De viktigste strømningene og retningene til den nye æraen av estetikk. Estetikks historie: Moderne tiders estetikk

Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor

Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.

postet på http://allbest.ru

estetisk skjønnhetskunst

Introduksjon

1. Estetikk som filosofisk vitenskap

2. Estetiske ideer til folkene i det gamle østen

3. Antikk estetisk tanke

4. Middelalderens estetikk

5. Renessansens estetiske lære

6. Den nye tidens estetikk

7. Estetiske ideer om tysk klassisk filosofi

8. Ikke-klassiske begreper om vesteuropeisk estetikk

Introduksjon

Muligheten for kontakt mellom menneskelig skjebne og skjønnhet er en av de mest fantastiske mulighetene som kan avsløre den sanne gleden ved å kommunisere med verden, tilværelsens storhet. Imidlertid forblir denne sjansen gitt ved å være ofte uavhentet, savnet. Og livet blir vanlig grått, monotont, lite attraktivt. Hvorfor skjer dette?

Oppførselen til naturlige vesener er forhåndsbestemt av strukturen til organismen deres. Så hvert dyr er født inn i verden allerede utstyrt med et sett med instinkter som sikrer tilpasningsevne til miljøet. Dyrenes oppførsel er hardkodet, de har "meningen" med sitt eget liv.

En person har ikke denne medfødte atferdssikkerheten på grunn av det faktum at hvert individ inneholder muligheten for ubegrenset (både positiv og negativ) utvikling. Dette forklarer den uuttømmelige variasjonen av typer individuell atferd, uforutsigbarheten til hvert individ. Som Montaigne bemerket, er det færre likheter mellom to representanter for menneskeheten enn mellom to dyr.

Med andre ord, når et individ blir født, befinner han seg umiddelbart i en usikker situasjon for seg selv. Til tross for de rikeste tilbøyelighetene, forteller ikke genene hans deg hvordan du skal oppføre deg, hva du skal strebe etter, hva du skal unngå, hva du skal elske i denne verden, hva du skal hate, hvordan du skiller ekte skjønnhet fra falsk, etc. Gener er tause om det viktigste, tilpasse seg enhver atferd. Hvordan vil en person administrere sine evner? Vil skjønnhetens lys blinke i hans sinn? Vil han være i stand til å motstå presset fra den stygge basen?

Det var tiltrekningskraften til det vakre, og samtidig ønsket til en person om å overvinne basens destruktive innflytelse, som ble en av de viktigste årsakene til fremveksten av en spesiell skjønnhetsvitenskap.

For å forstå den økende relevansen av estetiske problemer, er det nødvendig å ta hensyn til hele linjen trekk ved teknologisk utvikling. Det moderne samfunn står overfor den farligste trenden i hele menneskehetens historie: motsetningen mellom den globale naturen til vitenskapelig og teknologisk start og begrensningene til menneskelig bevissthet, som kan føre til en generell katastrofe.

Ved begynnelsen av 1900-tallet hadde kolossal åndelig, vitenskapelig og teknisk erfaring blitt samlet. Ideene om humanisme, vennlighet, rettferdighet og skjønnhet ble allment anerkjent. Alle former for ondskap ble avslørt og et helt åndelig univers ble dannet som dyrket skjønnhet.

Men verdenssamfunnet er ikke blitt klokere, mer harmonisk og mer menneskelig. Vice versa. Sivilisasjonen på 1900-tallet viste seg å være involvert i de mest massive forbrytelsene, og replikerte grunnleggende eksistenstyper. Tallrike stygge sosiale omveltninger, ekstreme manifestasjoner av meningsløs grusomhet gjennom det 20. århundre ødela troen på mennesket, et optimistisk bilde av personlighet. Tross alt var det i denne perioden millioner av mennesker ble ødelagt. Tilsynelatende urokkelige søyler av århundregamle kulturelle verdier ble slettet fra jordens overflate.

En av de mest merkbare tendensene i det siste århundret er knyttet til forverringen av det tragiske verdensbildet. Selv i økonomisk stabile land øker antallet selvmord jevnt og trutt, millioner av mennesker lider ulike former depresjon. Opplevelsen av personlig harmoni blir en skjør, ustø, ganske sjelden tilstand, som det er vanskeligere og vanskeligere å bryte gjennom i strømmen av universelt menneskelig kaos.

Refleksjoner over tilfeldighetene, usikkerheten, den kaotiske naturen til menneskelig eksistens, veksten av skepsis i forhold til søket etter pålitelige semantiske retningslinjer og oppdagelsen av sann skjønnhet blir kulturens dominerende motiv.

Hvorfor er menneskets bevegelse i tid og rom så tragisk? Er det mulig å overvinne økende urovekkende symptomer i menneskelivet? Og, viktigst av alt, på hvilke veier finner man bærekraftig harmoni?

Den vanligste psykiske lidelsen er å falle ut av skjønnhetens verden. Faktum er at ganske ofte søker en person lykke ved å mestre det ytre rommet, søke rikdom, makt, berømmelse, fysiologiske gleder. Og på denne stien kan han nå visse høyder. Imidlertid er de ikke i stand til å overvinne vedvarende angst, angst, fordi troen på den ubegrensede makten til penger, makt er for stor, og som et resultat, dyp kontakt med det hellige grunnlaget for å være - Skjønnhet er tapt.

Og i denne forstand kan estetikk som en vitenskap om skjønnhet, om den uuttømmelige rikdommen og den paradoksale naturen til dens manifestasjoner i verdenskulturen bli den viktigste faktoren i menneskeliggjøringen av individet. Og dermed er estetikkens hovedoppgave å avsløre den altomfattende fenomenaliteten til det vakre, å underbygge måtene å harmonisere en person på for å rote ham i en verden av uunngåelig skjønnhet og kreativitet. Som F.M. Dostojevskij, "estetikk er oppdagelsen av vakre øyeblikk i den menneskelige sjelen av samme person for selvforbedring."

1. Eestetikk som filosofisk vitenskap

Estetikk er et kunnskapssystem om de mest generelle egenskapene og lovene for utvikling av vakre og stygge, sublime og basale, tragiske og komiske virkelighetsfenomener og egenskapene til deres refleksjon i menneskesinnet. Estetikk er en filosofisk vitenskap, som er forbundet med løsningen av filosofiens hovedspørsmål. I estetikken fremstår det som et spørsmål om forholdet mellom estetisk bevissthet og virkeligheten.

Emnet estetikk

Det ble dannet i prosessen med århundrer gammel utvikling av estetisk tanke, på grunnlag av en generalisering av praktiseringen av folks estetiske holdning til produktene av deres aktivitet, til kunstverk, til naturen, til mennesket selv. Mange av spørsmålene som estetikken utforsker i dag har opptatt menneskeheten i lang tid; de ble satt foran seg selv av de gamle grekerne, og før grekerne tenkte tenkerne i Egypt, Babylon, India og Kina på dem.

Imidlertid ble vitenskapens navn - estetikk - introdusert i sirkulasjon først på midten av 1700-tallet av den tyske filosofen Baumgarten. Før ham ble spørsmål om estetikk vurdert innenfor rammen av generelle filosofiske begreper som deres organiske del. Og bare denne tyske opplysningsmannen pekte ut estetikk innenfor filosofiens rammer som en selvstendig disiplin som inntar en plass ved siden av andre filosofiske disipliner – logikk, etikk, epistemologi, og så videre. Baumgarten hentet begrepet "estetikk" fra et gammelgresk ord som betyr "angående det fornuftige". Følgelig er hans estetikk vitenskapen om sensorisk persepsjon. Emnet estetikk, og dermed innholdet i dette konseptet, har vært i konstant endring siden den gang. I dag er emnet for denne vitenskapen: for det første, naturen til det estetiske, det vil si mest Generelle egenskaper, sider som er iboende i ulike estetiske objekter av virkeligheten; for det andre arten av refleksjonen av disse fenomenene i menneskesinnet, i estetiske behov, oppfatninger, ideer, idealer, synspunkter og teorier; for det tredje karakteren av menneskers estetiske aktivitet som en prosess for å skape estetiske verdier.

Essensen og spesifisiteten til den estetiske holdningen til verden

Det estetiske forholdet er subjektets åndelige forbindelse med objektet, basert på et uinteressert ønske om sistnevnte og ledsaget av en følelse av dyp åndelig nytelse ved å kommunisere med ham.

Estetiske objekter oppstår i prosessen med sosiohistorisk praksis: i utgangspunktet spontant, og deretter i samsvar med de nye estetiske følelsene, behovene, ideene, generelt, den estetiske bevisstheten til mennesker. Veiledet av det, danner en person naturens "substans" i henhold til lovene for estetisk aktivitet. Som et resultat fremstår gjenstandene han skapte, for eksempel verktøy, som en enhet av de naturlige og sosiale aspektene, en enhet som, som en estetisk verdi, er i stand til å tilfredsstille ikke bare de materielle, utilitaristiske, men også de åndelige behovene. av folk.

Samtidig kan den samme gjenstanden i en henseende vise seg å være estetisk verdifull, for eksempel vakker, og i en annen - estetisk antiverdifull. For eksempel kan en person som gjenstand for estetisk holdning ha en vakker stemme og et stygt utseende. I tillegg kan det samme estetiske objektet være både verdifullt og anti-verdifullt i samme henseende, men til forskjellige tider. Det faktum at et estetisk objekt har en relativ estetisk betydning er også bevist av den polare karakteren til de estetiske hovedkategoriene (vakker og stygg, sublim og basal, tragisk og komisk).

Problemfelt og metodisk grunnlag for estetikk

En av de moderne tilnærmingene til å betrakte estetikkfaget som en vitenskap er at det problematiske feltet estetikk ikke er en spesiell sfære av fenomener, men hele verden sett fra en viss vinkel, alle fenomener tatt i lys av oppgaven som dette vitenskapen løser. Hovedspørsmålene til denne vitenskapen er naturen til estetikken og dens mangfold i virkeligheten og i kunsten, prinsippene for menneskets estetiske holdning til verden, kunstens essens og lover. Estetikk som vitenskap uttrykker systemet med estetiske syn på samfunnet, som setter sitt preg på hele ansiktet til menneskers materielle og åndelige aktivitet.

For det første dreier dette seg om standpunktet om at estetiske fenomener må vurderes i sin endelige kvalitet, helhetlig. Det er tross alt i en helhetlig, endelig kvalitet at enheten i den objektive og subjektive betingelsen av estetiske fenomener manifesteres.

Implementeringen av dette metodiske prinsippet begynner med oppdagelsen av de genetiske røttene til estetiske fenomener. Det genetiske synspunktet er det opprinnelige metodiske prinsippet for estetikk. Den forklarer hvordan estetiske fenomener (for eksempel kunst) bestemmes av virkeligheten, så vel som av originaliteten til forfatterens personlighet. Det genetiske synspunktet er det viktigste metodologiske prinsippet for estetikk, takket være hvilket subjekt-objekt-naturen til estetiske fenomener tas i betraktning.

Struktur av estetisk teori

Det estetiske forholdet til en person til virkeligheten er veldig mangfoldig og allsidig, men de er tydeligst manifestert i kunst. Kunst er også gjenstand for de såkalte kunsthistoriske vitenskapene (litteraturkritikk, musikkvitenskap, kunsthistorie og teori, teatervitenskap, etc.). Kunsthistorie består av ulike vitenskaper (historie og teori visse typer kunst). Komplekset av teorier om individuelle typer kunst og teoretisk kunnskap knyttet til kunst, kaller noen estetikere den generelle teorien om kunst og skiller den fra egentlig estetikk.

De kunsthistoriske vitenskapsgrenene utfører funksjonen som vitenskapelige hjelpedisipliner i forhold til estetikk. Imidlertid slutter ikke hjelpedisiplinene til estetikk der. De samme vitenskapelige hjelpedisiplinene i forhold til det er for eksempel kunstsosiologien, kunstens psykologi, epistemologi, semantikk og så videre. Estetikk bruker funnene fra mange vitenskapelige disipliner, uten å være identiske med dem. Derfor, på grunn av sin generaliserende natur, kalles estetikk en filosofisk vitenskap.

Det spesifikke forholdet mellom estetikk og kunst kommer tydelig til uttrykk i kunstkritikken. Estetikk er det teoretiske grunnlaget for kritikk; hjelper henne til å forstå problemene med kreativitet og legge frem aspekter som er i samsvar med betydningen av kunst for en person og samfunn. På grunnlag av sine konklusjoner og prinsipper, på grunnlag av etablerte mønstre, gir estetikk kritikk muligheten til å lage evalueringskriterier, vurdere kreativitet i forhold til gjeldende krav knyttet til utvikling av sosiale og verdimessige aspekter.

2. Estetiske ideer til folkene i det gamle østen

Tradisjonalisme av eldgamle østlige kulturer

Overgangen fra det primitive kommunale systemet til den slaveeiende formasjonen førte til dannelsen av en rekke mektige sivilisasjoner i Østen med et høyt nivå av materiell og åndelig kultur.

Spesifikasjonene for utviklingen av eldgamle østlige kulturer inkluderer en slik funksjon som en dyp tradisjonalisme. Noen tidlige ideer og ideer levde noen ganger i kulturene i øst i mange århundrer og til og med årtusener. I lang tid av eksistensen av de eldgamle kulturene i øst, gjaldt utviklingen individuelle nyanser av visse ideer, og deres grunnlag forble uendret.

