Opprinnelsen og utviklingen av kinesisk musikkkunst. Musikkinstrumenter

Gidzhak (gijak, girzhak, gijak, gijak) er et strengebuet folkemusikkinstrument av usbekere, tadsjikere, karakalpaks, turkmenere, uigurer. Utformingen av gidzhak er veldig nær den persiske kemanche, som er vanlig i Aserbajdsjan, Iran og Armenia.

I folkemusikkinstrumenter - all tidenes filosofi og visdom. Fremført på gidjak folkemusikk, sanger, instrumentalstykker, maqoms(en vokal-instrumental syklisk sjanger, hvis melodiske grunnlag oftest er intonasjonen av gråt). Gidzhak og dens varianter, sammen med andre folkeinstrumenter, er inkludert i den usbekiske nasjonale instrumentalorkestre.

Gijak kropp- sfærisk, tradisjonelt laget av et spesielt utvalg av gresskar, tre eller annet materiale (for eksempel en stor kokosnøtt), dekket med lær på toppen. Instrumentstørrelser varierer og avhenger ofte av materialet det er laget av.

Antall strenger moderne gidzhak - fire, selv om dette tallet historisk sett også var inkonsekvent, ble det oftest funnet trestrengede gidzhaks. I gamle dager hadde gijaken silkestrenger, i dag har de metallstrenger.

Det er generelt akseptert at gidzhak dateres tilbake til 1000-tallet. oppfunnet Avicenna(Abu Ali ibn Sina) - en stor persisk vitenskapsmann, lege og filosof som la grunnlaget for vitenskapsfeltet for musikkinstrumenter (instrumentvitenskap), beskrev nesten alle musikkinstrumenter som eksisterte på den tiden og kompilerte en detaljert klassifisering av deres typer.

På klassisk gidjak-spill instrumentet holdes vertikalt, lyden trekkes ut med en spesiell kort bue i form av en bue, men moderne utøvere også bruke en fiolinbue.

Imidlertid der virtuoser som spiller på gijak ikke bare klassisk folkemusikk, men også uvanlig lyse passasjer. I videoen nedenfor kan du ikke bare lytte, hvordan høres gidjak ut men ser også virtuos ut gidjak spill mestere av hans håndverk - usbekisk musiker Farkhodzhon Gapparov(verk "Storm" av den iranske komponisten Bizhan Mortazavi):

Ekstraordinært rikt og variert. Selv i eldgamle tider, på territoriet til det nåværende nære og midtøsten, ble de enkleste slaginstrumentene brukt til rituelle danser og feiring av viktige begivenheter. Følgende er en liste over de vanligste usbekiske musikkinstrumentene med navn og en kort beskrivelse.

Doira - en slags tamburin

Doira er et usbekisk musikkinstrument fra perkusjonsfamilien, som ligner en tamburin i utseende. Utbredt i landene i Nær- og Midtøsten. Instrumentet er en kant laget av tørket vinranke (bøk eller valnøtt er sjeldnere brukt), som en skinnmembran er strukket på. Gjennomsnittlig diameter er ca 40 cm. moderne versjon Dette usbekiske folkemusikkinstrumentet kan brukes med metallringer. Det finnes også versjoner av doira med festet på innsiden av hovedbøylen. Vanligvis teller de fra 40 til 100.

For en mer klangfull og distinkt lyd, må doira varmes opp i nærheten av bål eller i solen før du spiller. Varm luft tørker huden strukket over rammen og strekkkraften til membranen øker.

I antikken ble dette instrumentet utelukkende spilt av kvinner. I hulene i fjellene i Ferghana-dalen ble det funnet bilder som dateres tilbake til 2000 f.Kr. e. Bildene viser kvinnelige skikkelser spiller doira, omgitt av dansere som utfører rituelle handlinger.

Na doira har blitt forbedret gjennom mange århundrer og har nå nådd høy level. Instrumentet brukes både som et tillegg til ensemblet av andre usbekiske nasjonale musikkinstrumenter, og som et akkompagnement for stemmen. Lydekstraksjonsteknikker er svært forskjellige: lett banking med småfingrene, sterke slag med håndflatene, gliding av fingrene langs membranen og andre. Avhengig av plasseringen av fingrene, kan du endre tonehøyden. Å slå i midten av membranen lar deg spille lave toner, og når du beveger hendene til kanten stiger lyden. Det er også mulig å berike spillingen din med forskjellige utsmykkede rytmiske mønstre og alle slags melismer, som triller, tremolo, yndetoner. Dynamikk er tilgjengelig fra det stilleste pianoet til den dundrende forte.

Nagora - en analog av paukene

Et annet usbekisk musikkinstrument relatert til perkusjon er nagora. Det er et par pauker i form av keramiske potter dekket med en skinnmembran. Instrumenter varierer i størrelse, noe som gjør det mulig å oppnå en rekke lyder. Nagora har nei finjustering, men det finnes flere varianter:

• Dol-nagora er en stor gryte designet for å trekke ut dype dunk.
• Kos-nagora er et middels stort instrument med relativt lav lyd.
• Rez-nagora - for fremføring av høyere toner.

Før forestillingen varmes usbekiske pauker opp i solen. Dette bidrar til å oppnå klare og klangfulle beats.

I motsetning til doiraen blir nagoraen sjelden brukt som soloinstrument. Den brukes hovedsakelig til å spille i et ensemble med treblåseinstrumenter som karnay og surnay. Det kan høres sjeldnere i kombinasjon med strenger (hovedsakelig i Armenia). Instrumentet beriker komposisjonene med ulike rytmiske mønstre og bidrar til å formidle karakteren av transe eller brennende musikk.

