에두아르 마네 바 폴리 베르제르 설명. 인상파 그림

"... 1881년 살롱에서 Manet은 사자 사냥꾼 Pertuise의 초상화에 대한 두 번째 메달인 오랫동안 기다려온 상을 기대합니다. 이제 Manet은 "경쟁에서 벗어난" 예술가가 되어 없이도 그의 작품을 전시할 권리가 있습니다. 살롱 심사위원의 동의.

Manet은 1882년 살롱을 위해 "무언가"를 하기를 희망합니다. ("경쟁에서 벗어남"). 그는 이것을 놓치지 않을 것입니다!

그러나 이제 그토록 어렵게 쟁취한 영광이 마침내 그에게 이르렀을 때, 그녀의 선물이 무력한 손에 넘어갈 것인가? 그가 자신의 수고와 고난에 대한 보상을 마침내 받게 될 때가 정말 정당한가. 모든 것이 끝날까요?.. 마네의 질병은 냉혹하게 진행됩니다. 그는 이것을 알고 괴로움이 그를 갉아먹고 그의 눈은 눈물로 흐려집니다. 살다! 살다! 갈기는 저항합니다. 그의 의지로는 병을 이겨낼 수 없었을까..

마네는 모든 의지를 모은다. 그들은 그를 너무 빨리 묻고 싶어합니다. 이제 Folies Bergère의 Bad 카페에있는 Tortoni 근처 카페 "New Athens"에서 그를 만날 수 있습니다. 친구에게 나는 세상의 절반을 줄 것입니다. 그리고 그는 아이러니하게도 항상 농담을 하며 자신의 아픈 다리, 즉 자신의 "병약함"에 대해 재미있습니다. Manet은 새로운 계획을 실행하고자 합니다. 새로운 장면 파리지앵 라이프, Folies Bergère 바의 전망 - 와인 병이 늘어선 바 뒤의 아름다운 Suzon; 이곳을 찾는 모든 단골손님에게 잘 알려진 수존.

Folies Bergère의 바는 그림 같은 섬세함과 비범한 대담함의 작품입니다. 카운터의 금발 Suzon; 뒤에-홀과 그것을 채운 청중을 반영하는 큰 거울. 그녀는 올림피아와 같은 검은 벨벳을 목에 걸고 요염하게 움직이지 않고 시선이 차갑고 환경에 대한 무관심에 흥분합니다.

이것 가장 복잡한 작업어렵게 진행됩니다. Mane이 그를 이기고 반복적으로 리메이크합니다. 1882년 5월, 그는 "V.K"라는 표시와 함께 Salon "Spring"과 "Bar in the Folies Bergère"에서 고민하면서 행복을 알고 있습니다. 그들은 더 이상 그의 캔버스를 비웃지 않습니다. 어떤 사람들이 여전히 자신을 비판하도록 허용한다면, 예를 들어 거울이있는 "바"의 구성과 반사 플레이가 너무 복잡하다면 "레버스"라고 부르면 모두 똑같이 Mane의 그림 진지하고 신중하게 고려되며 고려해야 할 작업으로 논의됩니다. 그러나 "V.K." 청중을 존중의 위치에 놓습니다. 이 두 편지의 뜻에 따라 Manet은 인정받는 예술가가 됩니다. 이 편지는 반성을 요구하고 동정심을 불러 일으키고 (감히 큰 소리로 표현하지 않기 전에) 적대적인 입을 다물고 ... "

"그의 마지막 위대한 작품인 The Bar at the Folies Bergère에서 예술가는 그가 그토록 소중히 여기고 생각하고 감탄하는 데 지치지 않는 삶에 작별을 고하는 것 같았습니다. 아마도 이전에는 주인의 그런 충만함으로 별도의 작품으로 표현된 세계관에는 한 사람에 대한 사랑, 그의 정신적이고 회화적인 시에 대한 그의 복잡하고 지각할 수 없는 타인과의 관계에 대한 관심, 존재의 나약함에 대한 감각, 세상과 접촉할 때의 밝은 기쁨과 그것을 관찰할 때 일어나는 아이러니." Folies Bergère의 바는 "Manet이 그러한 인내와 확신으로 평범하지 않은 삶에서 찾고 찾고 발견하고 주장한 모든 것을 흡수했습니다. 베스트 룩, 그의 작품에 포함되어 시끄러운 파리 선술집 카운터 뒤에 서있는이 어린 소녀로 구현되기 위해 함께 얽혀 있습니다. 동족과의 만남에서 즐거움을 찾는 곳, 재미가 지배하는 곳, 섬세한 주인의 이미지를 재발견하다 젊은 삶쓸쓸한 외로움에 잠겨 있습니다. 소녀를 둘러싼 세상은 헛되고 다면적이다. Manet은 이것을 이해하고 특히 그와 가까운 한 목소리 만 듣기 위해이 세상을 다시 "음소거 상태"에서 들리게 만듭니다. 얼굴, 반점 및 조명. 작가에게 물리적으로 드러나는 환상의 이중성은 소녀에게 바의 반짝이는 분위기를 소개하지만 오래 가지는 않습니다. Mane은 그녀가이 세상과 합쳐지고 녹아 내리는 것을 허용하지 않습니다. 그는 바텐더 자신이 뒤에서 비스듬히 보이는 카운터 바로 뒤에 위치한 거울에도 평범한 모습을 보이는 임의의 방문자와의 대화에서도 그녀를 내부적으로 끄게 만듭니다. 마치 그 반성에서 출발하듯 마네는 우리를 이 유령 같은 광경 전체의 유일한 진정한 현실로 돌려보낸다. 검은 벨벳으로 싸인 날씬한 인물은 거울, 대리석 카운터, 꽃, 과일, 반짝이는 병의 밝은 빛으로 둘러싸여 있습니다. 이 색채-빛-공기의 깜박임 속에서 오직 그녀만이 가장 눈에 띄게 현실적이고 가장 아름답고 반박할 수 없는 가치로 남아 있다. 아티스트의 브러시는 움직임을 늦추고 캔버스에 더 조밀하게 놓여 색상이 두꺼워지고 윤곽이 정의됩니다. 그러나 캔버스의여 주인공의 육체적 안정에서 마침내 생겨난 느낌은 유한하지 않습니다. 꿈에 몰두하고 주변의 모든 것에서 분리 된 소녀의 슬프고 약간 산만하고 당황한 모습은 다시 연약함을 불러 일으키고 그녀의 상태 파악하기 어렵습니다. 그녀의 구체적 소여의 가치는 그녀를 둘러싼 세계의 이중성과 조화를 이루어야 할 것 같았다. 그러나 그녀의 이미지 구조는 끝까지 지치지 않고 계속해서 상상력을 자극하고 슬픔과 기쁨이 섞인 시적 연관성을 불러 일으 킵니다.