Det gamle Egypt

Egypterne oppnådde stor suksess innen astronomi, matematikk, ingeniør- og konstruksjonsvitenskap, medisin, historie, geografi. Den tidlige oppfinnelsen av skrift bidro til fremveksten av originale eksempler på svært kunstnerisk gammel egyptisk litteratur. Utviklingen av kunst og dens ærefulle plass i egyptisk kultur skapte grunnlaget for utseendet til de første estetiske dommene registrert i skriftlige kilder. Sistnevnte vitner om at de gamle egypterne hadde en høyt utviklet følelse av skjønnhet, skjønnhet (nefer). Ord "nefer" gikk inn i den offisielle tittelen til faraoene.

Det gamle Egypt regnes som fødestedet til lysets religion og lysets estetikk. Det guddommelige sollys ble æret som det høyeste gode og den høyeste skjønnhet blant de gamle egypterne. Lys og skjønnhet har blitt identifisert i egyptisk kultur siden antikken. Essensen av guddommelig skjønnhet ble ofte redusert til utstråling.

Et annet aspekt av skjønnhet, iboende i nesten alle eldgamle østlige kulturer, er den høye estetiske verdsettelsen av edle metaller. Gull, sølv, elektr, lapis lazuli i forståelsen av egypterne var de vakreste materialene. På grunnlag av ideene til de gamle egypterne om skjønnhet og det vakre, ble fargen dannet. kanon egyptere. Den inkluderte enkle farger: hvit, rød, grønn. Men egypterne satte spesielt pris på fargene til gull og lapis lazuli. "Gull" fungerte ofte som et synonym for "vakker".

Den kunstneriske tenkningen til egypterne fra antikken, som et resultat av lang praksis, utviklet et utviklet system av kanoner: proporsjonskanonen, fargekanonen, den ikonografiske kanonen. Her har kanonen blitt det viktigste estetiske prinsippet som bestemmer kunstnerens kreative aktivitet. Kanonen spilte en viktig rolle i arbeidet til de gamle egyptiske mestrene og styrte deres kreative energi. Den kunstneriske effekten i kanonisk kunst ble oppnådd på grunn av den lille variasjonen av former innenfor det kanoniske opplegget.

Egypterne verdsatte matematikk og brukte dens lover på nesten alle områder av deres aktivitet. For kunsten utviklet de et system med harmonisk bildeproporsjonering. Modulen til dette systemet var et numerisk uttrykk "gyldne snitt"-- tallet 1.618... Siden proporsjonene var av universell karakter, spredte seg til mange områder innen vitenskap, filosofi og kunst, og ble oppfattet av egypterne selv som en refleksjon av universets harmoniske struktur, ble de ansett som hellige .

Det gamle Kina

Kinesisk estetisk tanke ble først klart identifisert blant filosofene fra det 6. - 3. århundre f.Kr. e. Estetiske konsepter og termer, så vel som hovedbestemmelsene til estetisk teori, ble utviklet i det gamle Kina på grunnlag av filosofisk forståelse av naturens og samfunnets lover.

Blant de mange skolene og retningene hørte et spesielt sted til Taoisme Og Konfucianisme . Disse to læresetningene spilte en ledende rolle i antikken og hadde en avgjørende innflytelse på all senere utvikling. kinesisk kultur. Både taoismen og konfucianismen var opptatt av søket etter et sosialt ideal, men retningen for deres søken var en helt annen. Den sentrale delen av taoismen var læren om verden. Alt annet - læren om samfunnet og staten, kunnskapsteorien, kunstteorien (i sin eldgamle form) - gikk ut fra læren om verden. I sentrum av konfuciansk filosofi var en person i hans PR, en person som grunnlaget for urokkelig ro og orden, et ideelt medlem av samfunnet. Med andre ord, i konfucianismen har vi alltid å gjøre med et etisk og estetisk ideal, mens for taoismen er det ingenting vakrere enn kosmos og naturen, og samfunnet og mennesket er så vakre som de kan bli som skjønnheten i den objektive verden . De estetiske synspunktene til Confucius og hans tilhengere utviklet seg i tråd med deres sosiopolitiske teori. Selve begrepet "vakker" (Kan) i Confucius er det et synonym for "god", eller det betyr ganske enkelt ytre vakkert. Generelt er det estetiske idealet til Confucius en syntetisk enhet av det vakre, det gode og det nyttige.

3. Antikk estetisk tanke

Antikkens estetikk er en estetisk tanke som utviklet seg i antikkens Hellas og Roma fra 600-tallet f.Kr. til 600-tallet e.Kr. Med mytologiske ideer som kilde, er eldgammel estetikk født, blomstrer og avtar innenfor rammen av den slaveeiende formasjonen, og er et av de mest slående uttrykkene for datidens kultur.

Følgende perioder skilles ut i historien til antikkens estetikk: 1) tidlige klassikere eller kosmologisk estetikk (VI-V århundrer f.Kr.); 2) middelklassikere eller antropologisk estetikk (5. århundre f.Kr.); 3) høye (modne) klassikere eller eidologisk estetikk (V-IV århundrer f.Kr.); 4) tidlig hellenisme (IV-I århundrer f.Kr.); 5) sen hellenisme (I-VI århundrer e.Kr.).

Kosmologi som grunnlaget for gammel estetikk

For estetiske ideer, så vel som for hele antikkens verdensbilde, er en vektlagt kosmologi karakteristisk. Kosmos, fra de gamles synspunkt, selv om det er romlig begrenset, men preget av harmoni, proporsjon og regelmessig bevegelse i det, fungerte som legemliggjørelsen av skjønnhet. Kunst i den tidlige perioden med gammel tanke var ennå ikke skilt fra håndverk og fungerte ikke som et estetisk objekt fra ende til ende. For den gamle grekeren var kunst en produksjons- og teknisk aktivitet. Derav den uoppløselige enheten i den praktiske og rent estetiske holdningen til objekter og fenomener. Det er ikke for ingenting at selve ordet som grekerne uttrykker begrepet kunst, "techne", har samme rot som "tikto" - "jeg føder", slik at "kunst" er på gresk "generasjon" eller materiale skapelse av en ting fra seg selv det samme, men nye ting.

førklassisk estetikk

I sin reneste og mest direkte form ble eldgammel estetikk, nedfelt i mytologi, dannet på stadiet av primitiv fellesdannelse. Slutten av II og de første århundrene av I årtusen f.Kr. e. var i Hellas en periode med episk kreativitet. Gresk epos, som er nedtegnet i dikt Homer Iliaden og Odysseen fungerer bare som kilden som antikkens estetikk startet fra.

For Homer var skjønnhet en guddom og hovedkunstnerne var gudene. Ikke bare var gudene de kosmiske prinsippene som lå til grunn for kosmos som et kunstverk, men det var de også for menneskelig kreativitet. Apollo and the Muses inspirerte sangere, og i arbeidet til den homeriske sangeren hovedrolle det var ikke sangeren selv som spilte, men gudene, fremfor alt Apollo og musene.

Skjønnhet ble unnfanget av Homer i form av den tynneste, gjennomsiktige, lysende materie, i form av en slags flytende, levende strøm. Skjønnhet fungerte som en slags lett luftig utstråling, som kan omslutte, kle gjenstander. Begavelse, innhylling med skjønnhet er ytre. Men det var også en indre begavelse. Det er fremfor alt inspirasjonen til de homeriske sangerne og Homer selv.

Spesielle estetiske lære fra antikken

Det var flere slike doktriner, om problemene som mange eldgamle forfattere prøvde å uttrykke seg.

Kalokagatiya ("Kalos" - vakker, "agatos" - god, moralsk perfekt) - et av konseptene til gammel estetikk, som betegner harmonien mellom det ytre og indre, som er en betingelse for individets skjønnhet. Begrepet "kalokagatia" ble tolket forskjellig i forskjellige perioder av den sosiohistoriske utviklingen av det gamle samfunnet, avhengig av typene tenkning. Pytagoreerne forsto det som den ytre oppførselen til en person, bestemt av indre egenskaper. Den eldgamle aristokratiske forståelsen av "kalokagatia" er iboende i Herodot, som betraktet det i forbindelse med prestetradisjoner, Platon, som assosierte det med militær dyktighet, "naturlige" egenskaper eller med generiske trekk. Med utviklingen av den eldgamle individuelle økonomien begynte begrepet "kalokagatia" å bli brukt for å betegne praktiske og flittige eiere, og på det politiske livets sfære ble det brukt (som et substantiv) på moderate demokrater. På slutten av det 5. århundre f.Kr. e. med fremkomsten av sofisteri begynte begrepet "kalokagatiya" å bli brukt for å karakterisere læring og utdanning. Platon og Aristoteles forsto kalokagatiya filosofisk - som harmonien mellom indre og ytre, og av indre forsto de visdom, hvis implementering i livet førte en person til kalokagatiya. Med utviklingen av individualisme og psykologisme i hellenismens tid begynte kalokagatiya ikke å bli tolket som en naturlig kvalitet, men som et resultat av moralske øvelser og trening, noe som førte til dens moralistiske forståelse.

katarsis (rensing) - et begrep som tjente til å betegne et av de essensielle øyeblikkene for kunstens estetiske innvirkning på en person. Pytagoreerne utviklet teorien om å rense sjelen fra skadelige lidenskaper ved å utsette den for spesielt utvalgt musikk. Platon assosierte ikke katarsis med kunst, og forsto det som en rensing av sjelen fra sensuelle ambisjoner, fra alt kroppslig, og tilslørte og forvrengte ideenes skjønnhet. Faktisk ble den estetiske forståelsen av katarsis gitt av Aristoteles, som skrev at under påvirkning av musikk og sang, er psyken til lytterne begeistret, sterke påvirkninger (medlidenhet, frykt, entusiasme) oppstår i den, som et resultat av at lyttere "mottar en slags renselse og lettelse forbundet med nytelse ..." . Han pekte også på tragedies katartiske effekt, og definerte den som en spesiell type "imitasjon gjennom handling, ikke historie, som gjennom medfølelse og frykt renser slike affekter."

Mimesis (imitasjon, reproduksjon) - i gammel estetikk, det grunnleggende prinsippet for kunstnerens kreative aktivitet. Ut fra det faktum at all kunst er basert på mimesis, tolket antikkens tenkere selve essensen av dette konseptet på forskjellige måter. Pytagoreerne trodde at musikk imiterer "de himmelske sfærers harmoni", Demokrit var overbevist om at kunst i sin videste forstand (som en produktiv menneskelig kreativ aktivitet) kommer fra imitasjon av mennesket av dyr (veving - fra imitasjon av en edderkopp, hus -bygge - en svale, synge - fugler osv.). Platon mente at imitasjon er grunnlaget for all kreativitet. Den faktiske estetiske teorien om mimesis tilhører Aristoteles. Det inkluderer både en adekvat refleksjon av virkeligheten (skildringen av ting som «de var og er»), og aktiviteten til kreativ fantasi (deres fremstilling som «det blir snakket om og tenkt på»), og idealiseringen av virkeligheten (deres skildring som sådan, "hva de burde være). Formålet med mimesis i kunsten, ifølge Aristoteles, er tilegnelse av kunnskap og eksitering av en følelse av nytelse fra reproduksjon, kontemplasjon og erkjennelse av et objekt.

4. Middelalderens estetikk

Grunnleggende prinsipper

Middelalderestetikk er et begrep som brukes i to betydninger, bred og smal. I den vide betydningen av ordet er middelalderestetikk estetikken til alle middelalderregioner, inkludert estetikken i Vest-Europa, bysantinsk estetikk, gammel russisk estetikk og andre. I snever forstand er middelalderens estetikk Vest-Europas estetikk på 500-1300-tallet. I sistnevnte skilles det mellom to kronologiske hovedperioder – tidlig middelalder (5. – 10. århundre) og senmiddelalder (11. – 13. århundre), samt to hovedområder – filosofisk og teologisk og kunsthistorie. Den første perioden med middelalderestetikk er preget av en beskyttende stilling i forhold til den antikke arven. I senmiddelalderen dukket det opp spesielle estetiske avhandlinger som en del av store filosofiske og religiøse koder (de såkalte "summene"), den teoretiske interessen for estetiske problemer, som er spesielt karakteristisk for tenkerne fra XII - XIII århundrer.

Den store kronologiske perioden i middelalderen i Vesten korrelerer med den sosioøkonomiske dannelsen av føydalismen. Den hierarkiske strukturen i samfunnet gjenspeiles i middelalderens verdensbilde i form av ideen om det såkalte himmelske hierarkiet, som finner sin fullføring i Gud. I sin tur viser naturen seg å være en synlig manifestasjon av det oversanselige prinsippet (Gud). Ideer om hierarki er symbolske. Separate synlige, sanselige fenomener oppfattes kun som symboler på den «usynlige, uutsigelige Gud». Verden ble sett på som et system karakterhierarki.

Bysantinsk estetikk

I 324-330 grunnla keiser Konstantin den nye hovedstaden i Romerriket på stedet for en liten gammel by i Byzantium - Konstantinopel. Noe senere delte Romerriket seg i to deler – vestlig og østlig. Konstantinopel ble hovedstaden i sistnevnte. Siden den gang er det vanlig å vurdere historien til bysantinsk kultur, som eksisterte innenfor rammen av en enkelt stat frem til 1453.

