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19세기의 외국 예술가들: 미술계의 가장 빛나는 인물들과 그들의 유산. 19세기 유럽의 예술문화 19세기 초 유럽의 예술가들

미술 서유럽 19세기 전반기.

19세기의 역사 1801년이 아니라 1789년에 열립니다. 엄청난 프랑스 혁명(1789-99) 군주제를 무너뜨리고 공화국을 세운 것은 오랫동안 유럽 문화의 발전을 결정했다. 자유, 평등, 박애. 그러나 그로부터 5년이 채 지나지 않아 자유는 전제정치로 변했고, 평등의 사상은 대량 처형으로 이어졌으며, 만인의 형제애라는 이름으로 공격적인 전쟁이 발발했습니다. 그럼에도 불구하고 세기의 주요 발견은 인간의 고유한 가치의 실현이었습니다.

XIX 세기 상반기의 예술에서. 두 가지 트렌드가 경쟁하다 신고전주의와 낭만주의. 신고전주의의 부상프랑스 혁명과 나폴레옹 1세의 통치 기간에 무너졌습니다. 이 스타일은 19세기의 첫 30년 동안 건축, 미술 및 장식 예술을 지배했습니다. 당시 사람들에게 고대 그리스와 로마인의 삶은 아름다움의 이상일 뿐만 아니라 그들이 건설하려는 세계의 모델이기도 했습니다. 유럽 문화의 새로운 방향 - 낭만주의(프랑스 낭만주의) - 젊은 세대의 견해를 표현 18~19세기로 접어들면서계몽주의의 공통된 진리에 실망을 경험했습니다. 낭만주의의 세계는 신비하고 모순적이며 무한합니다. 예술가는 자신의 작업에 다양성을 구현해야 했습니다. 메인 인 낭만적인 일- 작가의 감정과 상상. 낭만적 인 예술가에게는 예술의 법칙이 있었고 그럴 수 없었습니다. 결국 그가 만든 모든 것은 그의 영혼 깊은 곳에서 태어났습니다. 그가 존중하는 유일한 규칙은 자신에 대한 충성과 성실함이었습니다. 예술적 언어. 종종 낭만주의 창작물은 지배적 인 취향, 과실 및 불완전 함을 완전히 거부하여 사회에 충격을주었습니다.

건축학

19세기 전반에 유럽에서는 전례 없는 규모의 도시 계획이 전개되었습니다. 대부분의 유럽 수도인 파리, 상트페테르부르크, 베를린은 특유의 모습을 갖추었습니다. 건축 앙상블에서 공공 건물의 역할이 증가했습니다. XIX 세기 상반기의 신고전주의. 늦은 꽃을 경험. 세기 중반까지 유럽 건축의 주요 문제는 스타일을 찾는 것이었습니다. 고대에 대한 낭만적인 매력으로 인해 많은 거장들이 과거 건축의 전통을 되살리려 노력했습니다. 네오 고딕, 네오 르네상스, 네오 바로크 . 건축가의 노력은 종종 절충주의 - 요소의 기계적 연결 다른 스타일, 새 것으로 오래된.

프랑스 건축

프랑스 혁명 기간 동안 프랑스에는 내구성이 뛰어난 건축물이 하나도 건설되지 않았습니다. 이것은 임시 건물의 시대였습니다. 나폴레옹 프랑스의 예술에서 지배적 역할은 신고전주의에 남아 있었고 동시에 건축 양식은 특별한 화려 함과 엄숙함을 얻었고 건축 규모는 웅장해졌습니다. 나폴레옹 1세 시대의 신고전주의는 제국(프랑스 제국 - "제국")이라고 불렸습니다. 그것은 보나파르트 장군이 만든 국가의 위대함과 힘을 상징하기로 되어 있었습니다. 건축 분야에서 나폴레옹의 주요 사건은 파리의 재건이었습니다.

가브리엘 자크 앙주 (1698-1782) - XVIII 세기의 프랑스 최대 건축가. 신고전주의의 창시자 중 한 명.

파리의 루이 15세 광장(Place de la Concorde). 1753-75년

베르사유의 쁘띠 트리아농. 1762-64년

콩피에뉴 성. 1751-88

파리의 군사 학교. 1751-75년

수플로 자크 제르맹(1713-1780) 프랑스 건축가.

신고전주의의 대표.

장 레페르, 자크 공두앵 – 프랑스 건축가.

Austerlitz에서 프랑스 군대의 승리를 기리기 위해 나폴레옹의 명령에 따라 Vendôme 광장의 승리 기둥이 세워졌습니다. 처음에는 "Austerlitskaya"라고 불렸고 "승리의 기둥"으로 이름이 바뀌었고 나중에는 "대군의 기둥"으로 이름이 변경되었습니다.

파리 방돔 광장의 개선문.

1806-10년 높이 44m; 베이스 폭 3.67m

파리의 성 Genevieve(판테온) 교회. 1757-90년대

영국의 건축

18세기 전반 영국 건축에서. 네오 고딕 양식이 확립되었습니다. 그의 가장 인상적인 사례 중 하나는 건축가 런던의 의회 앙상블(1840-1868)이었습니다. 찰스 배리 경(1795-1860)

의회 1840-68.

건축가 장 프랑수아 찰그린 .

파리의 회전목마 광장에 있는 개선문.

1806-07 (17.6 x 10 x 14.6m(길이, 깊이, 높이)).

건축가 Ch. Persier, P.F.L. 퐁텐.

파리의 샤를 드골 광장에 있는 개선문.

1806-37년 높이 50m, 폭 45m

회전목마 광장의 개선문(Arc de Triomphe) 입구 게이트튈르리 궁전은 프랑스 무기의 위대한 승리를 기념하기 위해 나폴레옹의 명령에 의해 세워졌습니다. 아치를 장식하는 부조는 울름과 아우스터리츠에서 나폴레옹 군대의 승리 장면을 묘사합니다. 1815 년까지 아치는 이전에 베니스의 산 마르코 대성당 외관을 장식했던 승리의 청동 전차로 장식 된 후 조각가 F.J. 보시오.

Austerlitz 전투 (1805)에서 연합군에 대한 프랑스 황제의 승리를 기리기 위해 나폴레옹의 명령에 따라 미래 Zvezda Square (현재 Charles de Gaulle Square)의 중심에 대군의 개선문이 놓였습니다. 오스트리아와 러시아. 그녀의 철탑은 30대입니다. 19 세기 조각 부조로 장식되었습니다. 유명한 구성을 포함하여 프랑수아 루다(1784-1855) "1792년 지원병 연설(마르세예즈)"(1833-36). 1921년부터 아치형 천장 아래에는 제1차 세계 대전에 참전한 무명의 용사의 무덤이 있습니다.

독일 건축 XIX 세기 상반기 독일에서 가장 큰 건축 중심지. 베를린이었다. 이 기간의 독일 건축 학교의 발전은 주로 두 명의 주인의 작업을 결정했습니다. 칼 프리드리히 쉰켈(1781-1841)과 레오 폰 클렌체(1784-1864).

오래된 박물관. 1824-28년 아치. K.F.Shinkel.

베를린 드라마 극장.1819.Arch.K.F.Shinkel.

새로운 경비실.1816-18. 아치. K.F.Shinkel.

벤더 교회. 1824년 베를린에서. 건축가 K.F.Shinkel.

유럽의 조각품 초기 XIX V.

19세기 초 유럽 조각의 경험 짧은 기간전성기. 하지만 이미 20대. 그것은 쇠퇴와 침체에 길을 내주었다. 지배적이고 가장 유익한 스타일은 신고전주의였다. 예술에 대한 관심 고대 그리스고대 로마는 유비쿼터스였으며 유명한 고대 걸작의 소유는 당시 국제 정치에서 중요한 문제가되었습니다.

낭만주의는 조각에 개인에 대한 관심을 불러일으켰습니다. 20-30년대 유럽의 여러 도시에 세워진 과거의 위대한 인물들을 기리는 수많은 기념비가 그의 영향력을 증명합니다. 19 세기 전반적으로 일반화 된 예술적 언어를 가진 조각은 우리 눈앞에서 문자 그대로 변화하는 삶의 다양한 인상을 담을 수 없었습니다. 셰프 19세기 미술세기는 회화였고, 조각은 80년대까지 오랫동안 사소하고 따분한 자연주의의 길을 따라야 했다. 프랑스 거장 오귀스트 로댕은 그녀의 높은 운명을 돌려주지 않았습니다.

카노바 안토니오(1757-1822) -이탈리아의 조각가이자 화가.

Thorvaldsen Bertel(1768/1770-1844)- 덴마크의 조각가.

샤도우 요한 고트프리트(1754-1850) 신고전주의를 대표하는 독일의 조각가.

