britiske teatre. London teatre

London er kjent for sine museer, historiske bygninger og ultramoderne restauranter. Men bare teaterlivet som dominerer byen skiller den fra andre byer. Hvis et teaterstykke var vellykket i London, ville det gjenta suksessen andre steder.

Londons eneste konkurrent kan være New York med Broadway, men selv den kan ikke skryte av teaterbygninger som har en lang og rik historie. Den sentrale delen av byen, West End, South Bank og Victoria-distriktene forbløffer med en spesiell konsentrasjon av teatre - fra små studioer for 100 tilskuere til store templer i Melpomene. Vi tilbyr en oversikt over de ti største teatrene i London.

Shaftesbury Theatre, som ligger like ved Holborn Street, er oppført blant britiske bygninger av arkitektonisk og historisk verdi. Takket være en liten ulykke som skjedde med taket på bygningen i 1973, ble det tatt hensyn til det. Siden 1968 har den berømte musikalen "Hair" blitt vist på scenen 1998 ganger. Showet, som promoterte hippiebevegelsen, ble senere stengt. Da musikalen først ble vist på scenen i West End, forbød teatersensur Lord Cameron Fromentil «Kim» Baron Cobbold den. Produsentene henvendte seg til parlamentet for å få hjelp, og det ga tillatelse ved å utstede et lovforslag som fullstendig opphevet baronens forbud. Denne enestående begivenheten i teaterkunstens historie satte en stopper for teatersensur i Storbritannia – ikke verst for et teater med en kapasitet på 1400 tilskuere.

Bare noen kvartaler fra Shaftesbury ligger Palace Theatre, som også har plass til 1400 tilskuere. Spesialiteten hans er musikaler, som Singin' in the Rain eller Spamalot. Teateret åpnet i 1891 og ble kjent som Royal English Opera under beskyttelse av Richard d'Oyly Carte. I det siste I tillegg til operaer vises musikaler, filmer og andre show på scenen. Gjennom 1960-tallet opptrådte The Sound of Music på teatret 2385 ganger. Teateret er inkludert i listen over bygninger i Storbritannia som har arkitektonisk og historisk verdi. Sammen med den ble andre bygninger i området inkludert på listen.

Adelphi Theatre feiret nylig sitt 200-årsjubileum. Til tross for den beskjedne størrelsen på bygningen, kan teatret romme 1500 tilskuere. Han er kjent for produksjoner som Chicago og Joseph og Amazing Technicolor Dreamcoat. Art Deco-bygningen fra 1930 ligger ved siden av Strand Palace Hotel. Dette er den fjerde bygningen i hele teatrets historie siden 1809. En plakett på veggen til en bar i nærheten gir teatret skylden for døden til skuespilleren, som en gang ble støttet av den store Terriss. Men faktisk erkjente prins Richard Archer, en mislykket skuespiller som hadde mistet popularitet og anstendighet på grunn av en avhengighet til alkoholisme, skyldig i drapet på sin mentor Terriss i en tilstand av sinnssykdom og ble sendt til tvangsbehandling i mentalsykehus, hvor han ledet fengselsorkesteret til sin død. De sier at spøkelset til den uhevnede Terriss, som er opprørt over den milde dommen som ble ilagt protesjén og morderen hans, fortsatt vandrer rundt i teaterbygningen om natten.

Noen show har stått på scenen i Londons West End i flere tiår, og Victoria Palace byr stadig på friskt repertoar, som musikalen Billy Elliott. Selv om den har stått på scenen siden 2005, noe som er mye, ifølge vanlige seere. Teateret har en lang historie, som begynte i 1832, da det bare var et lite konserthus. I dag har bygningen, som ble bygget i 1911, plass til 1517 tilskuere. Den er utstyrt med skyvetak, som åpnes i pauser for å ventilere hallen. Teateret iscenesatte mange minneverdige show, men det mest minneverdige av dem var det patriotiske skuespillet Young England fra 1934, som fikk mange negative anmeldelser. Det varte bare 278 forestillinger.

Prince Edward Theatre ligger i hjertet av Soho og har plass til 1618 personer. Den er oppkalt etter arvingen til tronen til den britiske kronen, Edward VIII, en konge som satt på tronen i bare noen få måneder og forlot den i kjærlighetens navn. Tradisjonelt foregår romantiske show og forestillinger på scenen, for eksempel "Show Boat", "Mamma Mia", "West Side Story", "Miss Saigon". Teateret har en lang historie, som går tilbake til 1930 da det bare var en kino og dansesal. Først i 1978 åpnet teatret, tidsbestemt til å falle sammen med åpningen med premieren på musikalen "Evita" om verden kjent kvinne, kone til presidenten i Argentina. Stykket fortsatte med 3000 forestillinger, og skuespillerinnen Elaine Page, som spilte Evita, fikk en strålende start på teaterkarrieren og ble en stjerne.

Til tross for ombyggingen av Tottenham Court Road i London for å skape et bedre veikryss, forblir én ting uendret – den gigantiske statuen av Freddie Mercury med løftet hånd mens han synger «We Will Rock You» foran Dominion Theatre. Showet har vært på teaterscenen siden 2002, og til tross for uvennlige anmeldelser fra kritikere, var det en suksess blant publikum. Teateret, bygget i 1929 på stedet til et gammelt bryggeri i London, har plass til 2000 tilskuere. Bygningen huser også den australske søndagskirken, som bruker teatrets scene og belysning under messer.

Dette er en av de flotteste teatrene i London. Søylene som pryder den sentrale inngangen dateres tilbake til 1834, og selve bygningen ble rekonstruert i 1904 i rokokkostil. Gjennom historien til dens eksistens, og den begynner i 1765, hadde den alt bortsett fra teateret, for eksempel i 50 år ble det holdt middager her hemmelig samfunn biff. I 1939 ønsket de å stenge bygget, men på grunn av oppstart av veibygging ble det reddet. I 14 år ble stykket «Løvenes konge» fremført på teaterscenen, og Disney-dramatiseringen ser ut til å ha slått seg ned her i lang tid og gir gode kassakvitteringer.

Det er ikke derfor Theatre Royal, som har plass til 2196 tilskuere, regnes som det ledende teateret i London. Siden 1663 har det vært flere teatre på dette stedet, og selve Drury Lane regnes som en teatergate. Som mange andre teatre jobbet Royal under ledelse av Andrew Lloyd Webber, forfatter av musikalene Evita og Cats. Andre produksjoner som har dukket opp på scenen inkluderer Oliver, som ble laget til en musikalsk film med samme navn, The Producers, Shrek and Charlie and the Chocolate Factory, som fortsatt kjører. I tillegg til musikaler og skuespillere, er teatret kjent for sine spøkelser, som spøkelset til en mann kledd i en grå dress og en lue. Ifølge legenden ble han drept i teaterbygningen på 1700- og 1800-tallet. Et annet spøkelse er Joseph Grimaldi, en klovn som sies å hjelpe nervøse skuespillere på scenen.

London Paladium Theatre er kjent ikke bare i London, men over hele verden. Det er noen få skritt fra Oxford Street. Han ble populær takket være nattshowet "Sunday Night at the London Palladium", som gikk fra 1955 til 1967. Millioner av tilskuere ble kjent med den roterende scenen og scenehandlingene av ulike typer. I 1966 prøvde eierne av bygningen å selge den for videre gjenoppbygging, men den ble reddet takket være teatralske investorer og det faktum at i tillegg til teatret ble det i 1973 åpnet en konsertsal der for opptredener av rockegruppen "Slade" ". De konstante utsolgte folkemengdene og aktive handlingene til bandets fans forårsaket nesten kollapsen av balkongen i salen. I 2014 ble talentshowet «The X Factor: The Musical» åpnet i teatersalen.

Hvis Appollo Victoria-teatret ikke er det mest populære i London, kan det trygt anerkjennes som det høyeste. Det ligger noen få meter fra Victoria Palace og har plass til 2500 tilskuere. Flere teatre fra den presenterte anmeldelsen ligger i nærheten og skaper et slags "teaterland". Apollo Victoria åpnet i 1930. Bygget er utformet i art deco-stil med nautisk tema med fontener og skjell som dekorasjon. Det tok 18 år å bygge jernbane for musikalen "Starlight Express", slik at toget skulle bevege seg rundt omkretsen av auditoriet i henhold til manuset. En annen populær musikal som ble satt opp på teatret er "Wicked". Kvitteringene fra premieren var på 761.000 pund, og i løpet av 7 år er inntektene fra forestillingen beregnet til 150 millioner. Filmelskere hevder at teatret vil dø ut i nær fremtid, men statistikk knyttet til antall tilskuere på hver musikal og mengden billettsalg indikerer noe annet. Lukten av rouge og kalk, støyen fra salen vil aldri forsvinne.
Imidlertid er moderne arkitektur på ingen måte dårligere enn skjønnhet og eleganse historiske bygninger teatre

Britene er en nasjon av teatergjengere, og i landet som ga oss Shakespeare, kan du enkelt delta på en lang rekke produksjoner i teatre som er anerkjent som noen av de mest spektakulære i verden. Nedenfor har vi presentert det beste av dem, samt noen tips som lar deg spare på kjøpet...

West End i London

Du kan glede deg over å se fantastiske forestillinger og levende musikaler i Londons historiske teaterdistrikt - Theatreland, i gatene hvor 40 teatre kjemper hardt for seerne. Mye av West Ends kulturelle scene er sentrert rundt Shaftesbury Avenue, med distriktets omtrentlige grenser som Strand i sør, Oxford Street i nord, Regent Street i vest og Kingsway i øst.
Mange West End-teaterproduksjoner drar på turné etter deres første opptreden på Theatreland, med billetter til forestillinger som vises på arenaer utenfor London som koster mye mindre. En fullstendig liste over alle London-produksjoner og forestillinger finner du på nettstedet Official London Theatre Guide, vedlikeholdt og vedlikeholdt av London Theatre Society. The Society tilbyr rabatter på billetter til noen forestillinger og driver også kiosker på Leicester Square og Brent Cross hvor billetter kan kjøpes til rabatterte priser. Mange teatre i hele Storbritannia tilbyr rabatterte billetter til studenter og barn og tenåringer under 18 år.

Shakespeares Globe Theatre i London

Den moderne åpne (takløse) bygningen til det berømte Elizabethan Shakespeare Theatre har blitt restaurert etter utformingen av det første Globe Theatre, bygget på 1500-tallet og stående på sørbredden av Themsen i Southwark. Å delta på en produksjon på Globe er en uforglemmelig opplevelse: teatret bruker kun naturlig lys, og hvis du kjøper stående billetter, kan du se skuespillerne opptre bare noen skritt fra scenen.

Teatersesongen går fra april til oktober, men hvis du ikke kan delta på en oppsetning, kan du fortsatt besøke teatret og dets informasjonsutstilling.

