마련하였다.

논문 연구의 목적은 19-20세기 전환기에 프랑스에서 연극의 새로운 형식과 장르가 출현하는 패턴을 밝히고, 그들의 예술적 탐색의 공통성, 이 시기의 사회문화적 변화.

이 연구의 목적은 19-20세기 전환기의 "대체" 연극 과정에 대한 연구, 감독의 연극 발견과 새로운 형식 및 장르의 상관 관계를 포함합니다. 그림자 극장과 꼭두각시 극장의 은유 적 특성을 통해 카바레와 "공포 극장"의 특성을 통해 새로운 연극 솔루션 검색 시연; 무대 언어의 진화에서 이러한 현상의 역할 결정, 20세기 연극 예술의 발전에 대한 전반적인 기여.

1cm.: Pierron A. 서문 // Pierron A. Le Grand Guignol: Le Théâtre des peurs de la Belle époque. 파리, 1995. P.X.

19-20세기 전환기에 프랑스에서 발생하고 연극적 자연주의와 연극적 상징주의를 넘어서는 "대체" 연극 형식에 대한 포괄적인 연구, 일반 연극 과정과의 상관 관계 및 그 안에서 그들의 위치 결정은 다음을 위해 수행됩니다. 처음으로 작업의 과학적 참신함을 구성합니다. 제시된 현상을 재현하는 데 사용된 대부분의 문서와 자료는 이전에 국내 연극 연구에 관여하지 않았습니다. 많은 공연과 드라마 텍스트가 처음으로 러시아어로 설명되고 분석됩니다.

감독의 연극 형성이라는 맥락에서 19-20세기 초의 새로운 연극 형식과 장르에 대한 연구는 21세기 초 연극에서 일어나는 유사한 과정에 비추어 볼 때 적절해 보입니다. 무대 공간의 전통적인 경계를 넘어 연극 형식(인형, 가면, 그림자, 사물)을 합성하려는 욕구, 관련 예술의 경험을 마스터합니다. 100년 이상 전에 이루어진 많은 발견이 역사적 기억에서 지워졌습니다. 뿌리로 돌아가서 이전 세기의 경험에 대한 연구를 통해 연극 예술의 발전 패턴을 재고하고 오늘날의 연극 실험을 재고하는 데 기여합니다.

연구 대상은 19-20세기 초 프랑스 극장이다.

연구 주제는 19-20세기 전환기의 연극적 진화, 감독의 극장.

연구 자료는 다음과 같습니다.

19-20세기 초 프랑스 연극 인물의 이론 출판물 및 선언문;

이전에 러시아어로 번역되지 않은 공연용 극본 및 대본(Sha Noir, Petit Theatre de Marionette, Grand Guignol)

리뷰, 리뷰, 동시대 회고록;

시대의 다양한 역사 및 연극 문서, 포스터, 도상 자료.

연구 방법론은 Leningrad-Petersburg 연극 연구 학교에서 개발한 연극 현상의 분석 및 설명 원칙을 기반으로 합니다. 이 현상을 역사적, 사회 문화적 맥락과 연관시켜 일반적인 연극 과정에서 그 위치를 결정합니다.

연구의 이론적 근거는 다음과 같습니다. 현대 과학 작품극장의 본질과 연극 시스템의 유형에 대해 - Yu.M. 바보이, V.I. 막시모바1; 19-20세기 초 서유럽(특히 프랑스) 극장 연출 문제에 전념한 국내외 전문가들의 기본 작업(L.I. Gitelman, T.I. Bachelis, V.I. Maksimov2; D. Knowles, J. Robichet, D. 바블3); 관련 연구 인문학, 19-20세기 초 프랑스 예술의 미학과 이론(Ch. Rerik, R. Shattak4; V.I. Bozhovich, V.I. Razdolskaya5); 연구 시대의 서유럽 예술의 일반적인 문제에 대한 외국 및 현대 국내 미술 평론가의 작품6.

1 Barboy Yu.M. 극장 이론에. 상트페테르부르크, 2008; 연극학 입문 / Comp. 그리고 각 에드. Yu.M. 바보이. 상트페테르부르크, 2011; Maksimov V.I. Antonin Artaud의 시대. SPb., 2005.

2 바첼리스 T.I. 셰익스피어와 크레이그. M., 1983; Gitelman L.I. 프랑스 무대의 러시아 고전. L., 1978; Gitelman L.I. 20세기 프랑스 연출에 대한 이념적이고 창의적인 탐구. L., 1988; 해외 연출 기술: (20세기 전반): 독자. 상트페테르부르크, 2004; 프랑스 상징주의. 드라마투르기와 연극 / Comp., entry. 예술., 코멘트. 그리고. Maksimov. SPb., 2000.

3 Knowles D. La Reaction idéaliste au théâtre depuis 1890. 파리, 1934; Robichez J. Le Symbolisme au théâtre: Lugné-Poe et les débuts de l "OEuvre. Paris, 1957; Bablet D. La Mise en scène contemporaine: (1887-1917). Paris, 1968.

4 리어릭 채널. 벨 에포크의 즐거움. 뉴 헤이븐; 런던, 1985; Shattuck R. Les primitifs de l "아방가르드: (Henri Rousseau, Erik Satie, Alfred Jarry, Guillaume Apollinaire). (The Banquet years). 파리, 1974.

5 Bozhovich V.I. 예술의 전통과 교류: (프랑스, 19세기 말~20세기 초). M., 1987; Razdolskaya V.I. 19세기 후반 프랑스 미술. 엘., 1981.

6 아르누보: (1890-1914). 런던, 2000; 독일 M. 모더니즘: (20세기 전반기 예술). 상트페테르부르크, 2008; 키리첸코 I.E. 현대의. 기원과 유형에 대한 질문에 // 소비에트 미술사 "78. Issue 1. M., 1979. S. 249-283; Sarabyanov D.V. Modern : History of style. M., 2001.

주제에 관한 문헌은 고려 중인 네 가지 현상에 따라 네 그룹으로 나눌 수 있습니다. 1) 카바레; 2) 그림자 극장; 3) 인형극; 4) 그랑 기뇰.

1. 일반적으로 러시아 과학에서 19-20세기 전환기의 카바레는 다양한 예술1의 현상을 의미하며, 이는 미적 진화의 맥락에서 확실히 사실입니다. 20세기 초 유럽 전역을 휩쓴 카바레는 서구 연구자들 사이에서 끊임없는 관심을 불러일으키고 있다. 그러나 그것은 주로 문화적 현상2으로 연구됩니다. 동시대 사람들이 모델로 인식 한 파리 최초의 예술적 카바레 인 카바레 Sha Noir3 (Black Cat)에 특별한 장소가 주어집니다.