다이달로스와 이카로스. 1777-79년

베를린의 브란덴부르크 문에 승리의 인물이 있는 Quadriga. 1793년

바르샤바의 니콜라우스 코페르니쿠스 기념비. 1829-30년대

테세우스와 미노타우로스. 1781-83년

제우스의 독수리에게 먹이를 주는 가니메데. 1817년

프레데리카 공주. 1795년

스페인 회화번창한 후 XVII 세기스페인 회화는 쇠퇴했습니다. 그 예술가들은 이탈리아와 프랑스 전통의 영향을 받아 작업했으며 그들의 캔버스는 약하고 모방적이었습니다. XVIII 세기 후반. 스페인이 변했다. 프랑스 부르봉 왕조의 찰스 3세(1759-88)는 당대에 진보적인 견해를 가지고 있었습니다. 계몽 사상의 정신으로 국가를 변화시키려는 그의 고문들은 교회의 권력을 제한하는 개혁을 수행했습니다. 이때 인재상이 생겼다. 프란시스코 고야 (1746-1828) -스페인 화가

알바 공작부인의 초상화. 1797년

식기 판매자. 1778년

찰스 4세의 가족. 1800년

프랑스 회화

XIX 세기 전반기. 프랑스어 학교회화는 서유럽 예술에서 우위를 강화했습니다. Theodore Géricault와 Eugene Delacroix는 그들의 자유로운 방식과 색채를 창의적으로 수용하여 인상주의의 탄생을 준비했으며, 현대 회화. XIX 세기 초까지. 프랑스 예술가들 사이에서 일반적으로 인정받는 지도자는 자크 루이 다비드(Jacques Louis David, 1748-1825)로, 회화에서 신고전주의의 가장 일관된 대표자이자 그의 격동의 시대에 대한 민감한 연대기 작가입니다. David의 작품은 뚜렷한 저널리즘 방향을 가지고 있으며 아티스트는 고대의 이미지를 통해 영웅적인 이상을 표현하려고 합니다.

제리코 테오도르(1791-1824) - 프랑스 화가그리고 차트.

설립자 로맨틱 디렉션시각 예술에서.

황실 근위대의 기마 순찰대 장교,

공격에 나섭니다. 1812년

뗏목 "메두사". 1818-19년

들라크루아 외젠(1798-1863) - 프랑스 화가이자 그래픽 아티스트. 시각 예술의 로맨틱 트렌드의 선두 주자.

탕헤르 광신자. 1837-38년

인민을 이끄는 자유(바리케이드에서의 자유). 1830년

다비드 자크 루이(1746-1825) - 프랑스 화가. 프랑스 혁명 이전 시대에 최대 대표자소위 "혁명적"고전주의.

호라티우스의 맹세. 1784년

세인트 버나드를 건너는 나폴레옹. 1800년

앵그르 도미니크(1780-1867) - 프랑스의 화가, 기안가, 음악가. 프랑스 신고전주의를 대표하는 Ingres는 뛰어난 마스터입니다. 초상화 장르. 초상화 외에도 그는 성경, 신화, 우화, 문학 주제에 대한 그림을 그렸습니다.

그로 장 앙투안(1771-1835) - 프랑스의 화가이자 그래픽 아티스트. 가장 중요한 이정표를 포착한 나폴레옹 서사시의 연대기 작가이자 나폴레옹 1세의 공식 화가. 생성된 초상화와 전투 그림, 영웅의 정신에 부채질.

Eylau 전장의 나폴레옹. 1808년

백작 부인 "Ossonville. 1845

드 브로글리 공주. 1851-53년

독일 회화

19세기 초 독일 사회적, 정치적 고조를 경험했습니다. 1813년 나폴레옹의 정복과 해방 전쟁에 대한 저항은 독일의 애국심을 보편화시켰고, 300개의 독일 왜소 국가의 신민들은 스스로를 하나의 민족으로 인식했습니다. 그해 독일에는 중세에 대한 열정이 강했고 국가 역사와 문화에 대한 관심이 높아졌습니다. 독일은 18세기 말부터 19세기 전반까지 유럽 문화의 경향인 낭만주의 역사에서 예외적인 역할을 했습니다.

룽게 필립 오토(1777-1810) - 독일의 화가, 그래픽 아티스트, 미술 이론가. 독일 회화의 창시자이자 낭만주의의 거장 중 한 사람.

이집트행 비행기에서 휴식을 취하십시오. 1805-06년

화가의 아내의 초상. 1807년

작가의 부모와 손자들의 초상. 1806년

프리드리히 카스파 다비드(1774-1840) - 독일의 화가, 기안가 및 조각가. 낭만주의 대표. 풍경화가.

거대한 산들. 1835년

얼음에서 "Nadezhda"의 죽음. 1824년

떠다니는 구름. 1820년경

비더마이어 회화 Biedermeier (독일 Biedermeier)는 10-40 년대에 발전한 독일과 오스트리아의 예술 스타일입니다. 19 세기 그 이름은 1855-57년에 출판된 L. Eichrodt와 A. Kussmaul의 패러디 유머시에서 그에게 주어졌습니다. 뮌헨 잡지 중 하나에서. 그들의 가상 작가인 교사 Gottlieb Biedermeier는 겸손한 평신도입니다. 안일하고 감상적이며 불운하며 조용한 삶과 안락함을 사랑하는 사람입니다. Biedermeier 그림은 작은 형식의 캔버스, 일반적으로 신중하고 섬세한 글쓰기 방식, 묘사 된 장면의 행동 부재, 작은 세부 사항에 대한 선호가 특징입니다. Biedermeier는 때때로 아이러니로 채색 된 시적 세계관으로 낭만주의의 예술적 경험을 마스터했지만 동시에이 스타일의 극단을 부드럽게하고 평신도의 갈등없는 성격에 따라 "길들여졌습니다". Biedermeier 마스터는 초상화, 풍경 및 기타 장르에 손을 대었지만 일상적인 그림이 가장 명확한 스타일 표현이 되었습니다.

발트뮐러 페르디난트 게오르그(1793-1865) 오스트리아 화가. 유럽 회화의 가장 위대한 거장 중 한 명 19세기 중반 V. Biedermeier의 대표적인 대표자.

골동품 분화구의 꽃다발. 1840년경

Mödling 근처 산 풍경입니다. 1859년

나사렛 사람들 (독일 사람 나자레너), 공식적인 세인트 루크 연합(독일어) 루카스번트)

- 그룹화 19세기 독일과 오스트리아의 낭만주의 화가 15 세기 예술의 인도를받은 중세 시대와 초기 르네상스 시대의 거장들의 스타일을 되살리려 고 노력한 사람. 그들의 그림의 대부분은 기독교, 역사적 또는 우화적인 주제에 대한 그림이며, 그들의 스타일은 고전주의의 유산이며 낭만주의 이데올로기의 영향으로 이에 대한 반응입니다. 운동의 주요 인물들은 프리드리히 오버베크와 피터 코르넬리우스.

요한 프리드리히 오버베크 ( 1789 - 1869 ) - 독일의 예술가, 그래픽 아티스트, 일러스트레이터.

로마 바르톨디 가문의 프레스코 사이클

피터 요제프 폰 코르넬리우스 ( 1783 - 1867 ) - 독일 예술가.

슬기롭고 어리석은 처녀들. 좋아요. 1813년

선술집, 1820년경

영국 회화

영국 회화에서 18세기 왕립 예술 아카데미의 초대 회장인 조슈아 레이놀즈에 의해 기초를 다진 학문 학교는 19세기 전반에 걸쳐 지배적인 위치를 유지했습니다. 그러나 그해 가장 눈에 띄는 현상은 학업 환경에서 사소하고 사소한 장르로 인식되는 풍경이었습니다. 한편으로는 세계에 대한 진정한 반영에 대한 열망, 단순한 시골 풍경의 본질적 가치에 대한 주장, 다른 한편으로는 열정과 폭력적인 경험의 세계로서의 자연 -이 모든 것이 생생하게 표현되었습니다. 영국 예술가들의 작품. 영국의 예술은 낭만주의 시대에 접어들었습니다.

윌리엄 블레이크(1757-1827) - 영국의 시인, 화가, 삽화가. 복잡하고 모호한 성격의 블레이크는 당시 낭만주의 정신을 구현한 상징적인 인물이었다.

우주의 창조주.

시 "유럽"의 앞부분. 1794년

유감. 1795년경

경호 존(1776-1837) - 영국 화가. Constable은 가벼운 공기 환경의 떨림을 재현하면서 신선하고 즉각적으로 평범한 시골을 묘사했습니다.

건초 마차. 1821년

백마. 1819년

윌리엄 터너(1775-1851) -영국 화가는 성경적, 신화 적, 역사적 주제로 바뀌어 특이한 조명 효과를 전달하기 위해 자연의 힘의 극적인 투쟁을 구체화하기 위해 낭만적 인 환상에 대한 성향을 드러 냈습니다.

칼레의 두더지. 프랑스 인은 바다로 갈 준비를하고 있습니다. 영국 여객선이 도착합니다. 1803년

노예선. 1840년

배 "용감한"의 마지막 항해. 1838년

복수 예술적 방향 19세기는 근대화 과정의 결과였다. 사회의 예술적 삶은 이제 교회의 지시와 궁정계의 유행에 의해서만 결정되는 것이 아닙니다. 사회 구조의 변화는 사회의 예술에 대한 인식의 변화로 이어졌습니다. 예술 작품을 독립적으로 평가할 수 있는 부유하고 교육받은 사람들의 새로운 사회 계층이 등장하고 취향의 요구 사항에만 초점을 맞춥니다. 19세기에 형성되었다. 대중문화; 재미있는 줄거리가 있는 장편 소설을 인쇄한 신문과 잡지는 20세기 예술에서 텔레비전 연재물의 원형이 되었습니다.

19세기 전반에 유럽에서는 전례 없는 규모의 도시 계획이 전개되었습니다. 대부분의 유럽 수도인 파리, 상트페테르부르크, 베를린은 특유의 모습을 갖추었습니다. 건축 앙상블에서 공공 건물의 역할이 증가했습니다. 1889년 만국박람회 개막을 기념해 세운 유명한 에펠탑은 파리의 상징이 됐다. 에펠탑은 신소재인 금속의 기술적 능력을 보여주었다. 그러나 원래의 예술적 솔루션은 즉시 인식되지 않았으며 타워는 괴물이라고 불리는 철거를 요구했습니다.

