이상적인 르네상스 도시의 이미지를 비교해보세요. 르네상스

도시의 시대는 찬란한 전성기를 맞았지만 이미 죽어가는 조짐이 보인다. 세기는 격렬하고 잔인했지만 고무적이었습니다. 그것은 고대 그리스(르네상스 3000년 전)의 도시 국가에서 유래하여 스스로를 다스리는 자유인의 이상을 낳았습니다. 실제로 그러한 도시는 여러 세대의 싸움과 내전 끝에 효과적인 자치 체제를 개발 한 사람들로 구성되어 있기 때문입니다. 이 시스템은 도시마다 달랐습니다. 그들 중 어느 곳에서도 완전한 시민권을 주장할 수 있는 사람들의 수는 항상 적었습니다. 주민 대중은 어느 정도 비굴한 지위에 머물렀고 상위 계층에 대한 폭력적이고 잔인한 봉기를 통해서만 권리를 행사했습니다. 그럼에도 불구하고 유럽 전역, 특히 이탈리아, 독일, 네덜란드에서는 정부의 목적, 즉 지배자가 일부 피지배자에 의해 선택되는 사회 구조에 대해 어느 정도 사회적 합의가 있었습니다. 이 시민 개념에서 끝없는 피비린내 나는 전쟁이 시작되었습니다. 시민들이 자유를 위해 지불한 대가는 경쟁자들에 맞서 도시를 방어하기 위해 무기를 들고자 하는 의지로 측정되었습니다.

도시의 진정한 목소리는 적대적인 도시의 무장한 주민들이 접근할 때 경보를 울리는 시청이나 대성당의 큰 종소리였습니다. 그는 성벽과 성문에 무기를 붙들 수 있는 모든 사람을 불렀습니다. 이탈리아인들은 종을 일종의 이동식 사원, 일종의 세속적인 방주로 바꾸어 군대를 전투로 이끌었습니다. 경작지를 소유하기 위해 이웃 도시와의 전투에서, 시민권을 위해 황제 또는 왕과의 전투에서, 방황하는 병사 무리와의 전투에서 ... 이 전투 중에 도시의 삶은 얼어 붙었습니다. 15세에서 70세 사이의 모든 건장한 남자들은 예외 없이 정상적인 활동을 중단하고 전투를 벌였습니다. 그래서 결국 경제적 생존을 위해 그들은 싸울 줄 아는 전문가를 고용하기 시작했고 한편 시민권은 저명한 시민 중 한 사람의 손에 집중되었습니다. 그가 돈과 무기를 통제했기 때문에 이 시민은 한때 자유 도시의 통치자로 점차 변모했습니다. 중앙 군주제를 인정한 국가에서 도시는 왕좌에 화해했습니다 (단순히 피로로 인해). 런던과 같은 일부 도시는 더 큰 자치권을 유지했습니다. 다른 사람들은 군주제 구조에 완전히 흡수되어 있음을 발견했습니다. 그럼에도 불구하고 르네상스 시대를 거치면서 도시는 현대 사회에서 중앙 정부가 관할하는 대부분의 기능을 수행하면서 살아있는 실체로 계속 존재했습니다. 그곳은 산업, 침실 구역, 유원지가 아니었고 나중에 많은 사람들이 그렇게 했습니다. 인간의 살과 건축용 돌을 고유한 삶의 리듬으로 결합한 유기적 구조물이었습니다.

도시 모양

유럽이 예복처럼 박힌 도시들 보석, 르네상스에 의해 이미 고대였습니다. 그들은 놀랍도록 규칙적인 모양과 일정한 크기를 유지하면서 세기를 거듭했습니다. 드문 예외를 제외하고 영국 도시는 미리 정해진 계획에 따라 건설되지 않았지만 겸손한 정착지에서 성장했으며 건물이 건물에 가장 무질서하게 붙어 있기 때문에 구조가 형태가 없었기 때문에 영국에서만 대칭을 느끼지 않았습니다. 방법. 대륙에서는 오래된 도시를 관리할 수 없는 비율로 확장하기보다는 새로운 도시를 시작하는 경향이 계속되었습니다. 독일에서만 400년 동안 2,400개의 도시가 건설되었습니다. 사실, 오늘날의 기준으로는 이것이 작은 마을인지 큰 마을인지 말하기 어렵습니다. 프랑스의 오렌지는 19세기까지 6,000명에 불과했습니다. 그리고 25만 명의 주민이 거주하는 도시는 단순히 거인으로 간주되었고 그 수가 거의 없었습니다. 공국의 수도 인 밀라노의 인구는 20 만 명, 즉 주요 라이벌 인 피렌체 인구의 두 배 (그림 53, 사진 17 참조) 였으므로 크기는 권력의 척도가 아닙니다.

쌀. 53. 15세기 말 피렌체 현대 목판화에서

대규모 쇼핑 센터 인 대관식 장소 인 Reims에는 100,000 명의 주민이 있었고 파리는 약 250,000 명이 거주했습니다. 대부분의 유럽 도시의 인구는 10-50,000명으로 추산됩니다. 전염병으로 인한 손실조차도 오랫동안 인구에 영향을 미치지 않았습니다. 전염병의 희생자 수는 항상 과장되었지만 아마도 몇 달 안에 주민의 약 4 분의 1을 앗아 갔을 것입니다. 그러나 한 세대 후에 도시는 원래의 인구 수준으로 돌아왔습니다. 잉여 주민은 새로운 도시로 흘러갔습니다. 이탈리아 모델은 군사적 또는 상업적 관계로 통합된 여러 도시가 대도시, 정도는 다르지만 유럽 전역에서 추적할 수 있습니다. 이러한 연맹체에서는 각 도시에 내재된 행정제도와 지방관습은 철저히 준수되었으나 세금 징수와 보호는 중앙도시에서 통제되었다.

도시는 나무처럼 성장하여 그 모양은 유지했지만 점점 커져갔고, 성벽은 잘린 고리처럼 성장의 이정표를 세웠습니다. 성벽 바로 바깥에는 가난하고 거지들과 온갖 부랑자들이 살았는데 그들은 성벽 주위에 오두막을 짓고 비참한 거리를 역겨운 엉망진창으로 만들었습니다. 때때로 그들은 활력이 넘치는 지방 자치 단체에 의해 흩어졌지만 더 자주 그들은 어떤 계획이 나타날 때까지 그들이 있던 곳에 머물도록 허용되었습니다. 부유 한 주민들은 자신의 벽으로 보호되는 큰 부동산 한가운데에있는 빌라에 도시 외곽에 정착했습니다. 마지막으로 경제적 필요성이나 시민의 자부심이 도시의 확장을 요구했을 때 또 다른 고리의 벽이 세워졌습니다. 그들은 점령했다 새로운 땅개발을 위한 추가 공간을 남겼습니다. 그리고 오래된 벽은 새 건물 건설을 위해 약탈적으로 해체되지 않았다면 수세기 동안 계속 서있었습니다. 도시는 형태를 되찾았지만 새로운 건축 자재를 추구하지 않았기 때문에 같은 벽돌이나 다듬은 돌이 천년 동안 여섯 개의 다른 건물에 있을 수 있었습니다. 사라진 오래된 벽의 흔적을 여전히 볼 수 있습니다. 나중에 순환 도로로 바뀌거나 덜 자주대로로 바뀌었기 때문입니다.

성벽은 도시의 모양을 결정하고 크기를 결정했습니다. 중세 시대에 그들은 물과 음식을 공급받은 주민들을 위한 강력한 보호 역할을 했습니다. 도시를 포위하려는 군사 지도자는 적군의 보급품이 바닥날 때까지 몇 달을 기다려야 했습니다. 성벽은 공비로 유지되었고, 그 외 파손된 부분은 무엇보다 먼저 처리되었습니다. 무너진 성벽은 폐허가 된 도시의 표식이었고, 승리한 침략자의 첫 번째 임무는 그것을 지면에서 쓸어버리는 것이었다. 그가 거기에 살지 않는 한. 그러나 성벽은 점차 그 중요성을 잃어갔고, 이는 도시가 묘사되기 시작한 방식에 반영되었습니다. 16 세기에는 거리에 특별한 중요성이 부여 된 평면도가 널리 사용되었습니다. 그들은 집 경계에 칠해졌습니다. 중요한 건물이 강조 표시되었습니다. 그러나 점차적으로 모든 것이 공식화되고 평평해졌으며 덜 화려하고 그림 같지는 않지만 계획이 더 정확해졌습니다. 그러나 계획이 실행되기 전에 도시는 마치 여행자가 접근하여 멀리서 보는 것처럼 묘사되었습니다. 오히려 하나의 거대한 성처럼 벽, 탑, 교회가 서로 밀착되어 삶에서와 같이 도시가 등장한 예술 작품이었습니다 (그림 54 참조).

쌀. 54. 군사 구조물로서의 성벽. 1493년의 뉘른베르크. 현대 판화에서

언덕에 위치한 베로나와 같은 도시는 오늘날까지 존재합니다. 그들의 계획에는 건축업자가 그린 그림이 명확하게 보입니다. 남부, 특히 이탈리아에서는 탑과 같은 대형 주택이 우세하여 도시 경관이 석화 된 숲처럼 보입니다. 이 집들은 가족과 파벌 사이의 불화가 도시를 산산조각 냈던 더 폭력적인 시대의 잔재였습니다. 그런 다음 더 높이, 더 높이, 더 높게 지을 수 있는 사람들은 이웃보다 우위를 차지했습니다. 노련한 시 정부는 그들의 수를 줄이는 데 성공했지만, 많은 사람들은 여전히 ​​이런 식으로 스스로를 높이려고 했고, 도시의 내부 안보를 위협하고 탐욕스럽게 좁은 거리에서 공기와 빛을 빼앗았습니다.

쌀. 55. 도시에 도착하는 모든 물품에 대해 관세를 징수하는 성문

성벽을 가로지르는 성문(그림 55 참조)은 두 가지 역할을 했습니다. 그들은 방어적인 기능을 수행할 뿐만 아니라 도시의 수입에도 기여했습니다. 그들 주위에 경비병이 배치되어 도시로 들어오는 모든 물건에 대해 요금을 징수했습니다. 때때로 이들은 농산물, 주변 들판, 과수원 및 과수원에서 수확 한 작물이었습니다. 그리고 때때로-수천 마일에서 가져온 이국적인 향신료-게이트의 모든 것이 세관 검사 및 관세의 대상이었습니다. 한번은 피렌체의 세관이 위험할 정도로 낮아졌을 때 관리 중 한 명이 관문 수를 두 배로 늘려 수익성을 두 배로 늘릴 것을 제안했습니다. 시의회 회의에서 그는 조롱을 받았지만, 이러한 경솔한 제안은 도시가 독립된 실체라는 믿음에서 비롯되었습니다. 마을 사람들은 이러한 갈취를 싫어했고, 무장 보호를 제공한다는 미심쩍은 약속만 받았습니다. 그들은 지불을 피하기 위해 온갖 속임수를 썼습니다. Sacchetti는 경비원을 속이기 위해 헐렁한 바지에 닭고기 달걀을 숨긴 농부에 대한 매우 사실적인 이야기를 가지고 있습니다. 그러나 농민의 적의 경고를받은 사람들은화물을 조사하는 동안 그를 앉히도록 강요했습니다. 결과는 분명합니다.

도시에서 문은 눈과 귀의 역할을 했다. 그들은 외부 세계와의 유일한 접점이었습니다. 위협이 온 것은 외부 세계에서 왔고 게이트의 경비원은 외국인과 모든 종류의 낯선 사람의 도착 및 출발에 대해 통치자에게 꼼꼼하게보고했습니다. 자유 도시에서 닫힌 문은 독립의 상징이었습니다. 일몰 후에 도착한 늦은 여행자는 성벽 밖에서 밤을 보내야 했습니다. 따라서 정문 외부에 호텔을 짓는 관습이 있습니다. 문 자체는 작은 요새와 같았습니다. 그들은 도시를 지키는 수비대를 수용했습니다. 중세 도시 위로 우뚝 솟은 거대한 성들은 사실 주요 요새 성문 집의 단순한 연속이었습니다.

그러나 중세 도시에서 건축 계획의 부재는 실제보다 더 분명했습니다. 그것은 사실입니다 : 거리는 목적없이 꼬이고, 원을 그리며, 고리를 만들고, 심지어 일부 안뜰로 용해되었지만 결국 도시의 한 지점에서 다른 지점으로 직접 전환하는 것이 아니라 프레임, 풍경을 만드는 것입니다. 공공 생활. 성문을 통과한 이방인은 중앙 광장에서 주요 도로가 방사형으로 나 있기 때문에 도시 중심으로 쉽게 길을 찾을 수 있었습니다. "피아자", "장소", "퍼레이드 그라운드", "스퀘어" 등 현지 언어로 무엇이라고 부르든 로마 포럼의 직계 후계자였으며, 즐겁게, 평화롭게. . 다시 말하지만 영국에만 그러한 만남의 장소가 없었습니다. 영국인은 메인 스트리트를 시장으로 확장하는 것을 선호했습니다. 같은 목적을 수행했지만 응집력과 통일감이 부족했고 교통량이 증가함에 따라 중앙 만남의 장소로서의 중요성을 잃었습니다. 그러나 대륙에서는 고대 로마의 메아리가 계속해서 존재했습니다.

쌀. 56. 베네치아 산마르코 광장

아마도 허름한 집들로 둘러싸인 나무 그늘이 있는 겸손하고 포장되지 않은 지역이었을 것입니다. 그리고 그것은 거대하고 놀랍습니다. 시에나 또는 베니스의 주요 광장 (그림 56 참조)처럼 지붕이없는 거대한 홀처럼 보이도록 계획 할 수 있습니다. 그러나 그녀가 어떻게 보이든 그녀는 도시의 얼굴, 주민들이 모이는 장소, 도시의 핵심 기관, 정부와 정의의 중심이 그녀를 둘러싸고 있습니다. 다른 곳에는 자연적으로 형성된 또 다른 중심이 있을 수 있습니다. 예를 들어 일반적으로 작은 광장에 지어진 보조 건물이 있는 대성당이 있습니다. 정문에서 꽤 넓고 곧고 깨끗한 도로가 광장으로 이어진 다음 대성당으로 이어졌습니다. 동시에 거리는 중심에서 멀어져 지역의 필요에 부응하는 말초 혈관이 되었습니다. 통행인을 태양과 비로부터 보호하고 공간을 절약하기 위해 의도적으로 좁게 만들었습니다. 때때로 건물의 최상층은 불과 몇 피트 떨어져 있었습니다. 거리의 좁음은 또한 전쟁 중에 보호 역할을 했습니다. 왜냐하면 공격자들의 첫 번째 행동은 주민들이 장벽을 세울 시간을 갖기 전에 거리를 질주하는 것이었기 때문입니다. 군대는 그들에게 행진함으로써 군사 질서를 유지할 수 없었습니다. 그러한 상황에서 단순한 바위로 무장한 적대적인 폭도들은 전문 군인들의 통행을 성공적으로 막을 수 있었습니다. 이탈리아에서는 13세기부터 도로가 포장되기 시작했으며 16세기에는 대부분의 유럽 도시의 모든 주요 도로가 포장되었습니다. 모두가 타거나 걸었기 때문에 포장 도로와 포장 도로 사이에 분리가 없었습니다. 승무원은 16 세기에만 나타나기 시작했습니다. 점차 바퀴가 달린 교통량이 증가하고 거리가 직선화되어 그가 쉽게 지나갈 수 있었고 보행자가 돌보아지고 빈부 차이가 더욱 강조되었습니다.

비트루비우스 숭배

르네상스 시대의 도시들은 한 가지 공통점이 있었습니다. 필요에 따라 자발적으로 성장하고 발전했다는 것입니다. 성벽만 계획하여 전체적으로 쌓고 쌓았으며, 도시 내부에는 특정 건물의 크기만이 인접한 영토의 배치를 결정했다. 대성당은 인접한 거리와 광장으로 전체 지역의 구조를 결정했지만 다른 곳에서는 필요에 따라 집이 나타나거나 기존 집에서 재건되었습니다. 로마 건축가 비트루비우스 폴리오(Vitruvius Polio)의 아이디어가 부활한 15세기 후반까지는 도시 계획이라는 개념조차 존재하지 않았습니다. Vitruvius는 August Rome의 건축가였으며 그의 작품 On Architecture는 기원전 30년경으로 거슬러 올라갑니다. 그는 유명한 건축가는 아니었지만 그의 책은 이 주제에 관한 유일한 책이었고 고대에 집착하는 세상을 기쁘게 했습니다. 건축에서의 발견은 지리학에서와 같은 방식으로 이루어졌습니다. 고대 작가는 자신의 창의성과 연구를 할 수 있는 마음에 자극을 주었습니다. 자신이 Vitruvius를 따르고 있다고 믿는 사람들은 사실 그의 이름을 사용하여 자신의 이론을 구성했습니다. Vitruvius는 도시를 모든 부분이 전체에 종속되는 집처럼 계획되어야 하는 자급 자족 단위로 간주했습니다. 하수도, 도로, 광장, 공공 건물, 건축 부지의 비율 - 모든 것이 이 계획에서 고유한 위치를 가집니다. 비트루비우스의 개념에 기초한 첫 번째 논문은 피렌체의 Leon Battista Alberti가 썼습니다. 그가 죽은 지 불과 13년 후인 1485년에 간행되어 19세기까지 이어지는 장대한 저술을 이끌어 도시 계획에 큰 영향을 미쳤다. 이 작품들 대부분은 놀라울 정도로, 심지어 너무 정교하게 묘사되었습니다. 이 컬트의 수학적 기반을 감안할 때 추종자들이 모든 것을 극단으로 가져간 것은 놀라운 일이 아닙니다. 도시는 기하학의 문제처럼 인간과 지리적 요인에 주의를 기울이지 않고 발명되었습니다. 이론적 완벽함은 실제로 생명이 없는 메마름으로 이어졌습니다.

쌀. 57. 이탈리아 팔마 노바: 엄격한 도시 계획

Vitruvius의 원칙에 따라 도시가 몇 개만 건설되었다는 것은 다행스러운 일입니다. 때때로 새로운 도시에는 군대가 필요했습니다. 때때로 그것은 이 새로운 이론에 따라 건설될 수 있습니다(예: 베네치아 주의 팔마 노바(그림 57 참조)). 그러나 대부분의 경우 건축가들은 오래된 건물을 완전히 철거하고 그 자리에 다시 지을 기회가 거의 없었기 때문에 부분적인 개발에 만족해야 했습니다. 건축가는 소극적인 저항에 직면했고, 밀라노 주변에 위성 정착지를 건설하려는 레오나르도 다빈치의 제안이 어떻게 충족되었는지 회상하는 것으로 충분합니다. 1484년의 끔찍한 전염병은 50,000명의 주민을 앗아갔고 Leonardo는 5,000채의 집이 있는 10개의 새로운 도시를 건설하고 그곳에 30,000명의 사람들이 정착하기를 원했습니다. 악취와 파종 종자 감염과 죽음이 있는 공간. 그러나 금전적 이득이나 군사적 이점이 예상되지 않았기 때문에 그런 일은 없었습니다. 그리고 밀라노의 통치자는 자신의 궁정을 장식하는 데 금을 사용하기로 결정했습니다. 이것은 유럽 전역의 경우였습니다. 도시는 이미 형태를 갖추었고 대규모 계획을 세울 여지가 없습니다. 로마는 이 규칙의 유일한 예외였습니다.

