Hva er forskjellen mellom en kunstner og en vitenskapsmann? En talentfull person er talentfull i alt. En kunstner og en forfatter rullet sammen.
Den forrige viste at kunst og vitenskap har noe å presentere for hverandre, enn å glede og intrigere. Det er derfor det legges brede transportårer mellom dem, langs hvilke det er en konstant utveksling av det som er oppnådd. Akkurat som en vitenskapsmann mater kunstens mestere med førsteklasses vitenskapelig informasjon, stuper han selv inn i kunstens verden og assimilerer dens verdier. Det er bare takket være en slik gjensidig støtte at de kan rettferdiggjøre oppholdet på jorden på høyeste måte.
Selvfølgelig opptar vitenskap og kunst motsatte poler i kulturen, setter spesifikke mål og tjener ulike menneskelige behov. Men nettopp fordi de er forskjellige, har de all grunn til å slå seg sammen for gjensidig støtte. For det kunstneren mangler, kan han lære av vitenskapen, og omvendt: Forskeren tar igjen mangelen på kommunikasjon med kunsten. De har ingen grunn til å leve inkonsekvent. Ikke rart at L. Tolstoy sammenlignet forbindelsen mellom vitenskap og kunst med det som eksisterer mellom lungene og hjertet: Hvis det ene organet er sykt, er det dårlig for det andre.
Faktisk. Er vitenskapen i stand til å utvikle seg bortsett fra kunsten, uten å berøre dens livgivende nøkler? Hun risikerer da å bli sjelløs, vingeløs. Men selv kunst uten vitenskap vil være blottet for dybde av innhold, hul. De er så nært beslektet at deres suksesser er praktisk talt vanlige, og fremgang på ett område påvirker alltid situasjonen på et annet. Derfor, for å forstå hendelsene som har funnet sted, for eksempel i kunst, må man vende seg til vitenskapen, og for å avdekke vendingene i vitenskapelig og teknisk tanke, er det verdt å se nøye på hva som skjer i nærheten , i kunst.
Jeg vil gjerne tegne ordene til Ch. Snow. Til tross for at vitenskap og kunst ofte er skilt, noen ganger til og med i konfrontasjon, konvergerer de ofte, og da kan "sammenstøtet mellom to disipliner, to galakser - hvis du ikke er redd for å gå så langt! - ikke annet enn å slå en kreativ gnist. "
Og rett. I menneskehetens historie blusset gnister fra slike møter opp nå og da, og ble oppvarmet til ekte kreativ inspirasjon. Vitenskapen hjelper kunstfolk til å se verden gjennom sannhetens øyne, renset for surrogater og formodninger. På sin side beriker kunst, som gjenspeiler verden figurativt, forskeren med evnen til å se på oppgaven sin fra andre høyder, fengsle med søkets skjønnhet. Dette bekrefter en nær, men ikke alltid tydelig, forening av det vitenskapelige og det kunstneriske.
Samveldet deres blusser opp mest levende på de punktene der talentene til vitenskapsmannen og kunstneren samles i én person. Og hvis slike mennesker bringer like enestående resultater til verden på begge områder, kan suksess også forklares med det faktum (eller hovedsakelig av det faktum) at vi har foran oss en vellykket kombinasjon av tilbøyelighetene til disse to typene kreativitet på en gang.
Så oppmerksomheten vår ble fanget av historien til menneskelig tanke, og demonstrerte sjenerøst talentene til to dimensjoner: den ene bestemmer målingen av en persons kunstnerskap, den andre - dybden av hans forskningsevner. Å skape, skape en slik person, å være en vitenskapsmann, hjelper seg selv ved at han også er en kunstner, og å være en kunstner, styrker han sin gave med evnene til en vitenskapsmann. Og selv om disse bindende trådene ikke er så synlige utad, er det fortsatt en intern utveksling av talenter, metoder for å mestre verden, måter å nærme seg den reflekterte og opplevde virkeligheten på.
Først, la oss snakke om de fremragende kunstskaperne som også etterlot et merkbart, men kanskje ikke så lysende, preg i vitenskapen.
En av de første i denne konstellasjonen er den store persiske og tadsjikiske poeten og vitenskapsmannen på 1000-tallet Omar Khayyam. Han startet som matematiker og astronom, fordypet seg deretter i andre deler av naturkunnskap, etter å ha mestret mange vitenskaper. Han ble ansett som en student og etterfølger av den strålende naturutforskeren Ibn Sina. Og bare fritid kunne vie til poesi. Imidlertid var det i poesien han mest sannsynlig foreviget seg selv.
I lang tid, frem til 1800-tallet, kjente verden to Khayyamer: poeten Omar Khayyam og matematikeren Al-Qayyami. Enten gjettet de ikke, eller så kunne de rett og slett ikke tro at dette var en person som ble kalt: Giyas ad-Din Abu-l-Fath Omar ibn Ibrazhm al-Khayyam an-Naysubarn. Så uvanlig langt navn dekode slik. "Ghiyath ad-Din" - den tradisjonelle tittelen på en vitenskapsmann, bokstavelig talt "troens hjelp." Deretter skrives hans eget navn, deretter navnet på faren og yrket (Khayyam, som betyr "teltmester"). Til slutt er bosted indikert - Naysubarn eller Nishapur (nå en by sør for Ashgabat).
En av grunnene til at det var to O. Khayyams, er kanskje at han skrev poesi på det litterære språket farsi, og vitenskapelige arbeider- på "vitenskapelig" arabisk, Men hovedrollen ble spilt, antagelig, bare av en uvanlig kombinasjon av matematiske og poetiske talenter. På samme måte trodde Europa på en gang på to M. Lomonosovs. Men mer om det senere.
Poeten O. Khayyam forlot rundt fire hundre (og for å være presis tre hundre og åttito) rubai. Dette er kvart der strålende filosofiske aforismer, sosiale refleksjoner kombineres med et dypt personlig, lyrisk tema.
Som vitenskapsmann er han kjent for å sette sammen en kalender med utrolig nøyaktighet som konkurrerer med selv den gregorianske kalenderen som nå er i bruk. Hvis i sistnevnte en feil på en dag akkumuleres over 3300 år, så i kalenderen til O. Khayyam i 4500 år! Dessverre har den andre ulemper og er derfor vanskelig å bruke.
O. Khayyam kjente egenskapen til den såkalte aritmetiske trekanten, oppdaget i Europa bare 16 århundrer senere. Et hvilket som helst tall i en slik trekant viser seg å være lik summen av tallene som står over den. O. Khayyam eide også en systematisk gjennomgang av løsningen av ligninger opp til tredje grad inklusive, han uttrykte mange geometriske ideer som gjentok Euklids sannheter osv. Kort sagt, vi har en mann med store vitenskapelige og kunstneriske talenter som med glede sameksisterte i én person.