XIX 세기 상반기의 신고전주의. 늦은 전성기를 경험했으며 이제는 제국 (프랑스 "제국"에서 유래)이라는 이름을 얻었습니다. 이 스타일은 나폴레옹이 만든 제국의 위대함을 표현했습니다. 세기 중반까지 유럽 건축의 주요 문제는 스타일을 찾는 것이었습니다. 고대에 대한 낭만적 인 매력으로 인해 많은 거장들이 과거 건축의 전통을 되살리려 고 노력했습니다. 이것이 바로 네오 고딕, 네오 르네상스, 네오 바로크가 발생한 방식입니다. 건축가의 노력은 종종 절충주의로 이어졌습니다. 즉, 오래된 것과 새로운 스타일의 요소를 기계적으로 결합한 것입니다.

안에 예술적인 삶계몽주의 이데올로기에 대한 실망을 반영하여 19세기 전반기에 낭만주의가 만연했습니다. 낭만주의는 특별한 세계관이자 삶의 방식이 되었습니다. 사회가 이해하지 못하는 사람의 낭만적 이상은 그 상류층의 행동 방식을 형성합니다. 낭만주의는 현실과 상상의 두 세계가 대립하는 것이 특징입니다. 현실은 영혼이없고 비인간적이며 사람에게 합당하지 않고 그를 반대하는 것으로 간주됩니다. 현실 세계의 '삶의 산문'은 이상과 꿈과 희망의 세계인 '시적 현실'의 세계와 대립한다. 동시대의 현실에서 악덕의 세계를 바라보며 낭만주의는 인간을 위한 탈출구를 찾으려 한다. 이 출구는 동시에 사회로부터의 이탈이다. 다른 옵션: 영웅이 자신의 길로 들어갑니다. 내면 세계, 현실 공간의 한계를 넘어 또 다른 시간의 배려. 낭만주의는 과거, 특히 중세 시대를 이상화하기 시작하여 현실, 문화 및 가치를 서리로 간주합니다.

외젠 들라크루아(Eugene Delacroix, 1798-1863)는 회화에서 프랑스 낭만주의의 머리가 될 운명이었습니다. 이 작가의 지칠 줄 모르는 상상력은 강렬하고 투쟁과 열정으로 가득 찬 삶으로 여전히 캔버스에 살아있는 이미지의 전 세계를 창조했습니다. Delacroix는 종종 William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott의 작품에서 동기를 얻었으며 프랑스 혁명의 사건, 국가 역사의 다른 에피소드 ( "Battle of Poitiers")로 전환했습니다. Delacroix는 주로 알제리인과 모로코인을 중심으로 아프리카 여행 중에 본 동양인의 수많은 이미지를 포착했습니다. The Massacre on the Island of Chios (1824)에서 Delacroix는 당시 유럽 전체를 걱정했던 터키 통치에 대한 그리스인의 투쟁을 반영했습니다. 그림의 전경에있는 고통받는 포로 그리스인 그룹에는 슬픔에 휩싸인 여성과 죽은 어머니의 가슴으로 기어가는 아이가 있으며, 작가는 오만하고 잔인한 처벌 자의 인물을 대조했습니다. 멀리 불타는 폐허가 된 도시가 보입니다. 이 그림은 인간 고통의 숨막히는 힘과 비정상적으로 대담하고 경쾌한 색채로 동시대 사람들을 강타했습니다.

혁명의 패배와 왕정복고로 끝난 1830년 7월 혁명의 사건들은 들라크루아에게 영감을 주어 유명한 그림"바리케이드 위의 자유"(1830). 프랑스 공화국의 삼색 깃발을 든 여성은 자유를 상징합니다. 바리케이드 위의 자유의 이미지 0 투쟁의 의인화.

스페인 화가 프란시스코 고야(Francisco Goya, 1746-1828)는 세계적으로 유명한 낭만주의의 대표자였으며, 고야는 비교적 늦게 주요 화가로 발전했습니다. 첫 번째 중요한 성공은 그에게 마드리드의 산타 바바라 왕립 제조소를 위해 제작된 수많은 태피스트리의 두 시리즈(1776-1791)를 가져왔습니다("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " 혼례"). 90년대. Goya의 작업에서 XVIII 세기, 비극의 특징, "오래된 질서"의 봉건-성직 스페인에 대한 적대감이 커지고 있습니다. 도덕적, 영적, 정치적 기반의 추악함 Goya는 민속 자료를 제공하는 기괴하고 비극적 인 형태로 "Caprichos"(작가의 의견이 포함 된 80 장) 에칭 시리즈에서 드러납니다. 예술적 언어의 대담한 참신함, 선과 획의 날카로운 표현력, 빛과 그림자의 대비, 그로테스크와 현실의 결합, 알레고리와 환상, 사회적 풍자와 현실에 대한 냉정한 분석은 새로운 발전의 길을 열었습니다. 조각의 집합입니다. 1790년대에서 1800년대 초에 Goya의 초상화 작업은 놀라운 외로움(Senora Bermudez의 초상화), 용감한 대결과 환경에 대한 도전(F. Guimardet의 초상화), 신비의 향기와 숨겨진 관능미 ( "옷을 입은 마자"및 "누드 마하"). 황실의 오만함과 육체적 정신적 비열함을 작가는 놀라운 신념으로 포착했다. 그룹 초상화"카를로스 4세의 가족". 깊은 역사주의, 열정적 인 항의는 프랑스 개입에 대한 투쟁에 전념하는 Goya의 큰 그림 ( "마드리드에서 1808 년 5 월 2 일 봉기", "1808 년 5 월 3 일 밤 반군 총격"), 철학적으로 일련의 에칭에 스며 듭니다. "전쟁의 재난"( 82 시트, 1810-1820) 사람들의 운명을 이해합니다.

프란시스코 고야 "카프리초스"

문학에서 예술가 인식의 주관성이 상징주의에 의해 발견된다면 회화에서도 인상주의에 의해 유사한 발견이 이루어진다. 인상주의 (프랑스 인상-인상)는 19 세기 중반 프랑스에서 시작된 유럽 회화의 경향입니다. 인상파 화가들은 그림의 세부 사항을 피하고 특정 순간에 눈이 보는 것의 일반적인 인상을 포착하려고 노력했습니다. 그들은 색상과 질감의 도움으로 이 효과를 달성했습니다. 인상주의의 예술적 개념은 주변 세계의 가변성을 자연스럽고 자연스럽게 포착하여 덧없는 인상을 전달하려는 욕구에 기반했습니다. Barbizon 학교의 예술가들은 인상주의 발전을위한 비옥 한 땅을 마련했습니다. 그들은 자연에서 스케치를 처음으로 그렸습니다. "빛과 공기의 한가운데에서 본 것을 그린다"는 원칙은 인상파의 외광 회화의 기초를 형성했습니다.

1860년대에 젊은 장르 화가 E. Manet, O. Renoir, E. Degas는 삶을 관찰하는 신선함과 직접성, 즉석 상황, 형태와 구성의 불안정성과 불균형, 특이한 각도와 관점을 묘사하여 프랑스 회화에 영감을 주려고 노력했습니다. 야외 작업은 캔버스에 반짝이는 눈의 느낌, 자연 색상의 풍부함, 환경에서 물체의 용해, 빛과 공기의 진동을 만드는 데 도움이 되었습니다. 인상주의 예술가들은 사물과 환경의 관계, 변화하는 환경에서 사물의 색상과 색조 변화에 대한 연구에 특별한 관심을 기울였습니다. 낭만주의자와 현실주의자와 달리 그들은 더 이상 역사적 과거를 묘사하는 경향이 없었습니다. 현대성은 그들의 관심 분야였습니다. 작은 파리 카페의 삶, 시끄러운 거리, 그림 같은 세느 강둑, 기차역, 다리, 눈에 띄지 않는 시골 풍경의 아름다움. 예술가들은 더 이상 첨예한 사회 문제에 손을 대려 하지 않는다.

Edouard Manet (1832-1883)의 작업은 회화의 새로운 방향 인 인상주의를 예상했지만 작가 자신은 인상파의 영향으로 마음을 다소 바꾸었지만이 운동에 참여하지 않았습니다. 창의적인 방식. Manet은 자신의 프로그램을 다음과 같이 선언했습니다. 동시에 대부분의 Manet 작품에는 최소한의 줄거리도 포함하여 조치가 없었습니다. 파리는 도시 군중, 카페와 극장, 수도의 거리와 같은 Manet의 작업에 대한 끊임없는 동기가 됩니다.

에두아르 마네 "폴리 베르제르의 바"

에두르 마네 '튈르리의 음악'

인상주의라는 이름은 Claude Monet(1840-1926)의 “인상. 해돋이".

모네의 작품에서 선행 가치빛의 요소를 얻었습니다. 70년대까지. 19 세기 놀라운 "Boulevard des Capucines"는 그 중 하나입니다. 캔버스에 던진 붓놀림은 먼 거리로 향하는 바쁜 거리의 관점, 그것을 따라 움직이는 끝없는 마차의 흐름, 쾌활한 축제 군중을 모두 전달합니다. 그는 동일하지만 다르게 조명된 관찰 대상으로 많은 그림을 그렸습니다. 예를 들어 아침, 정오, 저녁, 달빛, 비 등의 건초 더미.

