Komposer dan penghibur utama adalah jurubahasa. pemuzik terkenal

Profesion komposer memerlukan bakat muzik dan pengetahuan mendalam tentang gubahan muzik. Kita boleh dengan selamat mengatakan bahawa komposer adalah tokoh terpenting dalam dunia muzik. Oleh itu, setiap komposer terkenal dalam sejarah muzik mempunyai kesan yang besar terhadap perkembangan muzik pada setiap peringkat tertentu. Komposer abad ke-18 Pada separuh kedua abad ke-18, dua komposer hebat hidup dan bekerja - Bach dan Mozart - yang mempengaruhi keseluruhan perkembangan seni muzik berikutnya. Johann Sebastian Bach (1685-1750) adalah wakil paling terang dari tradisi muzik abad ke-17-18, yang diklasifikasikan oleh ahli sejarah sebagai era Baroque. Bach adalah salah seorang komposer paling penting dalam sejarah muzik, telah menulis lebih daripada seribu keping muzik dalam pelbagai genre sepanjang hayatnya selama 65 tahun. Johann Sebastian Bach ialah pengasas salah satu dinasti paling terkenal dalam dunia muzik. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - wakil terang Sekolah Vienna, yang mahir memiliki banyak instrumen: biola, harpsichord, organ. Dalam semua genre ini, dia berjaya bukan sahaja sebagai penghibur, tetapi terutamanya sebagai komposer muzik. Mozart menjadi terkenal berkat telinganya yang mengagumkan untuk muzik dan bakat untuk improvisasi. Nama ketiga terpenting dalam sejarah muzik ialah Ludwig van Beethoven. Dia bekerja pada pergantian abad ke-18 dan ke-19 dalam semua genre muzik yang sedia ada. Warisan muziknya sangat pelbagai: ini adalah sonata dan simfoni, overture dan kuartet, konserto untuk dua alat kegemarannya - biola dan piano. Beethoven dianggap sebagai wakil pertama romantisme dalam muzik klasik. Karya-karya ini ditulis oleh Ludwig van Beethoven 01-To Elise 02-Sonata No. 14 Lunar 03-Symphony No. 5 04-Appasionata Sonata No. 23 05-Sonata No. 13 Pathetic 06-Egmont Overture 07-Sonatamp No. 08-Symphony No. 9 09- Sonata No. 21 Mozart menulis "Gadis Imaginary Simple" "Scipio's Dream" "Misericordias Domini" Mocarta 40. simfonija, 4. temps Overture to Don Giovanni "Figaro kāzu" uvertīra Concerto in D for Flute J.T. 1 Karya vokal 2 Karya organ 3 Bekerja untuk harpsichord 4 Bekerja untuk instrumen solo bukan papan kekunci 5 Bekerja untuk duet harpsichord dengan instrumen lain Beliau ialah pengarang 90 opera Pengarang lebih 500 konserto Pengarang lebih 100 sonata untuk pelbagai instrumen diiringi basso continuo ; cantata sekular, serenade, simfoni, Stabat Mater dan karya gereja lain. Opera, pasticcios, balet Terpsichore (prolog kepada edisi ke-3 opera The Faithful Shepherd, 1734, Teater Covent Garden); oratorio, odes dan karya lain untuk koir dan suara dengan orkestra, konserto untuk orkestra, suite, konserto untuk instrumen dan orkestra untuk ensembel instrumen - untuk piano 2 tangan, untuk piano 4 tangan untuk 2 piano, untuk suara diiringi piano atau dengan yang lain alat untuk koir tanpa iringan, muzik untuk persembahan dramatik - Dalam sejarah seni muzik, abad ke-18 adalah sangat penting dan masih menjadi kepentingan utama. Ini adalah era penciptaan klasik muzik, kelahiran konsep muzik utama, pada dasarnya kandungan kiasan yang sudah sekular. Muzik bukan sahaja meningkat ke tahap seni lain yang telah berkembang sejak zaman Renaissance, ke tahap kesusasteraan yang terbaik, tetapi secara keseluruhannya mengatasi yang dicapai oleh beberapa seni lain (khususnya, seni visual) dan pada akhirnya. abad ini dapat mencipta gaya pensintesis yang besar dengan nilai yang tinggi dan berkekalan, seperti simfoni Viennese sekolah klasik. Bach, Handel, Gluck, Haydn dan Mozart diiktiraf puncak dalam laluan seni muzik ini dari awal hingga akhir abad ini. Walau bagaimanapun, peranan artis asal dan mencari seperti Jean Philippe Rameau di Perancis, Domenico Scarlatti di Itali, Philippe Emanuel Bach di Jerman juga penting, apatah lagi ramai sarjana lain yang mengiringi mereka dalam pergerakan kreatif umum.

Berikut adalah senarai 10 komposer yang perlu anda ketahui. Mengenai setiap daripada mereka, boleh dikatakan dengan pasti bahawa dia adalah yang paling komposer yang hebat, yang pernah, walaupun sebenarnya adalah mustahil, dan sememangnya mustahil, untuk membandingkan muzik yang ditulis selama beberapa abad. Namun, kesemua komposer ini menyerlah dalam kalangan mereka yang sezaman dengan komposer yang mencipta muzik. peringkat tertinggi dan berusaha untuk menolak sempadan muzik klasik kepada had baharu. Senarai itu tidak mengandungi sebarang pesanan, seperti kepentingan atau keutamaan peribadi. Hanya 10 komposer hebat yang anda patut tahu.

Setiap komposer disertakan dengan fakta yang boleh dipetik dalam hidupnya, mengingati yang mana anda akan kelihatan seperti seorang pakar. Dan dengan mengklik pada pautan kepada nama, anda akan mengenalinya biografi penuh. Dan sudah tentu, anda boleh mendengar salah satu karya penting setiap tuan.

Tokoh terpenting dalam muzik klasik dunia. Salah seorang komposer yang paling terkenal dan dihormati di dunia. Dia bekerja dalam semua genre yang wujud pada zamannya, termasuk opera, balet, muzik untuk persembahan dramatik, gubahan koral. Karya instrumental dianggap paling penting dalam warisannya: piano, biola dan sonata cello, konserto piano dan biola, kuartet, overture, simfoni. Pengasas zaman romantis dalam muzik klasik.

Fakta menarik.

Beethoven mula-mula ingin mendedikasikan simfoni ketiganya (1804) kepada Napoleon, komposer itu terpesona dengan keperibadian lelaki ini, yang nampaknya ramai pada permulaan pemerintahannya sebagai wira sebenar. Tetapi apabila Napoleon mengisytiharkan dirinya sebagai maharaja, Beethoven memotong dedikasinya kepada tajuk muka surat dan menulis hanya satu perkataan - "Heroik".

"Moonlight Sonata" oleh L. Beethoven, dengar:

2. (1685-1750)

Komposer dan organ Jerman, wakil era Baroque. Salah seorang komposer terhebat dalam sejarah muzik. Semasa hidupnya, Bach menulis lebih daripada 1000 karya. Semua genre penting pada masa itu diwakili dalam karyanya, kecuali opera; beliau meringkaskan pencapaian seni muzik zaman Baroque. Nenek moyang dinasti muzik yang paling terkenal.