La oss raskt gå gjennom middelalderen, da vitenskapelige og kunstnerisk praksis forent generelt konsept"syv liberal kunst". Disse inkluderte: musikk, retorikk (veltalenhet), pedagogikk, som personifiserte kunsten selv, samt aritmetikk, geometri, astronomi og grammatikk, som utgjorde en del av vitenskapen. Ganske ofte gjorde de samme menneskene fremgang i dem.
Og nå vil vi umiddelbart befinne oss i det 18. århundre, hvor kreasjonene til det tyske folkets geni, W. Goethe, venter på oss.
Selvfølgelig er han først og fremst poet og forfatter. Og denne herligheten overskygget hans andre herlighet - en stor vitenskapsmann. Så stor at, selv om W. Goethe ikke var det enestående personlighet på kunstens himmel ville han fortsatt gå inn i kulturhistorien som naturforsker.
De etterlot 14 bind (!) Vitenskapelig forskning. I tillegg 45 bind med brev, dagbøker, essays, der det er mange sider med refleksjoner om naturvitenskapelige emner. Ikke rart at K. Timiryazev betraktet W. Goethe som det eneste eksemplet i historien om menneskelig tanke på å kombinere en stor poet, tenker og en fremragende vitenskapsmann i én person. Åpenbart presenterte K. Timiryazev overvurderte kriterier. I verdenshistorien er ikke W. Goethe alene, men han er virkelig en enestående personlighet.
Spesielt verdifulle var hans investeringer i biologi. På 1800-tallet ble morfologi (studiet av kroppens former og struktur) den ledende delen av vitenskapen om de levende, dens grunnlag og elskerinne. W. Goethe var en av dem som sto, kan man si, i opprinnelsen til denne disiplinen, med rette ansett for å være dens teoretiker. Det var han som klarte å identifisere en rekke ledende lover i strukturen til planteverdenen.
Generelt begynte W. Goethe å studere naturvitenskap relativt sent, i en alder av tretti, da han var minister for «dverg» Weimar-fyrstedømmet, hvor byen Jena lå med sitt berømte universitet. Men snart publiserte han allerede verket "Erfaring med å forklare metamorfosen av planter", der, kanskje for første gang, ideen om enheten i planteriket og dets utvikling fra en viss felles plattform. "Erfaring" kalles ikke tilfeldigvis forløperen til den evolusjonære tilnærmingen til planter.
W. Goethe uttrykte selv hovedkonklusjonen av sitt arbeid på denne måten: "Forskjellige deler av en plante oppstår fra ett identisk organ, som, forblir i grunnen det samme, modifiseres og forandres gjennom progressiv utvikling." Dermed har bladene en felles natur, selv om de er forskjellige i sin plassering på stilken, i form og funksjon. Blomsten, viser det seg, er også et blad, bare sterkt modifisert. Poeten Goethe gikk ikke glipp av muligheten til å omsette disse naturvitenskapelige resultatene til en poetisk tekst. Slik oppsto "Plantenes metamorfoser", der vi finner praktfulle linjer:
I hver blomst er det en likhet med andre, men det er også en forskjell: Det er tydelig at i det hele er en forunderlig, mektig lov skjult, En forunderlig gåte er skjult.
W. Goethe ble verken forstått av vitenskapsmenn, eller av kunstfolk og venner. Hans synspunkter var for dristige for de som var vant til det gamle preformistiske dogmet. I følge postulatene inneholder embryoet allerede alle organene som et voksent individ har, bare de er ubetydelige. Så i embryoet til et esel er det ører, hover og alt annet. I fremtiden skjer bare en enkel kvantitativ økning. Med en slik tilnærming kunne det ikke være snakk om noen kvalitativ utvikling av organismen, spesielt dyrets evolusjon.
W. Goethe ble ikke forstått på annen måte. Det er kjent at han eier oppdagelsen av det såkalte intermaxillære beinet hos mennesker, hvis tilstedeværelse forskerne enstemmig benektet, og mente at dette er det som skiller mennesker fra dyr. Ved å sammenligne hodeskallene til begge fant W. Goethe suturer hos en person, som, selv om de var svake, indikerte spor av premaxillær bein. Han studerte også bein på ødelagte hodeskaller, studerte hodeskallene til barn og til og med fostre, med et ord, han jobbet som en ekte naturforsker. Og han beviste poenget sitt.
Akk! W. Goethes artikkel ble ikke publisert. Den fremtredende anatomen P. Camper motiverte for eksempel sitt avslag slik: «Jeg er likevel noe fornærmet over tilnærmingen til vår rase (det vil si mennesket) til storferasen». Og først i 1820, det vil si nesten 40 år fra skrivingsdatoen, ble artikkelen publisert, og da i en sparsom form: uten figurer og tabeller. Den dukket opp i sin helhet først i 1831. Men på den tiden hadde den menneskelige premaxillaen allerede blitt beskrevet av andre.
Poeten behandlet også andre naturvitenskapelige spørsmål. Ja, oppdaget han ny form skyer - kam, fyller opp med det mangfoldet av arter av dette interessante naturfenomenet. Himmelen tiltrakk ham også med dypere avstander: den vinket med hemmeligheten bak dens blåhet. Jeg ønsket å nøste opp, og W. Goethe ble interessert i læren om farge – kromatikk. Slik definerte han fargeproblemet. Jeg har forsket på det i omtrent tjue år. Resultatet var hans egen teori om spørsmålet. Det er presentert i et tobindsverk (mer enn 1400 sider) med et atlas over tabeller, en beskrivelse av eksperimenter osv. Så forlot han ikke dette arbeidet før slutten av livet, og supplerer det med artikler og kommentarer.
Konklusjonene var basert på den feilaktige ideen om at I. Newtons optiske konsept er falskt, og resultatene av hans erfaring med å dekomponere hvitt lys til regnbuefarger og deres syntese til hvitt lys er uholdbare. Teorien om I. Newton, sa W. Goethe, er et gammelt slott fullt av rotter og ugler, et slott som har mistet sin militære betydning og må jevnes med jorden.
Hva foreslo han i stedet? Ifølge ham kommer farger ikke til øyet i form av stråler, men oppstår i øyet, skapes av det. Interessant nok satte W. Goethe sin egen teori ganske høyt, over sine kunstneriske kreasjoner. Kort før sin død dikterte han for eksempel til sin personlige sekretær I. Eckerman: "Jeg har ingen illusjoner om hva jeg skapte som poet. Utmerkede poeter levde med meg, enda bedre levde før meg og vil også leve etter meg. at jeg i mitt århundre er den eneste som kjenner sannheten i den vanskelige fargelæren, jeg kan være litt stolt av dette, og derfor har jeg en følelse av overlegenhet over mange ... "
Det bør bemerkes at W. Goethe, ifølge eksperter, skarpsindig så en rekke tvetydigheter i det da dominerende korpuskulære konseptet til I. Newton. Han var den første som gjorde for eksempel oppmerksom på at hun ikke var i stand til å forklare mange optiske effekter, og rokket ved troen på hennes ufeilbarlighet.
