"Ideelle byer" fra renessansen. Tekniske mulighetsstudier

Etter fullføringen av hovedbyggearbeidet i Versailles, på begynnelsen av 1600- og 1700-tallet, lanserte Andre Le Nôtre aktivt arbeid for ombyggingen av Paris. Han la opp utformingen av Tuileries-parken, og festet tydelig sentralaksen på fortsettelsen av lengdeaksen til Louvre-ensemblet. Etter Le Nôtre ble Louvre endelig gjenoppbygd og Place de la Concorde ble opprettet. Hovedaksen i Paris ga en helt annen tolkning av byen, og møtte kravene til storhet, storhet og pomp. Sammensetningen av åpne byrom og systemet med arkitektonisk utformede gater og torg ble den avgjørende faktoren i planleggingen av Paris. Klarheten i det geometriske mønsteret av gater og plasser knyttet til en helhet vil i mange år bli et kriterium for å vurdere byplanens perfeksjon og byplanleggerens dyktighet. Mange byer rundt om i verden vil i ettertid oppleve innflytelsen fra den klassiske parisiske modellen.

En ny forståelse av byen som objekt for arkitektonisk innflytelse på mennesker kommer tydelig til uttrykk i arbeidet med urbane ensembler. I prosessen med konstruksjonen ble de viktigste og grunnleggende prinsippene for klassisismens byplanlegging skissert - fri utvikling i rommet og en organisk forbindelse med miljøet. For å overvinne kaoset i byutvikling, søkte arkitekter å lage ensembler designet for fri og uhindret utsikt.

Renessansens drømmer om å skape " ideell by"ble legemliggjort i dannelsen av en ny type torg, hvis grenser ikke lenger var fasadene til visse bygninger, men rommet til tilstøtende gater og blokker, parker eller hager, og elvevollen. Arkitektur streber etter å koble sammen i en viss ensemble enhet, ikke bare bygninger direkte ved siden av hverandre, men også svært fjerne punkter i byen.

Andre halvdel av 1700-tallet. og den første tredjedelen av 1800-tallet. i Frankrike markerer et nytt stadium i utviklingen av klassisismen og dens spredning i europeiske land - nyklassisisme. Etter den store den franske revolusjon og den patriotiske krigen i 1812 dukket nye prioriteringer opp i byplanlegging, i tråd med deres tidsånd. De fant sitt mest levende uttrykk i Empire-stilen. Det var preget av følgende trekk: seremoniell patos av keiserlig storhet, monumentalitet, appell til kunsten til det keiserlige Roma og det gamle Egypt, bruken av romerske attributter militær historie som de viktigste dekorative motivene.

Essensen av den nye kunstneriske stilen ble veldig nøyaktig formidlet i de betydningsfulle ordene til Napoleon Bonaparte:

"Jeg elsker kraft, men som artist ... elsker jeg det å trekke ut lyder, akkorder, harmoni fra det."

Empire stil ble personifiseringen av Napoleons politiske makt og militære herlighet, og fungerte som en unik manifestasjon av hans kult. Den nye ideologien samsvarte fullt ut med den nye tidens politiske interesser og kunstneriske smak. Store arkitektoniske ensembler av åpne torg, brede gater og veier ble skapt overalt, broer, monumenter og offentlige bygninger ble reist, som demonstrerte den keiserlige storheten og makten.

Austerlitz-broen minnet for eksempel Napoleons store slag og ble bygget av Bastille-steiner. På Place Carrousel ble bygget triumfbue til ære for seieren på Austerlitz. To firkanter (Concord og Stars), som ligger i betydelig avstand fra hverandre, var forbundet med arkitektoniske perspektiver.

Saint Genevieve kirke, reist av J. J. Soufflot, ble Pantheon - hvilestedet for det store folket i Frankrike. Et av datidens mest spektakulære monumenter er kolonnen til Grand Army på Place Vendôme. Sammenlignet med den gamle romerske søylen til Trajan, var den ment, i henhold til planene til arkitektene J. Gondoin og J. B. Leper, å uttrykke ånden i Det nye imperiet og Napoleons storhetstørst.

I den lyse interiørdekorasjonen av palasser og offentlige bygninger ble høytidelighet og staselig prakt verdsatt spesielt høyt; dekorasjonen deres var ofte overlesset med militærutstyr. De dominerende motivene var kontrasterende kombinasjoner av farger, elementer av romerske og egyptiske ornamenter: ørner, griffiner, urner, kranser, fakler, grotesker. Empirestilen manifesterte seg tydeligst i interiøret i de keiserlige boligene til Louvre og Malmaison.

Tiden til Napoleon Bonaparte tok slutt i 1815, og veldig snart begynte de aktivt å utrydde ideologien og smaken. Fra imperiet «forsvunnet som en drøm» var det kun kunstverk i Empire-stilen som gjensto, som tydelig demonstrerte dets tidligere storhet.

Spørsmål og oppgaver

1.Hvorfor kan Versailles betraktes som et fremragende verk?

Hvordan byplanleggingsideene til 1700-tallets klassisisme funnet sin praktiske legemliggjøring i de arkitektoniske ensemblene i Paris, for eksempel Place de la Concorde? Hva skiller den fra de italienske barokkplassene i Roma på 1600-tallet, som Piazza del Popolo (se s. 74)?

2. Hva er uttrykket for sammenhengen mellom barokk og klassisisme arkitektur? Hvilke ideer arvet klassisismen fra barokken?

3. Hva er den historiske bakgrunnen for fremveksten av Empire-stilen? Hvilke nye ideer fra sin tid strebet han etter å uttrykke i kunstverk? Hvilke kunstneriske prinsipper støtter han seg på?

Kreativt verksted

1. Gi klassekameratene dine en korrespondanseomvisning i Versailles. For å forberede det kan du bruke videomateriale fra Internett. Parkene i Versailles og Peterhof sammenlignes ofte. Hva tror du er grunnlaget for slike sammenligninger?

2. Prøv å sammenligne bildet av renessansens "ideelle by" med de klassiske ensemblene i Paris (St. Petersburg eller dens forsteder).

3. Sammenlign utformingen av interiørdekorasjonen (interiøret) til galleriet til Francis I i Fontainebleau og speilgalleriet i Versailles.

4. Bli kjent med maleriene til den russiske kunstneren A. N. Benois (1870-1960) fra serien «Versailles. Kongens vandring» (se s. 74). Hvordan formidler de den generelle atmosfæren i hofflivet til den franske kongen Ludvig XIV? Hvorfor kan de betraktes som unike malerier-symboler?

Emner for prosjekter, sammendrag eller meldinger

"Dannelse av klassisisme i fransk arkitektur på 1600- og 1700-tallet"; "Versailles som en modell for harmoni og skjønnhet i verden"; "En spasertur gjennom Versailles: forbindelsen mellom sammensetningen av palasset og utformingen av parken"; "Mesterverk av vesteuropeisk klassisismearkitektur"; "Napoleonsriket i Frankrikes arkitektur"; "Versailles og Peterhof: opplevelse komparative egenskaper"; "Kunstneriske funn i de arkitektoniske ensemblene i Paris"; "Paris torgene og utviklingen av prinsippene for vanlig byplanlegging"; "Klarhet i sammensetning og balanse av volumer av katedralen til Invalides i Paris"; "Place de la Concorde - et nytt stadium i utviklingen av byplanleggingsideer om klassisisme"; "Den harde uttrykksfullheten til bindene og den sparsomme dekoren til Church of Saint Genevieve (Pantheon) av J. Soufflot"; "Funksjoner av klassisisme i arkitekturen til vesteuropeiske land"; "Fremragende arkitekter for vesteuropeisk klassisisme."