모든 움직임이 심한 고통을 겪은 죽어가는 사람이 "바"를 만들었다는 것은 믿기 어렵습니다. 그러나 사실이다. Edouard Manet은 인생에서 부르주아 저속함, 속물적인 생각과 감정의 게으름, 드문 영혼과 마음을 가진 사람에 맞서 싸우는 투사 였기 때문에 죽기 전부터 투사로 남아있었습니다. 그가 찾고 있던 진정한 아름다움을 발견하기까지 험난한 길을 걸어온 현대 생활: 그는 그것을 열고 싶었고 단순하고 눈에 띄지 않는 사람들에게 그것을 열어 마음을 준 내면의 부를 찾았습니다.

A. Perryusho "Eduard Manet"의 저서 자료와 M. Prokofieva의 후기를 기반으로 합니다. - M.: 테라 - 북클럽. 2000. - 400p., 16p. 아픈.

Jacques Louis David의 그림 "The Oath of the Horatii"는 역사의 전환점입니다. 유럽 ​​회화. 양식적으로는 여전히 고전주의에 속합니다. 그것은 고대를 지향하는 스타일이며 언뜻보기에이 방향은 David에 의해 유지됩니다. 호라티우스 형제의 맹세는 로마의 애국자 호라티우스 3형제가 적대적인 도시 알바 롱가의 대표인 쿠리아티 형제에 맞서 싸우도록 선택되었다는 이야기를 바탕으로 합니다. Titus Livius와 Diodorus Siculus는 이 이야기를 가지고 있으며, Pierre Corneille은 그 줄거리에 대해 비극을 썼습니다.

“그러나 이 고전 문헌에서 누락된 것은 정확히 호라티우스의 맹세입니다.<...>맹세를 비극의 중심 에피소드로 바꾸는 것은 다윗입니다. 노인은 세 개의 칼을 들고 있습니다. 그는 중앙에 서 있고 그림의 축을 나타냅니다. 왼쪽에는 세 아들이 하나의 모습으로 합쳐지고 오른쪽에는 세 명의 여성이 있습니다. 이 그림은 놀랍도록 간단합니다. 다비드 이전에 고전주의는 라파엘과 그리스에 대한 모든 방향에 대해 그렇게 엄격하고 단순한 것을 찾을 수 없었습니다. 남성 혀시민의 가치를 표현하기 위해 David는이 캔버스를 볼 시간이 없었던 Diderot의 말을 듣는 것 같았습니다. "스파르타에서 말한대로 작성해야합니다."

일리야 도론첸코프

다윗 시대에 고대는 다음을 통해 처음으로 유형화되었습니다. 고고학적 발견폼페이. 그 이전에 고대는 호머, 버질 등 고대 작가들의 텍스트와 불완전하게 보존된 수십 또는 수백 개의 조각품의 합계였습니다. 이제 그것은 가구와 구슬에 이르기까지 유형이 되었습니다.

“그러나 David의 사진에는 그런 것이 없습니다. 그것에서 고대는 주변 환경 (헬멧, 불규칙한 검, 토가, 기둥)이 아니라 원시적 인 분노 단순성의 정신으로 현저하게 축소됩니다.

일리야 도론첸코프

다윗은 그의 걸작의 모습을 조심스럽게 연출했습니다. 그는 로마에서 그림을 그려 전시했고 그곳에서 열광적인 비판을 받았고 프랑스 후원자에게 편지를 보냈습니다. 그 안에서 작가는 어느 시점에서 왕을 위해 그림을 그리는 것을 중단하고 자신을 위해 그림을 그리기 시작했으며 특히 파리 살롱에서 요구하는 사각형이 아닌 직사각형으로 만들기로 결정했다고보고했습니다. 작가의 예상대로 루머와 편지는 대중의 흥분을 불러일으켰고, 이미 열린 살롱에서 그림은 유리한 자리에 예약됐다.

“그래서 뒤늦게 사진이 제자리를 잡고 유일하게 눈에 띕니다. 정사각형이라면 다른 행에 매달릴 것입니다. 그리고 크기를 변경하여 David는 고유한 크기로 만들었습니다. 그것은 매우 강력한 예술적 제스처였습니다. 한편으로 그는 캔버스를 만드는 데 자신을 주역으로 선언했습니다. 한편 그는 이 사진에 모두의 시선을 집중시켰다.

일리야 도론첸코프

사진은 하나 더 중요한 의미그것은 모든 시간을 위한 걸작이 됩니다:

“이 캔버스는 개인에게 호소력이 있는 것이 아니라 대열에 서 있는 사람을 의미합니다. 이것은 팀입니다. 그리고 이것은 먼저 행동하고 생각하는 사람에 대한 명령입니다. David는 교차하지 않고 절대적으로 비극적으로 분리 된 두 개의 세계, 즉 행동하는 남성의 세계와 고통받는 여성의 세계를 매우 정확하게 보여주었습니다. 그리고 이 병치 - 매우 활기차고 아름다운 - 는 Horatii의 이야기와 이 그림 뒤에 실제로 존재하는 공포를 보여줍니다. 그리고이 공포는 보편적이기 때문에 "호라티우스의 맹세"는 우리를 어디에도 두지 않을 것입니다.

일리야 도론첸코프 

추상적인

1816년 프랑스 호위함 메두사가 세네갈 해안에서 난파되었습니다. 140명의 승객이 뗏목을 타고 브리그를 떠났지만 15명만이 탈출했습니다. 그들은 12일간의 파도 위를 헤매며 살아남기 위해 식인 풍습에 의지해야 했습니다. 프랑스 사회에서 스캔들이 터졌습니다. 유죄 판결을받은 왕실 주의자 무능한 선장이 재난에 대해 유죄 판결을 받았습니다.

“자유주의 프랑스 사회의 경우 호위함 메두사의 재앙, 기독교인에게 공동체(처음에는 교회, 이제는 국가)를 상징하는 배의 침몰은 시작의 매우 나쁜 징조인 상징이 되었습니다. 새로운 복원 체제의.”