Og likevel er ikke hovedsaken dette. En rekke vitenskapsmenn støttet da og senere ideene til W. Goethe, ikke bare i den kritiske, men også i den positive delen. For bare å nevne noen: G. Helmholtz, V. Ostwald, K. Timiryazev, A. Stoletov, V. Vernadsky, V. Heisenberg, M. Born ... enige om at alle er en autoritet, alle er en av de første stjernene omfanget.
Hva er i veien? W. Goethe la grunnlaget for en ny lære – den psykofysiologiske teorien om farge. Tilbake på 20-tallet av 1800-tallet erklærte fremtredende fysiologer, tsjekkeren J. Purkine (kallenavnet «våkne») og tyskeren I. Müller, seg til etterfølgere og studenter av W. Goethe og fortsatte hans arbeid.
I. Müller mener for eksempel at W. Goethe har rett, akkurat som I. Newton har rett. Men de undersøkte forskjellige fargeplan: den første - dens psykofysiologi (mekanismen for nervøs dannelse av følelse), den andre - fysikken til ytre stimuli som forårsaker en optisk fargesans. De er ikke uenige, men utfyller hverandre.
Som vi kan se, er ikke W. Goethe en fremmed i naturvitenskapen heller. De har mye igjen her. Dermed kombinerte han med suksess en poet og en vitenskapsmann, som åpenbart manifesterte seg på den mest gunstige måten både i hans litterære og vitenskapelige anliggender.
Fortsetter historien om store artister, som banet spor i vitenskapen, vil jeg merke JI. Carroll, forfatteren av høyprofilerte litterære mesterverk. I tillegg til eventyrene til Alice i Eventyrland, som vi skrev om, etterlot han en annen bok, Through the Looking-Glass and what Alice så der, eller Alice Through the Looking-Glass.
Imidlertid var det få som visste i løpet av hans levetid (og til og med senere) at personen som skapte de storslåtte barneeventyrene som voksne leste opp for å lese, er en matematiker som også har oppnådd seriøs suksess innen naturvitenskap. I 26 år var han professor ved det berømte Oxford-universitetet. De sier at da dronning Victoria, etter å ha kommet til glede for "Alice", ønsket å lese alt som ble skrevet av JI. Carroll, de la foran henne ... en stabel avhandlinger om geometri. Men la oss høre hva ekspertene har å si. Det velkjente sovjetiske geometeret I. Yaglom bemerker at L. Carroll har "et ekstraordinært litterært talent og bemerkelsesverdig logisk sofistikert." Sistnevnte tillot ham å oppnå en rekke interessante matematiske resultater, men av lavere rang enn hans kunstneriske oppdagelser.
Nå gjenstår det for oss å informere om at det virkelige navnet på dette interessant person- Charles Dodgson. Og Lewis Carroll er et pseudonym. Han kom på det på en ganske morsom måte. Først oversatte han fra engelsk til latin fornavnet Charles - "Carolus". Deretter oversatte han Lutwidges mellomnavn – «Ludvikus». (Merk at europeiske nasjoner ved fødselen blir et barn vanligvis gitt flere navn - til ære for slektninger, venner, bekjente. For eksempel har Hegel tre navn: Georg, Friedrich, Wilhelm.) Så ble det "Carolus Ludvikus". Omorganisere disse latinske navn steder og oversette dem igjen til engelsk, fikk Lewis Carroll sitt pseudonym. Det formørket snart hans sanne navn, navnet på en lærer i geometri, tvunget til å holde tørre forelesninger og lage melankoli med praktiske øvelser. De sier at noen år senere sa en av elevene hans: "Bare tenk! På den tiden komponerte han" Alice "..."
Den østerrikske forfatteren R. Musil, en klassiker innen tyskspråklig litteratur fra det 20. århundre, har en rekke utmerkede verk i Peru. Spesielt kjent er hans trebinds satiriske roman «En mann uten kvaliteter», som kombinerer den tradisjonelle figurative fremstillingen med en dyp filosofisk analyse. Leseren bretter ut et storstilt lerret av den østerriksk-ungarske statens sammenbrudd som en slags «modell» av den generelle krisen i det borgerlige Europa.
Men i motsetning til mange av hans andre romanforfattere, var R. Musil en representant for eksakt kunnskap. Han fikk en militærteknisk utdannelse og studerte matematikk, fysikk og eksperimentell psykologi grundig. Og selv om han tilfeldigvis også fikk noe her, tilfalt hovedsuksessen ham i litterært arbeid.
Blant menneskene som hadde en kunstnerisk gave ved siden av talentet til en vitenskapsmann, er vi glade for å nevne navnet på en landsmann, en fantastisk forfatter I. Efremov. Han er ikke bare en kvalifisert gruveingeniør, en god geolog, men også en doktor i biologiske vitenskaper, og en utmerket kunnskapsrik om historie. Sannsynligvis tillot dette allsidige stipendet, denne kombinasjonen av en geolog, biolog, historiker i én person å si et ganske tungtveiende ord i vitenskapen. I. Efremov er oppført som skaperen av en ny disiplin - tafonomi. Dette er en del av historisk geologi som studerer mønstrene for forekomst av rester av eldgamle organismer i lag jordskorpen. Her trengtes et biologisk-historisk-geologisk syn. I 1952 ble han tildelt statsprisen for sin bok "Taphonomy and the Geological Chronicle".
I tillegg var I. Efremov leder for en rekke ekspedisjoner. I en av dem, i Gobi-ørkenen, oppdaget han verdens største "graveyard of drages" (opphopning av dinosaurbein). Vi har med et ord å gjøre med en fremragende naturforsker. Denne kombinasjonen av talenter styrket ytterligere, gjensidig styrket hans tilbøyeligheter både som forfatter og vitenskapsmann.
Jo mer tid skiller oss fra livet til store mennesker som Platon, Perikles, Pythagoras, jo mer betydningsfulle og høyere vises bildene av disse ånds- og tanketitanene foran oss. Blant dem er uten tvil den store kunstneren, briljante vitenskapsmannen, den største humanisten i sin tid, Leonardo da Vinci.
Hans samtidige kalte ham den "universelle mannen". Allerede da var det klart at alt han gjorde i tidens åndelige og sosiale liv var unikt og uvanlig. Denne mannen kombinerte mange talenter og fantastiske talenter. Han var ikke bare en stor kunstner, en stor matematiker, mekaniker og ingeniør, som de mest forskjellige grenene av vitenskapen står i gjeld til for oppdagelser. Han var også en like fremragende astronom og kosmograf, geolog og botaniker, anatom og språkforsker, leksikograf og lyriker, romanforfatter og realistisk forfatter, en fremsynt tenker som introduserte humanistiske kriterier i alt som utgjorde rommet i arbeidet hans.
