르네상스 회화. 위대한 르네상스 예술가 12-16세기 르네상스 예술가

의심할 여지가 없는 르네상스의 업적은 그림의 기하학적으로 정확한 구성이었습니다. 작가는 자신이 개발한 기법을 사용하여 이미지를 구축했습니다. 당시 화가들에게 가장 중요한 것은 사물의 비율을 관찰하는 것이었다. 자연조차도 그림의 다른 대상과 이미지의 비례를 계산하는 수학적 방법에 속했습니다.

즉, 르네상스 시대의 예술가들은 예를 들어 자연을 배경으로 한 사람의 정확한 이미지를 전달하려고 했습니다. 어떤 종류의 캔버스에서 본 이미지를 재현하는 현대적인 방법과 비교하면 후속 조정이 가능한 사진이 르네상스 예술가들이 무엇을 위해 노력했는지 이해하는 데 도움이 될 것입니다.

르네상스 화가들은 자연의 결점을 바로잡을 권리가 있다고 믿었습니다.

레오나르도 다빈치

르네상스는 그 당시 살았던 많은 창의적인 인물들 덕분에 그렇게 되었습니다. 세계적으로 유명한 레오나르도 다빈치(1452-1519)는 엄청난 수의 걸작을 만들었으며 그 비용은 수백만 달러로 추정되며 그의 예술 감정가들은 오랫동안 그의 그림을 생각할 준비가 되어 있습니다.

Leonardo는 피렌체에서 공부를 시작했습니다. 1478년경에 그린 그의 첫 번째 캔버스는 Benois Madonna입니다. 그런 다음 "동굴의 마돈나", "모나리자", 위에서 언급한 "최후의 만찬"과 같은 창조물과 르네상스 거인의 손에 의해 쓰여진 다른 많은 걸작들이 있었습니다.

기하학적 비율의 심각성과 사람의 해부학 적 구조의 정확한 재현-이것이 Leonard da Vinci의 그림의 특징입니다. 그의 신념에 따르면 캔버스에 특정 이미지를 묘사하는 기술은 일종의 취미가 아니라 과학입니다.

라파엘 산티

Raphael로 예술계에서 알려진 Raphael Santi(1483 - 1520)는 이탈리아에서 그의 작품을 만들었습니다. 그의 그림은 서정성과 우아함으로 가득 차 있습니다. Raphael은 바티칸 대성당의 벽을 그리는 것을 좋아하는 한 남자와 지구상의 그의 존재를 묘사 한 르네상스의 대표자입니다.

그림은 인물의 통일성, 공간과 이미지의 비례 대응, 색상의 유포니를 배반했습니다. 성모의 순결은 라파엘로의 많은 그림의 기초가 되었습니다. 하나님의 어머니에 대한 그의 첫 번째 이미지는 1513년에 유명한 예술가가 그린 시스틴 마돈나입니다. 라파엘로가 그린 초상화는 이상적인 인간상을 반영했다.

산드로 보티첼리

산드로 보티첼리(1445~1510)는 르네상스 시대의 화가이기도 하다. 그의 첫 번째 작품 중 하나는 "동방 박사의 숭배"라는 그림이었습니다. 은은한 시와 몽상은 예술적 이미지를 옮기는 데 있어 그의 독창적인 매너였다.

XV 세기의 80년대 초 화성바티칸 예배당의 벽을 그렸습니다. 그가 그린 프레스코화는 여전히 놀랍습니다.

시간이 지남에 따라 그의 그림은 고대 건물의 고요함, 묘사 된 인물의 생동감, 이미지의 조화로 특징 지어졌습니다. 또한 보티첼리의 유명 문학작품 드로잉에 대한 매혹은 그의 작품에 영광을 더할 뿐이었다.

미켈란젤로 부오나로티

미켈란젤로 부오나로티(1475-1564)는 르네상스 시대에도 활동한 이탈리아 화가였습니다. 우리 중 많은 사람들에게 알려진 이 사람만이 하지 않은 일. 그리고 조각, 회화, 건축, 시. 미켈란젤로는 라파엘과 보티첼리처럼 바티칸 사원의 벽을 그렸습니다. 결국 그 시대의 가장 재능 있는 화가들만이 가톨릭 성당의 벽에 이미지를 그리는 것과 같은 책임 있는 작업에 참여했습니다. 600제곱미터가 넘는 시스티나 예배당을 그는 다양한 성서적 장면을 묘사한 프레스코화로 덮어야 했습니다. 이 스타일의 가장 유명한 작품은 최후의 심판으로 알려져 있습니다. 성경 이야기의 의미가 완전하고 명확하게 표현됩니다. 이미지 전송의 이러한 정확성은 미켈란젤로의 전체 작업의 특징입니다.

시대 하이 르네상스(XV의 끝 - XVI 세기의 1/4 분기) - 완벽과 자유의 시간. 이 시대의 다른 형태의 예술과 마찬가지로 그림은 인간에 대한 깊은 믿음, 인간의 창조력 및 정신력에 대한 믿음으로 특징지어집니다. 아름다움, 인본주의 및 조화의 이상이 지배하는 르네상스 시대의 거장들의 그림에서 그 안에있는 사람은 우주의 기초입니다.

이 시대의 화가들은 모든 표현 수단을 쉽게 사용합니다. 공기, 빛과 그림자가 풍부한 색상, 자유롭고 날카로운 그림; 그들은 관점과 볼륨을 완벽하게 소유합니다. 사람들은 예술가의 캔버스에서 숨을 쉬고 움직이며 그들의 감정과 경험은 매우 감정적으로 보입니다.

이 시대는 Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian의 네 가지 천재를 세계에 제공했습니다. 그들의 그림에서 이미지의 깊이와 활력과 결합 된 이상과 조화라는 전성기 르네상스의 특징이 가장 분명하게 나타났습니다.

레오나르도 다빈치

1452년 4월 15일, 피렌체 근처에 위치한 이탈리아의 작은 마을 빈치에서 공증인 피에로 다빈치 사이에서 사생아가 태어났습니다. 그들은 그를 Leonardo di ser Piero d'Antonio라고 명명했습니다. 소년의 어머니 인 특정 Katerina는 조금 후에 농부와 결혼했습니다. 아버지는 사생아를 버리지 않고 데려가 좋은 교육을 제공했습니다. 1469년 레오나르도의 할아버지 안토니오가 사망한 지 1년 후, 공증인은 가족과 함께 피렌체로 떠납니다.

어릴 때부터 레오나르도는 그림에 대한 열정을 일깨웁니다. 이것을 알아차린 아버지는 그 당시 가장 유명한 조각, 그림, 보석의 거장 중 한 명인 Andrea Verrocchio(1435-1488)와 함께 공부하도록 소년을 보냅니다. 베로키오 작업장의 영광은 유난히 컸다. 도시의 고귀한 주민들로부터 그림과 조각품을 제작하라는 많은 명령을 지속적으로 받았습니다. Andrea Verrocchio가 학생들 사이에서 큰 명성을 얻은 것은 우연이 아닙니다. 동시대 사람들은 그를 회화와 조각 분야에서 피렌체 르네상스 아이디어의 가장 재능있는 후계자로 여겼습니다.

예술가로서 Verrocchio의 혁신은 주로 화가로부터 자연주의적 특징을 획득하는 이미지의 재고와 관련이 있습니다. Verrocchio의 작업장에서 오늘날까지 살아남은 작품은 거의 없습니다. 연구원들은 유명한 "그리스도의 세례"가 이 작업장에서 만들어졌다고 믿습니다. 또한 그림 배경의 풍경과 왼쪽의 천사가 레오나르도의 붓에 속하는 것으로 확인되었습니다.

이 초기 작업에서 이미 미래의 유명 예술가의 창의적인 개성과 성숙함이 드러났습니다. 레오나르도의 손으로 그린 ​​풍경화는 베로키오 자신이 그린 자연 그림과 확연히 다릅니다. 젊은 작가의 작품으로 옅은 아지랑이에 싸인 듯 공간의 무한함과 무한함을 상징한다.

Leonardo가 만든 이미지도 원본입니다. 인체의 해부학과 영혼에 대한 깊은 지식을 통해 예술가는 천사의 비정상적으로 표현적인 이미지를 만들 수 있었습니다. 빛과 그림자의 유희에 대한 숙달은 예술가가 생생하고 역동적인 인물을 묘사하는 데 도움이 되었습니다. 마치 천사들이 잠시 얼어붙은 것 같습니다. 몇 분 더 지나면 살아날 것이고 움직이고 말할 것입니다 ...

다빈치의 미술 평론가와 전기 작가들은 1472년 레오나르도가 베로키오의 작업실을 떠나 화가 작업장의 대가가 되었다고 주장합니다. 1480년부터 그는 레오나르도에 따르면 인체 움직임의 역학을 표현하는 가장 간단한 방법인 조각으로 눈을 돌렸습니다. 그 이후로 그는 예술 아카데미에서 일하고 있습니다. 그것은 장엄한 로렌조의 주도로 만들어진 산 마르코 광장의 정원에 위치한 워크샵의 이름이었습니다.

1480년에 레오나르도는 산 도나토 스코프토 교회로부터 "동방 박사의 숭배"라는 예술 작품에 대한 주문을 받았습니다.

Leonardo는 피렌체에서 오래 살지 않았습니다. 1482년 그는 밀라노로 떠납니다. 아마도이 결정은 예술가가 시스틴 예배당 그림 작업을 위해 로마에 초대되지 않았다는 사실에 크게 영향을 받았을 것입니다. 어떤 식 으로든 곧 주인은 유명한 이탈리아 도시 Ludovico Sforza의 공작 앞에 나타났습니다. Milanese는 Leonardo를 따뜻하게 환영했습니다. 그는 Porta Ticinese 분기에 정착하여 오랫동안 살았습니다. 그리고 이듬해인 1483년에 그는 산 프란체스코 그란데 교회의 임마콜라타 예배당을 위해 의뢰된 제단화를 썼습니다. 이 걸작은 나중에 바위의 성모로 알려지게 되었습니다.

비슷한 시기에 레오나르도는 프란체스코 스포르차의 청동 기념비를 작업하고 있습니다. 그러나 스케치도 테스트 스케치도 캐스팅도 작가의 의도를 표현할 수 없었다. 작업은 미완성 상태로 남았습니다.

1489년에서 1490년 사이에 Leonardo da Vinci는 Gian Galeazzo Sforza의 결혼일에 Castello Sforzesco를 그렸습니다.

거의 모든 1494 Leonardo da Vinci는 유압 장치라는 새로운 직업에 전념합니다. 동일한 Sforza의 주도로 Leonardo는 Lombard Plain의 영토를 배수하는 프로젝트를 개발하고 구현합니다. 그러나 이미 1495년에 미술의 가장 위대한 거장이 회화로 돌아왔습니다. Santa Maria delle Grazie 교회 근처에 위치한 수도원 식당의 벽을 장식 한 유명한 프레스코 "최후의 만찬"창작 역사의 초기 단계가 된 것은 올해입니다.

1496년 프랑스 왕 루이 12세가 밀라노 공국을 침공하자 레오나르도는 도시를 떠났습니다. 그는 먼저 Mantua로 이사한 다음 베니스에 정착합니다.

1503년부터 화가는 피렌체에 살았고 미켈란젤로와 함께 시뇨리아 궁전에 있는 대평의회 홀 그림 작업을 해왔습니다. Leonardo는 "Battle of Anghiari"를 묘사해야했습니다. 그러나 끊임없이 창의적인 탐색을 하는 주인은 자신이 시작한 일을 포기하는 경우가 많다. 그래서 그것은 "Battle of Anghiari"에서 일어났습니다. 프레스코는 미완성 상태로 남아 있습니다. 미술사 학자들은 유명한 Gioconda가 만들어 졌다고 제안합니다.

1506년부터 1507년까지 레오나르도는 다시 밀라노에 산다. 1512년부터 막시밀리안 스포르차 공작이 이곳을 통치했습니다. 1512년 9월 24일 레오나르도는 밀라노를 떠나 그의 학생들과 함께 로마에 정착하기로 결정합니다. 여기서 그는 그림을 그릴 뿐만 아니라 수학 및 기타 과학 연구에도 관심을 기울입니다.

레오나르도 다빈치는 1513년 5월 프랑스 국왕 프란시스 1세의 초청을 받아 앙부아즈로 이사했다. 여기에서 그는 죽을 때까지 살고 있습니다. 그는 그림을 그리고, 휴일을 장식하고, 프랑스의 강을 사용하는 것을 목표로 하는 프로젝트의 실제 적용 작업을 합니다.

1519년 5월 2일 위대한 예술가가 사망합니다. Leonardo da Vinci는 San Fiorentino의 Amboise 교회에 묻혔습니다. 그러나 종교 전쟁(XVI 세기)이 절정에 이르렀을 때 예술가의 무덤은 파괴되고 완전히 파괴되었습니다. 15-16세기 순수미술의 정점으로 여겨졌던 그의 걸작은 오늘날까지도 그러하다.

다빈치의 그림 중 최후의 만찬 프레스코는 특별한 장소를 차지합니다. 유명한 프레스코화의 역사는 흥미롭고 놀랍습니다. 그것의 창조는 1495-1497로 거슬러 올라갑니다. 그것은 밀라노의 Santa Maria delle Grazie 교회 근처에 위치한 수도원의 식당 벽을 장식하기를 원하는 Dominican 주문의 수도사에 의해 의뢰되었습니다. 프레스코화는 꽤 잘 알려진 복음 이야기, 즉 예수 그리스도와 그의 열 두 사도의 마지막 식사를 묘사했습니다.

이 걸작은 작가의 모든 작품의 정점으로 인식됩니다. 주인이 만든 그리스도와 사도들의 이미지는 유난히 밝고 표현력이 풍부하며 살아 있습니다. 묘사 된 상황의 구체성과 현실성에도 불구하고 프레스코의 내용은 깊은 철학적 의미로 가득 차 있습니다. 여기에 선과 악, 안일함과 영적 냉담함, 진실과 거짓 사이의 갈등이라는 영원한 주제가 구체화되었습니다. 파생 된 이미지는 일련의 개별 성격 특성 (기질의 다양성을 지닌 각 개인) 일뿐만 아니라 일종의 심리적 일반화이기도합니다.

그림은 매우 역동적입니다. 청중은 사도 중 한 명이 저질러야 할 임박한 배신에 대해 그리스도 께서 말씀하신 예언의 말씀 이후 식사에 참석 한 모든 사람들을 사로 잡은 흥분을 정말로 느낍니다. 캔버스는 인간의 감정과 기분의 가장 미묘한 색조에 대한 일종의 백과 사전으로 밝혀졌습니다.

Leonardo da Vinci는 놀라울 정도로 빠르게 작업을 완료했습니다. 단 2년 만에 그림이 완전히 완성되었습니다. 그러나 승려들은 그것을 좋아하지 않았습니다. 실행 방식이 이전에 받아 들여진 그림 쓰기 스타일과 너무 달랐습니다. 마스터의 혁신은 새로운 구성의 페인트를 사용하는 것뿐만 아니라 그다지 많지 않았습니다. 그림에서 원근법을 묘사하는 방식에 특히주의를 기울입니다. 특별한 기법으로 만들어진 프레스코화는 말그대로 실제 공간을 확장하고 확대한다. 그림에 묘사 된 방의 벽은 수도원 식당 벽의 연속 인 것 같습니다.

승려들은 화가의 창작 의도와 업적을 감상하지도, 이해하지도 못했기 때문에 그림을 보존하는 데 별로 신경을 쓰지 않았다. 프레스코 화를 그린 지 이미 2 년이 지난 후 페인트가 열화되고 퇴색하기 시작했으며 이미지가 적용된 벽 표면이 가장 얇은 물질로 덮여있는 것처럼 보였습니다. 이것은 한편으로는 새로운 페인트의 품질이 좋지 않고 다른 한편으로는 수도원의 부엌에서 침투하는 습기, 차가운 공기 및 증기에 지속적으로 노출되어 발생했습니다. 승려들이 프레스코 벽에 식당 입구를 추가로 자르기로 결정했을 때 그림의 외관이 완전히 망가졌습니다. 그 결과 사진의 하단이 잘렸습니다.

걸작을 복원하려는 시도는 13세기부터 이루어졌습니다. 그러나 그들 모두는 헛된 것으로 판명되었고 페인트는 계속 악화됩니다. 그 이유는 현재 환경 상황의 악화입니다. 프레스코의 품질은 대기 중 배기 가스 농도 증가와 공장 및 공장에서 대기로 방출되는 휘발성 물질의 영향을 받습니다.

이제 우리는 그림 복원에 대한 초기 작업이 불필요하고 무의미한 것으로 판명되었을뿐만 아니라 부정적인 측면도 있다고 말할 수 있습니다. 복원 과정에서 예술가들은 종종 프레스코에 추가하여 캔버스에 표시된 캐릭터의 모양과 묘사된 인테리어를 변경했습니다. 그래서 최근에 사도 중 한 사람이 원래 길고 구부러진 수염을 가지고 있지 않다는 것이 알려졌습니다. 또한 식당 벽에 그려진 검은 색 캔버스는 작은 카펫에 지나지 않는 것으로 밝혀졌습니다. 오직
20세기에 장식을 찾아서 부분적으로 복원했습니다.

Carlo Berteli의지도하에 작업 한 그룹이 눈에 띄게 눈에 띄는 현대 복원가는 프레스코의 원래 모습을 복원하여 나중에 적용된 요소에서 해방하기로 결정했습니다.

아이를 존경하는 젊은 어머니의 이미지 인 모성이라는 주제는 오랫동안 위대한 스승의 작업에서 핵심이었습니다. 진정한 걸작은 그의 그림 "Madonna Litta"와 "Madonna with a Flower"( "Madonna Benois")입니다. 현재 "Madonna Litta"가 저장되어 있습니다. 주 암자상트페테르부르크에서. 이 그림은 1865년 러시아 황제 알렉산드르 2세가 이전에 비스콘티 공작의 선물이었던 이탈리아 공작 안토니오 리타의 가족으로부터 구입했습니다. 러시아 차르의 명령에 따라 그림은 나무에서 캔버스로 옮겨져 유명한 상트 페테르부르크 박물관 홀 중 하나에 걸렸습니다.

예술 학자들은 믿는다 (그리고 과학적 연구이를 증명) 그림 제작 작업은 작가 자신이 완료하지 않았다는 것을 증명했습니다. Leonardo의 학생 중 한 명인 Boltraffio가 완성했습니다.

캔버스는 르네상스 시대의 그림에서 모성이라는 주제를 가장 두드러지게 표현한 것입니다. 마돈나 어머니의 이미지는 밝고 영적입니다. 아기를 켠 표정은 유난히 온화하며 동시에
슬픔과 평화, 내면의 평화. 여기에서 엄마와 아이는 그들만의 독특한 세계를 형성하고 하나의 조화로운 전체를 구성하는 것처럼 보입니다. 그림에 대한 생각은 다음과 같은 말로 표현할 수 있습니다. 어머니와 아이라는 두 생명체는 삶의 기초와 의미를 담고 있습니다.

팔에 아이를 안고있는 마돈나의 이미지는 기념비적입니다. 마무리와 정교함은 빛과 그림자의 특별하고 부드러운 전환을 제공합니다. 인물의 부드러움과 연약함은 여성의 어깨 위로 던져진 망토의 휘장으로 강조됩니다. 배경에 그려진 창 그림은 균형을 이루고 구성을 완성하며 가까운 두 사람이 나머지 세계와 분리되어 있음을 강조합니다.

약 1478년의 캔버스 "꽃을 든 마돈나"("Madonna Benois")는 특히 Hermitage를 위해 1914년 Tsar Nicholas II가 마지막 러시아 소유주로부터 구입했습니다. 초기 소유자는 알려지지 않았습니다. 이탈리아 순회 배우가 그림을 러시아로 가져온 후 상인 Sapozhnikov가 1824 년 Samara에서 구입했다는 전설이 있습니다. 나중에 캔버스는 황제가 구입 한 아버지로부터 딸 M. A. Sapozhnikova (남편 Benois에 의해)에게 물려 받았습니다. 그 이후로 그림에는 "꽃을 든 마돈나"(저자)와 "마돈나 베누아"(마지막 소유자의 이름을 따서)라는 두 가지 이름이 있습니다.

아기와 함께 있는 하나님의 어머니를 보여주는 그림은 아기와 노는 어머니의 평범하고 세속적인 감정을 반영합니다. 전체 장면은 대조적으로 구성됩니다. 웃고있는 어머니와 진지하게 꽃을 공부하는 아이. 이 특별한 반대에 초점을 맞춘 작가는 지식에 대한 사람의 열망, 진리로의 첫 걸음을 보여줍니다. 이것이 거짓말이다 주요 아이디어캔버스.