Nasjonalteateret ligger i et annet område i London, atskilt fra West End av Themsen. Under Nationaltheatrets tak er det 3 auditorier, på scenene hvor landets beste skuespillere spiller roller i både moderne og klassiske dramatiske forestillinger, inkludert produksjoner basert på verkene til Shakespeare. På morgenen hver forestilling selges det rundt 30 billige billetter i teaterkassen, men du må komme tidlig for å kjøpe dem!
Royal Opera House og English National Opera i London
Fans av tradisjonell opera kan nyte overdådige klassiske arier på Royal Opera House, som ligger i Covent Garden.
De som foretrekker mer moderne operaforestillinger på engelsk kan besøke English National Opera, som ligger like ved på St Martin's Lane.

Sadler's Wells Theatre i London

Sadler's Wells Theatre spesialiserer seg på dans og er stedet i Storbritannia hvor publikum kan nyte inspirerende og underholdende danseshow, forberedt de beste koreografene med de beste danserne. Lokalene til dette teatret er ofte vertskap for de første visningene av verdensberømte produksjoner, som " Svanesjøen” i en dristig tolkning av Matthew Bourne. På scenen til Sadler's Wells kan du se et bredt utvalg av musikk- og danseforestillinger fra flamenco til hip-hop.
Royal Shakespeare Company-teatrene i Stratford-upon-Avon, London og Newcastle
Hovedteatrene til Royal Shakespeare Company ligger i hjemby William Shakespeare Stratford-upon-Avon, og i dem kan du overvære både produksjoner av skuespill av moderne forfattere, og fremføringer av de beste verkene til den store dramatikeren. Herlige teaterforestillinger kan sees på fire teatre i Stratford, Duke of York's Theatre og Hampstead Theatre i London og Newcastle. Teatrene gir også omvisninger i andre byer i landet.

Royal Exchange Theatre i Manchester

Teater Kongelig utveksling i Manchester ligger i en praktfull bygning som tidligere var okkupert av Cotton Exchange. Scene plassert i sentrum teatersal, har en rund form og er omgitt på alle sider av stigende seterader slik at oppmerksomheten til enhver teaterbesøkende forblir fanget til den teatralske handlingen.
Teateret setter opp både avantgardestykker og klassiske forestillinger, inkludert verkene til Shakespeare.

Edinburgh

Hovedstaden i Skottland er kjent over hele verden takket være den årlige Edinburgh-festivalen, hvor byen er midt i atmosfæren til en livlig ferie, dedikert til kunst. Du kan imidlertid besøke Edinburgh når som helst på året, og du vil finne internasjonale teatre som opptrer på noen av Storbritannias beste arenaer.

Edinburgh Festival Theatre spesialiserer seg på å presentere et imponerende utvalg av opera, ballett, dans, musikk og drama. Teatrets scene er større enn noe annet teater i Storbritannia og er hjemsted for noen av de mest populære og viktige showene. Theatre Royal ligger i en elegant edvardiansk bygning og arrangerer dramaproduksjoner av høy kvalitet samt en årlig pantomimefestival. Royal Lyceum Theatre er et tradisjonelt teater bygget i viktoriansk stil og viser hovedsakelig de mest populære forestillingene. Traverse Theatre har spesialisert seg på å produsere spennende og vågale verk av skotske og internasjonale dramatikere.

Glasgow

Glasgow er et sant senter for scenekunst, med Scottish Opera, Scottish Ballet og National Theatre of Scotland hjem til byen. Byteatret byr på nyskapende samtidsdrama, mens teatrene Tron og Tramway er kjent for sine tankevekkende produksjoner. Royal Theatre vil glede fans av populære dramaproduksjoner, og er også hjemmet til den skotske operaen.

Millennium Center Cardiff

Hvis du befinner deg i Cardiff, bør du definitivt besøke Millennium Centre. Denne bygningen, som alltid tiltrekker seg oppmerksomheten til enhver turist, tilbyr arenaer for forestillinger av alle slag - fra turnéprogrammer av West End-musikaler til ballettproduksjoner og moderne danseshow. Selv om du ikke har tid til å delta på et av showene, stikk innom dette mesterverket av moderne kunst og ta en tur bak kulissene eller ta en pause på en lokal bar. Gratis konserter arrangeres daglig i lobbyen på Millennium Center.

Tema: Engelske teatre

Emne: Theatres of England

Å gå på teater er en veldig populær aktivitet blant briter, ettersom Storbritannia har en lang dramatisk tradisjon og utrolige dramatikere, skuespillere og regissører. London er sentrum av teaterscenen, men det er flotte selskaper og teatre andre steder også. Det er mer enn 50 teatre bare i London, så du kan forestille deg antallet over hele landet. Det første teateret i England dukket opp i 1576 og ble kalt Blackfries, og noen år senere, i 1599, ble det berømte Globe Theatre åpnet og det antas at William Shakespeare jobbet der.

I dag er det knapt noen by uten teater, men stort sett har de ikke alle fast ansatte, da skuespillerselskapet jobber sammen til de trekker publikum til teatret. Når forestillingen slutter å tiltrekke folk, ser teatrene etter et annet selskap eller en gruppe skuespillere. En til særegenhet er muligheten til å velge mellom to typer seter. Den første de kan reserveres på forhånd, mens de ikke kan bookes, så jo tidligere du kommer, jo bedre sete får du.

I dag er det knapt en by uten teater, men generelt er de alle kortbemannede, ettersom et selskap av skuespillere jobber sammen mens de tiltrekker tilskuere til teatret. Når et teaterstykke ikke lenger tiltrekker seg folk, ser teatrene etter et annet selskap eller en gruppe skuespillere. En annen funksjon er muligheten til å velge mellom to typer seter. Førstnevnte kan reserveres på forhånd, mens sistnevnte er ikke-reserverbare, så jo tidligere du kommer, jo bedre bedre sted Du vil få.

En annen unik særegenhet ved London er Theatreland, et teaterdistrikt med omtrent førti spillesteder som ligger nær West End. De vanligvis, og musikaler. De fleste teatrene dateres tilbake til viktoriansk og edvardiansk tid, og i dag er de private. De mest langvarige showene er Les Misérables, Cats og The Phantom of the Opera. Teaterland besøkes årlig av mer enn 10 millioner mennesker og representerer et meget høyt nivå av de kommersielle teatrene.

En annen unik funksjon teatralske London- et teaterdistrikt med omtrent førti spillesteder i nærheten av West End. De viser vanligvis komedier, klassikere eller skuespill og musikaler. De fleste teatrene har sin opprinnelse i viktorianske og edvardianske epoker og er nå privateid. De lengste forestillingene er Les Miserables, Cats og The Phantom of the Opera. Teaterdistriktet tiltrekker seg mer enn 10 millioner besøkende årlig og har kommersielle teatre på høyt nivå.

Når det gjelder ideelle teatre, kan du se dem utenfor teaterdistriktet. De er meget prestisjefylte og viser dramatiske, klassiske skuespill og moderne verk ledende dramatikere. Det er tre mest fremtredende arenaer i Storbritannia: Royal National Theatre, Royal Shakespeare Theatre og Royal Opera House. Alle av dem overrasker med sin storhet og utvikling av kunst.

Royal National Theatre ble grunnlagt i 1963 med base på Old Vic-teatret. I 1976 flyttet det til et nytt bygg, hvor tre scener er plassert. Hver av scenene har sitt eget teater: Olivier, Lyttelton og Dorfman teatre. De har et variert program med vanligvis tre forestillinger på repertoar. Olivier Theatre for mer enn 1000 mennesker med den geniale "trommerevolveren" og flere "sky-hook". Det gir en fin utsikt over scenen fra alle publikumsplasser og gjør det mulig å legge til rette for flotte naturskifter. Lyttelton Theatre er den med proscenium-bue-design og har plass til rundt 900 personer. Dorfman Theatre er det minste forbedrede teateret med mørke vegger med kapasitet på 400 personer. Selve Nationaltheatret er et kjent område for backstage-turer med en teatralsk bokhandel, utstillinger, restauranter og barer. Det huser også et læringssenter, mange garderober, et studio, en utviklingsfløy etc.

Royal National Theatre ble grunnlagt i 1963, basert på Old Vic Theatre. I 1976 flyttet den til en ny bygning som rommer tre teatre. Hver scene har sitt eget teater: Olivier, Lyttelton og Dorfman. De har et variert program, vanligvis med tre forestillinger på repertoaret. Olivier er teatrets åpne hovedscene, med plass til over 1000 mennesker, med en genial "tromme som snurrer" og en "himmelkrok". Dette gir god utsikt over scenen fra hvert sete og gir flott natur som endrer seg dramatisk. Lyttelton er et teater med en bueformet proscenium-design og en sittekapasitet på omtrent 900 personer. Dorfman er det minste teateret med mørke vegger og en kapasitet på 400 personer. Selve Nationaltheatret er kjent for sine backstage-turer, teaterbokhandel, utstillinger, restauranter og barer. Det er også et treningssenter, mange garderober, et studio, en utviklingsfløy, etc.

Royal Shakespeare Theatre er teaterselskap med et årlig opplegg på rundt tjue forestillinger. Det består av to permanente teatre: Swan Theatre og Royal Shakespeare Theatre. I november 2011 ble sistnevnte åpnet etter oppussing og feiret sin 50-årsdag. Det ligger i Stratford-upon-Avon, fødestedet til Shakespeare og tok navnet i 1961 for å minnes hans talenter som dramatiker og poet. Det fremmer også positive holdninger til dikterens arbeid, organiserer festivaler og utvider sin innflytelse til mange andre bransjer.

Covent Garden er også et sted knyttet til teaterforestillinger. Der kan du finne The Royal Opera House. Det sentrerer seg om ballett og opera. Bygningen opplevde katastrofale branner og ble sist rekonstruert på 1990-tallet. Den har nok seter til mer enn 2000 mennesker og består av et amfiteater, balkonger og fire lag med bokser. Det har noen unike fasiliteter, inkludert Paul Hamlyn Hall, en flott jern- og glasskonstruksjon som er vert for noen arrangementer, Linbury Studio Theatre, som ligger under bakkenivå, og High House Production Park, et sted for å lage landskap, et treningssenter og et nytt teknisk teater

Covent Garden er også et sted knyttet til teaterforestillinger. Her finner du Royal Opera House. Den viser ballett og opera. Bygningen har overlevd katastrofale branner og ble sist renovert på 1990-tallet. Den har nok plass til mer enn 2000 mennesker og består av et amfiteater, en balkong og fire lag med bokser. Den har flere unike fasiliteter, inkludert Paul Hamlyn Hall, en jern- og glassstruktur som er vert for noen arrangementer, Linbury Theatre Studio, en andre scene som ligger under første etasje, og High House Production Park, hvor landskap produseres, et treningssenter og et nytt teknisk teater er plassert. .

Teater i Storbritannia er veldig mangfoldig og fortsetter å trives, ettersom britene er en teaternasjon, og mange turister kan heller ikke gå glipp av å delta på flotte forestillinger. De dukket opp i England takket være romerne. Tidlige temaer var relatert til folkeeventyr og religion, men alt dette endret seg under Elizabeth I's regjeringstid, da dramaet blomstret. Mange dyktige dramatikere var og forblir engelsk. Man kan ikke unngå å nevne William Shakespeare, Christopher Marlowe, Bernard Shaw, Oscar Wilde osv. Andrew Lloyd Webber er en produktiv britisk komponist hvis musikaler dominerte engelske scener eller amerikanske Broadway-show. Så det er nå klart at teatre er en integrert del av britisk kultur, og de vil fortsette å utvikle tradisjonene og den kulturelle bakgrunnen til hele landet.