일리야 도론첸코프

1818년 젊은 화가 테오도르 제리코는 가치 있는 주제를 찾다가 생존자들의 책을 읽고 그림 작업에 착수했습니다. 1819년 이 그림은 파리 살롱에 출품되어 히트작이 되었고 회화에서 낭만주의의 상징이 되었습니다. Géricault는 식인 풍습의 가장 매혹적인 장면을 묘사하려는 의도를 재빨리 포기했습니다. 그는 찌르거나 절망하거나 구원의 순간을 보여주지 않았습니다.

“점차 그는 적절한 순간을 선택했습니다. 이것은 최대의 희망과 최대의 불확실성의 순간입니다. 이것은 뗏목에서 살아남은 사람들이 뗏목을 처음 통과 한 수평선에서 Argus brig를 처음 보는 순간입니다 (그는 눈치 채지 못했습니다).
그리고 나서야 충돌 코스를 가면서 그를 우연히 만났습니다. 아이디어가 이미 발견 된 스케치에서 "Argus"가 눈에 띄고 그림에서 수평선의 작은 점으로 바뀌어 사라지며 눈을 끌지 만 존재하지 않습니다.

일리야 도론첸코프

Gericault는 자연주의를 거부합니다. 수척한 신체 대신에 그의 사진에는 아름답고 용감한 운동 선수가 있습니다. 그러나 이것은 이상화가 아니라 보편화입니다. 그림은 특정 Meduza 승객에 관한 것이 아니라 모든 사람에 관한 것입니다.

"Géricault는 전경죽은. 그는 그것을 발명하지 않았습니다. 프랑스 청년은 죽은 시체와 부상당한 시체에 대해 열광했습니다. 그것은 흥분하고 신경을 곤두세우고 관습을 파괴했습니다. 고전주의자는 추악하고 끔찍한 것을 보여줄 수 없지만 우리는 그렇게 할 것입니다. 그러나이 시체에는 또 다른 의미가 있습니다. 그림 중간에 무슨 일이 일어나고 있는지보십시오. 폭풍이 있고 눈이 끌리는 깔때기가 있습니다. 그리고 시체 위로 그림 바로 앞에 서있는 시청자가이 뗏목을 밟습니다. 우리는 모두 거기에 있습니다."

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Géricault의 그림은 새로운 방식으로 작동합니다. 관중의 군대가 아니라 모든 사람에게 모든 사람이 뗏목에 초대됩니다. 그리고 바다는 1816년에 잃어버린 희망의 바다가 아닙니다. 이것이 사람의 운명입니다.

추상적인

1814년까지 프랑스는 나폴레옹에 싫증이 났고 부르봉 왕가의 도착은 안도감을 주었다. 그러나 많은 정치적 자유가 폐지되고 유신이 시작되었으며 1820년대 말에 젊은 세대는 권력의 존재론적 평범함을 깨닫기 시작했다.

“Eugène Delacroix는 나폴레옹 아래에서 일어 났고 Bourbons에 의해 밀려 난 프랑스 엘리트 계층에 속했습니다. 그럼에도 불구하고 그는 은총을 입었다. 금메달 1822년 살롱에서 첫 번째 그림인 단테의 배를 위해 그리고 1824년에 그는 그리스 독립 전쟁 중에 키오스 섬의 그리스 인구가 추방되고 파괴되었을 때 인종 청소를 묘사하는 그림 "키오스 학살"을 그렸습니다. 이것은 여전히 ​​매우 먼 나라에 영향을 미쳤던 회화의 정치적 자유주의의 첫 징후입니다.

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1830년 7월 찰스 10세는 정치적 자유를 심각하게 제한하는 몇 가지 법률을 통과시켰고 야당 신문의 인쇄기를 약탈하기 위해 군대를 보냈습니다. 그러나 파리지앵들은 총격으로 대응했고 도시는 바리케이드로 뒤덮였으며 "3개의 영광스러운 날" 동안 부르봉 정권이 무너졌습니다.

~에 유명한 그림들라크루아는 1830년의 혁명적 사건에 전념했으며, 모자를 쓴 멋쟁이, 부랑아 소년, 셔츠를 입은 노동자 등 다양한 사회 계층을 대표합니다. 그러나 물론 주요한 것은 젊습니다. 아름다운 여자벌거벗은 가슴과 어깨.

Delacroix는 거의 성공하지 못하는 분야에서 성공합니다. 19세기의 예술가세기, 점점 더 현실적인 사고. 그는 현실, 육체적으로 유형적이고 잔인한 (낭만주의가 사랑하는 전경의 시체를보십시오) 및 상징을 결합하기 위해 매우 한심하고 매우 낭만적이며 매우 울리는 하나의 그림에서 관리합니다. 이 순혈 여성은 물론 자유 그 자체이기 때문입니다. 18세기 이후의 정치적 발전으로 인해 예술가들은 보이지 않는 것을 시각화해야 했습니다. 어떻게 자유를 볼 수 있습니까? 기독교 가치는 그리스도의 삶과 그의 고통을 통해 매우 인간적인 것을 통해 사람에게 전달됩니다. 그리고 자유, 평등, 박애와 같은 정치적 추상화는 형태가 없습니다. 그리고 이제 Delacroix는 아마도 첫 번째이자 일반적으로이 작업에 성공적으로 대처 한 유일한 사람이 아닙니다. 이제 우리는 자유가 어떤 것인지 알고 있습니다.

일리야 도론첸코프

그림의 정치적 상징 중 하나는 민주주의의 영구 전령 상징인 소녀의 머리에 있는 프리기아 모자입니다. 또 다른 이야기 모티브는 알몸입니다.

“나체는 오랫동안 자연스러움 및 자연과 연관되어 왔으며 18세기에 이러한 연관성이 강제되었습니다. 프랑스 혁명의 역사는 대성당에있을 때 독특한 공연도 알고 있습니다. 파리의 노트르담누디 프랑스 연극자연을 그렸습니다. 그리고 자연은 자유이며 자연스러움입니다. 그리고 그것이 바로 이 만질 수 있고 관능적인 매력적인 여자수단. 그것은 자연의 자유를 의미합니다."