빛과 그림자의 놀이는 전체 구성에 대해 특별하고 친밀한 톤을 설정합니다. 엄마와 아기는 세상의 허영심에서 단절된 그들만의 세계에 있습니다. 묘사된 커튼의 약간의 각도와 강성에도 불구하고 Leonardo da Vinci의 브러시는 사용된 색상의 부드럽고 부드러운 전환과 빛과 음영의 조합으로 쉽게 알아볼 수 있습니다. 캔버스는 부드럽고 차분한 색상으로 칠해져 단색 시스템으로 유지되며 그림에 부드러운 특성을 부여하고 소름 끼치는 우주적 조화와 평온함을 불러 일으 킵니다.

Leonardo da Vinci는 초상화의 인정받는 대가입니다. 그의 가장 유명한 그림 중에는 "담비를 안고 있는 여인"(약 1483-1484)과 "음악가의 초상"이 있습니다.

미술 평론가와 역사가들은 캔버스 "Lady with an Ermine"이 결혼하기 전에 밀라노 공작 Ludovic Moreau가 가장 좋아했던 Cecilia Gallerani를 묘사한다고 제안합니다. Cecilia가 교육을 많이받은 여성이라는 정보가 보존되어 당시에는 드물었습니다. 또한 유명한 예술가의 역사가와 전기 작가는 한때 그녀의 초상화를 그리기로 결정한 Leonardo da Vinci를 잘 알고 있다고 믿습니다.

이 캔버스는 재작성된 버전으로만 우리에게 내려왔기 때문에 과학자들은 오랫동안 레오나르도의 저자를 의심해 왔습니다. 그러나 어민과 젊은 여성의 얼굴을 묘사한 그림의 잘 보존된 부분은 위대한 거장 다빈치의 스타일에 대해 자신 있게 말할 수 있게 합니다. 짙은 어두운 배경과 헤어스타일의 일부 디테일이 나중에 그린 추가 드로잉이라는 점도 흥미롭다.

"Lady with an Ermine"은 작가의 초상화 갤러리에서 가장 밝은 심리적 캔버스 중 하나입니다. 소녀의 전체 모습은 역 동성을 표현하고 앞으로 나아가며 비정상적으로 강한 의지와 강한 인간성을 증언합니다. 올바른 얼굴 특징은 이것을 강조합니다.

초상화는 정말 복잡하고 다면적이며 이미지의 조화와 완성도는 얼굴 표정, 머리 회전, 손 위치와 같은 여러 요소를 병합하여 달성됩니다. 여성의 눈은 비범한 마음, 에너지, 통찰력을 반영합니다. 단단히 압축 된 입술, 곧은 코, 날카로운 턱-모든 것이 의지, 결단력, 독립성을 강조합니다. 머리의 우아한 회전, 열린 목, 우아한 동물을 쓰다듬는 긴 손가락이있는 손은 전체 인물의 취약성과 조화를 강조합니다. 여인이 담비를 품에 안고 있는 것은 우연이 아닙니다. 첫 눈과 비슷한 동물의 흰 털은 여기에서 젊은 여성의 영적 순결을 상징합니다.

초상화는 놀랍도록 역동적입니다. 마스터는 한 동작이 다른 동작으로 부드럽게 전환되어야 하는 순간을 정확하게 포착했습니다. 그렇기 때문에 소녀가 곧 살아나고 고개를 돌리면 손이 동물의 부드러운 털 위로 미끄러질 것 같습니다 ...

구성의 탁월한 표현력은 그림을 형성하는 선의 선명도와 빛을 그림자로 전환하는 기술의 숙달 및 사용으로 제공되며, 이를 통해 캔버스에 형태가 생성됩니다.

"음악가의 초상"은 레오나르도 다빈치의 걸작 중 유일한 남성 초상화입니다. 많은 연구자들은 이 모델을 밀라노 대성당의 섭정인 Francino Gaffurio와 동일시합니다. 그러나 많은 과학자들은 여기에 묘사 된 것은 섭정이 아니라 음악가 인 평범한 청년이라고 반박합니다. 다빈치의 글쓰기 기술의 특징적인 세부 사항이 있음에도 불구하고 미술사 학자들은 여전히 ​​레오나르도의 저자를 의심합니다. 아마도 이러한 의심은 예술적 전통롬바르디아의 초상화 화가.

초상화의 기술은 여러면에서 Antonello da Messina의 작업을 연상시킵니다. 무성한 곱슬 머리를 배경으로 선명하고 엄격한 얼굴 라인이 다소 선명하게 돋보입니다. 관객들 앞에 나타나다 영리한 사람강한 성격을 가지고 있지만 동시에 그의 눈에는 영적인 무언가를 잡을 수 있습니다. 아마도이 순간 음악가의 영혼에 새롭고 신성한 멜로디가 태어나고 얼마 후 많은 사람들의 마음을 사로 잡을 것입니다.

그러나 작가가 인위적으로 사람을 높이려 한다고 말할 수는 없다. 주인은 과장과 파토스에 의지하지 않고 인간 영혼의 모든 풍부함과 폭을 미묘하고 능숙하게 전달합니다.

가장 많은 것 중 하나 유명한 그림 da Vinci는 유명한 "Madonna of the Rocks"(1483-1493)입니다. 그것은 밀라노에 있는 산 프란체스코 그란데 교회의 승려들의 명령에 따라 레오나르도에 의해 만들어졌습니다. 이 구성은 Immacolata Chapel의 제단을 장식하기 위한 것입니다.

그림에는 두 가지 버전이 있는데 하나는 파리의 루브르 박물관에, 다른 하나는 런던의 내셔널 갤러리에 보관되어 있습니다.

교회의 제단을 장식한 것은 루브르 박물관 "바위 속의 마돈나"였습니다. 과학자들은 예술가 자신이 그것을 프랑스 왕 루이 12세에게 주었다고 제안합니다. 역사가들에 따르면 그는 그림 고객과 공연 예술가 사이에 발생한 갈등을 해결하는 데 왕이 참여한 것에 대한 감사의 표시로 이렇게했습니다.

기증된 버전은 현재 런던 내셔널 갤러리에 있는 다른 그림으로 대체되었습니다. 1785년에 어떤 해밀턴이 그것을 사서 영국으로 가져왔습니다.

"Madonna in the Rocks"의 특징은 인물과 풍경의 융합입니다. 이것은 성인의 이미지가 그들의 존재에서 영감을 얻은 자연과 조화롭게 얽힌 위대한 예술가의 첫 번째 사진입니다. 주인의 작업에서 처음으로 인물은 건축 구조의 어떤 요소의 배경이 아니라 거친 바위 풍경에 둘러싸여있는 것처럼 묘사됩니다. 이 느낌은 빛과 떨어지는 그림자의 특별한 플레이로 인해 구성에서도 만들어집니다.

마돈나의 이미지는 여기에서 비정상적으로 영적이고 소름 끼치는 것으로 제시됩니다. 부드러운 빛이 천사들의 얼굴에 떨어진다. 작가는 캐릭터가 살아나고 이미지가 밝고 표현력이 풍부해지기 전에 많은 스케치와 스케치를 만들었습니다. 스케치 중 하나는 천사의 머리를 묘사합니다. 우리는 그것이 소녀인지 소년인지 모릅니다. 그러나 한 가지는 확실하게 말할 수 있습니다. 이것은 부드러움, 친절, 순결로 가득 찬 세상의 생물입니다. 전체 그림은 고요함, 평화 및 고요함으로 가득 차 있습니다.

나중에 주인이 그린 버전은 여러 세부 사항에서 첫 번째 버전과 다릅니다. 성도의 머리 위에 후광이 나타나고 작은 세례 요한이 십자가를 들고 천사의 위치가 바뀝니다. 그리고 실행 기술 자체가 그림의 저자를 Leonardo의 학생들에게 귀속시키는 이유 중 하나가되었습니다. 여기에서 모든 그림은 더 큰 규모로 더 가깝게 표시되며 그 외에도 그림을 형성하는 선이 더 눈에 띄고 더 무겁고 더 뾰족합니다. 이 효과는 그림자를 두껍게 만들고 컴포지션의 특정 위치를 강조하여 만듭니다.

미술사 학자에 따르면 그림의 두 번째 버전은 더 평범하고 평범합니다. 아마도 그 이유는 Leonardo의 학생들이 그림을 완성했기 때문일 것입니다. 그러나 이것이 캔버스의 가치를 떨어뜨리는 것은 아닙니다. 작가의 의도가 뚜렷하게 드러나고, 이미지를 만들고 표현하는 거장의 전통이 잘 드러난다.

그다지 흥미로운 것은 Leonardo da Vinci의 유명한 그림 The Annunciation (1470s)의 이야기입니다. 그림의 창작은 Andrea Verrocchio의 스튜디오에서 공부하고 작업하는 예술가의 작업 초기에 속합니다.

글쓰기 기법의 여러 요소를 통해 유명한 걸작의 저자가 레오나르도 다빈치라고 자신 있게 말할 수 있고 베로키오나 그의 다른 제자들이 그의 글에 참여하는 것을 배제할 수 있습니다. 그러나 구성의 일부 세부 사항은 Verrocchio 학교의 예술적 전통의 특징입니다. 이것은 젊은 화가가 그 당시 이미 독창성과 재능을 나타냈음에도 불구하고 여전히 어느 정도 스승의 영향을 받았음을 시사한다.

그림의 구성은 매우 간단합니다. 풍경, 시골 별장, 두 인물-Mary와 천사. 배경에
배, 건물, 항구가 보입니다. 그러한 세부 사항의 존재는 Leonardo 작업의 전적으로 특징이 아니며 여기에서 주요 내용이 아닙니다. 작가에게는 아지랑이 속에 감춰진 저 멀리 보이는 산들과 투명에 가까운 밝고 맑은 하늘을 보여주는 것이 더 중요하다. 좋은 소식을 기다리는 젊은 여성과 천사의 영적인 이미지는 유난히 아름답고 부드럽습니다. 형태의 선은 다빈치의 방식으로 디자인되어 한 때 캔버스를 초기 레오나르도의 붓에 속하는 걸작으로 정의할 수 있게 했습니다.

전통의 특징 유명한 거장광택이 나는 벤치, 돌 난간, 멋진 식물의 복잡하게 꼬인 가지로 장식 된 책꽂이와 같은 사소한 세부 사항을 실행하는 기술이기도합니다. 그런데 후자의 원형은 San Lorenzo 교회에 설치된 Giovanni와 Piero de Medici 무덤의 석관입니다. Verrocchio 학교에 내재되어 있고 후자의 작업의 특징 인 이러한 요소는 da Vinci에 의해 다소 재검토되었습니다. 그들은 살아 있고 볼륨 감이 있으며 전체 구성에 조화롭게 짜여져 있습니다. 작가는 스승의 레퍼토리를 기본으로 삼아 그만의 기법과 예술적인 표현 수단으로 자신의 재능의 세계를 드러내겠다는 목표를 스스로 설정한 것으로 보인다.

현재 이 그림의 한 버전은 피렌체의 우피치 갤러리에 있습니다. 구성의 두 번째 버전은 파리의 루브르 박물관에 보관됩니다.

루브르 박물관 그림은 이전 버전보다 다소 복잡합니다. 여기에서 돌 난간 벽의 기하학적으로 정확한 선을 명확하게 볼 수 있습니다. 이 패턴은 Mary의 모습 뒤에 있는 벤치에서 반복됩니다. 전면으로 가져온 이미지는 구성에 적절하고 논리적으로 배치됩니다. 마리아와 천사의 옷은 첫 번째 버전에 비해 더 표현력 있고 일관되게 그려집니다. 머리를 숙이고 짙은 파란색 드레스를 입고 하늘색 망토를 어깨에 걸친 마리아는 세상의 생물처럼 보입니다. 짙은 컬러의 의상이 더욱 빛을 발하며 하얀 얼굴을 더욱 돋보이게 한다. 그다지 표현력이없는 것은 마돈나에게 좋은 소식을 전한 천사의 이미지입니다. 누런 벨벳, 드레이프가 부드럽게 내려오는 진한 빨간색 망토는 친절한 천사의 멋진 이미지를 완성합니다.

후기 구성에서 특히 흥미로운 것은 주인이 미묘하게 그린 풍경입니다. 관습이없고 멀리서 자라는 거의 실제로 보이는 나무, 하늘색의 투명한 하늘, 옅은 안개로 숨겨진 산, 발 아래의 신선한 꽃 천사.

그림 "Saint Jerome"은 Andrea Verrocchio의 작업장에서 Leonardo da Vinci의 작업 기간 (소위 예술가 작업의 피렌체 시대)을 나타냅니다. 그림은 미완성으로 남았습니다. 구성의 주요 주제는 고독한 영웅, 회개하는 죄인입니다. 그의 몸은 배고픔으로 말랐다. 그러나 결의와 의지가 가득한 그의 눈빛은 그 사람의 체력과 정신력을 생생하게 표현하고 있다. 레오나르도가 만든 어떤 이미지에서도 우리는 이중성, 시각의 모호함을 발견하지 못할 것입니다.

그의 그림 속 인물들은 항상 최고 수준의 매우 명확한 깊은 열정과 감정을 표현합니다.

정교하게 칠해진 은둔자의 머리도 레오나르도의 저자임을 증명합니다. 그것의 일반적인 전환은 회화 기술에 대한 탁월한 명령과 인체 해부학의 복잡성에 대한 마스터의 지식을 말합니다. 약간의 예약이 필요하지만 여러면에서 예술가는 Antonio Pollaiolo에서 온 Andrea del Castagno와 Domenico Veneziano의 전통을 따릅니다.

제롬의 모습은 유난히 표현력이 풍부합니다. 무릎을 꿇은 은둔자는 모두 앞으로 향하는 것 같습니다. 오른쪽에서
그는 한 번 더 손에 돌을 들고 있습니다. 그리고 그는 그것으로 가슴을 때리고 몸을 채찍질하고 저지른 죄에 대해 영혼을 저주합니다 ...

그림의 구성도 흥미롭다. 그 모든 것은 바위에서 시작하여 참회 자의 발에 위치한 사자의 모습으로 계속되고 은둔자의 모습으로 끝나는 나선형으로 둘러싸여 있음이 밝혀졌습니다.

아마도 세계 미술의 모든 걸작 중에서 가장 인기 있는 것은 지오콘다일 것입니다. 흥미로운 사실은 초상화 작업을 마친 후 작가가 죽을 때까지 그녀와 헤어지지 않았다는 것입니다. 나중에 이 그림은 루브르 박물관에 소장한 프랑스 왕 프란시스 1세에게 전해졌습니다.

모든 미술 학자들은 이 그림이 1503년에 그려졌다는 데 동의합니다. 그러나 초상화에 묘사된 어린 소녀의 원형에 대해서는 여전히 논쟁이 있습니다. 초상화가 피렌체 시민 Francesco di Giocondo, Mona Lisa의 아내를 묘사한다는 것이 일반적으로 받아 들여집니다 (전통은 유명한 전기 작가 Giorgio Vasari에서 나옵니다).

그림을 보면 작가가 인간상을 완벽하게 창조했다고 자신있게 말할 수 있다. 여기서 주인은 이전에 받아 들여지고 널리 퍼진 초상화 수행 방식에서 벗어납니다. Gioconda는 밝은 배경에 작성되었으며 또한 3/4 회전하고 그녀의 시선은 시청자를 직접 향합니다. 이것은 당시 초상화 예술에서 새로운 것입니다. 소녀 뒤의 열린 풍경 덕분에 후자의 모습은 그대로 풍경의 일부인 것으로 밝혀져 조화롭게 합쳐집니다. 이것은 Leonardo가 만들고 그의 작품 인 sfumato에서 사용한 특별한 예술적 및 시각적 기술로 인해 달성됩니다. 그 본질은 등고선이 명확하게 윤곽이 그려지지 않고 흐려지며 구성에서 개별 부분의 병합, 상호 침투 느낌을 생성한다는 사실에 있습니다.

초상화에서는 이 기법(인물과 대규모 자연경관의 융합)이 하나의 표현방식이 된다. 철학적 사상: 인간세상은 우리 주변의 자연세상만큼 방대하고 방대하며 다양하다. 그러나 다른 한편으로 구성의 주요 주제는 인간의 마음으로는 자연 세계에 대한 완전한 지식의 불가능성으로 표현될 수도 있습니다. 많은 미술사학자들이 모나리자의 입술에 얼어붙은 아이러니한 미소를 연관 짓는 것은 바로 이러한 생각 때문입니다. 그녀는 "세상을 알기위한 사람의 모든 노력은 절대적으로 헛되고 헛된 것"이라고 말하는 것 같습니다.

미술사 학자에 따르면 모나리자의 초상화는 Leonardo da Vinci의 가장 높은 업적 중 하나입니다. 그 안에서 작가는 조화와 세계의 광대함에 대한 생각, 이성과 예술의 우선 순위에 대한 생각을 실제로 구현하고 가장 완벽하게 표현할 수있었습니다.

미켈란젤로 부오나로티

이탈리아의 화가, 조각가, 건축가, 시인인 미켈란젤로 부오나로티는 1475년 3월 6일 피렌체 근처 카프레제 마을에서 태어났습니다. 미켈란젤로의 아버지 로도비코 부오나로티는 카프레제 마을의 시장이었습니다. 그는 그의 아들이 곧 그의 자리를 대신할 것이라는 꿈을 꾸었습니다. 그러나 아버지의 바람과는 달리 미켈란젤로는 그림에 평생을 바치기로 결심한다.

1488년에 미켈란젤로는 피렌체로 가서 그곳의 미술 학교에 입학했는데, 그 학교는 당시 유명한 미술 ​​거장인 도메니코 기를란다이오가 이끌었습니다. 1년 후인 1489년에 젊은 예술가는 이미 Lorenzo Medici가 설립한 작업장에서 일하고 있습니다. 여기에서 청년은 Donatello의 학생이었던 당시의 또 다른 유명한 예술가이자 조각가인 Bertoldo di Giovanni에게서 그림을 배웁니다. 이 워크샵에서 미켈란젤로는 형성에 큰 영향을 준 Angelo Poliziano 및 Pico della Mirandola와 함께 작업했습니다. 예술적 방법젊은 화가. 그러나 미켈란젤로의 작품은 로렌조 메디치의 서클 공간에서 닫힌 것으로 밝혀지지 않았다. 그의 재능은 끊임없이 진화하고 있습니다. 예술가의 관심은 점점 더 크게 끌렸다. heroic 이미지위대한 Giotto와 Masaccio의 작품.

90년대 상반기. 15세기에 미켈란젤로가 만든 최초의 조각품인 "계단의 마돈나"와 "켄타우로스의 전투"가 등장합니다.

"마돈나"에서는 당시 예술에서 일반적으로 받아 들여지는 예술적 표현 방식의 영향을 볼 수 있습니다. 미켈란젤로의 작품에는 플라스틱 인물에 대한 동일한 세부 묘사가 있습니다. 그러나 이미 여기에서 고상하고 영웅적인 이미지를 만드는 데 나타난 젊은 조각가의 순전히 개별적인 기술을 볼 수 있습니다.

구호 "Battle of the Centaurs"에는 외부 영향의 흔적이 없습니다. 이 작품은 실력파 거장의 첫 독립작으로 그만의 개성 있는 스타일을 보여준다. 내용이 충만한 시청자 앞의 구호에는 켄타우로스와의 Lapiths 전투에 대한 신화적인 그림이 있습니다. 장면은 묘사 된 인물의 가소성을 정확하게 전달하여 표현되는 비범 한 드라마와 사실감으로 구별됩니다. 이 조각품은 영웅, 인간의 힘, 아름다움에 대한 찬송가로 간주될 수 있습니다. 줄거리의 모든 드라마에도 불구하고 전체 구성에는 깊은 내면의 조화가 포함되어 있습니다.

미술 학자들은 "켄타우로스의 전투"를 미켈란젤로 작업의 출발점으로 간주합니다. 작가의 천재성은 바로 이 작품에서 나온다고 한다. 주인의 초기 작품을 언급하는 구호는 미켈란젤로의 예술적 방식의 풍부함을 반영한 것입니다.

1495년부터 1496년까지 미켈란젤로 부오나로티는 볼로냐에 있었습니다. 여기에서 그는 생성된 이미지의 기념비성으로 젊은 예술가의 관심을 끌었던 Jacopo della Quercia의 캔버스에 대해 알게 됩니다.

1496년에 마스터는 로마에 정착하여 최근에 발견된 소성 및 실행 방식을 연구했습니다. 골동품 조각, 그 중에는 "Laocoön"과 "Belvedere Torso"가 있습니다. 고대 그리스 조각가들의 예술적 방식은 Bacchus의 Michelangelo에 의해 반영되었습니다.

1498년부터 1501년까지 이 예술가는 "피에타"라는 대리석 그룹을 만드는 작업을 했으며 미켈란젤로를 이탈리아 최초의 거장 중 한 명으로 명성을 얻었습니다. 살해당한 아들의 시신을 안고 울고 있는 젊은 어머니를 표현한 전체 장면에는 남다른 박애와 다정함이 스며든다. 작가가 영적 순결을 의인화하는 이미지 인 어린 소녀를 모델로 선택한 것은 우연이 아닙니다.

