Moderne kunst av japansk anime og manga. Exploding Kawaii: Hvordan forstå japansk samtidskunst

En interessant utstilling pågår i Eremitasjen - Moderne kunst Japan "MONO-NO AWARE. Charm of things".

Å si at jeg er en fan av samtidskunst – det kan jeg ikke. Jeg liker det bedre når det er noe å se på (travel grafikk, eller kunst og håndverk, etno er mitt alt). Å beundre skjønnheten i et rent konsept er ikke alltid gøy for meg. (Malevich, beklager! Jeg liker ikke Black Square!)

Men i dag kom jeg til denne utstillingen!

Precious, hvis du er i St. Petersburg, interessert i kunst og ikke har vært der ennå, så vil utstillingen stå til 9. februar! Gå, for det er interessant!

Begreper overbeviser meg litt, som jeg skrev ovenfor. Jeg tenkte på en eller annen måte at i løpet av et år med å besøke moderne utstillinger, virker en eller to gjenstander mest morsomme for meg. Og mange ting berører meg ikke så mye at jeg synes synd på tiden jeg brukte. Men det er i enhver sjanger, i enhver kunst, prosentandelen av forholdet mellom talent og middelmådighet, det er bra om det er én av ti! Men jeg likte denne forestillingen.

Japanske kreasjoner ble plassert i utstillingshallene til generalstaben. Den første installasjonen som møter besøkende er en utrolig labyrint fylt med salt på gulvet. Grått gulv, hvitt salt, utrolig pent merket plass, vevd inn i ett felt. Stor utstillingslokale, og et hvitt ornament spredt over gulvet som en fantastisk loach. Og du forstår hvor midlertidig denne kunsten er. Utstillingen vil stenge, labyrinten vil bli feid bort med en kost. Jeg så en gang filmen "Little Buddha". Og der, i begynnelsen, la en buddhistisk munk ut et komplekst ornament fra farget sand. Og på slutten av filmen gjorde munken en skarp bevegelse med børsten og det titaniske arbeidet forsvant i vinden. Det var, så hopp, og nei. Og det står, sett pris på skjønnheten her og nå, alt er flyktig. Så denne labyrinten av salt, den går i dialog med deg, du begynner å svare på spørsmålene han stiller deg foran. Artisten er Motoi Yamamoto.

Ja Ja! Dette er en så stor labyrint, kjente du skalaen?

Det andre objektet som fascinerer er den enorme kuppelen laget av polyetylen og svart harpiks av Yasuaki Onishi. Uvanlig bestemt plass. På de svarte tynneste ujevne trådene av harpiks henger, litt bevegelige, en kuppel .... eller et fjell med et komplekst relieff. Når du går inn, ser du et broket mønster av prikker - steder hvor harpiksen fester seg. Det er morsomt, som om det svarte regnet stille faller, og du er under kalesjen.

Hvordan oppsto denne teknikken? Morsomt, ikke sant? Men live ser det mer "levende" ut, kuppelen svaier litt av brisen som skapes av forbipasserende besøkende. Og det er en følelse av din interaksjon med objektet. Du kan gå inn i "hulen", se fra innsiden hvordan det er!

Men for ikke å få inntrykk av at alt bare var svart-hvitt, vil jeg legge ut et par flere bilder av komposisjonen, laget av bøyler koblet sammen. Slike fargede morsomme plastkrøller! Og også, du kan gå gjennom dette rommet, inne i bøylene, eller du kan se på alt fra utsiden.

Disse elementene er min favoritt. Selvfølgelig vil snart konseptuell samtidskunst bli annerledes, i samsvar med den nye tiden. Det vil ikke gå tilbake til det gamle, og vil ikke forbli slik det er nå. Det vil endre seg. Men for å forstå hva som var, hvor bekken fosset og hva og hvor den kommer fra, må du vite hva som skjer nå. Og ikke viker det nei, konseptet er ikke noe for meg, men prøv å se det og vurder det. Det er få talenter, som alltid, men de er der. Og hvis utstillingene gir gjenklang, er ikke alt tapt!!!

Kunst og design

3946

01.02.18 09:02

Dagens kunstscene i Japan er veldig mangfoldig og provoserende: ser på arbeidet til mestere fra landet stigende sol Du vil tro at du har landet på en annen planet! Det er hjemsted for innovatører som har endret landskapet i bransjen på global skala. Her er en liste over 10 moderne japanske kunstnere og deres kreasjoner, fra de utrolige skapningene til Takashi Murakami (som feirer bursdagen sin i dag) til det fargerike universet til Kusama.

Fra futuristiske verdener til stiplede konstellasjoner: japanske samtidskunstnere

Takashi Murakami: tradisjonalistisk og klassisk

La oss starte med anledningens helt! Takashi Murakami er en av Japans mest ikoniske samtidskunstnere, som jobber med malerier, storskala skulpturer og mote. Murakamis stil er påvirket av manga og anime. Han er grunnleggeren av Superflat-bevegelsen, som støtter japansk kunstneriske tradisjoner og kultur etter krigen. Murakami promoterte mange av sine samtidige, vi skal også bli kjent med noen av dem i dag. "Subkulturelle" verk av Takashi Murakami presenteres på mote- og kunstmarkedene. Hans provoserende My Lonesome Cowboy (1998) ble solgt i New York på Sotheby's i 2008 for rekordhøye 15,2 millioner dollar. Murakami har samarbeidet med verdenskjente merker Marc Jacobs, Louis Vuitton og Issey Miyake.