Hvis du elsker teater, er London noe for deg. Her vil du se de beste produksjonene av opera og ballett, beste musikaler og det beste dramaet – tross alt, forfatteren av tidenes beste dramatiske produksjoner, William Shakespeare, iscenesatte skuespillene sine i London.

Men først ting først.

Royal Opera House Covent Garden er et av de eldste operahusene i verden. De beste produksjonene settes opp her, både av lokale tropper og tilreisende artister, for eksempel fra La Scala i Milano eller Bolsjojteateret i Moskva. Hvis du er i London i april – mai og elsker opera, anbefaler jeg deg å absolutt se Verdis La Traviata (19. april – 20. mai 2014) eller Puccinis Tosca (10. mai – 26. juni 2014). Hvis du kommer til London om sommeren, så se en annen av Puccinis operaer, La bohème. Og for elskere av russisk ballett, turnerer Mariinsky Theatre London i juli og august og presenterer tre klassiske ballettproduksjoner av Romeo og Julie, Svanesjøen og Askepott (fra 28. juli til 16. august).

Royal Opera House Covent Garden er veldig populær blant britene, spesielt fra de høyeste kretsene. Her kan du ofte møte kjente politikere og det engelske aristokratiet. Da Royal Opera House satte opp en produksjon som feiret hundreårsdagen for Sergei Diaghilevs Ballets Russes i 2009, kunne jeg sitte i bodene ved siden av avdøde Margaret Thatcher.

Billetter til Royal Opera House må kjøpes på forhånd – gjerne flere måneder i forveien. De kan kjøpes direkte på teaterets nettside ved å betale med bankkort. Operabilletter koster i gjennomsnitt £120–200 per person, ballettbilletter er litt billigere – £70–110.

Det er umulig å ignorere den berømte London West End - fødestedet til alle London-musikaler. Dette er en av de største musikalene sentre i verden etter Broadway i New York. West End ble et teaterknutepunkt på 1800-tallet, og mange produksjoner spilles fortsatt i viktoriansk tid. Et stort antall musikaler er basert på musikken til moderne (og ikke så moderne) utøvere, så hvis du er fan av for eksempel Michael Jackson, Beatles, Queen, Abba, sørg for å kjøpe en billett, du vant angrer ikke på det. Dette er et underholdende teater, dette er et teater du drar fra, ladet med energien til musikk og dans. Da jeg ikke var en stor fan av Michael Jackson, klarte jeg på en eller annen måte å delta på musikalen Thriller. For det meste av produksjonen danset jeg nær en stol, tilså vel som de fleste andre seere. MEDdet var umulig å gå!

Det er en kategori med musikaler som er så populære at de har gått på kino i årevis. For eksempel musikalen Les Miserables " ("Les Miserables") er 28 år gammel, og " Phantom of the Opera "("The Phantom of the Opera") i 27 år. Billetter til musikaler koster i gjennomsnitt 50 - 100 pund per person. Billetter til disse og andre musikaler kan kjøpes.

Musikalen «Les Miserables» på Queen's Theatre i London

Sjelden blir en musikal på scenen i mer enn et par år. Men den engelske produksjonen av Les Misérables vil feire 30-årsjubileum neste år...

Det engelske renessanseteateret ble født og utviklet på torget, som bestemte dens nasjonale britiske smak og demokrati. De mest populære sjangrene på offentlige scener var moralske skuespill og farser. Under Elizabeth Tudors regjeringstid ble mysteriene forbudt. Fra begynnelsen av 1500-tallet nærmet engelsk teaterkunst seg et nytt stadium – begynnelsen på utviklingen av det humanistiske dramaet, som begynte å ta form på bakgrunn av den politiske kampen mellom kongemakten og den katolske kirke.

Fra teaterscenen kom utilslørt skarp kritikk og propaganda av en ny humanistisk ideologi, som var kledd i drakten av kjente mellomspill og moralsk skuespill. I stykket av humanisten John Rastell «Interlude on the Nature of the Four Elements» (1519) er det i tillegg til de tradisjonelle skikkelsene for moralske skuespill, følgende karakterer: Tørst etter kunnskap, frue Natur, Erfaring og i motsetning til til dem, djevelen Uvitenhet og skjøgen Tørst etter nytelse. Den uforsonlige kampen til disse karakterene i stykket ender med opplysningens seier over obskurantisme og uvitenhet.

John Bale - en fremtredende skikkelse i den engelske reformasjonen og kjent forfatter, forfatter av stykket "King John". Ved å legge sosiale temaer til moralspillet la han grunnlaget for dramaturgi i sjangeren historisk kronikk.

Det nye teatret ble født fra middelalderfarsen. Hofpoeten, musikeren og arrangøren av fargerike briller John Gaywood utviklet farsen ved å skrive satiriske mellomspill. I dem latterliggjorde han bedrageriet til munker og avlatselgere, presteskapets intriger, vinningsgrådige, og de listige triksene til prester som dekket over sine synder med prangende fromhet. I tillegg til hovedpersonen - skurken - og negative tegn– geistlige – enfoldige og godmodige almue deltok i korte hverdagsscener. De satiriske mellomspillene på begynnelsen av 1500-tallet ble bindeleddet mellom middelaldersk farseteater og det fremvoksende dramatiske teateret.

Introduserer det engelske folk til italiensk kultur og kunst bidro til aktiv oppfatning og popularisering av eldgammel kultur og prestasjonene til eldgamle sivilisasjoner. Intensive studier av det latinske språket og verkene til Seneca og Plautus førte til oversettelser av eldgamle tragedier og komedier til engelsk. Forestillinger basert på disse oversettelsene ble svært populære i det aristokratiske og universitetsmiljøet.

Samtidig beundret aristokrater og den opplyste offentligheten sonettene til Petrarca og diktene til Ariosto. Romanene til Boccaccio og Bandello var kjent blant det mangfoldige samfunnet. Ved det kongelige hoff ble maskerader introdusert som underholdnings- og underholdningsarrangementer, hvor scener fra italienske pastoraler ble spilt ut.

De første eksemplene på nasjonal komedie og tragedie på teaterscenen dukket opp på midten av 1500-tallet. Nicholas Udall, forfatteren av den første engelske komedien, Ralph Royster Doyster (ca. 1551), var en utdannet arrangør av hoffunderholdning og prøvde gjennom sine verk å lære folk «gode leveregler».

Stykket «Horboduc» (1562) av Thomas Norton og Thomas Sequile ble først fremført ved hoffet til dronning Elizabeth og regnes som den første engelske tragedien. Den viser tydelig imitasjonen av romersk tragedie: stykkets inndeling i 5 akter, korsang og monologer av budbringere, blodige forbrytelser, men handlingen er basert på historisk faktum fra middelalderens historie. Tragediens moral lå i den allegoriske pantomimen og mellomspillene som artistene presenterte mellom handlingene, og forklarte de uventede vendingene i handlingen.

Etter det farseaktige mystikk og primitive farser, på grunnlag av gammelt og italiensk drama, oppsto et nytt engelsk drama, der det var komposisjonsgrunnlag, proporsjonalitet av deler, logikk i utviklingen av handling og karakterer.

Nesten alle i den nye generasjonen dramatikere hadde universitetsutdanning og kom fra en demokratisk bakgrunn. Etter å ha forent seg i en kreativ gruppe kalt "University Minds", prøvde de i sine arbeider å syntetisere den høyhumanistiske kulturen til aristokrater og folkevisdom med dens folklore.

William Shakespeares forgjenger, den kjente engelske dramatikeren John Lyly (ca. 1554-1606), var en hoffpoet. I sin mest interessante komedie, "Alexander og Campaspe" (1584), skrevet basert på historien om den greske historikeren Plinius, viste han generøsiteten til Alexander den store, som, da han så kjærligheten til sin venn, kunstneren Apelles, for fangen Campaspe, ga henne til sin venn. Dermed vant plikten i kampen mellom plikt og følelse. Det idealiserte bildet av Alexander i stykket står i kontrast til den skeptiske figuren til filosofen Diogenes, hvis folkevisdom og sunn fornuft seier over monarkens og hans følges selvtillit og arroganse.

John Lily la grunnlaget for den såkalte romantiske komedien. Han introduserte det lyriske elementet i dramatisk handling, og ga prosaisk tale en lys poetisk smak. Han viste veien for fremtidig sammenslåing av to komediesjangre - romantisk og farse.

Den sanne grunnleggeren av engelsk renessansedrama var Christopher Marlowe (1564-1593), en berømt dramatiker, forfatter av verk med filosofisk og ateistisk innhold. Sønnen til en skomaker, som gjennom sin utholdenhet oppnådde den akademiske graden Master of Science, ble han preget av mot og fritenkning. K. Marlowe foretrakk arbeidet til en skuespiller i en teatertrupp fremfor karrieren til en prest som åpnet foran ham etter endt utdanning fra University of Cambridge. Hans første dramatiske verk, Tamerlane den store, var fullt av ateistiske ideer. Dette monumentale verket i to deler ble skrevet over to år (del I i 1587 og del II i 1588). "Tamerlane den store" er en dramatisert biografi om den berømte østlige erobreren på slutten av 1300-tallet, Timur. Marlowe ga helten sin styrken og utseendet til en legendarisk helt. Og det som er spesielt viktig, han gjorde den edle føydalherren, som Timur egentlig var, til en "lavfødt hyrde" som bare ved kraften av sin vilje, energi og intelligens hevet seg over de legitime herskerne.

K. Marlowes skuespill "The Tragic History of Doctor Faustus" (1588) ( ris. 22) avslører den andre siden menneskelig liv. Avvisningen av asketiske prinsipper og ubetinget underkastelse til høyere makt av hensyn til kunnskapstørsten og livsgleden er kledd i bildet av ateisten doktor Faustus. Dramaet om doktor Faustus' frigjorte bevissthet og den påfølgende ensomheten fører ham til omvendelse, samtidig som den frigjør enorm energi i kampen for tankefrihet.

Den siste tragedien til C. Marlowe, "Edward II", skrevet på materialet i historiske kronikker, ble grunnlaget for engelsk drama, som W. Shakespeare med suksess utviklet i sine verk.

Kongen og hans følge mente at C. Marlowe og verkene hans utgjorde en alvorlig trussel mot makten. I denne forbindelse ble det gitt en ordre om å eliminere dramatikeren fysisk. Den 30. mai 1593 ble Marlowe myrdet av en agent fra kongens privatråd.

Samtidig med skuespillene til C. Marlowe ble skuespill av andre dramatikere fra "University Minds"-gruppen satt opp på scenen: Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) og Robert Greene - "Monk Bacon and Friar Bongay", " James IV" og "George Greene", Wakefield feltvakt" (1592).