Fakta menarik.

Semasa hayatnya, Bach sangat dipandang remeh sehingga kurang daripada sedozen karyanya diterbitkan.

Toccata dan fugue dalam D minor oleh J.S. Bach, dengar:

3. (1756-1791)

Hebat komposer Austria, pemain instrumental dan konduktor, wakil Sekolah Klasik Vienna, pemain biola virtuoso, pemain harpsichordist, organ, konduktor, dia mempunyai seorang yang luar biasa telinga untuk muzik, ingatan dan keupayaan untuk membuat improvisasi. Sebagai seorang komposer yang cemerlang dalam setiap genre, dia berhak dianggap sebagai salah seorang komposer terhebat dalam sejarah muzik klasik.

Fakta menarik.

Semasa masih kanak-kanak, Mozart menghafal dan menulis Miserere (Cat. nyanyian kepada teks Mazmur Daud ke-50) oleh Grigorio Allegri Itali, setelah mendengarnya sekali sahaja.

"Little Night Serenade" oleh W. A. ​​​​Mozart, dengar:

4. (1813-1883)

Komposer Jerman, konduktor, penulis drama, ahli falsafah. Mempunyai kesan yang ketara terhadap budaya Eropah pergantian abad XIX-XX, terutamanya modenisme. Opera Wagner memukau dengan skala besar dan nilai kemanusiaan yang kekal.

Fakta menarik.

Wagner mengambil bahagian dalam revolusi yang gagal pada 1848-1849 di Jerman dan terpaksa bersembunyi daripada ditangkap oleh Franz Liszt.

"Ride of the Valkyries" dari opera "Valkyrie" oleh R. Wagner, dengar

5. (1840-1893)

Komposer Itali, tokoh pusat sekolah opera Itali. Verdi mempunyai rasa pentas, perangai dan kemahiran yang sempurna. Dia tidak menafikan tradisi opera (tidak seperti Wagner), tetapi mengembangkannya (tradisi opera Itali), dia mengubah opera Itali, mengisinya dengan realisme, memberikannya kesatuan keseluruhan.

Fakta menarik.

Verdi ialah seorang nasionalis Itali dan telah dipilih ke parlimen Itali pertama pada tahun 1860, selepas kemerdekaan Itali daripada Austria.

Terbuka kepada opera D.Verdi "La Traviata", dengar:

7. Igor Fyodorovich Stravinsky (1882-1971)

Rusia (Amerika - selepas penghijrahan) komposer, konduktor, pemain piano. Salah seorang komposer terpenting abad kedua puluh. Kerja Stravinsky telah disatukan sepanjang kerjayanya, walaupun pada tempoh yang berbeza gaya karyanya berbeza, tetapi teras dan akar Rusia kekal, yang menampakkan diri dalam semua karyanya, dia dianggap sebagai salah seorang inovator terkemuka abad ke-20. miliknya penggunaan inovatif irama dan keharmonian memberi inspirasi dan inspirasi kepada ramai pemuzik, dan bukan sahaja dalam muzik klasik.

Fakta menarik.

Semasa Perang Dunia I, pegawai kastam Rom merampas potret Stravinsky oleh Pablo Picasso apabila komposer itu meninggalkan Itali. Potret itu dilukis dengan cara futuristik dan pegawai kastam mengira bulatan dan garisan ini sebagai sejenis bahan rahsia yang disulitkan.

Suite dari balet I.F. Stravinsky "The Firebird", dengar:

8. Johann Strauss (1825-1899)

Komposer muzik ringan Austria, konduktor dan pemain biola. "King of Waltzes", dia bekerja dalam genre muzik tarian dan operetta. Warisan muziknya termasuk lebih daripada 500 waltz, polkas, tarian persegi dan jenis muzik tarian lain, serta beberapa operetta dan balet. Terima kasih kepadanya, waltz menjadi sangat popular di Vienna pada abad ke-19.

Fakta menarik.

Bapa Johann Strauss - juga Johann dan juga pemuzik terkenal, oleh itu, "raja waltzes" dipanggil yang lebih muda atau anak lelaki, saudaranya Joseph dan Eduard juga komposer terkenal.

Waltz oleh I. Strauss "On the Beautiful Blue Danube", dengar:

9. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873-1943)

Komposer Austria, salah seorang wakil terkemuka sekolah muzik klasik Vienna dan salah seorang pengasas romantisme dalam muzik. Untuk saya hidup yang singkat Schubert membuat sumbangan besar kepada muzik orkestra, ruang dan piano yang mempengaruhi seluruh generasi komposer. Walau bagaimanapun, sumbangannya yang paling menarik adalah kepada perkembangan percintaan Jerman, yang mana dia mencipta lebih daripada 600.

Fakta menarik.

Rakan-rakan Schubert dan rakan pemuzik akan berkumpul dan memainkan muzik Schubert. Mesyuarat ini dipanggil "Schubertiads" (Schubertiads). Beberapa kelab peminat pertama!

"Ave Maria" F.P. Schubert, dengar:

Meneruskan tema komposer hebat yang anda patut tahu, bahan baharu.

Tafsiran muzik hasil daripada interaksi teks muzik, tradisi persembahan dan kehendak kreatif pelaku.

Maklumat pengarang mendorong pelaku untuk berfikir, membayangkan, mencari persatuan, menimbulkan emosi. Melaksanakan maklumat mempengaruhi maklumat pengarang, menyempitkan atau mengembangkannya, menambah, mengubah, iaitu, terdapat pemikiran semula sekeping muzik akibatnya imej artistik tercipta. Memikirkan semula maklumat pengarang tidak sepatutnya membawa kepada penyelewengan niat pengarang. Penciptaan bersama persembahan tulen hanya boleh dilakukan apabila maklumat pengarang menemui perasaan timbal balik dalam penghibur.

Bekerja pada sekeping muzik adalah proses kreatif, kepelbagaian yang dikaitkan dengan kedua-duanya ciri seni kerja, serta dengan pelbagai ciri individu pelaku. Apakah tugas di hadapannya? Dan apa yang menyumbang kepada pembangunan kreativiti penghibur, merangsang pembentukan rasa muziknya, kemahiran profesional?

Untuk melaksanakan bermakna mencipta melalui penembusan mendalam ke dalam kandungan kerja dan penjelmaan. kandungan muzik berdasarkan imej artistik. Mencipta semula kandungan karya membayangkan kesetiaan kepada teks pengarang, memahami orientasi ideologi komposisi, kekayaan emosi (seni muzik mempengaruhi sfera emosi persepsi manusia).

Mencipta imej artistik adalah mustahil tanpa mengambil kira keaslian era sejarah di mana kerja itu dicipta; miliknya ciri genre, sifat kebangsaan pandangan dunia komposer, sifat penggunaan alat muzik ekspresif, iaitu, semua yang kita panggil ciri atau ciri gaya.