Tycho Asima og hennes surrealistiske univers

Et medlem av kunstproduksjonsselskapet Kaikai Kiki og Superflat-bevegelsen (begge grunnlagt av Takashi Murakami), Chiho Ashima er kjent for sine fantasifulle bylandskap og rare popskapninger. Kunstneren skaper surrealistiske drømmer bebodd av demoner, spøkelser, unge skjønnheter avbildet mot et bakteppe av fremmed natur. Arbeidene hennes er vanligvis i stor skala og trykt på papir, lær, plast. I 2006 deltok denne japanske samtidskunstneren i Art on the Underground i London. Hun skapte 17 påfølgende buer for plattformen - det magiske landskapet snudde gradvis fra dag til natt, fra urbant til landlig. Dette miraklet blomstret på Gloucester Road t-banestasjon.

Chiharu Shima og Infinite Threads

En annen kunstner, Chiharu Shiota, jobber med store visuelle installasjoner for spesifikke landemerker. Hun er født i Osaka, men bor nå i Tyskland – i Berlin. Sentrale temaer hennes arbeid er glemsel og minne, drømmer og virkelighet, fortid og nåtid, og også en konfrontasjon av angst. Chiharu Shiotas mest kjente verk er de ugjennomtrengelige nettene av svart tråd som omslutter mange hverdagslige og personlige gjenstander som gamle stoler, en brudekjole, et brent piano. Sommeren 2014 koblet Shiota mer enn 300 sko og støvler donert til henne med tråder av rødt garn og hengte dem på kroker. Chiharus første utstilling i den tyske hovedstaden ble holdt under Berlin Art Week i 2016 og vakte oppsikt.

Hei Arakawa: overalt, ikke hvor som helst

Ei Arakawa er inspirert av tilstander av endring, perioder med ustabilitet, elementer av risiko, og installasjonene hans symboliserer ofte temaene vennskap og teamarbeid. Credoet til den moderne japanske kunstneren er definert av den performative ubestemte "overalt men ingensteds". Kreasjonene hans dukker opp på uventede steder. I 2013 ble Arakawas verk stilt ut på Veneziabiennalen og i utstillingen av japansk samtidskunst på Mori Art Museum (Tokyo). Hawaiian Presence-installasjonen (2014) var et samarbeid med den New York-baserte kunstneren Carissa Rodriguez og omtalt i Whitney-biennalen. Også i 2014 tilbød Arakawa og broren Tomu, som opptrådte som en duett kalt United Brothers, besøkende til Frieze London deres "verk" "The This Soup Taste Ambivalent" med "radioaktive" Fukushima daikon-røtter.

Koki Tanaka: Forhold og repetisjon

I 2015 ble Koki Tanaka kåret til årets artist. Tanaka utforsker den delte opplevelsen av kreativitet og fantasi, oppmuntrer til utveksling mellom prosjektdeltakere og tar til orde for nye regler for samarbeid. Installasjonen hans i den japanske paviljongen på Veneziabiennalen 2013 besto av videoer av gjenstander som gjorde rommet til en plattform for kunstutveksling. Koki Tanakas installasjoner (må ikke forveksles med skuespilleren hans med full navnebror) illustrerer forholdet mellom objekter og handlinger, for eksempel videoopptak av enkle bevegelser utført med vanlige gjenstander (kniv som skjærer grønnsaker, øl som helles i et glass, åpne en paraply) . Ingenting vesentlig skjer, men obsessiv repetisjon og oppmerksomhet til de minste detaljene få seeren til å sette pris på det verdslige.

Mariko Mori og strømlinjeformede former

En annen japansk samtidskunstner, Mariko Mori, "tryller" frem multimediaobjekter, og kombinerer videoer, bilder, objekter. Hun har en minimalistisk futuristisk visjon og slanke, surrealistiske former. Et tilbakevendende tema i Moris arbeid er sammenstillingen av vestlig legende med vestlig kultur. I 2010 grunnla Mariko Fau Foundation, en pedagogisk kultur ideell organisasjon, som hun produserte en serie av sine kunstinstallasjoner for til ære for de seks bebodde kontinentene. Senest ble stiftelsens permanente installasjon, The Ring: One with Nature, heist over en pittoresk foss i Resende nær Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: Syntese av lyd og video

Ryoji Ikeda er en ny mediekunstner og komponist hvis arbeid hovedsakelig er relatert til lyd i forskjellige "rå" tilstander, fra sinusformede lyder til støy som bruker frekvenser på kanten av menneskelig hørsel. Hans fantastiske installasjoner inkluderer datagenererte lyder som visuelt transformeres til videoprojeksjoner eller digitale maler. Ikedas audiovisuelle kunstobjekter bruker skala, lys, skygge, volum, elektroniske lyder og rytme. Kunstnerens berømte testobjekt består av fem projektorer som lyser opp et område som er 28 meter langt og 8 meter bredt. Enheten konverterer data (tekst, lyder, bilder og filmer) til en strekkode og binære mønstre av nuller og enere.

Tatsuo Miyajima og LED-tellere

Samtidens japanske skulptør og installasjonskunstner Tatsuo Miyajima bruker i sin kunst elektriske kretser, video, datamaskiner og andre dingser. Hovedkonseptene til Miyajima er inspirert av humanistiske ideer og buddhistiske læresetninger. LED-tellerne i oppsettet hans blinker kontinuerlig i en repetisjon på 1 til 9, og symboliserer reisen fra liv til død, men unngår endeligheten som er representert med 0 (null vises aldri i Tatsuos arbeid). De allestedsnærværende tallene i rutenett, tårn og diagrammer uttrykker Miyajimas interesse for ideene om kontinuitet, evighet, forbindelse og flyten av tid og rom. For ikke så lenge siden ble Miyajimas Arrow of Time-objekt vist på åpningsutstillingen «Incomplete Thoughts Visible in New York».