이상적인 영웅을 보여주는 젊은 거장의 이 작품은 15세기에 만들어진 조각품들과 크게 다르다. 미켈란젤로의 이미지는 더 깊고 심리적입니다. 어머니의 얼굴, 손의 위치, 몸, 곡선이 옷의 부드러운 휘장으로 강조되는 특별한 표정을 통해 슬픔과 슬픔의 감정이 미묘하게 전달됩니다. 그건 그렇고 후자의 이미지는 마스터의 작업에서 일종의 뒤로 물러나는 것으로 간주 될 수 있습니다. 구성 요소 (이 경우 드레스와 후드의 주름)에 대한 자세한 세부 사항은 특징입니다. 르네상스 이전의 예술. 전체적인 구성은 유난히 표현력이 풍부하고 한심하다. 이는 젊은 조각가의 작품의 특징이다.

1501년, 이미 이탈리아에서 유명한 조각가인 미켈란젤로는 다시 피렌체로 떠납니다. 그의 대리석 "David"가 여기에 있습니다. 그의 전임자들(도나텔로와 베로키오)과 달리 미켈란젤로는 전투를 준비하는 젊은 영웅을 묘사했습니다. 거대한 동상 (높이 5.5m)은 사람의 비정상적으로 강한 의지, 체력 및 신체의 아름다움을 표현합니다. 미켈란젤로의 마음 속에 있는 사람의 이미지는 신화 속 거인 거인의 모습과 비슷합니다. David는 자신의 길에있는 모든 장애물을 극복 할 준비가 된 완전하고 강하며 자유로운 사람이라는 아이디어의 구체화로 여기에 나타납니다. 영웅의 영혼에 끓어 오르는 모든 열정은 몸의 회전과 그의 단호하고 의지가 강한 성격을 말하는 David의 얼굴 표정을 통해 전달됩니다.

다윗의 동상이 베키오 궁전(피렌체 시 정부 건물)의 입구를 도시 국가의 힘, 놀라운 힘, 독립의 상징으로 장식한 것은 우연이 아닙니다. 전체 구성은 강한 인간의 영혼과 똑같이 강한 육체의 조화를 표현합니다.

1501년에는 다비드상과 함께 기념비적인 작품("카신 전투")과 이젤("마돈나 도니", 원형 형식) 그림의 첫 번째 작품이 등장했습니다. 후자는 현재 피렌체의 우피치 갤러리에 보관되어 있습니다.

1505년 미켈란젤로는 로마로 돌아간다. 여기서 그는 교황 율리우스 2세의 무덤을 만드는 일을 하고 있습니다. 계획에 따르면 무덤은 대리석과 청동 부조로 조각된 40개의 조각상이 주변에 있는 웅장한 건축 구조로 되어 있었습니다. 그러나 얼마 후 교황 Julius II는 그의 명령을 거부했고 Michelangelo의 장대 한 계획은 실현되지 않았습니다. 소식통은 고객이 주인을 다소 무례하게 대했으며 그 결과 그는 핵심을 불쾌하게하여 수도를 떠나 피렌체로 다시 돌아 가기로 결정했습니다.

그러나 피렌체 당국은 유명한 조각가를 설득하여 교황과 평화를 이루었습니다. 곧 그는 Sistine Chapel의 천장을 장식하기 위해 새로운 제안으로 Michelangelo로 향했습니다. 자신을 주로 조각가로 여기는 주인은 마지못해 주문을 받아들였다. 그럼에도 불구하고 그는 여전히 세계 예술의 걸작으로 인정받는 캔버스를 만들었고 여러 세대에 걸쳐 화가의 기억을 남겼습니다.

미켈란젤로는 600제곱미터가 넘는 면적의 천장을 그리는 작업을 했다는 점에 유의해야 합니다. 조수없이 완전히 혼자입니다. 그러나 4년 후 프레스코화는 완전히 완성되었습니다.

페인팅을 위해 천장의 전체 표면을 여러 부분으로 나누었습니다. 중심 장소는 세계 창조와 첫 번째 사람들의 삶을 묘사하는 9개의 장면이 차지하고 있습니다. 그러한 각 장면의 구석에는 벌거벗은 젊은이들의 모습이 있다. 이 구성의 왼쪽과 오른쪽에는 7명의 예언자와 5명의 예언자의 이미지가 있는 프레스코화가 있습니다. 천장, 아치형 금고 및 스트리핑은 개별 성경 장면으로 장식되어 있습니다. 여기서 미켈란젤로의 수치는 다른 규모라는 점에 유의해야 합니다. 이 특별한 기술을 통해 작가는 가장 중요한 에피소드와 이미지에 시청자의 관심을 집중시킬 수 있었습니다.

지금까지 미술사가들은 이 문제에 대해 의아해했습니다. 이념적 개념프레스코화. 사실 그것을 구성하는 모든 플롯은 성경적 플롯 개발의 논리적 순서를 위반하여 작성되었습니다. 예를 들어, 그림 "노아의 술취함"은 "어둠에서 빛의 분리"라는 구성보다 우선하지만 그 반대여야합니다. 그러나 그러한 플롯의 분산은 화가의 예술적 기술에 전혀 영향을 미치지 않았습니다. 분명히 작가에게는 내러티브의 내용을 밝히지 않고 (다윗의 동상에서와 같이) 사람의 아름답고 고상한 영혼과 그의 강력하고 강한 몸의 조화를 보여주는 것이 여전히 더 중요했습니다.
이것은 유명인을 만드는 Sabaoth의 거인 같은 장로 (프레스코 "태양과 달의 창조")의 이미지로 확인됩니다.

세상의 창조에 대해 이야기하는 거의 모든 프레스코 화에서 거대한 남자가 청중 앞에 나타나며 창조주의 요청에 따라 삶, 결단력, 힘 및 깨어날 것입니다. 독립의 사상은 운명에 도전하듯 금단의 열매를 향해 손을 뻗는 이브가 자유를 향한 단호한 열망을 표현한 그림 '타락'을 통해 흘러나온다. 프레스코 "The Flood"의 이미지는 삶에 대한 동일한 경직성과 갈증으로 가득 차 있으며 그 영웅은 삶과 종류의 지속을 믿습니다.

시빌과 선지자의 이미지는 인물의 강한 감정과 밝은 개성을 의인화하는 인물로 표현됩니다. 슬기로운 요엘은 절망적인 에스겔의 반대입니다. 시청자는 영적인 이사야의 이미지와 예측의 순간에 보이는 아름다운 Delphic Sibyl의 큰 눈을 가진 이미지에 놀라움을 금치 못합니다.

위에서 미켈란젤로가 만든 이미지의 파토스와 기념비는 두 번 이상 언급되었습니다. 흥미로운 사실은 소위 말하는 것입니다. 보조 인물은 주인이 주인공과 동일한 기능을 부여한 것으로 밝혀졌습니다. 개별 그림의 구석에 위치한 청년의 이미지는 사람이 경험하는 삶의 기쁨과 자신의 영적 육체적 힘에 대한 의식의 구체화입니다.

미술사학자들은 시스 티나 예배당의 그림을 미켈란젤로의 창조적 발전 기간을 완성한 작품으로 간주합니다. 여기에서 주인은 천장을 성공적으로 분할하여 다양한 주제에도 불구하고 프레스코 전체가 예술가가 만든 이미지의 조화와 통일성에 대한 인상을줍니다.

미켈란젤로가 프레스코 작업을 하는 동안 마스터의 예술적 방법은 점차 바뀌었습니다. 나중에 캐릭터가 더 크게 표시되어 기념비가 크게 향상되었습니다. 또한 이러한 이미지의 규모로 인해 인물의 가소성이 훨씬 더 복잡해졌습니다. 그러나 이것은 이미지의 표현력에 영향을 미치지 않았습니다. 아마도 여기에서 다른 곳보다 인간 형상의 모든 움직임을 미묘하게 전달하는 조각가의 재능이 나타났습니다. 그림이 페인트로 칠해진 것이 아니라 능숙하게 성형된 3차원 부조라는 인상을 받습니다.

천장의 다른 부분에 있는 프레스코화의 특성은 다릅니다. 중앙 부분이 가장 낙관적 인 분위기를 표현하면 아치형 금고에는 우울한 감정의 모든 음영을 의인화하는 이미지가 있습니다. 여기에서 평화, 슬픔 및 불안은 혼란과 무감각으로 대체됩니다.

미켈란젤로가 제시한 그리스도의 조상 이미지에 대한 해석도 흥미 롭습니다. 그들 중 일부는 동족적 단결의 감정을 표현합니다. 반대로 다른 사람들은 서로에 대한 악의와 증오로 가득 차 있는데, 이는 세상에 빛과 선을 가져 오도록 부름받은 성경의 영웅들에게는 일반적이지 않습니다. 미술사 학자들은 예배당의 후기 그림을 유명한 마스터 화가의 작품에서 질적으로 새로운 시대의 시작 인 새로운 예술적 방법의 표현으로 간주합니다.

20대에. 16세기에는 교황 율리우스 2세의 무덤을 장식하기 위한 미켈란젤로의 작품이 등장했다. 후자의 건축 명령은 교황 상속인의 유명한 조각가가 받았습니다. 이 버전에서 무덤은 최소한의 조각상으로 약간 작은 크기를 가져야 했습니다. 곧 주인은 두 명의 노예와 모세의 조각상이라는 세 조각의 실행 작업을 마쳤습니다.

미켈란젤로는 1513년부터 포로들의 이미지를 작업했습니다. 핵심 주제이 작품의 주인공은 자신에게 적대적인 세력과 싸우는 남자가 된다. 여기에서 승리한 영웅의 기념비적인 인물은 악과의 불평등한 투쟁에서 죽어가는 인물로 대체됩니다. 더욱이 이 이미지들은 작가의 어떤 하나의 목표와 과제에 종속된 것이 아니라 감정과 감정이 얽혀 있음을 드러낸다.

이미지의 다양성은 마스터가 사용하는 일종의 예술적 및 시각적 방법의 도움으로 표현됩니다. 그때까지 미켈란젤로가 한쪽에서 인물이나 조각 그룹을 보여 주려고 노력했다면 이제 작가가 만든 이미지는 플라스틱이되어 변화합니다. 보는 사람이 동상의 어느 쪽에 있는지에 따라 특정 윤곽이 나타나며 이 문제 또는 저 문제가 날카로워집니다.

위의 그림은 "묶인 죄수" 역할을 할 수 있습니다. 그래서 관람자가 조각품을 시계 방향으로 돌면 다음과 같은 것을 쉽게 볼 수 있다. 첫째, 묶인 포로가 머리를 뒤로 젖힌 채 무기력한 몸으로 자신의 무력함을 자각하는 비인간적 고통을 표현하고 있는 모습, 인간의 영혼과 육체의 약점. 그러나 조각품 주위를 더 멀리 이동할수록 이미지가 크게 바뀝니다. 죄수의 이전 약점이 사라지고 근육이 힘으로 채워지고 머리가 자랑스럽게 올라갑니다. 그리고 이제 시청자는 더 이상 지친 순교자가 아니라 터무니없는 사고로 족쇄가 된 타이탄 영웅의 강력한 인물입니다. 또 다른 순간에 족쇄가 깨질 것 같습니다. 그러나 이것은 일어나지 않습니다. 계속해서 시청자는 인체가 다시 약해지고 머리가 가라 앉는 것을 봅니다. 그리고 여기 다시 운명에 체념한 비참한 죄수가 있습니다.

동상 "The Dying Prisoner"에서도 동일한 변동성을 추적 할 수 있습니다. 진행함에 따라 시청자는 고뇌에 휩싸인 몸이 점차 진정되고 무감각 해져 영원한 평화와 고요함을 연상시키는 모습을 봅니다.

포로의 조각품은 비정상적으로 표현력이 풍부하며 인물 움직임의 가소성을 사실적으로 전달하여 만들어졌습니다. 그들은 시청자의 눈앞에서 살아납니다. 실행력 측면에서 포로의 동상은 "켄타우로스의 전투"라는 마스터의 초기 조각과 만 비교할 수 있습니다.

Captives와 달리 Moses의 동상은 성격이 다소 제한적이지만 표현력이 떨어집니다. 여기서 미켈란젤로는 거대한 인간 영웅의 이미지 생성을 다시 언급합니다. 모세의 모습은 비정상적으로 강한 의지를 가진 지도자, 지도자, 사람의 화신입니다. 그의 본질은 다윗과 비교할 때 가장 완전하게 드러납니다. 후자가 자신의 힘과 무적에 대한 자신감을 상징한다면 여기서 모세는 승리에 엄청난 노력이 필요하다는 생각의 의인화입니다. 영웅의이 영적 긴장은 그의 얼굴에 대한 강력한 표현뿐만 아니라 인물의 가소성 덕분에 주인에 의해 전달됩니다. 옷 주름의 날카롭게 굴절 된 선, 위로 향한 모세의 수염 가닥 .

1519년부터 미켈란젤로는 4개의 포로 조각상을 더 만드는 작업을 해왔습니다. 그러나 그들은 미완성 상태로 남아있었습니다. 그 후 그들은 Florence에 위치한 Boboli Gardens의 동굴을 장식했습니다. 현재 조각상은 피렌체 아카데미에 보관되어 있습니다. 이 작품들에서 미켈란젤로의 새로운 주제가 나타납니다. 조각상과 원재료로 취한 돌 블록 사이의 연결입니다. 조각가는 여기에서 예술가의 주요 목적에 대한 아이디어를 제시합니다. 돌 족쇄에서 이미지를 해방시키는 것입니다. 조각품이 미완성으로 판명되고 하단에 원시 돌 조각이 선명하게 보이기 때문에 시청자는 이미지 생성의 전체 과정을 볼 수 있습니다. 여기에 새로운 예술적 갈등이 나타납니다. 인간과 그를 둘러싼 세계입니다. 더욱이, 이 갈등은 그 사람에게 유리하게 해결되지 않습니다. 그의 모든 감정과 열정은 환경에 의해 억압됩니다.

피렌체 메디치 예배당의 그림은 전성기 르네상스의 종말을 알리는 작품이자 동시에 미켈란젤로 작품의 새로운 단계를 이룬 작품이었습니다. 이 작업은 1520년부터 1534년까지 15년 동안 수행되었습니다. 한동안 예술가는 당시 이탈리아에서 발생한 정치적 사건과 관련하여 작업을 중단해야 했습니다. 1527년 로마의 패배에 대응하여 피렌체는 공화국을 선언했습니다.

미켈란젤로는 공화당 국가 체제의 지지자로서 요새화 작업의 수장으로 선출되어 도시 방어에 크게 기여했습니다. 피렌체가 무너지고 메디치가가 다시 권력을 잡았을 때 유명한 예술가이자 이제는 정치인이기도 한 심각한 죽음의 위협이 닥쳤습니다. 구원은 아주 뜻밖에 찾아왔습니다. 교만하고 헛된 사람인 교황 클레멘스 7세 메디치는 자신과 친척들의 기억을 후세에 남기고 싶다는 소망을 표명했습니다. 글쓰기의 예술로 유명한 미켈란젤로 외에 누가 멋진 사진들그리고 훌륭한 조각상을 선보입니다. 할 수 있을까요?

그래서 Medici Chapel 건설 작업이 재개되었습니다. 후자는 높은 벽이 있는 작은 건물로 윗부분에 돔이 있습니다. 예배당에는 벽을 따라 위치한 Nemours의 Giuliano 공작과 Urbino의 Lorenzo의 두 무덤이 있습니다. 제단 맞은 편 세 번째 벽에는 마돈나 동상이 있습니다. 그녀의 왼쪽과 오른쪽에는 Saints Cosmas와 Damian의 이미지를 나타내는 조각품이 있습니다. 그들은 위대한 스승의 제자들이 만들었다는 것이 입증되었습니다. 연구자들은 아폴로(다른 이름은 다비드)와 웅크리고 있는 소년의 조각상도 메디치 무덤을 위해 만들어졌다고 제안합니다.

프로토 타입과 닮지 않은 공작의 조각품 옆에는 "아침", "낮", "저녁", "밤"과 같은 우화 적 인물이 배치되었습니다. 그들은 지상 시간과 인간 삶의 일시적인 상징으로 여기에 제시됩니다. 좁은 틈새에 위치한 동상은 끔찍하고 위협적인 무언가가 임박한 우울증의 인상을 불러 일으 킵니다. 체적 수치돌담에 의해 사방에서 부서진 것으로 밝혀진 공작은 이미지의 영적 부서짐과 내면의 공허함을 표현합니다.

이 앙상블에서 가장 조화로운 것은 마돈나의 이미지입니다. 비정상적으로 표현력이 풍부하고 서정성이 풍부하며 모호하지 않고 우울한 선의 부담이 없습니다.

Medici Chapel은 건축 양식과 조각 양식의 예술적 통일성이라는 관점에서 특히 흥미 롭습니다. 건물의 선과 조각상은 여기에서 작가의 하나의 아이디어에 종속됩니다. 예배당은 하나의 부분이 다른 요소의 의미를 조화롭게 보완하고 발전시키는 조각과 건축의 두 예술 상호 작용의 합성과 조화의 가장 분명한 예입니다.

1534년부터 미켈란젤로는 피렌체를 떠나 로마에 정착하여 생을 마칠 때까지 머물렀다. 위대한 거장의 작품의 로마 시대는 르네상스 작가, 화가, 조각가들이 노래 한 아이디어에 대한 반종교 개혁 투쟁의 조건에서 지나갔습니다. 후자의 작업은 매너리스트의 예술로 대체되고 있습니다.

로마에서 미켈란젤로는 당시 유명한 이탈리아 시인 비토리아 콜로나가 이끄는 종교 및 철학계를 구성한 사람들과 가까워집니다. 그러나 젊었을 때와 마찬가지로 미켈란젤로의 생각과 아이디어는 원의 머리를 맴도는 것과는 거리가 멀었습니다. 사실 주인은 오해와 영적 외로움의 환경에서 로마에서 살며 일했습니다.

이때 (1535-1541) 시스틴 예배당의 제단 벽을 장식 한 최후의 심판 프레스코가 나타났습니다.

여기서 성경 이야기는 저자에 의해 다시 생각됩니다. 최후의 심판의 그림은 시청자에게 긍정적 인 시작, 최고 정의의 승리가 아니라 묵시록과 같은 온 가족의 죽음에 대한 보편적 비극으로 인식됩니다. 거대한 인물이 구성의 드라마를 향상시킵니다.

그림의 기본적 특성은 일반 대중에서 길을 잃은 사람을 보여주는 예술가의 임무와 완전히 일치합니다. 이러한 예술적 이미지의 결정 덕분에 시청자는이 세상에서 외로움을 느끼고 싸울 필요가없는 적대 세력 앞에서 무력감을 느낍니다. 비극적 인 메모는 또한 주인이 한 무리의 사람들에 대한 통합적이고 모 놀리 식 이미지를 가지고 있지 않기 때문에 (후기 르네상스 예술가의 캔버스에 표시 될 것임) 각자 자신의 삶을 살고 있기 때문에 더 날카로운 소리를 얻습니다. 그러나 화가의 의심 할 여지없는 장점은 그가 여전히 일관성이 없지만 더 이상 비인격적이지는 않지만 인간 덩어리를 보여 주었다는 사실로 이미 간주 될 수 있습니다.

최후의 심판에서 미켈란젤로는 비정상적으로 표현력이 풍부한 색채 기법을 선보입니다. 밝은 나체와 어둡고 검고 푸른 하늘의 대비는 구도에서 비극적 긴장과 우울의 인상을 강화합니다.

미켈란젤로. 끔찍한 심판. 바티칸 시스티나 예배당의 프레스코화. 파편. 1535-1541년

1542년에서 1550년 사이에 미켈란젤로는 바티칸에 있는 파올리나 예배당의 벽을 그리는 작업을 하고 있었습니다. 위대한 화가는 두 개의 프레스코화를 그렸는데, 그 중 하나는 나중에 "바울의 회심"이라고 불렸고 다른 하나는 "베드로의 십자가 처형"이라고 불렸습니다. 후자에서는 베드로의 처형을 지켜 보는 인물들에서 자신의 운명에 대한 사람의 암묵적 동의, 무 활동 및 순종에 대한 아이디어가 완전히 제시됩니다. 사람들은 폭력과 악에 어떻게든 저항할 신체적, 정신적 힘이 없습니다.