카바레를 새로운 형태의 연극으로 간주하는 것은 M.M.에 의해 처음 제안되었습니다. Bonch-Tomashevsky는 1913년 기사 "The Theatre of Parody and Grimace"4에서 카바레의 기본 원칙을 공식화했으며 이후 감독의 극장에서 채택했습니다. 그 중에는 무대 경사로의 제거, 스펙터클 분위기의 원리, 홀에서의 액션 방출, 즉흥 연주와 공연 스타일의 구성 요소로서의 그로테스크, 배우의 "보편성", 창조 가면은 무대 위의 존재를 위한 필요조건으로, 부정과 조롱은 카바레의 창조적 성격의 기반이 된다.

N. K. Petrova 1985 "몽마르뜨의 연극 예술 (작은 형태의 극장 형성

1 우바로바 E.D. 버라이어티 극장: 미니어처, 리뷰, 뮤직 홀(1917-1945). M., 1983; 클리틴 S.S. 무대예술의 역사. SPb., 2008.

2 Astre A. Les cabarets littéraires et artistiques // Les spectacles a travers les ages: (Théâtre. Cirque. Music-Hall. Café-concerts. Cabaret artistiques). 파리, s.a. T. 1. P. 327-364.; 리어릭 Ch. 벨 에포크의 즐거움; 몽마르뜨와 대중문화의 형성 뉴브런즈윅; 뉴저지; 런던, 2001; Appignanesi JI. 카바레. M., 2010.

3 Le Chat Noir: (1881-1897). Les dossiers du Musée d "Orsay. Paris, 1992; Fields A. Le Chat Noir: (A Montmartre Cabaret and its Artists in Tum-of-the-Century Paris). Santa Barbara, 1993; Oberthür M. Le cabaret du Chat Noir à 몽마르뜨(1881-1897), 제네바, 2007.

4 Bonch-Tomashevsky M.M. 패러디와 얼굴을 찡 그리기의 극장. (카바레) // 마스크. 1912-1913. 5번. 20-38쪽.

프랑스어 연극 문화 19세기 말) 예술적 카바레 (Cha Noir의 예), Montmartre chansonniers의 예술, 19 세기 후반의 "자발적"극장 (저자는 Moulin de la Galette와 같은 Montmartre의 무도회를 언급 함)은 별도의 형식으로 제공됩니다. 장. N. K. Petrova는 카바레뿐만 아니라 일반적으로 Montmartre 현실을 탐구합니다. 그것을 사회 문화적 변화의 반영이자 당시의 삶의 특징 인 연극 화의 결과로 간주합니다. 연구의 부인할 수 없는 가치(시대에 대한 설명, 제시된 다양한 현상, 자료의 참신함)에도 불구하고 텍스트에는 다소 추상적인 특성이 많이 포함되어 있습니다. 각각의 화려한 이벤트는 극장에 기인하고 각 공연은 항상 정당화되지 않고 항상 문서화되지 않는 공연에 기인합니다. 우선, 이것은 Sha Noir2 공연에 대한 설명과 관련이 있습니다.

카바레3의 역사에 관한 Harold Segel의 모노그래프는 그 종류가 독특합니다. 유럽 ​​문화카바레와 개발의 역학을 보여줍니다. 캬바레의 형성을 요약한 서문에서 저자는 극장과의 상호 작용을 검토하여 캬바레가 "작은 형태의 예술"의 권리를 확립했다는 근본적인 결론을 내렸고 Segel은 "장르로 구성된 예술은 전통적으로 고급 문화"4와 관련하여 부차적이거나 중요하지 않은 것으로 인식되었습니다(그 중에는 노래, 패러디, 인형극 등).

2. 10년 동안 Cha Noir에 그림자 극장이 있었다는 사실 때문에 프랑스 카바레 문화에서 두각을 나타내고 있습니다. Sha Noir에 대한 일반적인 연구에서 그림자 극장은 하나의 것으로 간주됩니다.

1 페트로바 N.K. 몽마르뜨의 연극 예술(작은 형태의 극장 형성

19세기 말 프랑스 문화). 디스. ...캔. 미술사. M., 1985. 참조: 같은 책. 22-32쪽.

3 Segel H.B. 세기 전환기 카바레: (파리, 바르셀로나, 베를린, 뮌헨, 비엔나, 크라쿠프, 모스크바, 상트페테르부르크, 취리히). 뉴욕, 1987.

4 동일한. P. XVI.

카바레의 구성 요소에서; 그들은 극장의 기술적 특징, 이전 전통과의 근본적인 차이점을 분석하지 않습니다. 반대로 Cha Noir가 별도의 장에 전념하는 그림자 극장의 역사에 관한 전문 작업1에서는 동유럽 및 유럽 그림자 극장 전통과 관련된 기술에 주된 관심을 기울입니다. 이것은 시대의 문화적 맥락, 카바레의 개성을 고려하지 않고 그림자 공연의 독립적인 예술적 가치를 평가하지 않습니다.

예외는 카바레 문화의 일부로 간주하여 그림자 극장 레퍼토리의 분류를 제안한 Cha Noir의 동시대인 Paul Jeanne의 모노그래프입니다. 비평가 Jules Lemaitre3의 자세한 리뷰, 동시대인의 리뷰 및 회고록, 포스터 텍스트, 도상학적 자료를 통해 일부 그림자 공연을 재구성하여 상징주의 및 현대성의 미학과 연관시킬 수 있습니다.

3. 19-20세기 초 인형극 실험은 비교적 최근에 외국 연구자들에게 과학적인 관심을 끌게 되었다4; 러시아 연극 연구에서 그들은 여전히 ​​무시됩니다. 비인격적 연극의 개념에 직접적인 영향을 미친 새로운 연극적 아이디어를 구현하는 도구로서의 꼭두각시 인형은 20세기 모더니스트 예술 시스템의 배우에게 바쳐진 Didier Plassard의 논문과 논문에서 고려됩니다. Helene Beauchamp6의

1 Bordât D., Boucrot F. Les théâtres d "ombres: Histoire et techniques. Paris, 1956; Blackham O.

그림자 인형. 런던, 1960년; Cook O. 2차원적 움직임: (영화 촬영의 차원에 선행한 애니메이션 및 투사된 그림에 대한 연구). 런던, 1963. 1 Jeanne P. Les théâtres d "ombres à Montmartre de 1887 à 1923: (Chat Noir, Quat"z "arts, Lune Rousse). 파리, 1937.