Nara Yoshimoto og de onde barna

Nara Yoshimoto lager malerier, skulpturer og tegninger av barn og hunder, motiver som gjenspeiler den barnlige følelsen av kjedsomhet og frustrasjon og den voldsomme uavhengigheten som kommer naturlig for småbarn. Det estetiske i Yoshimotos verk minner om tradisjonelle bokillustrasjoner, en blanding av rastløs spenning og artistens kjærlighet til punkrock. I 2011 var Asian Society Museum i New York vertskap for Yoshitomos første separatutstilling med tittelen "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", som dekker den 20-årige karrieren til en moderne japansk kunstner. Utstillingene var nært forbundet med verdens ungdomssubkulturer, deres fremmedgjøring og protest. .

Yayoi Kusama og rommet som vokser med merkelige former

Slående kreativ biografi Yayoi Kusama varer i syv tiår. I løpet av denne tiden klarte en fantastisk japansk kvinne å studere feltene maleri, grafikk, collage, skulptur, kino, gravering, miljøkunst, installasjon, samt litteratur, mote og klesdesign. Kusama utviklet en svært særegen stil med punktkunst som har blitt hennes varemerke. De illusoriske visjonene som presenteres i verkene til den 88 år gamle Kusama - når verden ser ut til å være dekket av spredende fremmede former - er et resultat av hallusinasjoner hun har opplevd siden barndommen. Rom med fargerike prikker og "endeløse" speil som reflekterer deres ansamlinger er gjenkjennelige, de kan ikke forveksles med noe annet.

Japanerne oppdaget skjønnheten som var skjult i ting på 900-1200-tallet, i Heian-tiden (794-1185) og utpekte den til og med med det spesielle konseptet "mono no aware" (物の哀れ (もののあわれ)), som betyr " trist sjarm av ting. "Tingenes sjarm" er en av de tidligste definisjonene av skjønnhet i japansk litteratur, den er assosiert med Shinto-troen på at hver ting har sin egen guddom - kami - og sin egen unike sjarm. Avare er den indre essensen av ting, det som forårsaker glede, spenning.

- Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Manuell papirfremstilling. Middelalderjapanere verdsatte washi ikke bare for sine praktiske egenskaper, men også for sin skjønnhet. Hun var kjent for sin subtilitet, nesten gjennomsiktighet, som imidlertid ikke fratok henne styrke. Washi er laget av barken til kozo-treet (morbær) og noen andre trær.
Washi-papir har blitt bevart i århundrer, bevis på dette er albumene og bindene med gammel japansk kalligrafi, malerier, skjermer, graveringer som har kommet ned gjennom århundrene til i dag.
Vasyas papir er fibrøst, hvis du ser gjennom et mikroskop, vil du se sprekker som luft og sollys trenger gjennom. Denne kvaliteten brukes i produksjon av skjermer og tradisjonelle japanske lykter.
Washi-suvenirer er veldig populære blant europeere. Mange små og nyttige gjenstander er laget av dette papiret: lommebøker, konvolutter, vifter. De er ganske holdbare, men likevel lette.

- Gohei.
Maskot fra papirstrimler. Gohei - en rituell stab av en shintoprest, som papirsikksakkstrimler er festet til. De samme papirstrimlene henges ved inngangen til en Shinto-helligdom. Papirets rolle i Shinto har tradisjonelt vært veldig stor, og papirprodukter har alltid vært gitt esoterisk betydning. Og troen på at hver ting, hvert fenomen, til og med ord, inneholder en kami - en guddom - forklarer utseendet av denne typen brukskunst som gohei. Shintoismen ligner litt på vår hedenskap. For shintoister er kami spesielt villig til å ta bolig i alt som er utenom det vanlige. For eksempel på papir. Og enda mer i en gohei vridd til en intrikat sikksakk, som i dag henger foran inngangen til Shinto-helligdommene og indikerer tilstedeværelsen av en guddom i templet. Det er 20 måter å brette goheien på, og de som er spesielt uvanlig foldet tiltrekker seg kamien. Gohei er overveiende hvit i fargen, men gull, sølv og mange andre nyanser finnes også. Siden 900-tallet har det vært en skikk i Japan å styrke goheiene på beltene til sumobrytere før kampen starter.

- Anesama.
Dette er produksjon av papirdukker. På 1800-tallet laget samurai-koner papirdukker som barn lekte med, og kledde dem i forskjellige klær. I tider da det ikke var noen leker, var anesama den eneste samtalepartneren for barn, og "utførte" rollen som mor, storesøster, barn og venn.
Dukken er brettet av japansk washi-papir, håret er laget av krøllet papir, farget med blekk og dekket med lim, som gir den en glans. Et særtrekk er en fin liten nese på et langstrakt ansikt. I dag fortsetter denne enkle leken, som ikke krever annet enn dyktige hender, tradisjonell i form, å bli laget på samme måte som før.