Det kreative fellesskapet av dramatikere fra "University Minds"-gruppen gikk foran et nytt stadium i utviklingen av nasjonalt drama - fremveksten av renessansens tragedier og komedie. Gradvis dukket bildet av en ny helt opp - vågal og modig, viet til det humanistiske idealet.

På slutten av 1500-tallet, engelsk folketeater Han samlet enorme mengder mennesker for sine opptredener, absorberte alle de revolusjonære ideene og imiterte de modige heltene som forsvarte deres menneskeverd i kampen. Antall teatertrupper økte jevnt, forestillinger fra hotellgårder og bytorg flyttet til teatre spesielt bygget for dette formålet.

I 1576 ble det første teateret bygget i London av James Burbage, som ble kalt "Theater". Det ble fulgt av byggingen av flere teaterbygninger: Curtain, Blackfriars, Rose and Swan ( ris. 23). Til tross for at byrådet ved sin ordre forbød iscenesettelsen av teaterforestillinger i selve London i 1576, var teatre lokalisert på sørbredden av Themsen, i et område som var utenfor allmenningsrådets myndighet.

Store offentlige teaterbygninger i tre kom i forskjellige former: runde, firkantede eller åttekantede. Bygningen hadde ikke tak, bare en liten baldakin over scenen. Disse teatrene kunne romme opptil 2000 tilskuere. Hovedtyngden av publikum, bestående av vanlige folk, så forestillingen stående. Rike byfolk tok plass i galleriene, som var plassert i tre nivåer innenfor teatrets runde vegger.

I 1599 ble Globe Theatre bygget, hvor W. Shakespeare jobbet. Bygningen hadde en åttekantet form, scenen var trapesformet, basen stakk ut i auditoriet. Det funksjonelle rommet ble delt inn i tre deler: den fremre delen av scenen - proscenium; baksiden, som var adskilt av to søyler som støttet en baldakin med stråtak; den øverste er en balkong over bakscenen. Denne komplekse strukturen ble fullført av et lite tårn, som et flagg ble hengt på under forestillingen. Scenen var vanligvis dekorert med tepper og matter, og gardinen, avhengig av sjangeren (komedie eller tragedie), kunne være blå eller svart. Bygningen til det første Globe Theatre ble ødelagt av brann i 1613. Etter restaurering eksisterte det til 1645 ( ris. 24).

Skuespillere i London-teatre var for det meste lavinntektsløse og maktesløse mennesker. Den kongelige resolusjonen likestilte kunstnere med hjemløse trampfarer og sørget for straff for tropper som ikke hadde velstående beskyttere. Til tross for den harde holdningen til teatre fra myndighetene, økte deres popularitet år for år og antallet økte.

Organiseringsformen for teatertroppene på den tiden var av to typer: et gjensidig partnerskap av skuespillere med selvstyre og et privat foretak ledet av en gründer som eide rekvisittene og kjøpte rettighetene til å sette opp stykket av dramatikerne. En privat gründer kunne ansette hvilken som helst tropp, og sette skuespillerne i trelldom til hans innfall.

Troppen, ledet av W. Shakespeare ( ris. 25) og vennen hans, den berømte skuespilleren Richard Burbage ( ris. 26), ble kalt "The Lord Chamberlain's Men". Troppens inntekter ble fordelt mellom dramatikeren og teatrets ledende skuespillere i samsvar med deres andeler.

Den kvantitative sammensetningen av troppen var ikke mer enn 10-14 personer, som måtte spille flere roller i teatrets repertoar. De kvinnelige rollene ble spilt av ganske unge menn, som oppnådde autentiske forestillinger gjennom plastisiteten i bevegelsene og lyrikken i stemmene deres. Den generelle måten å opptre på til skuespillerne opplevde en overgangsfase fra en episk stil og sublim patos til en behersket form for internt drama. De ledende skuespillerne i den tragiske sjangeren i William Shakespeares tid var Richard Burbage og Edward Alleyn ( ris. 27).

W. Shakespeare betrodde Richard Burbage, hans nære venn og assistent, med hovedrollene i tragediene hans. Burbage, med utmerket beherskelse av stemmen sin, fremførte ikke bare monologene sine på mesterlig vis, men forsterket også den emosjonelle fargen til rollen med blikkene og bevegelsene. I komediesjangeren, skuespillerne Robert Armin og William Kemp ( ris. 28) og Richard Tarleton. Den mest karakteristiske komikeren var Robert Armin, som spilte den fulle rollen som narren i Shakespeares skuespill As You Like It og King Lear. filosofisk mening og dramatisk innhold.

Som dramatiker og regissør syntetiserte W. Shakespeare i sitt arbeid alle prestasjonene av teaterkunst skapt før ham, og brakte denne kunsten til perfeksjon. Han definerte dens hovedretning, som var å oppnå et speilbilde av essensen av menneskets natur, uansett hvilken form den måtte fremstå.

Scenekunsten i denne perioden er preget av betydelig emosjonell intensitet av skuespill. Tonen i stykket ble ikke satt av høye resitasjoner og aktive gester, men av skuespillerens rike fantasi og evne til å formidle tilstanden han opplevde. Rådene til skuespillere, som W. Shakespeare ga uttrykk for gjennom munnen til Hamlet i sin tragedie, er en evig guide for alle generasjoner av kunstnere, så lenge realistisk teaterkunst forblir i live. I arbeidet til den store engelske dramatikeren nådde det dramatiske teateret i den europeiske renessansen toppen av sin utvikling. Shakespeares arbeid utvidet de vanlige grensene og viste de neste generasjonene av skuespillere måtene å utvikle og forbedre dramatisk kunst mot å avsløre menneskets åndelige verden.

På midten av 1600-tallet endte en lang borgerlig-puritansk revolusjon i England, som førte til etableringen av puritanisme i samfunnet. Et av de puritanske dogmene, som hevdet at en person ikke fatalistisk skulle underkaste seg sin skjebne, ble hans ideologiske banner. I landet på den tiden hersket ifølge samtiden utskeielser og moralsk forfall. Vennskap, samvittighet og offentlig plikt har fullstendig mistet sin mening. I sent XVII– På begynnelsen av 1700-tallet var den ledende retningen i engelsk filosofi libertinisme, eller fritenkning, som i stor grad påvirket drama og teater. Senere tok denne retningen bestemt form og ble kalt vidd. Etter restaureringen av Stuart-monarkiet i England, ble vidd aktet ganske høyt blant det aristokratiske samfunnet. Etter hvert, i samsvar med at en ny borgerlig ideologi var i ferd med å dannes, endret også holdningen til vidd, den ble mer og mer kritisk. Dette kunne ikke annet enn å påvirke kunsten. Fra synspunktet til tilhengere av vidd, er livet en kompleks kunst som krever forsiktighet og innsikt fra en person. Løgn må på dyktig måte kombineres med sannhet, og ærlighet og rettferdighet må kombineres med list og bedrag. Kirkens ekteskap ble ansett som en lenke, som vitnet om mannens slaveri.

Umoralske prinsipper forårsaket rimelig indignasjon hos respektable borgerlige, så vel som forfattere og filosofer. Etter hvert som borgerskapets makt styrket seg og dets innflytelse økte, begynte det aktivt å angripe de «vittige». Dette kom først og fremst til uttrykk i hennes kamp med det engelske teateret.

Før restaureringen av monarkiet i England, under Cromwells regjeringstid, ble teatret forbudt ved et spesielt parlamentarisk dekret. Den puritanske regjeringen anså teatret som en grobunn for umoral, synd og last. Kommunestyrene reiste en rekke anklager mot teaterselskaper, noen ganger uten tilknytning til verken skuespillerne eller skuespillene. Omdømmet til teatrene var så lavt at byfolket sluttet å besøke dem. For å unngå sult ble skuespillere tvunget til å forlate byer til avsidesliggende provinser hvor de kunne tjene noe. Teatertropper og skoler gikk i oppløsning, lærere i oratorie- og scenekunst, musikk og dans forlot byen. Provinsmyndighetene var lojale mot amatørforestillinger som ble arrangert av slottseiere. Og i byene ble teatret gjenopplivet i musikalske og dramatiske forestillinger (maskerader).

Etter restaureringen av Stuart-monarkiet i England begynte en gunstig periode for gjenopplivingen av teatret. Publikum til byteatre besto utelukkende av aristokratiet og byadelen. Dramatisk kunst uttrykte den antipuritanske og antiborgerlige ånden, som slo gjennom etter mange år med forfølgelse og tvungen taushet. I utallige satiriske komedier ble rollen som en tåpelig enfoldig eller en hanet ektemann alltid tildelt den ulykkelige borgerlige.

Teateret i restaureringstiden ble restaurert over lang tid, og endringene som skjedde med det i denne perioden var betydelige. Et teatralsk monopol ble dannet i England. Det ble utstedt et kongelig patent på retten til å organisere en teatertrupp og opprette et teater. Og Lord Chamberlain hadde ansvaret for sensuren, som omfattet teatertroppens virksomhet. Antallet skuespillerselskaper og teatersteder i London ble kontrollert og regulert av den engelske regjeringen. Spesiell oppmerksomhet ble viet teaterrepertoaret.

Under restaureringsperioden i England ble det bygget en spesiell bygning for å demonstrere forestillinger og huse teatertropper og rekvisitter. Det var et rektangulært innendørsrom av betydelig størrelse, der tilskuerne var under mer komfortable forhold sammenlignet med perioden før restaureringen. Teateret hadde nå backstage og et proscenium som strakte seg inn i bodene og var omgitt av en dobbel rad med bokser. Til å begynne med, i slike teatre, satt spesielt edle tilskuere i stoler rett på scenen, i umiddelbar nærhet av skuespillerne. Dette skapte noen ulemper for utøverne.

For å iscenesette forestillinger ble det spesiallaget sett, samt ulike enheter som gjorde det mulig å simulere flyreiser og ulike transformasjoner. Skuespillerinner tok scenen i kvinnelige roller for å erstatte guttene i Shakespeares teater. Blant de mest talentfulle kvinnelige skuespillerne i restaureringsperioden er Nell Guinn ( ris. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Fig. 30), Elinor Lee og andre revolusjonerende skuespillerinner. Omfanget av selve teaterforestillingen har også blitt bredere. I tillegg til tradisjonelt drama, kunne pantomime eller farse introduseres i forestillingen. Musikalsk dans pauser var veldig populære. Senere ble balladeoperaer inkludert i teatrets repertoar. Klassiske tragedier nøt stor suksess i denne perioden.

Ulike endringer i politiske og offentlig liv, som England opplevde i denne epoken, ble i sin tur reflektert på repertoaret til London-teatrene. Borgerskapet kom selvsikkert til makten, og publikum fra tredje stand kom til teatret. Dette publikummet, som okkuperte de fleste av de billige plassene i salen, kunne bestemt og høylytt uttrykke sin mening angående forestillingen, godkjenne eller bue den.

I samfunnet begynte raseri å oppstå stadig oftere ved forestillinger som presenterte menneskelige laster og umoral i et attraktivt lys. Boken til den reaksjonære predikanten Jeremy Collier, "A Brief Sketch of the Immorality and Impiety of the English Stage," forårsaket en mengde reaksjoner og indignasjon i teatermiljøet. Til tross for at boken ble skarpt kritisert av teaterarbeidere, ga den konkrete positive resultater. Repertoaret er endret, som nå bl.a dramatiske verk med temaer som bekrefter borgerlige dyder: fromhet, nøysomhet og integritet.

