En kort historie om orkesteret, fra antikken til Beethoven. Typer orkestre som fremfører instrumental og symfonisk musikk Interessante fakta om Yaroslavl Symphony Orchestra
Interessant, men sant...
Fysikeren Albert Einstein, undrende over de vanskeligste spørsmålene, pleide å spille fiolin til en løsning kom opp. Så reiste han seg og kunngjorde: «Vel, jeg skjønte endelig hva som var i veien!»
Strukturen til et symfoniorkester
Orkester V Antikkens Hellas kalt plass, ment for kor(Gresk orheomai - jeg danser). For tiden kalles et orkester en bestemt sammensetning av musikkinstrumenter som danner en organisk helhet basert på en dyp intern sammenkobling av klangfarger med hverandre. Musikalsk praksis har utviklet ulike typer orkestre. Hver har en viss sammensetning av verktøy og et annet antall av dem. Hovedtyper: opera og symfoni, messing, folkeinstrumentorkester, jazzorkester.
Symfoniorkesteret har på sin side varianter. Kammerorkester (10 - 12 personer) er laget for fremføring av tidlig musikk av komposisjonen den ble skrevet for (Bachs Brandenburg Concertos, Concerto grosso av Vivaldi, Corelli, Handel). Kjernen i kammerorkesteret er en strykegruppe med tillegg av cembalo, fløyte, obo, fagott og horn. Appell til kammerorkesteret i moderne musikk er forbundet enten med søken etter nye uttrykksmuligheter (Shostakovich. Opera "The Nose", 14. symfoni, A. Schnittke. Concerto grosso for to fioliner og kammerorkester, 1977), eller forklares av praktiske hensyn. Slike omstendigheter viste seg å være avgjørende da I. Stravinsky skapte The Story of a Soldier i 1918: «... våre iscenesettelsesfasiliteter var svært magre ... jeg så ingen annen utvei enn å stoppe ved en slik komposisjon som ville inkludere det meste karakteristiske instrumenter for høye og lave registre. Fra strykere - fiolin og kontrabass, fra tre - klarinett og fagott, fra kobber - trompet og trombone, og til slutt, perkusjon, som styres av én musiker.
strykeorkester omfatter buegruppe orkester (Tsjaikovskij. Serenade for strykeorkester, Onneger. Andre symfoni).
På slutten av 1700-tallet, når kreativ måte Haydn og Mozart og de første Beethoven-symfoniene dukket opp, utviklet lite (klassisk) orkester. Dens sammensetning:
strenggruppe treblåsere messingtrommer
fioliner I fløyter 2 horn 2 – 4 pauker 2 – 3
fioliner II oboer 2 trompeter 2
alt klarinetter 2
cellofottet 2
kontrabasser
J. Haydn. Symfoni "Hours", del II
I andre halvdel av 1800-tallet ble stort symfoniorkester. Det viktigste kjennetegn ved et stort orkester fra et lite er tilstedeværelsen av tre tromboner og en tuba ( tung kobberkvartett ). For å skape en dynamisk balanse øker antallet utøvere i strykegruppen.
lite orkester stort orkester
fioliner I 4 konsoller 8 – 10 konsoller
fioliner II 3 konsoller 7 – 9 konsoller
bratsj 2 fjernkontroller 6 fjernkontroller
celloer 2 fjernkontroller 5 fjernkontroller
kontrabasser 1 konsoll 4 – 5 konsoller
Avhengig av antall treblåseinstrumenter er det flere komposisjoner av et stort symfoniorkester.
Dobbel eller dobbel komposisjon , der det er 2 instrumenter av hver familie
Schubert. Symfoni h-moll.
Glinka. Valsfantasi.
Chaikovsky. Symfoni nr. 1.
trippel komposisjon, der det er 3 instrumenter fra hver familie:
Lyadov. Baba er en yaga.
Rimsky-Korsakov. Operaer Den gylne hane, historien om tsar Saltan.
Firedobbel komposisjon : 4 fløyter, 4 oboer, 4 klarinetter, 4 fagotter.
Hvordan unntaket oppstår enkelt komposisjon:
Prokofiev. Symfonisk fortelling"Peter og ulven".
Rimsky-Korsakov. Opera Mozart og Salieri.
Tilgjengelig mellomsammensetning:
Rimsky-Korsakov. "Scheherazade".
Sjostakovitsj. Symfoniene 7, 8, 10.
Chaikovsky. Symfoni nr. 5. Ouverturer "Francesca da Rimini", Romeo og Julie.
Organiseringen av et symfoniorkester er å forene relaterte instrumenter inn i grupper. Det er fem av dem:
Strengeinstrumenter - archi
Tre blåseinstrumenter – fiati (legno)
Messinginstrumenter - ottoni
Perkusjonsinstrumenter - percussi
Keyboard-plukkede instrumenter.
3. Finn informasjon om sammensetningen av orkesteret i Monteverdis opera "Orpheus"
treblåseinstrumenter
Fløyte (It. flauto, fransk fløyte, tysk fløyte, engelsk fløyte)
Fløyten er et av de eldste instrumentene i verden, kjent siden antikken - i Egypt, Hellas og Roma. Siden antikken har folk lært å trekke ut musikalske lyder fra kuttet stokk, lukket i den ene enden. Dette primitive musikkinstrumentet var tilsynelatende den fjerne stamfaren til fløyten. I Europa i middelalderen ble to typer fløyte utbredt: rett og tverrgående. Den rette fløyten, eller "tippfløyten", ble holdt rett frem, som en obo eller klarinett; skrå, eller tverrgående - i vinkel. Tverrfløyten viste seg å være mer levedyktig, da den var lett å forbedre. På midten av 1700-tallet erstattet den endelig den rette fløyten fra symfoniorkesteret. Samtidig ble fløyten, sammen med harpe og cembalo, et av de mest elskede hjemmemusikkinstrumentene. Fløyten ble for eksempel spilt av den russiske artisten Fedotov og den prøyssiske kongen Fredrik II.
Fløyten er det mest mobile treblåseinstrumentet: i virtuositet overgår den alle andre blåseinstrumenter. Et eksempel på dette er ballettsuiten «Daphnis and Chloe» av Ravel, der fløyten faktisk fungerer som et soloinstrument.
Fløyten er et sylindrisk rør, tre eller metall, lukket på den ene siden - ved hodet. Det er også et sidehull for luftinjeksjon. Å spille fløyte krever mye luftforbruk: når den blåses inn, knekker en del på den skarpe kanten av hullet og går. Fra dette oppnås en karakteristisk sibilant overtone, spesielt i et lavt register. Av samme grunn er vedvarende toner og brede melodier vanskelig å spille på fløyte.
Rimsky-Korsakov beskrev klangen til fløyten som følger: "Klangen er kald, mest egnet for melodier av en grasiøs og lettsindig natur i dur, og med et snev av overfladisk tristhet i moll."
Komponister bruker ofte et ensemble av tre fløyter. Et eksempel er gjeterinnenes dans fra Tsjaikovskijs Nøtteknekkeren..
Obo (tysk: Oboe)
I antikken av sin opprinnelse konkurrerer oboen med fløyten: den sporer sin avstamning til den primitive fløyten. Av oboens forfedre var den greske aulos mest brukt, uten hvilken de gamle hellenerne ikke kunne forestille seg verken en fest eller teaterforestilling. Forfedrene til oboen kom til Europa fra Midtøsten.
På 1600-tallet ble en obo laget av en bombarda - et instrument av pipe-type, som umiddelbart ble populært i orkesteret. Det ble snart et konsertinstrument også. I nesten et århundre har oboen vært idolet til musikere og musikkelskere. De beste komponistene fra 1600- og 1700-tallet - Lully, Rameau, Bach, Handel - hyllet denne hobbyen: Handel skrev for eksempel konserter for oboen, hvis vanskelighetsgrad kan forvirre selv moderne oboister. På begynnelsen av 1800-tallet bleknet imidlertid «kulten» av oboen i orkesteret noe, og hovedrollen i treblåsergruppen gikk over til klarinetten.
I henhold til strukturen er oboen et konisk rør; i den ene enden av den er en liten traktformet klokke, i den andre - en stokk, som utøveren holder i munnen.
Takket være noen designfunksjoner mister oboen aldri stemningen. Derfor har det blitt en tradisjon å stemme hele orkesteret til det. Foran et symfoniorkester, når musikerne samles på scenen, er det ikke uvanlig å høre oboisten spille i A i første oktav, og de andre utøverne finjustere instrumentene sine.
Oboen har en mobil teknikk, selv om den er dårligere i så henseende enn fløyten. Det er mer en sang enn et virtuost instrument: Som regel er dens domene tristhet og elegisk. Slik lyder det i temaet svaner fra pausen til andre akt " Svanesjøen"og i den enkle melankolske melodien til andre del av Tsjaikovskijs 4. symfoni. Av og til tildeles oboen "komiske roller": i Tsjaikovskijs Tornerose, for eksempel i varianten av "Katten og pusen", oboen morsomt nok. imiterer mjauingen av en katt.
Fagott (It.fagotto, tysk Fagott, fransk fagott, engelsk fagott)
Fagottens stamfar anses å være den gamle basspipen - bombarda. Fagotten som erstattet den ble bygget av kanon Afragno degli Albonesi i første halvdel av 1500-tallet. Et stort trerør bøyd i to lignet en bunt med ved, noe som gjenspeiles i navnet på instrumentet (det italienske ordet fagotto betyr "bunt"). Fagotten erobret samtiden med klangens eufoni, som i motsetning til hes stemme bombarder begynte å kalle ham "dolcino" - søt.
I fremtiden, mens de beholdt sine ytre konturer, gjennomgikk fagotten alvorlige forbedringer. Fra 1600-tallet gikk han inn i symfoniorkesteret, og fra 1700-tallet - inn i militæret. Den koniske trestammen til fagotten er veldig stor, så den er "foldet" i to. Et buet metallrør er festet på toppen av instrumentet, som en stokk settes på. Under spillet henges fagotten på en snor rundt utøverens hals.
På 1700-tallet nøt instrumentet stor kjærlighet blant samtidige: noen kalte det "stolt", andre - "mild, melankolsk, religiøs". Rimsky-Korsakov definerte fargen på fagotten på en veldig særegen måte: "Klangen er senilt hånende i dur og smertelig trist i moll." Fagottprestasjon krever mye pust, og forte i et lavt register kan forårsake ekstrem tretthet for utøveren. Funksjonene til verktøyet er svært forskjellige. Riktignok var de på 1700-tallet ofte begrenset til å støtte strengbasser. Men på 1800-tallet, med Beethoven og Weber, ble fagotten den individuelle stemmen til orkesteret, og hver av de påfølgende mesterne fant nye egenskaper i den. Meyerbeer i "Robert the Devil" tvang fagottene til å skildre "dødslatter, fra hvilken frost river i huden" (ordene til Berlioz). Rimsky-Korsakov i "Scheherazade" (en historie av Prince Kalender) oppdaget en poetisk forteller i fagotten. I denne siste rollen opptrer fagotten spesielt ofte – det er nok derfor Thomas Mann kalte fagotten en «mockingbird». Eksempler finnes i Humorous Scherzo for fire fagotter og i Prokofievs Petya and the Wolf, hvor fagotten får «rollen» som bestefar, eller i begynnelsen av finalen i Sjostakovitsjs niende symfoni.
kontrafagott
Varianter av fagotten er i vår tid begrenset til bare én representant - kontrafagotten. Det er det laveste instrumentet til orkesteret. Lavere enn de begrensende lydene til kontrafagotten, lyder bare pedalbassene til orgelet.