Det ville være en håpløs oppgave å prøve med noen få ord å oppsummere alt som forherliget navnet til denne uovertrufne skaperen av hans tid, gjorde ham evig levende i ettertidens øyne. La oss skille ut bare det viktigste, etter vår mening, som dannet grunnlaget for hans verdensberømmelse - vitenskap og kunst. I kunstnerens øyne var vitenskap og kunst bare forskjellige sider av en enkelt kreativ prosess. Det ene hjalp det andre: kunst kunne ikke nå perfeksjon uten vitenskap, kunstens pust måtte være tilstede i vitenskapen.
Og i dag er arbeidet til Leonardo da Vinci for oss den ennå uoppnåelige modellen, hvor egenskapene til en vitenskapsmann-skaper og en kunstner-tenker har smeltet sammen. Tanken på en vitenskapsmann, kombinert med det høyeste åndelige potensialet til individet, ga opphav til strålende ideer, skapte uvurderlige kunstverk gjort uventede og strålende oppdagelser.
George Vasari, den første kunsthistorikeren i ordets rette forstand, var ikke redd for å kalle Leonardo da Vinci "himmelsk" og "guddommelig". I dag, etter mer enn fem hundre år, kan vi med enda større grunn slutte oss til hans ord. Siden det er i dag at realiseringen av den virkelig planetariske betydningen, som alle store personligheter personifiserer, kommer til oss. Først i dag begynner vi å forstå det hele fremtredende personer, alle store talenter er fokus for høyere energier, der drivkraft utvikling. Det er de som skaper herligheten og vitaliteten til sine land. Det er gjennom dem og av dem at evolusjonære endringer i planetens liv realiseres.
Århundrer går, en æra avløser en annen, kronede personer okkuperer troner og forlater dem ... Men de forblir ikke i menneskehetens minne, men de som skaper med kunstens kraft, kraften til deres geni, storheten til deres ånd sann historie. Leonardo da Vinci tilhører utvilsomt disse store arkitektene av planeten.
Historien viser de mangfoldige, fantastiske verkene til Leonardo da Vinci på alle områder av livet. Han etterlot fantastiske matematiske poster, utforsket luftfartens natur, kastet seg inn i medisinske betraktninger. Han fant opp musikkinstrumenter, studerte kjemien til maling, elsket naturhistoriens underverker. Han dekorerte byene med praktfulle bygninger, palasser, skoler, boklager; bygget omfattende brakker for tropper; gravde en havn, den beste på hele den vestlige kysten av Adriaterhavet, og bygde store kanaler; lagt mektige festninger; bygget kampkjøretøyer; malte militærbilder ... Stor variasjon!
Men etter alt bemerkelsesverdig, forble Leonardo en kunstner i verdensbildet, en stor kunstner. Er ikke dette kreativitetens seier?!
Å svare på dette spørsmålet er like vanskelig som å si for eksempel hvordan en delfin skiller seg fra en gaselle. Men svaret er ikke uten mening: fra et biologisk synspunkt er en delfin en nærmere slektning av en gaselle enn for eksempel en hest som ligner mye mer på den. Bare for at denne likheten skal bli åpenbar, må du komme veldig dypt inn i essensen av problemet, bruke evolusjonsteorien og lære hvordan du sammenligner tilsynelatende indirekte, men faktisk nøkkeltrekk. Derfor, for å svare fullt ut, ville man trenge en bok, kanskje mer enn én, men her kan man bare gi noen skisser.
Først og fremst må vi ta hensyn til mediet som skaperverket blir tilgjengelig på for andre – et slags «habitat». For en kunstner er dette et lerret, et fotografi, en fil med et bilde ... noen broderer til og med fotografisk nøyaktige portretter med tråder. For en vitenskapsmann, først og fremst en teoretiker, er ikke et medium en slags vanskelig enhet eller substans, slik det er avbildet i tegneserier. Hovedprinsipp vitenskap - reproduserbarheten til eksperimentene og de oppnådde resultatene. Dermed er frukten av en vitenskapsmanns aktivitet først og fremst en artikkel i vitenskapelig tidsskrift eller i det offentlige domene. Dessuten, jo høyere grad av naturvitenskap (les: matematikk), jo mindre mulighet gjenstår for å gi noen synlige illustrasjoner. Og hvis bildet, i det minste utad, kan oppfattes av mer eller mindre alle, så for å forstå artikkelen, er kvalifikasjonen for overfladisk bekjentskap mye høyere.
Av denne grunn, i motsetning til en kunstner, kan en moderne vitenskapsmann ikke gi sitt arbeid noen skjulte betydninger, symboler, som til syvende og sist et kunstverk består av. Selv om det er vanskelig for spesialister å håndtere arbeid med lignende emner, bør dette arbeidet presenteres så klart og tydelig som mulig, i allment anerkjente termer.
Men det er her moroa begynner – likhetene begynner. La bildet først og fremst virke på følelser, det må, i likhet med artikkelen, forstås. Ikke nødvendigvis av alle, selv om bare av målgruppen, selv om denne målgruppen består av halvannen undergrunnsvenn – men forstått. Det vil si at "språket" i bildet, til slutt, skal være tilgjengelig, samt terminologien til en vitenskapelig artikkel.
For å få riktig effekt må bildet ha komposisjon - men dette gjelder også for artikler. Hvordan ordne stoffet i artikkelen, hva man bør ta hensyn til, hvilke beregninger og konklusjoner man bør utelate fordi de er forståelige for publikum, og hvilket materiale som skal inkluderes fordi det vanligvis er ukjent for publikum - dette må man forholde seg til hele tiden. Eleganse er et ord som er langt fra fremmed for vitenskap, og mange eminente forskere påpeker at enkelhet, skjønnhet og sannhet vanligvis går hånd i hånd.
Den siste sammenligningen refererer snarere til den mest abstrakte delen av vitenskapen - teoretisk fysikk og matematikk. Poenget er at hva mindre vitenskap bundet til virkelige verden- der fysikk går utover grensene for sorte hull og under Planck-radiusen, og enda tidligere for matematikk - jo mer frihet for kreativitet oppstår. Kreativitet ligger i valg av aksiomer og tilnærminger som brukes for å utvikle teorien. Det bør likevel stemme overens med observasjoner og tidligere resultater. Og her vil jeg ufrivillig tegne en analogi ikke bare med kunst, men med nederlandsk maleri.