Bysantinsk estetikk, etter å ha absorbert og omarbeidet mange på sin egen måte estetiske ideer antikken, stilte og forsøkte å løse en rekke nye, betydningsfulle for historien til estetiske problemer. Blant dem bør man peke på utviklingen av slike kategorier som bildet, symbolet, kanonen, nye modifikasjoner av det vakre, reisingen av en rekke spørsmål knyttet til den spesifikke analysen av kunst, spesielt analysen av oppfatningen av kunst og tolkningen av kunstverk, samt skiftet i vekt til den psykologiske siden av estetiske kategorier. De betydelige problemene med denne estetikken inkluderer å stille spørsmålet om kunstens rolle i det generelle filosofiske og religiøse systemet for å forstå verden, dens epistemologiske rolle og noen andre problemer.

"Absolutt skjønnhet" er målet for bysantinernes åndelige ambisjoner. En av veiene til dette målet så de i det "vakre" materiell verden, for i ham og gjennom ham er "skyldige" av alt kjent. Bysantinernes holdning til «jordisk skjønnhet» er imidlertid ambivalent og ikke alltid bestemt.

På den ene siden hadde bysantinske tenkere en negativ holdning til sensuell skjønnhet, som årsaken til syndige tanker og kjødelig begjær. På den annen side verdsatte de det vakre i den materielle verden og i kunsten, fordi det i deres forståelse fungerte som en "visning" og en manifestasjon av guddommelig absolutt skjønnhet på nivået av empirisk vesen.

Bysantinske tenkere kjente også til den polare kategorien av det vakre - det stygge og prøvde å definere det. Mangel på skjønnhet, orden, uforholdsmessig blanding av forskjellige gjenstander - alt dette er indikatorer på det stygge, "fordi stygghet er underlegenhet, mangel på form og brudd på orden."

For bysantinske tenkere hadde "vakker" (i naturen og i kunsten) ingen objektiv verdi. Bare den guddommelige "absolutt skjønnhet" hadde det. Det vakre var betydningsfullt for dem hver gang bare i sin direkte kontakt med et spesifikt persepsjonsemne. I første omgang i bildet var dets psykologiske funksjon - å organisere på en bestemt måte indre tilstand person. "Vakker" var bare et middel til å danne en mental illusjon om å forstå den supervakre, "absolutte skjønnheten".

Sammen med skjønnhet og skjønnhet fremmer bysantinsk estetikk en annen estetisk kategori, noen ganger sammenfallende med dem, men har generelt en uavhengig betydning - lys. Forutsatt et nært forhold mellom Gud og lys, angir bysantinerne det i forholdet "lys - skjønnhet".

Tidlig middelalder

Vesteuropeisk middelalderestetikk var sterkt påvirket av den kristne tenkeren Aurelius Augustine . Augustin identifiserte skjønnhet med form, fraværet av form med stygghet. Han mente at absolutt stygt ikke eksisterer, men det er gjenstander som, sammenlignet med mer perfekt organiserte og symmetriske, mangler form. Det stygge er bare en relativ ufullkommenhet, den laveste graden av skjønnhet.

Augustin lærte at en del som er vakker som en del av helheten, blir revet bort fra den, mister sin skjønnhet, tvert imot, det stygge blir vakkert i seg selv, og går inn i den vakre helheten. De som anså verden som ufullkommen, sammenlignet Augustine med folk som ser på én mosaikkkube, i stedet for å tenke på hele komposisjonen og nyte skjønnheten til steiner koblet sammen til en enkelt helhet. Bare en ren sjel kan forstå skjønnheten i universet. Denne skjønnheten er en refleksjon av "guddommelig skjønnhet". Gud er den høyeste skjønnhet, arketypen for materiell og åndelig skjønnhet. Ordenen som hersker i universet er skapt av Gud. Denne rekkefølgen manifesteres i mål, enhet og harmoni, siden Gud «ordnet alt etter mål, antall og vekt».

I nesten et årtusen var verkene til Augustin en av de viktigste lederne av antikkens platonisme og nyplatonisme i vesteuropeisk middelalderestetikk, de la grunnlaget for middelalderens religiøse estetikk, forsto måtene å bruke kunst i kirkens tjeneste.

Senmiddelalder

De såkalte «Summer» blir et eksempel på skolastisk filosofering på 1200-tallet, hvor presentasjonen utføres i følgende rekkefølge: problemstilling, presentasjon av ulike meninger, forfatterens løsning, logiske bevis, tilbakevisning av mulige og faktiske innvendinger. I henhold til dette prinsippet bygges også "Teologiens sum". Thomas Aquinas , hvorav noen deler er viet til estetikk.

Aquinas definerte skjønnhet som det som gir glede ved sitt utseende. Skjønnhet krever tre betingelser:

1) helhet eller perfeksjon,

2) behørig proporsjon eller konsonans

3) klarhet, på grunn av hvilke gjenstander som har en strålende farge kalles vakre. Klarhet finnes i skjønnhetens natur. Samtidig betyr "klarhet" ikke så mye fysisk utstråling som klarhet i persepsjonen, og nærmer seg dermed sinnets klarhet.

Skjønnhet og god skilles egentlig ikke, siden Gud etter hans syn er både absolutt skjønnhet og absolutt god, men bare i konseptet. En velsignelse er noe som tilfredsstiller et ønske eller behov. Derfor henger det sammen med begrepet mål, siden begjær er en slags bevegelse mot et objekt.

Skjønnhet krever noe mer. Det er en god, selve oppfatningen som gir tilfredsstillelse. Eller, med andre ord, begjær finner tilfredsstillelse i selve kontemplasjonen eller forståelsen av en vakker ting. Estetisk nytelse er nært knyttet til erkjennelse. Det er derfor, for det første, de følelsene som er mest kognitive, nemlig visuelle og auditive, er relatert til estetisk persepsjon. Syn og hørsel er nært forbundet med sinnet og er derfor i stand til å oppfatte skjønnhet.

"Lys" var en viktig kategori av all middelaldersk estetikk. Lyssymbolikk ble aktivt utviklet. «Lysets metafysikk» var grunnlaget som skjønnhetslæren hvilte på i middelalderen. Claritas i middelalderske avhandlinger betyr lys, utstråling, klarhet og er inkludert i nesten alle definisjoner av skjønnhet. Skjønnhet for Augustin er utstrålingen av sannhet. For Aquinas betyr det vakres lys "utstrålingen av en tings form, enten det er et kunstverk eller natur ... på en slik måte at det fremstår for ham i all fylde og rikdom av sin fullkommenhet og rekkefølge."

Oppmerksomheten til middelalderske tenkere til menneskets indre verden er spesielt tydelig og fullstendig manifestert i deres utvikling av problemene med musikalsk estetikk. Samtidig er det viktig at problemene med musikalsk estetikk i seg selv er en slags "fjernet" modell av universelle begreper av generell filosofisk betydning.

Middelalderske tenkere jobbet mye med oppfatningen av skjønnhet og kunst, og uttrykte en rekke vurderinger som er interessante for estetikkens historie.

5. Renessansens estetiske lære

Tidens overgangskarakter, dens humanistiske orientering og ideologiske nyvinninger

I renessansen er det: Proto-renessanse (ducento og trecento, 12-13 - 13-14 århundrer), tidlig renessanse (quattrocento, 14-15 århundrer), høyrenessanse (cinquecento, 15-16 århundrer).

Renessansens estetikk er assosiert med den grandiose revolusjonen som finner sted på alle områder av det offentlige liv: innen økonomi, ideologi, kultur, vitenskap og filosofi. På dette tidspunktet, blomstringen av urban kultur, de store geografiske oppdagelsene, som enormt utvidet menneskets horisonter, overgangen fra håndverk til manufaktur.

Utviklingen av produktivkreftene, oppløsningen av føydale klasseforhold som lenket produksjonen, førte til frigjøring av individet, skaper forutsetninger for dets frie og universelle utvikling.

Gunstige forhold for den omfattende og universelle utviklingen av individet skapes ikke bare på grunn av oppløsningen av den føydale produksjonsmåten, men også på grunn av den utilstrekkelige utviklingen av kapitalismen, som fortsatt var ved begynnelsen av dens dannelse. Denne doble, overgangskarakteren til renessansens kultur i forhold til de føydale og kapitalistiske produksjonsmåtene må tas i betraktning når man vurderer de estetiske ideene fra denne epoken. Renessansen er ikke en stat, men en prosess, og dessuten en prosess av overgangskarakter. Alt dette gjenspeiles i verdensbildets natur.

I renessansen er det en prosess med radikalt brudd på middelalderens system for syn på verden og dannelsen av en ny, humanistisk ideologi. I vid forstand er humanisme et historisk skiftende synssystem som anerkjenner verdien av en person som person, hans rett til frihet, lykke, utvikling og manifestasjon av hans evner, og vurderer det beste for en person som et kriterium for å vurdere sosiale institusjoner, og prinsippene om likhet, rettferdighet, menneskelighet som en ønsket norm for forhold mellom mennesker. I snever forstand er det en kulturell bevegelse fra renessansen. Alle former for italiensk humanisme refererer ikke så mye til renessansens estetikks historie som til estetikkens sosiopolitiske atmosfære.

Grunnleggende prinsipper for renessanseestetikk

Først av alt er nyheten i denne epoken fremme av skjønnhetens forrang, og dessuten sensuell skjønnhet. Gud skapte verden, men hvor vakker denne verden er, hvor mye skjønnhet det er i menneskelivet og i menneskekroppen, i det levende uttrykket til det menneskelige ansiktet og i menneskekroppens harmoni!

Først gjør kunstneren så å si også Guds verk og etter Guds vilje. Men, i tillegg til at kunstneren må være lydig og ydmyk, må han være utdannet og utdannet, han må forstå mye i alle vitenskaper, inkludert filosofi. Den aller første læreren til kunstneren bør være matematikk, rettet mot nøye måling av den nakne menneskekroppen. Hvis antikken delte menneskefiguren inn i seks eller syv deler, delte Alberti, for å oppnå nøyaktighet i maleri og skulptur, den inn i 600, og Dürer deretter i 1800 deler.

Den middelalderske ikonmaleren hadde liten interesse for de virkelige proporsjonene til menneskekroppen, siden den for ham bare var en bærer av ånden. For ham besto kroppens harmoni i en asketisk kontur, i en plan refleksjon av den superkroppslige verden på den. Men for vekkelsesmannen Giorgione er "Venus" en fullverdig kvinnelig naken kropp, som, selv om den er en skapelse av Gud, på en eller annen måte allerede glemmer Gud når du ser på ham. I forgrunnen her er kunnskapen om ekte anatomi. Derfor er renessansekunstneren ikke bare en ekspert på alle vitenskaper, men først og fremst i matematikk og anatomi.

Renessanseteorien, i likhet med den gamle, forkynner imitasjon av naturen. Men i forgrunnen her er ikke så mye natur som kunstneren. I sitt arbeid ønsker kunstneren å avsløre skjønnheten som ligger i selve naturens fordypninger. Derfor mener kunstneren at kunst er enda høyere enn naturen. Teoretikere av renessanseestetikk, for eksempel, har en sammenligning: en kunstner må skape måten Gud skapte verden på, og enda mer perfekt enn det. Nå sier de ikke bare om kunstneren at han må være en ekspert i alle vitenskaper, men fremhever også arbeidet hans, der de til og med prøver å finne et skjønnhetskriterium.

Renessansens estetiske tenkning stolte for første gang på menneskesyn som sådan, uten gammel kosmologi og uten middelaldersteologi. I renessansen begynte en person for første gang å tenke at det virkelige og subjektivt-sensuelt synlige bildet av verden er hans virkelige bilde, at dette ikke er fiksjon, ikke en illusjon, ikke en synsfeil og ikke spekulativ empiri, men det vi ser med egne øyne, - dette er hva det egentlig er.

Og fremfor alt ser vi virkelig hvordan objektet vi ser beveger seg bort fra oss, tar helt andre former og spesielt krymper i størrelse. To linjer som ser ut til å være helt parallelle i nærheten av oss, når de beveger seg bort fra oss, kommer nærmere og nærmere, og i horisonten, det vil si i tilstrekkelig stor avstand fra oss, nærmer de seg rett og slett hverandre til de smelter fullstendig sammen. enkelt poeng. Fra sunn fornufts synspunkt ser det ut til at dette er absurd. Hvis linjene er parallelle her, så er de parallelle overalt. Men her er en så stor tillit fra renessansens estetikk til virkeligheten av denne sammenslåingen av parallelle linjer på en avstand langt nok fra oss til at en hel vitenskap senere dukket opp fra denne typen virkelige menneskelige sansninger - perspektivgeometri.

Grunnleggende estetikk filosofiske læresetninger og kunstteori

I tidlig humanisme var epikureanismens innflytelse spesielt sterkt følt, som fungerte som en form for polemikk mot middelalderens askese og et middel til å rehabilitere sensuell kroppslig skjønnhet, som middelalderske tenkere stilte spørsmål ved.

Renessansen tolket epikurisk filosofi på sin egen måte, noe som kan sees i forfatteren Vallas arbeid og hans avhandling Om nytelse. Vallas gledepreken har en kontemplativ, selvtilstrekkelig betydning. I sin avhandling lærer Valla bare om slik nytelse eller nytelse, som ikke er belastet av noe, ikke truer med noe vondt, som er uinteressert og bekymringsløst, som er dypt menneskelig og samtidig guddommelig.