Ideen om å fortsette fagottskalaen nedover dukket opp for lenge siden - den første kontrafagotten ble bygget i 1620. Men det var så ufullkomment at frem til slutten av 1800-tallet, da instrumentet ble forbedret, var det svært få som henvendte seg til det: noen ganger Haydn, Beethoven, Glinka.
Den moderne kontrafagotten er et instrument bøyd tre ganger: lengden i utvidet form er 5 m 93 cm (!); i teknikk ligner den en fagott, men er mindre smidig og har en tykk, nesten orgelaktig klang. Komponister fra 1800-tallet - Rimsky-Korsakov, Brahms - henvendte seg vanligvis til motfagotten for å forbedre bassen. Men noen ganger er det skrevet interessante soloer for ham.Ravel, for eksempel i "Skjønnhetens og udyrets samtale" (balletten "Min mor gåsen") betrodde ham stemmen til monsteret.
Klarinett (It. klarinett, tysk klarinett, fransk klarinett,)
Hvis obo, fløyte og fagott har vært i orkesteret i mer enn fire århundrer, gikk klarinetten solid inn i det først på 1700-tallet. Klarinettens stamfar var et middelaldersk folkeinstrument - fløyten "chalumo". Det antas at den tyske mesteren Denner i 1690 klarte å forbedre den. Instrumentets øvre register traff samtidige med sin skarpe og gjennomtrengende klang - det minnet dem umiddelbart om lyden av en trompet, som på den tiden ble kalt "clarino". Det nye instrumentet fikk navnet klarinett, som betyr "liten trompet".
Utseendemessig ligner klarinetten en obo. Det er et sylindrisk trerør med en kroneformet klokke i den ene enden og en stokkspiss i den andre.
Av alle treblåsere er det bare klarinetten som har fleksibiliteten til å endre volumet på lyden. Dette og mange andre kvaliteter ved klarinetten har gjort den til en av de mest uttrykksfulle stemmene i orkesteret. Det er merkelig at to russiske komponister, som omhandler det samme plottet, handlet på nøyaktig samme måte: i både "The Snow Maiden" - Rimsky-Korsakov og Tchaikovsky - er Lels hyrdemelodier betrodd klarinetten.
Klarinettens klang er ofte forbundet med dystre dramatiske situasjoner. Dette området med uttrykksevne ble "oppdaget" av Weber. I "Wolf Valley"-scenen fra " magisk skytespill"Han gjettet først hvilke tragiske effekter som er skjult i instrumentets lave register. Senere brukte Tsjaikovskij den skumle lyden av lave klarinetter i Spardronningen i det øyeblikket grevinnens spøkelse dukker opp.
Liten klarinett.
Den lille klarinetten kom til symfoniorkesteret fra den militære messingen. Den ble først brukt av Berlioz, som betrodde ham det forvrengte "elskede temaet" i siste sats av Fantastic Symphony. Den lille klarinetten ble ofte brukt av Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss. Sjostakovitsj.
Bassethorn.
På slutten av 1700-tallet ble klarinettfamilien beriket med ett medlem til: et bassethorn dukket opp i orkesteret - vintage variant alt klarinett. I størrelse overgikk det hovedinstrumentet, og klangfarget - rolig, høytidelig og matt - inntok en mellomposisjon mellom den vanlige og bassklarinett. Han ble i orkesteret i bare noen få tiår og skyldte sin storhetstid til Mozart. Det var for to bassethorn med fagott at begynnelsen av «Requiem» ble skrevet (nå erstattes bassethornene med klarinetter).
Et forsøk på å gjenopplive dette instrumentet under navnet altklarinett ble gjort av R. Strauss, men siden den gang ser det ut til at det ikke har vært gjentakelser. I dag er bassethorn inkludert i militære band.
Bassklarinett.
Bassklarinetten er det mest "imponerende" medlemmet av familien. Bygget på slutten av 1700-tallet, fikk den en sterk posisjon i symfoniorkesteret. Formen på dette instrumentet er ganske uvanlig: klokken er bøyd oppover, som et røykrør, og munnstykket er montert på en buet stang - alt dette for å redusere den ublu lengden på instrumentet og lette bruken. Meyerbeer var den første som "oppdaget" den enorme dramatiske kraften til dette instrumentet. Wagner, som starter med "Lohengrin", gjør ham til en permanent bass-treblåser.
Russiske komponister brukte ofte bassklarinett i arbeidet sitt. Så de dystre lydene av bassklarinetten høres på det 5. bildet av "Spadedronningen" på den tiden da Herman leser Lizas brev. Nå er bassklarinetten fast medlem av et stort symfoniorkester, og funksjonene er svært mangfoldige.
Forhåndsvisning:
Messing
Saksofon
Skaperen av saksofonen er den fremragende fransk-belgiske instrumentalmesteren Adolf Sax. Sachs gikk ut fra en teoretisk antagelse: er det mulig å bygge et musikkinstrument som ville innta en mellomposisjon mellom treblåsere og messing? Et slikt instrument, som var i stand til å knytte sammen klangen av kobber og tre, trengte stort de ufullkomne militære brassbandene i Frankrike. For å gjennomføre planen sin brukte A. Sachs et nytt konstruksjonsprinsipp: han koblet et konisk rør med et klarinettrør og en obo-ventilmekanisme. Instrumentkroppen var laget av metall, de ytre konturene lignet en bassklarinett; utsvingt i enden, sterkt bøyd oppover rør, som er festet en stokk på en metalltupp, bøyd i form av "S". Sax sin idé var en strålende suksess: nytt verktøy ble virkelig bindeleddet mellom messingblåsere og treblåsere i militærband. Dessuten viste klangen seg å være så interessant at den vakte oppmerksomheten til mange musikere. Fargingen av saksofonlyden minner om engelsk horn, klarinett og cello på samme tid, men lydkraften til saksofonen overgår langt klarinettens klangkraft.
Etter å ha begynt sin eksistens i de militære brassbandene i Frankrike, ble saksofonen snart introdusert i operaen og symfoniorkesteret. I svært lang tid - flere tiår - var det bare franske komponister som henvendte seg til ham: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (instrumentering av Mussorgskys Katrinok fra en utstilling). Da trodde også komponistene fra andre land på ham: Rachmaninov betrodde for eksempel saksofonen en av sine beste melodier i første del av de symfoniske dansene.
Det er merkelig at saksofonen på sin uvanlige vei måtte møte obskurantisme: i Tyskland i løpet av fascismens år ble den forbudt som et instrument av ikke-arisk opprinnelse.
I de tiende årene av 1900-tallet tok musikere av jazzensembler oppmerksomhet til saksofonen, og snart ble saksofonen "jazzens konge".
Mange komponister fra det 20. århundre satte pris på dette interessante instrumentet. Debussy skrev Rhapsody for saksofon og orkester, Glazunov - Konsert for saksofon og orkester, Prokofiev, Shostakovich og Khachaturian refererte gjentatte ganger til ham i verkene sine.
Fransk horn (it. corno, tysk Waldhorn, French cor, engelsk fransk horn)
Stamfaderen til det moderne hornet var hornet. Fra gammelt av kunngjorde signalet fra hornet starten på slaget, i middelalderen og senere – til begynnelsen av 1700-tallet – ble det hørt ved jakt, konkurranser og høytidelige rettsseremonier. På 1600-tallet ble jakthornet av og til introdusert i operaen, men det var først i neste århundre at det ble et fast medlem av orkesteret. Og selve navnet på instrumentet - horn - minner om sin tidligere rolle: dette ordet kommer fra det tyske "Waldhorn" - "skogshorn". På tsjekkisk kalles dette instrumentet fortsatt skoghornet.
Metallrøret til det gamle franske hornet var veldig langt: når de ble brettet ut nådde noen av dem 5 m 90 cm. Det var umulig å holde et slikt instrument rettet i hendene; så hornrøret ble bøyd og formet til en grasiøs skjelllignende form.
Lyden av det gamle hornet var veldig vakkert, men instrumentet viste seg å være begrenset i sine lydegenskaper: det var mulig å trekke ut bare den såkalte naturlige skalaen, det vil si de lydene som oppstår ved å dele luftsøylen inneholdt i røret i 2, 3, 4, 5, 6 osv. deler. Ifølge legenden, i 1753 stakk Dresden-hornspilleren Gampel ved et uhell hånden inn i klokken og oppdaget at hornets stemning hadde falt. Siden den gang har denne teknikken blitt mye brukt. Lyder oppnådd på denne måten ble kalt "lukket". Men de var døve og veldig forskjellige fra de lyse åpne. Ikke alle komponister risikerte ofte å henvende seg til dem, vanligvis fornøyd med korte, velklingende fanfaremotiver bygget på åpne klanger.
I 1830 ble ventilmekanismen oppfunnet - et permanent system med ekstra rør som lar deg få en full, velklingende kromatisk skala på hornet. Noen tiår senere erstattet det forbedrede franske hornet endelig det gamle naturlige hornet, som sist ble brukt av Rimsky-Korsakov i operaen May Night i 1878.
Hornet regnes som det mest poetiske instrumentet i messinggruppen. I det lave registeret er klangen på hornet noe dystert, i det øvre registeret er det veldig spent. Hornet kan synge eller sakte fortelle. Hornkvartetten låter veldig myk – du kan høre det i «Blomstens vals» fra Tsjaikovskijs «Nøtteknekkeren»-ballett.
Trompet (It. tromba, tysk trompet, fransk trompet, engelsk trompet)
Siden antikken - i Egypt, i øst, i Hellas og Roma - kunne de ikke klare seg uten en trompet verken i krig eller i høytidelig kult eller rettsseremonier. Trompeten har vært en del av operaorkesteret siden oppstarten; Monteverdis Orpheus hadde allerede slått fem trompeter.
På 1600- og første halvdel av 1700-tallet ble det skrevet svært virtuose og høystemte partier for trompeter, hvis prototype var sopranpartiene i datidens vokale og instrumentale komposisjoner. For å fremføre disse vanskeligste delene brukte musikere fra Purcells, Bachs og Handels tid naturlige instrumenter som var vanlige i den epoken med en lang pipe og et munnstykke til en spesiell enhet som gjorde det mulig å enkelt trekke ut de høyeste overtonene. En trompet med et slikt munnstykke ble kalt "clarino", det samme navnet ble gitt i musikkhistorien og skrivestilen for den.