Nai - Pans orientalske fløyte

Nai er et treblåseinstrument med seks fingerhull. Den er hovedsakelig laget av bambustre. Moderne versjoner av dette instrumentet er supplert med messing og tinn. Naturen til lydekstraksjon er labial (det vil si ved hjelp av lepper). En rekke melodiske mønstre oppnås ved hjelp av ulike fingersettingskombinasjoner, delvis og fullstendig lukking av spillehullene og varierende intensitet på luftstrømmen. Nye brukes som solo- og ensembleinstrument.

Surnay - en type treblåseinstrument

Surnay er et annet usbekisk blåseinstrument. Det er et smalt rør som utvider seg i enden. I gjennomsnitt er lengden på instrumentet 45-55 cm Surnay utmerker seg med en ganske kompleks mekanisme: et lite metallrør med bambusplater er satt inn i den øvre delen. For å trekke ut lyd, må utøveren presse leppene tett med et lite flatt stykke kalt "sadat". Å spille en slik trompet med dobbeltrør krever visse ferdigheter og høye ferdigheter i instrumentet.

Surnay brukes hovedsakelig i ensemblet under nasjonale feiringer. Paletten av lydproduksjon er ganske rik - fra jevn legato til raske hopp og melismatiske dekorasjoner.

Karnay er et usbekisk folkemusikkinstrument fra kobberfamilien. Også utbredt i Iran og Tadsjikistan. Karnayen er et rett rør som utvides på enden. Lengden på verktøyet når to meter. Lyden produsert av karnayen ligner en trombone. Rekkevidden overskrider ikke en oktav.

Den kraftige og sterke lyden av karnay kan høres ved høytidelige seremonier og sportsspill i Usbekistan. I gamle tider fungerte det også som et instrument for å signalisere starten på krig og øke hærens moral.

Chang - en gammel analog av cymbaler

Et annet kjent usbekisk musikkinstrument er chang. Den tilhører slekten cymbaler. Den består av en trapesformet trekropp, hvorpå det er strukket 42. Den øverste lydplanken inneholder små resonatorhull som bidrar til å forbedre lyden. Changen spilles med to bambus- eller sivpinner. Lyden har renhet, lysstyrke og god varighet. Changen brukes både som solo- og ensembleinstrument.

Sato - buet strengeinstrument

Sato er et instrument med tusen års historie og en herlig, fascinerende lyd. Fremveksten av varianter buede strengeinstrumenter i øst dateres tilbake til det 10. århundre. På begynnelsen av 1900-tallet var de på randen av utryddelse, men mesteren Usman Zufarov klarte å gjenopplive de gamle tradisjonene.

Satoen er en pæreformet trekropp med en festet hals, som båndene påføres på og strengene strekkes. Lydekstraksjon gjøres ved å føre en bue langs strengene.

Spennende og mystisk musikk fra Østen fascinerer med sine komplekse rytmer og utsmykkede melodiske mønstre. Folkene i Asia klarte å bevare det gamle kulturelle tradisjoner og tidenes visdom, som formidler til samtidige den virkelige skatten til deres forfedre.

Til alle tider viet folk en del av livet sitt til kultur. Så, til tross for den nomadiske livsstilen og ulike vanskelige tider, innbyggerne Sentral Asia båret sin musikalske kultur gjennom tidene. Takket være fortidens akyner og mestere har nasjonale instrumenter overlevd til i dag nesten i samme form som de var for 100 og 200 år siden. Folkene i Usbekistan, Tadsjikistan og Kirgisistan kan fortsatt høre, spille eller bare holde i hendene de unike musikkinstrumentene som er karakteristiske for Sentral-Asia.

La oss fortelle deg mer om dem.

usbekisk karnai

Karnay er et massivt blåseinstrument laget av kobber og messinglegeringer. En stor trompet når en lengde på opptil 3 meter og lar deg lage unike melodier.

Moderne usbekiske musikere bruker tradisjonelt karnai i bryllup. Disse dype høytidelige lydene symboliserer høytiden i dag. Du kan høre dem ikke bare fra neste gate, du kan til og med høre dem fra et annet kvarter av byen. På festivalen erklærer melodier, dekorert med karnay, høyt og offentlig at en feiring blir feiret i dette huset.

Tidligere ble karnay brukt både som et verktøy for å innkalle krigere, samt for å varsle befolkningen om at en fiende nærmet seg, en plage. Lyden av karnay ble hørt i hele landsbyen og folk var klare for visse handlinger takket være volumet til det nasjonale blåseinstrumentet.

Tadsjikisk rubab

Rubab er et strengeinstrument flott historie. Den er laget for hånd av spesielle typer trær. Prosessen med å kutte ut en kanneformet kropp er veldig møysommelig og krever ikke bare stor flid, men også spesielle ferdigheter. Hemmelighetene med å bløtlegge tømmerhytter, strekke huden til et dyr på hoveddelen av et musikkinstrument, stemme strenger og knagger i Tadsjikistan blir bare gitt videre fra mester til student.

Rubab høres veldig lyrisk ut. Strengene gir opphav til en fantastisk melodi eller akkompagnement for en dikters sang. Men virkelige mestere av spillet kan også spille tadsjikiske nasjonale dansemelodier på rubab, mange av dem er allerede utallige år gamle, og de regnes rett og slett som tradisjonell folklore.

