비잔틴 모자이크 걸작. 비잔티움

피렌체, 로마, 베네치아, 비잔틴 모자이크 - 이러한 기술 이름은 귀를 애무하고 과거의 주인이 만든 고도로 예술적인 물체와 관련된 이미지는 수천 년 동안 매료되었습니다. 각 학교는 독특하지만 모든 예술가는 다양한 재료(smalt, 돌, 세라믹 타일, 나무 베니어 등) 준비된 표면에.

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첫 경험

모자이크의 역사는 수메르 왕국 시대로 거슬러 올라갑니다. 가장 오래된 모자이크는 구운 점토 조각으로 조립되었습니다. 소성되지 않은 점토를 기초로 사용했습니다.

고대 이집트 모자이크 예술가의 예술은 다양한 재료(준보석 및 귀석, 상아 및 귀중한 수종)와 가구, 가정용품, 파라오의 옷과 같은 적용 분야입니다. 투탕카멘의 유명한 왕좌도 모자이크 요소로 장식되어 있습니다.

비잔티움

비잔티움의 가장 오래된 모자이크는 III-IV 세기로 거슬러 올라갑니다. 기원 후 골든 타임이 기술은 VI-VII 및 IX-XIV 세기에 해당합니다. 기원 후 높은 재료비와 작업비를 감안할 때 비잔틴 모자이크의 주요 고객은 가톨릭 교회였습니다. 웅장한 고대 모자이크는 이탈리아(라벤나, 몬트리올, 체팔루)와 터키(이스탄불의 하기아 소피아)의 사원에 보존되어 있습니다. 주요 동기 성경 이야기.

비잔틴 모자이크는 표준이며 높은 예술적 기술이 특징입니다. 이미지가 정확하고 큰 캔버스가 선호되며 규모의 효과가 고려됩니다 : 시청자의 원격성, 그의 위치. 그림의 독특한 특징은 묘사된 각 개체에 대한 윤곽이 있다는 것입니다. 이 기술의 목적은 먼 거리에서 볼 때 일반적이고 종종 황금색인 배경에서 요소를 시각적으로 강조하는 것입니다.

모자이크 "Christ Pantocrator". 체팔루 교구(이탈리아, 시칠리아)의 대성당. 1145-1148

비잔틴 예술가들이 만든 고대 모자이크는 특히 인체를 묘사할 때 비율에 대한 존중으로 구별되며, 이는 역동성에서도 표현됩니다. 도면은 방대한 양으로 생성되지만 윤곽선의 존재로 인해 효과가 평준화됩니다.

작업의 주인은 작은 색 유리를 사용했습니다. 이 기술은 유리에 금속 산화물을 추가하여 타일에 원하는 색상을 부여하는 것을 기반으로 합니다. 워크샵에서 최대 수백 가지의 다양한 색조를 얻었습니다. Byzantium의 모자이크 재료는 매우 비쌌습니다. 패널을 만들기 위해 그들은 구리와 수은이 섞인 금박을 추가하여 smalt에 의지했습니다. 이 기술은 판 배열의 밀도(작은 사각형, 덜 자주 다른 모양)와 판을 놓을 때 직접 세트를 사용하는 것이 특징입니다. 완성된 캔버스는 표면이 고르지 않고 특유의 광택이 있습니다.

피렌체

피렌체 모자이크 Pietra Dura (이탈리아어 - "조각 된 돌")는 기존 기술 중 가장 복잡한 독특한 기술입니다. 이것은 석판 작업을 기반으로 한 고대 예술입니다.

피렌체 모자이크는 16-19세기에 특히 인기가 있었습니다. XVI 세기 말에. 밀라노의 장인들이 그 시대에 석재 제품의 창조가 번성했던 도시로 초대되었습니다. 마스터의 후원자는 첫 번째 작업장을 만든 후 주요 고객이 된 Medici 가족의 구성원이었습니다.

방향 기능:

• 호랑이 눈, 자수정, 공작석, 청금석, 적철광, 벽옥, 대리석, 어벤 츄린, 암석 크리스탈, 마노, 옥수와 같은 준 보석이 작업에 사용되었습니다.
• 드로잉 프로젝트는 질감의 특성과 돌의 자연스러운 패턴을 고려하여 만들어졌습니다.
• 타일의 모양은 고전적인 직사각형에 국한되지 않았습니다.
• 백금은 빈틈이 없도록 서로 촘촘하게 쌓여 있었습니다.
• 이 기술은 벽, 가구 요소(테이블, 캐비닛), 관, 체스판을 장식하는 데 사용되었습니다.
• 선조 성능 ( "돌 그림"), 구성의 복잡성 및 사실성. 주인은 선착장, 정물, 풍경, 우화 장면을 만들었습니다.

20,000개의 유색석(벽옥, 청금석, 대리석, 아마조나이트 등)으로 만든 나무 캐비닛 문에 피렌체 기술로 만든 모자이크. Peterhof 세공 공장. 80-90년대 19 세기

피렌체 모자이크는 18세기 중반에 러시아에 나타났습니다. 러시아 마스터는 기술을 쉽게 마스터하여 이탈리아 사람과 합당한 경쟁자가되었습니다. 소련에서는 작은 캔버스를 만드는 데 선험적으로 기술이 사용되었지만 피렌체 모자이크가 지하철 역을 장식하는 데 사용되었습니다.

로마

로마의 고대 모자이크는 후대 거장들이 사용하는 기반이 되었습니다. 그러나 동시에 예술로서의 로마 모자이크는 기술로서 그리스인에게서 차용되었습니다. 작품은 정사각형이나 직사각형의 형태로 주로 대리석 및 기타 자연석과 같은 작거나 작은 돌 조각을 사용합니다. 전통적으로 로마식 모자이크는 방(공용 및 개인용)의 벽과 바닥을 장식하는 데 사용되었습니다.

가장 오래된 모자이크는 기원전 2세기에 제작된 것입니다. 기원전. 그리스 델로스 섬에서 발견되었습니다. 첫 번째 샘플 - 기하학적 장식품, 전체 원석에서 모집. 나중에 사람과 동물의 양식화 된 이미지가 나타났습니다.

다음과 같은 기술이 알려져 있습니다.

바닥에 있는 오리는 오푸스 테셀라툼 기법으로 제작되었습니다. 폼페이에 있는 파우누스의 집에 있는 사티로스와 님프의 모자이크. 오푸스 베르미쿨라툼. Hadrian 's Villa 바닥의 Opus sectile 대리석.

• 오푸스 테셀라툼(Opus tessellatum)은 크기가 4mm 이상인 테세라(돌 조각)를 사용했습니다.
• 작은 디테일을 그릴 수 있도록 4mm 이하의 테세라를 찍은 Opus vermiculatum;
• 크고 작은 블레이드를 결합한 Opus sectile;
• 그림이 같은 크기의 암석 조각으로 형성되는 Opus regulatum은 직선으로 배치됩니다.

로마 스타일로 만들어진 패널 패턴의 특징:

• 균질한 돌에서 무작위로 조립된 밝은 배경;
• 장식 요소 (패턴, 그림)는 더 작은 분수를 희생하여 형성됩니다.
• 그림의 색 구성표가 제한되어 있습니다. 재정적 가능성고객 - 프로젝트가 기념비적일수록 비용이 많이 들고 사용되는 재료가 다양할수록 아티스트는 자신의 예술과 기술을 더 잘 보여줄 수 있습니다.

베니스

베니스는 예술이고 예술은 베니스입니다. 따라서 자체 모자이크 작업 학교가 여기에 만들어졌습니다. 그리고 이 예술은 베네치아 모자이크가 있는 사원 목록에서만 알 수 있듯이 이곳에서 번성했습니다.

• 대주교의 예배당(Ravenna, 1112);
• Santa Maria e Donato 교회(Fr. Donato, 12세기 후반);
• 산마르코 대성당(베니스, XII-XIII 세기).