중세 기독교의 첫 번째 도시는 쇠퇴했습니다. 그의 불행의 절정은 1305년 교황권을 아비뇽에 거주하도록 이전한 것이었다. 100년이 넘는 시간 동안 영원한 도시에는 위대한 가문의 야망과 군중의 잔인한 야만성을 억제할 만큼 강력한 힘이 없었습니다. 이탈리아의 다른 도시들은 점점 더 아름다워지고 번영했지만, 로마는 곰팡이에 뒤덮여 무너졌습니다. 오거스타시는 견고하게 지어졌고 살아남았으며 시간의 공격과 야만인의 습격에 굴복하지 않고 시민들의 손에 죽었습니다. 전쟁은 부분적으로 책임이 있었지만 주로 거대한 고대 건물이 기성 건축 자재의 원천이라는 사실이었습니다. 1443년에 대분열이 끝나고 로마에서 다시 교황권이 확립되었습니다. 교황 니콜라스 5세는 처음으로 영원한 도시의 비참한 상태에 주목했고, 로마를 세계의 수도로 인정하려면 로마를 재건해야 한다는 것을 이해했습니다(그림 58 참조). 엄청난 과제! 이 도시는 한때 약 100만 명의 인구를 수용했습니다. 19 세기. 건설의 확장으로 이어진 산업 혁명 이전에 유럽의 어떤 도시도 그 크기에 있어서 아우구스투스의 로마와 비교할 수 없었습니다. 그리고 1377년에는 인구가 약 20,000명에 불과했습니다. 언덕 중 7개는 버려졌고 인구는 Tiber의 늪지대에 사는 것을 선호했습니다. 폐허가 된 집들이 늘어선 황량한 거리를 소떼가 배회했습니다. 포럼은 이전의 영광을 잃고 "Campo Vacchino", 즉 "Cow Field"라는 별명을 갖게되었습니다. 죽은 동물은 한 번도 치우지 않았고 죽은 곳에서 썩어서 발 밑의 더러운 진창에 연기와 썩은 냄새를 더했습니다. 유럽에서 그렇게 높은 곳에서 그렇게 낮게 가라앉은 도시는 없었습니다.

쌀. 58. 1493년 성 베드로 대성당이 있는 로마의 파노라마(위). Schedel의 저서 "The Chronicle of the World"의 현대 판화에서

교황 니콜라스 5세가 그의 재건을 구상한 지 160년 이상이 흘렀고, 베르니니가 성 베드로 대성당의 주랑을 완성하기까지 160년 이상이 흘렀습니다. 그리고 이 150년 동안 통치한 모든 교황들은 덕이 있는 사람에서 악덕에 이르기까지, 가장 학식 있는 니콜라스에서 타락한 알렉산더 보르지아에 이르기까지 르네상스의 첫 번째 도시에 새로운 생명을 불어넣은 열정을 공유했습니다. 예술과 건축에 대한 사랑, 고대 도시를 기독교 평화의 합당한 수도로 바꾸려는 열망.

그곳에서 일한 건축가와 예술가의 이름 목록은 명예의 전당과 똑같이 들립니다. 최초의 Vitruvians 인 Alberti, Bramante, Sangallo, Bernini, Raphael, Michelangelo 및 위인의 그림자에 빠진 많은 다른 사람들이지만 모든 통치자의 궁정을 꾸밀 수 있습니다. 예를 들어, 그 자리에 새로운 브라만테 사원을 짓기 위해 고대 성 베드로 대성당을 파괴한 것은 항의의 폭풍을 일으켰습니다. 그러나 절대적인 교황의 권위는 역사상 가장 위대한 도시 프로젝트 중 하나를 완성하기에 충분했습니다. 그 결과는 단지 어떤 통치자에 대한 웅장한 기념비가 아니었습니다. 일반 시민에게 많은 혜택이 돌아갔습니다. 물 공급이 개선되고 고대 하수도 시스템이 복원되었으며 화재 및 전염병의 위협이 급격히 감소했습니다.

도시의 삶

도시는 모든 정직한 사람들 앞에서 지금 사무실의 침묵 속에서 일어나는 일이 일어나는 무대였습니다. 건물의 불규칙성, 기이한 스타일과 의상의 다양성, 거리에서 바로 생산된 수많은 상품 - 이 모든 것이 르네상스 도시에 현대 도시의 단조로운 단조로움에는 없는 밝기를 부여했습니다. . 그러나 도시의 내적 통합을 선언하는 그룹의 융합인 특정 동질성도 있었습니다. 20세기에 들어서면서 눈은 스프롤 현상에 의해 생성된 분할에 익숙해졌습니다. 보행자와 자동차 교통은 서로 다른 세계에서 발생하고 산업은 상업과 분리되며 둘 다 공간으로 주거 지역과 분리됩니다. 주민들의 재산에 따라 세분됩니다. 도시에 사는 사람은 자기가 먹는 빵이 어떻게 구워지는지, 죽은 사람이 어떻게 장사되는지 보지 않고 평생을 살 수 있습니다. 도시가 커질수록 사람들은 동료 시민들로부터 더 멀어지게 되었고, 마침내 군중 속에서의 외로움의 역설은 일상적인 현상이 되었습니다.

예를 들어 인구 50,000명의 성벽으로 둘러싸인 도시에서 대부분의 집은 초라한 판잣집이었고 공간이 부족하여 사람들은 공공 장소에서 더 많은 시간을 보내게 되었습니다. 가게 주인은 작은 창을 통해 거의 노점에서 물건을 팔았습니다. 1 층의 셔터는 선반이나 테이블, 즉 카운터를 형성하여 신속하게 기대기 위해 경첩으로 만들어졌습니다 (그림 60 참조). 그는 집의 위층 방에서 가족과 함께 살았고 훨씬 더 부자가 되었기 때문에 점원과 별도의 상점을 유지하고 정원 교외에 살 수있었습니다.

쌀. 60. 도시 상인: 의류 및 직물 상인(왼쪽), 이발사(가운데) 및 제과점(오른쪽)

숙련된 장인은 집 아래층을 작업장으로 사용하기도 했습니다. 장인과 상인은 무리 행동을 보여주는 경향이 매우 컸습니다. 각 도시에는 자체 Tkatskaya Street, Myasnitsky Ryad 및 자체 Rybnikov Lane이 있습니다. 그리고 작고 붐비는 방에 공간이 충분하지 않거나 날씨가 좋은 경우에도 무역은 거리로 이동하여 시장과 구별 할 수 없게되었습니다. 부정직한 사람들은 공개적으로, 광장에서, 생계를 유지하던 곳에서, 즉 공개적으로 처벌을 받았습니다. 그들은 기둥에 묶여 있었고 쓸모없는 물건들은 발치에 불태우거나 목에 걸었습니다. 질 나쁜 포도주를 팔던 포도주 양조업자는 강제로 많은 양의 포도주를 마시고 나머지는 그의 머리에 부었습니다. Rybnik은 썩은 물고기 냄새를 맡거나 얼굴과 머리카락을 묻혔습니다.

밤이되자 도시는 완전한 침묵과 어둠에 빠졌습니다. 의무적 인 "불을 끄는 시간"이없는 곳에서도 현자는 늦게 나가지 않으려 고 노력했고 어두워지면 볼트로 튼튼한 문 뒤에 안전하게 앉았습니다. 한밤중에 교도관에게 붙잡힌 행인은 의심스러운 걸음걸이의 이유를 설득력 있게 설명할 준비를 해야 했다. 유인할 수 있는 그런 유혹은 없었습니다 정직한 사람대중 유흥은 해가 질 때 끝나고 마을 사람들은 해가 질 때 잠자리에 드는 비축 습관을 고수했기 때문입니다. 수지 양초를 사용할 수 있었지만 여전히 상당히 비쌌습니다. 그리고 기름 헝겊에 적신 악취가 나는 심지도 아껴서 사용했습니다. 기름은 고기보다 더 비싸기 때문입니다. 새벽부터 황혼까지 지속되는 근무일은 폭풍우가 치는 밤의 즐거움을 위해 힘이 거의 남지 않았습니다. 인쇄술이 널리 발달하면서 많은 가정에서 성경을 읽는 것이 관습이 되었습니다. 또 다른 국내 엔터테인먼트는 류트, 비올, 플루트와 같은 악기를 살 여유가 있는 사람들을 위한 음악 제작과 돈이 없는 사람들을 위한 노래였습니다. 대부분의 사람들은 저녁 식사와 취침 시간 사이의 짧은 여가 시간을 대화로 보냈습니다. 그러나 저녁과 밤의 유흥 부족은 공공 비용으로 낮 동안 보충하는 것 이상이었습니다. 잦은 교회 휴일은 연간 근무일 수를 오늘날보다 낮은 수치로 줄였습니다.

쌀. 61. 종교 행렬

금식일은 엄격하게 준수되고 법의 힘에 의해 지원되었지만 공휴일은 문자 그대로 이해되었습니다. 그들은 전례를 포함했을 뿐만 아니라 거친 재미로 바뀌었습니다. 요즘 마을 사람들의 연대는 붐비는 종교 행렬과 종교 행렬에서 분명하게 나타났습니다 (그림 61 참조). 모두가 참여하기를 원했기 때문에 관찰자가 거의 없었습니다. 알브레히트 뒤러(Albrecht Dürer)는 앤트워프에서 비슷한 행렬을 목격했고 그의 예술가의 눈은 색상과 모양의 끝없는 행렬을 기쁨으로 응시했습니다. 성모 승천의 날이었습니다. “... 그리고 계급과 직업에 관계없이 도시 전체가 각자 자신의 계급에 따라 최고의 드레스를 입고 그곳에 모였습니다. 모든 길드와 영지에는 알아볼 수 있는 고유한 표시가 있었습니다. 중간에 그들은 크고 값비싼 양초와 세 개의 길고 오래된 프랑크 은 트럼펫을 가지고 다녔습니다. 독일식으로 만든 드럼과 파이프도 있었다. 그들은 시끄럽고 시끄럽게 불었습니다 ... 금세공인과 자수공, 화가, 석공과 조각가, 목공인과 목수, 선원과 어부, 직공과 재단사, 빵 굽는 사람과 무두질하는 사람이 있었습니다. 장인과 다양한 사람들이 생계를 유지합니다. 그 뒤를 이어 소총과 석궁을 든 궁수, 기병, 보병이 뒤따랐습니다. 그러나 그들 모두 앞에는 종교 명령이있었습니다. 많은 과부들도이 행렬에 참여했습니다. 그들은 노동으로 생계를 유지하고 특별한 규칙을 지켰습니다. 그들은 머리부터 발끝까지 흰 옷을 입고 있었는데 특히 이번 행사를 위해 꿰매어 보니 슬펐습니다 ... 20 명이 호화로운 옷을 입고 우리 주 예수와 함께 성모 마리아의 모습을 가지고 다녔습니다. 행렬이 진행되는 동안 많은 놀라운 것들이 보여졌고 웅장하게 제시되었습니다. 가면을 쓴 사람들로 가득 찬 배와 기타 구조물이 서있는 마차가 뽑혔습니다. 그 뒤를 이어 신약의 장면과 순서대로 선지자들을 대표하는 극단이 뒤를이었습니다. 처음부터 끝까지 행렬은 우리 집에 도착할 때까지 2 시간 이상 지속되었습니다.

앤트워프에서 뒤러를 그토록 기쁘게 했던 기적은 이탈리아인들이 종교적 축일을 예술 형식으로 취급했기 때문에 베니스와 피렌체에서 그를 매료시켰을 것입니다. 1482년 비테르보에서 열린 성체 성혈 축일에서 전체 행렬은 여러 구역으로 나뉘었고, 각 구역은 일부 추기경이나 교회의 최고 고위 인사를 담당했습니다. 그리고 각자는 자신의 음모를 값비싼 휘장으로 장식하고 미스터리가 연주되는 무대를 제공하여 전체적으로 그리스도의 죽음과 부활에 관한 일련의 연극을 형성함으로써 서로를 능가하려고 노력했습니다. 신비 공연을 위해 이탈리아에서 사용된 무대는 유럽 전역에서와 동일하게 3층 구조로 위층과 아래층이 각각 천국과 지옥 역할을 하고 중앙의 주 단은 지구를 묘사했습니다(그림 참조). .62).

쌀. 62. 미스터리 발표 장면

무엇보다도 배우들이 공중에서 날아 오르고 헤엄 칠 수있는 복잡한 무대 메커니즘이 주목을 받았습니다. 플로렌스에는 천사들에 둘러싸인 매달린 공으로 구성된 한 장면이 있었는데, 적절한 순간에 마차가 나타나 땅으로 내려왔습니다. Leonardo da Vinci는 Dukes of Sforza를 위해 훨씬 더 복잡한 기계를 만들었습니다. 이 기계는 각각 자신의 수호 천사를 지닌 천체의 움직임을 보여주었습니다.

이탈리아의 세속 행렬은 고대 로마의 위대한 승리를 재연했으며 그 이름을 따서 명명되었습니다. 때때로 그들은 휴일을 위해 때로는 주권자 또는 유명한 군사 지도자의 도착을 기리기 위해 마련되었습니다. 위대한 로마인의 영광스러운 이름이 기억 속에 되살아 났고 토가와 월계관으로 표현되었으며 전차를 타고 도시 주변으로 운송되었습니다. 그들은 특히 우화를 묘사하는 것을 좋아했습니다. 믿음이 우상 숭배를 정복하고 미덕이 악을 근절했습니다. 또 다른 가장 좋아하는 표현은 인간의 세 시대입니다. 모든 세속적 또는 초자연적 사건이 매우 자세하게 진행되었습니다. 이탈리아인들은 이러한 장면의 문학적 내용에 대해 작업하지 않았으며, 장관의 화려함에 돈을 쓰는 것을 선호하여 모든 우화적 인물은 직설적이고 피상적인 창조물이었으며 확신 없이 큰 소리로 들리는 공허한 문구만 선포했기 때문에 공연에서 제외되었습니다. 성능에. 그러나 화려한 풍경과 의상은 눈을 즐겁게 했고 그것으로 충분했다. 유럽의 다른 어떤 도시에서도 상업적인 오만함, 기독교적 감사, 동양의 상징주의가 이상하게 혼합된 베니스의 통치자에 의해 수행된 바다와의 결혼식이라는 연례 의식에서처럼 시민의 자부심이 그렇게 밝고 훌륭하게 나타났습니다. . 이 의식 축제는 그리스도의 탄생 후 997년 전투 전에 베니스의 총독이 포도주를 만들어 바다에 부었을 때 시작됩니다. 그리고 승리 후 다음 승천일에 축하했습니다. Bucentaur라고 불리는 거대한 국가 바지선이 만의 같은 지점으로 노를 젓고 그곳에서 총독은 반지를 바다에 던지면서이 행동으로 도시가 바다, 즉 다음 요소와 결혼했다고 선언했습니다. 훌륭하게 만들었습니다 (그림 63 참조).

쌀. 63. "부센타우로스" 베네치안

"Bucentaur"는 모든 시민 행사에 장엄하게 참여했습니다. 다른 도시의 엄숙한 행렬은 무더운 먼지 속에서 움직였고, 베네치아인들은 거대한 바닷길의 매끄러운 표면을 따라 활공했습니다. Bucentaur는 아드리아 해에서 베니스의 모든 적을 휩쓸었던 전투 갤리선에서 개조되었습니다. 그녀는 전함의 강력하고 잔인한 충돌 뱃머리를 유지했지만 이제 상부 갑판은 주홍색과 금색 양단으로 장식되었고 측면을 따라 펼쳐진 황금색 잎사귀 화환이 태양에 눈부시게 반짝였습니다. 뱃머리에는 한 손에는 검을, 다른 한 손에는 저울을 들고 있는 인간 크기의 정의의 형상이 있었습니다. 방문하러 온 주권자들은이 배를 타고 섬 도시로 호송되었으며, 수많은 작은 배로 둘러싸여 있으며 풍부한 직물과 화환으로 장식되었습니다. 손님은 그에게 할당된 거주지 바로 문으로 안내되었습니다. 비용에 대한 똑같은 화려한 무시와 밝은 색상에 대한 똑같은 관능적이고 거의 야만적 인 취향으로 눈부신 베네치아 카니발이 유럽 전역에서 방문객을 끌어 들인 것은 당연합니다. 이 기간 동안 도시의 인구는 두 배가 되었습니다. 분명히 가장 무도회 패션은 베니스에서 왔으며 유럽의 모든 안뜰로 퍼졌습니다. 다른 이탈리아 도시마스크를 쓴 배우들이 미스터리에 소개되었지만 마스크를 카니발에 추가하는 것으로 높이 평가한 것은 상업적 통찰력을 가진 엔터테인먼트를 사랑하는 베네치아 사람들이었습니다.

중세의 군사 경쟁은 참가자의 지위가 다소 감소했지만 르네상스 시대에도 거의 변하지 않았습니다. 예를 들어, 뉘른베르크의 생선 장수들은 자체 토너먼트를 열었습니다. 무기로서의 활은 전장에서 사라졌지만 양궁 대회는 매우 인기가 있었습니다. 그러나 가장 사랑받는 것은 휴일이었고 그 뿌리는 기독교 이전 유럽으로 거슬러 올라갑니다. 그것들을 근절하지 못한 교회는 말하자면 그들 중 일부를 세례식으로 명명했고, 다른 일부는 가톨릭과 개신교 국가 모두에서 변함없는 형태로 계속 살았습니다. 이들 중 가장 위대한 것은 봄의 이교도 모임인 노동절이었습니다(그림 64 참조).

쌀. 64. 메이데이 축하

이날 가난한 사람과 부자 모두 여행을 떠나 꽃을 따고 춤을 추며 잔치를 벌였습니다. May Lord가되는 것은 큰 영광 이었지만 모든 축제 비용이 그에게 떨어졌기 때문에 값 비싼 기쁨이기도했습니다. 어떤 사람들은이 명예로운 역할을 피하기 위해 잠시 동안 도시에서 사라졌습니다. 휴일은 도시에 시골의 일부, 자연의 삶을 너무 가깝고 멀리 가져 왔습니다. 유럽 ​​전역에서 계절의 변화를 축제로 기념했습니다. 그들은 세부 사항과 이름이 서로 달랐지만 차이점보다 유사점이 더 강했습니다. 무질서의 군주는 선사 시대 동지 축제의 유물이었던 로마 토성의 직계 상속인 인 겨울 중 하나에 여전히 통치했습니다. 계속해서 그들은 그것을 근절하려고 시도했지만 광대, 전사 및 무용수로 변장 한 지역 카니발에서 부활하여 처음으로 동굴 그림으로 세상에 나타났습니다. 시간이 왔고 천년 전의 휴일은 인쇄기의 포효와 바퀴 달린 마차의 소음이 새로운 세계의 시작을 알리는 도시의 삶에 쉽게 맞습니다.