- Origami.
Den eldgamle kunsten å brette papir (折り紙, lit.: "foldet papir"). Kunsten å origami har sine røtter i Det gamle Kina der papiret ble oppfunnet. Opprinnelig ble origami brukt i religiøse seremonier. I lang tid denne typen kunst var bare tilgjengelig for representanter for overklassen, der et tegn på god smak var besittelse av papirbrettingsteknikker. Først etter andre verdenskrig gikk origami utover østen og kom til Amerika og Europa, hvor den umiddelbart fant fansen. Klassisk origami er brettet fra et firkantet ark papir.
Det er et visst sett med konvensjonelle symboler som er nødvendige for å skissere foldeskjemaet til selv det mest komplekse produktet. De fleste av de konvensjonelle skiltene ble tatt i bruk på midten av 1900-tallet av den berømte japanske mesteren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami foreskriver bruk av ett firkantet jevnt farget ark uten lim og saks. Samtidskunstformer avviker noen ganger fra denne kanonen.

- Kirigami.
Kirigami er kunsten å kutte ulike former fra et ark papir brettet flere ganger ved hjelp av saks. En type origami som tillater bruk av saks og papirklipp i prosessen med å lage modellen. Dette er hovedforskjellen mellom kirigami og andre papirbrettingsteknikker, som fremheves i navnet: 切る (kiru) - klipp, 紙 (gami) - papir. Vi elsket alle å kutte snøfnugg i barndommen - en variant av kirigami, du kan kutte ikke bare snøfnugg, men også forskjellige figurer, blomster, kranser og andre søte papirting ved å bruke denne teknikken. Disse produktene kan brukes som sjablonger for utskrifter, albumdekorasjoner, postkort, fotorammer, motedesign, interiørdesign og andre forskjellige dekorasjoner.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 eller いけばな) oversatt fra japansk språk- ike" - liv, "bana" - blomster, eller "blomster som lever". Den japanske kunsten å arrangere blomster er en av de vakreste tradisjonene til det japanske folket. Ved kompilering av ikebana, sammen med blomster, brukes avskårne grener, blader og skudd.Det grunnleggende prinsippet er utsøkt enkelhet, for å oppnå som de prøver å understreke naturlig skjønnhet planter. Ikebana er etableringen av en ny naturlig form, der skjønnheten til en blomst og skjønnheten i sjelen til mesteren som skaper komposisjonen er harmonisk kombinert.
I dag er det 4 store ikebana-skoler i Japan: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). I tillegg til dem er det rundt tusen forskjellige retninger og trender som holder seg til en av disse skolene.

- Oribana.
På midten av 1600-tallet gikk to skoler av ohara (hovedformen for ikebana - oribana) og koryu (hovedformen - sek) fra ikenobo. Forresten, ohara-skolen studerer fortsatt bare oribanu. Som japanerne sier, er det veldig viktig at origami ikke blir til origami. Gomi betyr søppel på japansk. Tross alt, som det skjer, brettet du et stykke papir, og hva skal du gjøre med det? Oribana tilbyr mange ideer til buketter for å dekorere interiøret. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Feil.
En type kunst som er født av blomsterbruk. Blomsterhandel dukket opp i landet vårt for åtte år siden, selv om det har eksistert i Japan i mer enn seks hundre år. En gang i middelalderen forsto samurai veien til en kriger. Og oshibana var en del av den veien, akkurat som å skrive hieroglyfer og bruke et sverd. Betydningen av feilen var at i tilstanden av total tilstedeværelse i øyeblikket (satori), skapte mesteren et bilde av tørkede blomster (pressede blomster). Da kunne dette bildet fungere som en nøkkel, en guide for de som var klare til å gå inn i stillheten og oppleve den samme satorien.
Essensen av kunsten "oshibana" er at ved å samle og tørke blomster, urter, blader, bark under press og feste dem på basen, skaper forfatteren ved hjelp av planter et virkelig "maleri". Det er med andre ord feil å male med planter.
Den kunstneriske kreativiteten til blomsterhandlere er basert på bevaring av form, farge og tekstur til tørket plantemateriale. Japanerne har utviklet en teknikk for å beskytte "oshibana"-malerier fra å falme og mørkne. Essensen er at luft pumpes ut mellom glasset og bildet og det skapes et vakuum som hindrer plantene i å bli ødelagt.
Det tiltrekker seg ikke bare ukonvensjonaliteten til denne kunsten, men også muligheten til å vise fantasi, smak, kunnskap om plantenes egenskaper. Blomsterhandlere lager ornamenter, landskap, stilleben, portretter og historiemalerier.

- Bonsai.
Bonsai, som et fenomen, dukket opp for mer enn tusen år siden i Kina, men denne kulturen nådde toppen av utviklingen bare i Japan. (bonsai - japansk 盆栽 lit. "plante i en pott") - kunsten å dyrke eksakt kopi ekte tre i miniatyr. Disse plantene ble dyrket av buddhistiske munker flere århundrer før vår tidsregning og ble deretter en av aktivitetene til den lokale adelen.
Bonsai prydet japanske hjem og hager. I Tokugawa-tiden fikk parkdesign en ny drivkraft: dyrking av asalea og lønn ble et tidsfordriv for de velstående. Dvergvekstproduksjon (hachi-no-ki - "tre i en pott") utviklet seg også, men bonsaiene på den tiden var veldig store.
Nå brukes vanlige trær til bonsai, de blir små på grunn av konstant beskjæring og diverse andre metoder. Samtidig tilsvarer forholdet mellom størrelsene på rotsystemet, begrenset av bollens volum, og den bakkede delen av bonsai proporsjonene til et voksent tre i naturen.