산 마르코 대성당 중앙 돔의 모자이크. 베니스, 이탈리아. 12세기

지역 예술가들은 비잔틴과 로마네스크 전통의 영향을 받았습니다.

• 사람들의 모습은 무겁고 얼굴은 단조롭습니다.
• 선형 스타일화가 두드러지며 볼륨과 원근감을 전달할 때 특히 눈에 띕니다.
• 어두운 색상이 우선합니다.

현대 베네치아 모자이크 - 시멘트 혼합물과 불활성 재료 (돌 조각, 화강암 조각, 깨진 색 유리)를 기반으로 만들어진 "테라 조".

실행 기술에 관계없이 모자이크 패널은 내부의 지배적 요소입니다. 그 줄거리와 색상은 방 디자인의 기초입니다. HyperComments로 구동되는 댓글

비잔틴 모자이크는 주로 작은 모자이크입니다.

상대적으로 경제적이고 취급하기 쉬운이 유리가 기념비적 그림의 주요 재료가 된 덕분에 smalt 생산 기술을 개발 한 것은 비잔틴이었습니다. 비잔틴인들은 다양한 금속(금, 구리, 수은)을 다양한 비율로 원유리 용해물에 첨가하여 수백 가지의 다양한 색상의 스몰트를 만드는 방법을 배웠습니다. 간단한 도구모자이크 요소에는 기본 기하학적 모양이 주어질 수 있으며 모자이크 캔버스에 놓기에 편리합니다.

그럼에도 불구하고 입방체가 주요 모자이크 요소가되었습니다. 비잔틴 모자이크의 명성을 얻은 것은 작고 거의 같은 크기의 입방체를 깔끔하게 배치 한 구성이었습니다. 비잔틴 모자이크의 가장 오래 살아남은 예는 III-IV 세기로 거슬러 올라가며 VI-VII 세기 (황금기)와 IX-XIV (상상 파괴 이후-마케도니아 부흥, Komnenos의 보수주의 이후)에 번영의 두 기간이 있습니다. 및 Palaiologan 르네상스).

가장 유명한 비잔틴 모자이크는 라벤나의 모자이크와 아야 소피아(콘스탄티노플)의 이미지입니다. 로마 모자이크가 미적 작업과 함께 순전히 기능적인 문제를 해결했다면 비잔틴 모자이크는 대성당, 무덤, 바실리카 및 시각적 작업의 예술적 장식의 주요 요소가되었습니다.

종종 장난스럽고 장르적인 로마 신화 이미지는 개인 아트리움과 공중 목욕탕 모두에서 똑같이 잘 보이며 디자인과 성서 주제에 대한 기념비적 캔버스 구현에서 웅장한 것으로 대체되었습니다. 기독교 이야기모자이크의 중심 주제가 되었고, 이미지의 최대 인상을 얻고자 하는 욕구가 추진력모자이크 배치 기술을 개선하고 새로운 색상과 smalt 구성을 개발합니다.

사원의 비잔틴 모자이크의 특징은 놀라운 황금색 배경을 사용하는 것입니다. 모자이크는 직접 설정 방법을 사용하여 배치되었으며 배치의 각 요소는 고유한 표면과 다른 요소 및 베이스에 대한 상대적인 위치로 구별되었습니다. 자연광과 촛불 모두에서 반짝이는 하나의 살아있는 황금빛 들판이 만들어졌습니다. 황금색 배경에서 색상 음영과 빛의 반사의 독창성은 전체 그림의 움직임 효과를 만들었습니다.

비잔틴 마스터의 의무는 신체, 사물, 사물의 윤곽을 만드는 기술이었습니다. 윤곽선은 그림이나 물체의 측면에서 큐브와 요소의 한 행과 배경 측면에서 한 행에 배치되었습니다. 이러한 윤곽선의 부드러운 선은 깜박이는 배경에 대한 이미지에 선명도를 부여했습니다.

비잔틴 모자이크 기술의 대부분은 현대 모자이크 구성에도 사용됩니다. smalt의 사용, smalt 큐브의 불규칙성에 의해 형성된 배경, 물체 테두리의 고른 윤곽 및 배경-이것은 비잔티움의 고전 인 모자이크의 고전입니다.

비잔티움의 경우 비잔티움 제국과 문화, 문명의 출발점이 된 연도를 정확하게 명명할 수 있다. 황제 콘스탄티누스 1세 대제는 그의 수도를 비잔티움 시로 옮겼습니다(서기 1세기부터).

이자형. 330년에 콘스탄티노폴리스로 이름을 바꾸었다.

비잔틴 국가 존재의 첫 세기는 이교도 헬레니즘의 전통과 기독교 원칙을 기반으로 한 비잔틴 사회의 세계관 형성에서 가장 중요한 단계로 간주 될 수 있습니다. 철학적이고 종교적인 체계로서의 기독교의 형성은 복잡하고 긴 과정이었습니다. 기독교는 당시의 많은 철학적, 종교적 가르침을 흡수했습니다. 기독교 교리는 중동의 종교적 가르침, 유대교, 마니교의 강력한 영향 아래 발전했습니다. 그것은 종합적인 철학적이고 종교적인 체계였으며, 그 중요한 구성 요소는 고대 철학적 가르침. 이교도라는 오명을 지니는 모든 것과 기독교의 화해 불가능성은 기독교와 고대 세계관 사이의 타협으로 대체되고 있습니다. 가장 교육을 많이 받고 선견지명이 있는 기독교 신학자들은 철학적 개념을 창조하는 데 사용하기 위해 이교도 문화의 전체 무기고를 숙달해야 할 필요성을 이해했습니다. 가이사랴의 바질, 니사의 그레고리, 나지안주스의 그레고리와 같은 사상가들은 그리스 사상사에 뿌리를 둔 비잔틴 철학의 토대를 마련했습니다. 그들의 철학의 중심에는 완벽함으로서의 존재에 대한 이해가 있습니다. 새로운 미학이 탄생하고 새로운 정신 체계와 도덕적 가치, 그 시대의 사람 자신, 세계에 대한 그의 비전, 우주, 자연, 사회에 대한 태도가 변하고 있습니다.

비잔틴 예술의 역사 기간

초기 기독교 시대(소위 비잔틴 이전 문화, I-III 세기)
초기 비잔틴 시대, 황제 유스티니아누스 1세의 "황금기", 콘스탄티노플의 하기아 소피아 건축, 라벤나의 모자이크(VI-VII 세기)
우상 파괴 시대(7~9세기 초). 그것은 어두운 시간이라고 불렸습니다. 주로 유사한 개발 단계와 유사합니다. 서유럽.
마케도니아 르네상스 시대(867-1056) 비잔틴 예술의 고전 시대로 간주됩니다.
콤네노스 왕조(1081~1185)의 보수주의 시대
Palaiologan 르네상스 시대, 헬레니즘 전통의 부활 (1261-1453).

미술 비잔틴 제국- 여러면에서 역사가, 철학자 및 문화 학자들 사이에서 논쟁의 대상입니다. 그러나 수세기에 걸쳐 많은 철학적 논문과 그림이 손실되었다면 돌과 스몰트로 만든 아름다운 비잔틴 모자이크는 한 시대와 전체 문명의 상징이 되었습니다. 비잔틴 제국에서는 모자이크와 스몰트의 생산이 활발해졌으며, 역사적 기록에는 스몰트의 다양한 색조를 얻기 위해 스몰트 장인이 수행한 실험과 스몰트 유리에 다양한 특성을 부여하려는 시도에 대한 이야기가 포함되어 있습니다. 작은 모자이크는 예배 장소와 왕궁뿐만 아니라 일반 마을 사람들의 집 내부 장식에도 없어서는 안될 속성이었습니다.