Renessanse-neoplatonisme representerer en helt ny type nyplatonisme, som motarbeidet middelalderens skolastikk og «skolastisert» aristotelisme. De første stadiene i utviklingen av neoplatonisk estetikk ble assosiert med navnet Nicholas av Cusa.

Kuzansky utvikler konseptet sitt om det vakre i avhandlingen Om skjønnhet. Hos ham fremstår skjønnhet ikke bare som en skygge eller et svakt avtrykk av den guddommelige prototypen, slik det var karakteristisk for middelalderens estetikk. I enhver form for det virkelige, det sensuelle, skinner en uendelig enkelt skjønnhet gjennom, som er tilstrekkelig for alle dens spesielle manifestasjoner. Kuzansky avviser enhver idé om hierarkiske nivåer av skjønnhet, av høyere og lavere skjønnhet, absolutt og relativ, sensuell og guddommelig. Alle typer og former for skjønnhet er helt like. Skjønnhet i Kuzansky er en universell egenskap ved å være. Kuzansky estetiserer alt vesen, enhver, inkludert prosaisk, hverdagslig virkelighet. I alt som har form, form, er det skjønnhet. Derfor er det stygge ikke inneholdt i selve vesenet, det oppstår kun fra de som oppfatter dette vesenet. "Svane - fra de som godtar det ...", - hevder tenkeren. Derfor inneholder ikke væren stygghet. I verden er det bare skjønnhet som en universell egenskap for naturen og vesenet generelt.

Sekund stor periode i utviklingen av den estetiske tanken fra renessanse-neoplatonismen var det platoniske akademiet i Firenze, ledet av Ficino . All kjærlighet er ifølge Ficino et ønske. Skjønnhet er ingenting annet enn "ønske om skjønnhet" eller "ønske om å nyte skjønnhet". Det er guddommelig skjønnhet, åndelig skjønnhet og kroppslig skjønnhet. Guddommelig skjønnhet er en slags stråle som trenger inn i det engleaktige eller kosmiske sinnet, deretter inn i den kosmiske sjelen eller hele verdens sjel, deretter inn i det undermåneske eller jordiske riket av naturen, og til slutt inn i materiens formløse og livløse rike.

I Ficinos estetikk får kategorien det stygge en ny tolkning. Hvis Nicholas av Cusa ikke har noe sted for stygghet i selve verden, så i estetikken til neoplatonistene er styggen allerede uavhengig. estetisk verdi. Det er forbundet med materiens motstand, som motsetter seg den åndeliggjørende aktiviteten til ideell, guddommelig skjønnhet. I samsvar med dette er også begrepet kunstnerisk kreativitet i endring. Kunstneren må ikke bare skjule naturens mangler, men også rette på dem, som om han gjenskaper naturen.

Et stort bidrag til utviklingen av den estetiske tanken fra renessansen ble gitt av en italiensk kunstner, arkitekt, vitenskapsmann, kunstteoretiker og filosof. Alberti . I sentrum av Albertis estetikk er skjønnhetslæren. Skjønnhet, etter hans mening, ligger i harmoni. Det er tre elementer som utgjør skjønnhet, spesielt skjønnheten til en arkitektonisk struktur. Disse er antall, begrensning og plassering. Men skjønnhet er ikke en enkel aritmetisk sum av dem. Uten harmoni faller den høyere harmonien til delene fra hverandre.

Det er karakteristisk hvordan Alberti tolker begrepet «stygg». Skjønnhet er et absolutt kunstverk for ham. Det stygge fungerer bare som en viss type feil. Derav kravet om at kunsten ikke skal korrigere, men skjule stygge og stygge gjenstander.

stor italiensk artist da Vinci i sitt liv, vitenskapelige og kunstneriske arbeid legemliggjorde han det humanistiske idealet om en "omfattende utviklet personlighet". Omfanget av hans praktiske og teoretiske interesser var virkelig universelt. Det inkluderte maleri, skulptur, arkitektur, pyroteknikk, militær og sivilingeniør, matematikk og vitenskap, medisin og musikk.

Akkurat som Alberti ser han i maleriet ikke bare «overføringen av naturens synlige kreasjoner», men også «vittig fiksjon». Samtidig ser han fundamentalt annerledes på formålet og essensen av kunst, først og fremst maleri. Hovedspørsmålet i teorien hans, hvis oppløsning forutbestemte alle andre teoretiske premisser til Leonardo, var definisjonen av essensen av maleri som en måte å kjenne verden på. "Maleri er en vitenskap og naturens legitime datter" og "bør plasseres over enhver annen aktivitet, for det inneholder alle former, både eksisterende og ikke eksisterende i naturen."

Maleri presenteres av Leonardo som den universelle metoden for å erkjenne virkeligheten, som dekker alle objekter i den virkelige verden, dessuten skaper malerkunsten synlige bilder som er forståelige og tilgjengelige for forståelsen av alle uten unntak. I dette tilfellet er det kunstnerens personlighet, beriket med dyp kunnskap om universets lover, som vil være speilet der den virkelige verden reflekteres, og brytes gjennom prismet til kreativ individualitet.

Renessansens personlig-materielle estetikk, veldig tydelig uttrykt i Leonardos verk, når sine mest intense former i Michelangelo . Å avsløre feilen i det estetiske vekkelsesprogrammet som plasserte individet i sentrum av hele verden, figurene fra høyrenessansen forskjellige måter uttrykke dette tapet av hovedstøtten i deres arbeid. Hvis i Leonardo figurene som er avbildet av ham er klare til å oppløses i sitt miljø, hvis de så å si er innhyllet i en slags lys dis, så er Michelangelo preget av et helt motsatt trekk. Hver figur i komposisjonene hans er noe lukket i seg selv, så figurene er noen ganger så urelaterte med hverandre at komposisjonens integritet blir ødelagt.

Båret bort til slutten av livet av en stadig økende bølge av opphøyet religiøsitet, kommer Michelangelo til fornektelse av alt han tilbad i sin ungdom, og fremfor alt, til fornektelse av en blomstrende naken kropp, som uttrykker overmenneskelig kraft og energi. Han slutter å tjene renessansens idoler. I hans sinn er de beseiret, akkurat som renessansens viktigste idol viser seg å være beseiret - troen på menneskets ubegrensede skaperkraft, gjennom at kunsten blir lik Gud. Hele livsveien han gikk fra nå av virker for Michelangelo å være en fullstendig villfarelse.

Krisen til renessansens estetiske idealer og manerismens estetiske prinsipper

Et av de helt tydelige tegnene på renessansens økende tilbakegang er den kunstneriske og teoretisk-estetiske trenden som kalles mannerisme. Ordet "måte" betydde opprinnelig en spesiell stil, det vil si forskjellig fra den vanlige, da - en betinget stil, det vil si forskjellig fra den naturlige. Et fellestrekk ved manerismens fine kunster var ønsket om å frigjøre seg fra idealet om kunsten fra den modne renessansen.

Denne trenden manifesterte seg i det faktum at både de estetiske ideene og den kunstneriske praksisen til italienske Quattrocento ble stilt spørsmål ved. Temaet for kunst i den perioden var i motsetning til bildet av en endret, transformert virkelighet. Uvanlige, fantastiske temaer, død natur, uorganiske gjenstander ble verdsatt. Regelkulten og proporsjonsprinsippene ble stilt spørsmål ved.

Endringer i kunstnerisk praksis førte til modifikasjoner og endringer i vektleggingen av estetiske teorier. For det første gjelder dette kunstens oppgaver og dens klassifisering. Hovedspørsmålet blir kunstens problem, ikke skjønnhetsproblemet. «kunstighet» blir det høyeste estetiske idealet. Hvis estetikken til høyrenessansen var på utkikk etter presise, vitenskapelig verifiserte regler, ved hjelp av hvilke kunstneren kunne oppnå en sann overføring av naturen, motsetter manerismens teoretikere den ubetingede betydningen av alle regler, spesielt matematiske. Problemet med forholdet mellom natur og kunstnerisk genialitet tolkes på en annen måte i manierismens estetikk. For kunstnere på 1400-tallet ble dette problemet løst til fordel for naturen. Kunstneren skaper verkene sine, følger naturen, velger og trekker ut skjønnhet fra hele variasjonen av fenomener. Mannerismens estetikk gir ubetinget preferanse til kunstnerens geni. Kunstneren må ikke bare etterligne naturen, men også korrigere den, strebe etter å overgå den.

Mannerismens estetikk, som utviklet noen ideer om renessanseestetikk, nektet andre og erstattet dem med nye, reflekterte den alarmerende og motstridende situasjonen i sin tid. Harmonisk klarhet og balanse i den modne renessansen, kontrasterte hun dynamikken, spenningen og sofistikeringen av kunstnerisk tanke og følgelig dens refleksjon i estetiske teorier, og banet vei for en av de viktigste kunstneriske trendene på 1600-tallet - barokken.

6 . Den nye tidens estetikk

Rasjonalistiske grunnlag for kultur. Det er umulig å trekke en helt presis grense mellom kulturene på 1500- og 1600-tallet. Allerede på 1500-tallet begynte nye ideer om verden å ta form i læren til italienske naturfilosofer. Men det virkelige vendepunktet i vitenskapen om universet finner sted ved overgangen til 1500- og 1600-tallet, da Giordano Bruno, Galileo Galilei og Kepler, som utvikler den heliosentriske teorien om Copernicus, kommer til konklusjonen om mangfoldet av verdener, ca. universets uendelighet, der jorden ikke er sentrum, men en liten partikkel da oppfinnelsen av teleskopet og mikroskopet avslørte for mennesket eksistensen av det uendelig fjerne og det uendelig små.

På 1600-tallet endret forståelsen av mennesket, dets plass i verden, forholdet mellom individ og samfunn. Renessansemannens personlighet er preget av absolutt enhet og integritet, den er blottet for kompleksitet og utvikling. Personligheten - fra renessansen - hevder seg i samsvar med naturen, som er en god kraft. Energien til en person, så vel som formue, bestemmer hans livsbane. Denne «idylliske» humanismen var imidlertid ikke lenger egnet for den nye æra, da mennesket sluttet å anerkjenne seg selv som universets sentrum, da det følte livets kompleksitet og motsetninger, da det måtte føre en hard kamp mot føydale katolikk. reaksjon.

Personligheten til 1600-tallet er ikke verdifull i seg selv, som renessansens personlighet, den avhenger alltid av miljøet, naturen og massen av mennesker som den ønsker å vise seg for, for å imponere og overbevise den. Denne tendensen til på den ene siden å treffe massenes fantasi, og på den annen side å overbevise dem, er et av hovedtrekkene i kunsten på 1600-tallet.

1600-tallets kunst er, i likhet med renessansens kunst, preget av heltekulten. Men dette er en helt som ikke er preget av handlinger, men av følelser, opplevelser. Dette bevises ikke bare av kunst, men også av filosofien på 1600-tallet. Descartes skaper læren om lidenskaper, mens Spinoza betrakter menneskelige ønsker «som om de var linjer, fly og kropper».

Denne nye oppfatningen av verden og mennesket kunne få en todelt retning på 1600-tallet, avhengig av hvordan den ble brukt. I denne komplekse, motstridende, mangefasetterte verdenen av naturen og den menneskelige psyken kunne dens kaotiske, irrasjonelle, dynamiske og emosjonelle side, dens illusoriske natur, dens sanselige egenskaper understrekes. Denne veien førte til barokkstilen.

Men vekten kunne også legges på klare, distinkte ideer som gjennomskuer sannhet og orden i dette kaoset, på tanker som strever med dens konflikter, på fornuft som overvinner lidenskaper. Denne veien førte til klassisisme.

Barokk og klassisisme, etter å ha fått sin klassiske design i henholdsvis Italia og Frankrike, spredte seg i en eller annen grad over alle europeiske land og var de dominerende trendene i den kunstneriske kulturen på 1600-tallet.

Barokkens estetiske prinsipper

Barokkstilen har sin opprinnelse i Italia, i et land fragmentert i små stater, i et land som opplevde motreformasjon og en sterk føydal reaksjon, der velstående borgere ble til et landaristokrati, i et land hvor teorien og praksisen om mannerisme blomstret, og hvor samtidig i all sin glans de rikeste tradisjonene fra renessansens kunstneriske kultur er bevart. Fra manerismen hentet barokken sin subjektivitet, fra renessansen – sin fascinasjon for virkeligheten, men begge deler i en ny stilistisk refraksjon. Og selv om restene av mannerismen fortsetter å påvirke det første og til og med det andre tiåret av 1600-tallet, kan i hovedsak overvinnelsen av mannerismen i Italia anses som fullført innen 1600.

Et av problemene som kjennetegner barokkestetikk er overtalelsesproblemet, som har sitt utspring i retorikken. Retorikk skiller ikke sannhet fra plausibilitet; som midler til overtalelse ser de ut til å være likeverdige – og derfor følger barokkkunstens illusoriske, fantastiske subjektivisme, kombinert med klassifiseringen av «kunst»-teknikken for å frembringe en effekt som skaper et subjektivt, misvisende inntrykk av plausibilitet.

...