여행자

유럽의 주요 도시들은 매우 효율적인 우편 시스템으로 연결되어 있었습니다. 단순한 평신도는 그것을 자유롭게 사용할 수 있습니다 ... 그의 편지를 읽는 것을 두려워하지 않는다면. 우편물을 조직한 당국은 도시와 국가 간의 통신 구축만큼이나 스파이 활동에도 관심을 가졌습니다. 끔찍한 도로 상태에도 불구하고 차량 수는 증가했습니다. 순례의 물결은 전례없는 높이에 이르렀고 순례자의 흐름이 가라 앉기 시작했을 때 무역이 활발히 발전했기 때문에 상인이 대신했습니다. 국가 공무원은 어디에나 있었고 행진하는 군인 부츠의 부랑자는 1 분 동안 가라 앉지 않았습니다. 비즈니스를 위해 이동하는 여행자는 더 이상 드물지 않습니다. 불안한 에라스무스와 같은 사람들은 장소와 생계 수단을 찾기 위해 한 과학 센터에서 다른 과학 센터로 이동했습니다. 일부는 여행을 즐거움과 결합된 교육의 수단으로 보기도 했습니다. 이탈리아에서는 호기심 많은 사람들에게 흥미로운 장소를 방문하도록 추천하는 새로운 지역 역사 작가 학교가 생겼습니다. 많은 사람들이 말을 타고 여행했지만 Kotz 또는 Kosice(헝가리)에서 처음 발명되었다는 소문이 있는 마차가 이미 나타나기 시작했습니다(그림 65 참조).

쌀. 65. 독일 마차 1563. 장거리 여행에는 최소 4마리의 말이 필요합니다.

이 객차의 대부분은 전시용으로 제작되었으며 매우 불편했습니다. 시신은 이론적으로는 스프링 역할을 하도록 되어 있는 벨트에 매달렸지만 실제로는 일련의 역겨운 잠수와 그네로 여행을 돌렸습니다. 평균 속도는 도로 상태에 따라 하루에 20마일이었습니다. 두꺼운 겨울 진창을 통해 마차를 끌려면 적어도 여섯 마리의 말이 필요했습니다. 그들은 도중에 자주 마주치는 충돌에 매우 민감했습니다. 독일에 도착하면 한 번에 세 대의 마차가 떨어지는 그런 움푹 들어간 곳이 형성되어 불행한 농민 한 사람의 목숨을 앗아갔습니다.

로마의 도로는 여전히 유럽의 주요 동맥이었지만 그 화려함도 농민들의 약탈을 막을 수는 없었습니다. 헛간이나 헛간, 심지어 집을 짓는 데 재료가 필요할 때 습관적으로 준비가 된 마을 사람들은 이미 다듬은 돌의 큰 저장고로 향했습니다. 노면의 상층을 제거하자마자 날씨와 교통이 나머지를 완성했습니다. 몇몇 지역에서는 도시 밖의 도로를 보존하고 유지하라는 명령이 내려졌습니다. 영국에서는 수리를 위해 갑자기 점토가 필요하게 된 제분업자가 가로 10피트, 깊이 8피트의 구멍을 파고 그것을 버렸습니다. 빗물로 가득 찬 구덩이에 여행자가 빠져 익사했습니다. 방앗간 주인은 책임을 묻자 자신은 아무도 죽일 생각이 없으며 단순히 흙을 구할 곳이 없다고 말했습니다. 그는 구금에서 풀려났습니다. 그러나 고대 관습은 최소 너비의 도로를 만들기 위해 규정되었습니다. 한 곳에서는 두 개의 수레가 서로 지나갈 수 있도록 허용하고 다른 곳에서는 창을 들고 기사를 지나갈 수 있도록해야했습니다. 로마 도로가 숲을 통과하는 프랑스에서는 고가의 화물 운송이 증가함에 따라 점점 더 많아지는 산적에 대한 예방 조치로 폭을 20피트에서 약 78피트로 늘렸습니다. 현명한 사람은 항상 회사를 다니고 모두가 무장했습니다. 고독한 여행자는 의심의 대상이었으며, 그가 이 지역에 머무는 합당한 이유를 밝히지 않으면 결국 지역 감옥에 수감될 수 있었습니다.

유리한 상황에서도 유럽 전역을 여행하는 데는 몇 주가 걸릴 수 있습니다. 따라서 길가 호텔-여관 (그림 66 참조)은 이러한 중요성을 얻었습니다.

쌀. 66. 집 교원 휴게실길가 호텔

최대 200마리의 말이 마굿간에 수용된 파도바의 유명한 Bull Hotel과 같은 대규모 시설일 수도 있고, 부주의하고 순진한 사람들을 위한 작고 악취가 나는 선술집일 수도 있습니다. 오스트리아에서는 여관 주인이 체포되었는데, 입증된 바와 같이 수년에 걸쳐 185명 이상의 손님을 죽이고 상당한 부를 축적했습니다. 그러나 대부분의 동시대인들은 상당히 친근한 그림을 그립니다. 첫 번째 가이드북에서 William Caxton이 묘사한 멋진 여인은 길에서 지친 하루를 보낸 후 여행자에게 즐거운 인상을 주기로 되어 있었습니다. Caxton은 1483년에 그의 책을 인쇄했습니다.

무엇보다도 그녀는 단일 언어를 사용하는 동포들에게 도시를 벗어나 말을 고용하고 밤에 숙소를 구하는 방법을 문의하기에 충분한 프랑스어 구를 제공했습니다. 거기에 인용된 호텔에서의 대화는 유익하다기보다는 정중하지만 유럽의 모든 도시에서 매일 저녁 어떤 상황이 반복되었는지를 보여준다.

“신의 축복을 빕니다, 아가씨.

- 어서오세요.

– 여기에서 침대를 얻을 수 있습니까?

-네, 좋고 깨끗합니다. [비록] 당신이 12 명이 있어도.

아니요, 우리는 셋입니다. 여기서 먹을 수 있나요?

-네, 많이 감사합니다.

"우리에게 음식을 가져다주고 말에게 건초를 주고 짚으로 말을 잘 말리십시오."

여행자들은 먹고 계산서를 신중하게 확인하고 아침 계산에 비용을 추가하도록 요청했습니다. 그런 다음 다음과 같습니다.

“우리를 침대로 데려가십시오. 우리는 피곤합니다.

“Jeanette, 촛불을 켜고 위층 방으로 안내하십시오. 뜨거운 물을 가져다가 발을 씻게 하고 깃털 침상을 덮으소서.”

대화로 판단하면 일류 호텔입니다. 여행자는 테이블에서 저녁 식사를 제공받으며 이것이 관습 이었지만 분명히 음식을 가져 오지 않았습니다. 그들은 양초와 함께 침대로 안내되고 따뜻한 물이 제공됩니다. 아마도 운이 좋다면 각자 침대를 구하고 낯선 사람과 함께 사용하지 않을 수도 있습니다. 그러나 손님에게 엔터테인먼트를 제공하는 고급 호텔이든 성벽 근처의 단순한 오두막이든 여행자는 악천후와 야생 동물뿐만 아니라 동료로부터도 보호하면서 몇 시간 동안 휴식을 취할 수 있습니다. 인간.

15세기 초 이탈리아의 생활과 문화에는 엄청난 변화가 있었습니다. 12세기부터 이탈리아의 마을 사람들, 상인, 장인들은 봉건적 의존에 맞서 영웅적인 투쟁을 벌였습니다. 무역과 생산을 발전시키면서 마을 사람들은 점차 더 부유해지고 봉건 영주의 권력을 버리고 자유 도시 국가를 조직했습니다. 이 무료 이탈리아 도시는 매우 강력해졌습니다. 그들의 시민들은 그들의 정복을 자랑스럽게 여겼습니다. 독립적인 이탈리아 도시들의 막대한 부는 그들을 번성하게 만들었습니다. 이탈리아 부르주아지는 다른 눈으로 세상을 바라보고 자신과 자신의 힘을 굳게 믿었습니다. 그들은 지금까지 그들에게 설교되었던 모든 지상의 기쁨에 대한 고통, 겸손, 거부에 대한 열망에 대해 이질적이었습니다. 삶의 기쁨을 누리는 지상인에 대한 존경심이 커졌습니다. 사람들은 삶에 적극적인 태도를 취하고 열심히 세상을 탐험하며 그 아름다움에 감탄하기 시작했습니다. 이 기간 동안 다양한 과학이 탄생하고 예술이 발전합니다.

이탈리아에서는 고대 로마 예술의 많은 기념물이 보존되어 고대 시대가 다시 모델로 숭배되었고 고대 예술은 감탄의 대상이되었습니다. 고대를 모방하고 예술에서 이 시기를 부르는 이유를 제시했습니다. 갱생이는 프랑스어로 "르네상스". 물론 이것은 고대 예술의 맹목적이고 정확한 반복이 아니라 이미 새로운 예술이지만 고대 모델을 기반으로합니다. 이탈리아 르네상스는 3단계로 나뉜다: VIII - XIV 세기 - 르네상스 이전(프로토 르네상스 또는 트레센토- 그것으로.); XV 세기 - 초기 르네상스 (Quattrocento); 15세기 말~16세기 초~ 높은 르네상스.

고고 학적 발굴은 고대 기념물을 찾기 위해 이탈리아 전역에서 수행되었습니다. 새로 발견된 조각상, 동전, 도구, 무기는 이를 위해 특별히 만들어진 박물관에서 조심스럽게 보존되고 수집되었습니다. 예술가들은 이러한 고대 샘플을 연구하고 삶에서 그렸습니다.

Trecento (르네상스 이전)

르네상스의 진정한 시작은 이름과 관련이 있습니다. 조토 디 본도네(1266? - 1337). 그는 르네상스 회화의 창시자로 간주됩니다. 피렌체 지오토는 예술사에 큰 공헌을 했습니다. 그는 중세 이후 모든 유럽 회화의 조상이자 갱신자였습니다. Giotto는 복음 장면에 생명을 불어 넣고 실제 사람들의 이미지를 만들었으며 영적이지만 세속적이었습니다.

Giotto는 처음으로 chiaroscuro의 도움으로 볼륨을 만듭니다. 그는 분홍색, 펄 그레이, 옅은 보라색, 밝은 라일락과 같은 차가운 색조의 깨끗하고 밝은 색상을 좋아합니다. Giotto의 프레스코 화에 나오는 사람들은 발걸음이 무겁고 땅딸막합니다. 그들은 큰 얼굴 특징, 넓은 광대뼈, 좁은 눈을 가지고 있습니다. 그의 남자는 친절하고 사려 깊고 진지합니다.

Giotto의 작품 중에서 Padua 사원의 프레스코 화가 가장 잘 보존되어 있습니다. 그는 여기에서 복음 이야기를 기존의 지상적이고 실제적인 것으로 제시했습니다. 이 작품에서 그는 친절과 상호 이해,기만과 배신, 깊이, 슬픔, 온유, 겸손, 영원한 모성애에 대해 항상 사람들과 관련된 문제에 대해 이야기합니다.

중세 그림에서와 같이 이질적인 개별 인물 대신 Giotto는 등장 인물의 복잡한 내면 생활에 대한 전체 이야기 인 일관된 이야기를 만들었습니다. 비잔틴 모자이크의 전통적인 황금색 배경 대신 Giotto는 풍경 배경을 도입합니다. 그리고 비잔틴 그림에서 인물이 공중에 떠 있고 공중에 매달려 있다면 Giotto의 프레스코 화의 영웅은 발 아래에서 단단한 땅을 찾았습니다. 공간 이동, 인물의 가소성, 움직임의 표현력에 대한 Giotto의 탐색은 그의 예술을 르네상스의 전체 무대로 만들었습니다.

중 하나 유명한 거장부흥 이전 -

시모네 마티니(1284~1344).

그의 그림에서 북부 고딕의 특징이 보존되었습니다. Martini의 인물은 길쭉하고 일반적으로 황금색 배경에 있습니다. 그러나 Martini는 chiaroscuro의 도움으로 이미지를 만들고 자연스러운 움직임을 제공하며 특정 심리적 상태를 전달하려고 시도합니다.

Quattrocento (초기 르네상스)

고대는 초기 르네상스의 세속 문화 형성에 큰 역할을 했습니다. Platonic Academy가 플로렌스에서 열리고 Laurentian 도서관에는 가장 풍부한 고대 사본 컬렉션이 있습니다. 첫번째 미술관조각상, 고대 건축물 조각, 대리석, 동전, 도자기로 가득 차 있습니다. 르네상스 시대에는 피렌체, 로마, 베니스와 같은 이탈리아 예술 생활의 주요 중심지가 두드러졌습니다.

중 하나 주요 센터피렌체는 새롭고 사실적인 예술의 발상지였습니다. 15세기에는 많은 유명한 르네상스 거장들이 그곳에서 거주하고 공부하고 일했습니다.

초기 르네상스 건축

피렌체 주민들은 예술 문화가 높았고 도시 기념물 제작에 적극적으로 참여했으며 아름다운 건물 건설 옵션에 대해 논의했습니다. 건축가들은 고딕 양식을 닮은 모든 것을 버렸습니다. 고대의 영향으로 돔으로 장식 된 건물이 가장 완벽한 것으로 간주되기 시작했습니다. 여기서 모델은 로마 판테온이었습니다.

피렌체는 세계에서 가장 아름다운 도시 중 하나인 도시 박물관입니다. 그것은 거의 온전한 고대 건축물을 보존하고 있으며 가장 아름다운 건물은 대부분 르네상스 시대에 지어졌습니다. 피렌체 고대 건물의 붉은 벽돌 지붕 위로 도시 대성당의 거대한 건물이 솟아 있습니다. 산타 마리아 델 피오레, 종종 단순히 피렌체 대성당이라고합니다. 높이는 107m에 이릅니다. 흰 돌 갈비뼈로 조화를 이루는 웅장한 돔이 대성당을 장식합니다. 돔은 크기가 놀랍고 (지름은 43m) 도시의 전체 파노라마를 장식합니다. 대성당은 플로렌스의 거의 모든 거리에서 볼 수 있으며 분명히 하늘을 향해 어렴풋이 어렴풋이 보입니다. 이 웅장한 건축물은 건축가에 의해 지어졌습니다.

필리포 브루넬레스키(1377~1446).

르네상스 시대의 가장 웅장하고 유명한 돔형 건물은 로마의 성 베드로 대성당. 100년 넘게 지어졌습니다. 원래 프로젝트의 제작자는 건축가였습니다. 브라만테와 미켈란젤로.

르네상스 건물은 기둥, 벽기둥, 사자 머리 및 "푸티"(벌거 벗은 아기), 꽃과 과일의 석고 화환, 잎 및 많은 세부 사항, 고대 로마 건물의 폐허에서 샘플이 발견되었습니다. 다시 패션으로 반원형 아치.부유한 사람들은 더 아름답고 더 편안한 집을 짓기 시작했습니다. 집들이 서로 밀착되는 대신 고급스러워 보였어요 궁전 - 궁전.

초기 르네상스 조각

15세기에 두 명의 유명한 조각가가 피렌체에서 일했습니다. 도나텔로와 베로키오.도나텔로(1386? - 1466)-고대 예술의 경험을 사용한 이탈리아 최초의 조각가 중 한 명. 그는 초기 르네상스의 가장 훌륭한 작품 중 하나인 다윗의 동상을 만들었습니다.

성경의 전설에 따르면 단순한 목자였던 청년 다윗은 거인 골리앗을 무찌르고 유대 주민들을 노예 상태에서 구하고 나중에 왕이되었습니다. David는 르네상스의 가장 좋아하는 이미지 중 하나였습니다. 그는 조각가에 의해 성경에 나오는 겸손한 성인이 아니라 젊은 영웅, 우승자, 고향 도시의 수비수. 그의 조각품에서 Donatello는 인간을 르네상스 시대에 등장한 아름다운 영웅적 인격의 이상으로 노래합니다. David는 승자의 월계관으로 왕관을 씁니다. Donatello는 단순한 기원의 표시 인 양치기 모자와 같은 세부 사항을 소개하는 것을 두려워하지 않았습니다. 중세 시대에 교회는 알몸을 악의 그릇으로 간주하여 묘사하는 것을 금지했습니다. Donatello는 이 금지 사항을 용감하게 위반한 최초의 마스터였습니다. 그는 이것으로 인체가 아름답다는 것을 주장한다. 다윗상은 그 시대 최초의 원형 조각상이다.

Donatello의 또 다른 아름다운 조각품도 알려져 있습니다. 전사 동상입니다. , Gattamelata의 사령관.르네상스 최초의 기마 기념물이었습니다. 500년 전에 만들어진 이 기념물은 여전히 ​​높은 받침대 위에 서서 파도바 시의 광장을 장식하고 있습니다. 처음으로 신도 성인도 아니고 고귀하고 부자가 아니라 조각품에서 불멸의 존재가 아니라 위대한 업적으로 명성을 얻을 자격이있는 위대한 영혼을 가진 고귀하고 용감하며 강력한 전사였습니다. 골동품 갑옷을 입은 Gattemelata ( "점박이 고양이"를 의미하는 그의 별명)는 조용하고 장엄한 자세로 강력한 말에 앉아 있습니다. 전사의 얼굴 특징은 단호하고 확고한 성격을 강조합니다.

안드레아 베로키오(1436 -1488)

San Giovanni 교회 근처 광장에 베니스에 배치 된 condottiere Colleoni에 대한 유명한 승마 기념물을 만든 Donatello의 가장 유명한 학생. 기념비에서 가장 중요한 것은 말과 기수의 공동 에너지 운동입니다. 말은 그대로 기념비가 세워진 대리석 받침대 너머로 돌진합니다. 등자에 서있는 Colleoni는 몸을 쭉 뻗고 머리를 높이 들고 먼 곳을 응시했습니다. 분노와 긴장의 찡그린 얼굴이 그의 얼굴에 얼었다. 그의 자세에서 느낄 수 있는 위대한 의지, 얼굴은 맹금류와 비슷합니다. 이미지는 파괴 불가능한 힘, 에너지, 가혹한 권위로 가득 차 있습니다.

초기 르네상스 회화

르네상스는 또한 회화의 예술을 업데이트했습니다. 화가는 공간, 빛과 그림자, 자연스러운 포즈, 다양한 인간의 감정을 올바르게 전달하는 법을 배웠습니다. 이러한 지식과 기술이 축적된 시기가 초기 르네상스였다. 그 당시의 그림에는 가볍고 높은 영혼이 담겨 있습니다. 배경은 종종 밝은 색상으로 칠해지는 반면 건물과 자연 모티프는 날카로운 선으로 윤곽이 그려져 있으며 순수한 색상이 우세합니다. 순진한 근면함으로 이벤트의 모든 세부 사항이 묘사되며 캐릭터는 가장 자주 정렬되고 명확한 윤곽으로 배경과 분리됩니다.

르네상스 초기의 그림은 완벽함만을 추구했지만 그 진정성 덕분에 보는 이의 영혼을 감동시킨다.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, 이름으로 알려진 마사초(1401~1428)

그는 Giotto의 추종자이자 초기 르네상스 회화의 첫 번째 거장으로 간주됩니다. Masaccio는 28세밖에 살지 못했지만 짧은 생애 동안 예술에 과대 평가하기 어려운 족적을 남겼습니다. 그는 Giotto가 시작한 회화의 혁명적 변화를 완성했습니다. 그의 그림은 어둡고 깊은 색으로 구별됩니다. Masaccio의 프레스코 화에 나오는 사람들은 고딕 시대의 그림보다 훨씬 더 조밀하고 강력합니다.