I andre halvdel av 1700-tallet, med en endring i orkesterskriftet, ble klarinostilen glemt og trompeten ble overveiende et fanfareinstrument. Det var begrenset i sine muligheter som et fransk horn, og var i en enda dårligere posisjon, siden de "lukkede lydene" som utvider skalaen ikke ble brukt på det på grunn av deres dårlige klang. Men på trettitallet av 1800-tallet, med oppfinnelsen av ventilmekanismen, begynte en ny æra i rørets historie. Det ble et kromatisk instrument og erstattet etter flere tiår den naturlige trompeten fra orkesteret.
Trompetens klang er ikke preget av tekster, men heltemoten han lykkes på best mulig måte. Blant wienerklassikerne var trompeter et rent fanfareinstrument. De utførte ofte de samme funksjonene i musikken på 1800-tallet, og kunngjorde begynnelsen av prosesjoner, marsjer, høytidelige festligheter og jakter. Wagner brukte piper mer enn andre og på en ny måte. Deres klang er nesten alltid forbundet i operaene hans med ridderlig romantikk og heltemot.
Trompeten er kjent ikke bare for sin lydstyrke, men også for sin eneståendevirtuose kvaliteter.
Tuba (it.tuba)
I motsetning til andre representanter for messinggruppen av blåseinstrumenter, er tubaen et ganske ungt instrument. Den ble bygget i andre kvartal av 1800-tallet i Tyskland. De første tubaene var ufullkomne og ble opprinnelig bare brukt i militær- og hageorkestre. Først da den kom til Frankrike, i hendene på instrumentalmesteren Adolphe Sax, begynte tubaen å oppfylle de høye kravene til symfoniorkesteret.
Tubaen er et bassinstrument som er i stand til å nå den laveste enden av spekteret i messinggruppen. Tidligere ble dens funksjoner utført av en slange, et bisarrt formet instrument som skylder navnet sitt (på alle Romanske språk slange betyr "slange") - deretter bass- og kontrabasstromboner og ophicleide med sin barbariske klang. Men lydkvalitetene til alle disse instrumentene var slik at de ikke ga brassbandet en god, stabil bass. Inntil tubaen dukket opp, lette mesterne hardnakket etter et nytt instrument.
Dimensjonene til tubaen er veldig store, røret er dobbelt så langt som trombonesrøret. Under spillet holder utøveren instrumentet foran seg med klokken oppe.
Tubaen er et kromatisk instrument. Luftforbruket på røret er enormt; noen ganger, spesielt i forte i et lavt register, blir utøveren tvunget til å endre pusten på hver lyd. Derfor er soloer på dette instrumentet vanligvis ganske korte. Teknisk sett er tubaen bevegelig, selv om den er tung. I et orkester fungerer hun vanligvis som bass i en trio av tromboner. Men noen ganger fungerer tubaen som et soloinstrument – så å si i karakteristiske roller. Mens han instrumenterte Mussorgskys «Bilder på en utstilling» i stykket «Cattle», betrodde Ravel således basstubaen et humoristisk bilde av en buldrende vogn som drar langs veien. Tubadelen er her skrevet i et veldig høyt register.
Trombone (It., engelsk, fransk trombone)
Trombonen har fått navnet sitt fra det italienske ordet for trompet, tromba, med det forstørrende suffikset "en": trombone betyr bokstavelig talt "trompeter". Og faktisk: trombonerøret er dobbelt så langt som trompetens. Allerede på 1500-tallet fikk trombonen sin moderne form og har vært et kromatisk instrument siden starten. Den fulle kromatiske skalaen oppnås på den ikke gjennom ventilmekanismen, men ved hjelp av den såkalte backstage. Bakscenen er et langt ekstra rør, formet som latinsk bokstav U. Den settes inn i hovedrøret og forlenger den etter ønske. I dette tilfellet reduseres instrumentets system tilsvarende. Utøveren skyver vingene ned med høyre hånd, og støtter instrumentet med venstre.
Tromboner har lenge vært en «familie» som består av instrumenter i ulike størrelser. For ikke så lenge siden besto trombonefamilien av tre instrumenter; hver av dem tilsvarte en av de tre stemmene i koret og fikk navnet: trombone-alt, trombone-tenor, trombone-bass.
Å spille trombone krever en enorm mengde luft, siden bevegelsen av vingene tar mer tid enn å trykke på ventilene på et horn eller en trompet. Teknisk sett er trombonen mindre mobil enn naboene i gruppen: skalaen på den er ikke så rask og tydelig, forten er litt tung, legatoen er vanskelig. Cantilena på en trombone krever mye spenning fra utøveren. Imidlertid har dette instrumentet kvaliteter som gjør det uunnværlig i orkesteret: lyden av trombone er kraftigere og maskulin. Monteverdi i operaen «Orpheus» kjente kanskje for første gang den tragiske karakteren som ligger i lyden av et tromboneensemble. Og fra og med Gluck ble tre tromboner obligatoriske i et operaorkester; de dukker ofte opp på klimakset av et drama.
Trombonetrioen er god på oratoriske fraser. Siden andre halvdel av 1800-tallet har trombonegruppen blitt supplert med et bassinstrument – tubaen. Sammen utgjør tre tromboner og en tuba en "tung messing"-kvartett.
En veldig særegen effekt er mulig på trombonen - glissando. Det oppnås ved å skyve backstage i én posisjon av utøverens lepper. Denne teknikken var kjent til og med Haydn, som i oratoriet "De fire årstider" brukte den til å etterligne bjeffing av hunder. Glissando er mye brukt i moderne musikk. Det bevisst hylende og frekke glissandoet til trombonen i Saber Dance fra Khachaturians ballett Gayane er nysgjerrig. Effekten av en trombone med dempet er også interessant, noe som gir instrumentet en illevarslende, bisarr lyd.
Flugelhorn (Tysk Flugelhorn, fra Flugel - "vinge" og Horn - "horn", "horn")
Messingmusikkinstrument. Utad er det veldig likt et rør eller kornett-et-stempel, men skiller seg fra dem i en bredere skala og en konisk boring, som starter umiddelbart fra munnstykket til røret. Har 3 eller 4 ventiler. Brukes i jazzensembler, noen ganger i et symfoniorkester, sjeldnere i brassband. Flugelhorn spilles ofte av trompetister som utfører de nødvendige passasjene på dette instrumentet.
Forhåndsvisning:
Fiolin (It. fiolin, fransk fiolin, engelsk fiolin, tysk fiolin, geige)
Fiolinen kalles med rette en etterkommer av andre, tidligere buede strengeinstrumenter.
Det første buede instrumentet - fidelen - dukket opp i Europa på 10-1100-tallet,den andre - zhiga - blefavorittmusikkinstrumentet til franske minstreler, omreisende sangere og musikere fra 1100- og 1200-tallet. Etter en tid ga fidels, rebecs og gigi plass for de gamle fiolene: viola da gamba, viola da bardone, viola quinton - hvis plass i sin tur ble tatt av fioliner. De dukket opp i Frankrike og Italia allerede på begynnelsen av 1500-tallet, og kort tid etter spredte kunsten å lage bue seg over hele Europa. De begynte å bli laget i Tyrol, Wien, Sachsen, Holland og England, men Italia var kjent for de beste fiolinene. I Brescia og Cremona - to små byer nord-øst i landet - arbeidet fremragende mestere for mer enn fem århundrer siden: Gasparo Bertolotti (kallenavnet de Salo) i Brescia og Andrea Amati i Cremona. Kunsten å lage fioliner har gått i arv fra generasjon til generasjon, og i to hundre år har familiene Amati, Guarneri og Stradivari skapt instrumenter som fortsatt regnes blant de beste.
Fiolinens form ble bestemt allerede på 1500-tallet og har siden den gang bare endret seg i detaljer.
Alt som sies om teknikken til strenger refererer spesifikt til fiolinen: den er mestmobilt og fleksibelt instrument blant strengere. Dens tekniske evner vokste sammen med kunsten til slike virtuoser som Vitali, Torelli og Corelli på 1600-tallet,og senere - Tartini,Viotti, Spohr, Viettan, Berio, Wienyavsky, Sarasate, Ysaye og selvfølgelig N. Paganini. Han mestret den fantastiske kunsten å spille doble toner, akkorder, pizzicato, harmonikk. Da strengene hans knakk under en konsert, fortsatte han å spille på de resterende.
En uimotståelig effekt er gitt av fiolinsoloen som fremfører hovedtemaet - Rimsky-Korsakovs "Scheherazade" kan nevnes som et eksempel.
For alle sine kvaliteter har fiolinen, sammen med pianoet, lenge spilt en ledende rolle blant solokonsertinstrumenter.
Forhåndsvisning:
Trommer
pauker (It.timpani, franske timbales, tysk Pauken)
Pauken er et av de eldste instrumentene i verden. Siden antikken har de vært utbredt i mange land: i Østen og Afrika, i Hellas, i Roma og blant skyterne. Ved å spille pauke akkompagnerte folk viktige hendelser i mitt liv: høytider og kriger.
I Europa har det lenge eksistert små, manuelle pauker. Middelalderriddere brukte dem mens de var på hesteryggen. Store pauker kom inn i Europa først på 1400-tallet - gjennom Tyrkia og Ungarn. På 1600-tallet kom pauker inn i orkesteret.
Moderne pauker ligner utad store kobberkjeler på et stativ, dekket med lær. Skinnet trekkes stramt over gryten med flere skruer. De treffer huden med to pinner med myke runde tupper laget av filt.
I motsetning til andre perkusjonsinstrumenter med lær, produserer pauker en lyd med en viss tonehøyde. Hver pauke er stemt til en viss tone, derfor, for å få to lyder, begynte et par pauker å bli brukt i orkesteret fra 1600-tallet. Timpani kan gjenoppbygges: for dette må utøveren stramme eller løsne huden med skruer: jo større spenningen er, desto høyere er tonen. Imidlertid er denne operasjonen tidkrevende og risikabel under utførelse. Derfor, på 1800-tallet, oppfant mestere mekaniske pauker, raskt innstilt ved hjelp av spaker eller pedaler.
Rollen til paukene i orkesteret er ganske mangfoldig. Beatene deres understreker rytmen til andre instrumenter, og danner enten enkle eller intrikate rytmiske figurer. Raskt vekslende slag av begge pinner (tremolo) gir en effektiv oppbygging eller tordenreproduksjon. Haydn skildret også tordnende peals ved hjelp av pauker i The Four Seasons. Sjostakovitsj i den niende symfonien får paukene til å etterligne kanonaden. Noen ganger tildeles pauker små melodiske soloer, som for eksempel i første sats av Sjostakovitsjs ellevte symfoni.