3 예를 들어 다음을 참조하십시오. Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de théâtre. 1888년 파리. 2구 시리즈. P. 319-343; Lemaitre J. Le Chat Noir//Lemaitre J. 연극에 대한 인상. 파리, 1891. 5-ème 시리즈. P.347-354.

5 Plassard D. L "acteur en effigie. 로잔, 1992.

6 Beauchamp H. La marionette, 양심 비판 및 실험실 뒤 극장. 사용법 théorique et scénique de la marionnette entre les années 1890 et les années 1930. (벨기에, 프랑스 에스파뉴). 이 de doctorat en littérature comparée. 파리 IV - 소르본. 2007.

19-20세기 초 프랑스, ​​벨기에, 스페인에서 연극 실험을 위한 창의적인 실험실로 인형극을 연구합니다. Beauchamp 논문의 구조는 동일한 현상이 다른 측면(종교와의 관계, 연극 전통, 사회 문화적 상황 등)에서 반복적으로 나타나는 방식으로 구축되어 향후 발전에 대한 전반적인 기여도를 평가하는 데 방해가 됩니다. 극장의.

4. 19-20세기 전환기에 가장 많이 연구된 "대체" 연극 현상은 그랑 기뇰의 "공포 극장"입니다. 그것은 또한 대중문화로의 전환을 의미하기 때문에 프레젠테이션의 유형 측면에서 가장 도식적입니다. 인상적인 유산을 남기고 영화 산업에 영향을 미친 Grand Guignol은 서부에서 여러 논문을 받았습니다. 그 연구에 대한 특별한 공헌은 프랑스 연극 연구자 A. Pieron에 의해 이루어졌으며 그의 편집하에 Grand Guignol 드라마의 기본 선집이 출판되었습니다2. 이 극장의 긴 창작 생활은 서문과 자세한 설명에서 재현됩니다.

국내 과학자 중에는 E.D. Galtsov, F.M.의 "Notes from the Underground"준비와 관련하여. 도스토옙스키3. 과학적 관심의 중심에는 프랑스 무대에서 처음으로 상연 된 Dostoevsky의 텍스트, 러시아 고전에 대한 프랑스 해석, 무대와 원작의 상관 관계가 있습니다.

현대 프랑스 연극 연구에서 19-20세기 전환기에 극장의 거의 연구되지 않은 특정 플롯에 대한 관심이 증가하고 있습니다. 예를 들어 2006년 기사 모음에서 다양한 각도에서 제시됩니다.

1 Riviere F., Wittkop G. Grand Guignol. 파리, 1979; Hand R.J., Wilson M. Grand-Guignol: (프랑스 공포 극장). 엑서터, 2002.

2 르 그랑 기뇰. Le Théâtre des peurs de la Belle Époque / Éd. 테이블 par A. Pierron. 파리, 1995; 참조: Pierron A. Petite scène à grands effets au Grand-Guignol // Le Spectaculaire dans les arts dans la scène: du Romantisme à la Belle Époque. 파리, 2006. P. 134-137.

3 Galtsova E.D. 파리지앵 공포극장 그랑 기뇰의 "지하로부터의 노트" // 텍스트에서 무대까지: 19-20세기 러시아-프랑스 연극적 상호작용: 토. 조항. 모스크바, 2006, pp. 29-47.

"공연예술의 스펙터클: (낭만주의에서 벨 에포크까지)"1. 특히 흥미로운 것은 A. Pieron의 "The Small Stage and the Great Effects of the Grand Guignol", "The Temptation of the Shadow Theatre in the Age of Symbolism", "The Song, the " Belle Epoque의 공연" O. Goetz의 "세기말의 경련 . 판토마임 텍스트 밖의 광경» A. Rikner. 그러나 그것들을 결합하여 하나의 평면으로 고려하려는 시도는 아직 이루어지지 않았습니다. 러시아 연극 연구에서 지금까지 카바레와 부분적으로는 Grand Guignol에만 관심을 기울였습니다 (또한 20 세기 초에 그 아날로그가 상트 페테르부르크에 존재했기 때문입니다)2.

연구의 실질적인 의미는 그 결과가 19 세기와 20 세기 외국 연극사 강의 과정, 팝아트, 인형극의 역사에 관한 특별 과정에서 사용될 수 있다는 사실에 의해 결정됩니다. 검토중인 기간의 프랑스 극장에 대한 추가 연구에서도 마찬가지입니다. 또한 논문은 실험 연극 분야에 관심이 있는 무대 실무자에게 흥미로울 수 있습니다.

연구 결과의 승인. 논문 연구의 결과는 저널 및 과학 출판물의 저자에 의해 여러 기사에 게시됩니다. 또한 과학 대학원 회의 보고서(St. Petersburg, SPbGATI, 2010; Minsk, BGAI, 2010; Brno(체코), JAMU, 2011); 국제 회의 "인형의 예술: 기원과 혁신"(Moscow, STD RF - S.V. Obraztsov, 2013)에서.

논문에 대한 토론은 상트 페테르부르크 주립 연극 예술 아카데미 외국 예술과 회의에서 이루어졌습니다.

작업 구조. 논문은 서론, 4개의 장, 결론, 러시아어, 프랑스어 및 영어로 된 참고 문헌 목록(230개 이상의 제목)과 두 개의 부록으로 구성됩니다.

1 Le Spectaculaire dans les arts de la scène: (Du romantisme à la Belle époque). 파리, 2006.

2 참조: Tikhvinskaya L.I. 실버 에이지 연극 보헤미아의 일상. M., 2005.

첫 번째는 극장 레퍼토리, 대본 번역 및 연극 발췌문을 포함하고 두 번째는 도상 자료를 제공합니다.

소개는 연구 주제의 선택과 관련성을 입증하고 문제의 발전 정도를 결정하며 작업의 주요 목표와 목표, 방법론 원칙을 공식화합니다. 러시아어, 프랑스어 및 영어로 발행된 문제에 대한 문헌 분석이 제공됩니다.

서론은 또한 문화, 과학 및 예술의 모든 영역에서 세계적인 격변이 일어나고 있는 19-20세기 전환기인 벨 에포크 시대 프랑스의 연극 및 일반 문화 상황을 조사합니다. 이때 모든 유형의 예술은 "그 형상 구조의 급진적 재구성"1 단계에 들어갑니다. 연극 분야의 근본적인 변화는 학문주의와 상업적 전통과의 논쟁에서 발전하여 자연주의와 상징주의라는 두 가지 예술적 방향으로 동시에 주장하는 감독 극장의 출현과 관련이 있습니다. 동시에 신낭만주의와 근대성의 연극적 미학이 형성되고 있다.