1530년대 말. Brutus의 흉상 인 Michelangelo의 또 다른 조각품이 있습니다. 이 작업은 그의 친척 Lorenzo가 저지른 전제 공작 Alessandro de Medici의 살인에 대한 유명한 주인의 일종의 반응이었습니다. 진정한 동기에 관계없이 후자의 행동은 공화당 지지자 인 예술가가 기꺼이 환영했습니다. Civil pathos는 고귀하고 자랑스럽고 독립적 인 주인, 뛰어난 지성과 따뜻한 마음을 가진 사람으로 대표되는 Brutus의 이미지로 가득 차 있습니다. 여기 미켈란젤로가 이미지로 돌아가는 것 같습니다. 완벽한 사람높은 영적, 지적 자질을 가지고 있습니다.

미켈란젤로 작업의 마지막 해는 친구와 친척을 잃은 분위기와 더욱 악화된 대중의 반응 속에서 지나갔습니다. 반개혁 주의자들의 혁신은 인본주의, 자유에 대한 사랑, 운명에 대한 반항과 같은 르네상스의 가장 진보적 인 아이디어가 드러난 주인의 작품에 영향을 미칠 수밖에 없었습니다. 반개혁의 맹렬한 숭배자 중 한 명인 Paul IV Caraffa의 결정으로 유명한 화가의 최후의 심판 구성이 변경되었다고 말하면 충분합니다. 교황은 사람들의 프레스코화에 묘사된 외설적인 나체 인물을 고려했습니다. 그의 명령에 따라 미켈란젤로의 학생인 다니엘레 다 볼테라는 망토 휘장으로 미켈란젤로의 일부 이미지의 나체를 숨겼습니다.

외로움의 우울하고 괴로운 기분과 모든 희망의 붕괴가 스며든다. 최신작미켈란젤로 - 일련의 그림과 조각. 인정받는 주인의 내부 모순을 가장 분명하게 반영하는 것은 바로 이러한 작품들입니다.

따라서 Palestrina의 "Pieta"에 나오는 예수 그리스도는 외부 세력의 맹공격으로 부서진 영웅으로 제시됩니다. 피렌체 대성당의 "Pieta"( "The Entombment")의 동일한 이미지는 이미 더 평범하고 인간화되었습니다. 더 이상 타이탄이 아닙니다. 여기에 등장 인물의 영적 힘, 감정, 경험을 보여주는 것이 예술가에게 더 중요하다는 것이 밝혀졌습니다.

그리스도의 몸의 부서진 윤곽, 아들의 시체 위로 몸을 구부리는 어머니의 이미지, 몸을 낮추는 니고데모
예수를 무덤으로-모든 것이 인간 경험의 깊이를 묘사하는 하나의 작업에 종속됩니다. 게다가 참
이 작품들의 장점은 이미지의 불일치를 극복한 대가의 모습이다. 그림 속 사람들은 깊은 연민의 감정과 상실의 쓰라림으로 하나가 된다. 미켈란젤로의 이 기법은 후기 르네상스의 예술가와 조각가의 작품에서 이탈리아 예술 형성의 다음 단계에서 개발되었습니다.

미켈란젤로 작업의 마지막 단계의 정점은 나중에 Pieta Rondanini라고 불리는 조각품으로 간주될 수 있습니다. 여기에 표시된 이미지는 부드러움, 영성, 깊은 슬픔과 슬픔의 구체화로 제시됩니다. 여기에서 그 어느 때보다도 많은 사람들이 사는 세상에서 인간의 외로움이라는 주제가 첨예하게 들립니다.

드로잉을 조각, 회화, 건축의 근본 원리로 여겼던 거장의 후기 그래픽 작품에서도 같은 모티브가 울려 퍼집니다.

Michelangelo의 그래픽 작품 이미지는 그의 기념비적 구성의 영웅과 다르지 않습니다. 동일한 장엄한 타이탄 영웅이 여기에 표시됩니다. 창의력의 마지막 기간에 미켈란젤로는 독립적인 예술 및 시각적 장르로 그림을 그립니다. 그래서 30~40대. 마스터의 가장 눈에 띄고 표현력이 풍부한 작곡의 모습은 "The Fall of Phaeton"과 "The Resurrection of Christ"와 같은 16 세기에 속합니다.

거장의 예술적 방법의 진화는 그래픽 작업의 예에서 쉽게 추적됩니다. 펜으로 만든 첫 번째 그림에 윤곽선이 다소 뚜렷한 인물의 매우 구체적인 이미지가 포함되어 있으면 이후 이미지는 더 모호하고 부드러워집니다. 이 가벼움은 예술가가 더 얇고 섬세한 선을 만드는 데 도움이되는 낙관적 인 연필이나 이탈리아 연필을 사용한다는 사실 때문에 만들어집니다.

그러나 미켈란젤로의 후기 작품은 비극적으로 가망 없는 방식으로 표시되는 것만은 아닙니다. 이 시대로 거슬러 올라가는 거장의 건축 구조는 르네상스의 전통을 이어가는 것 같습니다. 그의 성 베드로 대성당과 로마 국회 의사당의 건축 앙상블은 높은 인본주의에 대한 르네상스 아이디어의 구체화입니다.

미켈란젤로 부오나로티는 1564년 2월 18일 로마에서 사망했습니다. 그의 시신은 철저히 비밀리에 수도에서 나와 피렌체로 보내졌습니다. 위대한 예술가는 산타 크로체 교회에 묻혔습니다.

회화와 조각의 대가의 작품은 많은 미켈란젤로 추종자들의 예술적 방법의 형성과 발전에 큰 역할을 했다. 그들 중에는 유명한 화가가 만든 이미지의 선을 자주 복사하는 매너리스트 라파엘이 있습니다. 미켈란젤로의 예술은 바로크 시대의 대표자들에게 그다지 중요하지 않았습니다. 그러나 바로크 시대의 이미지 (내적 충동이 아니라 외력에 의해 움직이는 사람)는 인본주의를 찬양하는 미켈란젤로의 영웅과 비슷하며 의지와 내면의 힘사람이 틀릴 것입니다.

라파엘 산티

라파엘 산티는 1483년 작은 마을 우르비노에서 태어났습니다. 위대한 화가의 정확한 생년월일을 정하는 것은 불가능했습니다. 한 소식통에 따르면 그는 3월 26일 또는 28일에 태어났습니다. 다른 학자들은 라파엘로의 생년월일이 1483년 4월 6일이라고 주장합니다.

15세기 말까지 우르비노는 가장 큰 문화 센터국가. 전기 작가들은 라파엘이 그의 아버지 조반니 산티와 함께 ​​공부했다고 제안합니다. 1495년부터 청년은 우르비노 거장 티모테오 델라 비테의 미술 작업장에서 일해 왔습니다.

Raphael의 가장 오래된 생존 작품은 미니어처 "The Dream of the Knight"와 "The Three Graces"로 간주됩니다. 이미 이 작품들에는 르네상스 거장들이 설파한 인본주의적 이상이 고스란히 반영되어 있다.

"The Knight 's Dream"에는 Valor 또는 Pleasure? .. Raphael은 Hercules를 잠자는 젊은 기사로 묘사합니다. 그의 앞에는 두 명의 젊은 여성이 있습니다. 한 명은 손에 책과 칼을 들고 있습니다(지식, 용기 및 무기의 위업), 다른 하나는 꽃이 만발한 가지로 즐거움과 즐거움을 의인화합니다. 전체 구성은 아름다운 풍경을 배경으로 배치됩니다.

"Three Graces"는 고대 그리스 카메오 (보석 ​​또는 준 보석의 이미지)에서 가져온 골동품 이미지를 다시 보여줍니다.

젊은 예술가의 초기 작품에는 많은 차입이 있음에도 불구하고 작가의 창의적인 개성이 이미 여기에서 분명하게 드러납니다. 그것은 이미지의 서정성, 작품의 특별한 리드미컬한 구성, 인물을 형성하는 선의 부드러움으로 표현됩니다. 전성기 르네상스의 예술가로서 라파엘의 초기 작품의 특징인 칠해진 이미지의 특별한 조화와 구성의 선명도 및 선명도는 예술가에 대해 이야기합니다.

1500년에 라파엘로는 고향을 떠나 움브리아의 주요 도시인 페루자(Perugia)로 갑니다. 여기에서 그는 Umbrian 예술 학교의 설립자였던 Pietro Perugino의 워크샵에서 그림을 공부합니다. Raphael의 동시대 사람들은 다음과 같이 증언합니다. 유능한 학생은 교사의 글쓰기 스타일을 너무 깊이 채택하여 캔버스를 구분할 수조차 없었습니다. 매우 자주 Rafael과 Perugino는 그림을 함께 작업하면서 주문을 이행했습니다.

그러나 이 기간 동안 젊은 예술가의 본래 재능이 전혀 발전하지 않았다고 말하는 것은 잘못된 것입니다. 이것은 1504년경에 제작된 유명한 Conestabile Madonna에 의해 확인되었습니다.

이 캔버스에는 처음으로 마돈나의 이미지가 나타나며 앞으로 작가의 작업에서 선두 자리를 차지할 것입니다. 마돈나는 나무, 언덕, 호수가 있는 멋진 풍경을 배경으로 그려져 있습니다. 마돈나와 아기의 시선이 젊은 엄마가 바쁘게 읽고있는 책으로 향한다는 사실로 이미지가 통합됩니다. 구성의 완성도는 주인공의 인물뿐만 아니라 이미지의 자유를 전혀 제한하지 않는 그림의 모양 인 tondo (둥근)로도 전달됩니다. 부피가 크고 가볍습니다. 마돈나의 깊고 푸른 망토, 투명한 푸른 하늘, 푸른 나무와 호수 물, 흰색 꼭대기가있는 눈 덮힌 산과 같은 구성과 특별한 조합에 밝은 차가운 색상을 사용하여 자연스럽고 사실적인 느낌을줍니다. 이 모든 것이 그림을 볼 때 순수함과 부드러움을 만듭니다.

그의 작품 초기와 관련된 덜 유명한 Raphael의 또 다른 작품은 "The Betrothal of Mary"라고 불리는 1504 년에 만들어진 캔버스입니다. 이 그림은 현재 밀라노의 브레라 갤러리에 보관되어 있습니다. 여기서 특히 흥미로운 것은 구성 구조입니다. 약혼의 종교적, 의식적 행위는 화가에 의해 멀리 보이는 교회 벽에서 거리로 옮겨졌습니다. 성찬은 맑고 푸른 하늘 아래에서 행해집니다. 그림 중앙에는 사제가 있고 그 왼쪽과 오른쪽에는 마리아와 요셉이 있고 그 옆에는 어린 소녀들과 소년들이 소그룹으로 서 있습니다. 구성의 관점에서 볼 때 교회는 약혼이 이루어지는 일종의 배경이다. 그녀는 마리아와 요셉에 대한 신성한 처분과 호의의 상징입니다. 그림의 논리적 완전성은 교회 돔의 선을 반복하는 상단의 캔버스 반원형 프레임에 의해 제공됩니다.

그림 속 인물들은 유난히 서정적이면서도 자연스럽다. 여기에서 인체의 움직임, 가소성은 매우 정확하고 미묘하게 전달됩니다. 이에 대한 생생한 예는 컴포지션의 전경에 위치한 소년의 모습으로 무릎에 지팡이를 부수는 것입니다. 우아하고 거의 미묘한 마리아와 요셉이 보는 사람에게 보입니다. 그들의 영적인 얼굴은 사랑과 부드러움으로 가득 차 있습니다. 인물 배치의 일정한 대칭에도 불구하고 캔버스는 서정적 소리를 잃지 않습니다. Raphael이 만든 이미지는 계획이 아니라 다양한 감정을 가진 살아있는 사람입니다.

이 작품에서 처음으로 이전 작품과 비교할 때 작곡의 리듬을 미묘하게 구성하는 능력에서 젊은 마스터의 재능이 가장 분명하게 나타났습니다. 이 속성으로 인해, 큰 그림건축 구조의 이미지는 라파엘의 풍경의 요소 일뿐만 아니라 주인공과 동등 해지는 조화롭게 포함되어 본질과 성격을 드러냅니다.

작품에서 특별한 리듬을 만들고자 하는 욕구는 작가가 특정 톤의 페인트를 사용하는 것에 의해서도 결정됩니다. 그래서 "The Betrothal of Mary"의 구성은 단 네 가지 색상으로 구성됩니다.

영웅, 풍경, 건축의 옷에 결합되고 전체 구성의 필요한 리듬을 설정하는 황금색 노란색, 녹색 및 빨간색 톤은 하늘의 밝은 파란색 음영과 조화를 이룹니다.

얼마 지나지 않아 페루지노의 작업실은 화가의 재능이 더 성장하기에는 너무 작아집니다. 1504년 라파엘로는 전성기 르네상스 예술의 아이디어와 미학이 발전하고 있는 피렌체로 이사하기로 결정합니다. 여기에서 Raphael은 Michelangelo와 Leonardo da Vinci의 작품에 대해 알게됩니다. 그들이 그의 창작 방법을 형성하는 이 단계에서 젊은 화가의 스승이었다고 해도 무방합니다. 이 거장들의 작품에서 젊은 예술가는 Umbrian 학교에 없었던 것을 발견했습니다. 이미지를 만드는 원래 스타일, 묘사 된 인물의 표현 가소성, 더 방대한 현실 표현입니다.

새로운 예술 및 시각적 솔루션은 1505년 라파엘로가 만든 작품에 이미 반영되어 있습니다. 당시 피렌체의 유명한 예술 후원자였던 안젤로 도니와 그의 아내의 초상화는 현재 피티 갤러리에 보관되어 있습니다. 이미지에는 영웅적인 파토스와 과장법이 없습니다. 이것 보통 사람들그러나 결단력과 강인한 의지와 같은 최고의 인간적 특성을 부여 받았습니다.

여기 피렌체에서 라파엘은 마돈나에게 헌정된 일련의 그림을 그립니다. 그의 캔버스 "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna the Gardener"가 나타납니다. 이 구성은 동일한 작품의 변형입니다. 모든 캔버스는 작은 세례 요한과 함께 마돈나와 어린이를 묘사합니다. 그림은 엄청나게 아름다운 풍경을 배경으로 배치됩니다. Raphael의 이미지는 비정상적으로 서정적이고 부드럽고 부드럽습니다. 그의 마돈나는 모든 것을 용서하고 고요한 모성애의 화신입니다. 이 작품들에는 캐릭터의 외적 아름다움에 대한 어느 정도의 감성과 과도한 감탄이 있습니다.

이 기간 동안 화가의 예술적 방법의 특징은 피렌체 학교의 모든 거장에게 내재된 명확한 색상 비전이 부족하다는 것입니다. 캔버스에는 지배적인 색상이 없습니다. 이미지는 파스텔 색상으로 렌더링됩니다. 아티스트의 색상은 여기에서 중요한 것이 아닙니다. 그에게 더 중요한 것은 인물을 구성하는 선을 최대한 정확하게 전달하는 것입니다.

피렌체에서는 라파엘의 기념비적 그림의 첫 번째 사례가 만들어졌습니다. 그중 가장 흥미로운 것은 1506년에서 1507년 사이에 만들어진 “세례 요한과 성 베드로와 함께한 마돈나”입니다. Nicholas"(또는 "Ansidei의 마돈나"). ~에 창의적인 방법예술가는 주로 Leonardo da Vinci와 Fra Bartolomeo와 같은 피렌체 화가의 캔버스에 크게 영향을 받았습니다.

1507 년 피렌체 학교의 최고 거장들과 비교하기를 원했던 그들은 Leonardo da Vinci와 Michelangelo였습니다. Raphael은 "The Entombment"라는 다소 큰 캔버스를 만들었습니다. 구성 이미지의 개별 요소는 유명한 화가의 반복입니다. 그래서 그리스도의 머리와 몸은 미켈란젤로의 조각 "피에타"(1498-1501)에서 차용하고 마리아를 부양하는 여성의 이미지는 같은 거장 "마돈나 도니"의 캔버스에서 가져온 것입니다. 많은 미술사학자들은 라파엘로의 이 작품을 독창적인 것으로 여기지 않으며, 그의 독창적인 재능과 예술적이고 시각적인 방법의 특징을 드러냅니다.

마지막 실패한 작업에도 불구하고 Raphael의 예술 업적은 중요했습니다. 곧 동시대 사람들은 젊은 예술가의 작품을 주목하고 인식하며 작가 자신은 르네상스의 뛰어난 거장들과 동등하게 됩니다. 1508년, 유명한 건축가 브라만테의 후원으로 같은 동포인 라파엘로가 로마로 여행을 떠났고 그곳에서 그는 교황 궁정에 초대받은 사람들 중 하나가 되었습니다.

당시 교황의 왕좌에 있던 율리우스 2세는 허영심이 강하고 단호하며 의지가 강한 사람으로 알려졌습니다.
그의 통치 기간 동안 전쟁의 도움으로 교황의 소유물이 크게 확장되었습니다. 문화 예술의 발전과 관련하여 동일한 "공세"정책이 수행되었습니다. 그래서 가장 유명한 예술가, 조각가 및 건축가가 교황 법원에 초대되었습니다. 수많은 건축 건물로 장식된 로마는 눈에 띄게 변화하기 시작했습니다. 브라만테는 성 베드로 대성당을 지었습니다. Julius II의 무덤 건설을 일시적으로 중단 한 Michelangelo는 Sistine Chapel의 천장을 그리기 시작했습니다. 점차적으로 높은 인본주의 원칙과 아이디어를 설교하는 시인과 과학자들이 교황 주위에 형성되었습니다. 피렌체에서 도착한 라파엘 산티는 그런 분위기에 빠져들었다.

로마에 도착한 Raphael은 교황의 아파트(소위 스탠자)를 그리는 작업에 착수했습니다. 이 프레스코화는 1509년에서 1517년 사이에 제작되었습니다. 이 프레스코화는 여러 가지 특징에서 다른 거장들의 유사한 성격의 작품과 구별됩니다. 우선, 그것은 그림의 규모입니다. 이전 화가의 작품에서 한 벽에 여러 개의 작은 구성이 있었다면 Raphael은 각 그림마다 별도의 벽을 가지고 있습니다. 따라서 묘사 된 인물도 "성장"했습니다.

또한 인조 대리석과 금으로 장식 된 천장, 프레스코 및 모자이크 구성, 멋진 패턴으로 칠해진 바닥과 같은 다양한 장식 요소로 라파엘의 프레스코 화의 채도를 주목할 필요가 있습니다. 그러나 이러한 다양성은 과잉과 혼돈의 인상을 주지 않습니다. 제자리에 배치되고 능숙하게 배치된 장식 요소는 주인이 설정한 조화, 질서 및 특정 리듬을 불러일으킵니다. 이러한 창의적이고 기술적 인 혁신의 결과로 그림에서 작가가 만든 이미지는 보는 사람에게 명확하게 표시되어 필요한 선명도와 선명도를 얻습니다.

모든 프레스코화는 가톨릭 교회와 그 머리를 찬미하는 공통 주제를 따라야 했습니다. 이와 관련하여 그림은 성서적 장면과 교황권 역사의 장면 (Julius II와 그의 후계자 Leo X의 이미지 포함)을 기반으로합니다. 그러나 Raphael에서 이러한 특정 이미지는 일반화 된 우화 적 의미를 획득하여 르네상스 인본주의 적 아이디어의 본질을 드러냅니다.

이 관점에서 특히 흥미로운 것은 Stanza della Senyatura(시그니처 룸)입니다. 구성의 프레스코 화는 인간의 영적 활동의 네 가지 영역을 표현한 것입니다. 따라서 프레스코 "분쟁"은 신학, "아테네 학교"-철학, "파르 나서 스"-시, "지혜, 절제 및 힘"-정의를 보여줍니다. 각 프레스코의 윗부분은 특정 유형의 활동을 나타내는 인물의 우화적 이미지로 장식되어 있습니다. 금고의 모서리에는 하나 또는 다른 프레스코와 주제가 유사한 작은 구성이 있습니다.

Stanza della Senyatura의 그림 구성은 성경과 고대 그리스 주제의 조합을 기반으로합니다 (성경 - "The Fall", 골동품 - "Apollo 's Victory over Marsyas"). 신화, 이교도 및 세속적 주제의 조합이 교황 방을 장식하는 데 사용되었다는 사실은 당시 사람들이 종교적 교리에 대한 태도를 증언합니다. 라파엘의 프레스코화는 교회 종교보다 세속적 시작의 우선 순위를 표현했습니다.

종교적 컬트 프레스코 화를 가장 눈에 띄고 가장 완벽하게 반영한 것은 "분쟁"이라는 그림이었습니다. 여기서 구성은 하늘과 땅의 두 부분으로 나누어지는 것처럼 보입니다. 아래 땅에는 교부들과 성직자, 장로, 청년들의 모습이 있습니다. 그들의 이미지는 비정상적으로 자연스럽고 신체의 가소성, 인물의 회전 및 움직임을 사실적으로 전달하여 만들어집니다. 이곳에 모인 많은 사람들 사이에서 단테, 사보나롤라, 화가 프라 베아토 안젤리코를 쉽게 알아볼 수 있습니다.