Tafsiran -(dari bahasa Latin interpretatio - klarifikasi, tafsiran) - proses realisasi bunyi teks muzik. Tafsiran bergantung pada prinsip estetik sekolah atau arah kepunyaan artis, pada ciri-ciri individu dan reka bentuk ideologi dan artistiknya. Tafsiran melibatkan pendekatan individu untuk muzik dimainkan, sikap aktif, kehadiran konsep kreatif pelaku sendiri penjelmaan niat pengarang. Sehingga awal abad ke-19, seni tafsiran berkait rapat dengan karya komposer: sebagai peraturan, komposer sendiri melakukan gubahan mereka. Perkembangan tafsiran adalah disebabkan oleh peningkatan aktiviti konsert.

Sebagai seni bebas, tafsiran memperoleh kepentingan istimewa pada 20-30-an abad ke-19. Dalam melaksanakan amalan, ia diluluskan jenis baru pemuzik-jurubahasa - penghibur karya oleh komposer lain. Secara selari, terdapat tradisi persembahan pengarang. Jurubahasa halus karya pengarang lain ialah F. Liszt, A.G. Rubinshtein, S.V. Rakhmaninov. Sejak separuh kedua abad ke-19, teori tafsiran muzik telah dibentuk (ia mengkaji kepelbagaian sekolah persembahan, prinsip tafsiran estetik, masalah prestasi teknologi), yang pada awal abad ke-20 telah menjadi salah satu daripada bidang muzikologi. Sumbangan penting kepada perkembangan teori tafsiran domestik telah dibuat oleh G.M. Kogan, G.G. Neuhaus, S.Ya. Feinberg dan lain-lain.

Objektif dan subjektif, intuitif dan rasional dalam persembahan muzik. Sifat kreatif persembahan.

Pianis terkenal I. Hoffman menulis: "Tafsiran yang betul bagi karya muzik mengikuti dari pemahaman yang betul, dan itu, seterusnya, bergantung pada bacaan yang teliti dengan tepat." Ini bermakna watak persembahan yang betul dibuktikan, pertama sekali, dengan tafsiran yang bermakna, dengan ketat sepadan dengan teks pengarang "Teks muzik adalah kekayaan yang diwariskan oleh komposer, dan arahan persembahannya adalah surat yang disertakan dengan wasiat. ," kata komposer dan pemain piano S. Feinberg. Walau bagaimanapun, terdapat bukan sahaja teks, tetapi juga subteks kerja. Pianis yang luar biasa K. Igumnov percaya bahawa "separuh yang baik" dari pelaku juga harus membawa teks dari dirinya sendiri, iaitu, dia harus mendekati watak dalaman karya itu, mendedahkan subteksnya. Legenda G. Neuhaus sentiasa mengingatkan tentang keperluan untuk sentiasa menyelidiki mood kerja yang dilakukan, kerana ia adalah dalam mood ini, yang tidak sepenuhnya bersetuju dengan notasi muzik, bahawa intipati keseluruhan imej artistik. Daripada semua perkara di atas, kesimpulan berikut bahawa pelaksanaan tepat teks komposer harus difahami bukan sebagai pengeluaran semula rasminya, tetapi sebagai "terjemahan" kreatif yang bermakna bagi skema rakaman ke dalam imej bunyi sebenar.

Pemahaman dan tafsiran sebagai aspek tafsiran yang saling berkaitan secara dialektik. Penjanaan makna baharu hasil tafsiran. Kekhususan tafsiran artistik, pemahaman intuitif objek tafsiran (pengalaman, sinergi).

Peranan Analisis Semantik dan Estetik Karya untuk Melaksanakan Tafsiran

Kesengajaan dan ketidaksengajaan dalam tafsiran muzik

Perlu diingatkan bahawa persembahan muzik adalah, pertama sekali, momen prosedural-dinamik. Ini bermakna bahawa transformasi imej muzikal di atas pentas, di mana beberapa perubahan tertentu dalam tafsiran imej muzik berlaku. Penyelidik bercakap tentang kebolehubahan pembiakan muzik oleh seorang penghibur atau tentang gabungan unsur pembolehubah dan invarian.

Proses tafsiran boleh diwakili sebagai interaksi dua prinsip yang bercanggah - disengajakan (sebagai tumpuan yang stabil dalam proses) dan tidak disengajakan (sebagai tumpuan yang boleh diubah dalam proses). Kedua-dua lapisan besar dan kompleks ini membentuk struktur proses. Penggunaan struktur ini dalam masa, keseluruhan dan sambungan unsur-unsurnya membentuk integriti bunyi yang bergerak, yang, sebenarnya, adalah proses tafsiran.

Permulaan yang disengajakan adalah ungkapan umum tentang pemberian dalam proses. Elemen yang disengajakan termasuk elemen, parameter kualitatif yang diprogramkan oleh pemuzik sebelum permulaan melakukan tindakan dan yang dia berhasrat untuk melaksanakan dalam proses yang akan datang. Bersama-sama, unsur-unsur ini membentuk bahagian yang dirancang secara sedar dalam tafsiran prestasi dan membentuk dominan kuantitatif proses. Ciri-ciri yang membezakan mereka ialah motivasi intrinsik, kepastian dan kepentingan semantik. Dalam satu cara atau yang lain, premedikasi merangkumi semua peringkat struktur reka bentuk. Permulaan yang disengajakan menanggung cap kesedaran artistik individu artis, adalah tanda keunikan kreatifnya.

Proses tafsiran tidak dikurangkan kepada kesengajaan yang dilaksanakan secara konsisten. datang sendiri permulaan yang tidak diingini, tidak dapat tidak hadir dalam tindakan objektif dan mempunyai sifat asas yang berbeza. Permulaan yang tidak diingini adalah komponen dinamik proses, unsur-unsur yang timbul secara spontan, bertindak sebagai penyelewengan daripada kursus yang ditetapkan oleh rancangan asal dan membentuk "medan kewujudan" ketidakpastian. Komponen ini, mencerminkan aspek tidak rasional dalam melaksanakan kreativiti, menjadi pembawa kemungkinan perubahan yang tidak dapat diramalkan, yang dijana sendiri dalam reka bentuk imej. Permulaan yang tidak disengajakan termasuk elemen sifat yang berbeza. Jika kita menganggapnya dalam satah kandungan-semantik, maka ia menjadi perlu untuk membahagikan elemen yang tidak diingini kepada dua subspesies: semantik dan asemantik.

Semantik (improvisasi) pandangan itu menyatukan sekumpulan elemen masuk yang dikurniakan makna artistik dan ekspresif. Menjadi produk kreatif aktiviti "bebas" (tidak ditentukan) alam bawah sedar, hasil daripada "aktiviti" seketika intuisi, imaginasi, fantasi dan pergerakan dalaman perasaan, biasanya dipanggil pengalaman artistik, mereka membentuk lapisan artistik dan produktif. permulaan yang tidak diingini. Tanda-tanda mereka adalah: ketidaksengajaan, kebaharuan dan kepentingan semantik, dan yang terakhir membentuk asas perpaduan dan kekerabatan unsur-unsur improvisasi dan sengaja, naik ke sumber yang sama - imej bunyi. Permulaan yang tidak disengajakan termasuk improvisasi, tetapi tidak terhad kepadanya.