인상주의의 많은 업적은 "행복의 화가"로 미술사에 입문한 Pierre-Auguste Renoir(1841-1919)의 작품과 관련이 있습니다. 그는 자신의 그림에서 매혹적인 여성과 고요한 아이들, 즐거운 자연과 아름다운 꽃의 특별한 세계를 정말로 창조했습니다. 르누아르는 평생 동안 풍경을 그렸지만 그의 직업은 여전히 한 남자의 이미지였습니다. 그는 장르 그림을 그리는 것을 좋아했는데, 놀라운 활기로 파리 거리와대로의 번잡함, 카페와 극장의 게으름, 시골 산책의 활기와 야외 휴가를 재현했습니다. 야외에서 그린이 모든 그림은 색채의 울림으로 구별됩니다. 그림 "Moulin de la Galette"(몽마르뜨 댄스홀 정원의 포크 무도회)는 르누아르 인상주의의 걸작입니다. 춤의 활기찬 리듬, 젊은 얼굴의 번쩍임을 추측합니다. 구도에 급격한 움직임이 없고, 색점의 리듬감으로 생동감이 생긴다. 그림의 공간 구성은 흥미 롭습니다. 전경은 위에서 주어지고 앉은 인물은 댄서를 가리지 않습니다. 수많은 초상화는 어린이와 어린 소녀들이 지배하고 있으며, 이 초상화에서 "고양이를 든 소년", "팬을 든 소녀"와 같은 그의 기술이 드러났습니다.

모든 전시회에 적극적으로 참여한 Edgar Degas (1834-1917)는 인상파의 모든 원칙과는 거리가 멀었습니다. 자연의. Degas의 작업에서 중요한 위치는 벌거 벗은 여성의 몸을 묘사하는 일련의 그림으로 가득 차 있습니다. 최근 몇 년 동안 그의 그림 중 많은 부분이 "화장실에 있는 여자"에 바쳐졌습니다. 많은 작품에서 Degas는 삶의 특성에 의해 생성 된 사람들의 행동과 외모의 특이성을 보여주고 전문적인 제스처, 자세, 사람의 움직임, 그의 플라스틱 아름다움 ( "Ironers", "Laundresses with 리넨"). 사람들의 삶, 일상 활동의 미학적 중요성을 확인하는 데 Degas 작업의 독특한 휴머니즘이 반영됩니다. Degas의 예술은 아름답고 때로는 환상적이며 평범한 것의 조합에 내재되어 있습니다. 많은 발레 장면 ( "Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson")에서 극장의 축제 정신을 전달합니다.

후기인상주의는 신인상주의의 첫 작품을 선보인 마지막 인상주의전이 열렸던 1886년부터 입체파와 야수파의 형태로 완전히 새로운 미술의 탄생을 예고한 1910년대까지를 아우른다. 후기인상주의라는 용어는 1910년 런던에서 반 고흐, 툴루즈 로트렉, 쇠라, 세잔 등의 작품을 선보인 프랑스 근대 미술 전시회에 대한 전반적인 인상을 표현한 영국 비평가 로저 프라이에 의해 소개되었습니다. 예술가.

이전에 인상주의에 합류한 많은 후기 인상주의자들은 순간적이고 일시적일 뿐만 아니라 매 순간 주변 세계의 장기적인 상태를 이해하기 시작하는 방법을 찾기 시작했습니다. 후기 인상주의는 순수 예술의 후속 발전에 영향을 준 다양한 창작 시스템과 기법을 특징으로 합니다. 반 고흐의 작품은 표현주의의 도래를 예고했고, 고갱은 아르누보의 길을 열었습니다.

빈센트 반 고흐(1853-1890)는 가장 인상적인 예술적 이미지패턴과 색상을 합성(결합)하여 반 고흐의 기법은 점, 쉼표, 수직선, 실선입니다. 도로, 침대 및 고랑은 실제로 멀리 떨어져 있으며 덤불은 불처럼 땅에서 타 오릅니다. 그는 하나의 포착된 순간이 아니라 순간의 연속성을 묘사했다. 그는 바람에 구부러진 나무의 효과가 아니라 땅에서 나무가 자라는 모습을 묘사했습니다. 반 고흐는 모든 것을 무작위로 우주로 바꾸는 방법을 알고있었습니다. 반 고흐의 영혼은 밝은 색상을 요구했고, 그는 자신이 가장 좋아하는 밝은 노란색조차도 힘이 부족하다고 동생에게 끊임없이 불평했습니다.

별이 빛나는 밤은 반 고흐가 밤하늘을 묘사한 첫 번째 시도가 아닙니다. 1888년 Arles에서 그는 Rhone 강의 별이 빛나는 밤을 그렸습니다. 반 고흐는 별이 빛나는 밤을 우리가 바라볼 때 인지할 수 있는 것보다 더 놀라운 자연을 창조할 수 있는 상상력의 예로 묘사하고 싶었습니다. 현실 세계.

고조된 현실 인식과 정신적 불균형이 반 고흐를 정신 질환. 고갱은 아를에 머물게 되지만, 창의적 차이로 말다툼이 일어난다. 반 고흐는 예술가의 머리에 유리잔을 던진 다음 고갱이 떠날 의사를 선언한 후 면도칼로 그에게 몸을 던집니다. 같은 날 저녁 미친 듯이 작가는 자신의 귀를 자른다(“귀에 붕대를 감은 자화상”).

폴 고갱(1848-1903)의 작품은 그의 비극적인 운명과 뗄래야 뗄 수 없는 관계입니다. 고갱의 문체개념에서 가장 중요한 것은 색채에 대한 이해였다. 에 대해. 작가가 1891년에 떠난 타히티는 폴리네시아 예술의 원시적 형태의 영향을 받아 장식성, 평면 형태 및 매우 순수한 색상으로 구별되는 그림을 그렸습니다. Gauguin의 "이국적인"그림 - "질투하니?", "그녀의 이름은 Vairaumati입니다", "과일을 들고있는 여자"- 예술가의 감정 상태만큼 사물의 자연스러운 특성을 반영하지 않고 상징적 의미그들이 생각한 이미지. 고갱의 그림 스타일의 특징은 뚜렷한 장식 효과, 캔버스의 큰 평면을 한 가지 색상으로 칠하려는 욕구, 옷감, 카펫 및 풍경 배경에 존재하는 장식에 대한 사랑입니다.

폴 고갱 "결혼할 때" "과일을 들고 있는 여자"

XIX 세기 문화의 가장 중요한 업적. 사진과 디자인의 예술의 출현입니다. 세계 최초의 카메라는 1839년 Louis Jacques Mande Daguerre에 의해 만들어졌습니다.

작동 가능한 카메라를 만들려는 Daguerre의 초기 시도는 실패했습니다. 1827년에 그는 또한 카메라를 발명하려고 노력하고 있던(그때쯤에는 약간 더 성공을 거두었던) Joseph Niépce를 만났습니다. 2년 후 그들은 파트너가 되었습니다. Niépce는 1833년에 사망했지만 Daguerre는 계속해서 열심히 일했습니다. 1837년에 그는 마침내 다게레오타입(daguerreotype)이라고 하는 실용적인 사진 시스템을 개발할 수 있었습니다. 이미지(daguerreotype)는 요오드 증기로 처리된 은판에서 얻어졌습니다. 3-4시간 동안 노출시킨 후, 플레이트를 수은 증기에서 현상하고 일반 염 또는 하이포아황산염의 뜨거운 용액으로 고정했습니다. daguerreotypes는 이미지 품질이 매우 높았지만 한 장만 촬영할 수 있었습니다.

1839년 Daguerre는 자신의 발명품을 발표했지만 특허를 신청하지는 않았습니다. 이에 대한 응답으로 프랑스 정부는 그와 Niépce의 아들에게 평생 연금을 수여했습니다. Daguerre의 발명 발표는 큰 센세이션을 일으켰습니다. Daguerre는 그날의 영웅이되었고 명성이 그에게 떨어졌고 daguerreotype 방법은 빠르게 널리 적용되었습니다.

사진의 발달은 수정을 가져왔다 예술적 원리그래픽, 회화, 조각, 결합 예술 및 다큐멘터리, 다른 예술 형식에서는 달성할 수 없습니다. 디자인의 기틀은 1850년 런던에서 열린 국제 산업 박람회에서 마련되었습니다. 그 디자인은 예술과 기술의 융합을 표시하고 새로운 종류의 창의성의 토대를 마련했습니다.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce 및 Niepce의 카메라 옵스큐라

조셉 니세포르 니에프스. 주석과 납의 합금으로 찍은 세계 최초의 사진, 1826년.

Daguerre의 "화가의 작업실", 1837

1870년대에 엘리샤 그레이와 알렉산더 그레이엄 벨이라는 두 명의 발명가가 전기를 통해 음성을 전달할 수 있는 장치를 독립적으로 개발했으며 나중에 이를 전화라고 불렀습니다. 둘 다 특허청에 각각의 특허를 보냈고, 출원의 차이는 불과 몇 시간이었습니다. 그러나 Alexander Graham Bell)이 먼저 특허를 받았다.

전화와 전신은 전선을 기반으로 하는 전기 시스템입니다. Alexander Bell 또는 그의 발명품의 성공은 전화기를 발명하면서 전신을 개선하려고 시도했기 때문에 매우 자연스러운 일이었습니다. Bell이 전기 신호로 실험을 시작했을 때 전신은 이미 약 30년 동안 통신 수단으로 사용되었습니다. 전신은 점과 대시를 사용하여 문자를 표시하는 모스 부호 기반의 상당히 성공적인 통신 시스템이었지만, 전신의 가장 큰 단점은 정보가 한 번에 하나의 메시지만 주고받을 수 있다는 점이었습니다.