Masaccio는 원근법을 고려하여 공간에서 물체를 올바르게 배열한 최초의 사람입니다. 그는 해부학 법칙에 따라 사람들을 묘사하기 시작했습니다.

그는 인물과 풍경을 하나의 행동으로 연결하여 자연과 사람의 삶을 극적이고 동시에 매우 자연스러운 방식으로 전달하는 방법을 알고 있었으며 이것이 화가의 큰 장점입니다.

이것은 1426년 마사초가 피사의 산타 마리아 델 카르미네 교회 예배당을 위해 의뢰한 몇 안 되는 이젤 작품 중 하나입니다.

마돈나는 조토의 관점의 법칙에 따라 엄격하게 만들어진 왕좌에 앉아 있습니다. 그녀의 모습은 자신감 있고 명확한 획으로 쓰여져 조각 같은 볼륨의 인상을 줍니다. 그녀의 얼굴은 차분하고 슬프고, 그녀의 시선은 아무데도 향하지 않습니다. 암청색 외투를 두른 성모 마리아는 아기를 품에 안고 있으며, 어두운 배경에 황금빛 모습이 뚜렷하게 돋보입니다. 망토의 깊은 주름은 아티스트가 chiaroscuro를 가지고 놀 수 있게 해주며, 이는 또한 특별한 시각 효과를 만들어냅니다. 아기는 친교의 상징인 검은 포도를 먹습니다. 마돈나를 둘러싼 완벽하게 그려진 천사들(예술가는 인체 해부학을 완벽하게 알고 있음)은 그림에 추가적인 감정적 사운드를 제공합니다.

양면 삼부작을 위해 Masaccio가 그린 유일한 띠. 화가가 일찍 세상을 떠난 후 로마의 산타 마리아 교회를 위해 교황 마르틴 5세가 의뢰한 나머지 작품은 화가 마솔리노가 완성했습니다. 그것은 온통 붉은 옷을 입은 두 명의 엄격하고 기념비적으로 처형된 성도들의 모습을 묘사합니다. Jerome은 펼쳐진 책과 바실리카 모형을 들고 있으며 사자가 그의 발치에 누워 있습니다. 세례 요한은 평소의 모습으로 묘사됩니다. 그는 맨발로 손에 십자가를 들고 있습니다. 두 그림 모두 해부학적 정확성과 조각에 가까운 양감이 인상적입니다.

사람에 대한 관심, 그의 아름다움에 대한 감탄은 르네상스 시대에 너무 커서 그림의 새로운 장르 인 초상화 장르가 등장했습니다.

Pinturicchio (Pinturicchio의 변형) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

이탈리아 페루자 출신. 얼마 동안 그는 미니어처를 그렸고 Pietro Perugino가 프레스코 화로 로마의 시스틴 예배당을 장식하는 것을 도왔습니다. 가장 복잡한 형태의 장식적이고 기념비적인 벽화에 대한 경험을 쌓았습니다. 몇 년 후 Pinturicchio는 독립적인 벽화가가 되었습니다. 그는 바티칸의 보르지아 아파트에서 프레스코화 작업을 했습니다. 그는 시에나 대성당의 도서관에 벽화를 그렸습니다.

작가는 초상화의 유사성을 전달하는 것뿐만 아니라 사람의 내면을 드러내고자 한다. 우리 앞에는 머리에 작은 파란색 모자를 쓰고 엄격한 분홍색 타운 드레스를 입은 십대 소년이 있습니다. 갈색 머리가 어깨까지 내려와 섬세한 얼굴을 감싸고 있으며, 갈색 눈의 세심한 시선은 사려 깊고 약간 불안합니다. 소년 뒤에는 얇은 나무, 은빛 강, 수평선에서 분홍색으로 변하는 하늘이 있는 움브리아 풍경이 있습니다. 영웅 캐릭터의 메아리 인 자연의 봄 부드러움은 영웅의시와 매력과 조화를 이룹니다.

소년의 이미지는 전경에 크고 그림의 거의 전체 평면을 차지하며 풍경은 배경에 그려져 매우 작습니다. 이것은 사람의 중요성, 그의 지배력에 대한 인상을 만듭니다. 주변 자연, 인간이 지구상에서 가장 아름다운 창조물이라고 주장합니다.

여기에서 Kapranik 추기경이 1431 년부터 1449 년까지 거의 18 년 동안 바젤에서 처음으로, 그다음에는 로잔에서 바젤 대성당으로 엄숙하게 출발했습니다. 젊은 Piccolomini도 추기경의 후계자였습니다. 반원형 아치의 우아한 프레임에는 페이지와 하인과 함께 기병 그룹이 표시됩니다. 그 행사는 그렇게 현실적이고 믿을만하지는 않지만 기사도적으로 세련되고 거의 환상적입니다. 전경에서 백마를 탄 아름다운 기수가 고급스러운 드레스와 모자를 쓰고 고개를 돌려 보는 사람을 바라보고 있습니다. 이것은 Aeneas Silvio입니다. 기쁨으로 작가는 벨벳 담요에 풍성한 옷과 아름다운 말을 씁니다. 인물의 길쭉한 비율, 약간 예의 바른 움직임, 약간의 머리 기울임은 법원의 이상에 가깝습니다. Pope Pius II의 삶은 밝은 사건으로 가득 차 있었고 Pinturicchio는 황제 Frederick III와 함께 스코틀랜드 왕과 교황의 만남에 대해 말했습니다.

필리포 리피(1406~1469)

Lippi의 삶에 대한 전설이 있습니다. 그 자신은 승려 였지만 수도원을 떠나 방황하는 예술가가되었고 수도원에서 수녀를 납치하고 노년에 사랑에 빠진 젊은 여성의 친척들에게 독살당했습니다.

그는 살아있는 인간의 감정과 경험으로 가득 찬 마돈나와 차일드의 이미지를 그렸습니다. 그의 그림에서 그는 많은 세부 사항을 묘사했습니다. 환경, 그래서 그의 종교적 주제는 세속화와 비슷했습니다.

도메니코 기를란다이오(1449~1494)

그는 종교적 주제뿐만 아니라 피렌체 귀족의 삶, 그들의 부와 사치, 귀족의 초상화도 그렸습니다.

우리 앞에는 예술가의 친구이자 부유한 피렌체의 아내가 있습니다. 별로 아름답지 않고 화려하게 차려입은 이 젊은 여성에게서 작가는 고요함, 고요함과 침묵의 순간을 표현했습니다. 여자의 얼굴 표정은 차갑고 모든 것에 무관심하며 임박한 죽음을 예견하는 것 같습니다. 초상화를 그린 직후 그녀는 죽을 것입니다. 그 당시의 많은 초상화에서 전형적으로 나타나는 여성의 옆모습이 그려져 있습니다.

피에로 델라 프란체스카(1415/1416 - 1492)

15세기 이탈리아 회화에서 가장 중요한 이름 중 하나. 그는 그림 같은 공간의 원근법을 구성하는 방식에서 수많은 변형을 완성했다.

그림은 계란 온도의 포플러 판에 그려졌습니다. 분명히 이때까지 예술가는 그의 후기 작품을 그릴 기술로 유화의 비밀을 아직 마스터하지 않았습니다.

예술가는 그리스도의 세례 당시 성 삼위 일체의 신비의 현현을 포착했습니다. 그리스도의 머리 위로 날개를 펼친 흰 비둘기는 구세주에 대한 성령의 강림을 상징합니다. 그리스도, 세례 요한, 그 옆에 서있는 천사들의 모습은 절제된 색으로 칠해져 있습니다.
그의 프레스코 화는 엄숙하고 숭고하며 장엄합니다. 프란체스카는 인간의 높은 운명을 믿었고 그의 작품에서 사람들은 항상 놀라운 일을 합니다. 그는 미묘하고 부드러운 색상 전환을 사용했습니다. Francesca는 en plein air (in the air)를 처음으로 그렸습니다.

생성 문제 이상적인 도시, 오늘날의 관련성에도 불구하고 먼 르네상스 시대 (XIV-XVI 세기)에 특히 심각했습니다. 인간 중심주의 철학의 프리즘을 통해 이 주제는 이 시대의 도시 계획 예술에서 선도적인 주제가 됩니다. 행복, 사랑, 사치, 편안함, 편리함에 대한 욕구를 가진 사람은 자신의 생각과 아이디어를 가지고 그 시간의 척도가 되고 부활한 고대 정신의 상징이 되며 대문자로 바로 이 사람을 노래하도록 부름 받았습니다. 그는 르네상스의 창조적 사고를 도시 형성 문제에 대한 독특하고 때로는 유토피아적이며 건축학적, 철학적 해결책을 찾는 방향으로 옮깁니다. 후자는 새로운 역할을 시작하며, 사람의 전 생애가 지나가는 자연과는 다른 울타리가 있고 서로 연결된 폐쇄 된 전체 공간으로 인식됩니다.

이 공간에서는 사람의 육체적, 심미적 요구와 욕구가 충분히 고려되어야 하며, 편안함과 안전과 같은 도시에서의 인간 체류 측면이 충분히 고려되어야 합니다. 새로운 화기는 중세 석조 요새를 무방비 상태로 만들었습니다. 예를 들어, 이것은 도시 주변을 따라 흙 요새가있는 벽의 모양을 미리 결정하고 기괴한 별 모양의 도시 요새 라인으로 보일 것입니다. 생활하기에 가장 편리하고 안전한 도시인 "이상적인 도시"에 대한 일반적인 부흥주의 아이디어가 형성되고 있습니다. 요컨대, 그러한 경향은 현대 건축가에게 낯설지 않지만 르네상스는 창조자의 마음에 새로운 생명의 숨결, 새로운 개척지를 표시하여 특정 미지의 것을 확립했습니다. 초기 기준, 표준 및 고정 관념, 그 결과는 오늘날 이상적인 도시를 찾는 데 느껴집니다.

이 맥락에서 첫 번째 연구는 Julius Caesar 군대의 건축가이자 엔지니어 인 Mark Vitruvius (기원전 1 세기 후반)에 의해 수행되었습니다. 그의 논문 Ten Books on Architecture에서 Vitruvius는 황금 평균의 문제를 제기했습니다. 이론과 실제 사이에서 미학의 기본 개념, 건물과 사람의 비례를 설명했으며 역사상 처음으로 건물의 음악적 음향 문제를 조사했습니다.

Vitruvius 자신은 이상적인 도시의 이미지를 남기지 않았지만 이것은 종종 언급되는 것처럼 르네상스 자체가 시작된 그의 아이디어의 많은 연구자와 후계자에 의해 수행되었습니다.

그러나 이상적인 도시에 대한 주장, 그 개념은 고대 그리스 철학자의 논문에서 비롯되었으므로 잠시 동안 우리가 고려하는 것보다 다소 이른 시대 인 고대로 돌아갈 가치가 있습니다.

Sportsinda - 전형적인 주택 아치. Filarete(레오나르도 다빈치의 그림)

고대 그리스의 수도인 아테네에 도시 국가를 건설하는 수세기에 걸친 과정은 고대의 가장 큰 두 철학자인 플라톤(기원전 428-348년)과 아리스토텔레스(기원전 384-322년)의 저술에 요약되어 있습니다.

따라서 당시의 귀족계와 관련된 이상주의 철학자 플라톤은 엄격하게 규제된 규율의 신봉자였습니다. 상태 구조, 이유 없이 그는 또한 왕과 집정관이 통치하는 신화적인 국가 아틀란티스에 대한 이야기를 소유했습니다. 플라톤의 해석에서 아틀란티스는 그의 저서 "국가"와 "법률"에서 논의한 이상적인 도시 국가의 역사적 원형이었습니다.

르네상스 시대로 돌아가 인류 역사상 최초의 진정한 도시 계획 이론가인 레온 바티스타 알베르티(Leon Batista Alberti)에 대해 이야기해보자. . Alberti는 "아름다움은 모든 부분이 속한 부분에 의해 결합된 엄격한 비례 조화이며, 더 나빠지지 않고는 아무것도 더하거나 빼거나 변경할 수 없습니다."라고 썼습니다. 사실, 알베르티는 르네상스 도시 앙상블의 기본 원칙을 처음으로 선포하여 고대 비례감과 새로운 시대의 합리주의적 시작을 연결했습니다. 주어진 건물과 그 앞에 위치한 공간의 높이 비율(1:3에서 1:6), 주 건물과 부 건물의 건축 규모의 일관성, 구성의 균형 및 부재 불협화음 대조 - 이것은 르네상스 도시 계획가의 미적 원칙입니다.

Alberti는 그의 논문 "건축에 관한 열 권의 책"에서 합리적인 계획과 아름다운 이상적인 도시를 그립니다. 모습건물, 거리, 광장. 사람의 전체 생활 환경은 개인, 가족 및 사회 전체의 요구를 충족시키는 방식으로 여기에 배치됩니다.

Bernardo Gambarelli(Rosselino)는 이미 존재하는 아이디어를 선택하여 이상적인 도시의 비전 개발에 기여했으며, 그 결과 오늘날까지 실제로 존재하는 Pienza(1459) 시가 탄생했으며 남아 있는 많은 프로젝트의 요소를 통합했습니다. 종이에 또는 창조적으로 창조자의 의도. 이 도시는 코르시냐노의 중세 정착지가 곧은 거리와 규칙적인 배치를 갖춘 이상적인 르네상스 도시로 변모한 분명한 예입니다.

그의 논문에서 Antonio di Pietro Averlino(Filarete)(c. 1400 - c. 1469)는 이상적인 도시인 Sforzinda에 대한 아이디어를 제공합니다.

도시는 측면이 3.5km 인 두 개의 동일한 사각형이 45 ° 각도로 교차하여 형성된 계획 상 팔각형 별이었습니다. 별의 선반에는 8개의 둥근 탑이 있었고 "주머니"에는 8개의 성문이 있었습니다. 게이트와 타워는 방사형 거리로 중앙에 연결되었으며 그 중 일부는 배송 채널이었습니다. 도시의 중앙 부분, 언덕 위에는 계획상 직사각형의 주요 광장이 있었고 그 짧은 변에는 왕궁그리고 도시 대성당, 그리고 긴 것을 따라-사법 및 도시 기관.

광장 중앙에는 연못과 망루가 있었다. 다른 두 곳은 도시의 가장 저명한 주민들의 집과 함께 중앙 광장에 인접했습니다. 방사형 거리와 순환 거리의 교차점에 16개의 광장이 추가로 배치되었습니다. 쇼핑 광장 8개, 교구 센터 및 교회용 8개입니다.

Pienza는 이탈리아에서 "이상적인" 계획의 원칙을 구현한 유일한 실현된 도시가 아닙니다. 그 당시 이탈리아 자체는 우리가 지금 알고 있는 것처럼 통일된 국가가 아니었고, 많은 분리된 독립 공화국과 공국으로 구성되어 있었습니다. 그러한 각 지역의 머리에는 고귀한 가족이있었습니다. 물론 모든 통치자는 교육을 받고 진보적인 르네상스 사람으로 간주될 수 있는 "이상적인" 도시의 모델을 자신의 주에 갖고 싶어했습니다. 따라서 1492 년 D Este 왕조의 대표 인 Duke Ercole I는 그의 공국의 주요 도시 중 하나 인 Ferrara를 재건하기로 결정했습니다.

구조 조정은 건축가 Biagio Rossetti에게 맡겨졌습니다. 그는 거의 모든 작품에서 드러난 혁신에 대한 사랑뿐만 아니라 폭 넓은 견해로 구별되었습니다. 그는 도시의 오래된 배치를 철저히 연구했고 흥미로운 해결책을 찾았습니다. 그 전에 건축가가 오래된 건물을 철거하거나 처음부터 지었다면 Biagio는 오래된 건물 위에 새로운 도시를 건설하기로 결정했습니다. 그리하여 그는 곧은 거리와 탁 트인 공간으로 르네상스 도시의 개념을 구현함과 동시에 중세 도시의 온전함과 자급자족을 강조하였다. 건축가의 주요 혁신은 공간의 다른 사용이었습니다. 그는 열린 광장과 넓은 거리를 제안하는 일반 도시 계획의 모든 법률을 준수하지 않았습니다. 대신 도시의 중세 부분이 손상되지 않았기 때문에 Biagio는 반대편에서 플레이합니다. 그는 좁은 거리가있는 주요 도로, 어두운 막 다른 골목이있는 밝은 광장, 일반 주민의 낮은 집이있는 큰 공작 주택을 번갈아 가며 사용합니다. 또한 이러한 요소는 서로 모순되지 않습니다. 반대 관점이 ​​직선과 결합되고 실행 라인과 성장하는 볼륨이 서로 모순되지 않습니다.

베네치아의 건축 학자이자 학자인 다니엘레 바르바로(1514-1570)는 생애의 대부분을 비트루비우스의 논문 연구에 바쳤고, 그 결과 "다니엘 바르바로의 주석이 있는 비트루비우스의 건축에 ​​관한 10권의 책"이라는 제목의 저서가 나왔습니다. 이 책에서 고대 건축에 대한 태도는 저자 자신뿐만 아니라 16세기 대부분의 건축가들에 의해 반영되었습니다. 평생 동안 Daniele Barbaro는 논문을 철저히 연구하고 Vetruvius의 아이디어와 그의 비전을 보완하는 개념을 반영하는 이상적인 도시의 계획을 재창조하려고 노력했습니다.

다소 일찍, 르네상스 건축가 체사레 체사리노(Cesare Cesarino)는 1521년에 이상적인 도시에 대한 이론적인 도표를 포함하여 수많은 삽화와 함께 건축 10권에 대한 논평을 발표했습니다.

XVI 세기의 많은 이론가들 중. Andrea Palladio(1508-1580)는 특별한 자리를 차지했습니다. 1570년에 출판된 그의 논문 Four Books on Architecture(이탈리아어: Quattro Libri deHArchitettura)에서 Palladio는 도시에 대한 특별 섹션을 골라내지 않았지만 그의 전체 작업은 본질적으로 이 특정 주제에 전념했습니다. 그는 "도시는 일종의 큰 집일 뿐이고 그 반대의 경우도 마찬가지로 집은 일종의 작은 도시다"라고 말했다.

Palladio는 주거용 건물과 도시 사이에 등호를 두어 도시 유기체의 무결성과 공간 요소의 상호 연결성을 강조했습니다. 그는 도시 유기체의 온전함과 그 공간적 요소들의 관계에 대해 성찰합니다. 그는 도시의 앙상블에 대해 다음과 같이 썼습니다. 논문에서 눈에 띄는 위치는 건물 내부, 치수 및 비율입니다. Palladio는 거리의 외부 공간과 주택 및 안뜰의 내부를 유기적으로 연결하려고 합니다.