Asemantik (kecoh) pandangan itu menyatukan sekumpulan unsur yang tidak diingini, penampilan yang tidak disebabkan oleh faktor artistik, tetapi oleh "kegagalan" dalam aktiviti. Asal unsur-unsur ini dikaitkan dengan pelanggaran dalam bidang teknologi dan kawal selia pelaksanaan. Mereka muncul dalam bentuk melakukan kesilapan, kecacatan dan saat-saat ketidakteraturan proses. Unsur-unsur asemantik menyebabkan kerosakan pada apa yang dibayangkan, tidak memberikan hasil semantik "subjektif", tetapi hanya membawa kemusnahan yang lebih atau kurang ketara kepada proses itu, oleh itu ia membentuk lapisan yang tidak produktif secara artistik dari permulaan yang tidak diingini. Memandangkan tahap fungsi komponen ini yang sangat tidak sesuai dan tidak berbelah bahagi, ia boleh dipanggil "huru-hara".

Persoalan tentang kecukupan tafsiran persembahan karya muzik.

Pemuzik bukan sahaja mesti menguasai teks, tugas utamanya adalah untuk memahami niat komposer, mencipta semula imej muziknya yang terkandung dalam sekeping muzik, dan memilih sarana ekspresi untuk penghantaran yang paling tepat.

A. France menulis: “Untuk memahami karya seni yang sempurna bermakna, secara umum, mencipta semula karya anda sendiri dunia dalaman". K.S. Stanislavsky berkata bahawa hanya "penembusan mendalam pelakon ke dalam idea pengarang, membiasakan diri dengan imej yang terkandung di atas pentas, apabila pelakon itu hidup, merasakan dan berfikir dengan cara yang sama seperti peranan, barulah tindakannya boleh membawa kepada kejayaan pentas. .”

Pemain piano Itali F. Busoni bercakap mengenai perkara ini seperti berikut: “Ia adalah tugas yang hampir luar biasa untuk membuang perasaan sendiri untuk menjelma semula dalam perasaan individu yang paling pelbagai dan dari sana untuk mengkaji penciptaan mereka. Sangat halus melihat intipati kreatif seni persembahan pengkritik Rusia V.G. Belinsky: "Pelakon menambah idea pengarang dengan permainannya, dan kreativitinya terdiri daripada ini - tambahan itu." Logik yang sama beroperasi dalam seni muzik dan persembahan.

A.N. Serov, seorang komposer terkenal Rusia dan pengkritik muzik, menulis:“Peranan - sekurang-kurangnya dari drama Shakespeare, muzik - malah dari Beethoven sendiri, berkaitan dengan persembahan yang cemerlang, hanyalah lakaran, esei; cat, kehidupan penuh sesebuah karya hanya dilahirkan di bawah kuasa pelakon yang menawan.

Sebagai contoh, konserto pertama yang paling popular untuk piano dan orkestra oleh P.I. Tchaikovsky, dikenali secara meluas hanya 4 tahun selepas persembahan pertama, apabila ia dilakukan dengan cemerlang oleh N. Rubinstein. Kisah yang sama berlaku dengan Konsert Violin P. Tchaikovsky, yang hanya selepas persembahannya oleh L. Auer mengambil tempat yang sepatutnya dalam himpunan konsert pemain biola.

Contoh-contoh ini menunjukkan sifat kreatif dalam melaksanakan aktiviti, yang bukan terjemahan ringkas dan formal teks pengarang ke dalam bunyi, tetapi persembahan kreatifnya. Intipati psikologi tafsiran itu dinyatakan dengan sangat tepat oleh A.N. Serov: " Misteri Hebat penghibur yang hebat dalam fakta bahawa mereka menerangi dari dalam, mencerahkan, memasukkan ke dalamnya seluruh dunia sensasi dari jiwa mereka sendiri, dilakukan oleh kuasa bakat mereka.

Tafsiran tidak terhad kepada merit profesional dan kemahiran penghibur. Ia adalah ekspresi semua aspek keperibadian, dan dikaitkan dengan pandangan dunia, orientasi ideologi, budaya bersama, ilmu serba boleh dan cara berfikir yang membentuk isi dalaman keperibadian.

Tanggungjawab awam, moral dan profesional penghibur telah meningkat sejak akhir ke-18 - pertengahan abad ke-19, apabila seni persembahan dipisahkan daripada komposer. Nasib kerja dalam banyak aspek mula bergantung kepada pelaku.

A. Rubinstein: “Saya tidak faham sama sekali apa yang secara amnya difahami oleh prestasi objektif. Sebarang prestasi, jika ia tidak dihasilkan oleh mesin, tetapi oleh seseorang, adalah subjektif. Menyampaikan maksud objek (komposisi) dengan betul - hutang adalah undang-undang untuk pelaku, tetapi setiap orang melakukannya dengan caranya sendiri, iaitu, secara subjektif; dan adakah mungkin untuk berfikir sebaliknya? Jika rendering sesuatu gubahan adalah objektif, maka hanya satu cara yang betul, dan semua penghibur perlu menirunya; apakah yang akan menjadi penghibur? Monyet? Adakah hanya satu persembahan peranan Hamlet, atau King Lear, dsb.? Jadi, dalam muzik, saya hanya memahami persembahan subjektif.”

Pembentukan idea yang artistik dan berprestasi serta pelaksanaannya

Dalam hal tafsiran, kepentingan luar biasa dimiliki oleh imaginasi - proses mental melipat imej aktiviti masa depan, atau mencipta yang baru dalam bentuk idea biasa, atau perwakilan yang lebih khusus bagi produk akhir sesuatu aktiviti. Imaginasi sentiasa merupakan pembinaan mental bagi program aktiviti seterusnya, mendahului bentuk yang terkandung secara material. Bezakan antara rekreasi dan imaginasi kreatif. Kreatif ialah penciptaan idea dan imej baharu. Mencipta semula ialah pembinaan imej berdasarkan teks muzik, dsb. Mencipta semula imaginasi - asas psikologi penciptaan tafsiran muzik dan persembahan.

Dua jenis penghibur - jenis emosi (penganut "seni pengalaman") dan artis jenis intelek ( seni teater, Stanislavsky).

Terdapat penghibur sintetik. Gabungan yang luar biasa dari dua prinsip ini terdapat dalam aktiviti S.V. Rachmaninov, dan P. Casals, A. Toscanini dan J. Heifitz, D. Oistrakh dan S. Richter, L. Kogan dan E. Gilels, E. Svetlanov dan V. Fedoseev. Mereka dibezakan oleh pemahaman mendalam tentang kandungan sekeping muzik, perpaduan kandungan dan bentuk yang cemerlang, tafsiran asli yang menarik dan kemahiran teknikal yang sangat baik. Jenis ini dicirikan oleh keseimbangan antara prinsip emosi dan intelek, yang dikawal secara sedar.

Pelbagai aspek tafsiran: 1. tafsiran oleh pelaku niat pengarang; 2. warisan sejarah; 3. hubungan antara budaya dan intrabudaya. Persembahan tulen, menyelami konteks sejarah dan budaya.

Karya pada karya muzik harus berdasarkan kajian komprehensifnya. Ini akan membolehkan anda menyelidiki sfera kiasan, mengekalkan minat artis dalam karya itu dan, akhirnya, memahami niat pengarang.