이 주제의 기원이 되는 A. Adere의 저서 "Roadside Theatre"를 분석합니다. 유익한 성격에도 불구하고 여기에서 처음으로 "극장에 가까운"과정의 이질적인 현상을 통합하려는 시도가 이루어졌습니다. 그러나 19세기와 20세기로 접어들면서 '길가 극장'은 감독의 극장 개혁을 반영하고 보완하는 독립적인 예술 현상으로 변모한다. 또한 서론은 논문에서 고려할 현상의 범위를 설명하고 그 선택을 입증하며 각각에 대한 일반적인 설명을 제공합니다.

세 개의 섹션으로 구성된 첫 번째 장인 "Cabaret"에서 카바레는 효과적인 창의성의 새로운 독립적인 형태로 탐구되며,

1 Bozhovich V.I. 예술의 전통과 교류: (프랑스, 19세기 말~20세기 초). 다.4.

무대 이미지를 만드는 법칙, 무대와 관객의 관계, 공연자와 대중의 존재 조건.

카바레와 감독의 극장이 거의 동시에 프랑스에서 등장했음에도 불구하고 서로 교차하지 않았습니다. 프랑스 카바레는 그 자체로 극장이 아니었습니다. 그것은 삶과 무대 창조성의 기초로서 연극의 길을 제안했으며, 그 본질은 나중에 H.H. Evreinova: "극성은 현실의 형태와 현상을 표현하는 것이 아니라 삶 자체가 채택하는 원래의 미적 형태를 창조하는 것을 목표로 하는 형태 구축 메커니즘으로 나타납니다."1. 1908년 연극성에 대한 사과에서 Evreinov는 용어에 대해 다음과 같이 정의했습니다. 아름답게 양성자화 된 단어 하나는 무대와 풍경을 만들고 현실의 족쇄에서 우리를 쉽고 즐겁게 그리고 반드시 해방시킵니다. 이러한 연극성에 대한 이해는 근대성의 미학에 속한다. 그것은 프랑스 카바레의 발전 방향에 해당하는 예술의 도움으로 삶의 변화라는 논문을 기반으로합니다. O. Norvezhsky는 자신의 창의적인 검색을 다음과 같이 정의했습니다. 극장의 상징주의에 대한 반응으로 연극적 근대성의 형성이 시작된 것은 프랑스의 카바레에서였다.

"Origins" 섹션은 파리에서 가장 유명한 카바레인 Chas Noir(1881-1897)의 탄생 역사를 보여줍니다. Belle Epoque의 문화 중심지인 Montmartre의 미학적 현상을 보여줍니다. "비극"을 마스킹하는 카바레

1 주로바 T.S. H.H. 에브리노바. SPb., 2010. S. 15.

2 에브레이노프 H.H. 그러한 극장 // Evreinov H.H. 연극 악마. 중.; SPb., 2002. S. 40-41.

3 Norwegian O. Cabaret // 극장과 예술. 1910. 10호. S.216.

일상 생활"축제 연극은 미적 취향과 예술적 논리에 따라 자체 법에 따라 생활하는 국가 내의 국가 인 젊은 예술적 보헤미아의 "자유 도시"인 몽마르뜨의 상징이되었습니다. 다음은 자칭 몽마르뜨의 왕인 Chas Noir의 유명한 감독인 Rodolphe Saly(1851-1897)의 비범한 성격입니다. Sali의 행정적 재능과 창의적인 재능 덕분에 Cha Noir는 유럽 전역에서 대량 모방을 일으킨 카바레 모델이 되었습니다. 샤느와르를 지배했던 미학적 절충주의는 19세기와 20세기로 접어드는 문화 전체에 투사된다. 예술이 스스로를 재검토하는 동안 카바레는 지붕 아래에서 다양한 예술 운동의 대표자들을 화해시켜 창조적 자유의 상징이자 창조적 힘이 집중되는 장소, 서로의 자유로운 상호 작용이되었습니다. 처음으로 청중이 창의성의 비하인드 스토리를 볼 수 있도록 살롱과 부스의 전통을 통합하고 그 순간까지 "풀뿌리 문화"에 속했던 연극 형식과 장르에 대한 실험에 박차를가했습니다.

'저녁의 구성' 섹션에서는 카바레 공연을 구성하는 법칙, 엔터테이너의 모습이 갖는 의미, 무대 위 퍼포머의 존재 원리 등을 분석한다.

추진력과 즉흥 연주가 저녁의 주요 법칙이었고 아이러니와 부정이 주요 방향이었습니다. 연예인 (이 전통의 창시자는 Sali였습니다)의 웅변과 재치, 현대 문제에 대한 인식, 홀과 무대를 결합하는 능력, 일련의 숫자 논리를 구축하는 능력이 필요했습니다. 자신의 개성에 정확한 예술적 계산을 곱한 것은 카바레 이미지를 만드는 기본 법칙입니다.

카바레 공연의 전통은 샹소니에의 작품에서 특히 생생하게 드러났다. 카바레는 일종의 "샹소니에 극장"이 됩니다. “무대에 혼자 있는 샹소니에들은 연주자이자 연주자였습니다.

그들의 공연 감독. 배우보다 변화의 대상이 적습니다 ... 그들은 개별 유형을 개발하고 신체 데이터, 매너, 제스처, 의상을 지속적으로 개선했습니다. 마침내 형성된 이 유형은 첫눈에 알아볼 수 있는 얼어붙은 이미지로 변했습니다...”1. cabareteur의 이미지는 거의 마스크 수준으로 가져 왔으며 그 뒤에는 특정 가소성, 말투 및 행동 방식이 지정되었습니다. 연극적 전통과 달리 가면은 연기자를 숨기는 것이 아니라, 오히려 자연스러운 모습을 과장하여 무대로 변형한 인물의 초상이었다. 동시에 카바레티어는 그가 단번에 만든 무대 이미지의 인질이되었습니다. 공연 전통의 근간이 되는 개별 가면인 카바레의 비극적 희극성은 당대 최고의 샹소니에인 아리스티드 브뤼앙과 이베트 길베르의 작품을 통해 드러난다. , 작품으로 관객을 자극하는 퍼포머의 생생한 이미지.

"Creating the Atmosphere" 섹션은 각 카바레의 전체론적 이미지뿐만 아니라 세심하게 고려한 스타일과 인테리어 세부 사항에 중요한 생명을 창조하는 행동과 사기에 전념합니다.