Bøker for videre lesning

Arkin D. E. Bilder av arkitektur og bilder av skulptur. M., 1990. Kantor A. M. et al. Kunst fra 1700-tallet. M., 1977. (Liten kunsthistorie).

Klassisisme og romantikk: Arkitektur. Skulptur. Maleri. Tegning / utg. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E. F. Art of France på 1700-tallet. L., 1971.

LenotreJ. Hverdagen Versailles under kongene. M., 2003.

Miretskaya N.V., Miretskaya E.V., Shakirova I.P. Opplysningstidens kultur. M., 1996.

Watkin D. Historien om vesteuropeisk arkitektur. M., 1999. Fedotova E.D. Napoleons Empire stil. M., 2008.

Renessansens historie begynner i Denne perioden kalles også renessansen. Renessansen endret seg til kultur og ble forløperen til New Age-kulturen. Og renessansen endte på 1500- og 1600-tallet, siden den i hver stat har sin egen start- og sluttdato.

Litt generell informasjon

Representanter for renessansen er Francesco Petrarca og Giovanni Boccaccio. De ble de første dikterne som begynte å uttrykke sublime bilder og tanker på et åpent, vanlig språk. Denne innovasjonen ble mottatt med et brak og spredt i andre land.

Renessanse og kunst

Det særegne ved renessansen er at menneskekroppen ble hovedkilden til inspirasjon og studieemne for kunstnere på denne tiden. Dermed ble det lagt vekt på likheten mellom skulptur og maleri med virkeligheten. Hovedtrekkene i renessansetidens kunst inkluderer utstråling, raffinert bruk av børsten, skygge- og lysspillet, omsorg i arbeidsprosessen og komplekse komposisjoner. For renessansekunstnere var hovedbildene fra Bibelen og myter.

Likheten til en ekte person med bildet hans på et bestemt lerret var så nært at den fiktive karakteren virket levende. Dette kan ikke sies om kunsten fra det tjuende århundre.

Renessansen (dens hovedtrender er kort skissert ovenfor) oppfattet menneskekroppen som en endeløs begynnelse. Forskere og kunstnere forbedret jevnlig sine ferdigheter og kunnskaper ved å studere kroppene til enkeltpersoner. Den rådende oppfatningen da var at mennesket ble skapt i Guds likhet og bilde. Denne uttalelsen reflekterte fysisk perfeksjon. De viktigste og viktige gjenstandene for renessansekunsten var gudene.

Naturen og skjønnheten til menneskekroppen

Renessansekunst ga naturen stor oppmerksomhet. Et karakteristisk element i landskapene var variert og frodig vegetasjon. Den blåfargede himmelen, gjennomsyret av solstrålene som penetrerte de hvite skyene, ga et praktfullt bakteppe for de flytende skapningene. Renessansekunsten æret skjønnheten i menneskekroppen. Denne funksjonen ble manifestert i de raffinerte elementene i musklene og kroppen. Vanskelige positurer, ansiktsuttrykk og gester, en harmonisk og klar fargepalett er karakteristisk for arbeidet til skulptører og skulptører fra renessansen. Disse inkluderer Titian, Leonardo da Vinci, Rembrandt og andre.

Problemet med å skape en ideell by, til tross for dens relevans i dag, ble spesielt akutt i den fjerne epoken av renessansen (XIV - XVI århundrer). Dette temaet, gjennom prismet til antroposentrismens filosofi, blir ledende innen byplanleggingskunsten i denne perioden. Mennesket med sine behov for lykke, kjærlighet, luksus, komfort, bekvemmelighet, med sine tanker og ideer, blir datidens målestokk, et symbol på den gjenopplivende eldgamle ånden, kalt til å forherlige denne mannen med stor M. Han oppmuntrer renessansens kreative tanke til å søke etter unike, noen ganger utopiske, arkitektoniske og filosofiske løsninger på problemet med dannelsen av en by. Den siste begynner å spille ny rolle, det oppfattes som et lukket, integrert sammenhengende rom, inngjerdet og forskjellig fra naturen, der hele livet til en person finner sted.

I dette rommet måtte både de fysiske og estetiske behovene og ønskene til en person tas fullt ut i betraktning, og slike aspekter ved menneskelig opphold i byen som komfort og sikkerhet måtte tenkes fullt ut. Nye skytevåpen gjorde middelalderske steinfestninger forsvarsløse. Dette forutbestemte for eksempel utseendet til vegger med jordbastioner langs omkretsen av byer og bestemte den tilsynelatende bisarre stjerneformede formen til linjen av byfestningsverk. En generell vekkelsestanke om den "ideelle byen" blir dannet - byen som er den mest praktiske og trygge for å leve. Kort sagt, slike trender er ikke fremmede for den moderne arkitekten, men renessansen markerte da en ny grense, et nytt pust i skaperens tenkning, og etablerte visse ukjente. tidligere kriterier, standarder og stereotypier, hvis konsekvenser merkes i jakten på en ideell by i dag.

De første studiene på denne måten ble utført av Marcus Vitruvius (andre halvdel av det 1. århundre f.Kr.), en arkitekt og ingeniør i hæren til Julius Caesar - i sin avhandling "Ti bøker om arkitektur" stilte Vitruvius problemet med den gyldne middelvei. mellom teori og praksis, beskrev de grunnleggende begrepene om estetikk, proporsjonaliteten til en bygning og en person, og for første gang i historien studerte problemet med musikalsk akustikk av lokaler.

Vitruvius selv etterlot seg ikke et bilde av den ideelle byen, men mange forskere og etterfølgere av ideene hans gjorde det, som, som det ofte er nevnt, selve renessansen begynte.

Men diskusjoner om den ideelle byen og dens konsepter har sin opprinnelse i avhandlingene til antikke greske filosofer - så for et sekund er det verdt å vende seg til en epoke noe tidligere enn den vi vurderer - til antikken.

Sforzinda - typiske hus til arkitekten. Filarete (tegning av Leonardo da Vinci)

Den flere hundre år lange prosessen med å bygge bystater i hovedstaden i det antikke Hellas, Athen, ble oppsummert i verkene til to av antikkens største filosofer: Platon (428 - 348 f.Kr.) og Aristoteles (384 - 322 f.Kr.).

Dermed var den idealistiske filosofen Platon, knyttet til sin tids aristokratiske kretser, en tilhenger av strengt regulerte statlig system, det er ikke for ingenting at han skrev en historie om det mytiske landet Atlantis, styrt av en konge og archons. I Platons tolkning var Atlantis den historiske prototypen på den ideelle bystaten som han diskuterte i verkene «Staten» og «Lavene».

Tilbake til renessansen, la oss snakke om Leone Baptiste Alberti - den første sanne byplanleggingsteoretikeren i menneskehetens historie, som beskriver i detalj "hvordan lage en by," fra valg av sted og slutter med dens interne struktur. Alberti skrev at "skjønnhet er en strengt proporsjonal harmoni av alle deler, forent av det de tilhører, slik at ingenting kan legges til, trekkes fra eller endres uten å gjøre det verre." Faktisk var Alberti den første som forkynte de grunnleggende prinsippene for renessansens urbane ensemble, og koblet den eldgamle følelsen av proporsjoner med det rasjonalistiske prinsippet ny æra. Et gitt forhold mellom bygningens høyde og plassen foran den (fra 1:3 til 1:6), konsistensen av de arkitektoniske skalaene til hoved- og sekundærbygningene, balansen i sammensetningen og fraværet av dissonante kontraster - dette er de estetiske prinsippene til byplanleggere fra renessansen.

Alberti, i sin avhandling "Ti bøker om arkitektur," maler en ideell by, vakker i sin rasjonelle utforming og utseende av bygninger, gater og torg. Hele livsmiljøet til en person er her tilrettelagt slik at det møter behovene til individet, familien og samfunnet som helhet.