- Mizuhiki.
Macrame analog. Dette er en gammel japansk brukskunst for å knytte forskjellige knuter fra spesielle snorer og lage mønstre fra dem. Slike kunstverk hadde et ekstremt bredt spekter – fra gavekort og brev til frisyrer og håndvesker. For tiden er mizuhiki ekstremt mye brukt i gaveindustrien - for hver begivenhet i livet skal en gave pakkes inn og knyttes på en veldig spesifikk måte. Det er ekstremt mange knuter og komposisjoner i mizuhiki-kunsten, og ikke alle japanere kan dem alle utenat. Selvfølgelig er det de vanligste og enkle knutene som brukes oftest: for gratulasjoner med fødselen av et barn, for et bryllup eller en minnesmerke, en bursdag eller universitetsopptak.

- Kumihimo.
Kumihimo er en japansk flettet ledning. Ved veving av tråder oppnås bånd og blonder. Disse lissene er vevd på spesielle maskiner - Marudai og Takadai. Marudai-maskinen brukes til å veve runde lisser, og Takadai til flate. Kumihimo på japansk betyr "veving av tau" (kumi - veving, bretting sammen, himo - tau, blonder). Til tross for at historikere hardnakket insisterer på at lignende veving kan finnes blant skandinavene og innbyggerne i Andesfjellene, er den japanske kunsten kumihimo faktisk en av de eldste vevingstypene. Den første omtalen av det går tilbake til 550, da buddhismen spredte seg over hele Japan og spesielle seremonier krevde spesielle dekorasjoner. Senere begynte kumihimo-lisser å bli brukt som festemiddel for obi-beltet på en kimono for kvinner, som tau for å "pakke" hele samurai-arsenalet av våpen (samuraier brukte kumihimo til dekorative og funksjonelle formål for å knytte rustningene og hesterustningene deres) og også for å binde tunge gjenstander.
En rekke mønstre av moderne kumihimo veves veldig enkelt på hjemmelagde pappvevstoler.

- Komono.
Hva er det igjen av en kimono etter at den har uttjent sin tid? Tror du det blir kastet? Ingenting som dette! Japanerne vil aldri gjøre det. Kimonoer er dyre. Det er utenkelig og umulig å bare kaste det sånn... Sammen med andre typer kimono-resirkulering laget håndverker små suvenirer av små filler. Dette er små leker for barn, dukker, brosjer, girlandere, damesmykker og andre produkter, den gamle kimonoen brukes til fremstilling av små søte ting, som samlet kalles "komono". Små ting som vil leve eget liv, fortsetter veien til kimonoen. Dette er hva ordet "komono" betyr.

- Kanzashi.
Kunsten å dekorere hårspenner (oftest dekorert med blomster (sommerfugler osv.) laget av stoff (hovedsakelig silke). Japansk kanzashi (kanzashi) er en lang hårnål for en tradisjonell japansk kvinnefrisyre. De var laget av tre, lakk, sølv, skilpaddeskall brukt i tradisjonelle kinesiske og japanske frisyrer.For ca. 400 år siden, i Japan, endret stilen til kvinners frisyrer: kvinner sluttet å gre håret i den tradisjonelle formen - taregami (langt rett hår) og begynte å style det i intrikate og bisarre former - nihongami. brukte forskjellige gjenstander - hårnåler, pinner, kammer.Det var da at selv en enkel kushi-kam blir til et elegant tilbehør av ekstraordinær skjønnhet, som blir et ekte kunstverk.Japanske kvinners tradisjonelle kostyme tillot ikke håndledd smykker og halskjeder, så frisyrer var viktigste skjønnhet og et felt for selvuttrykk - samt demonstrere smaken og tykkelsen på eierens lommebok. På graveringene kan du se - hvis du ser nøye etter - hvordan japanske kvinner lett hengte opp til tjue dyre kanzashi i frisyrene sine.
Det er nå en gjenoppblomstring av tradisjonen med å bruke kanzashi blant unge japanske kvinner som ønsker å legge raffinement og eleganse til frisyrene sine, moderne hårspenner kan utsmykkes med bare en eller to lekre håndlagde blomster.

- Kinusaiga.
En fantastisk type håndarbeid fra Japan. Kinusaiga (絹彩画) er en krysning mellom batikk og lappeteppe. Hovedideen er at nye malerier settes sammen av gamle silkekimonoer – ekte kunstverk.
Først lager kunstneren en skisse på papir. Deretter overføres denne tegningen til en treplate. Konturen av mønsteret skjæres gjennom med riller, eller riller, og deretter kuttes små strimler, matchende i farge og tone, fra den gamle silkekimonoen, og kantene på disse strimlene fyller sporene. Når du ser på et slikt bilde, får du følelsen av at du ser på et fotografi, eller til og med bare ser på landskapet utenfor vinduet, de er så realistiske.

- Temari.
Dette er tradisjonelle japanske geometriske broderte baller laget med enkle sømmer som en gang var et barneleke og nå har blitt en kunstform med mange fans, ikke bare i Japan, men over hele verden. Det antas at for lenge siden ble disse produktene laget av samurai-koner for underholdning. Helt i begynnelsen ble de virkelig brukt som en ball for et ballspill, men gradvis begynte de å tilegne seg kunstneriske elementer, og ble senere til dekorative ornamenter. Den delikate skjønnheten til disse ballene er kjent over hele Japan. Og i dag er fargerike, nøye utformede produkter en av typene folkehåndverk i Japan.