Kirgisisk komuz

Komuz er et nasjonalt kirgisisk strengemusikkinstrument. Den har bare tre strenger, men den har en veldig klangfull og melodisk lyd. En ekte komuz er laget av vill aprikos (aprikostre). Snekkerprosessen for å lage formen til komuz, den tilsvarende fordypningen i kroppen, toppen, halsen og så videre, er veldig kompleks og krever stor dyktighet. Et stykke saget tre for fremtidens komuz må tørke helt; for dette kan det plasseres i et spesielt mørkt rom i flere år.

Det er ingen bånd på halsen til komuz, så vel som på noen andre musikkinstrumenter fra folkene i Sentral-Asia. De lærer å spille det på gehør, så ikke alle kan bli komuzchi (en mester i å spille komuz).

Lyden av et strengeinstrument er praktisk talt uforlignelig, derfor er det skrevet så mange karakteristiske melodier for komuz, som fremføres av nasjonale akyner, både solo og i et ensemble.

Kilder til informasjon, bilder og videoer

Musikk siden antikken har inntatt en fremtredende plass i livet til kineserne, så vel som andre folkeslag. Etnografer-musikologer slår fast at i de tidlige stadiene av menneskets historie var musikk nært forbundet med pantomimeforestillinger, med dans.

Opprinnelsen og utviklingen til kinesisk musikalsk kunst

De gamle kineserne i sine legender assosierte utseendet til musikkverk og instrumenter med gudene. Ifølge dem betraktet gudene mennesket som deres ferdige skapelse først når de lærte ham musikk. Imidlertid kan et pålitelig bilde av historien til utviklingen av kinesisk musikalsk kultur bare gjenskapes på grunnlag av data fra en rekke vitenskaper: arkeologi, etnografi, etc. musikkvitenskap, litteraturkritikk m.m.

De eldste musikkinstrumentene i Kina (slagverksmusikkinstrumenter - steinplater) ble funnet av arkeologer på neolittiske steder i elvedalen. Huanghe. Den eldste strengeinstrumenter(chuse - se fra eldgamle rike Chu) tilhører V-III århundrer. f.Kr e. Om mangfoldet av musikkinstrumenter, om ulike musikalske opptredener si inskripsjonene på bein og skjell. I det andre årtusen f.Kr. e. bronsemusikkinstrumenter dukket opp. Noen senere kilder indikerer at allerede i midten av II årtusen f.Kr. e. khu ble arrangert - overfylte sang- og danseforestillinger, som tilsynelatende hadde en rituell karakter (de var dedikert til begynnelsen og slutten av jordbruksarbeid). Gradvis skilte sangen seg som et musikkstykke fra dansen. Og i perioden med den vestlige Zhou (XI-VIII århundrer f.Kr.) ble et sett med sanger "Shijing" ("Book of Songs") samlet for første gang fra folkesangene i forskjellige regioner i Kina. Innspillinger av eldgamle sanger gjør det mulig å snakke om forskjellene i musikken til sanger fra forskjellige regioner i landet (for eksempel musikken til sangene til Chu-riket).

Musikkvitenskap begynte også å bli skapt i det gamle Kina. Den eldste avhandlingen om musikk "Yuejing" var en del av komplekset som opprinnelig eksisterte i Kina 6 klassiske bøker. "Description of Music" ("Yueji") ble deretter inkludert som et av kapitlene i "Ili" ("Rite"), satt sammen av Confucius selv. Dommer av Confucius om musikk finnes også i Månen. Musikk spilte en stor rolle i alle aspekter av det kinesiske livet. Det er derfor konfucianerne vedla slike veldig viktig musikk. I henhold til deres lære, musikalsk harmoni skulle være en indikator på sosial og politisk harmoni.

Musikk nøt stor ære ved domstolene til Wangs i Zhou-tiden: fremføringen av sanger og danser ved hoffet var ansvarlig for en spesiell rettstjeneste (Dasyue). I løpet av Han-perioden ble det opprettet et spesielt musikkkammer (Yuefu). Under Han-tiden var det en rask utvikling av musikalsk kultur. Det var i denne perioden nye musikkinstrumenter dukket opp (kunhou lånt utenfra - strengeharpelignende instrumenter osv.). Det er kjent hvilken stor innflytelse på utviklingen Kinesisk musikk hadde buddhismen som penetrerte Kina.

En ny blomstring av kinesisk musikk faller på Tang-tiden. Dunhuangs fresker skildrer forskjellige musikere, sangere og dansere.

Noter av sang og dansemusikk fra Tang-tiden er funnet. På slutten av XIII-begynnelsen av XIV århundre. kjent poet og musikeren Zhang Yan lager boken "Sources of Qi" ("Ciyuan"), som av historikere av kinesisk musikk anses som den mest tidlig arbeid om vokalkunst.

I det XVIII århundre. Utgivelsen av en 62-binders samling av kinesiske klassiske melodier ble foretatt, som dekket perioden på 800-1700-tallet. Nylig har de gamle tegnene på denne koden blitt oversatt til moderne notater. I epoken Tang, Song, Yuan, Ming, Qing, ble kinesisk musikk beriket på grunn av påvirkningen fra musikken til andre folk: mongolene, tibetanerne, uigurene, etc., ble mange nye musikkinstrumenter lånt (pipa, erhu, yangqing, etc.). Siden 1600-tallet begynte å bli opprettet i Kina orkestermusikk. I Ming- og Qing-epoken ble musikken mye mer mangfoldig, og spesifikasjonene til musikken for opera (musikalske og dramatiske) forestillinger ble bestemt.

Melodi av kinesisk musikk

Det melodiske mønsteret til kinesisk musikk er alltid uvanlig distinkt, konveks og særegent fargerikt, melodiøst og samtidig rytmisk.