Snaretromme (It.tamburo (militær), fransk tambour (militær), tysk trommel, engelsk sidetromme)
Snaretromma er i utgangspunktet et militært instrument. Det er en flat sylinder dekket med lær på begge sider. Strenger strekkes under huden fra undersiden; som reagerer på slagene fra stokkene, gir de lyden av trommelen en karakteristisk knitring. Trommeslaget høres veldig interessant ut - tremolo med to pinner, som kan bringes til høyeste hastighet. Styrken på lyden i en slik tremolo varierer fra et rasling til et dundrende knitring. Ouverturen til Rossinis «The Thieving Magpie» begynner med et skudd av to skarptrommer, et matt skudd av skarptromme høres i øyeblikket av henrettelsen av Till Ulenspiegel i et symfonisk dikt av Richard Strauss.
Noen ganger senkes strengene under den nedre huden på trommelen, og de slutter å reagere på slagene til stokkene. Denne effekten tilsvarer introduksjonen av en mute: skarptrommen mister sin lydkraft. Slik lyder det i dansedelen «Prins og prinsesse» i «Scheherazade» av Rimsky-Korsakov.
Snaretromma dukket først opp i den lille operaen på 1800-tallet, og først ble den introdusert kun i militære episoder. Meyerbeer var den første som tok skarptromma ut av militærepisodene i operaene Hugenottene og Profeten.
I noen tilfeller blir skarptrommen "hoved". skuespiller"ikke bare i store symfoniske episoder, men i hele verket. Et eksempel er "invasjonsepisoden" fra Sjostakovitsjs syvende symfoni og Ravels Bolero, hvor en og så to skarptrommer holder hele musikkens rytmiske puls.
Basstromme (It. gran casso, fransk grosse caisse, tysk grobe Trommel, engelsk basstromme).
I dag finnes det to typer basstromme. En av dem er en metallsylinder med stor diameter - opptil 72 cm - dekket med lær på begge sider. Denne typen basstromme er mye brukt i militære band, jazzband og amerikanske symfoniband. En annen type trommel er en bøyle med lær på den ene siden. Den dukket opp i Frankrike og spredte seg raskt til Europas symfoniorkestre. For å slå mot huden på basstrommen brukes en trepinne med en myk klubbe dekket med filt eller kork.
Svært ofte blir basstrommeslag akkompagnert av cymbaler eller vekslet med dem, som i den fartsfylte dansen «In the Hall of the Mountain King» fra Griegs «Peer Gynt». På stortrommen er en rask veksling av takter også mulig - tremolo. For å gjøre dette, bruk en pinne med to klubber i begge ender eller paukepinner. Basstromme tremolo ble veldig vellykket brukt av Rimksy-Korsakov i instrumentering symfonisk bilde Mussorgskys natt på Bald Mountain.
Til å begynne med dukket stortromma opp bare i " Tyrkisk musikk", men fra begynnelsen av 1800-tallet begynte de ofte å bruke det til lydrepresentative formål: å etterligne kanonade, torden. Beethoven inkluderte tre store trommer i slaget ved Vittoria - for å skildre kanonskudd. Rimsky-Korsakov også brukte dette instrumentet til samme formål i "The Tale of Tsar Saltan", Sjostakovitsj i den ellevte symfoni, Prokofiev i den åttende scenen av operaen "Krig og fred" (begynnelsen av slaget ved Borodino).
Xylofon (It.xylofono, fransk xylofon)
Xylofonen ble tilsynelatende født i det øyeblikket det primitive mennesket slo en tørr trekloss med en pinne og hørte lyden av en viss tone. Mange av disse primitive tre-xylofonene er funnet i Sør-Amerika, Afrika og Asia. I Europa falt dette instrumentet fra 1400-tallet i hendene på omreisende musikere, og først på begynnelsen av 1800-tallet ble det et konsertinstrument. Han skylder sin forbedring til den selvlærte musikeren fra Mogilev, Mikhail Iosifovich Guzikov.
Den klingende kroppen i xylofonen er treklosser av forskjellige størrelser (xylon - på gresk "tre", telefon - "lyd"). De er ordnet i fire rader på mattebunter. Utøveren kan rulle dem sammen og legge dem ut på et spesielt bord under spillet; Xylofonen spilles med to geiteføtter av tre. Lyden av xylofonen er tørr, skarp og skarp. Det er veldig karakteristisk i fargen, så dets utseende i et musikkstykke er vanligvis forbundet med en spesiell plotsituasjon eller en spesiell stemning. Rimsky-Korsakov i «The Tale of Tsar Saltan» betror xylofonen sangen «I hagen, i hagen» i det øyeblikket ekornet gnager gylne nøtter. Lyadov tegner flukten til Baba Yaga i en morter med lyden av en xylofon, og prøver å formidle knitringen av knekkede grener. Ganske ofte fremkaller xylofonens klang en dyster stemning, skaper bisarre, groteske bilder. De korte frasene til xylofonen i "invasjonsepisoden" fra Sjostakovitsjs syvende symfoni låter melankolsk.
Xylofonen er et veldig virtuost instrument. På den er stor flyt mulig i raske passasjer, tremolo og en spesiell effekt - glissando: en rask bevegelse av en pinne langs stengene.
Plater (It.piatti, franske cymbaler, tysk Becken, engelske cymbaler)
Plater var allerede kjent for den antikke verden og det gamle østen, men tyrkerne er kjent for sin spesielle kjærlighet og eksepsjonelle kunst å lage dem. I Europa ble tallerkener populært på 1700-tallet, etter krigen med osmanerne.
Cymbaler er store metallskåler laget av kobberlegeringer. Cymbalene er lett konvekse i midten - lærremmer festes her slik at utøveren kan holde instrumentet i hendene. Cymbalene spilles stående slik at ingenting forstyrrer deres vibrasjoner og slik at lyden sprer seg fritt i luften. Den vanlige metoden for å spille dette instrumentet er et skrått, glidende slag av en cymbal mot en annen - etter det høres en klangfull metallisk sprut, som henger i luften i lang tid. Hvis utøveren ønsker å stoppe vibrasjonen av cymbalene, bringer han dem til brystet, og vibrasjonene avtar. Komponister akkompagnerer ofte anslaget av cymbaler med torden fra basstromme; disse instrumentene klinger ofte sammen, som for eksempel i de første taktene i finalen i Tsjaikovskijs 4. symfoni. I tillegg til skråslag, er det flere andre måter å spille cymbaler på: når for eksempel en fritthengende cymbal slås enten med en paukepinne eller skarptrommestikker av tre.
Et symfoniorkester bruker vanligvis ett par cymbaler. I sjeldne tilfeller - som for eksempel i Berlioz' Begravelses- og triumfsymfoni, brukes tre par plater.
Triangel (It. triahgalo, fransk trekant, tysk triangel, engelsk triangel)
Trekanten er et av de minste instrumentene i et symfoniorkester. Det er en stålstang bøyd i form av en trekant. Den er hengt på en årestreng og slått med en liten metallpinne - en ringende, veldig klar lyd høres.
Måtene å spille på trekanten er ikke veldig forskjellige. Noen ganger trekkes det bare ut én lyd på den, noen ganger enkle rytmiske mønstre. Høres bra ut på en tremolo-trekant.
Trekanten ble først nevnt på 1400-tallet. På 1700-tallet ble den brukt i en opera av komponisten Grétry. Så ble trekanten et ufravikelig medlem av "tyrkerne", d.v.s. eksotisk musikk, som dukker opp sammen med basstromme og cymbaler. Denne perkusjonsgruppen ble brukt av Mozart i «Bortføringen fra Seraglio», Beethoven i «Turkish March» fra «The Ruins of Athens» og noen andre komponister som forsøkte å reprodusere det musikalske bildet av Østen. Trekanten er også interessant i grasiøse dansestykker: i Anitras dans fra Griegs Peer Gynt, Glinkas valsefantasi.
Klokker (it. campanelli, fr. klokkespill, germ. Klokkespill)
Klokker er sannsynligvis det mest poetiske perkusjonsinstrumentet. Navnet kommer fra dens eldgamle variant, der den klingende kroppen var små bjeller innstilt til en viss høyde. Senere ble de erstattet med et sett metallplater i forskjellige størrelser. De er arrangert i to rader, som pianotangenter, og er festet i en trekasse. Klokkene spilles med to metallklubber. Det er en annen variant av dette instrumentet: tastaturklokker. De har et pianotastatur og hammere som overfører vibrasjoner fra tangentene til metallplatene. Denne kjeden av mekanismer gjenspeiles imidlertid ikke særlig godt i lyden deres: den er ikke så lys og ringer som på vanlige bjeller. Ikke desto mindre gir tastaturet etter for å hamre bjeller i skjønnheten til lyd, og overgår dem i tekniske termer. Takket være pianotastaturet er det mulig med ganske raske passasjer og polyfone akkorder. Klokkenes klang er sølvaktig, mild og klangfull. De høres i Mozarts Tryllefløyte når Papageno kommer inn, i arien med bjeller i Delibes' Lakma, i Rimsky-Korsakovs The Snow Maiden, når Mizgir, som jager Snow Maiden, ser lysene fra ildfluer, i The Golden Cockerel når astrologen drar .
Klokker (it. campane, fr. cloches, germ. Glocken)
Siden eldgamle tider har ringing av bjeller kalt folk til religiøse seremonier og høytider, og også kunngjort ulykker. Med utviklingen av operaen, med utseendet til historiske og patriotiske plott i den, begynte komponister å introdusere klokkene i Opera teater. Lyden av bjeller i russisk opera er spesielt rikt representert: den høytidelige ringingen i "Ivan Susanin", "Fortellingen om tsar Saltan", "The Maid of Pskov" og "Boris Godunov" (i kroningsscenen), den urovekkende tocsinen i "Prins Igor", begravelsesklokken i " Boris Godunov. Alle disse operaene hørtes ekte ut kirkeklokker, som er plassert bak scenen i store operahus. Imidlertid hadde ikke alle operahus råd til å ha sitt eget klokketårn, så komponister introduserte bare av og til små bjeller i orkesteret - slik Tsjaikovskij gjorde i 1812-ouverturen. I mellomtiden, med utviklingen av programmusikk, ble det stadig mer nødvendig å imitere klokkeringing i et symfoniorkester - så etter en stund ble det skapt orkesterklokker - et sett med stålrør hengt opp i en ramme. I Russland kalles disse klokkene italienske. Hver av rørene er innstilt til en bestemt tone; slå dem med en metallhammer med en gummipakning.
Orkesterklokker ble brukt av Puccini i operaen "Tosca", Rachmaninov i det vokal-symfoniske diktet "The Bells". Prokofiev i "Alexander Nevsky" erstattet rørene med lange metallstenger.
Tamburin
Et av de eldste instrumentene i verden, tamburinen, dukket opp i symfoniorkesteret på 1800-tallet. Enheten til dette instrumentet er veldig enkel: som regel er det en trebøyle, på den ene siden av huden er strukket. Metallsmykker er festet til spalten på bøylen (på siden), og små bjeller er trukket på innsiden, på en stjerneformet streng strukket. Alt dette ringer ved den minste risting av tamburinen.