Alexander Bell은 첫 번째 전화 모델에서 말합니다.

알렉산더 그레이엄 벨(Alexander Graham Bell)이 만든 최초의 전화기는 전기를 사용하여 인간의 말소리를 전달하는 장치였습니다(1875). 1875년 6월 2일 알렉산더 그레이엄 벨은 자신이 "조화 전신기"라고 부르는 기술을 실험하던 중 전선을 통해 소리를 들을 수 있다는 사실을 발견했습니다. 시계소리였다.

Bell의 가장 큰 성공은 1876년 3월 10일에 달성되었습니다. 벨은 옆방에 있던 그의 조수인 토마스 왓슨과 튜브를 통해 오늘날 모두가 알고 있는 말을 했습니다. Watson-이리와-보고 싶어요.”(Mr. Watson-이리와-보고 싶어요). 이때 전화가 탄생했을 뿐만 아니라 다중전신도 죽었다. 전기를 통해 대화가 가능함을 입증하는 의사소통의 잠재력은 점과 대시를 사용하여 정보를 전송하는 시스템으로 전신이 제공할 수 있는 것과는 매우 달랐습니다.

영화의 개념은 Louis Jean과 Auguste Lumiere 형제가 개발한 영화 제작 및 상영 시스템을 나타내는 프랑스어 버전인 "시네마"에서 처음 등장했습니다. 첫 번째 영화는 1888년 11월 영국에서 프랑스인 Louis Aimé Augustin Le Prinecy(1842–1890)가 무비 카메라로 촬영했으며 두 개의 단편으로 구성되었습니다. 초당 사진. 그러나 공식적으로 영화는 1895년 12월 28일에 시작되었다고 믿어집니다. 이날 프랑스 파리 카푸신 대로(Boulevard des Capucines) 인도 살롱 '그랑 카페(Grand Cafe)'에서는 '뤼미에르 형제의 시네마토그래프' 공개 상영회가 열렸다. 1896년에 형제들은 자신들의 발명품으로 런던, 뉴욕, 봄베이를 방문하는 세계 여행을 했습니다.

Louis Jean Lumiere는 산업 학교를 졸업하고 사진 작가였으며 아버지가 소유한 사진 공장에서 일했습니다. 1895년 뤼미에르는 "움직이는 사진"을 촬영하고 투사하기 위한 영화 카메라를 발명했습니다. 그의 형제 Auguste Lumiere는 영화 발명에 대한 그의 작업에 적극적으로 참여했습니다. 이 장치는 특허를 받았으며 영화라고 불 렸습니다. Lumiere의 첫 번째 영화 프로그램은 "Lumiere 공장에서 일하는 노동자의 출구", "기차 도착", "Child 's breakfast", "Sprinkled waterer"등 현장에서 촬영 된 장면을 보여주었습니다. 흥미롭게도 프랑스어로 뤼미에르라는 단어는 "빛"을 의미합니다. 우연일 수도 있고 영화 제작자의 운명이 미리 결정되었을 수도 있습니다.

그것은 19 세기 서유럽 회화의 대표자들로부터 이어지며 프랑스는 당시 (17 세기 이후) 여전히 세계 문화의 중심지로 간주되었으며 낭만주의는 시대를 연 예술적 스타일로 간주되었습니다. 이상하게도 인터넷에서는 19 세기 프랑스 인보다 일반적으로 낭만주의 대표자에 대한 정보를 찾는 것이 훨씬 쉽습니다. 예를 들어 웹사이트 smollbay.ru에서 제공하는 정보를 참조하면 프랑스뿐만 아니라 다른 국가의 낭만주의 예술가를 나열할 수 있습니다. 그건 그렇고, 19 세기 회화의 낭만주의 대표자 목록은 창시자 중 한 명인 스페인 프란시스코 고야로 시작해야합니다. 또한 여기에는 고전주의와 낭만주의 사이의 경계선 상태를 차지하는 Jacques Louis David와 "진정한 낭만주의자"인 Theodore Géricault와 Eugene Delacroix의 이름을 포함할 수 있습니다.

낭만주의는 프랑스에서 시작된 사실주의 회화로 대체되고 있습니다. 이 방향에 대한 상당히 큰 내용은 " 백과사전 Brockhaus and Efron”의 텍스트는 인터넷(dic.academic.ru)에서 읽을 수 있습니다. 우선 프랑스 순수 예술의 사실주의 대표자는 Honore Daumier, Gustave Courbet 및 Jean-Francois Millet을 포함합니다.

역사상 가장 밝은 페이지 중 하나 프랑스 회화- 인상주의의 출현과 발전. hudojnik-impressionist.ru,impressionism.ru 사이트와 이 주제에 대한 수많은 인쇄 출판물(예: "인상파")을 참조하여 인상파 예술가에 대한 정보를 찾는 것은 매우 쉽습니다. Illustrated Encyclopedia" 이반 모신의 "인상주의. 황홀한 순간' 나탈리아 시넬니코바의 '세계회화의 역사' 인상주의' 나탈리아 스코로보가트코. 여기의 주요 거장은 Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas입니다.

신인상주의와 후기 인상주의의 대표자에 대한 정보는 그다지 일반적이지 않습니다. 이미 언급한 사이트 smollbay.ru 또는 Elena Zorina의 저서 "The History of World Painting"에서 찾을 수 있습니다. 인상파의 발전. 우선 Georges Seurat, Paul Signac, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec의 이름으로 목록을 보충해야 합니다.
Pre-Raphaelism과 같은 19 세기 후반 영국 회화의 이러한 추세는 점점 더 대중화되고 있습니다. 대표자의 이름은 웹 사이트 dic.academic.ru, restorewiki.ru 또는 Ivan Mosin의 "Pre-Raphaelism"책 "The History of World Painting"에서 찾을 수 있습니다. Natalia Mayorova와 Gennady Skokov의 빅토리아 시대 회화와 라파엘 전파'. 이 추세의 주요 마스터는 Dante Gabriel Rossetti, John Everett Milles, William Holman Hunt, William Morris, Edward Burne-Jones입니다.

19세기 러시아 회화의 거장

www.art-portrets.ru, art19.info 또는 많은 러시아 회화 백과사전 중 하나와 같은 사이트에 연락하여 19세기 러시아 예술가 목록을 작성하는 것이 훨씬 쉽습니다. 여기서 우리는 낭만주의의 대표자(Orest Kiprensky, Vasily Tropinin, Karl Bryullov), 낭만주의에서 사실주의로의 전환을 대표하는 예술가(Alexander Ivanov, Pavel Fedotov), 마지막으로 유명한 방랑자(Ilya Repin, Ivan Kramskoy, Vasily Perov, Vasily Surikov, Alexei Savrasov, Ivan Shishkin, Isaac Levitan, Viktor Vasnetsov 및 기타 다수).

19세기 예술가들의 목록을 작성하는 것은 그리 어려운 일이 아닙니다. 정보를 찾고 정리하는 데 약간의 노력을 기울이면 됩니다.

고전주의, 아트 스타일 유럽 예술 17~19세기 초, 가장 중요한 특징 중 하나는 이상적인 미적 및 윤리적 기준으로서 고대 예술 형식에 대한 호소였습니다. 바로크 양식과 날카롭게 논쟁을 벌이면서 발전한 고전주의는 17세기 프랑스 예술 문화에서 통합적인 문체 체계로 발전했습니다.

범 유럽 스타일이 된 18 ~ 19 세기 초의 고전주의 (외국 미술사에서는 신고전주의라고도 함)도 주로 프랑스 문화의 품에서 형성되어 사상의 강한 영향을 받았다. 계발. 건축에서는 새로운 유형의 절묘한 맨션, 웅장한 공공 건물, 열린 도시 광장 (Gabrielle Jacques Ange 및 Souflo Jacques Germain)이 결정되었으며, 새롭고 정렬되지 않은 건축 양식에 대한 검색, 작업의 가혹한 단순성에 대한 열망 Ledoux Claude Nicolas는 고전주의 후기 단계인 제국의 건축을 예상했습니다. 플라스틱(Pigalle Jean Baptiste 및 Houdon Jean Antoine), 장식적인 풍경(Robert Hubert)에 결합된 시민적 감정과 서정. 역사 및 초상화 이미지의 대담한 드라마는 프랑스 고전주의 화가 Jacques Louis David의 작품에 내재되어 있습니다. 19세기에 고전주의 회화는 장 오귀스트 도미니크 앵그르(Jean Auguste Dominique Ingres)와 같은 개별 거장들의 활동에도 불구하고 공식 변증적이거나 가식적인 에로틱한 살롱 예술로 전락한다. 로마는 18세기에서 19세기 초에 유럽 고전주의의 국제적 중심지가 되었으며, 그곳에서 학계의 전통이 지배적이었고 형태의 고귀함과 냉정한 이상화의 특징적인 조합(독일 화가 Anton Raphael Mengs, 조각가: 이탈리아 Canova Antonio와 Dane Thorvaldsen Bertel ). 독일 고전주의의 건축은 Johann Gottfried Schadow의 조각품 인 8 월의 초상화와 Wilhelm Tischbein의 초상화와 조형 예술의 명상적이고 우아한 분위기를 위해 Karl Friedrich Schinkel 건물의 심각한 기념비가 특징입니다. 영국 고전주의에서는 Robert Adam의 유물, William Chambers의 Palladian 공원 사유지, J. Flaxman의 정교하고 엄격한 그림 및 J. Wedgwood의 도자기가 눈에 띕니다. 이탈리아, 스페인, 벨기에, 스칸디나비아 국가, 미국의 예술 문화에서 발전한 고유한 고전주의 변형; 1760~1840년대의 러시아 고전주의는 세계 예술사에서 뛰어난 위치를 차지하고 있습니다.