Lignende dokumenter

Historie om estetisk lære. Estetikk som læren om skjønnhet og kunst, vitenskapen om skjønnhet. Utviklingen av estetiske læresetninger i antikken, middelalderen, renessansen, nyalderen. Europeiske kunsttrender fra XIX-XX århundrer.

presentasjon, lagt til 27.11.2014


Karakteristiske trekk ved renessansens estetikk. Funksjoner og hovedstadier av te-seremonien, som oppsto under påvirkning av estetikken og filosofien til Zen-buddhismen. En studie av symbolikken i ekteskapsseremonien i renessansen og polonesen som en seremoniell dans.

sammendrag, lagt til 05.03.2010


Etikk som vitenskap, dens fag, oppgaver og egenskaper. Historie om etiske doktriner. Hovedretningene i etikk. Hovedkategoriene for etikk og deres problemer. Estetikk som vitenskap, fag, oppgaver og formål. Historien om utviklingen av estetikk. Grunnleggende estetiske kategorier.

bok, lagt til 27.02.2009


Objekt og emne for estetikk, plass i vitenskapens system. Utviklingen av estetisk tanke. Estetisk holdning til virkeligheten. Dannelse av estetikk som vitenskap. Utvikling av ideer i tråd med filosofi. Det estetiskes objektivitet. Verdi og verdivurdering.

sammendrag, lagt til 30.06.2008


Renessansens estetikk er forbundet med en revolusjon som finner sted på alle områder av det offentlige liv. Estetikken til den tidlige renessansen som den tidlige humanismens estetikk, høyrenessansen - nyplatonismen, den sene - naturfilosofien. D. Bruno, T. Campanella.

sammendrag, lagt til 30.12.2008


Raffinert kvinnelig estetikk som en del av harmonien som omfavner livet i Italia under renessansen. Skjønnhetsidealer for edle italienske damer; fremveksten av parfymer "for å opprettholde skjønnhet." En avhandling av Catherine Sforza om reglene og teknikkene for å påføre sminke.

sammendrag, lagt til 05.06.2012


Estetikk - filosofien om estetisk og kunstnerisk aktivitet. estetisk system. Teoriens betydning for kunstneren. Grunnleggende om estetikk. Typer av estetiske kategorier. Konsistens i moderne estetikk. Design. Kunst. Verdien av estetikk.

abstrakt, lagt til 06/11/2008


I estetikkens historie har dens emne og oppgaver endret seg. Opprinnelig var estetikk en del av filosofi og kosmogoni og tjente til å skape et helhetlig bilde av verden. Moderne estetikk oppsummerer verdens kunstneriske opplevelse. Historiske stadier i utviklingen av russisk estetikk.

abstrakt, lagt til 21.05.2008


Historiske aspekter ved dannelsen av virkelighetens estetikk eller livets estetikk, blant representantene for disse er så store russiske tenkere på 1800-tallet som Belinsky, Chernyshevsky, Dobrolyubov og Pisarev. Solovyovs filosofiske estetikk.

sammendrag, lagt til 18.11.2010


Kjennetegn ved gammel kultur, analyse av spesifikasjonene til gammel gresk estetikk. Prinsipper for gammel estetikk: mimesis, kalokagathia, catharsis. Konseptet med harmoni og spesifisiteten til den gamle greske estetiske kanonen. Den greske kunstens ønske om idealisering.

Den nyeste tiden inkluderer også dagen for den kunstneriske epoken: avantgarde og realisme. originalitet av disse epokene ligger i det faktum at de ikke utvikler seg sekvensielt, men historisk parallelt.

avantgarde kunstgrupper n uy ( premodernisme, modernisme, neomodernisme, postmodernisme) utvikle seg parallelt med den realistiske gruppen (kritisk realisme på 1800-tallet, sosialistisk realisme, bygdeprosa, neorealisme, magisk realisme, psykologisk realisme, intellektuell realisme). I denne parallelle utviklingen av epoker vises generell akselerasjon av historiens bevegelse.

En av hovedbestemmelsene i det kunstneriske konseptet av avantgarde-trender: kaos, uorden "Lov moderne liv menneskelig samfunn. Kunst blir kaosologi, studerer lovene for verdensuorden.

Alle avantgarde-trender innskrenker det bevisste og øker den ubevisste begynnelsen både i den kreative og i mottaksprosessen. Disse områdene legger stor vekt på massekunst og problemene med dannelsen av individets bevissthet.

Funksjoner som forener avantgarde kunstbevegelser: et nytt blikk på menneskets posisjon og hensikt i universet, avvisningen av tidligere etablerte regler og normer, fra tradisjoner og

fingerferdighet, eksperimenter innen form og stil, jakten på nytt kunstneriske virkemidler og triks.

Premodernisme - den første (innledende) perioden med kunstnerisk utvikling av avantgardetiden; en gruppe kunstneriske trender i kulturen i andre halvdel av 1800-tallet, åpnet opp for et helt stadium (stadiet av tapte illusjoner) av den siste kunstneriske utviklingen.

Naturalismen er en kunstnerisk retning, den invariante av den kunstneriske oppfatningen var påstanden om en mann av kjødet i den materiell-materielle verden; en person, til og med bare tatt som et høyt organisert biologisk individ, fortjener oppmerksomhet i enhver manifestasjon; For alle dens ufullkommenheter er verden stabil, og alle detaljene om den er av generell interesse. I det kunstneriske begrepet naturalisme balanseres ønsker og muligheter, idealer og virkelighet, en viss selvtilfredshet i samfunnet føles, dets tilfredshet med sin posisjon og manglende vilje til å forandre noe i verden.

Naturalismen hevder at hele den synlige verden er en del av naturen og kan forklares av dens lover, og ikke av overnaturlige eller paranormale årsaker. Naturalismen ble født ut av absolutiseringen av realismen og under påvirkning av darwinistiske biologiske teorier, vitenskapelige metoder for å studere samfunnet og de deterministiske ideene til Taine og andre positivister.

Impresjonisme - kunstnerisk retning (andre halvdel av 1800-tallet - begynnelsen av 1900-tallet), den invariante av det kunstneriske konseptet som var påstanden om en raffinert, lyrisk responsiv, påvirkelig personlighet, som beundrer verdens skjønnhet. Impresjonismen åpnet en ny type virkelighetsoppfatning. I motsetning til realisme, som er fokusert på overføring av det typiske, er impresjonisme fokusert på det spesielle, individuelle og deres subjektive visjon av kunstneren.

Impresjonisme er en mestring av farger, chiaroscuro, evnen til å formidle mangfoldet, flerfarget liv, gleden ved å være, for å fange flyktige øyeblikk av belysning og den generelle tilstanden til den omgivende skiftende verden, for å formidle friluft - lysets spill og skygger rundt en person og ting, luftmiljøet, naturlig belysning, som gir et estetisk utseende objektet som er avbildet.

Impresjonismen manifesterte seg i maleri (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) og i musikk (C. Debussy og M Ravel, A. Scriabin), og i litteratur (delvis G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektisisme- en kunstnerisk retning (som hovedsakelig manifesterte seg i arkitektur), som involverer, når du lager verk, enhver kombinasjon av alle former fra fortiden, eventuelle nasjonale tradisjoner, ærlig dekorativisme, utskiftbarhet og ekvivalens av elementer i et verk, brudd på hierarkiet i kunstnerisk system og svekkelse av systemet og integriteten.

Eklektisisme er preget av: 1) en overflod av dekorasjoner; 2) lik betydning av ulike elementer, alle stilformer; 3) tap av distinksjon mellom en massiv og unik bygning i et urbant ensemble eller et litteraturverk og andre verk litterær prosess; 4) mangel på enhet: fasaden bryter bort fra bygningens kropp, detaljen - fra helheten, fasadens stil - fra stilen til interiøret, stilene til de forskjellige rommene i interiøret - fra hverandre ; 5) valgfri symmetrisk-aksial sammensetning (avvik fra regelen om et oddetall vinduer på fasaden), ensartethet av fasaden; 6) prinsippet om "non-finito" (ufullføring av arbeidet, åpenhet i komposisjonen); 7) styrking

assosiativ tenkning av forfatteren (kunstner, skriving la, arkitekt) og betrakter; 8) frigjøring fra den eldgamle tradisjonen og avhengighet av kulturer fra forskjellige tidsepoker og forskjellige folk; sug etter det eksotiske; 9) multi-stil; 10) uregulert personlighet (i motsetning til klassisisme), subjektivisme, fri manifestasjon av personlige elementer; 11) demokratisme: tendensen til å skape en universell, ikke-klasse type urbane boliger.

Funksjonelt er eklektisisme innen litteratur, arkitektur og annen kunst rettet mot å tjene den "tredje eiendom". Nøkkelbygningen til barokken er en kirke eller et palass, nøkkelbygningen til klassisismen er en statsbygning, nøkkelbygningen til eklektisismen er en leilighetsbygning ("for alle"). Eklektisk dekorativisme er en markedsfaktor som har oppstått for å tiltrekke et bredt klientell til en bygård hvor leiligheter leies ut. Lønnsomt hus - en masse type bolig.

Modernisme- en kunstnerisk epoke som forener kunstneriske bevegelser hvis kunstneriske konsept gjenspeiler akselerasjonen av historien og styrkingen av dens press på en person (symbolikk, rayonisme, fauvisme, primitivisme, kubisme, akmeisme, futurisme); perioden for den mest komplette legemliggjørelsen av avantgarde. I løpet av modernismens periode skjedde utviklingen og endringen av kunstneriske trender raskt.

Modernistiske kunstbevegelser bygges ved å dekonstruere den typologiske strukturen klassisk verk- noen av dens elementer blir gjenstander for kunstneriske eksperimenter. I klassisk kunst disse elementene er balansert. Modernismen forstyrret denne balansen ved å styrke noen elementer og svekke andre.

Symbolikk- den kunstneriske retningen av modernismens æra, som bekrefter det kunstneriske konseptet: Drømmen om dikteren er ridderlighet og en vakker dame. Drømmer om

ridderlighet, tilbedelse av en vakker dame fylle poesi symbolikk.

Symbolikken oppsto i Frankrike. Hans mestere var Baudelaire, Mallarmé, Verlaine og Rimbaud.

Acmeism er en kunstnerisk retning av russisk litteratur på begynnelsen av 1900-tallet, som oppsto i " sølvalder”, som eksisterte hovedsakelig i poesi og hevdet: poeten- en trollmann og stolt hersker over verden, som avslører dens mysterier og overvinner dens kaos.

Til akmeismen tilhørte: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich og andre Futurisme- den kunstneriske retningen av modernismens æra, og hevdet en aggressivt militant personlighet i verdens urbant organiserte kaos.

Å definere kunstnerisk faktor av futurisme - dynamikk. Futuristene implementerte prinsippet om ubegrenset eksperimentering og oppnådde innovative løsninger innen litteratur, maleri, musikk og teater.

Primitivisme- en kunstnerisk retning som forenkler mennesket og verden, og streber etter å se verden gjennom barnas øyne, gledelig og enkelt, utenfor den "voksne» vanskeligheter. Dette ønsket gir opphav til sterke og svake sider primitivisme.

Primitivisme er en atavistisk nostalgi etter fortiden, lengsel etter en pre-sivilisert livsstil.

Primitivismen søker å fange hovedkonturene kompleks verden ser etter gledelige og forståelige farger og linjer i den. Primitivisme er en motvirkning til virkeligheten: verden blir mer kompleks, og kunstneren forenkler den. Imidlertid forenkler kunstneren verden for å takle dens kompleksitet.

Kubisme - en geometrisert variasjon av primitivisme som forenkler virkeligheten, oppfatter den med barnslige eller "ville" øyne.

den tidligere karakteren av primitivisering: visjonen om verden gjennom formene til geometrisk regelmessige figurer.

Kubisme i maleri og skulptur ble utviklet av de italienske kunstnerne D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; tysk - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikansk – J. Pollock, I. Rey, M. Weber, meksikanske Diego Rivera, argentinske E. Pettoruti, etc.

I kubismen merkes arkitektoniske konstruksjoner; massene er mekanisk parret med hverandre, og hver masse beholder sin uavhengighet. Kubismen åpnet en fundamentalt ny retning innen figurativ kunst. Kubismens betingede verk (Braque, Gris, Picasso, Léger) beholder sin forbindelse med modellen. Portrettene samsvarer med originalene og er gjenkjennelige (en amerikansk kritiker på en parisisk kafé gjenkjente en mann kjent for ham bare fra et portrett av Picasso, sammensatt av geometriske figurer).

Kubister skildrer ikke virkeligheten, men skaper en "annerledes virkelighet" og formidler ikke utseendet til et objekt, men dets design, arkitektur, struktur, essens. De gjengir ikke et "narrativt faktum", men legemliggjør visuelt deres kunnskap om det avbildede emnet.

Abstraksjonisme- kunstnerisk retning av kunsten fra det 20. århundre, hvis kunstneriske konsept bekrefter behovet for individet for å flykte fra den banale og illusoriske virkeligheten.

Verkene av abstrakt kunst er løsrevet fra selve livsformene og legemliggjør kunstnerens subjektive fargeinntrykk og fantasier.

Det er to strømninger innen abstraksjonisme. Første strøm lyrisk-emosjonell, psykologisk abstraksjonisme - en symfoni av farger, harmonisering av formløse fargekombinasjoner. Denne trenden ble født fra det impresjonistiske mangfoldet av inntrykk om verden, nedfelt i lerretene til Henri Matisse.

Skaperen av det første arbeidet med psykologisk abstraksjonisme var V. Kandinsky, som malte maleriet "Fjell".