Titik permulaan yang paling penting pada laluan yang panjang dan sukar ini ialah era di mana karya ini atau itu dicipta. Komposer, seolah-olah, bercakap bahasa yang berbeza pada masa yang berbeza, merangkumi cita-cita yang berbeza, mencerminkan aspek ciri kehidupan masa tertentu, pandangan falsafah dan estetik, konsep. Sehubungan itu, cara ekspresif juga digunakan. Adalah perlu untuk memahami mengapa gaya tertentu ini muncul pada era tertentu, untuk mengaitkannya dengan keperibadian komposer, yang merupakan "produk" era itu, kepunyaan tertentu. kumpulan sosial, kewarganegaraan, untuk meletakkan sekeping muzik dalam keadaan ini dan untuk mewujudkan hubungannya dengan pencipta dan masa.

Mari kita ambil kaitan antara zaman dan tatatanda pergerakan (tempo). Dalam era yang berbeza, notasi tempo ditafsirkan dengan cara yang berbeza. Dalam tempoh praklasik, tempias "Allegro", "Andante", "Adagio", sebagai contoh, tidak menunjukkan kelajuan pergerakan, tetapi sifat muzik. Allegro karya Scarlatti lebih perlahan (atau lebih terkawal) daripada Allegro klasik, manakala Allegro Mozart lebih perlahan (lebih terkawal) daripada Allegro dalam pengertian modennya. Andante Mozart lebih mudah alih. Daripada kita memahaminya sekarang. Perkara yang sama boleh dikatakan mengenai hubungan era muzik dengan dinamik dan artikulasi. Sudah tentu, kehadiran pihak berkuasa membolehkan seseorang untuk berhujah di suatu tempat dengan petunjuk dinamik, untuk melihat piano, pianissimo, forte, fortissimo dengan cara yang baru.

rakaman bunyi

Peranti pertama untuk merakam dan mengeluarkan semula bunyi ialah alat muzik mekanikal. Mereka boleh memainkan melodi, tetapi tidak dapat merakam bunyi sewenang-wenangnya seperti suara manusia. Main balik muzik automatik telah diketahui sejak abad ke-9, apabila Banu Musa bersaudara sekitar 875 mencipta alat mekanikal tertua yang diketahui - hidraulik atau "organ air", yang memainkan silinder yang boleh ditukar ganti secara automatik. Silinder dengan "cam" yang menonjol di permukaan kekal sebagai cara utama untuk pembiakan mekanikal muzik sehingga separuh kedua abad ke-19. Dicipta semasa zaman renaissance keseluruhan baris pelbagai alat muzik mekanikal yang mengeluarkan semula melodi ini atau itu pada masa yang sesuai: organ laras, kotak muzik, kotak, kotak tembakau.

Pada tahun 1857 de Martinville mencipta fonotgraf. Peranti ini terdiri daripada kon akustik dan membran bergetar yang disambungkan kepada jarum. Jarum itu bersentuhan dengan permukaan silinder kaca bersalut jelaga yang diputar secara manual. Getaran bunyi, melalui kon, membuat membran bergetar, menghantar getaran ke jarum, yang mengesan bentuk getaran bunyi dalam lapisan jelaga. Walau bagaimanapun, tujuan peranti ini adalah percubaan semata-mata - ia tidak dapat memainkan rakaman yang dirakam.

Pada tahun 1877, Thomas Edison mencipta fonograf, yang sudah boleh memainkan semula rakamannya sendiri. Bunyi dirakam pada media dalam bentuk trek, kedalamannya adalah berkadar dengan kelantangan bunyi. Trek bunyi fonograf diletakkan dalam lingkaran silinder pada dram berputar yang boleh diganti. Semasa main balik, jarum yang bergerak di sepanjang alur menghantar getaran ke membran elastik, yang mengeluarkan bunyi.

Edison Thomas Alva (1847-1931), pencipta dan usahawan Amerika. Pengarang lebih daripada 1000 ciptaan dalam bidang kejuruteraan elektrik dan komunikasi. Dia mencipta peranti rakaman bunyi pertama di dunia - fonograf, menambah baik lampu pijar, telegraf dan telefon, membina loji kuasa pertama di dunia pada tahun 1882.

Dalam fonograf pertama, penggelek logam diputar oleh engkol, bergerak secara paksi dengan setiap pusingan disebabkan oleh benang skru pada aci pemacu. Kerajang timah (staniol) digunakan pada penggelek. Ia disentuh oleh jarum keluli yang disambungkan pada membran kertas. Tanduk kon logam dipasang pada membran. Apabila merakam dan memainkan bunyi, penggelek perlu diputar secara manual pada kelajuan 1 pusingan seminit. Apabila roller berputar tanpa ketiadaan bunyi, jarum menyemperit alur lingkaran (atau alur) kedalaman yang berterusan pada kerajang. Apabila membran bergetar, jarum ditekan ke dalam tin mengikut bunyi yang dirasakan, mewujudkan alur kedalaman berubah-ubah. Maka terciptalah kaedah “deep recording”.

Pada ujian pertama radasnya, Edison menarik foil dengan ketat ke atas silinder, membawa jarum ke permukaan silinder, dengan berhati-hati mula memutarkan pemegang dan menyanyikan bait pertama lagu kanak-kanak "Mary had a sheep" ke dalam corong mulut. Kemudian dia mengambil jarum itu, mengembalikan silinder ke kedudukan asalnya dengan pemegang, memasukkan jarum ke dalam alur yang dilukis dan sekali lagi mula memutarkan silinder. Dan dari corong, lagu kanak-kanak kedengaran lembut, tetapi jelas.

Pada tahun 1885, pencipta Amerika Charles Tainter (1854-1940) membangunkan grafofon—fonograf kendalian kaki (seperti mesin jahit kendalian kaki)—dan menggantikan kepingan gulungan timah dengan lilin. Edison membeli paten Tainter, dan bukannya gulungan foil, gulungan lilin boleh tanggal digunakan untuk rakaman. Pic alur bunyi adalah kira-kira 3 mm, jadi masa rakaman bagi setiap gulung adalah sangat singkat.

Dalam bentuk yang hampir tidak berubah, fonograf wujud selama beberapa dekad. Sebagai peranti untuk merakam karya muzik, ia tidak lagi dihasilkan pada penghujung dekad pertama abad ke-20, tetapi selama hampir 15 tahun ia digunakan sebagai perakam suara. Penggelek untuknya dihasilkan sehingga 1929.

Selepas 10 tahun, pada tahun 1887, pencipta gramofon, E. Berliner, menggantikan penggelek dengan cakera dari mana salinan boleh dibuat - matriks logam. Dengan bantuan mereka, rekod gramofon yang terkenal telah ditekan (Rajah 4 a.). Satu matriks membolehkan untuk mencetak keseluruhan edaran - sekurang-kurangnya 500 rekod. Ini adalah kelebihan utama rekod Berliner berbanding penggelek lilin Edison, yang tidak boleh direplikasi. Tidak seperti fonograf Edison, Berliner membangunkan satu alat untuk rakaman bunyi - perakam, dan satu lagi untuk pembiakan bunyi - gramofon.