돌 조각으로 만든 골동품 모자이크에 비해 작은 구성은 더 다양한 색상, 밝기, 표면의 빛의 재생으로 구별되었으며 중요한 것은 훨씬 더 저렴했습니다. 이것은 비잔틴 제국 자체와 국경 너머(특히 고대 Rus') 모두에서 smalt 기술의 급속한 확산을 결정했습니다.

비잔틴 스몰트 모자이크. 초기 비잔틴 시대

기원전 5세기 라벤나의 갈라 플라치디아 영묘

갈라 플라치디아 영묘, 전설에 따르면 테오도시우스 황제의 딸의 매장지로 지어졌습니다. 그러나 사실 Galla는 로마에 묻혀 있으며 그녀의 소위 영묘는 St. Galla에게 헌정된 예배당이었습니다. 로렌스 -황실의 순교자이자 후원자, 특히 테오도시우스 가족에서 존경받습니다. 다른 많은 Ravenna 건물과 마찬가지로 이 순교자는 Lombard 벽돌 기술을 사용하여 지어졌습니다. 겉으로는 요새 구조와 매우 유사합니다. 폐쇄되고 의도적으로 차단됩니다. 외부 세계볼륨은 허점, 창문처럼 좁은 두꺼운 벽으로 강조됩니다. 계획에서 영묘는 그리스 십자가이며 십자가 팔의 교차점에는 큐브가 있으며 내부에는 돛에 돔이 있습니다. 명확한 경계가 없는 무겁고 돌출된 금고에는 창문이 없습니다. 벽의 좁은 창문을 통해서만 어둡고 깜빡이는 빛이 교회 안으로 들어옵니다.

예배당 벽의 아래쪽 부분 (인간 높이까지)에는 약간 노란 색조의 투명한 제트 대리석이 늘어서 있습니다. 돔과 아치의 표면과 아치 아래 벽의 둥근 부분(lunettes)은 작은 모자이크로 장식되어 있습니다. 스몰트 조각 불규칙한 모양, 고르지 않은 표면을 형성합니다. 이로 인해 빛이 다른 각도로 반사되어 균일한 차가운 광채가 아니라 마치 사원의 황혼에 떨리는 것처럼 마법처럼 빛나는 반짝임을 만듭니다.

영묘 그림의 주제는 장례식과 관련이 있습니다. 모자이크는 사원의 윗부분에만 있습니다. 금고 중앙에는 푸른 하늘에 별이 있는 십자가(죽음에 대한 승리의 상징)가 있습니다. 금고는 에덴 동산의 상징과 관련된 빽빽한 꽃 장식으로 장식되어 있습니다. 남쪽 하단 lunette에는 성 베드로가 묘사되어 있습니다. 십자가를 지고 죽음을 맞이하는 로렌스. 열린 캐비닛은 순교자에게 구주의 이름으로 위업을 행하도록 영감을주는 사복음서의 책을 보여줍니다.

세인트 로렌스. 라벤나에 있는 Galla Placidia 영묘의 남쪽 반원형 모자이크. 약 440.

창문 측면의 위쪽 큰 루넷에는 사도들이 쌍으로 그려져 있습니다. 그들은 복음의 부름을 구현하는 조용한 몸짓으로 십자가와 함께 돔에 손을 들었습니다. 그 의인화는 성 베드로의 이미지입니다. 로렌스: "네 십자가를 지고 나를 따르라." 사도들은 그들의 회전과 몸짓이 lunette에서 lunette로 지나가는 원형 운동을 구성하는 방식으로 묘사됩니다. 동쪽 루네트(제단이 있는 곳)에 있는 수석 사도 베드로와 바울만이 대칭적으로 묘사되어 있습니다. 여기에서 움직임이 끝납니다.

북쪽 아래 루넷에서-선한 목자의 형태를 한 그리스도는 입구 위의 벽에서 방문자를 바라 봅니다. 양들은 푸른 풀 위를 그분 주위를 걷고 있고 그분은 다가온 양을 다정하게 어루만지십니다. 신성한 목자는 황금빛 옷을 입고 십자가에 단단히 기대어 왕좌에 앉은 황제처럼 언덕에 앉아 있습니다. 여기서 십자가는 황실 지팡이처럼 권력의 속성으로 작용합니다. 그리스도께서는 그것을 기독교의 개선 행렬의 표징으로 전 세계에 확언하십니다. 하나님의 아들의 모습은 복잡하고 대조적 인 방향으로 보여집니다. 그의 다리는 꼬이고 손은 양에게 닿지 만 그의 머리는 다른 방향으로 향하고 그의 시선은 먼 곳을 향합니다.

선한 목자 그리스도. 라벤나(Ravenna)에 있는 갈라 플라치디아 영묘(Mausoleum of Galla Placidia)의 북쪽 반달 모양의 모자이크. 약 440.

갈라 영묘 모자이크의 특징적인 특징은 두 루넷의 대조입니다.
선한 목자와 함께하는 장면은 의도적으로 감동적인 이미지와 함께 고대 목가의 정신으로 실행됩니다. 분홍빛이 도는 녹색 범위, 미묘한 색상 전환, 육체 렌더링에 하프톤 사용은 고대의 변치 않는 매력을 보여 주며 주변 상자 금고의 무겁고 웅장한 프레임에서 구성의 결론으로 ​​강조됩니다.
성모님의 이미지가 있는 장면 로렌스는 새로운 탄생을 보여줍니다. 예술적 언어. 구성이 명확하고 단순한 대칭으로 구별됩니다. 큰 형태. 이미지가 의도적으로 표시됩니다. 전경. 반전 원근법(크게 축소되는 창 아래의 격자 이미지)의 시작은 보는 사람을 향해 "기울어지는" 공간의 환상을 만듭니다. 구성은 중심 및 피라미드 형이 아니라 (Good Shepherd의 예에 따라) 가로, 대각선으로 구성됩니다. 세인트의 모습 로렌스가 움직이는 모습이 포착되었습니다. 그의 옷 주름의 연약한 윤곽은 떨어지지 않고 기발한 리듬으로 이륙하고 교차합니다. 성인의 얼굴에는 목가적의 부드러운 아름다움과 심리적 중립성의 흔적이 없습니다. 그것은 신앙을 위한 순교자의 황홀한 조명인 영적 원리를 예리하고 강력하게 나타냅니다.

라벤나에 있는 정교회의 세례당, 기원전 5세기 돔 모자이크

라벤나에 있는 정교회의 세례당(세례당)은 중심형 건물의 한 예입니다. 계획상 팔각형입니다. 세례당은 Neon 주교 (451-73)에 의해 장식되었습니다. 고급스러운 장식으로 세례식의 특별한 화려 함을 느낄 수 있습니다. 장식은 건축의 관점에서 매우 잘 고려되었으며 건축 (풍부한 이오니아 질서)과 조각 장식 (예언자의 이미지가있는 높은 부조)이 모자이크 그림과 유기적으로 결합되어 통합 된 부분으로 포함됩니다. .

장식의 주요 특징은 기둥의 아치 또는 기둥의 페디먼트가있는 현관과 같은 모든 수준에서 단일 모티프를 구현하는 것입니다. 이 모티프는 팔면체 세례당의 가장 낮은 층을 형성하며, 깊은 아르코솔과 거짓 벽감이 번갈아 나타납니다. 두 번째 계층에서는 번식합니다. 선지자의 조각품을 구성하는 아치가 창 개구부를 둘러싸고 있습니다. 더 복잡하고 풍부한 형태에서는 장식의 세 번째 모자이크 층에서 동일한 모티프가 발견됩니다. 여기에서 이 모티프는 예시적으로 구현됩니다. 대성당의 공간을 재현합니다. 주교 의자와 과일 나무가 있는 현관이 애프스의 측면에 있으며, 십자가가 있는 왕좌 또는 왕좌에 열린 복음이 있는 제단이 제시됩니다. 위의 중앙 메달리온을 둘러싼 맨 마지막 층에는 기둥의 아치 모티프가 숨겨진 형태로 나타납니다. 여기서 기둥은 사도들의 모습을 구분하는 고급스러운 황금 촛대가 되고 아치 또는 페디먼트는 휘장 처짐의 굴곡이 됩니다. 중앙 메달리온 프레임의 가리비.