Bernardo Gambarelli (Rosselino), etter å ha plukket opp allerede eksisterende ideer, gir sitt bidrag til utviklingen av visjonen om en ideell by, hvis resultat var byen Pienza (1459), som faktisk eksisterer til i dag, med elementer av mange prosjekter som ble stående på papiret eller i kreative verk.skapernes intensjoner. Denne byen er et tydelig eksempel transformerer middelalderbosetningen Corsignano til en ideell renessanseby med rette gater og en vanlig planløsning.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (ca. 1400 - ca. 1469) gir i sin avhandling en idé om den ideelle byen Sforzinda.

Byen var en åttekantet stjerne i plan, dannet av skjæringspunktet i en vinkel på 45° av to like firkanter med en side på 3,5 km. Det var åtte runde tårn i stjernens fremspring, og åtte byporter i "lommene". Portene og tårnene var forbundet med sentrum med radielle gater, hvorav noen var fraktkanaler. I den sentrale delen av byen, på en høyde, var det et hovedtorg, rektangulært i plan, på kortsidene som det skulle ha vært et fyrstepalass og bykatedralen, og på langsidene - rettslige og byinstitusjoner .

I midten av torget var det en dam og et vakttårn. Ved siden av hovedtorget lå to andre, med hus til de mest fremtredende innbyggerne i byen. I skjæringspunktet mellom de radiale gatene og ringveien var det seksten plasser til: åtte handleområder og åtte for menighetssentre og kirker.

Pienza var ikke den eneste byen i Italia som legemliggjorde prinsippene for en "ideell" layout. Italia selv på den tiden var ikke en enhetlig stat slik vi kjenner den nå, den besto av mange separate uavhengige republikker og hertugdømmer. Hver slik region ble ledet av en adelig familie. Selvfølgelig ønsket hver hersker å ha i sin stat en modell av en "ideell" by, som ville tillate ham å bli betraktet som en utdannet og avansert renessanseperson. Derfor, i 1492, bestemte representanten for d'Este-dynastiet, hertug Ercole I, seg for å gjenoppbygge en av hovedbyene i hertugdømmet hans - Ferrara.

Gjenoppbyggingen ble betrodd arkitekten Biagio Rossetti. Han ble preget av sin bredde av synspunkter, så vel som hans kjærlighet til innovasjon, som var tydelig i nesten alle verkene hans. Han studerte den gamle utformingen av byen grundig og kom frem til en interessant løsning. Hvis før ham arkitekter enten revet gamle bygninger eller bygget fra bunnen av, bestemte Biagio seg for å bygge en ny by på toppen av den gamle. Dermed legemliggjorde han samtidig konseptet om en renessanseby med sine rette gater og åpne plasser og la vekt på middelalderbyens integritet og selvforsyning. Den viktigste nyvinningen til arkitekten var en annen bruk av rom. Han overholdt ikke alle lovene i vanlig byplanlegging, som krevde åpne torg og brede gater. I stedet, siden middelalderdelen av byen ble forlatt intakt, spiller Biagio på motsetninger: han veksler hovedveier med trange gater, lyse torg med mørke blindveier, store hertughus med lave hus til vanlige innbyggere. Dessuten motsier ikke disse elementene hverandre i det hele tatt: det omvendte perspektivet er kombinert med det direkte, og de løpende linjene og økende volumene motsier ikke hverandre.

Den venetianske lærde og arkitekturekspert Daniele Barbaro (1514-1570) viet mesteparten av livet sitt til studiet av Vitruvius' avhandling, som resulterte i boken hans med tittelen "Ten Books on the Architecture of Vitruvius with a Commentary av Daniele Barbaro," skrevet i 1556 I denne boken reflekterte holdningen til gammel arkitektur, ikke bare til forfatteren selv, men også til de fleste arkitekter på 1500-tallet. Gjennom hele livet studerte Daniele Barbaro avhandlingen grundig og prøvde å gjenskape et diagram over ideelle byer, som ville gjenspeile ideene til Vetruvius og hans egne konsepter som komplementerte hans visjon.

Noe tidligere publiserte renessansearkitekten Cesare Cesarino sine kommentarer til de ti bøkene om arkitektur i 1521 med en rekke illustrasjoner, inkludert teoretiske diagrammer av en ideell by.

Blant de mange lignende teoretikere på 1500-tallet. Andrea Palladio (1508-1580) inntok en spesiell plass. I sin avhandling "Fire bøker om arkitektur" (italiensk: Quattro Libri deHArchitettura), utgitt i 1570, tildelte ikke Palladio en spesiell seksjon om byen, men hele arbeidet hans var i hovedsak viet til dette emnet. Han sa at "en by er ikke noe mer enn en viss stort hus, og tilbake er huset en slags liten by.»

Ved å sidestille et bolighus med en by, understreket Palladio dermed integriteten til den urbane organismen og sammenhengen mellom dens romlige elementer. Han reflekterer over integriteten til den urbane organismen og sammenkoblingen av dens romlige elementer. Han skriver om det urbane ensemblet: "Skjønnhet er resultatet av en vakker form og korrespondanse mellom helheten og delene, delene til hverandre, og også delene til helheten." En fremtredende plass i avhandlingen er gitt til det indre av bygninger, deres dimensjoner og proporsjoner. Palladio prøver å organisk koble det ytre rommet til gater med interiøret i hus og gårdsrom.

På slutten av 1500-tallet. Under beleiringen av byer begynte man å bruke artillerivåpen med eksplosive granater. Dette tvang byplanleggere til å revurdere naturen til byfestningsverk. Festningsmurene og tårnene ble erstattet av jordbastioner, som etter å ha blitt flyttet fremover utover bygrensene, var i stand til både å avvise fiendtlige angrep og føre flankerende ild mot fienden som nærmet seg byen. På bakgrunn av dette var det ikke lenger behov for å beskytte byportene, som fra nå av gikk fra kraftige defensive knutepunkter til hovedinngangene til byen. Disse innovasjonene i form av en rekke stjerneformede bisarre former ble reflektert i prosjektene til ideelle byer av Buonaiuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di Giorgio Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle, Jacques Perret, Albrecht Durer, Vicenzo Scamozzi, Giorgio Vasari Jr. og så videre.

Og kulminasjonen av befestningsarkitekturen fra renessansen kan med rette betraktes som den befestede byen Palmanova, hvis plan, i henhold til planen til arkitekten Vicenzo Scamozzi, har form av en ni-sidet stjerne, og gatene stråler ut fra torget som ligger i sentrum. Byområdet var omgitt av tolv bastioner, som hver var designet for å beskytte sine naboer, og hadde fire byporter, hvorfra det var to hovedgater som krysset hverandre i rette vinkler. I skjæringspunktet deres var hovedtorget, oversett av palasset, katedralen, universitetet og byens institusjoner. To handelsområder grenset til hovedtorget fra vest og øst, i nord var det et bytteområde, og i sør var det et område for handel med høy og ved. Byens territorium ble krysset av en elv, og åtte sognekirker lå nærmere periferien. Byplanen var vanlig. Festningen var omgitt av en vollgrav.

I renessansens ingeniørmiljø ble spørsmål om komposisjon, harmoni, skjønnhet og proporsjoner flittig studert. I disse ideelle konstruksjonene er byutformingen preget av rasjonalisme, geometrisk klarhet, sentrisitet i komposisjon og harmoni mellom helhet og deler. Og til slutt, det som skiller renessansearkitektur fra andre tidsepoker er mannen som står i sentrum, i hjertet av alle disse konstruksjonene. Eksempler inkluderer mange flere navn og bynavn. Overlevde Urbino med det grandiose hertugpalasset, en "by i form av et palazzo" skapt av arkitekten Luciano Laurana for hertug Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("Solens by"), Vigevano i Lombardia, Valletta (hovedstaden på Malta). ). Når det gjelder sistnevnte, vokste denne majestetiske befestede byen opp på de vannløse bratte klippene på Mount Sciberras-halvøya, som reiser seg mellom de to dype havnene Marsamxett og Grand Harbour. Valletta ble grunnlagt i 1566 og ble fullstendig bygget, sammen med sine imponerende bastioner, forter og katedral, i løpet av en forbløffende kort periode på 15 år.