일리야 도론첸코프

이 그림이 들라크루아를 유명하게 만들었지만 곧 오랫동안 시야에서 사라졌고 그 이유는 분명합니다. 그녀 앞에 선 관객은 자유의 공격을 받는 자, 혁명의 공격을 받는 자의 입장에 있는 자신을 발견한다. 자신을 깔아뭉개버릴 거침없는 움직임을 바라보는 것이 매우 불편하다.

추상적인

1808년 5월 2일, 마드리드에서 반나폴레옹 반란이 일어났고, 도시는 시위대의 손에 넘어갔지만, 3일 저녁에는 스페인 수도 근처에서 반군에 대한 대량 처형이 이루어졌습니다. 이러한 사건들은 곧 게릴라전, 6년 동안 지속되었습니다. 끝나면 봉기를 기념하기 위해 화가 프란시스코 고야에게 두 개의 그림을 의뢰할 것입니다. 첫 번째는 "마드리드에서 1808년 5월 2일의 봉기"입니다.

“Goya는 공격이 시작된 순간, 전쟁을 시작한 나바호 최초의 공격을 정말 묘사합니다. 여기서 매우 중요한 것은 순간의 콤팩트함입니다. 카메라를 더 가까이 가져가는 듯, 그가 단독으로 움직이는 파노라마부터 가까운 계획, 또한 그 전에는 그렇게 존재하지 않았습니다. 또 다른 흥미로운 점이 있습니다. 여기서 혼돈과 찌르는 느낌이 매우 중요합니다. 당신이 미안하다고 느끼는 사람은 없습니다. 피해자가 있고 살인자가 있습니다. 그리고 충혈 된 눈을 가진이 살인자들, 스페인 애국자들은 일반적으로 도살에 종사하고 있습니다.

일리야 도론첸코프

두 번째 그림에서 캐릭터는 장소를 바꿉니다. 첫 번째 그림에서 잘린 사람, 두 번째 그림에서 잘린 사람이 총에 맞습니다. 그리고 거리 싸움의 도덕적 양가성은 도덕적 명확성으로 대체됩니다. 고야는 반란을 일으켜 죽은 사람들의 편입니다.

“적들은 이제 이혼했습니다. 오른쪽에는 살 사람들이 있습니다. 총을 든 제복을 입은 일련의 사람들입니다. David의 Horace 형제보다 훨씬 더 똑같습니다. 그들의 얼굴은 보이지 않으며 샤코는 로봇처럼 기계처럼 보이게 합니다. 이들은 인간의 모습이 아닙니다. 그들은 작은 공터에 범람하는 랜턴을 배경으로 밤의 어둠 속에서 검은 실루엣으로 눈에 띕니다.

왼쪽에는 죽은 사람들이 있습니다. 그들은 움직이고, 소용돌이치고, 몸짓을 하고, 어떤 이유로 사형 집행자보다 키가 더 큰 것 같습니다. 비록 주요 중심 인물- 주황색 바지와 흰 셔츠를 입은 마드리드 남자가 무릎을 꿇고 있습니다. 그는 여전히 키가 크고 언덕에 약간 있습니다.

일리야 도론첸코프

죽어가는 반란군은 그리스도의 자세에 서 있고 더 큰 설득력을 위해 Goya는 그의 손바닥에 성흔을 묘사합니다. 또한 작가는 항상 어려운 경험을하게 만듭니다. 실행 전 마지막 순간을 살펴보십시오. 마지막으로 Goya는 이해를 바꿉니다. 역사적 사건. 그 이전에는 사건이 의례적이고 수사적인 측면으로 묘사되었지만, 고야에서 사건은 순간, 격정, 비문학적 울부짖음입니다.

diptych의 첫 번째 사진에서 스페인 사람들이 프랑스 인을 학살하지 않는다는 것을 알 수 있습니다. 말의 발 아래로 떨어지는 라이더는 무슬림 의상을 입고 있습니다.
사실 나폴레옹 군대에는 이집트 기병 인 Mamelukes가 분리되어있었습니다.

“작가가 무슬림 전사를 프랑스 점령의 상징으로 바꾸는 것은 이상하게 보일 것입니다. 그러나 이를 통해 Goya는 동시대 사건을 스페인 역사의 연결 고리로 전환할 수 있습니다. 나폴레옹 전쟁 동안 자의식을 구축한 모든 국가에게 이 전쟁은 그 가치를 위한 영원한 전쟁의 일부임을 깨닫는 것이 매우 중요했습니다. 그리고 스페인 사람들을 위한 그러한 신화적 전쟁은 이슬람 왕국으로부터 이베리아 반도를 재정복하는 레콩키스타였습니다. 그리하여 고야는 다큐멘터리와 근대성에 충실하면서도 이 사건을 민족신화와 연결시켜 1808년의 투쟁을 영원한 투쟁국가와 기독교인을위한 스페인 사람.

일리야 도론첸코프

예술가는 도상학적인 실행 공식을 만들었습니다. Manet, Dix 또는 Picasso와 같은 그의 동료들은 실행 주제로 전환할 때마다 Goya를 따랐습니다.

추상적인

19세기의 회화 혁명은 사건 사진보다 더 가시적으로 풍경화에서 일어났다.

“풍경은 광학을 완전히 바꿉니다. 인간은 자신의 척도를 바꾸고 세상에서 다른 방식으로 자신을 경험합니다. 풍경은 습기가 가득한 공기와 우리가 몰입하는 일상의 세부 사항으로 우리 주변에 대한 사실적인 묘사입니다. 또는 그것은 우리 경험의 투사일 수도 있고, 일몰의 놀이나 즐거운 분위기에서 맑은 날우리는 우리 영혼의 상태를 봅니다. 그러나 두 가지 모드에 속하는 놀라운 풍경이 있습니다. 그리고 실제로 어느 쪽이 우세한지 알기가 매우 어렵습니다."

일리야 도론첸코프

이 이중성은 분명히 볼 수 있습니다. 독일 예술가카스파 다비드 프리드리히: 그의 풍경화는 발트해 연안의 자연에 대해 알려주는 동시에 철학적 진술을 나타냅니다. Friedrich의 풍경에는 ​​우울함이 남아 있습니다. 사람은 배경 너머로 거의 침투하지 않으며 일반적으로 시청자에게 등을 돌립니다.

그의 마지막 그림인 Ages of Life에서 전경에는 가족이 묘사되어 있습니다. 자녀, 부모, 노인입니다. 그리고 공간적 간격 뒤에-일몰 하늘, 바다 및 범선.