Daripada rakaman dalam, rakaman melintang digunakan, i.e. jarum meninggalkan kesan berliku-liku kedalaman berterusan. Selepas itu, membran telah digantikan oleh mikrofon yang sangat sensitif yang menukarkan getaran bunyi kepada getaran elektrik dan penguat elektronik. 1888 adalah tahun penciptaan rekod gramofon oleh Berlinger.

Sehingga tahun 1896, cakera perlu diputar dengan tangan, dan ini merupakan halangan utama kepada penggunaan gramofon yang meluas. Emil Berliner mengumumkan pertandingan untuk enjin spring - murah, berteknologi maju, boleh dipercayai dan berkuasa. Dan enjin sedemikian direka oleh mekanik Eldridge Johnson, yang datang ke syarikat Berliner. Dari 1896 hingga 1900 kira-kira 25,000 daripada enjin ini dihasilkan. Barulah gramofon Berliner tersebar luas.

Rekod pertama adalah satu sisi. Pada tahun 1903, cakera dua sisi 12 inci dikeluarkan buat kali pertama.

Pada tahun 1898, jurutera Denmark Voldemar Paulsen (1869-1942) mencipta alat untuk merakam bunyi secara magnetik pada dawai keluli. Kemudian, Paulsen mencipta kaedah rakaman magnetik pada cakera keluli berputar, di mana maklumat direkodkan dalam lingkaran oleh kepala magnet yang bergerak. Pada tahun 1927, F. Pfleimer membangunkan teknologi untuk menghasilkan pita magnetik secara bukan magnet. Atas dasar perkembangan ini, pada tahun 1935, syarikat elektrik Jerman "AEG" dan syarikat kimia "IG Farbenindustri" menunjukkan di pameran radio Jerman pita magnetik pada asas plastik yang disalut dengan serbuk besi. Menguasai pengeluaran industri, kosnya 5 kali lebih murah daripada keluli, ia jauh lebih ringan, dan yang paling penting, ia memungkinkan untuk menyambung kepingan dengan pelekatan mudah. Untuk menggunakan pita magnetik baru, peranti rakaman bunyi baru telah dibangunkan, yang menerima nama jenama "Magnetofon". Pita magnetik sesuai untuk rakaman bunyi berulang. Bilangan rekod sedemikian boleh dikatakan tidak terhad. Ia hanya ditentukan oleh kekuatan mekanikal pembawa maklumat baru - pita magnetik. Perakam pita dua trek pertama dikeluarkan oleh syarikat Jerman AEG pada tahun 1957, dan pada tahun 1959 syarikat ini mengeluarkan perakam pita empat trek pertama.

“Ubat yang paling benar dan tertinggi

perkhidmatan kepada komposer hebat

terdiri daripada membawa mereka sepenuhnya

keikhlasan artis"

(Alfred Cortot).

Sejak kemunculan sekeping muzik yang dirakam dalam sistem tatatanda tertentu, hubungan kreatif antara pembawa utama muzik - komposer dan penghibur - telah dalam proses pengubahsuaian yang berterusan. Dalam komanwel ini, dua kecenderungan sedang bergelut - keinginan untuk gabungan dengan keinginan untuk ekspresi diri. Sejak pertengahan abad ke-19, pianis Rusia telah menjadi salah satu kumpulan paling progresif dalam dunia seni persembahan. Di Rusia, lebih awal daripada tempat lain, mereka memahami keperluan untuk kajian yang paling teliti terhadap teks pengarang, digabungkan dengan sikap kreatif terhadapnya. Empat dekad pertama abad ke-20 adalah masa penyelesaian paling harmoni bagi persoalan sikap terhadap teks pengarang; pemain piano mula memahami intipati karya dan gaya penciptanya dengan lebih mendalam. Pemuzik Soviet telah membuat sumbangan yang layak kepada dunia mempersembahkan Bakhiana. M.V. Yudina menyembah Bach sepanjang dia kehidupan kreatif. Ini dibuktikan dengan bilangan (kira-kira lapan puluh) gubahannya yang dimainkan oleh pemain piano - hampir unik untuk artis seangkatannya. Dalam himpunan Bach, dia meninggalkan banyak cara romantis ekspresif, termasuk piano tertentu; ia dicirikan oleh yang lebih bersejarah, berbanding dengan tafsiran romantik, membaca Bach. Yudina adalah antara yang pertama menyedari bahawa kreativiti Bach dan piano moden adalah milik zaman yang berbeza seperti hidup realiti seni, yang meletakkan jurubahasa dalam kedudukan yang sukar. TENTANG ciri-ciri inovatif Gaya Yudina boleh dinilai dengan persembahannya dalam Fantasi Kromatik dan Fugue, yang dibezakan oleh kiasan linear, pewarnaan pertapa dan pembelahan artikulasi harpsichord yang bertenaga. Perhatian diberikan kepada "pendaftaran" dalam semangat clavier lama, dengan sentuhan organisma, serta tempo yang perlahan, "berdaulat" dan agogics yang ketat. Keinginan pemain piano untuk gaya tidak pernah berubah menjadi "kekeringan" seperti muzium persembahannya. Dalam tafsiran Yudina, keupayaan untuk menyatakan rendaman yang lama dalam satu keadaan emosi, hilang dalam bacaan romantis, mula kembali ke karya Bach: kebangkitan semula prinsip pendaftaran organ clavier; kehilangan diminuendo di bar akhir; penolakan tradisi secara beransur-ansur meningkatkan kuasa bunyi dalam fugues dari awal hingga akhir, ketiadaan rubato impulsif. Satu lagi ciri "clavier" dalam keputusan persembahan Yudina harus diberi perhatian - peningkatan kepentingan artikulasi.

Di kalangan pemuzik Soviet, Svyatoslav Teofilovich Richter menjadi klasik dalam peringkat pasca-romantik dalam sejarah piano, seorang artis yang dalam karyanya trend utama era persembahan baru tertumpu. Dia mencipta tafsiran, tanpanya sejarah persembahan muzik Bach tidak dapat dibayangkan. Dengan tegas melanggar kecenderungan tafsiran romantik karya komposer ini, Richter memadamkan transkripsi daripada programnya. Dalam Preludes and Fugues dari HTK, yang menduduki tempat utama dalam diskografi Richter's Bach, dia membezakan kebebasan romantis, subjektiviti tafsiran dengan keinginan untuk objektiviti maksimum dan, seolah-olah, "pergi ke dalam bayang-bayang", ingin membiarkan bunyi "muzik itu sendiri". Tafsiran ini disemai dengan sikap berhati-hati dan suci terhadap pengarang. Penyerapan diri di sini sepenuhnya menguasai manifestasi luaran perasaan; keamatan emosi hanya dapat ditebak dalam ketegangan intelek yang besar. Kemahiran unik itu dicerminkan dalam halimunannya, dalam laconism dan asceticism cara piano. Kami mendengar di Richter kemungkinan bunyi organ, vokal, orkestra, orkestra-koir dan harpsichord dan loceng. “Saya yakin bahawa Bach boleh dimainkan dengan baik dalam cara yang berbeza, dengan artikulasi yang berbeza dan dengan dinamik yang berbeza. Jika hanya keseluruhannya dipelihara, jika hanya garis besar gaya yang ketat tidak diputarbelitkan, jika hanya persembahannya cukup meyakinkan "(S.T. Richter).