XVI 세기 말에. 도시를 포위하는 동안 폭발성 포탄이 달린 포병 무기가 사용되기 시작했습니다. 이로 인해 도시 계획자들은 도시 요새화의 본질을 재고해야 했습니다. 요새 벽과 탑은 도시 경계를 넘어 전진하는 흙 요새로 대체되어 적의 공격을 격퇴하고 도시에 접근하는 적에게 측면 사격을 가할 수 있습니다. 이를 바탕으로 이제부터 강력한 방어 센터에서 도시의 정문으로 바뀌는 성문을 보호할 필요가 없었습니다. 별 모양의 기괴한 형태의 다양한 형태의 이러한 혁신은 Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle의 이상적인 도시 프로젝트에 반영됩니다. , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi, George Vasari Jr. 등

그리고 요새화 된 도시인 Palmanova는 건축가 Vicenzo Scamozzi의 계획에 따라 계획이 9 개의 뾰족한 별 모양을 가지고 있고 거리가 중앙에 위치한 광장. 도시의 영토는 12개의 요새로 둘러싸여 있었고 각 요새는 이웃 요새를 보호하는 방식으로 계획되었으며 4개의 성문이 있으며 두 개의 주요 도로가 직각으로 교차합니다. 교차로에는 궁전, 대성당, 대학 및 도시 기관이 내려다 보이는 중앙 광장이 있습니다. 두 개의 무역 광장은 서쪽과 동쪽에서 중앙 광장에 인접해 있으며, 북쪽에는 거래소 광장이, 남쪽에는 건초와 장작 무역 광장이 있습니다. 도시의 영토는 강을 건너고 그 주변에는 8개의 교구 교회가 있었습니다. 도시의 레이아웃은 규칙적이었습니다. 요새는 해자로 둘러싸여 있었다.

르네상스의 공학적 환경에서 구성, 조화, 아름다움 및 비율에 대한 질문이 부지런히 연구되었습니다. 이러한 이상적인 건축물에서 도시 계획은 합리성, 기하학적 명확성, 중심 구성 및 전체와 부분 간의 조화로 특징지어집니다. 그리고 마지막으로 르네상스 건축이 다른 시대와 구별되는 것은 이 모든 건축의 기초가 되는 중심에 서 있는 사람입니다. 더 많은 도시 이름과 이름이 그 예가 될 수 있습니다. 건축가 Luciano Laurana가 Duke Federico da Montefeltro, Terradel Sole("태양의 도시"), Lombardy의 Vigevano, 발레타(수도 몰타). 후자의 경우, 이 장엄한 성벽 도시는 Marsamxett와 Grand Harbour의 두 깊은 항구 사이에 솟아 있는 Mount Sciberras 반도의 물이 없고 가파른 절벽에서 성장했습니다. 1566년에 설립된 Valletta는 인상적인 보루, 요새 및 대성당과 함께 놀랍도록 짧은 시간인 15년 만에 완전히 지어졌습니다.

일반적인 아이디어, 르네상스의 개념은 17세기의 전환기를 훨씬 넘어서서 흘러나왔습니다. 폭풍우 치는 시내, 다음 세대의 건축가 및 엔지니어를 포함합니다.

많은 현대 건축 프로젝트의 예조차도 수세기 동안 인류에 대한 아이디어와 인간의 안락함의 우위를 잃지 않은 르네상스의 영향을 보여줍니다. 도시의 단순함, 편리함, 다양한 가변적 장치 속에서 도시의 '접근성'은 많은 작품에서 찾아볼 수 있으며, 저마다의 방식으로 따라가는 건축가와 연구자, 그럼에도 불구하고 이미 포장된 길을 걷고 있다. 르네상스의 대가들에 의해 포장되었습니다.

이 기사에서 "이상적인 도시"의 모든 예를 고려한 것은 아닙니다. 그 기원은 아름다운 르네상스 시대의 깊이에서 우리에게로 거슬러 올라갑니다. 일부에서는 민간인의 편의성과 인체 공학에 중점을 둡니다. 방어 작전의 최대 효율성에 관한 기타 사항; 그러나 모든 예에서 우리는 개선에 대한 지칠 줄 모르는 갈망을 관찰하고 결과를 달성하기 위해 사람의 편리함과 편안함을 향한 자신감있는 발걸음을 봅니다. 아이디어, 개념, 어느 정도 르네상스의 열망은 17세기의 전환기를 훨씬 넘어서 흐르고 다음 세대의 건축가와 공학 인물을 포용하면서 폭풍우에 휩싸였습니다.

그리고 현대 건축가의 예는 르네상스 인물의 개념이 다소 수정되었지만 도시 계획 프로젝트에서 인간성에 대한 아이디어와 인간의 안락함을 잃지 않는 영향을 분명히 보여줍니다. 모든 종류의 가변 장치에서 거주자를 위한 도시의 단순성, 편의성, "접근성"은 구현된 다른 많은 작업에서 찾을 수 있으며 결코 종이에 남아 있지 않습니다. 각자 자신의 길을 따라가는 건축가와 연구자들은 모두 하나가 되어 그럼에도 불구하고 르네상스의 거장들이 이미 포장한 포장 도로를 따라 발을 내딛었습니다. , 그리고이 방향의 주요 단계는 먼 XIV 세기에 취해졌습니다.

르네상스의 이상적인 도시의 개념은 사람, 특히 현대인의 실용적인 관점에서 볼 때 모든 유토피아와 불가능성에 대해 그 화려 함에서 완전히 멈추지 않거나 적어도 부분적으로 요소가 주기적으로 작업에 들어갑니다. 낭만적 인 건축가는 어려운 창의적 기술의 완벽을 위해 노력하지 않고 양피지와 원근법보다 더 복잡하고 예측할 수없는 환경에서 인간의 영혼과 의식의 달성 할 수없는 완벽에 이르기까지 완벽합니다.

팔마노바 - 대성당

이탈리아의 르네상스 미술(XIII-XVI 세기).

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이탈리아 르네상스 예술의 특징.

르네상스 예술은 14세기에 시작된 사회적 사고의 경향인 인본주의(라틴어 휴머니즘 - "인간"에서 유래)를 기반으로 발생했습니다. 이탈리아에서, 그리고 15세기 후반과 16세기에. 다른 유럽 국가로 확산. 인본주의는 인간과 그의 선의 최고의 가치를 선포했습니다. 이 추세의 추종자들은 모든 사람이 자신의 능력을 실현하면서 사람으로서 자유롭게 발전할 권리가 있다고 믿었습니다. 휴머니즘 사상은 예술에 가장 완전하고 생생하게 구현되어 있으며, 메인 테마무한한 영적, 창조적 가능성을 가진 아름답고 조화롭게 발전한 사람이 된 사람. 인본주의 자들은 지식의 원천이자 예술적 창의성의 모델이 된 고대로부터 영감을 받았습니다. 끊임없이 자신을 상기시키는 이탈리아의 위대한 과거는 그 당시 최고의 완벽함으로 인식되었지만 중세 예술은 부적절하고 야만적으로 보였습니다. 16세기에 등장한 '부흥'이라는 용어는 고전적인 고대 문화를 되살리는 새로운 예술의 탄생을 의미했다. 그러나 르네상스 미술은 중세 미술 전통에 많은 빚을 지고 있다. 옛것과 새것은 뗄래야 뗄 수 없이 연결되고 대립했다. 그 기원의 모든 모순적인 다양성과 함께 르네상스 예술은 깊고 근본적인 참신함으로 특징지어집니다. 그것은 현대 유럽 문화의 토대를 마련했습니다. 회화와 그래픽, 조각, 건축 등 모든 주요 예술 형식은 엄청나게 변했습니다.
건축에서 창의적으로 재작업된 고대의 원리 주문 시스템 , 새로운 유형의 공공 건물이 등장했습니다. 그림은 선형 및 공중 원근법, 인체의 해부학 및 비율에 대한 지식으로 풍부해졌습니다. 세속적 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 건축 구조물을 장식한 기념비적인 벽화와 함께 그림이 등장했다. 유화가 탄생했습니다.
예술은 아직 공예가 아니었지만 이미 첫 번째 자리를 차지했습니다. 창조적 개성당시 활동이 매우 다양했던 아티스트. 르네상스 거장의 보편적 인 재능은 놀랍습니다. 그들은 종종 건축, 조각 및 회화 분야에서 동시에 일했으며 문학,시 및 철학에 대한 열정을 정확한 과학 연구와 결합했습니다. 창의적으로 풍부한 또는 "르네상스" 성격의 개념은 나중에 일상적인 단어가 되었습니다.
르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다. 그 인지적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고, 자연스러움을 추구함에 있어 소소한 일상에 하강하지 않았다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.
이탈리아의 르네상스 문화 형성은 경제적으로 독립된 도시에서 이루어졌습니다. 르네상스 예술의 부상과 번성에서 교회와 왕관을 쓰지 않은 주권자의 장엄한 궁정-회화, 조각 및 건축 작품의 가장 큰 후원자이자 고객이었던 지배 부유 한 가족이 중요한 역할을했습니다. 르네상스 문화의 주요 중심지는 처음에는 피렌체, 시에나, 피사, 그 다음에는 파도바, 페라라, 제노아, 밀라노, 그리고 15세기 후반에는 부유한 상인 베니스였습니다. XVI 세기에. 로마는 이탈리아 르네상스의 수도가 되었다. 그 이후로 베니스를 제외한 다른 모든 문화 센터는 이전의 중요성을 잃었습니다.
이탈리아 르네상스 시대에는 여러 기간을 구분하는 것이 일반적입니다.

프로토 르네상스 (XIII-XIV 세기 후반),

초기 르네상스(XV 세기),

전성기 르네상스(15세기 후반~16세기 1/3)

후기 르네상스(16세기 후반 2/3).

프로토 르네상스

XIII-XIV 세기의 이탈리아 문화에서. 여전히 강력한 비잔틴과 고딕 전통을 배경으로 새로운 예술의 특징이 나타나기 시작했으며 나중에 르네상스 예술이라고 불립니다. 따라서 역사의이 기간을 불렀습니다. 프로토 르네상스(그리스어 "protos"- "first"에서, 즉 르네상스의 시작을 준비했습니다). 유럽 ​​국가에는 이와 유사한 과도기가 없었습니다. 이탈리아 자체에서 원시 르네상스 예술은 토스카나와 로마에서만 발생하고 발전했습니다.
이탈리아 문화에서는 옛것과 새것의 특징이 서로 얽혀 있었습니다. 중세의 마지막 시인이자 새 시대의 첫 시인인 단테 알리기에리(1265-1321)는 이탈리아 문학 언어를 창안했습니다. 단테가 시작한 일은 14세기의 다른 위대한 피렌체인들, 즉 유럽 서정시의 창시자 프란체스코 페트라르카(1304-1374)와 세계에서 소설(단편 소설) 장르의 창시자 조반니 보카치오(1313-1375)에 의해 계속되었습니다. 문학. 시대의 자부심은 건축가와 조각가 Niccolo와 Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio 및 화가입니다. 지오토 디 본도네 .
건축학
오랫동안 이탈리아 건축은 중세 전통을 따랐으며 주로 많은 수의 고딕 모티프를 사용하여 표현되었습니다. 동시에 이탈리아 고딕 자체는 북유럽의 고딕 건축과 매우 달랐습니다. 그것은 차분한 큰 형태, 심지어 빛, 수평 분할 및 넓은 벽면에 끌렸습니다. 1296년 피렌체에서 공사가 시작되었습니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당. Arnolfo di Cambio는 거대한 돔으로 대성당의 제단을 장식하기를 원했습니다. 그러나 1310년 건축가가 사망한 후 공사가 지연되어 초기 르네상스 시대에 이미 완공되었습니다. 1334 년 Giotto의 디자인에 따라 소위 종탑이라고 불리는 대성당의 종탑 건설이 시작되었습니다. 바닥으로 수평 분할이있는 가느 다란 직사각형 탑과 우아한 고딕 양식의 창문이 있으며 란셋 아치형은 오랫동안 이탈리아 건축에 보존되었습니다.
가장 유명한 도시 궁전 중에는 피렌체의 베키오 궁전(Palazzo della Signoria)이 있습니다. 아르놀포 디 캄비오(Arnolfo di Cambio)가 지었다고 합니다. 그것은 높은 탑이 있는 무거운 정육면체이며, 단단한 돌 녹슬림이 늘어서 있습니다. 3층 건물의 파사드는 반원형 아치에 새겨진 한 쌍의 창문으로 장식되어 있어 건물 전체가 절제된 금욕적인 느낌을 줍니다. 건물은 거친 부피로 광장을 침범하며 구도심의 모습을 정의한다.
조각품
건축과 회화보다 일찍이 예술적 탐색은 조각과 무엇보다도 Niccolò Pisano(1220년경 - 1278년에서 1284년 사이)가 창시한 Pisan 학교에서 윤곽이 잡혔습니다. Niccolo Pisano는 이탈리아 남부 Apulia에서 태어났습니다. 그는 고대 고전 전통의 부흥 정신이 번성했던 남부 학교에서 조각을 공부했다고 믿어집니다. 의심할 여지 없이 Niccolo는 후기 로마와 초기 기독교 석관의 조각 장식을 연구했습니다. 조각가의 가장 초기에 알려진 작품은 육각형 대리석 강단, 피사 (1260)의 세례당을 위해 그에 의해 만들어진-르네상스 조각의 뛰어난 작품이되었으며 그 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 조각가의 주요 업적은 형태에 볼륨과 표현력을 부여했으며 각 이미지에는 신체적 힘이 있다는 것입니다.
니콜로 피사노(Niccolò Pisano)의 작업장에서 그의 아들 조반니 피사노(Giovanni Pisano)와 건축가로도 알려진 아르놀포 디 캄비오(Arnolfo di Cambio) 등 프로토-르네상스 조각의 뛰어난 거장들이 탄생했습니다. Arnolfo di Cambio(약 1245년 - 1310년 이후)는 기념비적인 조각품에 매료되어 그의 인생 관찰을 사용했습니다. 그가 아버지와 아들 Pisano와 함께 한 최고의 작품 중 하나 - 페루자 광장의 분수(1278). 수많은 조각상과 부조로 장식된 Fonte Maggiore는 도시의 자부심이 되었습니다. 동물을 마시거나 포도주 통이나 씻지 않은 접시에 물을 담는 것은 금지되어 있습니다. 시립 박물관은 분수를 위해 Arnolfo di Cambio가 만든 누운 인물 조각을 보존했습니다. 이 수치에서 조각가는 인체 움직임의 모든 풍부함을 전달했습니다.
그림
이탈리아 르네상스 예술에서 벽화는 지배적 인 위치를 차지했습니다. 프레스코 기법으로 제작되었습니다. 물에 준비된 페인트로 그들은 젖은 석고 (실제로 프레스코) 또는 건조한 곳에 썼습니다. 이 기술을 "a secco"(이탈리아어- "dry"에서 번역됨)라고합니다. 석고의 주요 결합제는 석회입니다. 왜냐하면 석회는 건조하는 데 약간의 시간이 걸리며 프레스코 페인팅은 종종 부분적으로 연결 솔기가 있는 부분에서 빠르게 수행되어야 했습니다. XV 세기 후반부터. 프레스코 기술은 세코 그림으로 보완되기 시작했습니다. 후자는 더 느린 작업을 허용하고 부품 마무리를 허용했습니다. 벽화 작업은 석고의 첫 번째 층에 프레스코 화 아래에 적용된 보조 도면 인 sinopia의 생산으로 선행되었습니다. 이 그림은 흑해 연안에 위치한 Sinop시 근처의 점토에서 채굴 된 붉은 황토로 만들어졌습니다. 도시 이름에 따르면 페인트는 Sinop 또는 sinopia라고 불렸고 나중에 그림 자체도 같은 방식으로 호출되기 시작했습니다. Sinopia는 13세기부터 15세기 중반까지 이탈리아 회화에 사용되었습니다. 그러나 모든 화가가 시노피아의 도움을 받은 것은 아닙니다. 예를 들어, 지오토 디 본도네, Proto-Renaissance 시대의 가장 저명한 대표자는 그들없이했습니다. 점차적으로 synopia는 버려졌습니다. XV 세기 중반부터. 골판지는 그림에 널리 사용되었습니다. 종이나 직물에 미래 작업 크기로 만든 준비 그림입니다. 도면의 윤곽선은 석탄 먼지의 도움으로 젖은 석고로 옮겨졌습니다. 윤곽에 뚫린 구멍을 통해 바람을 불어 넣고 날카로운 도구로 석고에 눌렀습니다. 때때로 스케치 스케치의 시노피아는 완성된 기념비적 그림으로 바뀌었고 판지는 독립적인 회화 작품의 가치를 얻었습니다.

새로운 이탈리아 회화 양식의 창시자는 Cimabue(실제로는 Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302)입니다. Cimabue는 엄숙한 제단 그림과 아이콘의 대가로 피렌체에서 유명했습니다. 그의 이미지는 추상성과 정적 특성이 특징입니다. 그리고 Cimabue는 그의 작품에서 비잔틴 전통을 따랐지만 그의 작품에서 그는 지상의 감정을 표현하고 비잔틴 정경의 경직성을 부드럽게하려고 노력했습니다.
Piero Cavallini(1240년에서 1250년 사이 - 약 1330년)는 로마에서 살면서 일했습니다. 그는 Trastevere에 있는 Santa Maria 교회의 모자이크(1291)와 Trastevere에 있는 Santa Cecilia 교회의 프레스코화(1293년경)의 저자입니다. 그의 작품에서 Cavallini는 형식에 볼륨과 유형을 부여했습니다.
Cavallini가 채택하고 이어온 업적 지오토 디 본도네(1266 또는 1267 - 1337), 위대한 예술가프로토 르네상스. Giotto라는 이름은 이탈리아 회화 발전의 전환, 중세 예술적 대포와의 단절 및 13 세기 Italo-Byzantine 예술의 전통과 관련이 있습니다. Giotto의 가장 유명한 작품은 Padua의 Arena Chapel (1304-06)의 그림입니다. 프레스코 화는 명확성, 복잡하지 않은 내러티브, 묘사 된 장면에 활력과 자연 스러움을 부여하는 일상적인 세부 사항의 존재로 구별됩니다. 그 당시 예술을 지배했던 교회 정경을 거부하면서 Giotto는 자신의 캐릭터를 실제 인물과 유사하게 묘사합니다. 균형 잡힌 쪼그리고 앉은 몸, 둥근 (길쭉한 것이 아니라) 얼굴, 정확한 눈 컷 등. 그의 성도는 땅 위에 떠 있지 아니하고 두 발로 그 위에 굳게 섰느니라. 그들은 하늘보다 지상에 대해 더 많이 생각하고 완전히 인간의 감정과 감정을 경험합니다. 이탈리아 회화 역사상 처음으로 그림의 영웅들의 마음 상태가 얼굴 표정, 몸짓, 자세로 전달됩니다. 전통적인 황금색 배경 대신 Giotto의 프레스코화는 풍경, 인테리어 또는 바실리카 정면의 조각 그룹을 묘사합니다.
XIV 세기 후반. 그림 같은 시에나 학교가 전면에 등장합니다. XIV 세기 Sienese 회화의 가장 크고 가장 세련된 거장. Simone Martini(c. 1284-1344)였습니다. 시몬 마티니의 붓은 콘크리트의 예술사에서 최초의 이미지를 소유하고 있습니다. 역사적 사건현대인의 초상화와 함께. 이 사진 " 콘도티에르 귀도리치오 다 폴리아노"Palazzo Publico(시에나)의 Mappamondo(세계 지도) 방에서 미래의 수많은 승마 초상화의 원형이 되었습니다. 현재 피렌체의 우피치 미술관에 소장되어 있는 시모네 마르티니의 제단화 The Annunciation은 명성이 자자합니다.