Sivile samfunn for korrigering av moral overvåket strengt innholdet i verkene som London-teatrene iscenesatte. Spesielle agenter var til stede på forestillingene, observerte forestillingen og registrerte angrep mot moral. Sensurer stilte gründere og skuespillere for retten for disse bruddene. Ikke bare deler som skapte mistillit fra sensurens side, men også hele handlinger ble nådeløst skåret ut av tekstene til stykkene. Hovedskuespiller på den engelske scenen i restaureringsperioden Thomas Betterton ( ris. 31), som ble truet på livet for umoralsk spill, ble tvunget til å revidere sin tolkning av mange roller slik at de samsvarte nytt system verdier.

På begynnelsen av 1700-tallet ble det engelske teateret endret etter å ha revidert sine moralske og etiske verdier. Det meste nøye oppmerksomhet betalt ikke bare til menneskelige laster, men også til forsøk på å forstå deres opprinnelse og sosiale grunnlag. På teatret kunne man le av klutz-aristokratene og borgerlige oppkomlinger, hoffhyklere og nouveau riche-kjøpmenn. Da han så på andres liv på scenen, tenkte seeren på sitt eget, og så ble de nødvendige svarene funnet på mange av livets spørsmål.

Teateret var en slags skole der betrakteren lærte å gjenkjenne sann dyd og last. Ved å bruke eksemplene på dramatiske helter utviklet han sin livsposisjon og oppførsel. Teateret i denne epoken var en integrert del av den nasjonale kulturen i England. Å ta opp et sosialt tema, utsette menneskelige og statlige laster til minste detalj har blitt en tradisjon engelsk teater, som har overlevd til i dag. Det var i denne tradisjonen de store engelske dramatikerne og teaterarbeiderne så sin opprinnelse og genetiske røtter.

I England, i løpet av perioden etter restaureringen av Stuart-monarkiet, utviklet teater og dramatikernes arbeid seg i flere retninger, hvor den viktigste var klassisisme. Engelske dramatikere som bare formelt imiterte eldgamle verk, karakteriserte handlingen mer følelsesmessig, gjennomsyret skuespillene med dagligdagse finesser, og understreket nasjonale karaktertrekk og unødvendige detaljer om opprinnelsen til heltene til disse stykkene. Det var også refleksjoner rundt foranderligheten av deres mål, ønsker og stemninger.

Den mest fremtredende klassisisten i denne perioden kan kalles John Dryden (1631-1700) - poet, dramatiker og litteraturkritiker ( ris. 32). Han skrev 27 skuespill, inkludert tragedier, komedier og tragikomedier. Han regnes også som skaperen av den heroiske dramasjangeren. Han uttrykte sine kritiske syn på drama hovedsakelig i poetiske prologer og epiloger til egne og andres skuespill.

Drydens skuespill sydet av voldsomme lidenskaper, pustet med kjærlighet til frihet og høye ambisjoner. Han sammenlignet dramaturgi med gammel skulptur. Etter hans syn må dramaturgisk kreativitet, samtidig som den reflekterer naturen, overgå den for at den skal bli korrekt oppfattet av betrakteren fra et sceneperspektiv.

I perioden 1664-1675 skrev han de beste eksemplene på engelsk heltedrama: «Indianes dronning», «Indernes keiser, eller spanjolenes erobring av Mexico», «Tyrannisk kjærlighet» og «Erobringen». av Granada av spanjolene» med en preget poetisk form av teksten og uttalelsen av hans begreper om ære og plikt. Flere av dramatikerens tragedier berører temaet tilværelsens forfengelighet og illusjonen om jordisk lykke.

Et av hans beste skuespill, «Don Sebastian», avslører temaet om kjærlighetslykkens illusoriske natur og kjærlighetslykkens bedrag. Den unge portugisiske kongen Sebastian, som ble tatt til fange, ble forelsket i den barbariske dronningen Almeida. Kjærlighet fikk ham til å glemme alt. Sebastian fikk snart vite at den som ga ham kjærlighetens lykke og frigjorde ham fra fangenskap viste seg å være søsteren hans. Illusjonen av lykke forsvant, og de ulykkelige elskere trakk seg frivillig tilbake til et kloster.

I tillegg til Drydens skuespill, inkluderte repertoaret til hvert engelsk teater nødvendigvis verk av to andre kjente skuespillere og dramatikere - Nathaniel Lee (1653-1692) og Thomas Otway (1652-1685). N. Lees skuespill «Rival Queens, or the Death of Alexander the Great» gjorde et sterkt inntrykk på den russiske keiseren Peter I under oppholdet i London i 1698. Dramaene hans Mithridates og Theodosius var også populære.

Thomas Otway er kjent i historien til engelsk teater som forfatteren av "hjemlige tragedier" om middelklasselivet. De mest kjente av dem er «The Orphan, or an Unhappy Marriage» og «Venice Saved, or the Uncovered Conspiracy». Otways ferdigheter lå i å skildre den ødeleggende kraften til lidenskaper og blindhet av følelser for en person.

Skuespillene til den kreative duoen John Fletcher (1579-1625) og Francis Beaumont (1584-1616) var svært populære. Den første utgaven av en samling av skuespillene deres, som inneholder 34 verk, dateres tilbake til 1647. Skuespillene "Philastre", "The King and Not the King", "The Tragedy of a Girl" ble gjenutgitt flere ganger. Disse skuespillene skildret mesterlig kjærlighet og alle menneskelige lidenskaper som følger med den. Komediene til disse forfatterne var virkelig morsomme, og tragediene fikk deg til å føle deg trist og bekymret sammen med heltene.

Det engelske språket i verkene til Beaumont og Fletcher ble brakt til perfeksjon. Dette ble senere diskutert mange ganger av litteraturkritikere, som mente at alle ordene som kom inn i dagligtalen etter disse dramatikernes død var unødvendige. Deres skuespill har blitt fremført på scenene til engelske teatre i 40 år med konstant suksess. I hver nye teatersesong inkluderte repertoaret deres absolutt skuespillene "The Wayward Centurion", "How to Manage a Wife", "Hunting the Hunter", "The King and Not the King", "Philastre", som ble fremført i originalen, uten noen reduksjoner eller endringer.

På 1700-tallet i England utviklet det seg en tvetydig holdning til W. Shakespeare. Fremtredende lærere Joseph Addison ( ris. 33) og Richard Steele ( ris. 34), som kjempet for dannelsen av et nasjonalt engelsk teater og mot dominansen til utenlandsk, spesielt italiensk, opera, og uttalte seg til forsvar for dens kreative arv. Men noen kritikere, som Thomas Rymer, kalte tragediene hans «en farse uten smakslyst».

Derfor ble mange Shakespeare-skuespill gjenskapt av forfatterne for å passe moderne smak. T. Otway gjenskapte W. Shakespeares skuespill "Romeo og Julie", og endret tittelen til "The Life and Fall of Caius Maria", og D. Dryden - "Antony and Cleopatra" ("All for Love"). Og selv om Shakespeares navn fortsatte å stå på plakatene, var endringen av teksten i stykket så betydelig at forestillingen ikke hadde noe til felles med originalen. Mange av den berømte dramatikerens skuespill ble fremført på London-scenene i samme sesong, både i original og i gjenskapt form, og publikum likte å se begge versjonene av stykket «Romeo og Julie»: med den tragiske slutten av W. Shakespeare og den lykkelige av James Howard.

Den sosiale, akutt satiriske manerkomedien fant også sted i det engelske teaterets repertoar. En tidlig representant for denne typen kreativitet kan kalles George Etheridge (1634-1691), som ble ansett som en spotter av århundrets moral og skapte flere skuespill som gikk ned i teaterkunstens historie i England: "Comic Revenge, eller Love in a Barrel", "She Would If" Could" og "Slave of Fashion". Senere ble denne typen komedie i teatervitenskap kalt "komedie fra restaureringstiden."

Komedier var veldig populære i den perioden. Skuespillerne elsket spesielt å spille i skuespillene til William Wycherley (1640-1716) ( ris. 35), som ble preget av humor og lys scenetilstedeværelse. I noen teatersesonger satte flere teatre opp stykket hans «Landskonen» på en gang, og da blusset det opp en skikkelig konkurransekamp for publikum mellom teatereiere. Om komediene til William Congreve ( ris. 36), som nøt konstant suksess med publikum, finslipte mange generasjoner engelske skuespillere sine sceneferdigheter. I stykkene «The Old Bachelor», «Double Game» og «Love for Love» får samfunnsanalyse basert på treffende hverdagsegenskaper førsteplassen.

Congreves siste komedie, «Det er det du gjør i verden», avslører et portrett av en mann fra moderne tid – Mirabella. Heltens fordel ligger i hans lyd, logiske resonnement og åndelige vennlighet. Språket i stykket er svært elegant, fritt for tomt ordspill og pompøse fraser.

På 1700-tallet utvidet repertoaret til dramateatre seg betydelig. Forestillingene besto av flere akter og ble etter forestillingen supplert med farse, pantomime, musikalsk divertissement eller fremføringer av klovner og akrobater. Avslutningen av forestillingen kan også dekoreres med en parodi på et populært skuespill eller opera. I mange år ble de samme kjente farsene spilt, uavhengig av programmet for hele kvelden. Musikalske divertissementer, eller mellomspill, var de mest populære i teaterrepertoaret. Dette kunne være instrumentalkonserter eller vokalforestillinger, som var litterære plott med humoristisk innhold, satt til musikk og bærer de humoristiske navnene "Love and a Beer Mug", "The Shamed Dandy”, “Professor” vitsvitenskap”, etc.

I tillegg til balladeopera, farser og mellomspill, dukket det på 1700-tallet opp et fenomen i teaterforestillinger som "levende bilder" og "seremonielle prosesjoner". I oktober 1727, i stykket "Richard III" på Drury Lane Theatre i London , så publikum noe slikt for første gang. prosesjon," som skildret den høytidelige kroningsseremonien til Anne Boleyn, den andre kona til kong Henry VIII. Dette showet, utmerket iscenesatt, med luksuriøse kostymer for skuespillerne, ble snart en uavhengig konsert Den fikk enorm popularitet blant publikum og ble satt opp uavhengig av temaet for forestillingene som fant sted den dagen.