일반적으로 프랑스 카바레는 완전한 미적 모델을 제공했으며 나중에 독일과 러시아의 감독 극장에서 마스터하게 될 것입니다. 연극에 기반한 무대와 홀 간의 새로운 관계 시스템을 통해 카바레는 램프를 폐지합니다 공연에 시청자를 포함합니다. 새로운 공연 스타일(cabareteer mask), 장르의 혼합(tragifarce) 및 특정 경계의 이동(song-performance). 시간이 지남에 따라 카바레는 원래 유사했던 다양성의 예술로 이동합니다. 그러나 카바레 내부의 연극 법칙의 확산은 Sha Noir에서 일어난 것처럼 그를 독립적인 연극 실험으로 이끌지 않을 수 없었습니다.

1 Goetz O. La chanson, "spectacle" de la Belle Epoque // Le spectaculaire dans les arts de la scène (Du romantisme à la Belle Epoque). P.152-153.

두 번째 섹션인 "Shadow Theatre"는 두 섹션으로 구성되어 거의 10년 동안(1886년 12월부터 1897년 초 카바레가 문을 닫을 때까지) 카바레 Chas Noir의 그림자 극장에 전념합니다. 대중을 위한 주요 행사이자 Sha Noir 직원을 위한 주요 업무인 동안 모든 예술적 힘과 모든 재정 비용이 이 행사로 향했습니다. 레퍼토리의 분류가 주어지고, 가장 중요한 공연이 분석되고, 무대의 기술적 배치, 그림자 인물을 만드는 기술이 설명됩니다.

그림자 표현은 오랫동안 유럽인에 의해 어린이의 인식에 가장 적합한 형태로 인식되었습니다. 19세기 말 그림자 극장의 인기는 동양에 대한 관심 증가 등 여러 가지 요인에 기인했다(샤 누아르의 공연은 극장 창시자 앙리 리비에르가 만든 일본 판화의 직접적인 영향을 받았다) 좋아했다); 상징주의 연극 미학에 대한 근접성 (플라톤의 동굴에 대한 아이디어); 마지막으로, 이 기간 동안 그래픽의 부상 (그림자 극장의 제작자 중에는 세기 전환기의 유명한 그래픽 아티스트 인 Rivière, Karan d "Ash, Adolphe Villette, Henri Somme). 첫 번째 공연의 기초는 카바레 신문에 정기적으로 실린 일련의 그림과 캐리커처1. 따라서 영화 촬영의 탄생 직전에 애니메이션 이미지 예술은 관객의 특별한 관심을 불러 일으켰습니다.일반 연극 과정에서 저자의 독립 덕분에 , 전통을 다루는 그들의 용이성, Sha Noir는 그림자 극장의 유럽 전통을 수정했습니다: 어린이를 위한 광경에서 일반화되고 철학적인 예술로 바뀌었습니다. 화면 캔버스.

Sha Noir 아티스트는 그림자 극장의 역사에 깊이 들어 가지 않고 화면 표면을 구성의 변화가 추가 된 그림으로 간주했으며 그 자체로 근대성의 미학을 나타냅니다. 모양

1 Cha Noir에 이어 거의 모든 카바레가 자체 신문을 발행했습니다.

Cha Noir의 공연은 V.I. Maksimov는 "예술 종합의 모더니스트 구현의 전형"이었습니다. 이미지의 리드미컬한 변화, 인물의 집합적 움직임의 일관성, 여러 계획의 조합, 이미지의 선형 모델링, 스타일화는 현대성의 형성 원칙이며 Sha Noir의 공연에 구현됩니다.

공연은 "역사의 그림자"라는 두 그룹으로 나뉩니다. 대규모 구성을 역사적, 전설적, 성경 이야기; "Contours of Modernity" - 종종 카바레 신문의 페이지에서 게시되는 현대 주제에 대한 스케치 및 스케치.

"역사의 그림자"섹션은 Sha Noir 그림자 극장의 창시자, 리더, 발명가 인 Henri Riviera의 창의적인 전기를 분석합니다. 가장 중요한 공연은 "The Epic"(1886), "The Temptation of St. Anthony"(1887), "Behind the Guiding Star"(1890)로 군중 이미지와 그 위에 우뚝 솟은 영웅이 경로의 방향을 설정합니다. 웅장한 나폴레옹 승리에 대한 공연 인 Karan d' Ash의 Epic 덕분에 그림자 극장은 대중의 인정을 받았습니다. 주목할만한 리뷰는 Epic이 "시청자에게 이전에 알려지지 않은 인상, 이미지의 인상을 준다"고 쓴 평론가 중 한 명입니다. 무대 위의 인간 대중"2 "... 지난 10 년 동안 무대에서 일어나는 일의 현실에서 가장 강력한 충격은 실제 총으로 무장하고 실제 옷을 입은 실제 군인에게서받지 못했습니다. , 그러나 인위적인 유사성을 사용하여 만들어졌으며 모든 "3 "대중 장면"중 가장 연약하고 가장 눈에 띄지 않는 장면이 가장 기억에 남게되었습니다. 캐릭터의 개별화에 대한 근본적인 거부, 집단적 움직임의 일관성이 느낌을 만들었습니다.

1 Maksimov V. Antonin Artaud의 시대. S.101.

2 Talmeyr M. La Foule en scène: (A propos de l "Epopée de Caran d" Ache) // La Revue d "Art Dramatique. 1887. 15 janv. P. 75.

3 동일한. P.78.

이 모든 영웅들은 하나의 영혼에 의해 인도되며 엄청난 가능성을 가지고 있습니다.

"슈퍼 영웅"을 찾기 위해 그림자 극장의 제작자는 역사 ( "The Conquest of Algeria", 1889), 성도의 삶 ( "Saint Genevieve of Paris", 1893), 국가로 향합니다. 서사시("Roland", 1891), 신화("Sphinx", 1896), 심지어 미래("The Night of Times, or the Elixir of Youth", 1889)까지. 16 개의 그림 (그림-Vignola, 단어 및 음악-Georges Fragerol)의 "전설적인 서사시"인 "Sphinx"에서 극장이 문을 닫기 1 년 전에 발표되었으며 영웅은 스핑크스가 의인화 한 이야기 ​​자체가되었습니다. : "수세기는 서로 이어지고, 사람들은 왔다가 떠납니다. 이집트인, 아시리아인, 유대인, 페르시아인, 그리스인, 로마인, 아랍인; 십자군, 나폴레옹 군대, 수많은 영국군 병사들-그들은 모두 결국 홀로 차갑고 신비한 스핑크스의 장엄하게 누워있는 모습을지나갑니다. 1896년에 보여진 사람들의 행렬은 1890년처럼 더 이상 "안내하는 별"을 따르지 않았고, 안내자를 전혀 찾지 않았습니다. 움직임의 방향은 스핑크스가 문자 그대로 파멸의 역할을 하는 역사의 과정에 의해 결정되었습니다.