사람들의 모습 위에는 삼위 일체를 상징하는 이미지가 있습니다. 그보다 조금 더 낮은 아버지 하나님-하나님의 어머니와 세례 요한과 함께하는 예수 그리스도, 그 아래-비둘기-성령의 의인화. 전체 구성의 중심에는 친교의 상징으로 호스트가 있습니다.

"Dispute"에서 Raphael은 타의 추종을 불허하는 작곡의 대가로 등장합니다. 많은 상징에도 불구하고 그림은 이미지의 탁월한 선명도와 작가의 생각의 선명도로 구별됩니다. 컴포지션의 윗부분에있는 그림 배열의 대칭은 아래쪽에 거의 혼란스럽게 배치 된 그림에 의해 부드러워집니다. 따라서 첫 번째 이미지의 스케치가 거의 눈에 띄지 않습니다. 여기에서 교차 절단 구성 요소는 반원입니다. 구름 위의 성도와 사도의 윗부분에 위치한 반원과 그 메아리로 그림 아래쪽에있는 자유롭고 자연스러운 인물의 반원입니다.

이 기간 동안 Raphael의 최고의 프레스코 화와 작품 중 하나는 "The School of Athens"그림입니다. 이 프레스코화는 예술과 관련된 높은 인본주의적 이상을 구현한 것입니다. 고대 그리스. 예술가는 유명한 고대 철학자와 과학자를 묘사했습니다. 플라톤과 아리스토텔레스의 인물은 구성의 중앙 부분에 배치됩니다. 플라톤의 손은 지구를 가리키고 아리스토텔레스는 고대 철학자들의 가르침을 상징하는 하늘을 가리킨다.

플라톤의 왼쪽에는 한 무리의 사람들과 대화를 나누는 소크라테스의 모습이 있는데, 그중 젊은 알키비아데스의 얼굴이 눈에 띄게 눈에 띄고 그의 몸은 껍질로 보호되고 그의 머리는 천으로 덮여 있습니다. 헬멧. 계단 위에는 창시자인 디오게네스가 있습니다. 철학 학교냉소주의자. 그는 여기서 성전 입구에 서서 구걸하는 걸인으로 표현됩니다.

구성의 맨 아래에는 두 그룹의 사람들이 있습니다. 왼쪽에는 학생들에게 둘러싸인 피타고라스의 모습이 있습니다. 오른쪽 - Euclid, 슬레이트 보드에 무언가를 그리고 학생들에게 둘러싸여 있습니다. 마지막 그룹의 오른쪽에는 조로아스터와 프톨레마이오스가 그의 손에 구체를 들고 있습니다. 근처에 작가는 자신의 자화상과 화가 소돔의 모습을 배치했습니다 (Stanza della Senyatura의 그림 작업을 시작한 사람이었습니다). 중앙 왼쪽에 작가는 사려 깊은 에베소의 헤라클레이토스를 배치했습니다.

분쟁의 프레스코 화 이미지와 비교할 때 아테네 학교의 인물은 훨씬 더 크고 기념비적입니다. 이들은 비범한 마음과 큰 용기를 부여받은 영웅들입니다. 프레스코화의 주요 이미지는 플라톤과 아리스토텔레스입니다. 그들의 중요성은 구성의 위치 (중앙 위치를 차지함)뿐만 아니라 얼굴 표정과 신체의 특별한 가소성에 의해 결정됩니다. 이 인물은 진정으로 당당한 자세와 걸음 걸이를 가지고 있습니다. 흥미로운 사실은 Leonardo da Vinci가 Plato 이미지의 원형이되었다는 것입니다. Euclid의 이미지를 쓰는 모델은 건축가 Bramante였습니다. 헤라클레이토스의 원형은 미켈란젤로가 시스티나 예배당 천장에 그린 인물이었다. 일부 학자들은 Heraclitus의 이미지가 Michelangelo 자신의 주인에 의해 복사되었다고 제안합니다.

주제도 여기에서 변경됩니다. 프레스코는 인간의 마음과 인간의 의지에 대한 일종의 찬송가처럼 들립니다. 그렇기 때문에 모든 캐릭터는 인간의 마음과 창의적 사고의 무한함을 상징하는 웅장한 건축물을 배경으로 배치됩니다. "Disputes"의 캐릭터가 수동적이라면 "Athenian School"에 제시된 이미지는 적극적이고 활기찬 삶의 건축 자, 세계 사회 질서의 변형자입니다.

프레스코의 구성 솔루션도 흥미 롭습니다. 따라서 배경에 위치한 플라톤과 아리스토텔레스의 인물은 움직이는 모습으로 인해 그림의 주요 인물입니다. 또한 구성의 역동적인 중심을 형성합니다. 깊이에서 튀어 나와 시청자를 향해 앞으로 나아가는 것처럼 보이며 반원형 아치로 둘러싸인 구성의 발전인 역학의 인상을 만듭니다.

Stanza d'Eliodoro의 인장 방 뒤의 그림 작업은 1511년에서 1514년 사이에 Rafal이 수행했습니다. 주요 장소는 신성한 섭리와 기적에 주어졌습니다.

이 방은 예루살렘성에 저장된 부를 훔치려는 시리아 사령관 엘리오도르의 이야기를 바탕으로 한 프레스코 "엘리오도르의 추방"에 대한 장식 작업이 완료된 후 그 이름을 얻었습니다. 그러나 스카이 라이더가 그를 막았습니다. 이 프레스코화는 교황 율리우스 2세의 군대가 어떻게 교황령에서 프랑스군을 패배시키고 불명예스럽게 몰아냈는지를 상기시키는 역할을 했습니다.

그러나 이 프레스코화는 작가의 창작의도를 표현하는 힘으로 구별되지 않는다. 이것은 아마도 전체 구성이 두 부분으로 나뉘어져 있기 때문일 것입니다. 왼쪽에는 두 천사와 함께 Eliodor를 공격하려는 아름다운 라이더가 있습니다. 프레스코 화의 오른쪽에는 들것에 기대어있는 Julius II가 있습니다. 들것을 지지하는 사람들 가운데 화가는 유명한 독일 화가 알브레히트 뒤러를 그렸습니다. 음모의 영웅적 파토스에도 불구하고 여기에서 Raphael의 이미지에는 역학과 드라마가 전혀 없습니다.

성격이 다소 강하고 구성 구조가 완벽한 것은 "Mass in Bolsena"라는 프레스코입니다. 그 음모는 성찬 중에 빵이 피로 얼룩진 믿지 않는 사제에 대한 이야기를 기반으로합니다. Raphael의 캔버스 에서이 기적의 증인은 그 뒤에 위치한 교황 Julius II, 추기경 및 경비원의 스위스였습니다.

유명 작가의 이번 작품의 특징은 전작에 비해 캐릭터 묘사의 자연 스러움과 자연 스러움이 컸다는 점이다. 이들은 더 이상 외부의 아름다움에 놀란 추상적인 인물이 아니라 아주 실제적인 사람들입니다. 이것에 대한 가장 놀라운 증거는 강한 인간의 의지를 표현하는 내부 에너지로 가득 찬 얼굴을 가진 교황 경비대의 스위스 이미지입니다. 그러나 그들의 감정은 예술가의 창의적인 발명품이 아닙니다. 이것은 매우 실제적인 인간의 감정입니다.

이 작업에서 작가는 색채, 캔버스와 이미지의 색채적 충만감에 많은 관심을 기울인다. 화가는 이제 인물의 윤곽선을 정확하게 전달하는 것뿐만 아니라 이미지의 채도, 특정 톤을 통한 내면 세계의 표시에도 관심을 가집니다.

똑같이 표현력이 풍부한 것은 천사에 의한 사도 베드로의 해방 장면을 묘사하는 프레스코 "피터의 생산"입니다. 미술사학자들은 이 그림이 교황 특사 레오 10세(훗날 교황이 됨)가 프랑스 포로에서 풀려난 것을 상징한다고 믿고 있습니다.

이 프레스코화에서 특히 흥미로운 점은 작가가 발견한 구성 및 색상 솔루션입니다. 야간 조명을 재현하여 전체 구성의 극적인 특성을 향상시킵니다. 엄선된 건축적 배경은 육중한 벽돌로 지은 지하 감옥, 육중한 아치형 금고, 두꺼운 격자 막대 등 그림의 내용과 더 큰 감정적 내용을 공개하는 데 기여합니다.

Stanza d' Eliodoro의 네 번째이자 마지막 프레스코 화는 나중에 "교황 레오 1 세와 아틸라의 만남"이라고 불리며 그의 제자 Giulio Romano와 Francesco Penny가 Raphael의 스케치에 따라 만들었습니다. 작업은 1514 년에서 1517 년 사이에 수행되었습니다. 그 당시 이탈리아 전역에서 명성을 얻었고 많은 명령을받은 비정상적으로 인기있는 예술가가 된 주인 자신은 교황 실 장식을 완료 할 수 없었습니다. 또한 당시 라파엘은 성 베드로 대성당의 수석 건축가로 임명되었으며 당시 로마와 그 주변 지역에서 수행되었던 고고학 발굴을 감독했습니다.

Stanzas del Incendio를 장식한 그림은 교황권의 역사에 관한 이야기를 바탕으로 한 것입니다. 모든 프레스코 화 중에서 "보르고의 불"이라는 특별한주의를 기울일 가치가있는 것은 아마도 하나뿐입니다. 그녀는 847년에 로마 구역 중 한 곳에서 발생한 화재에 대해 이야기합니다. 그런 다음 교황 레오 4세가 화재 진압에 참여했습니다. 이 프레스코화는 아버지를 안고 있는 아들, 벽을 넘는 청년, 주전자를 들고 있는 소녀 등 재난에서 벗어나려는 사람들의 이미지에서 과도한 파토스와 인위적인 드라마가 특징입니다.

바티칸 연의 프레스코 화는 라파엘 작품의 진화를 잘 보여줍니다. 작가는 초기 작품의 이상적인 이미지에서 드라마로 점차 이동하고 동시에 후기 작품의 삶에 더 가까워지고 있습니다 ( 플롯 구성초상화).

1509년 로마에 도착하자마자 마돈나의 주제를 이어가는 라파엘은 캔버스 "마돈나 알바"를 썼습니다. Conestabile Madonna의 인물에 비해 Alba Madonna의 이미지는 훨씬 더 복잡합니다. 마리아는 여기에서 젊은 여성으로 묘사됩니다. 강한 성격, 활기차고 자신감이 있습니다. 아기의 움직임은 그만큼 강합니다. 그림은 톤도의 형태입니다. 그러나 그림은 여기에 전체적으로 작성되어 있으며 이는 원형 캔버스의 경우 일반적이지 않습니다. 그러나 이러한 도형의 배열은 정적인 이미지로 이어지지 않는다. 전체 구성뿐만 아니라 전체 구성도 역학으로 표시됩니다. 이 느낌은 주인이 인체 움직임의 가소성을 미묘하고 정확하게 전달한다는 사실 때문에 만들어집니다.

예술가의 창작 방법을 형성하는 데 특히 중요한 것은 1516년경에 완성된 그림 "의자에 앉은 마돈나"(또는 "마돈나 델라 세디아")였습니다. 컴포지션에 구체적이고 실제적인 요소를 도입합니다. 예를 들어 Mary의 가슴은 프린지가 달린 넓고 밝은 스카프로 덮여 있습니다. 그 당시 그러한 스카프는 모든 이탈리아 농민 여성들이 가장 좋아하는 복장이었습니다.

마돈나, 그리스도의 아이, 작은 세례 요한의 모습이 서로 가까이 있습니다. 이미지가 서로 부드럽게 흐르는 것처럼 보입니다. 전체 그림은 비정상적으로 밝은 서정적 느낌으로 가득 차 있습니다. 어머니의 사랑이라는 영원한 주제는 여기에서 마리아의 시선뿐만 아니라 그녀의 모습의 가소성에서도 전달됩니다. 톤도의 모양은 전체 구성에 논리적 완성도를 부여합니다. 둥근 캔버스에 놓인 마리아와 아기의 모습은 가장 가까운 두 사람인 어머니와 아이의 일치를 상징합니다. 이것
라파엘의 그림은 그의 동시대인들에게 이젤 그림의 정점으로 인식되었습니다. 구성 건설, 이미지의 플라스틱 선이 미묘하게 전달되기 때문이기도 합니다.

10대부터. 16 세기 Raphael은 제단화를 위한 작곡 작업을 하고 있습니다. 그래서 1511년에 Foligno Madonna가 나타납니다. 그리고 1515 년에 유명한 예술가가 캔버스를 만들기 시작하여 나중에 화가에게 위대한 거장의 영광을 가져다주고 한 세대 이상의 사람들의 마음을 사로 잡을 것입니다. "The Sistine Madonna"는 Raphael의 예술적 방법 형성의 마지막 단계를 표시하는 그림입니다. 여기서 받은 모성이라는 주제는 전작들에 비해 가장 큰 발전그리고 가장 완벽한 구현.

대성당에 들어서자마자 보는 사람의 시선은 아기 예수 그리스도를 팔에 안고 있는 장엄한 마돈나의 모습에 즉시 끌립니다. 이 효과는 캐릭터의 특별한 구성 배열에 의해 달성됩니다. 반쯤 열린 커튼, Saints Sixtus와 Barbara의 눈은 Mary에게로 향했습니다. 이 모든 것은 젊은 어머니를 강조하고 구성의 중심으로 만드는 데 목적이 있습니다.

마돈나의 이미지를 드러내면서 라파엘은 르네상스 예술가들과는 거리가 멀었습니다. 여기서 마돈나는 시청자에게 직접 말합니다. 그녀는 (레오나르도 다빈치의 마돈나처럼) 아이로 바쁘지 않고 (마스터 초기 작품의여 주인공처럼) 자신에 몰두하지 않습니다. 새하얀 구름을 뚫고 시청자를 향해 이동하는 이 마리아는 그와 대화를 나누고 있다. 그녀의 넓은 눈에서 당신은 볼 수 있습니다 어머니의 사랑, 약간의 혼란, 절망, 겸손, 아들의 미래 운명에 대한 깊은 관심. 그녀는 선견자로서 자녀에게 일어날 모든 것을 알고 있습니다. 그러나 어머니는 사람들을 구하기 위해 그를 희생시킬 준비가 되어 있습니다. 유아 그리스도의 이미지에는 동일한 심각성이 부여됩니다. 그의 눈에는 전 세계가 둘러싸여 있으며 선지자처럼 인류와 자신의 운명을 알려줍니다.

라파엘. 시스틴 마돈나. 1515-1519년

Mary의 이미지는 드라마로 가득 차 있고 비정상적으로 표현력이 풍부합니다. 그러나 이상화가 없으며 쌍곡선 기능이 부여되지 않습니다. 인물의 가소성과 영웅 옷의 휘장의 정확하고 충실한 전달로 표현되는 구성의 역동 성으로 인해 완성도, 이미지의 완성도가 만들어집니다. 모든 수치는 살아 있고 움직이며 밝습니다. 유치하지 않은 슬픈 눈을 가진 아기 그리스도처럼 마리아의 얼굴은 보는 사람의 눈앞에서 문자 그대로 차례로 바뀌는 슬픔, 불안, 겸손, 그리고 마지막으로 결단력 등 모든 감정을 표현합니다.

미술사 학자들 사이에서 시스티나 마돈나의 원형에 대한 질문은 여전히 ​​열려 있습니다. 일부 학자들은 이 이미지를 초상화 "베일의 여인"(1514)에 묘사된 젊은 여성의 이미지와 동일시합니다. 그러나 작가 동시대 인의 증언에 따르면 캔버스 "Sistine Madonna"의 Mary는 누구의 특정한 이미지 라기보다는 라파엘의 이상인 일반화 된 여성 유형입니다.

라파엘로의 초상 작품 중 1511년에 그려진 교황 율리우스 2세의 초상이 큰 관심거리인데, 여기에서 실존 인물을 일종의 이상으로 보여주는데, 이는 화가의 창작 방식의 특징이었다.

특히 주목할 만한 것은 1515년에 제작된 Baldassare Castiglione 백작의 초상화로, 차분하고 균형 잡히고 조화롭게 발전한 사람을 묘사합니다. 여기에서 라파엘은 훌륭한 색채의 거장으로 등장합니다. 그는 복잡한 색상 조합과 톤 전환을 사용합니다. 동일한 색조의 숙달은 화가의 또 다른 작품으로도 구별됩니다. 여성 초상화 "Lady in a Veil"( "La donna velata", 1514), 지배적 인 색상은 흰색 페인트입니다 (여성의 백설 공주 드레스가 시작됩니다. 가벼운 베일).

Raphael의 작업에서 중요한 부분은 기념비적 인 작업으로 가득 차 있습니다. 그의 후기 유사 작품 중에서 가장 흥미로운 것은 무엇보다도 1515년에 Villa Farnesina의 벽을 장식한 프레스코화(이전 부자 Chigi의 재산) "The Triumph of Galatea"입니다. 이 그림은 비정상적으로 즐거운 분위기로 구별됩니다. 이미지는 말 그대로 행복으로 넘쳐납니다. 밝고 채도가 높은 색상의 특별한 조합을 사용하여 유사한 톤을 만듭니다. 벌거 벗은 흰색 바디가 여기에서 투명한 푸른 하늘과 바다의 푸른 파도와 조화롭게 결합됩니다.

라파엘의 마지막 기념비적 작품은 바티칸 궁전 2층에 위치한 아치형 회랑의 벽 장식이었습니다. 홀의 장식은 인조 대리석으로 만든 그림과 모자이크로 장식되었습니다. 프레스코 화의 음모는 예술가가 성서적 전설과 소위 말하는 것에서 그렸습니다. 그로테스크(고대 그리스 무덤에서 발견된 그림 - 석굴). 총 52개의 그림이 있습니다. 그들은 나중에 "라파엘의 성경"이라는 일반적인 이름으로 한 주기로 결합되었습니다. 유명한 예술가가 Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine이 눈에 띄는 자리를 차지한 학생들과 함께 바티칸 궁전의 홀을 장식하는 작업을 수행 한 것도 흥미 롭습니다.

라파엘의 후기 이젤 그림은 점차 커지는 주인의 창조적 위기에 대한 일종의 반영이자 표현이었습니다. 전성기 르네상스의 거장들이 만든 이미지의 극화가 계속 증가하는 길을 따라가면서 동시에 자신의 이미 확립된 예술적 표현 방법에 충실하면서 Raphael은 스타일의 모순에 도달합니다. 내면의 세계와 외면의 아름다움을 전달하는 측면에서 질적으로 새롭고 더 완벽한 이미지를 만들기에는 생각을 표현하는 수단과 방법이 너무 적습니다. Raphael의 작업 기간을 보여주는 생생한 예는 "Carrying the Cross"(1517),주기 "Holy Families"(약 1518), 제단 구성 "변형"입니다.

스승의 모든 동시대 사람들에게 충격을 준 갑작스런 죽음이 아니라면 라파엘과 같은 재능있는 화가가 그러한 창조적 난관에서 벗어날 길을 찾았을 가능성이 큽니다. 라파엘 산티는 1520년 4월 6일 37세의 나이로 사망했습니다. 성대한 장례식이 거행되었습니다. 위대한 화가의 유골은 로마의 판테온에 묻혀 있습니다.

오늘날까지 라파엘의 작품은 세계 예술의 걸작으로 남아 있습니다. 이 사진들은 예시입니다 고전 예술, 인류에게 완벽하고 소름 끼치는 아름다움을 보여주기 위해 부름 받았습니다. 그들은 사람들이 높은 감정과 생각을 가진 세상을 시청자에게 제시했습니다. 라파엘의 작품은 사람을 더 깨끗하고 밝고 아름답게 만드는 일종의 예술 찬가입니다.

티치아노(Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio는 산과 베네치아 소유의 일부에 위치한 작은 마을 Pieve di Cadore의 군인 가족으로 태어났습니다. 과학자들은 Titian의 생년월일과 연도를 정확하게 설정할 수 없었습니다. 어떤 사람들은 이것이 1476-1477이고 다른 사람들은 1485-1490이라고 믿습니다.

과학자들은 Vecellio 가족이 고대에 있었고 도시에서 상당히 영향력이 있었다고 제안합니다. 그림에 대한 소년의 초기 재능을보고 부모는 베네치아 모자이크 마스터의 미술 워크샵에 Tiziano를 주기로 결정했습니다. 얼마 후, 젊은 Vecellio는 처음에는 Gentile Bellini와 Giovanni Bellini의 작업장에서 공부하도록 지정되었습니다. 이때 젊은 예술가는 그의 초기 작품에 영향을 준 Giorgione을 만났습니다.

아티스트의 모든 작업은 두 기간으로 나눌 수 있습니다. 첫 번째는 소위입니다. dzhordzhonevsky - 1515-1516까지 (조르조네의 영향이 화가의 작품에서 가장 강하게 표현될 때); 두 번째 - 40 대부터. 16세기(현재 Titian은 후기 르네상스 예술을 대표하는 이미 확립된 거장입니다).