“이 캔버스가 어떻게 만들어졌는지 살펴보면 리듬 사이에 눈에 띄는 롤 콜을 볼 수 있습니다. 인물전경과 바다의 범선의 리듬. 여기 키가 큰 그림이 있고, 여기에 낮은 그림이 있고, 여기에 큰 범선이 있고, 여기 항해 중인 배가 있습니다. 자연과 범선 - 이것은 구체의 음악이라고 불리는 것입니다. 그것은 영원하며 사람에게 의존하지 않습니다. 전경에 있는 남자는 그의 유한한 존재이다. Friedrich의 바다는 종종 타자, 죽음에 대한 은유입니다. 그러나 신자인 그에게 죽음은 약속이다 영생우리가 알지 못하는 것입니다. 전경에 있는 이 사람들은 작고 서투르며 그다지 매력적으로 쓰여지지 않았습니다. 피아니스트가 구체의 음악을 반복하는 것처럼 범선의 리듬을 리듬으로 따릅니다. 이건 우리의 인간의 음악, 그러나 그것은 모두 Friedrich가 자연을 채우는 바로 그 음악과 운율이 맞습니다. 그러므로 이 캔버스에서 Friedrich는 내세 낙원이 아니라 우리의 유한한 존재가 여전히 우주와 조화를 이루고 있다고 약속하는 것 같습니다.

일리야 도론첸코프 

추상적인

그레이트 이후 프랑스 혁명사람들은 과거가 있다는 것을 깨달았습니다. 19세기에는 낭만주의 심미주의자들과 실증주의 역사가들의 노력을 통해 현대적인 아이디어이야기.

“19세기는 우리가 알고 있는 역사화를 창조했습니다. 이상적인 동기에 따라 이상적인 환경에서 행동하는 산만하지 않은 그리스 및 로마 영웅. 역사 XIX세기는 연극적이고 멜로 드라마틱 해지고 사람에게 다가 가고 이제 우리는 위대한 행위가 아니라 불행과 비극에 공감할 수 있습니다. 각 유럽 국가는 19 세기에 자체 역사를 만들었고 역사를 구성하면서 일반적으로 미래에 대한 초상화와 계획을 만들었습니다. 이런 의미에서 19 세기 유럽의 역사 그림은 연구하기에 매우 흥미롭지 만 제 생각에는 떠나지 않았고 진정으로 위대한 작품을 거의 남기지 않았습니다. 그리고 이 위대한 작품들 중에서 우리 러시아인들이 정당하게 자랑스러워할 수 있는 한 가지 예외가 있습니다. 이것은 Vasily Surikov의 "Streltsy 처형의 아침"입니다.

일리야 도론첸코프

외적 타당성을 지향하는 19세기 역사화는 대개 역사를 지휘하거나 실패하는 한 명의 영웅에 대해 이야기한다. 여기 Surikov의 그림은 놀라운 예외입니다. 그녀의 영웅은 그림의 거의 4/5를 차지하는 화려한 의상을 입은 군중입니다. 이 때문에 그림이 눈에 띄게 무질서한 것처럼 보입니다. 라이브 소용돌이 군중 뒤에는 일부가 곧 죽을 것입니다. 화려하고 동요하는 성 바실리 대성당이 있습니다. 얼어 붙은 피터 뒤에는 군인 줄, 교수대 줄-크렘린 벽의 흉벽 줄. 그림은 Peter와 Red-bearded Archer의 견해 결투로 함께 유지됩니다.

“사회와 국가, 국민과 제국 사이의 갈등에 대해 많은 말을 할 수 있습니다. 하지만 이 물건을 독특하게 만드는 더 많은 의미가 있는 것 같습니다. Wanderers 작업의 선전가이자 러시아 현실주의의 수호자 인 Vladimir Stasov는 그들에 대해 불필요한 것을 많이 썼고 Surikov에 대해 아주 잘 말했습니다. 그는 이런 종류의 그림을 "합창"이라고 불렀습니다. 실제로 그들은 하나의 영웅이 부족합니다. 하나의 엔진이 부족합니다. 사람이 원동력입니다. 그러나이 그림에서 사람들의 역할은 매우 명확하게 보입니다. 그의 노벨 강의에서 Joseph Brodsky는 진정한 비극은 영웅이 죽을 때가 아니라 합창단이 죽을 때라고 완벽하게 말했습니다.

일리야 도론첸코프

마치 캐릭터의 의지에 반하는 것처럼 Surikov의 그림에서 이벤트가 발생합니다. 여기서 예술가의 역사 개념은 분명히 Tolstoy의 개념에 가깝습니다.

“이 그림에서 사회, 사람, 국가는 분열된 것 같습니다. 검게 보이는 제복을 입은 베드로의 병사들과 흰 옷을 입은 궁수들은 선과 악으로 대비된다. 구성의 이 두 가지 불평등한 부분을 연결하는 것은 무엇입니까? 이것은 흰 셔츠를 입은 궁수로 처형을 당하고 제복을 입은 군인으로 그를 어깨로 지탱합니다. 그들을 둘러싼 모든 것을 정신적으로 제거한다면, 우리는 이 사람이 처형당하고 있다고 결코 생각할 수 없을 것입니다. 귀국길에 오른 두 친구로, 한 사람은 다정하고 따뜻한 마음으로 서로를 응원하고 있다. Petrush Grinev가 " 선장의 딸"Pugachevites는 전화를 끊었습니다. 그들은 마치 그들이 정말로 응원하고 싶었던 것처럼"두드리지 마세요, 두드리지 마세요 "라고 말했습니다. 역사의 의지에 의해 분열된 사람들이 형제애와 단결을 동시에 갖고 있다는 느낌은 나 또한 다른 곳에서는 알지 못하는 Surikov의 캔버스의 놀라운 품질입니다.”

일리야 도론첸코프 

추상적인

그림에서는 크기가 중요하지만 모든 대상을 큰 캔버스에 그릴 수 있는 것은 아닙니다. 다른 그림 전통은 마을 사람들을 묘사했지만 대부분 거대한 그림은 아니지만 이것은 정확히 Gustave Courbet의 "Funeral at Ornans"입니다. Ornan은 예술가 자신이 태어난 번영하는 지방 도시입니다.