세례당의 풍경은 세례반 바로 위 돔에 위치한 구세주의 세례(신현현) 장면에서 기독교인의 눈에 열리는 하늘 예루살렘의 주제와 밀접한 관련이 있습니다. 장식은 돔의 구에 "새겨진" 것처럼 보입니다. 이것은 특별한 기술에 의해 달성됩니다. 그림과 이들을 분리하는 요소는 일종의 반경으로 해석됩니다. 중앙 디스크에서 나오는 황금 광선입니다. 하늘 예루살렘의 주제는 사도들의 손에 면류관이 있음을 설명합니다. 이스라엘의 열두 지파를 심판하기 위해 열두 보좌에 앉을 사람은 바로 사도들입니다. 따라서 세례는 즉시 그리스도의 심판대에서 좋은 대답을 찾는 맥락에 놓이며, 3층의 상징적 대성전 부분에 무성한 열매를 맺는 나무는 하나의 이미지입니다. 기독교 영혼좋은 열매를 맺습니다. 판단은 "빛이 세상에 왔다"는 것이며, 그리스도와 함께 중앙 메달에서 흘러나오는 빛의 모티프는 흰색과 금색 스트림(사도 서클 수준)으로 표시되며 구성에서 특별한 의미를 갖습니다. .

라벤나의 정교회 세례당. 5세기 돔 모자이크.
그리스도의 세례(주현절) 장면을 담고 있는 중앙 메달.
중앙 메달 주위에는 사도 적 원이 있습니다.

하늘 예루살렘의 주제는 지상 교회의 주제와 밀접하게 얽혀 나타납니다. 주현절 장면에서 천상의 도시를 볼 수 있다는 전망과 함께 여기서 권력과 은총의 이전이라는 주제는 그다지 중요하지 않습니다. 세례를받는 구세주 (중앙 메달)에서 은혜로 가득 찬 에너지는 사도 (방사 광선)를 통해 지상 교회로 전달됩니다 (장식 3 단계의 제단과 주교좌로 상징됨). 이 축복받은 에너지의 유출은 지속적이고 지속적인 것으로 생각됩니다.

무진장성에 대한 생각, 이 흐름의 무한성은 사도적 원 구성의 특이성에 의해 강조됩니다. 그것은 시작도 끝도 없으며, 그리스도의 제자들이 나아갈 중심도 없습니다. 보다 정확하게는이 중심은 원 자체 외부에 있으며 중앙 메달에있는 구세주의 이미지입니다. 전체적으로 그림을 그리는 것은 매우 효과적입니다. 사도들의 모습이 움직이는 모습을 보여줍니다. 발걸음의 크기는 넓은 다리 간격과 엉덩이의 구부러짐으로 강조됩니다. 공간의 환상은 여전히 ​​존재합니다. 사도들이 걷고있는 표면은 메인 이미지의 신비하고 밑바닥이없는 파란색 배경보다 가벼워 보입니다. 무겁고 화려한 로브는 로마 귀족의 로브의 화려함을 연상시킵니다. 사도 적 키톤에서는 흰색, 의인화 빛과 금색, 천국의 빛의 두 가지 색상 만 다릅니다. 여러 가지 색상의 그림자(회색, 파란색, 비둘기)만이 이 빛나는 옷을 돋보이게 합니다. 황금색 옷은 얇고 바람이 잘 통하는 천에 비유됩니다. 부풀어 오른 주름처럼 무성하게 눕습니다. 반면 흰색 천은 부자연스럽게 부서지기 쉬운 주름으로 얼어붙습니다.

주현절의 주제는 무엇보다도 빛의 유출, 빛의 부여라는 주제입니다. 사도들은 기독교 계몽의 빛, 즉 진리에 의한 깨달음을 전하기 때문에이 영원한 빛의 전달자로 나타납니다. 사도들의 얼굴은 인상적이며 각자 뚜렷한 개성을 가지고 있습니다. 그들은 아직 개발되지 않은 유형과 도상학에 의해 촉진되는 실제 성격으로 나타납니다. 기독교 이미지. 큰 코, 날카롭게 정의된 팔자 주름, 부풀어 오른 주름, 힘차게 튀어나온 목덜미, 통통한 입술, 표정이 풍부한 눈빛. 로마 귀족에 비유되는 이러한 이미지에는 서구 세계에서 사실상 유일한 영적 정치적 권위가 된 5 세기 기독교 교회의 힘을 상징하는 놀라운 내면의 에너지가 짐작됩니다.

콘스탄티노플의 그랜드 임페리얼 팰리스. 5세기

그 시대의 종교 건축물과 달리 볼쇼이의 바닥은 제국의 궁전콘스탄티노플에 포함된 큰 숫자사람과 동물이 관련된 일상 장면의 이미지. 배경 모자이크 레이아웃이 눈길을 끕니다. 수십만 개의 단색 흰색 모자이크 조각이 기괴한 패턴을 형성하여 작품의 규모와 고대 거장의 정확성이 눈에 띕니다.

독수리와 뱀. 콘스탄티노플 대황궁 바닥의 모자이크. 5세기

사슴과 뱀. 콘스탄티노플 대황궁 바닥의 모자이크. 5세기

토끼와 개. 콘스탄티노플 대황궁 바닥의 모자이크. 5세기

바구니를 든 소년. 콘스탄티노플 대황궁 바닥의 모자이크. 5세기

목가적 인 장면. 콘스탄티노플 대황궁 바닥의 모자이크. 5세기

라벤나의 산 비탈레 교회, 6세기
구성은 완벽한 균형이 지배합니다. 건축 형태, 식물 모티프, 인체는 마치 자로 그린 것처럼 가장 단순한 기하학적 도형에 비유됩니다. 커튼은 볼륨도 없고 생동감도 없다. 어떤 것에도 물질의 살아있는 느낌이 없으며, 심지어 자연스러운 호흡의 희미한 힌트도 없습니다. 공간은 마침내 현실과의 유사성을 잃습니다.

라벤나의 산타폴리나레 누오보 대성당, 6세기
순교자와 순교자의 묘사에는 양식의 신성화라고 할 수 있는 분명한 경향이 있다. 이미지는 의도적으로 특정 삶의 연관성을 포기하려고 합니다. 상상의 공간이나 행동 환경에 대한 먼 힌트조차 사라집니다. 모든 여유 공간은 끝없는 황금색 배경으로 가득 차 있습니다. 현자와 순교자의 발 아래 꽃은 순전히 상징적인 역할을 하며 묘사된 것의 비현실성을 더욱 강조한다.

라벤나의 클라세에 있는 산타폴리나레 대성당, 6세기
모자이크의 스타일은 서양의 맛을 분명히 보여줍니다. 형태는 추상적이고 의도적으로 단순화되었으며 구성은 선형 리듬이 지배합니다. 실루엣의 넓고 미묘한 부분은 고른 색상으로 칠해져 실제로 표현력을 유지합니다. 외부 우아함, 색상 음조는 빈혈 및 무정형 스타일을 보완합니다.

비잔틴 스몰트 모자이크. 콤네노스 왕조 시대

다프네 성모 승천 교회의 작은 모자이크

11세기 후반의 비잔틴 양식과 콤네노스 시대의 가장 두드러지고 완전한 표현은 비잔틴 미술사에서 독특한 현상을 나타내는 아테네 근처 다프네에 있는 성모 승천 교회의 모자이크입니다. 사원은 고전적인 계획에 따라 부분적으로 장식되어 있습니다. 돔에서-북의 벽에 16 명의 선지자가있는 Pantokrator, apse에서-선지자를 숭배하는 하나님의 어머니. 그러나 많은 수의 축제 장면은 직사각형과 원형 부분 또는 아치형 통로 사이의 과도기적 건축 요소뿐만 아니라 평평한 벽 표면에 있습니다.