De generelle ideene og konseptene fra renessansen strømmet langt utover begynnelsen av 1600-tallet og sprutet ut i en stormfull strøm, og dekket etterfølgende generasjoner av arkitekter og skikkelser innen ingeniørtanke.

Selv i eksemplet med mange moderne arkitektoniske prosjekter kan man se innflytelsen fra renessansen, som over flere århundrer ikke har mistet ideen om menneskelighet og forrangen til menneskelig komfort. Enkelhet, bekvemmelighet, "tilgjengelighet" av byen for innbyggere i alle slags variable enheter kan finnes i mange verk, og etter hver på sin egen vei, gikk arkitekter og forskere, alle som en, fortsatt langs den allerede asfalterte veien ved Renessansemestere.

Artikkelen undersøkte ikke alle eksemplene på "ideelle byer", hvis opprinnelse går tilbake til oss fra dypet av den fantastiske renessansen - i noen er det lagt vekt på bekvemmeligheten og ergonomien ved å være sivil, i andre på det maksimale effektiviteten av defensive handlinger; men i alle eksempler observerer vi et utrettelig ønske om forbedring, for å oppnå resultater ser vi trygge skritt mot en persons bekvemmelighet og komfort. Ideene, konseptene og, til dels, ambisjonene fra renessansen strømmet langt utover begynnelsen av 1600-tallet og sprutet ut i en stormfull strøm, og dekket etterfølgende generasjoner av arkitekter og skikkelser innen ingeniørtanke.

Og eksemplet med moderne arkitekter viser tydelig innflytelsen fra konseptene til renessansefigurene, noe modifisert, men uten å miste ideen om menneskelighet og forrangen til menneskelig komfort i byplanleggingsprosjekter. Enkelhet, bekvemmelighet, "tilgjengelighet" av byen for innbyggere i alle slags variable enheter kan finnes i mange andre arbeider, implementert og på ingen måte forblir på papiret. Etter hver sin vei gikk arkitekter og forskere, alle som én, likevel langs den allerede asfalterte veien av renessansens mestere, etter det udødelig relevante og forlokkende lyset fra ideen om gjenfødelse, gjenfødelsen av mennesket. sjel, og hovedtrinnene i denne retningen ble tatt i det fjerne XIV århundre.

Konseptene om renessansens ideelle by, på tross av all deres utopisme og umulighet fra menneskets pragmatiske synspunkt, langt mindre et moderne, opphører ikke helt i sin prakt, eller i det minste delvis, ettersom elementer med jevne mellomrom kryper inn i verk av romantiske arkitekter, streber ikke så mye etter perfeksjon i deres vanskelige kreative håndverk, hvor mye til perfeksjon i et medium mer komplekst og uforutsigbart enn pergament og perspektiv - til den uoppnåelige perfeksjon av den menneskelige sjel og bevissthet.

Palmanova - katedralen

I løpet av renessansen ble det gradvis dannet en holdning blant arkitekter til en struktur som del av en helhet, som må kunne forholde seg til det omkringliggende rommet, og kunne finne en kontrasterende, gjensidig fordelaktig kombinasjon av ulike strukturer. Byplanleggingskulturen fra renessansen tok form gradvis og i forskjellige ensembler - på San Marco-plassen i Venezia, i ensemblet til arkitektens Educational House of the Silkworm Workshop. Brunelleschi et al. Veldig viktig spilte ut bruken av arkader og søyleganger langs gatene, noe som ga byutviklingen merkbare samfunnstrekk (Uffizi Street i Firenze av arkitekten Vasari).

Et betydelig bidrag til dannelsen av eksempler på et arkitektonisk ensemble erCapitol Square i Roma,designet av Michelangelo. Åpningen av torget til byen og samtidig underordnet torgets plass til hovedbygningen er en ny funksjon introdusert av Michelangelo i arkitekturen til urbane ensembler.

Gradvis, i forståelsen av arkitekter, modnet ideen om byen som en helhet, der alle deler er sammenkoblet. Nye skytevåpen gjorde middelalderske steinfestninger forsvarsløse. Dette forhåndsbestemte utseendet til jordvegger langs omkretsen av byer.bastionerog bestemte stjerneformen til linjen av byfestningsverk. Byer av denne typen dukket opp på 2/3 av 1500-tallet. En vekkelsestanke om"ideell by" -byen som er mest praktisk å leve.

Ved å organisere byområdet fulgte renessansearkitekter tre grunnleggende prinsipper:
1. klasseoppgjør (for adelsmenn - de sentrale og beste delene av byen);
2. yrkesgruppebosetting av resten av befolkningen (håndverkere av relaterte yrker er i nærheten);
3. inndeling av byens territorium i bolig-, industri-, kommersielle og offentlige komplekser.
Oppsettet til "ideelle byer" må nødvendigvis være regelmessig eller radialt-sirkulært, men valget av layout må bestemmes naturlige forhold: avlastning, reservoar, elv, vind, etc.

Palma Nuova, 1593

Vanligvis i sentrum av byen var det et hovedtorg med et slott eller med et rådhus og en kirke i midten. Handels- eller religiøse områder av regional betydning i radielle byer lå i skjæringspunktet mellom radielle gater og en av byens ringmotorveier.
Disse prosjektene innebar også betydelig forbedring - landskapsforming av gater, opprettelse av kanaler for drenering av regnvann og kloakk. Hus måtte ha visse høydeforhold og avstander mellom seg for best isolasjon og ventilasjon.
Til tross for deres utopisme, hadde den teoretiske utviklingen av de "ideelle byene" i renessansen en viss innflytelse på praksisen med byplanlegging, spesielt når man konstruerte små festningsverk på kort tid(Valetta, Palma Nuova, Granmichele- 16-1700-tallet).

Introduksjon

Renessansen som et nytt verdensbilde og en ny kunstnerisk stil oppsto i Italia på slutten av 1300-tallet. De første byplanleggingsideene presenterte byen som en arkitektonisk helhet i henhold til en forhåndstegnet plan. Under påvirkning av disse ideene, i stedet for trange og krokete middelaldergater, begynte det å dukke opp rette, bredere gater med store bygninger i italienske byer.

Utformingen og arkitekturen til torg under renessansen tok form på 1400-–1500-tallet. i Roma og andre store byer Italia.

I løpet av denne perioden ble flere byer rekonstruert her ved å bruke nye prinsipper for byplanlegging. I de fleste tilfeller var palasser i slike byer plassert på sentrale torg, som noen ganger representerte begynnelsen på trestrålekomposisjoner.

Renessansebyer fikk gradvis nye funksjoner under påvirkning av sosiale endringer. Men på grunn av privat eierskap til land og tilbakestående teknologi, var det umulig å raskt flytte fra den gamle byen til den nye. I alle perioder av renessansen var hovedinnsatsen til byplanleggerne rettet mot utviklingen av sentrum – torget og nærliggende nabolag. Under storhetstiden til monarkiske stater på 1700-tallet. ensemblene til de sentrale torgene i byene ble gitt eksepsjonell betydning som hoveddekorasjoner. Bytorgene hadde stort sett geometrisk regelmessige konturer.