“Courbet은 파리로 이사했지만 예술계의 일부가 되지는 않았습니다. 그는 학문적인 교육을 받지는 못했지만 강력한 손과 매우 강인한 눈, 큰 야망을 가졌습니다. 그는 항상 지방처럼 느껴졌고 Ornan에서 집에서 가장 좋았습니다. 그러나 그는 파리에서 거의 모든 삶을 살았고, 이미 죽어가는 예술과 싸우고, 이상화하고 장군에 대해, 과거에 대해, 아름다운 것에 대해 이야기하는 예술과 싸우며 현재를 주목하지 않습니다. 오히려 칭찬하고 오히려 기뻐하는 그러한 예술은 일반적으로 매우 큰 수요를 찾습니다. 쿠르베는 실제로 회화의 혁명가였지만 지금은 그의 혁명적 성격이 우리에게 그다지 명확하지 않습니다. 왜냐하면 그는 삶을 쓰고 산문을 쓰기 때문입니다. 그에게 혁명적이었던 가장 중요한 것은 그가 자신의 본성을 이상화하는 것을 멈추고 그가 본 그대로 또는 그가 본 것이라고 믿는 그대로 쓰기 시작했다는 것입니다.

일리야 도론첸코프

거대한 그림에서 거의 전체 높이약 50명이 묘사되어 있습니다. 그들 모두는 실존 인물이며 전문가들은 거의 모든 장례식 참가자를 확인했습니다. Courbet은 그의 동포들을 그렸고, 그들은 있는 그대로 그림에 들어가게 되어 기뻐했습니다.

“그러나 이 그림이 1851년 파리에서 전시되었을 때 스캔들을 일으켰습니다. 그녀는 그 순간 파리 대중이 익숙했던 모든 것에 반대했습니다. 그녀는 사물의 물질성을 전달하지만 아름답기를 원하지 않는 명확한 구성의 부족과 거칠고 조밀한 임파스토 그림으로 예술가들을 불쾌하게 했습니다. 그녀는 그가 누구인지 정말로 이해할 수 없다는 사실 때문에 평범한 사람을 두려워했습니다. 눈에 띄는 것은 프랑스 지방 청중과 파리지앵 사이의 의사 소통의 붕괴였습니다. 파리지앵들은 이 존경할 만한 부유한 군중의 이미지를 가난한 사람들의 이미지로 받아들였습니다. 비평가 중 한 사람은 "예, 이것은 불명예입니다. 그러나 이것은 지방의 불명예이며 파리에는 자체 불명예가 있습니다." 사실 추함 아래서 궁극의 진실성이 이해되었습니다.

일리야 도론첸코프

쿠르베는 이상화를 거부했고, 이것이 그를 19세기의 진정한 아방가르드 예술가로 만들었다. 그는 프랑스의 인기 판화와 네덜란드 판화에 중점을 둡니다. 그룹 초상화, 그리고 고대의 엄숙함. Courbet은 우리에게 독창성, 비극 및 아름다움에서 근대성을 인식하도록 가르칩니다.

“프랑스 미용실은 힘든 농민 노동, 가난한 농민의 이미지를 알고 있었습니다. 그러나 이미지 모드는 일반적으로 허용되었습니다. 농민들은 불쌍히 여겨야 했고, 농민들은 동정을 받아야 했습니다. 위에서 본 모습이었습니다. 공감하는 사람은 정의상 우선 순위에 있습니다. 그리고 Courbet은 그의 관중에게서 그러한 애용하는 공감의 가능성을 박탈했습니다. 그의 캐릭터는 장엄하고 기념비적이며 시청자를 무시하고 친숙한 세계의 일부로 만드는 그러한 접촉을 허용하지 않으며 고정 관념을 매우 강력하게 깨뜨립니다.

일리야 도론첸코프 

추상적인

19세기는 고대, 중세, 동양 등 다른 것에서 아름다움을 찾는 것을 선호했습니다. Charles Baudelaire는 근대성의 아름다움을 보는 법을 처음으로 배웠으며 Baudelaire가 볼 운명이 아닌 예술가, 예를 들어 Edgar Degas와 Edouard Manet의 그림으로 구현되었습니다.

“마네는 도발가입니다. 마네는 동시에 뛰어난 화가로서 그의 색의 매력, 색이 매우 역설적으로 결합되어 보는 사람으로 하여금 자신에게 묻지 않게 만듭니다. 뻔한 질문. 그의 그림을 자세히 살펴보면 왜 이 사람들을 여기로 데려왔는지, 그들이 서로 옆에서 무엇을 하고 있는지, 왜 이 물체들이 탁자 위에 연결되어 있는지 이해하지 못한다는 사실을 종종 인정해야 할 것입니다. 가장 간단한 대답은 다음과 같습니다. Manet은 주로 화가이고 Manet은 주로 눈입니다. 그는 색채와 질감의 조합에 관심을 갖고 있으며, 사물과 사람의 논리적 활용은 열 번째이다. 이러한 사진은 종종 콘텐츠를 찾는 시청자, 이야기를 찾는 시청자를 혼란스럽게 합니다. 갈기는 이야기를 하지 않습니다. 그가 치명적인 질병에 걸렸던 그 해에 이미 그의 최신 걸작을 만들지 않았다면 그는 놀랍도록 정확하고 세련된 광학 장치로 남을 수 있었을 것입니다.

일리야 도론첸코프

그림 "The Bar at the Folies Bergère"는 1882년에 전시되었는데, 처음에는 비평가들로부터 조롱을 받았고 곧 걸작으로 인정받았습니다. 주제는 20세기 후반 파리지앵의 삶에서 눈에 띄는 현상인 카페 콘서트입니다. 마네는 폴리 베르제르의 삶을 생생하고 확실하게 포착한 것 같다.

“그러나 Manet이 그의 그림에서 한 일을 면밀히 살펴보기 시작하면 무의식적으로 혼란스럽고 일반적으로 명확한 해결책을 얻지 못하는 수많은 불일치가 있음을 이해하게 될 것입니다. 우리가 보는 소녀는 판매원입니다. 그녀는 신체적 매력으로 방문자를 멈추고 그녀와 바람을 피우고 더 많은 음료를 주문해야합니다. 한편 그녀는 우리를 꼬시지 않고 우리를 꿰뚫어 본다. 테이블 위에는 따뜻한 샴페인 4병이 있는데 왜 얼음 위에 있지 않습니까? 안에 거울 반사이 병은 전경에 있는 테이블의 가장자리에 있지 않습니다. 테이블 위의 다른 모든 물체가 보이는 다른 각도에서 장미가 있는 유리가 보입니다. 그리고 거울 속의 소녀는 우리를 바라보는 소녀와 정확히 같지 않습니다. 그녀는 더 튼튼하고 모양이 더 둥글고 방문자쪽으로 몸을 기울였습니다. 일반적으로 그녀는 우리가 보고 있는 사람이 행동해야 하는 것처럼 행동합니다.