그리스도 - Pantocrator. 다프네에 있는 성모 승천 교회의 모자이크. 약 1100

Daphne의 모자이크는 축제 느낌, 복잡하지 않은 평온함 및 보편적 조화를 만듭니다. 우울한 색조는 그림에서 완전히 사라지고 복음 이미지는 시적인 아름다움으로 가득 차 있습니다. 열정의 장면에서도 열정의 힌트와 고통과 희생의 파토스가 없습니다. 십자가 처형의 피, 고통, 가시 면류관은 이 고상하고 중립적인 아름다움의 세계에 맞지 않습니다.

Daphne의 모자이크에서 내러티브 경향이 커지고 있습니다. 더 많은 장면, 풍경, 건축 요소가 나타나고 플롯에 더 많은 관심을 기울입니다. 그러나 주인의 주된 동기는 결코 뚜렷한 이야기 ​​전개에 대한 갈망이 아닙니다. 신중하게 선택한 세부 사항, 행동의 이상적인 성격, 감정의 부재, 더욱이 표현과 영적 긴장은 세상을 과정이 아니라 상태로 고정시킵니다. 예술가는 무슨 일이 일어나는가가 아니라 어떻게 일어나는가에 더 관심이 있습니다.

그리스도의 세례. 다프네에 있는 성모 승천 교회의 모자이크. 약 1100

Daphne에서 비잔틴 회화의 구성 원리가 개발되었습니다. 모자이크의 구성은 매우 자유롭고 형태가 차지하지 않는 넓은 공간으로 채워져 있습니다. 특징적인 것은 조각상뿐만 아니라 그림의 인물을 아름다운 원형 조각에 비유하는 이상적이고 완전한 원형의 볼륨입니다. 자신과 공간 사이의 그림 비율이 변경되었습니다. 문자는 다양한 각도와 회전으로 묘사되며 3/4 및 프로필 윤곽선이 풍부하여 깊이에서 바깥쪽으로 볼륨이 지속적으로 이동합니다. 부피가 크지만 가벼운 직물은 몸의 가소성을 보여 주며 동시에 바람에 약간 날리는 것처럼 표면 뒤에서 뒤쳐집니다.

요아킴에게 천사의 모습. 다프네에 있는 성모 승천 교회의 모자이크. 약 1100

얼굴은 특별한 쌀쌀한 아름다움, 평온함, 열정과 감정의 세계와의 끝없는 거리에서 눈에 띕니다. 아주 온화한 유형(성모님, 천사)조차도 영적 부드러움에서 완전히 산만해집니다. 이상적인 냉정의 느낌은 인간과 신인의 이미지를 이상적으로 배열되고 질서 있는 우주의 냉정에 비유합니다. 색상 팔레트 smalt는 특별한 경쾌함과 내면의 빛을 얻습니다. 풍부한 색상이 넘쳐 메인 톤을 즉시 변형시켜 직물의 진동하는 표면의 느낌을 불러일으킵니다. 모든 색상은 애쉬, 실버, 블루, 콜드 핑크 및 빛나는 사파이어 색조가 우세한 차가운 은빛 단일 키로 사용됩니다. 배경의 금색 스몰트는 가볍고 약간 녹색을 띤 금빛 색조로 인해 느슨하고 투명해 보입니다.

체팔루 대성당의 모자이크

Cefalu (Sicily)의 대성당 모자이크는 12 세기 내내 계속 살았던 Comnenos 시대의 예술의 고전적인 방향에 속합니다. Cefalu의 모자이크 제작은 Manuel Komnenos의 통치, 비잔틴 예술의 광범위한 확장시기, 전 세계 콘스탄티노플 예술가의 화려한 작품, 위대한 로마 제국의 영광을 되살리는 위대함의 부활과 일치했습니다. 황제가 꿈꿨다.

앙상블은 Norman 왕 Roger II의 명령에 따라 Constantinopolitan 마스터가 수행했습니다. 작곡은 예술적 공연의 비잔틴 완벽함과 영적 의미의 깊이를 독특하고 약간 야만적이며 축제적인 사치와 결합합니다. 대성당의 모자이크 장식에서 가장 중요한 요소는 후진 소라에 있는 Christ Pantokrator의 기념비적인 이미지입니다. 이 전형적인 비잔틴 이미지는 전통적으로 그리스 사원의 중앙 돔을 차지했습니다. 그리스도의 손에는 복음이 있으며 그 위에는 "나는 세상의 빛이다"라는 문구가 적혀 있습니다. 당시 시칠리아 문화의 이중적 특성을 반영하여 비문은 한 페이지에 라틴어로, 다른 페이지에는 그리스어로 두 가지 언어로 재현되지만 이미지 자체는 분명히 비잔틴 마스터의 것입니다.

크라이스트 팬토크라이터. 체팔루 대성당 후진의 소라 모자이크. 12세기

그리스도의 얼굴은 위엄으로 가득차 있지만, "무서운 재판관"으로서의 그리스도에 대한 동방 기독교 사상의 특징인 심한 소외와 영적 강렬함은 없습니다. 구성은 명확성, 엄격함, 예술적 언어의 투명성 및 내적 의미로 구별됩니다. 그리스도의 모습은 은총과 특별한 형태의 고상함으로 가득 차 있습니다.

동부 로마 또는 로마 제국, 나중에 비잔티움의 주요 미술 유형은 회화였습니다 (조각 / 조각을 거의 완전히 거부 함).
로마-비잔틴 정교회 그림의 주요 형태는 기념비적인 사원 그림(모자이크 및 프레스코), 도상학(에나멜 및 금 자수 포함) 및 책 미니어처입니다. 가장 멋진 예술 작품대부분의 미술사가들에 따르면 이 시대는 모자이크입니다.

이미지가 배치되는 smalt (미네랄 페인트와 유리의 합금)의 작은 다색 큐브, 깜박임, 깜박임, 반짝임, 빛을 반사합니다. 모자이크 마스터는 빛의 입사각을 매우 정확하게 계산하고 모자이크 표면을 매끄럽지 않고 다소 거칠게 만드는 smalt의 기능에서 웅장한 그림 같은 효과를 만들 수 있었습니다. 예를 들어 11세기 초에 만들어진 그리스 Hosios Loukas 수도원의 katholikon(주 교회)에 있는 모자이크에서와 같이 작은 입방체의 표면이 각면으로 만들어지는 경우도 있습니다.

그리스, 포키스에 있는 호시오스/호시오스 루카스 수도원의 캔들마스, 모자이크, 카톨리콘

제작 시간은 거의 같지만 시청자에게 미치는 영향의 강도와 모자이크의 안전성은 프레스코 화보다 훨씬 높습니다.

주님의 예루살렘 입성, 프레스코화, 수도원 호시오스/호시오스 루카스,그리스, XI v.

모자이크 화가들은 먼 거리에서 모자이크를 바라보는 시청자의 눈에 보이는 색상의 광학적 융합을 고려했습니다. 우리 시대에도 오래된 먼지와 그을음이 제거되어도 여전히 빛나고 울려 퍼지는 색을 유지합니다.

절묘한 장식 도구로서의 모자이크와 프레스코는 고대부터 알려져 왔습니다. 예를 들어, 영국 박물관, 런던, 영국 유명한 "우르의 표준", 기원전 2600년경 아시리아가 보관되어 있습니다.

"표준"의 모자이크는 UR (a)의 결과-군사 캠페인, 적에 대한 승리, 왕과 그의 측근의 궁정 생활의 트로피 및 특징-이것이 모자이크의 주요 주제입니다. 고대 메소포타미아, 고대 수메르인의 삶의 장면 포함.