Hvis arkitekturen til gamle greske og romerske torg var preget av søyler og portikoer, ble arkader nye elementer for renessansens torg, og utviklet seg samtidig med utviklingen av hele systemer av torg.

I de fleste middelalderbyer var det ingen dekorative grøntområder. Frukthager ble dyrket i klosterhager; bybefolkningens frukthager eller vingårder lå bak byens festningsverk. I Paris på 1700-tallet. smug, trimmede grøntområder og blomsterhager dukker opp. Parkene med palasser og slott var imidlertid privateid. Offentlige hager i de fleste europeiske byer dukket opp først på slutten av 1700-tallet.

I middelalderen var vannbassenger i hovedsak en hindring for utviklingen av byen, delte distriktene og tjente for smale praktiske formål. Siden 1700-tallet elver begynte å bli brukt som forbindelseselementer i byer, og under gunstige forhold - som komposisjonsakser. Et slående eksempel er den kloke byplanleggingsbruken av elvene Neva og Nevka i St. Petersburg. Bygging av broer og bygging av voller konsoliderte denne retningen i byplanleggingen.

I middelalderen ble byens skyline i stor grad definert av de spisse spirene på rådhus, kirker og offentlige bygninger. Silhuetten av byen ble bestemt av mange små vertikaler og flere dominerende. I forbindelse med den nye kunstneriske forståelsen av byens silhuett ble høye middelaldertak gradvis fjernet, og renessansebygninger ble fullført med tak med loft og balustrader.

Med en økning i skalaen til bygninger og nye typer belegg, mykes silhuetten av byen av kupler med glatte konturer, som har fått en dominerende rolle i bypanoramaer. Endringen deres ble sterkt påvirket av hager og parker, hvis trær i stor grad skjuler bygningene.

Renessansens arkitekter brukte strenge uttrykksmidler i byplanlegging: harmoniske proporsjoner, skalaen til en person som et mål på hans omkringliggende arkitektoniske miljø.

Den ideologiske kampen til det fremvoksende borgerskapet i Italia mot middelalderens former for religion, moral og lov resulterte i en bred progressiv bevegelse - humanisme. Humanismen var basert på borgerlige livsbekreftende prinsipper: ønsket om frigjøring menneskelig personlighet fra åndelig tvang, en tørst etter kunnskap om verden og mennesket selv og, som en konsekvens av dette, et sug etter sekulære former offentlig liv, ønsket om kunnskap om naturens lover og skjønnhet, for en omfattende harmonisk forbedring av mennesket. Disse endringene i verdenssyn førte til en revolusjon på alle områder av det åndelige livet - kunst, litteratur, filosofi, vitenskap. I sin virksomhet stolte humanister sterkt på eldgamle idealer, og gjenopplivet ofte ikke bare ideer, men også selve formene og uttrykksmidlene til eldgamle verk. I denne forbindelse, den kulturelle bevegelsen i Italia i det 15.–16. århundre. fikk det generelle navnet på renessansen, eller gjenfødelse

Det humanistiske verdensbildet stimulerte utviklingen av personligheten og økte dens betydning i det offentlige liv. Mesterens individuelle stil spilte en stadig viktigere rolle i utviklingen av kunst og arkitektur. Humanismens kultur brakte frem en hel galakse av strålende arkitekter, skulptører, kunstnere, som Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raphael, Michelangelo, Palladio og andre.

Ønsket om å skape et "ideelt bilde av en person", kombinert med søket etter metoder for kunstnerisk utforskning av verden, førte til en slags kognitiv realisme fra renessansen, basert på en nær forening av kunst med raskt utviklende vitenskap. I arkitekturen har søket etter "ideelle" former for bygninger basert på en komplett og komplett komposisjon blitt en av dens definerende trender. Sammen med utviklingen av nye typer sivile og religiøse bygninger, utvikler den arkitektoniske tenkningen seg, og det er et presserende behov for teoretiske generaliseringer av moderne erfaring, spesielt historiske og fremfor alt eldgamle erfaringer.

Tre perioder av epoken italiensk renessanse

Renessansearkitektur i Italia er delt inn i tre hovedperioder: tidlig, høy og sen. Arkitektonisk senter Tidlig renessanse der var Toscana med hovedbyen - Firenze. Denne perioden dekker andre kvartal og midten av 1400-tallet. Begynnelsen av renessansen i arkitektur regnes for å være 1420, da byggingen av kuppelen over Firenze-katedralen begynte. Byggeprestasjoner som førte til opprettelsen av en enorm sentrisk form ble et slags symbol på arkitekturen til New Age.

1. Tidlig renessanseperiode

Den tidlige renessansen i arkitektur er preget først og fremst av bygningsformene skapt av den berømte arkitektingeniøren Filippo Brunellesco (første halvdel av 1400-tallet). Spesielt brukte han en lett halvsirkelbue i stedet for en spissbue i barnehjemmet i Firenze. Ribbehvelvet, karakteristisk for gotisk arkitektur, begynte å vike for et nytt design - et modifisert bokshvelv. Spissbueformer fortsatte imidlertid å bli brukt til midten av 1500-tallet.

En av Brunellescos enestående bygninger var den enorme kuppelen til katedralen Santa Maria del Fiore i Firenze, som hadde vært uferdig siden 1300-tallet.

I form av den store kuppelen skapt av arkitekten er et ekko av den gotiske spissbuen merkbar. Spennet på kuppelen til denne katedralen er stort - 42 m. Kuppelens hvelv, laget av murstein, hviler på en åttekantet base laget av tømmerstokker dekket med jernplater. Takket være den gunstige beliggenheten til katedralen på en høyde og dens høye høyde (115m), legger dens øvre del, spesielt kuppelen, høytidelighet og unikhet til det arkitektoniske panoramaet i Firenze.

Sivil arkitektur inntok en betydelig plass i arkitekturen til den italienske renessansen. Dette inkluderer først og fremst store bypalasser (palasser), beregnet i tillegg til boliger for seremonielle mottakelser. Middelalderpalasser, som gradvis mistet sine harde romanske og gotiske klær ved hjelp av marmorkledning og skulptur, fikk et muntert utseende.

Kjennetegn ved renessansens fasade er enorme buede vindusåpninger adskilt av søyler, rustikk av første etasje med steiner, øvre plater, store gesimser og fint sporede detaljer. I motsetning til de strenge fasadene har arkitekturen til de godt opplyste interiørene en munter karakter.

Rustikk ble ofte brukt til å dekorere fasadene til palasser fra tidlig renessanse. Steiner for rustikk hadde vanligvis en uskåren (skåren) frontflate med en rent tilhugget kantbane. Relieffet av rustikkene avtok med økningen i antall etasjer. Senere ble rustikk dekorasjon bevart bare i bearbeiding av sokler og på hjørnene av bygninger.

På 1400-tallet Italienske arkitekter brukte ofte den korintiske orden. Det var ofte tilfeller av en kombinasjon av flere ordrer i en bygning: for de nedre etasjene - den doriske orden, og for de øverste etasjene - en sammensetning av hovedsteder nært i proporsjoner og design til den joniske typen.

Et av eksemplene på palassarkitektur på midten av 1400-tallet. i Firenze kan tjene som det tre-etasjers Medici-Riccardi-palasset, bygget etter design av arkitekten Michelozzo di Bartolomeo i perioden 1444–1452 etter ordre fra Cosimo de' Medici, herskeren i Firenze. Hundrevis av palasser ble senere bygget i andre byer basert på utformingen av fasaden til Palazzo Medici.

En videreutvikling av palassets sammensetning er palasset Ruccilai i Firenze, bygget 1446–1451 designet av Leon Battista Alberti (1404–1472). I likhet med det gamle romerske Colosseum er fasaden delt inn i etasjer etter ordre med en overgang fra den enkleste doriske orden i det nedre sjiktet til den mer subtile og rike korintiske orden i den øvre.