- Yubinuki.
Japanske fingerbøl, når man syr eller broderer for hånd, settes de på den midterste falanxen av langfingeren på den arbeidende hånden, ved hjelp av fingertuppene får nålen ønsket retning, og nålen skyves gjennom ringen på midten fingeren i jobb. Til å begynne med ble japanske yubinuki fingerbøl laget ganske enkelt - en stripe av tett stoff eller lær ca. 1 cm bred i flere lag ble viklet tett rundt fingeren og festet sammen med noen enkle dekorative sømmer. Siden yubinukene var nødvendig emne i hvert hus begynte de å bli dekorert med geometriske broderier med silketråder. Fra sammenfletting av masker ble fargerike og komplekse mønstre skapt. Yubinuki fra en enkel husholdningsgjenstand har også blitt til et objekt for "beundre", dekorasjon av hverdagen.
Yubinuki brukes fortsatt til sying og broderi, men de kan også enkelt brukes på hendene på hvilken som helst finger, som dekorative ringer. Yubinuki-broderi brukes til å dekorere forskjellige gjenstander i form av en ring - serviettringer, armbånd, temari-stativ, dekorert med yubinuki-broderi, og det er også broderte nålesenger i samme stil. Yubinuki-mønstre kan være en stor inspirasjon for temai obi-broderi.

- Suibokuga eller sumie.
Japansk blekkmaleri. Denne kinesiske malestilen ble adoptert av japanske kunstnere på 1300-tallet og på slutten av 1400-tallet. ble hovedstrømmen av maleri i Japan. Suibokuga er monokrom. Det er preget av bruken av svart blekk (sumi), en solid form kull eller laget av sot av kinesisk blekk, som males i en blekkpotte, fortynnes med vann og påføres med en pensel på papir eller silke. Monokrom gir mesteren et uendelig utvalg av tonale alternativer, som kineserne for lenge siden anerkjente som "fargene" på blekk. Suibokuga tillater noen ganger bruk av ekte farger, men begrenser det til tynne, gjennomsiktige strøk som alltid forblir underordnet blekklinjen. Blekkmaleri deler med kalligrafikunsten slike essensielle egenskaper som tett kontrollert uttrykk og teknisk formbeherskelse. Kvaliteten på blekkmaling kommer ned, som i kalligrafi, til integriteten og motstanden mot riving av linjen tegnet i blekk, som så å si holder kunstverket på seg selv, akkurat som bein holder vev på seg selv.

- Etegami.
Tegnede postkort (e - bilde, tagget - brev). Gjør-det-selv postkort er generelt en veldig populær aktivitet i Japan, og før ferien øker populariteten enda mer. Japanerne elsker å sende postkort til vennene sine, og de elsker å motta dem også. Dette er en type hurtigbrev på spesielle emner, det kan sendes med post uten konvolutt. Det er ingen spesielle regler eller teknikker i etegami, alle kan gjøre det uten spesiell trening. Etagami hjelper til med å uttrykke stemningen, inntrykkene nøyaktig, dette er et håndlaget postkort som består av et bilde og et kort brev, som formidler følelsene til avsenderen, for eksempel varme, lidenskap, omsorg, kjærlighet, etc. De sender disse postkortene for høytidene og bare sånn, som viser årstider, aktiviteter, grønnsaker og frukt, mennesker og dyr. Jo enklere dette bildet er tegnet, jo mer interessant ser det ut.

- Furoshiki.
Japansk innpakningsteknikk eller kunsten å brette tøy. Furoshiki kom inn i japanernes liv i lang tid. Gamle ruller fra Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) er bevart med bilder av kvinner som bærer bunter med klær pakket inn i tøy på hodet. Denne interessante teknikken oppsto så tidlig som 710 - 794 e.Kr. i Japan. Ordet "furoshiki" oversettes bokstavelig talt til "badeteppe" og er et firkantet stykke tøy som ble brukt til å pakke inn og bære gjenstander i alle former og størrelser.
I gamle dager var det vanlig å gå i japanske bad (furo) i lette bomullskimonoer, som besøkende hadde med seg hjemmefra. Badegjesten hadde også med seg et spesielt teppe (shiki) som han sto på mens han kledde av seg. Etter å ha skiftet til en "badende" kimono, pakket den besøkende klærne inn i et teppe, og etter badet pakket den inn en våt kimono i et teppe for å bringe den hjem. Dermed har badematten blitt en multifunksjonell veske.
Furoshiki er veldig enkel å bruke: stoffet tar form av gjenstanden du pakker inn, og håndtakene gjør det enkelt å bære lasten. I tillegg får en gave pakket inn i hardt papir, men i et mykt, flerlags stoff en spesiell uttrykksevne. Det er mange ordninger for å brette furoshiki for enhver anledning, hverdagslig eller festlig.

- Amigurumi.
Den japanske kunsten å strikke eller hekle små kosedyr og humanoide skapninger. Amigurumi (編み包み, lett.: «strikket-innpakket») er oftest søte dyr (som bjørner, kaniner, katter, hunder osv.), små menn, men de kan også være livløse gjenstander utstyrt med menneskelige egenskaper. For eksempel cupcakes, hatter, håndvesker og andre. Amigurumi er strikket eller strikket eller heklet. I I det siste Heklet amigurumi har blitt mer populært og mer vanlig.
strikket av garn i en enkel strikkemetode - i en spiral og, i motsetning til den europeiske strikkemetoden, er sirklene vanligvis ikke koblet sammen. De er også heklet på en mindre størrelse i forhold til garntykkelsen for å lage et veldig tett stoff uten hull for at fyllet skal komme ut. Amigurumi er ofte laget av deler og deretter satt sammen, med unntak av noen amigurumi, som ikke har lemmer, men bare har hode og overkropp, som er en helhet. Lemmene er noen ganger fylt med plastbiter for å gi dem levende vekt, mens resten av kroppen er fylt med fiberfyll.
Spredningen av amigurumi-estetikk lettes av deres søthet ("kawaii").