르네상스의 특징. 프로토 르네상스

르네상스의 특징

초기 르네상스

XV 세기에. 이탈리아의 예술은 유럽의 예술 생활에서 지배적인 위치를 차지했습니다. 인본주의적 세속적(즉, 교회적이지 않은) 문화의 토대는 피렌체에 놓여 시에나와 피사를 배경으로 밀어붙였습니다. 여기에서 정치 권력은 상인과 장인에게 속했으며 도시 문제에 대한 가장 강력한 영향력은 끊임없이 서로 경쟁하는 여러 부유 한 가족이 행사했습니다. 이 투쟁은 14세기 말에 끝났다. 메디치 은행가의 승리. 그 머리인 Cosimo de' Medici는 플로렌스의 무언의 통치자가 되었습니다. 작가, 시인, 과학자, 건축가, 예술가들이 Cosimo Medici의 궁정으로 몰려들었습니다. 피렌체의 르네상스 문화는 장엄한 별명을 가진 Lorenzo de' Medici에 의해 절정에 이르렀습니다. Lorenzo는 예술과 과학의 위대한 후원자이자 Platonic Academy의 창시자였으며 이탈리아의 뛰어난 정신, 시인 및 철학자가 모여 정신과 마음을 고양시키는 세련된 토론이 열렸습니다.

건축학

Cosimo와 Lorenzo Medici 아래에서 피렌체 건축에 진정한 혁명이 일어났습니다. 여기에서 광범위한 건설이 시작되어 도시의 모습을 크게 바 꾸었습니다. 이탈리아 르네상스 건축의 조상은 필리포 브루넬레스키(1377-1446) - 과학적 관점 이론의 창시자 중 한 명인 건축가, 조각가 및 과학자. 브루넬레스키의 가장 큰 공학적 업적은 돔 건설이었습니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당피렌체에서. 그의 수학적, 기술적 천재성 덕분에 브루넬레스키는 당시 가장 어려운 문제를 해결했습니다. 마스터가 직면한 가장 큰 어려움은 중간 십자가의 거대한 스팬(42m)으로 인해 확산을 용이하게 하기 위해 특별한 노력이 필요했습니다. Brunelleschi는 독창적인 디자인을 적용하여 문제를 해결했습니다. 두 개의 쉘로 구성된 가벼운 속이 빈 돔, 이를 둘러싸는 링으로 연결된 8개의 베어링 리브로 구성된 프레임 시스템, 아치를 닫고 로드하는 가벼운 랜턴입니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당의 돔은 이탈리아와 다른 유럽 국가에 있는 수많은 돔 교회의 전신이 되었습니다.

브루넬레스키는 이탈리아 건축에서 고대 질서 체계를 창의적으로 이해하고 원래 해석한 최초의 사람 중 하나였습니다. 오스페달레 델리 이노첸티 (Foundlings Shelter), 1421-44), 고대 질서에 기반한 돔형 교회 창조의 시작을 표시했습니다. 산 로렌조 교회 ). 초기 르네상스의 진정한 보석은 부유한 피렌체 가문의 의뢰를 받아 브루넬레스키가 만들었습니다. 파찌 채플(1429년에 시작). 브루넬레스키 작품의 휴머니즘과 시, 건물의 조화로운 비율, 가벼움 및 우아함, 고딕 양식의 전통과의 접촉, 그의 아이디어의 창의적 자유 및 과학적 타당성은 이후 르네상스 건축의 발전에 브루넬레스키의 큰 영향을 결정했습니다.

XV 세기 이탈리아 건축의 주요 업적 중 하나입니다. 후대의 공공 건물의 모델이 된 새로운 유형의 도시 궁전인 팔라조(Palazzo)가 탄생한 것입니다. 15세기 궁전의 특징 건물의 닫힌 볼륨을 3층으로 명확하게 구분하고, 여름용 바닥 아케이드가 있는 개방형 안뜰, 정면 클래딩을 위한 녹(대략 비스듬하거나 볼록한 전면이 있는 돌) 사용, 강하게 확장된 장식 처마 장식 . 이 스타일의 두드러진 예는 메디치 가문의 궁정 건축가인 브루넬레스키의 학생 미켈로초 디 바르톨로메오(1396-1472)의 수도 건설입니다. 메디치 궁전 - 리카르디 (1444-60), 많은 피렌체 궁전 건축의 모델이되었습니다. Michelozzo의 탄생이 가까워졌습니다. 팔라조 스트로치(1481년 설립), 건축가이자 조각가인 Benedetto da Maiano(1442-97)의 이름과 관련이 있습니다.

이탈리아 건축사에서 특별한 장소는 레온 바티스타 알베르티(1404-72). 포괄적인 재능과 폭넓은 교육을 받은 그는 당시 가장 뛰어난 인문주의자 중 한 사람이었습니다. 그의 관심사의 범위는 유난히 다양했습니다. 그것은 도덕과 법, 수학, 역학, 경제학, 철학, 시, 음악, 회화, 조각, 건축을 다루었습니다. 뛰어난 스타일리스트인 Alberti는 라틴어와 이탈리아어로 수많은 작품을 남겼습니다. 이탈리아와 해외에서 Alberti는 뛰어난 예술 이론가라는 명성을 얻었습니다. 유명한 논문 "건축에 관한 열 권의 책"(1449-52), "그림에 관한", "조각상에 관한"(1435-36)은 그의 펜에 속합니다. 그러나 건축은 Alberti의 주요 직업이었습니다. 건축 작업에서 Alberti는 고대 예술 유산을 혁신적으로 사용하여 대담하고 실험적인 솔루션에 끌렸습니다. 알베르티 생성 새로운 유형도시 궁전 ( 팔라쪼 루첼라이 ). 웅장함과 단순함을 추구하는 종교 건축에서 알베르티는 정면 디자인에 로마 개선문과 아케이드의 모티프를 사용했습니다. 산탄드레아 교회만토바에서, 1472-94). Alberti라는 이름은 이탈리아 르네상스 문화의 위대한 창조자 중 첫 번째로 정당하게 간주됩니다.

조각품

XV 세기에. 건축과 독립된 독립적인 의미를 획득한 이탈리아 조각이 번창하고 있다. 공공 건물의 장식에 대한 주문이 예술적 삶의 관행에 들어가기 시작했습니다. 미술대회가 열립니다. 이 대회 중 하나 인 피렌체 세례당 (1401)의 두 번째 북쪽 문의 청동 제조를위한 것은 이탈리아 르네상스 조각의 역사에서 새로운 페이지를 연 중요한 사건으로 간주됩니다. 승리는 로렌조 기베르티(1381~1455)가 차지했다.

당시 가장 교육받은 사람 중 한 명, 이탈리아 미술의 첫 번째 역사가이자 뛰어난 기안가 인 Ghiberti는 한 종류의 조각품 인 구호에 평생을 바쳤습니다. 기베르티의 예술의 주요 원칙은 이미지의 모든 요소의 균형과 조화를 고려한 것입니다. 기베르티의 작품의 정점은 피렌체 세례당의 동쪽 문 (1425-52), 주인의 이름을 불멸화했습니다. 문의 장식은 금박을 입힌 청동으로 만든 10개의 정사각형 구성을 포함합니다(" 아담과 이브의 창조”), 그림 같은 그림을 연상시키는 특이한 표현력. 작가는 자연의 그림, 사람의 모습, 건축 구조로 가득 찬 공간의 깊이를 전달했습니다. 미켈란젤로의 가벼운 손으로 피렌체 세례당의 동쪽 문을 부르기 시작했습니다. "낙원의 문".

Ghiberti 워크샵은 모든 세대의 예술가, 특히 위대한 개혁가 인 유명한 Donatello가 그곳에서 일한 학교가되었습니다. 이탈리아 조각. 14세기 피렌체 문화의 민주적 전통을 흡수한 도나텔로(1386-1466)의 작품은 초기 르네상스 예술 발전의 정점 중 하나입니다. 그것은 현실을 묘사하는 새롭고 현실적인 수단, 르네상스 예술의 특징, 인간과 그의 영적 세계에 대한 세심한 관심을 구현했습니다. Donatello의 작업이 이탈리아 르네상스 예술의 발전에 미친 영향은 엄청났습니다.

2세대 피렌체 조각가들은 보다 서정적이고 평화롭고 세속적인 예술에 끌렸습니다. 그것의 주역은 조각가 della Robbia의 가족에 속했습니다. 가족의 우두머리인 Lucca della Robbia(1399/1400 - 1482)는 원형 조각과 부조에 유약 기술을 사용한 것으로 유명해졌습니다. 고대부터 소아시아 사람들에게 알려진 유약(마졸리카) 기술은 중세 시대에 이베리아 반도와 마요르카 섬(따라서 그 이름)으로 전해진 후 이탈리아 전역에 널리 퍼졌습니다. Lucca della Robbia는 건물과 제단, 꽃과 과일의 화환, 마졸리카 흉상, 마돈나, 그리스도 및 성도를 위해 진한 파란색 배경에 부조가 있는 메달리온을 만들었습니다. 이 주인의 명랑하고 우아하며 친절한 예술은 동시대 사람들로부터 합당한 인정을 받았습니다. 마졸리카 기법의 뛰어난 완성도는 그의 조카 Andrea della Robbia(1435-1525)에 의해 달성되었습니다. Ospedale degli Innocenti 외관의 부조).

그림

초기 르네상스 건축에서 브루넬레스키가, 조각에서 도나텔로가 한 거대한 역할은 회화에서 마사초(1401-1428)에게 속했습니다. Masaccio는 27세가 되기 전에 요절했지만 그림에서 많은 일을 했습니다. 유명한 예술 역사가 Vipper는 "Masaccio는 유럽 회화 역사상 가장 독립적이고 일관된 천재 중 한 명이며 새로운 사실주의의 창시자입니다 ..."Giotto에 대한 검색을 계속하면서 Masaccio는 중세 예술 전통을 대담하게 깨뜨립니다. ~ 안에 프레스코 "트리니티"(1426-27), 피렌체의 산타 마리아 노벨라 교회를 위해 처음으로 벽화로 제작됨 마사치오의 그림전체 관점을 적용합니다. 피렌체의 산타 마리아 델 카르미네 교회의 브랑카치 예배당 벽화(1425-28)에서 그의 짧은 생애의 주요 창작물인 마사초는 이미지에 전례 없는 활력을 부여하고 캐릭터의 물리적 성과 기념비성을 강조하며 훌륭하게 전달합니다. 이미지의 심리적 깊이의 감정 상태. ~ 안에 프레스코 "낙원에서 추방"작가는 벌거 벗은 인간의 모습을 묘사하는 그의 시대의 가장 어려운 작업을 해결합니다. Masaccio의 거칠고 용감한 예술은 르네상스 예술 문화에 큰 영향을 미쳤습니다.

초기 르네상스 회화의 발전은 모호했습니다. 예술가들은 때로는 다른 방식으로 자신의 방식으로 진행했습니다. 세속적 시작, 매혹적인 서사에 대한 열망, 서정적인 세속적 감정은 카르멜 수도회 수도사인 프라 필리포 리피(1406-69)의 작품에서 생생하게 표현되었습니다. 매력적인 마스터, 많은 저자 제단 작곡, 그 중 사진이 최고로 간주됩니다 « 아이의 숭배 » 예배당을 위해 만든 메디치 궁전 - 리카르디, Filippo Lippi는 인간의 따뜻함과 자연에 대한 시적 사랑을 전달했습니다.

XV 세기 중반. 중앙 이탈리아의 그림은 급속한 개화를 경험했으며 그 놀라운 예는 피에로 델라 프란체스카(1420-92), 르네상스의 가장 위대한 예술가이자 예술 이론가. 피에로 델라 프란체스카의 가장 놀라운 작품 - Arezzo의 San Francesco 교회의 프레스코화 순환,십자가의 생명주는 나무의 전설을 기반으로합니다. 3단으로 배열된 프레스코화는 아담의 무덤에서 선과 악을 아는 낙원 나무의 씨앗에서 신성한 나무가 자랄 때 처음부터 생명을 주는 십자가의 역사를 추적합니다. ("아담의 죽음") 끝날 때까지 비잔틴 황제 헤라클리우스가 기독교 유물을 예루살렘으로 엄숙하게 반환합니다. (« 헤라클리우스와 코스로에스의 전투 » ). Piero della Francesca의 작품은 지역 회화 학교를 넘어 일반적으로 이탈리아 예술의 발전을 결정했습니다.

15세기 후반에 많은 재능 있는 장인들이 이탈리아 북부 베로나, 페라라, 베니스의 도시에서 일했습니다. 이 시대의 화가들 중 가장 유명한 사람은 Andrea Mantegna (1431-1506) - 이젤과 기념비적 그림의 거장, 기안가 및 조각가, 조각가 및 건축가입니다. 작가의 회화 적 방식은 형태와 그림의 추구, 일반화 된 이미지의 엄격함과 진실성으로 구별됩니다. 인물의 공간적 깊이와 조각적 특성 덕분에 Mantegna는 순간적으로 얼어붙은 실제 장면의 인상을 얻습니다. 그의 캐릭터는 매우 방대하고 자연스러워 보입니다. Mantegna는 생애 대부분을 Mantua에서 살았으며 그곳에서 가장 유명한 작품을 만들었습니다. 벽화 "Chamber degli Sposi" Marquis L. Gonzaga의 시골 성에서. 그림만으로 그는 여기에서 호화로운 르네상스 인테리어, 의식 리셉션 및 휴일을 위한 장소를 만들었습니다. 큰 명성을 얻은 Mantegna의 예술은 전체 북부 이탈리아 회화에 영향을 미쳤습니다.

초기 르네상스 회화의 특별한 장소는 산드로 보티첼리(실제로 Alessandro di Mariano Filipepi)는 1445년 플로렌스에서 부유한 가죽 태너의 가족으로 태어났습니다. 1459-64년. 청년은 유명한 피렌체 거장 Filippo Lippi와 함께 그림을 공부하고 있습니다. 1470년에 그는 피렌체에 자신의 작업장을 열었고 1472년에는 성 루가 길드의 회원이 되었습니다.

Botticelli의 첫 번째 창작물은 그가 피렌체 상인 법원을 위해 공연 한 작곡 "힘"이었습니다. 젊은 예술가는 빠르게 고객의 신뢰를 얻고 명성을 얻었으며 피렌체의 새로운 통치자 인 Lorenzo the Magnificent의 관심을 끌었고 그의 궁정 마스터이자 가장 좋아하는 사람이되었습니다. 보티첼리는 피렌체의 교회, 수도원, 공공 건물뿐만 아니라 공작과 피렌체의 다른 귀족 가문의 집에 대부분의 그림을 그렸습니다.

1470년대 후반과 1480년대 Botticelli에게는 창의적인 개화기가되었습니다. Santa Maria Novella 교회의 주요 외관을 위해 그는 " 동방 박사의 숭배"-Medici 가족의 일종의 신화화 된 그룹 초상화. 몇 년 후 작가는 그의 유명한 신화 우화 "봄"을 만듭니다.

1481년 교황 식스투스 4세는 보티첼리를 비롯한 화가들에게 자신의 예배당을 프레스코화로 장식하라고 명령했는데, 이 벽화는 나중에 "시스티나"라는 이름을 얻게 되었습니다. 보티첼리의 시스티나 예배당의 프레스코화 그리스도의 유혹 », « 모세의 삶의 장면들 », « 한국의 징벌, 다단과 아비론". 그 후 몇 년 동안 Botticelli는 Boccaccio의 Decameron의 단편 소설을 바탕으로 4개의 프레스코화 시리즈를 완성했으며 그의 가장 유명한 신화 작품(“비너스의 탄생”, “ 팔라스와 켄타우로스”), 피렌체 교회를 위한 여러 제단 작곡(“ 성모 마리아의 대관식 », « 산 바르나바 제단"). 여러 번 그는 마돈나의 이미지로 돌아섰습니다 (" 마돈나 델 마니피카트 », « 석류와 마돈나 », « 책을 든 마돈나”), 초상화 장르에서도 작업했습니다 (“ 줄리아노 메디치의 초상”, “젊은 여성의 초상”, “청년의 초상”).

1490년대 피렌체를 뒤흔든 사회운동과 수도사 사보나롤라의 신비로운 설교가 보티첼리의 예술에 도덕주의적인 메모와 드라마가 등장합니다("비방", " 그리스도를 위한 애가 », « 신비로운 크리스마스"). Savonarola의 영향으로 종교적 고양에 따라 예술가는 그의 작품 중 일부를 파괴하기도했습니다. 1490년대 중반 장엄한 로렌초가 죽고 그의 아들 피에트로가 피렌체에서 추방되면서 보티첼리는 위대한 예술가로서의 명성을 잃었습니다. 잊혀진 그는 시몬 형제의 집에서 조용히 살아갑니다. 1510년에 화가는 죽었다.

스타일 화 요소 (즉, 기존 기술을 사용한 이미지 일반화-색상, 모양 및 볼륨 단순화)가 포함 된 Botticelli의 절묘한 예술은 회화 발전의 정점 중 하나로 간주됩니다. 대부분의 초기 르네상스 거장들과 달리 보티첼리의 예술은 개인적인 경험을 바탕으로 했습니다. 매우 민감하고 성실한 Botticelli는 젊었을 때의 세계에 대한 시적 인식에서 성인기의 신비주의와 종교적 승영에 이르기까지 어렵고 비극적 인 창의적 탐구 경로를 거쳤습니다.

초기 부흥

초기 부흥

하이 르네상스

인류에게 다음과 같은 위대한 거장을 안겨준 전성기 르네상스 레오나르도 다빈치, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante는 15 세기 말과 16 세기 1/3의 비교적 짧은 기간을 다룹니다. 베니스에서만 예술의 번영이 세기 중반까지 계속되었습니다.

세계사의 결정적인 사건과 관련된 근본적인 변화, 첨단 과학적 사고의 성공, 지구뿐만 아니라 우주에 대한 사람들의 세계에 대한 생각이 끝없이 확장되었습니다. 세계관과 인간의 성격확대한듯; V 예술적 창의성이것은 건축 구조, 기념물, 엄숙한 프레스코 사이클 및 그림의 장엄한 규모뿐만 아니라 그 내용, 이미지의 표현력에도 반영되었습니다. 전성기 르네상스의 예술은 눈부시게 밝은 상승과 그에 따른 위기가 있는 생생하고 복잡한 예술적 과정입니다.

도나토 브라만테.

로마는 전성기 르네상스 건축의 중심지가 되었으며, 이전의 발견과 성공을 바탕으로 클래식 스타일. 마스터는 고대 주문 시스템을 창의적으로 사용하여 시대와 조화를 이룬 장엄한 기념비적 구조를 만들었습니다. Donato Bramante(1444-1514)는 전성기 르네상스 건축의 가장 큰 대표자가 되었습니다. Bramante의 건물은 기념비와 웅장함, 비율의 조화로운 완벽함, 구성 및 공간 솔루션의 완전성과 명확성, 고전적 형태의 자유롭고 창의적인 사용으로 구별됩니다. Bramante의 가장 창의적인 업적은 바티칸의 재건입니다 (건축가는 실제로 흩어져있는 오래된 건물을 포함하여 유기적으로 새 건물을 만들었습니다). Bramante는 또한 로마의 성 베드로 대성당의 디자인을 저술했습니다. 그의 작품으로 브라만테는 16세기 건축의 발전을 결정했습니다.