Inntrykket av at bygningen er lettere mot toppen, skapt i Palazzo Medici-Riccardi ved hjelp av rustikken av veggene, uttrykkes her i form av et lagdelt system av ordre som er lettere mot toppen. Samtidig er den store kroningsgesimsen ikke korrelert med høyden på det øvre nivået, men med høyden på bygningen som helhet, og det er grunnen til at sammensetningen fikk funksjonene til fullstendighet og statisitet. Fasaden er fortsatt under utvikling tradisjonelle motiver: doble buede vinduer, kommer fra middelalderformen av vinduer, rustikk av vegger, generell monumentalitet av skyen, etc.

Pazzi kapell (1430–1443) - en kuppelbygning plassert på gårdsplassen til klosteret. Komposisjonen av fasaden reflekterte den indre strukturen dissekert av ordenen med det dominerende volumet av hallen med en kuppel på seil. Søylegangen, skåret langs aksen av en bue og komplettert med et fint dissekert loft, tilsvarer kartelliserte pilastre på innerveggen av loggiaen, og på det hvelvede taket er det utstående segmenter av buer.

Korrespondansen av ordrene og repetisjonen av små kupler i loggiaen og alteret bidrar til organisk forbindelse fasade med interiør. Veggene på innsiden er delt av flate, men fremhevet av fargepilastre, som fortsetter i inndelingene av hvelvene, gir en ide om logikken i konstruksjonen av rommet, den tektoniske strukturen. Ved å utvikle seg tredimensjonalt, understreker ordren enhet og underordning av hoveddelene. Det visuelle «rammen» karakteriserer også demonteringen av kuppelen fra innsiden, noe som minner litt om strukturen til de gotiske nervehvelvene. Ordensformenes harmoni og klarheten i den tektoniske strukturen, balansen og kommensurabiliteten med mennesket taler imidlertid om nye arkitektoniske idealers triumf over middelalderens prinsipper.

Sammen med Brunellesco og Michelozzo da Bartolomeo spilte også andre mestere (Rosselino, Benedetto da Maiano, etc.), hvis arbeid hovedsakelig var knyttet til Toscana og Nord-Italia, en stor rolle i dannelsen av ny arkitektur. Alberti, som i tillegg til Palazzo Ruccellai bygget en rekke store strukturer (fasaden til kirken Santa Maria Novella, kirken Sant'Andrea i Mantua, etc.), fullfører denne perioden.

2. Periode Høyrenessanse

Perioden med høyrenessansen dekker slutten av det 15. - første halvdel XVI V. På dette tidspunktet, på grunn av bevegelsen av de viktigste handelsrutene fra Middelhavet til Atlanterhavet Italia opplever en velkjent økonomisk nedgang og nedgang industriell produksjon. Ofte kjøpte borgerskapet opp jord og ble til pengeutlånere og godseiere. Prosessen med føydalisering av borgerskapet er ledsaget av en generell aristokratisering av kulturen; tyngdepunktet overføres til adelens hoffkrets: hertuger, prinser, paver. Roma blir sentrum for kultur - residensen til pavene, som ofte velges blant representanter for det humanistisk-tenkende aristokratiet. Det pågår enorme byggearbeider i Roma. I dette foretaket, foretatt av den pavelige domstol for å heve sin egen prestisje, så det humanistiske samfunnet opplevelsen av å gjenopplive storheten til det gamle Roma, og med det storheten til hele Italia. Ved hoffet til de som besteg tronen i 1503. De mest fremragende arkitektene jobbet for den humanistiske pave Julius II - blant dem Bramante, Raphael, Michelangelo, Antonio da Sangallo og andre.

I arkitekturen i denne perioden får hovedtrekkene og trendene i renessansen sitt komplette uttrykk. De mest perfekte sentriske komposisjonene lages. Typen urban palazzo tar endelig form, som i løpet av denne perioden får funksjonene til ikke bare en privat, men også en offentlig bygning, og blir derfor til en viss grad prototypen til mange påfølgende offentlige bygninger. Det karakteristiske ved tidlig periode Renessansekontrast (mellom arkitektoniske egenskaper utseende palasset og dets gårdsplass. Under påvirkning av et mer systematisk og arkeologisk nøyaktig bekjentskap med fornminner, får ordenskomposisjoner større strenghet: sammen med de joniske og korintiske ordenene blir enklere og mer monumentale ordener - romersk-doriske og toskanske - mye brukt, og en fint utformet arkade på kolonner gir plass til en mer monumental ordensarkade. Generelt får komposisjonene fra høyrenessansen større betydning, alvorlighetsgrad og monumentalitet. Problemet med å skape et vanlig urbant ensemble er satt på et realistisk grunnlag. Landvillaer bygges som integrerte arkitektoniske komplekser.

Den viktigste arkitekten i denne perioden var Donato d'Angelo Bramante (1444–1514). Cancelleria-bygningen tilskrevet Bramante (det pavelige hovedkontoret) i Roma - en av de fremragende palassbygningene - er et enormt parallellepipedum med en rektangulær gårdsplass omgitt av arkader. Den harmoniske sammensetningen av fasadene utvikler prinsippene som er nedfelt i Ruccellai Palazzo, men den overordnede rytmiske strukturen skaper et mer komplekst og høytidelig bilde. Første etasje, behandlet som en kjeller, forsterket kontrasten med den lette toppen. Rytmisk plasserte plastaksenter skapt av store åpninger og rammene som rammer dem inn, fikk stor betydning i komposisjonen. Rytmen til horisontale inndelinger ble enda tydeligere.

Blant Bramantes religiøse bygninger skiller det seg ut et lite kapell på gårdsplassen til klosteret San Pietro i Montrio, kalt Tempietto. (1502) - en bygning plassert inne i en ganske trang gårdsplass, som skulle være omgitt av en sirkulær arkade i plan.

Kapellet har en kuppelformet rotunde omgitt av en romersk dorisk søylegang. Bygningen er preget av perfekte proporsjoner, rekkefølgen tolkes strengt og konstruktivt. Sammenlignet med de sentriske bygningene fra den tidlige renessansen, hvor lineær-plan utvikling av vegger dominerer (Pazzi Chapel), er volumet av Tempietto plastisk: dets ordensplastisitet tilsvarer komposisjonens tektoniske integritet. Kontrasten mellom den monolittiske kjernen til rotunden og søylegangen, mellom veggens overflate og plastisiteten til dype nisjer og pilastre understreker komposisjonens uttrykksevne, fullstendig harmoni og fullstendighet. Til tross for sin lille størrelse gir Tempietto inntrykk av monumentalitet. Allerede av Bramantes samtidige ble denne bygningen anerkjent som et av arkitekturens mesterverk.

Å være sjefsarkitekt ved hoffet til pave Julius II, Bramante fra 1505. jobber med gjenoppbyggingen av Vatikanet. Et grandiost kompleks av seremonielle bygninger og seremonielle gårdsrom plassert på forskjellige nivåer, underordnet en enkelt akse lukket av den majestetiske exedraen til Belvedere, ble unnfanget. I dette, egentlig det første renessanseensemblet som var så storslått i konseptet, ble de mesterlig brukt komposisjonsteknikker gamle romerske fora. Pavelig bolig skulle ha forbindelse med en annen storslått bygning i Roma - Peters katedral, for konstruksjonen som Bramantes prosjekt også ble vedtatt. Perfeksjonen av den sentriske komposisjonen og det grandiose omfanget av utformingen av katedralen av Peter Bramante gir grunn til å betrakte dette verket som høydepunktet for utviklingen av renessansearkitektur. Prosjektet var imidlertid ikke bestemt til å bli realisert i natura: i løpet av Bramantes levetid hadde byggingen av katedralen nettopp begynt, som i 1546, 32 år etter arkitektens død, ble overført til Michelangelo.