Dagens verden får ofte skylden for åndelig krise, i ødeleggelsen av bånd med tradisjoner, i globaliseringen, uunngåelig å absorbere nasjonale grunnlag. Alt er personlig og depersonalisert på samme tid. Hvis den såkalte klassisk kunst vi kunne dele inn i nasjonale skoler og forestill deg det der italiensk kunst hva er tysk kunst og hva er fransk; så kan vi dele samtidskunst inn i de samme «skolene»?

Som svar på dette spørsmålet vil jeg gjerne presentere japansk samtidskunst for din oppmerksomhet. På en konferanse på Mori Art Museum om temaet internasjonalisme i samtidskunst i fjor, foreslo professor Michio Hayashi ved Universitetet i Tokyo at den populære oppfatningen av "japanskhet" i Vesten ble sementert på 1980-tallet av treenigheten "kitsch". «naturlighet» og «teknologisk raffinement». I dag kan den populære, og spesielt den kommersielt populære samtidskunsten i Japan fortsatt plasseres i denne trekanten. For den vestlige betrakteren forblir den mystisk og original på grunn av de spesifikke egenskapene som bare er iboende i kunsten til Land of the Rising Sun. I august møttes vest og øst på tre kunststeder samtidig: frem til 8. august ble utstillingen «Duality of Existence – Post-Fukushima» holdt på Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), utstillingen «teamLab: Ultra Subjective Space” varte til 15. august er praktisk talt i nærheten (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); og "Arhat Cycle" av Takashi Murakami på Palazzo Reale, i Milano, fortsetter fortsatt å erobre og forbløffe besøkende.

Alle kunstverkene som ble vist ble laget etter 11. mars 2011, da tsunamien rammet Japan. Atomkatastrofen ved atomkraftverket i Fukushima samlet nasjonen, gjorde det nødvendig å revurdere prioriteringer og verdier, og igjen vende tilbake til lenge glemte tradisjoner. Kunst kunne ikke stå til side og presenteres for verden ny type en kunstner fokusert på behovene til den moderne betrakteren, og samtidig hedre det historiske grunnlaget og verdiene.

Takashi Murakami - kommersiell suksessfull artist, som populariserte techno kitsch og skapte et nytt visuelt språk superflat, basert på tradisjonene til japansk nihonga-maleri og spesifikasjonene til anime og manga. Ideologien til hans replikerte skulpturer og opprørende installasjoner var å demonstrere endringen i Japan etter krigen, da forbrukerisme ble utbredt. Men 11. mars 2011 delte livet til Japan inn i «før» og «etter», som to forferdelige dager i august 1945, da atombomber ble sluppet over Hiroshima og Nagasaki. Etter det sterke jordskjelvet, som førte til forferdelige konsekvenser, gikk Murakami inn på veien for å tenke nytt om buddhismen og japansk estetikk, tok et skritt mot å vende tilbake til opprinnelsen og spiritualiteten. Det første verket som startet Arhats-syklusen er 500 Arhats, vist på Takashi Murakamis separatutstilling i Doha, Qatar, i 2012. Returen til buddhistiske temaer forklares av forfatteren som et forsøk på å innse at i denne verden er det ikke bare oss, at det er krefter som er uavhengige av oss, og at vi må forbedre oss hver gang for å slutte å være avhengig av egne ønsker og påvirker. En tett vegg av arhats, som om å beskytte publikum mot de rasende elementene gjennom hele 100 meter av lerretet, innpodet fred og ro i sjelen til alle. Men Murakami begrenset seg ikke til bare ett verk og fortsatte syklusen av malerier, supplerer og utvidet fortellingen, som om han brukte en mangateknikk og fortalte en historie i visuell design. Den andre delen av syklusen ble presentert i galleriet Blum & Poe ( Los Angeles) i 2013. I dag, i Milano, reiser arhatene verden rundt for tredje gang, og sprer ideen om en retur til spiritualitet og forsakelse av lidenskaper. Til tross for instruktiviteten og dybden av mening, er maleriene lett å oppfatte på grunn av den dristige og lyse fargebeslutningen, selve kunstnerisk språk. Manga-elementer brakte dem den nødvendige andelen av popularisering, slik at buddhismens kringkastingsideer lett ble lest og akseptert selv av den uinnvidde offentligheten.

Den neste representanten for moderne japansk maleri kan kalles Kazuki Umezawa, en elev av Murakami, som bringer oss tilbake til spørsmålet om skole og kontinuitet. Han lager digitale gjengivelser av anime-karakterer ved å tegne dem på toppen av klistremerker for å skape ekstra dybde og visuelt kaos. Fra tilfeldige og spredte bilder over hele Internett, konstruerer han collager, bryter bakgrunner, skaper mandalaer som gjenspeiler strukturen og innholdet i fantasien til otaku (anime- og manga-fans). Appellen til det buddhistiske symbolet forsterker den semantiske verdien av den unge kunstnerens verk, og forbinder på den ene siden det hellige og det etablerte i kulturen, på den andre siden, moderne problemstillinger, men igjen med inkluderingen av et spesifikt japansk fenomen - anime.

Takashi Murakami og Kazuki Umezawa balanserer dyktig mellom relevans og tradisjon, kitsch og stil.