이러한 연극 형식을 통해 대규모 플롯을 상연할 수 있었습니다. 운명의 주제를 무대로 가져오고 현대 세계관을 통해 제시된 사건의 역사적 과정을 드러내는 것은 모두 극장에 새로운 차원의 일반화와 관습을 부여했습니다. 그림자 공연은 상징주의자들이 설정하고 피에르 퀼라르가 공식화한 일반적인 연극 경향에 부합했습니다.

Contours of Modernity 섹션에는 The Party in Whist(1887), The Golden Age(1887), Pierrot Pornographer(1893)와 같은 공연과 M. Donne - Phryne 및 "Elsewhere"의 희곡을 기반으로 한 두 편의 공연이 포함됩니다. 둘 다 -

1 Cook O. 2차원적 움직임: (영화의 차원에 선행한 애니메이션 및 투사된 그림에 대한 연구). 런던, 1963. P. 76.

인용 인용: Maksimov V.I. 프랑스 상징주의 - 20세기 진입 // 프랑스 상징주의. 드라마투르기와 연극. S.14.

1891). 여기에서 현대 영웅의 이미지가 만들어졌습니다. 공적 생활에서 축소되고 우스꽝스럽고 고의적으로 "새겨지지 않은"이미지는 아이러니 한 표현으로 알아볼 수 있고 시청자에게 가깝습니다. 카바레 정신에 따라 현대적인 주제에 대한 공연은 주변 현실에 대한 논평이었습니다. 그들은 극도의 회의주의와 이상에 대한 열망을 결합한 세기 전환기의 세계관을 반영했습니다.

Sha Noir의 그림자 공연의 특징은 음악과 가사가 보조기구, 연속적인 "애니메이션 사진"의 효과를 향상시켜 조화로운 통일성을 형성하도록 설계되었습니다. 작품의 문체 적 무결성, 공연의 모든 요소의 역동적 일관성 덕분에 일어나고있는 일의 진정성 느낌이 만들어졌습니다. 그림자 극장은 프랑스 카바레 문화의 반영이 되었으며, 프랑스 카바레는 세기 전환기의 어떤 예술 운동도 지원하지 않았습니다. 자연주의의 객관성과 학문적 범위는 "패러디 연극과 찡그린 얼굴"의 법칙을 통해 굴절됩니다. 동시에 샤느와르의 그림자 연기는 캬바레의 미학적 개념을 넘어 고유한 연극적 문제에 대한 해법을 모색하는 독립적인 연극적 현상이 되었다. 실루엣의 은유적 특성, 그림자 형상은 화면의 이미지를 단위로 하는 현대 무대 언어를 만드는 데 자원이 되었습니다.

두 개의 섹션으로 구성된 세 번째 장인 "인형 극장"은 Petit Theatre de Marionette (Little Puppet Theatre, 1888-1894)의 관행과 기뇰을 사용한 Alfred Jarry의 연극 실험 (cabaret Katz "Ahr, 1901)을 분석합니다. ) - 전통적인 유형의 인형극.

Sha Noir의 경험은 전통적인 인형극 형식의 예술적 잠재력을 드러내고 그 은유적 특성을 보여주었습니다. J. Sadoul은 Cha Noir가 영화의 성공을 간접적으로 준비했다고 썼고, "시각적 퍼포먼스가

실제 배우가 연기하는 연극만큼 대중에게 성공할 수 있습니다. Sha Noir 덕분에 처음으로 배우가 의미의 주요 전달자가 아닌 대중의 관심의 중심에 연극 형식이 나타났습니다. 이 경우 그림자 인물은 공연의 요소 중 하나 일뿐입니다. , 무대 구성에 새겨 져 있습니다. 그림자 극장에 이어 다른 인형극 시스템도 주목을 끌었습니다. 라이브 배우.

소개 부분에서는 짧은 리뷰프랑스 인형극의 역사; 주요 기술 시스템이 고려되며, 각각은 1880년대까지 전통에 의해 규제되는 공연의 한 형태였습니다(고정된 레퍼토리, 플랫폼 유형, 꼭두각시 제어 방법 포함).

Symbolists의 첫 번째 연극 실험 2 년 전인 1888 년 파리에 Petit Theatre de Marionette가 문을 열었으며 여러면에서 Theatre d "Ar (1890-1892)의 아이디어를 예상했습니다. 이니셔티브는 작가 그룹에 속했습니다. 세계 드라마의 걸작으로 구성된 새로운 레퍼토리를 대중에게 제공 한 시인 (주요 이데올로기는 Henri Signoret과 Maurice Bouchor입니다.). 예술 프로그램한 시즌 반 동안 극장은 다음과 같은 연극을 상연했습니다. Aristophanes의 Birds, Cervantes의 막간 The Vigilant Guard(둘 다 1888년 5월), 셰익스피어의 The Tempest(1888년 11월), Molière의 초기 희극인 Barboulier의 Jealousy, 중세 드라마 Abraham the 은둔자 » Gandersheim의 Hrothsvita(1889년 4월). 공연 작가들은 객관적인 이상적인 이미지를 만들기 위해 노력했습니다. 그들의 의견으로는 살아있는 사람의 물질성에 의해 침해 될 것입니다. 쁘띠 극장은 인형극의 발전에 영향을 미쳤을 뿐만 아니라

1 Sadul Zh 영화의 일반사: 6권 M., 1958. T. 1. S. 143.

모더니즘에서 발전할 아이디어인 비인격적인 극장 모델의 원형.

모든 꼭두각시 시스템 중에서 Petit Theatre는 탁아소 (문자 그대로 "manger")의 전통을 물려받은 가장 역동적이지 않은 자동 인형, 기계 인형이있는 서유럽 크리스마스 공연으로 전환했습니다. 고전 조각품을 모델로 한 인형은 미니어처 인간 모델이었습니다. 동시에 그들은 감정적 시작을 박탈 당했고 그들의 가소성은 고정 된 몸짓으로 축소되었습니다. 여유로운 멜로디와 결합하여 움직임의 장엄함을 강조한 동상, 정적 미장센은 동시대 사람들이 연극 관습의 구체화를 본 특별한 스타일의 공연을 만들었습니다. "신체의 표의 문자, 기계 연기자는 캐릭터의 무대 존재를 최소한으로, 몇 가지 기본 기호로 줄였습니다."1. 공연 분석을 바탕으로 쁘띠 극장의 실천은 M. Maeterlinck와 G. Craig의 연극 개념과 관련이 있습니다.