Den delen av tamburinen, så vel som andre trommer som ikke har en viss høyde, registreres vanligvis ikke på staven, men på en egen linjal, som kalles en "tråd".
Metodene for å spille tamburin er veldig forskjellige. Først av alt er dette skarpe slag mot huden og slår komplekse rytmiske mønstre på den. I disse tilfellene lager både huden og klokkene lyden. Med et kraftig slag ringer tamburinen skarpt, med en svak berøring høres en liten bjellekling. Det er mange måter når utøveren bare får bjeller til å høres. Dette er en rask risting av tamburinen - det gir en gjennomtrengende tremolo; det er en mild risting; og til slutt høres en spektakulær trill når utøveren kjører en våt tommel over huden: denne teknikken forårsaker en livlig ringing av bjeller.
Tamburinen er et karakteristisk instrument, derfor er den langt fra brukt i alle verk. Vanligvis dukker han opp der Østen eller Spania bør komme til live i musikk: i Scheherazade og i Rimsky-Korsakovs spanske Capriccio, i dansen til arabiske gutter i balletten Raymond av Glazunov, i de temperamentsfulle dansene til Polovtsy i Borodins prins Igor, i Bizets Carmen.
Kastanetter (spanske castanetas)
Navnet "kastanjer" på spansk betyr "små kastanjer". Spania var mest sannsynlig deres hjemland; der ble kastanettene et ekte nasjonalt instrument. Kastanjetter er laget av hardt tre: ibenholt eller buksbom, kastanjetter ligner i formen på skjell.
I Spania ble to par kastanjetter brukt til å akkompagnere dans og sang; hvert par ble festet med en snor som ble trukket sammen rundt tommelen. De gjenværende fingrene, som forble frie, banket intrikate rytmer på treskjellene. Hver hånd krevde sin egen størrelse på kastanjetter: i venstre hånd holdt utøveren skjell med stort volum, de ga ut en lavere tone og måtte tappe ut hovedrytmen. Kastanetter for høyre hånd var mindre; deres tone var høyere. Spanske dansere og dansere mestret denne komplekse kunsten til perfeksjon, som de ble lært opp fra barndommen. Den tørre, inderlige klikkingen av kastanjetter har alltid akkompagnert de temperamentsfulle spanske dansene: bolero, seguidillo, fandango.
Da komponister ønsket å introdusere kastanjetter i symfonisk musikk, ble en forenklet versjon av dette instrumentet designet - orkesterkastanetter. Dette er to par skjell montert på endene av et trehåndtak. Når de blir ristet, høres en klikkelyd – en svak kopi av ekte spanske kastanjetter.
I orkesteret begynte kastanjetter å bli brukt først og fremst i musikk av spansk karakter: i Glinkas spanske ouverturer "Jakten på Aragon" og "Natt i Madrid", i Rimsky-Korsakovs "Spansk Capriccio", i spanske danser fra Tsjaikovskijs balletter, og i vestlig musikk - i "Carmen" av Bizet, i de symfoniske verkene "Iberia" av Debussy, "Alborada del Gracioso" av Ravel. Noen komponister har tatt kastanjetter utenfor rekkevidden av spansk musikk: Saint-Saens brukte dem i operaen "Samson og Dalida", Prokofiev - i den tredje klaverkonserten.
Tam-tam (fransk og italiensk tam-tam, tysk Tam-Tam)
Tam-tam er et slaginstrument av kinesisk opprinnelse, formet som en skive med fortykkede kanter. Den er laget av en spesiell legering nær bronse. Under spillet blir tam-tam hengt opp fra en treramme og slått med en klubbe med filtspiss. Tam-tama-lyden er lav og tykk; etter påvirkningen sprer den seg i lang tid, så kommer den inn og går så tilbake. Denne egenskapen til instrumentet og selve klangfargen gir det en illevarslende uttrykksevne. De sier at noen ganger er en enkelt tam-tam-hit gjennom hele verket nok til å gjøre sterkest inntrykk på lytterne. Et eksempel på dette er finalen i Tsjaikovskijs sjette symfoni.
I Europa dukket det opp under den franske revolusjonen. Etter en tid ble dette instrumentet tatt med til operaorkesteret, og siden den gang har det som regel blitt brukt i tragiske, "fatale" situasjoner. En tam-tam streik markerer død, katastrofe, tilstedeværelsen av magiske krefter, en forbannelse, et varsel og andre "utenom det vanlige hendelser". I "Ruslan og Lyudmila" høres tam-tam ut i øyeblikket av bortføringen av Lyudmila av Chernomor, i "Robert djevelen" av Meyerberg - i scenen for "nonnenes oppstandelse", i "Scheherazade" av Rimsky-Korsakov - i øyeblikket da Sinbads skip styrter mot steinene. Tam-tam-beats høres også i det tragiske klimakset i første sats av Sjostakovitsjs syvende symfoni.
Claves.
Klavene er et slaginstrument av cubansk opprinnelse: disse er to runde pinner, hver 15-25 cm lange, skåret ut av veldig hardt tre. Utøveren holder en av dem på en spesiell måte i venstre hånd - slik at den sammenknyttede håndflaten er en resonator - og slår den med en annen stokk.
Lyden av klavene er skarp, høy, høyt klikkende som en xylofon, men uten en viss høyde. Tonehøyden på lyden avhenger av størrelsen på pinnene; noen ganger i et symfoniorkester brukes to eller til og med tre par slike pinner, forskjellige i størrelse.
Frust.
Frusta består av to treplater, hvorav den ene har et håndtak, og den andre er festet med sin nedre ende over håndtaket på et hengsel - med en skarp sving eller ved hjelp av en stram fjær produserer den en bomull på den andre med sin frie ende. Som regel, bare separate, ikke altfor ofte påfølgende klapper forte, fortissimo trekkes ut på fruste.
Frusta er et slaginstrument som ikke har en viss høyde, derfor er dens del, som delen av en tamburin, spilt inn ikke på en stav, men på en "tråd".
Frusta contenta finnes ofte i moderne partiturer. Med to klapp på dette instrumentet begynner tredje del av «Lorelei» fra Sjostakovitsjs fjortende symfoni.
Tre blokk.
Treblokk er et slaginstrument av kinesisk opprinnelse. Før den dukket opp i perkusjonsgruppen til symfoniorkesteret, var treblokk veldig populær i jazz.
En trekloss er en liten, rektangulær hardtreblokk med et dypt, smalt kutt i fronten. Teknikken for å spille treklossen er tromming: lyden trekkes ut ved å treffe instrumentets øvre plan med pinner fra en skarptromme, treklubber, pinner med gummihoder. Den resulterende lyden er skarp, høy, karakteristisk klaprende, ubestemt i tonehøyde.
Som et slaginstrument, ubestemt i høyden, er treklossen notert på en "tråd" eller på en kombinasjon av linjaler.
Tempelblokk, tartaruga.
Tempelblokk er et instrument av koreansk eller nordkinesisk opprinnelse, et attributt til en buddhistisk kult. Verktøyet har en rund form, hul innside, med et dypt kutt i midten (som en lattermunn), og er laget av hardt tre.
Som de fleste andre "eksotiske" perkusjonsinstrumenter, var den første spredningen av tempelblokken i jazzen, hvorfra den trengte inn i komposisjonen til symfoniorkesteret.
Lyden av tempelblokken er mer dyster og dypere enn treklossen som er nær den, den har en ganske sikker tonehøyde, så ved å bruke et sett med tempelblokker kan du få melodiske fraser på dem - for eksempel S Slonimsky brukte disse instrumentene i "Concert Buff".
De spiller på tinningblokker, og slår toppdekselet med kjepper med gummihode, treklubber og skarptrommestikker.
Noen ganger i et symfoniorkester brukes sett med skilpaddeskjell, som i prinsippet ligner på å spille på tempelblokker, men høres tørrere og svakere ut. Et slikt sett med skilpaddeskall kalt Tartaruga ble brukt av S. Slonimsky i "Concert-buff".
Guiro, reco-reco, sapo.
Disse instrumentene er av latinamerikansk opprinnelse, de er like både i sitt konstruktive prinsipp og i måten de spiller på.
De er laget av et bambussegment (reco-reco), fra en tørket kalebass (guiro), eller fra en annen hul gjenstand som er en resonator. På den ene siden av verktøyet er det laget en rekke hakk eller hakk. I noen tilfeller monteres en plate med korrugert overflate. Disse hakkene utføres med en spesiell trepinne, som et resultat av at en høy, skarp, med en karakteristisk knitrende lyd trekkes ut. Den vanligste varianten av disse relaterte instrumentene er guiro. I. Stravinsky var den første som introduserte dette instrumentet i symfoniorkesteret – i «The Rite of Spring». Reko-reko finnes i Slonimskys "Concert-buff", og sapoen - et instrument som ligner på reko-reko - brukes i partituret til "Three Poems by Henri Michaud" av V. Lutoslavsky.
Ratchet.
I musikkinstrumentene til forskjellige folk er det mange rangler av en rekke former og enheter. I et symfoniorkester er en skralle en boks som utøveren roterer på et håndtak rundt et tannhjul. Samtidig avgir en elastisk treplate, som hopper fra en tann til en annen, en karakteristisk sprekk.
Maracas, chocalo (tubo), cameso.
Alle disse instrumentene er av latinamerikansk opprinnelse. En maracas er en rund eller eggformet trerangle på et håndtak og fylt med hagl, korn, småstein eller andre løse materialer. Disse folkeinstrumentene er som regel laget av en kokosnøtt eller en hul tørket kalebass på et naturlig håndtak. Maracas er veldig populære i dansemusikkorkestre, i jazz. Som en del av et symfoniorkester var S. Prokofiev den første som brukte dette instrumentet ("Dance of the Antillean Girls" fra balletten "Romeo and Juliet", kantaten "Alexander Nevsky"). Nå brukes vanligvis et par instrumenter - utøveren holder dem i begge hender og rister ut en lyd. Som andre perkusjonsinstrumenter uten en bestemt tonehøyde, er maracas notert på "tråden". I henhold til prinsippet om lydproduksjon er maracas nær chocalo og cameso. Disse er metall - rutete eller tre - cameso-sylindere, fylt, som maracas, med en slags løs substans. Noen modeller har sjekk sidevegg dekket med en skinnmembran. Både chekalo og cameso er høyere og skarpere enn maracas. De holdes også med begge hender, ristes vertikalt eller horisontalt, eller roteres.
Taverna.
Til å begynne med var dette instrumentet av afro-brasiliansk opprinnelse populært i orkestre med latinamerikansk musikk, hvorfra det fikk sin videre distribusjon. Utad ligner tavernaen en doblet maracas, dekket med et nett med store perler trukket på. Utøveren holder instrumentet i den ene hånden og enten bare slår det med fingrene på den andre hånden, eller ruller rutenettet med perler med en tangentiell bevegelse av håndflaten. I sistnevnte tilfelle oppstår en raslende, lengre lyd, som minner om lyden av maracas. En av de første kabatsuene ble brukt av Slonimsky i "Concert-buff".