19세기의 1/3이 끝날 무렵, 고전주의의 주역은 거의 보편적으로 사라지고 다양한 형태의 건축적 절충주의로 대체되었습니다. 고전주의의 예술적 전통은 19세기 말과 20세기 초의 신고전주의에서 살아납니다.

장 오귀스트 도미니크 앵그르, (1780-1867) - 일반적으로 19세기 유럽 학술주의의 지도자로 인정받는 프랑스 예술가.
Ingres의 작품에서 - 순수한 조화를 추구합니다.
툴루즈 아카데미에서 공부 미술. 아카데미를 졸업한 후 파리로 이주하여 1797년 자크 루이 다비드의 제자가 되었다. 1806-1820년에 그는 로마에서 공부하고 일한 다음 피렌체로 이사하여 4년을 더 보냈습니다. 1824년 파리로 돌아와 회화학교를 열었다. 1835년에 그는 프랑스 학술원의 원장으로 다시 로마로 돌아왔다. 1841년부터 죽을 때까지 파리에서 살았다.

Academism (fr. academisme)은 17-19 세기 유럽 회화의 경향입니다. 학술 회화는 유럽의 미술 아카데미가 발전하는 동안 발생했습니다. 19 세기 초 학술 회화의 문체 적 기초는 19 세기 후반의 절충주의 인 고전주의였습니다.
학계는 다음과 같이 성장했습니다. 외부 양식고전 예술. 추종자들은 이 스타일을 고대 고대와 르네상스의 예술 형식에 대한 반영으로 특징지었습니다.

앵그르. Riviere 가족의 초상화. 1804-05

낭만주의

낭만주의- 부르주아 체제가 낳은 현상. 전망과 스타일처럼 예술적 창의성그것은 그 모순을 반영합니다: 적절한 것과 실제, 이상과 현실 사이의 간극. 계몽주의의 인본주의적 이상과 가치의 실현 불가능성에 대한 인식은 두 가지 대안을 낳았다. 세계관 위치. 첫 번째의 본질은 기본 현실을 경멸하고 순수한 이상의 껍질에 닫히는 것입니다. 두 번째의 본질은 경험적 현실을 인식하고 이상에 대한 모든 추론을 폐기하는 것입니다. 낭만적 인 세계관의 출발점은 현실에 대한 공개적인 거부, 이상과 실제 존재 사이의 극복 할 수없는 심연에 대한 인식, 사물 세계의 불합리성입니다.

그것은 현실에 대한 부정적인 태도, 비관주의, 실제 일상 현실 외부에 있는 역사적 세력의 해석, 신비화 및 신화화를 특징으로 합니다. 이 모든 것이 현실 세계가 아니라 환상의 세계에서 모순의 해결을 모색하도록 촉발했습니다.

낭만적인 세계관은 과학, 철학, 예술, 종교 등 영적 삶의 모든 영역을 포괄합니다. 두 가지 버전이 있습니다.

첫 번째 - 그 안에서 세계는 무한하고 얼굴이 없는 우주적 주관성으로 나타났습니다. 정신의 창조적 에너지는 여기에서 세계 조화를 만드는 시작으로 작용합니다. 이 버전의 낭만적인 세계관은 세계에 대한 범신론적 이미지, 낙관주의, 고상한 감정이 특징입니다.

두 번째는 그 안에서 인간의 주체성은 개별적이고 개인적으로 고려되며, 외부 세계와 갈등하는 개인의 내면적 자기 심화 세계로 이해된다는 점이다. 이 태도는 세상에 대한 서정적으로 슬픈 태도 인 비관주의가 특징입니다.

낭만주의의 초기 원칙은 "두 세계"였습니다. 실제 세계와 상상 세계의 비교와 반대입니다. 상징주의는 이 이중적인 세계를 표현하는 방식이었다.

낭만주의 상징주의는 환상과 현실 세계의 유기적 결합을 나타내며, 이는 은유, 과장, 시적 비교의 출현으로 나타납니다. 낭만주의는 종교와 밀접한 관련이 있음에도 불구하고 유머, 아이러니, 몽상이 특징입니다. 낭만주의는 음악이 모든 예술 영역의 모델이자 규범이라고 선언했으며, 낭만주의에 따르면 삶의 요소 자체, 자유의 요소 및 감정의 승리가 들렸습니다.

낭만주의의 출현은 여러 가지 요인 때문이었습니다. 첫째, 사회정치적: 1769-1793년의 프랑스 혁명, 나폴레옹 전쟁, 독립 전쟁 라틴 아메리카. 둘째, 경제: 산업 혁명, 자본주의의 발전. 셋째, 고전 독일철학의 영향을 받아 형성되었다. 넷째, 기존의 틀을 기반으로 그리고 그 틀 안에서 형성되었다. 문학 스타일: 계몽주의, 감상주의.

낭만주의의 전성기는 1795-1830년입니다. -유럽 혁명과 민족 해방 운동의 시대, 낭만주의는 특히 독일, 영국, 러시아, 이탈리아, 프랑스, 스페인의 문화에서 두드러졌습니다.

낭만주의 경향은 인도주의 분야에 큰 영향을 미쳤고, 실증주의 경향은 자연 과학, 기술 및 실용 분야에 큰 영향을 미쳤습니다.

장 루이 앙드레 테오도르 제리코 (1791-1824).
Jacques-Louis David 학교의 원칙에 따르지 않고 자연을 옮기는 방법에 화가 난 C. Vernet (1808-1810)과 P. Guerin (1810-1811)의 짧은 시간 학생 루벤스에 대한 중독이지만 나중에 Gericault의 열망의 합리성을 인정했습니다.
왕실 총사대에서 복무하면서 Gericault는 주로 전투 장면을 썼지만 1817-19년에 이탈리아를 여행한 후였습니다. 그는 크고 복잡한 그림 "메두사의 뗏목"(파리 루브르 박물관에 위치)을 실행하여 Davidic 경향을 완전히 부인하고 사실주의에 대한 설득력있는 설교가되었습니다. 음모의 참신함, 구성의 깊은 드라마 및이 훌륭하게 쓰여진 작품의 삶의 진실은 즉시 인정되지 않았지만 곧 학문적 스타일의 지지자들에게도 인정되었고 재능 있고 용감한 혁신가로서 예술가의 명성을 얻었습니다. .

비극적 긴장과 드라마 1818년 Gericault는 프랑스 낭만주의의 시작을 알린 그림 The Raft of the Medusa를 작업했습니다. 친구를 위해 포즈를 취한 들라크루아는 회화에 대한 모든 통념을 깨는 구성의 탄생을 목격했다. Delacroix는 나중에 완성 된 그림을 보았을 때 "기뻐서 미친 사람처럼 달려 갔고 집까지 멈출 수 없었다"고 회상했습니다.
그림의 줄거리는 1816년 7월 2일 세네갈 해안에서 발생한 실제 사건을 기반으로 합니다. 그런 다음 아프리카 해안에서 40리그 떨어진 Argen의 여울에서 호위함 Medusa가 난파되었습니다. 승객과 승무원 140명은 뗏목을 타고 탈출을 시도했다. 그들 중 15명만이 살아남았고 방황 12일째 되는 날 아르고스 영창에 의해 픽업되었습니다. 생존자들의 항해에 대한 자세한 내용은 현대인에게 충격을 주었다. 여론, 그리고 추락 자체는 배 선장의 무능력과 희생자 구출 시도의 부족으로 인해 프랑스 정부의 스캔들로 바뀌 었습니다.

비유적인 해결책
거대한 캔버스는 표현력이 인상적입니다. Gericault는 죽은 자와 살아있는 자, 희망과 절망을 하나의 그림으로 결합하여 생생한 이미지를 만들었습니다. 사진은 거대한 준비 작업이 선행되었습니다. Gericault는 병원에서 죽어가는 사람들과 사형수의 시체에 대한 수많은 스케치를 만들었습니다. 메두사의 뗏목은 제리코가 완성한 마지막 작품입니다.
1818년 Gericault가 프랑스 낭만주의의 시작을 알린 "메두사의 뗏목" 그림을 작업할 때 친구를 위해 포즈를 취한 Eugene Delacroix는 그림에 대한 모든 일반적인 생각을 깨뜨리는 구성의 탄생을 목격했습니다. Delacroix는 나중에 완성 된 그림을 보았을 때 "기뻐서 미친 사람처럼 달려 갔고 집까지 멈출 수 없었다"고 회상했습니다.

대중의 반응
Géricault가 1819년 살롱에서 The Raft of the Medusa를 전시했을 때 이 그림은 대중의 분노를 불러일으켰습니다. 그 이유는 예술가가 당시의 학문적 규범에 반하여 영웅적이고 도덕적이거나 고전적인 주제를 묘사하기 위해 그렇게 큰 형식을 사용하지 않았기 때문입니다.
이 그림은 1824년에 구입되어 현재 루브르 박물관 드농 갤러리 1층 77호에 소장되어 있습니다.