레오나르도 다빈치.

인류의 역사에서 동등한 다른 사람을 찾는 것은 쉽지 않습니다. 뛰어난 성격, 전성기 르네상스 예술의 창시자로서 레오나르도 다빈치(1452-1519). 이 위대한 예술가, 조각가, 건축가, 과학자 및 엔지니어 활동의 포괄적인 성격은 과학 및 건축 프로젝트, 발명 및 스케치가 포함된 7,000장이 넘는 그의 유산에서 흩어져 있는 원고를 조사했을 때만 분명해졌습니다. 그의 천재성이 건드리지 않았을 지식 영역을 명명하기는 어렵습니다. 레오나르도의 보편주의는 너무나 이해할 수 없기 때문에 유명한 르네상스 인물의 전기 작가인 조르조 바사리(Giorgio Vasari)는 이 현상을 하늘의 개입 외에는 설명할 수 없었습니다.

그의 유명한 "회화에 대한 논문"(1498) 및 기타 메모에서 Leonardo는 인체 연구, 해부학, 비율, 움직임 간의 관계, 얼굴 표정 및 사람의 감정 상태에 대한 정보에 큰 관심을 기울였습니다. Leonardo는 또한 chiaroscuro, 체적 모델링, 선형 및 공중 원근법의 문제에 몰두했습니다. Leonardo는 예술 이론뿐만 아니라 경의를 표했습니다. 그는 수많은 훌륭한 제단화와 초상화를 만들었습니다. Leonardo의 브러시는 세계 회화의 가장 유명한 작품 중 하나 인 "Mona Lisa"( "La Gioconda")에 속합니다. Leonardo는 기념비적 인 조각 이미지를 만들고 건축 구조를 설계하고 건축했습니다. 레오나르도는 오늘날까지도 르네상스 시대의 가장 카리스마 넘치는 인물 중 한 명으로 남아 있습니다. 그에게 바쳐진 수많은 책들, 가장 상세한 방법으로그의 삶을 연구했습니다. 그럼에도 불구하고 그의 작업에서 많은 부분이 수수께끼로 남아 있으며 계속해서 사람들의 마음을 자극합니다.

라파엘 산티.

Raphael Santi(1483-1520)의 예술 또한 이탈리아 르네상스의 정점에 속합니다. 숭고한 아름다움과 조화에 대한 아이디어는 세계 미술사에서 라파엘의 작품과 관련이 있습니다. 일반적으로 전성기 르네상스의 뛰어난 거장들의 성좌에서 조화의 주요 운반자였던 라파엘로 인정됩니다. 밝고 완벽한 시작을 위한 끊임없는 노력은 라파엘의 모든 작업에 스며들어 그의 내적 의미를 구성합니다. 그의 작품은 자연스러운 우아함이 매우 매력적입니다(" 시스틴 마돈나"). 그래서 그런지 대중들 사이에서 선생이 남다른 인기를 얻었고, 예술가들 사이에는 항상 많은 추종자들이 있었다. 라파엘은 뛰어난 화가, 초상화가일 뿐만 아니라 프레스코 기법을 사용하는 벽화가, 건축가, 장식가이기도 했습니다. 이 모든 재능은 바티칸에 있는 교황 율리우스 2세의 아파트("아테네 학당")에 대한 그의 그림에서 특별한 힘으로 나타났습니다. 뛰어난 예술가의 예술에서 아름답고 조화로 우며 육체적으로나 영적으로 완벽한 르네상스 남자의 새로운 이미지가 탄생했습니다.

미켈란젤로 부오나로티.

현대의 레오나르도 다빈치그리고 라파엘은 그들의 영원한 라이벌이었습니다. 미켈란젤로 부오나로티, 전성기 르네상스의 가장 위대한 거장 - 조각가, 화가, 건축가 및 시인. 이 르네상스의 거물은 조각으로 그의 경력을 시작했습니다. 그의 거대한 조각상은 영웅이자 투사("David")라는 새로운 인물의 상징이 되었습니다. 주인은 많은 건축 및 조각 구조물을 세웠으며 그중 가장 유명한 것은 피렌체의 메디치 예배당입니다. 이 작품들의 화려함은 인물들의 감정이 빚어내는 엄청난 긴장감( 줄리아노 데 메디치의 석관). 그러나 특히 유명한 것은 바티칸의 시스티나 예배당에 있는 미켈란젤로의 그림으로, 그가 뛰어난 화가임을 증명했습니다. 아마도 예술계의 어느 누구도 미켈란젤로 이전에도 이후에도 몸과 정신이 그렇게 강한 캐릭터를 창조하지 못했을 것입니다. 아담의 창조"). 천장에 있는 거대하고 믿을 수 없을 정도로 복잡한 프레스코화는 조수 없이 예술가 혼자 만들었습니다. 오늘날까지 그것은 이탈리아 회화의 탁월한 기념비적 작품으로 남아 있습니다. 그러나 이미 노년기에 주인은 시스티나 예배당 천장의 벽화 외에도 그의 위대한 시대의 이상의 붕괴를 상징하는 격렬하게 영감을 주는 "최후의 심판"을 만들었습니다.

미켈란젤로는 건축 분야에서 많은 성과를 거두었으며 특히 성 베드로 대성당과 앙상블 건축을 감독했습니다. 국회의사당 광장로마에서. 위대한 미켈란젤로의 작품은 전체 시대를 구성했으며 시대를 훨씬 앞서 있었고 세계 예술에서 엄청난 역할을했으며 특히 바로크 원리의 형성에 영향을 미쳤습니다.

조르조네와 티치아노.

전성기 르네상스 예술의 역사에서 베니스는 회화가 절정에 달하는 밝은 페이지에 들어갔습니다. 조르조네는 베니스의 전성기 르네상스의 첫 번째 거장으로 간주됩니다. 그의 예술은 매우 특별하다. 명확한 조화의 정신과 특별한 친밀한 묵상과 환상이 지배합니다. 그는 종종 유쾌한 아름다움, 진정한 여신을 썼습니다. 일반적으로 이것은 시적 소설입니다-파이프 꿈의 구체화, 낭만적 인 느낌에 대한 감탄 및 아름다운 여성. 그의 그림에는 관능적 인 열정, 달콤한 즐거움, 소름 끼치는 행복의 힌트가 있습니다. Giorgione의 예술로 베네치아 회화는 예술적 특징을 주장하면서 모든 이탈리아의 의미를 얻었습니다.

티치아노 인전성기의 상징으로 베네치아 학교의 거물이자 수장으로 이탈리아 미술사에 기록되었습니다. 이 작가의 작품에서 폭풍우, 비극적, 관능적 인 특별한 힘으로 새로운 시대의 숨결이 드러났습니다. Titian의 작품은 그림의 유형과 장르에 대한 매우 광범위하고 다양한 적용 범위로 구별됩니다. Titian은 기념비적 인 제단 그림, 독립 장르로서의 풍경, 엄숙한 의식을 포함한 다양한 유형의 초상화의 창시자 중 한 명이었습니다. 그의 작품에서 이상적인 이미지는 생생한 인물, 환희의 장면과 비극적 인 갈등, 신화 및 역사적 그림과 종교적인 구성이 공존합니다.

티치아노는 새로운 회화 기법, 20 세기까지 세계 미술의 발전에 탁월한 영향을 미쳤습니다. Titian은 세계 회화의 가장 위대한 색채가에 속합니다. 그의 그림은 금색과 진동하는 빛나는 색조의 복잡한 범위로 빛납니다. 거의 한 세기 동안 살았던 Titian은 르네상스 이상의 붕괴에서 살아 남았고 주인의 작품은 후기 르네상스의 절반에 속합니다. 적대 세력과의 싸움에 들어간 그의 영웅은 죽지만 그의 위대함을 유지합니다. Titian의 대규모 작업장의 영향은 모든 베네치아 예술에 영향을 미쳤습니다.

하이 리바이벌

하이 리바이벌

후기 르네상스

XVI 세기 후반. 이탈리아에서는 경제와 무역의 쇠퇴가 심화되었고 천주교는 인본주의 문화와의 투쟁에 들어갔고 예술은 심각한 위기에 처했습니다. 그것은 매너리즘으로 구현된 반(反)르네상스적 경향을 강화시켰다. 그러나 매너리즘은 베니스에 거의 영향을 미치지 않았으며, 후반에는 16세기후기 르네상스 예술의 주요 초점이되었습니다. 높은 인본주의 르네상스 전통에 따라 베니스의 새로운 역사적 조건에서 Palladio, Veronese, Tintoretto와 같은 새로운 형태로 풍부한 후기 르네상스의 거장들의 작품이 개발되었습니다.

안드레아 팔라디오

고대 및 르네상스 건축에 대한 깊은 연구를 바탕으로 한 북부 이탈리아 건축가 Andrea Palladio(1508-80)의 작품은 후기 르네상스 예술의 정점 중 하나입니다. Palladio는 17-18 세기 유럽 고전주의 건축에서 개발 된 건축 원칙을 개발했습니다. Palladianism이라는 이름을 받았습니다. 건축가는 이론 작업 Four Books on Architecture(1570)에서 자신의 아이디어를 설명했습니다. Palladio의 건물 (주로 도시 궁전 및 빌라)은 우아한 아름다움과 자연 스러움, 조화로운 완전성 및 엄격한 질서로 가득 차 있으며 계획의 명확성과 편의성 및 환경과의 유기적 연결로 구별됩니다 ( 키에리카티 궁전). 주변 풍경과 건축을 조화시키는 능력은 팔라디오 빌라에서 특별한 힘으로 나타났습니다. 빌라 카프라(로톤다)). Palladio는 이탈리아 최초의 기념비적인 극장 건물인 Teatro Olimpico를 만들었습니다. 이후 세기의 건축 발전에 대한 Palladio의 영향은 엄청났습니다.

베로네제와 틴토레토..

베네치아 르네상스의 축제적이고 삶을 긍정하는 성격은 Paolo Veronese의 작업에서 가장 분명하게 나타났습니다. 기념비적인 예술가인 그는 많은 캐릭터와 재미있는 세부 묘사가 있는 벽과 천장 그림의 웅장한 장식 앙상블을 만들었습니다. Veronese는 자신 만의 스타일을 만들었습니다. 그의 장엄하고 장엄한 그림은 감정, 열정, 삶으로 가득 차 있으며 영웅 인 베네치아 귀족은 일반적으로 귀족 궁전이나 호화로운 자연을 배경으로 있습니다. 그들은 거창한 잔치나 황홀한 잔치(“가나에서의 혼인”)에 사로잡혀 있습니다. Veronese는 즐거운 베니스, 그 승리, 황금빛 광채의 시인이었습니다. Veronese는 컬러리스트로서 탁월한 재능을 가졌습니다. 그의 색은 빛으로 스며들고 강렬하며 사물에 색을 부여하는 것이 아니라 그 자체로 사물이되어 구름, 천, 인체로 변한다. 이로 인해 인물과 사물의 실제 아름다움은 색상과 질감의 아름다움으로 배가되어 보는 사람에게 강한 감정적 영향을 미칩니다.

Veronese의 정반대는 이탈리아 르네상스의 마지막 주요 거장 인 그의 동시대 Tintoretto (1518-94)였습니다. 외부의 풍부한 예술적 영향은 Tintoretto의 독특한 창의적 개성에 녹아 있습니다. 그의 작품에서 그는 화산 기질, 폭력적인 열정 및 영웅적인 강렬함을 창조한 거대한 인물이었습니다. 그의 작품은 동시대와 다음 세대 모두에게 큰 성공을 거두었습니다. Tintoretto는 진정으로 비인간적 인 작업 능력과 지칠 줄 모르는 검색으로 구별되었습니다. 그는 대부분의 동시대인들보다 더 날카롭고 깊이 그 시대의 비극을 느꼈다. 주인은 시각 예술의 확립 된 전통, 즉 대칭 준수, 엄격한 균형, 정적에 반항했습니다. 공간의 경계를 넓히고 역 동성, 극적인 액션으로 포화시켜 인간의 감정을 더욱 생생하게 표현하기 시작했습니다. 1590년 . 매너리즘의 예술은 세계에 대한 조화로운 인식의 르네상스 이상에서 출발합니다. 인간은 초자연적인 힘의 지배를 받습니다. 세상은 부패한 상태에서 불안정하고 흔들리며 보입니다. 매너리스트 이미지는 불안, 안절부절, 긴장으로 가득 차 있습니다. 작가는 자연에서 멀어지고 그것을 능가하기 위해 노력하며 그의 작품에서 주관적인 " 내면의 생각”, 그 기초는 현실 세계가 아니라 창의적인 상상력입니다. 수행의 수단은 어떤 기술의 총합으로서의 "아름다운 매너"입니다. 그 중에는 인물의 자의적인 연장, 복잡한 구불구불한 리듬, 환상적인 공간과 빛의 비현실성, 때로는 차갑고 꿰뚫는 색채가 있다.

Jacopo Pontormo(1494-1556)는 가장 크고 가장 재능 있는 매너리즘의 거장이자 복잡한 창조적 운명의 화가였습니다. 그의 유명한 그림에서 십자가에서 내려오다» 구도가 불안정하고 수치가 가식적으로 깨지며 밝은 색상이 선명합니다. 프란체스코 마졸라, Parmigianino (1503-40)라는 별명은 시청자에게 깊은 인상을 남기는 것을 좋아했습니다. 예를 들어 그는 " 볼록 거울에 비친 자화상". 고의적 의도는 그의 유명한 그림을 구별합니다. 목이 긴 마돈나 ».

메디치 궁정 화가 아그놀로 브론치노(1503-72)는 기념 초상화로 유명합니다. 그들은 이탈리아 사회의 최고층을 사로잡은 피비린내 나는 잔학 행위와 도덕적 쇠퇴의 시대를 반영했습니다. Bronzino의 고귀한 고객은 시청자와 눈에 보이지 않는 거리로 분리되어 있습니다. 포즈의 뻣뻣함, 얼굴의 무감각 함, 옷의 풍요 로움, 아름다운 앞손의 몸짓-이 모든 것이 내면의 결함이있는 삶을 숨기는 외피와 같습니다. 그녀의 아들 (c. 1545)과 함께 톨레도의 엘레노어의 초상화에서 차갑고 냉담한 이미지의 접근 불가능은 공작 부인의 웅장한 브로케이드 옷의 납작하고 큰 패턴에 시청자의 관심이 완전히 흡수된다는 사실로 인해 강화됩니다. 매너리스트들이 만든 궁정 초상화의 유형은 16-17세기의 초상화 예술에 영향을 미쳤습니다. 다른 많은 유럽 국가에서.

매너리즘의 예술은 과도기적이었습니다. 르네상스는 과거로 사라지고 있었고 새로운 전 유럽 예술 스타일 인 바로크 시대가 왔습니다.

북부 르네상스의 예술.

북유럽 국가에는 고대 과거가 없었지만 르네상스 시대는 역사에서 두드러집니다.15세 – 16세하반기XVII세기. 이번에는 르네상스 이상이 문화의 다양한 영역에 침투하고 스타일이 점진적으로 변화하는 것으로 구별됩니다. 르네상스의 발상지에서와 마찬가지로 북부 르네상스 미술에서도 현실 세계예술의 형식을 바꿨다. 그러나 북부 국가의 예술은 맨 타이탄의 힘을 찬양하는 이탈리아 회화의 파토스가 특징이 아닙니다. burghers (소위 부유 한 마을 사람들)는 성실, 의무 및 말에 대한 충실 함, 결혼 서약의 신성함 및 난로를 더 중요하게 생각했습니다. Burger Circles에서는 명확하고 냉정하며 경건하고 사업적인 사람의 이상을 개발했습니다. burghers의 예술은 평범한 보통 사람과 그의 세계, 즉 일상 생활과 단순한 것의 세계를 시화합니다.

네덜란드의 르네상스 거장.

르네상스 예술의 새로운 특징은 주로 유럽에서 가장 부유하고 산업화된 국가 중 하나인 네덜란드에서 나타났습니다. 광범위한 국제 연결로 인해 네덜란드는 다른 북유럽 국가보다 훨씬 빠르게 새로운 발견을 채택했습니다.

네덜란드의 르네상스 스타일이 열렸습니다. 얀 반 에이크(1390-1441). 그의 가장 유명한 작품은 겐트 제단화, 작가는 그의 형제와 함께 작업을 시작했고 그가 죽은 후에도 6 년 동안 혼자 작업을 계속했습니다. 도시 대성당을 위해 만들어진 겐트 제단은 12 개의 보드에 일상, 일상 생활 (접이가 닫힐 때 보이는 외부 보드에 있음) 및 축제, 환희, 변형의 사진이있는 2 단 접힘입니다. 삶 (교회 휴일 동안 열린 것처럼 보이는 내부 문). 이것은 지상 생활의 아름다움을 찬양하는 예술의 기념비입니다. 모든 입자가 아름다운 "세상은 낙원과 같다"는 Van Eyck의 감정적 느낌이 명확하고 명확하게 표현됩니다. 작가는 자연의 많은 관찰에 의존했습니다. 모든 도형과 사물에는 입체적인 부피와 무게가 있습니다. Van Eyck 형제는 유화의 가능성을 발견한 최초의 사람들 중 하나였습니다. 이때부터 온도의 점진적인 변위가 시작됩니다.

X 후반부에V정치적, 종교적 투쟁으로 가득 찬 세기, 네덜란드의 예술에서 복잡하고 독특한 예술이 두드러집니다. 히에로니무스 보쉬(1450?-1516). 이것은 특별한 상상력을 가진 매우 호기심 많은 예술가입니다. 그는 자신의 무서운 세상. 보쉬의 그림에는 중세 민속 표현, 살아있는 것과 기계적인 것, 끔찍한 것과 희극적인 것의 기괴한 몽타주가 응축되어 있습니다. 중심이 없는 그의 작곡에는 주인공이 없다. 여러 층의 공간은 엄청나게 과장된 파충류, 두꺼비, 거미, 다른 생물과 물체의 일부가 결합 된 끔찍한 생물과 같은 수많은 인물과 물체 그룹으로 가득 차 있습니다. Bosch 작곡의 목적은 도덕적 교화입니다. Bosch는 자연에서 조화와 완벽을 찾지 않으며 그의 악마 이미지는 삶과 죽음의 순환에 대한 세계 악의 활력과 편재성을 상기시킵니다.

보쉬의 그림 속 남자는 한심하고 나약하다. 그래서 삼부작에서 건초 운송» 작가는 인류의 역사를 드러냅니다. 왼쪽 날개는 아담과 이브의 타락에 대한 이야기를, 오른쪽 날개는 지옥과 이곳에서 죄인들을 기다리는 모든 공포를 묘사합니다. 그림의 중앙 부분은 "세상은 건초 더미입니다. 모두가 손에 넣은 것을 가져갑니다. "라는 속담을 보여줍니다. Bosch는 사람들이 건초 조각을 위해 어떻게 싸우고, 마차 바퀴 아래에서 죽고, 그 위로 올라가려고 하는지 보여줍니다. 마차 위에서 세상을 버리고 연인들이 노래하고 키스한다. 한쪽에는 천사가 있고 다른 한쪽에는 악마가 있습니다. 누가 이길까요? 소름 끼치는 생물이 카트를 지하 세계로 끌고갑니다. 사람들의 모든 행동 뒤에 하나님은 어리둥절하게 보입니다. 더욱 우울한 분위기가 그림에 스며든다" 십자가를 지고": 그리스도는 눈이 부풀어 오르고 입을 벌린 역겨운 사람들로 둘러싸인 무거운 십자가를 짊어지고 계십니다. 그들을 위해 주님은 자신을 희생하셨지만 십자가에서의 그의 죽음은 그들을 무관심하게 만들 것입니다.