그리스 크레타의 헤라클리온에 있는 고고학 박물관에는 크노소스 궁전의 프레스코화가 보관되어 있습니다. 타우로마키아, 그녀의 나이
기원전 1500년경 - 왼쪽;
오른쪽에있는 미노스 왕의 왕좌 인 전설에 따르면 궁전 영토의 남쪽 경계에있는 신성한 뿔.

게임 - 동물과의 경쟁.

돌고래 게임, 모자이크 Tauromachia - 황소 게임, 모자이크

고대의 그림 예술(고대 그리스와 고대 로마)는 웅장한 프레스코화와 모자이크로도 표현됩니다.

유명한 프레스코화는 폼페이 교외의 신비의 별장에 보존되어 있습니다. 사람의 자연스러운 성장 벽의 빨간색 배경에는 Bacchus / Dionysus 신에게 바치는 휴가 참가자가 표시됩니다.

폼페이. 신비의 별장. 100-15년

이탈리아 폼페이(Pompeii) 근처 스타비아에(Stabiae) 시의 프레스코화 "봄"에서 봄을 상징하는 소녀(플로라 여신?)가 보는 사람에게서 꽃이 만발한 초원 깊숙한 곳으로 이동합니다. 왼손에는 풍요의 뿔을 들고 오른손으로는 부드럽게 꽃을 만집니다. 그녀의 밤색 머리카락, 황금빛 망토, 맨 어깨의 핑크 톤은 밝은 녹색 배경과 조화를 이루고 마치 공중에 떠있는 것처럼 소녀의 움직임의 가벼움이 프레스코 화의 그림 같은 구성의 기초를 형성합니다.

봄, Stabiae, 폼페이, 프레스코화

풍경화는 종종 공원, 정원, 항구, 구불구불한 강둑과 같은 프레스코화에서 발견됩니다. 작은 앨범에 좋은 프레스코 화가 충분해서 친구 여러분, 꼭 게시하겠습니다. 하지만 조금 후에 부탁드립니다.

그리스인들은 모자이크 이미지를 뮤즈 전용이라고 불렀습니다. 뮤즈는 영원합니다. 이 그림도 영원해야하므로 먼저 유색 돌 조각에서 수집 한 다음 헬레니즘과 로마 시대에 특별히 용접 된 유리 조각에서 수집했습니다.

고대 로마 귀족의 궁전과 별장의 장식 장식의 기초가 된 것은 모자이크였습니다. 로마, 폼페이, 스타비아, 헤르쿨라네움의 모자이크는 특히 잘 보존되어 있습니다. 그건 그렇고, 유명한 황금 smalt가 이교도 로마의 그리스 모자이크가에 의해 만들어지고 유명한 Nero의 황금 궁전을 장식하는 데 사용되었다는 전설이 있습니다. 그런 다음 수세기 동안 제조 방법이 잊혀지거나 손실되어 서력.
어떤 식 으로든 고대의 그림 예술은 장식 구성의 화려 함, 플롯의 풍부함, 다양한 예술적 기술, 직접적인 지식과 사용에 여전히 놀라움을 금치 못합니다. 공중 관점, 즉 르네상스 예술가들이 "발명"한 것의 대부분.

나폴리 국립 고고학 박물관에는 모자이크 그림 "알렉산더 대왕과 페르시아 왕 다리우스 3세의 전투" 사본이 보존되어 있습니다.

Issus에서 페르시아인과의 전투

폼페이의 고대 로마 모자이크 조각에 있는 알렉산더 대왕.

기원전 2세기의 모자이크

모자이크와 프레스코 화는 서기 1 세기에 기독교 교회의 재산이되었습니다. 신자들은 숨을 수밖에 없었고 그림 같은 고대 장면과 지하 미로의 이미지를 사용하기 시작했습니다. 기독교인들은 이러한 이미지에 새로운 상징적 내용을 부여했습니다. 종려 나무 가지-제국 승리의 필수 속성-천상의 행복의 상징, 포도 나무-성체 성사, 빵과 포도주-그리스도의 살과 피로의 변화, 오르페우스- 그리스도와 프시케 - 기독교 영혼의 상징.

서로마 제국의 폐허에서 일어나 위대한 로마의 문화를 숭배했던 새로운 야만인 국가의 경우 모자이크가 사원에서 그것을 묘사하는 지배적인 방법으로 남아 있다는 것이 매우 중요했습니다. 동로마 제국의 상속인 지위 보존. 또한 그 당시 로마인들은 그것을 감당할 수있었습니다 (모자이크는 매우 비싼 즐거움입니다)-대부분의 벽, 돔 및 금고의 내부 표면, 기둥 및 기둥을 웅장한 모자이크로 덮을 수 있었으며 이것은 다른 사람들에게 큰 인상을 남겼습니다. 사람들.

확대 문화 센터수많은 기독교 모자이크가 사원과 무덤에 보존되어 있는 로마 제국은 위대한 그림자의 거처인 라벤나입니다.

순간적인 모든 것, 소멸되는 모든 것,
당신은 수세기 동안 묻혔습니다.
당신은 아기처럼 잔다, 라벤나,
손에 졸린 영원.

A. Blok의 이탈리아 시집에서.

라벤나는 오래되고 아름답습니다.

라벤나에는 로마와 비잔티움, 고대와 중세가 만나는 전환점인 5~7세기의 독특한 기념물 단지가 있습니다.
그들의 만남과 단기적인 결합의 표시는 5세기 전반 이탈리아의 라벤나에 있는 테오도시우스 대왕의 딸인 갈라 플라치디아의 영묘입니다.

갈라 플라치디아 영묘 일반적인 형태외부, 내부 전체적인 모습

가깝고 희미한 조명으로 내부는 놀라운 모자이크로 장식되어 있으며 로마-헬레니즘 과거 또는 비잔틴-중세 미래에 속하는지 말하기 어렵습니다.

기독교의 가르침에 따르면 성전과 영묘의 설계는 두 세계, 즉 실제 세계와 다른 세계, 천상 세계와 지상 세계를 연결해야 합니다. 미술은 여기에서 첫 번째 역할을하여 신성한 이미지를 만들고 구원의 길을 가르치고 열어 신자를 현실 세계에서 초감각으로 인도했습니다. 이것은 Galla Placidia 영묘 내부의 예술적 디자인을 결정하고 지시했습니다.

그리고 모자이크 마스터는 "five plus"로 작업을 완료했습니다. 영묘의 내부는 현실에 반대하는 변형 된 세계로 인식됩니다. 벽의 아래 부분은 대리석으로 늘어서 있었고 아치형 천장, 돛, ​​돔에는 짙은 파란색 모자이크가 늘어서 있었습니다.
영묘의 모자이크에는 황금색이 없지만 파란색 배경이 있습니다. 고풍스러운 흰색으로 드리 워진 기독교 순교자와 성도의 인물은 짙게 반짝이는 파란색, 황금빛 별이 번쩍이고 주홍 양귀비, 황금 사슴이 펼쳐진 멋진 낙원 풍경에서 나옵니다. 아치가 황금빛 덩굴로 얽혀있는 새 , 돔에는 십자가와 별이 빛나는 하늘이 있습니다. 이 모자이크는 죽음에 대한 그리스도의 승리, 창조된 세계에 대한 그분의 절대적인 권세를 상징합니다.

Gala Placidia 영묘의 낙원, 모자이크, 십자가 및 별이 빛나는 하늘- 돔의 모자이크.

환상과 신비는 반원형과 금고에 있는 창문에서 나오는 자연광에 의해 강화됩니다.
lunette는 위는 archivolt로, 아래는 수평 처마 장식으로 둘러싸인 벽의 반달 모양 부분입니다. 의미가 가까운 개념 : desudeport, zakomara, kokoshnik, pediment.