Bongs.
Dette instrumentet er av cubansk opprinnelse. Etter moderniseringen begynte bongoer å bli mye brukt i dansemusikkorkestre, jazz og til og med i verk av seriøs musikk. Bongen har følgende enhet: på en sylindrisk kropp av tre (fra 17 til 22 cm høy) strekkes huden og festes med en metallbøyle (dens spenning justeres fra innsiden med skruer). Metallkanten stiger ikke over nivået på huden: dette er det som bestemmer et slikt karakteristisk spill på bonger med håndflatene - con le mani eller fingrene - con le dita. To bongs med forskjellig diameter er vanligvis forbundet med hverandre med en felles holder. En mindre bong høres omtrent en tredjedel høyere ut enn en bredere. Lyden av bongen er høy, spesifikt "tom" og varierer avhengig av stedet og metoden for å slå. På grunn av dette kan du på hvert instrument få to lyder i forskjellige høyder: et slag med en langstrakt pekefinger nær kanten eller stor til midten - og lavere (et sted innen et større sekund eller tredje) - fra et slag med hele håndflaten eller fingertuppen nærmere midten.
Forhåndsvisning:
Piano (It.piano-forte, fransk piano; tysk Fortepiano, Hammerklavier; engelsk piano)
Lydkilden i pianoet er metallstrenger, som begynner å høres fra støtet fra filtdekkede trehammere, og hammerne drives av fingertrykk på tangentene.
Først keyboardinstrumenter, allerede kjent på begynnelsen av 1400-tallet, var cembalo og clavichord (på italiensk - clavicembalo). På klavikordet ble strengene vibrert av metallspaker - tangenter, på cembalo - av kråkefjær, og senere - av metallkroker. Lyden til disse instrumentene var dynamisk monoton og bleknet raskt.
Det første hammer-action pianoet, slik kalt fordi det spilte både forte og pianolyder, ble mest sannsynlig bygget av Bartolomeo Cristofori i 1709. Dette nye instrumentet fikk raskt anerkjennelse og ble, etter mange forbedringer, det moderne konsert grand. Et piano ble bygget i 1826 for hjemmemusikk.
Pianoet er viden kjent som et solokonsertinstrument. Men noen ganger fungerer det også som et vanlig instrument for orkesteret. Russiske komponister, som startet med Glinka, begynte å introdusere pianoet i orkesteret, noen ganger sammen med harpen, for å gjenskape klangen til harpen. Slik brukes det i Bayans sanger i Glinkas «Ruslan og Lyudmila», i «Sadko» og i Rimsky-Korsakovs «May Night». Noen ganger spiller pianoet lyden av en klokke, som i Mussorgskys Boris Godunov, orkestrert av Rimsky-Korsakov. Men ikke alltid den imiterer bare andre klangfarger. Noen komponister bruker det i orkesteret som et dekorasjonsverktøy som kan introdusere klanglighet og nye farger i orkesteret. Så, Debussy skrev i den symfoniske suiten "Spring" pianostemmen i fire hender. Til slutt, noen ganger betraktes det som et slags slaginstrument med en sterk, tørr tone. Den skarpe, groteske scherzoen i Sjostakovitsjs Symfoni 1 er et eksempel på dette.
Forhåndsvisning:
Cembalo
Keyboard-strengemusikkinstrument. En cembalo er en musiker som fremfører musikalske verk på både cembalo og dens varianter. Den tidligste omtalen av et instrument av cembalo-typen vises i en kilde fra 1397 fra Padua (Italia), den tidligste kjent bilde - på alteret i Minden (1425). Som soloinstrument forble cembalo i bruk til slutten av 1700-tallet. Litt lenger ble den brukt til å fremføre digital bass, for å akkompagnere resitativer i operaer. OK. 1810 gikk praktisk talt ut av bruk. Gjenopplivingen av kulturen for å spille cembalo begynte på begynnelsen av 1800- og 1900-tallet. Cembalo fra 1400-tallet har ikke overlevd. Etter bildene å dømme var dette korte instrumenter med tung kropp. De fleste av de overlevende cembaloene fra 1500-tallet ble laget i Italia, hvor Venezia var hovedsenteret for deres produksjon. En kopi av det flamske cembalo De hadde et 8` register (sjelden to register 8` og 4`), de ble preget av nåde. Kroppen deres var oftest laget av sypress. Angrepet på disse cembaloene var mer distinkt, og lyden mer brå enn til senere Flamadiske instrumenter. Antwerpen var det viktigste produksjonssenteret for cembalo i Nord-Europa, hvor representanter for Ruckers-familien jobbet siden 1579. Cembaloene deres har lengre strenger og tyngre kropper enn italienske instrumenter. Siden 1590-tallet har cembalo med to manualer blitt produsert i Antwerpen. Franske, engelske, tyske cembalo fra 1600-tallet kombinerer funksjonene til flamske og nederlandske modeller. Fransk cembalo Noen franske to-manuelle cembalo med en valnøttkropp har overlevd. Siden 1690-tallet har det blitt produsert cembalo av samme type som Rookers' instrumenter i Frankrike. Blant de franske cembalomesterne skilte Blanchet-dynastiet seg ut. I 1766 arvet Taskin Blanches verksted. De viktigste engelske cembalomakerne på 1700-tallet var Schudy og Kirkman-familien. Instrumentene deres hadde en kryssfinerforet eikekropp og ble preget av en sterk lyd av rik klang. I Tyskland på 1700-tallet var hovedsenteret for cembaloproduksjon Hamburg; blant instrumentene laget i denne byen med 2` og 16` registre, samt med 3 manualer. Den uvanlig lange modellen av cembalo ble designet av J. D. Dülcken, en ledende nederlandsk mester fra 1700-tallet. I andre halvdel av XVIII århundre. cembaloet begynte å bli erstattet av pianoet. OK. 1809 Kirkman produserte sitt siste cembalo. Initiativtakeren til gjenopplivingen av instrumentet var A. Dolmech. Han bygde sitt første cembalo i 1896 i London og åpnet snart verksteder i Boston, Paris, Heislemere. Moderne cembalo Produksjonen av cembalo ble også etablert av de parisiske firmaene Pleyel og Erard. Pleyel begynte å produsere en modell cembalo med en metallramme som bærer tykke, stramme strenger; Wanda Landowska trente en hel generasjon cembalospillere på denne typen instrumenter. Boston-håndverkerne Frank Hubbard og William Dyde var de første som kopierte antikke cembalo..
Forhåndsvisning:
Orgel (It. organo, fransk orgue, tysk orgel, engelsk orgel)
Keyboard blåseinstrument - orgel - var kjent i antikken. I gamle organer ble luft pumpet med belg for hånd. I middelalderens Europa orgelet ble et instrument for kirkens gudstjeneste. Det var i det åndelige miljøet på 1600-tallet at orgelpolyfonisk kunst ble født, hvor de beste representantene var Frescobaldi, Bach og Händel.
Orgelet er et gigantisk instrument med mange forskjellige klangfarger.
«Dette er et helt orkester, som i dyktige hender kan formidle alt, uttrykke alt», skrev Balzac om ham. Rekkevidden til orgelet overstiger faktisk rekkevidden til alle instrumentene i orkesteret til sammen. Orgelet inkluderer belger for lufttilførsel, et system med rør av forskjellige design og størrelser (i moderne orgler når antallet piper 30 000), flere manuelle tastaturer - manualer og en fotpedal. De største rørene når en høyde på 10 meter eller mer, høyden på de minste - 8 millimeter. Denne eller den fargen på en lyd avhenger av enheten deres.
Et sett med rør av en enkelt klang kalles et register. Store katedralorganer har mer enn hundre registre: i katedralens orgel Notre Dame i Paris deres antall når 110. Fargingen av lydene til individuelle registre ligner klangen til en fløyte, obo, engelsk horn, klarinett, bassklarinett, trompet, cello. Jo rikere og mer varierte registrene er, jo flere muligheter får utøveren, for orgelspillets kunst er den gode registreringens kunst, d.v.s. dyktig bruk av alle tekniske ressurser verktøy.
I den nyeste orkestermusikk(spesielt teatralsk) ble orgelet først og fremst brukt til lyd-visuelle formål – der det var nødvendig å gjengi kirkestemningen. Liszt, for eksempel, i sitt symfoniske dikt "The Battle of the Huns", ved hjelp av et orgel, motarbeidet den kristne verden til barbarene.
Forhåndsvisning:
Harpe - plukket strengemusikkinstrument. Den har form som en trekant, som består: for det første av en resonansboks som er omtrent 1 meter lang, som utvider seg nedover; dens tidligere form var firkantet, mens den nåværende er avrundet på den ene siden; den er utstyrt med et flatt dekk, vanligvis laget av lønnetre, i midten av hvilket en smal og tynn skinne av hardt tre er festet langs kroppens lengde, hvori det er stanset hull for å tre tarmstrengene; for det andre, fra den øvre delen (i form av en stor nakke), slangelignende buet, festet til toppen av kroppen, og danner en spiss vinkel med den; knagger er festet til denne delen for å styrke strengene og stemme dem; for det tredje, fra frontbjelken, som er i form av en søyle, hvis formål er å motstå kraften som produseres av strengene strukket mellom gripebrettet og resonanslegemet. Siden harpen allerede tidligere hadde et betydelig lydvolum (fem oktaver), og rommet for strengene i den fulle kromatiske skalaen ikke er nok, strekkes strengene i harpen kun for å produsere lydene til den diatoniske skalaen. En harpe uten pedal kan bare spille en skala. For kromatiske stigninger i gamle dager måtte strengene forkortes ved å trykke fingrene mot gripebrettet; senere begynte denne pressingen å gjøres ved hjelp av kroker satt i bevegelse for hånd. Slike harper viste seg å være ekstremt upraktiske for utøvere; disse manglene ble i stor grad eliminert av mekanismen i pedalene, oppfunnet av Jacob Hochbrucker i 1720. Denne mesteren festet syv pedaler til harpen, og virket på lederne, som gikk gjennom det tomme rommet i strålen til gripebrettet og der brakte krokene i en slik posisjon at de, fast ved siden av strengene, produserte kromatiske forbedringer gjennom hele instrumentets volum.
Fjerne bulder av torden høres. Her tordner det mer og mer, lynet blinker, et regnskyll begynner, lyden av regn forsterkes. Men orkanen avtar gradvis, solen kom frem, og regndråpene skinte under strålene.
Beethovens sjette symfoni lyder.
Lytte! Torden er representert av pauker. Lyden av regn overføres av kontrabasser og celloer. Fioliner og fløyter spiller på en slik måte at det virker som om vinden hyler rasende.
Orkesteret fremfører symfonien.
Symfoniorkester. Det kalles et lydmirakel: det kan formidle en rekke nyanser av lyder. 
I et symfoniorkester er det som regel mer enn hundre instrumenter. Musikerne sitter i en strengt definert rekkefølge. Dette gjør det lettere for dirigenten å styre orkesteret. 