유진 들라크루아(1798 - 1863) - 프랑스 화가이자 그래픽 아티스트, 유럽 회화의 낭만주의 경향의 머리.
그러나 루브르 박물관과 젊은 화가 테오도르 제리코(Theodore Gericault)와의 소통은 들라크루아에게 진정한 대학이 되었습니다. 루브르 박물관에서 그는 옛 거장들의 작품에 매료되었습니다. 그 당시 나폴레옹 전쟁 중에 포착되었지만 아직 소유자에게 반환되지 않은 많은 그림을 그곳에서 볼 수 있었습니다. 무엇보다도 초심자 아티스트는 위대한 컬러리스트 인 Rubens, Veronese 및 Titian에 매료되었습니다. 그러나 Delacroix에 가장 큰 영향을 준 사람은 Theodore Géricault였습니다.

1830년 7월, 파리는 부르봉 왕조에 대항하여 반란을 일으켰습니다. Delacroix는 반란군에 공감했고 이것은 그의 "Liberty Leading the People"(우리는 이 작품을 "바리케이드 위의 자유"라고도 함)에 반영했습니다. 1831년 살롱에 전시된 이 캔버스는 대중의 찬사를 받았습니다. 새 정부는 그림을 샀지 만 동시에 즉시 제거하라고 명령했고 그 파토스는 너무 위험 해 보였습니다.

17.3 유럽 회화 19 세기

17.3.1 프랑스 회화 . 19세기의 처음 20년. 프랑스 회화의 역사에서 혁명적 고전주의로 지정됩니다. 저명한 대표자는 J.L. 데이비드 (1748- 1825), 그의 주요 작품은 18세기에 그에 의해 만들어졌습니다. 19세기 작품. -에서 근무 궁정 화가 나폴레옹- "St. Bernard Pass의 나폴레옹", "대관식", "Thermopylae의 Leonidas". David는 또한 Madame Recamier의 초상화와 같은 훌륭한 초상화의 작가이기도 합니다. 그는 대규모 학생 학교를 만들고 특성을 미리 결정했습니다. 예술적제국 스타일에서.

David의 학생은 J.O. Ingres(1780)였습니다.- 1867), 고전주의를 학문적 예술로 승화시키고 수년 동안 반대하다낭만주의. Ingres는 truthful의 저자입니다. 날카로운초상화 ( "L. F. Bertin", "Madame Rivière"등) 및 a 스타일의 그림 학문적 고전주의 ( "The Apotheosis of Homer", "Jupiter and Themis").

19세기 전반 프랑스 회화의 낭만주의-T. Gericault (1791-1824) ( "The Raft of the Medusa"및 "Derby in Epsom and others") 및 E. 민중을 이끄는 자유의 명화로 유명한 들라크루아(1798~1863).

세기 전반기 회화의 사실주의 경향은 G. Courbet (1819)의 작품으로 대표됩니다.- 1877), "사실주의"라는 용어와 그림 "Stone Crushers"와 "Funeral in Ornan"의 저자, J. 에프. 밀레(1814 - 1875), 농민 생활의 작가 및 ( "The Gatherers of Ears", "The Man with the Hoe", "The Sower").

XIX 세기 후반 유럽 문화의 중요한 현상. 회화뿐만 아니라 음악과 소설에서도 널리 퍼진 인상주의의 예술적 스타일이었습니다. 그러나 그것은 그림에서 일어났습니다.

시간 예술에서 행동은 시간에 따라 전개됩니다. 말하자면 회화는 단 한 순간만을 포착할 수 있습니다. 영화와 달리 항상 하나의 "프레임"이 있습니다. 움직임을 전달하는 방법? 이동성과 가변성에서 현실 세계를 포착하려는 이러한 시도 중 하나는 인상주의 (프랑스 인상에서 유래)라고 불리는 회화 방향의 창작자들의 시도였습니다. 이 방향은 다양한 예술가들을 모았고, 각각은 다음과 같이 특징지을 수 있습니다. 인상파자신의 마음을 전하는 아티스트다. 직접자연의 인상, 그 속에서 가변성과 무상함의 아름다움을 본다. 검은색과 회색이 배제된 순수하고 혼합되지 않은 색상 팔레트를 사용하여 밝은 햇빛의 시각적 감각, 유색 그림자의 놀이를 만듭니다.

XIX 세기의 70 년대 초 C. Monet (1840-1926) 및 O. Renoir (1841-1919)와 같은 인상파의 그림에서. 공간을 채우는 일정한 밀도뿐만 아니라 이동성을 지닌 공기 물질이 나타납니다. 햇빛이 흐르고 축축한 땅에서 증기가 올라옵니다. 물, 녹는 눈, 경작지, 초원의 흔들리는 풀에는 명확한 얼어 붙은 윤곽이 없습니다. 이전에 자연력의 작용의 결과로 움직이는 인물의 이미지로 풍경에 도입된 움직임- 바람, 구름을 쫓고, 흔들리는 나무는 이제 평화로 대체됩니다. 그러나이 무생물의 평화는 그림의 딱딱한 선에 의해 제한되지 않는 다양한 색상의 역동적 인 스트로크 인 그림의 질감 자체로 전달되는 움직임의 형태 중 하나입니다.

새로운 스타일의 그림은 대중에게 즉시 받아들여지지 않았고, 대중은 화가들이 팔레트에서 긁어낸 페인트를 캔버스에 던져 그림을 그릴 수 없다고 비난했습니다. 그래서 모네의 분홍색 루앙 대성당은 청중과 동료 예술가 모두에게 믿기지 않는 것처럼 보였습니다.- 작가의 화보 시리즈 중 최고 ( "Morning", "With the first rays of the sun", "Noon"). 예술가는 아니다 하루 중 다른 시간에 캔버스에 대성당을 표현하려고 했습니다.- 그는 마법의 빛과 색상 효과에 대한 숙고로 시청자를 흡수하기 위해 고딕의 거장들과 경쟁했습니다. 루앙 대성당의 외관은 대부분의 고딕 양식의 대성당과 마찬가지로 x 내부의 밝은 색상의 스테인드 글라스 창문의 햇빛으로부터. 대성당 내부의 조명은 태양이 비추는 방향, 흐린 날씨 또는 맑은 날씨에 따라 다릅니다. 스테인드 글라스의 강렬한 파란색, 빨간색을 통해 들어오는 태양 광선은 바닥에 색이 칠해진 하이라이트로 칠해져 눕습니다.

모네의 그림 중 하나는 "인상주의"라는 단어에 그 모양이 있습니다. 이 캔버스는 실제로 떠오르는 회화적 방법의 혁신을 극단적으로 표현한 것으로 "르아브르의 일출"이라고 불렸습니다. 전시회 중 하나의 그림 카탈로그 편집자는 작가가 그것을 다른 이름으로 부르도록 제안했고 "르 아브 르에서"를 지우고 "인상"을 넣은 Monet을 제안했습니다. 그리고 그의 작품이 나온 지 몇 년 후, 그들은 모네가 "그 이전에는 아무도 잡을 수 없었고 아무도 몰랐던 삶을 드러낸다"고 썼습니다. 모네의 그림에서 불안한 출생 정신을 알아 차리기 시작했습니다. 새로운 시대. 그래서 그의 작품에는 회화의 새로운 현상으로 '연속'이 등장한다. 그리고 그녀는 시간의 문제에 주목했습니다. 언급했듯이 작가의 그림은 불완전하고 불완전한 삶에서 하나의 "프레임"을 빼앗습니다. 그리고 이것은 연속 샷으로 시리즈의 발전에 자극을 주었다. "에 덧붙여 루앙 대성당» Monet은 그림이 서로 연결되고 보완되는 "Gare Saint-Lazare" 시리즈를 만듭니다. 그러나 그림에서 삶의 '프레임'을 하나의 인상 테이프로 결합하는 것은 불가능했습니다. 이것은 영화의 과제가 되었습니다. 영화의 역사가들은 그것이 출현하고 널리 보급된 이유가 기술적 발견일 뿐만 아니라 움직이는 이미지에 대한 긴급한 예술적 필요성 때문이라고 믿습니다. 그리고 인상파, 특히 모네의 그림은 이러한 필요성의 징후가 되었습니다. 1895년 뤼미에르 형제가 편곡한 역사상 첫 번째 영화 세션의 줄거리 중 하나는 "열차의 도착"이었습니다. 증기 기관차, 역, 레일은 1877년에 전시된 Monet의 "Gare Saint-Lazare" 그림 시리즈의 주제였습니다.

O. Renoir는 뛰어난 인상파 예술가였습니다. 그의 작품("꽃", "퐁텐블로 숲에서 개와 산책하는 청년", "꽃병", "세느 강에서 목욕하기", "우산을 든 리사", "배를 탄 여인", " Bois de Boulogne의 기수들” , “Le Moulin de la Galette의 무도회”, “Jeanne Samary의 초상화” 및 기타 다수) 프랑스 예술가 E. Delacroix의 말 “모든 그림의 첫 번째 존엄성은 상당히 적용 가능합니다.- 휴일이 되십시오 눈을 위해 m. 르누아르 이름- 아름다움과 젊음의 동의어, 인간의 삶의 시간, 영적 신선함과 육체적 힘의 개화가 완전한 조화를 이루는 때. 극심한 사회적 갈등의 시대에 살면서 그는 그것들을 캔버스 밖에 남겨두고 초점을 맞췄다. 인간 존재의 아름답고 밝은 측면에서 깨어납니다. 그리고 이 위치에서 그는 예술가들 사이에서 혼자가 아니었습니다. 그보다 200년 앞서 플랑드르의 위대한 예술가인 피터 폴 루벤스는 생명을 긍정하는 거대한 시작 그림("페르세우스와 안드로메다")을 그렸습니다. 이런 사진은 사람들에게 희망을 줍니다. 모든 사람은 행복할 권리가 있으며, 주요 포인트르누아르 예술은 그의 각 이미지가 이 권리의 불가침성을 확인한다는 사실에 있습니다.