Gala Placidia 영묘의 lunette에 있는 밝은 창

그리고 입구 위의 루넷에서만 내부에서 누락 된 창 위치는 조명이 켜진 창처럼 반짝이는 선한 목자의 모자이크로 채워져 있습니다.
그리스도의 이미지는 "에덴 동산의 선한 목자"의 세련된 헬레니즘 버전입니다. 완전히 지상의 풍경을 배경으로 반짝이는 푸른 하늘 아래 온순한 오르페우스를 연상시키는 젊고 수염이없는 목자 그리스도 고대 신화, 그러나 황금빛 로브를 입고 그는 실제로 언덕에 앉아 있고 다리가 땅에 닿고 샌들을 신은 발의 그림자가 선명하게 보입니다.
그 주위에는 양들이 푸른 풀 위를 걷고 있고(흰 양은 의인의 영혼을 상징함) 그 중 한 마리에게 손을 뻗는다. 그리스도의 머리 위에는 후광이 있지만 골동품 헤어 스타일, 분명히 가발, 일반화되고 다소 작은 얼굴 특징-모든 요소는 고대로부터 분명히 상속됩니다.
복잡한 자세의 생동감이 중요합니다. 그리스도는 얼굴 전체가 아니라 반쯤 돌린 모습으로 묘사되며 그의 관심의 일부는 청중이 아니라 영적 무리 인 "양"에게로 향합니다. 그리스도는 목자의 지팡이가 아니라 십자가에 기대어 있습니다. 이는 세계에서 기독교가 승리로 퍼졌다는 표시입니다 (그런데 십자가의 그림자도 지상에서 분명하게 보입니다).

선한 목자, 모자이크

그리고 또 하나, 명확하게 보이는(점선으로 표시) 지구/지상 세계의 경계 - 하늘색 하늘과 산, 모자이크의 윗부분에 있는 짙은 파란색. 하강하는 하늘 하늘의 "혀"는 그리스도의 머리와 어깨만을 "감싸고"만 두 세계에 속합니다.

젊은 그리스도(“Christ Emmanuel”)의 유형은 도상학에서 드물다. 이것이 그가 기독교의 첫 세기에 묘사된 방식이다. 고대 표현신의 속성으로서 영원한 젊음에 대해서는 아직 "장로"라는 가혹한 숭배로 대체되지 않았습니다.

또 다른 주목할 만한 모자이크 세트는 6세기에 Theodoric 왕이 지은 San Apollinare Nuovo 교회에 있습니다. 라벤나에서.

San Apollinare Nuovo, 외관 및 내부.

산 아폴리나레 누오보(San Apollinare Nuovo) 교회에 있는 선한 목자의 또 다른 이미지: 흰 양이 그리스도를 둘러싸고 있지만 그의 두 손은 축복의 몸짓으로 들어 올려져 있고 그의 눈은 먼 곳에 고정되어 있습니다.

선한 목자, 모자이크

504년에 만들어진 라벤나에 있는 같은 산 아폴리나레 누오보 교회의 또 다른 모자이크 "빵과 물고기의 기적"은 그다지 흥미롭지 않습니다. 그것은 또한 수염이없고 여전히 남자 (십자가에 못 박히기 전) 인 젊은 예수 그리스도를 묘사하여 그의 머리 주위의 후광의 색, 즉 녹색과 금색의 후광을 확인합니다.
녹색은 개발과 변형의 불완전함을 상징하며 금색은 착용자에게 또 다른 영적 세계의 이미지와 정보를 전달합니다. 그러나 그리스도는 금색 줄무늬가 있는 자주색 옷을 입고 계십니다. 보라- 초월적인 세계의 상징, 다른 세계 공간에 대한 깊은 몰입.

정경에 따라 그분이 호수에서 부르신 두 쌍의 형제가 그리스도의 양쪽에 대칭적으로 묘사되어 있습니다. 야고보는 요한과 베드로, 안드레는 베드로입니다 (이 모자이크를 때때로 "기적의 캐치"라고 부르는 이유입니다). 흰색과 파란색 옷으로 부름-영적 순결, 거룩함, 세상과의 분리를 상징하는 색상; 그들은 손을 가리고 빵과 생선을 받습니다. 이는 그리스도께서 사도들을 취하시고 축복하시는 거룩한 선물입니다.

빵과 물고기의 기적 또는 기적의 포획

그리스도는 얼굴 전체로 묘사되고 그의 팔은 한 덩어리로, 다른 하나는 물고기로 뻗고 추종자들에게 선물을줍니다. 그들의 모습은 1/4 회전으로 그려져 있지만 얼굴은 관객을 향하고 있습니다. 묘사 된 모든 눈은 확대되어 청중을 직접 향합니다. 모든 이미지는 도식화되었지만 지상의 풍경으로 표시됩니다. 실제로 꽃이 만발한 녹색 표면에 서 있으며이 그룹의 오른쪽과 왼쪽에는 언덕과 푸른 나무와 관목이 있습니다. 모자이크의 배경은 부드럽고 혼합된 부드러운 녹갈색이며 황금빛 얼룩이 있습니다.

그리고 하나 더 모자이크 또는 그 일부이지만 포함 할 수밖에 없었습니다. 친구 여러분, 특히 편심을 사랑하고 감사하는 분들도 좋아 하시길 바랍니다.

동방 박사의 숭배는 동방 박사입니다. 나도 믿을 수는 없지만 친구입니다.

가장 많은 수의 모자이크가 6세기에 유스티니아누스 황제가 지은 이탈리아 라벤나의 산 비탈레 교회에 남아 있습니다. 그들이 묘사되는 다양한 주제와 배경을 설명하는 궁정 제국 교회였습니다. 또한 흥미로운 기능이 있습니다. 녹색, 청청색 및 희귀 한 흰색 배경의 플롯은 순전히 기독교인이며 배경 색상은 고대 후기에 속합니다. 일반적으로 녹색 배경이 우세한 반면 황금색 배경은 주로 제단 모자이크와 관련이 있습니다.

산 비탈레 대성당, 일반 전경, 파사드, 중앙 본당과 후진의 내부

산 비탈레 대성당, 수랑 및 천장 내부, 기둥과 아치의 밴드 모자이크

제단의 측벽에 있는 두 개의 모자이크 - 두 개의 행렬. 하나는 유스티니아누스 황제가, 다른 하나는 테오도라 황후가 이끌고 있습니다. 모든 수치는 키가 같고 황제는 보라색 옷, 왕관 및 후광으로 구별됩니다. 황실 부부와 막시밀리안 주교의 얼굴 묘사에서 초상 닮음을 전하고 싶은 작가의 욕망이 짐작되지만, 얼어붙은 포즈, 무심한 표정, 망토의 주름으로 가려진 인물의 윤곽은 이미지를 박탈한다. 개성-이 완벽한 이미지실제 사람이 아닌 이상적인 통치자. 그러나 모자이크는 로마 의식의 정신을 정확하게 전달하며, 초지상의 지위로 승격된 공식적인 화려함입니다.

유스티니아누스 황제와 수행원, 모자이크, 황후 테오도라, 수행원, 모자이크

묘사 된 모든 사람들은 너무 크고 움직이지 않는 눈을 가지고 있으며 Justinian과 Theodora의 머리 주위에있는 후광은 신성한 힘을 부여 받았지만이 살아있는 사람들을 성도의 계급으로 끌어 올립니다. 우상 파괴의 출현 이유 중 하나가 된 것은 바로 이러한 전통이었습니다. 동시대 사람들에 따르면, 교회의 모든 황제, 황후, 족장들이 특히 그들의 생애 동안 그렇게 높은 지위에 합당한 것은 아닙니다.

하위 계층에서는 유스티니아누스와 테오도라가 수행원과 함께 성전에 선물을 선물했습니다. 이 모자이크는 로마 정교회의 황제와 황후에 대한 태도의 분명한 차이를 보여준다는 점에서 흥미롭다. 그들의 머리는 후광으로 덮여 있지만 테오도라와 그녀와 유스티니아누스 사이에 서있는 총 대주교의 머리 위에는 녹색 캐노피가 있으며 녹색은 불완전 함의 상징입니다. 영적 발전, 더 많은 "인간성".