보쉬는 또 다른 유명한 네덜란드 예술가가 태어났을 때 이미 세상을 떠났습니다. 대 피터르 브뤼겔(1525-1569), 농민의 삶을 묘사하는 많은 그림으로 인해 Muzhitsky라는 별명이 붙었습니다. Brueghel은 평범한 사람들의 속담과 일상적인 걱정을 많은 음모의 기초로 삼았습니다. 그림 이미지의 완성도 " 농민 결혼식" 그리고 " 농민 춤"인민 요소의 힘을 전달합니다. 사진까지도 성경 이야기 Brueghel의 작품에는 네덜란드인이 거주하고 있으며, 모국의 어둑어둑한 하늘 아래 눈 덮인 거리를 배경으로 먼 유대 지방의 사건이 발생합니다(“ 세례 요한의 설교"). 중요하지 않은 것, 사소해 보이는 것을 보여주면서 작가는 사람들의 삶에서 가장 중요한 것에 대해 이야기하고 그 시대의 정신을 재현합니다.

작은 캔버스 눈 속의 사냥꾼"(1 월) "The Seasons"시리즈의 세계 회화의 탁월한 걸작 중 하나로 간주됩니다. 개와 함께 피곤한 사냥꾼이 집으로 돌아갑니다. 그들과 함께 시청자는 작은 마을의 파노라마가 열리는 언덕에 들어갑니다. 눈 덮인 강둑, 맑고 서리가 내린 공기에 가시 나무가 얼고 새가 날고 나뭇 가지와 집 지붕에 앉아 사람들은 일상 업무로 바쁩니다. 이 모든 사소한 것들은 하늘의 푸른 색, 검은 나무, 하얀 눈과 함께 예술가가 열정적으로 사랑하는 세계의 파노라마를 그림에 만듭니다.

Brueghel의 가장 비극적 인 그림 맹인의 비유"작가가 죽기 직전에 쓴 것이다. "맹인이 맹인을 인도하면 둘이 다 구덩이에 빠지리라"는 복음의 이야기를 설명합니다. 욕망에 눈이 멀고 죽음을 향해 나아가는 인간의 모습일지도 모른다. 그러나 Brueghel은 판단하지 않고 사람과 환경의 관계 법칙을 이해하고 인간 본성의 본질에 침투하여 세상에서 자신의 위치를 ​​\u200b\u200b나타냅니다.

르네상스 시대 독일의 회화.

독일 예술의 르네상스 특징은 네덜란드보다 늦게 나타납니다. 독일 인본주의, 세속 과학 및 문화의 전성기는 첫해에 해당합니다.16세V. 독일 문화가 세계에 최고의 예술적 가치를 부여한 짧은 기간이었습니다. 우선, 그들은 작품을 포함해야합니다 알브레히트 뒤러(1471-1528) - 독일 르네상스의 가장 중요한 예술가.

Durer는 르네상스의 전형적인 대표자이며 화가, 조각가, 수학자 및 엔지니어였으며 요새화 및 예술 이론에 관한 논문을 썼습니다. ~에 자화상그는 지적이고 고귀하며 집중되어 있으며 깊은 철학적 성찰로 가득 차 있습니다. 그림에서 Dürer는 형식적인 아름다움에 만족하지 않고 추상적 사고의 상징적 표현을 추구합니다.

Dürer의 창조적 유산에서 특별한 장소는 15개의 대형 목판화가 포함된 Apocalypse 시리즈에 속합니다. Dürer는 예를 들어 "신학자 요한의 계시"의 예측을 설명합니다. 네 명의 기사"전쟁, 역병, 기근, 불의한 심판과 같은 끔찍한 재난을 상징합니다. 판화로 표현된 변화의 예감, 힘든 시련 및 재난은 예언적인 것으로 판명되었습니다(종교 개혁과 그에 뒤이은 농민 및 종교 전쟁이 곧 시작되었습니다).

당시의 또 다른 위대한 예술가는 장로 루카스 크라나흐(1472-1553). Hermitage에는 그의 그림이 있습니다. 사과나무 아래의 마돈나와 아이" 그리고 " 여성 초상화". 그들에서 우리는 작은 턱, 좁은 눈 슬릿, 황금 머리카락과 같은 많은 주인의 그림 ( "Cranach"라고도 함)에서 포착 된 여성의 얼굴을 봅니다. 작가는 보석과 옷을 조심스럽게 적고 그의 그림은 눈의 향연입니다. 이미지의 순수함과 천진난만함은 다시 한 번 이 그림들을 들여다보게 만든다. Cranach는 훌륭한 초상화 화가였으며 Martin Luther (그의 친구), Duke Henry of Saxony 및 기타 많은 유명한 동시대의 이미지를 만들었습니다.

그러나 북부 르네상스의 가장 유명한 초상화가는 의심할 여지 없이 또 다른 독일 화가로 인식될 수 있습니다. 한스 홀바인(1497-1543). 오랫동안 그는 영국 왕 헨리의 궁정 화가였습니다.VIII. 그의 초상화에서 Holbein은 의심에 익숙하지 않은 왕의 오만한 성격을 완벽하게 전달합니다. 살찐 얼굴에 작은 지적인 눈은 그 안에 있는 폭군을 배반합니다. 하인리히의 초상 VIII 그는 너무 믿음직해서 왕을 아는 사람들을 놀라게 했습니다. 홀바인은 그 당시 많은 유명한 사람들, 특히 정치가이자 작가인 토마스 모어, 로테르담의 철학자 에라스무스 등의 초상화를 그렸습니다.

독일, 네덜란드 및 기타 유럽 국가에서 르네상스 문화의 발전은 종교 개혁과 그에 따른 종교 전쟁으로 인해 중단되었습니다. 그 후, 다음 발전 단계에 접어든 예술의 새로운 원칙을 형성할 때가 왔습니다.

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연방 기관철도 운송

시베리아 주립 교통 대학교

"철학"학과

르네상스의 예술적 이미지

수필

"문화학" 분야에서

머리 디자인

교수 학생 gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(서명) (서명)

08.12.2012

(검사일자) (검사제출일자)

2012년

소개

르네상스는 유럽 문화 발전 역사상 가장 밝은시기 중 하나로 간주됩니다. 부흥은 중세에서 새로운 시대로의 전환 과정에서 문화적 격변 (전환점, 전환)이 발생한 전체 문화 시대라고 말할 수 있습니다. 근본적인 변화는 신화의 근절과 관련이 있습니다.

르네상스 (fr. 르네상스, "르네상스")라는 용어의 기원에도 불구하고 고대의 부흥은 없었고 그럴 수도 없었습니다. 인간은 과거로 돌아갈 수 없습니다. 르네상스는 고대의 교훈을 사용하여 혁신을 도입했습니다. 그는 모든 고대 장르를 되살린 것이 아니라 그의 시대와 문화의 염원을 특징으로 하는 장르만을 되살렸습니다. 르네상스는 고대에 대한 새로운 해석과 기독교에 대한 새로운 해석을 결합했습니다.

선택한 주제의 관련성은 현대와 르네상스 사이의 연결 때문입니다. 이것은 우선 가치 체계, 존재하는 모든 것에 대한 평가 및 관련에서 혁명입니다.

작업의 주요 목적은 고려중인 시대의 가장 위대한 인물의 세계관에서 발생한 근본적인 변화를 보여주는 것입니다.

1. 르네상스 문화

XIII-XVI 수세기는 경제, 정치 및 문화에서 큰 변화의 시간이었습니다. 도시의 급속한 성장과 수공예품의 발달, 그리고 이후 제조업 생산으로의 전환은 중세 유럽의 모습을 변화시켰습니다.

도시가 전면에 등장했습니다. 얼마 전 중세 세계의 가장 강력한 세력인 제국과 교황권은 심각한 위기에 처했습니다. 안에 16세 세기에 독일 국가의 쇠퇴하는 신성 로마 제국은 최초의 두 반봉건 혁명, 즉 독일 대농민 전쟁과 네덜란드 봉기의 현장이 되었습니다.

시대의 과도기적 성격, 삶의 모든 영역에서 일어나는 중세의 길로부터의 해방 과정, 동시에 확립되고 있던 자본주의 관계의 아직 저개발은 그 특징에 영향을 미칠 수밖에 없었다. 예술 문화그리고 당시의 미학적 사고.

A. V. Stepanov에 따르면 사회 생활의 모든 변화는 자연 및 정확한 과학의 번성, 자국어, 시각 예술. 이탈리아 도시에서 시작된 이 갱신은 다른 유럽 국가를 점령했습니다. 저자는 인쇄술의 출현 이후 문학과 문학의 보급을 위한 전례 없는 기회가 열렸다고 믿습니다. 과학 작품, 그리고 국가 간의 더 정기적이고 긴밀한 의사 소통은 새로운 예술 경향의 침투에 기여했습니다.

이것은 중세가 새로운 경향 이전에 물러났다는 것을 의미하지 않습니다. 전통적인 아이디어는 대중 의식에서 보존되었습니다. 교회는 종교 재판이라는 중세의 수단을 사용하여 새로운 사상에 저항했습니다. 인간의 자유에 대한 생각은 계급으로 나누어진 사회에서 계속 존재했습니다. 농민의 봉건적 의존 형태는 완전히 사라지지 않았으며 일부 국가(독일, 중부 유럽) 농노로의 복귀가있었습니다. 봉건제도는 상당히 활력을 보였다. 각 유럽 국가는 고유한 방식과 고유한 연대기적 틀 내에서 그것을 살았습니다. 자본주의는 도시와 시골 모두에서 생산의 일부만을 다루는 삶의 방식으로 오랫동안 존재했습니다. 그러나 가부장적 중세의 느림은 과거 속으로 물러나기 시작했다.

위대한 지리적 발견은 이 돌파구에서 큰 역할을 했습니다. 예를 들어, 1492년. H. Columbus는 인도로가는 길을 찾기 위해 대서양을 건너 바하마 근처에 상륙하여 신대륙 인 아메리카를 발견했습니다. 1498년 아프리카를 일주한 스페인 여행자 Vasco da Gama는 성공적으로 배를 인도 해안으로 가져 왔습니다. 와 함께 16세 V. 유럽인들은 이전에 가장 막연한 생각만 가지고 있던 중국과 일본에 침투하고 있습니다. 1510년부터 아메리카 정복이 시작된다. 안에 XVII V. 호주가 발견되었습니다. 지구의 모양에 대한 생각이 바뀌었습니다. F. Magellan의 세계 일주 여행은 그것이 공 모양이라는 추측을 확인했습니다.

지상의 모든 것에 대한 경멸은 이제 현실 세계, 인간, 자연의 아름다움과 웅장함에 대한 의식에 대한 열렬한 관심으로 대체되었으며, 이는 르네상스 문화 기념물을 분석하여 증명할 수 있습니다. 중세 시대에 논쟁의 여지가 없었던 과학에 대한 신학의 우위는 진리의 가장 높은 척도가 되는 인간 마음의 무한한 가능성에 대한 믿음으로 흔들립니다. 신에 반대되는 인간에 대한 관심을 강조하면서 새로운 세속적 지식인의 대표자들은 스스로를 인본주의자라고 불렀고, 이 단어는 "의 개념에서 파생되었습니다.인문학 연구 ”, 인간의 본성과 그의 영적 세계와 관련된 모든 것에 대한 연구를 의미합니다.

르네상스 시대의 작품과 예술에는 무한한 창의적 가능성을 가진 자유로운 존재라는 개념이 특징이 되었습니다. 그것은 르네상스 미학의 인간 중심주의와 아름답고 숭고하며 영웅적인 것에 대한 이해와 관련이 있습니다. 아름다운 예술적이고 창조적 인 인간 성격의 원리는 르네상스 이론가들에 의해 모든 종류의 비율, 대칭 및 원근법을 수학적으로 계산하려는 시도와 결합되었습니다.

이 시대의 미적, 예술적 사고는 처음으로 인간의 지각 그 자체와 감각적으로 실제적인 세계상에 바탕을 두고 있습니다. 여기에서 종교적, 도덕적 해석에 관계없이 생명 감각에 대한 주관 주의자-개인 주의적 갈증도 눈에 띄지 만 후자는 원칙적으로 거부되지 않습니다. 르네상스의 미학은 예술을 자연의 모방에 집중합니다. 그러나 우선 여기에는 그의 창작 활동에서 신에 비유되는 예술가만큼 자연이 없습니다.

E. Chamberlin은 이전 미학 이론의 학문적 "학습"과는 대조적으로 중요한 민주적 경향을 나타내기 때문에 즐거움을 예술 작품 인식의 가장 중요한 원칙 중 하나로 간주합니다.

르네상스의 미학사상은 중세의 신적 인격에 반대되는 인간 개인의 절대화 사상뿐만 아니라 그러한 개인주의의 한계에 대한 일정한 자각을 내포하고 있다. 개인. 따라서 W. 셰익스피어, M. 세르반테스, 미켈란젤로 등의 작품에서 발견되는 비극의 동기는 고대 중세의 절대적인 것에서 출발했지만 역사적 상황으로 인해 아직 새로운 것을 찾지 못한 문화의 모순적인 성격입니다. 신뢰할 수 있는 기초.

예술과 과학의 연결은 문화의 특징 중 하나입니다. 예술가들은 과학에서 지원을 구했고 종종 그들의 발전을 자극했습니다. 르네상스는 예술가 과학자의 출현으로 표시되며 그중 첫 번째 장소는 Leonardo da Vinci에 속합니다.

따라서 르네상스의 과제 중 하나는 인간이 신성한 아름다움으로 가득 찬 세계를 이해하는 것입니다. 세상은 그가 하나님에 의해 영화화되기 때문에 사람을 매료시킵니다. 그러나 르네상스 시대에는 인간 존재의 비극에 대한 또 다른 경향이 있었습니다.

2. 거장들의 작품에 나타난 세계와 인간의 모습르네상스

"르네상스"(프랑스 용어 "르네상스"의 번역)라는 용어는 새로운 문화와 고대의 연결을 나타냅니다. 십자군 시대에 동양, 특히 비잔티움에 대해 알게 된 결과 유럽인들은 고대 인본주의 원고, 고대 미술 및 건축의 다양한 기념물에 대해 알게되었습니다. 이 모든 고대 유물은 부분적으로 이탈리아로 운송되기 시작하여 수집 및 연구되었습니다. 그러나 이탈리아 자체에도 많은 고대 로마 기념물이 있었으며 이탈리아 도시 지식인의 대표자들도 신중하게 연구하기 시작했습니다. 이탈리아 사회에서는 고전 고대 언어, 고대 철학, 역사 및 문학에 대한 깊은 관심이 생겼습니다. 피렌체 시는 이 운동에서 특히 중요한 역할을 했습니다. 피렌체에서 줄줄이 왔다 저명한 인물새로운 문화.

가장 활기차고 경제적 인 의미에서 고대 도시에서 만들어진 고대 이데올로기를 사용하여 새로운 부르주아지는 자신의 방식으로 그것을 재 작업하여 이전에 우세한 봉건주의 세계관과 완전히 반대되는 새로운 세계관을 공식화했습니다. 새로운 이탈리아 문화의 두 번째 이름 - 휴머니즘이 이것을 증명합니다.

인본주의 문화는 중세 이데올로기의 경우처럼 신성하고 다른 세상이 아니라 사람 자신 (humanus-human)을 관심의 중심에 두었습니다. 금욕주의는 더 이상 인본주의적 세계관에서 자리를 차지하지 못했습니다. 인간의 몸, 그 열정과 필요는 억누르거나 고문해야 하는 "죄 많은" 것이 아니라 그 자체로 끝이며 인생에서 가장 중요한 것으로 여겨졌습니다. 지상의 존재는 유일한 실제 존재로 인식되었습니다. 자연과 인간에 대한 지식은 과학의 본질로 선언되었습니다. 중세 학자와 신비주의자의 세계관을 지배했던 비관적 동기와 달리 르네상스 시대 사람들의 세계관과 분위기에는 낙관적 동기가 우세했습니다. 그들은 인간에 대한 믿음, 인류의 미래에 대한 믿음, 인간 이성과 계몽의 승리에 대한 믿음으로 특징지어졌습니다. 모든 종류의 저명한 시인과 작가, 학자 및 예술가들이 이 위대한 새로운 지적 운동에 참여했습니다. 이탈리아의 영광은 Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian과 같은 훌륭한 예술가들에 의해 가져 왔습니다.

의심할 여지가 없는 르네상스의 업적은 그림의 기하학적으로 정확한 구성이었습니다. 작가는 자신이 개발한 기법을 사용하여 이미지를 구축했습니다. 당시 화가들에게 가장 중요한 것은 사물의 비율을 관찰하는 것이었다. 자연조차도 수학적 속임수에 빠졌습니다.

즉, 르네상스 시대의 예술가들은 예를 들어 자연을 배경으로 한 사람의 정확한 이미지를 전달하려고 했습니다. 어떤 종류의 캔버스에서 본 이미지를 재현하는 현대적인 방법과 비교하면 후속 조정이 가능한 사진이 르네상스 예술가들이 무엇을 위해 노력했는지 이해하는 데 도움이 될 것입니다.

르네상스 화가들은 자연의 결점을 바로잡을 권리가 있다고 믿었습니다.

성서적 장면을 묘사하면서 르네상스 예술가들은 성서적 이야기를 동시에 사용하면 사람의 지상 표현을 더 명확하게 묘사할 수 있음을 분명히 하려고 노력했습니다. 그 당시 예술가들의 작품에 익숙해지기 시작하면 타락, 유혹, 지옥 또는 천국이 무엇인지 이해할 수 있습니다. 마돈나의 같은 이미지는 우리에게 여성의 아름다움을 전달하고 지상의 인간 사랑에 대한 이해도 전달합니다.

따라서 르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다. 그 인지적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고, 자연스러움을 추구함에 있어 소소한 일상에 하강하지 않았다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.

결론

따라서 르네상스 또는 르네상스는 인류의 삶에서 예술과 과학의 엄청난 발전으로 특징지어지는 시대입니다. 르네상스는 인간을 삶의 최고의 가치로 선포했습니다.

예술에서 주요 주제는 무한한 영적, 창조적 가능성을 가진 사람이었습니다.르네상스 예술은 뉴 에이지 유럽 문화의 토대를 마련했으며 모든 주요 예술 유형을 근본적으로 바 꾸었습니다.

건축에서는 새로운 유형의 공공 건물이 개발되었습니다.그림은 선형 및 공중 원근법, 인체의 해부학 및 비율에 대한 지식으로 풍부해졌습니다.세속적 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 그림이 나타나고 유화가 나타났습니다. 예술가의 창의적인 개성이 예술에서 1 위를 차지했습니다.

르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다.예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.

의심 할 여지없이 르네상스는 인류 역사상 가장 아름다운 시대 중 하나입니다.

서지

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