Den sentrale kjernen i en flertimers teaterforestilling var alltid et teaterstykke, som hovedsakelig ble valgt av teatertroppen og øvd lenge. På grunn av økt konkurranse forsøkte teatereiere å ta hensyn til kravene fra massepublikummet. Fram til 1868 ble repertoaret fordelt mellom teatrene av Lord Chamberlain, som hadde ansvaret for kongehuset og ga tillatelse til å sette opp stykket. Dette systemet tillot teatre å utvikle en individuell stil. Duke's Theatre i London var kjent for sitt blandede repertoar, mens på Royal Theatre ble foretrukket til W. Shakespeare og B. Johnson ( ris. 3 7). Forfatterne av de nye stykkene var både profesjonelle dramatikere og amatører, som skrev skuespill ikke bare for penger, men også på grunn av kjærligheten til teatret. En gentleman-dramatiker som ikke tjenestegjorde i teatret, med andre ord, en "ekstern forfatter", etter avtale med teatret, gjenskapte kjente skuespill eller komponerte prologer og epiloger til forestillinger. Hvert teater hadde sine egne dramatikere og "eksterne forfattere." Mange kjente skuespillere komponerte også nye forestillinger, der troppen gjerne deltok.

Monarker bestilte ofte skuespill og foreslo sine egne plott, som noen ganger ble født improviserte, og noen ganger etter råd fra hoffadelsmenn. Sammen med talentfulle og seriøse skuespill ble et stort antall manuskripter av drama av lav kvalitet brakt til teatrene, som gjennomgikk et strengt utvalg, noe som forårsaket misnøye til mange forfattere.

Stykket, som ble godkjent av teatergruppen, måtte få tillatelse fra den kongelige sensur for produksjon i teatret. Ved det kongelige hoff ble oppgavene til hovedsensuren tildelt Lord Chamberlain og Chief Master of Ceremonies, som ledet institusjonen for statlig sensur. Skuespill kan bli forbudt hvis de skildrer monarkers voldelige dødsfall eller upassende brukte sitater fra Bibelen. En scene som handlet om bestikkelsen som blomstret i det kongelige hoff, hvis det ble tillatt ved sensur, kunne vekke kongens vrede og føre til fengsling av sensuren som gikk glipp av oppvigleriet. Det har vært slike tilfeller i historien til engelsk drama.

Da på slutten av 1600-tallet ble aktivitetene til en rekke samfunn for korrigering av moral intensivert, ble også den teatralske sensuren strengere, som under intensiveringen av den politiske kampen mellom whigs og torier i landet tok ekstreme former. . I 1737 utstedte regjeringen sensurloven. Det ble teaterlisensloven, som bare teatre som hadde kongelig lisens kunne eksistere under. Alle skuespill, uten unntak, måtte sensureres av Lord Chamberlain. I skuespill ble forfattere forbudt å berøre politiske spørsmål og kritisere myndighetspersoner.

Som et resultat av denne loven dukket det opp et statlig monopol på teatre, det vil si at alle teatre i London ble stengt, bortsett fra de sentrale - Covent Garden og Drury Lane. Repertoaret av aktuell og kritisk karakter forsvant fra scenen; det var ingen improvisasjonsspill som tok for seg problemer med ytre eller innenrikspolitikk. Men til tross for alle sensurtiltakene, formidlet dramatikere og skuespillere, ved å bruke spesifikke teaterteknikker og allegorier, til publikum det de ikke kunne uttrykke åpent.

To kunstneriske konsulenter for kong George II, kjente dramatikere og gründere William Davenant (1606-1683) og Thomas Killigrew (1612-1683), etter å ha mottatt et kongelig patent i 1660 for monopolretten til å åpne teatre, delte London-skuespillerne mellom seg. Killigrews tropp ble kjent som kongens tropp, og Davenants tropp ble hertugen av Yorks tropp. Disse troppene hadde ikke egne bygninger og okkuperte ulike lokaler tilrettelagt for forestillinger.

Helt på begynnelsen av 1600-tallet ble Red Bull Theatre bygget i den sørøstlige utkanten av London på St. John Street. Det var en åpen type teater uten tak, noe som gjorde arbeidet til troppen avhengig av værforhold. Dette lokalet ble leid av forskjellige tropper, noen av dem hadde ikke lisenser, og teatret ble med jevne mellomrom stengt for brudd på loven. Uorden og bråk hersket i det teatralske miljøet til Red Bull, og ikke en gang hundre tilskuere samlet seg i auditoriet. Skuespillerne i dårlige kostymer spilte middelmådig, og noen ganger helt inkompetent. På 70-tallet opphørte Red Bull å eksistere, og bygget ble overtatt av fekteklubben.

Byggingen av Cockpit Theatre dateres også tilbake til tidlig på 1600-tallet. Det var en ganske romslig murbygning som ligger i det sentrale området av Drury Lane. Teateret fikk sitt andre navn - "Phoenix" - etter brannen i 1617 og rask restaurering. Teateret eksisterte i rundt 60 år og ble revet på grunn av at det ikke lenger oppfylte moderne krav.

I de første årene av restaureringen, nemlig i 1629, ble det tredje teateret i London bygget - Salisbury Court. I 1652 ble eieren den fremtredende teaterfiguren i England, William Beeston, som, til tross for et strengt forbud, var i stand til å sette opp flere forestillinger under Oliver Cromwells harde regime og ble ansett som en av de beste teaterlærerne. Han startet gjenoppbyggingen av teaterbygningen, som ble brakt i begredelig tilstand under revolusjonen. I henhold til hans design ble taket hevet 30 fot, og en dansetime ble installert i rommet over scenen. Boksene og bodene, som var omgitt av gallerier, ble betydelig utvidet. Teaterbygningen overlevde ikke London-brannen i 1666.

7. mai 1663 åpnet det berømte engelske Drury Lane Theatre, som fortsatt er det ledende teateret i London i dag. Den første forestillingen som fant sted på scenen var stykket "The Wayward Centurion" av F. Beaumont og D. Fletcher. Teateret ble bygget mellom Drury Lane og Bridges Street.

Bygningen hadde en rund form. Teateret hadde romslige boder og luksuriøst dekorerte bokser. Prosceniumbuen var dekorert med utsøkt dekor. Til tross for den for store avstanden fra scenen til boksene, trange passasjer i bodene og den uheldige plasseringen av orkesteret, hadde dette teatret betydelige fordeler i forhold til forgjengerne. I bodene var benkene arrangert i konsentriske halvsirkler, og dannet et amfiteater. Bodene var omgitt av to lag med bokser, adskilt av skillevegger og inneholdt flere rader med komfortable stoler. På dette tidspunktet fikk kvinner være i boksene med menn.

De fleste av publikum ble sittende i bodene, som ble opplyst i løpet av dagen gjennom en enorm glasskuppel som kronet toppen av bygningen. Under et av de kraftige regnskyllene falt det vannstrømmer på hodene til tilskuerne, noe som forårsaket voldsom indignasjon blant publikum. I kveldstid Bodene ble tent med stearinlys. Benkene til bodene var dekket med grønt tøy.

I midten av det nedre nivået av bodene var det en kongelig boks, som var dekorert med en forgylt figur av Apollo og statsvåpenet til England. Når medlemmer av kongefamilien ikke var til stede på forestillingen, ble billetter til kongeboksen solgt til alle.

Den 25. november 1672 brøt det ut en brann i teatret som ødela både teaterlokalene og de tilstøtende bygningene fullstendig. Det Kongelige Teater, som i flere år ble tvunget til å skaffe midler til nye lokaler, fikk først i 1674 en bygning tegnet av den berømte arkitekten Christopher Wren. Rommet skilte seg ikke ut i noe spesielt og var enkelt og kunstløst. Bodene hadde form som et amfiteater, der tilskuere satt på benker trukket med tøy og uten rygg. Folk satt alle sammen: edle damer og herrer, samt damer av lett dyd som flørtet og snakket under forestillingen; noen spilte kort, uten å ta hensyn til skuespillerne. Rett foran scenen, under baldakinen til nedre galleri, var de dyreste plassene plassert, og de fattigste tilskuerne var samlet inn i øvre galleri.

For troppen til hertugen av York i 1671, i henhold til designen til den samme Christopher Wren, ble det bygget et teater i Dorset Garden-distriktet i London, som huset et drama- og operahus. Det ble preget av sin arkitektur og luksus av dekorasjon. Fasaden til teatret hadde utsikt over Themsen og var dekorert med våpenskjoldet til hertugen av York. Toppetasjen var beregnet på leilighetene til kjente engelske skuespillere.

Teateret hadde plass til rundt 1200 tilskuere og overrasket over skjønnheten i interiøret. Prosceniumbuen ble skåret i barokkstil av den anerkjente treskjæreren Grinling Gibbons og overdådig forgylt. Interiøret i auditoriet var mye vakrere enn det beste teaterinteriøret i Frankrike og hadde en mer praktisk layout. I bodene, som hadde form som et amfi, var det nesten ingen støy å høre. Parterren var omgitt av syv bokser som kunne romme 20 personer, etterfulgt av 7 bokser av første lag, og enda høyere - stativene.

Helt på begynnelsen av 1700-tallet, i 1705, i London, var dramatikeren John Vanbrugh ( ris. 38) ble det første operahuset bygget, som ble kjent som dronningens operahus til ære for dronning Anne. Den enorme scenen for disse forestillingene og den spesifikke akustikken var ikke egnet for dramatiske forestillinger, så sangere og musikere slo seg ned i teatret. Dette teatret eksisterte i nesten 85 år. For ikke å unngå skjebnen til mange London-teatre, ble den ødelagt av en brann som brøt ut i varehusene den 17. juni 1789.

Under restaureringen og videre utvikling Kultur i England på begynnelsen av 1700-tallet endret teatrene seg betydelig. Arkitekturen deres har blitt mer kompleks i samsvar med økte krav. Interiøret i teatrene og interiørdekorasjonen reflekterte rikdommen til eierne deres. Utformingen av scenen kombinerte en Shakespearesk plattformscene og en boksscene med en portal som skilte den fra publikum. Den fremre delen av scenen, som strakte seg inn i auditoriet, ble oval. Backstage og kulisser dukket opp, malt av kunstnere.

Hoveddelen av forestillingen fant sted på prosceniet. Mot slutten måtte skuespillerne frem til den ovale delen av scenen, som var nærmere betrakteren og mye bedre opplyst. Innsiden av scenen, hvor kulissene var plassert, var i skumring, noe som skapte en følelse av mystikk gjennom hele forestillingen. Stearinlys, som krevde et veldig stort antall for tilstrekkelig belysning, var dyre og var en luksus som teatereiere tillot seg kun av hensyn til medlemmer av kongefamilien. Det svake flimrende lyset og de svaiende skyggene på veggene fremkalte en følelse av noe overnaturlig i teaterforestillingen. Selve sceneplanet hadde en svak helling mot prosceniumet, som var dekorert med en seremoniell utskåret bue, hvor basrelieffer og skulpturer ble installert, og dyktige håndverkere skåret ut intrikate ornamenter, og alt dette var dekket med forgylling. Under restaureringen ble engelske skuespillere ansett som offisielt i den kongelige tjenesten. Skuespillerne til det kongelige teatret hadde på seg uniformen til kongelige tjenere laget av rødt tøy, trimmet med rød fløyel, men faktisk i samfunnet ble de ansett som representanter for den laveste klassen. De fikk en liten lønn, som de måtte jobbe hardt for.