Det er karakteristisk at den musikalske notasjonen fanger langt fra alle bøyningene i melodien, men bare dens hovedkjerner, mens utøveren vilkårlig stryker forskjellige ornamenter på den, og improvisasjonen hans har noen ganger en veldig bred amplitude, først og fremst avhengig av ferdighetene til den. utøver.

Selv om det er moderne kor de synger med mange stemmer, melodien til tradisjonelle folkesanger er alltid unisont; i kinesisk musikk, spesielt gammel musikk, er det ingen polyfon stemmeveiledning, langt mindre kompleks harmonisering av melodien. Derfor kineserne folkevise er i hovedsak solo, uavhengig av antall sangere.

Svake intonasjonsmuligheter blir i stor grad kompensert for av en svært konveks og fremhevet rytme, og derav perkusjonsinstrumentenes eksepsjonelle rolle. På grunn av vektleggingen av rytme i kinesisk musikks natur, er den nær poesi.

Tross alt har hvert kinesiske ord et karakteristisk melodisk mønster, bestemt av tone. Og det er svært sannsynlig at man i musikaliteten til kinesisk tale kan se etter dens forbindelse med kinesisk musikk.

Rytme er mest karakteristisk for musikken i de nordlige regionene.For eksempel forbinder noen forskere opprinnelsen til yangge (sang og danseforestilling) med ekstramelodisk, rytmisk trommemusikk, som så fikk en melodi. I sørkinesisk musikk er klangfargen mye lysere; ikke rytmen, men melodien kommer i forgrunnen. For eksempel utmerker Guangdong-musikk seg ved melodiøsitet, der melodien flyter vakkert, melodiøst, fritt, melodiøst, som minner om indonesisk musikk, sammen med en klar og klar rytme, generelt iboende i kinesisk musikk.

Verkene til kinesisk musikk er preget av streng og tydelig programmering. Overvekten av landskapsmalerier er karakteristisk. Blant de musikalske komposisjonene i Chaozhou-regionen (Guangdong-provinsen) kan man derfor * navngi de musikalske bildene "Festlig båtliv" og "Refleksjon av høstmånen på overflaten av innsjøen."

musikalsk skala

Mest karakteristisk trekk Den gamle skalaen til kinesisk musikk er den pentatoniske skalaen. Med et slikt lydsystem inneholder en oktav omtrent lyder - forskjellige høyder. Femtoneskalaen ble etablert rundt det 4. århundre f.Kr. n. e. musikkteoretikere fra det gamle Kina ved hjelp av matematiske beregninger og filosofiske resonnementer. Det vanligste er den ikke-halvtone pentatoniske skalaen, dvs. mellom tilstøtende trinn når intervallene en hel tone eller halvtone. I denne egenskapen til kinesisk musikk er det også en viss begrensning av dens muligheter.

Imidlertid kan man ikke vurdere den nasjonale stilen til kinesisk musikk bare fra den pentatoniske skalaens synspunkt. Pentatoniske bånd hindret ikke utviklingen av musikalsk kultur. Allerede på III århundre. f.Kr e. en syv-lyds, og deretter en tolv-lyders gamma ble installert. Ved slutten av Zhou-tiden la etableringen av en komplett tolvtonet musikalsk skala grunnlaget for den videre utviklingen av kinesisk musikk. Utviklingen av musikalsk kultur skjedde også som følge av påvirkning utenfra. Med buddhismen trengte elementer av den musikalske kulturen i India og Sentral-Asia inn i Kina. I XIV århundre. Under påvirkning av den mongolske musikkkulturen tok den diatoniske skalaen form i kinesisk musikk. Selv i Kina i det XVI århundre. Chou Tsaiyu brukte en temperert skala, den tempererte skalaen var ikke etablert i kinesisk musikk. Kinesisk musikk var fortsatt basert på de fem pentatoniske skalaene. Og i naturen til lyden av pentatonisk musikk, ble mulighetene fullt utnyttet. Allerede siden antikken har folkemusikken, til tross for en viss begrensning av lydradsystemet, vært preget av stor melodisk og innasjonal rikdom.

Musikkinstrumenter

Utilstrekkelig fleksibilitet, statisk intonasjonsmodal struktur kompenseres av en rik og svært mangfoldig komposisjon av musikkinstrumenter som fortsatt eksisterer i komposisjoner. folkeorkestre og teaterorkestre.

Fra det faktum at grunnlaget for det musikalske lerretet var en klar rytme, er den ekstremt viktige rollen i kinesisk musikk av perkusjonsinstrumenter, som er ekstremt forskjellige, helt forståelig. Og forrangen blant alt dette mangfoldet tilhører utvilsomt tromma (gu); disse er tosidige trommer tangu, gangu, shugu, diangu, tamburin logu, etc., ensidig skarptromme bangu. Membranslagverksinstrumenter inkluderer også tamburin dagu og bajiaogu. Trommer var laget av tre, gresskar, leire, bronse. Trommemembraner ble laget av lær, okseblære og annet materiale. Under forestillingen holdes trommene i hendene eller plasseres på spesielle stativ. Utøveren slår på membranen med en hånd og en pinne. Bruken av trommer er ekstremt bred. Det vil ikke være en overdrivelse å si at uten en tromme i Kina er ikke en eneste festival tenkelig, ingen feiring er tenkelig. Betydningen av tromme i orkesteret er bevist av det faktum at trommeslageren i hovedsak utfører funksjonene til dirigenten til et orkester bestående av kinesiske nasjonale instrumenter.