초기 단계에서 조르조네와 르네상스 화가들의 예술적 방법을 따라 티치아노는 예술적 문제를 해결하는 방법을 재고합니다. 라파엘로나 레오나르도 다빈치 같은 숭고하고 세련된 인물들과는 확연히 다른 작가의 붓 아래에서 새로운 이미지들이 나온다. Titian의 영웅은 평범하고 풀 바디이며 관능적이며 이교도의 시작을 크게 가지고 있습니다. 화가의 초기 캔버스는 다소 단순한 구성으로 구별되지만 그럼에도 불구하고 비정상적으로 즐거운 분위기와 구름없는 행복, 충만 함 및 지상 생활의 무한성에 대한 의식으로 스며 듭니다.

작가의 창작 방법을 가장 완벽하게 표현한 이 시기의 작품 중 가장 눈에 띄는 작품 중 하나는 10년대로 거슬러 올라가는 그림 "지상과 천국에 대한 사랑"입니다. 16 세기. 작가는 줄거리를 전달하는 것뿐만 아니라 존재의 평화와 행복, 여성의 관능적 아름다움에 대한 생각을 불러 일으키는 아름다운 풍경을 보여주는 것이 중요합니다.

여성 인물은 의심할 여지 없이 숭고하지만 작가가 삶에서 추상화하거나 이상화하지 않습니다. 부드러운 색상으로 칠하고 배경에 배치된 풍경은 우아하고 우아하지만 동시에 매우 실제적이고 구체적인 여성 이미지인 Earthly Love와 Heavenly Love의 훌륭한 배경 역할을 합니다. 능숙하게 구성된 구성과 미묘한 색채 감각은 작가가 비정상적으로 조화로운 작품을 만드는 데 도움이되었으며 각 요소는 지상의 자연과 인간의 자연미를 보여주고 자하는 작가의 열망에 종속되는 것으로 밝혀졌습니다.

Titian의 후기 작품 Assunta (또는 Ascension of Mary)에는 1518 년으로 거슬러 올라가며 Earthly and Heavenly Love 작품에서 들리는 차분한 묵상과 평온함이 없습니다. 더 많은 역동성, 힘, 에너지가 있습니다. 구성의 중심 인물은 세속적 인 아름다움과 힘으로 가득 찬 젊은 여성으로 보이는 마리아입니다. 사도들의 시선은 그녀를 향하고 있으며 그 이미지는 동일한 내면의 활력과 에너지를 표현합니다. 인간의 아름다움과 강한 인간의 감정에 대한 일종의 찬송가는 "Bacchus and Ariadne"(주기 "Bacchanalia", 1523)의 구성입니다.

지상의 영광 여성의 아름다움"Venus of Urbino"라는 Titian의 또 다른 작품의 주제가되었습니다. 그것은 1538 년에 만들어졌습니다. 이미지의 숭고함과 영성이 전혀 없다는 사실에도 불구하고 후자는 여전히 캔버스의 미적 가치를 감소시키지 않습니다. 금성은 여기 정말 아름답습니다. 그러나 그녀의 아름다움은 평범하고 자연스러워 Titian이 만든 이미지와 Botticelli의 Venus를 구별합니다.

그러나 작가의 작품 발전 초기의 이미지가 인간의 외형적인 아름다움만을 미화했다고 말하는 것은 잘못이다. 그들의 전체적인 외모는 조화로운 사람을 묘사하며, 그의 외모는 영적 아름다움과 동일시되며 똑같이 아름다운 영혼의 뒷면입니다.

이러한 관점에서 가장 흥미로운 것은 1515년에서 1520년 사이에 만들어진 캔버스 "카이사르의 데나리우스"에 있는 예수 그리스도의 이미지입니다. 그의 얼굴의 영적인 표정은 보는 사람 앞에 완벽한 정신 조직을 가진 고귀한 사람이 있음을 암시합니다.

1519년에서 1526년 사이에 쓰여진 제단 구성 "마돈나 페사로(Madonna Pesaro)"에서 생성된 이미지는 동일한 영성으로 가득 차 있습니다. 이 영웅들은 계획이나 추상화가 아닙니다. 생생하고 실제적인 그림의 생성은 Mary의 백설 공주 베일, 하늘색, 주홍색, 밝은 빨간색, 영웅의 황금색 옷, 풍부한 녹색 카펫과 같은 다양한 색상을 마스터가 사용함으로써 크게 촉진됩니다. 이러한 다양한 색조는 구성에 혼돈을 일으키지 않지만 반대로 화가가 조화롭고 조화로운 이미지 시스템을 만드는 데 도움이 됩니다.

1520년대 Titian은 극적인 성격의 첫 번째 작품을 만들었습니다. 이것은 유명한 그림 "The Entombment"입니다. 여기에서 그리스도의 이미지는 그림 "Caesar 's Denarius"에서와 같은 방식으로 해석됩니다. 예수는 인류를 구원하기 위해 하늘에서 내려온 존재가 아니라 불평등한 전투에서 쓰러진 완전한 지상의 영웅으로 제시된다. 음모의 모든 비극과 드라마에도 불구하고 캔버스는 시청자를 절망적으로 느끼지 않습니다. 반대로 Titian이 만든 이미지는 사람의 내면의 아름다움, 고귀함 및 정신의 힘을 의인화하는 낙천주의와 영웅주의의 상징입니다.

이 캐릭터는 낙관적 인 분위기가 절망적 인 비극으로 대체되는 1559 년에 같은 이름의 후기 작품과 예술가의이 작품을 크게 구별합니다. 여기와 Titian의 또 다른 그림인 "The Assassination of St. 1528년부터 1530년까지 거슬러 올라가는 Peter the Martyr”의 창조물은 주인이 새로운 예술적 표현 방법을 사용합니다. 캔버스에 제시된 자연의 그림 ( "The Entombment"의 일몰은 어둡고 우울한 색상으로 전달되고 "The Assassination of St. Peter the Martyr"의 강한 바람에 구부러진 나무)는 일종의 것으로 밝혀졌습니다. 인간의 감정과 열정의 표현. 위대한 대자연은 여기에서 주권자에게 복종합니다. 위에서 언급한 작곡의 티치아노는 자연에서 일어나는 모든 일이 인간의 행동에 기인한다는 생각을 긍정합니다. 그는 세상(자연 포함)의 영주이자 통치자입니다.

다중 그림 구성을 만드는 예술가의 기술 개발의 새로운 단계는 1534-1538 년에 "사원 소개"라는 제목의 캔버스였습니다. Titian이 여기에 많은 이미지를 썼다는 사실에도 불구하고 그들은 모두 눈앞에서 일어나는 중요한 사건, 즉 Mary를 성전에 소개하는 중요한 사건에 대한 관심으로 전체 구성으로 통합되었습니다. 주인공의 모습은 공간적 멈춤에 의해 미성년자 (그러나 그다지 중요하지 않은) 캐릭터와 분리됩니다. 그녀는 계단을 통해 호기심 많은 사람들과 사제 군중과 분리됩니다. 축제 분위기, 일어나는 일의 중요성에 대한 감각은 인물의 몸짓과 가소성에 의해 구성에서 만들어집니다. 그러나 전경에 배치된 달걀 장수의 모습이 그림에 포함됨으로써 작품의 과도한 파토스는 줄어들고 작가가 묘사한 상황의 사실성과 자연스러움은 높아진다.

민속 이미지 구성에 대한 소개는 30 년대 Titian의 예술적 시각적 방법의 특징입니다. XVI 세기. 마스터가 매우 진실한 그림을 만드는 데 도움이 되는 것은 바로 이러한 이미지입니다.

영혼과 육체가 모두 아름다운 조화로운 사람을 보여주기 위한 가장 완벽한 창작 아이디어는 티치아노의 초상화 작품에 구현되었습니다. 이 성격의 첫 번째 작품 중 하나는 "장갑을 든 청년의 초상"입니다. 캔버스 제작은 1515년부터 1520년까지의 기간을 의미합니다. 청년의 이미지는 그 당시 사람들의 전 세대인 르네상스를 나타냅니다. 초상화는 인간의 정신과 육체의 조화에 대한 아이디어를 구현합니다. 넓은 어깨, 몸의 느슨한 가소성, 캐주얼하게 풀린 셔츠 칼라, 청년의 모습으로 표현되는 차분한 자신감-모든 것이 인간 존재의 기쁨과 평범한 행복에 대한 작가의 주요 아이디어를 전달하는 데 목적이 있습니다. 슬픔을 모르고 내적 모순에 의해 찢어지지 않는 사람.

"Violante"와 "Portrait of Tommaso Mosti"(둘 다 - 1515-1520) 캔버스에서 같은 유형의 조화롭게 배열 된 행복한 사람을 볼 수 있습니다.

훨씬 나중에 만들어진 초상화에서 시청자는 더 이상 1515-1520 기간의 유사한 작품에서 일반적이었던 이미지의 본질에 대한 솔직함과 명확한 확실성을 찾을 수 없습니다. Titian의 후기 캐릭터의 본질은 초기 캐릭터와 비교하여 훨씬 더 복잡하고 다면적입니다. 작가의 예술적 방법의 변화를 보여주는 생생한 예는 1540년대 후반에 만들어진 그림 "이폴리토 리미날디의 초상화"입니다. 초상화는 작은 턱수염으로 둘러싸인 얼굴에 감정과 감정의 깊은 내적 투쟁을 표현하는 청년을 묘사합니다.

이 기간 동안 Titian이 만든 이미지는 전성기 르네상스 예술의 전형이 아닙니다. 복잡하고 여러면에서 모순되고 극적입니다. 이들은 "Alessandro와 Ottavio Farnese와 함께하는 Pope Paul III의 초상화"라는 구성의 영웅입니다. 캔버스는 1545년에서 1546년 사이에 만들어졌습니다. 교황 바오로 3세는 교활하고 불신하는 사람으로 묘사됩니다. 그는 법정에서 잘 알려진 아첨꾼이자 위선자 인 그의 조카 인 Ottavio를 걱정과 악의로 지켜 봅니다.

Titian은 자신이 예술적 작곡의 뛰어난 대가임을 보여주었습니다. 이 작품에서는 캐릭터 간의 상호 작용, 몸짓과 자세를 통해 인물 캐릭터의 본질이 드러납니다.

Charles V (1548)를 묘사 한 초상화는 장엄한 장식 요소와 사실적인 요소의 조합으로 만들어졌습니다. 모델의 내면 세계가 매우 정밀하게 표시됩니다. 시청자는 자신 앞에 무엇이 있는지 이해합니다. 특별한 사람복잡한 성격의 주요 특징은 교활함, 잔인 함, 위선뿐만 아니라 위대한 마음과 강인함입니다.

구성 구성면에서 더 단순한 Titian이 만든 초상화에서 모든 시청자의 관심은 이미지의 내면 세계에 집중됩니다. 예를 들어, 1545년에 제작된 캔버스 "아레티노의 초상"을 인용할 수 있습니다. 이 모델은 당시 베니스에서 잘 알려진 인물인 피에트로 아레티노(Pietro Aretino)로 선정되었습니다. 즐거움. 그러나 이것에도 불구하고 그는 예술을 높이 평가했으며 그 자신은 여러 저널 기사, 많은 코미디, 단편 소설 및시의 저자였습니다 (항상 그런 것은 아니지만)
괜찮은 내용).

Titian은 그의 작품 중 하나에서 그러한 사람을 포착하기로 결정했습니다. 그의 Aretino는 가장 다양하고 때로는 모순되는 감정과 성격을 포함하는 복잡하고 사실적인 이미지입니다.

그에게 적대적인 세력을 가진 사람의 비극적 인 갈등은 1543 년에 그려진 그림 "Behold the Man"에 나와 있습니다. 줄거리는 르네상스의 인본주의 적 사상에 대한 반종교 개혁 지지자들의 대중적 반응이 커지면서 영감을 받았습니다. 당시 이탈리아에서. 구성에서 높은 보편적 이상을 지닌 그리스도의 이미지는 냉소적이고 사악하며 추악한 빌라도에 반대합니다. 그 안에
처음으로 감각적이고 세속적 인 쾌락과 기쁨을 거부하는 메모가 작품에 나타납니다.

티치아노. 알레산드로 파르네세와 오타비오 파르네세와 함께 있는 교황 바오로 3세의 초상화. 1545-1546년

1554 년경에 쓰여진 캔버스 "Danae"의 이미지에도 동일한 놀라운 대조가 표시되었습니다. 이 작품은 높은 수준의 드라마로 구별됩니다. 그 안에서 작가는 이전과 마찬가지로 인간의 아름다움과 행복을 노래합니다. 그러나 행복은 일시적이고 순간적입니다. 그림에는 이전에 만든 이미지 ( "땅과 하늘의 사랑", "우르비노의 비너스")를 구별하는 캐릭터의 불변의 분위기와 차분한 유화가 없습니다.

작품의 주요 주제는 아름다움과 추함, 높음과 낮음의 충돌입니다. 그리고 어린 소녀가 사람의 가장 숭고한 모든 것을 표현한다면 황금비 동전을 잡으려는 늙은 하녀는 이기심, 탐욕, 냉소주의와 같은 인간의 가장 낮은 특성을 의인화합니다.

어둡고 밝은 톤의 특정 조합으로 구성에서 드라마가 강조됩니다. 예술가가 그림에 의미 론적 악센트를 배치하는 것은 페인트의 도움으로 이루어집니다. 그래서 어린 소녀는 아름다움과 밝은 감정을 상징합니다. 그리고 우울한 다크톤에 둘러싸인 노파의 모습에는 원초적인 시작의 표정이 담겨 있다.

Titian 작업의 이 기간은 드라마로 가득 찬 모순된 이미지의 생성만이 특징이 아닙니다. 동시에 작가는 여성의 요염한 아름다움을 주제로 여러 작품을 그립니다. 그러나 이러한 작품에는 예를 들어 Love on Earth and Heaven 및 Bacchanalia에서 들리는 낙관적이고 삶을 긍정하는 분위기가 없다는 사실에 여전히 주목할 필요가 있습니다. 가장 큰 관심을 끄는 그림 중에는 "Diana and Actaeon", "Shepherd and Nymph"(1559), "Venus with Adonis"가 있습니다.

중 하나 최고의 작품 Titian은 60 년대에 만들어진 "Kayushda Mary Magdalene"이라는 그림입니다. 16 세기. 많은 르네상스 예술가들이 이 성경 이야기에 눈을 돌렸습니다. 그러나 Titian은 참회하는 Mary Magdalene의 이미지를 재해석합니다. 아름다움과 건강이 충만한 젊은 여성의 모습은 기독교적 회개보다는 영원히 잃어버린 슬픔과 그리움을 표현한다. 언제나처럼 Titian에서 사람은 아름답지만 그의 웰빙, 평온함 및 마음의 평화는 외력에 달려 있습니다. 사람의 운명을 방해하고 정신의 조화를 파괴하는 것은 바로 그들입니다. 어두운 하늘을 뒤덮은 먹구름이 임박한 암울한 풍경을 배경으로 슬픔에 잠긴 막달레나의 모습이 드러난 것은 우연이 아니다.
뇌우.

인간의 고통에 대한 동일한 주제는 유명한 거장의 후기 작품인 "가시 면류관을 사용한 대관식"(1570)과 "St. 세바스찬"(1570).

The Crowning with Thorns에서 예술가는 예수를 평범한 사람의 형태로 제시하여 육체적, 가장 중요한 도덕적 특성에서 고 문자를 능가합니다.

그러나 그는 혼자이기 때문에 승자가 될 수 없습니다. 장면의 극적이고 감정적인 강도는 우울하고 어두운 색상으로 강화됩니다.

외부 세계와 갈등하는 외로운 영웅의 주제는 작품“St. 세바스찬". 주인공은 르네상스 예술의 특징적인 이미지 인 장엄한 타이탄으로 여기에 표시됩니다. 그러나 그는 여전히 패배했습니다.

캐릭터에 적대적인 세력을 상징하는 풍경은 여기에서 독립적인 역할을 한다. 줄거리의 드라마에도 불구하고 전체 구성은 삶을 긍정하는 분위기로 스며든다.

인간의 마음에 대한 일종의 찬송가, 지혜와 받아 들여진 이상에 대한 충성심은 60 년대에 만들어진 주인의 자화상입니다. 16 세기

Titian의 가장 표현력이 풍부한 그림 중 하나는 1576 년경에 쓰여진 "Pieta"(또는 "Lamentation of Christ")로 인식됩니다. 여기에는 돌 벽감과 우울한 풍경을 배경으로 슬픔에 잠긴 여성의 모습이 묘사되어 있습니다. 동상처럼 마리아는 슬픔에 잠겼습니다. 막달레나의 이미지는 비정상적으로 밝고 역동적입니다. 앞으로 나아가는 여성의 모습, 손을 들고, 불 같은 붉은 머리카락을 던지고, 약간 갈라진 입에서 절망의 외침이 터질 것입니다. 예수는 신성한 천상의 존재로 보여지는 것이 아니라 진짜 사람, 인간 세계에 적대적인 세력과의 불평등 한 전투에서 패배했습니다. 이미지의 비극은 색조 및 명암 전환을 통해 그림으로 표현됩니다. 주인공은 밤의 어둠에서 나오는 빛의 광선에 의해 납치 된 것으로 밝혀졌습니다.

Titian의 이 작품은 깊은 감정을 부여받은 한 남자를 찬미합니다. 그림 "Pieta"는 르네상스 시대에 만들어진 가볍고 숭고하며 장엄한 영웅들에게 바치는 일종의 작별 노래였습니다.

세상에 아름다운 이미지를 선사한 위대한 화가는 1576년 8월 27일 페스트에 걸려 세상을 떠났다. 그는 뛰어난 실행력과 섬세한 색채 감각으로 여전히 관객을 놀라게 하는 많은 캔버스를 남겼습니다. Titian은 인간 영혼의 감정가 인 훌륭한 심리학자로 우리 앞에 나타납니다. 그의 학생들 중에는 Jacopo Nigreti (Palma the Elder), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger와 같은 예술가들이 있습니다.

르네상스 예술의 특징

관점.작품에 3차원적 깊이와 공간을 더하기 위해 르네상스 미술가들은 선적 원근법, 수평선, 소실점의 개념을 차용하고 크게 확장했습니다.

§ 선형 관점. 선형 원근법으로 페인팅하는 것은 창 밖을 내다보며 창유리에 보이는 것을 정확하게 페인팅하는 것과 같습니다. 그림의 물체는 거리에 따라 고유한 치수를 갖기 시작했습니다. 보는 사람과 멀리 떨어져 있는 사람은 줄어들었고 그 반대도 마찬가지였습니다.

§ 지평선. 이것은 객체가 이 선만큼 두꺼운 점으로 축소되는 거리에 있는 선입니다.

§ 소실점. 이것은 평행선이 먼 거리에서, 종종 수평선에서 수렴하는 것처럼 보이는 지점입니다. 이 효과는 철로 위에 서서 예스로 가는 레일을 보면 관찰할 수 있다.엘.

그림자와 빛.예술가들은 빛이 물체에 어떻게 떨어지고 그림자를 만드는지에 관심을 가지고 놀았습니다. 그림의 특정 지점에 주의를 끌기 위해 그림자와 빛을 사용할 수 있습니다.

감정.르네상스 예술가들은 관객이 작품을 보고 무언가를 느끼고 감정적인 경험을 하기를 원했습니다. 시청자가 무언가를 더 잘할 수 있도록 영감을 주는 시각적 수사학의 한 형태였습니다.

사실주의와 자연주의.원근법 외에도 예술가들은 물체, 특히 사람을 보다 사실적으로 보이도록 노력했습니다. 그들은 인체 해부학을 연구하고 비율을 측정하고 이상적인 인간 형태를 찾았습니다. 사람들은 실제처럼 보였고 진정한 감정을 보여 시청자가 묘사된 사람들이 생각하고 느끼는 것에 대해 추론할 수 있게 했습니다.

"르네상스"의 시대는 4단계로 나뉩니다.

초기 르네상스(13세기 후반 ~ 14세기)

초기 르네상스(15세기 초 ~ 15세기 후반)

전성기 르네상스(15세기 말~16세기 초 20년)

후기 르네상스(16세기 중반~1590년대)

프로토 르네상스

프로토 르네상스는 중세와 밀접한 관련이 있으며 실제로 중세 후기, 비잔틴, 로마네스크 및 고딕 전통과 함께 이 시기는 르네상스의 선구자였습니다. 그것은 Giotto di Bondone의 죽음 이전과 이후(1337)의 두 하위 기간으로 나뉩니다. 프로토 르네상스 시대의 창시자 인 이탈리아 예술가이자 건축가. 서양 미술사에서 중요한 인물 중 한 명. 비잔틴 아이콘 페인팅 전통을 극복한 그는 이탈리아 회화 학교의 진정한 창시자가 되어 공간 묘사에 대한 완전히 새로운 접근 방식을 개발했습니다. Giotto의 작품은 Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo에서 영감을 받았습니다. 회화의 중심 인물은 Giotto였습니다. 르네상스 예술가들은 그를 회화의 개혁가로 여겼습니다. Giotto는 종교 형식을 세속적 내용으로 채우기, 평면 이미지에서 3차원 및 부조 이미지로의 점진적 전환, 사실주의의 증가, 그림에 플라스틱 볼륨을 도입, 그림의 내부 묘사 등 개발 경로를 설명했습니다. .