Skuespillere måtte ha fysisk utholdenhet til å tåle lange timer med øvinger og forestillinger. Rommene, der det var flere personer mellom forestillingene, var ikke oppvarmet. Et eget rom med peis ble gitt kun i unntakstilfeller. Ofte, umiddelbart etter en vellykket premiere, måtte skuespillertroppen gjenta forestillingen sent på kvelden i hoffteateret til det kongelige palasset. Bare med et utmerket minne kunne en skuespiller på kort tid huske tekstene til flere roller i en forestilling eller forskjellige roller i flere forestillinger.

Det var ikke mulig å tjene mye penger i teatersesongen, som ble avbrutt om sommeren da kongefamilien forlot London. Arbeidet ble avbrutt på grunn av epidemier, branner, flom, religiøse høytider eller sorg i kongefamilien. På grunn av sensur eller rett og slett en bemerkning fra kongen eller kammerherren, ble også teatret stengt på ubestemt tid.

De fleste av skuespillerne leide bolig i nærheten av teatret for ikke å bruke penger på reiser. Rike skuespillere hadde råd til å bo i prestisjetunge områder i London. Hvis eierne av teatret var interessert i en viss skuespiller (og oftest var de skuespillerinner), var leilighetene for dem plassert i selve teaterbygningen eller i bygninger ved siden av den.

Engelske lover sto alltid på rikes side i deres kamper eller dueller med skuespillere, selv om sakene som ble behandlet i domstolene oppsto ved deres skyld. Det koster ingenting å fornærme eller ydmyke skuespilleren. Dette ble ansett som normalt blant adelsklassen.

Under restaureringen dukket skuespillerinner opp på scenen til det engelske teateret, og erstattet feminine unge menn kledd i kvinnekjole. For å spille kvinneroller måtte unge menn studere i flere år. De første kvinnelige skuespillerinnene måtte ha tilstrekkelig viljestyrke og borgermot til å gå på scenen i et så puritansk land som England og nåtid kvinnelig bilde i all sin sjarm.

De første skuespillerinnene kom til teatret fra private pensjonater. Alle av dem var av ydmyk opprinnelse og studerte leseferdighet, diksjon, musikk og dans på internatskoler. Jenter fra den borgerlige klassen kom til teateret med anbefalinger fra danselærere og private korledere. Mange fantastiske skuespillerinner kom fra skuespillermiljøet. I en tid da kvinnelig utdanning var på et veldig lavt nivå, begynte yrket som skuespiller å virke lovende og fristende for mange jenter.

Teateret åpnet veien for dem til en verden fri fra hjemlig tyranni og som ga betydelige muligheter for personlig utvikling. Men samtidig falt unge talenter, som ikke var i stand til å skaffe seg selv et minimum av levende ressurser, under påvirkning av velstående herrer og ble deres bevarte kvinner. En skuespillerinne i lønnen til en rik herre - dette fenomenet var veldig vanlig og helt lovlig. Unge skuespillerinner ønsket selv å bli bevarte kvinner, og ofte forlot jenter som hadde vært opplært i skuespill ved teatret i flere år teatret for 1–2 år med slikt vedlikehold, hvoretter de i de fleste tilfeller fant ly på bordeller i London. Bare de som var helhjertet viet til skuespilleryrket sitt sto igjen på scenen. Stort sett var dette skuespillernes koner.

Engelske skuespillere måtte ofte reise til andre land for å tjene til livets opphold. Til tider var disse turene svært livstruende. Skuespillerne måtte ofte gå sultne og oppleve alle slags strabaser. De opptrådte som regel på torg og markeder under frisk luft. Til tross for forskjellene i språk, ble engelske skuespillere mottatt veldig godt i forskjellige europeiske land; deres klassiske spillemåte og skuespillerferdigheter vakte beundring blant deres samtidige. Under renessansen demonstrerte engelske skuespillere sine ferdigheter i Tyskland, Holland, Danmark og Frankrike.

I tillegg til dramatiske skuespillere dro engelske akrobater, mimere og dansere på turné i Frankrike. Woolton-brødrene åpnet, med tillatelse fra den franske regjeringen, et sirkus i Dijon. Den kjente skuespilleren Thomas Betterton besøkte Frankrike på vegne av den engelske regjeringen. Han måtte sette seg inn i teatres repertoar og struktur.

Franske skuespillere kom også på turné til England, men sofistikert London-publikum behandlet forestillingene deres med en viss forakt. Den teatralske rekvisitten og følget til gjesteartistene var upretensiøse, og forestillingene ble kjedelige og uinteressante. Dette skyldtes at det hovedsakelig var lavinntektsaktører som turnerte.

Dukketeaterkunstnere var de første som kom fra Italia til England. Deres opptreden imponerte kongen sterkt, og han tildelte den ledende skuespilleren i dukketroppen en medalje og en gullkjede. Italienske skuespillere som kom på turné nøt den spesielle gunst fra kongen. For forestillinger fikk de Whitehall i det kongelige palasset. På 1700-tallet slo italiensk opera rot i London, og ble hovedsakelig besøkt av London-adelen. Hennes repertoar, designet for raffinert smak Engelsk aristokrati, erobret de sosiale kretsene i London.

Operaene ble først fremført på engelsk, men dette gjorde dem vanskelige å fremføre, noe som førte til uoverensstemmelser mellom det musikalske temaet og den engelske oversettelsen av den italienske teksten. Senere sang engelske og italienske utøvere arier på sine egne språk, og enda senere ble alle arier fremført på italiensk. Publikum skjønte lite av innholdet og oppfattet det som skjedde på scenen kun som mekanisk moro, som verken forårsaket sympati eller refleksjon. Mange fremtredende lærere i England betraktet italiensk opera som en invasjon av nasjonal kultur forårsaker betydelig skade på henne.

Nye skuespill i håndskrevet form ble brakt direkte til teatret for gjennomgang og godkjenning. Vanligvis ble de første lesningene utført av forfatteren. Oppfatningen av det nye stykket av skuespillerne var i stor grad avhengig av hans dramatiske evner. Forfatteren måtte lese noen skuespill flere ganger for å formidle til skuespillerne hans idé og patos av verket. Etter forfatterens lesninger trengte mange skuespill redigering og revisjon av kjente skuespillere, som vilkårlig omskrev rollene, tilpasset dem til manerene eller karakterene til kameratene. Noen ganger forbedret slike redigeringer skuespillene betydelig, og noen ganger ble skuespillene nesten fullstendig omskrevet for å fylle dem med «levende innhold».

Rollene ble tildelt med direkte deltagelse av teatereieren, som selv vanligvis var en av de ledende skuespillerne. En skuespillerinne som var populær i denne perioden ble tildelt hovedrollen, uavhengig av om hun kunne takle rollen eller ikke. Noen ganger ødela prestasjonen til en populær skuespillerinne i en rolle som er ukarakteristisk for rollen hennes fullstendig inntrykket av forestillingen. Men det hendte at kongen selv deltok i rollefordelingen.

Anerkjente talentfulle dramatikere hadde rett til å velge skuespillere til å delta i deres forestillinger. Og de skrev skuespillene under hensyntagen til hvem som skulle spille denne rollen. Men hovedrollen til skuespilleren var fortsatt avgjørende i denne saken. Publikum utviklet en viss stereotypi av karakteren, og publikum kunne starte et opprør i teatret hvis det ikke var hovedskuespilleren som var med i stykket, men hans understudium. Da måtte forestillingen stoppes fordi alle slags gjenstander fløy inn på scenen, inkludert brennende lys.

Det tok minst en måned å forberede premieren. Regi som sådan eksisterte ennå ikke på det tidspunktet, og under prøvene kunne teksten bli gjenstand for ulike uautoriserte endringer. Etter å ha sett slike forestillinger, klaget dramatikere over at de hadde blitt frastjålet minst tusen linjer. Ofte tok dramatikeren på seg rollen som regissør for stykket. Han tok seg av produksjon og organisering av arbeidet med rollene. Han utviklet også mise-en-scène og bevegelsene til karakterene i scenerommet, ned til gester og plastisitet.

Øvingene begynte om morgenen og ble avsluttet før forestillingen. De foregikk på forskjellige måter, ofte støyende og forvirret, men noen ganger viste de seg å være ganske profesjonelle. Kveldstid etter forestillinger ble avsatt til memorering av nye tekster og læring av danser. Mye mindre tid og krefter til skuespillerne ble brukt på å gjenopprette et tidligere spilt stykke til teatrets repertoar. Dette tok ikke mer enn to uker.

Noen ganger førte for forhastede forberedelser til forestillinger til at skuespillerne ikke kjente teksten godt. Så bar de en slik kneble på scenen at kameratene deres ikke kunne motstå å le høyt og, da de gikk ut av karakter, forstyrret forestillingen. Ofte i teatertroppene var det mangel på streng disiplin og noen skuespilleres motvilje mot å jobbe med diksjonen sin. Som et resultat forårsaket deres opptreden irritasjon og misnøye blant publikum, fordi i publikum var det umulig å skille ut et eneste ord som en slik skuespiller uttalte.

Noen skuespillere tillot seg å være sofistikerte i å dekorere forfatterens tekster med floride uttrykk for sin egen komposisjon. Hele passasjer av slike amatørforfattere forårsaket uopprettelig skade på forestillinger og ødela dramatikerens rykte. En av disse nidkjære skuespillerne, John Lacy, ble arrestert etter ordre fra kongen. Dette ble gjort fordi han spontant holdt taler med stor patos og utvidet registeret over urbane laster i stykket "Change of Crowns", som ble deltatt av Charles II. Noen komiske skuespillere tillot seg å snakke med publikum i flere minutter. Det var nytteløst å forby dem fra å gjøre dette, og forfatterne, tatt i betraktning egenskapene til slike skuespillere, skrev i forfatterens notater: "Fortsett i samme ånd" eller "etter utøverens skjønn."

I mange tiår forble forberedelsen av en forestilling det svake punktet i engelsk drama. Betalt generalprøve av skuespill med invitasjon fra tilskuere begynte å bli praktisert på 1700-tallet. Først ble de introdusert hjemme operahus, og senere - dramatiske.

Skjebnen til forestillingen var avhengig av mange omstendigheter, men suksessen ble helt bestemt på premieredagen. Teatret fikk sine rikeste honorarer i perioden november til februar. Premieredagen ble valgt spesifikt. Vi så for å se om det var noen andre massebegivenheter i London den dagen som kunne dømt teatret til et fullstendig fravær av tilskuere i salen. Lørdag ble regnet som den beste dagen for premieren.

Suffløren fikk en ganske viktig plass i forberedelsen av forestillingen. Han skrev leselig om hver rolle separat for skuespillerne og, mot betaling, bandt han arkene i form av en bok med omslag. På sidene i disse bøkene gjorde sufflørene notater og kommentarer for skuespillerne, og gjorde sine egne justeringer av forestillingens gang. I tillegg til papir, penner og blekk, inneholdt sufflørens inventar alltid en bjelle og en fløyte. Lyden av fløyten satte kulissene i bevegelse og beveget seg, og klokken varslet orkesteret om den musikalske introduksjonen.