Den andre strømmen geometrisk (logisk, intellektuell) abstraksjonisme ("neoplastisisme") er non-figurativ kubisme. I fødselen av denne strømmen essensiell rolle spilt av P. Cezanne og kubistene, som skapte en ny type kunstnerisk rom ved å kombinere ulike geometriske former, fargede plan, rette og brutte linjer.

Suprematisme(forfatteren av begrepet og det tilsvarende kunstneriske fenomenet Kazimir Malevich) - for abstraksjonisme, skjerping og utdyping av dens trekk. Malevich åpnet "Suprematism"-trenden i 1913 med maleriet "Black Square". Senere formulerte Malevich sine estetiske prinsipper: kunst er varig på grunn av sin tidløse verdi; ren plastisk følsomhet - "kunstverkenes verdighet." Suprematismens estetikk og poetikk bekrefter universelle (Suprematistiske) billedformler og komposisjoner - ideelle konstruksjoner av geometrisk regelmessige elementer.

Rayonisme er en av de nesten-abstraksjonistiske trendene som bekreftet vanskeligheten og gleden ved menneskelig eksistens og usikkerheten i verden, der alle objekter opplyst av forskjellige lyskilder viser seg å bli dissekert av strålene fra dette lyset og mister sin klare figurativitet. .

Luchisme oppsto i 1908 - 1910 gg. i arbeidet til russiske kunstnere Mikhail Larionov og hans kone Natalia Goncharova.

I løpet av nymodernisme, kommer alle avantgarde kunstbevegelser fra fra en slik virkelighetsforståelse: en person tåler ikke verdens press og blir et nymenneske. I denne perioden har utviklingen

Det er avantgarde kunstbevegelser som bekrefter gledesløse, pessimistiske kunstneriske konsepter om verden og personlighet. Blant dem Dadaisme, konstruktivisme, surrealisme, eksistensialisme, nyabstraksjonisme osv.

Dadaisme er en kunstnerisk bevegelse som bekrefter et kunstnerisk konsept; verden- meningsløs galskap, revidere fornuft og tro.

Dadaismens prinsipper var; bryte med tradisjonene i verdenskulturen, inkludert språkets tradisjoner; flykte fra kultur og virkelighet, ideen om verden som et kaos av galskap, som en forsvarsløs person blir kastet inn i; pessimisme, vantro, fornektelse av verdier, en følelse av generelt tap og meningsløshet ved å være, ødeleggelse av idealer og meningen med livet. Dadaisme er et uttrykk for krisen til de klassiske kulturverdiene, jakten på et nytt språk og nye verdier.

Surrealisme er en kunstbevegelse som fokuserer på en forvirret person i en mystisk og ukjent verden. Personlighetsbegrepet i surrealismen kunne oppsummeres i agnostisismens formel: «Jeg er en mann, men grensene for min personlighet og verden har blitt uskarpe. Jeg vet ikke hvor mitt "jeg" begynner og hvor det slutter, hvor er verden og hva er den?

Surrealisme som kunstnerisk retning ble utviklet av: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Surrealismen oppsto fra dadaismen, opprinnelig som litterær retning, som senere fant sitt uttrykk i maleriet, så vel som i kino, teater og til dels musikk.

For surrealismen, mennesket og verden er rom og tid flytende og relative. De mister sine grenser. Estetisk relativisme forkynnes: alt flyter, alt er

det ser ut til å være blandet, det uskarpt; ingenting er sikkert. Surrealisme bekrefter verdens relativitet og hans verdier. Det er ingen grenser mellom lykke og ulykke, individ og samfunn. Kaos i verden forårsaker kaos av kunstnerisk tenkning- dette er prinsippet for surrealismens estetikk.

Det kunstneriske konseptet surrealisme bekrefter mystikken og ukjenneligheten til verden, der tid og historie forsvinner, og en person lever i underbevisstheten og er hjelpeløs i møte med vanskeligheter.

Ekspresjonisme- en kunstnerisk retning som hevder: fremmedgjort, en person lever i en fiendtlig verden. Som tidens helt, presenterte ekspresjonismen en rastløs, overveldet av følelser personlighet, [ikke i stand til å bringe harmoni til en verden revet av lidenskaper. -

Ekspresjonismen som kunstnerisk retning oppsto på grunnlag av forhold til ulike områder av vitenskapelig virksomhet: med Freuds psykoanalyse, Husserls fenomenologi, nykantiansk epistemologi, Wiensirkelens filosofi og gestaltpsykologien.

Ekspresjonismen manifesterte seg i ulike typer kunst: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - i maleriet; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - i litteratur; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - i musikk.

Ekspresjonisme på grunnlag av kulturen i det XX århundre. gjenoppliver romantikken. ekspresjonisme iboende frykt for verden og motsetninger mellom ytre dynamikk og ideen om verdens uforanderlige essens (vantro på muligheten for forbedring). I følge kunstnerisk begreper om ekspresjonisme, er personlighetens essensielle krefter fremmedgjorte i motsetning mann og fiendtlige offentlige institusjoner: alt er ubrukelig. Ek ekspresjonisme er et uttrykk for smerten til en humanistisk kunstner,

forårsaket ham av verdens ufullkommenhet. Ekspresjonistisk personlighetsbegrep: Menneskelig- et emosjonelt, "naturlig" vesen, fremmed for den industrielle og rasjonelle, urbane verden han er tvunget til å leve i.

Konstruktivisme- kunstnerisk retning (20-tallet av XX-tallet), den konseptuelle invarianten som er ideen- menneskets eksistens finner sted i et miljø av industrielle krefter fremmedgjort fra ham; og tidens helt- industrisamfunnets rasjonalist.

De neo-positivistiske prinsippene for kubisme, etter å ha blitt født i maleriet, ble utvidet i en transformert form til litteratur og annen kunst og konsolidert i en ny retning, konvergerende med ideene om teknikkisme - konstruktivisme. Sistnevnte betraktet industriens produkter som uavhengige, fremmedgjorte fra individet og i motsetning til hennes verdier. Konstruktivismen dukket opp ved daggry vitenskapelig og teknologisk revolusjon og idealiserte teknikkismens ideer; han verdsatte maskiner og deres produkter fremfor individet. Selv i konstruktivismens mest talentfulle og humanistiske verk blir de fremmedgjørende faktorene til teknologisk fremgang tatt for gitt. Konstruktivismen er full av patos av industriell fremgang, økonomisk hensiktsmessighet; det er teknokratisk.

Konstruktivismens estetikk utviklet seg mellom ytterpunkter (noen ganger faller inn i en av dem) - utilitarisme, som krever ødeleggelse av estetikk, og estetikk. I billedkunst og i arkitektur er de kreative prinsippene for konstruktivisme så nær ingeniørkunst som mulig og inkluderer: matematisk beregning, lakonisme av kunstneriske midler, skjematikk av komposisjon, logisering.

I litteraturen utviklet konstruktivismen som en kunstnerisk retning (1923 - 1930) i gruppens arbeid

LCC (Constructivist Literary Center): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (gruppeteoretiker) og andre. Konstruktivismen påvirket også teatret (regiarbeidet til Vsevolod Meyerhold, som utviklet prinsippene for biomekanikk, teaterteknikk og introduserte elementer av et sirkusskue i scenehandlingen. Konstruktivismens ideer omfavnet ulike typer av kunst, men hadde størst innflytelse på arkitektur. Dette påvirket spesielt arbeidet til Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko og VG Gelfreich.

Eksistensialisme- begrepet menneskelig eksistens, hans plass og rolle i denne verden, forhold til Gud. Essensen av eksistensialisme- eksistensens forrang fremfor essensen (mennesket selv danner sin eksistens, og ved å velge hva de skal gjøre og ikke gjøre, bringer det essensen til eksistens). Eksistensialisme bekrefter en ensom egoistisk selvverdifull personlighet i det absurdes verden. For eksistensialismen er individet over historien.

I sitt kunstneriske konsept hevder eksistensialismen (J.P. Sartre, A. Camus) at selve grunnlaget for menneskelig eksistens er absurd, om ikke annet fordi mennesket er dødelig; historien går fra vondt til verre og tilbake til dårlig igjen. Det er ingen bevegelse oppover, det er bare ekorn hjul historie der menneskehetens liv dreier seg meningsløst.

Den grunnleggende ensomheten, bekreftet av det kunstneriske konseptet eksistensialisme, har motsatt logisk konsekvens: livet er ikke absurd der en person fortsetter seg selv i menneskeheten. Men hvis en person er en ensom, hvis han er den eneste verdien i verden, så er han sosialt devaluert, han har ingen fremtid, og da er døden absolutt. Det krysser ut en person, og livet blir meningsløst.

Nyabstraksjonisme(andre bølge abstraksjonisme) - spontan-impulsiv selvuttrykk; en grunnleggende avvisning av figurativitet, av å skildre virkeligheten, i den rene ekspressivitetens navn; strøm av bevissthet fanget i farger.

Neo-abstraksjonisme ble skapt av en ny generasjon abstraksjonister: J. Paul Lak, De Kuhn og Yig, A. Manisirer m.fl. De mestret den surrealistiske teknikken og prinsippene for "mental automatisme". Paul Lak understreker i den skapende handlingen ikke verket, men selve prosessen med dets skapelse. Denne prosessen blir et mål i seg selv og her dannes opprinnelsen til "maleri-handling".

Prinsippene for nyabstraksjonisme ble underbygget av M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Den italienske teoretikeren D. Severini oppfordret til å glemme virkeligheten, siden den ikke påvirker det plastiske uttrykket. En annen teoretiker, M. Zefor, anser fordelen med abstrakt maleri å være at det ikke bærer noe fra det normale miljøet i menneskelivet. Fotografiet tok bort maleriets figurativitet, og etterlot sistnevnte kun uttrykksmuligheter for å avsløre kunstnerens subjektive verden.

Det svake leddet i teorien om abstraksjonisme og nyabstraksjonisme er fraværet av klare verdikriterier for å skille kreativitet fra spekulasjoner, alvor fra en spøk, talent fra middelmådighet, dyktighet fra lureri.

Kunstneriske løsninger av abstraksjonisme og neo-abstraksjonisme (harmonisering av farge og form, opprettelse av "balanse" av fly av forskjellige størrelser på grunn av intensiteten av fargen deres) brukes i arkitektur, design, dekorativ kunst, teater, kino og TV.

Postmodernisme som en kunstnerisk æra bærer et kunstnerisk paradigme som hevder det en person tåler ikke verdens press og blir en posthuman. Alle kunstneriske retninger av dette

periode gjennomsyret av dette paradigmet, og manifesterer og bryter det gjennom deres uforanderlige begreper om verden og personlighet: popkunst, sonopucmuka, aleatorikk, musikalsk pointillisme, hyperrealisme, happenings, etc.

Pop Art- ny figurativ kunst. Popkunsten motsatte seg den abstraksjonistiske avvisningen av virkeligheten med den røffe verdenen av materielle ting, som tilskrives en kunstnerisk og estetisk status.

Popkunstteoretikere hevder at i en bestemt kontekst mister hvert objekt sin opprinnelige betydning og blir et kunstverk. Derfor forstås kunstnerens oppgave ikke som å skape et kunstnerisk objekt, men som å gi kunstneriske kvaliteter til et vanlig objekt ved å organisere en bestemt kontekst for dets oppfatning. Estetisering av den materielle verden blir popkunstens prinsipp. Kunstnere streber etter å oppnå catchiness, synlighet og forståelighet for sine kreasjoner, ved å bruke poetikken til etiketter og reklame for dette. Popkunst er en komposisjon av hverdagslige gjenstander, noen ganger kombinert med en modell eller skulptur.

Krøllete biler, falmede fotografier, aviser og plakater klistret på esker, en utstoppet kylling under en glasskrukke, en fillete sko malt med hvit oljemaling, elektriske motorer, gamle dekk eller gassovner – dette er kunstutstillingene innen popkunst.

Blant artistene av popkunst kan identifiseres: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine og andre.

Popkunst som kunstretning har en rekke varianter (trender): op art (kunstnerisk organiserte optiske effekter, geometriske kombinasjoner av linjer og flekker), env-apm(komposisjoner, kunstnerisk organisering av miljøet rundt betrakteren), e-post(gjenstander som beveger seg ved hjelp av elektriske motorer

og konstruksjoner, denne trenden innen popkunst skilte seg ut som en uavhengig kunstnerisk retning - kinetisme).

Popkunsten fremmet konseptet om forbrukerens identitet til "masseforbrukssamfunnet". Den ideelle personligheten til popkunst er en menneskelig forbruker, for hvem de estetiserte stillebenene til varekomposisjoner bør erstatte åndelig kultur. Ord erstattet av varer, litteratur erstattet av ting, skjønnhet erstattet av nytte, grådighet etter materiell, vareforbruk, erstatte åndelige behov, er karakteristisk for popkunst. Denne retningen er grunnleggende orientert mot en masse, ikke-kreativ person, fratatt selvstendig tenkning og låner "hans" tanker fra reklame og massemedier, en person manipulert av TV og andre medier. Denne personligheten er programmert av popkunst til å oppfylle de gitte rollene som kjøper og forbruker, og pliktoppfyllende ødelegger den fremmedgjørende innflytelsen fra moderne sivilisasjon. Pop Art Personlighet - Massekultur Zombie.

Hyperrealisme er en kunstnerisk bevegelse hvis kunstneriske oppfatning er uforanderlig: et depersonalisert levende system i en grusom og røff verden.