Pendekatan yang mendalam dan menyeluruh, benar-benar artistik kepada kitaran CTC adalah ciri Richter. Mendengarkan persembahan Richter, mudah untuk mengesan dua kecenderungan utama dalam dirinya, yang kadangkala bergaduh sesama sendiri. Di satu pihak, persembahannya nampaknya berada dalam sempadan yang telah ditetapkan oleh keunikan seni yang lebih jelas pada zaman Bach. Sebaliknya, ia sentiasa berurusan dengan fenomena yang melampaui sempadan ini. "Di dalamnya, seolah-olah, harpsichord, clavichord, dan simpati organ Bach, dan pandangan cemerlangnya tentang masa depan "disolder" bersama-sama" (J. Milshtein). Ia menggabungkan kedua-dua elemen ekspresif dan konstruktif, serta yang linear. Itulah sebabnya, dalam prelude dan fugues lain, Richter mengetengahkan prinsip intelek, konstruktif-polifonik dan menghubungkan struktur kiasan mereka dengannya; dalam yang lain, ia menekankan kedalaman falsafah muzik Bach dan keseimbangan organik semua cara ekspresif yang berkaitan dengannya. Kadang-kadang dia tertarik dengan ungkapan garis melodi yang mengalir lancar (artikulasi koheren legato), kadang-kadang sebaliknya, dengan ketajaman dan kejelasan irama, pemotongan artikulasi. Kadang-kadang dia berusaha untuk kelembutan romantis, keplastikan permainan, kadang-kadang untuk kontras dinamik yang ditekankan secara mendadak. Tetapi dia, tentu saja, tidak dicirikan oleh pembulatan "sensitif" frasa, warna dinamik kecil, penyimpangan yang tidak wajar dari tempo utama. Ia juga sangat asing dengan tafsiran Bach yang sangat ekspresif, impulsif, aksen asimetri, penekanan tajam pada nota dan motif individu, pecutan tempo "spastik" secara tiba-tiba, dsb. Prestasi HTK beliau adalah stabil, berskala besar, organik dan keseluruhan. "Kebahagiaan tertingginya adalah untuk larut dalam kehendak komposer yang telah dipilihnya" (Y. Milshtein).

Dorongan utama tafsiran Glenn Gould yang luar biasa, menakluk dunia adalah gerak hatinya yang menakjubkan, kuasa emosi muzik yang tidak dapat dilawan yang hidup dalam dirinya. Guldovsky Bach adalah puncak terbesar seni persembahan pada separuh kedua abad ke-20. Palet harpsichord piano Gould, melismatiknya dan banyak lagi membuktikan intelek dan penembusan terdalam ke dalam budaya zaman Bach. Tafsiran Gould tentang ciptaan, partita, variasi Goldberg dan karya lain oleh Bach menjadi aset artistik, yang dilihat oleh sezaman kita sebagai karya seni persembahan, sebagai standard gaya yang dibersihkan daripada semua lapisan terkumpul. Walau bagaimanapun, dominan kreatif tuan tidak pernah menjadi tiruan Bach. Dia tunduk kepada intuisinya, sambil tidak berhenti pada perubahan dalam data langsung teks "putih" Bach. Gould mempersembahkan karya Bach dengan pelbagai tahap daya pujukan artistik. Tidak semua fugues dari jilid pertama CTC dilakukan pada tahap artistik biasa untuk Gould. Dalam permainan master, selalunya terdapat sisa langsung dari teks, varian berirama-tingginya.

Permainan Gould sangat menarik dalam asalnya dan, dalam darjah tertinggi, melismatik ekspresif. Lokasi mereka juga asal - banyak yang ditambah, yang lain tidak dilakukan. Tanpa mereka, tafsiran Bach tentang artis itu akan kehilangan banyak. Artis sering menggunakan variasi berirama teks. Tetapi jika ciri-ciri lakonan master di atas tidak memperkenalkan perubahan yang meluas ke dalam watak dan makna karya, maka transformasi Gould yang lain menceroboh ke dalam intipati gubahan. Tafsiran tuan Kanada merangkumi spektrum imaginasi terkaya. Dia memainkan banyak perkara dengan lirik yang mendalam, kebebasan berirama, luar biasa untuk Bach, dan frasa pendek. Permainannya menyerlah dengan kesempurnaan, kecembungan suara yang memimpin. Seluruh fabrik muzik adalah jelas "seperti di telapak tangan anda." Muzik nampaknya diperkaya dengan intonasi ekspresif semua suara.

Seni garisan yang sangat maju, pelbagai dan halus dalam permainan tuan. Pukulannya memberikan struktur motif melodi Bach rupa yang paling pelbagai. Kepentingan khusus ialah kaedah luar biasa untuk memvariasikan pukulan dalam melodi yang sama, termasuk tema fugues, ciptaan dan karya lain, dan membuka masalah prestasi baharu. Kajian karya orkestra Bach, yang mengandungi sejumlah liga pengarang - pukulan, menunjukkan kemungkinan contoh sedemikian. Komposer hebat itu sendiri mempelbagaikan pukulan, dan tidak begitu jarang. Pemikir bebas Kanada mencipta Bach yang paling meyakinkan pada zaman kita. Dia adalah Bach yang berbeza: bukan yang semasa hayatnya, dan bukan yang, berubah, muncul kepada generasi yang berbeza, tetapi dia seolah-olah sezaman Gould Bach yang paling tulen.

Dalam bidang muzik instrumental, karya J.S. Bach membuka keseluruhannya era baru, pengaruh berbuah yang meluas hingga ke zaman kita dan tidak akan pernah kering. Tidak dibelenggu oleh dogma ossified teks agama, muzik secara meluas ditujukan kepada masa depan, secara langsung dekat dengan kehidupan sebenar. Ia berkait rapat dengan tradisi dan teknik seni sekular dan pembuatan muzik.

Dunia bunyi muzik instrumental Bach ditandai dengan keaslian yang unik. Ciptaan Bach telah memasuki kesedaran kita, telah menjadi keperluan estetik yang penting, walaupun ia berbunyi pada instrumen selain daripada zaman itu.