Musikk var et viktig strukturelt element i forestillingen. Hun skapte en spesiell følelsesmessig atmosfære, og forente utøverne med publikum. Endre musikalsk tema fungerer under forestillingen, var det mulig å gi den forskjellige semantiske nyanser. Mange dramatikere jobbet spesifikt med komponister for å lage musikalske numre for skuespillene deres, for å forstå hvor viktig musikkens rolle og lyden til den enkelte spiller. musikkinstrumenter.

Dramatikerne elsket spesielt fiolin, fløyte og obo. Londonaristokratiet foretrakk gitaren, som ble spilt i skuespill av sekulære festspillere og damemenn. Antall fioliner i teaterorkestre nådde noen ganger 24. Et cembalo var alltid til stede.

Plasseringen av orkesteret i teatret endret seg flere ganger. Først var den plassert over scenen, i dypet av scenerommet. Publikum kunne ikke se musikerne. Stedet der musikerne var ble kalt «musikkloftet». Senere rykket han ned og plasserte seg mellom scenen og bodene, og enda senere sank han til det lavere nivået, under scenen. Orkesterets posisjon i teatret endret seg flere ganger, og beveget seg fra lavere nivå til toppen og tilbake igjen.

Men ikke en eneste forestilling fant sted uten musikalsk akkompagnement. Der fremføringen ga den minste mulighet til et musikalnummer, ble det absolutt utnyttet. Musikalske innlegg, vokalarier og dansescener dukket opp i skuespillene til Shakespeare og andre tidligere forfattere. Bruken av musikk livet opp produksjonen. For å dekorere forestillingen skrev dramatikere spesielt rollene som sigøynere, vandrende sangere eller muntre gjester som sang og danset, noe som førte til gledelig gjenoppliving av publikum.

Før forestillingene begynte, ble det alltid spilt hyggelig musikk for å avlaste publikum for kjedsomheten ved å vente. Mange tilskuere kom spesielt på forhånd for å nyte den utmerkede fremføringen av musikalske verk.

En musikalsk ouverture (nødvendigvis "i fransk stil") gikk foran prologen til forestillingen. "Curtain Melody" avsluttet hver akt. Denne melodien begynte under karakterenes siste linjer. Neste akt begynte med en musikalsk introduksjon. Avslutningen på forestillingen ble ofte preget av en generell dans av skuespillerne, som danset chaconne-dansen, populær i England. Musikk fulgte buene til skuespillerne og de avgående tilskuerne til det ikke var noen igjen i auditoriet.

Antall musikalske numre i stykket varierte avhengig av stykkets sjanger. En tragedie inkluderte ikke mer enn to sanger, en komedie kunne ha mer enn fem. Musikk måtte spilles i scener med fester, bryllup og begravelser. Det var mer enn tjue musikalske numre i Thomas Durfeys komedie. I løpet av denne epoken oppsto en ny type dramatisk forestilling, som i vår tid kalles "operette".

Elskere led under serenader, tjenere komponerte satiriske kupletter om sine mestere, episke helter sang ballader, og gatekjerringer sang parodier på de rike. Alt dette utvidet sjangerens grenser, beriket forestillingen med nye detaljer, og ga ekstra farge til skuespillernes forestillinger. Musikken, funksjonelt sammenvevd med karakterenes dialoger, spilte rollen som forestillingens psykologiske klimaks. En slik forestilling kunne ikke unngå å berøre de dypeste følelsene til en person, mens han vekket tankene hans.

Samme integrert del dramatisk forestilling, som musikk, var danseminiatyrer. Og det spiller ingen rolle om det var en tragedie eller en komedie, en vanlig farse eller et parodiskuespill. Disse danseminiatyrene ble senere utviklet til ballett, som ble en selvstendig form for dramatisk kunst.

Dramatikere og teatereiere la stor vekt på danserepertoaret ikke bare av forestillinger, men også av pauser. Under pauser, og tiltrakk publikum med brennende melodier, opprettholdt administrasjonen en fredelig atmosfære i teatret, og distraherte derved de ivrigste tilskuerne fra de uunngåelige slagsmålene.

I London-plakater, sammen med navnet på stykket, ble også navnene på dansene som skulle tilbys publikum angitt. Nasjonale danser var populære, blant dem skotske, spanske, irske jig og komiske danser fikk spesiell oppmerksomhet. Koreografi var en integrert del av den dramatiske skuespillerens ferdigheter. Og seeren foretrakk i økende grad å se et morsomt musikalsk show med sanger og danser, uten å ta hensyn til handlingen i stykket. Hovedformålet med teatret - å utdanne følelser og utvikle tenkning - ga plass til moro og underholdning.

I middelalderen, noen dager før starten på en forestilling, løp bannermenn, eller heralder, rundt i byen med identifikasjonsflagg og ropte navnet på mirakelstykket som skulle fremføres av en omreisende teatertrupp. I lang tid ble den muntlige formen for inviterende kunngjøringer bevart, hvis tekster ble rimet og uttalt akkompagnert av musikkinstrumenter. I London var høye støyeffekter som fulgte med teatralske kunngjøringer forbudt, men i byer på landet trakk trompet- og trommeheraldikere alltid mange flere tilskuere til teatrene sine enn kirkeklokke sognebarn til kirken. Mer enn tusen tilskuere kunne samles til en forestilling av omreisende skuespillere på få minutter.

De eldgamle tradisjonene med å annonsere en kommende teaterforestilling fortsatte til slutten av 1700-tallet. Trommeslageren og roperen var en integrert del av smaken av det landlige England på den tiden. Mens trommeslageren vakte oppmerksomheten til byens innbyggere med sin intrikate trommespilling, ropte herolden ut all informasjon om den kommende forestillingen og delte ut programmer som indikerte navnet på stykket og starttidspunktet for forestillingen.

I London ble det heist et flagg over teaterbygningen den dagen det skulle være forestilling. Tidspunktet for dets begynnelse ble kunngjort av en trompet, og en trompetist fra loftsvinduet på teatret blåste i tre trompeter med visse intervaller.

Den første teaterplakaten dukket opp i Frankrike i andre halvdel av 1500-tallet. I England dukket plakater opp mye senere, først i 1564. Håndskrevne plakater ble vanligvis hengt på stolper i nærheten av teatret, ved portene til høyskoler og utdanningsinstitusjoner, i tettbefolkede områder. Navnet på teateret og forestillingen sto med store bokstaver på plakaten. På toppen av det var statsvåpenet med den latinske inskripsjonen "Lenge leve kongen!" På 1700-tallet begynte plakaten å indikere rollebesetningen av skuespillere som var involvert i stykket og starttidspunktet for forestillingen. Dramatikerens navn dukket først opp på et skuespill i 1699. Dette var navnet på forfatteren av komedien Double Game, William Congreve. I 1700 forbød Great Court of London teatre å legge ut plakatene sine i byen og omegn.

Aviser begynte å publisere kunngjøringer om kommende forestillinger, deres forfattere og rollebesetning. Der kunne man sammen med reklameinformasjon finne adressen til bokhandelen hvor teksten til stykket ble solgt. The Daily Courant kjørte regelmessig slike annonser i 1702, fulgt av Daily Post og Daily Journal på 1920-tallet. På dette tidspunktet inneholdt teatralske kunngjøringer, i tillegg til informasjon om selve forestillingen, slike detaljer som på hvems anmodning (en av de kongelige personer eller en adelig dame) forestillingen ble gitt, priser for seter i boder, bokser og gallerier, etc. I noen tilfeller ba eiernes teatre forlagene om å inkludere noen få linjer som karakteriserer skuespillernes forestillinger eller knyttet til innholdet i stykket.

I 1702 forbud mot oppslag teaterplakater i London ble kansellert. Svarte og røde plakater begynte å dukke opp på gatene i byen igjen. Røde var dyrere og ble trykket som regel på premiere- eller fordelsforestillingen.

På gata kunne en liten plakat kjøpes fra en appelsinselger, og for en liten bestikkelse ville hun rapportere siste teaternyheter eller ta et brev til en av skuespillerinnene. Teatereiere leide spesifikt inn disse handelsmennene for å selge frukt og søtsaker under pauser og belastet dem et visst gebyr for dette. Slike handelsmenn var de mest verdifulle informasjonskildene om teatrets liv bak kulissene, og de flinkeste og mest ressurssterke av dem var i stand til å skaffe seg en betydelig formue gjennom handel og avtaler med avisfolk.

Teaterprogrammer i London-teatre dukket opp på 60-tallet av 1700-tallet etter vanlige omvisninger med franske skuespillere. Deres fargerikt utformede program på 18 sider presenterte en detaljert beskrivelse av maskineriet som stykkets helt, Orpheus, kommer ned til helvete med. Teksten på omslaget indikerte hvor handlingen var hentet fra, samt hvem og hvor nøyaktig som skulle presentere denne forestillingen. I engelske programmer kunne man for å spare tid gis tekster av lange bokstaver, som publikum kunne lese på forhånd, og handlingen i stykket plaget dermed ikke publikum med tvunget kjedelige scener. Noen ganger ble prologen og epilogen til et skuespill trykket på separate ark og solgt før forestillingens start. På slutten av hver forestilling ble det gitt en kunngjøring om neste forestilling. Publikums reaksjon (godkjennelse eller indignasjon) på teateradministrasjonens forslag avgjorde skjebnen til den kommende forestillingen.

Teateraviskrøniker beskrev alt som skjedde på teatrenes scener og bak kulissene, ned til minste detalj. Fokuset var også på begivenhetene som utspilte seg i auditoriet, inkludert slagsmål mellom berusede festspillere. Den inneholdt også dekretene fra Lord Chamberlain og kommentarer fra den kongelige sensuren, og dekket også besøk til teatre av høytstående utenlandske dignitærer som var hyppige gjester ved teatre i London.

Teaterauditoriet, fylt med mennesker, representerte et speilbilde av det engelske samfunnet. Det var et sted for forretningsmøter og kjærlighetsforhold. Unge mennesker kunne skryte av sine fortjenester og talenter, og foreldre kunne vise frem døtrene sine som giftelige jenter. De tilreisende landlige rike, etter å ha sett nok av hovedstadens fashionistas, brakte nye inntrykk og moteriktige antrekk til hjemmene sine.

Folk fra forskjellige klasser, lidenskapelig og oppriktig lidenskapelig opptatt av dramatisk kunst, samlet seg i teatret, noen ganger i de mest uventede og fargerike kombinasjoner. De beste plassene i bodene var alltid okkupert av edle mennesker og kritikere. Publikum i bodene var blandet, og derfor ble bodene ofte stedet for støyende krangel og slåsskamper, som ofte ble til dueller.

Det midterste galleriet var forbeholdt kvinner av lett dyd, som dukket opp i teatret og dekket ansiktene sine med masker. Det øvre galleriet huset tjenere som fulgte herrene og frie tilskuere.

Det var vanskelig å forutsi reaksjonen til et så mangfoldig publikum på forestillingen, og desto vanskeligere var oppgaven til skuespillerne å underkue publikums oppmerksomhet. Men dette er trolig den magiske effekten av teaterkunst, når skuespillernes dyktighet og følelser fengsler og bærer med seg inn i forestillingens rom denne parterren, noen ganger uhemmet i sine lidenskaper og et galleri langt fra raffinerte følelser.