일리야 도론첸코프

페미니스트 비판은 그녀의 윤곽선을 가진 소녀가 카운터에 서있는 샴페인 병과 닮았다는 사실에 주목했습니다. 이것은 잘 조준된 관찰이지만 거의 철저하지 않습니다. 그림의 우울함, 여 주인공의 심리적 고립은 직접적인 해석에 반대합니다.

“이러한 광학 플롯과 심리적 수수께끼확실한 답이 없어 보이는 그림은 보들레르가 꿈꾸고 마네가 영원히 우리 앞에 남긴 아름답고 슬프고 비극적이며 일상적인 현대 생활의 느낌으로 무의식적으로 그녀에게 다시 접근하고 매번 이러한 질문을 던지게 만듭니다.

일리야 도론첸코프 

Edouard Manet - Folies Berger의 바 1882

바 인 더 폴리 버거
1882 96x130cm 유채/캔버스
Courtauld Institute of Art, 런던, 영국

Rewald John의 책에서. "인상주의의 역사" 1882년 살롱에서 지금은 경쟁에서 제외된 마네가 전시했습니다. 큰 그림뛰어난 기교로 쓰여진 인상적인 구성인 "Bar at the Folies Bergère". 그는 다시 한 번 붓의 힘, 관찰의 미묘함, 패턴을 따르지 않는 용기를 보여주었다. Degas와 마찬가지로 그는 현대 주제에 대한 끊임없는 관심을 계속 보여 주었지만 (그는 기관차 운전사까지 쓸 예정이었습니다) 냉담한 관찰자가 아니라 새로운 삶의 현상에 대한 연구자의 열렬한 열정으로 접근했습니다. 그건 그렇고, Degas는 그를 좋아하지 않았습니다. 마지막 사진"지루하고 정교하다"고 불렀습니다. "Folies Bergère의 바"는 Manet이 운동 실조증으로 심하게 고통 받기 시작하면서 많은 노력을 기울였습니다. 그는 대중이 다시 그의 그림을 이해하기를 거부하고 실행 기술이 아닌 줄거리만을 인식했을 때 실망했습니다.
Albert Wolf에게 보낸 편지에서 그는 반 농담 반 진담 반으로 이렇게 말했습니다.

살롱이 문을 닫은 후 마네는 마침내 공식적으로 레지옹 도뇌르의 슈발리에로 선포되었습니다. 그의 기쁨이 컸던 만큼 괴로움도 섞여 있었습니다. 평론가 Shesno가 그에게 축하와 선물을 주었을 때 친애하는 Riuwerkerke 백작, Manet은 날카롭게 대답했습니다. 20년의 실패를 보상하기 위해...

오랫동안 기다려온 사자 사냥꾼의 초상화에 대한 두 번째 상이 수여됩니다. Pertuise. 그 후 마네는 경쟁에서 제외되고 살롱 심사위원단의 허가 없이 그의 그림을 전시할 수 있습니다.
Mannet은 1882년 초 Art Salon에서 완전히 특이한 일을 하기로 결정합니다. 에게".
당신은 점성술과 별 예측을 믿습니까? 수백만 명의 사람들이 다양한 점성가들의 예측을 신뢰합니다. 그러한 예언자 중 전문가는 Pavel Globa입니다. Globa보다 별이 우리에게 무엇을 약속하는지 더 잘 아는 사람은 없습니다.
오랫동안 기다려온 영광이 마침내 그에게 오지만 그의 병은 냉혹하게 진행되고 그는 그것에 대해 알고 있기 때문에 그리움이 그를 갉아 먹습니다. Mane은 심각한 질병에 저항하려고 노력합니다. 그는 질병을 극복할 수 없습니까?
Manet은 그의 모든 힘과 의지를 모으기로 결정했지만 여전히 그를 일찍 묻으려고합니다. 그는 카페 "New Athens", 카페 Bad, Tortoni, Folies Bergère 및 그의 친구들에서 볼 수 있습니다. 그는 항상 농담과 아이러니를 시도하고 자신의 "약점"에 대해 재미 있고 다리에 대해 농담합니다. Manet은 자신의 새로운 아이디어를 구현하기로 결정합니다. 일상적인 파리 생활의 한 장면을 그리고 사랑스러운 소녀 Suzon이 카운터 뒤, 수많은 병 앞에 서있는 유명한 Folies Bergère 바의 전망을 묘사하는 것입니다. 그 소녀는 바를 정기적으로 방문하는 많은 사람들에게 알려져 있습니다.
그림 "폴리 베르제르의 바"는 특별한 용기와 그림 같은 미묘함의 작품입니다. 금발 소녀가 바 뒤에 서 있고 그녀 뒤에는 큰 거울이 있습니다. 큰 홀대중이 앉아있는 시설. 그녀는 목에 검은 벨벳에 장식이 있고 시선이 차갑고 요염하게 움직이지 않고 주변 사람들을 무관심하게 바라 봅니다.
이 복잡한 캔버스 플롯은 큰 어려움을 겪고 있습니다. 작가는 그것과 씨름하고 여러 번 리메이크합니다. 1882년 5월 초, 마네는 그림을 완성하고 살롱에서 그것을 생각하며 행복해집니다. 아무도 더 이상 그의 그림을 비웃지 않고 그의 모든 그림은 매우 진지하게 간주되며 실제 예술 작품으로 논쟁하기 시작합니다.
소유하다 마지막 작품그토록 아끼고, 그토록 동경하고, 많은 생각을 하던 삶에 작별을 고하듯이 만든 "폴리 베르제르의 바". 작품은 작가가 평범하지 않은 삶에서 그토록 오랫동안 찾고 찾아 헤매던 모든 것을 흡수했다. 시끄러운 파리 선술집에 서 있는 이 어린 소녀에게 최고의 이미지가 엮여 구현됩니다. 자신의 종족과 접촉하여 즐거움을 추구하는 이 시설에서 재미와 웃음이 지배하는 이곳, 젊고 예민한 주인은 슬픔과 외로움에 잠긴 젊은 삶의 모습을 드러낸다.
이 작품이 죽어가는 예술가에 의해 쓰여졌다는 것이 믿기지 않습니다. 그에게 손의 움직임은 고통과 고통을 안겨주었습니다. 그러나 그가 죽기 전에도 Edouard Manet은 여전히 ​​진정한 투사였습니다. 그는 힘든 일을 겪어야 했다 인생의 길그가 평생 찾아 헤매던 진정한 아름다움을 발견하기 전에 보통 사람들, 그들의 영혼에서 그가 마음을 준 내면의 부를 발견합니다.