Muzik instrumental, terutamanya Köthen, berkhidmat kepada Bach sebagai "bidang eksperimen" untuk menyempurnakan dan mengasah teknik mengarangnya yang komprehensif. Karya-karya ini mempunyai nilai artistik yang berkekalan; ia merupakan pautan yang diperlukan dalam keseluruhan evolusi kreatif Bach. Clavier menjadi asas harian bagi Bach untuk eksperimen muzik dalam bidang ketertiban, keharmonian dan pembentukan, dan lebih meluas menghubungkan pelbagai sfera genre kreativiti Bach. Bach mengembangkan sfera figuratif-ekspresif clavier dan mengembangkan untuknya gaya sintetik yang lebih luas, yang menggabungkan cara ekspresif, teknik, tematik yang dipelajari dari organ, orkestra, kesusasteraan vokal - Jerman, Itali, Perancis. Walaupun fleksibiliti kandungan kiasan, yang memerlukan cara persembahan yang berbeza, gaya Clavier Bach dibezakan oleh beberapa ciri-ciri biasa: bertenaga dan megah, kandungan dan struktur emosi yang seimbang, kekayaan dan pelbagai tekstur. Kontur melodi clavier adalah merdu secara ekspresif, memerlukan cara permainan cantabile. Pada tahap yang lebih besar, penjarian dan penetapan tangan Bach berkait dengan prinsip ini. Salah satu ciri ciri gaya ialah ketepuan persembahan dengan kiasan harmonik. Melalui teknik ini, komposer berusaha untuk "menaikkan ke permukaan bunyi" lapisan dalam harmoni yang megah itu, yang, dalam tekstur yang berterusan pada clavier pada masa itu, tidak dapat mendedahkan sepenuhnya khazanah warna dan ekspresi yang terkandung dalam mereka.

Kerja-kerja Bach bukan sahaja menakjubkan dan sangat menawan: pengaruh mereka menjadi lebih kuat semakin kerap kita mendengarnya, semakin kita mengenali mereka. Terima kasih kepada kekayaan idea yang besar, kami mendapati sesuatu yang baru dalam mereka setiap kali yang menyebabkan kekaguman. Bach menggabungkan gaya yang megah dan agung dengan hiasan terbaik, sangat berhati-hati dalam memilih perincian keseluruhan komposisi, kerana dia yakin bahawa "keseluruhan tidak boleh sempurna jika butiran keseluruhan ini tidak "dipasang" antara satu sama lain" (I. Forkel).

Teknologi, perkembangan» www.methodkabinet.rf

Pemain piano - jurubahasa. piano moden.

Iovenko Yulia Evgenievna, guru piano, Sekolah Muzik Kanak-kanak MAOUK DOD, Komsomolsk-on-Amur, Wilayah Khabarovsk

sayaprojekmelibatkan isu tafsiran muzik piano.

Di dalamnya saya akan menyentuh sedikit topik sejarah seni persembahan piano, serta isu trend dalam piano persembahan moden, saya akan bercakap tentang beberapa pemain piano zaman kita, yang, pada pendapat saya, adalah penterjemah terbaik komposer ini atau itu.

Muzik dalam beberapa seni menduduki tempat yang istimewa dalam kekhususannya. Secara objektif wujud dalam bentuk notasi muzik, muzik memerlukan tindakan penciptaan semula oleh penghibur, tafsiran artistiknya. Dalam sifat muzik terletak kesatuan dialektik karya dan persembahan muzik.

Persembahan muzik sentiasa kreativiti kontemporari, kreativiti era tertentu, walaupun karya itu sendiri dipisahkan daripadanya dalam jangka masa yang panjang.

Bergantung pada era perkembangan muzik piano, pemain piano mengembangkan gaya persembahan tertentu, cara bermain tertentu.

Tempoh Clavier adalah prasejarah untuk persembahan piano. Pada masa ini, jenis pemuzik-pengamal, "komposer bermain" telah dibentuk. Penambahbaikan kreatif adalah nadi seni persembahan. Kebajikan pemuzik sedemikian dikurangkan bukan kepada kesempurnaan teknikal, tetapi kepada keupayaan untuk "bercakap" dengan penonton dengan bantuan instrumen.

Baru peristiwa penting persembahan muzikal datang menjelang akhir abad ke-18 dengan promosi instrumen solo baharu - piano aksi tukul. Komplikasi kandungan muzik menyebabkan keperluan untuk notasi muzik yang tepat, serta menetapkan arahan prestasi khas.

Persembahan piano memperoleh kekayaan emosi dan dinamisme.

Menjelang akhir abad ke-18 terdapat bentuk baru membuat muzik - konsert awam, berbayar. Terdapat pembahagian kerja antara komposer dan penghibur.

Awal abad ke-19 jenis pemuzik baru sedang dibentuk - "virtuoso mengarang". Keadaan spatial dan akustik baharu (besar dewan konsert) menuntut kuasa bunyi yang lebih besar daripada para penghibur. Bagi meningkatkan kesan psikologi, elemen hiburan diperkenalkan. "Permainan" muka dan tangan menjadi cara "mengukir" spatial imej muzik. Penonton dipengaruhi oleh skop virtuoso permainan, penerbangan mewah yang berani, pelbagai warna emosi yang berwarna-warni.

Dan akhirnya menjelang pertengahan abad ke-19 tetapi seorang pemuzik-jurubahasa, seorang jurubahasa kreativiti komposer orang lain, sedang dibentuk. Bagi jurubahasa, sifat subjektif semata-mata persembahan memberi laluan kepada tafsiran yang menetapkan tugas artistik objektif untuknya - pendedahan, tafsiran dan penghantaran. sistem kiasan karya muzik dan niat pengarangnya.

Hampir semuanya abad ke-19 dicirikan oleh persembahan piano yang berbunga kuat. Persembahan menjadi ciptaan kedua, di mana jurubahasa berada pada kedudukan yang sama dengan komposer. Virtuoso yang mengembara dalam semua jenisnya menjadi tokoh utama dalam bidang persembahan - daripada "akrobat" piano kepada penghibur propagandis. Dalam aktiviti Chopin, Liszt, saudara-saudara Rubinstein, idea perpaduan prinsip seni dan teknikal menguasai, sebaliknya, Kalkbrenner dan Laugier menetapkan matlamat utama untuk mendidik pelajar virtuoso. Gaya ramai tuan abad ke-19 dipenuhi dengan kerelaan eksekutif sedemikian rupa sehingga kami akan menganggapnya seratus peratus hambar dan tidak boleh diterima.

abad ke-20 boleh dipanggil dengan selamat sebagai abad pemain piano yang hebat: begitu banyak dalam satu tempoh masa, nampaknya mereka tidak pernah berlaku sebelum ini. Paderevsky, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - pada awal abad ini, Richter, Gilels, Kempff - pada separuh masa kedua. Senarainya tidak berkesudahan...

Pada giliran XX-X saya berabad-abad Kepelbagaian tafsiran sangat hebat sehingga kadang-kadang tidak mudah untuk memahaminya. Masa kita adalah kepelbagaian dalam melaksanakan adab.

Seni moden bermain piano. Apa ini? Apa yang berlaku di dalamnya, apa yang mati dan apa yang dilahirkan?

Secara umum, trend seni persembahan piano hari ini, berbeza dengan 50 tahun yang lalu, adalah keutamaan perincian berbanding konsep umum. Dalam bacaan butiran mikro yang berbeza, penghibur moden ingin mencari keperibadian mereka.

Ia juga wujudnya peraturan prestasi yang tidak dinyatakan: “Tiada homofoni. Keseluruhan tekstur piano sentiasa polifonik melalui dan melalui, dan juga stereofonik. Prinsip asas dikaitkan dengan ini: setiap jari adalah instrumen yang berasingan dan hidup dan khusus yang bertanggungjawab untuk tempoh dan kualiti bunyi ”(petikan dari kuliah - pelajaran oleh Mikhail Arkadiev).