Andre perkusjonsinstrumenter er også utbredt - metallgonger, hvorfra lyden hentes ut ved å treffe en treklubbe, kobbercymbaler, fangsyan - stein, jade eller, svært sjelden, avlange firkantede metallplater hengt opp på en trerammestativ, forskjellig fra hver andre bare i tykkelse, og som et resultat, når de slås med en pinne, avgir hver sin egen lyd. Tilstedeværelsen av qinger (steingonger, litofoner) - shiqing, teqing eller bianqing (et sett med qinger innstilt annerledes) bør vektlegges spesielt. Et trekk ved en annen type slaginstrumenter - bronseklokker og bjeller (bozhong og bianzhong - et sett med bjeller) er at lyden trekkes ut ved å slå på klokken med en treklubbe. For å slå rytmen brukes også treslaginstrumenter: treplater kuaiban, samt kastanjetter som kaiban, banzi, paiban. Platene ble laget av løvtre. Utøveren holder den ene platen i hånden i håndflaten, slår den med den andre platen, som han holder i den andre hånden (banzi), eller med bevegelsen til hånden han holder en haug med tallerkener i, treffer dem mot hverandre (paiban). Blant perkusjonsmusikkinstrumentene, selv om de er sjeldne, er muyui ("trefisk"), i hovedsak en slags treklokke, vanligvis i form av en fisk (derav navnet på instrumentet), som lyden også er hentet fra av treffer en treklubbe.

Strengeinstrumenter utmerker seg også med et stort utvalg: se og zheng - strenge plukkede musikkinstrumenter som bordharpe. Hele instrumentets kropp er litt konveks, det er en kortstokk, strenger, vanligvis silke, strekkes langs hele instrumentets lengde, et stativ er installert under hver streng, ved å bevege instrumentet innstilt. Spill med én (høyre) hånd eller begge hender. Qixian-qing (en slags siter), pipa (en slags lut), kunhou (en slags harpe), osv., er veldig uttrykksfulle. Typen buede musikkinstrumenter hu (erhu, sihu, banhu, etc.) er mangfoldig. Erhu-kroppen er for eksempel hul, med en lydplanke av slangeskinn på oversiden. En nakkegribb av bambus settes inn i resonatoren, det er et par knagger for to silkestrenger i den, ved hjelp av roterende knagger strekkes strengene. De spiller sittende, instrumentet hviler mot kneet med resonatorbenet og holder det vertikalt. Buens hår føres mellom strengene, avstanden mellom disse overskrider ikke

3-4 mm. i et kinesisk orkester folkeinstrumenter Erhuen er like viktig som fiolinen i et symfoniorkester.

Blåseinstrumenter er veldig populære. Disse er bambus xiao (slekt langsgående fløyte), chi og di (slekt tverrfløyte), paixiao (fløyte med flere løp). Xuan ble laget av leire - et ovalformet blåseinstrument med 6 hull for å endre tonehøyden til lyder. Luft ble blåst inn gjennom hullmunningen på toppen av xuan.

Disse verktøyene er veldig enkle. Et mer komplekst instrument er laba (eller son) trompet, en slags obo. Kroppen til laba er et nesten konisk trerør med åtte hull, som utøveren endrer tonehøyde gjennom. Et veldig særegent instrument er sheng, som består av en rund kropp, der det er satt inn et grenrør for å blåse luft og opptil 20 bambusrør. Bronsetunger settes inn i endene av rørene i skrå snitt. Hull er laget i den nedre delen av rørene, som utøveren, når han spiller, lukker vekselvis med fingrene.

Lyden kommer fra vibrasjonen av sivet. Avhengig av antall rør som er satt inn, skilles flere typer shengs.

Samtidsmusikk og scenekunst

Bak siste periode, spesielt etter 4. mai-satsen, er det en rask prosess med berikelse i innholdet og formen til ny kinesisk musikk. I 1919 grunnla komponisten Xiao Yu-mei ved Peking University musikkavdelingen. Det var den første grenen under det kinesiske høyere utdanningsinstitusjon, hvor undervisning ble holdt i henhold til programmet til europeiske musikkskoler. En rekke slike avdelinger oppsto senere ved andre universiteter. I løpet av denne perioden skapes det patriotiske verk som forherliger kjærligheten til moderlandet, livet til vanlige folk. Dermed skrev komponisten Zhao Yuan-jen "The Song of Labor" og "The Song of the Sale of the Canvas". Med utviklingen av revolusjonen trenger slike revolusjonære sanger som "The Internationale", "Varshavyanka" og andre inn i Kina. Med opprettelsen av CPC og utbruddet av revolusjonære kriger, begynner musikk å spille en stadig viktigere rolle i kampen mot folket. Allerede i 1932 startet Nie Er og Lu Ji opprettelsen av en revolusjonerende musikalsk gruppe som samlet ledende kinesiske musikere rundt seg. Kommunistkomponist Nie Er for sin kort liv(1912-1935) skrev rundt 50 militante revolusjonære massesanger, blant dem "March of the Volunteers", nå godkjent som folkesangen til Kina. Betydelige verk innen kinesisk musikk er Kantaten på den gule elven og Bevegelsen for produksjonsfremgang av komponisten Xi Xing-hai (1905-1945), som hadde stor innflytelse på den videre utviklingen av kinesisk musikk. Det som er nytt i den revolusjonære sangen er dens konkrethet, politiske skarphet, enkle språk, skarpe uttrykksevne. revolusjonerende sang preget av korthet, klarhet og klarhet i tankene uttrykt i teksten, hurtighet, selvsikkerhet, viljesterk rytme, lys vakker melodi ("Pris til Lenin", "Sang om arbeidere og bønder", "1. mai", "Bror og søster" Raise Virgin Soil"). Nytt innhold og ny form de tok ikke vekk dens nasjonale farge fra sangen, den forble en kinesisk folkesang og fylte dermed opp skattkammeret til folkets rike sangkultur.