구성

캔버스의 대부분은 거울이 차지합니다. 그림에 깊이를 더해주는 인테리어 아이템일 뿐만 아니라 플롯에 적극적으로 개입한다. 그의 반성에서 우리는 무슨 일이 일어나고 있는지 봅니다. 주인공실제로: 소음, 불빛의 유희, 그녀에게 말을 거는 남자. Manet이 현실로 보여주는 것과 동일한 것은 Suzon의 꿈의 세계입니다. 그녀는 마치 주변 출생 장면이 그녀와 전혀 관련이없는 것처럼 카바레의 번잡함에서 분리되어 그녀의 생각에 몰두합니다. 현실과 꿈은 장소를 바꿨다.

그림의 스케치

바텐더의 모습은 실제 몸과 다릅니다. 거울 속에서 소녀는 더 풍만해 보였고, 남자 쪽으로 몸을 기울여 그의 말을 들었습니다. 반면 클라이언트는 카운터에 진열된 것뿐만 아니라 소녀 자신도 제품으로 간주합니다. 이것은 샴페인 병에 의해 암시됩니다. 그들은 얼음 양동이에 속하지만 Manet은 그 모양이 소녀의 모습과 어떻게 유사한 지 볼 수 있도록 남겨 두었습니다. 당신은 병을 살 수도 있고, 유리잔을 살 수도 있고, 당신을 위해 이 병의 마개를 따줄 사람을 구할 수도 있습니다.

바 카운터는 바니타스 장르의 정물화와 흡사하며, 도덕적인 분위기로 구별되며 세상의 모든 것은 일시적이고 부패하기 쉽다는 것을 상기시킨다. 과일 - 가을의 상징, 장미 - 육체적 쾌락, 병 - 쇠퇴와 약점, 시드는 꽃 - 죽음과 퇴색하는 아름다움. Bass 라벨이 붙은 맥주병에 따르면 영국인들이 이 시설을 자주 방문했다고 합니다.

Folies Bergère의 바, 1881

그림 속에 너무나 밝고 명료하게 쓰여진 전등이 아마도 최초의 그런 이미지일 것이다. 당시 그러한 램프는 일상 생활의 일부가되었습니다.

문맥

Folies Bergère는 당시의 정신, 새로운 파리의 정신을 반영한 곳입니다. 이들은 카페 콘서트, 단정 한 옷차림의 남자들과 음란 한 옷차림의 여자들이 이곳에 모여 들었습니다. demimonde의 숙녀 회사에서 신사들은 술을 마시고 먹었습니다. 그 사이 무대에서 공연이 벌어지고 있었고 숫자는 서로 이어졌습니다. 그러한 시설의 품위있는 여성은 나타날 수 없습니다.

그건 그렇고, Folies-Bergere는 Folies-Trevize라는 이름으로 열렸습니다. 이것은 "Trevize의 잎사귀에서"(이름이 번역 된대로) 엿보는 눈에서 숨고 재미와 즐거움에 빠질 수 있음을 고객에게 암시했습니다. Guy de Maupassant는 현지 바텐더를 "술과 사랑의 판매자"라고 불렀습니다.

폴리 베르제르, 1880년

Manet은 Folies Bergère의 단골 이었지만 카페 콘서트 자체가 아니라 스튜디오에서 그림을 그렸습니다. 카바레에서 그는 Suzon (그런데 그녀는 실제로 술집에서 일했습니다)과 친구 인 군사 예술가 Henri Dupré가 스튜디오에서 포즈를 취한 여러 스케치를 만들었습니다. 나머지는 메모리에서 복원되었습니다.

"Bar in the Folies Bergère"가 마지막이었습니다. 큰 그림완성된 지 1년 만에 세상을 떠난 예술가. 말할 필요도없이 대중은 불일치, 결점, 마네를 아마추어로 비난하고 그의 캔버스를 적어도 이상하다고 생각 했습니까?

예술가의 운명

상류 사회에 속한 마네는 끔찍한 아이였습니다. 그는 아무것도 배우고 싶지 않았고 성공은 모든면에서 평범했습니다. 아버지는 아들의 행동에 실망했습니다. 그리고 그림에 대한 갈망과 예술가의 야망에 대해 알게 된 그는 완전히 재앙 직전에있었습니다.

타협이 발견되었습니다. Edward는 청년이 입학 준비를 할 수 있도록 돕기 위해 항해를 떠났습니다. 해양 학교(내가 말해야 할 곳에서 그는 처음으로 얻을 수 없었습니다). 그러나 Manet은 선원의 자질이 아니라 스케치와 스케치를 가지고 항해에서 브라질로 돌아 왔습니다. 이번에는 이 작품들을 좋아했던 아버지가 아들의 열정을 응원하며 예술가의 삶을 축복해주었다.

, 1863

초기 작품은 Manet이 유망하다고 말했지만 자신의 스타일, 플롯이 부족했습니다. Edward는 곧 자신이 가장 잘 알고 사랑하는 것, 즉 파리의 삶에 초점을 맞췄습니다. 걷기, Manet은 삶의 장면을 스케치했습니다. 그러한 스케치는 동시대 사람들에게 진지한 그림으로 인식되지 않았으며 그러한 그림은 잡지 및 보고서의 삽화에만 적합하다고 믿었습니다. 이것은 나중에 인상주의라고 불릴 것입니다. 그 동안 Manet은 Pissarro, Cezanne, Monet, Renoir, Degas와 같은 생각을 가진 사람들과 함께 그들이 만든 Batignolles 학교의 틀 내에서 자유로운 창의성에 대한 권리를 증명하고 있습니다.

, 1863

마네에 대한 일종의 고백은 1890년대에 나타났습니다. 그의 그림은 개인 및 공공 컬렉션에서 수집되기 시작했습니다. 그러나 그때까지 예술가는 더 이상 살아 있지 않았습니다.