Den store kunstneren og arkitekten Raphael Santi, som bygde og malte de berømte loggiaene i Vatikanet, som fikk navnet hans ("Raphaels loggiaer"), samt en rekke bemerkelsesverdige bygninger, deltok i konkurransen om utformingen av Peters katedral , samt i bygging og maling av Vatikanets bygninger, sammen med Bramante. både i selve Roma og utenfor det (konstruksjon og maling av Villa Madama i Roma, Palazzo Pandolfini i Firenze, etc.).

En av Bramantes beste studenter, arkitekten Antonio da Sangallo Jr., tegnet Palazzo Farnese i Roma. , til en viss grad, fullfører utviklingen av renessansepalasset.

Utformingen av fasaden mangler tradisjonell rustikk og vertikale inndelinger. På den glatte, teglpussede overflaten av veggen er det godt synlige brede horisontale belter langs hele fasaden; som om de lener seg på dem, er vinduer med relieffplater i form av en antikk "aedicule" plassert. Vinduene i første etasje har, i motsetning til i florentinske palasser, samme størrelse som vinduene i de øverste etasjene. Bygningen ble frigjort fra festningsisolasjonen som fortsatt var iboende i palassene i den tidlige renessansen. I motsetning til palassene på 1400-tallet, hvor gårdsplassen var omgitt av lyse buede gallerier på søyler, vises her en monumental ordensarkade med halvsøyler. Galleriordenen blir noe tyngre, og får trekk av høytidelighet og representativitet. Den smale passasjen mellom gårdsplassen og gaten er erstattet av en åpen «lobby», som gir perspektiv på gårdsrommet foran.

3. Sen periode Renessanse

Den sene renessanseperioden regnes vanligvis for å være midten til slutten av 1500-tallet. På dette tidspunktet fortsatte den økonomiske resesjonen i Italia. Rollen til den føydale adelen og kirke-katolske organisasjoner økte. For å bekjempe reformasjonen og alle manifestasjoner av den antireligiøse ånden ble inkvisisjonen opprettet. Under disse forholdene begynte humanister å oppleve forfølgelse. En betydelig del av dem, forfulgt av inkvisisjonen, flyttet til nordlige byer Italia, spesielt til Venezia, som fortsatt beholdt rettighetene til en uavhengig republikk, hvor innflytelsen fra den religiøse motreformasjonen ikke var så sterk. I denne forbindelse, under senrenessansen, var to skoler de mest fremtredende - romerske og venetianske. I Roma, hvor det ideologiske presset fra motreformasjonen i stor grad påvirket utviklingen av arkitekturen, sammen med utviklingen av prinsippene fra høyrenessansen, var det en avgang fra klassikerne mot mer komplekse komposisjoner, større dekorativitet, et brudd på klarhet i former, skala og tektonikk. I Venezia, til tross for den delvise penetrasjonen av nye trender i arkitekturen, ble det klassiske grunnlaget for arkitektonisk komposisjon mer bevart.

En fremtredende representant for den romerske skolen var den store Michelangelo Buonarroti (1475–1564). Hans arkitektoniske arbeider legger grunnlaget for en ny formforståelse som er karakteristisk for denne perioden, preget av stort uttrykk, dynamikk og plastisk uttrykksevne. Hans arbeid, som fant sted i Roma og Firenze, reflekterte med særlig kraft søket etter bilder som er i stand til å uttrykke humanismens generelle krise og den indre angsten som progressive samfunnskretser da opplevde før reaksjonskreftene som nærmet seg. Som en strålende skulptør og maler visste Michelangelo hvordan han kunne finne lyse plastiske uttrykksmidler i kunsten indre styrke deres helter, deres uløste konflikt rolig til sinns, titanisk innsats i kampen. I arkitektonisk kreativitet stemte dette overens med en vektlagt identifikasjon av formenes plastisitet og deres intense dynamikk. Michelangelos orden mistet ofte sin tektoniske betydning, og ble til et middel for å dekorere vegger, skape forstørrede masser som forbløffer en person med deres skala og plastisitet. Med dristig brudd på de arkitektoniske prinsippene som var vanlige for renessansen, var Michelangelo til en viss grad grunnleggeren av en kreativ måte som senere ble plukket opp i arkitekturen til den italienske barokken. arkitektonisk arbeid Michelangelo tilskrev ferdigstillelsen av Peters katedral i Roma etter Bramantes død. Michelangelo, som tok utgangspunkt i et sentrisk opplegg nær Bramantes plan, introduserte nye funksjoner i dens tolkning: han forenklet planen og generaliserte det indre rommet, gjorde støttene og veggene mer massive, og la til en portiko med en høytidelig søylegang på den vestlige delen. fasade. I den volumetrisk-romlige komposisjonen blir den rolige balansen og underordningen av rommene i Bramantes prosjekt oversatt til en understreket dominans av hovedkuppelen og underkuppelrommet. I sammensetningen av fasadene ble klarhet og enkelhet erstattet av mer komplekse og store plastiske former; veggene er dissekert av avsatser og pilastre av en stor Korintisk orden med en kraftig entablatur og et høyt loft; mellom pilastrene er det vindusåpninger, nisjer og ulike dekorative elementer (gesimser, belter, sandriks, statuer osv.) som ser ut til å være klemt inn i bryggene, og gir veggene en nærmest skulpturell plastisitet.

I sammensetningen av Medici-kapellet Kirken San Lorenzo i Firenze (1520) av Michelangelo, interiøret og skulpturene smeltet sammen til en enkelt helhet. Skulpturelle og arkitektoniske former er fulle av indre spenninger og drama. Deres akutte emosjonelle uttrykksevne råder over det tektoniske grunnlaget; rekkefølgen tolkes som et element i kunstnerens grunnleggende felles skulpturplan.

En av de fremragende romerske arkitektene fra senrenessansen er også Vignola, forfatteren av avhandlingen "Regelen for de fem arkitekturordener". Hans mest betydningsfulle verk er Caprarola-slottet og villaen til pave Julius II. . I løpet av renessansen gjennomgår villatypen betydelig utvikling knyttet til en endring i funksjonsinnholdet. Tilbake på begynnelsen av 1400-tallet. det var et landsted, ofte omgitt av murer, og noen ganger hadde det til og med forsvarstårn. På slutten av 1400-tallet. villaen ble et tilfluktssted på landet for velstående borgere (Villa Medici nær Firenze), og fra 1500-tallet. det blir ofte residens for store føydalherrer og høye presteskap. Villaen mister sin intimitet og får karakter av en seremoniell frontaksial struktur, åpen mot den omkringliggende naturen.

Villaen til pave Julius II er et eksempel på denne typen. Dens strengt aksiale og rektangulære sammensetning i ytre konturer går ned langs fjellsiden i avsatser, og skaper utfordrende spillåpne, halvåpne og lukkede rom plassert i ulike nivåer. Komposisjonen viser innflytelsen fra gamle romerske fora og Vatikanets gårdsrom.

Fremragende mestere venetiansk skole fra sen renessanse var Sansovino, som bygde bygningen til San Marco-biblioteket i Venezia (begynt i 1536) - en viktig komponent i det bemerkelsesverdige ensemblet til det venetianske sentrum, og den mest fremtredende representanten klassisk skole Renessanse - arkitekt Palladio.