Med dannelsen av Folkerepublikken Kina fikk kinesisk musikalsk kultur visse betingelser for sin utvikling. I de første årenes verk synges det folks makt, som ga jord til bøndene, gjorde en kvinne til et fritt og likeverdig medlem av samfunnet, osv. Sang og dans musikkkunsten er i utvikling. Nye musikksjangre utforskes. Dermed skrev en gruppe studenter fra Shanghai Conservatory en konsert for fiolin og orkester "Liang Shan-bo og Zhu Ying-tai", " Ungdomskonsert". De største kinesiske komponistene Ma Si-tsun og He Lu-ding jobber fruktbart. Komponisten Wu Tseu-chiang skrev musikken til nasjonal ballett"Beauty-fish", med stor suksess på scenen til Central Opera and Ballet Theatre i Beijing, iscenesatt av P. A. Gusev.

All China Music Workers' Association og Chinese Writers' Union jobber sammen for å samle inn, spille inn, organisere og studere folkemusikk. Studiet og undervisningen i folkemusikk gjennomføres i konservatorier og musikkskoler. Etter 1949 opprettet nesten hver bedrift, i landsbyen, i utdanningsinstitusjonen sin egen amatørkunstgruppe, lokale ensembler nasjonalsang og dans, musikkdrama, etc.

Musikerne er trent av Beijing 1 og Shanghai Conservatory. Sammen med så store mestere som fiolinisten Ma Si-tsun, de som har avansert i fjor unge musikere, inkludert prisvinnere Internasjonal konkurranse dem. P. I. Tchaikovsky Liu Shi-kun og Ying Cheng-tsun, samt Li Ming-chiang (student av prof. T. P. Kravchenko). Guo Shu-ying, en elev ved Moskva-konservatoriet, opptrer med suksess i operaforestillinger. I 1957-1958. opprettet Central Symphony Orchestra ( sjefdirigent- Li De-lun, utdannet ved Moskva-konservatoriet, student av prof. N.P. Anosova). Vellykkede konsertaktiviteter ledes av en rekke orkestre med folkeinstrumenter. Et stort antall utøvere samler inn årlig musikkfestivaler"Shanghai vår".

Sovjetisk musikk har en enorm innflytelse på utviklingen av kinesisk musikkkultur. MED Sovjetisk musikk Det kinesiske folket ble kjent med hverandre gjennom den stridende, sovjetiske massesangen, som begynte å trenge inn i Kina allerede under revolusjonsårene 1925-1927. Sovjetiske sanger "March of Budyonny", "Song of the Motherland", "Katyusha", "Hymn of the Democratic Youth of the World", " Moscow Nights» og andre er velkjente kinesiske folk. Tallrike opptredener av sovjetiske musikere i Kina var en stor suksess. Gjennom bekjentskap med sovjetisk musikk mestret kinesiske musikere prestasjonene til verdensmusikalsk kultur, den sovjetiske erfaringen med å bygge en ny musikalsk kultur, nasjonal i form, sosialistisk i innhold.

Dutar. Du - to. Tjære - streng. Et instrument med smidde bånd og to årestrenger. Tror du at jo færre strenger, jo lettere er det å spille?

Vel, så hør på en av de beste dutar-spillerne, Abdurahim Khait, en uigur fra Xinjiang, Kina.
Det er også en turkmensk dutar. Strengene og båndene til den turkmenske dutaren er av metall, kroppen er hulet ut av et enkelt trestykke, lyden er veldig lys, klangfull. Den turkmenske dutaren har vært et av favorittinstrumentene mine de siste tre årene, og dutaren som vises på bildet ble brakt til meg fra Tasjkent ganske nylig. Fantastisk verktøy!

Aserbajdsjansk saz. De ni strengene er delt inn i tre grupper, som hver er stemt unisont. Et lignende instrument i Tyrkia kalles baglama.

Sørg for å lytte til hvordan dette instrumentet høres ut i hendene på en mester. Hvis du har lite tid, så se i det minste fra klokken 02:30.
Fra saz og baglama kom det greske instrumentet bouzouki og dets irske versjon.

Oud eller al-ud, hvis du kaller dette instrumentet på arabisk. Det er fra det arabiske navnet på dette instrumentet at navnet på den europeiske luten stammer fra. Al-ud - lut, lut - hører du? Den vanlige oud har ingen bånd - båndene på dette eksemplaret fra samlingen min dukket opp på mitt initiativ.

Hør hvordan en mester fra Marokko spiller oud.

Fra den kinesiske tostrengede erhu-fiolinen med en enkel resonatorkropp og en liten skinnmembran stammer den sentralasiatiske gidjaken, som i Kaukasus og Tyrkia ble kalt kemancha.

Hør hvordan kemanchaen høres ut når Imamyar Khasanov spiller den.

Rubaben har fem strenger. De fire første av dem er doblet, hvert par er stemt unisont, og bassstrengen er én. Den lange halsen har bånd i samsvar med den kromatiske skalaen for nesten to oktaver og en liten resonator med skinnmembran. Hva tror du de nedoverbuede hornene som kommer fra halsen mot instrumentet betyr? Minner formen deg om et sauehode? Men ok form - for en lyd! Du burde ha hørt lyden av dette instrumentet! Den vibrerer og skjelver selv med sin massive nakke, den fyller hele plassen rundt med lyden sin.