Overraskende nok, etter jordskjelvet 11. mars 2011 i Japan, svarte en 16 år gammel gutt som var fanget under ruinene av huset i ni dager og ble reddet, da han ble spurt av en journalist om fremtidsdrømmene hans: «Jeg ønsker å bli kunstner."

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Video (8 min. 18 sek.)

Dobbeltperspektiv: japansk samtidskunst
Kuratorene Elena Yaichnikova og Kenjiro Hosaka

Del en: "Virkelighet/vanlig verden". Moskva museum for moderne kunst, fjell. Moskva, Ermolaevsky-bane, 17
Andre del: "Imaginary World / Fantasy". Moskva museum for moderne kunst, fjell. Moskva, Gogolevsky Boulevard, 10

Moscow Museum of Modern Art, sammen med Japan Foundation, presenterer utstillingen "Double Perspective: Japanese Contemporary Art", designet for å gjøre allmennheten kjent med japanske samtidskunstnere.
Dobbeltperspektiv er to kuratorer fra forskjellige land, to steder av museet og en todelt struktur av prosjektet. Kuratert av Elena Yaichnikova og Kenjiro Hosaka, samler utstillingen verkene til mer enn 30 kunstnere i ulike stiler som har arbeidet fra 1970-tallet til i dag. Prosjektet består av to deler - "The Real World / Everyday Life" og "Imaginary World / Fantasies" - som ligger på museumsområdet ved 17 Ermolaevsky Lane og 10 Gogolevsky Boulevard.

Del én: "Virkelighet/vanlig verden"

Den første delen av utstillingen "The Real World/Everyday Life" presenterer japanske kunstneres syn på verden rundt oss gjennom en appell til verdenshistorien på 1900-tallet (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa og Yuken Teruya), refleksjoner over enhet Moderne samfunn(Dumb Type og Tadasu Takamine), interaksjon med byrommet (kontakt Gonzo og ChimPom) og søken etter poesi i hverdagen (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi og Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura i serien med videoverk "Requiem" reinkarnerer i ulike historiske karakterer: Chaplin, forfatter Yukio Mishima og til og med Lenin – og gjenskaper episoder fra livene deres. En annen prosjektdeltaker, Tetsuya Umeda, lager installasjoner fra improviserte virkemidler, vanlige ting – dermed blir den mest banale hverdagen kunst. Utstillingen vil vise verk av Yoko Ono – den berømte «Cut Piece» i versjonen av 1965 og 2003 og lydinstallasjonen «Cough Piece» (1961). Utstillingen vil presentere verkene til Kishio Suga, en av de sentrale representantene for Mono-Ha-bevegelsen (Mono-Ha, oversatt som "Tingenes skole"), som tilbød et japansk alternativ til vestlig modernisme. Bildedelen vil presentere arbeidet til Toshio Shibata, Takashi Homma og Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "I'm here but nowhere", 2000. Mixed media. Installasjon ved Maison de la culture du Japon, Paris.
Forfatterens samling

Verkene som utgjør den andre delen av prosjektet vil presentere publikum for en fri, imaginær verden der det er alt vi ikke er i stand til å se i det virkelige liv, alt som er utenfor dets grenser. Verkene til kunstnerne i denne delen av utstillingen refererer til japansk popkultur, fantasiens verden, naiviteten, myter og refleksjoner over verdens kosmogoniske struktur. Hver utstillingsdeltaker legger sin egen mening inn i begrepet "fantasi". Det gjør altså kunstneren Tadanori Yokoo, i sitt forhold til fantasiverdenen hovedtema av hans verk forsvinning, eller rettere sagt "selv-forsvinning". Et lignende motiv kan spores i arbeidet til Yayoi Kusama: ved å projisere fantasiene sine ut i virkeligheten, skaper hun en verden full av bisarre mønstre. Den gigantiske skulpturen «Child of the Sun» (2011) av Kenji Yanobe ble skapt på et forferdelig tidspunkt da det var en eksplosjon ved atomkraftverket Fukushima-1. Hans monumentale objekt blir et skjæringspunkt mellom fantasier. Kunstneren forstår at opplevelsen som oppleves på grensen til det virkelige vil bli en drivkraft for skapelsen av en ny verden. Imaginary World/Fantasy-delen inneholder også verk av Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa og mange flere.
Noen av verkene er laget spesielt for utstillingen. Kunstneren Yoshinori Niva kom til Moskva for sitt prosjekt "Vladimir Lenin er ønsket i Moskva-leiligheter" (2012) for å finne gjenstander relatert til revolusjonærens personlighet i leilighetene til Moscovites. Arbeidet hans er en videodokumentasjon av hans søk og reiser rundt i Moskva. Kunstneren Tetsuya Umeda, hvis arbeid vil bli presentert samtidig på to arenaer, kommer til Moskva for å realisere sine installasjoner på stedet.
Disse to, ved første øyekast, uforlignelige delene av utstillingen er designet for å vise de to polene til japansk kunst, som i realiteten viser seg å være uatskillelige fra hverandre.
Innenfor rammen av utstillingen er det også planlagt å holde åpne mesterklasser og kreative møter med prosjektdeltakere. Det blir foredrag av den japanske kuratoren Kenjiro Hosaka og kunstneren Kenji Yanobe. For Russland presenterer denne utstillingen for første gang japansk samtidskunst i en slik skala.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166,5 x 100 cm. Akryl på lerret
Foto: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Space of Separation", 1975. Grener og betongblokker. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Solens barn", 2011. Glassfiber, stål, neon osv. 620 x 444 x 263 cm. Installasjon i minneparken Ezpo"70
Foto: Thomas Swab