Hva er det særegne ved Rembrandts maleri, det som gjør ham unik i forhold til sin samtid. Faktum er at i det nederlandske maleriet på den tiden strebet de etter hyperrealisme - ved å jobbe med en pensel i ett hår, reproduserte kunstneren hver lo på teppet, alle refleksjoner og brytninger av en kompleks gylden dekorasjon i et enda mer komplekst glasskar ... Og så kommer Rembrandt og skriver menneskelig øye i tre slag. Representerer håret, skraper det mørke laget med baksiden av børsten og avslører det tidligere lyse laget. Han tegner klær, legger så mye maling at det oppnås en lettelse. Tenk deg argumentene han hadde med andre kunstnere om berettigelsen av teknikken hans.
Og jeg husker en tvist som jeg en gang hadde med min venn og kollega, Rembrandts landsmann. Striden handlet om hva - i den generaliserte saken som vi jobbet med da - å ta for de såkalte glatte funksjonene. Brahm - det er navnet på hans kollega - mente at dette burde bestemmes av allerede eksisterende objekter som det allerede er oppfunnet en annen metode for, I - at denne definisjonen generelt kan suges ut av fingeren, og teorien kan justeres til valg allerede tatt. Da kom vi nesten i kamp. Men selv om tvisten vår handlet om et veldig abstrakt område av vitenskapen, var ikke argumentene våre av vitenskapelig karakter - de var utelukkende estetiske. Til slutt hadde vi bare forskjellige stiler å jobbe med ham på. På samme måte er det ønskelig for enhver artist å utvikle sin egen stil.
Denne stilen - stilen til kunstneren - kan være hva som helst: fra hyperrealisme og imitasjon av klassikerne - til dadaismen og Malevichs firkant. Men på samme måte skiller stiler i matematikk seg – fra metamatematikk, bevisteori – og opp til ganske anvendte disipliner som er direkte relatert til hastigheten og nøyaktigheten av beregninger av fysiske prosesser i ingeniøroppgaver. Alle velger tilnærminger og verktøy for seg selv, noen ganger er det om ikke uforsonlige motsetninger, så i det minste alvorlige misforståelser mellom mennesker som utvikler forskjellige retninger - akkurat som i forskjellige stiler Kunst.
Og på dette dype nivået viskes forskjellen mellom kunstneren og vitenskapsmannen ut, akkurat som forskjellen mellom en delfin, en gaselle og en infusoria viskes ut – tross alt er de alle, til syvende og sist, eukaryoter.
Leonardo da Vinci (1452-1519) - den største skikkelsen, renessansens mangefasetterte geni, grunnleggeren av Høyrenessanse. Kjent som kunstner, vitenskapsmann, ingeniør, oppfinner.
Leonardo da Vinci ble født 15. april 1452 i byen Anchiano nær byen Vinci, som ligger nær Firenze. Faren hans var Piero da Vinci, en notarius som kom fra en fremtredende familie i byen Vinci. I følge en versjon var moren en bondekvinne, ifølge en annen - eieren av tavernaen, kjent som Katerina.
I en alder av omtrent 4,5 år ble Leonardo ført til farens hus, og i datidens dokumenter kalles han den uekte sønnen til Piero.
I 1469 kom han inn på verkstedet kjent kunstner, billedhugger og gullsmed Andrea del Verrocchio (1435/36–1488). Her gikk Leonardo gjennom hele læretiden: fra å gni maling til å jobbe som lærling. I følge historiene til samtidige malte han den venstre figuren av en engel i Verrocchios maleri "Baptism" (ca. 1476, Uffizi Gallery, Firenze), som umiddelbart vakte oppmerksomhet. Bevegelsens naturlighet, jevnheten av linjer, mykheten til chiaroscuro - skiller figuren til en engel fra den mer stive skriften til Verrocchio. Leonardo bodde i huset til mesteren, og etter at han ble tatt opp i St. Lukas-lauget i 1472, malerlauget.
En av de få daterte tegningene av Leonardo ble laget i august 1473. Utsikten over Arno-dalen fra en høyde ble laget med en penn med raske strøk, som overfører vibrasjoner av lys og luft, noe som indikerer at tegningen ble laget fra naturen (Uffizi Gallery, Firenze).
Det første maleriet som tilskrives Leonardo, selv om forfatterskapet er omstridt av noen eksperter, er The Annunciation (ca. 1472, Uffizi Gallery, Firenze). Dessverre, ukjent forfatter foretatt senere rettelser, noe som forverret kvaliteten på arbeidet betydelig.
"Portrett av Ginevra de Benci" (1473-1474, Nasjonalgalleriet, Washington) er gjennomsyret av en melankolsk stemning. En del av bildet nedenfor er avskåret: sannsynligvis ble hendene til modellen avbildet der. Konturene til figuren mykes opp ved hjelp av sfumato-effekten, skapt før Leonardo, men det var han som ble genialiteten til denne teknikken. Sfumato (it. sfumato - tåkete, røykfylte) - en teknikk utviklet i renessansen innen maleri og grafikk, som lar deg formidle mykheten til modellering, unnvikelsen til objektkonturene, følelsen av luftmiljøet.
Mellom 1476 og 1478 Leonardo åpner verkstedet sitt. Denne perioden inkluderer "Madonna med en blomst", den såkalte. Benois Madonna (ca. 1478, State Eremitage, Saint Petersburg). Den smilende Madonna henvender seg til Jesusbarnet som sitter på fanget hennes, bevegelsene til figurene er naturlige og plastiske. I dette bildet er det en karakteristisk interesse for Leonardos kunst for å vise den indre verden.
Det uferdige maleriet The Adoration of the Magi (1481–1482, Uffizi Gallery, Firenze) tilhører også tidlige arbeider. Den sentrale plassen er okkupert av forgrunnen gruppe - Madonna and Child and Magi.
I 1482 dro Leonardo til Milano, den tidens rikeste by, under beskyttelse av Lodovico Sforza (1452–1508), som støttet hæren, brukte enorme mengder penger på overdådige festligheter og kjøp av kunstverk. Leonardo introduserer seg for sin fremtidige beskytter, og snakker om seg selv som en musiker, militærekspert, oppfinner av våpen, krigsvogner, maskiner, og først da snakker han om seg selv som en kunstner. Leonardo bodde i Milano til 1498, og denne perioden av livet hans var den mest fruktbare.
Den første kommisjonen Leonardo mottok var opprettelsen av en rytterstatue til ære for Francesco Sforza (1401–1466), far til Lodovico Sforza. Leonardo jobbet med det i 16 år og laget mange tegninger, samt en åtte meter lang leiremodell. I et forsøk på å overgå alle eksisterende rytterstatuer, ønsket Leonardo å lage en storslått skulptur i størrelse, for å vise en oppveksthest. Men overfor tekniske vanskeligheter endret Leonardo ideen og bestemte seg for å skildre en gående hest.
I november 1493 ble modellen av den rytterløse hesten vist offentlig, og det var denne begivenheten som gjorde Leonardo da Vinci berømt.