유스티니아누스와 테오도라

두 번째 계층의 수준에서 3 개의 아치에 위치한 lunette에는 조합 또는 결합과 같은 매우 흥미로운 모자이크가 있습니다. 그 내용에는 밀접하게 관련된 두 가지 주요 플롯이 포함됩니다. 삼위 일체는 그들을 함께 연결합니다. 그들의 일관된 "읽기"는 신자들에게 구약의 중요한 성경적 사건을 상기시킵니다.

아브라함의 환대와 희생, 모자이크

7세기에 비잔틴 회화는 최고 수준에 도달했습니다. 같은 세기에 지어졌다가 1917-22년의 그레코-투르크 전쟁 중에 파괴된 터키 니케아의 성모 승천 교회에서는 사진과 모자이크 조각만 남아 있습니다. 살아남은 파편 중 하나는 법원 경호원의 호화로운 옷을 입고 배너와 권력을 손에 든 날개 달린 인물입니다.

이 전투적인 천사들의 얼굴은 놀랍습니다. 섬세한 타원형, 고전적인 비율 및 기능, 관능적 인 작은 입, 얇은 코, 매혹적인 시선과 같은 고대의 아름다움 이상을 연상시킵니다. 인상파를 연상시키는 부드러운 그림 같은 방식으로 실행됩니다. 올리브, 핑크, 옅은 라일락 및 흰색 작은 입방체는 "무질서"하게 배열되어 있으며 실제로 뛰어난 모자이크 화가의 이상적으로 정확한 계산입니다. 멀리서 합쳐져 섬세한 살아있는 얼굴의 환상을 만듭니다.

Angel Dunamis., 터키 니케에 있는 성모 승천 교회 제단 금고의 모자이크 조각

이것 완벽한 예"영감을 주는 관능"이지만 실제 인간의 감정이나 경험과 관련된 명확한 어떤 것도 표현하지 않습니다. 그들의 영성은 열정이 없고 관능은 미묘합니다.

구형의 곡선 표면을 모자이크로 덮은 모자이크 전문가들은 조명 장식과 인물이 시각적으로 실내의 실제 공간으로 밀려나오는 것을 발견했습니다. 깊이가없고 허용하지 않는 황금색 배경으로 효과가 향상되었습니다. 오목한 표면과 결합하여 배경의 금색은 그대로기도하는 사람들과 동일한 공간 환경으로 성인의 이미지를 "가져옵니다".
동시에 숭배자들 앞에 움직이지 않고 서서 큰 눈으로 그들을 열심히 바라보는 성도들의 모습은 사람들에게 중요하고 소름 끼치는 것처럼 보였습니다.

성전에 오는 사람들은 거룩함 그 자체 안에 있다는 느낌을 받았고, 이는 모든 기독교 중심 교회의 주요 사상이었습니다.
이러한 목표의 달성은 대칭 원리(그림의 위치는 그리스도에 대해 대칭이어야 함), 구성의 평탄도, 그림의 다양한 비늘, 고대에서 차용한 정면 설정과 같은 기술에 의해 촉진되었습니다. 이집트 샘플.

모자이크 - 특수한 광학 효과를 제공하는 "반짝이는 귀중한 그림"은 숭고하고 초현실적인 추상 이미지를 만드는 데 매우 적합했습니다.

다음 섹션은 로마/비잔틴 아이콘에 대해 다룰 것입니다. 그것이 없으면 러시아 아이콘이 없을 것입니다. 이는 우리 민족의 영혼이 다를 것임을 의미합니다.

특별한 범위와 이미지 규모로 구별되는 세련된 기념비적 캔버스는 비잔틴 모자이크입니다. 이것 고대 종작은 크기의 동일한 입자로 이미지나 그림을 구성하는 기술. 중심 주제그런 모자이크는 기독교였습니다 ...

특별한 범위와 이미지 규모로 구별되는 세련된 기념비적 캔버스는 비잔틴 모자이크입니다. 이것은 작은 크기의 동일한 입자로 이미지나 그림을 구성하는 가장 오래된 예술 형식입니다. 이러한 모자이크의 중심 주제는 기독교 오리엔테이션이었고 기술을 개선하고 새로운 음영과 질감을 만드는 원동력은 최대의 시각적 효과를 달성하려는 열망이었습니다.

개인 별장이나 공공 건물의 방을 장식하고 기능을 부여하는 세속적 인 작업을 해결 한 로마 모자이크와 달리 비잔틴 모자이크는 기능이 약간 다릅니다. 그들의 주요 목적은 대성당, 무덤, 사원, 바실리카 등의 장식에 예술적 가치를 부여하는 것으로 간주되었습니다. 비잔틴 벽돌은 먼 거리에서 이미지를 인식하도록 설계되었습니다. 그림은 다소 고르지 않고 "부드러운"음영과 질감으로 생성 된 이미지를 "부활"시킵니다.

비잔틴 모자이크는 무엇으로 만들어졌습니까?

수세기 전에 smalt라는 놀라운 재료가 비잔티움에서 만들어졌습니다. 고대 전설에 따르면 유리의 고유한 특성을 발견한 것은 비잔틴인들이었으며, 녹은 유리 조각에 다양한 금속을 첨가하면 전례 없는 강도를 얻습니다. 이것이 금, 구리, 수은이 다른 비율로 혼합 된 유리 덩어리입니다. 각각의 개별 금속은 간단한 도구를 사용하여 장인이 놓기에 편리한 기하학적 모양을 부여한 특정 음영의 모자이크 블록을 제공했습니다. 이것은 smalt의 도움으로 만들어진 독점적 인 예술 형태 인 비잔틴 모자이크가 밝혀진 방식입니다.

비잔틴 양식의 "Zest"

사원에서 이러한 모자이크를 사용하는 특징은 대부분의 그림에서 볼 수 있는 세련된 황금색 배경을 만드는 것입니다. 일반적으로 마스터는 일광에서 멋지게 보일뿐만 아니라 촛불의 신비한 반사에서 "살아있는"것처럼 보이는 단일 황금 필드를 얻었을 때 직설 세트를 사용했습니다. 이 움직임의 효과는 황금색 스몰트에 대한 음영과 빛의 반사에 의해 결정되었습니다.

비잔틴 벽돌에 내재된 중요한 뉘앙스는 묘사된 각 물체의 정확한 윤곽이 있다는 것입니다. 최대한의 선명도를 얻기 위해 물체 모양의 윤곽을 그림 측면에서 한 줄로, 일반 배경 측면에서 한 줄로 모자이크 큐브로 배치했습니다. 그러한 캔버스의 아름다움과 웅장 함을 장거리에서 즐기는 경우 선택한 윤곽선은 반짝이는 황금색 배경에서 얼굴을 강조하여 캐릭터에게 화려한 효과를줍니다.

다른 기능 중에서 더 많은 후기 예술비잔틴 모자이크 배치는 인체의 정확한 비율을 유지하는 경향이 있으며 때로는 회전과 움직이는 상태로 모두 묘사됩니다.

비잔틴 벽 "그림": 기원의 역사

가장 오래 보존된 모자이크의 예는 3-4세기로 거슬러 올라가지만 스말트는 기원전 1-2세기경에 발견되었습니다. 가장 유명한 비잔틴 타일은 Ravenna의 모자이크와 Constantinople의 Hagia Sophia 이미지입니다. 안에 키예프 루스 smalt 생산의 유적은 Kyiv의 St. Sophia 근처에서 발견되었습니다. 고고학자들에 따르면 러시아 마스터는 비잔티움 사람들이 이끌었습니다. 비잔틴 모자이크는 오늘날까지 고귀함과 에너지를 잃지 않았습니다. 그것은 창의적인 비행, 영적 사치의 반영, 조화와 평화의 분위기입니다.