1890년에 극장은 이전에 The Tempest를 번역한 시인 Maurice Bouchor가 이끌었습니다. Bouchor가 "현대적이고 새로운 작가의 극장을 만들고 싶었다"는 사실에도 불구하고 그 아래 Petit Theatre는 19 세기 극장의 모델로 전환했으며 이는 주로 그의 극작술 때문이었습니다. 전체적으로 Bouchor는 Petit Theatre에서 종교적 주제에 대한 6 개의 연극을 상연했습니다 : Tobias (1890), The Nativity (1890), The Legend of St. Cecilia (1892), Hayyam 's Dream, Adoration of St. 1892), "Eleusinian 미스터리"(1894). "Tobiah"에서는 초기 연극에서와 마찬가지로 단점이 이미 눈에 띄었습니다. Bushor는 결국 대화와 상황의 습관화 경로를 따라 캐릭터를 "인간화"하고 그들의 행동에 세속적 논리를 도입하려고했습니다.

Alfred Jarry는 Bushor와 반대 방향으로갔습니다. 배우를 "마리오 닝"하는 것에서 인형극으로 전환하는 것입니다. 그의 연극

1 Plassard D. L "acteur en effigie. P. 32.

2 르 고픽 Ch. Le Petit Theatre des Marionnettes // La Revue 백과 사전. 1894. 85호. 6월 15일. P.256.

실험은 "Guignol and Ubu-King" 섹션에서 논의됩니다. Jarry는 또한 배우의 성격이 작품의 인식을 방해한다고 믿었지만 처음에는 "극"Ubyu 왕은 "인형을 위해 쓰여진 것이 아니라 동일하지 않은 인형처럼 연기하는 배우를 위해 작성되었습니다"1. 일련의 연극 경험(1896년 Théâtre Evre에서 King Ubu 제작 포함)을 마친 후 Jarry는 장갑 인형(주인공의 이름을 따서 명명)이 있는 전통 인형극의 일종인 기뇰로 옮겼습니다. Jarry는 배우가 "자신의 역할에 적합한 몸을 특별히 만들어야 한다"고 주장했으며 인형극은 그에게 캐릭터를 직접 모델링할 수 있는 기회를 제공했습니다. 그는 브뤼셀에서 열린 1902년 강의에서 이 발견을 강조했습니다. 우리의 생각” 3.

그래서 1901 년 11 월 파리의 카바레 Katz "Ar (4 예술의 카바레)에서 저자의 참여로 "King Ubu"가 인형으로 연주되었습니다. 액션은 기뇰로 쓴 프롤로그로 시작되고 샹제리제 출신의 전문 인형사가 등장인물들을 지휘하기 위해 데려왔고, 파파 우부의 인형은 작가가 직접 제작했다. 이 경우 기뇰 형식의 선택은 행동을 더욱 비논리적으로 만들어 캐릭터의 그로테스크 한 이미지를 강화합니다.

1 인용. 작성자 : Plassard D. L "acteur en effigie. P. 43.

2 Jarry A. 극장을위한 극장의 쓸모 없음 // 항상 그렇듯이-아방가르드에 대해 : (프랑스 연극 아방가르드의 선집). M., 1992. S. 19.

Jarry A. Conférence sur les Pantins // Les mains de lumière: (Anthologie des écrits sur l "art de la marionnette) / Textes réunis et présentés par D. Plassard. Charleville-Mézières, 1996. P. 205.

전통적인 연극과 새로운 극작술은 "길가 극장"의 정점 중 하나로 간주 될 수 있습니다.

쁘띠극장에서와 마찬가지로 전통 인형극 체계의 철학적 내용은 관객의 지각에 대한 관점을 설정한다. 날카로움, 장터의 무례함, 기뇰의 잔인함까지도 20세기의 연극 신화에 등장한 괴물인 파파 우부(Papa Ubu)의 우스꽝스러운 모습과 유기적으로 결합되었습니다. 반대로 슬로우 모션, 종교 공연을 언급하는 쁘띠 극장 인형의 장엄한 분리는 무대에서 이해할 수없는 이상적인 현실의 분위기를 조성했습니다. 그 발견은 형식의 선택이 이미 그 자체로 무대 콘텐츠를 만들었다는 것입니다. 이러한 꼭두각시 공연은 감독의 인형극의 시작을 예고하며, 더 넓게는 극장 전반에서 조형 형식의 자유도를 더욱 높이는 원동력이 된다.

네 번째 장인 "Grand Guignol"에는 두 개의 섹션이 포함되어 있으며 Belle Epoque의 "공포 극장"에 전념합니다. 이 극장은 파리에서 가장 범죄가 많은 지역인 피갈(Pigalle) 지구 중심에 있는 이전 예배당 건물에 위치했습니다. 1897년에 문을 연 그랑 기뇰은 "장소와 장르를 동시에 나타냈으며"1, 대중의 지칠 줄 모르는 관심으로 두 차례의 세계 대전을 이겨냈고 파리의 명소 중 하나가 되었으며 1962년에야 존재를 마감했습니다. 대중문화. 이 장은 극장의 구조를 설명하고 장르의 주요 특징을 제공하며 공포 장르의 고전적인 공식 제작자 인 연극 감독 Max Moret, 극작가 Andre de Lorde 및 그의 공동 저자 인 심리학자 Alfred Binet의 성격을 조사합니다. , 특수 효과의 거장 Paul Ratineau.

Grand Guignol-성인을위한 기뇰은 세기 전환기의 범죄 연대기를 무대에 올렸습니다. 주인공의 뒤를 쫓는 범죄적 과거의 흔적(기뇰 공연은 경찰에 의해 통제됨)인 전통적인 기뇰의 본질에 도덕의 범주가 없다는 점은

1 Pierron A. 서문 // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P.II.

그러나 꼭두각시 극장과는 전혀 관련이없는 새 극장의 이름 선택에 영향을 미칠 수 없습니다. A. Pierron은 Grand Guignol에 대한 연구를 요약하여 역사적, 문학적 전제 조건에도 불구하고 "극한 상황과 초월적인 감정의 극장"1이라는 완전히 새로운 장르라고 결론지었습니다.