I forgrunnen er strengeinstrumenter. De, som det var, vever grunnlaget for det musikalske stoffet, som andre instrumenter bruker fargenyanser på med lyden: fløyter, oboer, klarinetter, fagotter, trompeter, horn, tromboner og perkusjon - trommer, pauker, cymbaler.
Du kan se hovedinstrumentene til symfoniorkesteret på bildene. Noen ganger introduserer komponisten instrumenter som normalt ikke er en del av et symfoniorkester. Det kan være et orgel, et piano, bjeller, tamburiner, kastanjetter.
Du må ha hørt «Sabre Dance» fra Aram Khachaturians ballett «Gayane». En av hovedmelodiene i denne dansen fremføres av saksofonen. For første gang kom saksofonen inn i symfoniorkesteret først på 1800-tallet, og siden har den ofte blitt hørt i symfoniske verk.
Musikkinstrumenter dukket opp for mange århundrer siden. Den eldste av dem perkusjon - trommer, tom-toms, pauker - var allerede blant primitive mennesker. Selvfølgelig endres verktøy over tid. Så moderne pauker er veldig forskjellige fra deres forfedre. Hvis det tidligere var en jerngryte dekket med huden til et dyr, er pauker nå laget av kobber, strammet med plast, og det er laget skruer som gjør at de kan finjusteres.
I et symfoniorkester er perkusjon grunnlaget musikalsk rytme. De brukes også til å skildre torden, regn, våpensalver, troppens høytidelige marsj i en parade, etc. De gir styrke og kraft til lyden av orkesteret.
Noen tror at det ikke er vanskelig å spille perkusjonsinstrumenter. Slå for eksempel cymbaler der det er nødvendig - og det er det. Faktisk krever det store ferdigheter å spille på et så tilsynelatende enkelt instrument. Cymbaler høres annerledes ut. Det kommer an på hvor hardt du slår dem. Lyden deres kan være både gjennomtrengende høy og ligner på raslingen av løv. I noen verk fremfører cymbaler solopartier. For eksempel, i Tsjaikovskijs ouverture-fantasi "Romeo og Julie" leder de en melodi som formidler fiendskapen til to familier - Montagues og Capulets.
Cymbaler forveksles ofte med pauker. Men paukene spilles på en helt annen måte, og slår dem med pinner trukket med filt.
Kanskje du er mest kjent med blåseinstrumenter. Mange av dem har du sikkert sett og hørt hvordan de høres ut. 
Fra eventyr og legender lærer vi noen ganger historien om instrumentenes opprinnelse. Ja, i ett gammel gresk myte det sies at guden for skog og mark, hyrdenes skytshelgen, Pan ble forelsket i nymfen Syrinx. Pan var veldig skummel - med hover og horn, dekket med ull. Den vakre nymfen, som flyktet fra ham, henvendte seg til elveguden for å få hjelp. Og han gjorde Syrinx til et siv. Fra den laget Pan en søtt klingende fløyte.
Shepherd's reed pipe er det aller første blåseinstrumentet. Oldebarna til denne pipen er fløyter, fagotter, klarinetter og oboer. Disse instrumentene skiller seg fra hverandre i utseende, og de låter annerledes.
Vanligvis i orkesteret bak dem i bakgrunnen er messinginstrumenter.
For lenge siden la folk merke til at hvis du blåser inn i skjell eller horn til dyr, kan de lage musikalske lyder. Så begynte de å lage verktøy av metall, som ligner på horn og skjell. Det tok mange år før de ble det du ser dem på bildet.
Det er også mange messinginstrumenter i orkesteret. Dette er tubaer, og horn og tromboner. Den største av dem er tubaen. Dette bass-sanginstrumentet er en ekte gigant.
Se på røret nå. Hun er veldig lik hornet. En gang i tiden kalte trompeten krigerne til kamp, åpnet høytidene. Og i orkesteret ble hun først betrodd enkle signalpartier. Men så ble munnstykkene bedre, og trompeten begynte å bli brukt oftere og oftere som soloinstrument. I P. I. Tsjaikovskijs ballett "Svanesjøen" er det en "napolitansk dans". Legg merke til hvor briljant trompetsoloen er.
Og hvis alle messinginstrumentene klinger sammen, får du en kraftfull og majestetisk melodi.
Men mest av alt i orkesteret av strengeinstrumenter. Det er flere titalls fioliner alene, og det er også andrefioliner, celloer og kontrabasser.
Strengeinstrumenter er de viktigste. De leder orkesteret og fremfører hovedmelodien.
Fiolinen kalles dronningen av orkesteret. Det er skrevet mange spesielle konserter for fiolin. Du har selvfølgelig hørt om den store fiolinisten Paganini. I hendene på denne trollmannen-musikeren hørtes den lille, grasiøse fiolinen ut som et helt orkester.
Fiolinen ble født i Italia, i byen Cremona. Fioliner av de beste italienske mesterne Amati, Guarneli, Stradivari og russerne I. Batov, A. Leman anses som uovertruffen den dag i dag.
Nå vet du litt om musikkinstrumentene til et symfoniorkester. Når du hører på musikk, prøv å skille instrumentene "med stemmen".
Dette kan selvfølgelig være vanskelig å gjøre med en gang. Men husk hvordan du lærte å lese, hvordan du begynte med små, enkle bøker, og deretter vokste opp, lærte mer og mer og begynte å lese seriøse, smarte bøker.
Musikk må også forstås. Hvis du selv ikke spiller, prøv å lytte til den oftere, og musikken vil avsløre sine hemmeligheter for deg, dens magiske og fabelaktige verden.
Orkester(fra det greske orkesteret) - et stort team av instrumentalmusikere. I motsetning til kammerensembler, danner noen av musikerne i orkesteret grupper som spiller unisont, det vil si at de spiller de samme delene.
Selve ideen om samtidig musikkskaping av en gruppe instrumentalutøvere går tilbake til antikken: tilbake i Det gamle Egypt små band med musikere spilte sammen ved ulike feiringer og begravelser.
Ordet "orkester" ("orkester") kommer fra navnet på det runde området foran scenen i gammelt gresk teater, hvor det gamle greske koret var lokalisert, en deltaker i enhver tragedie eller komedie. Under renessansen og utover XVII århundre ble orkesteret forvandlet til orkestergrav og ga følgelig navnet til kollektivet av musikere som ligger i det.
Det finnes mange forskjellige typer orkestre: militære messing- og treblåsere, folkeinstrumentorkestre, strykeorkestre. Den største i komposisjon og den rikeste når det gjelder dens evner er symfoniorkesteret.
Symfoniskkalt et orkester, sammensatt av flere heterogene grupper av instrumenter - en familie av strykere, blåsere og perkusjon. Prinsippet for en slik forening har utviklet seg i Europa i XVIII århundre. Opprinnelig inkluderte symfoniorkesteret grupper av bueinstrumenter, treblåsere og messinginstrumenter, som fikk selskap av noen få perkusjonsmusikkinstrumenter. Deretter ble sammensetningen av hver av disse gruppene utvidet og diversifisert. For tiden, blant en rekke varianter av symfoniorkestre, er det vanlig å skille mellom et lite og et stort symfoniorkester. The Small Symphony Orchestra er et orkester med overveiende klassisk komposisjon (spiller musikk fra slutten av 1700- og begynnelsen av 1800-tallet, eller moderne pastisj). Den består av 2 fløyter (sjelden en liten fløyte), 2 oboer, 2 klarinetter, 2 fagotter, 2 (sjelden 4) horn, noen ganger 2 trompeter og pauker, en strykegruppe på ikke mer enn 20 instrumenter (5 første og 4 andre fioliner) , 4 bratsj, 3 celloer, 2 kontrabasser). Det store symfoniorkesteret (BSO) inkluderer obligatoriske tromboner i kobbergruppen og kan ha hvilken som helst komposisjon. Ofte når treinstrumenter (fløyter, oboer, klarinetter og fagott) opptil 5 instrumenter av hver familie (noen ganger flere klarinetter) og inkluderer varianter (pick- og altfløyter, amorobo og engelsk obo, små, alt- og bassklarinetter, kontrafagott). Kobbergruppen kan omfatte opptil 8 horn (inkludert spesielle Wagner-tubaer), 5 trompeter (inkludert liten, alt, bass), 3-5 tromboner (tenor og tenorbass) og en tuba. Saksofoner brukes ofte jazzorkester alle 4 typene). Strykegruppen når 60 eller flere instrumenter. Slaginstrumenter er mange (selv om pauker, bjeller, små og store trommer, triangel, cymbaler og indisk tam-tom danner ryggraden deres), harpe, piano, cembalo brukes ofte.
For å illustrere lyden til orkesteret vil jeg bruke innspillingen av sluttkonserten til YouTubes symfoniorkester. Konserten fant sted i 2011 i den australske byen Sydney. Den ble sett direkte på TV av millioner av mennesker over hele verden. YouTube Symphony er dedikert til å fremme en kjærlighet til musikk og vise frem det enorme kreative mangfoldet i menneskeheten.
Konsertprogrammet inneholdt kjente og lite kjente verk av kjente og lite kjente komponister.
Her programmet hans:
Hector Berlioz - Romersk karneval - Overture, Op. 9 (med Android Jones - digital artist)
Møt Maria Chiossi
Percy Grainger - Ankomst på en plattform Humlet fra i et nøtteskall - Suite
Johan Sebastian Bach
Møt Paulo Calligopoulos - elektrisk gitar og fiolin
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Wheat Dance) og Danza-finale (Malambo) fra balletten Estancia (dirigert av Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bjelle "idol mio" - Canon i tre stemmer, K562 (med Sydney Children's Choir og sopranen Renee Fleming via video)
Møt Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, op. 34
William Barton - Kalkadunga (med William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable
Møt Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Fanfare for Wienerfilharmonien (med Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker og dirigert av Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (spesielt komponert for YouTube Symphony Orchestra 2011)
Møt Su Chang
Felix Mendelssohn - Fiolinkonsert i e-moll, op. 64 (Finale) (med Stefan Jackiw og dirigert av Ilyich Rivas)
Møt Ozgur Baskin - Fiolin
Colin Jacobsen og Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite for strykeorkester (med Colin Jacobsen, fiolin, og Richard Tognetti, fiolin, og Kseniya Simonova - sandartist)
Møt Stepan Grytsay - Fiolin
Igor Stravinsky - Ildfuglen (Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (med Eugene Izotov - obo, og Andrew Mariner - klarinett)
Symfoniorkesteret har blitt dannet gjennom århundrene. Dens utvikling i lang tid fant sted i dypet av opera- og kirkeensembler. Slike lag i XV - XVII århundrer var små og varierte. De inkluderte luter, fioler, fløyter med oboer, tromboner, harper og trommer. Etter hvert vant strengebueinstrumenter den dominerende posisjonen. Fiolene ble erstattet av fioliner med sin rikere og mer melodiøse klang. Tilbake til toppen XVIII V. de regjerte allerede i orkesteret. En egen gruppe og blåseinstrumenter (fløyter, oboer, fagott) har forent seg. Fra kirkeorkesteret gikk de over til symfoni-trompeter og pauker. Cembalo var et uunnværlig medlem av instrumentale ensembler.