Det tok rundt 90 tonn bronse for å støpe skulpturen. Metallinnsamlingen som var påbegynt ble avbrutt, og rytterstatue ble aldri kastet.
I 1499 ble Milano tatt til fange av franskmennene, som brukte skulpturen som mål. Etter en stund kollapset den. Hesten - et storslått, men aldri fullført prosjekt - er et av de betydelige verkene innen monumental plastisk kunst på 1500-tallet, og ifølge Vasari "hevder de som har sett en enorm leiremodell ... at de aldri har sett en vakrere og majestetiske verk," kalte monumentet "stor koloss."
Ved hoffet i Sforza jobbet Leonardo også som dekoratør for mange festligheter, og skapte hittil usett natur og mekanismer, og laget kostymer til allegoriske figurer.
Leonardos uferdige maleri "Saint Hieronymus" (1481, Vatikanmuseet, Roma) viser helgenen i omvendelsesøyeblikket i en kompleks vending med en løve ved føttene. Bildet ble malt i svart-hvitt. Men etter å ha lakket den på 1800-tallet ble fargene til oliven og gylden.
"Madonna in the Rocks" (1483-1484, Louvre, Paris) - kjent maleri Leonardo, malt av ham i Milano. Bildet av Madonnaen, Jesusbarnet, den lille døperen Johannes og en engel i et landskap er et nytt motiv i italiensk maleri den tiden. I åpningen av berget er et landskap synlig, som er gitt sublime ideelle trekk og hvor prestasjonene til lineært og luftperspektiv vises. Selv om hulen er svakt opplyst, er ikke bildet mørkt, ansikter og figurer kommer forsiktig frem fra skyggene. Den tynneste chiaroscuro (sfumato) skaper inntrykk av et svakt diffust lys, modellerer ansikter og hender. Leonardo forbinder figurene ikke bare med en felles stemning, men også med rommets enhet.
«Dame med en hermelin» (1484, Czartoryski-museet, Krakow) er et av de første verkene til Leonardo som hoffportrettmaler. Maleriet viser elskerinnen til Lodovik Cecilia Gallerani med emblemet til Sforza-familien, en hermelin. Den komplekse vendingen av hodet og den utsøkte bøyningen av damens hånd, den buede stillingen til dyret - alt snakker om forfatterskapet til Leonardo. Bakgrunnen ble malt på nytt av en annen kunstner.
"Portrett av en musiker" (1484, Pinacoteca Ambrosiana, Milano). Bare ansiktet til den unge mannen er fullført, resten av bildet er ikke stavet. Ansiktstypen er nær ansiktene til Leonardos engler, bare utført mer modig.
En annen unikt arbeid ble skapt av Leonardo i en av hallene til Sforza-palasset, som kalles "Eselet". På hvelvene og veggene i denne hallen malte han pilekroner, hvis grener er intrikat sammenvevd, bundet med dekorative tau. Deretter smuldret en del av malingslaget, men en betydelig del ble bevart og restaurert.
I 1495 begynte Leonardo arbeidet med The Last Supper (areal 4,5 × 8,6 m). Fresken er plassert på veggen til spisesalen til det dominikanske klosteret Santa Maria delle Grazie i Milano i en høyde av 3 m fra gulvet og opptar hele endeveggen i rommet. Leonardo orienterte freskens perspektiv til betrakteren, og dermed kom den organisk inn i det indre av spisesalen: perspektivreduksjonen av sideveggene som er avbildet i fresken, fortsetter det virkelige rommet til spisesalen. Tretten personer sitter ved et bord parallelt med veggen. I sentrum er Jesus Kristus, til venstre og til høyre for ham er hans disipler. Det dramatiske øyeblikket med eksponering og fordømmelse av svik vises, øyeblikket da Kristus nettopp uttalte ordene: "En av dere vil forråde meg", og forskjellige følelsesmessige reaksjoner fra apostlene på disse ordene. Komposisjonen er bygget på en strengt verifisert matematisk beregning: i sentrum er Kristus, avbildet mot bakgrunnen av den midterste, største åpningen av bakveggen, perspektivets forsvinningspunkt faller sammen med hodet hans. De tolv apostlene er delt inn i fire grupper med tre skikkelser hver. Hver er gitt en levende karakteristikk av uttrykksfulle gester og bevegelser. Hovedoppgaven var å vise Judas, å skille ham fra resten av apostlene. Ved å plassere ham på samme linje av bordet som alle apostlene, skilte Leonardo ham psykologisk ved ensomhet.
Opprettelsen av The Last Supper var en bemerkelsesverdig begivenhet i det kunstneriske livet i Italia på den tiden. Som en ekte innovatør og eksperimenter, forlot Leonardo freskomaleriteknikken. Han dekket veggen med en spesiell sammensetning av harpiks og mastikk og malte i tempera. Disse forsøkene førte til største tragedie: spisesalen, som raskt ble reparert etter ordre fra Sforza, de pittoreske nyvinningene til Leonardo, lavlandet hvor spisesalen lå - alt dette tjente en trist tjeneste for bevaringen av den siste nattverden. Malingen begynte å flasse av, som allerede nevnt av Vasari i 1556.
Nattverden ble gjentatte ganger restaurert på 1600- og 1700-tallet, men restaureringene var ufaglærte (malingslagene ble ganske enkelt påført på nytt).
På midten av 1900-tallet, da maleriet falt i en begredelig tilstand, begynte de å gjøre det vitenskapelig restaurering: alt ble fikset først malingslag, så ble senere lag fjernet, Leonardos tempera-maleri ble åpnet. Og selv om verket ble hardt skadet, gjorde disse restaureringsarbeidene det mulig å si at dette renessansemesterverket ble reddet. Leonardo jobbet på fresken i tre år og skapte renessansens største skapelse.
Etter fallet av Sforzas makt i 1499, reiser Leonardo til Firenze, og stopper ved Mantua og Venezia på veien. I Mantua lager han en papp med et portrett av Isabella d "Este (1500, Louvre, Paris), laget i svart kritt, kull og pastell.
Våren 1500 ankom Leonardo Firenze, hvor han snart fikk ordre om å male et altermaleri i Bebudelsesklosteret. Bestillingen ble aldri gjennomført, men et av alternativene er den såkalte. Burlington House Cardboard (1499, National Gallery, London).
En av de betydelige oppdragene Leonardo mottok i 1502 for å dekorere veggen til rådssalen til Signoria i Firenze var "Slaget ved Anghiari" (ikke bevart). En annen vegg til dekorasjon ble gitt til Michelangelo Buonarroti (1475-1564), som malte maleriet "Slaget ved Cascine" der.