안에 XIX 후반수세기 동안 후기 인상주의는 유럽 회화에서 형성되었습니다. 그 대표-피. 세잔(1839~1906), W. 반 고흐(1853~1890), P. 고갱(1848~1903), 인상파색상 순도, 검색 존재의 영구적인 시작, 회화적 방법의 일반화, 창의성의 철학적 및 상징적 측면. 세잔의 그림들-초상화 ( "Smoker"), 풍경 ( "Banks of the Marne"), 정물 ( "과일 바구니가있는 정물")입니다.

반 고흐 그림- "오두막", "비가 내린 후 오버", "죄수의 산책".

고갱은 이데올로기적 낭만주의의 특징을 가지고 있다. 안에 지난 몇 년원시적 순결과 완전성을 유지 한 폴리네시아 부족의 삶에 사로 잡힌 그는 폴리네시아 섬으로 떠나 여러 그림을 그립니다. 에 가까운 예술적 전통원주민 ( "과일을 들고있는 여성", "타히티 목회자", "멋진 출처").

19세기의 위대한 조각가 O. 로댕(1840)- 1917), 그의 작품에 결합 인상파낭만주의와 표현주의 실감나는검색합니다. 이미지의 생명력, 드라마, 긴장된 내면의 표현력, 시공간을 넘나드는 몸짓(무엇을 하고 있는가) 이 조각품을 음악과 발레로 설정하는 것은 불가능합니다), 순간의 불안정성을 포착합니다.- 이 모든 것이 함께 본질적으로 낭만적인 이미지를 만들고 전적으로 인상파비전 . 깊은 철학적 일반화에 대한 욕구("청동기 시대", " Citizens of Calais”는 포위된 도시를 구하기 위해 자신을 희생한 백년 전쟁의 영웅, The Thinker를 비롯한 지옥의 문에서 일하는 영웅에게 헌정된 조형물이며 절대적인 아름다움과 행복의 순간을 보여주고자 하는 열망(“ 영원한 봄', '파드드')– 이 작가 작품의 주요 특징.

17.3.2 영어 회화. XIX 세기 전반기 영국 미술.풍경화, 밝은 대표 J였다. Constable (1776 - 1837), 영국의 전임자 인상파("The Hay Cart Crossing the Ford" 및 "The Rye Field") 및 U. Turner(1775-1851), "비, 증기 및 속도"와 같은 그림 "난파선", 다채로운 판타지 산에 대한 선호도를 구별합니다.

세기 후반에 F. M. Brown은 그의 작품을 만들었습니다(1821- 1893) "19 세기 홀바인"으로 간주되었습니다. 브라운은 그의 역사적인 작품("에드워드 3세 궁정의 초서"와 "리어와 코델리아")과 일상적인 주제(“Last look at England”, “Labour”).

창의적인 협회 "Pre-Raphaelite Brotherhood"( "Pre-Raphaelites")는 1848 년에 생겼습니다. 통합 핵심은 초기 르네상스 (Raphael 이전) 예술가들의 작품에 대한 열정 이었지만이 형제단의 각 구성원은 고유 한 주제를 가졌습니다. 그리고 예술적 신조. 형제애의 이론가는 세기 중반 영국의 조건과 관련하여 낭만주의의 개념을 설명한 영국 문화 학자이자 미학자 J. Ruskin이었습니다.

Ruskin은 그의 작품에서 예술을 국가의 일반적인 문화 수준과 연결하고 예술을 도덕적, 경제적 및 사회적 요인의 표현으로 보고 영국인에게 아름다움의 전제 조건은 겸손, 정의, 정직, 순결 및 소박함임을 확신시키려고 했습니다. .

Pre-Raphaelites는 종교 및 문학 주제에 대한 그림을 만들고 예술적으로 디자인 된 책을 만들고 장식 예술을 발전시켜 중세 공예의 원리를 되살리려했습니다. 위험을 깨닫다 장식 예술경향- 기계 생산, 영국 예술가, 시인 및 공인 W. Morris(1834 - 1896)는 태피스트리, 천, 스테인드 글라스 창 및 기타 가정 용품의 제조를 위한 예술 및 산업 작업장을 조직했습니다. 그 자신과 Pre-Raphaelite 예술가들이 완성했습니다.

17.3.3 스페인 회화. 고야 . 프란시스코 고야의 작품(1746)- 1828)은 XVIII 및 XIX의 두 세기에 속합니다. 그것은 유럽 낭만주의 형성에 매우 중요했습니다. 창의적인 우리 예술가의 여인상은 그림, 초상화, 그래픽, 프레스코화, 판화, 동판화 등 풍부하고 다양합니다.

Goya는 가장 민주적 인 주제 (강도, 밀수업자, 거지, 거리 싸움 참가자 및 게임 참가자)를 사용합니다.- 그의 그림의 캐릭터). 1789년에 받은 adv의 제목 유명한 화가인 고야는 왕, 왕비, 신하("찰스 4세의 가족") 등 수많은 초상화를 그렸습니다. 작가의 건강 악화는 작품의 주제에 변화를 가져왔다. 따라서 재미 있고 기괴한 환상으로 구별되는 그림 ( "Carnival", "Blind Man 's Bluff")은 비극으로 가득 찬 캔버스 ( "Tribunal of the Inquisition", "House of Lunatics")로 대체됩니다. 그리고 그 다음에는 아티스트가 5년 이상 작업한 80개의 에칭 "Capriccios"가 이어집니다. 그들 중 많은 것의 의미는 오늘날까지 불분명한 반면, 다른 것들은 당시의 이데올로기적 요구 사항에 따라 해석되었습니다.

상징적이고 우화적인 언어로 Goya는 무지, 미신, 제한된 사람들, 폭력, 모호주의, 악과 같은 세기 전환기에 국가의 무서운 그림을 그립니다. 에칭 "이성의 잠은 괴물을 낳는다"- 잠자는 사람, 박쥐, 올빼미 및 기타 악령을 둘러싼 끔찍한 괴물. 작가 자신은 자신의 작품에 대해 다음과 같이 설명한다. 인간악덕그리고망상, 하지만그리고보인다웅변과 시의 분야는 또한 생생한 묘사의 주제가 될 수 있으며, 예술가는 모든 시민 사회에 내재된 많은 어리석음과 부조리뿐만 아니라 관습에 의해 합법화된 서민의 편견과 미신으로부터 자신의 작업을 위해 선택했습니다. 무지 또는 이기심, 그가 특히 조롱하기에 적합하고 동시에 상상력을 발휘하기에 적합하다고 생각한 것.

17.3.4 모던 – 결정적인 스타일 유럽 사람 그림 XIX V . 가장 많이 유명한 작품 XIX 세기의 유럽 회화에서 만들어졌습니다. 아르누보 스타일의 영국 예술가 O. Beardsley (1872)의 작품이었습니다.– 1898). 그삽화가 든일하다에 대한. 와일드 ("살로메"), 만들어진우아한그래픽환상, 마법에 걸린전체세대유럽인. 오직검은색그리고하얀색~이었다도구예를 들어노동에 관한 것: 흰 종이 한 장과 검정 잉크 한 병, 최고급 레이스와 유사한 기술("신비한 장미 정원", 1895). 비어즐리의 삽화는 아르누보의 장식적인 매너리즘뿐만 아니라 일본 판화와 프랑스 로코코의 영향을 받았습니다.

1890년경에 시작된 아르누보 스타일– 1910 gg., 특성화된있음굴곡윤곽, 연상시키는파마머리카락, 양식화된꽃들그리고식물, 언어불꽃. 스타일이것~였다넓은흔한그리고V그림그리고V건축학. 이것삽화영국인BErdsli, 체코 A. Mucha의 포스터 및 광고판, 오스트리아 G. Klimt의 그림, Tiffany의 램프 및 금속 제품, 스페인 A. Gaudi의 건축.

세기말 근대성의 또 다른 두드러진 현상– 노르웨이 인아티스트이자형. 뭉크 (1863 – 1944). 유명한그림뭉크« 비명 (1893)– 합성물부분그의근본적인주기"프리즈삶", ~ 위에어느아티스트일했다긴연령. 그후일하다"비명"뭉크반복V석판화. 그림"비명"전송하다상태극심한감정적인전압인간, 그녀얼굴외로운 사람의 절망과 아무도 줄 수 없는 도움을 청하는 외침을 만듭니다.

최대 메이저 아티스트핀란드 A. 갈렌-칼렐라(1865년)– 1931) V스타일현대의삽화가 든서사시"칼발리". ~에언어경험적현실그것은 금지되어 있습니다말하다전설의 노인에 대해– 대장장이일마리넨, 어느서서히 나아가는하늘, 함께 노크창공, 쇠사슬에 묶인~에서불독수리; 영형어머니들레민카이넨, 부활그의살해아들; 영형가수Väinämöinien, 어느"흥얼거렸다황금크리스마스 트리", 갈렐- 칼렐라관리넘겨침대현대 언어로 된 고대 카렐리야 룬의 힘.