En slik komposisjon var typisk for J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Fra midten XVIII V. sjangrene symfoni og instrumentalkonsert begynner å utvikle seg. Avviket fra den polyfoniske stilen førte til at komponistene strevede etter klangmangfold, relieffet som ble skilt ut av orkesterstemmer.
Funksjonene til de nye verktøyene er i endring. Cembaloen, med sin svake klang, mister gradvis sin hovedrolle. Snart forlot komponister det fullstendig, hovedsakelig basert på stryke- og blåsegruppen. Ved slutten XVIII V. den såkalte klassiske komposisjonen til orkesteret ble dannet: ca 30 strenger, 2 fløyter, 2 oboer, 2 fagotter, 2 piper, 2-3 horn og pauker. Klarinetten ble snart med i messingen. J. Haydn, W. Mozart skrev for en slik komposisjon. Slik er orkesteret i de tidlige komposisjonene til L. Beethoven. I XIX V.
Utviklingen av orkesteret gikk hovedsakelig i to retninger. På den ene siden, økende i komposisjon, ble den beriket med instrumenter av mange typer (dette er en stor fortjeneste romantiske komponister, først og fremst Berlioz, Liszt, Wagner), på den annen side utviklet de interne evnene til orkesteret: lydfargene ble renere, tekstur - klarere, uttrykksfulle ressurser - mer økonomisk (dette er orkesteret til Glinka, Tsjaikovskij, Rimsky-Korsakov) . Betraktelig beriket orkesterpaletten og mange komponister fra sent XIX - 1. halvdel av XX V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Sjostakovitsj og andre).
Et moderne symfoniorkester består av 4 hovedgrupper. Grunnlaget for orkesteret er en strykegruppe (fioliner, bratsj, celloer, kontrabasser). I de fleste tilfeller er strykere hovedbærerne av den melodiske begynnelsen i orkesteret. Antall musikere som spiller strenger er omtrent 2/3 av hele bandet. Gruppen av treblåseinstrumenter inkluderer fløyter, oboer, klarinetter, fagott. Hver av dem har vanligvis en uavhengig part. Blåseinstrumenter gir etter for bøyde i klangmetning, dynamiske egenskaper og en rekke spilleteknikker, og har stor kraft, kompakt lyd, lyse fargerike nyanser. Den tredje gruppen av orkesterinstrumenter er messing (horn, trompet, trombone, trompet). De bringer nye lyse farger til orkesteret, beriker dets dynamiske evner, gir kraft og glans til lyden, og fungerer også som en bass og rytmisk støtte.
Alle større verdi skaffe slagverksinstrumenter i et symfoniorkester. Hovedfunksjonen deres er rytmisk. I tillegg skaper de en spesiell lyd- og støybakgrunn, utfyller og dekorerer orkesterpaletten med fargeeffekter. I henhold til lydens natur er trommer delt inn i 2 typer: noen har en viss tonehøyde (pauker, bjeller, xylofon, bjeller, etc.), andre mangler en nøyaktig tonehøyde (trekant, tamburin, liten og stor tromme, cymbaler) . Av instrumentene som ikke inngår i hovedgruppene, er harpens rolle den viktigste. Noen ganger inkluderer komponister celesta, piano, saksofon, orgel og andre instrumenter i orkesteret.
Mer informasjon om instrumentene til et symfoniorkester - strykegruppe, treblåsere, messing og perkusjon finner du på nettsted.
Jeg kan ikke ignorere et annet nyttig nettsted, "Barn om musikk", som jeg oppdaget under utarbeidelsen av innlegget. Ingen grunn til å bli skremt av at dette er et nettsted for barn. Det er noen ganske alvorlige ting i den, bare fortalt på et enklere og mer forståelig språk. Her link på ham. Den inneholder forresten også en historie om et symfoniorkester.
Kilder:
Marina Razheva
Sammendrag av NOD "Symfonisk orkester"
Leksjonssammendrag
« Symfoniorkester»
for barn 5-6 år
Forberedt: musikksjef
Razheva Marina Anatolievna
Teikovo 2015
Mål: introdusere førskolebarn til klassisk musikk
Oppgaver. Å danne hos barn en estetisk oppfatning av verden rundt dem.
Engasjere seg i musikalsk kultur.
Å danne behovet for oppfatningen av musikk.
Utvikle kognitive og kreative evner.
Berik ordforrådet.
Utdanningsområde - "Kunstnerisk og estetisk utdanning"
Organisasjonsform - Teamarbeid lærer med barn.
Type aktivitet for barn: kognitiv, kommunikativ, musikalsk og kunstnerisk.
Materialer og utstyr: musikksenter for å lytte til musikk, barnemusikkinstrumenter, presentasjon.
forarbeid: på musikktimer barn bør være kjent med de grunnleggende verktøyene Symfoniorkester, deres virkelige lyd, klangfarging. Skille verktøygrupper: strykere, blåser, perkusjon, singler.
Programvareinnhold.
1. Utvid barnas kunnskap om egenskapene til lyden til musikkinstrumenter.
2. Dyrk interesse, lyst til å lytte til lyden av instrumenter.
3. Fortsett å utvikle DMI-ferdigheter (musikkinstrumenter for barn)
4. Utvikle barns klanghørsel.
Planlagt resultat.
Idedannelse om Symfoniorkester.
Styrke evnen til å skille lyden av instrumenter Symfoniorkester.
Ta en aktiv del i spillet på DMI.
Føl behovet for å oppfatte musikk i fremføring Symfoniorkester.
Kursfremgang.
Barn går inn i hallen og utfører det vanlige komplekset av musikalske og rytmiske bevegelser, og går deretter rolig til stolene.
MR. hilse på barn med sang "Hallo!", forfatter...
MR. Hender barnas oppmerksomhet til skjermen, der barna ser en stor gruppe musikere.
MR. Gutter, hva ser dere på dette bildet.
Barnas svar.
MR. Ja det orkester - en gruppe musikere som spiller det samme musikkstykket sammen. Hver musiker spiller sin rolle i henhold til notene, som kalles partituret. Poengsummene står på spesielle stativer - konsoller.
Nå vil jeg gi deg en gåte. Prøv å gjette det.
Han styrer orkesteret,
Gir glede til folk.
Bare vift med tryllestaven
Musikken vil begynne å spille.
Han er ikke lege eller sjåfør.
Hvem er dette? (Dirigent)
Barn. Dirigent.
MR. Til orkester lød harmonisk og harmonisk - den styres av dirigenten. Han står vendt mot musikerne. Konduktøren kan lage orkesterspill og raskt, og sakte, og stille, og høyt - som du vil! Men han sier ikke et eneste ord. Han bruker bare stafettpinnen til den magiske dirigenten. Foran dirigenten står tykke, tykke toner, der delene til alle musikerne er malt. Slike notater kalles clavier.
Fiolinen er et 4-strengs bueinstrument, den høyeste lyden i sin familie og den viktigste i orkester.
Cello - stor fiolin, som spilles mens du sitter. Celloen har en fyldig lav lyd.
Kontrabass - den laveste lyden og den største i størrelsen (opptil 2 meter) blant familien av strengebueinstrumenter. Det spilles stående eller på en spesiell stol. Dette er bassfundamentet (grunnlaget) Total orkester.
Fløyten tilhører gruppen av treblåseinstrumenter. Men moderne fløyter er svært sjelden laget av tre, oftere av metall, noen ganger av plast og glass. Det mest virtuose og teknisk mobile instrumentet i blåsefamilien. Fløyten er ofte betrodd orkestersolo.
MR. Gutter, hvorfor kalles instrumentene blåseinstrumenter?
Barnas svar.
MR. Ja, de blåser virkelig. Det vil være mer riktig å si at blåseinstrumenter lyder når luft blåses inn i dem.
Og nå ser og hører du en messingtrompet. Trompeten har en høy klar klang, veldig egnet for fanfare. Fanfarer brukes til å gi signaler - høytidelige eller krigerske ved festlige feiringer, militærparader.
Foran deg er en trombone. Trombonen spiller mer en basslinje enn en melodisk. Det skiller seg fra andre messinginstrumenter ved tilstedeværelsen av en bevegelig backstage, som beveger seg som frem og tilbake musikeren endrer lyden til instrumentet.
Fransk horn - horn. Opprinnelig stammet fra et jakthorn. Hornet kan være mykt og uttrykksfullt eller hardt og skrapete.
MR. Gi navn til perkusjonsinstrumentene.
Barn. Tromme, tamburin, maracas, trekant, metallofon, kastanjetter, bjeller, rangler, bjeller.
MR. Det stemmer folkens. Det er mange perkusjonsinstrumenter, men ikke alle kan tjene i Symfoniorkester.
Gi navn til verktøyene du ser på lysbildet.
Trommer, cymbaler, xylofon.
Lysbilde 14.15.
Også gutter, orkester enkeltinstrumenter brukes. Og du må vite og navngi
dem riktig.
Barn. Piano. Harpe.
MR. Ikke sant. Dette er et konsertflygel og det eldste instrumentet - harpen.
Og dere vil føle dere som store musikere orkester? Da foreslår jeg at du tar instrumentene dine og spiller ett veldig vakkert musikkstykke.
Utfører "Rondo i tyrkisk stil"- W. Mozart eller
"Slem polka"- A. Filippenko.
MR. Takk folkens. Jeg liker det.
Og hva tror dere, instrumenter som balalaika eller saksofon kan spille i orkester. Og i hva? Faktum er at disse verktøyene er en del av andre orkestre.
Se nøye på disse illustrasjonene. Unntatt Symfoniorkester det finnes andre typer orkestre: messing, folk, pop, jazz. De er forskjellige i sammensetningen av instrumentene og i antall musikere. I Symfoniorkester, i gjennomsnitt ca 60-70 personer, men noen ganger - 100 eller mer. Musikerne er arrangert i en bestemt rekkefølge. De er kombinert i grupper av instrumenter som ligner i klang.:
stryker, treblås, messing og perkusjon. Musikere fra samme gruppe sitter side om side for å høre hverandre bedre. Og det skaper en sammenhengende lyd.
Og nå vil jeg invitere deg til å spille spillet.
Bli kjent med verktøyet.
Lysbilde 17, 18, 19.
MR. Vi hadde en fantastisk tid med deg. Likte du det? Hva er navnet på orkester hvem møttes vi i dag? Hvilket instrument likte du? (Barn svarer en om gangen). Jeg har laget kort for deg med en gåte som du skal prøve å løse sammen med mamma eller pappa og gi deg en gjetning. (på baksiden av silhuetten - prikker).
Vennligst kom til meg, jeg vil takke og si farvel (barn lukker øynene, musikksjefen stryker over hodet)