Skisser av Leonardo, nå tapt, viste panoramaet av slaget, i midten som kampen om banneret fant sted. Tegneseriene av Leonardo og Michelangelo, utstilt i 1505, var en rungende suksess. Som i tilfellet med The Last Supper, eksperimenterte Leonardo med maling, som et resultat av at malingslaget gradvis smuldret opp. Derimot, forberedende tegninger, kopier som delvis gir en ide om omfanget av dette arbeidet. Spesielt er en tegning av Peter Paul Rubens (1577–1640) bevart, som viser den sentrale scenen i komposisjonen (ca. 1615, Louvre, Paris).
For første gang i kampmaleriets historie viste Leonardo slagets dramatikk og raseri.
"Mona Lisa" - det mest kjente verket til Leonardo da Vinci (1503-1506, Louvre, Paris). Mona Lisa (forkortelse for Madonna Lisa) var den tredje kona til den florentinske kjøpmannen Francesco di Bartolomeo del Giocondo. Nå er bildet litt endret: kolonner ble opprinnelig tegnet til venstre og høyre, nå avskåret. Bildet er lite i størrelse og gjør et monumentalt inntrykk: Mona Lisa vises mot et landskaps bakteppe, der romdybden, luftdisen formidles med den største perfeksjon. Leonardos berømte sfumato-teknikk bringes hit til uante høyder: den tynneste, som om den smelter, disen av chiaroscuro, omslutter figuren, myker opp konturene og skyggene. Det er noe unnvikende, fortryllende og attraktivt i et lite smil, i det livlige ansiktsuttrykket, i den staselige roen i posituren, i stillheten i de glatte linjene i hendene.
I 1506 mottok Leonardo en invitasjon til Milano fra Ludvig XII av Frankrike (1462-1515).
Etter å ha gitt Leonardo full handlefrihet og regelmessig betalt ham, krevde ikke de nye lånetakerne visse jobber fra ham. Leonardo er glad i vitenskapelig forskning, noen ganger over til maleri. Så ble den andre versjonen av Madonna in the Rocks skrevet (1506–1508, British National Gallery, London).
"Sankt Anna med Maria og Kristusbarnet" (1500–1510, Louvre, Paris) er et av temaene i Leonardos verk, som han gjentatte ganger vendte seg til. Den siste utviklingen av dette temaet forble uferdig.
I 1513 reiser Leonardo til Roma, til Vatikanet, til domstolen til pave Leo X (1513-1521), men mister snart pavens gunst. Han studerer planter Botanisk hage, utarbeider planer for drenering av de pontinske myrene, skriver notater til en avhandling om strukturen til den menneskelige stemmen. På dette tidspunktet skapte han det eneste "Selvportrettet" (1514, Reale Library, Torino), fylt med sangvinsk, som viser en gråhåret gammel mann med langt skjegg og et blikk.
Leonardos siste maleri ble også malt i Roma - "Døperen Johannes" (1515, Louvre, Paris).
Igjen får Leonardo et tilbud fra den franske kongen, denne gangen fra Frans I (1494-1547), etterfølgeren til Ludvig XII: å flytte til Frankrike, til en eiendom nær det kongelige slottet Amboise.
I 1516 eller 1517 ankommer Leonardo Frankrike, hvor han får tildelt leiligheter i Cloux-godset. Omgitt av den respektfulle beundring av kongen, får han tittelen "Kongens første kunstner, ingeniør og arkitekt." Leonardo, til tross for sin alder og sykdom, er engasjert i å tegne kanaler i Loire-dalen, deltar i forberedelsen av hofffestligheter.
Leonardo da Vinci døde 2. mai 1519 og testamenterte tegningene og papirene sine til Francesco Melzi, en lærling som beholdt dem hele livet. Men etter hans død ble alle utallige papirer distribuert over hele verden, noen gikk tapt, noen er lagret i forskjellige byer, på museer rundt om i verden.
Leonardo er en vitenskapsmann av yrke, og allerede nå imponerer han med bredden og mangfoldet av sine vitenskapelige interesser. Forskningen hans innen flydesign er unik. Han studerte flukt, planlegging av fugler, strukturen til vingene deres, og skapte den såkalte. ornithopter, et fly med blafrende vinger, og et urealisert prosjekt.
Leonardo skapte en pyramideformet fallskjerm, en modell av en spiralpropell (en variant av den moderne propellen). Ved å observere naturen ble han en ekspert innen botanikk: han var den første som beskrev phyllotaxy-lovene (lovene som styrer arrangementet av blader på en stilk), heliotropisme og geotropisme (lovene om solens påvirkning og tyngdekraften). på planter), oppdaget en måte å bestemme alderen på trær ved hjelp av årringer.
Han var en ekspert innen anatomi: han var den første som beskrev ventilen til høyre ventrikkel i hjertet, demonstrerte anatomi, etc. Han laget et system med tegninger som fortsatt hjelper elevene å forstå strukturen Menneskekroppen: viste et objekt i fire visninger for å undersøke det fra alle sider, laget et system for å avbilde organer og kropper i et tverrsnitt.
Forskningen hans innen geologi er interessant: han ga beskrivelser av sedimentære bergarter, forklaringer av marine avsetninger i fjellene i Italia.
Som optisk vitenskapsmann visste han at visuelle bilder på øyets hornhinne projiseres opp ned. Han var trolig den første som brukte en camera obscura for å skissere landskap (fra latin camera - room, obscurus - dark) - en lukket boks med et lite hull i en av veggene; lysstråler reflekteres på det frostede glasset på den andre siden av esken og skaper et omvendt fargebilde, brukt av landskapsmalere på 1700-tallet for å gjengi visninger nøyaktig).
I tegningene til Leonardo er det et prosjekt for et instrument for å måle intensiteten av lys, et fotometer, som ble brakt til live bare tre århundrer senere. Han tegnet kanaler, sluser, demninger. Blant ideene hans kan sees: lette sko for å gå på vannet, en redningsbøye, svømmehuder for svømming, en undervannsbevegelsesanordning som ligner på en moderne romdrakt, maskiner for produksjon av tau, kverner og mye mer.
Leonardo kommuniserte med matematikeren Luca Pacioli, som skrev læreboken «On Divine Proportion», og ble interessert i denne vitenskapen og laget illustrasjoner til denne læreboken.
Leonardo fungerte også som arkitekt, men ingen av prosjektene hans ble noen gang ført ut i livet. Han deltok i konkurransen om utformingen av den sentrale kuppelen til katedralen i Milano, designet mausoleet for medlemmer av kongefamilien i egyptisk stil, et prosjekt han foreslo til den tyrkiske sultanen for å bygge en enorm bro over Bosporos, under hvilken skip kunne passere.
Et stort antall av Leonardos tegninger gjensto, laget med sangvinske, fargede fargestifter, pasteller (det er Leonardo som er kreditert med oppfinnelsen av pasteller), sølvblyant og kritt.