13세기 말에 주요 사원 건물인 산타 마리아 델 피오레 대성당이 피렌체에 세워졌고 저자는 Arnolfo di Cambio였으며 Giotto는 작업을 계속했습니다.

가장 중요한 발견, 가장 밝은 주인은 첫 번째 기간에 살고 일합니다. 두 번째 부분은 이탈리아를 강타한 페스트 전염병과 관련이 있습니다.

초기 르네상스의 예술은 조각에서 처음으로 나타났습니다(Niccolò 및 Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). 회화는 피렌체와 시에나의 두 예술 학교로 대표됩니다.

초기 르네상스

이탈리아의 소위 "초기 르네상스" 기간은 1420년부터 1500년까지의 기간을 다룹니다. 이 80년 동안 예술은 ​​최근 과거(중세)의 전통을 완전히 포기하지는 않았지만 고전 고대로부터 차용한 요소를 혼합하려고 노력하고 있습니다. 나중에야 점점 더 변화하는 삶과 문화 조건의 영향으로 예술가들은 중세의 기초를 완전히 버리고 작품의 일반적인 개념과 세부 사항 모두에서 고대 예술의 예를 대담하게 사용했습니다.

이탈리아의 예술은 이미 단호하게 고전 고대를 모방하는 길을 따르고 있는 반면, 다른 나라에서는 오랫동안 고딕 양식의 전통을 고수했습니다. 알프스 북부와 스페인에서도 르네상스는 15세기 말에 와서 초기다음 세기 중반까지 지속됩니다.

초기 르네상스의 예술가들

이 기간의 최초이자 가장 뛰어난 대표자 중 한 명은 Quattrocento 시대의 회화 개혁자이자 피렌체 학교의 가장 위대한 거장 인 유명한 이탈리아 화가 인 Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai)로 간주됩니다.

그의 작품으로 그는 고딕에서 새로운 예술로의 전환에 기여하여 인간과 그의 세계의 위대함을 찬양했습니다. 예술에 대한 Masaccio의 기여는 1988년에 갱신되었습니다. 그의 주요 창작물 - 피렌체 산타 마리아 델 카르미네의 브란카치 예배당의 프레스코화- 원래 형태로 복원되었습니다.

- Theophilus, Masaccio 및 Filippino Lippi의 아들 부활

- 동방 박사의 숭배

- 스타터와의 기적

이 기간의 다른 중요한 대표자는 산드로 보티첼리였습니다. 피렌체 회화 학교를 대표하는 위대한 이탈리아 르네상스 화가.

- 비너스의 탄생

- 금성과 화성

- 봄

- 동방 박사의 숭배

하이 르네상스

르네상스의 세 번째 기간 - 그의 스타일이 가장 웅장하게 발전한시기 - 일반적으로 "높은 르네상스"라고합니다. 그것은 대략 1500년부터 1527년까지 이탈리아로 확장됩니다. 이때 이탈리아 최고의 예술가를 그의 궁정으로 끌어 들인 야심 차고 용감하며 진취적인 사람인 Julius II의 교황 왕좌에 가입 한 덕분에 피렌체의 이탈리아 예술 영향의 중심이 로마로 옮겨졌습니다. 수많은 중요한 작품다른 사람들에게 예술에 대한 사랑의 모범을 보여줍니다. 이 교황과 그의 직계 후계자들 아래에서 로마는 페리클레스 시대의 새로운 아테네가되었습니다. 그 안에 많은 기념비적 인 건물이 지어지고 웅장한 조각 작품이 만들어지고 프레스코 화와 그림이 그려져 여전히 그림의 진주; 동시에 예술의 세 가지 분야는 모두 조화롭게 손을 맞잡고 서로 돕고 상호 작용합니다. 고대는 이제 더 철저하게 연구되고 있으며 더 엄격하고 일관성 있게 재생산되고 있습니다. 평온함과 위엄은 이전 시대의 열망이었던 장난스러운 아름다움을 대체합니다. 중세의 기억은 완전히 사라지고 모든 예술 작품에 완전히 고전적인 흔적이 남습니다. 그러나 고대인의 모방은 예술가의 독립성을 억누르지 않으며 뛰어난 수완과 상상력의 생동감으로 고대 그리스-로마 예술에서 차용하기에 적절하다고 생각하는 것을 자유롭게 처리하고 비즈니스에 적용합니다.

르네상스의 절정을 이룬 세 명의 위대한 이탈리아 거장의 작품, 바로 레오나르도 다빈치(1452-1519)입니다. 레오나르도 디 세르 피에로 다빈치피렌체 회화 학교를 대표하는 위대한 이탈리아 르네상스 화가. 이탈리아 예술가(화가, 조각가, 건축가) 및 과학자(해부학자, 자연주의자), 발명가, 작가, 음악가, 전성기 르네상스 예술의 가장 큰 대표자 중 한 명, " 만능인»

마지막 식사

모나리자,

-비트루비안 맨 ,

- 마돈나 리타

- 바위 속의 마돈나

-스핀들이 있는 마돈나

미켈란젤로 부오나로티(1475-1564) 미켈란젤로 디 로도비코 디 레오나르도 디 부오나로티 시모니.이탈리아 조각가, 화가, 건축가 [⇨], 시인 [⇨], 사상가 [⇨]. . 르네상스[⇨]와 초기 바로크의 가장 위대한 거장 중 한 사람. 그의 작품은 주인 자신의 생애 동안 르네상스 예술의 가장 높은 업적으로 간주되었습니다. 미켈란젤로는 전성기 르네상스 시대부터 반종교 개혁의 기원까지 거의 89년 동안 살았습니다. 이 기간 동안 13명의 교황이 교체되었습니다. 그는 그 중 9명에 대한 명령을 수행했습니다.

아담의 창조

최후의 심판

및 라파엘 산티(1483-1520). 위대한 이탈리아 화가, 그래픽 아티스트 및 건축가, Umbrian 학교 대표.

- 아테네 학교

-시스틴 마돈나

- 변신

- 멋진 정원사

후기 르네상스

이탈리아의 후기 르네상스는 1530년대부터 1590년대-1620년대까지의 기간을 다룹니다. 반종교개혁은 남유럽에서 승리했다. 반개혁(위도. 반개혁; ~에서 콘트라- 반대 및 개혁- 변형, 개혁) - 16-17세기 중반 유럽의 가톨릭 교회-정치 운동으로, 종교 개혁에 반대하고 로마 가톨릭 교회의 지위와 위신을 회복하는 것을 목표로 삼았습니다.) 르네상스 이데올로기의 초석으로서 인체의 노래와 고대 이상의 부활을 포함한 사상. 세계관 모순과 일반적인 위기감은 플로렌스를 터무니없는 색상과 파선-매너리즘의 "신경질적인"예술로 이끌었습니다. Correggio가 작업한 Parma에서 매너리즘은 1534년 예술가가 사망한 후에야 도달했습니다. 베니스의 예술적 전통은 나름의 발전 논리를 가지고 있었습니다. 1570년대 말까지 Palladio는 그곳에서 일했습니다(실명 안드레아 디 피에트로).후기 르네상스와 매너리즘의 위대한 이탈리아 건축가.( 매너리즘(이탈리아어에서 마니에라, 방법) - 16세기 서유럽 문학 및 예술 양식 - 17세기 1/3. 그것은 육체와 정신, 자연과 인간 사이의 르네상스 조화의 상실이 특징입니다.) Palladianism의 창시자 ( 팔라디오주의또는 팔라디오 건축- 이탈리아 건축가 Andrea Palladio(1508-1580)의 아이디어에서 성장한 고전주의의 초기 형태. 스타일은 관점을 고려하고 고대 그리스와 로마의 고전 사원 건축 원칙을 차용하여 대칭에 대한 엄격한 준수를 기반으로 합니다.) 그리고 고전주의. 아마도 역사상 가장 영향력 있는 건축가일 것입니다.

재능있는 디자이너이자 재능있는 건축가 인 Andrea Palladio의 첫 번째 독립 작업은 그의 독창적 인 재능이 드러난 Vicenza의 Basilica입니다.

컨트리 하우스 중에서 마스터의 가장 뛰어난 작품은 Villa Rotunda입니다. 안드레아 팔라디오는 은퇴한 바티칸 관리를 위해 비첸차에 지었습니다. 고대 사원의 형태로 지어진 르네상스 최초의 세속 건물로 유명합니다.

또 다른 예로 키에리카티 궁전(Palazzo Chiericati)이 있는데, 건물의 1층이 거의 전적으로 공공 용도로 사용되었다는 점에서 이례적이며, 이는 당시 시 당국의 요구 사항과 일치했습니다.

팔라디오의 유명한 도시 건축물 중 원형 극장 스타일로 디자인된 올림피코 극장을 반드시 언급해야 합니다.

티치아노( 티치아노 베첼리오) 이탈리아 화가, 전성기 및 후기 르네상스 베네치아 학교의 가장 큰 대표자. Titian의 이름은 Michelangelo, Leonardo da Vinci 및 Raphael과 같은 르네상스 예술가와 동등합니다. Titian은 성서와 신화 주제에 대한 그림을 그렸고 초상화 화가로 유명해졌습니다. 그는 왕과 교황, 추기경, 공작, 왕자들의 위임을 받았습니다. 티치아노가 베니스 최고의 화가로 인정받았을 때 그는 서른 살도 되지 않았습니다.

그의 출생지(베니스 공화국 벨루노 지방의 Pieve di Cadore)에서 그는 때때로 다음과 같이 언급됩니다. 다 카도레; 신성한 티치아노라고도 합니다.

- 성모 마리아의 승천

- 바쿠스와 아리아드네

- 다이애나와 악타이온

- 비너스 우르비노

- 유로파의 납치

그의 작품은 피렌체와 로마 예술의 위기 현상과 거의 공통점이 없었습니다.

르네상스 그림의 시작은 Ducento의 시대로 간주됩니다. 13세기 말. 프로토 르네상스는 여전히 중세 로마네스크 양식과 밀접한 관련이 있습니다. 고딕과 비잔틴 전통. XIII 후반 - XIV 세기 초반의 예술가. 주변 현실에 대한 과학적 연구와는 거리가 멀다. 그들은 바위가 많은 언덕, 상징적 인 나무, 조건부 포탑과 같은 비잔틴 시각 시스템의 기존 이미지를 여전히 사용하여 그것에 대한 아이디어를 표현합니다. 그러나 때로는 건축 구조의 외관이 너무 정확하게 재현되어 자연의 스케치가 있음을 나타냅니다. 전통적인 종교적 인물은 부피, 공간적 깊이, 물질적 물질성과 같은 현실의 속성을 부여받은 세계에서 묘사되기 시작했습니다. 입체와 입체 공간의 평면에서 전달 방식의 탐색이 시작된다. 이 시대의 거장들은 형태의 chiaroscuro 모델링이라는 잘 알려진 고대 원리를 되살립니다. 덕분에 인물과 건물은 밀도와 부피를 얻습니다.

분명히 고대 관점을 적용한 최초의 사람은 별명을 가진 피렌체의 Cenny di Pepo (1272에서 1302까지의 데이터)였습니다. 치마부에. 불행히도 그의 가장 중요한 작품-Apocalypse, Assisi의 San Francesco 교회에있는 Mary와 사도 베드로의 삶을 주제로 한 일련의 그림은 거의 폐허가 된 상태로 우리에게 내려 왔습니다. 피렌체와 루브르 박물관에 있는 그의 제단 구성은 더 잘 보존되어 있습니다. 그것들 역시 비잔틴 원형으로 돌아가지만 종교화에 대한 새로운 접근의 특징을 여실히 보여준다. Cimabue는 비잔틴 전통을 채택한 13세기 이탈리아 회화에서 즉각적인 기원으로 돌아갑니다. 그는 동시대 사람들이 접근 할 수 없었던 조화로운 시작과 이미지의 숭고한 그리스 아름다움을 그들에게서 느꼈습니다.

위대한 예술가들은 전통적인 시스템을 거부하는 대담한 혁신가로 등장합니다. XIV 세기의 이탈리아 회화에서 그러한 개혁가는 인식되어야 합니다. 지오토 디 본도네(1266-1337). 그는 새로운 회화 체계의 창시자, 모든 유럽 회화의 위대한 개혁자, 새로운 예술의 진정한 창시자입니다. 이것은 그의 동시대 사람들과 그의 많은 추종자들보다 높이 솟아 있는 천재입니다.

피렌체 태생인 그는 북쪽의 파도바와 밀라노에서 남쪽의 나폴리까지 이탈리아의 많은 도시에서 일했습니다. 우리에게 내려온 Giotto의 가장 유명한 작품은 그리스도의 삶에 대한 복음 이야기에 전념하는 Padua의 Chapel del Arena에있는 벽화의 순환입니다. 이 독특한 그림 앙상블은 유럽 미술사의 이정표 작품 중 하나입니다. 중세 회화의 전형적인 분리된 개별 장면과 인물 대신 조토는 하나의 서사시를 창조했습니다. . 일반적인 황금 비잔틴 배경 대신 Giotto는 풍경 배경을 도입합니다. 인물은 더 이상 공간에 떠 있지 않고 발 아래 단단한 땅을 얻습니다. 그리고 아직 활동은 하지 않지만 인체의 해부학적 구조와 움직임의 자연스러움을 전달하고자 하는 열망을 보여준다.

조토가 회화에서 이룬 개혁은 그의 모든 동시대인들에게 깊은 인상을 남겼습니다. 위대한 화가, 많은 고객 및 후원자, 이탈리아의 많은 도시에서 명예 커미션으로 그를 만장일치로 평가했습니다. 이 모든 것은 동시대 사람들이 그의 예술의 중요성을 완벽하게 이해했음을 시사합니다. 그러나 다음 세대는 Giotto의 세부 사항을 빌려 소심한 학생으로 Giotto를 모방했습니다.

Giotto의 영향은 한 세기 후에야 그 힘과 결실을 얻었습니다. Quattrocento의 예술가들은 Giotto가 설정한 작업을 수행했습니다.

그림 Quattrocento의 창시자의 영광은 피렌체 예술가에게 속합니다 마사치오아주 어린 나이에 죽은 사람(1401-1428). 그는 르네상스 회화의 주요 문제인 선형 및 공중 관점. 피렌체 산타 마리아 델 카르미네 교회의 브랑카치 예배당에 있는 그의 프레스코화에는 해부학 법칙에 따라 그려진 인물들이 서로 연결되어 있고 풍경과 연결되어 있습니다.

Santa Maria del Carmine 교회는 Paolo Uccello, Andrei Castagno, Domenico Veniziano 및 Michelangelo에 이르기까지 Masaccio의 영향을받은 여러 세대의 예술가들이 공부하는 일종의 아카데미가되었습니다.

오랫동안 피렌체 학교는 이탈리아 예술을 선도했습니다. 또한 보다 보수적인 경향을 보였다. 이 경향의 일부 예술가는 수도사 였기 때문에 예술사에서 그들은 수도사라고 불 렸습니다. 그들 중 가장 유명한 것 중 하나는 fra (즉, 형제 - 서로에 대한 승려의 호소) 조반니 베아토 안젤리코 다 피에솔레(1387-1455). 그의 성서적 인물 이미지는 중세 전통의 정신으로 쓰여졌으며 서정, 차분한 존엄성 및 묵상으로 가득 차 있습니다. 그의 풍경 배경은 르네상스의 특징인 쾌활함으로 가득 차 있습니다.

Quattrocento의 가장 뛰어난 예술가 중 한 명 - 산드로 보티첼리(1445-1510) - Magnificent라는 별명을 가진 유명한 폭군, 정치가, 박애주 의자, 시인 및 철학자 Lorenzo de' Medici의 궁정의 미적 이상에 대한 지수. 이 왕관을 쓰지 않은 주권자의 궁정이 중심이었습니다. 예술 문화, 유명한 철학자, 과학자, 예술가를 통합합니다.

초기 르네상스는 약 1세기 동안 지속되었습니다. 약 30년에 불과한 전성기 르네상스 시대에 완성됩니다. 이때 로마는 예술 생활의 중심지가 되었다.

XV-XVI 세기의 전환기에. 이탈리아에 대한 오랜 외국 개입의 시작, 국가의 분열과 노예화, 자유 도시의 독립 상실, 봉건적 가톨릭 반동의 강화가 포함됩니다. 그러나 이탈리아 국민 사이에서 애국심은 커져 정치적 행동주의와 성장에 기여했습니다. 민족의식, 민족 통일에 대한 열망. 이러한 대중 의식의 상승은 전성기 르네상스 문화를 위한 광범위한 민속 기반을 만들었습니다.

Cinquecento의 종말은 이탈리아 국가들이 자유를 잃고 강력한 유럽 군주국의 먹이가 된 1530년과 관련이 있습니다. 산업 혁명이 아닌 국제 무역에 기반한 이탈리아의 사회 정치적, 경제적 위기는 오랫동안 준비되었습니다. 미국의 발견과 새로운 무역로로 인해 이탈리아 도시들은 국제 무역. 그러나 아시다시피 문화사에서 예술의 전성기는 사회의 일반적인 사회 경제적 발전과 일치하지 않습니다. 그리고 경제적 쇠퇴와 정치적 노예화의시기에 이탈리아의 어려운시기에 이탈리아 르네상스의 짧은 세기 인 전성기 르네상스가 시작됩니다. 이때 이탈리아의 인본주의 문화는 세계 유산이되었고 지역 현상이 아닙니다. 이탈리아 예술가그들은 정말 마땅한 유럽 전체의 인기를 누리기 시작했습니다.

Quattrocento의 예술이 분석, 검색, 발견, 젊은 세계관의 신선함이라면 전성기 르네상스의 예술은 결과, 종합, 현명한 성숙입니다. Quattrocento 시대의 예술적 이상에 대한 탐색은 예술을 일반화, 일반적인 패턴의 공개로 이끌었습니다. 전성기 르네상스 예술의 주요 차이점은 일반화 된 이미지의 이름으로 세부 사항, 세부 사항, 세부 사항을 포기한다는 것입니다. 모든 경험, 전임자에 대한 모든 검색은 장대 한 일반화로 Cinquecento의 거장에 의해 압축됩니다.

전성기 르네상스 예술가들의 사실주의적 방식은 독특하다. 그들은 중요한 것은 아름다운 껍데기에만 존재할 수 있다고 확신합니다. 그래서 일상을 뛰어넘는 예외적인 현상만을 보는 경향이 있다. 이탈리아 예술가들은 영웅적인 성격, 아름답고 의지가 강한 사람들의 이미지를 만들었습니다.

레오나르도, 라파엘, 미켈란젤로의 작품을 세계 문화에 부여한 것은 르네상스 거물 시대였습니다. 세계 문화의 역사에서이 세 천재는 모든 상이성, 창조적 개성에도 불구하고 아름다움, 힘 및 지성의 조화 인 이탈리아 르네상스의 주요 가치를 의인화합니다. 이 예술가들의 운명(강력한 인간적, 예술적 개성으로 인해 라이벌로 행동하고 서로를 적대감으로 대하도록 강요함)에는 공통점이 많았습니다. 세 사람 모두 피렌체 학교에서 형성되었으며 주로 교황과 같은 후원자의 법원에서 일했습니다. 그들의 삶은 르네상스의 특징 인 예술가의 창조적 성격에 대한 사회의 태도 변화의 증거입니다. 예술의 대가는 사회에서 유명하고 귀중한 인물이 되었으며 당대 가장 교육받은 사람들로 간주되었습니다.

이 특성은 아마도 르네상스의 다른 인물보다 더 적합할 것입니다. 레오나르도 다빈치(1452-1519). 그는 예술적 천재성과 과학적 천재성을 결합했습니다. 레오나르도는 예술을 위해서가 아니라 과학을 위해 자연을 연구한 과학자였습니다. 따라서 Leonardo의 기성품이 우리에게 내려온 것은 거의 없습니다. 그는 그림을 그리기 시작했고 문제가 분명해 보이자마자 그것들을 버렸다. 그의 관찰 중 많은 부분은 수세기 동안 유럽의 과학과 회화의 발전을 예상합니다. 현대의 과학적 발견그의 공상 과학 엔지니어링 도면에 대한 관심을 불러 일으키십시오. 레오나르도가 자신의 회화 논문에서 요약한 색상에 대한 이론적 성찰은 19세기 인상주의의 주요 전제를 예견합니다. Leonardo는 주제의 밝은면에서만 색상 소리의 순도, 색상의 상호 영향, 야외에서의 그림의 필요성에 대해 썼습니다. Leonardo의 이러한 관찰은 그의 그림에서 전혀 사용되지 않습니다. 그는 실제보다 이론가에 가깝습니다. 20세기에 이르러서야 그의 방대한 원고 유산(약 7,000페이지)의 적극적인 수집과 처리가 시작되었습니다. 그 연구는 의심 할 여지없이이 르네상스 거인의 전설적인 작품의 신비에 대한 새로운 발견과 설명으로 이어질 것입니다.