Lytt til lyden av Kashgar rubab. Men rubaben min høres bedre ut, ærlig talt.

Den iranske tjæren har en dobbel uthulet kropp laget av ett enkelt trestykke og en membran laget av fint fiskeskinn. Seks parede strenger: to stålstrenger, etterfulgt av en kombinasjon av stål og tynt kobber, og det neste paret er stemt til en oktav - en tykk kobberstreng er stemt en oktav under det tynne stålet. Den iranske tjæren har tvungne bånd laget av årer.

Hør hvordan den iranske tjæren høres ut.
Den iranske tjæren er stamfaren til flere instrumenter. En av dem er en indisk setar (se - tre, tar - streng), og jeg vil snakke om de to andre nedenfor.

Aserbajdsjansk tjære har ikke seks, men elleve strenger. Seks av det samme som den iranske tjæren, en ekstra bassstreng og fire uspilte strenger som resonerer når de spilles, og legger til ekko til lyden og får lyden til å vare lenger. Tjære og kemancha er kanskje de to hovedinstrumentene i aserbajdsjansk musikk.

Lytt i noen minutter, fra 10:30 eller i det minste fra 13:50. Du har aldri hørt noe slikt og kunne ikke forestille deg at en slik fremføring er mulig på dette instrumentet. Dette spilles av broren til Imamyar Khasanov - Rufat.

Det er en hypotese om at tjæren er stamfaren til den moderne europeiske gitaren.

Nylig, da jeg snakket om den elektriske gryten, bebreidet de meg - de sier, jeg tar ut sjelen fra gryten. Sannsynligvis ble omtrent det samme sagt til en person som for 90 år siden gjettet å sette en pickup på en akustisk gitar. Omtrent tretti år senere ble de beste eksemplene på elektriske gitarer skapt, som forblir standarden frem til i dag. Et tiår senere fulgte Beatles, Rolling Stones og Pink Floyd.
Og all denne fremgangen forstyrret ikke produsentene. akustiske gitarer og klassiske gitarspillere.

Men musikkinstrumenter spredte seg ikke alltid fra øst til vest. For eksempel har trekkspillet blitt uvanlig populært instrument i Aserbajdsjan på 1800-tallet, da de første tyske nybyggerne dukket opp der.

Trekkspillet mitt ble laget av samme mester som laget instrumenter for Aftandil Israfilov. Hør hvordan dette instrumentet høres ut.

Verden av orientalske musikkinstrumenter er stor og mangfoldig. Jeg har ikke engang vist deg en del av samlingen min, som er langt fra komplett. Men jeg må fortelle deg om to instrumenter til.
Et rør med en klokke på toppen kalles en zurna. Og instrumentet under det kalles duduk eller balaban.

Feiringer og bryllup begynner med lyden av zurna i Kaukasus, Tyrkia og Iran.

Her er hvordan et lignende instrument ser ut i Usbekistan.

I Usbekistan og Tadsjikistan kalles zurna surnay. I Sentral-Asia og Iran er de dvelende lydene til et annet instrument, karnay, nødvendigvis lagt til lydene fra surnay og tamburiner. Karnay-surnay er en stabil setning som angir begynnelsen av ferien.

Interessant nok eksisterer et instrument relatert til karnay i Karpatene, og navnet er kjent for mange - trembita.

Og det andre røret, vist på bildet mitt, heter balaban eller duduk. I Tyrkia og Iran kalles dette instrumentet også mey.

Hør hvordan Alikhan Samedov spiller balaban.

Vi skal tilbake til balaban, men foreløpig vil jeg snakke om det jeg så i Beijing.
Så vidt du forstår, samler jeg på musikkinstrumenter. Og så snart jeg hadde en ledig stund under turen til Beijing, dro jeg umiddelbart til musikkinstrumentbutikken. Hva jeg kjøpte selv i denne butikken skal jeg fortelle en annen gang. Og nå som jeg ikke kjøpte og det angrer jeg veldig på.
I vinduet var det et rør med en klokke, designet liknet nøyaktig på en zurna.
- Hvordan heter det? Jeg spurte gjennom en tolk.
- Sona, - svarte de meg.
- Hvor likt "sorna - surnay - zurna" - tenkte jeg høyt. Og oversetteren bekreftet min gjetning:
– Kineserne uttaler ikke bokstaven r midt i et ord.

Du kan lese mer om den kinesiske varianten av zurna
Men du vet, zurna og balaban går hånd i hånd. Designet deres har mye til felles – kanskje det er derfor. Og hva tror du? Ved siden av sona-instrumentet var et annet instrument - guan eller guanji. Slik så det ut:

Slik ser det ut. Gutter, kamerater, herrer, men dette er duduken!
Og når kom han dit? I det åttende århundre. Derfor kan det antas at den kom fra Kina – timingen og geografien er sammenfallende.
Så langt er det bare dokumentert at dette verktøyet spredte seg østover fra Xinjiang. Vel, hvordan spiller de dette instrumentet i moderne Xinjiang?

Se og hør fra 18. sekund! Bare hør på hvilken luksuriøs lyd den uiguriske balamanen har - ja, her heter den akkurat det samme som på det aserbajdsjanske språket (det er en slik uttale av navnet).