I Milano begynner Leonardo å skrive en "Treatise on Painting", arbeidet med som fortsatte gjennom hele livet, men ble aldri fullført. I denne flerbindsguiden skrev Leonardo om hvordan du gjenskaper på lerret verden, om lineær og luftperspektiv, proporsjoner, anatomi, geometri, mekanikk, optikk, samspillet mellom farger, reflekser.
Livet og arbeidet til Leonardo da Vinci satte et kolossalt preg ikke bare innen kunst, men også innen vitenskap og teknologi. Maler, skulptør, arkitekt - han var naturforsker, mekaniker, ingeniør, matematiker, gjorde mange oppdagelser for fremtidige generasjoner.
Leonardo da Vinci er renessansens største personlighet.
Ved litterær kreativitet ville de ikke ha gjort sine oppdagelser innen vitenskapen. Kanskje er det den følelsesmessige oppturen i kunstnerisk virksomhet forberedt og presset dem til et kreativt gjennombrudd innen vitenskapen.
For å oppdage proporsjonslovene til det gylne snitt for både vitenskap og kunst, måtte de gamle greske forskerne være kunstnere i sin sjel. Og det er det faktisk. Pythagoras var interessert i musikalske proporsjoner og forhold. Dessuten var musikk grunnlaget for hele den pythagoreiske talllæren. Det er kjent at A. Einstein, i det tjuende århundre. velter mange etablerte vitenskapelige ideer, musikk hjalp i arbeidet hans. Å spille fiolin ga ham like mye glede som arbeid.
Mange oppdagelser av forskere har gitt kunsten en uvurderlig tjeneste.
Fransk fysiker fra 1800-tallet Pierre Curie forsket på symmetrien til krystaller. Han oppdaget noe interessant og viktig for vitenskap og kunst: et delvis fravær av symmetri gir opphav til utviklingen av et objekt, mens fullstendig symmetri stabiliserer dets utseende og tilstand. Dette fenomenet har blitt kalt dissymmetri (ikke symmetri). Curies lov sier: dissymmetri skaper et fenomen.
På midten av det tjuende århundre. i vitenskapen dukket også begrepet «antisymmetri» opp, det vil si mot (motsatt) symmetri. Hvis det allment aksepterte konseptet "asymmetri" for både vitenskap og kunst betyr "ikke helt eksakt symmetri", så er antisymmetri en viss egenskap og dens negasjon, dvs. motsetning. I livet og i kunsten er dette evige motsetninger: godt - ondt, liv - død, venstre - høyre, opp - ned osv.
"De glemte at vitenskapen utviklet seg fra poesi: de tok ikke hensyn til at begge i løpet av tiden perfekt kan møtes igjen på et høyere nivå til gjensidig nytte." I.-V. Goethe
I dag går denne profetien i oppfyllelse. Syntese av vitenskapelig og kunstnerisk kunnskap fører til fremveksten av nye vitenskaper (synergetikk, fraktal geometri, etc.), danner en ny kunstnerisk språk Kunst.
Den nederlandske kunstneren og geometeren Maurits Escher (1898-1972) bygde sine dekorative verk på grunnlag av antisymmetri. Han var, akkurat som Bach i musikk, en veldig sterk matematiker innen grafikk. Bildet av byen i graveringen "Dag og natt" er speilsymmetrisk, men på venstre side er det dag, til høyre - natt. Bildene av hvite fugler som flyr inn i natten danner silhuettene av svarte fugler som suser inn i dagen. Det er spesielt interessant å observere hvordan figurer gradvis dukker opp fra bakgrunnens uregelmessige asymmetriske former.
Finn i referanselitteraturen begrepene "synergetikk", "fraktal", "fraktal geometri". Vurder hvordan disse nye vitenskapene forholder seg til kunst.
Husk fenomenet fargemusikk, kjent for deg, som ble utbredt takket være arbeidet til komponisten fra det 20. århundre. A. N. Skrjabin.
Hvordan forstår du betydningen av A. Einsteins utsagn: "Den sanne verdien er i hovedsak bare intuisjon."
Navn bokstavelig talt virker med antisymmetriske navn (eksempel "Prinsen og den fattige"). Husk folkeeventyrene, hvis handling var basert på antisymmetriske hendelser.
Kunstnerisk og kreativ oppgave
Lytt til eksempler på klassisk, elektronisk og populær musikk på datamaskinen din ved å slå på visualiseringsfunksjonen. Velg et bilde som stemmer overens med musikken: dans av bisarre sirkler, romflukt, appeasement, flash osv.
Under påvirkning av oppdagelsene av radioaktivitet og ultrafiolette stråler i vitenskapen, grunnla den russiske kunstneren Mikhail Fedorovich Larionov (1881-1964) i 1912 en av de første abstrakte bevegelsene i Russland - rayonisme. Han mente at det var nødvendig å skildre ikke selve gjenstandene, men energistrømmene som kommer fra dem, presentert i form av stråler.
Studiet av problemene med optisk persepsjon fikk den franske maleren Robert Delaunay (1885-1941) på begynnelsen av 1900-tallet. på ideen om dannelsen av karakteristiske sirkulære overflater og fly, som, skapte en flerfarget storm, dynamisk tok i besittelse av bildets rom. Den abstrakte fargerytmen vekket følelsene hos publikum. Interpenetrasjonen av hovedfargene i spekteret og skjæringspunktet mellom buede overflater i Delaunays verk skaper dynamikk og virkelig musikalsk utvikling rytme.
Et av hans første verk var en farget skive, formet som et mål, men fargeovergangene til dens naboelementer har flere farger, noe som gir platen en ekstraordinær energi.
Den russiske kunstneren Pavel Nikolayevich Filonov (1882-1941) fullførte på 20-tallet. Det 20. århundre grafisk komposisjon - en av "universets formler". I den spådde han bevegelsen til subatomære partikler, ved hjelp av hvilke moderne fysikere prøver å finne
formel for universet.
Se på de mest kjente graveringene av M. Escher "Dag og natt", "Sol og måne". Hvilke emosjonelle tilstander formidler de? Forklar hvorfor. Gi en tolkning av plottet til graveringene.
Lytt til et utdrag symfonisk dikt A. Skrjabin "Prometheus". Tegn en fargescore for dette stykket.
Kunstneriske og kreative oppgaver
> Skisser et våpenskjold, varemerke eller emblem (blyant, penn, blekk;collage ellerapplikasjon ;
data-grafikk ) ved hjelp av forskjellige typer symmetri.
> Se for deg ethvert objekt eller fenomen i form av energistrømmer som kommer fra det, det samme gjorde de strålende kunstnerne. Utfør en komposisjon i hvilken som helst teknikk. Velg musikken som er knyttet til denne komposisjonen.
> Utfør dekorativt arbeid ved å bruke antisymmetri som prinsippet for å få et bilde (ligner på M. Eschers graveringer).