"분위기의 드라마" 섹션에서는 웅장한 기뇰 공연을 구성하는 기본 법칙에 대해 설명합니다. Max Moret는 André Antoine의 전 협력자로서 초기 Théâtre Libre를 보았던 그의 전임자이자 극장 설립자 Oscar Methenier가 이미 발견한 것을 사용했습니다. Moret는 공연의 모든 구성 요소를 날카롭게 만들었습니다. 낮은 사회 계층의 드라마는 충격적인 인간 범죄에 대한 이야기로 바뀌 었습니다. 도덕성 범주를 폐지 한 Moret는 "분위기의 드라마"라는 정의를 도입하여 흥분과 두려움을 증가시켜 시청자에게 독점적으로 감정적 인 영향을 미쳤습니다 (그와 함께 근무중인 정규 의사가 극장에 나타났습니다. 공연 중 - 관객이 아플 경우). 그는 극적 형식의 간결함을 "시간 기록"(극은 10분에서 40분 동안 지속되어야 함)의 개념으로 번역했고, 드라마와 코미디의 교대를 심리적 이완에 필요한 "콘트라스트 샤워" 기술로 번역했습니다. 그랑 기뇰의 시그니처 스타일. 마침내 모레 아래에서 연극의 자연주의적 효과는 도달했다. 가장 높은 학위개발 : 한때 Antoine이 무대에서 실제 고기 시체를 시연하여 청중에게 충격을 주었다면 Grand Guignol의 청중은 가장 현실적인 잘린 팔다리, 피 묻은 상처, 절단 된 시체, 황산이 묻은 얼굴을 볼 수 있습니다 ... " 강조하는 것이 중요합니다. 그녀는 충격을 받고 동요하고 변형되어 그곳에서 나왔습니다. 몇 가지 특성의 예에서

1 Pierron A. 서문 // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. LXIII.

2 동일한. P.LXII.

기뇰 연극, 공연의 미학, 관객에게 영향을 미치는 방식을 분석한다.

이 장의 두 번째 섹션은 동시대 사람들이 정의하고 연극 제작 스타일을 특징 짓는 "콘트라스트 샤워"입니다. 그랑 기뇰의 주인공은 장르 그 자체였고, 배우, 극작술, 무대 디자인, 특수효과 등 공연 구성의 모든 요소가 객석에 공포를 더하는 메커니즘에 종속되었다. 그러나 치료 효과는 피날레에서 최고의 긴장감에 도달하는 극도로 자연주의적인 공포 드라마가 그 뒤를 잇는 어릿 광대 코미디로 대체되어 무서운 효과가 갑자기 소품으로 바뀌는 것입니다. 점차적으로 Grand Guignol은 과장되어 공포의 분위기와 자연 주의적 기술을 부조리하게 만듭니다. 공포와 웃음의 직전에 노출되어 시청자의 마음에 이러한 감정과 감각을 극복합니다.

Grand Guignol은 Belle Epoque의 지형과 신화의 일부였으며 그 결과가되었습니다. 그는 이전 경험-타블로이드 멜로 드라마의 전통과 "잘 만들어진 연극"학교, 풀뿌리 문화의 무례 함과 광경을 사용했습니다. 현대의 영향 - 연극 자연주의의 기술과 어느 정도 상징주의를 과장했습니다 (대부분 시청자의 마음에서 발생하는 제안 된 행동의 원칙). "분위기 드라마"를 만드는 데 감독의 연극 방법을 사용했습니다. 무성 영화의 미학을 고려했습니다. Grand Guignol은 시청자의 심리학 연구의 시작, 그에게 감정적 영향을 미칠 가능성을 표시했습니다. 마지막으로 Grand Guignol은 나중에 영화 산업의 재산이 된 공포 장르의 기원에 서있었습니다.

결론에서는 연구 결과를 요약하고 고려한 예술적 과정의 발전 전망을 추적합니다.

19-20세기의 전환기에 프랑스에서 등장한 연극의 새로운 형식과 장르는

연출 예술의 형성과 배우의 연기에서 모든 표현 수단의 예술적 무결성으로의 강조 전환.

대안적인 연극 형식과 장르를 실험하려는 충동은 카바레의 탄생이었지만, 그 자체로는 극장이 아니었습니다. 거의 동시에 프랑스에서 발생한 카바레와 감독의 연극은 여기서 서로 상호 작용하지 않았습니다. 또한 이미 레디메이드 미학의 모델로 독일과 러시아에 보급된 카바레는 전문 연출가와 극작가들의 주목을 받으며 자체 무대법칙을 지닌 대안적 놀이터로 각광받고 있다.

세기 전환기에 예술가와 극작가가 인형극의 전통적인 형식에 호소하고 새로운 철학적, 예술적 작업을 그들에게 적용함으로써 내용의 잠재력, 상징적 및 비유적 특성이 드러났으며 동시에 전통의 규칙을 폐지하고 극장에 자유로운 형태의 모델링 기회를 제공하는 예술적 이미지를 만드는 도구인 꼭두각시.

"공포 극장"의 출현과 함께 시청자의 심리학과 그에게 영향을 미칠 가능성에 대한 연구가 시작되어 이후 장르 영화 현상으로 이어집니다.

19세기와 20세기로 접어드는 예술 운동의 전환기에 프랑스에서 등장한 연극의 새로운 형식과 장르는 감독의 연극이 되고 목표로 삼는 과정과 관련된 창의적 검색의 긴밀한 상호 연결, 짜임새 및 명백한 유사성을 보여줍니다. 연극의 개념을 다시 생각해 볼 때. 이곳에서 이루어진 발견은 20세기 연극 아방가르드의 미적 기반을 크게 마련했습니다. 이와 병행하여 여기에 매스 컬처의 기반이 마련되었습니다.

1. Kuzovchikova T. I. XIX-XX 세기 초 프랑스의 "길가 극장" // 과학적 견해. - 2013. - 11호. - S. 116-121. (0.3p.l.)

2. Kuzovchikova T. I. Guignol 및 "Ubu-King" // 대학 사이언스 매거진= 인문학과 과학 대학 저널. - 2013. - 6호. (제작 중). (0.25p.l.)

다른 버전:

3. Kuzovchikova T. I. "검은 고양이"의 파리 그림자 // 기적의 극장. - 2010. - 1-2호. - S. 34-40; 3-4번. - S. 46-49. (1p.l.)

4. Kuzovchikova T. I. Montmartre는 자유로운 도시입니다 // 성격과 문화. -2010. - 5번. - S. 98-100. (0.2p.l.)

5. Kuzovchikova T. I. Henri Signoret의 Little Puppet Theatre : 배우의 부정 // 배우의 현상 : 직업, 철학, 미학. 2010년 4월 28일자 제4회 대학원생 학술대회 간행물. - 상트페테르부르크: SPbGATI, 2011. - S. 118-123. (0.3p.l.)

6. Kuzovchikova T. I. Vivienne Street의 인형 // Teatron. - 2011. - 1위. -와 함께. 38^19. (1p. l.)

7. Kuzovchikova T. I. 19 세기 말 프랑스에서 새로운 형태의 연극으로 카바레. 샤 누아르 // 시어트론. - 2012. - 2번. - S. 82-94. (1p. l.)

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