Hyperrealisme - skaper pittoreske overnaturalistiske verk som formidler de minste detaljene i det avbildede objektet. Hyperrealismens handlinger er bevisst banale, bildene er ettertrykkelig «objektive». Denne retningen returnerer kunstnere til de vanlige formene og virkemidlene for kunst, spesielt til malerilerretet, avvist av popkunsten. Hyperrealismen gjør den døde, menneskeskapte, «andre» naturen til bymiljøet til hovedtemaene i maleriene: bensinstasjoner, biler, butikkvinduer, boligbygg, telefonkiosker, som presenteres som fremmedgjorte fra mennesker.

Hyperrealisme viser konsekvensene av overdreven urbanisering, ødeleggelsen av miljøets økologi, beviser at metropolen skaper et umenneskelig miljø. Hovedtemaet for hyperrealisme er det upersonlige mekaniserte livet i den moderne byen.

Teoretisk grunnlag hyperrealisme - de filosofiske ideene til Frankfurt-skolen, som bekrefter behovet for å bevege seg bort fra ideologiserte former for figurativ tenkning.

Kunstverk fotorealisme er basert på et sterkt forstørret fotografi og identifiseres ofte med hyperrealisme. Men både når det gjelder teknologien for å skape et bilde og, viktigst av alt, når det gjelder den invariante av den kunstneriske oppfatningen av verden og personlighet, er disse, selv om de er nære, men forskjellige kunstneriske retninger. Hyperrealister imiterte bilder med billedlige virkemidler på lerret, fotorealister imiterer malerier ved å bearbeide (med maling, collage) fotografier.

Fotorealisme bekrefter prioriteringen av dokumentarisk og kunstnerisk oppfatning: en pålitelig, vanlig person i en pålitelig, vanlig verden.

Hensikten med fotorealisme er bildet av moderne hverdagsliv. Gater, forbipasserende, butikkvinduer, biler, trafikklys, hus, husholdningsartikler er gjengitt i fotorealismens verk autentisk, objektivt og superlikt.

Hovedtrekkene til fotorealisme: 1) figurativitet, i motsetning til tradisjonene til abstraksjonisme; 2) attraksjon til tomt; 3) ønsket om å unngå «realistiske klisjeer» og dokumentar; 4) avhengighet av fotografisk teknologis kunstneriske prestasjoner.

Sonoristikk- retning i musikk: klangspill, som uttrykker forfatterens "jeg". For dens representanter er det ikke tonehøyden som er viktig, men klangen. De leter etter nytt musikalsk farger, ukonvensjonell lyd: de spiller på en stokk, på

sag, spisepinner på strengene til pianoet, klask på dekk, på fjernkontroll, lyd produseres ved å tørke av munnstykket med et lommetørkle.

I ren klanglig musikk spiller ikke melodi, harmoni og rytme noen spesiell rolle, det er kun klangen som betyr noe. Behovet for å fikse det vekket til live spesielle grafiske former for opptak av klang i form av tynne, dristige, bølgete, kjegleformede linjer. Noen ganger angis også området som utøveren trenger å spille i.

Grunnleggeren av sonoramusikken var den polske komponisten K. Penderecki, og hans initiativ ble videreført av K. Serocki, S. Bussotti og andre.

Musikalsk pointillisme- retning i frontsiktet * et trekk ved det er bruddet i det musikalske stoffet, dets spredning i registre, kompleksiteten til rytme og taktarter, overfloden av pauser.

Musikalsk pointillisme nekter å skape en forståelig kunstnerisk virkelighet(fra en virkelighet som kunne forstås basert på den verdensmusikalske og kunstneriske tradisjonen og ved bruk av tradisjonelle musikalske semiotiske koder). Pointillisme orienterer individet mot emigrasjon til sjelens verden og bekrefter fragmenteringen av omverdenen.

Aleatorica- kunstnerisk retning av litteratur og musikk, basert på den filosofiske forestillingen om at tilfeldighetene hersker i livet, og bekrefter det kunstneriske konseptet: mennesket- spiller i en verden av tilfeldige situasjoner.

Representanter for aleatorikk: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky og andre. Sjansen invaderer litterære eller musikalske verk mekanisk: ved å kaste sjetonger (terninger), spille sjakk, blande sider eller variere fragmenter, samt bruke

improvisasjon: den musikalske teksten er skrevet i "tegn-symboler" og deretter fritt tolket.

skjer– dette er en av typene moderne kunstnerisk kultur i Vesten. A. Keprou var forfatteren av de første produksjonene av happeningen "Courtyard", "Creations". Happening forestillinger involverer mystiske, noen ganger ulogiske handlinger av utøverne og er preget av en overflod av rekvisitter laget av ting som var i bruk og til og med tatt fra en søppelfylling. Hendende deltakere tar på seg lyse, overdrevet latterlige kostymer, og understreker utøvernes livløshet, deres likhet enten med bokser eller bøtter. Noen forestillinger består for eksempel av smertefull utløsning fra under en presenning. Samtidig er den individuelle oppførselen til skuespillerne improvisatorisk. Noen ganger henvender skuespillere seg til publikum med en forespørsel om å hjelpe dem. Denne inkluderingen av betrakteren i handlingen tilsvarer ånden i hendelsen.

Konseptet om verden og personlighet fremsatt av happeningen kan formuleres som følger: verden- en kjede av tilfeldige hendelser, må en person subjektivt føle fullstendig frihet, men faktisk adlyde en enkelt handling, bli manipulert.

Happening bruker lysmaling: lyset endrer kontinuerlig farge og styrke, rettes direkte mot skuespilleren eller skinner gjennom skjermer laget av forskjellige materialer. Ofte er det akkompagnert av lydeffekter (menneskestemmer, musikk, klirring, knitring, sliping). Lyden er noen ganger veldig sterk, uventet, designet for en sjokkeffekt. Presentasjonen inkluderer transparenter og filmrammer. Laura bruker også aromatiske stoffer. Utøveren får en oppgave fra regissøren, men varigheten av deltakernes handlinger er ikke bestemt. Alle kan forlate spillet når de vil.

Happening arrangeres forskjellige steder: på parkeringsplasser, i gårdsrom omgitt av høyhus, i undergrunnen. voller, loft. Hendelsesrommet, i henhold til prinsippene for denne handlingen, bør ikke begrense fantasien til kunstneren og betrakteren.

Hendelseteoretikeren M. Kerby refererer denne typen skuespill til teaterfeltet, selv om han bemerker at happening skiller seg fra teater i fraværet av forestillingens tradisjonelle struktur: plot, karakterer og konflikt. Andre forskere forbinder hendelsens natur med maleri og skulptur, og ikke med teater.

Med sin opprinnelse går happeningen tilbake til de kunstneriske søkene på begynnelsen av 1900-tallet, til noen malere og skulptørers forsøk på å flytte fokus fra et maleri eller en skulptur til selve prosessen med deres skapelse. opprinnelse i «action painting»: i «dråpespruten» til J. Pollock, i De Koonings «slashing» strøk, i kostymerte billedforestillinger av J. Mathieu.

selvdestruktiv kunst– dette er et av postmodernismens merkelige fenomener. Malerier malt med maling falming foran publikum. Boken "Nothing", utgitt i USA i 1975 og gjengitt i England. Den har 192 sider, og ingen av dem har én linje. Forfatteren hevder at han uttrykte tanken: Jeg har ingenting å fortelle deg. Alle disse er eksempler på selvdestruktiv kunst. Det har også sitt uttrykk i musikk: fremføring av et stykke på et smuldrende piano eller på en råtnende fiolin, og så videre.

Konseptualisme- er en kunstretning Vestlig kunst, som i sin kunstneriske oppfatning bekrefter en person som er løsrevet fra kulturens direkte (umiddelbare) mening og som er omgitt av estetiserte produkter av intellektuell aktivitet.

Konseptualismens verk er uforutsigbart forskjellige i tekstur og utseende: bilder, fotokopier fra tekster, telegrammer, reproduksjoner, grafikk, kolonner med tall, diagrammer. Konseptualismen bruker ikke det intellektuelle produktet av menneskelig aktivitet til det tiltenkte formålet: mottakeren skal ikke lese og tolke tekstens betydning, men oppfatte den som et rent estetisk produkt, interessant i utseendet.

Representanter for konseptualisme; Amerikanske artister T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler og andre.

Kritisk realisme på 1800-tallet,- kunstnerisk retning» som fremmer konseptet: verden og mennesket er ufullkomne; exit- ikke-motstand mot ondskap ved vold og selvforbedring.

M sosialistisk realisme- en kunstnerisk retning som bekrefter et kunstnerisk konsept: en person er sosialt aktiv og er inkludert i skapelsen av historie med voldelige midler"

bonderealisme- en kunstnerisk retning som hevder at bonden er hovedbæreren av moral og det nasjonale livets støtte.

Bonderealisme (landsbyprosa) - den litterære retningen til russisk prosa (60-80-tallet); sentralt tema - moderne landsby, hovedpersonen er en bonde - den eneste sanne representanten for folket og bæreren av idealer.

nyrealisme- realismens kunstneriske retning på 1900-tallet, som manifesterte seg i etterkrigstidens italienske film og til dels i litteraturen. Funksjoner: neorealisme viste nær interesse for en mann fra folket, i livet vanlige folk: akutt oppmerksomhet på detaljer, observasjon og fiksering av elementer som kom inn i livet etter andre verdenskrig. Produser-

Neorealismens lære bekrefter ideene om humanisme, viktigheten av enkle livsverdier, vennlighet og rettferdighet i menneskelige relasjoner, menneskers likhet og deres verdighet, uavhengig av deres eiendomsstatus.

Magisk realisme- realismens kunstneriske retning, som bekrefter konseptet: en person lever i en virkelighet som kombinerer modernitet og historie, det overnaturlige og det naturlige, det paranormale og det vanlige.

Egenhet magisk realisme– fantastiske episoder utvikler seg etter hverdagslogikkens lover som hverdagsvirkelighet.

psykologisk realisme- kunstnerisk bevegelse av det 20. århundre, fremmer konseptet: individet er ansvarlig; den åndelige verden bør fylles med en kultur som fremmer brorskap mellom mennesker og overvinner deres egosentrisme og ensomhet.

intellektuell realisme- Dette er realismens kunstneriske retning, i verkene som et drama av ideer utspiller seg og karakterene i ansiktene "utfører" forfatterens tanker, uttrykker ulike aspekter av hans kunstneriske oppfatning. Intellektuell realisme forutsetter en konseptuell og filosofisk tankegang hos kunstneren. Hvis psykologisk realisme søker å formidle plastisiteten i tankens bevegelse, avslører dialektikken til den menneskelige sjelen, samspillet mellom verden og bevissthet, så søker intellektuell realisme å kunstnerisk og overbevisende løse faktiske problemer, å analysere verdens tilstand.

Lignende informasjon.

Plan

Introduksjon

Spørsmål 1. New Age-estetikk og moderne estetikk

Spørsmål 2. Det spesifikke ved protestantismen, som en av retningene til kristendommen

Konklusjon

Liste over kilder som er brukt

Introduksjon

Studieemnet i kontrollarbeid er faget etikk, estetikk og religionsvitenskap.

Studieobjektet er de individuelle aspektene ved disiplinen.

Studiens relevans er først og fremst forårsaket av det faktum at hver religion er et verdensbilde og sosial tanke, kledd i form av en kult. Spesielt interessant for forskning er tilfeller der religion ikke forblir uendret, men suppleres av liv og endringer i det. Samtidig danner hver periode av menneskelig utvikling, i samsvar med sine moralske, etiske og filosofiske synspunkter, sin egen etikk og estetikk av menneskelig atferd og aktivitet i samfunnet. Prosessene i religiøs utvikling er ofte direkte relatert til etiske standarder samfunn og estetiske legemliggjørelser. Noen ganger er etikk og estetikk på kant med den religiøse kulten, i forkant av og introduserer nye filosofiske ideer.

Hensikten med arbeidet på grunnlag av de studerte metodiske og pedagogisk litteratur karakterisere studieobjektet i kontrollarbeidet.

For å nå dette målet er det planlagt å løse følgende hovedoppgaver:

Vurder egenskapene til estetikken til New Age og moderne estetikk;

Beskriv prosessen med fremveksten av protestantisme og prinsippene for denne religionen, presenter hovedtrekkene i kulten av denne troen;

Oppsummer resultatene av forskning i arbeidet.

Spørsmål 1. New Age-estetikk og moderne estetikk

Det ideologiske grunnlaget for New Age var humanisme, og deretter naturfilosofi.

Humanisme- fra lat. menneskelig - anerkjennelse av verdien av en person som person, hans rett til fri utvikling og manifestasjon av hans evner. Godkjenning av menneskets beste som kriterium for vurdering av sosiale relasjoner. I filosofisk sans- sekulær fritenkning, motsetning til skolastikk og kirkens åndelige dominans. I denne epoken fant det sted en slags guddommeliggjøring av mennesket – «mikrokosmos», et gudelikt vesen som skaper og skaper seg selv. Disse synspunktene er antroposentrisme. Dette er et filosofisk begrep som slo rot i andre halvdel av 1800-tallet for å referere til idealistiske læresetninger som ser i mennesket universets sentrale og høyeste mål. Men dens grunnlag ble lagt i renessansen.