Og la oss spise Ytterligere informasjon i uavhengige kilder, for eksempel i det iranske leksikon:
BALABAN
CH. ALBRIGHT
et sylindrisk hull, dobbeltrør blåseinstrument omtrent 35 cm langt med syv fingerhull og ett tommelhull, spilt i det østlige Aserbajdsjan i Iran og i Republikken Aserbajdsjan.

Eller sympatiserer Iranika med aserbajdsjanerne? Vel, TSB sier også at ordet duduk er av tyrkisk opprinnelse.
Bestakk aserbajdsjanere og usbekere kompilatorene?
Vel, vel, du vil definitivt ikke mistenke bulgarerne for sympati for tyrkerne!
på et veldig seriøst bulgarsk nettsted for ordet duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dudyuk (fra tyrkisk düdük), squeaker, svorche, glasnik, tillegg - Naroden darven er et musikkinstrument av typen aerofonitt, halvlukkende rør.
Igjen peker de på den tyrkiske opprinnelsen til ordet og kaller det deres folkeinstrument.
Dette verktøyet er utbredt, som det viste seg, hovedsakelig blant de tyrkiske folkene, eller blant folkene som hadde kontakt med tyrkerne. Og enhver nasjon anser det med rimelighet for å være sin nasjonale, nasjonalt instrument. Men bare én tar æren for opprettelsen.

Tross alt var det bare de late som ikke hørte at "duduk er et eldgammelt armensk instrument." Samtidig hinter de om at duduken ble skapt for tre tusen år siden – altså i en ubeviselig fortid. Men fakta og elementær logikk viser at det ikke er slik.

Gå tilbake til begynnelsen av denne artikkelen og ta en ny titt på musikkinstrumenter. Nesten alle disse instrumentene spilles også i Armenia. Men det er helt klart at alle disse verktøyene dukket opp i mye mer mange nasjoner med en klar og forståelig historie, blant dem levde armenerne. Se for deg et lite folk som lever i dispersjon blant andre folk med egne stater og imperier. Vil et slikt folk lage et komplett sett med musikkinstrumenter for et helt orkester?
Ærlig talt tenkte jeg også: "Ok, det var store og komplekse instrumenter, la oss la dem ligge til side. Men i det minste kunne armenerne komme opp med en pipe?" Og det viser seg at nei, det gjorde de ikke. Hvis de kom på det, ville denne pipen ha et rent armensk navn, og ikke den poetiske og metaforiske tsiranopokh (sjelen til et aprikostre), men noe enklere, mer populært, med én rot, eller helt onomatopoeisk. Så langt peker alle kilder på den turkiske etymologien til navnet på dette musikkinstrumentet, og geografien og distribusjonsdatoene viser at duduken begynte sin distribusjon fra Sentral-Asia.
Vel, la oss ta en antagelse til og si at duduken kom til Xinjiang fra det gamle Armenia. Men hvordan? Hvem brakte ham dit? Hvilke folkeslag migrerte fra Kaukasus til Sentral-Asia ved begynnelsen av det første årtusenet? Det finnes ingen slike nasjoner! Men tyrkerne flyttet stadig fra Sentral-Asia til vest. De kunne godt spre dette verktøyet i Kaukasus, og på territoriet til det moderne Tyrkia og til og med i Bulgaria, som dokumentene indikerer.

Jeg ser for meg enda et argument fra forsvarerne av versjonen av den armenske opprinnelsen til duduken. Som, en ekte duduk lages bare av et aprikostre, som på latin heter Prúnus armeniáca. Men for det første er aprikoser i Sentral-Asia ikke mindre vanlige enn i Kaukasus. Det latinske navnet indikerer ikke at dette treet har spredt seg over hele verden fra området som bærer geografisk navn Armenia. Bare derfra trengte den inn i Europa og ble beskrevet av botanikere for rundt tre hundre år siden. Tvert imot, det er en versjon som aprikosen spredte seg fra Tien Shan, hvorav en del er i Kina, og en del i Sentral-Asia. For det andre viser erfaringen til svært talentfulle mennesker at dette instrumentet til og med kan lages av bambus. Og min favorittbalaban er laget av morbær og høres mye bedre ut enn aprikos, som jeg også har og er laget bare i Armenia.

Hør hvordan jeg lærte å spille dette instrumentet på et par år. Var med på innspillingen Nasjonal kunstner Turkmenske Gasan Mammadov (fiolin) og People's Artist of Ukraine, min landsmann fra Fergana, Enver Izmailov (gitar).

Med alt dette ønsker jeg å hylle den store armenske duduk-utøveren Jivan Gasparyan. Det var denne mannen som gjorde duduken til et instrument kjent over hele verden, takket være hans arbeid oppsto en fantastisk skole for å spille duduk i Armenia.
men snakker Armensk duduk" gjelder bare for spesifikke instrumenter hvis de er laget i Armenia, eller om typen musikk som oppsto takket være J. Gasparyan. Angi Armensk opprinnelse duduk kan bare de menneskene som tillater seg selv udokumenterte påstander.

Vær oppmerksom på at jeg selv ikke angir verken det nøyaktige stedet eller det nøyaktige tidspunktet for dudukens opptreden. Sannsynligvis er det allerede umulig å etablere og prototypen til duduken er eldre enn noen av de levende folkene. Men jeg bygger min hypotese om spredningen av duduk, basert på fakta og elementær logikk. Hvis noen ønsker å protestere mot meg, så vil jeg spørre på forhånd: vær så snill, når du bygger hypoteser, på samme måte, stol på bevisbare og verifiserte fakta fra uavhengige kilder, ikke viker unna logikk og prøv å finne en annen forståelig forklaring for faktaene som er oppført.