예술의 새로운 무대는 많은 Quattrocento 예술가들이 그린 The Last Supper의 음모에 대한 Santa Maria delle Grazie 수도원의 식당 벽 그림이었습니다. "최후의 만찬"은 고전 예술의 초석이며 전성기 르네상스 프로그램을 수행했습니다. 그것은 절대적인 사려 깊음, 부분과 전체의 조정, 영적 집중의 힘에 의해 영향을 받습니다.

Leonardo는 16년 동안 이 작품을 작업했습니다.

세계에서 가장 유명한 그림 중 하나는 Leonardo "La Gioconda"의 작품이었습니다. 상인 del Giocondo의 아내 의이 초상화는 수세기 동안 주목을 받았으며 그에 대한 수백 페이지의 댓글이 작성되었으며 납치, 위조, 복사되었으며 마법의 힘으로 인정 받았습니다. 모나리자의 애매한 표정은 정확한 묘사와 재현을 거부합니다. 턱에서 뺨으로의 전환에서 입술 모서리의 음영 (단순히 초상화의 조명에 따라 달라질 수 있음)의 약간의 변화는 얼굴의 특성을 변경합니다. 다른 복제품에서 Gioconda는 약간 다르게 보입니다. 때로는 조금 더 부드럽고 때로는 더 아이러니하고 때로는 더 사려 깊습니다. 반쯤 미소를 지으며 시청자를 뗄래야 뗄 수없는 것처럼 꿰뚫는 시선에서 모나리자의 모습 자체의 애매함. 이 초상화는 르네상스 예술의 걸작이 되었습니다. 세계 미술사에서 처음으로 초상화 장르가 종교적 주제에 대한 구성과 같은 수준으로 올라갔습니다.

르네상스의 기념비적 예술에 대한 아이디어는 라파엘 산티(1483-1520). 레오나르도가 만든 클래식 스타일, Rafael은 그것을 승인하고 대중화했습니다. 라파엘의 예술은 종종 "황금 평균"으로 정의됩니다. 그의 구성은 비율의 절대적인 조화로 유럽 회화에서 만들어진 모든 것을 능가합니다. 5세기 동안 라파엘로의 예술은 미적 완벽함의 한 예로서 인류의 영적 삶에서 가장 높은 이정표로 여겨져 왔습니다. Raphael의 작업은 명확성, 고상한 단순성, 조화와 같은 고전의 특성으로 구별됩니다. 그 모든 본질은 르네상스의 영적 문화와 연결되어 있습니다.

라파엘로의 기념비적 작품 중 가장 뛰어난 것은 교황의 바티칸 아파트에 있는 벽화입니다. 다중 그림 대규모 구성은 세 홀의 모든 벽을 덮습니다. 학생들은 그림에서 라파엘을 도왔습니다. 예를 들어 "아테네 학교"와 같은 최고의 프레스코 화는 자신의 손으로 수행했습니다. 벽화 주제에는 철학,시, 신학 및 정의와 같은 인간의 영적 활동의 주요 영역에 대한 프레스코 화 우화가 포함되었습니다. Raphael의 그림과 프레스코에서 - 기독교 이미지, 고대 신화 및 인류 역사의 이상적으로 숭고한 이미지. 그는 르네상스의 다른 거장들과는 달리 지상 존재의 가치와 이상적인 아이디어를 결합하는 방법을 알고 있었습니다. 그의 예술의 역사적 장점은 기독교 세계와 이교도 세계라는 두 세계를 하나의 전체로 연결했다는 것입니다. 그 이후로 새로운 예술적 이상이 서유럽의 종교 예술에 확고하게 자리 잡았습니다.

Raphael의 밝은 천재는 Leonardo와 같은 사람의 내면 세계에 대한 심리적 깊이와는 거리가 멀었지만 Michelangelo의 비극적 세계관에는 훨씬 더 이질적이었습니다. 미켈란젤로의 작품에서 르네상스 양식의 붕괴를 지적하고 새로운 예술적 세계관의 싹을 틔웠다. 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564) 길고 힘들고 영웅적인 삶을 살았습니다. 그의 천재성은 건축, 회화, 시에서 나타났지만 조각에서 가장 분명하게 드러났습니다. 그는 세상을 조형적으로 인식했으며 예술의 모든 영역에서 그는 주로 조각가입니다. 인체는 그에게 이미지의 가장 가치있는 주제로 보입니다. 그러나 이것은 특별하고 강력하며 영웅적인 품종의 사람입니다. 미켈란젤로의 예술은 인간 전사의 영광, 그의 영웅적인 활동 및 고통에 전념합니다. 그의 예술은 거인적 시작인 거만증으로 특징지어진다. 이것은 궁전이 아닌 광장, 공공 건물의 예술, 궁정 귀족이 아닌 사람들을위한 예술입니다.

그의 작품 중 가장 장대했던 것은 시스티나 예배당 금고의 그림이었다. Michelangelo는 진정으로 거대한 작업을 수행했습니다. 4 년 동안 그는 혼자서 약 600 평방 미터의 면적을 그렸습니다. 미터. 그는 날마다 18미터 높이에서 비계 위에 서서 머리를 뒤로 젖히며 글을 썼다. 그림이 끝난 후 그의 건강은 완전히 훼손되었고 그의 몸은 변형되었습니다 (가슴이 가라 앉고 몸이 아치형이되었고 갑상선종이 자랐습니다. 오랫동안 작가는 똑바로 보지 못하고 책을 그의 머리 위로 들어 올렸습니다. 머리). 장엄한 그림은 세상의 창조부터 시작된 신성한 역사의 장면에 전념합니다. 미켈란젤로는 천장에 약 200개의 인물과 비유적 구성을 그렸습니다. 범위와 완전성에 있어서 미켈란젤로의 계획과 같은 것은 어디에도 없었습니다. 시스티나 예배당의 금고에서 그는 영웅적인 인류의 영광에 찬송가를 만들었습니다. 그의 영웅은 살아있는 사람들이며 초자연적 인 것은 없지만 동시에 그들은 훌륭하고 강력하고 거대한 성격입니다. 미켈란젤로보다 오래 전에 Quattrocento 거장들은 예배당 벽에 교회 전통의 다양한 에피소드를 그렸습니다.

그림이 비행기라는 생각은 사라진다. 수치는 공간에서 자유롭게 움직입니다. 미켈란젤로의 프레스코화는 벽면을 뚫고 나옵니다. 이러한 공간과 움직임의 환상은 유럽 예술의 거대한 업적이었습니다. 장식이 벽과 천장을 앞으로 밀거나 뒤로 밀 수 있다는 미켈란젤로의 발견은 나중에 바로크 시대의 장식 예술을 활용합니다.

르네상스의 전통에 충실한 예술은 가장 오랫동안 독립을 유지해 온 도시인 베니스에서 16세기에도 계속 살아 숨쉬고 있습니다. 비잔티움, 아랍 동부와 오랫동안 무역 관계를 유지해 온 이 부유한 귀족 상인 공화국에서는 동양의 취향과 전통이 나름대로 가공되었습니다. 베네치아 회화의 주요 영향은 특별한 색상에 있습니다. 색상에 대한 사랑은 점차 베네치아 화파의 예술가들을 새로운 그림 원리로 이끌었습니다. 이미지의 볼륨, 물질성은 흑백 모델링이 아니라 컬러 모델링 기술에 의해 달성됩니다.

르네상스는 인류 역사상 경이로운 현상입니다. 예술 분야에서 이렇게 눈부신 섬광은 다시는 없었습니다. 르네상스의 조각가, 건축가 및 예술가 (목록이 길지만 가장 유명한 것을 만질 것입니다) 모든 사람에게 이름이 알려져 있으며 세계에 귀중한 가치를 부여했습니다. 독특하고 뛰어난 사람들은 한 분야가 아니라 여러 분야에서 자신을 보여주었습니다. 한 번에.

초기 르네상스 회화

르네상스에는 상대적인 기간이 있습니다. 그것은 이탈리아에서 처음 시작되었습니다 - 1420-1500. 이때 회화와 모든 예술 전반은 근래와 크게 다르지 않다. 그러나 고전 고대에서 차용한 요소가 처음으로 나타나기 시작합니다. 그리고 이후 몇 년 동안 현대 생활 조건과 진보적 경향의 영향을 받아 르네상스의 조각가, 건축가 및 예술가 (목록이 매우 깁니다)가 마침내 포기했습니다. 중세 재단. 그들은 일반적으로나 개별적인 세부 사항 모두에서 고대 예술의 가장 좋은 예를 작품에 대담하게 채택합니다. 그들의 이름은 많은 사람들에게 알려져 있습니다. 가장 밝은 성격에 집중합시다.

Masaccio - 유럽 회화의 천재

위대한 개혁가가 된 것은 회화 발전에 큰 공헌을 한 사람이었습니다. 피렌체의 주인은 1401년 예술 장인의 가족으로 태어났기 때문에 미각과 창조에 대한 열망이 그의 피 속에 있었습니다. 16~17세에 피렌체로 이주하여 작업장에서 일했습니다. 위대한 조각가이자 건축가인 도나텔로와 브루넬레스키는 그의 스승으로 여겨진다. 그들과의 의사 소통 및 습득 한 기술은 젊은 화가에게 영향을 미칠 수밖에 없습니다. 처음부터 Masaccio는 조각의 특징 인 인간의 성격에 대한 새로운 이해를 차용했습니다. 두 번째 마스터에서-기초 연구원은 San Giovenale의 Triptych (첫 번째 사진)를 Masaccio가 태어난 마을 근처의 작은 교회에서 발견 된 최초의 신뢰할 수있는 작업으로 간주합니다. 주요 작업은 성 베드로의 삶의 역사에 전념하는 프레스코 화입니다. 작가는 "스테이터와의 기적", "낙원에서 추방", "신입생의 세례", "재산의 분배와 아나니아의 죽음", "부활"의 여섯 가지 창작에 참여했습니다. of Theophilus' Son", "그림자로 병자를 고치는 성 베드로", "강단의 성 베드로".

르네상스의 이탈리아 예술가들은 일상적인 문제에 관심을 기울이지 않고 전적으로 예술에 전념 한 사람들로 때로는 가난한 존재로 이어졌습니다. Masaccio도 예외는 아닙니다. 뛰어난 마스터는 27-28 세의 나이에 아주 일찍 사망하여 훌륭한 작품과 많은 부채를 남겼습니다.

안드레아 만테냐(1431-1506)

이것은 화가의 파도바 학교를 대표합니다. 그는 양아버지로부터 기술의 기초를 물려받았다. 스타일은 Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello 및 Venetian 회화 작품의 영향으로 형성되었습니다. 이것은 피렌체에 비해 Andrea Mantegna의 다소 가혹하고 가혹한 태도를 결정했습니다. 그는 고대 문화 작품의 수집가이자 감정가였습니다. 그의 스타일 덕분에 다른 누구와도 달리 그는 혁신가로 유명해졌습니다. 그의 가장 유명한 작품은 "죽은 그리스도", "카이사르의 승리", "유디트", "바다 신들의 전투", "파르나소스"(사진) 등입니다. 1460년부터 죽을 때까지 그는 곤자가 공작 가문의 궁정화가로 일했다.

산드로 보티첼리(1445-1510)

보티첼리는 가명이다. 실제 이름-필리페피. 그는 즉시 예술가의 길을 선택하지 않고 처음에는 보석 제작을 공부했습니다. 첫 독립 작품(몇몇 마돈나)에서는 마사치오와 리피의 영향이 느껴진다. 앞으로 그는 초상화 화가로서 자신을 영광스럽게했으며 대부분의 주문은 피렌체에서 나왔습니다. 양식화 요소 (기존 기술을 사용한 이미지 일반화-형태, 색상, 볼륨의 단순성)를 사용한 그의 작업의 세련되고 세련된 특성은 그를 당시의 다른 거장과 구별합니다. 레오나르도 다빈치와 젊은 미켈란젤로의 동시대인은 세계 예술에 밝은 흔적을 남겼습니다( "비너스의 탄생"(사진), "봄", "동방 박사의 숭배", "비너스와 화성", "크리스마스" 등) .). 그의 그림은 진지하고 예민하며 그의 인생 행로는 복잡하고 비극적이다. 어린 나이에 세계에 대한 낭만적인 인식은 성숙기에 접어들면서 신비주의와 종교적 승영으로 대체되었습니다. 산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)는 말년에 가난과 망각 속에서 살았습니다.

피에로(피에트로) 델라 프란체스카(1420-1492)

토스카나 출신의 이탈리아 화가이자 초기 르네상스의 또 다른 대표자. 작가의 스타일은 피렌체 회화 학교의 영향으로 형성되었습니다. 예술가의 재능 외에도 피에로 델라 프란체스카는 수학 분야에서 뛰어난 능력을 가지고 있었고, 그녀와 그녀를 연결시키기 위해 말년을 바쳤습니다. 고급 예술. 그 결과 "On Perspective in Painting"과 "The Book of Five Correct Solids"라는 두 개의 과학 논문이 나왔습니다. 그의 스타일은 엄숙함, 이미지의 조화와 고귀함, 구성의 균형, 정확한 선과 구성, 부드러운 색상 범위로 구별됩니다. Piero della Francesca는 당시 놀라운 지식을 가지고 있었습니다. 기술적 측면회화와 원근법의 특징으로 동시대인들 사이에서 높은 명성을 얻었습니다. 가장 유명한 작품 : "시바 여왕의 역사", "그리스도의 채찍질"(사진), "몬테 펠트로 제단"등

르네상스 시대 회화

프로토 르네상스와 초기각각 거의 한 세기 반 동안 지속되었으며, 이 기간은 불과 수십 년에 불과합니다(이탈리아에서는 1500년에서 1527년까지). 위대하고 다재다능하며 뛰어난 사람들의 은하계 전체를 세상에 선사한 것은 밝고 눈부신 섬광이었습니다. 예술의 모든 분야가 함께 진행되었으므로 많은 거장들은 르네상스 예술가뿐만 아니라 과학자, 조각가, 발명가이기도합니다. 목록은 길지만 르네상스의 절정은 L. da Vinci, M. Buanarotti 및 R. Santi의 작업으로 표시되었습니다.

다빈치의 비범한 천재

아마도 이것은 세계 예술 문화사에서 가장 비범하고 뛰어난 성격 일 것입니다. 그는 말 그대로 보편적인 사람이었고 가장 다재다능한 지식과 재능을 가지고 있었다. 예술가, 조각가, 예술 이론가, 수학자, 건축가, 해부학자, 천문학자, 물리학자, 엔지니어 - 이 모든 것이 그에 관한 것입니다. 더욱이 각 분야에서 레오나르도 다빈치(1452-1519)는 혁신가로서의 면모를 보였다. 지금까지 그의 그림 중 15점과 많은 스케치만이 살아 남았습니다. 놀라운 생명 에너지지식에 대한 갈증, 그는 참을성이 없었고 지식의 과정 자체에 매료되었습니다. 아주 어린 나이(20세)에 그는 성 루가 길드의 마스터 자격을 얻었습니다. 그의 가장 중요한 작품은 프레스코 "The Last Supper", 그림 "Mona Lisa", "Madonna Benois"(위 그림), "Lady with an Ermine"등이었습니다.

르네상스 예술가들의 초상화는 드물다. 그들은 얼굴이 많은 그림에 이미지를 남기는 것을 선호했습니다. 따라서 다빈치의 자화상 (사진) 주변에서 분쟁은 오늘날까지 가라 앉지 않습니다. 버전은 그가 60세에 만들었다고 합니다. 전기작가이자 예술가이자 작가인 바사리에 따르면 위대한 스승은 가까운 친구인 프란시스 1세의 품에 안겨 클로뤼체 성에서 죽어가고 있었습니다.

라파엘 산티(1483-1520)

Urbino 출신의 예술가이자 건축가. 예술에서 그의 이름은 항상 숭고한 아름다움과 자연스러운 조화라는 개념과 관련이 있습니다. 상당히 짧은 생애(37년) 동안 그는 세계적으로 유명한 그림, 프레스코화, 초상화를 많이 그렸습니다. 그가 그린 줄거리는 매우 다양하지만 항상 하나님의 어머니의 이미지에 매료되었습니다. 당연히 Raphael은 "마돈나의 대가"라고 불리며 그가 로마에서 그린 것은 특히 유명합니다. 바티칸에서 그는 1508년부터 교황 궁정에서 공식 미술가로 일생을 마칠 때까지 일했다.

르네상스의 다른 많은 위대한 예술가들과 마찬가지로 포괄적인 재능을 가진 라파엘은 건축가이기도 했으며 고고학 발굴에도 참여했습니다. 한 버전에 따르면 마지막 취미는 조기 사망과 직접적인 관련이 있습니다. 아마도 그는 발굴 중에 로마 열병에 걸렸을 것입니다. 위대한 스승은 판테온에 묻혔습니다. 사진은 그의 자화상이다.

미켈란젤로 부오아나로티(1475-1564)

이 남자의 긴 70 세는 밝았으며 그림뿐만 아니라 조각품도 후손에게 불멸의 창조물을 남겼습니다. 다른 위대한 르네상스 예술가들과 마찬가지로 미켈란젤로는 역사적 사건그리고 충격. 그의 예술은 전체 르네상스의 아름다운 최종 음표입니다.

주인은 조각을 다른 모든 예술보다 우선시했지만 운명의 의지로 그는 뛰어난 화가이자 건축가가되었습니다. 그의 가장 야심차고 특이한 작품은 바티칸 궁전의 그림(사진)이다. 프레스코 면적은 600제곱미터가 넘고 300명의 인물이 있습니다. 가장 인상적이고 친숙한 장면은 최후의 심판 장면이다.

이탈리아 르네상스 예술가들은 다방면의 재능을 가지고 있었습니다. 그래서 미켈란젤로도 위대한 시인이었다는 사실을 아는 사람은 거의 없습니다. 그의 천재성의 이러한 측면은 그의 생애 말기에 완전히 드러났습니다. 오늘날까지 약 300편의 시가 살아 남았습니다.

후기 르네상스 그림

마지막 기간은 1530년부터 1590-1620년까지의 기간을 포함합니다. 브리태니커 백과사전(Encyclopædia Britannica)에 따르면 역사적 시기로서의 르네상스는 1527년 로마의 함락과 함께 막을 내렸다. 카톨릭계는 인체의 아름다움을 찬양하는 구호와 고대 예술의 부활, 즉 르네상스의 기둥이었던 모든 것을 포함하여 그 어떤 자유사상도 우려의 눈초리로 바라봤다. 이것은 영적, 육체적, 인간과 자연 사이의 조화 상실을 특징으로하는 매너리즘이라는 특별한 경향을 낳았습니다. 그러나이 어려운시기에도 일부 유명한 르네상스 예술가들은 걸작을 만들었습니다. 그들 중에는 Antonio da Correggio(고전주의와 Palladianism의 창시자로 간주됨)와 Titian이 있습니다.

티치아노 베첼리오(1488-1490 - 1676)

그는 당연히 미켈란젤로, 라파엘로, 다빈치와 함께 르네상스의 거물로 간주됩니다. 티치아노는 30세 이전에도 "화가 중의 왕이자 왕 중의 화가"로 알려져 있었습니다. 기본적으로 작가는 신화와 성서를 주제로 그림을 그렸으며, 더욱이 그는 웅장한 초상화 화가로 유명해졌습니다. 동시대인들은 위대한 스승의 붓으로 각인된다는 것은 불멸을 얻는 것이라고 믿었다. 그리고 실제로 그렇습니다. Titian에 대한 명령은 교황, 왕, 추기경 및 공작과 같은 가장 존경 받고 고귀한 사람들로부터 나왔습니다. 다음은 그의 작품 중 가장 유명한 몇 가지입니다. 거울' 등

두 번 반복되는 것은 없습니다. 르네상스 시대는 인류에게 찬란하고 특별한 개성을 부여했습니다. 에 그들의 이름이 새겨져 있다. 세계사아트 골드 편지. 건축가와 조각가, 작가와 르네상스 예술가 - 그들의 목록은 매우 깁니다. 우리는 역사를 만들고 계몽과 인본주의의 사상을 세상에 가져온 거물에 대해서만 다뤘습니다.