Aktivitetene til Andrea Palladio (1508 - 1580) fant hovedsakelig sted i Vicenza, nær Venezia, hvor han bygde palasser og villaer, samt i Venezia, hvor han hovedsakelig bygde kirkebygninger. Hans arbeid i en rekke bygninger var en reaksjon på de antiklassiske tendensene fra senrenessansen. Prøver å holde det rent klassiske prinsipper, trekker Palladio på den rike erfaringen han tilegnet seg i prosessen med å studere den eldgamle arven. Han prøver å gjenopplive ikke bare ordreskjemaer, men hele elementer og til og med typer bygninger fra den eldgamle perioden. Strukturelt sann ordensportiko blir hovedtemaet for mange av verkene hans.

I Villa Rotunda , bygget nær Vicenza (startet i 1551), oppnådde mesteren eksepsjonell integritet og harmoni i komposisjonen. Beliggende på en høyde og godt synlig på avstand, danner de fire fasadene til villaen med portikoer på alle sider, sammen med kuppelen, en tydelig sentrisk komposisjon.

I sentrum er det en rund kuppelhall, hvorfra utganger fører til portikoer. Brede portikotrapper forbinder bygningen med naturen rundt. Den sentriske komposisjonen reflekterte de generelle ambisjonene til renessansearkitekter for den absolutte fullstendigheten av komposisjonen, klarhet og geometri til former, den harmoniske forbindelsen mellom enkeltdeler og helheten og den organiske sammenslåingen av bygningen med naturen.

Men dette "ideelle" sammensetningsskjemaet forble isolert. I selve byggingen av en rekke villaer ga Palladio mer oppmerksomhet til det såkalte tredelte opplegget, bestående av et hovedvolum og en-etasjes ordregallerier som strekker seg fra det til sidene, og tjener til å kommunisere med eiendommens tjenester og tjenester. organisere den fremre gårdsplassen foran fasaden til villaen. Det var denne ordningen med et landsted som senere hadde mange tilhengere i byggingen av herregårdspalasser.

I motsetning til den frie utviklingen av volumene av landvillaer, har palladianske bypalasser vanligvis en streng og lakonisk sammensetning med en storstilt og monumental hovedfasade. Arkitekten bruker den store ordren mye, og tolker den som et slags "søyle-vegg"-system. Et slående eksempel– palass Capitanio (1576), hvis vegger er dekorert med søyler av en stor sammensatt orden med en kraftig, løs entablatur. Den øverste etasjen, utvidet i form av en overbygning (loftsetasje), ga bygningen helhet og monumentalitet,

Palladio også mye brukt i sine bypalasser to-lags oppdeling av fasader med ordre, samt en ordre plassert på en høy rustikk første etasje - en teknikk som først ble brukt av Bramante og deretter utbredt i klassisismens arkitektur.

Konklusjon

Moderne arkitektur, når den søker etter former for sin egen stilistiske manifestasjon, legger ikke skjul på det faktum at den bruker historisk arv. Oftest henvender hun seg til de teoretiske konseptene og prinsippene for forming som tidligere oppnådde den største stilistiske renheten. Noen ganger ser det til og med ut til at alt som tidligere levde på 1900-tallet kom tilbake i en ny form og ble raskt gjentatt igjen.

Mye av det en person verdsetter i arkitektur appellerer ikke så mye til en grundig analyse av individuelle deler av et objekt, men til dets syntetiske, helhetlig bilde, til emosjonell persepsjons sfære. Det betyr at arkitektur er kunst eller i alle fall inneholder elementer av kunst.

Noen ganger kalles arkitektur kunstens mor, noe som betyr at maleri og skulptur i lang tid utviklet i en uløselig organisk forbindelse med arkitektur. Arkitekten og kunstneren hadde alltid mye til felles i arbeidet sitt, og kom noen ganger godt overens i én person. Den gamle greske billedhuggeren Phidias regnes med rette som en av skaperne av Parthenon. Det elegante klokketårnet til hovedkatedralen i Firenze, Santa Maria del Fiore, ble bygget "i henhold til en tegning" av den store maleren Giotto. Michelangelo, som var like stor som arkitekt, skulptør og maler. Raphael jobbet også med suksess innen det arkitektoniske feltet. Samtiden deres, maleren Giorgio Vasari, bygde Uffizi-gaten i Firenze. En slik syntese av talentene til en kunstner og en arkitekt ble funnet ikke bare blant renessansens titaner, men markerte også moderne tid. Brukte kunstnere, engelskmannen William Morris og belgieren Van de Velde, ga et stort bidrag til utviklingen av moderne arkitektur. Corbusier var en talentfull maler, og Alexander Vesnin en strålende teaterkunstner. De sovjetiske kunstnerne K. Malevich og L. Lisitsky eksperimenterte interessant med arkitektonisk form, og deres kollega og samtidige Vladimir Tatlin ble forfatteren av det legendariske prosjektet til Tower 111 of the International. Forfatteren av det berømte prosjektet til Palace of Soviets, arkitekten B. Iofan, regnes med rette som medforfatter av skulpturen "Worker and Collective Farm Woman" sammen med den fantastiske sovjetiske kunstneren Vera Mukhina.

Grafisk representasjon og tredimensjonal layout er hovedmidlene som arkitekten søker og forsvarer sine løsninger på. Oppdagelsen av lineært perspektiv under renessansen påvirket aktivt det romlige begrepet arkitektur på denne tiden. Til syvende og sist førte forståelsen av lineært perspektiv til koblingen av torget, trappen og bygningen til en enkelt romlig komposisjon, og deretter til fremveksten av gigantiske arkitektoniske ensembler av barokk og høyklassisisme. Mange år senere hadde eksperimentene til kubistiske kunstnere stor innflytelse på utviklingen av arkitektonisk formskaping. De prøvde å skildre et objekt fra forskjellige synsvinkler, oppnå dens tredimensjonale oppfatning ved å legge flere bilder over hverandre, og utvide mulighetene for romoppfatning ved å introdusere den fjerde dimensjonen - tid. Denne volumetrisiteten til persepsjon fungerte som utgangspunktet for den formelle søken etter moderne arkitektur, som kontrasterte fasadens flatskjerm med et intrikat spill av volumer og plan fritt plassert i rommet.

Skulptur og maleri fikk ikke umiddelbart uavhengighet fra arkitekturen. Til å begynne med var de bare elementer av en arkitektonisk struktur. Det tok mer enn ett århundre før maleriet ble skilt fra veggen eller ikonostasen. På slutten av renessansen, på Piazza della Signoria i Firenze, myldrer skulpturer fortsatt forsiktig rundt bygningene, som om de er redde for å bryte fullstendig med fasadene. Michelangelo er den første som har plassert en rytterstatue i sentrum av Capitoline-plassen i Roma. Året er 1546. Siden den gang har et monument, en monumental skulptur, fått rettighetene til et selvstendig komposisjonselement som organiserer byrommet. Riktignok fortsetter den skulpturelle formen å leve på veggene til den arkitektoniske strukturen i noen tid, men gradvis forsvinner disse siste sporene av "tidligere luksus" fra dem.

Corbusier bekrefter denne komposisjonen av moderne arkitektur med sin karakteristiske sikkerhet: «Jeg anerkjenner verken skulptur eller maleri som dekorasjon. Jeg innrømmer at begge kan vekke dype følelser hos betrakteren på samme måte som musikk og teater påvirker deg – alt avhenger av kvaliteten på verket, men jeg er definitivt imot dekorasjon. På den annen side, med tanke på et arkitektonisk verk og hovedsakelig stedet det er reist på, ser du at noen steder i selve bygningen og rundt den er visse intensive matematiske steder som viser seg å være en nøkkel til proporsjoner av verket og dets omgivelser. Dette er stedene med høyest intensitet, og det er på disse stedene arkitektens spesifikke mål kan realiseres – enten i form av et basseng, eller en steinblokk, eller en statue. Vi kan si at på dette stedet er alle betingelsene knyttet til at en tale kan holdes, en kunstners tale, en plastisk tale.»