Panteisme- fra gresk. theos, som betyr gud. Dette er religiøse og filosofiske læresetninger som identifiserer Gud og hele verden. Panteistiske tendenser manifesterte seg i middelalderens kjetterske mystikk. Panteisme er karakteristisk for renessansens naturfilosofi og det materialistiske systemet til Spinoza, som identifiserte konseptet "gud" og "natur".

En slik holdning til en person markerte fremveksten av nye former for selvbevissthet og renessansens individualisme. Det ble lagt vekt på etiske spørsmål, læren om den enkeltes frie vilje, rettet mot det gode og det felles beste. Det var en slags rehabilitering av mennesket og hans sinn. Den avviste middelalderens teologiske holdning til mennesket som til et syndig kar, dømt til lidelse i livet. Glede og nytelse ble erklært formålet med den jordiske eksistensen. Muligheten for harmonisk eksistens for mennesket og omverdenen ble proklamert. Humanister bidro til utviklingen av idealet om en perfekt, omfattende utviklet personlighet, hvis dyder ikke ble bestemt av adel ved fødsel, men av gjerninger, intelligens, talenter og tjenester til samfunnet. I humanismen ble det helt fra starten konkludert med naturfilosofiske tendenser, som fikk en spesiell utvikling på 1500-tallet. hovedproblemet, som okkuperte naturfilosofer - forholdet mellom Gud og natur. Med tanke på det forsøkte de å overvinne middelalderens dualisme, de forsto verden som en organisk forbindelse mellom materie og ånd. Ved å anerkjenne verdens materialitet og uendelighet, ga de materie evnen til å reprodusere seg selv, og samtidig liv, skape læren om boareal. I de filosofiske systemene i renessansen ble det således dannet et panteistisk bilde av verden. Ideen om universets universelle animasjon stilte spørsmål ved eksistensen av det overnaturlige, overjordiske, siden alt mirakuløst ble erklært naturlig, naturlig, potensielt gjenkjennelig: så snart det ble oppdaget og forklart, hvordan det sluttet å være mirakuløst. Slike dommer strider mot kirkens dogmer. Middelalderskolastikken, basert på bokkunnskap og autoriteter, ble av humanisme og naturfilosofi motarbeidet rasjonalisme, en eksperimentell metode for å kjenne verden, basert på sanseoppfatning og eksperimentering. Samtidig førte animasjonen av kosmos til ideen om en mystisk forbindelse mellom mennesket og naturen, anerkjennelsen av de okkulte vitenskapene. Vitenskap ble forstått som naturlig magi, astronomi var sammenvevd med astrologi, og så videre. Generelt betydde forståelsen av naturen som en indre mester, som handlet uavhengig, lever i henhold til sine egne lover, et brudd med de etablerte middelalderens ideer om skaperguden og førte til fremveksten av en ny naturlig religion. Denne ideologiske omveltningen var basert på fremveksten av produktivkrefter, materiell produksjon, vitenskap og teknologi. Alt dette førte til den progressive utviklingen av Europa.

Det viktigste kjennetegnet ved renessansens verdensbilde er dets fokus på kunst. Hvis antikkens fokus var naturlig-kosmisk liv, i middelalderen var det Gud og ideen om frelse knyttet til ham, så i renessansen er fokuset på mennesket. Derfor kan den filosofiske tenkningen i denne perioden karakteriseres som antroposentrisk.

I renessansen får individet mye større uavhengighet, han representerer i økende grad ikke denne eller den foreningen, men seg selv. Herfra vokser en ny selvbevissthet til en person og hans nye sosiale posisjon: stolthet og selvbekreftelse, bevissthet om egen styrke og talent blir de særegne egenskapene til en person.

Allsidighet er idealet til en renessansemann. Teorien om arkitektur, maleri og skulptur, matematikk, mekanikk, kartografi, filosofi, etikk, estetikk, pedagogikk - dette er studiesirkelen til for eksempel den florentinske kunstneren og humanisten Alberti.

La oss vende oss til resonnementet til en av humanistene på 1400-tallet, Giovanni Pico (1463-1494), i hans berømte Oration on the Dignity of Man. Etter å ha skapt mennesket og «plassert det i sentrum av verden», henvendte Gud seg ifølge denne filosofen til ham med disse ordene: «Vi gir deg ikke, o Adam, verken et bestemt sted eller ditt eget bilde, eller en spesiell forpliktelse, slik at både stedet og Du hadde en plikt av egen fri vilje, etter din vilje og din beslutning.

Pico har ideen om en mann som Gud har gitt fri vilje og som selv må bestemme sin skjebne, bestemme sin plass i verden. Mennesket her er ikke bare et naturlig vesen, men skaperen av seg selv.

I renessansen oppfattes enhver aktivitet – det være seg aktiviteten til en kunstner, skulptør, arkitekt eller ingeniør, navigatør eller poet – annerledes enn i antikken og middelalderen. Blant de gamle grekerne ble kontemplasjon plassert over aktivitet (på gresk er kontemplasjon teori). I middelalderen ble arbeid sett på som en slags soning for synder. Den høyeste formen for aktivitet anerkjennes imidlertid her som den som fører til sjelens frelse, og på mange måter er den beslektet med kontemplasjon: det er bønn, et liturgisk ritual. Og bare i renessansen får kreativ aktivitet en slags hellig karakter. Med dens hjelp tilfredsstiller en person ikke bare sine pertikulære-terrestriske behov; han skaper ny verden, skaper skjønnhet, skaper det høyeste i verden, seg selv. Og det er ikke tilfeldig at det var i renessansen at grensen som tidligere fantes mellom vitenskap, praktisk-teknisk virksomhet og kunstnerisk fantasi for første gang ble utvisket. Ingeniøren og kunstneren er nå ikke bare "håndverker", "tekniker", nå er han en skaper. Fra nå av imiterer kunstneren ikke bare Guds skaperverk, men selve den guddommelige kreativiteten. I vitenskapens verden finner vi en slik tilnærming i Kepler, Galileo, Navanieri.

En person søker å frigjøre seg fra sin transcendentale rot, og søker fotfeste ikke bare i kosmos, som han så å si har vokst fra i løpet av denne tiden, men i seg selv, i et nytt lys - en kropp som fra nå av han ser kroppslighet på en annen måte generelt. Hvor paradoksalt det kan virke, var det nettopp middelalderens lære om menneskets oppstandelse i kjødet som førte til den «rehabiliteringen» av mennesket med all dets materielle kroppslighet, som er så karakteristisk for renessansen.

Skjønnhetskulten som er karakteristisk for renessansen er assosiert med antroposentrisme, og det er ikke tilfeldig at maleriet, som først og fremst er avbildet vakkert menneskelig ansikt Og Menneskekroppen blitt den dominerende kunstformen i denne epoken. De store kunstnerne - Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, verdensbildet fra renessansen får sitt høyeste uttrykk.

I renessansen økte verdien av individet som aldri før. Verken i antikken eller i middelalderen var det en så brennende interesse for mennesket i all dets mangfold av manifestasjoner. Fremfor alt, i denne epoken, er originaliteten og unikheten til hver enkelt plassert.

Rik utvikling av personlighet i XV-XVI århundrer ofte ledsaget av ytterligheter av individualisme: individualitetens iboende verdi betyr absoluttisering av den estetiske tilnærmingen til mennesket.

Spørsmål 2. Det spesifikke ved protestantismen, som en av retningene til kristendommen

Protestantisme er en av kristendommens tre hovedretninger, sammen med katolisisme og ortodoksi, som er en samling av en rekke uavhengige kirker og sekter relatert til reformasjonen, en bred anti-katolsk bevegelse på 1500-tallet. i Europa. Bevegelsen startet i Tyskland i 1517, da M. Luther publiserte sine "95 teser", og den ble avsluttet i andre halvdel av 1500-tallet. offisiell anerkjennelse av protestantisme. I løpet av middelalderen ble det gjort mange forsøk på å reformere den katolske kirke. Begrepet «reformasjon» dukket imidlertid først opp på 1500-tallet; den ble introdusert av reformatorer for å uttrykke ideen om behovet for kirken å vende tilbake til sin bibelske opprinnelse. På sin side så den romersk-katolske kirke på reformasjonen som et opprør, en revolusjon. Begrepet "protestantisk" oppsto som et fellesnavn for alle tilhengere av reformasjonen.

Utviklingen av estetisk vitenskap i landene i Vest-Europa og USA i første halvdel av vårt århundre uttrykte denne motstridende perioden i mange av dens konsepter og teorier, først og fremst av en ikke-realistisk karakter, for mange av disse begrepet "modernisme". var etablert.

Modernisme (fra det franske moderne - det siste, moderne) er et generelt symbol for kunsttrendene på 1900-tallet, som er preget av avvisningen av tradisjonelle metoder for kunstnerisk representasjon av verden.

Modernisme som kunst system ble forberedt av to utviklingsprosesser: dekadanse (dvs. flukt, avvisning av det virkelige liv, kulten av skjønnhet som den eneste verdien, avvisning av sosiale problemer) og avantgarden (hvis manifester ba om å bryte med arven fra fortid og skape noe nytt, i strid med tradisjonelle kunstneriske holdninger).

Alle hovedtrendene og strømningene i modernismen - kubisme, ekspresjonisme, futurisme, konstruktivisme, imaginisme, surrealisme, abstraksjonisme, popkunst, hyperrealisme, etc., enten avviste eller fullstendig transformerte hele systemet med kunstneriske midler og teknikker. Nærmere bestemt i forskjellige typer kunst, dette kom til uttrykk: i en endring i romlige bilder og avvisning av kunstneriske og figurative mønstre i billedkunsten; i revisjon av melodisk, rytmisk og harmonisk organisering i musikk; i fremveksten av en "strøm av bevissthet", en intern monolog, assosiativ montasje i litteraturen osv. Ideene om irrasjonalistisk frivillighet til A. Schopenhauer og F. Nietzsche, intuisjonslæren av A. Bergson og N. Lossky, psykoanalyse 3 hadde stor innflytelse på modernismens praksis Freud og C. G. Jung, eksistensialismen til M. Heidegger, J.-P. Sartre og A. Camus, teorien om sosial filosofi ved Frankfurtskolen T. Adorno og G. Marcuse.

Den generelle emosjonelle stemningen til verkene til modernistiske kunstnere kan uttrykkes i følgende setning: kaoset i det moderne livet, dets oppløsning bidrar til uorden og ensomhet til en person, konfliktene hans er uløselige og håpløse, og omstendighetene han er i. plassert er uoverkommelige.

Etter andre verdenskrig mistet de fleste av de modernistiske trendene innen kunst sine tidligere avantgardeposisjoner. I etterkrigstidens Europa og Amerika begynner "masse" og "elite" kulturer aktivt å manifestere seg, med forskjellige estetiske trender og trender som tilsvarer dem, og erklærer seg også estetiske skoler ikke-marxistisk karakter. Generelt kan etterkrigsstadiet i utviklingen av utenlandsk estetikk defineres som postmoderne.

Postmodernisme er et konsept som betegner et nytt, det siste til dags dato, superstadium i kjeden av kulturtrender som naturlig forandrer hverandre i løpet av historien. Postmodernisme som et paradigme for moderne kultur er en generell utviklingsretning Europeisk kultur dannet på 70-tallet. Det 20. århundre

Fremveksten av postmoderne trender i kultur er assosiert med bevisstheten om begrensningene til sosial fremgang og frykten for samfunnet for at resultatene truer ødeleggelsen av selve kulturens tid og rom. Postmodernismen skulle så å si etablere grensene for menneskelig inngripen i utviklingen av natur, samfunn og kultur. Derfor er postmodernisme preget av søket etter et universelt kunstnerisk språk, konvergens og sammenslåing av ulike kunstneriske bevegelser, dessuten stilens "anarkisme", deres endeløse variasjon, eklektisisme, collage, subjektiv montasjes rike.

De karakteristiske trekkene til postmodernismen er:

Orienteringen av postmoderne kultur og "massen" og "eliten" i samfunnet;

Betydelig innflytelse av kunst på ikke-kunst sfærer av menneskelig aktivitet (på politikk, religion, informatikk, etc.);

Stilpluralisme;

Bred sitering i deres kreasjoner av kunstverk fra tidligere tidsepoker;

ironi over kunstneriske tradisjoner tidligere kulturer;

Bruke teknikken til spillet når du lager kunstverk.

I postmoderne kunstnerisk skapelse foregår det en bevisst reorientering fra kreativitet til kompilering og sitering. For postmodernismen er ikke kreativitet lik skapelse. Hvis systemet «kunstner – kunstverk» fungerer i pre-postmoderne kulturer, så flyttes vekten i postmodernismen til forholdet «kunstverk – betrakter», som indikerer en grunnleggende endring i kunstnerens selvbevissthet. Han slutter å være en "skaper", siden meningen med verket er født direkte i handlingen av dets oppfatning. Et postmoderne kunstverk må sees, stilles ut, det kan ikke eksistere uten en betrakter. Vi kan si at det i postmodernismen er en overgang fra et «kunstverk» til en «kunstnerisk konstruksjon».

Postmodernisme som teori fikk betydelig begrunnelse i verkene til J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) og "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985) ) og andre

I denne delen vil bare de viktigste estetiske trendene og skolene for ikke-marxistisk orientering, samt nøkkelproblemene til estetisk vitenskap i det 20. århundre, bli analysert.